La visión fotográfica. Eduardo Momeñe.
APELLIDOS: Jiménez Bobis NOMBRE: Andrea CURSO: 1ºB Fotografía
BREVE INTRODUCCIÓN BIOGRÁFICA Y LITERARIA DEL AUTOR. Edición: Autor-editor (editorial), Madrid (ciudad), 2009 (año), 168 (páginas). Eduardo Momeñe es un fotógrafo nacido en 1952 en Bilbao. Comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías". Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/06/eduardo-momene.html https://www.circulobellasartes.com/biografia/eduardo-momene/
RESUMEN. Empezamos hablando de cómo el mundo se asemeja a una partitura de orquesta, que lo primero que debemos hacer es aprender a leerla, entenderla, comprenderla y solo después interpretarla. Nuestra fotografía también se debería tratar de obtener esos “nuevos sonidos del mundo” y con el privilegio añadido de no tener que dedicar demasiadas horas instrumento. En realidad nosotros no somos tan sólo pianistas, intérpretes, sino compositores. Si una imagen carece de esa potencia, de esa fuerza que debemos saber reconocer, si no nos sorprende visualmente, si no nos mira lo que en ella está representando, si sus colores no nos seducen, si no podemos guardarla en nuestro cajón de grandes obras, lo cierto es que no nos interesa demasiado, como fotógrafos. Las fotografías son visualización, composición, luz, color, texturas, opiniones, bellas artes, ideas, papeles baritados... Nunca nos deberá faltar tiempo para que nos repitamos que una fotografía es un todo, existe hasta su última esquina, es ante todo una imagen. Si nos lo repetimos, si no lo olvidamos, cuando estemos mirando a través de nuestra cámara, aumentarán nuestras posibilidades de éxito. Nos cita una serie de preguntas de nuevo: ¿Qué tipo de fotógrafo somos? ¿de trípode y mentalidad de gran formato, como Diane Arbus o como Sally Mann? ¿Somos fotógrafos de cámara ágil de 35mm, digital compacta como Bernard Plossu? ¿Color o blanco y negro? ¿Usaríamos un gran angular como Garry Winogrand? ¿O mantenemos nuestro zoom en sus 50mm para que el mundo se vea menos estilizado, menos materialista, más compacto, más ordenado? ¿Utilizamos la luz como elemento de expresión como Ralph Gibson, o no contamos con ello como Cartier-Bresson? ¿O contamos con el flash aunque no lo necesitásemos para iluminar como Shelby Lee Adams? Son preguntas que quedan en el aire, pero que algún día tendremos que contestar. Hagamos un esfuerzo por no percibir el color como pigmentos sino como luz. Quien sabe fotografiar en color solamente ve luz…en color. En blanco y negro, a que la luz sea la adecuada. No existe un color bonito en fotografía, son una bella luz en color y con
ello expresar nuevas cosas que transcienden lo cromático y se integran en los dominios del lenguaje. Si comprendemos una fotografía, si sabemos mirarla, estaremos ya hablando seriamente de fotografía. Esta vez habla algo más de algunos autores, abarcando en como hacen las fotografías, que cámaras solían utilizar o que tipo de fotografía hacía… La visión fotográfica habla sobre el funcionamiento de nuestros ojos y nuestro cerebro tras una cámara. En la fotografía ocurre que un flash, el color, el objetivo, el negativo…son parte esencial de nuestra visión. Seamos críticos y analistas de nuestras fotografías. Hablamos también de nuestros proyecto, porque sin proyecto no hay una menta, no hay mucho. Quizás nuestras fotografías no sean mejores de lo que son porque no las hacemos con una finalidad concreta. ¿Nos proponemos hacer las mejores fotografías posibles cuando estamos haciendo fotografías? ¿o bien se trata de salir del paso, ellos nos parecería ilógico? Hacemos fotografías porque lo que queremos mostrar, expresar, comunicar, crear…no se puede decir de otra manera. Somos una parte de ese público que ha disfrutado con la exposición, con auténtica necesidad de hacer nuestras fotografías. Lo que en realidad quieren ver es un trozo de lenguaje, el mundo filtrado, traducido, por nuestra cámara, nuestro visor del mundo. No vemos la realidad sino tan sólo imágenes obtenidas de la realidad, sombras de la realidad, realidad intensificada, por la visión, etc. Es como si el fotógrafo fuese un médium entre lo que ha visto y lo que nosotros vemos. Hay actitudes que no son válidas, como que nuestras copias sean deficientes, que no sea como tenía que haber sido, quizás por negligencia de una deficiente toma. Son finalmente los gestos los que determinan la validez de una imagen y en la fotografía no vale cualquier gesto, sí valen muchas cosas pero no ciertos gestos. Los gestos son nuestra visión, la puesta en escena de nuestros conocimientos, el gesto en la expresión lo es casi todo. Será difícil convencer a un adolescente de que también se puede hacer buenas fotografías sin un móvil, pero somos muchos quienes nos gusta controlar la toma y pensar en diafragmas y velocidades. En el siglo XXI se exige que las fotografías posean algo más que la virtud de estar bien expuestas. La fotografía es un medo que no le gusta ser excesivamente explicito. De hecho es un medio sin palabras, sin voz...actúa bien en susurros, en murmullos, dejando preguntas y respuestas no muy nítidas. Son los fotógrafos los que pueden mostrar un mundo diferente, la fotografía tiene la capacidad para mostrar aquello que sepa mostrar el fotógrafo. Una mente fotográfica debe edificarse con todo aquello que amplíe el conocimiento, el lenguaje. ¿A que llamamos ruido? Esta pregunta nos hace por primera vez pensarlo, llamaríamos ruido a ese significado nítido que nos da nuestro mundo, a lo que esperamos de él, a los que nos habla en nuestro idioma. Nosotros, fotógrafos, aportamos lo invisible, el pensamiento que envuelve todo lo que vemos. Una cámara ve el mundo con una mirada extremadamente vacía, lo que nosotros hacemos es aportar lo invisible, lo esencial, las palabras, codificamos la mirada vacía de la cámara.
La contención es una rara virtud que consiste en no quererlo todo, en no querer verlo todo, en no querer decir todo lo que aparentemente sabemos, en saber hasta dónde podemos llegar. Repetiremos hasta la saciedad que si queremos verlo todo, no veremos nada. Todos los grandes fotógrafos saben visualizar, crear la imagen, porque, para tendernos, fotografiar es visualizar. Podemos parafrasear a Marcel Duchamp para un nuevo arte, para el nuevo arte que iba a definir gran parte del siglo XX: “Nuevos pensamientos para viejos objetos” “Nuevos pensamientos para viejas imágenes” “Viejos lugares para nuevas miradas”, una nueva manera de mirar lo que siempre se ha mirado. Un punto de vista de vista sería: Primero parece necesario ser un buen fotógrafo y ya después, si lo queremos intentar, buscar ese arte contemporáneo que nos subyuga. Insistimos en ello, porque no existen las buenas ideas, ni los discursos sólidos si no se plasman. Esta es una de las grandes dificultades de la fotografía, tener algo que decir y no decirlo bien, la dificultad estriba en que la única idea válida sólo es aquella que está sobre un papel fotográfico. Una fotografía tan sólo debe aspirar a que un público exigente quede “atrapado” por su potencia visual. El mensaje de la imagen. Fotografiar es presentar, representar, escenificar, teatralizar, situar delante de la cámara objetos, personas y lugares, el espacio que los envuelve y se confunde con ellos y transportarlos en el tiempo, a otro espacio. El uso del color no es una simple preferencia o actitud, es un auténtico gesto que contrapone un elemento de sólida y cálida belleza formal, un elemento de gran expresión, con escenarios de hielo, distantes y extraños, reacios a toda complejidad. Podemos decir que el color, ese nuevo color, es una nueva visualización del blanco y negro, como en su día pudo serlo la instantánea. La fotografía dispone de un idioma con el que no es fácil hablar, es una comunicación diferente de la que conocíamos, de las que nos valemos, es la lengua de un extraño interlocutor. Lo adquirido gracias a lo reflexionado no se olvida fácilmente. Y por último nos destaca tres de los muchos enemigos de las buenas fotografías, las buenas intenciones, la falta de afición y el que busca el arte antes que las buenas fotografías y que raramente coincide con la capacidad de hacer obras artísticas.
TEMA DEL TEXTO. Nos habla de la manera que tenemos os fotógrafos en plasmar en nuestras imágenes el mundo. Habla de lo que es una buena fotografía y todo lo que conlleva crear un buena fotografía, potencia, fuerza, color, textura, etc. Nos plantea muchas preguntas, que ahora mismo quedan en el aire, pero que en un futuro serán resueltas, como por ejemplo que tipo de fotógrafos somos. Y por último y muy importante, menciones de muchos fotógrafos que a día de hoy ya conocemos gracias a este libro, pero aún así nos informa más de ellos y nos cuenta algo más sobre todo en estos tres últimos capítulos, como qué cámara utilizaban, que herramientas como flash, objetivos, trípode…
BIOGRAFÍA AUTORES. Robert Capa. Nació el 22 de octubre de 1913 en Budapest. Se exilió tras haber participado en actividades estudiantiles de izquierda. Viajó a Alemania donde estudió Periodismo y trabajó como fotógrafo en Berlín. En 1933 escapa de la persecución nazi contra los judíos y se instala en París. Trabajó hasta finales de los treinta en la revista Vu. En París conoce a la que sería su pareja, la alemana Gerda Taro, con la que congenia por su militancia antifascista. Su primer viaje a España se produjo en 1936 y pudieron trabajar sin problemas en el frente republicano. En 1935 visitó España y realizó un reportaje gráfico sobre la Guerra Civil. El famoso miliciano muerto en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, es uno de los trabajos más polémicos de Capa, ya que hay versiones que apuntan a que se trata de un posado y no de una muerte capturada por la cámara espontáneamente. En 1938 se trasladó a China, donde captó las imágenes de la invasión japonesa. En 1946 se nacionalizó estadounidense y al año siguiente junto a CartierBresson, David Saymour y George Rodger fundó la Agencia Magnum de la que fue presidente durante tres años. Como reportero de Life trabajó en los principales escenarios bélicos de la Segunda Guerra Mundial, y fotografió los momentos históricos de la guerra de Palestina en 1948. Robert Capa falleció el 25 de mayo de 1954 en Thai Binh, Vietnam cuando efectuaba un reportaje de guerra al pisar una mina convirtiéndose en el primer corresponsal americano muerto en esa guerra. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Capa https://carretedigital.com/carrete_podcast/40-biografia-robert-capa-una-guerraconstante-erno-friedmann-robert-capa/ https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/capa.htm
Larry Burrows. Larry Burrows nació el 29 de mayo de 1926 en Londres (Inglaterra). A los 16 años dejó sus estudios y empezó a trabajar en la oficina de Londres de la revista LIFE. Su papel en ese momento era el de imprimir fotografías. En ocasiones se le ha considerado el culpable de derretir los negativos del ‘Día D’ de Robert Capa, pero el editor fotográfico en ese momento, John G. Morris, culpó a otro técnico. Burrows siguió esforzándose para convertirse en fotógrafo. En 1962, a los 36 años, empezó a cubrir la Guerra de Vietnam, a donde viajó para plasmar el conflicto con la cámara. Su trabajo Un paseo con Yankee Papa 13 se publicó por primera vez en la revista LIFE el 16 de abril de 1965.Esta serie se convertiría en una de sus colecciones más famosas. Desde 1962 y hasta su trágica muerte en 1971, Burrows fotografió la guerra de Vietnam. El 10 de febrero de 1971, su helicóptero recibió disparos a la altura de Laos. El fotógrafo viajaba con otros fotoperiodistas: Kent Potter, Keisaburo Shimamoto y Henri Huet. Todos ellos murieron cuando el helicóptero se estrelló. Burrows tenía 44 años. El grupo estaba intentando cubrir la gran invasión armada de Laos por parte de las fuerzas del sur de Vietnam contra el Pathet Lao y la Armada del Pueblo de Vietnam, una operación que fue denominada Operación Lam Son 719. El libro de Burrows, Vietnam, se publicó póstumamente, recibiendo el premio Prix Nadar en 2002; un galardón que reconoce un libro de fotografías editado en Francia con periodicidad anual.
Los restos de Burrows, Potter, Huet y Shimamoto se honraron el 3-4 de abril de 2008 y se enterraron en el Newseum, un museo de noticias y periodismo ubicado en Washington D.C. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Larry_Burrows http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/larry-burrows.html
Sally Mann. Sally Mann es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1951 en Lexington, Virginia, donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia. Al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Muchas de las obras de Sally Mann son realizadas en espacios muy íntimos, y puede verse reflejado en sus fotos, como por ejemplo en ‘’Proud Flesh’’ una serie de fotografías de su marido, realizadas diariamente cuando este volvía de su trabajo, o en "Immediate Family". Su segunda colección At Twelve: Portraits of Young Women, publicada en 1988, crearon controversia. En los mediados 90 Mann comenzó a fotografiar paisajes en negativos de placas de collodion húmedo de 8x10”, con la misma vieja cámara fotográfica de 8x10 que había utilizado para sus anteriores retratos. Su quinto libro What Remains, publicado en 2003, se basa en la exposición del mismo nombre en el Corcoran Museum en Washington, y tiene cinco partes diferenciadas que estudian la mortalidad, el declive y la muerte pero que termina con esperanza y amor. En 2009, la galería Gagosian exhibió la serie Proud Flesh donde Sally muestra desnudos de su marido en los últimos seis años. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Sally_Mann https://www.xatakafoto.com/fotografos/sally-mann-la-maestra-que-fotografia-la-vida-sincensura
Rineke Dijkstra. Rineke Dijkstra es una fotógrafa holandesa, nació en Sittard en 1959. Estuvo trabajando como retratista formal hasta principios de los 90 en los que comenzó a desarrollar su propio estilo. Un año clave en la trayectoria artística de Dijkstra fue 1991, cuando realizó un autorretrato en una piscina. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en la playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII, de los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, y agregando su estilo personal, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar
una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad. Rineke Dijkstra forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. El trabajo de Dijkstra es paradigmático de una nueva manera de interrogar la realidad en busca de respuestas contemporáneas sobre la identidad, las relaciones familiares y culturales, la naturaleza y el lenguaje. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Rineke_Dijkstra https://www.20minutos.es/noticia/1320962/0/rineke-dijkstra/inseguridadhumana/fotografia/
William Christenberry. Fue un pionero de la fotografía en color estadounidense. Sus imágenes ricamente matizadas de la arquitectura vernácula del sur profundo - iglesias de madera, chozas y casas destartaladas - fueron hechas en el condado de Hale, Alabama, al sur de la ciudad de Tuscaloosa, donde nació y creció Christenberry. Su poder acumulativo proviene del fuerte sentido del lugar que evocan, así como de su evocación de un mundo rural que, incluso cuando lo estaba relatando en los años 50 y 60, ya se estaba desvaneciendo en la historia. Su mayor influencia fue el gran fotógrafo documental social Walker Evans , quien había fotografiado a la gente y lugares del condado de Hale en 1936, el año en que nació Christenberry. En 1974, Christenberry comenzó a traducir algunos de estos edificios fotografiados en esculturas detalladas que reproducen con precisión su estado de descomposición y pátina. Christenberry fue diagnosticado con la enfermedad de Alzheimer en 2011. Christenberry murió en Washington, DC el 28 de noviembre de 2016 debido a complicaciones de la enfermedad. Tenía 80 años.Aunque se le conoce más como fotógrafo y artista multimedia que como pintor, Christenberry enseñó pintura. Su obra ha sido expuesta en exposiciones individuales y grupales en todo el mundo y es el tema de varias monografías. Fuentes de información: https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/William_Christenberry&prev=search
William Eggleston.
Nació en Memphis, Tennessee, el 27 de julio de 1939. Su importancia se debe a que gracias a su obra, consiguió que se aceptara y se reconociera a la fotografía en color como un modo de expresión válido y digno de llevarse a cualquier galería de arte. Aun cuando había nacido en Memphis, realmente sus primeros años los pasó en Summer en el estado de Mississippi y en esa etapa sus interese estuvieron orientados hacia las áreas de la electrónica, el piano y el dibujo. Cuando tenía quince años, en 1954, entra a continuar sus estudios en la Webb school de Tennessee que solo impartía una enseñanza tradicional sin darle mayor importancia a las actividades artísticas y solo hasta que ingresa a la Universidad de Vanderbilt se decide por la fotografía y allí se compra su primera cámara y empieza a tomar fotografías pero en blanco y negro. Luego sigue sus estudios universitarios en la Universidad de Mississippi en Oxford, Estados Unidos. Entre 1973 y 1974 mientras dictaba clases en la Universidad de Harvard, descubre el proceso conocido como Dye-transfer y a Eggleston le impacta el grado de saturación de los colores y de las tintas, que se consigue en el laboratorio. Una de sus obras más conocida la realiza con esa técnica, The Red Ceiling de 1973, también conocida como Greenwood y que el propio artista la considera una de sus mejores obras. Ya en 1976 abre una exposición de 75 fotografías en el MOMA, que genera un gran escándalo. Precisamente con el nombre de su teoría, Democratic Camera, se tituló la mayor exposición de su obra, que recogió una retrospectiva de casi todo su trabajo fotográfico. Posteriormente publicaría otro libro de fotografías Kiss me Kracow con fotografías realizadas en Berlín, Viena y Salzburgo, durante un viaje que realiza por Europa. En 1998 se le otorga el Premio Internacional de la Fundación Hasselbal y en 2004 recibe el Premio PHotoEspaña de Baume et Mercier. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/william-eggleston.html https://es.wikipedia.org/wiki/William_Eggleston
Adam Bartos. Nació en 1953 en Nueva York, comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas, buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. También fue vocalista de Lublin, autor de textos y música, interpreta canciones inspiradas en blues, jazz y rock de los 70. Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O'Sullivan y Carleton Watkins, Bartos se centra en el paisaje contemporáneo. Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía.
En 2013, fue finalista del Prix Pictet, un premio mundial en la fotografía y sostenibilidad, por su serie Yard Sales. Fuentes de información: http://adam-bartos.com/biografia/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/02/adam-bartos.html
Nick Waplington. Nick Waplington es un artista y fotógrafo inglés, nació en 1970 en Adén, Yemen, vive en la ciudad de Nueva York. Waplington, hacia 1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Nottingham, comenzó a fotografiar su entorno inmediato. Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema predilecto. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros (Living Room y Weddings, Parties, Anything) y numerosas exposiciones. Su libro Other Edens (1994) se centró en preocupaciones medioambientales, otros de sus ensayos son Safety in Numbers (1997), un estudio sombrío de la cultura de la droga éxtasis a mediados de la década de los 90, y The Indecisive Memento (1999), un viaje por el mundo donde el viaje en sí es la obra de arte. Realizó la novela gráfica Terry Painter en colaboración con Miguel Calderón en 2003. Este y otros proyectos con Calderón como The Garden of Delights Suburban se han expuesto en Europa y EEUU. En 2011 publicó el libro Surf Riot, y comenzó a autopublicar sus libros en tiradas de 100 ejemplares: Lackadaisical, Extrapolations. Waplington participó en el colectivo This Place, fundado por Frédéric Brenner, al que contribuyó con el libro Settlement, un estudio de los colonos judíos que viven en Cisjordania, con retratos y paisaje tomadas con una cámara de gran formato. Fuentes de información: https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Nick_Waplington&prev=search http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/08/nick-wapplington.html
Les Krims. Nació el 16 de agosto de 1942. Es una fotógrafa conceptualista que vive en Buffalo, Nueva York . Se destaca por sus fotografías fabricadas cuidadosamente (llamadas "ficciones"), varias series francas, un borde satírico , humor negro y una crítica de larga data de lo que él describe como tontería izquierdista. Les Krims ha publicado numerosos trabajos de compensación. Dos de estos, "Fictcryptokrimsographs" y "Making Chicken Soup", fueron publicados por Humpy Press, que fundó e incorporó a mediados de la década de 1970, y desde entonces se han
disuelto. Krims también ha publicado portfolios impresos originales como "Idiosyncratic Pictures" y "Porsch Rainbows". Más recientemente (noviembre de 2005), una monografía de Photo Poche, "Les Krims", editada por Robert Delpire , con una introducción de Bernard Noel, fue publicada por Actes Sud, en Francia. Krims estudió en la High School secundaria de Stuyvesant en Nueva York. Estudió arte en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art y en el Pratt Institute. Durante más de 40 años ha enseñado fotografía, en el Rochester Institute of Technology y en el Buffalo State College. Robert Delpire expuso por primera vez su obra en Francia en1974. El proyecto más reciente de Krims es una web donde vende copias de inyección de tinta (Epson 4800) de una selección amplia de sus fotografías antiguas. Ha publicado numerosos trabajos: The Little People of America (1971), The Deerslayers (1972), The Incredible Case Of The Stack O'Wheat Murders (1972), Making Chicken Soup (1972), Fictocryptokrimsographs (1975), con fotografía realizadas con una Polaroid SX-70. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/les-krims.html https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Les_Krims&prev=search
Mitch Epstein. Mitch Epstein (nacido en 1952, Holyoke, Massachusetts) es un fotógrafo de bellas artes que ayudó a ser pionero en la fotografía en color de bellas artes en los años setenta. Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones de museos importantes, incluidos el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Whitney de Arte Estadounidense; El Museo J. Paul Getty en Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; y la Tate Modern en Londres. Su serie reciente, Rocks and Clouds, se mostró en la galería Thomas Zander, en la primavera de 2017. En 2015, Epstein realizó American Power con el violonchelista Erik Friedlander en el Victoria and Albert Museum de Londres. El Centro de Arte Walker en Minneapolis encargó y estrenó el trabajo en 2013, que fue una representación teatral de su serie fotográfica. El rendimiento combinó las fotografías proyectadas, el material de archivo, el video, la música y la narración de historias. Ganó el Premio del Libro de Fotografía Kraszna-Krausz 2004. Ganador del Prix Pictet 2011 para American Power , Epstein también fue galardonado con el Premio de Berlín 2008 en Artes y Letras por la Academia Americana en Berlín, y una Beca Guggenheim 2003. Epstein ha trabajado como director, cinematógrafo y diseñador de producción en varias películas, ¡incluyendo a papá , Salaam Bombay! y Mississippi Masala . Él vive en la ciudad de Nueva York. Fuentes de información: https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Mitch_Epstein&prev=search http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/mitch-epstein.html
Kenneth Josephson. Kenneth Josephson es un fotógrafo estadunidense que nació el 1 de julio de 1932, ha sido un fotógrafo conceptual muy influyente desde la década de los 60, utilizando su trabajo para llamar la atención sobre el acto físico de la fotografía, como por ejemplo,. utilizando técnicas como capas de fotografías en las fotografías con el fin de determinar los grados tanto de veracidad como la ilusión dentro del medio. Kenneth Josephson completó su educación primaria en Detroit. En 1953, después de haber sido enviado en Alemania por el ejército de Estados Unidos fue entrenado en la fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento. En 1957 obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Rochester Institute ofTechnology, con sede en Nueva York. Allí le dio clases Minor White. En 1960 obtuvo un master en el Institute of Design of the Illinois Institute of Technology, recibiendo influencias de Aaron Siskind y Harry Callahan. En 1963 cofundó con otros treinta fotógrafos notables la Society for Photographic Education . Sus obras en los años 60 y 70, centradas en la fotografía conceptual , lo colocaron a la vanguardia de la fotografía conceptual. En 1972 fue galardonado con la beca Guggenheim Fellowship por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation . En 1975 y en 1979 fue galardonado con la subvención NEA por la agencia National Endowment for the Arts. Muchas de sus colecciones se encuentran en museos como el Contemporary Art de Chicago, Smithsonian Institution en Washington, National Museum of American Art, Foograficka Maseet en Estocolmo, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. y la Bibliothèque National de París. Ha expuesto en Austria, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Suecia, Suiza y Francia. Fuentes de información: https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Kenneth_Josephson&prev=search http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/04/kenneth-josephson.html
Nicholas Nixon. Es un fotógrafo estadounidense, nación Michigan, en 1947 y vive en Boston, que cree en el papel crítico del arte y, por ello, lo utiliza como relato que pueda ser comprendido, compartido y recordado. Influenciado por las fotografías de Edward Weston y Walker Evans , comenzó a trabajar con cámaras de gran formato. Mientras que la mayoría de los fotógrafos profesionales habían abandonado estas cámaras a favor de filmar películas de 35 mm con más cámaras portátiles, Nixon prefirió el formato porque permitía hacer copias directamente desde los negativos de gran formato, conservando la claridad y la integridad de la imagen. Su interés por el retrato y la fotografía de carácter social se ha plasmado en conocidas series como The Brown sisters (1999-2012) o People with AIDS (1991).
Nixon realiza todos los años una fotografía de su mujer Bebe y sus cuñadas Mimi, Laurie y Heather. Las cuatro mujeres aparecen retratadas siempre en el mismo orden, mirando al objetivo. Esta serie, llamada The Brown sisters, está compuesta por más de 33 fotografías realizadas en gelatina de plata, en formato 50,5 x 60,5 cm. Las materias de Nixon incluyen escolares y escuelas en Boston y sus alrededores, personas que viven a lo largo del río Charles cerca de Boston y Cambridge, así como ciudades del sur, su familia y él mismo, personas en asilos , personas ciegas , enfermas y moribundas, y la intimidad de parejas. Nixon también es conocido por su obra People With AIDS , que comenzó en 1987. Nixon grabó sus temas con detalles minuciosos para facilitar la conexión entre el espectador y el sujeto. La fotografía de Nixon forma parte de algunas de las más prestigiosas colecciones de todo el mundo como la del MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museum of Fine Arts de Houston, el Fogg Art Museum de Cambridge o la Maison Européenne de la Photographie de París. Fuentes de información: https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Nixon&prev=search http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/07/nicholas-nixon.html
Jeff Wall. Nació el 29 de septiembre de 1946, en Vancouver, Canadá. Junto a sus dos hijos y con Jeannette, su esposa inglesa, a quien conoció como estudiante en Vancouver, se trasladó a Londres para realizar estudios de posgrado en el Instituto Courtauld de 1970 a 1973. Empezó a experimentar con todo lo nuevo que encontraba a su alrededor, lo conceptual y el minimalismo. Además, la colección de cámaras que tenía su padre siempre llamó su atención. Al principio hacía dibujos de fotografías del libro The Americans, de Robert Frank. Más tarde empezó a usar la cámara de fotos. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transparencias colocadas en cajas de luz; según el fotógrafo esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Sus trabajos son producto tanto de su profundo conocimiento de la historia del arte como de las teorías que lo sustentan. Autor de ensayos sobre artistas contemporáneos. En 2002 fue premiado con el Premio Hasselblad. En 2006, fue nombrado miembro de la Royal Society of Canada. Nombrado Oficial de la Orden de Canadá en diciembre de 2007. En marzo de 2008, fue galardonado con el Premio Audain por toda su carrera. Fuentes de información:
http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/09/jeff-wall.html https://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Wall
Andres Serrano. Andrés Serrano nació en Nueva York en 1950, fue educado como católico. Su madre era cubana, no hablaba inglés y tuvo internada repetidas veces por brotes psicológicos. Su padre hondureño, era marino mercante y tenía otras familias en Centroamérica. A 20 o 21 años abandono el arte y experimento las drogas, pero se di cuenta de que si seguía por ese camino nunca realizaría su trabajo. A los 28 años, decidió dedicarse a la fotografía. La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas. Serrano se ha convertido en un maestro de esta travesía, propone a la fotografía como una falsa realidad. Para él la cámara miente y también dice la verdad, esa es la hermosa contradicción. Las fotos manipulan, saben hacia a dónde enviar la mirada del espectador. Sus primeras fotografías eran en blanco y negro, luego comenzó a utilizar color. Fotografiaba naturaleza muerta y retratos de la calle. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística. Actualmente tiene 64 años, y vive en Nueva York. Fuentes de información: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/andres-serrano.html https://es.wikipedia.org/wiki/Andres_Serrano
Sophie Calle. Sophie Calle es una artista, escritora y fotógrafa francesa, nació el 9 de octubre de 1953 en París, vive y trabaja en Malakoff, Francia. En 1980 hizo su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana), donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad. De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, y las compara. En 1986 realiza la serie Les aveugles (Los ciegos). En ella recoge los testimonios de varias personas ciegas de nacimiento conforme a lo que ellos creen que es la belleza. Cada una de las piezas (un total de 23) está integrada por una foto-retrato de la persona, junto a otro cuadro con su testimonio escrito, y debajo de todo ello una fotografía de aquello que la persona ha nombrado como su impresión subjetiva de la belleza. Ella se sintió perdida desde la infancia y, con “sabiduría callejera”, se ha buscado por todas partes desde que cumplió los seis años, cuando sus padres se separaron y sus abuelos, la obligaban a quitarse la ropa en el ascensor, a la vista de todos, para que no se demorara ni un minuto más en acostarse. Sophie pidió a Auster que le escribiera el guión para su vida durante un año, pero éste se limitó a darle una serie de 'Personal Instructions': sonreír, hablar con desconocidos,
dar limosna a los mendigos y a los vagabundos, intentando obtener una sensación de seguridad, atender un cierto espacio con cariño, humanizando el espacio público. Sophie Calle llegó a vivir en una cabina telefónica, que acondicionó de la forma más acogedora posible. Ha recibido el premio Hasselblad Award 2010. Fuentes de información: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=calle-sophie http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/12/sophie-calle.html
Hamish Fulton. Es un artista inglés, considerado como uno de los principales land artist británicos. Comenzó a andar por el mundo a principios de los años 70. Ya ha recorrido varios lugares de nuestro planeta, compagina sus caminatas con elaboración de imágenes fotográficas, cuadernos de viaje y también exposiciones. Caminar tiene la posibilidad de tocar muchos aspectos de la vida: relajación, ejercicio, meditación, salud; oxigenar el cerebro, transporte, deporte, marchas de protesta pacíficas, arte y mucho más”. Caminar por senderos deja tiempo para analizar y filosofar, caminar por montañas requiere mayor atención física, relajada pero alerta. En algunas caminatas llevo un libro breve y ligero que me permita la contemplación por las noches, en la tienda de campaña... Fulton grabó su experiencia física y emocional del paisaje mediante la fotografía en negro y negro con una cámara de 35 mm, en los trabajos típicos como Slioch Colinas Cairn / Circulando Buzzards (2 fotografías, cada una * 118.1 87.6 mm, 1980, Londres, Tate), que luego presentó una sola fotografía o una secuencia de fotografías, por lo general imprimen a gran escala y en una gama de tonos ricos, a menudo junto con leyendas impresas. Fulton se consideraba heredero de las tradiciones británicas de la pintura del paisaje. Su trabajo fue quizás el más ampliamente difundido en sus libros. Fuentes de información:
http://www.elcultural.com/revista/arte/Hamish-Fulton/23000 https://es.wikipedia.org/wiki/Hamish_Fulton
Katy Grannan. Katy Grannan, nació en 1969 en Arlington, Massachusetts. Es una fotógrafa estadounidense. Ella también ha hecho un largometraje, The Nine. Es una artista que ha realizado la mayor parte de su obra fotografiando personas que pertenecen a sectores marginales de la sociedad. Los personajes de su serie Anonymous podrían estar sacados de cualquier novela de Charles Bukowski. Todos han sido fotografiados con su permiso y aunque parezcan imágenes robadas se han realizado con la complicidad de ellos mismos. Katy Grannan encuentra sus modelos a través de anuncios clasificados en la prensa como: “Se buscan modelos. Fotógrafa busca a personas para retratarlas. Cualquier edad. Cualquier tipo. No se requiere experiencia. Se pagará”. Aquí Grannan introduce lo azaroso como el punto de partida de sus creaciones ya que hay pocos requisitos para ser incluido en sus obras. Ella parece dispuesta a fotografiar a cualquiera, salvo quizás a personas célebres. A diferencia de Catherine Opie o Nan Goldin, que toman fotografías
de sus amigos o de miembros de las comunidades a las que pertenecen, Grannan no conoce a sus modelos hasta el momento en el que se ponen en contacto con ella. Los fotógrafos que participaron en la Farm Security Administrationrecibieron el encargo de documentar en imágenes el efecto de la gran depresión entre los granjeros norteamericano. Dorothea Lange, Ben Shahn y Walker Evans, entre otros reflejaron la miseria en la vivían esas gentes. Fue un informe en imágenes para que los poderes públicos tuviesen una información de la realidad. Grannan está influenciado por el trabajo de fotógrafos como Diane Arbus y Nan Goldin . Una reseña de su exposición londinense de 2009, The Westerns , describió su trabajo como "nunca menos que intrigante" con "un otro mundo aquí que la distingue de sus influencias". Fuentes de información:
https://en.wikipedia.org/wiki/Katy_Grannan http://www.rafaelroa.net/katy-grannan-los-marginados-en-la-fotografiacontemporanea/
Joel Peter Witkin. Fotógrafo estadounidense nacido en Nueva York en 1939. Podría afirmarse que Joel Peter Witkin ha sido siempre un autor marginal, reconocido en pequeños círculos, pese a tener una obra que demuestra gran originalidad y talento. Sólo el tiempo ha logrado situarlo justamente en ese complejo y elitista mundo del arte. En 1967decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes. Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. La naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones. Joel-Peter Witkin nos deja mirar en su mundo recreado, que es espantoso y fascinador, ya que él intenta desmontar nuestras nociones preconcebidas sobre sexualidad y belleza física. Con sus imágenes, ganamos una mayor comprensión sobre la diferencia y tolerancia humanas. Su referencia constante a las pinturas de la historia de arte, incluyendo trabajos de Picasso, Balthus, Goya, Velázquez y Miró, testifica su necesidad de crear una nueva historia para sí. Su artista favorito y gran influencia en su obra es Giotto. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Joel-Peter_Witkin http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=witkin-joel-peter
Thomas Ruff. Thomas Ruff es un fotógrafo alemán, nació en Zell am Harmersbach, Selva Negra, el 10 de febrero de 1958, vive y trabaja en Düsseldorf. Con 19 años, fue aceptado en la clase de Bernd Becher en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf.
mpezó a fotografiar paisajes, pero siendo aún estudiante pasó a fotografiar interiores de salas de estar alemanas que tenían las características típicas de los años 1950 y 1970. Después realizó fotografías similares de edificios y también retratos de amigos relacionados con el arte y la música en Düsseldorf utilizando inicialmente pequeños formatos. Autor de imágenes de gran formato muestra espacios aparentemente lejanos al alcance de la vista del espectador. Explora una amplitud de temas que reflejan la gama de técnicas que emplea: las exposiciones analógicas y digitales tomadas por el artista coexisten con las imágenes creadas en ordenador, fotografías de archivos científicos, de periódicos, de revistas y de Internet. En 1988, ya exponía en importantes eventos como el Aperto de Venecia. A la Bienal de Venecia fue 7 años después representando a Alemania. De 2000 a 2006 fue profesor en la misma academia en la que estudió, tomando el relevo de Jeff Wall, sucesor, a su vez, de Bernd Becher. Desde el año 2000 su trabajo es representado por la galería David Zwirner, de Nueva York, donde ha realizado 6 exhibiciones en solitario. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Thomas_Ruff http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/06/thomas-ruff.html
Mark Klett. Mark Klett es un Investigador, docente y fotógrafo estadounidense, nació en 1952 en Albany, Nueva York, vive en Tempe, Arizona. Interesado en la intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo. Klett inició su actividad de fotógrafo en los años sesenta. Antes, había trabajó como geólogo. En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en refotografiar los escenarios del oeste norteamericano. Con este proyecto, Klett generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía. A finales de los años noventa Klett retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX. A finales de los años noventa Klett retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX. Klett ha utilizado una cámara de 4x5” para su fotografía. En sus trabajos iniciales utilizaba película Polaroid positiva y negativa dejando una trama irregular alrededor de sus imágenes que se asemejaba a las asperezas de negativos en placa de vidrio utilizados por los fotógrafos del siglo XIX. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Mark_Klett http://blog.arqueologiadelpuntdevista.org/2010/02/mark-klett-el-fotografo-en-lamaquina.html
Annie Leibovitz. Nació el 2 de octubre de 1949, Westbury, Connecticut, EE.UU.. Su padre era militar, y su madre una bailarina. La familia vivía en Filipinas en 1967 cuando Leibovitz se matriculó en el San Francisco Art Institute (1971), con la intención de convertirse en pintora. Annie Leibovitz es una fotógrafa estadounidense famosa por sus dramáticos, peculiares e icónicos retratos de una gran variedad de celebridades. Su estilo personal se caracteriza por ser nítido y bien iluminado. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson o Bob Dylan. Para sus retratos Leibovitz, que veía sus sesiones fotográficas como colaboracionesgeneralmente pasaba días observando la vida cotidiana de sus objetivos y trabajaba para que sus retratos fueran únicos e ingeniosos, cada uno con una técnicamente exquisita elaboración. Sus imágenes comerciales eran dramáticas y organizadas, más que casuales. En 1991 Leibovitz tuvo su primera exposición en un museo; se convirtió en la primera mujer y el segundo fotógrafo vivo en presentarse en la Galería Nacional de Retratos en Washington. En 2000, Leibovitz fue parte de uno de los primeros grupos de estadounidenses que fueron nombrados "leyendas vivientes" por la Biblioteca del Congreso. Entre sus publicaciones posteriores se incluyen American Music (2003); La vida de un fotógrafo: 1990-2005 (2006), conteniendo muchas imágenes que documentaban las características personales de Leibovitz. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/annie-leibovitz.html https://es.wikipedia.org/wiki/Annie_Leibovitz
Andrei Tarkovsky. Andréi Arsényevich Tarkovski fue un cineasta, actor y escritor. Andréi fue hijo del famoso poeta Arseny Tarkovsky. Fue él quien se encargó de adentrar a su hijo en el mundo de las artes. Música, pintura y escultura fueron algunas de las disciplinas que Andréi Tarkovsky estudió durante su infancia y juventud. Más tarde se afanó en aprender lenguas orientales y se ganó la vida como geólogo en el duro territorio de Siberia. Finalmente, Andréi Tarkovsky decidió que se dedicaría al cine, para lo que se inscribió en la Escuela de Cine VGIK, la más importante de la confederación soviética, al tiempo que continuaba con sus estudios musicales de violín. Su proyecto final de carrera fue la
obra ‘La apisonadora y el violín’. Tras rodar algunos cortometrajes, su primera película de larga duración, ‘La infancia de Iván’ dejó a la industria del cine “helada”. Esta ópera prima ganó el León de Oro en Venecia. Por ello, el gobierno vigiló de cerca a este realizador, limitó en lo sucesivo su presupuesto para los rodajes de cintas como la adaptación al cine de ‘El idiota’ (un célebre relato de Fiodor Dostoyevski) y le impidió, incluso, rodar algunos proyectos de temática religiosa. Fruto de esta censura, algunos de sus títulos quedaron “congelados” durante años, como sucediera con ‘Andréi Rubliov’, que tardó más de cinco años en estrenarse desde que el montaje final fuera realizado. Y, es más, cuando este momento llegó las autoridades rusas exigieron que fuera a las cuatro de la madrugada de la jornada de cierre de Cannes. Naturalmente, esta película no obtuvo ni siquiera una mención. Lejos de desanimarse, Andréi Tarkovsky siguió haciendo su trabajo como mejor podía. Y eso, fue muy bien. ‘Solaris’, ‘Zérkalo’ (que casi lo lleva a la cárcel) o ‘Stalker’ consagrarían a este cineasta ruso como el genio del cine que fue. Como curiosidad, se hace imposible mencionar que esta última cinta tuvo que ser filmada dos veces, ya que un accidente de laboratorio acabó con la filmación original. Cuando ya no pudo más, Andréi Tarkovsky se armó de valor y escapó a Suecia con su mujer, desde donde firmaría la autoría de su último trabajo, ‘Sacrificio’, antes de morir por cáncer de pulmón. Fuentes de información: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tarkovski.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9i_Tarkovski
Carleton Watkins. Carleton Watkins fue un fotógrafo estadounidense, nació el 11 de noviembre de 1829 en Oneonta, Nueva York, y falleció el 23 de junio de 1916. Se centró principalmente en la fotografía de paisajes, y el Valle de Yosemite fue uno de sus temas favoritos. Sus fotografías del valle influyeron significativamente en la decisión del Congreso de los Estados Unidos de preservarlo como un Parque Nacional. Es conocido por su serie de fotografías del valle de Yosemite en los 860 que consiguieron del Congreso de los EEUU convertir el valle en Parque Nacional y por sus fotografías estereográficas. En 1851, Watkins y su amigo de la infancia Collis Huntington se mudaron a San Francisco con la esperanza de encontrar oro. Aunque no tuvieron éxito en esta aventura específica, ambos tuvieron éxito. Watkins se hizo conocido por sus habilidades fotográficas, y Huntington se convirtió en uno de los "Cuatro Grandes" propietarios
del Ferrocarril Central del Pacífico. Esto luego sería útil para Watkins. Watkins ganó muchos premios durante su carrera, comenzando en 1865 con un premio por “Mountain Views” en la Exposición del Instituto de Mecánicos de San Francisco. En 1867 ganó una medalla por fotografías de paisaje en la Exposición Internacional de París. En 1879, se casó con su ayudante de 22 años, Frances Sneade, con quien tuvo dos niños. Watkins comenzó a perder la vista en la década de 1890. Su último encargo fue de Phoebe Hearst para fotografiar su Hacienda del Pozo de Verona . Watkins no pudo completar este trabajo debido a su mala vista y salud. En 1895-96, su falta de trabajo provocó la incapacidad de pagar el alquiler. La familia Watkins vivió en un vagón de ferrocarril abandonado durante dieciocho meses. En 1906, el terremoto y el incendio de San Francisco destruyeron su estudio y sus negativos. En 1910 Watkins fue internado en el Napa State Hospital, donde murió seis años más tarde.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/05/carleton-watkins.html https://en.wikipedia.org/wiki/Carleton_Watkins
Rafael Goldchain. Rafael Goldchain es un fotógrafo canadiense muy respetado. Sus fotografías están incluidas en las colecciones de importantes museos como la Galería Nacional de Canadá. Obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de York y una Licenciatura en Artes Aplicadas en Estudios Fotográficos en la Universidad de Ryerson.Goldchain fotografió en México y América Central en los años 80 y 90. Este prolífico período produjo obras que incluyeron retratos y documentales personales para escenificar una visión desde el exilio de diversas tierras y culturas convulsionadas por el conflicto y el cambio rápido. A fines de la década de 1990 y principios de la del 2000, Goldchain se mudó al estudio para realizar una serie de autorretratos de él mismo como sus antepasados, muchos de los cuales se perdieron en el Holocausto o se desplazaron a Sudamérica y Centroamérica a principios del siglo XX. Las distinciones de Rafael Goldchain incluyen el Premio Leopold Godowsky en Fotografía y el Premio Duke and Duquesa de York en Fotografía. En 2001, Goldchain viajó a Chile y Argentina con la gobernadora general Adrienne Clarkson como parte de una delegación cultural canadiense.
En los últimos trabajos ( Beautifully Broken , 2011 y posteriores) Goldchain recurre a temas arquitectónicos y naturales. Concebidas como una forma de autorretrato, las imágenes de pilares que se desmoronan y arbustos enredados son meditaciones sobre el envejecimiento, la belleza, la complejidad y la mortalidad que buscan un equilibrio entre la vulnerabilidad y la fuerza.
Fuentes de información: https://culturacolectiva.com/arte/realidades-inventadas-rafael-goldchain/ https://translate.google.es/translate? hl=es&sl=en&u=http://www.scotiabank.com/photoaward/common/nominees/2015/biogoldchain.html&prev=search
Yasumasa Morimura. Yasumasa Morimura es un artista de la apropiación. Nació en Osaka, Japón, y obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en 1978 de la Universidad de Artes de la Ciudad de Kyoto. Desde 1985, Morimura ha estado haciendo exposiciones individuales en escenarios internacionales, a pesar de que también participó en exposiciones grupales. En su obra de arte, Morimura utiliza los retratos de artistas antiguos, desde Edouard Manet (francés, 18321883) hasta Rembrandt (holandés, 1606-1669), pasando por Cindy Sherman (estadounidense, b.1954), y se adhiere a su propio cuerpo y rostro. en estas imágenes. En 1985, también mostró una gran imagen en color de Van Gogh (holandés, 1853-1890), con su propio cuerpo y rostro insertados en ella. A partir de ese momento, el autorretrato se convirtió en el tema principal de las obras de Morimura. Sus numerosas exposiciones se han exhibido en varios museos en varios países, como Francia, Chicago, Japón, California y Australia. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra. En 1998, la selección de Morimura como artista de Aperto de la Bienal de Venecia había catapultado su carrera y había dado prominencia a su nombre. Morimura se convierte en sujetos familiares con el uso de disfraces, accesorios, manipulación digital y maquillaje. Sus obras maestras abarcan obras inspiradas en pinturas influyentes de artistas como Diego Velásquez (español, 1599-1660) y Frida Kahlo (México, 1907-1954), y por fuentes pictográficas de los medios de comunicación y la historia. El trabajo de Morimura es específicamente efectivo y contundente como resultado de su capacidad para burlarse y brindar homenaje a sus materiales y temas de referencia. El artista hizo una cadena de autorretratos variados
siguiendo el arte y el estilo de Frida Kahlo en su última y costosa reproducción. En 1996, Morimura fue nominado para el Premio Hugo Boss. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Yasumasa_Morimura http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/09/yasumasa-morimura.html
Stanley Kubrick. Stanley Kubrick fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense. Nació el 26 de julio de 1928 en el Bronx, Nueva York en el seno de una familia de origen judío. En el año 1954, Kubrick se casó con la directora artística y bailarina austríaca Ruth Sobotka. Kubrick usó sus ahorros para financiar su primer film, un documental de 16 minutos sobre el boxeador Walter Cartier, que había sido objeto de uno de los trabajos periodísticos que le había asignado la revista Look. El hombre que se lo alquilaba le enseño a utilizar el equipo, actuando Kubrick como director, fotógrafo, montajista y sonidista. El día de la pelea (Day of the fight) fue comprado por la RKO para su serie "Esto es América" y se exhibió en el teatro Paramount de Nueva York, dejándole a Kubrick un pequeño beneficio. Kubrick debutó como director cinematográfico con una serie de documentales rodados a comienzos de los años 50, los cortos “Day Of The Fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The Seafarers” (1953). Unos años antes, en 1947, se había casado con Toba Metz, dialoguista de la que se divorció en 1952. Stanley Kubrick controlaba todo el proceso de producción de sus trabajos, supervisa el doblaje de sus películas a otros idiomas, y salvo ocasiones excepcionales, nunca permitió que se proyecten por televisión. Además, al abordar cualquier tipo de género, dota a sus películas de una fuerza creativa que lo libera de la dependencia de los grandes estudios. Fue candidato al Oscar en varias ocasiones y lo recibió en 1968 por los mejores efectos visuales en su película 2001: Una odisea del espacio. Este último film se estrenó póstumamente, ya que Stanley Kubrick falleció a causa de un ataque al corazón el 7 de marzo de 1999 en Harpenden, Hertfordshire (Inglaterra). Tenía 70 años. Está enterrado en su casa Chidwick Manor, en Hertfordshire.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick http://paginaspersonales.deusto.es/abaitua/deli/testuteka/biogr/skubrick/bio_sku brick_es.htm
LUGAR Y TIEMPO DE DESARROLLO. Nos lleva a atrás en el tiempo, pero también en estos capítulos nos lleva más a la actualidad, por ejemplo mencionando el uso de móviles para hacer fotografías. Argumentando también en como la fotografía cambia con el tiempo.
IDEAS PRINCIPALES. He aprendido de estos capítulos algo más de autores que ya conocía por su antigua mención. Con lo que más me he quedado de esta lectura es en como hace hincapié en que la fotografía es el punto de vista de el mundo de quién tiene la cámara en sus manos y lo importante que es saber transmitir lo que tienes en tu cabeza en una fotografía, si consigues eso, es una buena fotografía. Creo que esto sería lo que más me ha gustado de estos tres capítulos y lo que más destaco para mí. La importancia que tiene saber potenciar bien una fotografía y darle fuerza, pero sobretodo transmitir. Algo que también me ha gustado, como he mencionado antes, es saber algo más de autores ya mencionados, creo que es interesante conocer más sobre referentes de algo que nos gusta tanto como es la fotografía.
IDEAS SECUNDARIAS. Nuestra fotografía también se debería tratar de obtener esos “nuevos sonidos del mundo” y con el privilegio añadido de no tener que dedicar demasiadas horas instrumento. En realidad nosotros no somos tan sólo pianistas, intérpretes, sino compositores. El uso del color no es una simple preferencia o actitud, es un auténtico gesto que contrapone un elemento de sólida y cálida belleza formal, un elemento de gran expresión, con escenarios de hielo, distantes y extraños, reacios a toda complejidad. Podemos decir que el color, ese nuevo color, es una nueva visualización del blanco y negro, como en su día pudo serlo la instantánea.
CONCLUSIONES. Mientras he estado leyendo he pensando que no habría descubierto este libro si no estuviera cursando en el grado de fotografía, y agradezco que lo hayan mandado como trabajo de clase. Creo que hay cantidad una de información y de reflexiones que todo el mundo que esta dentro de el mundo de la fotografía debería leer y saber. Yo he tenido la suerte de disfrutarlo. El fotógrafo que me ha llamado la atención e investigado sobre él más después de leerlo ha sido Bill Brandt, me ha gustado leer que utilizaba gran angular, ya que es un objetivo que me llama mucho la atención, pero también hay otros muchos fotógrafos que me han llamado la atención. Hay frases de este libro que me han gustado y que voy a tener en cuenta en mí día a día siendo fotógrafa. Te enseña muchas cosas, pero lo que más y lo que a día de hoy agradezco es a conocer, o al menos sonarme, una cantidad de fotógrafos que no habría imaginado que llegaría a conocer. Los textos que más me guardo para mí son los que me han llegado a hacer comprender que tengo que tener paciencia y que un fotógrafo se crea con tiempo. Me va a ayudar a mí día a día mucho ya que soy una persona que se agobia con facilidad ante situaciones frustrantes. En estos capítulos puedo destacar como frases que me han gustado estas: “La fotografía es un medo que no le gusta ser excesivamente explicito. De hecho es un medio sin palabras, sin voz...actúa bien en susurros, en murmullos, dejando preguntas y respuestas no muy nítidas.” “La fotografía dispone de un idioma con el que no es fácil hablar, es una comunicación diferente de la que conocíamos, de las que nos valemos, es la lengua de un extraño interlocutor.” “Lo que en realidad quieren ver es un trozo de lenguaje, el mundo filtrado, traducido, por nuestra cámara, nuestro visor del mundo. No vemos la realidad sino tan sólo imágenes obtenidas de la realidad, sombras de la realidad, realidad intensificada, por la visión…” Creo que este libro se podría recomendar a cualquier persona que le guste la fotografía, te hace aprender muchas cosas sobre este mundo, y de alguien muy cercano a él. Te hace reflexionar mientras aprendes e investigas con este libro.