Esbós by Andrea Rm

EDITORIAL A

lgo que tenemos los creativos es que estamos acostumbrados a buscar cosas que nos inspiren ya que nos vemos en la necesidad de entender el mundo de una manera diferente, de tal modo que al momento de generar ideas, nuestra experiencias y sucesos se ven reflejados en los resultados de nuestra obra. Para llegar a ello, es inevitable que exista un proceso y una metodología acerca de lo que percibimos en todo momento y lo más interesante es que utilizamos todos nuestros sentidos para poder almacenar en nuestra memoria un sin fin de estímulos cada segundo. El estímulo visual para los diseñadores es esencial y diariamente tenemos la oportunidad de desarrollarlo al máximo, pues poco a poco vamos siendo más selectivos con lo que nos llama la atención y lo que pasa a segundo plano. La palabra catalana ‘Esbós’ significa en español ‘Boceto’. Para mi, un boceto es un esquema general, un ensayo o un borrador de una idea que queremos pulir y analizar antes de llegar a un concepto definitivo. Para mi, bocetar conlleva todo ese proceso anteriormente explicado y que una vez adentrados en el mundo del diseño, nunca dejamos de bocetar todo lo que pensamos. Esta edición contiene artículos de diseñadores muy reconocidos por su trabajo así como artículos para ti que sirvan de inspiración y te brinden una perspectiva diferente sobre el diseño. Para Esbós es muy importante dar a conocer puntos de vista, opiniones, historias, experiencias, consejos y todo lo que nos pueda servir para nunca dejar de bocetar.

CRÉDITOS Dirección general Ricardo Huitrón Aguirre Dirección editorial Ximena Fernández Carrión Dirección de arte Abraham Briones Payán Diseño editorial y diagramación Andrea Ramírez Martínez Diseño de portada Andrea Ramírez Martínez Redacción Fabiola Hernández Cancino Editor Javier Ponce © AMBAR Diseño, 2016

Colaboradores Angel Zenaido Cruz Salcedo Carmen María Arango Chacón Fabiola Hernández Cancino A. Josefina Salas Ramón Karla Ximena Monita Hernández Kimberly Diana Borrayo Morales Mara Mercedes Estrada Rojas María Fernanda López Lima Roger A. Sandoval Lacayo Abraham Briones Payán Ximena Fernández Carrión Fotografías Ninguna fotografía es propiedad del autor

Esbós Año 0, número 1. Es una publicación bimestral, 5000 ejemplares de distribución gratuita, editada y publicada por Ambar Diseño con dirección en Priv Oviedo #10, Puebla, Pue. Impreso en Universidad Iberoamericana Puebla,Blvd. del Niño Poblano No. 2901 Colonia Reserva Territorial Atlixcáyotl, San Andrés Cholula, Pue. 72810. La presentación en conjunto y de cada una de sus páginas son propiedad del editor. El contenido de los artículos es responsabilidad exclusiva de los colaboradores. Los artículos escritos no representan el punto de vista del editor, y no necesariamente reflejan la política editorial de Esbós. Certificado de Reserva de Derechos al Uso. Exclusivo de Esbós en trámite. Certificado de Licitud en trámite.

Alex Trochut: el ego de los diseñadores me fascina

Tendencias del diseño 2016

Pantone añade 210 colores a su paleta

5 razones por las que un logotipo no es bien aceptado

Jessica Walsh: la diseñadora que está conquistando al mundo

Entrevista a Jorge Frascara

Milton Glaser: estoy seguro que a través del dibujo miro las cosas con atención

El diseñador aparte de dominar el CMYK debe conocer el MKT de su profesión

No busques la solución, deja que ella te encuentre

¿Cuáles serán las tendencias visuales en 2016?

Stefan Sagmeister: tocando nuestros corazones con el diseño

12 things to turbocharge your design carreer

Adobe: Welcome to Cannes. La campaña impresa “Welcome to Cannes” fue creada por Goodby Silverstein & Partners y cuenta con algunos de los diseñadores y publicistas más premiados y respetados del mundo. Alex Trochut hizo su propio diseño.

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Alex Trochut

“El ego de algunos diseñadores me fascina”

lex Trochut lleva el diseño y la tipografía grabados a fuego en el ADN. Y es que ‘de casta le viene al galgo’, puesto que su abuelo, Joan Trochut, al que por cierto nunca conoció, fue un respetable tipógrafo allá por los años 40. Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado al joven diseñador gráfico catalán hasta convertirlo en toda una referencia en la materia. Tras cinco años de aventura en solitario, llega ‘More is More’, el primer libro que recopila la experiencia de Alex como free lance “ no quería que fuera un álbum de cromos” afirma Trochut, un libro en el que sólo se enumeraran sus trabajos, un mero catálogo. Por eso nunca antes se había atrevido a dar el paso y aceptar el proyecto. “Cuando mi amigo, -también diseñador-, Dani Navarro me propuso hacer un libro, dudé, porque es algo que perdura en el tiempo, algo más”. Ambos vieron que había más cosas que contar y se embarcaron de lleno en el proyecto. Pero el diseño entró en su vida mucho antes, y casi sin darse cuenta, por instinto. “De niño ya consumía mucha imagen, pero no entrené demasiado la mano, fue de adolescente cuando pude dar cabida a algo creativo”. Era una cuestión de necesidad “la de poder expresarse” afirma. Alex reconoce que esas ganas de ex-

presarse le llevaron a pensar en el diseño gráfico como vía de escape “no era mucho de estudiar” así que vio en el diseño gráfico un filón donde “dar cabida a las inquietudes que tenía”, afirma. Ese instinto que ya tenía de pequeño le sirvió para elegir bien en cada momento y hacer siempre lo que realmente le gusta. Si no hubiera funcionado lo de ser diseñador, Alex cree que “hubiera sido cocinero o músico, el caso es estar siempre creando”, afirma divertido. Porque cree que lo importante es meterle pasión a todas las cosas que se hacen en la vida. Sin duda lo de crear lo lleva en la sangre, al igual que su vena barcelonesa. Sus trabajos llevan mucho de la ciudad condal, la que le vio nacer y convertirse en lo que es hoy. Y para entender lo que hace, hay que mirar por el prisma que la Barcelona más artística ofrece. Por eso en ‘More is More’ ha querido realizar un tributo, “un homenaje” a todas las influencias recibidas. Desde el arte más mediterráneo de Dalí, Picasso y Miró, pasando por el arte geométrico de Vasarely, el legado de su abuelo, la infancia de los cómics y cromos, hasta la música, una de sus pasiones confesables, a través de un encuentro con el músico James Holden, referencia europea de la música electrónica.

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Di sc i pl i na d o y co n t ro la d o r, A lex

D i s e ño grá f i c o, un c a m po de s c onoc i do pa ra l a m a y or í a

la hora de trabajar Trochut reconoce que necesita “buscar momentos de concentración” porque es en el silencio de su estudio donde verdaderamente se encuentra consigo mismo. Trabaja solo, sin contar con otros diseñadores,porque le gusta hacer las cosas a su manera, además se siente como “un artesano digital”, porque el ordenador es su única herramienta, aunque su metódica a la hora de trabajar mantiene en esencia la técnica tradicional, la del lápiz y el papel. Reconoce que le gustaría introducir alguna vez estas herramientas en su método de trabajo quizás para obtener un resultado más humano, “donde sé de cabida al error, a las sorpresas”. Pero el control sobre el trabajo realizado y la limpieza de la pieza que le proporciona la herramienta digital, le tienen completamente atrapado. Alex confiesa que es un maniático con los programas que emplea para diseñar. “Soy de herramientas muy limitadas. Trabajo con un programa muy obsoleto, el ‘Freehand’, y no entiendo ese empeño de los creadores por imponer otros, que se lo carguen pero que mantengan lo bueno”, dice indignado.

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no de los grandes problemas del diseño gráfico es que se trata de un mundo bastante selecto y poco conocido, al menos para el público español. Se trata de un género bastante especializado que atrae a unos pocos iniciados. Alex reconoce que cuando se celebran grandes eventos en Barcelona, el 80% del público asistente son extranjeros, por eso en su web optó por dirigirse al navegante en inglés: “es como un gueto a escala internacional, pero al fin y al cabo un gueto”. Le choca bastante que en un mundo “tan exclusivo” como es el del diseño gráfico exista un problema de ego. “El ego de algunos diseñadores me fascina, ¿Cómo pueden alimentarlo tanto?”. Lo que si resalta Trochut es aclarar que “el diseño no es arte, para mí es comercializar una manera de expresarse”, el arte no tiene en cuenta el consumismo, es un estado superior”. Pero reconoce que a veces “puedes ver arte que es una mierda y diseño muy bueno” y al revés. Aunque de momento pensar en hacer arte le queda grande, pero espera que algún día pueda “tener un discurso propio”.

Un a carre ra b a s a d a e n n u e va s t e c n olog ía s

ras estudiar en Elisava (Escuela Superior de Diseño de Barcelona) trabajó en dos empresas la primera Toormix recién llegado de sus andanzas europeas, en la que estuvo dos años. Pero sería en Vasava, donde experimentaría el mayor crecimiento como diseñador gráfico gracias a las posibilidades que su nuevo trabajo le brindó. Alex le debe a Internet mucho. Cuando abrió su página web (www.alextrochut.com) su popularidad creció como la espuma, convirtiéndose en un gran conocido del diseño gráfico, además él confirma que si algo bueno tiene la red, es que siempre encuentras aquello que buscas “Tu trabajo llega allí donde gusta, y esto es una suerte, no tienes que desplazarte” afirma. Si su trabajo tiene algún inconveniente es la intangibilidad: “Al fin y al cabo mi producto no es más que un mero archivo”, reconoce, por eso le gusta trabajar con pósters donde puede hacer algo “permanente”, así consigue una categoría más digna.

De momento, el deseo de Alex por hacer algo diferente con el libro, queda patente desde la cubierta. Esta vez la portada se presta a un juego de luces y sombras. La luz no deja ver un monograma impreso en tinta luminiscente, que sí permite la oscuridad, otorgándole dos portadas completamente diferentes. Ahora que ‘More is More’ está en la calle, Alex reconoce “que le acojona un poco” porque ha cerrado una etapa. Pero está ansioso por ver lo que le depara el futuro: “tengo muchas ganas de ver lo que viene ahora”. Apunto de iniciar sus vacaciones y con varios proyectos entre manos, quiere dejar claro que “aún le quedan muchas cosas por hacer”, que esto no es un punto final, sino un punto y seguido, concluye. Artículo por: Irene Moreno

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PANTONE

a 単 a d e 210 colores a su paleta

“Our collection of 210 new shades gives you a greater range of creative expression and ensures that your color palettes are fresh, modern and relevant.”

legir un color favorito de la paleta de Pantone no es tarea sencilla porque no basta con decir que el más bonito es el azul, por ejemplo. Hay casi tantos azules como se puedan imaginar: process blue, process cyan, scuba, aguamarina o dusk, entre otros muchos. A partir de ahora la elección se complica porque la autoridad mundial del color ha añadido 210 tonos nuevos a su paleta, que junto a los que ya existían, suman en total 3.210. La nueva paleta, que se llama Fashion, Home + Interiors (moda, hogar e interiores), ha sido especialmente creada para diseñadores y teniendo en cuenta la evolución de los gustos de los consumidores, según ha anunciado la compañía. Los libros de algodón donde se recogen todas las gamas ya están actualizados y puestos a la venta en su página web, aunque de momento habrá que esperar para comprarlos porque están agotados. Dependiendo del modelo, el precio varía desde 529 hasta 6.729 euros.

Naranjas más cálidos y radiantes, negros intensos, azules más matizados, tonalidades del oro y sombras rosas son algunos de los tonos que forman parte de la gama Fashion, Home + Interiors. Leatrice Eiseman, la directora ejecutiva de Pantone Color Institute, ha asegurado que los colores que se llevan actualmente en el diseño “han evolucionado para reflejar cambios sociales, nuevas innovaciones tecnológicas y una perspectiva global”. Aunque poción de amor, paloma frutal o pavo real rosa —algunos de los nombres de los colores de la nueva colección— puedan sonar raros y sin sentido, Eiseman ha aclarado que su compañía, referente en diseño, trata de que los títulos “sean tan específicos que evoquen estados de ánimo”. Los coleccionistas de las famosas tazas, con el color y su código correspondiente, ya pueden ampliar su repertorio. Artículo por: EL PAÍS

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Jessica Walsh La diseñadora que está conquistando al mundo

essica es considerada una de las diseñadoras más exitosas en la actualidad. Nacida en 1986, es diseñadora gráfica, directora de arte e ilustradora. Es socia de la firma Sagmeister/ Walsh y también da clases de diseño y tipografía en la escuela de Artes Visuales en Nueva York. Tras obtener un BFA de RISD en el 2008, Walsh se trasladó a la ciudad de Nueva York para una pasantía en la empresa de diseño Pentagram durante casi un año. Luego trabajó como directora artística de Print Magazine, sus diseños e ilustraciones han sido presentados en diversos libros, revistas y periódicos, incluyendo el New York Times y New York Times Magazine. En el 2010, Jessica conoció a Stefan Sagmeister. Él, con tan solo una mirada al portafolio de Walsh le ofreció un trabajo en su estudio de diseño, Sagmeister Inc. Dos

años después, a sus 25 años de edad ya era socia de la firma. En homenaje a un autorretrato desnudo que Sagmeister había enviado para anunciar la formación de su propia empresa 19 años antes, los nuevos socios lanzaron una foto de sí mismos desnudos en su oficina para anunciar el cambio de nombre de la empresa para tomar el nombre Sagmeister y Walsh. Combinando artesanía, fotografía y pintura con diseño digital, Walsh trabaja principalmente haciendo tipografías, diseñando sitios web e instalaciones de arte. Su estilo ha sido descrito como “audaz, emocional y provocativo” con un ocasional tono surrealista. Walsh ha trabajado en proyectos para clientes como Levi’s, Aizone, Adobe, Colab Eyewear, The Jewish Museum de Nueva York y el Museo de Arte contemporáneo Aldrich en Connecticut.

40 Días de citas En el 2013, Walsh y su compañero, diseñador y amigo Tim Goodman decidieron salir románticamente durante 40 días para ver si podían superar sus problemas amorosos y enamorarse, después documentaron el experimento social en un blog llamado 40 Días de citas, lanzado en julio del 2013. El blog, ganó más de 5 millones de visitantes únicos en menos de un año, apareció en segmentos en programas de entrevistas como “Today” y “The view”. En septiembre del 2013, Warner Brothers compró los derechos para llevarlo a la pantalla grande, con un guion escrito por Lorene Scafaria, y Michael Sucsy quienes también la dirigirán juntos. Walsh y Goodman servirán como consultores en el guion y a principios del 2015 saldrá el libro por Abrams: 40 Días de Citas: un experimento. Artículo por: Maria Elena Mata Borunda

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Mil ton gla ser “

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Estoy convencido de que solo a través del dibujo miro las cosas con atención.”

Por qué el dibujo es tan esencial para entender la forma? ¿Cómo puede determinar una manera de ver y cómo focalizamos la atención en las cosas? Valiosísimas palabras del maestro Milton Glaser, quien daba respuesta a estas y otras preguntas mientras trabajaba en su estudio en 2006. Aquí transcribimos el texto en español.

«Dibujar es fundamental de entender el mundo» «Para mí, dibujar siempre ha sido la manera fundamental de entender el mundo. Estoy convencido de que solo a través del dibujo miro las cosas con atención, dibujar me hace consciente de que estoy mirando. Si no estuviera dibujando sentiría que no estoy mirando realmente». «Estoy trabajando en un libro que se llama Dibujar es pensar, básicamente explora esta idea. La introducción del libro la ha escrito un tipo que se llama Frank Wilson. Fui a una charla que él dio hace unos meses, donde dijo que cuando a los niños se les priva de dibujar, sus cerebros no se desarrollan del todo. Me pareció que era un argumento de peso para explicar por qué el dibujo es tan esencial para entender la forma. En estos momentos, como el dibujo parece ser tan ajeno a la idea de ganarse la vida económicamente, las escuelas de arte han abando-

nado el dibujo como actividad porque tenían que lidiar con montones de programas de ordenador que tenían que institucionalizar. Así que, ahora, la gente tiene lo que necesita tal vez para su vida profesional pero lo que no tienen es un instrumento fundamental para entender la realidad de esa línea. Por ello, para mí el dibujo siempre ha sido una manera absolutamente primaria de encontrarme con la realidad». «Estoy maravillado por el dibujo. Para mí cada dibujo es una especie de evento milagroso. Lleva tiempo llegar a hacer un dibujo que uno encuentre interesante. Curiosamente, la gente piensa que la dificultad de dibujar es hacer que las cosas salgan preciosas, pero la precisión es la parte menos significativa de dibujar. Antes que nada hay que aprender a dibujar certeramente; después se puede empezar a pensar en dibujar expresivamente. Ese es otro juego…». Artículo por: Gráffica.info

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no busques la solución, deja que ella te encuentre E

nfocarse en la solución y no en el problema es un buen consejo, sin embargo el enfocarte sólo en encontrar la solución puede limitar tu creatividad y hacer que nunca salgas del problema. «Enfócate en la solución, no en el problema». Este es el consejo que siempre nos dan. Y aunque si bien es cierto que si nos enfocamos en el problema no tendremos cabeza para encontrar una solución, el enfocarnos solo en encontrar la solución puede limitar nuestra creatividad y que no lograremos salir del problema. La creatividad es la capacidad para generar nuevas ideas y la utilizamos sobre todo para resolver problemas de una manera diferente. En su libro Focus, Daniel Goleman habla de tres modalidades de atención que requiere la creatividad:

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La orientación, en la que buscamos y nos sumergimos en todo tipo de datos. El cerebro necesita de información para generar conexiones. Entre más información tenga más eficiente será su respuesta. La atención selectiva a los retos creativos concretos. El contar con objetivos claros y bien definidos desde un principio, facilita la respuesta a cualquier problema. La consciencia abierta, en la que nos entregamos a la asociación libre hasta dar con la solución. Un momento de relajación en el que le permitimos al cerebro recordar, idear y asociar.

Las primeras dos modalidades de atención están bien vistas en el ámbito laboral, sin embargo la tercero puede llevar a la procrastinación o al ocio. Imaginemos ir a dar un paseo en horas laborables por que tenemos un problema que resolver. Suena más a evasión que a productividad. Sin embargo, está comprobado que el tiempo libre ayuda a la creatividad mientras que demasiado estrés o agendas saturadas la limitan. Generar un aislamiento creativo con equipos de trabajo y destinar tiempo y espacio adecuado, tanto para la solución de problemas de forma creativa como para jugar con los problemas, ayuda a ser más productivos en la generación de ideas y, por lo mismo, nos hace más innovadores. Durante las etapas del Design Thinking de empatía y generación de contexto, nos permitimos llenarnos de información y descubrir aquello que no se ve a simple vista; mientras que la fase de ideación, atiende a la modalidad de atención selectiva de un reto creativo. La energía que se genera durante el proceso ayuda a que cada participante se lleve el material necesario en su cerebro para provocar la expresión que tanto buscamos: ¡eureka! Artículo por: Mara Montañes

“

La mente creativa es un don sagrado y la mente racional un sirviente fiel, por ello resulta muy curioso que hayamos creado una sociedad que, olvidando el don, haya acabado honrando al sirviente.” Albert Einstein

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rá se la vo de ” i t j e ó n ñ o. b o ra z i s e o str al co el d e Nu gar con lle nte ge

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TE FAN AG M E I STE R D

iseñador, inspirador e intrigante. Su obra se basa e soluciones de diseño creativas y a menudo poco ortodoxas. “He visto películas que me han conmovido, he leído libros que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño”. Stefan Sagmeister, Austria, 1962, retrata con esta frase el deseo por transformar el diseño actual. Su obra destaca no solo en el ámbito del diseño sino en el mundo artístico, donde se mueve en los límites del diseño y del arte conceptual. Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong para trabajar en la agencia Leo Burnett; en 1993 de vuelta en New York trabajó con el gran Tibor Kalman, para más tarde, en 1994, formar su propio estudio en el que ha trabajado con clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Ha colaborado con importantes músicos como The Rolling Stones, Talking Heads y David Byrne, Lou Reed… entre otros. Ha sido nominado 5 veces a los premios Grammy y dos veces ha resultado ganador con Once in a Lifetime de la banda Talking Heads en 2005 y Everything That Happens Will Happen Today de David Byrne & Brian Eno.

Sagmeister es claro y, en ocasiones descarnado, en contraposición a la mayoría de diseñadores que se preocupan por el ámbito más formal y estético: la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas. Un ejemplo es el cartel que diseñó para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA) a principios de los 90. En esa ocasión, Stefan Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel. Formó True Majority un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak. Cada siete años, el diseñador Stefan Sagmeister se toma un sabático y cierra su estudio de Nueva York para fortalecer y renovar su panorama creativo. Fruto de su último año sabático en Sri Lanka y Bali nace su película The Happy Film, creada junto a Hilman Curtis. En mayo del 2012 anunció por todo lo alto su nueva sociedad con Jessica Walsh para crear Sagmeister & Walsh y relanzar su estudio. Con una imagen que desde luego llamó la atención. Este año AIGA ha reconocido a Stefan Sagmeister por su trayectoria basada en soluciones de diseño creativas y, a menudo, poco ortodoxa aunque muy efectivas. He tenido la oportunidad de escucharlo en varias ocasiones y ha tocado mi corazón con el diseño, espero que os ocurra lo mismo a vosotros. Artículo por: Paula Mastrangelo

Esbós ◆ 17

Tendencias ˜ del Diseno 2016

18 ◆ Esbós

storytelling visual

FLAT DESIGN

l diseño material llegó para ajustar alguno de los problemas de usabilidad que había demostrado tener el flat design o diseño plano. Pero eso no quiere decir que el flat design esté muerto. De hecho, a lo largo de 2016 el diseño flat también se hará aún más popular. Como muchas grandes marcas han adoptado en los últimos años los principios del flat design en su lenguaje visual, el público se va acostumbrando al principio de menos es más en todo aquello que tiene que ver con la estética visual. Lo que es más, el diseño plano tiene una gran ventaja en el campo de la experiencia de usuario: las imágenes que siguen este estilo pesan menos y no añaden un tiempo extra innecesario al tiempo de carga de la página. Las líneas generales del flat design reinarán a lo largo y ancho de las webs y blogs de pequeñas y medianas empresas (por ejemplo, con el uso de los botones fantasma). Al mismo tiempo, aquellos usuarios un poco más avanzados en cuanto a tendencias de diseño, pasarán al Flat 2.0 (una evolución del flat design que incorpora algunos efectos tridimensionales, para hacerlo más usable).

xiste una manera efectiva de sacar partido al storytelling y diferenciarse de los demás, esa es contar historias de una manera visual. Ya se sabe que una imagen vale más que mil palabras, y eso vale para los esfuerzos en marketing de cualquier marca o negocio. ¿Qué mejor manera de hacer que tu historia parezca viva y real? Unos cuantos datos: • En internet, 100 millones de personas ven mínimo 1 vídeo por día. • Los usuarios de un sitio web tienen un 64% más de posibilidades de hacer una compra tras ver un vídeo. • El 80% de los usuarios recuerdan haber visto un anuncio en un vídeo 30 días después. • El 92% de los que ven vídeos en dispositivos móviles comparten el contenido con otros usuarios. • Los seres humanos procesamos un elemento visual 60,000 veces más rápido que si leemos la misma idea en un texto. En el fondo, el storytelling visual está en línea con lo que te he contado desde el principio: ya no se trata sólo de la estética de un diseño, de parecer cool. Ahora, el diseño tiene que desempeñar una función de contenido; ya no es un mero acompañante de la historia que cuenta el texto.

infografias

Conoces una forma mejor de hacer llegar una historia o una serie de informaciones complejas, que hacerlo a través de una infografía llamativa? No es casualidad que las infografías se hayan puesto de moda en todos los ámbitos del marketing online: redes sociales, SEO, marketing de contenidos… A todo el mundo le gusta una buena infografía, y sobre todo, nos encantan sus resultados: las infografías se comparten tres veces más que cualquier otro tipo de contenido visual. Bueno, vale, puede que no sea objetivo, ya que me gano la vida creando infografías, pero los datos no engañan. ¿Qué clase de infografías creo que van a generar el mayor impacto en 2016? Pienso que el tiempo de las infografías demasiado simples y aburridas ya ha pasado. Poner tres o cuatro conceptos clave uno debajo de otro, y añadir unas cuantas ilustraciones o iconos ya no pasará el corte. Es el momento de mezclar las enormes capacidades de contar una historia que tiene la infografía, con el análisis profundo que permiten las visualizaciones de datos.

Esbós ◆ 19

cuadriculas y

tipografias

formas modernas

l diseño web se basará en matrices geométricas. Tanto es así, que la matriz (grid en inglés) se va a convertir en un estándar lenguaje CSS. Lo cual quiere decir que crear una parrilla o matriz a tu gusto, usando únicamente CSS, va a ser muy sencillo. Pero las cuadrículas no sólo dominarán el diseño web. Lo mismo puede decirse de cualquier tipo de arte gráfico, junto con otra importante tendencia: las formas geométricas. Es lógico. El diseño moderno y minimalista se alimenta fundamentalmente de los principios del Estilo Suizo. Uno de ellos es que todo debe estar planteado sobre una matriz geométrica. Pinterest y todos los sitios web con un diseño basado en fichas o cartas han allanado el camino, y ahora todo el mundo se apunta. El diseño en cuadrícula es claro, fácil de poner en práctica para los diseñadores y fácil de entender para los usuarios.

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lgo que toda buena infografía tiene casi siempre es uno o dos tipos de letra muy bien elegidos. Ahora que la tipografía se ha convertido un elemento clave de cualquier estrategia de branding que se precie, el público está cada vez más acostumbrado a ver tipos de letra artísticos y originales en casi cualquier lugar. La tipografía es un lenguaje en sí mismo. Hace algunos años, sólo los diseñadores gráficos eran capaces de hablar y comprender ese lenguaje. Hoy, cada vez más gente se anima a practicarlo, gracias a que la variedad de fuentes disponibles para web es mucho mayor. Se trata de otro éxito de Google, ya que el servicio gratuito Google Fonts es una de las principales razones por las que mucha gente se ha decidido a sustituir Arial en favor de tipos más modernos y atractivos.

retro moderno

o Retro-moderno es cool. Lo que empezó como una moda para los logos, está pasando ya todos los aspectos del diseño gráfico y web. Pero hay una pequeña diferencia en lo que significará retro a partir de ahora. Antes, cuando decíamos retro siempre pensábamos en la primera mitad del siglo XX, como mucho hasta los años 60. Lo retro-moderno se refiere a los primeros años de la era del ordenador personal. Un mundo de vídeojuegos, pixel art, grandes móviles tipo zapatófono, Tron, MacGyver… Bueno, MacGyver no. pero cualquier cosa que fuera importante en el estilo visual de los años 80 y primeros 90, será grande de nuevo.

Esbós ◆ 21

5 razones

por las que un

logotipo no

es bien aceptado

ada que se presenta una nueva oportunidad para desarrollar una imagen corporativa o de branding desde cero, se intenta hacer el mejor esfuerzo por enamorar no solo al cliente, sino al público espectador y comprador en general, pero por desgracia, no todos los casos son exitosos. Aquí te damos cinco razones por las que un logotipo no es bien recibido. Un logotipo es la introducción de una marca al consumidor. Esa introducción puede ser pulida, segura y atractiva, o puede ser agresiva, mal planificada y con un traje horrible mal ajustado. Un logo puede enaltecer una marca y al diseñador implicado, pero también humillar a la marca y al diseñador detrás de la pieza. Aquí te damos una serie de razones y cuestiones básicas sobre el diseño de un logotipo que se pueden evitar:

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01.

El logo no coincide con la identidad de marca

Si el logotipo simplemente transmite un mensaje completamente diferente a lo que representa la marca, entonces no será eficiente y tampoco tendrá sentido para el espectador. Sin importar que tan bueno sea el diseño, si este no transmite lo que realmente es la marca, entonces no funciona.

02. 04.

El logo no es único

El logo confía en las tendencias

Si el logotipo de entrada recuerda a otra marca, entonces se hizo algo malo desde el inicio, ya que claramente no se quiere distraer a los clientes potenciales de los méritos individuales de un producto. Cada logotipo debe incluir un distintivo no semejante a otro para cuidar la reputación de la marca. También hay que evitar el uso de fotografías.

A pesar de que es peligroso ignorar completamente los gustos populares, obstinadamente seguir las tendencias sólo hará que un diseño de logotipo parezca un cliché y uno del montón. No es algo malo, pero significa que en determinado tiempo el diseño ya no encajará.

03. 05.

El logo es demasiado complicado

El logo está diseñado al azar

Los gráficos elaborados o complicados pueden dar como resultado un logotipo borroso y sin una aportación especial. Entre más detalle se agregue, más difícil será de procesar y no generará impacto. Si el logo no se guarda en escasos cinco segundos, entonces no fue bien aceptado, pero no te sientas mal, ya que hasta Apple en sus inicios tuvo ese error.

Claramente se identifica un diseño realizado al azar y esa consecencia de imagen la sufre la empresa, de la misma manera que la apariencia profesional de una persona puede sufrir de una sobreabundancia de cirugías faciales. A pesar de que los logos más famosos surgieron de accidentes, esto no quiere decir que todos tengan que ser así, lo mejor es realizar una investigación y hacer varias pruebas.

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E N T R E V I S T A

n febrero de 2014 se realizó el primer encuentro de la Red de Diseñadores con Conciencia Social, en el Museo de Bellas Artes de Salta, Argentina. Jorge Frascara, uno de los máximos referentes del «Diseño Social», transmitió conceptos dignos de ser compartidos con la comunidad de diseñadores. La entrevista se realizó por video-conferencia.

¿Qué opina de los cambios de paradigma del diseño en el contexto mundial? El diseño ha cambiado mucho en los últimos 50 años porque se ha pasado de un arreglo de elementos gráficos (en el caso del diseño gráfico) a una conciencia del impacto que esos elementos gráficos causan socialmente. Cambian los problemas y cambia la educación que uno debe adquirir. No podemos vivir ahora sin la sociología y la antropología. Somos

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más exigentes con respecto a la necesidad de controlar el proceso desde el inicio hasta la evaluación posterior a la implementación de, por ejemplo, una campaña gráfica. Yo he trabajado mucho en seguridad vial, y hemos logrado que menos gente se lastime.

¿Qué es «diseñar para la gente»? Desde los años 50 ha tomado impulso la mercadotecnia (marketing), que es venderle a la gente todo lo que se pueda. Cuando hablo de «diseñar para la gente» hablo de abordar las necesidades más prioritarias, y no priorizando necesariamente la compra de unas vacaciones. Ponerse en los zapatos de la gente. Tratar de entender qué es lo que realmente necesita, y cómo adaptar las piezas comunicacionales a los intereses y deseos de esas personas a las que se dirige el mensaje. Hago

una defensa del servicio al público. Diferente a lo que pasa con el aspecto comercial. Vivimos en una sociedad capitalista, eso no puede negarse. Pero hay muchas necesidades, muchas otras áreas, y muy poca gente trabajando en ellas. No siempre se valoran las capacidades que desarrollamos en nuestra profesión de diseñadores. Nuestras habilidades pueden usarse para muchas otras cosas. Los médicos en los hospitales no se lavan las manos con la frecuencia necesaria, y eso genera muchos contagios. Hay conocimientos que deberían ser de dominio público y que no lo son. Y así como ese, hay muchos problemas de la vida cotidiana que afectan a los sectores más débiles: la gente alfabetismo, los niños, los enfermos. Muchos de ellos están olvidados por el Diseño.

Y están olvidados porque los gobiernos también se olvidan de ellos. El problema empieza desde arriba. No están dispuestos a invertir dinero en cuestiones que aparentemente no tienen un retorno inmediato. Pero con un poco más de paciencia, nos damos cuenta de que la salud de la persona, en el caso del ejemplo del hospital, es el capital que hay que defender, y no otros intereses. Si alguien en un hospital se rompe un brazo y deja de trabajar por días, es una pérdida para toda la sociedad. Pero se requiere cierta madurez social como la que tienen los países escandinavos para darse cuenta que el tiempo de la gente es valioso, que no hay que abusar a la gente que trabaja y que, por ejemplo, los formularios para la administración pública podrían estar mucho mejor diseñados, optimizando el tiempo de los funcionarios y de la gente. A esto me refiero con «diseño para la gente». Debemos dedicarnos a facilitar todas las tareas cotidianas que tenemos que hacer, a veces innecesariamente complicadas a causa de falta de calidad en los instrumentos de comunicación.

¿Cuál es la responsabilidad ética del diseñador? Hay una necesidad de hacerse responsable de lo que uno contribuye a difundir. Hay ciertas cosas en las que elijo no trabajar.Por ejemplo, la comercialización del deseo humano por el dulce, traducido en gráficas que incitan a un consumo de azúcar superior al necesario por parte de los niños. Me refiero a jugos de fruta y gaseosas. Y esto va en beneficio de las grandes organizaciones internacionales. No trabajo para ningún propósito que a mi juicio particular sea «dudoso». ¡ Hay tanto por hacer en otro terrenos que me dedico a abrir la cancha! El diseñador siempre tiene la obligación de mirar el paisaje total, y no sólo el que el cliente le presenta. Es necesario re-contextualizar las cosas, porque en general es también para el beneficio del cliente El diseñador tiene una posible función doble: por una parte le llega un problema que tiene que resolver, pero tiene que identificar también qué otros problemas lo rodean, para atacar los problemas en la raíz y no en la superficie. Muchas veces no se sabe lo que el Diseño puede aportar. Quizás solamente

una mejor calidad de imagen. Pero el aporte es mucho mayor. Tenemos la obligación profesional de proponer valores, siendo proactivos y no solo reactivos a lo que el mercado nos pide.

¿Podría contar algún caso destacado de su trayectoria? Un ejemplo paradigmático de mi trabajo es el caso de seguridad vial en Alberta, funcionando como coordinador en la estrategia comunicacional. Desde las soluciones de diseño propuestas logramos una reducción del 19% del índice de accidentes. Siempre hay dificultades de falta de fondos, salvo en lugares del mundo donde la conciencia social está más madura, como España, Noruega, Suecia o Inglaterra. En el proyecto de trabajo en Alberta fue fundamental el trabajo interdisciplinario entre médicos, paramédicos, ingenieros de camino, Ministerio de Transporte y toda una serie de organizaciones y personas que contribuyen a una inteligencia colectiva. Hay mucho desarrollo internacional en esta temática de la seguridad vial, y hace falta mucha voluntad intensa y sostenida. Es fundamental la interdisciplina. Cuando uno aborda lo social es necesario rodearse de expertos en antropología, sociología, entre otros. Hay muchos esfuerzos inútiles de gente con muy buenas intenciones pero que carecen de las herramientas o instrumentos intelectuales necesarios. Hay necesidad de producir innovaciones sociales.

¿Cómo puedo iniciarme en el diseño con conciencia social estando en relación de dependencia? Hay que hacer nuestro trabajo «bien». Las necesidades sociales no las encontramos solamente viajando a África, están a la vuelta de la esquina y desde allí podemos generar cosas. No todo lo comercial es nefasto, mucho de ello está bien. Uno necesita vestirse, comer, entre otras necesidades. No quedarnos en lo que queda bonito, sino en cuan útiles a la sociedad estamos siendo. Hay alimentos cuyos ingredientes están gráficamente indicados de manera pésima, y eso no le hace bien a nadie. Todo

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trabajo ofrece la posibilidad de hacerlo de manera responsable o irresponsable, el diseño también. Y la responsabilidad viene cuando uno se pone en la piel del usuario. Ayudar a los ancianos a administrar su régimen medicinal es un buen campo, pues muchas veces se confunden de medicamentos. Ayudar a la legibilidad hora, sala y nombre de la película en una entrada de cine, es también ser responsable desde el diseño de información.

¿Qué lo guió en su trabajo en Alberta? Escuchar. Escuchar la necesidad de la gente. Comienzo entrevistándome con el público al que me dirijo, para detectar lo que el usuario busca, para descubrir los puntos sensibles de ese público, para indagar sobre el mundo comunicacional que lo rodea, incluso los programas de televisión que mira. ¿Cuál es el lenguaje de ese mundo? Todo eso aporta una cantidad enorme de material que uno debe digerir. Si yo no escucho al usuario, el usuario no escuchará la solución que le proponga. Cuidado con los mensajes demasiado genéricos, como «cuidado cuando maneje». Hay que detectar los puntos que hagan que la gente se sonría o se preocupe. No existe en ningún segmento del mercado el representante típico. Son siempre varios los personajes.

¿Una conclusión final? No hay problema con el diseño comercial. Hay cosas que están muy bien. A mí no me interesa porque hay mucha gente haciéndolo. Pero nadie aborda, por ejemplo, cosas que hay que hacer totalmente de nuevo, como los tests de inteligencia cognitiva mal hechos o hechos por médicos, pero no por diseñadores. No me preocupo, me ocupo. No me preocupa la gente que piensa diferente que yo, lo que me ocupa son las temáticas más prioritarias. Ahí está el frente y el desafío. El campo de la medicina y el de los pequeños problemas domésticos son los más fértiles para los diseñadores gráficos e industriales. Artículo por: Red de Diseñadores con Conciencia Social

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H EL DISEÑADOR

APARTE DE DOMINAR EL

CMYK DEBE CONOCER EL MKT DE SU PROFESIÓN

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oy se está visualizando al diseño gráfico como una herramienta estratégica para el desarrollo económico de cada país. Sin embargo la creatividad no es problema porque la hay de sobra, lo que hace falta es que los diseñadores se preparen en como comunicarse en el sentido empresarial, aprender el lenguaje empresarial para poder lograr que comprendan lo importante del diseño en el desarrollo de cualquier producto o empresa. Si bien los diseñadores gráficos somos entrenados para resolver problemas de comunicación visual, durante nuestro periodo universitario, en donde existen materias que son primordiales

para que un diseñador pueda salir adelante y que muchas veces dependen del perfil del estudiante y de la flexibilidad académica de cada universidad, sin embargo, hoy en día eso no es suficiente, puesto que nos enfrentamos a una revalorización del diseño. Si hacemos un poco de historia en los años 80 que fue el boom de esta carrera en Latinoamérica, no se sabía con certeza la función primordial dentro del ámbito económico, se veía como una carrera enfocada a la cuestión estética, pero ya tenemos nueve años de haber iniciado otro siglo en donde el diseño gráfico, ha tenido sus altas y bajas , y sin embargo en Europa se está revalorizado su potencial como herramienta de progreso , países como Finlandia, Londres, Suecia, países asiáticos, que le ha apostado al diseño como un elemento de valor económico.

Una nueva oportunidad para el diseño gráfico en México En México se ha iniciado ecos de una revalorización de diseño gráfico, por parte de diseñadores profesionales que confían que el diseño puede ser un valor agregado a los productos mexicanos y se están dando iniciativas muy importantes, pero la preocupación no es el nivel de creatividad de los diseñadores mexicanos, si no de comunicación. El diseñador mexicano tendrá que capacitarse a parte de conocer el CMYK conocer el MKT de su profesión y parte de esa estrategia mercadotécnica que tendrá que desarrollar para que el empresario entienda su valor creativo, y como puede resolver y beneficiar a su empresa o producto. El diseñador tendrá que aprender el lenguaje empresarial, cosa que no se ve en la universidad, ya que el las presentaciones de proyectos o clases de diseño se les enseña a los alumnos a fundamentar, justificar, a presentar a sus proyectos bajo el lenguaje de la profesión, que si el color significa esto, que si la tipografía utilizada fue aquella, que si está justificado, bla,bla,bla; cuando los empresarios quieren escuchar beneficios, no términos de diseño, quieren escuchar estrategia, quieren escuchar soluciones concretas, claras y no un discurso de “CMYK” por llamarlo así.

¿El diseñador empresarial? El diseñador tendrá que leer y estudiar libros de administración, de planeación estratégica, mercadotecnia, conocer el lenguaje de su consumidor inmediato que es el empresario. El día que el diseñador logre comprender lo que es una empresa, lo que es ese lenguaje empresarial y entender los momentos idóneos de la vida empresarial para vender su diseño. Cuando un diseñador tenga capacidad de establecer comunicación o una opinión en una junta corporativa y aportar soluciones no demandadas, si no basadas en innovación y planeación estratégica de la misma empresa, otras alternativas de proyección del diseño crecerán, ese es el cambio que el diseñador mexicano tiene que afrontar si quiere ser valorizado como tal y dejar de llorar por los pasillos de ser un incomprendido mal pagado, es hora de capacitarse, de un cambio de actitud, de aprender otros lenguajes y no solo quedarse en el CMYK.

Enseñar a vender diseño en base a beneficios y estrategia Las escuelas de diseño gráfico son parte fundamental de este cambio, pues tendrán que cambiar la forma de enseñar a fundamentar un proyecto de diseño, no se trata de eliminar nuestro lenguaje profesional, pero si tener la capacidad de vender beneficios, de hablar de estrategia, y no solo de fundamentos estéticos o gráficos. Es en el aula donde se tiene que enseñar a los alumnos pero por otro lado se tendrá que capacitar a los profesores que son la pieza clave en esto. Los profesores tendrá que cultivar ese sentido empresarial primero para poderlo transmitir a los alumnos. Parece algo complicado pero no lo es, porque si bien sabemos los diseñadores tenemos capacidades camaleónicas, y nos podemos adaptar fácilmente a las nuevas exigencias, es más bien cuestión de actitud y de tomar la responsabilidad de que rumbo queremos darle al diseño gráfico mexicano, se nos acerca la oportunidad y tendremos que estar capacitados, si no ¿tendremos que esperar otro siglo? Artículo por: Josefina Ramírez

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¿ C uá l e s s e r á n l a s t e n d e n c i a s v i s ua l e s en 2016? Artículo por: es.fotolia.com

on millones de imágenes y archivos de vídeo listos para usar, saber qué visuales elegir para una campaña de marketing, publicidad o brandingpuede llegar a resultar abrumador con tantas opciones para elegir. Además, la importancia de mantenerse al día y reflejar una estética actual es fundamental. Tomando como punto de partida los datos recolectados en 2015 sobre palabras claves usadas en búsquedas, las imágenes descargadas y los recursos subidos desde todo el mundo, Scott Braut –Responsable de contenidos de Adobe Stock y Fotolia–, ha elaborado un informe con las tendencias a tener en cuenta durante 2016 para elegir las imágenes que generen un mayor impacto visual.

y se han dejado atrás prejuicios que mostraban esta industria como conformada por gente que trabaja en sótanos mal iluminados, con hackers encapuchados encorvados sobre sus portátiles….

La tecnología mola

Nuevas perspectivas en retratos

La aparición de una persona joven y muy vinculada a la tecnología está en alza. Con la popularidad de series como Silicon Valley de HBO sobre la cultura tecnológica y aparatos de realidad virtual o hoverboards en el imaginario colectivo, la industria tecnológica y los que la conforman son cada vez más tenidos en cuenta como referentes. Las nuevas generaciones ya están aprendiendo a programar desde pequeños, los trabajos en estas empresas son muy deseados,

Los teléfonos móviles han cambiado no sólo la forma en la que la gente interactúa con una cámara, sino también la forma que tenemos de fotografiar. Con los selfis surgió un nuevo lenguaje visual, más centrado a los autorretratos. Los retratos con perspectivas pueden ofrecer un acercamiento a un sujeto de forma más intrincada que un simple selfie, dando la impresión de que no está mirando una foto, sino que está junto al sujeto.

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El auge de una nueva estética En los últimos años hemos visto una gran afinidad por lo hípster: arte en tazas de café, tirantes y pajaritas, bigotes, estética de los años 50, filtrosvintage… La estética hípster ha marcado la comunicación de muchas marcas, sigue siendo muy popular, pero empieza a mostrar signos de desgaste, y surgen alternativas. Las marcas deberían estar atentas a las nuevas estéticas que surgirán para representar las aspiraciones de los jóvenes creativos urbanos.

Consistencia de color Cada año encontramos predicciones sobre cuál será el color más popular. Para 2016 Pantone ha indicado dos colores del año –Rosa Quartz y Azul Serenity- y muchos expertos en moda hablan del blanco como EL Color de 2016. En las imágenes de stock hay que tener en cuenta que las marcas ya tienen un esquema de color consolidado. Por lo tanto, nuestra búsqueda de del color de 2016 está más relacionada con cómo usaremos ese color. Las imágenes que hagan un uso consistente del color, de forma arriesgada y brillante destacarán sobre las demás, ayudando a que una marca se posicione mejor, bien sea con el uso de un blanco para transmitir calma, un rosa para un toque juvenil o verde para destacar su compromiso ecológico.

Imágenes de altos vuelos Según los avances tecnológicos nos permiten explorar cada rincón de la Tierra (y más allá), también se nos permite captarlo y fotografiarlo con todo lujo de detalles. Los drones han pasado de ser un equipo muy costoso y difícil de conseguir a algo que está disponible para cualquiera, para tomar los cielos y conseguir imágenes a vista de pájaro.

Además, los paisajes siempre han sido una de las búsquedas más populares de nuestros usuarios, ya que se pueden aplicar a multitud de proyectos diferentes que lleguen a un público muy amplio. Lo que sí esperamos encontrar en 2016 es un incremento de las diferentes localizaciones geográficas a mostrar.

Asuntos de actualidad Consumimos noticias e información de forma constante gracias a las redes sociales, y por lo tanto las empresas tienen que mantenerse al día en este tipo de asuntos de actualidad. Según cambia el mundo el público espera una reacción por parte de las marcas, y que compartan valores similares. Por ejemplo, en junio de 2015, cuando se legalizó el matrimonio homosexual en Estados Unidos, vimos un aumento considerable de filtros arcoíris en los perfiles de redes sociales.

Estilo Low Poly El minimalismo sigue siendo una tendencia que perdura año tras año. Y este año lo que más va a verse es el estilo Low Poly. Usado como en fondos, este estilo marca una estética muy potente, sobre todo si se combina con colores fuertes.

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12 tips to turbo� charge your design Carreer By: Julia Sagar

eading designers & artists share the biggest lessons they’ve learned over their career so far. Making it in the fast-paced, competitive world of design isn’t easy. That’s why we’ve got all sorts of resources to help, from Photoshop brushes and tutorials, to free 3d models and handwriting fonts. Of course, the best lessons come from experience. So we asked 12 of the world’s leading creative minds to share the biggest lessons they’ve learned over their careers so far. The advice below will help you take your own design careers to the next level – and you’ll find more expert tips and techniques for climbing the ladder inside Computer Arts’ special 20th anniversary issue, where this advice first appeared...

01. Making the client happy isn’t enough One of a series of holiday assets CGH created for Barnes & Noble; illustrations by Allen Garns “The biggest lesson I’ve learned so far is that making the client happy isn’t enough,” says Sagi Haviv, partner at iconic design firm Chermayeff & Geismar & Haviv.

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02. Never stop learning

03. Keep work and life separate

“We’re learning all the time,” admit APFEL co-founders Kirsty Carter and Emma Thomas. “It’s not that there’s one big lesson in particular; being inquisitive, listening and talking means that you are constantly learning something new.”

“For the sake of sanity, it’s important to keep work and life separate,” urges animator James Wignall, aka Mutanthands. “It’s easier said than done when you’re a creative because you can’t always tune out totally, but try to leave work at work.”

06. Don’t listen too much “Listening to people, and dissecting and distilling what they say, is how we learn and build meaningful brands,” says DesignStudio’s Paul Stafford. “I’ve learned that you need to make your own decisions, or you’ll just end up building something that’s already been built before.”

04. Working for free never pays off

05. Learning new skills stops stagnation

“Clients who think design should be dirt cheap have no true understanding of what it can bring, and are subsequently impossible to work with,” says illustrator Jonas Bergstrand of Problem Bob. “The fee reflects the trust that is placed in the designer.”

“Learning new disciplines is a great way to keep growing and open new doors, advises designer and artist Matt W. Moore of MWM Graphics.

07. Stand up for your work

08. The business comes first

09. It all starts with a good idea

Bottle-opening typography by ANTI for Talas “If we come up with a concept and style we believe in, we fight for it, even if clients are sceptical at first,” says Gaute Tenold Aase, ANTI. “And we’re usually right. Otherwise, they wouldn’t have hired us.”

“Creativity is the thing that’s most important to me,” admits illustrator Rod Hunt, “but to create a successful and sustainable career you have to always put the business first.”

“My biggest lesson is that a good idea spawns a thousand more,” states Purpose’s Stuart Youngs.

10. Reinvent to stay relevant

11. Nothing beats talking in person

12. Every new project should be your best

“Technology has enabled me to work with clients around the globe,” reflects designer Glenn Garriock, “but emails and calls can’t beat sitting around a table to discuss an idea.”

“One of the most important lessons I’ve learned? To treat every new project as if it will be the best of my career,” says graphic designer David Airey.

“The only constant is constant change,” says Richard Wilde,School of Visual Arts. “I’ve always reinvented myself to stay relevant. There’s risk-taking involved with this charge, but it’s always made my life more meaningful.”

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