Momeñe autores

VISION FOTOGRAFICA EDUARDO MOMEÑE. Ana Jiménez González.

Teoría de la fotografiá 1º A

ALFRED EISENSTAEDT. Alfred Eisenstaedt (Dirschau, Prusia Occidental, 6 de diciembre de 1898 - Nueva York, 24 de agosto de 1995) fue un fotógrafo, fotoperiodista y teórico de la fotografía alemán-estadounidense cuya ciudad de nacimiento pertenece hoy a Polonia (Tczew). Es uno de los fotógrafos más prolíficos del siglo XX, iniciando su carrera profesional en Alemania en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Emigró a los Estados Unidos en 1935, dejando su país porque era judío y formando parte de un prominente equipo de fotógrafos para Revista Life, en la cual casi un centenar de sus fotografías fueron la imagen de portada, de entre las 2.500 que publicó en ella.

Alfred Eisenstaedt había nacido en Dirschau (hoy en día Tczew), en Prusia Occidental, parte del Imperio Alemán en 1898. Su familia era judía (su padre era comerciante) y se mudaron a Berlín en 1906. Realizó sus primeras fotografías con tan sólo 14 años, cuando le regalaron una cámara plegable Eastman Kodak Nro. 3.

Durante la Primera Guerra Mundial participó en el Ejército Alemán como artillero, siendo herido en 1918. Tras la Primera Guerra Mundial trabajó como vendedor de mercería (botones, etc.) y dedicaba su tiempo libre a aprender fotografía, teniendo gran interés por todos los aspectos, tanto técnicos como creativos. Tras el gran éxito que tuvo una foto suya de una tenista publicada en la revista Weltspiegel, encaminó su profesión hacia el campo de la fotografía.

Eisenstaedt era conocido como "Eisie" por su amigos más íntimos. Murió en su cama en la medianoche, a la edad de 96 años, en la compañía de su cuñada Lucille Kaye (Lulu) y su amigo William E. Marks.

En 1927 comenzó a trabajar para el diario berlinés Berliner Tageblatt en Berlín y no tardó en hacerse un prestigioso fotoperiodista que terminó publicando en multitud de publicaciones ávidas de buenas imágenes, como el recién fundado Illustrierte Zeitung. En 1928 colaboraba con "Pacific and Atlantic Photos' Berlin", que a partir de 1931 fue absorbida por Associated Press. Para 1929 la fotografía ya era su profesión a tiempo completo y ese mismo año fue muy valorado su trabajo en los Premios Nobel, cuando retrató a Thomas Mann, su compatriota premiado en literatura. En los años sucesivos se orientó más por la fotografía de retrato, siendo alabadas sus fotografías de personalidades como Marlene Dietrich, George Bernard Shaw, Albert Einstein, Richard Strauss o los dictadores Benito Mussolini y Adolf Hitler, a los cuales fotografió por primera vez en Italia.

Entre otras notables fotografías suyas de esos tiempos están la toma de un camarero en la pista de hielo del Grand Hotel en St. Moritz, en 1932, y la imagen de Joseph Goebbels en la Liga de las Naciones en Génova, en 1933. En esta toma, un inicialmente amigable Goebbels terminó frunciendo el ceño, esquinado, en el momento exacto en que el se le sacaba la fotografía.

Tras la victoria del nazismo en su país y su condición de judío, tuvo que exiliarse para poder salvar su vida y prosperar profesionalmente. Cuando llega a los Estados Unidos de Norteamérica, en 1935, se convierte en ciudadano norteamericano y un año después entra a trabajar en el equipo de la revista Life, donde estuvo cerca de 40 años (desde 1936 hasta 1972) y era fue uno de los cuatro fotógrafos del equipo original, junto con Margaret Bourke-White y Robert Capa. De este periodo destacan sus retratos de celebridades, desde Sofía Loren a Ernest Hemingway, pasando por John Fitzgerald Kennedy, muchas de las cuales fueron portadas de la revista.

En 1935, nada más establecerse en Nueva York, también fue uno de los fundadores de PIX Publishing, junto a otros emigrantes, como Leon Daniel y Celia Kutschuk.

Entre otras de sus fotografías de portada más famosas figura la conocida como conocida como "El Beso", del Día de la Victoria sobre Japón tomada en Times Square, en [Nueva York]], mostrando a un marinero estadounidense besando a una enfermera en una postura aparentemente de baile. Esta imagen resumía la euforia que los estadounidenses sentían ante el esperado final de la guerra.

Eisenstaedt es reconocido por su habilidad para capturar imágenes memorables o gente importante en las noticias, incluyendo hombres de estado, estrellas de cine y otros artistas, así como por la candidez de sus fotografías, tomadas con una pequeña cámara Leica de 35 mm y utilizando sólo luz natural.

De acuerdo a su biógrafo, "sus fotografías tenían un poder y una resonancia simbólica que lo hizo uno de los mejores fotógrafos de Life". En años posteriores también trabajó para Harper's Bazaar, Vogue, Town & Country, así como otras publicaciones.

JONH COHEN. John Cohen (nacido el 2 de agosto de 1932 en Queens, Nueva York ) es miembro fundador de New Lost City Ramblers , así como musicólogo , fotógrafo y cineasta. Algunas de sus imágenes más conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en el Cedar Bar de Nueva York; acontecimientos de la galería por parte de artistas de performance temprana; la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York; Escritores de Beat Generation durante el rodaje de Robert Frank y la película de Alfred Leslie Pull My Daisy ; y los músicos de "los viejos tiempos" de los Apalaches .

(El título de la película de Cohen de 1962, High Lonesome Sound , se ha convertido en sinónimo de esa música). Ha sido uno de los "descubridores" más importantes de músicos y cantantes tradicionales, al encontrar y grabar a Dillard Chandler , Roscoe Holcomb y muchos jugadores de banjo. , más notablemente en el álbum High Atmosphere .

Más allá de los Estados Unidos, Cohen viajó extensamente a Perú, impulsado por una fascinación por el tejido y el estilo de vida de la población andina nativa. Su grabación de campo de una canción nupcial peruana está incluida en el Voyager Golden Record , adjunto a la nave espacial Voyager .

Cohen se casó con Penny Seeger, el miembro más joven de la familia musical Seeger , que incluye a su hermanastro Pete Seeger . Tuvieron dos hijos, Sonya y Rufus, y sus nietos Dio y Gabel.

De 1972 a 1997, Cohen fue profesor de Artes Visuales en SUNY Purchase College, donde enseñó fotografía y dibujo.

La canción de Grateful Dead "Uncle John's Band", de Workingman's Dead , según lo que Cohen

llama "un verdadero rumor", se supone que fue escrita sobre Cohen y su banda.

JACQUES HENRI LARTIGUE. Jacques Henri Lartigue (Courbevoie, 13 de junio de 1894 - 12 de septiembre de 1986) fue un fotógrafo y pintor francés.

Nació en Courbevoie en el seno de una familia acomodada, que se trasladó a vivir a París en 1899.

Su padre que era banquero tenía afición por la fotografía y cuando Lartigue tenía siete años le regaló una cámara fotográfica de placas de formato 13x18 cm. Con ella destacó por sus fotos espóntaneas de las carreras de automóviles, aviones y fotografías de las mujeres de clase media y acomodada de París paseando por el Bois de Boulogne. Creó imágenes novedosas mediante el empleo de encuadres poco usuales, de diversas velocidades de obturación y trabajando casi siempre en blanco y negro y sólo algunas veces empleando el color.

En 1915 fue discípulo de Jean-Paul Laurens y Marcel Baschet en la Académie Julian por lo que comenzó a dedicarse a la pintura y abandonó en gran medida la fotografía. En 1922 expuso sus pinturas en los pasillos a la entrada de la galería Georges Petit de París. Posteriormente expuso en el Salón des Sports, el Salón de Otoño, el Salón d'Hiver, Salón de la Société Nationale des BeauxArts, la galería Bernheim Jeune y el Grand Palais. En particular, las pinturas de este período tienen como tema principal las flores y los coches, pero también retratos de personajes famosos como Kees Van Dongen, Sacha Guitry, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Georges Carpentier, Joan Crawford, Maurice Chevalier, Abel Gance, Yvonne Printemps y en 1930 Renée Perle, quien se convirtió en una de sus modelos favoritas y su acompañante.

En 1932 fue asistente de dirección y fotógrafo de la película de Alexis Granowsky, Les Aventures du Roi Pausole que era una adaptación al cine de una novela de Pierre Louÿs.

Hasta 1960 no obtuvo reconocimiento como fotógrafo,pero a partir de ese momento alcanzó gran prestigio exponiendo en 1963 en el MOMA después de que la revista Life publicase una serie de fotografías suyas en 1962. A partir de ese momento se publicaron numerosos libros y su obra se expuso por numerosas galerías y museos.

Su obra plástica incluye pinturas, fotografías de prensa, de moda, de temas generales. También fue quien hizo la fotografía oficial en 1974 a Valéry Giscard d'Estaing, Presidente de la República Francesa entre 1974 y 1981.

En 1979 cedió sus fotografías al Estado francés, incluyendo negativos, discos originales, diarios y cámaras. El conjunto de esta obra eran un centenar de álbumes y varias decenas de miles de negativos, los más antiguos de los cuales datan de 1902. Sus pinturas que consistían en más de trescientos cuadros los donó a su amigo el alcalde de L'Isle-Adam y su mujer. Esta donación dio lugar a la creación en la ciudad de Val-d'Oise del Centro de Exposiciones Jacques-Henri Lartigue.

En el 2000 se creó la Fundación Lartigue que se unió a la Asociación de Amigos de Jacques Henri Lartigue creada en 1979 con lo que se dispone de una amplia documentación sobre su trabajo.

En 2010 se realizó en España su primera exposición retropectiva titulada Un Mundo Flotante.

Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) con unas 230 piezas representativas de las distintas etapas y temáticas que abordó a lo largo de su vida. La exposición comenzó en Barcelona.

WILLIAM FOZ TALBOT. William Henry Fox Talbot (Dorset, 11 de febrero de 1800 - Lacock, Wiltshire, 17 de septiembre de 1877) fue un fotógrafo,inventor, arqueólogo, botánico, filósofo, filólogo, matemático y político británico. Fue miembro del Parlamento inglés.

Creador del proceso calotipo (al que habían precedido sus dibujos fotogénicos), que patentó en 1842, fue uno de los pioneros de la fotografía.

MARGARET BOURKE-WHITE. Margaret Bourke-White (1904-1971) nació en Nueva York el 14 de junio de 1904. Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence H. White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Fue la primera mujer corresponsal de guerra (y la primera a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial) y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life, dirigida por Henry Luce. Una fotografía suya fue portada de la primera edición, el 23 de noviembre de 1936.

Era una mujer de izquierdas que hizo varios viajes a la antigua Unión soviética (URSS). En 1930 fue la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. En 1931 publicó "Eyes on Russia". Profundamente sensibilizada por la depresión en el país llegó a interesarse por la política.

Se casó con Erskine Caldwell en 1939 y fueron los únicos periodistas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941.

En la primavera de 1945, viajó a través de una Alemania destruida con el Gral. George S. Patton.

Cuando llegó a Buchenwald, el tristemente famoso campo de concentración, luego de registrar los restos, dijo: "Usar una cámara era casi un alivio. Esta interponía una ligera barrera entre el horror delante de mí y yo misma". Después de la guerra, produjo un libro titulado "Dear Fatherland, Rest Quietly", un proyecto que le ayudó a entender la brutalidad de la que había sido testigo durante y

después de la guerra.

Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi.

DOROTHEA LANGE. Dorothea Lange (Hoboken, Nueva Jersey; 26 de mayo de 1895-San Francisco, California; 11 de octubre de 1965) fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, más conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

BILL BRANDT. Bill Brandt (3 de mayo de 1904 - 20 de diciembre de 1983) fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes.También realizó fotografías como periodista gráfico.

Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el

movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino.

Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938. En ese mismo año publicó el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos. Entre algunas de las ideas que fue planteando a lo largo de su vida están: Desde 1937 publicó habitualmente en revistas como Harper's Bazaar, Lilliput, Picture Post y The Bystander. Sus reportajes más conocidos trataban sobre las desigualdades sociales en el Reino Unido. Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas.Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. También se dedicó a realizar retratos de artistas británicos para Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar.

En estos trabajos volvió a interesarse por lo surrealista, lo que le condujo a una revisión de la fotografía de desnudos en su libro Perspective of nudes,en el que utiliza las lentes de gran angular para obtener unos desnudos deformados y de tipo escultórico con amplia profundidad de campo que resultan espectaculares.También se dedica a fotografiar personajes con ambientes y fondos paisajísticos que le dan una configuración surrealista. Entre las personas retratadas se encuentran Pablo Picasso, Francis Bacon, Graham Greene y Peter Sellers.

Los paisajes los realizaba en espacios privados al principio pero luego utilizó las playas de Normandía o de la bahía de Anges en Niza. Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo; de ese modo participó en la exposición de The family of man invitado por Steichen y en 1979 fue premiado por la Royal Photographic Society y poco antes por la Royal Society of Arts. Murió el 20 de diciembre de 1983 a causa de complicaciones con la diabetes que arrastraba desde hacía más de cuarenta años.

Su trabajo ejerció bastante influencia durante la segunda mitad del siglo XX. Su primera exposición monográfica en España tuvo lugar en 2008 en Photoespaña,aunque anteriormente pudieron verse algunas de sus obras en exposiciones colectivas, como Foco 86 en 1986 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

HARRY CALLAHAN. El inspector Harold Francis "Harry El Sucio" Callahan es un personaje ficticio de la serie de películas Harry el Sucio, Dirty Harry (1971), Magnum Force (1973), The Enforcer (1976), Sudden Impact (1983) and The Dead Pool (1988). Callahan es interpretado por Clint Eastwood en todas las películas.

Desde su debut, Callahan se convirtió en el modelo para un nuevo tipo de policía en las películas: un antihéroe que no vacila en pasarse los límites profesionales y éticos en la búsqueda de su propia visión de la justicia, especialmente cuando la ley está mal aplicada por una burocracia inepta.

Callahan es considerado un icono del cine, su sobrenombre "Dirty Harry" o "Harry el sucio", ha entrado en el léxico como argot para los oficiales de policía implacables. En todas la pélículas de Harry el Sucio se muestra a Callahan abatiendo criminales, la mayoría de ellos en luchas con arma de fuego, es famosa su relación con el revólver magnum. También es famoso por frases que pronuncia frente a hombres armados, Anda... alégrame el día y [...] Hazte una pregunta: ¿Soy un afortunado? Bueno, lo eres, infeliz? o " mis amigos Smith&Wesson y yo..." que se han convertido en un ícono. A medida que la película de 1971 fue criticada por llevar tintes fascistas, o al menos autoritarios, las secuelas intentaron ser más equilibradas al enfrentar a Harry contra villanos a partir de un espectro ideológico más amplio; como en Magnum Force, en la que Harry combate a unos policías justicieros que se toman la justicia por su mano vigilantism.

ROBERT DOISNEAU. Robert Doisneau [ʁobeʁ' dwano'] (Gentilly, cerca de París, 14 de abril de 1912-París, 1 de abril de 1994) fue un fotógrafo francés.

Fue el narrador definitivo. Sus imágenes, bien fundamentadas en las leyes y las líneas de la comunicación fotográfica, se convirtieron en sinónimos de un estilo de vida que todos nosotros ahora aceptamos como "francés". ¿Quién no recuerda la imagen de los dos amantes que caminan delante del Hôtel de Ville, fundidos en un apasionado abrazo, o la icónica imagen de Picasso sentado en su mesa de desayuno, con las manos milagrosamente transformadas en rollos de pan.

LISETE MODEL. Lisette Model (Viena, 10 de noviembre de 1901-Nueva York, 30 de marzo de 1983) fue una reconocida fotógrafa austriaca que ya en la mitad de su vida se nacionalizó estadounidense. Era hermana de la también fotógraga Olga Seybert.

Lisette emigró con él a Estados Unidos, que en aquella época era el centro de la fotografía mundial.

Pronto entabló amistad con Carmel Snow y Alexei Brodowitsch, director de la revista Harper’s Bazaar, para el cual estuvo trabajando durante 12 años. En ese tiempo y entorno conoció a Ansel Adams y Berenice Abbott.

Inicialmente Model demostró predilección por la temática en torno a los hoteles, bares y locales nocturnos de la costa este de Nueva York, pero también realizó trabajos más formales y retrató a importantes personalidades como Frank Sinatra o Georges Simenon.

Lisette se hizo miembro de la Nueva York Photo League,que fue la institución que realizó la primera exposición de su obra. En 1940 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le compra por primera vez unas obras y unos años después, en 1948, expone en él junto a Bill Brandt y Harry Callahan.Lisette emigró con él a Estados Unidos, que en aquella época era el centro de la fotografía mundial. Pronto entabló amistad con Carmel Snow y Alexei Brodowitsch, director de la revista Harper’s Bazaar, para el cual estuvo trabajando durante 12 años. En ese tiempo y entorno conoció a Ansel Adams y Berenice Abbott.

Inicialmente Model demostró predilección por la temática en torno a los hoteles, bares y locales nocturnos de la costa este de Nueva York, pero también realizó trabajos más formales y retrató a importantes personalidades como Frank Sinatra o Georges Simenon.

Lisette se hizo miembro de la Nueva York Photo League, que fue la institución que realizó la primera exposición de su obra. En 1940 el Museo de Arte Moderno de Nueva York le compra por primera vez unas obras y unos años después, en 1948, expone en él junto a Bill Brandt y Harry Callahan.

En 1952 comenzó un trabajo sobre el Jazz, retratando, entre otros, a Louis Armstrong y a Ella

Fitzgerald.

PAUL OUTERBRIDGE. Paul Outerbridge Jr. fue un fotógrafo americano (nacido en Nueva York en 1896 y fallecido en 1958). De educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida.

IRVING PENN. Irving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 - Nueva York, Nueva York, 7 de octubre de 2009) fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense.

Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año.

Sus dibujos fueron publicados en Harper's Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

Publicó diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth (1999) y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su obra.

Falleció el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan a los 92 años.

JACOB RIIS. Jacob August Riis (3 de mayo de 1849 - 26 de mayo de 1914), fue un fotoperiodista y reformador social danés nacido en Ribe (Dinamarca), y emigrado a Estados Unidos en 1870. Es célebre por emplear su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los inmigrantes empobrecidos del Lower East Side neoyorquino, quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Contribuyó a la erradicación de las casas de vecindad insalubres de los barrios marginales del sur de Manhattan en las que la población malvivía hacinada, apostando en su lugar por la construcción de viviendas modelo, de acuerdo al plan de Boston. Prestó especial atención al problema de la infancia en los suburbios: denunció el empleo de mano de obra infantil en los talleres de explotación laboral o "sweatshops", la baja escolarización de los niños, y la falta de zonas verdes y de patios de recreo donde pudiesen crecer de forma saludable. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el recientemente descubierto flash de magnesio como fuente auxiliar de iluminación para sacar a la luz el modo en que vivía y trabajaba la "otra mitad" de la ciudad, y por ello es considerado uno de los pioneros de la fotografía documental norteamericana.

ALEXANDER RODCHENKO. Aleksandr Mijáilovich Ródchenko , San Petersburgo 5 de diciembre de 1891 — Moscú, 3 de diciembre de 1956) fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fundador, entre otros, del constructivismo ruso. Estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova.

WEEGEE. Weegee es el seudónimo de Arthur H. Fellig (12 de junio de 1899 – 26 de diciembre de 1968), un fotógrafo y reportero gráfico ucraniano conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro .

Fellig debe su alias Weegee a una interpretación fonética de la palabra ouija, debido a sus frecuentes llegadas a escena sólo minutos después de que se le hubiese avisado a las autoridades acerca de un crimen, un incendio u otra emergencia. Existen diferentes teorías sobre quién le asignó dicho seudónimo al fotógrafo. Hay quien cree que fue el propio Weegee quien se autonombró así, mientras que otras teorías señalan que el pseudónimo se lo dieron las chicas de Acme Newspictures (la agencia que proveía imágenes a los dos periódicos más importantes de Nueva York: el Daily News y el Herald Tribune) o un agente de policía.

Weegee está considerado un fotógrafo de noticias indiscreto especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro. Las fotografías de Weegee mostrando escenas de crímenes, víctimas de accidentes de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas siguen resultando estremecedoras. Sin embargo, como yuxtaposición, Weegee también fotografió a las damas de la alta sociedad neoyorquina vestidas con sus armiños y diademas.

En el año 1938, Fellig era el único reportero gráfico de Nueva York que poseía un permiso para llevar consigo una radio portátil de onda corta con la frecuencia de la policía. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero de su coche para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Weegee casi siempre trabajaba durante la noche como fotógrafo freelance; escuchaba la radio atentamente llegando a las escenas, en ocasiones, antes que los propios policías.

La mayoría de sus fotografías más famosas fueron tomadas con un equipo fotográfico muy básico y con las técnicas de la época. Weegee no recibió formación fotográfica alguna sino que fue siempre un fotógrafo autodidacta, así como un gran promotor de sí mismo.

MARTIN CHAMBI. Martín Chambi Jiménez (n. Puno, Perú, 5 de noviembre de 1891- 13 de septiembre de 1973) fue un fotógrafo indígena nacido en Coaza, Provincia de Carabaya, al norte del Lago Titicaca, en el Perú.Está considerado como pionero de la fotografía de retrato.Reconocido por sus fotos de profundo testimonio biológico y étnico, ha retratado profundamente a la población peruana, tanto a los indígenas como a la población en general.

Las tomas famosas en las que capta instantes cruciales de la vida moderna de la antigua capital del Tahuantinsuyo (por ejemplo, el primer vuelo aéreo a cargo de Velasco Astete) estarían, más bien, en el punto intermedio de ambas modalidades.

El investigador peruano Jorge Heredia, radicado en Ámsterdam,, asevera que la obra del fotógrafo ha sido revalorada desde fines de los años 1970 con resultados muy diversos, quizá tan heterogéneos como la naturaleza del mismo legado, cuya densidad, agrega, permite destacar cualquier punto de apoyo para todo tipo de presentación.

KENNETH CLARK. Kenneth McKenzie Clark, Baron Clark of Saltwood (Londres, 13 de junio de 1903 - Hythe, 21 de mayo de 1983) fue un historiador del arte británico.

Efectuó estudios primarios en Winchester y secundarios en el Trinity College de Oxford, que se completaron con una estancia en Florencia en 1926, donde profundizó sus conocimientos sobre arte gótico y renacentista. Entre 1934-1945 asumió la dirección de la National Gallery de Londres, así como la superintendencia de la Royal Collection.

En 1946 se convirtió en profesor de historia del arte en la Universidad de Oxford. Destacó por su actividad como ensayista y divulgador, tanto en libros como en medios de comunicación. En 1969 alcanzó fama internacional con Civilisation: A Personal View, una serie producida por la BBC. Fue rector de la Universidad de York entre 1967 y 1978, y miembro del consejo del British Museum.

En 1938 fue nombrado caballero comendador de la Orden del Baño, y en 1968 le fue otorgado un pariato vitalicio como Barón Clark de Saltwood en el Condado de Kent, y recibió la Orden del Mérito en 1976.

FRANZ SCHUBERT. Franz Peter Schubert (Viena, 31 de enero de 1797-ibidem, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austriaco, considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves composiciones para voz y piano, antecesor de la canción moderna), así como de música para piano, de cámara y orquestal.

RALPH GIBSON. Ralph Gibson (Los Ángeles, 1939) es un fotógrafo estadounidense. Aprendió fotografía en la marina y después fue asistente de Dorothea Lange y Robert Frank. Se denomina «trilogía negra» a sus tres libros: The Somnambulist, Déjà Vu y Days at Sea. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola en Florida, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. También tuvo oportunidad de aprender técnicas

fotográficas aplicadas a la impresión como el grabado a media tinta. Otra oportunidad que le ofreció su alistamiento fue la de conocer diferentes lugares, de ese modo cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a las lecturas de poesía de Allen Ginsberg, Gregory Corso y Jack Kerouac. Terminó su servicio militar en octubre de 1959 tres meses antes de lo previsto. Durante el mismo no sólo aprendió el oficio fotográfico sino que encontró su vocación de fotógrafo.

A su regreso a Los Ángeles tuvo intenciones de matricularse en la escuela de arte, pero tras una breve estancia en San Francisco decidió trasladarse para estudiar fotografía en el instituto de arte de esa ciudad. En 1960 comenzó sus estudios, pero sólo cursó dos semestres ya que quería formarse mediante el trabajo. Su profesor, Paul Hassel, le recomendó un trabajo de ayudante con Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio, aunque paralelamente desarrolló su estilo personal. Su primera exposición la realizó en la galería Photographers' Roundtable de la ciudad. Cuando en 1961 se compró una cámara Leica con película de 35 mm., descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. En 1962 decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico.

SALLY MANN. Sally Mann nació en Lexington, Virginia, en 1951. Es una fotógrafa que utiliza los diferentes recursos fotográficos para contar su historia, siempre con una cámara de gran formato y la técnica de colidón húmedo. Veremos como en su trabajo utiliza la metáfora, pero también la fotografía documental, es capaz de producir un trabajo absolutamente profundo, melancólico y luego abstraerse para contar una historia desde un tono neutral, sin añadir ni un ápice de emoción.

RICHARD MISRACH. Richard Misrach es un fotรณgrafo estadounidense (nacido en Los ร ngeles, California, en 1949) que ha abordado la relaciรณn entre la sociedad contemporรกnea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color.

BERNARD PLOSSU. Bernard Plossu (nacido el 27 de febrero de 1945, sur de Vietnam) es un fotógrafo francés. La parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes.

TINA BARNEY. Tina Barney es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1945 en Nueva York, vive en Rhode Island y Nueva York) conocida principalmente por sus retratos a gran escala y en color de su familia y amigos cercanos, muchos de los cuales son la clase alta de Nueva York y Nueva Inglaterra.

Barney es conocida principalmente por sus fotografías de gran formato y a todo color de su rica familia de la Costa Este. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, sus imágenes seductoras conforman un estilo de realismo característico, que ofrece una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente.

Su trabajo se encuentra en las colecciones del George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York; Museum of Modern Art en Nueva York; Museum of Fine Arts en Houston, Texas; JPMorgan Chase Art Collection en Nueva York; y Museum of Contemporary Photography.

Recientemente su obra ha sido expuesta en el New York State Theater en 2011,The Barbican Art Centre, Londres; Museo Folkwang en Essen, Museum der Art Moderne en Salzburgo, y otros muchos.

También ha producido o codirigido cortometrajes sobre los fotógrafos Ene Groover en 1994 y Horst P. Horst en 1988. Obtuvo una beca John Simon Guggenheim Memorial Fellowship en 1991, y un Lucie Award en 2010 por sus logros en el retrato. Está representada por Janet Borden, Inc. en Nueva York.

STEPHEN SHORE. Stephen Shore (nacido en 1947 en New York City) es un fotógrafo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en color.

RINEKE DJIKSTRA. Rineke Dijkstra (2 de junio de 1959, Sittard, Países Bajos) es una fotógrafa holandesa.

Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería De Moor en Ámsterdam en 1984.

Un año clave en la trayectoria artística de Dijkstra es 1991, cuando realiza un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en la playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional.

Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII, de los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, y agregando su estilo personal, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.

Su trabajo ha sido expuesto en numerosos museos, en 2012 se realizó una muestra retros pectiva en el Museo de Arte Moderno de San Francisco,y el Guggenheim de Nueva York.También participó en 2004 en PHotoEspaña con una muestra de su obra.

WILLIAM CHRISTENBERRY. William Andrew Christenberry Jr. (5 de noviembre de 1936 - 28 de noviembre de 2016) fue un fotógrafo , pintor y escultor que trabajó con temas personales y algo míticos surgidos de sus experiencias infantiles en el condado de Hale, Alabama .

Su carrera artística comenzó con la pintura de grandes lienzos expresionistas abstractos, pero gradualmente comenzó a ser atraído por material que hablaba sobre el lugar de su infancia. Aunque se crió en Tuscaloosa , Christenberry pasó sus veranos con una familia extendida en el condado rural de Hale. Después de graduarse de la Universidad de Alabama y comenzar una carrera artística

prometedora, si no gratificante de inmediato, en la ciudad de Nueva York , se encontró con el libro de 1941, Let Us Now Praise Famous Men , en el que James Agee describe en prosa, y Walker Evans en fotografías, la experiencia de vivir entre las familias agrícolas pobres en la tierra del Condado de Hale durante la Gran Depresión . Algunas de las fotografías de Evans causaron una profunda impresión en Christenberry.

Poco después de comenzar una cátedra en Corcoran College, Christenberry comenzó a hacer visitas anuales al condado de Hale durante el verano para visitar a la familia y explorar y hacer fotografías.

Originalmente, todos estos se hicieron con una cámara Kodak Brownie que se le dio cuando era niño, pero luego se mudó a una cámara de gran formato para capturar más detalles. En una ocasión, en 1973, lo acompañó Walker Evans, quien había alentado a Christenberry a tomar sus fotografías en serio. Este fue el primer y único regreso de Evans al condado de Hale desde 1936.

Uno de los resultados de esta peregrinación fue una serie de fotografías que documentan la descomposición de las estructuras individuales, que se fotografían como objetos casi aislados. En 1974, Christenberry comenzó a traducir algunos de estos edificios fotografiados en esculturas detalladas que reproducen con precisión su estado de descomposición y pátina. Aunque detallado y adecuadamente proporcionado, Christenberry no se refirió a estas creaciones como modelos, ya que él dice que no se basan en mediciones precisas, y prefirió que se las llame esculturas. Las bases para estas esculturas a menudo se establecen en el suelo tomado de estos lugares. En muchos de estos viajes, Christenberry recolectó viejos letreros publicitarios y otros objetos encontrados que lo inspiraron. Algunos de estos están incorporados en su trabajo, mientras que otros cuelgan en su estudio.

Otra serie de obras fue provocada por un incidente cuando, por curiosidad, intentó asistir a una reunión del Ku Klux Klan . Confrontado a la puerta por una figura enmascarada, Christenberry huyó. Aunque destruyó sus primeras dos pinturas Klan, el tema lo ocupó durante muchos años, lo que resultó en una densa construcción multimedia adyacente a su estudio que llegó a ser conocida como la "Habitación Klan", que fue robada misteriosamente en 1979. Christenberry en gran medida reconstruyó la sala, que está llena de pinturas, objetos encontrados, dibujos, esculturas, dioramas y una serie de muñecas de tela de miembros del Klan en sus túnicas con capucha.

Christenberry fue diagnosticado con la enfermedad de Alzheimer en 2011. Christenberry murió en Washington, DC el 28 de noviembre de 2016 debido a complicaciones de la enfermedad. Tenía 80 años.

Aunque se le conoce más como fotógrafo y artista multimedia que como pintor, Christenberry enseñó pintura. Su obra ha sido expuesta en exposiciones individuales y grupales en todo el mundo y es el tema de varias monografías.

JIM JARMUSCH. James Robert Jarmusch (22 de enero de 1953),más conocido como Jim Jarmusch, es un director, guionista, actor, productor, montador y compositor estadounidense.Jarmusch ha sido un importante exponente del cine independiente desde la década de 1980,dirigiendo películas como Stranger Than Paradise (1984), Down by Law (1986), Mystery Train (1989), Dead Man (1995), Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999), Coffee and Cigarettes (2003) y Flores rotas (2005).Como músico, ha compuesto música para sus filmes y editado dos álbumes junto a Jozef van Wissem.

JOEL STERNFELD. Joel Sternfeld es un fotógrafo estadounidense (nacido en Nueva York el 30 de junio de 1944).

Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes (perfecto, detenido y lleno de detalles) de una narración.

Tras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces.

Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. Trabaja con una cámara 8x10”.

American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Para hacer el libro, fotografió cosas ordinarias, incluyendo también ciudades abandonadas y paisajes estériles.

Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), es sobre la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización.

De 1991 a 1994 trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de Nueva York en Hart Island, dando como resultado su libro Hart Island (1998).

Ha recibido dos becas Guggenheim (1978 y 1982), una National Endowment for the Arts Photographers Fellowship (1980) y el premio de Roma (1990-91).

Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Center de Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas GurTras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces.

Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. Trabaja con una cámara 8x10”.

American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Para hacer el libro, fotografió cosas ordinarias, incluyendo también ciudades abandonadas y paisajes estériles.

Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), es sobre la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización.

De 1991 a 1994 trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de Nueva York en Hart Island, dando como resultado su libro Hart Island (1998).

Ha recibido dos becas Guggenheim (1978 y 1982), una National Endowment for the Arts Photographers Fellowship (1980) y el premio de Roma (1990-91).

Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Center de Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas Gursky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld. sky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld.

ADAM BARTOS. Adam Bartos es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1953 en Nueva York) que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas,buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. Se ha centrado mucho en su Nueva York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos.

Adam Bartos ha estado fotografiando desde que era un adolescente. A principios de los 70 asistió a la escuela de cine de la Universidad de Nueva York y comenzó a trabajar con fotografía en color.

Tuvo como mentor a Evelyn Hofer, conocida por sus composiciones de color serenas y meticulosas.

Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O'Sullivan y Carleton Watkins, Bartos se centra en el paisaje contemporáneo.con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal.

Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía.

Su obra se encuentra en las colecciones del J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Museum of Fine Arts de Houston, Museum of Modern Art de Nueva York, Whitney Museum of American Art de Nueva York y San Francisco Museum of Modern Art, entre otros. En 2013, fue finalista del Prix Pictet, un premio mundial en la fotografía y sostenibilidad, por su serie Yard Sales.

SHELBY LEE ADAMS. Shelby Lee Adams es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1950 en Hazard, Kentucky, vive actualmente en Massachusetts) conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos.

Nacido en una familia en el campo, sus abuelos eran granjeros, pero su padre tenía una buena posición y viajaba mucho. El creció casi en el asiento trasero del coche de su padre.

Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y, avergonzándose de sus orígenes decía que era de Cincinnati.

Tuvo contacto con el trabajo de la FSA y, aunque no le gustaba mucho, se sumergió en libros de fotografía documental. Con su tío, que era médico rural, visitó las partes más recónditas de las montañas Apalaches y contempló la pobreza de sus gentes, encontrando una similitud con la que había visto en los libros.

Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año en año, visitando, estudiando y documentando sus vidas.

En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Donde antes fotografiaba a padre e hijo rodeados de vacas, ahora retrata a una familia en un porche celebrando Halloween o a una pareja de ancianos con su perro en frente de una antena parabólica. Todo cambia y permanece al mismo tiempo.

Entre otros premios, ha obtenido en 2010 una beca Guggenheim Fellowship.

Sus obras están en colecciones permanentes como Art Institute of Chicago, Museum of Contemporary Photography, Chicago, International Center of Photography, Nueva York, Musée de l'Élysée, Lausanne, Museum of Modern Art, Nueva York, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts, National Gallery of Canada, Ottawa, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC, Stedelijk Museum, Ámsterdam, Time Life Collection, Rockefeller Center, Nueva York, Victoria and Albert Museum, Londres y Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Entre otras exposiciones, este mes de octubre ha presentado su serie Salt & Truth en Madrid, en la EFTI (Escuela de Fotografía Centro de Imagen).

ROBERT FRANK. Robert Frank, nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Su trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influido por el periodo de la post-guerra, y el cual lo ha llevado a ser considerado como un Alexis de Tocqueville moderno por su visión escéptica y fresca de la sociedad estadounidense vista desde una perspectiva de extranjero.

Frank expandió sus intereses posteriormente al cine y experimentó con la composición y manipulación de fotografías. En el año 1996 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad Premio PHotoEspaña Baume et Mercier 2009.

BILL OWENS. Bill Owens es un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense (nacido el 25 de septiembre de 1938 en San José,vive en Hayward, California) conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore, donde vivía en ese momento, publicadas en el libro Suburbia en 1973.

Bill Owens se Introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica (de 1964 a 1966) como maestro de escuela en un pueblo rural. Se compró una Leica en mal estado por 10$ y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión y vocación como fotógrafo documental social.

Estudió en el San Francisco State College hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco. Su fascinación con la gente y estilos de vida le llegó mientras trabajaba para The Independent los fines de semana.

Owens obtuvo una beca Guggenheim en 1976 y dos becas de NEA, y es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbia en 1973, considerado por Andrew Roth como uno de los 101 libros de fotografía más influyentes del siglo XX. La influencia de Owens fue inmensa durante la década de los 70, especialmente en lo que respecta al tipo de retrato que muestra a la clase media Bill Owens es uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante. Otros lo han hecho puntualmente, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Ha publicado otros libros fotográficos, aparte de Suburbia. También ha publicado en Rolling Stone, Bomb, Esquire y Newsweeky sus fotografías se han expuesto a nivel internacional y se encuentran en muchas colecciones, como las del Museo de Arte Moderno, Museo de Arte de Berkeley, Los Angeles County Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Los Ángeles Museo de Arte Contemporáneo, Museo José San de Arte y el Museo Getty de Los Ángeles.

Owens fundó la cervecería de Buffalo Bill en Hayward en 1983, una de las primeras cervecerías para abrir en California desde la prohibición. Ha escrito libros sobre cómo construir una pequeña cervecería. Su cerveza más conocida es la Pumpkin Ale. Publicó la revista American Brewer Magazine durante 17 años. Colecciona carretillas, coches por radio, antiguos rociadores de césped.

También tiene una bala de cañón de 12 libras de la Guerra Civil Americana. Colecciona arte popular, animales de madera tallados principalmente. Su favorito es un búho de Felipe Archaleta.

Está en el proceso consciente de volver a su infancia.

EUGENE ATGET. Jean Eugène Auguste Atget fue un fotógrafo francés (nació en Libourne en 1857 y fallecido en París en 1927), considerado como un maestro de la fotografía.

Después de trabajar en diversos oficios como marino, camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante (tras fracasar como pintor) y suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara. Él considera sus fotografías como documentos para artistas.

Para subsistir, también se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y, por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes.

Para sus fotografías de monumentos de París utilizó una cámara de fuelle con placas de vidrio de 18 x 24 cm. con el objetivo desplazado, para evitar que las verticales se distorsionaran, lo que provocaba la aparición de bordes negros en la parte superior de sus fotografías.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.

Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos y se encargó de realizar cientos de copias que se encuentran, como obras de arte, en muchos museos estadounidenses. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927. En 1968 el MOMA de Nueva York adquirió 10.000 de sus negativos.

ANSEL ADAMS. Ansel Easton Adams fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California, y fallecido el 22 de abril de 1984) mundialmente conocido por sus fotografías del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y árboles monstruosos.Con 4 años sufrió la rotura del tabique nasal en el terremoto de San Francisco de 1906.

Creció en un ambiente victoriano. Muy inteligente, era muy tímido y disléxico lo que ocasionó

algunos problemas en la escuela.

Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructuró su mente.

Comenzó en la fotografía utilizando una cámara Kodak Brownie que le regalaron sus padres.

En 1930 conoció a Paul Strand, cuyas imágenes influenciaron mucho a Adams, haciendo que se alejara del estilo pictorialista y se dirigiera hacia la “fotografía directa”.

En 1932 fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston (al que conoció en 1927 y con el que entabló una gran amistad), Willard Van Dyke, Imogen Cunningham, el mismo Paul Strand y otros.

En 1933 visitó por primera vez Nueva York y conoció a Alfred Stieglitz, quien le ayudó a montar su primera exposición.

En 1937 se incendió su laboratorio y se destruyeron el 20% de sus negativos.

Su sistema de zonas, un método de medición y revelado que utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro, es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara incluso digital siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

A comienzos de los 50 comenzó, motivado por problemas económicos, a hacer fotografía comercial, trabajando para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad.

También ha sido autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia).

ANDRE KERTESZ. André Kertész (Budapest, Hungría, 2 de julio de 1894 - Nueva York, Estados Unidos, 28 de septiembre de 1985) fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.

A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial. En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia; allí formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta. Además, su trabajo obtuvo en

París el éxito comercial y el aplauso de la crítica. Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil, teniendo que reconstruir su reputación a través de encargos. También tuvo altercados con varios editores, ya que estimaba que no reconocían su trabajo. Durante los años 40 y los 50, Kertész dejó de trabajar para revistas y ganó éxito internacional. A pesar de los numerosos premios que obtuvo durante su carrera, Kertész consideraba que el público y la crítica no valoraban sus obras, un sentimiento que perduró hasta su muerte. Su carrera se divide generalmente en cuatro periodos: el periodo húngaro, el francés, el estadounidense y el internacional.

BRASSAI. Gyula Halász, conocido por el seudónimo de "Brassaï," nació en 1899 en Brassó, Hungría (Transilvania). Fue hijo de un profesor de literatura francesa lo que hizo que se sintiera muy atraído por París.

Llega a la fotografía de manera autodidacta, comienza estudiando bellas artes en Budapest (19181919) y Berlín (1920-1922) y muy temprano frecuenta los círculos formados en torno a Lázlo Moholy-Nagy, Vasili Kandinsky y Oscar Kokoschka.

En 1924 se trasladó a París como periodista y en 1925 entabló relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías.

Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó", su lugar de nacimiento. Se hizo famoso por sus imágenes de París. En los inicios su carrera era la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina, "Paris de nuit", en 1933.

Algunos de sus trabajos más populares retrataban los cafés multitudinarios de la ciudad francesa.

Entre 1936 y 1963, Brassaï ejerció como fotógrafo para la revista Harper's Bazaar. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure. Falleció en 1984

LES KRIMS. Leslie Robert (Les) Krims es un fotógrafo conceptual americano (nacido el 16 de agosto de 1942 en Brooklyn, vive en el Búfalo, Nueva York) conocido por sus cuidadosamente montadas fotografías fabricadas (llamadas “ficciones”), varias series candid, su lado satírico y su humor negro.

Krims estudió en la High School secundaria de Stuyvesant en Nueva York.

Krims estudió arte en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art y en el Pratt Institute.

Durante más de 40 años ha enseñado fotografía, en el Rochester Institute of Technology y en el Buffalo State College.

Robert Delpire expuso por primera vez su obra en Francia en1974.

Es un autor controvertido, y objeto de numerosas críticas por parte de feministas e izquierdistas. El proyecto más reciente de Krims es una web donde vende copias de inyección de tinta (Epson 4800) de una selección amplia de sus fotografías antiguas.

MITCH EPSTEIN. Mitchell "Mitch" Epstein (nacido en 1952 en Holyoke, Massachusetts ) es un fotógrafo de bellas artes y uno de los primeros en hacer un uso significativo del color.

Su trabajo ha sido exhibido y publicado extensamente en los Estados Unidos y Europa, y coleccionado por numerosos museos importantes, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Whitney de Arte Americano , el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles, el Museo de San Francisco de arte moderno , y la Tate Modern en Londres. Sus diez libros incluyen American Power , por el que ganó el Prix Pictet (2011) y Family Business , por el que ganó una beca Guggenheim y el Kraszna-Krausz Photography Book Award (2004).

También ha trabajado como director, cinematógrafo y diseñador de producción en varias películas, incluyendo a papá , Salaam Bombay! y Mississippi Masala .

WILLIAM KLEIN. William Klein (n. 19 de abril de 1928) es un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y fue educado en el City College de esa ciudad, la actividad de Klein se desarrolla principalmente en Francia. Ha dirigido un gran número de largometrajes, incluyendo el filme de 1966 Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? y la sátira antiestadounidense Mr. Freedom. La fotografía de Klein ganó el Premio Nadar en 1956. Seis años antes se casó con Jeanne Florian.

William Klein nació y se crio en Estados Unidos, hijo de inmigrantes judíos europeos de origen humilde. En 1947, estando en el ejército, viajó por primera vez a París y desde entonces vive y trabaja en esta ciudad, de la que se enamoró. En 1948 se matrículó en la Sorbona, donde fue alumno de Fernand Léger, entre otros.

Sus trabajos más conocidos giran en torno a la moda y la fotografía callejera, de la cual es considerado uno de los creadores y maestros.

ANDRES SERRANO. Andrés Serrano (Nueva York, 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto

de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ" (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta, además fue denunciada por dos senadores estadounidenses.

Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística.

La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del disco Load de la banda de heavy metal Metallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó en ReLoad.

SHOPIE CALLE. Sophie Calle (París, 9 de octubre de 1953) es una escritora, fotógrafa, directora y artista conceptual francesa. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia. Para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.

Nace en Paris el 9 de octubre de 1953. Es hija del prestigioso oncólogo Robert Calle. A través de la amistad de su padre con artistas como Martial Raysse, Arman, y Christian Boltanski, recibe inspiración e influencia para decidirse ella misma por una carrera artística.

Después de viajar por buena parte del mundo regresó a París en 1979. Es profesora en la European Graduate School (EGS) desde 2005.

A finales de los años '70 presenta su primera serie de fotografías. Ella misma describió el proyecto Les dormeurs (Los durmientes) de la siguiente forma: De 1980 es su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana), donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad.

De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, y las compara.

En 1986 realiza la serie Les aveugles (Los ciegos). En ella recoge los testimonios de varias personas ciegas de nacimiento conforme a lo que ellos creen que es la belleza. Cada una de las piezas (un total de 23) está integrada por una foto-retrato de la persona, junto a otro cuadro con su testimonio escrito, y debajo de todo ello una fotografía de aquello que la persona ha nombrado como su impresión subjetiva de la belleza.

MARINA ABRAMOVIC. Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 1970. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Madrina del arte de la performance".

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente.

JOEL PETER WITKIN. Joel-Peter Witkin es uno de los fotógrafos más destacados de nuestro tiempo, célebre por sus obras provocativas y polémicas en torno a la muerte, la religión, el mito y la alegoría.

Nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York, hijo de padre judío ortodoxo y madre católica. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño debido a sus irreconciliables diferencias religiosas. Tiene un hermano gemelo, Jerome Witkin, conocido pintor.

La madre educó a Joel-Peter y su hermano en un ambiente profundamente religioso.

Empezó sus estudios en la escuela primaria de Santa Cecilia en Brooklyn y luego en el Grover Cleveland High School.

Compró su primera cámara a mediados de la década de 50 y aprendió a usarla de manera autodidacta. Sus primeras fotografías eran ya bastante inusuales, representando las muchas experiencias inquietantes de su infancia. La primera retrata un rabino que dijo haber hablado con Dios. Más tarde y a petición de su hermano, fotografió el “freak show” de Coney Island. Jerome quería las fotografías para sus singulares pinturas.

Joel-Peter Witkin fue reclutado por el ejército en 1961. Para poder tener algún control sobre su misión, se alistó en el ejército durante tres años como fotógrafo de combate. Sus tareas incluían grabar los cuerpos de los soldados que se habían suicidado o fallecido en accidentes de entrenamiento.

En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial del City Walls Inc. Después del servicio militar estudió la carrera de Bellas Artes en la Cooper Union School of Art de Nueva York, finalizando la licenciatura en 1974. Al mismo tiempo, la Universidad de Columbia le otorgó una beca en Poesía. Completó sus estudios de posgrado en Fotografía y Historia del Arte en la Universidad de Nuevo México (Albuquerque), terminando el posgrado en Bellas Artes en 1976 y el máster en 1981.

Joel-Peter Witkin afirma que su peculiar mirada y sensibilidad nacen a raíz de un episodio que presenció cuando era tan solo un niño pequeño: un accidente de tráfico que tuvo lugar frente a su

casa, en el que resultó decapitada una niña.

"Sucedió un domingo, cuando mi madre nos acompañaba a mi hermano y a mi, bajando la escalera del edificio donde vivíamos. Íbamos a la iglesia. Mientras caminábamos por el pasillo hasta la entrada, escuchamos un estruendo increíble, mezclado con gritos y pedidos de auxilio. El accidente involucró a tres coches con tres familias. De alguna manera, en medio de la confusión, yo ya no estaba agarrando la mano de mi madre. Desde la acera, pude ver algo rodando de uno de los coches volcados. Se detuvo donde yo estaba. Era la cabeza de una niña. Me agaché para tocarle la cara, hablar con ella, pero antes de que pudiera tocarla alguien me alejó de allí."

MARTIN PARR. Martin Parra (1952 Epsom, Surrey, Reino Unido) es un fotógrafo británico miembro de la Agencia Magnum desde 1994. Reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña.

El sentido del humor es muy importante en la obra de Martin Parr. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común".

WOLFGANG TILLMANS. Wolfgang Tillmans (n. 16 de agosto de 1968) es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín. Su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.Ha sido el primer artista no británico en recibir el premio Turner.

Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó a Bournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres. En 1994 se trasladó a Nueva York donde estuvo viviendo un año.

La muerte de su compañero Jochen Klein en 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su «última comida o la ventana del hospital».En 1998 estuvo como profesor en la escuela de bellas artes de Hamburgo y en 2003 comenzó a ejercer como profesor en la academia de bellas artes de Frankfort.

En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.Obtuvo el premio Turner en el 2000. En 2002 grabó un documental titulado Light para el grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

HAMISH FULLTON. Hamish Fulton (Londres, 21 de julio de 1946) es un artista inglés, considerado como uno de los principales land artist británicos. Comenzó a andar por el mundo a principios de los años 70. Sus caminatas forman parte de su propio concepto artístico. Ya ha recorrido varios lugares de nuestro planeta, compagina sus caminatas con elaboración de imágenes fotográficas, cuadernos de viaje y también exposiciones, de las cuales quedan más atrás en el tiempo las realizadas en: 1969 Galerie Konrad Fischer, Düsseldorf 1970 Galleria Sperone, Turin

EUGENE ATGET. Jean Eugène Auguste Atget - 12 de febrero de 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 de agosto de 1927, París - fue un fotógrafo francés.

JAMES AGEE. James Rufus Agee. (27 de noviembre de 1909 Knoxville, Tennessee-16 de mayo de 1955 Nueva York) fue un escritor y periodista estadounidense. Su novela autobiográfica Una muerte en la familia, aparecida en 1957, que ganó el premio Pulitzer en 1958, se la considera una obra maestra.

Colaboró también en el cine, como crítico y como guionista de dos películas sobresalientes

MARCEL PROUST. Marcel Proust (en francés: [maʁsɛl pʁust]; nombre completo: Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust; Auteuil, 10 de julio de 1871-París, 18 de noviembre de 1922) fue un novelista, ensayista y crítico francés cuya obra maestra, la novela En busca del tiempo perdido (título original en francés: À la recherche du temps perdu), compuesta de siete partes publicadas entre 1913 y 1927, constituye una de las cimas de la literatura del siglo XX, enormemente influyente tanto en el campo de la literatura como en el de la filosofía y la teoría del arte.

En ella, el autor francés realizó una importantísima labor de introspección en la que, recordando todo su pasado y rescatando de esta manera recuerdos nítidos y sensaciones, logró retratar su vida en una narración dentro de la cual se colocó como narrador omnipotente de su escritura autobiográfica, creando un estilo onírico característico, donde un olor, un sabor pueden cobrar suma importancia, y saltar a otra memoria, creando de este modo un increíble mar de literatura.

FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: NOMBRE: Ana Isabel APELLIDOS: Jiménez González CURSO: 1º Fotografía

FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: Eduardo Momeñe TÍTULO: La visión fotográfica EDICIÓN:Auto-editor Madrid, Mayo 2009 Editorial :Eduardo Momeñe Año: 24 Noviembre 2010 Nº de páginas: 202

BREVE INTRODUCCION BIOGRAFICA Y LITERARIA DEL AUTOR Eduardo Momeñe es un fotógrafo vasco (nacido en 1952 en Bilbao, reside en Madrid), docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica.

Eduardo Momeñe es un fotógrafo de largo recorrido: comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Después de pasar unos años por

Europa, ha vuelto a residir en Madrid.

A lo largo de su amplia carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías", obras bien conocidas en el mundo fotográfico.

Su primera exposición fotográfica la realizó en la galería Nikon de Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes países y sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas. Revistas como Vogue, Style, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes.

Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.

Actualmente coordina el master internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Su labor didáctica la realiza también a través de Internet. Su escuela se llama Afterphoto

TEMA DEL PRINCIPAL .

La Visión Fotográfica es una tutoría:exige un compromiso, presenta las etapas, da indicaciones y facilita herramientas para abordarlas. No contesta a tus preguntas sino que plantea las suyas propias, una tras otra, para que seas tú quien encuentre las respuestas y te hagas nuevas preguntas El libro está repleto de reflexiones que te obligarán a repensar la Fotografía, a posicionarte en ella , no te dirán dónde debes colocarte, sino que te empujarán para que lo decidas por ti mismo, que te harán exigente con el trabajo de los otros y con el tuyo propio, que te volverán más consciente de lo que implica perseguir buenas imágenes, y sí, hay hueco incluso para aportar una respuesta (más de una, en realidad) a la eterna pregunta de qué es una buena fotografía.

ARGUMENTO. Se trata de un cúmulo de propuestas e ideas que se van desarrollando, repitiéndose, y que el autor expone como puntos de partida para nuestra propia reflexión y para generar nuevos planteamientos.

Y es que para hacer buenas fotografías es imprescindible tener una gran curiosidad y un gran interés por conocer lo que hubo antes.

El libro como un curso, hay que abordarlo como un texto de estudio y no como una simple lectura, hace que no tenga ni una sola imagen (solo la de la portada). Esto es así para obligarnos a a buscar las imágenes, los autores, las ideas que se recogen en negrita. De esa manera, el título de una fotografía nos permite investigar quién la realizó, en qué contexto histórico y cultural la hizo, con qué otros autores tiene relación… Dentro Internet, la información es infinita nosotros mismo decidimos hasta donde ampliamos.

En definitiva, el autor propone que reflexionemos sobre la fotografía y lo que queremos transmitir con ella, sin quedarnos únicamente en la mera recogida de imágenes . Lo importante es que hayamos pensado en lo que quiere decir “fotografiar”

CONCLUSIONES. Consta de una breve introducción de seis páginas explica cómo está planteado y cómo podemos aprovecharlo al máximo, antes de entrar de lleno en el curso. Éste se divide en ocho capítulos que carecen de título y que se suceden sin ruptura, el salto entre uno y otro no es más que una pequeña parada que se puede aprovechar para dejar que lo leído repose. por lo demás no suponen un cambio de tema o una subdivisión del texto, o al menos esa es la sensación que he tenido al leerlo.

De hecho, aunque el libro abarca muchos aspectos del proceso de hacer (buenas) fotografías es, más que un curso segmentado al uso, como una conferencia que puedes “escuchar” al ritmo que tú decides, volviendo atrás cuando lo consideres necesario, deteniéndote a reflexionar sobre las frases que invitan a hacerlo (hay muchas, muchas) el tiempo que te haga falta, consultando las referencias mencionadas No da lecciones de diafragma ni obturador. Da lecciones de fotografía en mayúscula. Un libro de texto sin una sola foto, pero una auténtica guía de conocimiento y referencias fotográficas. Muy recomendado para jóvenes y no tan jóvenes.

En "La visión fotográfica" Eduardo Momeñe nos propone un recorrido histórico por algunos de los mejores fotógrafos y nos sugiere reflexionar sobre aspectos esenciales de la fotografía. Bajo mi punto de vista, es una lectura recomendada para todo el mundo que desee iniciarse en este mundo de la fotografía

IDEAS PRINCIPALES En estos últimos 3 capítulos hay reflexiones muy interesantes, la frase que apaece al principio del capitulo 5: nadie fotografiá el mundo, si no su mundo, entiendo que con esto quiere decir que no hay dos fotos iguales y que la percepción personal de algo nada tuene que ver con la de otra persona.

Seguimos investigando y conociendo nuestro referentes a través de este libro, referentes que nos nutren, como bien dice Momeñe necesitamos tener referentes.

En este capitulo aprendemos que hay diferentes maneras de entender y plantear la fotografiá, necesitamos algo mas que destreza para conseguir una buena fotografiá .La fotografiá nos exige que seamos buenos haciendo fotos, de esta forma obtendremos buenos

resultados, fotografiás que transmitan con tan solo mirarlas, que casi nos hablen que nos envuelvan.

Si la imagen no es buena... no tendrá ningún interés para quien la mire.

Me parece también súper interesante la opinión de Margaret Bourke cuando dice que las claves de la fotografiá es estar allí ( no solo donde creemos que tenemos que estar) si no donde creemos que podemos crear un acontecimiento con nuestra cámara... una buena foto.

En estos últimos capítulos, creo que los mas interesantes del libro, también nos enseñan a mirar, igual que aprendemos a hacer otras cosas, tenemos que mirar ver con la cámara, si no fotógrafo no sabe hacerlo, no hará buenas fotos, aunque realmente se puede aprender a realizar un buen encuadre y una buena composición pero no basta solo con temas técnicos para ser un buen fotógrafo, nuestro cerebro es el que ve y el que hace la buena fotografiá.

Con este manual cambiamos de hábitos por otros nuevos, a estas alturas ya hemos aprendido a mirar fotográficamente, algo que nadie antes nos había explicado.

Si una fotografiá no nos parece tan buena como para conservarla en la mejor carpeta de obras , no tiene interés para nosotros como fotógrafos.

Y esta pregunta se nos repite a lo largo de este viaje a través de esta guiá de fotografiá.. ¿ que tipo de fotógrafos somos? ¿ blanco y negro? ¿color? ¿cámara réflex? ¿analógica? Aveces es complicado por ejemplo casar una foto en color con una en b/n.

También hemos aprendido a seer críticos con nuestras fotos y saber analizarlas y saber donde están los errores, tenemos que previsualizar las fotografiás antes de apretar el botón, así se ahorra tiempo de edición. Las buenas imágenes se crean en nuestro pensamiento y permanecen en nuestra memoria visual.

Otro aspecto muy importante que nos enseña es que un proyecto sin una una idea solida no saldra adelante, los grandes proyectos en algunos caso han llevado años como por ejemplo Los Americanos este proyecto ha durado toda la vida del fotógrafo, no digo con esto que nuestro proyecto sea tan grande o tam ambicioso como el de Robert Frank (nosotros estamos al principio de un largo camino en el que nos queda todo por aprender, asi que debemos ser realistas) lo principal que necesitamos para iniciar el proyecto es motivación y una idea, sin motivación no hay nada... el tema es el motor de arranque.

También puede pasar que nuestras fotos no sean mejores de lo que son por que no tienen una finalidad y volvemos a recordar y a repetir que siempre necesitamos una idea, que las fotos buenas por que si nos saldrán un día con suerte, alguna foto que decida el azar que sea buena, pero no sera lo normal.

LAS FOTOGRAFIAS SE HACEN DESDE DENTRO HACIA FUERA Y NUNCA AL REVES. La mente fotográfica se hace con todo lo que amplié el conocimiento, el lenguaje.

Como fotógrafos tenemos la necesidad de admirar otras obras ( que a la vez nos servirán de inspiración, y por supuesto es aprendizaje) pero tenemos la necesidad de realizar las nuestras.

Estoy súper de acuerdo en que si queremos verlo todo al final no veremos nada, debemos saber hasta donde podemos llegar.

Una de las grandes dificultades de la fotografia es saber si la foto que quieres mostrar transmite lo que tu quieres.