La visión fotográfica. Eduardo Momeñe.
APELLIDOS: Jiménez Bobis NOMBRE: Andrea CURSO: 1ºB Fotografía
BREVE INTRODUCCIÓN BIOGRÁFICA Y LITERARIA DEL AUTOR.
Edición: Autor-editor (editorial), Madrid (ciudad), 2009 (año), 168 (páginas).
Eduardo Momeñe es un fotógrafo nacido en 1952 en Bilbao. Comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías". Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/06/eduardo-momene.html https://www.circulobellasartes.com/biografia/eduardo-momene/
RESUMEN. En estos dos capítulos vuelve a hablar sobre la manera que tenemos los fotógrafos plasmar el mundo, nuestro punto de vista, como miramos el mundo, una mirada personal. Una buena fotografía al final es un punto de vista bien expresado. Antiguamente la fotografía servía para mostrar el mundo, ya que no se viajaba tanto y no sabían como era, en cambio actualmente el mundo ya se ha visto por activa y pasiva. Nos explica lo importante que expresar algo en nuestras fotos, que nuestras fotografías sean mejores, con fuerza, su potencia como imagen y su capacidad para nos deje fascinados. Pero lo que el autor destaca sobretodo es que tiene que haber misterio, porque sin
misterio no hay belleza. Nuestras fotografías deben ser como testimonios, documentos de cómo hemos mirado las cosas, nuestra firma, nuestra huella. Nos explica también brevemente el proceso de revelado de un carrete, ya que una fotografía no esta acabada hasta que podamos tenerla presente en un papel, en concreto el T-Max 100 blanco y negro.
Habla también de cómo nos expresamos mejor, que en este caso son las personas. Es a través de los demás como posiblemente mejor nos expresamos, son espejos de mil matices en los que nos vemos proyectados. Nos recuerda dos ideas importantes, la primera que los mejores fotógrafos no tienen o no tienen porque tener el mejor equipo de fotográfico y segundo que lo mejor para una buena fotografía es su comprensión. Nos explica en como al hacer una fotografía intentamos plasmar dos tipos de opiniones, una visual y otra temática. Nos recalca una pregunta obligada que tenemos que hacernos cada vez que miramos una fotografía, ¿qué puedo decir de esta fotografía que estoy mirando, que estoy leyendo?, como buenos fotógrafos es que lo que también tenemos que intentar transmitir con nuestras fotografías no solo pensarlo con las que vemos de los demás, fotografías que nos haben, que nos atrapen. En concreto en el capítulo 5, nos menciona a algunos fotógrafos como Harry Callahan, Dorothea Lange… Los menciona para hablar de algunas de sus obras que entendieron que la fotografía trata de cómo hablar con la cámara. También habla en como la fotografía va cambiando con el tiempo y que la forma de entenderla no es ajena a dicha transformación. Por último nos explica que el ver, mirar es algo que se aprende, que no es difícil si conseguimos romper con antiguos prejuicios enquistados y apostar por la salud visual.
TEMA DEL TEXTO. Nos habla de la manera que tenemos os fotógrafos en plasmar en nuestras imágenes el mundo. Habla de lo que es una buena fotografía, como era antes, como es ahora y en todo lo que cambia con el tiempo.
Lo importante que es la fuerza, la potencia y la capacidad de dejarnos fascinados una fotografía y que el misterio puede ser belleza. Pero sobretodo lo importante que es leer una fotografía. Y por último y muy importante, menciones de muchos fotógrafos que a día de hoy ya conocemos gracias a este libro, pero aún así nos informa más de ellos y nos cuenta algo más.
BIOGRAFÍAS AUTORES.
Duane Michals. Es un fotógrafo estadounidense, nacido en Mckeesport (Pensilvania) en 1932. Sus primeras imágenes fueron realizadas durante un viaje por la Unión Soviética en 1958. De regreso a América se instaló definitivamente en Nueva York como fotógrafo independiente trabajando para revistas de moda femenina, Vogue, Esquire o Mademoiselle, y colaboró con el New York Times, especializándose en el retrato Las secuencias de Michals no sólo cuentan una historia como si de una fotonovela se tratara, las imágenes contribuyen a la creación de atractivas historias que no constituyen narraciones cerradas sino que muestran acontecimientos misteriosos que incitan al espectador a la reflexión. A mediados de los 60, comenzó a escribir títulos a mano e incluirlos en sus fotografías. Considerándose un eterno principiante, elige para sus secuencias un formato muy pequeño, pese a que la gente asocie el gran formato con el arte. Su formación fotográfica es autodidacta, siendo Atget el fotógrafo que más le influyó, aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmente de Magritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana. En 1966 expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Garry Winogrand, Bruce Davidson y Danny
Lyon. En 1970 realiza una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo siendo considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX.
Una característica esencial de su obra es la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Duane_Michals https://lineassobrearte.com/2016/09/11/quien-diablos-es-duane-michals/
Richard Misrach. Es un fotógrafo estadounidense nacido en Los Ángeles, California, en 1949. En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala, que es una práctica extendida en la actualidad. En una entrevista de 2011, Misrach señaló: "Mi carrera, de alguna manera, ha tenido que ver con navegar estos dos extremos: el político y el estético". Describiendo su filosofía, Tracey Taylor del New York Times escribe que "las imágenes de Misrach son para el registro histórico, no para el reportaje". Misrach es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años. Misrach es ampliamente reconocido como "uno de los fotógrafos más aclamados internacionalmente de este siglo". Es quizás mejor conocido por sus representaciones de los desiertos del oeste americano , y por sus series que documentan los cambios introducidos en el medio ambiente por diversos factores provocados por el hombre como la expansión urbana , el turismo , la industrialización , inundaciones, incendios, fabricación
petroquímica y pruebas de explosivos y armas nucleares por parte de los militares. Misrach, tras trabajar con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color. Misrach ha estado casado desde 1989 con la escritora Myriam Weisang y tiene un hijo, Jake, de su primer matrimonio con Debra Bloomfield. Las fotografías de Misrach se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones y ha obtenido numerosos premios.
Fuentes de información: https://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Misrach http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/richard-misrach.html
Joel Sternfeld. Es un fotógrafo estadounidense nacido en Nueva York el 30 de junio de 1944. Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes de una narración. Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en la ciudad de Nueva York y en el Getty Center en Los Ángeles . Ha influido en una generación de fotógrafos en color, incluido Andreas Gursky , quien toma prestadas muchas de las técnicas y enfoques de Sternfeld. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers.
American Prospects es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos, también tiene otro llamado On This Site: Landscape in Memoriam, en él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización. Ha recibido dos becas Guggenheim, una National Endowment for the Arts Photographers Fellowship y el premio de Roma. Fuentes de información: http://www.buchmanngalerie.com/artists/joel-sternfeld/biography http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-sternfeld.html
Francis Frith. Fue un fotógrafo británico nacido en Chesterfield (Inglaterra) en 1822. Francis Frith (1822-1898) es un ejemplo de este cambio de negocio de lo tradicional a lo nuevo. Comenzó en Liverpool desde muy joven como aprendiz en una tienda de alimentación, establecimiento en el que con el tiempo prospera y que junto con un negocio de imprenta, vende ambos de manera muy lucrativa a los 34 años. A esta edad comienza a interesarse por la fotografía y funda en 1853 la Sociedad Fotográfica de Liverpool y se hace miembro de la Royal Photography Society. Gracias a la venta de sus empresas que lo dejan en una posición muy desahogada, puede permitirse dedicar todo su tiempo a la fotografía, compra un barco y se provee de todo tipo de material fotográfico para durante dos años realizar un exhaustivo trabajo de fotografías a lo largo de Egipto y Oriente Medio. El trabajo de Frith se publica por primera vez en el álbum “Egypt and Palestine, Photographed and Described by Francis Frith”, y posteriormente realizará ocho álbumes más. El éxito de las fotografías de Frith en Egipto, Siria y Palestina, hizo que fuese posible la creación de la Francis Frith & Co en 1860, fundó su propia compañía en Surrey, que produjo y distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. La empresa también hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China y la India, así como un amplio cuerpo de trabajo en Gran Bretaña a fines del siglo XIX. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra.
Cerró en 1960. Durante el siglo de vida de la compañía fue una de las primeras empresas fotográficas que se dedicó a realizar fotografías por Europa y Asia extendiendo así el interés por descubrir nuevos lugares gracias a un equipo de fotógrafos que ya en 1870 había conseguido solo en Gran Bretaña y Europa miles de imágenes.
Fuentes de información:
https://artes2010.wordpress.com/2010/05/07/los-inicios-de-la-fotografia-deviaje/ https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith
Ralph Eugene Meatyard. Fue un óptico y fotógrafo estadounidense nació el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y falleció el 7 de mayo de 1972. Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. Trabajó principalmente con una cámara de formato medio Rolleiflex para siempre. Fue en el Lexington Camera Club cuando Meatyard conoció a Van Deren Coke , una de las primeras influencias detrás de gran parte de su trabajo. Coke exhibió el trabajo de Meatyard en una exposición para la universidad titulada "Fotografía creativa" en 1956. Meatyard hacía trabajos en ráfagas productivas, a menudo dejaba su película sin desarrollar durante largos tramos y luego trabajaba febrilmente en el improvisado cuarto oscuro de su casa. Gran parte de su trabajo se realizó en granjas abandonadas en la región central de bluegrass de Kentucky durante las salidas familiares
de fin de semana y en espacios abandonados alrededor de Lexington. Algunos de sus primeros trabajos de cámara se realizaron en el barrio tradicionalmente afroamericano de Old Georgetown Street, en Lexington. Con su temprana muerte en 1972, una semana antes de cumplirlos 47 años, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte. Su trabajo fue mostrado y coleccionado por museos importantes, publicado en importantes revistas de arte, y considerado por sus pares como un fotógrafo de lo más original y perturbador. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe. Pero hacia final de los 70, sus fotografías empezaron a aparecer solamente en exposiciones del arte “sureño” y tras su muerte sus fotografías se fueron olvidando hasta la última década.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/ralph-eugene-meatyard.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/ralph-eugene-meatyard-el-fotografode-lo-extrano
Guy Bourdin. Fue un dibujante y fotógrafo de moda y de publicidad francés nació en París, en 1928 y falleció en 1991. Fue un personaje obsesionado y apasionado por su trabajo que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad. Nació en París, Francia. Un año después de nacer, fue adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay, quienes lo criaron. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar. Bourdin, que muestra tales facultades de imaginación en visiones siempre renovadas, es también un maestro en el campo de la técnica y la ejecución. En su estilo y en su forma de componer los encuadres
se plasma una especial formación pictórica: cada forma, cada color, cada pliegue está cuidadosamente dispuesto para contribuir al conjunto, una globalidad que se tinta agresiva y violenta pero, curiosamente, protagonizada por una modelo más tierna que carismática, más vulnerable que autosuficiente. En 1961 se casó con Solange Louise Gèze, que le daría un hijo, Samuel, y moriría 10 años más tarde. En 1967 fue el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan, en 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro y ese mismo año el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero Bourdin se negó a aceptarlo. El Centro Internacional de Fotografía, Nueva York, le otorga el premio Infinity Award, de manos de otra reconocida fotógrafa, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria para Chanel. El 29 de marzo de 1991, Guy Bourdin muere de cáncer a los 62 años. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Guy_Bourdin http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=bourdin-guy
Peter Beard. Es un artista, escritor y fotógrafo estadounidense, nació el 22 de enero de 1938 en Nueva York, conocido principalmente por sus collages de fotografías de África. Peter creció en un ambiente cercano al arte y la belleza, canalizando la mayor parte de su energía creativa en sus diarios a base de recortes, que comenzó a compilar en 1949 a la edad de once años. Después de descubrir su amor por la fotografía, sus primeras fotografías datan de cuando tenía 12 años, utilizaría las fotografías para ampliarlos y mejorarlos. Fue retratado por Francis Bacon, pintado por Salvador Dalí y realizó diarios con Andy Warhol; se fue de gira con Truman Capote y los Rolling Stones; a todos ellos les da vida, literalmente y en sentido figurado, en su obra. Como fotógrafo de moda, se llevó a estrellas de
Vogue como Veruschka a África y se trajo a otras, entre las que destaca Iman, de vuelta a EE. UU. Beard es famoso no sólo por sus fotografías de elefantes africanos en peligro de extinción, sino por los retratos de supermodelos y estrellas de rock como Mick Jagger, David Bowie, Iman, Veruschka yMinnie Cushing (su primera esposa). Estuvo casado también con la modelo Cheryl Tiegs y era muy conocido por su elegancia y atractivo personal. Beard asistió a la Universidad de Yale, donde se matriculó como estudiante de pre-medicina, pero pronto cambió su especialidad por la Historia del Arte. Su primera exposición fue en la Blum Helman Gallery de Nueva York, en 1975. Sus exposiciones en museos se han celebrado en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en 1977, y el Centre National de la Photographie, París, en 1997. También ha hecho exposiciones en galerías en Berlín, Londres, Toronto, Madrid, Milán, Tokio y Viena. Su trabajo se incluye en colecciones privadas de todo el mundo. Recientemente, tras un “accidente” en el que un elefante casi lo mata y que le costó más de un año de recuperación, está alejándose poco a poco de una África que ya no es lo que era, y que va encaminada a su destrucción esencial por la superpoblación y el cambio de costumbres.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Beard http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/11/peter-beard.html
Bill Brandt. Fue un fotógrafo alemán, nació en Hamburgo, 1904 y falleció en Londres, 1983. Es conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes
sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes. También realizó fotografías como periodista gráfico. Bill Brandt estudió pintura y fotografía y tuvo al artista checo K. E. Ort entre sus maestros. En 1928 viajó a París, donde empezó a hacer retratos a personajes distinguidos del mundo de la cultura. Allí conoció al poeta estadounidense Ezra Pound, que lo introdujo en el círculo del también fotógrafo y artista Man Ray, con quien trabajó como asistente en 1929. Conoció entonces a Brassaï, y gracias a estos contactos pudo descubrir el mundo del arte. Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. Bill Brandt decidió captar las calles desiertas durante los bombardeos, los refugios antiaéreos y los bunkers hechos en los corredores del ferrocarril subterráneo. Estas imágenes coincidían con las ilustraciones realizadas por Henry Moore y fueron reproducidas juntas en varias publicaciones. En esta época empezó a concentrarse más en los retratos, género que le hizo famoso por el tipo de personajes que fotografiaba; entre éstos se encontraban artistas, hombres de letras, y, en menor medida, políticos y hombres de negocios. Entre 1945 y 1950 se consagró al paisaje inglés, pero también al desnudo femenino, al que se dedicó después de haber experimentado con un objetivo gran angular. Para este género, Bill Brandt creaba ambientes misteriosos y surrealistas por medio de perspectivas deformadas de un espacio que previamente había amueblado elegantemente para que posaran sus modelos, distorsionando los cuerpos hasta hacer de ellos formas abstractas.
Fuentes de información: http://www.fotonostra.com/biografias/billbrandt.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Brandt
Herbert List. Fue un fotógrafo alemán, nació el 7 de octubre de 1903 y falleció el 4 de abril de 1975. Cursó estudios de secundaria para dedicarse después al estudio de la Historia de la Literatura. Su familia regentaba un negocio de importación de café, de la que se convirtió en gerente en 1929, así que tiene que viajar a menudo, es así como conocerá a Andreas Feininger. Empezó a interesarse por la fotografía animado por Andreas Feininger en 1930, por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo. En 1936, se traslada a París y allí donde expone por primera vez sus trabajos. En 1937 viaja a Londres y desarrolla una serie de experimentos en un laboratorio fotográfico, durante los siguientes cuatro años trabaja en el libro Luz sobre Hélade. Montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life. En 1945 regresó a Múnich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute que publicaban los aliados. En los años siguientes, hasta 1962, estuvo viajando y visitando países como Grecia, España, Italia…y publicando en diversas revistas. Su obra se suele denominar como fotografía metafísica, como si naciese misteriosamente del interior, pero de un modo especial está considerado como uno de los más importantes fotógrafos del homoerotismo y gran cantidad de sus fotos tratan el desnudo masculino en blanco y negro. Tras su fallecimiento en 1975, la colección Herbert List se expuso en los principales museos de Alemenia Federal junto con una selección de sus fotografías más significativas, publicadas en la obra de Metken Herbert List- Fotografía metafísica.
Fuentes de información:
https://es.wikipedia.org/wiki/Herbert_List https://fotosfera.com/2012/07/el-fotografo-de-la-semana-herbert-list/
Martin Parr. Es un fotógrafo británico, nació el 23 de mayo de 1952 en Epsom, Surrey, Reino Unido. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña. Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. El sentido del humor es muy importante en la obra de Martin Parr. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común". Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado, pero aun así apuntaba maneras, con una sensibilidad por los encuadres y la iluminación. Estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color. También ha trabajado en el cine documental. Su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 1990-1992. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles. En 2006 recibe el premio Erich Salomon. En 2008 recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier y es representado por la galería kamel mennour en París, Francia. Parr ha publicado hasta el momento unos 50 libros.
Fuentes de información:
http://www.garapa.org/wp-content/uploads/2009/05/martin-parr_cv-port.pdf http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/martin-parr.html
Clarence John Laughlin. Fue un fotógrafo americano, nació en Lake Charles, Luisiana en 1905 y falleció en París en 1985, considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos. Laughlin nació en una familia de clase media. Después de perder todo en una empresa fallida de cultivo de arroz en 1910, su familia se vio obligada a trasladarse a Nueva Orleans. Tenía una relación cercana con su padre, quien cultivó y alentó su amor por la literatura. Aunque no terminó sus estudios era un hombre educado y muy culto. Su vocabulario y amor a la literatura son evidentes en los subtítulos con los que acompañaba sus fotografías. Inicialmente aspiró a ser escritor y escribió muchos poemas e historias al estilo del simbolismo francés , la mayoría de los cuales permanecieron inéditos. Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta. Durante este período, una de sus modelos favoritas fue Dody Weston Thompson, que se convirtió en una notable fotógrafa por derecho propio. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine. El libro más conocido de Laughlin, Ghosts Along the Mississippi, se publicó por primera vez en 1948. Murió en 1985 dejando una colección masiva de libros y de imágenes. Gracias a los 17.000 negativos que preservó, su trabajo continúa siendo mostrado en Estados Unidos y Europa.
Fuentes de información: https://en.wikipedia.org/wiki/Clarence_John_Laughlin http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/clarence-j-laughlin.html
Lisette Model. Fue una fotógrafa austriaca nacionalizada americana, nació en Viena en 1901 y falleció en Nueva York en 1983. Su padre la introduce en el mundo de la música, recibiendo clases de piano con el compositor Arnold Schönberg. En 1926 falleció su padre, la familia se trasladó a París, donde estudió canto. En esa época conoció a Evsa Model, su futuro esposo, pintor francés de origen ruso. Abandona la música para dedicarse a los estudios de artes visuales, tomando también clases de pintura. En 1933 se empieza a interesar por la fotografía por razones puramente económicas. Su amiga Rogo André, fotógrafa y primera mujer de André Kertész, le enseña a manejar una Rolleiflex. En 1938 visita Nueva York, donde conoce a Ralph Steiner, Director Artístico de la revista liberal PM's Weekly, donde publica su trabajo Promenade des Anglais, con fotografías realizadas en Niza y Montecarlo. Una de sus más conocidas imágenes, Coney Island Bather, es usada para ilustrar un artículo en Harper's Bazaar. Viajaron en 1934 a Niza a visitar a su madre, que vivía allí. Lisette aprovechó la ocasión para visitar el paseo marítimo de la ciudad y tomar una serie irónica de imágenes de la gente de la alta sociedad local donde captaba su vanidad, soledad e inseguridad, terminaron convirtiéndose en unas imágenes que están entre las más conocidas e importantes de su carrera.
En los años cuarenta, coincidiendo con su traslado a un apartamento de Greenwich Village, empieza una serie de reportajes de la vida cotidiana, ya sea en la calle, o frecuentando bares, cafés y cabarets. Lisette se hizo miembro de la Nueva York Photo League, que fue la institución que realizó la primera exposición de su obra. En 1952 comenzó un trabajo sobre el Jazz, retratando, entre otros, a Louis Armstrong y a Ella Fitzgerald. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/lisette-model.html
Alexander Rodchenko. Fue un fotógrafo americano, nació en Nueva York en 1896 y falleció en 1958. Fue un fotógrafo de moda y comercial, un pionero temprano y profesor de fotografía en color, y un creador de fotografías eróticas desnudas que no pudieron exhibirse en su vida. Se alistó en el ejército americano donde empezó con la fotografía. En 1921, Outerbridge se matriculó en la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Columbia . En un año, su trabajo comenzó a publicarse en las revistas Vanity Fair y Vogue. En París, produjo un diseño para la revista francesa Vogue , se reunió y trabajó con Edward Steichen , y construyó el estudio de fotografía publicitaria más grande y mejor equipado de la época. Volvió a Nueva York en 1929, donde abrió un estudio donde realizaba trabajo comercial y artístico y comenzó a escribir una columna mensual sobre fotografía en color para U.S. Camera Magazine. En 1937, las fotografías de Outerbridge se incluyeron en una exhibición en el Museo de Arte Moderno y en 1940 publicó su libro seminal Photographing in Color , usando ilustraciones de alta calidad para explicar sus técnicas. Los vívidos estudios desnudos de color de Outerbridge
incluyeron fotos fetichistas tempranas y eran demasiado indecentes según los estándares contemporáneos para encontrar la aceptación del público en general. Murió de cáncer en 1958 y un año después de su muerte, la Institución Smithsonian organizó una exposición individual de las fotografías de Outerbridge. Aunque su reputación se ha desvanecido, los avivamientos de la fotografía de Outerbridge en los años 70 y 90 periódicamente lo llevaron a la conciencia pública.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/paul-outerbridge.html
Alexander Rodchenko. Fotógrafo soviético nacido en San Petersburgo el 23 de noviembre de 1891, murió en Moscú el 3 de diciembre de 1956. Fue uno de los fundadores del Constructivismo Ruso y uno de sus representantes más versátiles. Inicialmente, se dedica a la pintura y al diseño gráfico antes de dedicarse a la fotografía y al fotomontaje. En 1905, su familia se muda a la ciudad de Kazán y Rodchenko estudia en la Escuela de Arte de esa ciudad, donde dictaban clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev. En la década de 1920 a 1930, dictó clases de artes en el Estado, en la Escuela Técnica Superior de Estudios Artísticos. A partir de 1922, su carrera artística dio un giro importante pasando de la pintura absoluta a la técnica del fotomontaje. En sus montajes, Rodtchenko trató de ofrecer un equivalente visual de la poesía, dando lugar a una síntesis única entre el montaje fotográfico y la escenificación constructivista. A partir de 1924, demostrado que el material que exigía era cada vez más difícil de encontrar debido a su rareza, decidió recurrir personalmente a la cámara fotográfica para, finalmente, reconocer en la fotografía el medio artístico por excelencia de su época. Dado que la cámara permitía hacer fotos en cualquier posición, dedujo que la
fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. Se propuso, a través de sus perspectivas audaces y puntos de vista inusuales, liberar la fotografía de las convenciones de representación y percepción, lo que lo convirtió en una de las figuras pioneras y más importantes del constructivismo fotográfico. A finales de 1930, Rodchenko vuelve a la pintura, y deja de fotografiar en el año 1942, pintando cuadros expresionistas abstractos en los años ’40. Continúa organizando muestras y exhibiciones fotográficas, y muere en la ciudad de Moscú en el año 1956.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_R%C3%B3dchenko http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=rodchenko-alexandermikhailovich
Tina Barney. Es una fotógrafa estadounidense, nació en 1945 en Nueva York. Conocida principalmente por sus retratos a gran escala y en color de su familia y amigos cercanos. Se introdujo a la fotografía por su abuelo cuando era una niña. En su adolescencia, estudió Historia del Arte. No fue hasta 1973, cuando se mudó a Sun Valley, Idaho, con su esposo e hijos, cuando ella comenzó a estudiar la fotografía. Estudió en el Sun Valley Center for Arts and Humanities en Ketchum, complementando sus estudios formales con talleres de Frederick Sommer, Roger Mertin, Joyce Niemanas, Duane Michals, Nathan Lyons, John Pfahl y Robert Cumming. Se conoce por sus fotografías de gran formato y a todo color de su
rica familia de la Costa Este. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, sus imágenes seductoras conforman un estilo de realismo característico. Recientemente su obra ha sido expuesta en el New York State Theater en 2011, The Barbican Art Centre, Londres. También ha producido o codirigido cortometrajes sobre los fotógrafos Ene Groover en 1994 y Horst P. Horst en 1988. Obtuvo una beca John Simon Guggenheim Memorial Fellowship en 1991.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/tina-barney.html https://en.wikipedia.org/wiki/Tina_Barney https://bombmagazine.org/articles/tina-barney-1/
Erich Salomon. Fue un fotógrafo alemán, nació en Berlín el 28 de abril de 1886 y fue asesinado el 7 de julio de 1944 en Auschwitz. En su juventud tuvo el tiempo y dinero para explorar una variedad de posibles carreras. Primero estudió zoología, luego cambió a ingeniería antes de asentarse finalmente en Derecho y haber obtenido la licenciatura en 1913. Con 41 años, se inició en la fotografía al emplearla para demostrar el empleo de las paredes reservadas por sus clientes para poner carteles. El 9 de febrero de 1928 el Berliner Ilustrierte publica la primera fotografía de Salomon, que muestra la imagen de un acusado en un juicio, obtenida a pesar de la prohibición de realizar fotos en los tribunales en Alemania, y de las dificultades técnicas para trabajar en interiores sin iluminación extra, para lo que Salomon empleó su cámara oculta en un maletín. A partir de ese momento estuvo
trabajando como reportero gráfico hasta 1933.Realizó un importante cambio en la concepción del reportaje ya que utilizaba una cámara de pequeño formato. Comenzó con una de marca Ermanox con un objetivo muy luminoso (1.8f) y el uso de placas fotográficas. También defendió la iluminación natural (en contra del flash) para no interferir en las escenas destacando su ambiente. En 1931 publicó Berühmte Zeitgnossen in unbewachten Augenblicken (Celebridades contemporáneas en momentos imprevistos), con 150 fotografías de dignatarios y celebridades de la época. Al alcanzar el poder Hitler emigró a los Países Bajos pero tras la invasión de éstos fue localizado en Scheveningen y deportado a Alemania. En 1944 fue asesinado en Auschwitz junto a su esposa y su hijo Dirk.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Erich_Salomon http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/erich-salomon_3.html
Martin Chambi. Fue un fotógrafo peruano, nació en Coaza, provincia de Carabaya, al norte del Lago Titicaca, en 1891 y falleció en Cuzco en 1973. Nació en una familia de campesinos, en una de las regiones más deprimidas de Perú. En su condición de indio y desheredado, la pobreza y la muerte del cabeza de familia le hace emigrar, con sólo catorce años, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro de Carabaya en la selva a orillas del río Inambari. Su primer contacto con la fotografía fue en la mina de oro donde trabajaba su padre. En 1908 emigra a la ciudad de Arequipa, donde la fotografía estaba
muy desarrollada y donde destacaban fotógrafos notables con estilo propio y manejando una técnica impecable. Trabaja de aprendiz en el estudio fotográfico de Max T. Vargas. Abrió su primer estudio fotográfico y expuso en el Centro Artístico de Arequipa, donde obtuvo el primer premio del Archivo General de dicha ciudad; ese mismo año también se casó con Manuela López Silva. En 1920 se establece en la ciudad de Cuzco, donde su estudio llega a ser el más importante de la ciudad. En 1927 inicia su etapa madura en la fotografía. En 1927 presentó por primera vez sus trabajos en Lima y participó en la fundación del Instituto Americano del Arte, y al año siguiente, tras exponer de nuevo en Arequipa, en la creación de la Academia de Artes Plásticas del Cuzco. Continuó en esta línea de trabajo incansable hasta 1958, año en que celebró sus cincuenta años en la profesión con una exposición en Cuzco. No dejó por esto de trabajar, pues en 1964 presentó una exposición conjuntamente con su hijo Víctor Chambi en la Primera Convención de la Federación Internacional de Arte Fotográfico celebrada en México. Dividió su trabajo en dos grupos: el que incluía los retratos por encargo, en estudio y exteriores, los grandes retratos grupales, y el que incluía básicamente retratos de la etnia andina y registro de tradicionales locales, sus numerosas vistas urbanas de Cuzco y sus vistas de restos arqueológicos.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/martin-chambi.html http://martinchambi.org/es/biografia/ https://es.wikipedia.org/wiki/Mart%C3%ADn_Chambi_Jim%C3%A9nez
LUGAR Y TIEMPO DE DESARROLLO.
Nos lleva a atrás en el tiempo pero también a la actualidad, así de esa manera hace una pequeña comparación y argumentando también en como la fotografía cambia con el tiempo.
IDEAS PRINCIPALES. He aprendido de estos capítulos algo más de la historia de la fotografía, también he aprendido
algo más de autores que ya conocía por su antigua mención. Con lo que más me he quedado de esta lectura es en como hace hincapié en que la fotografía es el punto de vista de el mundo de quién tiene la cámara en sus manos. Cómo nos vuelve a tranquilizar remarcando que hay que tener paciencia que tanto para hacer buenas fotografías como para tener mayor lenguaje visual se necesita tiempo y que poco a poco mejoraremos. Creo que esto sería lo que más me ha gustado de estos dos capítulos y lo que más destaco para mí. Algo que también me ha gustado, como he mencionado antes, es saber algo más de autores ya mencionados.
IDEAS SECUNDARIAS. Habla brevemente del proceso de revelado de un carrete, ya que una fotografía no esta acabada hasta que podamos tenerla presente en un papel, en concreto el T-Max 100 blanco y negro. ¿Cómo nos expresamos mejor? en este caso con las personas. Es a través de los demás como posiblemente mejor nos expresamos, son espejos de mil matices en los que nos vemos proyectados.
CONCLUSIONES. Mientras he estado he pensando que ojala este libro se hubiese cruzado en mi camino mucho antes. Hay cantidad de información y de reflexiones que me hubiese gustado saber antes, para tomarme las cosas con calma.
Igualmente al final he tenido la suerte de disfrutarlo. El fotógrafo que me ha llamado la atención e investigado sobre él más después de leerlo ha sido Bill Brandt, me ha gustado leer que utilizaba gran angular, ya que es un objetivo que me llama mucho la atención. Hay frases de este libro que me han gustado y que voy a tener en cuenta en mí día a día siendo fotógrafa. Te enseña muchas cosas, pero lo que más y lo que a día de hoy agradezco es a conocer, o al menos sonarme, una cantidad de fotógrafos que no habría imaginado que llegara a conocer. Los textos que más me guardo para mí son los que me han llegado a hacer comprender que tengo que tener paciencia y que un fotógrafo se crea con tiempo. Me va a ayudar a mí día a día mucho ya que soy una persona que se agobia con facilidad ante situaciones frustrantes. Creo que este libro se podría recomendar a cualquier persona que le guste la fotografía, te hace aprender muchas cosas sobre este mundo, y de alguien muy cercano a él. Te hace reflexionar mientras aprendes e investigas con este libro.