Momeñe 4 y 5

CHARLES DARWIN Charles Robert Darwin (Shrewsbury, 12 de febrero de 1809 - Down House, 19 de abril de 1882) fue un naturalista inglés, reconocido por ser el científico más influyente (y el primero, compartiendo este logro de forma independiente con Alfred Russel Wallace) de los que plantearon la idea de la evolución biológica a través de la selección natural, justificándola en su obra de 1859 El origen de las especies con numerosos ejemplos extraídos de la observación de la naturaleza. Postuló que todas las especies de seres vivos han evolucionado con el tiempo a partir de un antepasado común mediante un proceso denominado selección natural. La evolución fue aceptada como un hecho por la comunidad científica y por buena parte del público en vida de Darwin, mientras que su teoría de la evolución mediante selección natural no fue considerada como la explicación primaria del proceso evolutivo hasta los años 1930.Actualmente constituye la base de la síntesis evolutiva moderna. Con sus modificaciones, los descubrimientos científicos de Darwin aún siguen siendo el acta fundacional de la biología como ciencia, puesto que constituyen una explicación lógica que unifica las observaciones sobre la diversidad de la vida.

Con apenas 16 años Darwin ingresó en la Universidad de Edimburgo, aunque paulatinamente fue dejando de lado sus estudios de medicina para dedicarse a la investigación de invertebrados marinos. Durante sus estudios de medicina, asistió dos veces a una sala de operaciones en el hospital de Edimburgo, y huyó de ambas dejándole una profunda impresión negativa. «Esto era mucho antes de los benditos días del cloroformo», escribió en su autobiografía.Posteriormente, la Universidad de Cambridge dio alas a su pasión por las ciencias naturales.El segundo viaje del HMS Beagle consolidó su fama como eminente geólogo, cuyas observaciones y teorías apoyaban las ideas uniformistas de Charles Lyell, mientras que la publicación del diario de su viaje lo hizo célebre como escritor popular. Intrigado por la distribución geográfica de la vida salvaje y por los fósiles que recolectó en su periplo, Darwin investigó sobre el hecho de la transmutación de las especies y concibió su teoría de la selección natural en 1838.Aunque discutió sus ideas con algunos naturalistas, necesitaba tiempo para realizar una investigación exhaustiva, y sus trabajos geológicos tenían prioridad.Se encontraba redactando su teoría en 1858 cuando Alfred Russel Wallace le envió un ensayo que describía la misma idea, urgiéndole Darwin a realizar una publicación conjunta de ambas teorías.

Su obra fundamental, El origen de las especies por medio de la selección natural, o la preservación de las razas preferidas en la lucha por la vida, publicada en 1859, estableció que la explicación de la diversidad que se observa en la naturaleza se debe a las modificaciones acumuladas por la evolución a lo largo de las sucesivas generaciones.Trató la evolución humana y la selección natural en su obra El origen del hombre y de la selección en relación al sexo y posteriormente en La expresión de las emociones en los animales y en el hombre. También dedicó una serie de publicaciones a sus investigaciones en botánica, y su última obra abordó el tema de los vermes terrestres y sus efectos en la formación del suelo.Dos semanas antes de morir publicó un último y breve trabajo sobre un bivalvo diminuto encontrado en las patas de un escarabajo de agua de los Midlands ingleses. Dicho ejemplar le fue enviado por Walter Drawbridge Crick, abuelo paterno de Francis Crick, codescubridor junto a James Dewey Watson de la estructura molecular del ADN en 1953.

Como reconocimiento a la excepcionalidad de sus trabajos, fue uno de los cinco personajes del siglo XIX no pertenecientes a la realeza del Reino Unido honrado con funerales de Estado,siendo sepultado en la Abadía de Westminster, próximo a John Herschel e Isaac Newton

FRANCIS FRITH Nació en Chesterfield (Inglaterra) en 1822.

Fomenta un interés por la fotografía, convirtiéndose en un miembro fundador de la Sociedad Fotográfica de Liverpool en 1853 y cofundador de la Royal Photographic Society.Vende sus empresas (primeramente una tienda de comestibles y luego una imprenta) en 1855 para dedicarse enteramente a la fotografía.

De 1856 a 1859 Frith hizo expediciones fotográficas a Egipto y Palestina. Su obra aparece en libros publicados por las empresas de Londres James S. Virtud y William Mackenzie entre 1858 y 1865, y publicado por Stereographs Negretti&Zambra en 1862.

En 1860, Frith fundó su propia compañía en Surrey, que produjo y distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. La empresa también hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China y la India, así como un amplio cuerpo de trabajo en Gran Bretaña a fines del siglo XIX. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra; F. Frith & Co. cerró en 1960.

RICHARD MISRACH. Richard Misrach es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, California, en 1949) que ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color.

En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala, que es una práctica extendida en la actualidad.

Misrach es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, que es tan fascinante como misterioso y la compleja relación del hombre con él. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea.

Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Callejón del Cáncer; el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y la hora en sus fotografías de serie Golden Gate; On the beach, en la que sus fotografías desde una perspectiva aérea, estudian la interacción de las personas y el aislamiento; y su proyecto actual, que supone una ruptura radical con su trabajo hasta la fecha, con sus primeras imágenes digitales.

Misrach, tras trabajar con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color.

Las fotografías de Misrach se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones, como el Museo de Arte Moderno, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, la National Gallery of Art, Washington, DC, el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Centro Georges Pompidou, Paris, y el Tokyo Metropolitan Museum of Art. Ha obtenido numerosos premios como cuatro becas de la National Endowment for the Arts, una beca John Simon Guggenheim Foundation Fellowship, el Premio Literario del PEN Center West en no ficción, el Infinity Award del International Center of Photography y el 2002 Kulturpreis.

LUDWIG WITTENGENSTEIN. Ludwig Josef Johann Wittgenstein (Viena, 26 de abril de 1889 - Cambridge, 29 de abril de 1951) fue un filósofo, matemático, lingüista y lógico austríaco, y posteriormente nacionalizado británico por él mismo. Publicó el Tractatus logico-philosophicus,que influyó en gran medida a los positivistas lógicos del Círculo de Viena , movimiento del que nunca se consideró miembro. Tiempo después, el Tractatus fue severamente criticado por el propio Wittgenstein en Los cuadernos azul y marrón y en sus Investigaciones filosóficas, ambas obras póstumas. Fue discípulo de Bertrand Russell en el Trinity College de la Universidad de Cambridge, donde más tarde también él llegó a ser profesor.

Ludwig Wittgenstein nació en Viena el 26 de abril de 1889, de Karl y de Leopoldine Kalmus. Fue el más joven de nueve hijos, nacido en una de las familias más prominentes y ricas del Imperio austrohúngaro.

Sus abuelos paternos, Hermann Christian y Fanny Wittgenstein (que era una prima primera del famoso violinista Joseph Joachim), eran ambos nacidos en familias judías pero más tarde convertidas al protestantismo, y después de que se trasladaran de Sajonia a Viena en los años 1850, se asimilaron a las clases profesionales protestantes vienesas.

El padre de Ludwig, Karl Wittgenstein, se convirtió en un industrial e hizo su fortuna con el hierro y el acero. A finales de los años 1880, Karl controlaba un monopolio efectivo sobre los recursos del hierro y el acero dentro del imperio y era uno de los hombres más ricos del mundo.Más tarde, Karl transfirió gran parte de su capital a propiedades inmobiliarias, acciones de capital, metales preciosos y reservas de divisas extranjeras, que estaba esparcido a través de Suiza, Austria, los Países Bajos y América del Norte. Por consiguiente, la riqueza colosal de la familia fue aislada de las crisis de inflación que siguieron en los años posteriores.

Su madre, Leopoldine Kalmus, era hija de padre judío y madre católica. A pesar de la conversión al protestantismo de sus abuelos paternos, los hijos de los Wittgenstein fueron bautizados como católicos —la fe de su abuela materna— y Ludwig recibió un entierro católico después de su muerte.

Creció en un hogar que proporcionaba un ambiente excepcionalmente intenso para la realización artística e intelectual. Sus padres eran aficionados a la música y todos sus hijos tuvieron dotes intelectuales y artísticas. El hermano mayor de Ludwig, Paul Wittgenstein se convirtió en un pianista concertista de fama mundial quien continuó su carrera como concertista incluso tras perder el brazo derecho en la Primera Guerra Mundial (1914-1918), motivando que Maurice Ravel compusiera para él en 1931 su famoso Concierto para piano para la mano izquierda.

La casa de los Wittgenstein atraía a gente culta, especialmente a músicos. La familia recibía visitas frecuentes de artistas como Gustav Mahler. Toda la educación musical de Ludwig sería muy importante para él. Incluso utilizó ejemplos musicales en sus escritos filosóficos. Otra no tan afortunada herencia que pudo haber tenido fue la tendencia al suicidio: tres de sus cuatro hermanos varones se quitaron la vida.

Cursó sus estudios a principios del siglo XX en la escuela secundaria de Linz, la Realschule Bundesrealgymnasium Fadingerstrasse. En esa misma escuela también estudiaba por entonces Adolf Hitler. Existe una foto fechada en 1901 en la cual se puede apreciar a ambos, junto con el resto de los alumnos y uno de sus profesores, posando para la foto escolar anual. Pertenece a un libro escrito por la australiana Kimberley Cornish titulado The Jew of Linz: Wittgenstein, Hitler and Their Secret Battle for the Mind (1998). Según dicha escritora, el joven Ludwig era el niño judío al que posteriormente se referirá Adolf Hitler en su obra Mein kampf (Mi lucha), aunque esta teoría está en disputa.

El primer interés intelectual de Wittgenstein no fue la filosofía sino la ingeniería. Sus estudios lo llevaron, en primer lugar, a Berlín y posteriormente a Manchester (Reino Unido), donde se

encontraba la vanguardia de la ingeniería aeronáutica. Como resultado de su primer trabajo, presentó una patente para un motor a reacción en 1911 que parece tuvo cierta influencia en el diseño futuro de los motores para helicópteros. Estando en Inglaterra se interesó por la filosofía de las matemáticas y entró en contacto con Bertrand Russell con quien comenzaría una tormentosa relación. Sin embargo este ambiente inglés es el que lanzó su carrera intelectual, con amigos como George Moore o el economista John Maynard Keynes.

Mantuvo una posición muy crítica sobre sus colegas filósofos e incluso sobre lo que podían opinar de él otras figuras del ámbito científico: En 1919 renunció a la parte de la fortuna familiar que había heredado cuando su padre murió. El dinero fue dividido entre sus hermanas Helene y Hermine y su hermano Paul. Ludwig insistió en que le prometieran que nunca se lo devolverían.

Ludwig Wittgenstein murió en Cambridge, en casa de su médico, el doctor Bevan, el 29 de abril de 1951, tras negarse a recibir tratamiento médico contra el cáncer de próstata que sufría. Se encontraba trabajando en un manuscrito que analizaba los supuestos y condiciones de la certeza, publicado de manera póstuma por la heredera de sus trabajos, Elizabeth Anscombe, bajo el título Sobre la certeza. Se dice que sus últimas palabras fueron: "Diles que mi vida fue maravillosa". Su última voluntad fue gozar de un funeral católico.

El pensamiento filosófico de Wittgenstein suele dividirse en dos períodos: el primer período gira en torno a su primer trabajo importante, publicado en 1923: el Tractatus logico-philosophicus. Luego de su publicación, Wittgenstein dejó la filosofía, creyendo haber resuelto todos los problemas filosóficos. Varios años después, tras algunos traspiés, Wittgenstein volvió a enseñar y filosofar, pero con un espíritu muy distinto al que guió su trabajo anterior. De este segundo período resultaron las Investigaciones filosóficas, publicadas de manera póstuma en 1953. Estos dos trabajos son tan diferentes, que a veces se habla de un "primer Wittgenstein" o "Wittgenstein del Tractatus", y de un "segundo Wittgenstein" o "Wittgenstein de las Investigaciones".

El Tractatus logico-philosophicus fue el primer libro escrito por Wittgenstein y el único que él vio publicado en vida. La primera publicación fue en la revista alemana Annalen der Naturphilosophie (XIV, 3-4, págs. 185-262), bajo el título Logisch-Philosophische Abhandlung.Un año más tarde (en 1922) aparecería la primera edición bilingüe (alemán-inglés) en la editorial Kegan Paul de Londres, acompañado de una introducción de Bertrand Russell, y ya bajo el título en latín con el que más se lo conoce. Es el principal texto en que Wittgenstein expresa su pensamiento del llamado "primer período".

El Tractatus es un texto complejo que se presta a diversas lecturas. En una primera lectura, se presenta como un libro que pretende explicar el funcionamiento de la lógica (desarrollada previamente por Gottlob Frege y por Russell, entre otros), tratando de mostrar al mismo tiempo que la lógica es el andamiaje o la estructura sobre la cual se levanta nuestro lenguaje descriptivo (nuestra ciencia) y nuestro mundo (que es aquello que nuestro lenguaje o nuestra ciencia describe).

La tesis fundamental del Tractatus es esta estrecha vinculación estructural (o formal) entre lenguaje y mundo, hasta tal punto que: «los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo» (Tractatus: § 5.6). En efecto, aquello que comparten el mundo, el lenguaje y el pensamiento es la forma lógica (logische Form), gracias a la cual podemos hacer figuras del mundo para describirlo.

En el Tractatus, el mundo (Welt), es la totalidad de los hechos, es decir, de lo que es el caso (lo que acaece, lo que se da efectivamente) (Tractatus: §§ 1-2). Los hechos son "estados de cosas" (Sachverhalt), o sea, objetos en cierta relación (Tractatus: §§ 2-2.01). Por ejemplo, un hecho es que el libro está sobre la mesa, lo cual se revela como una relación entre "el libro" (que podemos llamar objeto "a") y "la mesa" (que podemos llamar objeto "b"). Según Wittgenstein, los hechos poseen una estructura lógica que permite la construcción de proposiciones que representen o figuren (del alemán Bild) ese estado de cosas. "El libro está sobre la mesa", trascrito a lenguaje lógico, se

expresa: "aRb". Al igual que un hecho es una relación entre objetos, una proposición será una concatenación de nombres (los cuales tendrán como referencia los objetos). Para Wittgenstein el lenguaje descriptivo funciona igual que una maqueta, en la cual representamos los hechos colocando piezas que hacen las veces de los objetos representados. En el Tractatus, el lenguaje está formado fundamentalmente por nombres (hablamos, naturalmente, del lenguaje una vez que es analizado lógicamente).

De esta idea tan fundamental extrae Wittgenstein toda su teoría de la figuración (o de la significación) y de la verdad. Una proposición será significativa, o tendrá sentido (del alemán Sinn), en la medida en que represente un estado de cosas lógicamente posible. Otra cosa distinta es que la proposición sea verdadera o falsa. Una proposición con sentido figura un estado de cosas posible.

Para que la proposición sea verdadera, el hecho que describe debe darse efectivamente (debe ser el caso). Si el hecho descrito no se da, entonces la proposición es falsa. Pero en este caso, sea falsa o sea verdadera, la proposición tiene sentido, porque describe un estado de cosas posible. «El mundo es todo lo que sea el caso» (Tractatus: § 1); la realidad (Wirklichkeit) será la totalidad de los hechos posibles, los que se dan y los que no se dan (Tractatus: § 2.06 y § 2.202).

Otra tesis fundamental del Tractatus es la identidad entre el lenguaje significativo y el pensamiento, dando a entender que nuestros pensamientos (las representaciones mentales que hacemos de la realidad) se rigen igualmente por la lógica de las proposiciones, pues: «La figura lógica de los hechos es el pensamiento» (Tractatus: § 3) o «El pensamiento es la proposición con sentido» (Tractatus: § 4). De este modo, si algo es pensable, ha de ser también posible (Tractatus: § 3.02), es decir, ha de poder recogerse en una proposición con sentido (sea esta verdadera o falsa). El pensamiento es una representación de la realidad. La realidad es aquello que se puede describir con el lenguaje (en este sentido, se aprecia que la realidad en el Tractatus es una imagen que resulta de un lenguaje descriptivo, y no una realidad en sí; por eso los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo).

Este es el modo en que Wittgenstein determina de qué podemos hablar con sentido y de qué no podemos hablar. Podemos hablar, o sea, decir verdades o falsedades, siempre y cuando utilicemos el lenguaje para figurar estados de cosas o hechos posibles del mundo. Solo es posible hablar con sentido de la realidad. Este es el punto en que el Tractatus es interpretado como abogado del empirismo o como una apología de la ciencia, ya que solo la ciencia es capaz de decir algo con sentido; y «De lo que no se puede hablar, hay que callar» (Tractatus: § 7). Ahora bien, el verdadero y original pensamiento de Wittgenstein empieza aquí. Si, como dice el Tractatus solo es posible hablar con sentido de los hechos del mundo: ¿qué ocurre con los textos de filosofía y, en particular, con las proposiciones del propio Tractatus? En efecto, el Tractatus no describe hechos posibles ni hechos del mundo, sino que habla del lenguaje y de la lógica que rige nuestro pensamiento y nuestro mundo, etc.

Entra así en juego la polémica -pero fundamental- distinción entre decir y mostrar que el propio Wittgenstein consideraba el núcleo de la filosofía. La forma lógica y la lógica en general no pueden expresarse, vale decir: no se puede crear una proposición con sentido en que se describa la lógica, porque la lógica se muestra en las proposiciones con sentido (que expresan el darse o no darse de un estado de cosas). La lógica está presente en todas las proposiciones, pero no es dicha por ninguna de ellas. En este sentido: «La lógica es trascendental» (Tractatus: § 6.13).

La lógica establece cuál es el límite del lenguaje, del pensamiento y del mundo, y de ese modo se muestra el propio límite, que ya no pertenece al mundo, quedando fuera de ese ámbito de lo pensable y expresable. Es por ello que, como indica Wittgenstein: «Hay, ciertamente, lo inexpresable. Se muestra, es lo místico» (Tractatus: § 6.522). La tarea de la filosofía es, entonces, precisamente, llegar hasta los casos límite del lenguaje, donde ya no hablamos del mundo pero, sin embargo, sí queda mostrado lo inexpresable. Este es el caso de las tautologías, las contradicciones y, en general, las proposiciones propias de la lógica.

Análogamente, tal y como se apunta hacia el final del Tractatus, la ética (o sea, aquello que trata de

hablar sobre lo que sea bueno o malo, lo valioso, el sentido de la vida, etc.) es también inexpresable y trascendental (Tractatus: §§ 6.4-6.43). La ética, lo que sea bueno o valioso, no cambia nada los hechos del mundo; el valor debe residir fuera del mundo, en el ámbito de lo místico. De lo místico no se puede hablar, pero una y otra vez se muestra en cada uno de los hechos que experimentamos.

Las Investigaciones filosóficas son el principal texto en que se recoge el pensamiento del llamado segundo Wittgenstein. El rasgo más importante de esta segunda época está en un cambio de perspectiva y paradigma en su estudio filosófico del lenguaje. Si en el Tractatus adoptaba un punto de vista lógico para el escrutinio del lenguaje, este segundo Wittgenstein llega al convencimiento de que el punto de vista adecuado es de carácter pragmatista: no se trata de buscar las estructuras lógicas del lenguaje, sino de estudiar cómo se comportan los usuarios de un lenguaje, cómo aprendemos a hablar y para qué nos sirve.

En las Investigaciones, sostiene que el significado de las palabras y el sentido de las proposiciones está en su función, su uso (Gebrauch) en el lenguaje. Vale decir que preguntar por el significado de una palabra o por el sentido de una proposición equivale a preguntar cómo se usa. Por otra parte, puesto que dichos usos son muchos y multiformes, el criterio para determinar el uso correcto de una palabra o de una proposición estará determinado por el contexto al cual pertenezca, que siempre será un reflejo de la forma de vida de los hablantes. Dicho contexto recibe el nombre de juego de lenguaje (Sprachspiel).Estos juegos de lenguaje no comparten una esencia común sino que mantienen un parecido de familia (Familienähnlichkeiten). De esto se sigue que lo absurdo de una proposición radicará en usarla fuera del juego de lenguaje que le es propio.

Una tesis fundamental de las Investigaciones es la imposibilidad de un lenguaje privado. Para Wittgenstein, un lenguaje es un conglomerado de juegos, los cuales estarán regidos cada uno por sus propias reglas. El asunto está en comprender que estas reglas no pueden ser privadas, es decir que no podemos seguir privadamente una regla. La razón está en que el único criterio para saber que seguimos correctamente la regla está en el uso habitual de una comunidad: si me pierdo en una isla desierta, y establezco un juego para entretenerme, al día siguiente no puedo estar seguro de si cumplo las mismas reglas que el día anterior, pues bien podría fallarme la memoria o haber enloquecido. Lo mismo ocurre con los juegos de lenguaje: pertenecen a una colectividad y nunca a un individuo solo. Esto tendrá importantes consecuencias para la posterior filosofía de la mente, pues ¿qué sucede con esos términos que refieren a nuestras experiencias privadas, los llamados términos mentales, como "dolor"? El significado de la palabra "dolor" es conocido por todos. Sin embargo, yo no puedo saber si llamas "dolor" a lo mismo que yo, ya que yo no puedo experimentar tu dolor, sino solamente el mío. Esto lleva a Wittgenstein a comprender que el uso de la palabra "dolor" viene asociado a otra serie de actitudes y comportamientos (quejas, gestos o caras de dolor, etc.) y que solo con base a ello terminamos por asociar la palabra "dolor" a eso que sentimos privadamente.

Por otro lado, desde esta misma perspectiva, los llamados "problemas filosóficos" no son en realidad problemas, sino perplejidades. Cuando hacemos filosofía, nos enredamos en un juego de lenguaje cuyas reglas no están determinadas, ya que es la propia filosofía la que pretende establecer esas reglas; es una suerte de círculo vicioso. De ahí que la misión de la filosofía sea, para Wittgenstein, "luchar contra el embrujo de nuestro entendimiento Mientras que para el primer Wittgenstein había un solo lenguaje, a saber: el lenguaje ideal compuesto por la totalidad de las proposiciones significativas (lenguaje descriptivo), para el segundo Wittgenstein el lenguaje se expresa en una pluralidad de distintos "juegos de lenguaje" (del que el descriptivo es solo un caso). Cabe decir que el primer Wittgenstein realza la substitución "explicativa" frente a la "inductiva" -característica del segundo Wittgenstein- en una segunda parte más introspectiva del lenguaje exacto, calificándolo de un modo más adecuado al uso, como se ha dicho del primer y segundo Wittgenstein; en tanto que la inversión del significado, inversión producida por la reiteración del significado opuesto al directo, puede cambiar el contexto de la

proposición y asimismo admitirla. Por otra parte, el primer Wittgenstein definía lo absurdo o insensato de una proposición en tanto que esta rebasaba los límites del lenguaje significativo, mientras que el segundo Wittgenstien entiende que una proposición resulta absurda en la medida en que esta intenta ser usada dentro de un juego de lenguaje al cual no pertenece. De ahí que, para el primer Wittgenstein, el significado estaba determinado por la referencia, lo que equivale a decir que si una palabra no nombra ninguna cosa o en una proposición no figura ningún hecho, carece de significado en tanto que resulta imposible asignarle un determinado valor de verdad. Pero el segundo Wittgenstein reconoce que en el lenguaje ordinario la función descriptiva es una de las tantas funciones del lenguaje y que, por ende, el dominio del significado es mucho más vasto que el de la referencia. Así, para el segundo Wittgenstein, el sentido de una proposición o el significado de una palabra es su función, o sea que está determinado por el uso que se haga de la misma. En síntesis: el criterio referencial del significado es reemplazado por el criterio pragmático del significado.

En cuanto a la noción de verdad, el primer Wittgenstein adopta sin más el criterio correspondentista, puesto que, en virtud de la relación isomórfica entre lenguaje y mundo, la verdad se constituye como la correspondencia entre el sentido de (lo representado en) una proposición y un hecho. Pero dado que el segundo Wittgenstein postula distintos usos posibles del lenguaje más allá del descriptivo, la aplicación del criterio semántico de verdad parece quedar restringida al ámbito del lenguaje meramente descriptivo.

MCLEAN Don McLean (New Rochelle, Nueva York; 2 de octubre de 1945) es un cantautor estadounidense, principalmente famoso por su balada «American Pie» (1971), sobre un acontecimiento que se conoce como El día que murió la música y se basa en la muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Booper en un accidente aéreo en 1959. Este tema cuenta con muchas versiones, de las que destacan la de Madonna en su disco Music (2001) y la de Hernaldo Zúñiga en español titulada «Siglo XX» (1984). Otro tema suyo muy conocido es «Vincent (Starry, Starry Night)», en honor a Vincent Van Gogh.

Un poema sobre McLean, «Killing Me Softly With His Blues» de Lori Lieberman, se convirtió en la canción llamada «Killing Me Softly» por Charles Fox y Norman Gimbel. Lieberman fue la primera en grabarla (1971), aunque la canción alcanzó su mayor éxito por los diferentes covers que se hicieron, el principal, en la voz de Roberta Flack (1973). Casi un cuarto de siglo más tarde, otra versión de The Fugees la volvió a lanzar a la fama en 1996.

En 1981, McLean llegó al número uno internacional con el clásico de Roy Orbison «Crying». El mismo Orbison describió, en una oportunidad, a McLean como «la voz del siglo», y una posterior regrabación del tema por Orbison incorporó elementos de la versión de McLean.

Curiosamente la banda estadounidense de punk rock NOFX, en su álbum 45 Or 46 Songs That Weren't Good Enough To Go Pon Our Other Records, realizó una versión a su estilo de la canción «Vincent».

JOEL STERNFELD. Joel Sternfeld forma parte del movimiento del New American Color junto con otros pioneros como Stephen Shore, William Eggleston o Joel Meyerowitz. También ha tratado temas como la cotidainidad, la carretera y el modo de vida estadounidense a la par de fotógrafos como Lee Friedlander o Robert Adams.

Nacido en Nueva York en 1972, Sternfeld se caracteriza por el uso de cámaras de gran formato y el

color forma parte de una capa de significado esencial en su trabajo.

Uno de sus trabajos más destacados es American Prospects, un registro de Estados Unidos en la década de 1980 donde sus fotografías realizan un retrato de esta nación en la época del Presidente Reagan. Es un tratamiento tragicómico que se convirtió en uno de los grandes cuerpos de obra a color en la historia de la fotografía. American Prospects se publicó una década después de William Eggleston’s Guide, la controvertida exposición curada por John Szarkowski en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Sternfeld culmina, entonces, de afincar el color en el marco de la fotografía artística seria. Lo que habían comenzado Eggleston y Shore encontró una consolidación y aceptación fundamental en Joel Sternfeld.

Con su trabajo Stranger Passings Sternfeld realiza una cierta tipología del pueblo estadounidense. A la manera de August Sander, Joel captura al americano en sus distintas facetas. El fotógrafo decide fotografiar a la gente in fraganti. Contrasta, entonces, la imagen impecable lograda con el negativo enorme de la cámara de gran formato con la espontaneidad y la conexión entre fotógrafo y sujeto.

No se tratan de imágenes robadas, son frescas pero tampoco absolutamente espontáneas. Sternfeld capta la curiosidad con su cámara enorme, se pone en contacto con la gente, y eso dota a las fotografías de una extraña mezcla de espontaneidad, camaradería pero también de una estética impecable. Del mismo modo que Larry Sultan, Sternfeld traspasa las barreras de la fotografía fija al influir con su estética en el mundo de los cinefotógrafos.

Sternfeld trabaja seres como en Walking the High Line donde explora con su cámara el devenir de una vía elevada del tren que ha sido abandonada en el lado oeste de Manhattan. Se trata de una interesante reflexión (y contemplación) de la relación entre naturaleza y ciudad. Sus fotografías son trampantojos: aparentan ser instantáneas, no muy distintas de una fotografía de turista o una imagen vernácula, cuando en realidad están cuidadosamente planeadas y compuestas. Llama poderosamente la atención la gran atención que pone Sternfeld a la calidad de la luz en sus fotografías que casi se convierte en una protagonista en sí misma.

Un día que Joel caminaba en Central Park encontró un lugar con una luz maravillosa: el mismo lugar donde Jennifer Levin había sido asesinada. Así creó otro proyecto titulado On This Site: una colección con 50 fotografías de sitios donde han ocurrido terribles crímenes. Joel ha expresado, múltiples veces, que la fotografía es únicamente acerca de la superficie de las cosas, pero que no cuenta toda la historia. Este trabajo reflexiona, profundamente, sobre las contradicciones entre la belleza y la tragedia.

El trabajo de Sternfeld es de una gran potencia que comienza con lo cromático, pasa por la extraordinaria precisión del negativo grande y comparte con Eggleston y Shore la mirada hacia los objetos y sujetos aparentemente banales, pero que esconden una enorme profundidad.

Sternfeld ha recibido dos veces la Beca Guggenheim, ganó el Prix de Rome y el Citibank Photography Award. Ha publicado libros como American Prospects (1987), Stranger Passing (2002) , Walking the High Line (2002), Sweet Earth (2005), Oxbow Archive (2008),First Pictures (2011), On this Site (2012) , por mencionar solamente algunos. Ha realizado más de 80 exposiciones en Estados Unidos y casi 40 en Europa.

Joel Sternfeld se encuentra en activo y, a sus 72 años, todavía carga con su enorme cámara.

MARCEL PROUST. (París, 1871-id., 1922) Escritor francés. Hijo de Adrien Proust, un prestigioso médico de familia tradicional y católica, y de Jeanne Weil, alsaciana de origen judío, dio muestras tempranas de inteligencia y sensibilidad. A los nueve años sufrió el primer ataque de asma, afección que ya no le abandonaría, por lo que creció entre los continuos cuidados y atenciones de su madre. En el liceo Condorcet, donde cursó la enseñanza secundaria, afianzó su vocación por las letras y obtuvo brillantes calificaciones. Tras cumplir el servicio militar en 1889 en Orleans, asistió a clases en la Universidad de La Sorbona y en la École Livre de Sciences Politiques.

Durante los años de su primera juventud llevó una vida mundana y aparentemente despreocupada, que ocultaba las terribles dudas que albergaba sobre su vocación literaria. Tras descartar la posibilidad de emprender la carrera diplomática, trabajó un tiempo en la Biblioteca Mazarino de París, decidiéndose finalmente por dedicarse a la literatura. Frecuentó los salones de la princesa Mathilde, de Madame Strauss y Madame de Caillavet, donde conoció a Charles Maurras, Anatole France y Léon Daudet, entre otros personajes célebres de la época.

Sensible al éxito social y a los placeres de la vida mundana, el joven Proust tenía, sin embargo, una idea muy diferente de la vida de un artista, cuyo trabajo sólo podía ser fruto de «la oscuridad y del silencio». En 1896 publicó Los placeres y los días, colección de relatos y ensayos que prologó Anatole France. Entre 1896 y 1904 trabajó en la obra autobiográfica Jean Santeuil, en la que se proponía relatar su itinerario espiritual, y en las traducciones al francés de La biblia de Amiens y Sésamo y los lirios, de John Ruskin.

Después de la muerte de su madre (1905), el escritor se sintió solo, enfermo y deprimido, estado de ánimo propicio para la tarea que en esos años decidió emprender, la redacción de su ciclo novelesco En busca del tiempo perdido, que concibió como la historia de su vocación, tanto tiempo postergada y que ahora se le imponía con la fuerza de una obligación personal. Anteriormente, había escrito para Le Fígaro diversas parodias de escritores famosos (Saint-Simon, Balzac, Flaubert), y comenzó a redactar Contre Sainte-Beuve, obra híbrida entre novela y ensayo con varios pasajes que luego pasarían a En busca del tiempo perdido.

Consumado su aislamiento social, se dedicó en cuerpo y alma a ese proyecto; el primer fruto de ese trabajo sería Por el camino de Swann (1913), cuya publicación tuvo que costearse él mismo ante el desinterés de los editores. El segundo tomo, A la sombra de las muchachas en flor (1918), en cambio, le valió el Premio Goncourt. Los últimos volúmenes de la obra fueron publicados después de su muerte por su hermano Robert.

La novela, que el mismo Proust comparó con la compleja estructura de una catedral gótica, es la reconstrucción de una vida, a través de lo que llamó «memoria involuntaria», única capaz de devolvernos el pasado a la vez en su presencia física, sensible, y con la integridad y la plenitud de sentido del recuerdo, proceso simbolizado por la famosa anécdota de la magdalena, cuyo sabor hace renacer ante el protagonista una época pasada de su vida.

El tiempo al que alude Proust es el tiempo vivido, con todas las digresiones y saltos del recuerdo, por lo que la novela alcanza una estructura laberíntica. El más mínimo detalle merece el mismo trato que un acontecimiento clave en la vida del protagonista, Marcel, réplica literaria del autor; aunque se han realizado estudios para contrastar los acontecimientos de la novela con la vida real de Proust, lo cierto es que nunca podrían llegar a confundirse, porque, como afirma el propio autor, la literatura comienza donde termina la opacidad de la existencia.

LEE FRIEDLANDER. Lee Friedlander (n. 14 de julio de 1934) es un fotógrafo estadounidense.

Realizó estudios de fotografía en el Art Center School entre 1953 y 1955, al año siguiente se trasladó a Nueva York y estuvo trabajando en portadas de discos de música de jazz. En sus primeros trabajos se notaba la influencia de Eugéne Atget, Robert Frank y Walker Evans.

Su primera exposición monográfica la realizó en la George Eastman House de Rochester en 1963 en la que ya empezaba a explorar el paisaje urbano y a proporcionar un nuevo sentido a la fotografía documental. En la exposición realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1967 destacó junto a Diane Arbus y Garry Winogrand como representante de ese nuevo documentalismo y desde entonces ha realizado numerosas fotografías dotadas en muchos casos de sentido del humor.

Uno de sus trabajos más significativos fue el análisis del caos en la vida cotidiana de la generación de los años cincuenta para lo que contó con una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation en 1960, 1962 y 1970, fruto de esta investigación fue el libro The American monument y la exposición en la Galería Corcoran titulada The nation's capital in photographs. En 1958 logró la recuperación de los negativos de Ernest James Bellocq que contenían una serie de retratos sobre las prostitutas de Nueva Orleans a principios del siglo XX, con la colaboración con Susan Sontag y John Szarkowski dio lugar al libro titulado Bellocq photographs from Storyville, the red-light district of New Orleans. Aunque también son muy conocidos la serie de desnudos que realizó a Madonna en 1979 al comienzo de su carrera, publicadas por Playboy en 1985.

Al estar enfermo de artritis tuvo que ser operado de la rodilla y estar recluido en su casa, durante ese tiempo realizó una serie de fotografías que publicó en su libro Stems (Tallos) en 2003. En el año 2005 el MOMA realizó una exposición retrospectiva de su obra, recibiendo ese mismo año el premio internacional de la Fundación Hasselblad.

CHARLES LAUGHTON. Charles Laughton (Scarborough, 1 de julio de 1899 – Los Ángeles, 15 de diciembre de 1962) fue un actor y director de cine y teatro nacido en el Reino Unido y nacionalizado ciudadano estadounidense en 1950.

Más conocido por el público de hoy en día como el director de La noche del cazador, Charles Laughton fue también actor tanto en el teatro como en el cine.

Laughton era conocido por su intensa implicación en el trabajo, que él consideraba, más que una profesión, un arte creativo a la altura de las creaciones musicales, pictóricas o literarias. James Mason, comentando la revolución en el arte de la actuación que supuso la irrupción de Laughton, lo definió como «un actor del método sin sus tonterías». El mismo Laughton dijo respecto al Actors Studio: «Un actor del método te ofrece una fotografía: yo prefiero hacer una pintura al óleo».

JAMES AGEE. James Rufus Agee. (27 de noviembre de 1909 Knoxville, Tennessee-16 de mayo de 1955 Nueva York) fue un escritor y periodista estadounidense. Su novela autobiográfica Una muerte en la familia, aparecida en 1957, que ganó el premio Pulitzer en 1958, se la considera una obra maestra.

Colaboró también en el cine, como crítico y como guionista de dos películas sobresalientes.

RALPH EUGENE MEATYARD. Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y fallecido el 7 de mayo de 1972) interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual.

Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Sus dueños eran miembros activos del Lexington Camera Club.

Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956.

La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith ( del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo).

Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo.

Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia.

Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”.

Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos 47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte.

Mientras que vivió su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas tan en boga desde comienzos del siglo XXI. Una antología de su obra, Dolls and Masks (Muñecas y máscaras) se expone en el Museo De Young de San Francisco.

GUY BOURDIN. Guy Louis Banarès (París, Francia, 2 de diciembre de 1928 - 29 de marzo de 1991) fue un fotógrafo de modas y de publicidad francés, uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX. Guy Bourdin nació en París, Francia. Un año después de nacer, fue adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay, quienes lo criaron. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal.

En 1950, exhibe por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París. Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29. Este catálogo incluye una presentación del artista estadounidense Man Ray. Nuevamente en la capital francesa, exhibe sus fotografías bajo el seudónimo Edwin Hallan en la Galerie Huit, en el año 1953. Luego, en 1954, presenta una muestra de dibujos en la Galerie de Beaune, en París. También contribuyó con fotografías para la gira de exhibiciones de la C.S. Association UK , en 1954-55 y 1955-57. En ambas oportunidades, su trabajo fue expuesto en galería de arte Whitechapel en Londres, Inglaterra.

En febrero de 1955, fueron publicadas sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa. También ese año, exhibió sus dibujos en la Galerie des Amis des Arts y sus pinturas en la Galerie Charpentier, ambas en París. Al año siguiente, expone nuevamente dibujos en la Galerie de Seine.

En 1957, exhibió sus pinturas y dibujos en la galería Peter Deitsch de la ciudad de Nueva York, además de contribuir con fotografías para la exhibición grupal titulada Vogue, en la Bienal Internacional de Fotografía de Venecia. Cuatro años después, se casó con Solange Louise Gèze, además de aportar para la muestra grupal Le Photographe en face de son métier, en el Saló Nacional de la Fotografía. En 1965, exhibió nuevamente sus dibujos en la galería Jacques Desbrière de París.

Un año más tarde, contribuyó con la feria de arte Photokina 66, en Colonia.

1967 es un año especial para Bourdin, ya que nació su único hijo, Samuel. Ese mismo año, fue por primera vez el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan, además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo. En 1969, colaboró con la muestra grupal l’insolite et la mode en al galería Delpire de París.

Luego de diez años de matrimonio, su esposa Solange Louise Gèze falleció.

Durante los años siguientes, Bourdin realizó editoriales de moda por primera vez para la revista Vogue, en su edición italiana en 1972 y su edición británica en 1974. Mientras tanto, en 1973, sus fotos fueron requeridas por la agencia de publicidad Mafia, en París. En 1975, elaboró las fotografías publicitarias para el diseñador japonés Issey Miyake. Al año siguiente, realizó el catálogo de lencería de la marca Sighs and Whispers para la tienda Bloomingdale's de Nueva York.

También participó en campañas publicitarias para los diseñadores italianos Gianfranco Ferré y Gianni Versace, además de la marca Loewe.

En 1977, realizó su primer editorial fotográfico para la revista Vogue Hommes. Sus imágenes fueron mostradas en la gira de exhibiciones llamada The History of Fashion Photography en diversos locales de Estados Unidos, incluyendo el Museo Internacional de Fotografía., la Casa George Eastman y los museos de arte moderno de Rochester, Nueva York y San Francisco. Al año siguiente, Guy confeccionó la campaña publicitaria para el diseñador francés Claude Montana, además de colaborar nuevamente para la feria de arte Photokina 66 y realizar calendarios para Issey Miyake y la marca de cámaras fotográficas Yashica. En 1981 confeccionó el calendario de la marca Pentx.

Su última campaña publicitaria para Charles Jourdan fue en 1981, mientras tanto, hizo sus primeras fotos para la firma de diseño Línea Italiana. Un año después participó en la campaña publicitaria de Gianfranco Ferré y Roland Pierre, además de contribuir con la exhibición titulada Color as Form en el Museo Internacional de Fotografía en Nueva York.

En 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro. Ese mismo año, el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotograía, pero Bourdin se negó a aceptarlo.

Por tercra y última vez colaboró para la feria de arte Photokina 66, en 1986. Al año siguiente, culmina su contrato con la revista Vogue francesa. Realizó su primera editorial para The Best y la campaña publicitaria para Révillon y para la casa de modas Chanel.

En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, Nueva York, le otorga el premio Infinity Award, de manos de otra reconocida fotógrafo, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria para Chanel.

Aquel año contribuye con la Trienal Internacional de Fotografía, París, Francia.

El 29 de marzo de 1991, Guy Bourdin muere de cáncer a los 62 años.

MARGARET BOURKE-WHITE. Margaret Bourke-White (1904-1971) nació en Nueva York el 14 de junio de 1904. Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence H. White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Fue la primera mujer corresponsal de guerra (y la primera a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial) y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life, dirigida por Henry Luce. Una fotografía suya fue portada de la primera edición, el 23 de noviembre de 1936.

Era una mujer de izquierdas que hizo varios viajes a la antigua Unión soviética (URSS). En 1930 fue la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. En 1931 publicó "Eyes on Russia". Profundamente sensibilizada por la depresión en el país llegó a interesarse por la política.

Se casó con Erskine Caldwell en 1939 y fueron los únicos periodistas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941.

En la primavera de 1945, viajó a través de una Alemania destruida con el Gral. George S. Patton.

Cuando llegó a Buchenwald, el tristemente famoso campo de concentración, luego de registrar los restos, dijo: "Usar una cámara era casi un alivio. Esta interponía una ligera barrera entre el horror delante de mí y yo misma". Después de la guerra, produjo un libro titulado "Dear Fatherland, Rest Quietly", un proyecto que le ayudó a entender la brutalidad de la que había sido testigo durante y después de la guerra.

Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi.

INGMAR BERGMAN Ingmar Bergman (Upsala, 14 de julio de 1918-Fårö, 30 de julio de 2007) fue un guionista y director de teatro y cine sueco, considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX. HERBERT LIST. Herbert List (7 de octubre de 1903 - 4 de abril de 1975) fue un fotógrafo alemán, conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos. Fue seleccionado para participar en la exposición The family of man en el MOMA en 1955.

Empezó a interesarse por la fotografía animado por Andreas Feininger en 1930 tras conocer el trabajo visual de René Magritte, Man Ray y Giorgio de Chirico, por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo. En 1935 dejó el trabajo en su empresa y se trasladó a París y al año siguiente a Londres, donde montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life. En 1945 regresó a Múnich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute que publicaban los aliados. En los años siguientes, hasta 1962, estuvo viajando y visitando países como Grecia, España, Italia, Francia, México y el Caribe, y publicando en diversas revistas: Heute, Época, Look, Harper's Bazaar, Flair, Picture Post y Life.

Aunque estuvo asociado a la Agencia Magnum realizó pocos encargos para ella.

En 1964 recibió la medalla David Octavius Hill de la Sociedad alemana de fotografía. En sus últimos años de vida realizó numerosas exposiciones en ciudades como Londres, Múnich, Düsseldorf, Zúrich, Milán y Nueva York. Murió en Múnich el 4 de abril de 1975.

RALPH GIBSON. Nació en Los Ángeles el 16 de enero de 1939 y fue hijo único de Rita Vargas y C. Carter Gibson. Su padre trabajaba en Warner Bros, por lo que el cine formaba parte de la vida cotidiana de la familia.

Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando en 1954 se divorciaron sus padres bajó su rendimiento escolar y abandonó la escuela en 1955 con dieciséis años. Hasta que tuvo la edad para alistarse en la marina estuvo trabajando como mecánico y el día de su cumpleaños en 1956 se alistó como voluntario.

Ha recibido numerosas distinciones y premios. En los años 1973, 1975 y 1986 fue premiado por la National Endowment for the Arts; en 1977 por la Deutscher Akademischer Austauschdienst Exchange en Berlín, y por el New York State Council of the Arts; y en 1985 por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation. También fue condecorado como Officier de L'Ordre des Arts et des Lettres en 1986 y en 2002 como Commandeur de L'Ordre des Arts et des Lettres por el gobierno francés.

Entre sus premios se incluyen: Leica Medal of Excellence Award (1988); 150 Years of Photography Award dado por la Sociedad fotográfica de Japón en 1989; la Gran Medalla de la ciudad de Arlés en 1994 y la Lucie Award en 2007 por lo logros alcanzados a lo largo de su vida. Fue nombrado en 1991 doctor honorario en Artes por la Universidad de Maryland y en 1997 por la Universidad Wesleyan de Ohio.

Gibson vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

HARRY CALLAHAN. El inspector Harold Francis "Harry El Sucio" Callahan es un personaje ficticio de la serie de películas Harry el Sucio, Dirty Harry (1971), Magnum Force (1973), The Enforcer (1976), Sudden Impact (1983) and The Dead Pool (1988). Callahan es interpretado por Clint Eastwood en todas las películas.

Desde su debut, Callahan se convirtió en el modelo para un nuevo tipo de policía en las películas: un antihéroe que no vacila en pasarse los límites profesionales y éticos en la búsqueda de su propia visión de la justicia, especialmente cuando la ley está mal aplicada por una burocracia inepta.

Callahan es considerado un icono del cine, su sobrenombre "Dirty Harry" o "Harry el sucio", ha entrado en el léxico como argot para los oficiales de policía implacables. En todas la pélículas de Harry el Sucio se muestra a Callahan abatiendo criminales, la mayoría de ellos en luchas con arma de fuego, es famosa su relación con el revólver magnum. También es famoso por frases que pronuncia frente a hombres armados, Anda... alégrame el día y [...] Hazte una pregunta: ¿Soy un afortunado? Bueno, lo eres, infeliz? o " mis amigos Smith&Wesson y yo..." que se han convertido en un ícono. A medida que la película de 1971 fue criticada por llevar tintes fascistas, o al menos autoritarios, las secuelas intentaron ser más equilibradas al enfrentar a Harry contra villanos a partir de un espectro ideológico más amplio; como en Magnum Force, en la que Harry combate a unos policías justicieros que se toman la justicia por su mano vigilantism.

ROBERT DOISNEAU. Robert Doisneau. El fotógrafo francés Robert Doisneau nació en 1912 en Gentilly, cerca de París.

Inicialmente fue formado como litógrafo y grabador. ... Desde 1934 hasta 1939 trabajó como fotógrafo profesional para la empresa Renault en Billancourt.

CLARENCE JOHN LAUGHLIN. Clarence John Laughlin fue un fotógrafo americano (nacido en Lake Charles, Luisiana en 1905 y fallecido en París en 1985) considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos.

Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta con su cámara de 2 ½ x 21/4. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías utilizando modelos, trajes y escenografía.

Muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948.

Murió en1985 (está enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París), dejando una colección masiva de libros y de imágenes. Gracias a los 17.000 negativos que preservó, su trabajo continúa siendo mostrado en Estados Unidos y Europa. La biblioteca de Laughlin, con unos 30.000 volúmenes, fue comprada por la Louisiana State University en 1986.

RALPH EUGENE MEATYARD. Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y fallecido el 7 de mayo de 1972) interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual.

Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Sus dueños eran miembros activos del Lexington Camera Club.

Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956.

La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano cuyos profesores eran Minor White (que también le introdujo en el zen) y Henry Holmes-Smith ( del que aprendió a experimentar y a no tenerle miedo al riesgo).

Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo.

Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados,

escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia.

Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”.

Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos 47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte.

Mientras que vivió su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década, en que gracias principalmente a los críticos europeos, ha emergido el interés por su personal obra, empezando a entenderla y a apreciarla, siendo reivindicado como precursor de las corrientes tenebristas y sicológicas tan en boga desde comienzos del siglo XXI. Una antología de su obra, Dolls and Masks (Muñecas y máscaras) se expone en el Museo De Young de San Francisco.

MARCEL DUCHAMP. Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.

Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento dada en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

JOSEF KOUDELKA. Josef Koudelka (Boskovice, República Checa, 10 de enero de 1938) es un fotógrafo nacido en Checoslovaquia y nacionalizado francés.

Josef Koudelka nace en la región de Moravia, Checoslovaquia. Se interesa por la fotografía a los doce años gracias a el señor Dycka, panadero de oficio, fotógrafo aficionado y amigo de su padre.

Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6. En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica.

Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografía para realizar su primera exposición en 1961 en el Teatro Semafor de Praga. Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo. Así, colabora esporádicamente con la revista Divadlo (teatro) y su interés por la música tradicional y de los rroma le lleva a hacer de los gitanos su principal sujeto fotográfico.

En 1965 es invitado por el director del Teatro tras el puente (Divadlo za branou ) a fotografiar espectáculos teatrales. Y junto a Marieta Luskacová emprende varios viajes por el este de Eslovaquia con el fin de fotografiar celebraciones religiosas.

En 1966 se publica el primer libro de fotografías de Koudelka, que recoge la serie de la obra de Alfred Jarry Ubu Rey, que había sido puesta en escena por Jan Grossman.

En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía.

En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”.

Expone por primera vez las fotografías de gitanos tomadas en 1961 y 1967 bajo el rótulo de Cikáni.

Al año siguiente viaja a Rumanía para continuar su proyecto sobre estilo de vida de los gitanos y regresa a Praga un día antes de que comience la invasión de Checoslovaquia por parte de las tropas del Pacto de Varsovia. A lo largo de los días siguientes fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y serán distribuidas por la Agencia Magnum, entonces presidida por Elliott Erwitt, a las revistas y periódicos de mayor relevancia internacional (Look, The Sunday Times Magazine y Época) sin que se mencione el nombre de su autor para protegerle de posibles represalias. Este relato visual “de un fotógrafo checo” le valdrá el Premio Robert Capa del Overseas Press Club.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos.

En 1971, Elliott Erwitt le propone unirse a la cooperativa Mágnum Photos y Koudelka acepta ser miembro asociado. Es entonces cuando conoce a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con quienes mantendrá una relación muy cercana. Koudelka reconoce que trabajando con Robert Delpire aprendió de fotografía más que nunca en su vida y que éste es la persona que mejor conoce su obra, a lo que ayuda el hecho de que sea el editor de la mayor parte de los libros de Koudelka.

El Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA) rinde homenaje al fotógrafo organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka. Y en ese mismo año, 1975, Robert Delpire publica en París el libro Gitanos: el final del viaje (Gitans: la Fin du Voyage), que recibirá el Premio Nadar tres años más tarde.

En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se nacionaliza francés.

En 1986 es invitado por la Mission Photografique de la DATAR a formar parte, junto a otros fotógrafos, de un proyecto cuyo objetivo es documentar la diversidad de paisajes, tanto urbanos como rurales, de Francia. Tras probar a hacer fotografías en París, Normandía y Bretaña, se decide por la región de Lorena, donde la reestructuración de la industria metalúrgica estaba produciendo grandes cambios en el terreno. Con esta experiencia comenzará a emplear sistemáticamente cámaras panorámicas, pues ya realizaba fotografía panorámicas desde 1958.

Hasta hoy en día, Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como el Premio Cartier Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio internacional de la Fundación Hasselblad y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia.

FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: NOMBRE: Ana Isabel APELLIDOS: Jiménez González CURSO: 1º Fotografía FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: Eduardo Momeñe TÍTULO: La visión fotográfica EDICIÓN:Auto-editor Madrid, Mayo 2009 Editorial :Eduardo Momeñe Año: 24 Noviembre 2010 Nº de páginas: 202 BREVE INTRODUCCION BIOGRAFICA Y LITERARIA DEL AUTOR Eduardo Momeñe es un fotógrafo vasco (nacido en 1952 en Bilbao, reside en Madrid), docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica.

Eduardo Momeñe es un fotógrafo de largo recorrido: comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Después de pasar unos años por Europa, ha vuelto a residir en Madrid.

A lo largo de su amplia carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías", obras bien conocidas en el mundo fotográfico.

Su primera exposición fotográfica la realizó en la galería Nikon de Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes países y sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas. Revistas como Vogue, Style, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes.

Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.

Actualmente coordina el master internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Su labor didáctica la realiza también a través de Internet. Su escuela se llama Afterphoto

TEMA DEL PRINCIPAL La Visión Fotográfica es una tutoría:exige un compromiso, presenta las etapas, da indicaciones y facilita herramientas para abordarlas. No contesta a tus preguntas sino que plantea las suyas propias, una tras otra, para que seas tú quien encuentre las respuestas y te hagas nuevas preguntas El libro está repleto de reflexiones que te obligarán a repensar la Fotografía, a posicionarte en ella , no te dirán dónde debes colocarte, sino que te empujarán para que lo decidas por ti mismo, que te harán exigente con el trabajo de los otros y con el tuyo propio, que te volverán más consciente de lo que implica perseguir buenas imágenes, y sí, hay hueco incluso para aportar una respuesta (más de una, en realidad) a la eterna pregunta de qué es una buena fotografía.

ARGUMENTO Se trata de un cúmulo de propuestas e ideas que se van desarrollando, repitiéndose, y que el autor expone como puntos de partida para nuestra propia reflexión y para generar nuevos planteamientos.

Y es que para hacer buenas fotografías es imprescindible tener una gran curiosidad y un gran interés por conocer lo que hubo antes.

El libro como un curso, hay que abordarlo como un texto de estudio y no como una simple lectura, hace que no tenga ni una sola imagen (solo la de la portada). Esto es así para obligarnos a a buscar las imágenes, los autores, las ideas que se recogen en negrita. De esa manera, el título de una fotografía nos permite investigar quién la realizó, en qué contexto histórico y cultural la hizo, con qué otros autores tiene relación… Dentro Internet, la información es infinita nosotros mismo decidimos hasta donde ampliamos.

En definitiva, el autor propone que reflexionemos sobre la fotografía y lo que queremos transmitir con ella, sin quedarnos únicamente en la mera recogida de imágenes . Lo importante es que hayamos pensado en lo que quiere decir “fotografiar”

CONCLUSIONES: Consta de una breve introducción de seis páginas explica cómo está planteado y cómo podemos aprovecharlo al máximo, antes de entrar de lleno en el curso. Éste se divide en ocho capítulos que carecen de título y que se suceden sin ruptura, el salto entre uno y otro no es más que una pequeña parada que se puede aprovechar para dejar que lo leído repose. por lo demás no suponen un cambio de tema o una subdivisión del texto, o al menos esa es la sensación que he tenido al leerlo.

De hecho, aunque el libro abarca muchos aspectos del proceso de hacer (buenas) fotografías es, más que un curso segmentado al uso, como una conferencia que puedes “escuchar” al ritmo que tú

decides, volviendo atrás cuando lo consideres necesario, deteniéndote a reflexionar sobre las frases que invitan a hacerlo (hay muchas, muchas) el tiempo que te haga falta, consultando las referencias mencionadas No da lecciones de diafragma ni obturador. Da lecciones de fotografía en mayúscula. Un libro de texto sin una sola foto, pero una auténtica guía de conocimiento y referencias fotográficas. Muy recomendado para jóvenes y no tan jóvenes.

En "La visión fotográfica" Eduardo Momeñe nos propone un recorrido histórico por algunos de los mejores fotógrafos y nos sugiere reflexionar sobre aspectos esenciales de la fotografía. Bajo mi punto de vista, es una lectura recomendada para todo el mundo que desee iniciarse en este mundo de la fotografía

IDEAS PRINCIPALES Me ha parecido muy interesante la idea de que en el mundo esta todo inventado y en la fotografiá también, no podemos hacer ni mostrar nada nuevo ni diferente, todo esta ya mas que inventado, por este motivo debemos mostrar nuestra visión del mundo, nuestra visión de la fotografiá, nuestra mirada que sera nuestro sello personal.

Los grandes fotógrafos nos han mostrado el mundo con nuevos ojos, nuevas creencias y nuevos pensamientos y ese es nuestro reto, intentar reinventar la apariencia de las cosas. Estos grandes maestros no surgieron de la nada, adquirieron vocabulario, fotográficamente hablando, para poder expresarse. Si entendemos bien de qué tratan las imágenes de los clásicos estaremos más capacitados para entender nuestras propias imágenes, si no sabemos de qué tratan nuestras imágenes difícilmente podrán saberlo los demás.

Una buena fotografiá es un punto de vista bien expresado, el mundo ya lo hemos visto por activa y por pasiva, pero lo que no ha sido visto es el mundo en nuestra fotografiá. A un buen fotógrafo no se le exige que descubramos grandes hallazgos, solo que las fotografiás estén bien hechas sin trampas.El reto mas grande pata un fotógrafo es que la fotografiá (su medio de vida) es transmitir, poder hablar sin palabras, puesto que la fotografiá es un medio de expresión. Lo que de verdad importa es su fuerza como imagen, la potencia como foto y la capacidad que tenga para transmitimos emociones y sentimientos. Momeñe nos invita a estudiar a los fotógrafos, de este modo nos iremos formando como fotógrafos buscando nuestra propia identidad y aprendiendo de los mejores.

Todos los dias vamos ampliando nuestra formación visual, adquirimos conocimiento sobre las imágenes, cogemos mejor la cámara y pesamos más lo que queremos expresar con ella, cada dia tenemos mas seguridad en nosotros mismos y en la fotografiá que hacemos . Cada día conocemos a más fotógrafos, sus obras y su manera de controlar el espacio y que luz utilizan.