Alley Times #1 Español by Alley Times Magazine

Dedicado a Chueco y Crota Q.E.P.D. Por ustedes.

Directora Valentina Simon Editora / Traductora Casilda Braga Marketing & Relaciones Públicas Carolina García (MIA) Natalia Romay & Matias Romano (MDEO) Lola Piñeyrúa (NYC) Diseño Gráfico & Edición General Valentina Simon Edición Fotográfica Allison Badia Arte Lola Piñeyrúa Moira Vázquez Senta Achée Pablo Silva Reporteros Alejandra Brea Jimena Chiarino Notas Juan Pablo Badano Alejandra Brea Daniela Prado Luna Muñoz Cecilia Rodríguez Nicolás García Analía Matyszczyk John DeWitt Joseph Perrin Fotógrafos Joel Meinholz Amalia Branaa Joseph Perrin Eduardo Dao Brad Burt Alejandra Pérez Lin Anita Secco Soledad García Saravia Mike Atwood Mariana Atchugarry Valentina Simon Maximiliano Cambón Moira Vázquez Pep Johnson Josh Stewart Agustín Piña Diseño Web RKBN.net Subscripciones subscriptions@alleytimes.net

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OCTUBRE 2010 / AÑO 1 / EDICIÓN 1 TAPA: Foto original por Amalia Branaa, ilustración por Adriana de Ferrari

LECTURAS + CRÍTICAS = 08. “Tiempos de Callejón” por Alejandra Brea / 10. “Pura Vida” por Juan Pablo Badano / 12. “Tras el vivir y el soñar, está lo que más importa: el despertar” por Luna Muñoz / 84. “La Palta: Fruto de infinitos beneficios” por Daniela Prado / 87. “Caro Criado, Pionera del Diseño” por Natalia Romay / 88. “Tobacco Road - Un bar, una casa” por Valentina Simon / 90. “Mama Roux - El Barcito de Antes” por Natalia Romay / 92. “El Origen - un comentario poco profesional” por Cecilia Rodríguez / 94. “El Samurai Divino” por Nicolás García / 96. La Licorne “La magia de conmover” por Analía Matyszcyk / FOTOGRAFÍA = 14. Calles que hablan, Lecturas Urbanas / 18. Miami, FL - Brooklyn, NY / 20. Buceo, MVD - Cuidad Vieja, MVD / 22. “Salí al Mundo” por Joseph Perrin / 58. Fotos por Joel Meinholz / 82. “Tierra de Ningún Lugar” por Anita Secco / 100. “Yo Hago Fotos” por Alejandra Pérez Lin / 102. Something You Can’t Live Without por Amalia Branaa ARTE + MÚSICA = 26. “El Dinosaurio del Skate” Gabriel Callico / 30. “Quiero plasmar mi cabeza en tela, manchar mis ideas y crear” Lola Piñeyrúa / 36 “Todo se ve mejor con marco” Anthony Genovese / 42. Viaje al interior de la semillla: ALFALFA habla / 46. Simple, volado e improvisado: Juan Branaa / 81. Ilustraciones por Senta Achée / SKATEBOARDING = 49. Luis Pérez (MIA, FL) / 50. Forrest Kirby (MIA, FL) / 52. Gato Silva (MDEO, UY) / 54. James Coleman, Entrevista (MIA, FL) / 72. Brain Downey (SF, CA) / 76. Jimmy Lannon (MIA, FL) / 78. “Artistas a la Tabla” por Sweepers Art Decks (MDEO, UY) /

TiEMPOS DE CALLEJóN Por Alejandra Brea

Pudo haber sido en cualquier lugar de la ciudad, pero desde que tenemos memoria los callejones fueron nuestro punto de encuentro y el espacio ideal para pasar tardes y noches enteras. La idea de crear un universo en una pequeña calle que para muchos no tenía salida nos alucinaba en esos tiempos y hoy, unos años después, decidimos juntarnos a revivirla. Mágicamente y con un cigarrillo en la mano, la imagen de una cara biológica dejaba de existir en nuestros pensamientos y en ese espacio lleno de humo e ideas dibujamos nuestros rostros con la mente y el alma. El aire sedujo nuestras pieles envueltas en uniformes sociales y entre risas y conclusiones casi delirantes hicimos la ropa a un lado y subimos al muro. En lo alto la ciudad quedó chica y las personas lejanas a nuestra realidad eran tan normales como aburridas. El efecto de las flores fue intenso, pero el viaje que experimentábamos no era causa de una sustancia viva y penetrante, sino de una conciencia muerta que volvía a nacer en nuestros espíritus. Una conciencia de libertad suprema y paz interior, la conciencia de los inadaptados en su acepción positiva, el espíritu del rebelde a la norma, a lo normal, al número. Así rodeados de “la société”, en un plano donde la naturaleza es por sí sola el reino, llegamos a un trance entre la ciudad y las flores, y nos despedimos inconscientes de que ese encuentro permanecería intacto en nuestra mente hasta el día del apocalipsis del alma, volviendo a los tiempos de callejón.

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PURA VIDA Por Juan Pablo Badano

Con el gusto que me da escribir e incentivado a realizar mis deseos lo antes posible por percatarme de lo corta que es la vida, a causa de la pérdida de dos de mis amigos del alma en un accidente de tránsito, comienza la creación de esta escritura dedicada y agradecida a ellos dos, a todos mis amigos y familia y a la naturaleza (flora, fauna y seres humanos). Lo que podrán leer es mi manera de ver la realidad y la verdad. En el intercambio de los pensamientos de distintas personas es donde creo que nos aproximamos a la verdad y la realidad. Lo que escribo es producto de mi personalidad, la cual es creada en el entorno en el que habito: amigos, contexto social, geográfico, tecnológico, lo que justifica el porqué de mi dedicatoria y gratitud del primer párrafo. Este pasaje habla de la vida en todas sus expresiones: filosóficas, sociales, políticas, vistas desde un punto objetivo, lógico e intuitivo. Intenta en base a distintas reflexiones despertar en nosotros nuestras funciones vitales. Todos tenemos dentro una razón o un propósito, que es difícil de encontrar y seguir. Debemos tomar decisiones para poder conocernos más, y sin saber cuál es nuestra esencia, conocerla. Todos tienen algo que decir; ojalá todos pudieran compartirlo. Yo tengo la suerte de poder hacerlo. Ojalá esto los inspire a realizar un pasaje propio y así retroalimentar la sabiduría, el espíritu, la vida y la alegría. Primera reflexión: Cómo percibimos el tiempo… detén el tiempo y te liberarás. Es interesante darse cuenta de cómo perdemos interés en la vida cuando notamos que nuestras actividades cotidianas no tienen más sentido que el de entretenernos, haciéndonos sentir bien por el hecho de que nos hacen percibir el tiempo como estático o inexistente. O lo que es lo mismo, no importa qué estemos haciendo, si lo que 10

hacemos nos distrae, genera químicos en nuestro cuerpo que nos dan la orden de que sigamos haciendo lo que estamos haciendo y que ¡TODO ESTÁ BIEN! El problema de esto radica en que muchas veces podemos estar haciendo con nuestras vidas lo que realmente no tendríamos que estar haciendo. Podemos sacar más provecho para el mundo de nuestras acciones. No debemos pensar que la satisfacción individual es el objetivo último, y que estamos capacitados para obtener solamente ello. Tenemos que mejorar las relaciones con los demás y generar el bien común, para no sentir que nuestra vida es desperdiciada, perdiéndola en actividades sin sentido. Por esto entiendo actividades que no sólo no generan bienestar al mundo en su totalidad, sino que a su vez lo podrían perjudicar. Deberíamos cambiar nuestras actividades por aquellas que sí lo otorguen, para así generar la distracción necesaria para olvidar todo, a la vez que ponemos un poco de nosotros para mejorar TODO. Me gusta pensar en la idea de que cuanto más trabajamos en actividades que influyen positivamente al mundo, podemos alcanzar a medida que envejecemos la sensación de que estamos entrando en tregua con la muerte y que cuando nos llegue no nos alarmará y será un pacífico día más en nuestras vidas. Por el contrario, si trabajamos en actividades que desestabilizan la existencia, indefectiblemente desestabilizarán nuestra vida cada vez más hasta alcanzar un estado de locura. Una locura no positiva, sino aquella que deriva de la percepción de muchos pensamientos al mismo tiempo, sin poder tomar uno a la vez y por lo tanto teniendo un montón de información sin clasificar en la cabeza, que a la larga podría llegar a hacernos hablar cosas sin sentido y realmente temerle a la muerte. Todos tenemos dentro la decisión real a tomar en cualquier situación. Una puede ser mala y la otra buena, algunas mejores y otras peores. Lo que el ser humano tiene como

mecanismo automatizado es la habilidad de tomar la decisión correcta sin mucho análisis. Esta decisión siempre abogará por la paz, el amor y el cuidado de la naturaleza. Cuando entrometemos en las decisiones automatizadas pensamientos contaminados por el poder, la fama o el dinero, es cuando comenzamos a tomar malas decisiones y tanto el planeta como nosotros comenzamos lentamente a sentirlo. Nosotros creamos nuestra realidad, desde lo imaginario hacia lo tangible.

Si me creen, comparten conmigo, o han tenido experiencias en que la sensación de la detención del tiempo genera paz y bienestar en nosotros, por favor realicemos la mayor cantidad de estas actividades que directa o indirectamente velen por el planeta, justificando así nuestra existencia. La justificación de nuestro ser se alcanza realizando estas actividades que nacen desde lo más profundo de nuestro ser o esencia. Escuchemos nuestra conciencia para conocernos mejor y aproximarnos lentamente a nuestro equilibrio y el del planeta.

Fotografía: Maximiliano Cambón

“Tras el vivir y el soñar, está lo que más importa: el despertar” (Antonio Machado) Por Luna Muñoz

Hace un par de días leí una noticia que hablaba de una pareja, donde la particularidad de la historia era que, mientras buscaban fotos de su infancia para el casamiento, ella le muestra a su prometido una foto de su familia en Disney World, y él reconoce a un hombre con su hijo, que justo pasaba en el fondo de la foto: era su padre que lo iba llevando a él en un cochecito. Ambos vivían en países separados, compartieron las mismas vacaciones, y décadas después, en otro lugar del globo, se conocieron y se casaron. Unos días antes de toparme con esta noticia me había puesto a pensar lo genial que sería, una vez que creemos encontrar al “amor de nuestra vida”, tener una especie de “video” que nos muestre todas esas veces que nos cruzamos o que estuvimos realmente cerca y que no nos encontramos. Un poco para poder seguir soñando con eso del “destino”, otro poco para alucinar que estábamos hechos “el uno para el otro”, o quizás (¿por qué no?) simplemente para formar parte de una de esas historias de amor que nos dejan lloriqueando en las películas. A veces nos pasa que escuchamos una canción, vemos una película, o nos topamos con un buen libro, y que cualquiera de éstos nos toca hasta el fondo, con historias en donde, quizás, no tengamos nada en común. ¿Quién no dijo “oooh” con la imagen de Forrest Gump y su hijo torciendo la cabeza frente a la tele, o con “The Kid” de Chaplin? ¿Quién no lloró con “Bambi” o “El rey león”? ¿Quién no eligió el superhéroe para interpretar con los amigos? ¿O quién, con más de 20 años,

fue a ver una película de Ciencia Ficción y no alucinó todo el camino hasta su casa con que podía sacar garras de su mano, volar, o tener una pelea con espadas láser? Sin embargo, no somos ninguno de estos personajes, ni tenemos vidas iguales (o a veces ni parecidas) a las de estas historias. Lo que sí tenemos, que es lo que nos hace reaccionar ante estas cosas, es compasión por la buena gente, miedo de perder a un ser amado, ganas de ser útiles para quienes nos necesitan, amistades con quienes pelearíamos espalda contra espalda, e incluso la ilusión de ser intocables cuando alguien más fuerte que nosotros se nos interpone para mal. La ficción nos hace ver quiénes somos de maneras inesperadas, y nos acerca las herramientas para soñar despiertos con una vida emocionante. Pero, ¿qué pasa cuando la vida nos trae la ficción hasta nuestra puerta? ¿Cuando alguien que queremos consigue finalmente lo que lo hace feliz, cuando perdemos a quien amamos, cuando ponemos nuestra espalda contra la de nuestro amigo para ayudarlo a vencer ese mal rato, y sale victorioso? ¿O cuando tu esposa te trae una foto de un momento alegre de su niñez y te das cuenta de que formaste parte de ella, aunque sea un poquito? Quizás no podamos sacar garras de nuestra mano, o volar sin más que un superpoder, pero no deberíamos nunca dejar de soñar despiertos porque de seguro la vida nos espera con algo, quizás un poco menos fantasioso, pero sin duda más alucinante.

cambio constante 13

CALLES QUE HABLAN

LECTURAS URBANAS

Brooklyn, NY

Miami, FL

Buceo, Montevideo, Uruguay

Cuidad Vieja, Montevideo, Uruguay

Marcalo como reminiscencia. “Tenés que salir al mundo”, suelen decir. Muy cierto, pero ¿salir a dónde? ¿A todos lados? ¿Todo de una vez? En cierta forma parece desalentador, pero en realidad es muy fácil. Mirar estas fotos de Chile y Argentina me hizo recordar eso. Recuerdo los impresionantes paisajes, los momentos compartidos entre amigos, el viaje por lo desconocido. La sensación de ser, de vivir. Estimulante y reveladora. La vida nos ofrece muchas oportunidades de sentirnos así. Me siento afortunado por comprender esto. Mucha gente permanece en el mismo sitio por siempre, consumiéndose, esperando por algo que nunca sucede. Preguntándose qué hubiera pasado. El universo tiene mucho más que ofrecerle a esta gente, muchas veces en su propio patio trasero. Buscalo. Vivilo. Salí al mundo.

FotografĂa: Eduardo Dao 26

¡El Dinosaurio del Skate! GABRIEL CALLICO ¿Cómo y cuándo decidiste que el arte de tatuar era lo tuyo? Desde temprana edad me destaqué en artes plásticas. Siempre supe que me dedicaría a algo relacionado con eso. Mucho antes de interesarme por los tatuajes, estudié pintura y dibujo. La primera vez que vi un tatuaje profesional me impresionó mucho. Líneas perfectas, esfumados, una imagen en la piel que duraría para siempre… Desde ese momento me di cuenta de que quería intercambiar los papeles y la tela por verdadera piel humana. Entonces, de manera autodidacta luego de varios años, llegué a generar esa magia y hasta el presente sigo perfeccionando la técnica. Ser artista para vos, ¿es simplemente cuando tatuás o también dedicás mucho tiempo al arte en sí, afuera del mundo del tattoo? Tatuar mucho (al contrario de lo que se podría pensar) endurece bastante desde el punto de vista del dibujo. Para aflojar es bueno crear en técnicas similares, como lápices de colores, acuarelas o acrílicos. ¿Cuál es tu posición en el mundo del Skate? Mi posición se llamaría ¡dinosaurio del skate! Para mí es un privilegio seguir andando hoy en día, acompañando a las nuevas generaciones que están en esto. El skate es una motivación muy especial, nadie obliga a nadie a andar. Es una actividad sin reglas ni horarios, donde cada uno puede hacer y decir lo que quiera, donde no hay envidia ni malas actitudes, sólo sana competencia y mutuo apoyo. ¿Cómo influyó esto en tu creatividad? El skate, antes de volverse la ciencia de la tricología, era un movimiento muy rico en arte gráfico, música y actitud contracultural. La mayoría de los skaters siempre terminaban involucrados en alguna rama del arte. Idealmente el patinador es un ser de libre

pensamiento, siempre desafiando lo establecido dentro y fuera del skate. El hecho de trabajar en este rubro se lo debo a la proximidad del skate y los tatuajes en Buenos Aires en los años 90. Contame sobre el primer tatuaje que diseñaste o hiciste. Con un hilo até tres agujas de coser de manera que en el medio alojara la tinta (de dibujo) y a medida que fuera pinchando, por capilaridad, bajara a las capas superiores de la dermis. Mi buen amigo Mauricio (Kolenc) cedió un pedazo de piel y a mano le puncé un círculo de 1 cm de diámetro aproximadamente. Lo gracioso fue cuando lo vio otro skater apodado “el diente”, que hizo su propia interpretación: “¡Qué bueno está ese balazo!” Me sorprendió bastante una percepción tan gangster para un círculo, que es la figura más simple. ¡Un buen bautismo para mi primer tatuaje! Después de tanto tiempo diseñado y tatuando, ¿cómo definirías tu estilo? Tengo diferentes facetas: new school, neotradicional, biomecánica, realista, oriental, algo de tribal, fusión de estilos (no más de 2 porque queda bizarro). Pero por lo que más me destaco es por mi faceta cubista. Es un estilo que no hace mucha gente. De todas maneras, para sobrevivir en el rubro hay que ser todo terreno. Los tatuajes comerciales son en general imágenes sacadas de Internet, diseñadas por personas ajenas al tatuaje, y podés encontrar cualquier cosa. Lo que se da en la mayoría de los casos son figuras demasiado complejas para ser tatuadas tan chicas. ¿Pensás hacer esto por el resto de tu vida? Mi vida la llevo sin planes, segundo a segundo, pero si no tengo impedimentos físicos, sin duda es lo que voy a hacer el resto de mi vida. Tengo la suerte de que me vaya bien haciendo algo que es natural en mí. 27

LOLA PIÑEYRÚA

“Quiero plasmar mi cabeza en tela, manchar mis ideas y crear” ¿Cuándo empezaste a pintar? Desde chica, seguía en la escuela primaria. Después de clase me iba al Taller de Artes Plásticas de las hermanas Caldeiro en Pocitos. No me olvido más de las sesiones de 3 ó 4 horas en aquel garaje impregnado de olor a aguarrás y trementina. Era un escape de la rutina diaria, mesa llena de colores y cajas de madera, técnicas country y decoupage. La pasaba muy bien. Más adelante me cambié de taller con Laura Rodríguez Delgado, genia, artista nata. Fue con ella que aprendí varias técnicas y empezó a brotar esta pasión dentro de mí. Es una persona alucinante que me supo guiar en mis primeros comienzos. ¿Cómo te cambió la mentalidad artística cuando te mudaste de Montevideo a Brooklyn? Bueno, esto es medio complicado de expresar, porque en verdad mi cabeza dio un giro de 360 grados en todo sentido al mudarme a Nueva York. Mi primera experiencia fue en Manhattan. Me mudé con mi mejor amiga, decidimos comenzar una aventura y cambiar nuestras rutinas, lo que llevó inmediatamente a un cambio de vida. No me pude volver más. Encontré el coraje y la fuerza que no tenía en Uruguay. Tuve que salir sola, meterle el pecho, manejarme en situaciones con las que no estaba acostumbrada a lidiar. Asumir las riendas y ser mi protectora. La verdad es que cambié mucho, mi cerebro se expandió y me encontré en un mundo nuevo con miles de posibilidades y caminos. Podía ser yo 100% sin censura. Fue entonces que decidí meterme de lleno en la pintura, aprovechar la situación y lo que me rodeaba . ¿Dónde encontrás más inspiración, en Montevideo o en Brooklyn? Definitivamente Brooklyn es un lugar alucinante. Paredes manchadas de color, stencils, grafitis por doquier. Es un lugar trashy pero con mucha luz, donde se mezcla una diversidad de personas, cultura y energías. Uno no puede dejar de inspirarse acá. Es un libro abierto. Al desarrollar mi carrera en Estados Unidos obviamente encontré inspiración acá, pero hoy en día Montevideo me puede. Me inspiraría mucho allí también, vería las cosas de otra manera,

trataría de plasmar los colores y recuerdos, mis raíces. Pueblo con garra, jóvenes emprendedores, buscadores de vidas, creativos. A veces cierro los ojos y trato de imaginarme las costas o el campo, ese río dulce. Amo mi país. ¿Dónde estudiás? En The Art Students League of New York. Un lugar increíble en la mitad de la gran manzana, a media cuadra del Central Park. Me siento muy bendecida por haber entrado a esta institución estadounidense. La Liga surge en 1875 formando artistas de gran renombre como Georgia O’Keeffe, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, y Norman Rockwell, entre otros. La liga fue formada por artistas para artistas. Es un gran lugar donde las técnicas de óleo, acuarelas y acrílico predominan. Muy old school diría yo. Es una escuela tipo atelier donde el profesor es un artista contemporáneo y te guía dependiendo de tu corriente. No hay márgenes ni discriminaciones, cada uno se expresa a su manera y sacás lo mejor de vos. Tiene tres áreas de disciplina: pintura, escultura e impresión. Son cuatro años de carrera. La idea es sumergirme en todas las áreas y participar de las exhibiciones grupales y talleres que brindan. ¿A dónde querés llevar tu carrera como artista? Nunca me consideré una artista, es una palabra que no logro manejar aún. Simplemente tengo una gran pasión y estoy tratando de desarrollarla a otro nivel. Es un mundo muy difícil con parámetros muy amplios donde todos compiten, sobre todo en Nueva York, donde el término “artista” se usa cada dos frases. No soy una persona ambiciosa ni manejo dinero, me concentro en hacer algo bien y desarrollarme al 100%. Quiero plasmar mi cabeza en tela, manchar mis ideas y crear. ¿Qué te apasiona? El amor y la gente con proyección. Me apasiona

la vida, el aire, una cerveza helada y un buen rock n roll. Pasión por crear, ser querida, amar

y soñar. Hacer lo que quiero cuando quiero con quien quiero... respeto y tolerancia. La vida es tan corta que más vale tener pasión y convicción, porque uno está de paso... 31

ANTHONY GENOVESE

“Todo se ve mejor con marco” ¿Cuándo empezaste a hacer tatuajes? No me acuerdo bien. En diciembre, hace dos o tres años posiblemente, empecé a hacer piercings y después arranqué con los tatuajes. Siempre estaba dibujando. ¿Qué te gusta de hacer tatuajes? Me gusta el arte y saber que la gente elige mi trabajo, ya sea un dibujo o un diseño. Marca la diferencia entre aquellos que eligen un tatuaje típico de un libro, como una mariposa o un nombre de mierda. Les gusta lo que hacés y lo hacés para siempre, eso es lo mejor. ¿Esa es la diferencia que ves entre arte en papel y arte hecho en piel? Sí, básicamente. ¿Antes vivías en el tattoo shop? Sí, antes. Vivíamos cuatro artistas juntos, Gonzalo era uno de ellos. Nos llevábamos bien, el trabajo era muy interesante y fue muy bueno mientras duró, pero en un punto se puso todo muy loco y bueno, ahora no puedo negar que fue divertido. Cuando dibujás, ¿qué te pasa? Dibujo mucho en base a referencias o cosas que me gustan, pero no siempre me copa lo que hago. Como esto que estoy dibujando ahora, por ejemplo, no me gusta pero sé que

está saliendo algo y hasta que lo termine, no sé cuándo, lo sigo, porque al final siempre queda algo.

¿Cómo aprendiste a tatuar? Fue una conexión. Primero puse el pie adentro del shop y segundo estaba tatuando. Hay gente que arranca con una máquina que hicieron en su casa, pero yo empecé muy relajado, haciendo piercings en un tattoo shop. Era amigo del Kolo, entonces fue más fácil, aunque cuando entré no sabía nada. Hacía todo mal hasta que aprendí y después me fui del shop y seguí aprendiendo, aprendiendo, aprendiendo. ¿Qué fue lo primero que tatuaste? El primer tatuaje que hice fue el signo de los New York Yankees, todo en negro y para ser la primera vez salió bien, muy bien en realidad. Fue hace mucho tiempo, por ahí si lo veo ahora cicatrizado pienso otra cosa, pero nunca más lo vi. A mí me gusto y el segundo que hice también, fue un tribal. ¿El primer tattoo que hiciste diseñado por vos? La primera vez que tatué mi arte fue un diseño de una mina con cara de calavera y se lo hice a un amigo. A él le gusto y yo quería tatuarlo. A mucha gente no le gusta lo que dibujo,

especialmente mis tatuajes porque son del estilo de la vieja escuela, la ensangrentada vieja escuela, cosas locas, ¿entendés? ¿Cómo preferís tatuar, en negro o a color? Prefiero los dos, son diferentes. A veces gris y negro, a veces a color. Depende mucho de la persona y del tipo de piel que tienen, qué color, qué onda. El color no es para todo el mundo, en la gente blanquita queda muy bien. Yo tengo todo el brazo tatuado en color pero me zafo. Igual depende del arte que vas a hacer y de la persona, las cosas cambian. ¿El arte que tenés tatuado vos es de gente amiga? La mayoría sí. Tengo trabajos de Kolo, Federico Paz, Thomas, que son los de acá del tattoo shop y un tiburón que me lo hizo Mikey, un amigo que trabaja en otro tattoo shop. Aunque también tengo un tatuaje de un pibe que no es mi amigo. ¿Te gustó ese diseño? No, no, la verdad mucho no. ¿Tu método de diseño? Siempre me gusta hacer 3 de cada cosa. Les añado algo, como series. Tengo a Mickey Mouse vomitando y a Tigger haciendo un tipo de salto, todo jodido. Quiero hacer uno más, como Piglet haciendo algo, pero nunca lo hice. Muchos de mis dibujos los regalé. Pinto y se lo doy a alguien, excepto el primero porque me gustó. ¿Y no vendés tu arte? ¿Quién me la quiere comprar? Puedo verme vendiendo alguna de mis series de tres que tienen marco. Muchas de las cosas no tienen marcos y la gente es tan estúpida que sin marco no ven una obra de arte, piensan algo así como “bien, es un dibujo”, pero una vez que

le ponés el marco dicen “eso es muy bueno” y me inspiran a decir “son unos idiotas”. “Todo se ve mejor con marco” es una muy buena cita que me gusta decir, se la repito a mis amigos todo el tiempo. Contame sobre la vida de un tatuador Se vive bien. Es como mi vida personal, hago muchas cosas para mi propio bien, pero así soy yo. También tenés a bastantes tatuadores que no hacen nada por ellos y no les importa nada. Toman todo el día aunque no tiene por qué ser así. Depende del tipo de persona que sos y dónde estás siendo, ¿me seguís? Pero si estoy agotado y cargo con problemas de espalda, estoy constantemente tatuando hasta tarde, a veces hasta las 3 de la mañana. Tatúo acá y en mi casa, esa es la vida de un tatuador. ¿Te gusta lo que hacés? Sí, imaginate. No tengo que despertarme y ponerme un traje, aunque estaría todo bien si tuviese que usarlo. Me gusta vestirme como alguien que no soy para engañar a la gente. Por eso es que estoy en publicidad, por si todo esto falla, por si de alguna manera mis brazos se desprendieran y no pudiese realizar mi arte. Así que es solo por si no puedo mantenerme, pero ahora vivo bien por mi cuenta y no soy ni siquiera el mejor tatuador del mundo. Estudiás publicidad entonces… Dejé la escuela por un tiempo, ya hace un año, y estoy desmotivado para volver. Mientras tanto ellos no me motivan mucho más. ¿A dónde querés llevar tu arte? Espero que a un punto en el que ya tenga una línea de gente a la que le guste y quiera mi arte.

Viaje al interior de la semilla:

ALFALFA habla

¿Cuándo entraste al mundo del dibujo? Crecí con eso. Mi madre es artista, realizó Bellas Artes acá en la época de la dictadura. Siempre me gustó, siempre fui muy colgado con dibujar. Era más importante que jugar, que hacer otra cosa. Dedicaba mi tiempo rutinario a dibujar sin proponérmelo, me sentaba y laburaba 5 ó 6 horas diarias. ¿Qué es el dibujo en tu vida? Primero que todo, lo necesito. Diría que es fundamental, una necesidad, es como estar preñado y no parir y todo el tie mpo tener la sensación de tener cosas que están adentro y necesitan salir, necesitan ver la luz. Y como veo tantas cosas todo el tiempo, si no dibujo mucho se me van quedando en la memoria. Dibujo constantemente, soltando todo lo que tengo en la cabeza. Es la necesidad de poder blanquear mi cabeza para que vengan cosas nuevas. ¿Por qué elegís las calles? Pinto en las calles hace dos años, antes hacía afiches. La calle es abarcar un público no convencional dentro del mundo del arte. Me encanta llegarle a la gente y llegarle a gente, por ejemplo, que por ahí no va a una galería o a un museo, gente que sale de su casa a comprar pan y se encuentra con algo increíble. ¿Pensás en dejar un mensaje cuando dibujás? Lo que hago está claramente cargado de mensajes, recontra cargado de mensajes, es hipernutrido, hipercomplejo. El mensaje es autoreferencial, estoy metido hasta la manija con lo que hago. Cuando ves algo mío me estás viendo a mí por dentro. Hablar de mensaje dentro de lo que hago sería como un discurso, porque sin pensar en decir nada está diciendo mucho de mí y de lo que pienso y hago. Es raro, quizá no es que quiera decir nada en particular, pero mis intereses en la vida diaria se reflejan en mi trabajo. ¿Cuáles son esos intereses? Son varios. Me siento muy atraído por las religiones orientales, el hinduismo y también soy un colgado leyendo mitología. Me encantan todas las mitologías. Es increíble el manejo arquetípico, cómo colocan en un símbolo o una

imagen a un dios con un determinado valor de la naturaleza y con eso juegan con un tema moral. Ahora estoy investigando mucho sobre un mundo microscópico y estoy con todo lo del árbol genealógico y relaciones entre las lenguas. Soy muy colgado con los idiomas. Investigando y leyendo cosas que me interesan mucho, veo cómo van desglosando y depurando un mundo de imágenes. Es tan complejo el proceso interno de la creación, de cómo armar una imagen que me divagué de la pregunta… ¿Por qué elegiste “Alfalfa” como nombre artístico? Alfalfa empezó por un lineo de alfa y omega, más bien como un tema cíclico. Alfa y omega son la primera y última letra del alfabeto griego que para los cristianos representa el principio y el fin, como el círculo de la vida. Alfalfa es como un alfa, alfa, comienzo, comienzo, es un eterno comienzo. Porque siento que de alguna forma es así mi inspiración, nunca para, nunca hay un momento en el que no se me ocurre nada para hacer. Siempre hay algo y si no se me ocurre de antemano, aparece acá, lo dejo salir y empieza a salir, entonces no termina nunca la inspiración. No hay un corte, es como una constante, alfalfa como una inspiración que no se detiene nunca. ¿Qué relación tiene con la pirámide y el ojo? Es como mi sello-firma. La pirámide que mira es como un poder para mí. Es de alguna forma dios. Una pirámide con ojo, todo lo que vibra, la energía. Creo que siempre está conmigo. Creo que uno es parte de la energía, sin duda es parte de ella. No hay momento en el que no esté. No es cuestión de ser, sino de estar. ¿Cuánta influencia hay de Nicolás Sánchez en Alfalfa? No es influenciado por mí exactamente. Es un mundo al que yo accedo y solamente lo miro y lo ilustro. Está muy dentro, pero es independiente de mí. Tiene vida propia, yo soy un médium entre ese mundo que existe en un lugar y el mundo real. ¿Cómo empezó ese mundo? Tiene toda una búsqueda que arrancó hace un par de meses, cuando empecé a dibujar las formas más básicas. La idea fue y es generar, armar un mundo, hacer todos los bichos posibles, todos 43

los hongos, flores, pétalos, tótems, raíces. Todas las formas posibles que existan, volcarlas en la medida de lo posible -porque son infinitas-, haciéndolas llegar a todas las que pensaba y me quedan muchas más. Así que es un camino sin final, un boleto de ida nada más. Pero a partir de ahí entré a categorizar las cosas, las formas, en mundo aéreo, mundo acuático, mundo subacuático, y desgasté tanto los caminos que ahora estoy desgastando el molecular. Llegué a ese punto de lo más chico a más chico. Es un mundo infinito como el nuestro. ¿Hacia dónde querés llevar ese mundo? Me parece que el proyecto más ambicioso de Alfalfa sería crear esto, que es crear todo un mundo absolutamente nuevo, toda una sintaxis biológica propia, una ambientación sonora, un mundo visual y completo en movimiento. La idea es que vos entres a un mundo donde haya bichos que se muevan hablándote o hablando entre ellos. Mi proyecto último de vida sería tener una granja, un lugar donde vos entres a algo como el mundillo de la fábrica de chocolate de Charlie. Un mundo en el que desde el pasto hasta la montaña y la roca estén hechos de acrílico o algún material muy Parque Rodó. Un mundo recontra cargado de detalles, que te envuelva, un mundo distinto. Viajar en el tiempo a 30.000 años adelante cuando ya dejó de haber humanos y hubo otra biología arriba, ¿no? ¿Además del mundo Alfalfa estás preparando algún otro proyecto? Ahora estoy preparando una muestra con Ana Bidart. Estuvimos en Nueva York el año pasado, ganamos un concurso, empatamos el primer premio, pegamos la propia onda y dijimos: “tenemos que hacer algo cuando volvamos a Montevideo”. También estoy preparando una muestra en el subte para principios de mayo del año que viene y voy a tratar de hacer un mini mundo envolvente. Voy a pintar la estación de negro, bichos con luz negra y proyecciones, y que te hablen cuando te acercás y que vayan cambiando lo que dicen a medida que te acercás. Eso ya lo tengo recontra calado con un amigo DJ que me ayuda y que me acompaña en lo que hago. ¿Qué sentís cuando vivís todo esto? Sin duda me siento una persona muy llena y realizada. El arte me ha dado todo.

South 5 St.

JUAN BRANAA Simple, viajado e improvisado.

Philadelphia St.

¿Cómo surgió la idea de Ezquizodelia Records y a qué se debe el nombre del sello discográfico? La idea surgió porque éramos un grupo de amigos con bandas que grabábamos nuestros primeros discos y necesitábamos sacarlos a la luz. Decidimos hacer el portal y subir los discos. El sello lo llevamos a cabo junto con Hiram Miranda (Uoh!) y Pau O’Bianchi (3Pecados, Millonesdecasasconfantasmas). El nombre es la mezcla entre las palabras “esquizofrenia” y “psicodélica”. ¿Por cuántas bandas está conformado el sello? 14 bandas y solistas diferentes con discos editados. También hay otras que no tienen disco aún pero que se podrían considerar parte de nuestra familia.

Sagan St.

¿En qué instrumento te especializás, cuánto tiempo hace que tocás y qué te llevó a elegir dicho instrumento? El bajo es mi principal instrumento, aunque como productor me gusta saber y poder utilizar cualquier instrumento. Trato de tocar todo lo que puedo. Aunque sepa muy poco de un instrumento, eso ya me ayuda a entenderlo y saber lidiar con él cuando tengo que grabar a otro músico tocando. Empecé hace 10 años. Me acuerdo de que alguien me dijo que si tocaba el bajo podía tocar en cualquier banda porque faltaban bajistas. Creo que también me dijeron que era más fácil que la guitarra porque tenía menos cuerdas. Si tuvieras que elegir una banda en la que te gustaría tocar, ya sea una banda que existe o que se haya disuelto, ¿cuál sería y por qué razón? Mmm… Jimi Hendrix con Band of Gipsies, porque las canciones son simples, viajadas e improvisadas.

¿Qué bandas o artistas marcaron tu vida en términos musicales? MICHAEL JACKSON AIR MILES DAVIS A.F.I MISFITS THE BEATLES MORPHINE BON IVER NAIROBI CAT POWER THE OFFSPRING CHET BAKER OYSTERHEAD CHUCK BERRY ASTOR PIAZZOLLA COCOROSIE PINK FLOYD DAFT PUNK PORTISHEAD DAMIEN RICE PRIMUS DEVENDRA BANHART RED HOT CHILI PEPPERS DICK DALE SADE DJANGO REINHARDT SAM COOKE ELVIS SEBASTIEN TELLIER THE POSTAL SERVICE SEXTETO ELECTRÓNICO MODERNO JAMIROQUAI SPACEMEN 3 JIMI HENDRIX TOOL JOANNA NEWSOM THE VELVET UNDERGROUND JUAN STEWART THE WHITE STRIPES MARCUS MILLER MAZZY STAR ¿Cuáles elegirías como los 5 mejores álbumes de la historia? 1. AIR - Moon Safari 2. THE BEATLES - Abbey Road 3. PINK FLOYD - Dark Side of the Moon 4. OYSTERHEAD - The Grand Pecking Order 5. RED HOT CHILI PEPPERS - Blood Sugar Sex Magik Volviendo un poco a lo que vos hacés, ¿qué álbum de los que formás parte elegirías para escuchar una tarde con amigos o en un viaje? Sagan St., el más viajero. Contanos sobre tus tres álbumes. Cada uno de ellos lo produje en un momento diferente de mi vida, tanto como persona como productor. Por lo tanto son discos muy diferentes entre sí. El Philadelphia St. fue mi primer disco. Aún estaba probando mucho y no sabía muy bien qué estaba haciendo. Por eso suena más crudo y las canciones más diferentes entre sí. El nombre se lo puse por la cantidad de queso Philadelphia que estaba comiendo en ese entonces. El South 5th St. es música electrónica. Casi todo el disco es programado y no tocado, mostrando una producción muy sintética. El

nombre se lo puse por la calle en la que vivía en Brooklyn, 5 Sur. El Sagan St. es lo opuesto en lo que respecta a la producción. Busqué un sonido mucho más orgánico, y por más que fue hecho principalmente en la computadora, hubo mucho más “feeling” al producirlo. El nombre se debe a que en ese momento no paraba de leer los libros de Carl Sagan. ¿Dónde te estableciste como músico? Desde chiquito hubo música en mi casa porque mi padre es músico. A los 15 años empecé a tocar el bajo, y fue a los 23 que decidí tomármelo como carrera y me fui a estudiar a Nueva York. Ahora de regreso en Uruguay es donde desarrollo la actividad de grabar, producir y tocar. ¿Dónde te inspira más componer música, en Brooklyn o en Uruguay? No importa la ciudad, es cuando me pega el momento de inspiración. Puede ser donde sea o cuando sea. Es que se dé la situación. ¿Qué proyectos tenés en mente para el futuro? Seguir produciendo música, tanto mía como de otros artistas.

.TIEMPOS DE SKATE.

Miami, FL Luis Pérez - FS croock Fotografía: Pep Johnson 49

F.O.R.E.

“el exceso de información hace que el hombre actúe naturalmente frente a cosas atípicas”

Entrevistando a....

JAMES COLEMAN ¿Dónde vivís? Miami, Florida, E.U.A. Algunos se confunden con esta pregunta, ¿cuál es tu verdadera ciudad de origen? Atlanta, Georgia, E.U.A. ¿Cuál fue el lugar más extraño al que te llevó el skateboard? Los duros guetos de las ciudades de Estados Unidos como Atlanta, Miami y Nueva York. Si no anduvieras en skate, ¿que harías? Soy bueno con los números, así que capaz que sería contador. O ilustrador independiente, me gusta dibujar. Luz amarilla, ¿acelerás o frenás? Acelero. ¿Salsa picante o salsa “ranch”? Salsa picante. ¿A quién considerás el skater más subestimado? Mike Espinosa. Te sacás el sombrero ante... John Montesi de Westside Skateshop, TJ Bradley de Krew Clothing y Supra Footwear, Jeff Lenoce, mi chica Jerica Sanders, Mike Atwood, Jason Henry, Matt Creasy y Matt Swinsky.

Keen One - Pole Jam FotografĂa: Joel Mienholz

BRAIN DOWNEY EN SAN FRANCISCO, CALIF

ORNIA, E.U.A

Kickflip FS Tail Slide FotografĂa: Brad Burt

BS 180 FotografĂa: Brad Burt

SS BS Nosegrind

NO N A L Y M M JI

, E.U.A

I, FL EN MIAM

FS SHUV Nosegrind

“ARTISTAS A LA TABLA” por SWEEPERS ART DECKS Sweepers Art Decks nació en el año 2010 con el propósito de apoyar en un 100% tanto a skaters como al skate en sí y de fomentar el arte a través de sus diseños únicos. Este proyecto emprendedor involucra una línea de tablas llamada “Artistas a la Tabla”, para la cual se invita a artistas locales, quienes aportan originalidad a cada pieza. Para la segunda línea se contó con la participación de 21 artistas, quienes dedicaron su tiempo, creatividad y amor, logrando así diseños inigualables.

Por Faiolence

Por Gabino

Por Min8

Por Tucson 78

Por Verónica Young

Por Gianni

Por Moira Vázquez

Por Pupo

Por Alfalfa

Por Francisco Cunha

Por María Calvario

Por Rodrigo Quintans

Por Camila Fernández 79

Por Santiago Velazco Por Nestor Márquez

Por Santiago Piñeryúa

Por Pablo Silva

Por Wilvo

Por Federico Sáez

Por Soledad Rodríguez

Por Juy

Introduciendo a

Senta AchĂŠe

FotografĂa por 82

La palta, fruta de infinitos beneficios Por Daniela Prado

Hablemos de la palta... pero sin preocuparnos por su alto contenido graso. Si eres de las personas que han crecido acomplejadas, tratando de evitar la grasa en cualquier oportunidad posible, te agradecería que siguieras leyendo. El miedo a la grasa comenzó con el desarrollo de la industria, que nos llevó al consumismo masivo al que estamos tan acostumbrados hoy. Con tanta demanda, a las grandes empresas de alimentos les resultó más conveniente utilizar grasa de peor calidad para sus productos. Por lo general, esta es de origen animal y contiene grasa trans, colesterol, y no me sorprendería que tuviera otras sustancias no identificadas. Pero no vayamos más allá de esto para no quitarnos el apetito. Como iba diciendo, la consecuencia de esto ha sido que suprimamos la grasa de nuestras vidas, y con este pretexto eliminamos también los beneficios que aportan las grasas insaturadas. Por otro lado, claro está que la grasa trans sí debe ser evitada, ya que la misma pasa por un proceso artificial y hace que se eleve el nivel del colesterol malo (LDL). Volviendo a la palta, la grasa que contiene esta fruta puede incluso reducir el riesgo de enfermedades cardiovasculares, el cáncer y la diabetes. Este tipo de grasa actúa de manera opuesta a la grasa trans. Reduce los niveles de LDL y aumenta los del colesterol bueno (HDL). Aunque las grasas monoinsaturadas y poliinsaturadas son grandes motivos para adoptar una dieta que incluya palta (varias veces a la semana como mínimo), la lista de beneficios que trae esta fruta es inmensa. Me limitaré a enumerar unos cuantos. Para empezar, la palta que deberías estar ingiriendo en este momento, tiene mucho más potasio que el plátano (banana, banano, o como quieras llamarlo). El potasio es vital para mantener el equilibrio del agua y otros fluidos

dentro del cuerpo, y es bueno para los calambres, ya que ayuda a regular la actividad neuromuscular y asiste en las contracciones musculares. A su vez, la palta contiene varios antioxidantes, entre ellos el glutatión, que neutraliza las moléculas inestables que causan daños cerebrales (entre otros tipos de daños). También contiene luteína, un fotoquímico de la familia de los carotenoides que trabaja como antioxidante, muchas veces relacionados con el mantenimiento de la salud de la vista. Y por mencionar uno más (porque puedo hablar acerca de la palta por horas), contiene acido fólico, una vitamina b de importancia crítica para las primeras semanas de la formación del tubo neural del feto, del cual se forman la médula espinal y el cerebro. También se suelen ligar enfermedades del corazón a los bajos niveles de acido fólico en el cuerpo, ya que el mismo desintegra la homocisteína, que de otra manera puede acumularse en las paredes arteriales y formar coágulos en la sangre. Asimismo, la palta tiene un alto contenido de fibra, tiene magnesio y vitaminas como la E y la A, es buena para el pelo y la piel... en fin. Como si fuera poco, esta es una fruta bastante conveniente, ya que se encuentra a disposición del público durante casi todo el año. Esto es posible dado que la palta no termina del madurar hasta que es sacada del árbol. Es decir que se puede almacenar en su propio árbol por mucho tiempo, hasta que sea necesario consumirla, o en el mayor de los casos, venderla. Prueba también cocinar con aceite de palta. Es un buen sustituto para los otros aceites, no solo porque es rico en grasas insaturadas, sino también porque no tiene sabor y soporta temperaturas muy elevadas, por lo que puede mantener su composición benéfica aun cuando es utilizado para freír. Puede que sea más caro, pero vale la pena. A la larga, tu corazón te lo agradecerá.

Bibliografía: - Understanding Nutrition por Allie Whitney & Sharon Rady Rolfes - 150 Healthiest Foods on Earth por Jonny Bowden 85

Caro Criado.

Pionera del Diseño

Recorrió un largo camino para lograr que su marca tuviera el prestigio y la calidad que posee hoy en día. Comenzó haciendo accesorios, como la mayoría de las diseñadoras. Luego, mientras trabajaba en un local de ropa, conoció a quien sería su futura socia en el emprendimiento de ABSURDA. Les iba muy bien, pero después Carolina Criado se separó para empezar su propia marca de ropa.

Por Natalia Romay Los diseños de Carolina Criado se encuentran en un atelier en Pocitos. Cuando llegamos había varias clientas, algunas mirando las prendas, otras probándoselas. Desde ese momento ya es posible percibir cómo es Caro, la atención que le brinda a cada clienta, cómo recomienda lo mejor y no se detiene hasta encontrar la prenda exacta con los zapatos y accesorios adecuados: el conjunto perfecto para la ocasión y la persona indicada. Carolina Criado tiene 24 años y es una de las diseñadoras jóvenes más exitosas de Uruguay. Comenzó sus estudios en la escuela de diseño de Peter Hammers, donde se sintió muy cómoda desde un principio. Hoy en día se mantiene en contacto tanto con los profesores como con el mismo Peter Hammers. Luego se instaló en Buenos Aires para continuar con sus estudios de Confección, donde también tuvo la oportunidad de realizar seminarios sobre estampados, carteras y figurín de moda. Estamos viviendo el boom del diseño en nuestro país, del que Caro es protagonista. Nos comenta que existe gran cantidad de diseñadoras, pero que este trabajo no es fácil. Se necesita de muchos estudios y a la vez que se siguen las tendencias también se debe ser único, para poder destacarse del resto. El mercado uruguayo es muy chico, por lo que muchas veces se encuentran similitudes entre las prendas. Destacándose consigue ser única y así lograr el éxito que tiene hoy en día la marca

No sabría decirnos cómo llegó a ser tan conocida; es un conjunto de cosas que hacen al éxito. Caro asistía a todas las ferias de diseño, donde fue haciendo renombrar su marca, intentando siempre que cada venta fuera personalizada. Cuando las prendas gustan, tienen calidad y la diseñadora se preocupa por ultimar detalles, se crea una relación con los clientes que pocas personas pueden lograr, y que es clave para poder triunfar en el mundo de la moda. Hoy en día Caro se puede dar lujos que en sus principios no, y todo se enfoca más que nada en la calidad de sus prendas, mejores confecciones y mejores telas. Su sueño es poder vivir del diseño e instalar varios locales de ropa con su marca. Quiere empezar por instalarse en Carrasco, ya que considera que el 60% de sus clientes son de allí, pero sin dejar de atender en el atelier, donde comenzó y a donde tantas clientas concurren para ver sus diseños, además de ser más céntrico. El año pasado Caro tuvo la suerte de realizar un viaje por diferentes partes del mundo, en el que aprendió mucho, viviendo la moda en cada país y familiarizándose con las distintas tendencias y culturas. Este viaje fue un punto clave en su carrera, ya que le abrió la cabeza al mundo entero y en particular al mundo de la moda, ayudándola a crear las prendas exclusivas que hoy produce Caro Criado. 87

TOBACCO ROAD - Una casa, Un Bar. Por Valentina Simon Traducido por Casilda Braga MIAMI — Hace dieciséis años, una conocida artista de Florida, Antonia Gerstacker, pintó el cartel negro y rojo sobre un fondo celeste único que cuelga afuera de Tobacco Road, el bar más antiguo de Miami. Este viejo bar abrió por primera vez en 1912, el mismo año en que el Titanic se hundió y Nuevo Méjico y Arizona fueron admitidos como estados a la Unión. Tobacco Road tiene mucho que ofrecer a sus clientes: comidas extraordinarias, un ambiente característico, casi un siglo de historia y, lo más importante, nada menos que un buen rato. Prohibición El Congreso de los Estados Unidos aprobó la 18a enmienda el 16 de enero de 1920, una ley bien intencionada pero en última instancia descaminada que prohibía la compra, venta y el consumo de bebidas alcohólicas en este país. Los sabios propietarios de Tobacco Road se rehusaron a dejar que la ley afectara su negocio, y respondieron rediseñando el bar especialmente para este desafortunado período, que se extendió por trece años antes de su derogación. Este establecimiento único tiene varias puertas y escaleras ocultas que conducían a los trabajadores al alcohol escondido del que proveían a sus clientes. Se comenta que en el segundo piso del edificio se encontraba el mejor cabaré de la ciudad. Increíblemente, el público pensaba que este proveedor de alcohol era una panadería. Comida y bebida La comida es increíblemente económica y apetitosa, y varía de acuerdo con el día de la semana: los martes hay un especial de Langosta de Maine, los miércoles los clientes se llenan con costillas asadas bajo la consiga “todo lo que pueda comer”, y los jueves concluye la semana con un bife de casi medio kilo para morirse. Todos estos especiales incluyen un mínimo de dos bebidas, asegurando una cena aun más placentera. El bar también ofrece una gran selección de cerveza, vino y otras bebidas alcohólicas a precios bastante accesibles y en porciones generosas. Una particularidad del bar es que cada viernes venden cerveza y alcohol a 98 centavos durante una hora para festejar el 98 aniversario de Tobacco Road.

Ubicación y estilo Tobacco Road está situado entre la avenida Brickell y el centro de la ciudad, una ubicación conveniente que atrae una amplia variedad de personajes al bar a toda hora. Durante el almuerzo o a la tarde temprano se puede encontrar personas de diversos tipos, desde empresarios importantes hasta jóvenes y prometedores ejecutivos, triunfadores de la ciudad quienes, durante los breves descansos de sus trabajos en el centro, eligen ir al bar local para disfrutar de una buena comida junto con una bebida refrescante y relajante. Cuando empieza a caer la noche, también lo hace la mezcla de gente bohemia que vive en las cercanías y desea ir a un bar familiar y acogedor antes de empezar la noche. Este tipo de gente también puede encontrarse a la hora de cierre para la última ronda. Entre el almuerzo y la hora del cóctel, los clientes habituales, personas que han ido al bar desde que tienen memoria, una vez más se aparecen, buscando la comodidad del banco y la barra. Tobacco Road es definitivamente un bar de barrio, un espacio para tomar un trago con amigos, o estar solo, para ahogar penas o celebrar logros. El barman, Johnny, siempre da la bienvenida a los clientes habituales y a los nuevos de la misma forma, dándoles un servicio excelente y con un estupendo sentido del humor. Cada persona en el bar tiene su propia historia; algunos incluso llaman al insólito bar “hogar”. Por seis días a la semana hay bandas en vivo tocando en el fondo, una terraza exterior donde un hombre sin hogar llamado John pasa todas las noches sólo para disfrutar de la buena música. John sueña con convertirse en cantante algún día, y los amigos de Tobacco Road lo animan en cada espectáculo, permitiéndole cantar libremente a cualquiera que quiera escucharlo. Este detalle irremplazable le aporta al bar una personalidad afable que inspira a estos personajes inigualables a volver y, como muchos han hecho en el pasado, a crear un hogar partiendo de estos simples recuerdos. El ambiente de Rock and Roll y Blues del lugar es legendario. Una atmósfera que se amolda y se forja con los personajes que pueden encontrarse entre esas paredes de madera, escaleras metálicas, pósters autografiados y anuncios de alcohol. Si esas paredes hablaran, las anécdotas más interesantes de Miami seguramente saldrían de ese agujero en la pared llamado Tobacco Road.

MAMA ROUX - El Barcito de Antes Por Natalia Romay

de Facebook. Ellos lo ven como una manera de transmitir datos puntuales y fundamentales. No creen en agotar la herramienta y que luego pierda su funcionalidad. No les parece atosigar a la gente con información. La mayoría de sus clientes son amigos, conocidos, o simples personas que por el boca a boca llegaron a conocer el bar. Se destacan por ofrecer calidad en materia de platos, bebidas, postres y servicio, y un entorno cálido. Quieren imprimirle una parte cultural a las noches en Mama Roux. Ya hace un par de domingos comenzó a haber música en vivo, con mucho éxito. Les gustaría también poder implementar segmentos de moda, fotografía y demás.

En el corazón de Parque Batlle se encuentra Mama Roux, el bar más concurrido desde el mes de marzo. Mama Roux está dirigido por un grupo de tres jóvenes, reunidos por la idea de tener un bar propio y quienes hoy en día comparten una gran amistad. Para ellos este era un sueño de toda la vida, algo que siempre quisieron. Este es el caso de Fernando, uno de los dueños, quien está en el rubro de la noche desde su adolescencia y así se ve por el resto de su vida. Ya la ubicación de Mama Roux relaja. Se trata de calles poco concurridas, en una esquina que llama la atención. Al entrar uno se encuentra con un montón de cosas llamativas, raras, y quizá poco convencionales para un bar. Muchos artefactos antiguos y artículos de su propia creación, como las luces de la barra que consisten en botellas cortadas por ellos, o el living, un lugar único del cual uno no quiere irse. Nos contaron que una vez que encontraron el lugar no pararon de trabajar e involucrarse tanto en el diseño del bar como en la pintura, construcción y demás. Todo lo que fueran capaces de hacer lo hacían. Visitaban remates constantemente. Muchas veces incluso pasaban la noche en el bar para poder levantarse al otro día bien temprano e ir a remates a conseguir los mejores artefactos. Tienen una política muy definida con respecto a la publicidad de su bar. Actualmente la mayoría de los negocios se comunica mucho a través 90

Manejar el bar es un trabajo muy sacrificado, ya que requiere que estén siempre presentes. Si bien a veces hay bastante estrés y tensión, “es muy gratificante ver a la gente compartiendo un trago en tu bar”, más aun cuando fue hecho por uno mismo, como es el caso de Mama Roux. Dado a lo mucho que aportó cada uno de ellos, el sentimiento de pertenencia es aun mayor. Fernando nos contaba lo extraño que se sintió el día de la apertura. Tenía sentimientos encontrados, por un lado estaba feliz, pero por otro sentía que estaban invadiendo algo suyo. Sin embargo, definitivamente están felices y sorprendidos por el gran éxito que están teniendo. Y, ¿por qué Mama Roux? Sin duda no podía faltar esta pregunta. El nombre lo decidieron pocas semanas antes de abrir y fue gracias a Karim, el dueño más aficionado a la música, quien se topó con la canción Mama Roux de Dr. John. Al escucharla un día en el bar, a todos le pareció que era el nombre indicado. Hoy Mama Roux es aquel bar cálido para juntarse con amigos que tanto se extrañaba.

Fotografía: Soledad García Saravia

manteniendo memorias

El Origen (Inception)- Un comentario poco profesional Por Cecilia Rodríguez

No hay nada que me guste más que las ironías y las redundancias de la vida. Que mi amigo Juan que mide 1.60 toque el bajo, que las mujeres solteras se produzcan todo el tiempo y al conseguir novio saquen los joggings del armario, que toda la sabiduría venga de golpe al final de la vida, la música de Edith Piaf en un filme con Marion Cotillard. Sí, ayer fui con dos amigos a ver Inception, el “Summerblockbuster” absoluto por estos pagos. De lo que tanto se habló y tanta expectativa ha creado, es cierto: la película no tiene desperdicio, es de las que puedo contar con los dedos de las manos, las que iría a ver dos veces al cine. Atrapante como pocas, tiene al espectador permanentementemente boquiabierto y atento, ya que hace uso del principio fascinante de encuadrar un relato dentro de otro. Es Paolo y Francesca leyendo la historia de Lancelot y Ginebra en La Divina Comedia, es sentarse frente al televisor a ver Beavis and Butthead, leer en una revista una encuesta sobre lectores de revistas. Tomen esa idea brillante, déjenla correr exponencialmente, de manera que en cada escalón el tiempo se mulitiplique. Mézclenlo con un poco de Psicoanálisis, inconsciente, producciones imaginarias, asociaciones libres y lógica onírica. Agregar elenco de primer nivel, una excelente cámara, una buena banda sonora y una pizca de efectos de acción hollywoodenses (por momentos brillantes, a veces innecesarios). Revolver un poco y Voilá: Inception. Sobre el elenco: creo que esta película logró algo verdaderamente extraordinario en mi persona. La actuación de un Leonardo Di Caprio tan perturbado y en un dilema tan complejo penetró tan profundo en mi inconsciente que aunque me esfuerzo y lo intento (tal como lo hace una persona para acordarse de un suenio) no puedo recordar la escena de Titanic en la que Di Caprio se para en la proa y grita “I´m the King of the World”. Marion Cotillard, Ken Watanabe Y TOM HARDY no dejan nada que desear, como es costumbre. Sorprenden Ellen Page, más conocida como Juno, que hace un dúo impecable con Di Caprio y Joseph Gordon-Levitt (permítanme disculparme) al que solo recordaba por su papel de joven tímido y algo tonto en 10 Things I Hate About You.

Suelo pensar que una buena película es esa que queda dando vueltas en tu cabeza horas y horas después de haberla visto. No hay duda que esto pasa con Inception. A la salida Lena dijo algo muy acertado: creo que esta película o la explicás en una oración o no la explicás. Lo tomé como un reto personal por supuesto. Caminamos en silencio, asumo que los tres pensábamos en el final. –“Ya lo tengo. Christoper Nolan se sentó a escribir un guión sobre la mente humana con una Matrioska en la mano.” Antes de despedirnos Lena dice la última gran verdad en la que me quedo pensando todo el camino a casa: “Ese Christopher Nolan es muy superior a mi persona.” Que razón tiene, y por varios motivos es que tengo que pararme a aplaudir y decir: “Gracias, muchas gracias Christopher Nolan”. Es la primera vez desde que vi Matrix cuando tenía diez años, que no me animé a ir al baño durante una película, pase lo que pase. Es de las pocas veces que no tuve que mirar el reloj en una función que sobrepasara las dos horas. Por sobre todo, cuando salí de la sala, me dio la impresión de que varias personas habían entendido la trama tanto como yo Matrix a mis diez años. Eso es lo que rescato por fuera de la brillante y entretenida película: Gracias Nolan por exigir al público. No es misterio que los filmes hollywoodenses no vacilan en ceder cuando se trata de exigir la participación de la audiencia. Nolan demuestra que no sólo eso es posible, sino que también se pueden usar efectos visuales de manera que sean un medio para mostrar algo y no el fin en sí mismo. Calló a los prejuiciosos como yo, que siempre dudan de películas de tan alto presupuesto. De todas maneras, lo más destacable es que demostró que aún es posible hacer buen cine en Hollywood, que rodar una buena película no excluye puntar bien en la taquilla. Sumado a esto se desprenden muchas cuestiones filosóficas de la trama que enriquecen al espectador, para terminar con un final abierto a la imaginación, que una vez más, demanda la participación de la audiencia. Reitero lo dicho, si bien no es perfecta, es para sacarse el sombrero.

Ilustración: Lola Piñeryúa 94

el Samurai Divino Por Nicolás García Traducido por Casilda Braga Como estudiante de cine, soy capaz de apreciar con afición lo que el trabajo duro puede lograr. Como tal, tengo la oportunidad de aprender habilidades y aptitudes que asegurarán mi futuro y el de mi familia. Por lo tanto, como ávido cinéfilo, cuando vi una película de Akira Kurosawa por primera vez, descubrí el genio detrás de esa cámara. En primer lugar, quisiera decir que este hombre cambió la forma en que el cine era considerado allí en Japón. Su estilo era elegante, su técnica era detallada y precisa. De hecho era revolucionaria.

Para cuando llegó a la secundaria, Kurosawa se había inscripto en la Liga de Artistas Proletarios de Japón con un amigo. Sentían la obligación de unirse dado al fuerte sentimiento de resistencia hacia el estado de la nación en ese entonces y eso le permitió a Kurosawa aprender sobre los nuevos movimientos artísticos y literarios. Allí pudo discutir acerca de su admiración por la literatura rusa del siglo XIX. Dostoevsky tuvo una gran influencia en su obra; la mayoría de sus historias comparten similitudes con las de Dostoevsky.

ganó experiencia valiosa que luego identificaría su estilo único, sus técnicas no ortodoxas y su habilidad para la narración. Su técnica, como mencioné, era detallada y precisa. Akira era un hombre que sabía lo que quería y no se conformaba con menos. Con todo, esa misma técnica variaba dependiendo de qué estaba filmando. Por ejemplo, al filmar “Trono de Sangre”, un western samurái lleno de acción, cuya percepción realista ha sido analizada por los estudiantes de cine de todo Hollywood, concentró su entendimiento fotográfico en capturar la realidad de lo que estaba filmando. Al final de la película, colocó arqueros de verdad fuera del alcance de la cámara y les indicó que dispararan flechas reales a quemarropa. Luego ensayó la escena con uno de sus actores favoritos, Toshiro Mifune, y marcó el piso con tiza para guiarlo. Para Kurosawa existía un método para su locura. Las flechas que estaban diseñadas para esquivar a Mifune por márgenes pequeños en realidad esquivaban al actor por pulgadas. Luego de que todo es ensayado y está a la altura del toque realista de Kurosawa, decide cómo fotografiarlo. Su estilo no era como ningún otro. Reflejaba el poder de la mente humana y su efecto en los otros. Cuando escribía sus guiones, sus personajes profesaban un obstáculo psicológico que en general no podían ver, y que al final llevaría a su derrota. Es lo que los críticos han llamado el “estadio del espejo”.

Cerca del año 1936, Kurosawa estaba trabajando en los estudios P.C.L. cuando conoció a Kajiro Yamamoto. Al poco tiempo, Yamamoto se había convertido en su maestro. Yamamoto le enseñó a Kurosawa todo sobre el proceso de producción cinematográfica. Desde las varias etapas de producción hasta la edición, Yamamoto permitió que Kurosawa y los miembros del equipo de producción pusieran en práctica las teorías que les había enseñado. A partir de ahí Kurosawa

Akira Kurosawa fue un artista increíble. Desarrolló nuevas formas de introducir sentido en el cuadro. Su conocimiento de la cámara llevó a que sus películas estuvieran estéticamente completas. Su destreza para narrar ha sido revelada a través de los años. Tal es así que sus películas han constituido una piedra fundamental para la comprensión cabal en las escuelas de psicología. Es un samurái a su manera; uno con un talento inesperado. Un genio Divino.

Akira Kurosawa nació en Tokio en 1910, en una familia bastante grande. Era el menor de siete hijos y un tokiota de la tercera generación con ancestros de linaje samurái. Su padre era un hombre muy serio con un pasado militar, mientras que su madre era una mujer amable y afectuosa.

“Siempre imaginé que el paraíso sería algún tipo de biblioteca” Jorge Luís Borges

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La magia de conmover Por Analía Matyszczyk

En el barrio de Punta Carretas, sobre la calle Montero, se encuentra uno de los perfiles más vanguardistas de la cultura montevideana: una librería viva. “Uno se lleva una experiencia además de comprarse un libro”, “Algo único e irrepetible”, “La idea es que la gente viva lo que dicen los libros: buscar, sentir, encontrarse, seguir”, comentan sus fundadores. Inaugurada el pasado cinco de junio, La Licorne hace una apuesta renovadora: lograr conmover a sus lectores con el arte, estimular su visión crítica y sorprenderlos. Caminar hoy por la calle Montero no es lo mismo que hace tres meses. Ahora hay una casa que no sólo llama la atención, sino que además invita a recorrerla. Una de dos pisos, con su fachada pintada de naranja, ventanas de vitraux, una mecedora en la vereda rodeada por cajones llenos de libros y por una lámpara de pie de un metro y medio; todo eso da la bienvenida a La Licorne. Dos tablas pintadas de azul y amarillo lo explicitan: “Open: hoy café y escones gratis”. Uno la ve y el juego de sensaciones, entre calidez y comodidad, es progresivo. Involuntariamente el cliente se sorprende. Más aun, se deja sorprender y luego busca involucrarse. Entra. La primera pared que se ve invita a rayarla. Sí, a dibujar o escribir allí lo que se te ocurra. Está totalmente rayada, es negra y parece blanca con los dibujos de las tizas, pero seguro encontrás un lugar. Ya rayaste, ya sos parte, pero falta conocer. Ahora un juego de living. Unos sofás rojos con un look medieval son los que te invitan a sentarte para que leas tranquilo algo tuyo, que traes contigo, 96

o algo que elegiste de la librería. Luego es muy probable que un joven, quizá un inglés, te invite con café, al mismo tiempo que recita sus poemas y los discute con el resto de los involucrados. Mientras, otro chico toca la guitarra en el sillón de enfrente. Aquí los constructores son tres. Lo curioso es que cada uno representa una generación distinta: Juan Grunwaldt, poeta de 22 años que vive en la librería, Daniel Supervielle, escritor y periodista quien actúa como relacionista público, y Jorge González Bouzas, profesor retirado de Literatura, que se encarga de asesorar a los clientes y atender el local junto a Juan. Hoy, a casi tres meses de la inauguración, el poeta confiesa que “esto es un sueño” hecho realidad. El profesor dice estar “muy conforme” y el periodista cree que el balance es “excelente y no puede ser mejor”. Desde el cinco de junio, fecha inaugural del local, se han organizado actividades que distinguen a La Licorne y le dan su “touch”. Se organizaron toques de bandas musicales, de clarinetistas, de chicas que cantan, y no sólo el día de la apertura: “Cada vez que aparecen amigos y tienen ganas de tocar armamos algo en el momento y salen cosas muy buenas de verdad”, contó Juan. También se hacen espacios de lectura de poesía, donde se analizan y se recitan autores en voz alta y todos aportan su opinión. “Otra cosa divertida fue el happening: pusimos una tela en la parte de arriba de la casa y la gente pintaba lo que quisiera. Mucho color, música, estuvo muy bueno”. Una escalera de madera nos permite subir

al segundo nivel. Este piso está dedicado a la interacción con las demás artes. Se busca que la gente se involucre: “Que vengan pintores o fotógrafos a decirnos «quiero exponer acá», para que nosotros le digamos «dale, más bien,

traé, vendé, exponé y viví de lo que te gusta, porque realmente esto vale la pena»”.

Un refugio para viajeros Inspirada en el concepto de tumbleweeds que existe en la librería francesa Shakespeare & Company, el cual implica hospedar a viajeros vinculados a la literatura a cambio de algunas horas de trabajo en la librería y de tener una escritura activa, La Licorne es la primera librería en Uruguay en aplicarlo en su local. John Dewitt y Tomas Weber son dos escritores extranjeros que hoy se hospedan en la librería. Para John Dewitt ya se alcanzó el objetivo: “La Licorne ya ha conseguido atraer gente”. Cree que allí existe “algo que no se da en todos lados”. Según él, “resulta amigable” sólo con verla desde afuera. “Cuando entrás y ves gente leyendo, recitando poemas, escribiendo en un sofá, invitándote con café… te hace sentir parte, y eso es único”. Los dos hospedados conocieron varias librerías y ciudades del mundo. Pero lo curioso es que a la hora de rescatar algo distinto que tenga La Licorne, ambos coincidieron en un punto: “la comunidad de amigos” que encuentran aquí, sumada al ambiente cálido, la hacen “un lugar único”. “Es un ambiente perfecto”, concluyeron. En el barrio de Punta Carretas, sobre la calle Montero, se encuentra una historia. Una gran historia. Algunos la llaman “librería viva”, otros “casualidad”, otros “destino”. Para muchos jóvenes uruguayos, sobre esa calle se construyó un sueño: una poesía que descubre, y los descubre cada día.

“La literatura no es otra cosa que un sueño dirigido” Jorge Luís Borges.

Noche de música de clarinetes Gervasio Tarragona—clarinetista de 22 años que organizó el Encuentro Internacional de Clarinetes—viene a La Licorne a tocar jazz libre con Jean François Bescond, afamado clarinetista francés. Vino para quien quiera. Cuando empiezan a tocar, miembros del público comienzan a leer en voz alta algo de poesía que les guste y que parezca adecuado para el momento. Se oye a Tomas Weber leyendo a Mallarmé en francés, o a Jorge Bouza leyendo a Borges. En algún momento Jean François deja el clarinete para leer a Rimbaud. La música y la poesía, los músicos y el público, están en conversación. Al final de la noche, la mitad del público medio borracho intercambia teléfonos y se forma una comunidad.

Lectura de nostalgia Aprovechamos este día festivo medio raro y cursi para hacer algo interesante (y no sin ironía): Lecturas de Nostalgia. A la hora que se debe empezar, se encuentra menos de diez personas en la librería. Después de media hora, no sabiendo si es más vergonzoso cancelarlo o hacerlo con ocho personas, decidimos hacerlo. Se da una introducción al evento y las lecturas comienzan. Cada tanto entra más y más gente, y el ambiente tímido se derrite en ambiente acogedor. Se lee cuentos de Borges y poesía original de Juan Grunwaldt. Gente que no se conoce discute el rol de la tecnología en la vida hoy en día, lo cual crea el momento justo para leer párrafos de ensayos de los años 80 sobre la tecnología y la sociedad, cuya seriedad se escucha muy cómica. Después de la lectura, hacen los libros a un lado y sacan la guitarra y los cajones peruanos. El vino le amplía la energía al ambiente, y se ponen a improvisar…

John Dewitt

Fotografía: Agustín Piña