Gráfica Emma

Anayanci Carolina Reyes Núñez 156022

Noviembre 2020 Número 01

Fallece Milton Glaser

Gran maestro del diseño gráfico y creador del célebre “I Love NY”

El diseño gráfico cómo arte visual

El arte digital de Loish

El diseño gráfico se inserta en el contexto mucho más amplio de las «artes visuales».

Entrevista exclusiva a la artista freelance Lois Van Baarle dónde nos revela los secretos de su éxito y tips de dibujo.

Diseñador gráfico: Lo peor y lo mejor de haber nacido creativo

Cumulus 2019 llega a Los Andes La conferencia global presenta su primera edición en Colombia

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Pepe Gimeno presenta: “Grafia cantada”

Índice

México rosa

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Falleció Milton Glaser Cumulus 2019 llega a Los Andes El Diseño gráfico como arte visual Diseño gráfico en México El arte digital de Loish Crónicas del diseñador gráfico La gran oportunidad del diseño sostenible

Noviembre 2020 | Monserrat Carolina Flores Chávez 179776

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Noticias Pepe Gimeno presenta :

‘Grafía cantada’ De la Redacción

El Premio Nacional de Diseño Español presenta nuevo proyecto

Foto: Estrella Jover

El diseñador valenciano Pepe Gimeno, recientemente reconocido con el Premio Nacional de Diseño 2020, presenta en el proyecto ‘Cultura Online’ del Consorcio de Museos ‘Grafía cantada’, una videopartitura creada junto a la compositora Sonia Megías (Dúa de Pel). La obra pasa de lo gráfico a lo sonoro gracias a una notación musical propia, interpretada por el CoroDelantal, dirigido por Megías. Utiliza el diseño en espiral de Gimeno, hecho con objetos «lavados por el mar», y les otorga una nueva vida a través de las voces del coro.

México Rosa Estudiantes de la Ibero diseñan proyecto en contra de la violencia de género De la Redacción Estudiantes del departamento de diseño de la Universidad Iberoamericana crearon el proyecto México Rosa, cuya particularidad es que toma la imagen gráfica, alegre, viva y colorida que utilizan los pueblos mágicos y gobiernos de los estados y la pone en contraste con la realidad que viven las mujeres. El objetivo es concientizar a las personas sobre la violencia de género que se padece en México.

En entrevista, Ana Paola López Ortiz, alumna de la licenciatura en Diseño de Indumentaria y Moda y una de las creadoras de la iniciativa, platicó que esta propuesta forma parte del Abierto Mexicano de Diseño, cuyo tema de este año es diseño y utopía, por lo cual pensaron en abordar el tema de la violencia de género, presente en la vida de muchas mujeres, que impide vivir en dicha utopía.

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La joven explicó que a través de la sátira crearon México Rosa, que mezcla la problemática que viven muchas mujeres y todo lo bonito que tiene el país.

Es decir, por un lado, lo que conocen los turistas, pero una vez explorando el sitio se dan cuenta de la violencia de género que impera; entonces, el ‘color de rosa’ se desvanece.

México Rosa fue creado por los estudiantes Sandra Carolina Araiza Valenzuela (Diseño Gráfico), José Cohen Sacal (Diseño Interactivo), Ana Paola López Ortiz (Diseño de Indumentaria y Moda), Renatta Lezama Lujambio (Diseño Industrial) y Daniela Ruiz Carreón (Diseño Industrial). El grupo fue liderado por los docentes Fernanda Gavito Soto y Leonel Kelly Ramírez.

Imágenes cortesía de México Rosa

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Falleció Milton Glaser Gran maestro del diseño gráfico y creador del célebre I Love NY El artista estadounidense falleció en el día de su cumpleaños 91. Su fama internacional nació de su trabajo como ilustrador y diseñador para discos y libros. Nunca cobró un peso por el icónico logo de su ciudad natal, que ayudó a a rescatar la imagen decadente de Nueva York.

De la Redacción El mundo del diseño gráfico está de duelo. Milton Glaser, el innovador diseñador gráfico que decoró la silueta de Bob Dylan con toques psicodélicos en su cabello y consiguió resumir los sentimientos por su Nueva York natal con el célebre corazoncito de la frase “I Love NY”, murió ayer, el día que cumplía 91 años, a causa de un derrame cerebral y luego de una insuficiencia renal, según informó su esposa Shirley al diario The New York Times.

Los años 60 vibraron en sus carteles, logos, anuncios y portadas de libros, a partir de colores fuertes y formas sencillas. Junto con Clay Felker, fundó la revista New York a finales de esa década.

"Hay 3 respuestas para un diseño: si, no y wow. Wow es el objetivo."

El audaz e icónico logo que utiliza de forma ingeniosa letras de máquina de escribir como tipografía, fue concebido como parte de una campaña publicitaria que comenzó en 1977 para impulsar la imagen del estado y rescatarlo de la idea de decadencia, en tiempos en que la delincuencia y los problemas presupuestarios dominaban los titulares de los diarios. Glaser hizo su diseño más famoso de forma gratuita. “Lo que Milton Glaser dio a Nueva York permanecerá por mucho tiempo luego de su desaparición.

I Love New York era un logo perfecto para su época y lo sigue siendo hoy. Perdimos un diseñador brillante y un gran neoyorquino”, comentó el gobernador de Nueva York, Andrew Cuomo.

-Milton Glaser

Imágenes cortesía de Milton Glaser Design Study Center and Archives

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Reportaje

Cumulus 2019 llega a Los Andes En su primera edición en Colombia, la conferencia global Cumulus, en la Universidad de los Andes, presentó al diseño como un camino para desafiar y replantear las soluciones a problemas sociales, económicos, ambientales y culturales.

Por Julián Santamaría

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Imágenes cortesía de Cumulus 2019

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ás que entenderse como un oficio, el diseño ha logrado una transición que aún no alcanzan muchas disciplinas: ha roto con las barreras de lo tangible y se ha transformado en una compleja estructura de pensamiento, diálogo y ontología. La manera de entender el diseño, que ha mutado y se sigue expandiendo, lo ha llevado a convertirse en un espacio transdisciplinar y plural.

En ese tránsito, los diseñadores y académicos se han hecho varias preguntas: ¿Vale la pena pensar en qué será del diseñador en un futuro? ¿Han llegado a pensar los diseñadores en lo que vendrá? ¿Puede el diseño capturar otra visión de los seres humanos, sus culturas y todo aquello que lo rodea? Como una estrategia para abordar estas preguntas nació Cumulus Bogotá 2019.

Cumulus es una organización que sirve desde 1990 a la educación y a la investigación del arte y el diseño, por medio de una asociación con más de 299 miembros distribuidos alrededor de 56 países. La organización quiere establecer diálogos sobre conocimientos y prácticas en torno a la disciplina a través de instituciones académicas de alto nivel en el mundo.

Este año, el encuentro se realizará por segunda vez en Latinoamérica y por primera vez en Colombia.

"The Design After pretende reflexionar sobre el momento de expansión e integración que vive el diseño."

- Los organizadores

La Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad de los Andes fue seleccionada como sede por la asociación durante la conferencia realizada en el primer semestre de 2018 en París, y será la anfitriona de Cumulus del 30 de octubre al 1 de noviembre de 2019. En la capital, alrededor de 500 asistentes se encontrarán con diferentes visiones que permanecen y cuestionan el futuro del diseño, y Colombia será testigo de las miradas que desean trascender lo disciplinar. Cumulus Bogotá 2019 quiere ser el espacio ideal para proponer ópticas innovadoras y disruptivas, así como una puerta que respalda nuevas alianzas académicas en pro de la creación y la investigación.

Esta edición contará con keynotes reconocidos como Brigitte Baptiste, bióloga y experta en sostenibilidad; Martín Tironi, especialista en movilidad e infraestructura urbana; Dori Tunstall, experta en procesos de innovación enfocados en el beneficio de comunidades y nombrada como una de las 100 mujeres negras más importantes de Canadá; Monika Bielskyte, especialista en realidad virtual, aumentada e híbrida, y Daniel Grushkin, el experto en bioseguridad.

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Artículo de opinión

El diseño gráfico como arte visual El diseño gráfico se inserta en el contexto mucho más amplio de las «artes visuales».

Es pedagogo, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Posee estudios de maestría en Teoría Psicoanalítica por el Centro de Investigaciones y Estudios Psicoanalíticos, CIEP y es Maestro en Gestión del Diseño Gráfico por la Universidad Intercontinental de la CDMX, de la cual se graduó con una tesis sobre diseño de carteles a partir de la teoría de la argumentación de Chaim Perelman. A lo largo de su trabajo como asesor pedagógico, en los últimos 28 años, ha impartido cursos de formación docente en el campo de la educación superior del diseño en más de 30 instituciones universitarias.

Actualmente es profesor de tiempo completo en la UAM Cuajimalpa y docente de los posgrados de tipografía y diseño editorial del Centro de Estudios Gestalt de Veracruz, así como, de la maestría en diseño de nuevos productos de la Universidad de Guadalajara. Asimismo, coordina el comité técnico del Consejo Mexicano de Acreditación de Programas de Diseño, Comaprod. En este contexto, es autor de la “Guía para la Evaluación Educativa del Diseño y del Diagnóstico” y “Prospectiva de la Educación Superior del Diseño, 2013-2017”.

Luis Antonio Rivera Díaz

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Lluvia Elida Fernánde

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l discutido problema acerca de si el diseño es arte o no, resulta complejo de resolver, y más cuando ambos términos no pueden ser definidos de manera completa y definitiva por la variedad de criterios y posturas ante ambos quehaceres.

Si partimos de las definiciones sustanciales de ambas actividades nos enfrentaremos a conceptos limitados que no ayudarán a una comprensión amplia y completa de cada una de ellas, ya que los dos quehaceres han evolucionado y cambiado a través del tiempo.

Aquella idea antigua del Arte como tejné (técnica) o Ars, la idea de hacer las cosas bien (bien realizadas) puede aplicarse a infinidad de cosas y actividades, pero ese no es el sentido que se suele aplicar a las llamadas Bellas Artes. La historia de la clasificación de las artes es un verdadero «quita y pon». En la Edad Media eran siete: gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, astronomía y música.

Ciencias y artes combinadas. En el siglo XVIII las Bellas Artes fueron conocidas como pintura, escultura, música, literatura y danza. La discutida arquitectura se metía donde podía. En el siglo XV las obras del escultor eran denominadas «arti di disegno» por utilizar el dibujo.

Es sabido que hay otras manifestaciones consideradas arte como el cine, el teatro o la ópera, que si bien no encuentran una inserción definitiva en las Bellas Artes sí son consideradas como tales.

La fotografía entra y sale con mucha facilidad por las puertas de los museos y galerías pero tampoco se define por completo si es arte o no lo es. Los diseños, en particular el industrial se instala

ez Chávez 179787

en museos importantes como el MoMA (The Museum of Modern Art), y así es posible encontrar sillas, autos, cristalería, cubiertos de mesa e incluso películas animadas dentro de su acervo. En el MOMA, en el mes de julio del presente año hubo una exposición sobre los 50 años de la tipografía Helvética que incluía entre otras cosas carteles, impresos importantes y la señalización del Metro de Nueva York.Escuelas como «School of Visual Arts» de Nueva York incluyen dentro de sus estudios Arte por Computadora, el video como arte también es mencionado, y el diseño gráfico dentro de las artes visuales forma parte sustancial de sus planes de estudio.

El arte en su sentido más profundo hace referencia a tener experiencias estéticas, emocionales e intelectuales propias del artista. Quisiera compartir dos definiciones de arte que pueden ayudar a un acercamiento a su comprensión.«Arte es evocar un sentimiento experimentado y luego por medio de líneas, movimientos, sonidos, colores o palabras transmitirlo a los demás». León Tolstoi «Arte es crear, expresar una idea nacida

del espíritu, dándole forma material».

Frederick Schelling A mi parecer es correcta la declaración acerca del carácter esencial del arte en ser una «creación del espíritu». En ese sentido agregaría que el diseño gráfico no puede evitar ser también una creación del espíritu ya que el diseñador no es un ser fragmentado que cuando trabaja se olvide de su propio espíritu y pueda deshacerse del mismo. El diseñador es un ser completo y siempre imprimimos una parte de nuestro espíritu en nuestros trabajos como en la manera en que hablamos o vestimos. Encontrar una definición completa y terminada acerca del arte resulta prácticamente imposible. Yo me quedo con la idea de que «Arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte». Dicen que una palabra no se puede definir con la misma pero ese es un asunto de rigor que prefiero pasar por alto. Ahora, el asunto por resolver es ¿quien es artista? La respuesta sería parecida: aquel que hace arte y presenta su trabajo como obra de arte.No estoy seguro de lo acertado o equivocado de estas definiciones, pero lo que si sé es que me ayudan a definir o delimitar el trabajo del propio artista.

En diseño, el asunto estético va implícito en el trabajo y así definimos cuando un trabajo es bello, feo, grotesco, horrible, gracioso. Cuando menciono que arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte no estoy diciendo si es buen arte o malo, regular, pésimo o excelente. Esa es una cuestión axiológica, pero lo que es cierto es que hay muchos artistas y diseñadores con distintas y particulares cualidades.

Luis Antonio Rivera Díaz

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Diseño gráfico en Mexico

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Lluvia Elida Fernández

Diseño gráfico en México.

Otra perspectiva El Diseño Gráfico en México y sus diseñadores, viven la circunstancia particular de desenvolverse un país en donde esta disciplina es poco conocida (si se compara con otras profesiones) y aunque día a día se abre paso entre empresas e instituciones, el camino ha sido difícil, por lo general hay que empezar el trabajo de diseño enseñando al cliente qué es el diseño gráfico.Un prejuicio frecuente en nuestro quehacer es que si eres diseñador gráfico, los clientes entienden que sabes decorar una casa o sabes cómo vestirte bien, en fin, si eres diseñador te engloban en una serie de definiciones y malos entendidos; es clásica la pregunta también de: —Eres diseñador gráfico... ¿Y eso qué es?. No siendo suficiente lo anterior, el cliente nos toma como armadores de texto o paste up nada más, de tal manera que cuando te entrevistas con él, practicamente te está diciendo cómo quiere su diseño; a este respecto, cuando nos sentimos mal por ejemplo, y vamos al doctor, no llega-

ez Chávez 179787

mos diciéndole: —Doctor, yo considero por los sintomas que tengo Rinofaringitis aguda, por lo tanto, recéteme por favor dicloxacilina de 500mg una cada 12 horas, estoy seguro que con eso me curaré. ¡No! ¿correcto? El doctor es el especialista y el determina qué necesitamos, lo mismo debería suceder con el diseñador, él es el especialista y él debe decidir qué formas, qué colores y tipografía son las adecuadas, para eso se formó profesionalmente. Hay otros casos que, cuando no se trabaja para agencias de diseño o compañías grandes, donde por lo general si hay una cultura del Diseño (hay excepciones que convalidan la regla, por supuesto), el cliente se va de espaldas cuando le dices que tienes que hacer un sistema de identidad visual y no un “dibujito” nada más y que esto le costará alrededor de doce mil pesos.

Otro obstáculo para el diseño, también relacionado con lo anterior, ocurre particularmente en provincia y es que el diseñador tiene que trabajar en procesos

completos, es decir, se encarga también de hacer el producto final, porque eso es lo que el cliente valora, no considera el trabajo creativo y de diseño que precede al trabajo que se le está entregando; por lo tanto, el diseñador imprime él mismo en serigrafía o emplea otros recursos para cobrar el diseño junto con las tarjetas de presentación ya impresas, los folletos o carteles ya impresos, o junto con cualquier otro producto de diseño ya realizado.

Además de lo anterior, el diseñador gráfico cada vez tiene más competencia desleal en aquellas personas que sin tener preparación profesional, ejercen el Diseño Gráfico porque saben manejar los programas de diseño por computadora, que cabe decir, cada vez son más accesibles a cualquier persona, y aunque obviamente los resultados entre un profesional y una de estas personas no son los mismos, éstos le restan mercado al diseño profesional.

Con respecto a la educación, uno de los problemas más serios es que no se enseña la verdadera importancia social, cultural y económica de ser Diseñador Gráfico, por lo que muchos viven con el trauma de que hay áreas de mayor importancia como la pintura o la arquitectura, siendo que es el Diseño Gráfico es parte fundamental de lo que mueve al mundo económicamente hablando, baste pensar la importancia en el desarrollo de marcas trasnacionales y de qué manera el Diseño nos rodea diariamente y en todas partes. Otro factor a considerar en la educación es que la mayoría de los profesores que ense-

ñan Diseño Gráfico ya no son diseñadores, sólo son maestros, conscientes de ello ha habido un esfuerzo en las universidades privadas en México por contratar diseñadores que tengan práctica profesional en Diseño, por lo que se asignan pocas horas de clase y por lo regular en la mañana a estos diseñadores que a la vez dan clases.

Aunque he de reconocer que esta es un arma de dos filos, porque hay diseñadores que no son buenos para transmitir sus conocimientos aunque sean muy buenos diseñadores, sin embargo, el alumno prefiere y respeta más a aquel profesor que tiene experiencia profesional en el área.

M.C.D Cynthia Villagómez Oviedo Noviembre 2020

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ARTISTA DE LA SEMANA

EL ARTE DIGITAL DE LOISH Lois Van Baarle es una artista freelance que reside en los PaĂ­ses Bajos y trabaja de forma digital como concept artist, ilustradora, animadora y diseĂąadora de personajes.

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Anayanci Carolina R

Reyes Núñez 156022

LOISH

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ace tiempo que sigo el trabajo artístico de Loish. Me llamó la atención los colores que aplica y como logra esos contrastes tan llamativos en su ilustración.

Lois van Baarle, conocida como Loish, nació el 11 de Octubre de 1985 en Holanda. Su padre era archivista en la embajada holandesa, lo que permitió que su familia pueda mudarse de país cada 3 o 4 años. Gracias a eso, aprendió a hablar de forma fluida el inglés y vivió en Estados Unidos, Indonesia, Francia y Bélgica. Actualmente trabaja como ilustradora y animadora independiente.

Por Cata García

Mirando su trabajo en Instagram, me surgieron dudas sobre cómo ella es que ella llegó a lograr este estilo y cómo logra vivir de esto.

Decidí contactarla para consultarle directamente y me contestó muy amablemente que le gustaba la idea; que le mande unas preguntas y me las respondería en sus ratos libres del trabajo. A continuación, les dejo las preguntas y respuestas.

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ARTISTA DE LA SEMANA

Loish

Arte conceptual de Aloy, personaje de Horizon.

¿Por qué decidiste dedicarte al arte? ¿Piensas que puede ser además de un medio de expresión, un medio de vida?

Principalmente lo decidí porque es lo que más quiero hacer, por lo que no quería luchar para encontrar tiempo para dibujar en mi vida. Solo quería tener todo el tiempo necesario para disfrutar del dibujo, porque de lo contrario sabía que me sentiría frustrado.

Realmente no lo veo como una forma de vida, sino más bien como una profesión que necesita dedicación, práctica y crecimiento. ¿Cómo aprendiste las técnicas que usas hoy? ¡Los aprendí solo dibujando en mi tiempo libre, para mi propio placer! Soy autodidacta, así que probé las herramientas para ver qué pasaría. Por eso, mi flujo de trabajo es muy intuitivo para mi forma de pensar. ¿Piensas que la pintura digital tiene ventajas sobre la pintura tradicional? ¡Seguro! La pintura digital es más flexible, más barata y las posibilidades son infinitas.

Pero en el lado negativo, tiene menos encanto y atractivo – es mucho más difícil lograr que sea atractivo. Es por eso que me concentro en darle un aspecto tradicional a mis pinturas. ¿Exploraste otras áreas como el comic o el diseño para videojuegos? ¿Cómo te resultó esa experiencia?

He hecho animación, ya que esto es lo que estudié en la universidad. Realmente me encantó, pero los proyectos grandes son más difíciles para mí. Me gusta moverme rápidamente de una cosa a otra, ¡por eso prefiero la pintura digital! ¿Cuál es el proyecto personal que más has disfrutado haciendo?

Uno de mis proyectos personales favoritos es un cortometraje de animación llamado Trichrome, el cual empecé como trabajo de fin de grado para la Escuela de Arte de Utrecht. De hecho, en un futuro me gus-

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taría hacer dos cortos más con ese mismo universo. Me encantó trabajar en él por su historia surrealista y ligeramente distópica, ¡mis dos géneros preferidos! Dejando de lado los trabajos que suelo hacer (dibujos digitales sin apenas trasfondo), disfruto mucho desafiándome a mí misma para ver de lo que soy capaz y buscando inspiración para darle una historia a mis dibujos. Me divertí mucho trabajando en el proyecto y es muy especial para mí. Diría que es lo más cerca que he estado de desarrollar mi propia propiedad intelectual. ¡Ojalá consiga sacar tiempo en un futuro para completar la serie!

Home, sketch rápido del departamento de la artista.

“Es lo más cerca

que he estado de desarrollar mi propia propiedad intelectual” ¿Cómo puede hacer un artista para desarrollar su propio estilo?

Intenta mezclar todas tus influencias principales. Además, trate de descubrir qué es lo que más le gusta de su arte favorito, no solo copiándolo sin pensar. Y trata de enseñarte a ti mismo cómo dibujar y usar tus herramientas. Enfrentar ese desafío te obliga a ser más creativo, y tu estilo crecerá a partir de eso. ¿Cómo organizas tu trabajo y tu tiempo? (No solo con el trabajo. Vida cotidiana, pareja, familia, mascotas, etc.)

Trabajo horas estándar (10AM a 6PM) y tomo descansos los fines de semana. Mantener este tipo de rutina me ayuda a concentrarme en cosas de la vida personal cuando no estoy trabajando. Intento escuchar a mi cuerpo para tener una idea de cuándo necesito concentrarme en la atención plena,

Medusozoa, imagen inédita del artbook.

Loish

Anayanci Carolina R

LOISH

Artista de la semana: Lois van Baarle

Loish

el ejercicio, etc. Y trato de mantenerme en contacto con amigos y familiares para que no siempre me enfoque en el arte.

A veces el trabajo artístico es muy exigente físicamente o exige muchas horas de trabajo. ¿Cómo equilibras tu salud y el trabajo? No sólo fisica, también la mental.

Básicamente la misma respuesta que la anterior: ¡mantener una rutina constante y asegurarme de que no dedico demasiado de mi tiempo libre a trabajar! A veces solo necesito relajarme y no hacer nada.

Háblanos de alguna experiencia de aprendizaje que hayas valorado mucho como artista.

Mi mayor experiencia de aprendizaje se dio cuando mi carrera empezaba realmente a despegar e intentaba compaginar trabajo intensivo con proyectos para varios clientes importantes. Me concentré tanto en terminar todos los encargos y en cumplir los plazos imposibles asignados por los clientes que hasta sufrí una tendinitis en el brazo y tuve que dejar de dibujar durante dos meses. Viéndole el lado positivo, de esta experiencia aprendí algo muy importante: es necesario marcarse unos límites claros como artista y como freelance. Desde entonces, he estado gestionando mi tiempo de manera muy diferente y dando prioridad a mis propias necesidades. Si entro en pánico o veo que me estoy esforzando excesivamente porque he dejado que me afecte el estrés de mi cliente, me obligo a relajarme y a tomarme la situación con más calma.

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Debo tener siempre presente mi límite de trabajo diario y no excederlo. A veces es difícil descansar y relajarse cuando aún tienes encargos pendientes, ¡pero es totalmente necesario!

“Es necesario marcarse

unos límites claros como artista y como freelance” ¿Las redes sociales son importantes para tu trabajo? ¿Qué red social encuentra más útil para difundir su trabajo?

Las redes sociales son esenciales para mi arte. Instagram funciona mejor para mí en este momento porque tiene el mayor compromiso. Utilizo las redes sociales para encontrar clientes pero también para poder vender mis productos. ¡Es realmente importante para mí!

Es una ilustradora digital que también trabaja la animación nacida en Ultrecht, Holanda, el 11 de Octubre de 1985. Ella ha estado dibujando desde que podía sostener un lápiz. Comenzó a dibujar digitalmente con un ratón a los 15 años, y obtuvo su primera tableta a los 16, después de pasar la mayor parte de su tiempo libre con el dibujo digital.

Es autodidacta. A los 18 años decide estudiar animación en la universidad. durante un año lo hará en Ghent (Bélgica) y luego se trasladará de nuevo a su país de origen para estudiar en la Hogeschool voor de Kunsten Utrecht (HKU) en Hilversum. A pesar de que nació en Holanda y tiene nacionalidad Holandesa, ha vivido por todo el mundo, incluyendo Estados Unidos, Indonesia, Francia y Bélgica.

Empezó trabajando por encargo y aceptando comisiones cuando era estudiante, y a día de hoy ha colaborado con clientes como Guerrilla Games, Autodesk, Blizzard Entertainment y LEGO. Además de haber triunfado en la red, Van Baarle también ha alcanzado el éxito con trabajos más personales como los dos libros de arte que ha publicado: -The Art of Loish -The Sketchbook of Loish,

¿Qué consejo le darías a alguien que quiere trabajar profesionalmente en el dibujo?

Intenta descubrir cuál es tu pasión, qué es lo que más disfrutas hacer. Si desarrolla sus habilidades y su cartera sobre eso, podría terminar haciendo lo que más ama como su trabajo. ¡Nunca dejes ir esa pasión!

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Crónicas del...

Foto: Flo Dahm

Diseñador gráfico: Lo mejor y peor de haber nacido creativo Hoy después de muchos días sin escribir, he encontrado el tema perfecto, EL DIA MUNDIAL DEL DISEÑO GRÁFICO, comenzaré por admitir algo que pocos diseñadores están dispuestos a admitir, NO SOMOS DIOSES (quizá estamos algo cerca pero nos falta humildad).

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Por Alexandra Hdez.

stoy dispuesta a aceptar y a reconocer que es más fácil identificar a un médico como parte vital de la sociedad y más en situaciones críticas como la que atraviesa actualmente el mundo, sin embargo millones de profesiones más están haciendo al mundo funcionar en medio de esta pandemia.

Para todos los que estamos sanos, nuestra conexión al mundo es a través de una computadora, una tableta o un teléfono inteligente, eso se lo debemos a millones de ingenieros, y diseñadores que ha trabajado años para que tu disfrutes de toda la tecnología que tienes en las manos.

En cada trabajo al que he llegado, los diseñadores somos los peor pagados (y ni que decirte que además de diseñadora soy mujer eso disminuye un gran porcentaje del sueldo que debería ganar), pero eso no es lo peor, te va a aparecer mentira pero amo tanto lo que hago que el tema monetario es mi segunda cosa para preocuparme o molestarme, LA PEOR PARTE DE SER DISEÑADOR es que no importa a cuantas personas les soluciones la vida con tu trabajo (programadores, project managers, directores de marketing, directores creativos incluso CEOs) nunca serás la pieza más importante del rompecabezas, mil veces las alabanzas serán p a r a

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aquel programador , ingeniero, matemático, (o cualquier otra profesión que requiera más de la lógica), super genio (de mal genio) que un día de cada 60 tiene un logro (versus los 76 errores que comente a diario). Siempre seremos el último eslabón y por lo tanto el olvidado… Pero eso me lleva a la mejor parte: El 97% de las personas que conoces ignoran que hace tu profesión por la sociedad, pero ese mismo 97% se verá afectado si personas como tú y yo dejamos de hacer lo que hacemos… Y a todo esto si tú que me lees no eres diseñador gráfico pensarás ¿pues qué hacen que se creen tan especiales?

Bueno el diseño está en cada rincón de tu casa, está en la ropa que vistes, en el auto que conduces, en la botella de catsup que tienes en tu refrigerador, en la caja de pizza que está en la basura después de la cena de ayer… Disfrutas de la comodidad de un “abre fácil” gracias a un diseñador al que se le ocurrió pensar en los demás y no sólo en sí mismo.

Se dice que los diseñadores somos egocéntricos y no lo voy a desmentir, ¿han visto una pelea entre diseñadores? son lo peor, ninguno estará dispuesto a ceder, fuimos entrenados para pensar en la función y la forma, no nos entrenaron para no herir sentimientos, además debemos tener el corazón algo frío, de lo contrario soportar las críticas constructivas y sobre todo destructivas constantes de personas que saben una mierda de diseño (no puede evitarlo no hay eufemismo para esto) serían insufribles, es por eso que esa delgada capa de teflón que cubre nuestro colorido corazón es nuestra mejor arma.

No nos culpen por sentirnos especiales, no nos culpen por amar el arte, es nuestra fuente de trabajo, es nuestra forma de vida, creamos cada día cosas nuevas y nos preocupamos (no todos pero si muchos) por generar ideas que mejoren la experiencia de las personas en su contacto con objetos del día a día.

Además somos los únicos que seremos forzados a acortar tiempos de producción porque lo que hacemos según el mundo “no es para tanto” o “ni que fuera tan difícil” o “cualquiera puede hacerlo”. Y no, no cualquiera puede hacerlo, por eso dicen que el diseño es como el sexo, todos creen que son buenos en el… ¡Ja! Así que…

Sí, colegas diseñadores, el

Foto: Toa Heftiba Şinca

gozo llega el día que demuestras con hechos que, sin tu trabajo, los demás no podrían hacer el suyo.

Gracias a cada diseñador en el mundo, gracias a cada ingeniero, gracias diseñador industrial, gracias diseñador textil, gracias a cada empresa que pone primero a la experiencia de usuario (gracias Apple, gracias Instagram, Nespresso, y millones de marcas más) gracias por forzarnos a ser más creativos cada día, pero sobre todo gracias a ti que no te sentiste intimidado y seguiste aferrándote a ser creativo cada vez que escuchaste de tus amigos o familia las siguientes frases: -“Oye tú que eres diseñador, me quiero hacer un tatuaje, a ver si me ayudas.”.

-“¿Y los diseñadores qué hacen?”.

-“Mi sobrino está estudiando diseño y hace lo mismo que tú por menos”.

-“Ahora que ponga mi empresa me regalas mi logotipo ¿no? algo sencillo”.

-“Un favor, no tengo dinero pero aviéntate el diseño mientras te comes un sandwich”.

-“Bueno es que lo que tú haces está más fácil porque no haces código”.

-“Porque te quejas de tu trabajo si te la pasas en la computadora jugando y haciendo ‘dibujitos’”.

Y la lista podría seguir, en mi vida por años me he topado con frases absurdas y con ambientes tóxicos laborales donde todos te exigen que termines en 10 minutos tu trabajo, para que al final del proyecto de ti no reconozcan nada, pero lo que importa más es la satisfacción personal y egoísta de saber que al final el resultado fue bueno gracias en mucho a ti. ¡¡Felicidades diseñadores gráficos!!

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Opinión

La gran oportunidad del diseño sostenible F

Por Miren León

recuentemente hablamos de sostenibilidad, pero ¿cómo podemos definirla? ¿Sostener qué exactamente?

La sostenibilidad es un conjunto de procesos con los que garantizamos la calidad de vida de las personas, como mínimo a nivel actual y para las próximas generaciones. Mantener un sistema sostenible no es posible con un modelo de producción lineal, la sociedad de consumo y la gran cantidad de generación de residuos que se generan anualmente.

Si se pretende solucionar sin una reflexión en profundidad de manera no planificada y sistémica, generalmente impacta en los costes y en la calidad y apariencia del propio producto diseñado. Sin embargo, si miramos la totalidad y con una perspectiva circular, la sostenibilidad –o aún mejor el diseño para la abundancia, como lo nombra William McDonough- se convierte en una oportunidad.

Entender la sostenibilidad como una oportunidad es esencial para las escuelas de diseño de España y estos deben aplicarla a todos los niveles: desde eliminar la entrada en el círculo materiales tóxicos y peligrosos, a estrategias de generación de negocio, ahorro de costes o fidelización y mayor satisfacción de clientes.

En el diseño de producto son clave los materiales y es importante darlos a conocer: la proximidad, el mínimo impacto en

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su traslado, reciclados, reciclables o biodegradables. Es imprescindible que se puedan separar entre sí: el diseño para el desensamblaje. En un segundo nivel hablamos de acabados, que deben ser los mínimos y preferiblemente mecánicos, evitando añadir químicos (que al final no dejan de ser otro material encima del primero y difícilmente separables). Usaremos el mínimo material posible. Preferiblemente escogeremos sistemas de producción de proximidad con tecnologías disponibles localmente.

La visión de IED Barcelona sobre la formación tiene peculiaridades derivadas de su origen muy vinculada a la sociedad y el mercado. Para nosotros es primordial la apertura de la escuela al exterior, a través de experiencias pedagógicas y colaboraciones con empresas. Los proyectos finales siempre son en colaboración con una marca de prestigio, con la cual compartamos valores, pero que nos permitan, a la vez experimentar.

Ejemplos pueden ser las colaboraciones con Santa&Cole, Artemide, el Comú de Canillo (Andorra) o la fundación de Roca, We Are Water. Todos ellos son muy distintos entre sí, pero, a su vez, con posibilidad de ser enfocado desde una visión cercana al producto o al servicio.

Tenemos una visión humanista del diseño y muestra de ello son las aportaciones de Oscar Guayabero con la asignatura

Diseño para vivir -homónima a la exposición y las jornadas anuales- y Las colaboraciones de Curro Claret -habitual colaborador con fundaciones y ONGs-. Además, el IED ha sido la primera escuela de diseño en realizar un proyecto con Médicos sin Fronteras, premio Nobel de la paz.

“Es tarea de las instituciones académicas actuales aportar una visión crítica y analítica para crear un impacto positivo a nuestro entorno: romper con esta visión lineal y aportar una perspectiva multifocal”

Los programas son constantemente revisados y actualizados debido a cambios sociales o mejoras tecnológicas con la clara intención de adecuarlos al futuro profesional. Este cambio se debe a la aceleración tecnológica que estamos viviendo, que permite reformular la gestión y la producción del diseño como la impresión 3D, un recurso excelente de cara a implementar sostenibilidad y evitar impacto en packaging o transporte que no existía hace poco.

Es importante que el diseño esté al servicio de las personas y que responda a las necesidades actuales de la sociedad. Una sociedad, cada vez, más global.

Monserrat Carolina Flores Chávez 179776

Anayanci Carolina Reyes Núñez 156022

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Marcos Rubio 172065