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“Tipos” de madera
Letras capitulares: Arte en una letra Las armonías de color, cómo conbinarlas a la perfección
-Guillermina C.L
a capitular es toda letra que aparece al comienzo de una obra, capítulo o párrafo y ésta tiene un tamaño sustancialmente mayor que las letras mayúsculas y minúsculas que la acompañan en el texto, ocupando, por lo general, el espacio de dos o tres líneas, aunque no es raro que abarque más renglones, e incluso que se extienda a lo largo del margen izquierdo de toda una columna de texto o página de libro. El término “capitular” (a veces se usa erróneamente en su lugar el término “capital”), con el que se denomina a estas letras de gran formato, proviene de la palabra latina capita (nominativo y acusativo plural de caputcapitis) que significa literalmente “cabeza”, “capítulo” o “comienzo”. Su etimología hace clara referencia a su uso en el comienzo de capítulos y párrafos de manuscritos y libros.
Los más antiguos manuscritos romanos que conocemos están escritos con las letras capitales romanas (Capitalis Quadrata / Capitalis Elegans) y rústicas (Capitalis Rustica) que con el paso del tiempo se transformaron en unas letras con formas más redondeadas que conocemos como unciales (Uncialis). En estos manuscritos no había espacio entre las palabras (en
ocasiones se utilizaba un punto central de se paración) y el tamaño de las letras era unifor me. En estos manuscritos no había espacio entre las palabras (aunque en ocasiones se utilizaba un punto central de separación) y el tamaño de las letras era uniforme. El aspecto compacto y la regularidad que se obtenía, do taban a la página escrita de una hermosa dig nidad pero, por el contrario, eran difíciles de leer. Como ayuda a la lectura, la letra inicial de cada párrafo se escribía en el margen con el mismo tamaño que el texto, pero conforme el escriba encontraba más espacio disponi ble, esta letra inicial iba siendo cada vez más grande y de forma diferente a las otras. De este modo, sirviendo a un propósito útil, fue como nacieron las letras capitulares.
Durante toda la Edad Media, la utilización de letras capitulares ricamente adornadas fue una constante. Su utilización no sólo tenía una misión ornamental, sino que la ventaja práctica de destacar los principios de los pá rrafos debió ser importante en aquella época, si pensamos, por ejemplo, en los libros uti lizados en los ritos litúrgicos por los monjes en lugares con poca luz como las iglesias, y la dificultad que entrañaría encontrar un fragmento determinado. Es evidente que una colorida y destacada letra capitular ayudaría mucho para localizarlo.
Las armonías del color se suelen determinar en base al círculo cromático, diagrama que sirve como brújula para orientar nuestras decisiones. -freepik
l color desempeña un papel de vital importancia en el mundo en el que vivimos. El color puede influir en nuestros pensamientos, cambiar nuestras reacciones y provocar asociaciones emocionales intensas. Físicamente también nos influye: puede irritar o calmar los ojos, aumentar la presión arterial o suprimir el apetito. Y cuando se utiliza de forma correcta, el color puede incluso ahorrar en el consumo de energía. Es importante aprender a hablar el lenguaje de la teoría del color. Dentro de este lenguaje, la armonía es una técnica que debemos conocer. La armonía del color es una técnica básica de la teoría del color para combinar colores. Esta técnica propone relaciones posibles entre colores a las que podemos apelar para transmitir nuestro mensaje o crear cierto universo. Conocerla es importante para orientar nuestro arte o comunicación hacia una estética agradable y lograr mejores resultados. Es importante como primer lugar encontrar el color clave ya que a partir de este color comenzarán a establecerse las relaciones cromáticas. Las armonías se pueden dar en distintos niveles de complejidad, así que se recomienda empezar desde las más sencillas.
Existen distintos tipos de armonías, entre las que destacan:
• Colores complementarios: Establecen una rela ción de complementariedad. Son directamente opuestos en la rueda y son visualmente llama tivos.
• Colores análogos: Se encuentran a ambos lados del color clave a lo largo del círculo cromático. Suelen representar combinaciones de colores que se encuentran naturalmente en la natura leza, y son visualmente serenos.
• Colores triádicos: Se basa en el uso de tres colo res equidistantes dentro del circulo cromático. En esta armonía ninguno de los colores se ase meja uno con otro.
• Colores monocromáticos: Son las armonías to nales más restringidas, se basan en el uso de un color solamente con sus diferentes intensidades de saturación o brillo.
• Colores tetraédricos: Esta ordenada entre dos
-Freepick
Concepto fundamental de diseño, permite transmitir belleza, lógica y coherencia mediante el color, la forma y la simetría.
El dinamismo describe al movimiento. No de un escenario, sino del elemento con el que se está creando la composición. Este concepto juega con la percepción visual.
Este principio va de la mano con la armonía compositiva. Cuando todos los elementos de una composición están en equilibrio ninguno es protagonista, todos son iguales a sus semejantes.
En diseño se puede lograr cuando dos o más elementos de un plano están dispuestos de forma no convencional ante la percepción humana. El objetivo de este principio de la composición visual es llevar la mirada del espectador hacia un solo punto del plano.
Todos los elementos se encuentran en una repetición continua para crear líneas de movimiento. No es necesario que los elementos estén ordenados de forma simétrica en el espacio, sino más bien que se respete la repetición consecutiva.
Se juega con la percepción visual del espectador con la intención de que no se pueda percibir cuál es elemento principal de la composición.
Dentro del diseño se crea una sensación de movimiento cuando los elementos que hacen vida dentro de un plano están compuestos por líneas que asemejan esa sensación o por técnicas de difuminado al borde de las formas.
Con la repetición se toma un solo elemento (módulos, formas, colores, tamaños, colores, texturas, direcciones) y es el que hará que se repita de forma continua y equidistante.
-Milton Glaser
Milton Glaser nació en Nueva York, en 1929. Durante décadas trabajó en áreas creativas que van desde el branding, el diseño editorial, el diseño de carteles, el diseño de interiores y el dibujo, su gran pasión. Estudió en la Cooper Union de Nueva York, y en 1954, tras graduarse fundó Push Pin Studios junto a otros amigos estudiantes. En esta peculiar agen cia, trabajó para redefinir y expandir el papel del diseñador y el ilustrador en una cultura visual que cambiaría para siempre en las siguientes déca das. En 1966, nace uno de sus proyectos más carismáticos: el cartel que acompañaba al álbum Bob Dylan’s Greatest Hits. Con los años, este se ha convertido en uno de los trabajo más populares de la historia de la música. En esa misma década, junto a su amigo Walter Bernard, puso en marcha el New York magazine, que renovaría el concepto de diseño editorial para siempre. En 1977 llegó su proyecto más icónico: I Love New York. La figura de Milton Glaser también tiene un vínculo profesional con Espa ña. Entre 1987 y 1989 fue el responsable de para realizar un cambio en el periódico La Vanguardia coincidiendo con su paso al color. El compromiso social junto al posicionamiento ético con respecto a la profesión y la vidda,
son también facetas muy conocidas de Glaser. En esta línea, en 1968 el diseñador norteamericano codirigió Mickey Mouse en Vietnam. Un trabajo polémico, en el que el popuplar ratón de Disney acaba acribillado con una bala en la cabeza, como clara denuncia al conflicto bélico. Junto a Glaser, también crecieron otros grandes nombres que pronto se harían hueco en la direc ción de arte, el diseño y la ilustración: Paul Rand, Herb Lubalin, Saul Bass, Reynold Ruffins, Edward Sorel y Seymour Chwast, entre otros, quizás muy al hilo de la bulliciosa y vibrante industria publi citaria del momento. Sin embargo, a diferencia de sus colegas coetáneos que empezaron a romper mano en las agencias junto a los mad men (por ejemplo, Paul Rand), Mil ton Glaser eligió otra vía más alejada del ajetreo de Madison Avenue. Un hecho que no deja de resultar curioso, cuando precisamente en 2014 recibió el encargo de diseñar el cartel de la séptima y última temporada de la serie Mad Men. Falleció en junio de 2020 a los 91 años en Nueva York tras sufrir un ictus que se sumó al daño que ya padecían sus riñones, según informó su mujer.
La pintura en acuarela es una técnica artística con cualidades, resultados y necesidades únicas. Durante mucho tiempo, este procedimiento fue considerado como un arte de pasatiempo, dedicado solo al bocetaje y la toma rápida de apuntes para pintar posteriormente al óleo. Sin embargo, la acuarela se ha valorado cada vez más al explorarse las posibilidades de ésta y la calidad de sus resultados, llevando a los artistas e historiadores del arte a comprender que la acuarela en realidad exige un gran dominio equivalente al necesario para cualquier otra técnica. La acuarela es un medio de gran carácter y mucha flexibilidad. Su belleza y versatilidad están fuera de toda duda, tanto si se trata de lavados frescos y vibrantes, de ricos lavados opacos que cubren de color la superficie, o de cualquiera de las muchas posibilidades intermedias. Para pintar en acuarela se requiere considerar tres materiales principales: el sustrato, el pigmento y la herramienta para fijarlo al soporte.
El papel para acuarela es especial, pues contiene además de las fibras de celulosa ,un gran porcentaje de fibras de algodón. A mayor cantidad de algodón mejor absorbencia, ya que al ser el agua el medio para pigmento
en la acuarela, el papel responde a ésta dilatándose y contrayéndose una vez seco. Los procesos de fabricación del papel para acuarela son diversos, como lo son los tipos y calidades de papel. Dentro de los papeles de mayor calidad se producen de texturas o grano fino, medio y rugoso.
es el segundo material relevante en la acuarela, la pintura de acuarela está originalmente compuesta por pigmentos colorantes de origen vegetal, mineral o animal, los cuales son mezclados con agua y goma arábiga que le da flexibilidad y adherencia a la pintura, además de glicerina y miel que evitan que capas gruesas de pintura se cuarteen y un agente conservador. La presentación de los pigmentos en acuarela hoy en día es bastante diversa y obedece también a diferentes necesidades. Se fabrican pastillas de acuarela seca y húmeda, acuarela líquida y tubos con acuarela cremosa. Las acuarelas secas son las más económicas, las húmedas son de calidad profesional ya que tienen mayor cantidad de glicerina y miel además de mejores pigmentos, las acuarelas cremosas en tubos tienen una calidad similar a las pastillas húmedas y las acuarelas líquidas son usadas principalmente por ilustradores. El tercer elemento, el que permite al artista manejar pigmento y soporte, . Los pinceles se fabrican en una extensa variedad de formas, materiales y tamaños, siendo cada uno necesario para una específica función. El pincel en la acuarela debe observar cualidades como cantidad de humedad y pigmento que se pueden transportar o la flexibilidad de la fibra, ya sea natural o sintética.
El diseño gráfico está íntimamente ligado al cine desde sus inicios, desde el momento en que la tipografía tenía un papel importante para mostrar los diálogos y las narraciones del cine mudo. También desde las ilustraciones, inspiradas en escenas propias de la película, que decoraban los teatros donde éstas se proyectaban. Durante los inicios del siglo XX, en los vestíbulos de los teatros o salones en que se proyectaban los filmes, ya se exhibían pósteres con ilustraciones basadas en escenas de la propia cinta Pero no sólo de crear cartelería y demás material de promoción viven los diseñadores gráficos en el cine actual. Va más allá. Como decía antes, todo comienza a principios del siglo XX, con las primeras proyecciones, cuando se pensó una forma de presentación de las películas. Entonces y dado que el cine era mudo había que buscar una forma de mostrar al espectador que había comenzado ya el film. Habían nacido los títulos de presentación. Se trata de una obra compuesta por tipografía, imagen y sonido, en donde ell papel del diseñador suele ser el de interpretar y sintetizar la idea del director sintetizando la trama y presentando a los personajes participantes de la cinta. Con el paso de las décadas los títulos de crédito evolucionaron a un ritmo endiablado, gracias a la competencia directa con la televisión, en donde ésta última tomó mucha ventaja al
El diseño gráfico hace posible que elementos tan cotidianos se conviertan en narradores de historias.
hacerse muy populares los títulos de crédito de los programas; hasta el punto en que en la actualidad ningún programa de TV carece de títulos de créditos o cabecera, como se le suele conocer. Fueron apareciendo varios diseñadores que se implicaron en la utilización de nuevas técnicas para crear composiciones originales en la creación de estos títulos de presentación. Uno de los mayores referentes fue Saul Bass , creador de multitud de carteles y títulos, como: Vertigo, Psicosis, It’s a Mad Mad Mad Mad World, GoodFellas, El cabo de miedo; al igual que Pablo Ferro que con El caso de Thomas Crown, A Clockwork Orange, La familia Addams, L.A. Confidential alcanzó casi la realización de un centenar de títulos de crédito. Otros diseñadores destacados fueron Maurice Binder (James Bond 1962-1989; La mujer indomable, Moonraker, etc), Robert Brownjohn (Desde Rusia con amor, ¿Dónde están los espías?, etc), Daniel Kleinman (James Bond 1995-2012), Dan Perri (El Exorcista, La ruleta rusa, Aterriza como puedas, etc), Jean Fouchet (El día más largo, Topkapi, El gendarme se casa, etc), Stephen Frankfurt (Matar a un ruiseñor, La semilla del diablo, etc). En la actualidad y por méritos propios se podrían considerar los títulos de presentación como una parte imprescindible de una película, además de poder considerarse un género aparte debido al excelente nivel cosechado por algunos de ellos, superando, incluso, la calidad de la película en que están insertados.
El papel del diseño gráfico va mucho más allá. A lo largo de la película, el diseño gráfico se encarga de introducir al espectador dentro del mundo de la película. Hace posible que elementos tan cotidianos se conviertan en narradores de la historia.
Los tipos de madera fueron una expresión singular de la gran expansión geográfica y comercial que tuvo lugar durante el siglo XIX. Con ellos se anunciaron nuevos productos, nuevas rutas, candidatos políticos, procla mas gubernamentales, etc, ya que en su mayoría fueron creados como tipos destinados a la publicidad. Los tipos de madera se desarrollaron de una forma más significativa en los EEUU que en Europa, debido a su pujanza económica, cantidad de mercados y disponibilidad de materia prima. En 1828 el impresor neoyorquino Darius Wells expone en la primera hoja de muestras de tipos de madera la ventaja de estos sobre los de metal: estos tipos (de madera) están realizados con una máquina que les da una super ficie perfecta y una altura exacta y uniforme, mientras que los tipos gran des de metal tienen un poco cóncava su superficie y además la facilidad que tienen para romperse por el centro y por los trazos descendentes es algo que los tipos de madera obvian y también es algo que los impresores apreciarán, sobre todo si viven lejos de las fundiciones.
El uso de tipos de madera, como los presentados en esta hoja, son más convenientes en muchos aspectos que los de metal, así como más dura
deros y con un apreciable menor coste. Darius Wells, fue el primero en producir tipos de madera de forma comercial en 1827, y aunque estos ya aparecen en al gunos libros alemanes del S. XV, Wells fue el primero en utilizar la fibra de madera para su realización, cosa que permitió un mayor detalle en los diseños así como una mayor durabilidad. Las maderas preferidas eran las de arce, peral y cerezo, quedando la de arce como la más usada a mediados del S. XIX. El fino detalle alcanzado en el diseño y la aplicación de métodos de producción en masa, posibilitó la gran proliferación de estos tipos. El propio Wells inventó una máquina que permitió la elaboración de grandes cantidades de tipos de madera partiendo de un original. En 1834 William Leavenwor th, añadió un pantógrafo a la máquina de Wells y de esta manera era muy fácil copiar los diseños de la competencia como si trazaras su forma con un lápiz. Así si juntabas dos tipos de madera aparentemente iguales pero uno era un poco más alto que otro, evi dentemente uno era la copia pantográfica del otro. Pero el pantógrafo también servia para inspirar a los creadores de tipos de madera, así usando una letra como patrón era muy fácil crear letras sombreadas, itálicas, invertidas, etc.
Durante los años 1960 y 1970 grandes diseñadores y tipógrafos utilizaron estos tipos como Herb Lubalin y Milton Glaser y si bien al principio solo se usaban para publicidad y para ilustrar temas de la época victoriana o el viejo oeste, poco a poco ueron apareciendo en revistas, televisión y portadas de discos.
Que los Rolling Stones son grandes conocedores del género femenino es algo que todo el mundo conoce. En su disco de 1978 quisieron de alguna manera homenajear a todas esas mujeres que habían conocido durante su carrera. El encargado del diseño fue Peter Corriston quien tuvo la idea de realizar una especie anuncio retro que cambiaba de color en los diferentes países en los que se editó. Corriston contrató al ilustrador Hubert Kretzschmar, un estudiante de arte alemán recién llegado a la ciudad de Nueva York, para que le ayudase a hacer realidad su visión. Entre ambos dispusieron cuatro franjas de colores diferentes con cinco retratos de modelos con pelucas tomadas de viejos anuncios de los años
sesenta. Debajo constaban distintas denominaciones empleadas para cada peluca, así como su precio. A ese texto añadirían, antes de la publicación del disco, los títulos de las canciones, una vez decidido cuáles irían finalmente en el los rostros de las modelos fueron recortados y troquelados, quedando su hueco en blanco, de esta forma, podías ver unas imágenes cuando el disco estaba cerrado y otras cuando extraías la funda interior. El problema es que nadie reparó en que las ilustraciones sacadas de un viajo anuncio en las que aparecían actrices como Marilyn Monroe, Raquel Welch o Jayne Mansfield pudieran tener derechos de autor. Inmediatamente, los representantes legales amenazaron a los Stones con demandas judiciales. Con esta primera portada censurada, Some Girls apareció con una segunda versión, aunque como dice Jagger, la buena era la primera. La única celibrity cuya cara no fue eliminada, fue George Harrison, quien ya había aparecido junto al resto de los Beatles en la portada de Their Satanic Majestic Request. Años después el propio Jagger tuvo que disculparse ante Liza Minelli, pues su madre, Judy Garland, fue una de las damnificadas. La gracia también estaba en ver a sus majestades satánicas vestidos con pelucas y los labios pintados. No era la primera vez que aparecían travestidos pues ya aparecían como enfermeras del ejercito en una famosa fotografía de 1966. Y por supuesto esta también el famoso vestido blanco que Mick Jagger vistió en el concierto homenaje a Brian Jones en Hyde Park. A pesar de los problemas legales que se derivaron por causa del diseño, Peter Corriston continuó colaborando con los Stones en los tres siguientes discos.
Estamos en la era de la tecnología, y cada vez son más las personas que usan herramientas de lectura como e-books. Es cierto, que tiene un tamaño más cómodo para llevar en el bolso, ya que no pesa, y se agradece sobre todo cuando haces un viaje, pues es como llevar contigo toda una biblioteca con tus libros favoritos. Además, es muy fácil de encontrar multitud de versiones de este tipo de libros electrónicos como el Kindle en Amazon, con el que puedes disfrutar de tu novela en cualquier parte. Pero, ¿y qué hay de libros de papel? Aunque los ebook sean muy cómodos, somos un poco más románticas, y un buen libro en papel sigue siendo una de nuestras opciones preferidas. Y es que, no hay nada como la sensación de ir pasando cada página, y sentir la textura de su cubierta, así como disfrutar del olor tan característico que desprenden las páginas de un buen libro vintage. Sin embargo, no solo hay libros con historias (de ficción o reales) extraordinarias, sino también portadas espectaculares. En decoración por ejemplo, muchos libros se utilizan para ambientar zona, son lo denominados Coffee Table Books. Sus portadas suelen ser extraordinarias, con una calidad inmensa, y casi siempre de tapa dura, más que de tapa blanda. Este tipo de libros se suelen elegir no solo por su contenido, sino también por los colores o la foto de su portada, y suelen exponerse a modo de accesorio decorativo, creando diferentes espacios
Una portada te dice muchas cosas: te prepara para el li bro, pero sobre todo te tiene que atraer lo suficiente como para comprarlo.
y ambientes en casa como lo haría un auténtico diseñador. ¿Y al final es que quién dijo que la primera impresión no cuenta? En los libros importa y mucho. Aunque estemos deseando leer el texto del interior y conocer la historia, la portada también ayuda bastante a la compra. A continuación se presentan algunas de laas portadas más bonitas, que tienes quedebes conocer. Podrás encontrar libros de diversos géneros: moda, comida, fotografía, decoración y mucho más. Algunos son grandes clásicos como Lolita de Vladimir Nabókov. Muchos de ellos son de la editorial Taschen o Phaidon. Ambas editoriales han sido capaces de crear portadas de libros de diseño. Si te gusta leer pero además, eres un adicto a la decoración y al buen diseño estos libros te encantarán.
-George Orwell 1984
-Frode Sander Øien El niño en la nieve
-Pixabay
El proceso creativo es el conjunto de etapas o fases que se desarrollan para poner en práctica la creatividad con el objetivo de resolver un problema o iniciar un proyecto. Es la fase inicial para crear un proyecto, por lo que tiene un objetivo o finalidad concreta. Para su consecución se utilizan distintas herramientas y técnicas para fomentar la creatividad y generar ideas inno vadoras. Dentro de este proceso pueden surgir nuevas ideas originales o bien reciclar o rescatar ideas anteriores y adaptarlas a un nuevo proyecto.
Etapas del proceso creativo:
Briefing: Recopilar toda la información e investigación posible sobre el tema a tratar y enriquecer nuestro conocimiento ya sea escrito o en imágenes.
Incubación: Hacer apuntes de todas las ideas que se puedan adquirir. Bocetar para generar concentración en el proceso.
Vizualizar/Pensar: Hacer un proceso de análisis mental, preselección de ideas, plantear el proble ma y encontrar la solución a través de la visualiza ción e imaginación.
Esperar/Inspiración: Siempre hay momentos de bloqueo y para ello debemos darnos ese tiempo para refrescar las ideas. A veces suele pasar algo imprescindible; respirar, salir, pasear, eso ayudará mucho para concretar una buena idea.
Idear/Crear: En este proceso es donde se tiene que definir el concepto y evaluar el método de comu nicación para el diseño.
Producir/Elaboración: El diseño tomará forma, color, diagramación y jerarquía en los programas específicos para el diseñador, ya sea una gráfica ilustrativa, animación, video o editorial.
Verificación: Se le da una última chequeada o re paso al acto creativo para pulir los detalles en el proceso de gráfica creativa.
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