Revista Kinémica by Ana Del Toro

Sept - Dic

2013

DOS ANIMACIONES SUDAMERICANAS CON SELLO DE AUTOR Entrevista con sus creadores

PREMIACIONES

dvd INCLUido

en Annecy 2013

Pr贸ximos eventos internacionales Pr贸ximos ESTRENos internacionales Realizaci贸n de corto animado

el origen

de ana del toro 1

www.revistakinemica.com

directorio Director General Ana Huitzil Del Toro Editor en jefe Ana Huitzil Del Toro Coordinador Editorial Ana Huitzil Del Toro Director de Mercadotecnia Ana Huitzil Del Toro Dirección de arte y diseño Ana Huitzil Del Toro Gabriela Samano Editorial Ana Huitzil Del Toro Relaciones Publicas Instituto ICONOS Diseño Gráfico Ana Del Toro

consultores Gabriela Samano Guiomar Jiménez Iván Pulido Gonzalo ‘Phil’ Sánchez Eduardo Ayala Mexicano Tiberio Zepeda Prats

editorial Número 1 Bienvenido al primer número de la Revista KINÉMICA sobre Animación Cinematográfica. Esta Revista Internacional de habla hispana, está dirigida a profesionales y a quienes tengan conocimientos suficientes en este arte, y así mismo, deseen exponer un proyecto propio ya elaborado, siendo éste un espacio ideal para ello. Entre otras cosas, está dirigida a quienes deseen conocer los procesos de la animación cinematográfica que sean imparables curiosos impulsados por una gran pasión hacia la animación y el cine. Dividimos la revista en las siguientes secciones: Lo último en tecnología para la animación; Calendario de eventos internacionales y festivales; Animaciones galardonadas; Entrevistas a animadores y directores; Reseñas de algún estudio de animación; Proyectos nuevos de animación; Próximos estrenos internacionales; y Notas de interés. Nuestro artículo principal está dedicado a mostrar algunos de los más interesantes ejemplos de animación producidos en la actualidad –sean cortometrajes o largometrajes– así como los diversos métodos en su creación y producción utilizados por profesionales o creativos emergentes, que se expresan artísticamente a través de este medio. Ahora, estando conscientes que el arte de la animación abarca una amplia gama de posibilidades, técnicas y disciplinas, esta revista se propone incluir en su contenido dicho campo multidisciplinario e interdisciplinario dentro de estas artes visuales. El arte de la animación es un campo que despierta un gran interés y cuyos límites, alcances y fusiones con otras ramas del saber, evoluciona continuamente y genera nuevas reflexiones. La animación es mucho más que ocio, información y educación, es un formato mágico que impacta directamente al espectador. En resumidas cuentas, la intención primordial de esta revista es informar, actualizar, exponer, provocar, vincular y entretener. La diversidad de nuestro contenido puede inspirar a profesionales y potenciales creadores ofreciéndoles una nueva ventana de oportunidades. Ana Huitzil del Toro Director General

contenido Calendario de Eventos

-6-

Festivales internacionales involucrados en la industria de la animación. Septiembre a Diciembre del 2013.

Recomendaciones

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24 películas y cortos animados que forman parte de nuestra lista de recomendaciones.

En Portada Procesos Creativos

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Realización del corto animado “El Origen” de Ana el Toro. Considerada uno de los futuros talentos en el sector, presentamos en exclusiva una minuciosa exploración con materiales inéditos que documentan el procedimiento y la metodología que se oculta detrás de este original cortometraje animado.

Entrevista

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‘Anina’ y ‘rodencia y el diente de la princesa’, dos animaciones sudamericanas con sello de autor. Entrevista a sus directores en el Festival de Cine Latinoamericano de São Paulo.

Galardones

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premiaciones en ‘annecy’ 2013 Presentamos algunos de los 26 premios otorgados en este importante festival. 4

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-10- Cartelera

-46- Festivales

Listado de películas próximas a estrenarse en la pantalla grande.

Información detallada sobre los próximos festivales de animación.

También destacamos Interés Tecnología

Estudios Entrevista

-12-14-15-16-17-42-38-

Animaciones de la prehistoria HP produce animación digital para ‘Turbo’ Poesía en 3D Autodesk apoya la innovación con ‘Metegol’ Tecnología al estilo James Cameron Pixar. La evolución de la animación Selton Mello y Luiz Bolognesi, de ‘Uma História de Amor e Fúria’

septiembre

OCTubre

Festival Internacional de Animación de Londres ----26 de Agosto a 4 de Septiembre. Inglaterra

Anim’est Festival Internacional de Animación ----4 al 13 de Octubre. Bucarest, Rumania Watch Me Move: The animation Show ----6 de Octubre de 2013 a 5 de Enero de 2014 Detroit Film Theatre, E.U.

Ottawa International Animation Festival ----18 al 22 de Septiembre. Ottawa, Canadá

ANIMA VII Festival Internacional de Animación de Córdoba ----10 al 12 de Octubre. Córdoba, Argentina 1er Festival Stop Motion México ----del 10 al 12 de Octubre.

Festival Internacional de documentales, cortos y animaciones Mensaje al hombre ----21 al 28 de Septiembre. San Petesburgo

Sitges 2013: 46º Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña ----11 a 20 de Octubre. España CineKid ----12 al 24 de Octubre. Amsterdam

ANIMAGE – Festival Internacional de Animación de Pernambuco ----16 al 29 de Septiembre. Recife e Olinda, Brasil

Festival de Cine de Bogotá ----16 al 24 de Octubre. Bogotá Colombia Festival Internacional de Animación FIDA ----23 al 25 de Octubre. Valparaiso, Chile Austin Film Festival ----24 al 31 de Octubre. Austin, Texas E.U.

Cartoon Forum for animated tv series ----16 al 20 de septiembre. Toulouse, Francia

Cartoon Conection ----del 28 al 31 de Octubre. Quebec, Canadá Dok Leipzig 56º Festival Internacional de Cine Documental y Animación ----28 de Octubre al 3 de Noviembre Leipzig, Alemania

ARS Festival Internacional de Cine Independiente ----20 al 29 de Septiembre. Katowice, Polonia

Chicago International Children’s Film Festival ----25 Octubre al 3 de Noviembre. Chicago, E.U. Primanima world festival of first animations ----23 al 26 de Octubre. Budaörs, Hungría

Calendario de Eventos

NOViembre

dICiembre

ReAnimania Yerevan - Festival Internacional de Animación ----2 al 8 de Noviembre. Yerevan, Armenia

Festival Internacional de 3D Stereo Media ----4 al 6 de Diciembre. Liege, Bélgica

Cinanima - 37º Festival Internacional de cine de Animación de Espinho ----11 al 17 de Noviembre. Espinho, Portugal

35º Festival Internacional del nuevo cine Latinoamericano ----5 al 15 de Diciembre. La Habana, Cuba

CutOut Fest Festival Internacional de Animación ----14, 15 y 16 de Noviembre. Querétaro, México

11º Festival de cortos de bogotá bogoshorts ----5 al 11 de Diciembre. Bogotá, Colombia

5º Mercado Internacional de Animación 3d wire ----5 al 10 de Noviembre. Segovia, España

aguilar de campo short film festival ----5 al 8 de Diciembre. Aguilar de Campo, España

Napa Valley Film Festival ----13 al 17 de Noviembre E.U. Napa CA, E.U.

feedback film fest ----3 al 5 de Diciembre. E.U.

Animated Dreams 14º Festival de Cine de Animación ----27 de Noviembre al 1 de Diciembre. Tallin, Estonia

Les Sommets du cinéma d’animation ----27 Noviembre al 1 de Diciembre. Montreal, Canadá 9

cortos y películas que no puedes dejar de ver ‘Zarafa’ 2012 Prima Linea Production -Europa

Cuando el viento sopla

¿Quién engañó a Roger Rabbit?

(When the wind blows) 1986 Jimmy T. Murakami -Reino Unido

1988 Robert Zemeckis -E.U.

Paprika, detective de los sueños 2006 Satoshi Kon -Japón

A suspeita

La tumba de las luciérnagas

(The Suspect) 1999 José Miguel Ribeiro -Portugal

1988 Isao Takahata -Japón

Las aventuras del príncipe Achmed 1926 Lotte Reiniger -Alemania

Ernst & Celestine

Susurros del corazón

2012 Stéphane Aubier -Francia

1995 Yoshifumi Kondo -Japón

Las trillizas de Belleville (Les triplettes de Belleville) 2003 Sylvain Chomet -Fran. Can. Bélgi.

El viejo y el mar

Pedro y el Lobo

1999 Alexander Petrov Rusia

2007 Suzie Templeton -Reino Unido

Recomendaciones

Sita Sings the blues

Persepolis

(Sita canta el blues) 2008 Nina Paley -E.U.

2007 Vincent Paronnaud -Francia

R’ha 2013 Kaleb Lechowski -Alemania

Ghost in the Shell

The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello

1995 Mamoru Oshii -Japón

2004 Anthony Lucas -Australia

L’illusionniste (El Ilusionista) 2010 Sylvain Chomet -Francia

Chico y Rita

Jim y El Durazno Gigante

2010 Fernando Trueba y Javier Mariscal -España y Reino Unido

1996 Henry Selick Estados Unidos, Reino Unido

To Say Goodbye 2012 (Decir adiós) Matt Richards -España, Reino Unido

Le Tableau

L’histoire du Soldat

(La pintura) 2011 Jean-François Laguionie -Francia

1984 (La historia de un soldado) R.O. Blechman -E.U.

Los padrinos de Tokio (Tokio Godfathers) 2003 Satoshi Kon, Shogo Furuya -Japón 11

Free Birds -----1º Noviembre - E.U.-----

Comedia de dibujos animados en 3D dirigida por Jimmy Hayward, encargado de la animación de varias películas de Pixar como Toy Story y Buscando a Nemo. Dos pavos deberán unir fuerzas y viajar en el tiempo para cambiar la historia, y de esta forma eliminar que los de su especie formen parte de la cena principal en días de acción de gracia. Productora Reel FXCreative Studios/Relativity Media.

Walking with Dinosaurs -----20 Diciembre - E.U.-----

‘Caminando con dinosaurios’ mezclará la acción real con criaturas CGI para crear una atractiva aventura en 3D para toda la familia; un viaje a la época prehistórica en la que los dinosaurios dominaban la Tierra. Productora: 20th Century Fox.

Frozen, el reino del hielo

-----27 de Noviembre 2013 - E.U.----Una profecía condena a un reino a un invierno eterno. Así que Anna (voz de Bell) se ve obligada a unirse a Kristoff, un audaz hombre de las montañas, y emprender un viaje épico en busca de la Reina de la Nieve para poner fin al gélido hechizo. De Walt Disney Pictures.

Ernest & Celestine -----Francia y Bélgica 2012-----

Dirigida por Benjamin Renner (La queue de la souris) y la pareja artística Stéphane Aubier/Vincent Patar (Pánico en la granja). Con un tono infantil nos cuenta la historia de un oso y una ratoncilla, amigos contranatura, da pie a una suerte de slapstick emocional donde cada gag está estudiado, con una medición del ritmo sencillamente perfecta, como ocurría en la citada Pánico en la granja.

Cartelera

The Wind is Rising -----20 de julio de 2013-----

Próxima película japonesa de animación de la productora Studio Ghibli, basada en la novela corta ‘El viento se alza’ de Tatsuo Hori y en el Manga homónimo de Hayao Miyazaki. La película narrará la vida de Jiro Horikoshi, el hombre que diseñó el avión de combate Zero, el cual fue usado en el ataque a Pearl Harbor durante la Guerra del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial. Horikoshi fue piloto e ingeniero aeronáutico quien llegó a desarrollar varios aviones militares. La película empezará desde la niñez del piloto hasta su cenit en el mundo de los aviones.

METEGOL

-----18 de julio de 2013 - Argentina----Dirigida por Juan Jose Campanella, esta animación en 3D pionera en Argentina para toda la familia, se centra en las aventuras de Amadeo, un chico tímido que debe enfrentarse al más terrible rival sobre una cancha de futbol: el Crack. Amadeo contará con la ayuda de unos jugadores de metegol liderados por su carismático extremo derecho, el Wing, con quienes se embarcará en una gran aventura de amor, amistad y pasión con el futbol como telón de fondo.

The tale of princess Kaguya -----2013-----

Una apuesta de animación tradicional a cargo del director Isao Takahata (La Tumba de las Luciérnagas), de estudios Ghibli, que nos presentará la adaptación de un cuento clásico japonés del siglo X sobre una princesa que nace en el interior de una planta de bambú.

2014 Boxtrolls - Laika (septiembre) Lego Movie - Warner Bros. Pictures (febrero) Me and my Shadow - DreamWorks (marzo) La leyenda de Oz. El regreso de Dorothy (mayo) How to Train Your Dragon 2 - Dreamworks (junio) Popeye - Sony Pictures Animation (septiembre) Happy Smekday! - DreamWorks (noviembre) Big Hero 6 - Walt Disney Animation (noviembre) Kazorn & The Unicorn - Sony Pictures Animation Ninja Turtles - Nickelodeon Movies Phineas and Ferb - DisneyToon Rio 2 - Blue Sky Studios The Good Dinosaur - Pixar

Interés

animaciones de la prehistoria Los hombres prehistóricos ya eran capaces de crear la sensación de movimiento en sus pinturas mediante la sobreposición de imágenes, además representaban secuencias sucesivas de una historia.

Las últimas investigaciones sugieren que los artistas prehistóricos ya utilizaban en sus pinturas técnicas semejantes a las de la animación. Posiblemente las acompañaran de cantos o ritmos con instrumentos musicales paleolíticos hechos de hueso, o de tambores de madera y piel. El padre de esta hipótesis es el francés Marc Azéma, cineasta y doctor en Prehistoria de la Universidad de Toulouse. Hasta ese día, los expertos pensaban que el arte rupestre era un medio para transmitir los mitos de nuestros antepasados y que eran los chamanes quienes así representaban a los “animales-espíritus” que veían durante sus trances. Poco a poco Marc Azéma fue acumulando más pruebas. Luego de viajar y estudiar muchas cuevas prehistóricas, o mediante el estudio minucioso de imágenes en los libros. En Lascaux, Francia, el investigador se encontró con al menos una decena de figuras de animales, principalmente equinos y bisontes, dibujados de una forma que podríamos denominar deconstruida. Es decir, los caballos estaban pintados en dos imágenes superpuestas; una primera más tosca, con unos contornos poco definidos, y otra más acabada, traslapada con la primera y con un contorno más claro pero diferente de los anteriores. Esto daba la impresión de que el animal representado tenía dos cabezas y ocho patas. Las imágenes dibujadas producen un efecto óptico de movimiento. La prueba más importante a favor de su novedosa teoría, Marc Azéma la encontró en 2008, gracias a Florent Rivère, un artista e ilustrador especializado en la Prehistoria. Llamó su atención sobre la existencia de un extraño objeto conservado en el museo del yacimiento arqueológico de Laugerie-Basse. Se trataba de unos discos de hueso de cinco centímetros de diámetro con un agujero en el centro, que representaban, cada uno, la figura de un herbívoro, un tipo de cabra, en dos posturas diferentes. Dada la imposibilidad de experimentar con las piezas originales, los dos investigadores construyeron unas réplicas exactas en hueso. Después, pasaron un hilo por el agujero, y, al hacer girar el disco, comprobaron que se creaba la sensación de que el herbívoro galopaba. Los descubrimientos sorprendentes siguieron produciéndose en cadena. Todo eso aumenta el mérito de los pintores de las cavernas. Sin saberlo, fueron los primeros vanguardistas” Dijo Jean Clottes, un especialista en pintura rupestre con prestigio internacional.

Tecnología HP en tuRBO HP anunció que DreamWorks Animation utilizó tecnología HP para desarrollar animación de vanguardia para la película, “Turbo”.

La tecnología de Infraestructura Convergente HP, que abarca servidores, almacenamiento, redes, servicios y software de gestión; la Nube Convergente de HP y las impresoras y workstations HP ayudaron a DreamWorks Animation a procesar volúmenes de datos, creando nuevos niveles de imágenes y permitiendo el desarrollo de técnicas innovadoras de creación de películas animadas mediante computación gráfica. “La alianza estratégica de DreamWorks Animation con HP nos aseguró contar con las capacidades de computación de alto desempeño, disponibilidad continua y gestión optimizada necesarias para hacer realidad el sueño de Turbo de convertirse en el corredor más rápido del mundo”, afirmó Derek Chan, director de operaciones globales de tecnología de DreamWorks Animation. “El avanzado portafolio de Infraestructura Convergente de HP permitió que nuestros artistas e ingenieros crearan la película con la mayor calidad posible”, añadió. DreamWorks Animation contó con la potencia de las workstations HP Z para recrear la emoción de Indy 500, con caracoles desplazándose a 354 km por hora y una multitud de más de 500 mil personajes ocupando una réplica del autódromo de Indianápolis. Las workstations permitieron desarrollar ángulos de cámara y efectos especiales cada vez más complejos. Cuando no estaban siendo utilizadas por los equipos creativos, el poder de procesamiento de las workstations se usó durante la noche para trabajos de renderización, lo que contribuyó con las millones de horas de cómputo necesarias para producir la película. Integrado con las workstations HP, el software Remote Graphics permitió que los animadores colaboraran entre ellos con más eficiencia desde ubicaciones geográficas diferentes mediante la visualización de ideas y material en una única pantalla. Las soluciones de la arquitectura permitieron a DreamWorks Animation aumentar el rendimiento, reducir la latencia entre los diversos estudios en todo el mundo y proporcionar disponibilidad continua para permitir menores tiempos de renderización y revisión, mientras impulsaban la productividad de los animadores. HP Networking proporcionó a los animadores acceso a un repositorio central de activos y colaboración simplificada para permitir que los artistas compartieran y recuperaran recursos desde diversos lugares de trabajo. Además, la infraestructura de red altamente confiable permite que los equipos creativos trabajen en cualquier momento y desde cualquier lugar, con estudios de producción dispersos, desde Glendale y Redwood City, en California, hasta Bangalore, en la India.

Tecnología

Poesía en 3D Imaginantes es una serie de cortos de animación para la cadena mexicana Televisa. Cada episodio es independiente y y está diseñado por un artista diferente. Los capítulos giran en torno a las obras de autores y artistas famosos. Otros se refieren a leyendas y fábulas o incluso puntos de vista espirituales. Estas películas tratan temas importantes para todo el público y para los mexicanos en particular. Miguel de Cervantes, Ray Bradbury, Jorge Luis Borges, Sergei Eisenstein y muchos otros fueron presentados en la serie Imaginantes en las que el narrador José Gordan cuenta historias interesantes acerca de la obra de cada artista mostrando su trabajo en la película. El tema del corto de Emiliano Topete era poemas de selva según lo dicho por Carlos Pellicer en la que los mitos y leyendas mexicanos se les da un toque moderno. En este caso, la leyenda de “El Sueño del Jaguar” iba a ser vista sin 3D, según los deseos de la emisora. Como usuario apasionado y experimentado de CINEMA 4D, Emiliano no desanimó y creó un character pintado con BodyPaint3D y renderizado con Sketch & Toon para las pruebas de pantalla. El resultado no podía ser contado con una animación a mano 2D, así que le aprobaron la utilización de su técnica y de CINEMA 4D. Fortalecido por la garantía que esta aprobación le había dado, Emiliano se puso a trabajar en la película. Para lograr el look adecuado para el personaje principal, la chica India, Emiliano primero creó un modelo en arcilla. Fotos de este modelo fueron utilizadas de imágenes de fondo en CINEMA 4D, como si fueran blueprints, para el proceso de modelado. El modelo terminado fue pintado con BodyPaint 3D. Todos los demás modelos del corto fueron creados de forma similar y posteriormente animados, por lo que el resultado final tenía un look de hecho y pintado a mano.

Autodesk en la industria del cine argentino Los software de Autodesk, Inc., (NASDAQ: ADSK) fueron herramientas esenciales en la realización de la película animada “Metegol”, film reciente del reconocido Director Juan José Campanella. Autodesk Maya y Autodesk 3ds Max fueron los productos utilizados para el modelado 3D y animación de los personajes. Ambos permiten trabajar a la animación 3D en modelado, simulación, renderización y composición para artistas de juegos, cine y motion graphics. Además, Autodesk 3ds Max cuenta con nuevas herramientas para generación de multitudes y animación de partículas. Además, Autodesk Maya presenta nuevos recursos para modelado y producción con grandes cantidades de objetos y polígonos en una escena 3D. “Autodesk participó activamente con la provisión de tecnología a través de sus principales aplicaciones del área de Entretenimientos y Medios, especialmente con Autodesk Maya. También tuvimos la oportunidad de colaborar a través de un equipo de apoyo de consultoría regional de Autodesk especializados en industrias audiovisuales, quienes pudieron asistir al equipo de Metegol a través de su extensa experiencia internacional en proyectos similares”, comentó Alejandro De León, CEO de Autodesk Argentina. Esta misma tecnología se utilizó en los más destacados films de animación de los últimos tiempos (tales como “Avatar” y “Una historia increíble”). En lo que se refiere al ámbito local, “La experiencia ha sido muy positiva con “Metegol” y estamos convencidos que existe una gran capacidad de recursos en Argentina que permitan seguir en este camino. El desafío es continuar apoyando este tipo de iniciativas, colaborar con la formación de recursos humanos y seguir desarrollando tecnología de punta para poder posicionar a nuestro país como un centro de generación de contenidos de primer nivel mundial”, afirma Alejandro.

Tecnología

Tecnología al estilo de

JAMES CAMERON A lo largo de su carrera, Cameron ha sido laureado por sus avances tecnológicos en cintas como ‘El abismo’ y ‘Terminator 2’, sin embargo confesó que ha sentido miedo al encarar estas nuevas herramientas. Tecnología es una palabra que define el trabajo reciente del realizador canadiense James Cameron, y con Avatar introdujo nuevas herramientas en la industria del cine,con la primera cinta concebida totalmente en 3D. Pero para la segunda y tercera parte de su historia, Cameron no buscará desarrollar otra tecnología y en su lugar se concentrará en los personajes. “Siempre me preguntan: ‘Ya hiciste lo último, lo más grandioso. ¿Cómo va a ser Avatar 2 y 3?, ¿cómo van a superar lo grandioso?’. No va a ser así porque no vamos a inventar un nuevo 3D o un (nuevo sistema) CG. Nos vamos a ir un poquito más a esforzarnos para la creatividad”, dijo el director la noche del miércoles durante la conferencia que ofreció en la 1ª jornada del foro TagDF, en la Ciudad de México, en donde Alfonso Cuarón fungió como moderador. “Lo que es esencialmente humano es algo que me interesa mucho y quiero explorarlo en las siguientes partes de Avatar, pero también quiero explorar esto en Battle Angel”, agregó Cameron sobre una de sus próximas películas. “Sentí lo que tu sentiste cuando empezaste Gravity”, le dijo a Cuarón.

“Mira, tienes canas, la cabeza se te puso blanca, yo te dije: ‘esto es lo que nos pasa cuando hacemos cintas de este tipo’”. Cameron aseguró que en sus próximos proyectos se permitirá desarrollar ideas que lo han perseguido por años. “Tengo algunos temas de películas que me interesa, temas que me han perseguido (durante años), no quisiera hacer algo que me acaba de llegar como caído del cielo”, explicó el también documentalista. “Después de Avatar 2 y 3 voy a hacer Battle Angel, que es una película sobre lo que yo creo que será una época de transhumanos”, adelantó sobre el filme que planea desarrollar en 2017. Avatar (2009) revolucionó el panorama del cine al ser estrenada en 3D. Sin embargo Cameron, a quien le tomó casi dos décadas desarrollar la cinta ganadora del Oscar a la Mejor dirección de arte, Mejor cinematografía y Mejores efectos visuales, criticó el uso excesivo y erróneo que se ha dado a este formato. “Una cosa es filmar en 3D y otra cosa es convertir a 3D. Después de Avatar todo cambió, buenas y malas películas, todo tiene que estar (en ese formato). El problema que yo veo ahora es que en lugar de que sea una cuestión del cineasta es una cuestión de los estudios cinematográficos para ganar dinero y están imponiendo a directores que no se sienten cómodos o no les gusta el 3D”.

tras ser filmadas convencionalmente no logran la misma profundidad visual. “La razón por la que digo que Hollywood no lo está haciendo bien es porque es automático. Por ejemplo, El hombre de acero, Iron Man y todas esas películas no deben estar en 3D forzosamente. Si vas a gastar 150 millones en efectos visuales, la película ya va a ser espectacular, perfecta”.

“El 3D debe ser controlado por el director, no por los estudios. Sé que hemos abierto las puertas pero debe haber calidad.” James Cámeron

“No creo que Hollywood esté usando el 3D adecuadamente”, agregó, pues a diferencia de las cintas que son rodadas en ese formato, las que son convertidas

‘Anina’ y ‘Rodencia y el diente de la princesa’ Dos animaciónes sudamericanas con sello de autor Por segundo año consecutivo, en el marco del Festival de Cine LatinoAmericano de São Paulo se realiza el Premio Itamaraty, que otorga el Ministerio de Relaciones Exteriores para incentivar la coproducción sudamericana; con doce películas en competencia, resulta por lo menos llamativa la presencia de dos largos animados: la uruguaya-colombiana “Anina” y la argentina-peruana “Rodencia y el diente de la princesa”.

Un hecho que habla tanto de una producción que florece pese a sus limitaciones, como así también de una búsqueda por realizar films personales y autorales dentro de un género que se imagina infantil. “Anina”, del uruguayo Alfredo Soderguit, es una adaptación de la novela “Anina Yatay Salas” de Sergio López Suárez, que en tono nostálgico y cálido nos habla de la vida de la pequeña Anina. Producida por Palermo Estudio y Cine Raindogs, en coproducción con la colombiana Antorcha Films, esta es la primera animación en dibujos animados hecha en Uruguay. Pese a que el cine de animación suele pensarse como un producto comercial destinado al público infantil, la película tuvo un recorrido similar al de una producción de ficción autoral. “El camino para conseguir financiación fue exactamente el mismo camino que cualquier proyecto de cine, no necesariamente de animación. El fondo que aporta Ibermedia, por lo menos para la producción uruguaya, siempre ha sido fundamental; como

Entrevista

que se ha naturalizado la búsqueda de coproducciones a través de Ibermedia. También contamos con los fondos de Uruguay y Proimágenes de Colombia, y Visions Sud Est”, detalla Soderguit. La coproducción se estableció con Colombia tras el encuentro entre sus productores Germán Tejeira y Jhonny Hendrix. Recuerda el director: “Analizamos qué podía aportar Colombia, considerando que Jhonny no tenía un conocimiento de producción en animación. Entonces hicimos las voces y lo necesario para cubrir las cuotas artísticas que exigen los fondos,

más toda la posproducción y diseño de sonido en Colombia. Establecimos algo que no le hace diferencia que sea un país u otro. Podría haber sido Argentina o Chile, por ejemplo. La película tiene una identidad muy uruguaya”. Para el argentino David Bisbano, director de “Rodencia y el diente de la princesa”, el camino de la financiación y el por qué de la coproducción fue diferente. Teniendo la posibilidad de comenzar a desarrollar el proyecto en Perú y la experiencia de rodar una película animada por encargo, optó por armar

una coproducción con Argentina para contar no solo con el aporte monetario necesario para financiarla –tiene apoyo del INCAA-, sino para contar también el “conocimiento artístico de cine”. “En Perú las productoras son nuevas y hay desconocimiento”, cuenta, “no aplicamos ni a Ibermedia, ni a fondos locales, por no saber que existían. La visión era salir a recuperar el dinero por taquilla. La coproducción se armó así, por la necesidad de contar con gente que ya viniera trabajando en otros largos porque había visto muchos baches artísticos y de producción en la primera película. Todos aprendimos un montón y se nutrió mucho a partir de la coproducción”. Una pregunta que es habitual es cuál es la identidad de una película que nace con más de una nacionalidad. “En ‘Anina’ lo que pesa es la intención. Es muy uruguaya porque está basada en una novela uruguaya, que está muy reflejada en el contexto de la escuela pública uruguaya de los años 80, un poco romántica tal vez, lo cual hace que le guste a muchos adultos. Gustó mucho en Buenos Aires, en el Bafici, un poco también por esa identificación. Sin duda tiene un contenido emocional muy fuerte para los que somos rioplatenses”, reflexiona Soderguit. “Siempre te hablan de que una película tiene que ser universal”, apunta Bisbano, agregando: “Pienso que ‘Rodencia’ es universal porque es la historia de un tipo que no se cree nada y hace un viaje fantástico, como en ‘La odisea’ o en ‘El señor de los anillos’. Para mí lo importante es ser sincero y hablar de tu región. Eso es lo que hace que todos se interesen. Yo cuando veo

una película japonesa, quiero ver Japón. Mi idea entonces fue mostrar Latinoamérica al mundo. Y funcionó”. “Anina” fue lanzada en Uruguay en el mes de abril, consiguiendo muy buena respuesta de público -alrededor de 25.000 espectadores-, y en festivales ha seguido un camino tradicional. “Tuvo más atención y mejores resultados en los festivales de cine que en los específicos de animación”, subraya Soderguit. Algunos de los certámenes por los que pasó el film son Cartagena, Berlín y Bafici, ganando en este último el premio del público. Por su parte, “Rodencia y el diente de la princesa”, película en 3D desarrollada por Red Post y Vista Sur Films, fue la segunda producción nacional que más recaudó en Perú durante 2012, detrás de otra animación, “Los ilusionautas”. “El tema comercial es interesante, sobre todo en animación, hay mucho para pensar al respecto”, dice Soderguit. En un mercado dominado por el producto hollywoodensey con cierta fórmula establecida, estas producciones más personales pueden tornar su particularidad en una contrariedad para unos cuantos.

El aspecto comercial lo pensás desde la calidad, en hacer una película que se cuente, se disfrute y funcione. Hemos identificado que es una película que los padres quieren que sus hijos vean”. “A mí se me han acercado desde chicos a adultos a hablarme de la película. Los adultos se conmovían; mientras los distribuidores te dicen que esto es para chicos de 8 años porque supuestamente conocen el negocio. Los distribuidores me decían es muy rara, no sé cómo catalogarla. Y para mí eso era buenísimo”, apunta Bisbano. Pensando las limitaciones de la animación en el contexto sudamericano, ambos coinciden en señalar que la falta de oficio, como resultado de una falta de continuidad de trabajo en este campo, es una dificultad, si bien la profesionalización va en aumento y es alto nivel de talento y libertad creativa.

Cuenta Soderguit: “Hemos tenido comentarios muy favorables, pero algún distribuidor internacional nos ha dicho que es difícil de vender. Algunos dicen que debería haber tenido un doblaje neutro, pero para mí hubiera sido ser infiel al libro, al origen de la historia y el contexto. Nosotros no lo íbamos a reconocer.

“No conozco tanto la realidad de todos los países. Conozco lo que se hace en Patagonik y me sorprendió bien por ejemplo ‘Rodencia…’. Yo no sabía que había películas con ese nivel. Me sorprendió que en Colombia no hay, si bien está ‘Pequeñas voces’, una película muy artesanal. Hay muchos proyectos de largos y ahora hay un fondo exclusivo para animaciones en Colombia, lo cual sin duda lo potenciará. En Uruguay hay mucho autodidacta. Todo el equipo de ‘Anina’ es gente que trabajaba en su casa haciendo animaciones web, flash. No existe un estudio montado como tal.

David Bisbano, director de ‘Rodencia y el diente de la Princesa’

Alfredo Soderguit, director de ‘Anina’

Hay lugares para estudiar pero depende mucho del alumno hasta que nivel se llega. Me da la impresión que, exceptuando la experiencia argentina, todo es incipiente, se están dando casos aislados pero hay perspectiva de que se puede mover en varios aspectos”, analiza Soderguit.

‘ANINA’ 19 abril 2013 URUGUAY / COLOMBIA GÉNERO: Duración: Calificación: Dirección: Protagonistas:

ANIMACIÓN, aventura 1h18’ Todo público Alfredo Soderguit Federica Lacaño Lucía Parrilla

Primer largometraje uruguayo de dibujos animados. Anina Yatay Salas es una niña de diez años. Su nombre es un palíndromo que provoca las risas de algunos de sus compañeros de escuela. En el colegio Anina tiene una mejor amiga, pero también hay una niña con la que no se lleva nada bien: Yisel. Un día se pelea con Yisel y empiezan sus problemas: Anina recibe como castigo un sobre negro cerrado que no puede abrir hasta una semana después. Tampoco puede mencionar a nadie la existencia del sobre. Adaptación del libro de Sergio López S.

En tanto que Bisbano destaca que la animación crecerá como resultado del éxito de los films realizados y su penetración en mercados poco habituales para el cine de la región como, en el caso de “Rodencia…”, Rusia, China o Emiratos Árabes. Desde São Paulo, por Cynthia García Calvo. LatAmcinema.com

‘RODENCIA Y EL DIENTE DE LA PRINCESA’ 11 Octubre 2012 PERÚ / argentina

GÉNERO: Duración: Calificación: Dirección: Protagonistas:

ANIMACIÓN, aventura 1h21’ Todo público David Bisbano alejandro graue natalia rosminati

Cuenta una antigua leyenda que dentro de un inmenso y salvaje bosque, existe un fantástico reino: Rodencia, un lugar habitado por criaturas maravillosas y poderosos magos. Acompañados de los más grandes guerreros del reino , Edam, un torpe aprendiz de mago, y Brie, una bella y segura ratoncita, iniciarán un increíble viaje donde enfrentarán los más sorprendentes peligros para obtener un mágico y legendario poder y así derrotar a las oscuras fuerzas comandadas por el malvado hechicero Rotex, rey de las ratas, que amenaza con invadir Rodencia.

Nuevo Proyecto

‘El Origen’ por Ana Del Toro

Proceso Creativo 26

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La habilidad de crear un mundo real o imaginario donde pueden representarse diversas historias es algo muy atractivo. El público sabe apreciar a un buen narrador de historias. Al aprender a narrar secuencialmente, nos acostumbramos a que la estructura y el significado de una historia cambien rápidamente y se tornen más ambiguos, dramáticos e impactantes mediante sistemas específicos de reconocimiento visual, de personajes complejos y ambientes concretos. La animación supera la prueba del tiempo porque es un proceso basado en la experimentación con distintas estructuras, tecnologías y formas de representación. La animación es un fenómeno muy contagioso. Cuando el público está en una sala de cine absorto en el mundo animado que se despliega ante sus ojos, sólo el director, el guionista, los animadores y productores de la película son conscientes del trabajo y del esfuerzo invertidos para llevar su trabajo a la gran pantalla. En la actualidad existen muchos paquetes digitales que facilitan algunos de los procesos más farragosos de preproducción y posproducción, pero no existe ningún dispositivo capaz de emular la mente y convertir una idea en realidad. Durante la última década se han lanzado al mercado numerosos paquetes de animación creativa, asequibles y fáciles de usar, que ayudan a transformar las ideas en productos tangibles. Su precio competitivo y su contenido de ejemplos basados en la experiencia de varios artistas han facilitado la materialización de ideas que de otro modo jamás hubieran visto la luz. En el pasado, estos equipos sólo se encontraban en los estudios de animación, pero hoy en día cualquier persona puede crear y distribuir proyectos con una alta calidad de proyección. A pesar de haber evolucionado a partir de métodos tradicionales, la animación digital y la generada por ordenador tienen características específicas que las convierten en técnicas independientes y fácilmente reconocibles. Sus reglas son diferentes a las utilizadas en la animación con acetatos, dibujos o stop-motion. Los nuevos creadores cuentan con infinidad de herramientas informáticas que facilitan la animación. Sin embargo, Andrew Selby sostiene que la tecnología sólo es un mecanismo de soporte y nada puede sustituir a la imaginación ni la creatividad de un contenido. Según John Lasseter, director creativo de los estudios de animación PIXAR, “...el arte reta a la tecnología, y la tecnología inspira al arte. Los artistas técnicos proceden de las escuelas de diseño gráfico, donde aprenden escultura, dibujo y pintura, mientras que los artistas tradicionales se dedican cada vez más a aprender tecnología”.

Ana Huitzil del Toro es estudiante de la Licenciatura en Diseño Digital en el Instituto de Investigación en Comunicación y Cultura, ICONOS ubicado en la capital mexicana. Sus habilidades y formación multidisciplinarios le han permitido proyectar, conceptualizar, dirigir y producir trabajos diversos de diseño y animación. En esta ocasión, Ana desarrolló desde el concepto y el guión, hasta la producción y posproducción de este corto al que tituló El Origen, que por cierto resulta ser su primer trabajo utilizando Autodesk Maya para el modelado y la animación. Éste fue desarrollado en el marco de la entrega de Proyecto Integrador al finalizar su quinto cuatrimestre en el Instituto en donde sigue preparándose en diversas materias del diseño digital.

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¿Cómo surgió tu interés por la animación? Desde pequeña me gustaban mucho las películas de animación y el cine, en la escuela solía hacer dibujitos de las caricaturas mas populares a mis compañeros, y también parte de ese interés fue provocado por una gran pasión que siento por la música, lo cual me llevó a pensar que en algún momento de mi vida me gustaría conjuntar mi gusto y sensibilidad por la música y el diseño. Cuando se dio la oportunidad de crear una historia para una animación, descubrí que era mas divertido y enriquecedor narrar historias, hacer que los diseños se movieran y añadirles sonido. ¿Cuánto hace que trabajas como animadora, escritora, productora y creadora? Tiene muy poco que me involucré en este arte de la animación, aunque no es la primera vez que escribo, produzco y dirijo proyectos audiovisuales para diferentes campañas. ¿Cuáles son tus influencias o fuentes de inspiración? Me considero gran admiradora de los trabajos que realizan los estudios PIXAR. También disfruto mucho los videos musicales. Puede inspirarme mucho el trasfondo de una historia, sobre todo si se trata de algo que trascienda lo habitual y que cause reacciones positivas en el público. ¿Cómo definirías la animación con tus propias palabras? Es una obra que puede contarte algo a través de imágenes en movimiento. ¿Podrías dar una sinopsis de tu animación? Hace muchísimo tiempo, solo existían dos seres en el espacio vacío que parecían no llevarse bien. Próximamente descubrirán que deben crear algo en conjunto pero son tan opuestos que pasan un buen rato sin unir sus talentos, hasta que en una ocasión se dan cuenta que uno tiene lo que al otro le falta, por lo que solo trabajando juntos podrán realizar la gran obra.

El Guión La inspiración de la historia se creó a partir de la idea del estilo expresivo prenatal balanceante descrito en el artículo La Globalidad de Lenguajes de Stefania Guerra Lissi y Gino Stefani, como el modo en el que las fases de la vida intrauterina se conectan con comportamientos expresivos cotidianos, artísticos y de carácter regresivo. El estilo balanceante corresponde a formas y ritmos binarios, como las simetrías binarias, por lo que se decidió tomar dos personajes opuestos que al final tendrían que complementarse. Fue después cuando se tomó la idea de los hemisferios de pensamiento que han determinado los paradigmas de la civilización humana, oriental y occidental, desde la perspectiva del teórico de la comunicación Marshall McLuhan y la escuela de Toronto. Esto se relaciona con el cerebro humano, que se caracteriza en su modo de procesar la información también como una dupla en donde los hemisferios derecho e izquierdo, son muy distintos aparentemente opuestos pero complementarios, lo cual nos lleva a definir los rasgos que los caracterizan y que también podemos relacionar de manera dual frente a su opuesto-complementario. Esto nos ayudaría a definir las características físicas y psicológicas de nuestros personajes. Así mismo, en el tenor de las dualidades, recordamos al átomo que constituye a la materia, cuya estructura está compuesta de protones de carga positiva, neutrones, y electrones de carga negativa, trabajando en perpetuum mobile mediante su fuerza de atracción. Entonces podemos identificar desde el micro cosmos, hasta el macrocosmos, una lista bastante extensa de dualidades observables que mantienen cierto orden dentro del sistema de los fenómenos que hasta el momento conocemos. La animación al final muestra una analogía que simboliza estos dos modos de pensamiento que aunque opuestos, se complementan para crear el universo. 30

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Ocurrió hace muchas eras, cuando aún no existía el tiempo ni las cosas ni los hombres, allá lejos en el espacio vacío donde únicamente habitaban dos antiguos dioses ahora olvidados, que una misteriosa voz interior los reunió con la importante misión de engendrar la mas grande obra. Estos dioses únicos eran llamados Itaj e Inan y juntos debían equilibrar sus talentos para poder crear un universo perfecto. El omnipotente dios Itaj estaba muy convencido de no requerir los talentos de Inan, así que comenzó él sólo a inventar estructuras de formas variadas. Para él Inan era un estorbo, un soñador que no lo dejaría trabajar y que nunca tomaría un proyecto con seriedad. Al inicio Inan se sentía contento y entusiasmado pero después de varios intentos por llamar la atención de Itaj, y varios rechazos como resultado, terminó por rendirse y entristecer. Pero en una ocasión, mientras Itaj comenzaba a frustrarse pues sus creaciones no lograban alcanzar la perfección, Inan era motivado por una magnífica idea. Fue entonces cuando creó la luz, el espectro de onda que al proyectarse sobre alguna superficie, reflejaría múltiples colores. Animado por el gran hallazgo, comenzó a pintar el espacio que le rodeaba descubriendo ondas alegres y dinámicas que reflejaban su estado de felicidad. Con este hecho logró finalmente captar la atención de Itaj quien asombrado por el espectáculo se acercó a observar. Fue hasta ese momento cuando Itaj reconoció que el talento de Inan complementado con el suyo, era esencial para poder realizar tan importante obra. Así fue como ambos se unieron y produjeron los elementos y todas las formas de vida tan variadas, complejas y maravillosas que conocemos y desconocemos. Y hasta la eternidad éstas dos fuerzas permanecerán juntas, complementándose, creando, destruyendo y perfeccionando a este universo infinito. - Ana Huitzil del Toro

El diseño de los personajes Dimensión Social Itaj e Inan son los dos únicos seres que habitan en el espacio. Su relación no es buena en un inicio pero después aprenden a complementarse. Dimensión Psicológica Itaj: Es serio, de personalidad rígida, irascible, exigente consigo mismo y con los demás, racional, matemático, metódico, voluntarioso y disciplinado, busca la perfección, es inteligente y algo soberbio. Inan: Es emocional, vulnerable, libre, le gusta jugar y divertirse, es amigable, imaginativo, curioso, creativo, intuitivo, visual, espontáneo, distraído y flexible.

Dimensión Física Itaj: Es un ser antropomorfo compuesto de líneas rectas, con cabeza grande, tronco, brazos y un soporte en forma de pirámide larga a manera de piernas, cuerpo delgado y alto, ojos pequeños, su cabeza asemeja la forma de un diamante, en su forma predominan las líneas rectas y sus facciones también son rectas y poco expresivas. Inan: Es un ser regularmente antropomorfo compuesto de líneas orgánicas, es esbelto y alto, con cabeza, tronco, brazos y un soporte a manera de piernas dividiéndose al final con tentáculos en forma de bucle. Su cabello revolotea impredecible en forma de varios tentáculos. Su Cabeza es redondeada parecido a la forma de un huevo. Sus brazos parecen dos largos tentáculos, es de mirada expresiva y rasgos sensibles.

Principal

PRODUCCIÓN

Personajes vectorizados

Animatic realizado en flash

Modelado y texturizado en 3D

Ya teniendo definida la historia y los personajes procedí a comenzar el modelado de forma digital utilizando Autodesk Maya. La dificultad al proyectar en 3D se dio al momento de interpretar la proporción de los cuerpos, sobre todo en el personaje Inan que tiene tentáculos pequeños en la cabeza, otros mas largos en los brazos y los pies en forma de bucle. El primer modelado que hice de este personaje asemejaba mas al cuerpo de una mujer, por lo que decidí modificarlo haciéndolo mas recto, suavizando sus curvas por el carácter andrógino de los personajes. A partir de esta estructura base del cuerpo pude desarrollar su complexión, siendo distintos en la cabeza, brazos y pies. Así pude conservar la diferenciasimilitud de ambos. 33

PELÍCULA FINAL

annecy 2013

premiaciones

Annecy es el festival de animación con más trascendencia y uno de los más longevos en el mundo, ha premiado a la animación en general desde 1956. Año tras año este macro evento presenta las mejores propuestas provenientes de todas partes del globo, así como también es protagonista en el mercado internacional del cine de animación, su objetivo es que podamos ver las últimas obras maestras en la animación, diferenciar las últimas tendencias y ver las del futuro, reconocer directores posicionados y aplaudir al nuevo talento. Desde los proyectos independientes con recursos prácticamente nulos, hasta las productoras enormes con fondos millonarios buscan un lugar en este festival para ser expuestos al público y a la crítica. Este año, al igual que los pasados, Annecy ofreció diversas actividades con las cuales busca crear una atmósfera adecuada que promueva el interés, aprendizaje y la cultura del mundo animado. Hubo también talleres, conferencias, exhibiciones, proyecciones al aire libre y muchas otras cosas muy interesantes. El nuevo largometraje de animación de Pixar y Disney “Monsters University”, fue el encargado de inaugurar la 37ª edición del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy. Para la edición del 2013 fueron matriculadas 2,461 películas, y 236 fueron seleccionadas, en este año se otorgaron 26 premios. Te presentamos algunos de ellos a continuación.

Categoría de largometrajes:

Cristal a la mejor película: Uma Historia de Amor e Furia Dirigida por Luiz BOLOGNESI País: Brasil Año de producción: 2012 Duración: 01 h 15 min Técnica (s): Dibujo sobre papel Proceso: color Categoría: Largometrajes Audiencia considerada: Familia Producción: BURITI FILMES, Fabiano Gullane, GULLANE, Laís Bodanzky, Caio GULLANE, Gabriel LACERDA, Débora Ivanov, Marcos Barreto Escenario: Luiz Bolognesi Cámara: Anna Caiado Daniel Greco Música: Amabis Rican / Tejo Damasceno / Pupillo Edición: Helena Maura Voz Selton Mello, Rodrigo Santoro, Camila Pitanga 36

Galardones

Mención especial a: Ma maman est en Amèrique, elle a rencontré Buffalo Bill

Dirigida por Marc BORÉAL Thibaut Chatel País: Francia, Luxemburgo Año de producción: 2013 Duración: 01 h 15 min Técnica (s): Dibujo sobre papel, ordenador 2D Proceso: color Categoría: Largometrajes Audiencia considerado: Niños, Familia Producción: ETIQUETA DE ANIM Guillaume GALLIOT Thibaut Chatel, MELUSINE PRODUCCIONES, Stephan Roelants, ESTUDIO DE CANAL Distribución: Gebeka Films, Marc BONNY Adaptado de: “Mi mamá está en América, conoció a Buffalo Bill,” Jean Regnault, Emile Felicitaciones Dirección de Arte: Pascal Valdes Escenario: Jean Regnault, Stéphane Bernasconi Storyboard: Celine Gobinet, Fabrice Le Minier, Eric Gutiérrez, Bruno Bligoux David Garcia Composición: Carine Pascal, Jean-Michel Bonnet, François Pfister, Sophie Mitchell, Arnaud Hénaff Música: Fabrice Aboulker Sonido: Stéphane Gaultier Editor: Valerie Dabos Voz: Marc Lavoine, Julie Depardieu, Tom Trouffier, Alice Orsat

Premio del público: O Apóstolo Dirección: Fernando RODRIGUEZ CORTIZO País: España Año de producción: 2012 Duración: 01 h 25 min Técnica (s): Puppets Proceso: color Categoría: Largometrajes Audiencia (s) considerado (s): Adolescentes, Adultos Jóvenes Producción: ARTEFACTO PRODUCCIONES, Isabel REY Sastre Dirección artística: María Hernanz Escenario: Fernando Rodriguez Cortizo Gráficos: Maria Monescillos Storyboard: Marcos Valin Diseño: Marcos Valin Parciales: Alvaro Alonso Lomba, Colin Miller Animación: Peggy Arel Cámara: David Nardi Composición: Colin Miller

Música: Philip Glass Sonido: David Machado Montaje: Fernando Alfonsín Voz: Geraldine Chaplin, Paul Naschy, Luis Tosar, Carlos Blanco, JM Oliveira Pico, Jorge Sanz, Celso Bugallo, Manuel Manguina

Categoría de cortometrajes:

Cristal al mejor cortometraje: Subconscious Password Dirigida por Chris LANDRETH País: Canada Año de producción: 2013 Duración: 11 minutos Técnica (s): equipo 3D Proceso: color Categoría: Cortometrajes Audiencia (s) considerado (s): Adultos Producción: NFB - NATIONAL FILM JUNTA DE CANADA, Marcy PÁGINA DE COBRE DEL CORAZÓN DE PRODUCCIÓN ENTRETENIMIENTO, Mark Smith Distribución: NFB - NATIONAL FILM JUNTA DE CANADA, Christina ROGERS Escenario: Chris Landreth Música: Daniel Janke Sonido: Andy Malcolm, Pierre Yves Drapeau

Premio especial del jurado: Obida Directora: Anna Budanova País: Rusia Año de producción: 2013 Duración: 09 minutos Técnica (s): 2D ordenador Proceso: color Categoría: Cortometrajes Audiencia (s) considerado (s): Adolescentes, Adultos, Niños, Familia, Jóvenes Adultos Producción: ESTUDIO “URAL-CINEMA” Valentina KHIZHNYAKOVA Escenario: Anna Budanova Animación: Anna Budanova Mihail Dvorjankin Anna Krickaja Sonido: Nadezhda Shestakova

Premio del jurado Jr por un cortometraje, así como la mención especial FIPRESCI y el premio Ródano-Alpes y Light Digital: Feral Dirigida por Daniel Sousa País: Estados Unidos Año de producción: 2012 Duración: 12 min 46 s Técnica (s): Dibujo sobre papel Proceso: color Categoría: Cortometrajes Audiencia (s) considerado (s): Adultos Música: Dan Oro Sonido: Dan Oro

Ente otras producciones que fueron premiadas en este festival, que si bien no es tan conocido como otros no pierde importancia. Cabe mencionar que este año ninguna producción japonesa (Anime para ser específicos) fue premiada en esta edición como había sucedido en años pasados. 38

Selton Mello y Luiz Bolognesi

El largo de animación Uma História de Amor e Fúria llegó a los cines brasileños y AdoroCinema aprovechó la ocasión para conversar en exclusiva con el actor Selton Mello y el director y guionista Luiz Bolognesi. El primero presta su voz al protagonista del largo, pero advierte que este fue un trabajo bien diferente al del doblaje. En tanto el cineasta cuenta como fue la experiencia de ver listo su proyecto, después de 10 años de producción. “La idea surgió 10 años atrás, cuando se estaba lanzando Bicho de Sete Cabeças. En aquel momento, debido al éxito que ese filme estaba teniendo, me pregunté que me gustaría realizar en el futuro. Y lo que más deseaba realizar era un dibujo animado. Tengo dos grandes pasiones, los cómics y la historia de Brasil. Así que decidí hacer un filme en que mezclase las dos cosas”, afirmó Bolognesi. Mello quien en entró más tarde en el proyecto afirmó: “Yo ya tenía el deseo de trabajar con Luiz hacía algún tiempo. Él me presentó la idea de hacer una animación en la cual podría utilizar mi voz. Acepté inmediatamente, pues admiro mucho su trabajo, solo entonces supe en que consistía el proyecto”.

Entrevista

‘Uma Historia de Amor e Furia’ Animación Luiz Bolognesi puede haber demorado 10 años para terminar su filme, pero no se arrepiente de la experiencia. En este sentido, adelantó que quiere dirigir otra animación en breve. En cuanto a Mello no se imagina dirigiendo un dibujo animado: “El formato de la animación es muy interesante, pero creo que no me decidiría a hacer una animación. Es algo muy trabajoso. Luiz dedicó casi diez años a este proyecto. Es mucho tiempo, creo que no tendría toda esa paciencia”.

El doblaje

Diferentes épocas

Inspiración

“Yo trabajé en el doblaje durante toda mi juventud. Trabajé con a mi voz en un período muy feliz de mi vida. Aprendí mucho gracias al doblaje y ahora me aparece un proyecto en que tengo solo la voz para expresarme”, afirma Mello, quien cree necesario puntualizar que en esta producción el proceso de doblaje fue algo diferente. “La diferencia consistió en que primero hice la voz y después se diseñó en base a ella. Durante años realicé doblajes, tenía que tener sincronismo. Esta vez yo gravé y el equipo fue el que me siguió. Fue divertido, pues se trató de lo contrario de lo que siempre había hecho. Fue más un trabajo de actuación que de doblaje. Solo contaba con la voz, no tenía ningún diseño para guiarme.Solo tenía a Luiz delante. Y mi imaginación”.

El largo transcurre en cuatro períodos diferentes de la historia, uno en el futuro y otros tres basados en hechos reales. Según el cineasta, siguieron dos criterios al escoger las épocas: “Queríamos episodios que fuesen espectaculares desde el punto de vista dramático y que al mismo tiempo hubieran sido importantes porque cambiaron la historia del país. Escogimos la llegada de los europeos, la revolución negra en el Maranhão y la dictadura militar”.

“El equipo se inspiró mucho en los diseños animados japoneses y sur-coreanos, en una tradición que vine del Anime. Deseaba mucho hacer un filme usando la técnica clásica de animación de lápiz sobre papel. No quería hacer animación digital, con figuras modeladas en la computadora”, declara el director. Marido de la directora Laís Bodanzky, Bolognesi quiso contar una historia diferente de la que se enseña en las aulas de la escuela.

“En el fondo no se trata de doblaje”, explica Luiz, y continúa: “Gravé con Selton y con Camila Pitanga antes de desarrollar las animaciones y fueron las voces de ellos las que inspiraron a los animadores”.

Selton destacó que no quisieron cambiar radicalmente la voz del personaje en cada período. “Se quería una interpretación bien naturalista y realista. No quería terminar haciendo varias voces. Son varios personajes, pero en verdad es un mismo rostro”, resumió el actor.

Historia de Brasil “La história de Brasil es contada de manera limpia. Se elimina de ella todo lo que puede resultar incómodo, toda contradicción, y queda una historia para ir tranquilos a la cama. Se trata de la tradicional frase, “Brasil no tiene huracanes, ni terremotos, somos un pueblo pacífico”. Pacífico? Hace 500 años que vivimos en estado de violencia pura. En verdad, antes de que los europeos llegaran,

los indios que habitaban aquí ya vivían en guerra todo el tiempo. Es una historia llena de violencia y masacres, y la gente no asume esa realidad. Por ello quería contar justamente esta versión de la historia. La idea era juntar lo que fue oculto debajo del mantel y colocarlo encima de la mesa del comedor”, afirma.

Libertad “Para un guionista, el dibujo animado es extraordinario. No tiene límites, donde vuele su imaginación, la producción puede ir detrás”, afirma el cineasta.

Investigación

Próximos proyectos

“Se realizó una profunda investigación. Se utilizaron cinco investigadores, tres de ellos masters en antropología, uno en historia y otro en psicología. Pasamos un año investigando para escoger que acontecimientos históricos se iban a seleccionar”, reveló Luiz.

“Como actor no tengo ningún plan por el momento. Y como cineasta, todavía no sé cual será mi próximo filme después de O Palhaço”, señaló Mello. Sin embargo no está inactivo, pues continúa trabajando en la segunda temporada de la serie Sessão de Terapia, que dirige para GNT.

En cuanto a Bolognesi tiene algunos proyectos en perspectiva. “Estoy escribiendo el próximo filme de Laís, que se llamará Como Nossos Pais, en el que me encuentro en la fase del segundo tratamiento del guión, y estoy escribiendo un guión para Daniel Rezende, que se titula A Vida de Palhaço, destacó.

pixar

Y la evolución de la animación

Un momento que ha marcado hito en la historia de la animación, una ambición por ser uno de los estudios cinematográficos más respetados del cine, un ambiente de trabajo donde divertirse era lo primordial, un éxito tras otro, ese es Pixar Animation Studios. Todo empezó en 1979 cuando The Graphics Group, un grupo de diseñadores gráficos comandados por el ingeniero en computación Edwin Catmull, deciden separarse de la mundialmente conocida compañía de producción cinematográfica Lucasfilm (George Lucas) para convertirse en una pequeña empresa independiente con el deseo de llevar la animación cinematográfica al siguiente nivel. Sin embargo, era muy difícil para la época debido a que no existía la tecnología necesaria para poder realizar una película que este grupo de emprendedores poseía. No fue hasta 1982 cuando el equipo comenzó a trabajar en secuencias de películas con Industrial Light & Magic, una compañía especializada en el desarrollo de efectos especiales, para mejorar su capital humano. Principalmente eran años de investigación y desarrollo para The Graphics Group, que contaba con unas 40 personas para aquel momento. John Lasseter era una de esas personas y sin duda alguna uno de los principales creativos de la compañía que, para la gran mayoría, si no fuera por él, Pixar no estaría donde está ahora. Wally B & André, John Lasseter. 1984

En 1986, a el multimillonario y fundador de Apple Inc., Steve Jobs se le ocurrió la segunda idea más importante de su vida: invertir en esta compañía de jóvenes con un alto deseo por alcanzar el éxito. Jobs invirtió 10 millones de dólares distribuidos en 5 millones para tecnología e investigación y 5 millones para el capital de la compañía. En otras palabras, oficialmente había nacido Pixar. Ese momento marcó un hito para el cine animado ya que tres grandes y muy inteligentes personas se habían unido para revolucionar el cine de una vez por todas. Tres caminos que se inician en distintos puntos y que acaban convergiendo, tres nombres: John Lasseter, el creativo; Ed Catmull, el ingeniero; y Steve Jobs, el empresario visionario.

Estudios

Lo curioso del caso y probablemente lo más inteligente que realizaron es que en primera instancia se dedicaron a desarrollar un hardware de gama alta para mejorar la imagen a través de una computadora antes de ponerse a realizar una película. Con este desarrollo tecnológico empezaron a darse a conocer ya que éste sistema era vendido principalmente a agencias del gobierno y la comunidad médica. Cabe destacar que uno de los compradores era nada más y nada menos que Walt Disney Studios, iniciando de esta manera una relación entre ambas compañías que sigue existiendo hoy en día. Sin embargo, este desarrollo de la imagen a través de una computadora no se vendió bien; es más, le hizo perder a Steve Jobs un millón de dólares anualmente durante 5 años llevando a la empresa casi a la quiebra. Una de las cosas que probablemente haya salvado a la compañía fue la brillante idea que tuvo John Lasseter con su departamento de animación de producir anuncios publicitarios de animación por computadora para empresas ajenas a Pixar ya que se les hacía muy fácil debido al adelanto tecnológico que poseían, un avance en cuanto a animación se refiere que solo tenían ellos en aquella época.

Luxo Jr. presentada por primera vez en SIGGRAPH. 1986

“Cuando era pequeño me encantaba dibujar más que ninguna otra cosa. Ya siendo un adolescente encontré un libro usado y muy viejo titulado ‘The Art of Animation’, que trataba de los estudios Disney y de cómo se hacían las películas de dibujos animados. Ahí fue cuando me di cuenta de que había gente que se ganaba la vida haciendo dibujos animados y pensé que eso era lo que quería hacer, en ese momento supe a lo que quería dedicarme”, expresaba Lasseter en el documental sobre Pixar llamado The Pixar Story estrenado en el 2007. A mediados de 1990, Pixar Animation Studios decidió vender toda su tecnología, incluyendo los hardwares de animación que desarrollaron durante años a Vicom Systems con el objetivo de obtener algo de mayor poder económico y para empezar a desarrollar la primera película de animación de la historia del cine. Por otra parte, la relación con Walt Disney Feature Animation se fortalecía convirtiéndose en su socio más importante. Un año después y tras un duro comienzo, a John Lasseter se le ocurrió la idea de contar una historia desde el punto de vista de un juguete, ambientada en un mundo de plástico tridimensional. Por consiguiente, Pixar y Disney firmaron un acuerdo de 26 millones de dólares para empezar a producir tres películas animadas por computadora, siendo la primera y la que hizo historia Toy Story.

Lo increíble del asunto es que Pixar seguía perdiendo dinero y Jobs empezaba a considerar vender la compañía a otras empresas, entre las que se destacaba Microsoft. Pero todo dio un giro repentino cuando Jobs se reunió con unos críticos de cine reconocidos por la Academia que le convencieron de que Toy Story iba a ser un éxito de taquilla asegurado. Tras esto, Steve decidió darle un último chance a Pixar. “Lo pensé bien y fue fantástico, no había otro mejor socio con el que juntarse que Disney. Podíamos aprender mucho de ellos, por eso considero que fue lo mejor que le pudo haber pasado al estudio”, expresaba Steve Jobs. En diciembre de 1993, Lasseter y su equipo de trabajo se reúnen con Disney para presentarles los “storyboards” ya finalizados de Toy Story. Sin embargo, no todo fue color de rosas ya que a Disney no le gustó en lo absoluto. La trama no era buena y los personajes eran muy fríos, sobre todo Woody que era muy grosero, de mal gusto y fácil de malinterpretar. “Aquel día fue nuestro viernes negro o martes negro o lunes negro, no me acuerdo que día de la semana era pero lo seguro es que fue negro. Disney quería que paráramos las producciones y despidiéramos a toda la gente pero nos negamos”, dijo John Lasseter. Por consiguiente se llegó a otro acuerdo de volver a reescribir toda la historia (guion) con una dedicación del 110% en el proyecto para que no volviera a ocurrir lo mismo. Todas las secuencias volvieron a ser producidas en unas dos o tres semanas sin descanso debido a que el tiempo no estaba de su lado. En resumidas cuentas, las computadoras donde se realizó Toy Story estuvieron prendidas 24 horas los 7 días de la semana durante 3 meses para terminar el filme sin mayores inconvenientes tras el incidente con los “storyboards”. Toy Story se estreno el fin de semana de Acción de Gracias de 1995 en los Estados Unidos recaudando una suma aproximada de 350 millones de dólares en todo el mundo durante el tiempo que estuvo en taquilla abriéndole la puerta a toda una industria de animación. Cabe destacar que la Academia de Hollywood honró a Jonh Lasseter con un Óscar especial por realizar el primer largometraje animado por computadora. Lo siguiente que hizo Pixar fue vender parte de las acciones de la compañía para poder seguir fortaleciendo la economía de la empresa y de esta manera seguir realizando exitosos filmes animados. Otra decisión inteligente por parte de Jobs ya que dicha venta de acciones le trajo a la compañía 132 millones de dólares.

Estudios

A continuación Pixar realizó A Bug’s Life (1998) y Toy Story 2 (1999), ambas dirigidas nuevamente por Lasseter, siendo un éxito tras otro, catapultando definitivamente a la compañía como una de las más lucrativas y respetadas en la historia del mundo del cine. En resumidas cuentas, este estudio cinematográfico ha producido 14 películas desde Toy Story en 1995 y todas han sido un éxito de taquilla dando a entender que todos los años de esfuerzo y trabajo duro han valido la pena. Esas 14 cintas han recaudado 8,2 billones de de dólares en la taquilla mundial dando un aproximado de 596 mil millones de dólares por cada largometraje. Por otra parte, Pixar ha obtenido 27 Premios de la Academia (siete de esos Oscars han sido en la categoría Mejor Película Animada y tres en la categoría Mejor Película), 11 Premios Grammy y 7 Globos de Oro. En estos momentos, la compañía se encuentra realizando The Good Dinosaur, que será estrenada oficialmente el 30 de mayo de 2014 y se encuentra bajo la dirección de Bob Peterson (mismo director de Up en el 2009). Además, este año oficializaron la realización de la secuela de una de sus cintas más exitosas, Finding Dory; contará con la dirección de Andrew Stanton (mismo director de Buscando a Nemo en el 2003) y será estrenada el 25 de noviembre de 2015. Todos los cineastas y cinéfilos del mundo son testigos de la calidad con la que ésta compañía ha sabido formar creativos y no otro grupo más de ejecutivos con un ambicioso deseo. Es un relato continuo por contar historias increíbles y en donde la aventura es el principal protagonista. Pixar Animation Studios ha sabido colarse, de una manera u otra, en el corazón de muchas personas y ya con eso ha escrito una nueva página en los libros de la historia del cine.

Festivales

CutOut Fest, el festival de cortometrajes de animación de la ciudad de Querétaro, celebrará su próxima edición del 14 al 16 de noviembre de 2013. Abierta a realizadores mexicanos y extranjeros, en la convocatoria podrán participar cortometrajes de hasta 30 minutos de duración realizados entre enero del 2012 y julio de 2013. El certamen cuenta con las categorías Narrativa, Experimental y Videoclip y con una competición de cortos universitarios, en la que podrán participar exclusivamente estudiantes de animación de escuelas mexicanas. La fecha límite de recepción de trabajos para esta categoría es el 31 de agosto. Desde su fundación en 2009, CutOut Fest se ha consolidado como la plataforma independiente más importante para exhibir, difundir y promover la industria cinematográfica de animación en México y se ha posicionado como un referente internacional para dicha disciplina. Este año, el certamen se proyecta como un espacio para explorar las propuestas artísticas que surgen ante la acelerada y creciente innovación tecnológica en materia de arte digital. Entre los invitados ya confirmados para la próxima edición del evento se encuentran Max Hattler, Shy The Sun, MEMOMA, Tiny Inventions, Wet Back, Layzell Bros y 2veinte. Las bases del certamen están disponibles en la página web delcertamen http://www.cutoutfest.com/.

Se pone en marcha primer festival de animación stop motion de México Stop Motion México, el primer festival de animación especializado en la técnica de stop motion de México, ha abierto la convocatoria para su edición inaugural que se celebrará en la capital mexicana del 10 al 12 de octubre próximo. El concurso está abierto a cortometrajes de todo el mundo realizados en stop motion con una duración máxima de 30 minutos y los interesados podrán participar en alguna de las siguientes categorías: profesional, independiente, estudiantil y comercial. La convocatoria permaneció abierta hasta el día 16 de agosto. Las bases están disponibles en la página web del certamen. http://www.stopmotionmexico. com/index.html/ConvocatoriaConcurso.html Con esta iniciativa, los organizadores pretenden crear un espacio de intercambien conocimientos y experiencias entre profesionales, artistas, estudiantes y público interesado en la animación, y al mismo tiempo ser una plataforma para el talento nacional e internacional. El festival contará, además, con conferencias, muestras nacionales e internacionales, talleres, exhibición y concurso.

Festivales

Cartoon Connection, el encuentro de productores de animación de Europa, Canadá y Latinoamérica, abre su convocatoria CARTOON, la asociación europea de productores de animación, ha comenzado a recibir inscripciones para Cartoon Connection Canadá, el encuentro de profesionales de la industria de animación de Europa, Canadá y Latinoamérica, que celebrará su próxima edición del 28 al 31 de octubre próximo en la ciudad de Quebec. El objetivo de este evento -que se celebra en Canadá por cuarto año consecutivo- es fomentar el networking profesional así como fomentar la cooperación entre empresas de animación de los tres territorios a través de coproducciones, desarrollos transmedia, distribución de largometrajes y series de animación, ofrecimiento de servicios, etc. La organización del evento prevé la participación de unos 150 profesionales, entre los que se encuentran productores, inversores, cadenas de televisión y distribuidores de Norte América y Europa. Las dos jornadas de trabajo incluirán sesiones informativas y estudio de casos para entender cómo funciona la industria de la animación en cada uno de los territorios así como one-to-one meetings en los que los productores latinoamericanos tendrán oportunidad de presentar proyectos y obras ya producidas a potenciales socios de Europa y Canadá. Además, los participantes latinoamericanos tendrán oportunidad de visitar distintos estudios de animación canadienses para conocer en primera persona cómo trabajan los estudios de una de las industrias de animación más importantes del mundo, como la canadiense. Se pueden conocer más detalles del evento en la página web http://www.cartoon-media.eu/CONNECT o a través del email connection@cartoon-media.eu.

Nace Anima’T, el primer encuentro internacional de profesionales de la animación La cumbre está organizada por el Festival de Sitges y la asociación catalana de animación (ANIMATS) junto con el Departamento de Cultura, Catalan Films & TV PROA. El director general de Creació i Empreses Culturals de la Generalitat de Catalunya, Jordi Sellas, ha presidido la primera presentación de la cumbre profesional Anima’T. Este acontecimiento está impulsado por la Asociación catalana de animación, ANIMATS; Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya; Televisió de Catalunya; Catalan Films & TV PROA y el departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Es la primera cumbre profesional del mundo de la animación y se celebrará los días 10 y 11 de octubre, coincidiendo con la inauguración del certamen de cine. Anima’T nace con vocación internacional y con el objetivo de ser un punto de encuentro para los profesionales del sector. En el programa se incluirán sesiones de pitchings de proyectos, junto con masterclass. Esta primera edición se focalizará en Irlanda, gracias a la ayuda de las oficinas MEDIA Atenna Catalunya, Galway y MEDIA Desk Irlanda. En la presentación ya se ha hecho pública la convocatoria de pitchings, las bases están disponibles en la web oficial www.animatsitgesbcn.cat. Anima’T cuenta también con el apoyo de la federación española de animación DIBOOS; ICEX; la federación de productores PROA; Catalan Films & TV PROA, así como con los ayuntamientos de Barcelona y Sitges, puesto que las jornadas se celebrarán entre las dos ciudades. Anima’T nace con un spin-off de la sección homónima del Festival de Sitges y, en este sentido, los organizadores han buscado esta complicidad a través de la imagen gráfica de la cumbre. El gorila, icono del certamen, presidirá este acontecimiento profesional, que a su vez inaugurará la nueva etapa del centro Arts Santa Mònica, su sede oficial.