Rex Gold_Without Boundaries
L’Aperitivo
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Andrea Morucchio. intacts thoughts interview
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by
Laura
Cornejo
Brugués
Andrea Morucchio This page: Campagna Veneta Project, Italy, 2014 Campagna Veneta Project, Italy, 2014 Opposite page: Porto Marghera Project, Italy, 2013-4 Porto Marghera Project, Italy, 2013-4 Porto Marghera Project, Italy, 2013-4 Previous page: Campagna Veneta Project, Italy, 2014
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ithout hesitation Andrea Morucchio (Venice - Italy, 1967) defines himself as a photographer. An irreverent verdict to the perception of anyone who has traced his artistic path, that sees him as the protagonist, both in Italy and abroad, of a full and eclectic career as a contemporary artist, built on a base of experimentation and overlaps with different disciplines, including sculpture, multimedia installation and performance. After 15 years of interacting with various means of expression, Morucchio decided to return to photography; his is a corpus of images that moves on a trajectory between the analytical reading of reality – as a research method – and the procedural, conceptual use of photography,revealing the inevitable distortions that accompany the process of seeing and interpreting the image. The photographic work of Andrea Morucchio is an organic synthesis and rewriting of a pre-existing artistic language, which, in a dialogical way, gives voice to the integrity of the artist, if by this we mean that state of being in tune with our own thoughts, and from which result integrated thoughts rendered into images. Laura Cornejo Brugues: «In your photography you explore the perceptual processes of the form in the image. Through a dialectic parameter, you open the objectifiable spectacle to a discontinuous transcendence of reality, and you activate that mental and unconscious tension that makes us “see the world”. In your opinion, how does this methodology differ, from the practice of the “decisive moment” that, in the 90’s, you cultivated as a photojournalist?» Andrea Morucchio: «Henri Cartier-Bresson inspired by the philosophy of Zen archery, theorized the methodology of the “decisive moment” and the “photogra-
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pher-archer” as essential to obtain a unique and unrepeatable reportage image that synthesizes in a visual narrative of a single image even a fact of everyday normality. My reportage photography instinctively has this methodological approach that would be better defined as a mental/spiritual approach which looks to grasp the ‘decisive moment’ thanks to an attitude of immediate reactivity to the photographed subject, to the target pierced by the arrow of the archer-photographer. In recent years I changed photographic language, from reportage/dynamic to landscape/static via a more complex communicative form that in some
“An unreal and metaphysical atmosphere in which you find yourself immersed” cases transcends reality and grapples with the codes of contemporary art. Yet I believe that the capture or poetry of the ‘decisive moment’ remains essential even in this form of expression in which the final moment of the shot is the climax of an empathetic relationship with the photographed subject which is realized in a “decisive moment”, a moment of suspension in which a concordance of elements placed in minute order in the frame determines the unconsciously desired image. Reaction/execution times may change but the “decisive moment” or when you activate the shutter bringing the best combination of elements into play remains the same». «In the series Porto Marghera (2010-2014) you investigate the metaphysical dispersion of the urban territory and the industrial landscape. Isolation,
dereliction and estrangement, become figurative formants and critical intervention on the phenomenology of the “Non-Places”. From its aesthetic and enigma you draw inspiration to redesign a visual, anthropological identity, as the body of the image». «Any industrial area in decline such as Porto Marghera (Italy) conveys feelings of isolation, dereliction and estrangement. An unreal and metaphysical atmosphere in which you find yourself immersed and which for me becomes a stimulus and the key to photographically interpret the territory, in order, as you say, to redesign a visual identity bringing out a new vision of reality that elevates the “Non-Places” of an industrial zone into a place with a full and intelligible identity. Not a simple operation, only a few shots characterized by a particularly expressive power linked to the synergy of the elements framed – structures, forms, architectural layers and intangible traces of a human presence – in addition to revealing the anthropological identity of the image they can aspire to a redesign of visual identity». «Colour, a compositional element with constructive functions, is capable of determining the emotional involvement of the observer. Campagna Veneta (in progress) is an archive of “fields of colour” or a mental experience that becomes landscape of the memory, and, like the natural microcosms of Land Art, has universal and sacred value». «The ability to empathize with the photographed subject manifests itself particularly in a natural landscape such as that of the countryside in the areas of reclamation around Torre di Mosto (Italy), where I have been photographing for over a year for an exhibition project that will be entitled Campagna Veneta. A body of images which seeks to express the genius loci
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of these places by eschewing facile clichés of bucolic beauty in which the chromatic backgrounds constitute the mainstay of the photo. But, if colour, as has been scientifically proven, has an influence on our psyche, then we can say that these colour compositions allow us to see beyond what is represented in the image, thereby allowing a “landscape of the memory” to emerge and revealitself through a spiritual approach as a kind of Signatura rerum». «At the Museo del Paesaggio di Torre di Mosto the installation Terre in Vista was set up, a photographic assemblage in which the abstraction to which you submit the image brings out the quality of artifice and enhances the artistry. In your opinion, where are the limits of the photographic nature of a work? Is now impossible to talk about photography, as a means of image production and as an autonomous artistic language?» «The installation Terre in Vista, composed of eight printed panels with over all dimensions of 16 x 1,2 meters, is part of the series Dialoghi Celesti (Heavenly Dialogues) an initiative sponsored by the Museo del Paesaggio that entrusts an artist with the composition of a dialogue between the earth and the sky displayed for a period of at least two years outside the museum in a space between the two buildings that comprise it. The particularly representative value that the commissioning of a work of this kind requires in relation to the context in which it is set suggested to me that photography as an autonomous artistic language was not sufficient to achieve a satisfactory result, therefore I developed a project where the role of photography was just the initial element of a more complex creative process. Some of the landscape shots taken of the countryside surrounding the Museum through their multiplication and rearranging in mirror image
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became a series of abstract visions. Giorgio Baldo, curator of the project, captures the meaning of the work thus: “Morucchio has recognized, in the folly of the analytical photographic eye, which would like to comprehend and classify all the particular details of the earth (and lose itself in the detail), the outlines of a few figures. He has referred to these great restrictive boundaries, as certainties of the ‘true’ vision; attempting to give substance to the geometric genius inherent inside them, by orchestrating signs, space, colour and motion.”»
“A mental/spiritual approach which looks to grasp the decisive moment”
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Andrea Morucchio. Pensieri integri di Laura Cornejo Brugués Andrea Morucchio (Venezia, 1967) si definisce, senza esitare, come un fotografo. Sentenza irriverente all’occhio di chi percorra la sua traiettoria artistica, che lo vede protagonista, in Italia ed all’estero, di una densa ed eclettica carriera come artista contemporaneo, costruitasi a base di sperimentazioni e sovrapposizioni con diverse discipline, tra cui la scultura, l’installazione multimediale e la performance. Dopo 15 anni di interazione tra vari mezzi espressivi, Morucchio decide di riappropriarsi del supporto fotografico; il suo è un corpus di immagini che transita nel binario tra quella lettura analitica della realtà, come metodo di ricerca, e l’uso procedimentale,
concettuale della fotografia, rivelandone le distorsioni inevitabili che accompagnano il processo di vedere ed interpretare l’immagine. L’opera fotografica di Andrea Morucchio è sintesi organica e riscrittura di un linguaggio artistico preesistente, che in modo dialogico, da voce all’integrità dell’artista, se per questa intendiamo quell’essere uniti al proprio pensiero, e da cui ne risultano pensieri integri resi immagine. Laura Cornejo Brugues: «Nella tua fotografia sperimenti i processi percettivi della forma nell’immagine. Attraverso un parametro dialettico, apri lo spettacolo oggettivabile ad una trascendenza discontinua del reale, e ne attivi quella “tensione” mentale ed inconscia che ci fa “vedere il mondo”. Quanto differisce, secondo te, questa metodologia, da quella prassi del “momento decisivo” che, negli anni Novanta, coltivavi come fotogiornalista?» «Henri Cartier-Bresson, ispirandosi alla filosofia zen del tiro con l’arco, teorizzava la metodologia del “momento decisivo” e del “fotografo-arciere” come essenziale ad ottenere un’immagine reportagistica unica e irripetibile che sintetizzi in un racconto visivo di una singola immagine un fatto anche di quotidiana normalità. La mia fotografia reportagistica ha avuto in modo istintuale questa impostazione metodologica che sarebbe meglio definire impostazione mentale/spirituale nel cercare di cogliere il “momento decisivo” grazie ad un’attitudine immedesimativa con il soggetto fotografato, con il bersaglio trafitto dalla freccia dall’arciere-fotografo. Negli ultimi anni ho cambiato linguaggio fotografico, dal reportagistico/dinamico al paesaggistico/statico attraverso una forma comunicativa più complessa che in alcuni casi trascende la realtà e si cimenta con i codici dell’arte contemporanea. Eppure ritengo che la prassi o la poetica del “momento decisivo” rimanga essenziale anche in questa forma espressiva in cui il momento fina-
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Andrea Morucchio From the top: Terre in vista, Part of installation, 2014 Terre in vista, Complete installation, 2014
le dello scatto è il climax di un rapporto empatico con il soggetto fotografato che si realizza in un “momento decisivo”, un momento di sospensione in cui una concordanza di elementi ordinati al millimetro nell’inquadratura determina l’immagine inconsciamente cercata. Cambiano i tempi di reazione/esecuzione ma il “momento decisivo” ovvero il momento in cui si attiva l’otturatore ottenendo la migliore combinazione di elementi in gioco rimane lo stesso». «Nella serie Porto Marghera (2010-2014) indaghi sulla dispersione metafisica del territorio urbano ed il paesaggio industriale. Isolamento, spettralità e straniamento, diventano formanti figurativi ed intervento critico sulla fenomenologia del “non luogo”. Dalla sua estetica ed enigma trai inspirazione per riprogettarne una identità visiva, antropologica, come corpo stesso dell’ immagine». «Una qualsiasi zona industriale in declino come Porto Marghera (VE) ti trasmette sensazioni di isolamento, spettralità e straniamento. Un’atmosfera irreale e metafisica in cui ti trovi immerso e che per me diventa stimolo e chiave di lettura per interpretare fotograficamente il territorio al fine come dici di “riprogettarne un’identità visiva” facendo emergere una nuova visione del reale che elevi il “non luogo” di una zona industriale a luogo con un’identità piena e intellegibile. Operazione non semplice, solo alcuni scatti caratterizzati da una particolare forza espressiva legata alla sinergia degli elementi inquadrati – volumi, forme, stratificazioni architettoniche e tracce immateriali di una presenza umana – oltre a svelare l’identità antropologica dell’immagine possono ambire a riprogettarne un’identità visiva».
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«Il colore, elemento compositivo con funzionalità costruttive, è in grado di determinare un coinvolgimento emotivo dell’osservatore. Campagna Veneta (in progress) è un archivio di “campi di colore” o una esperienza psichica che diventa paesaggio della memoria, e che come i microcosmi naturali della Land Art, ha delle valenze universali e sacre». «L’attitudine all’empatia con il soggetto fotografato si manifesta particolarmente in un paesaggio naturale come quello della campagna nelle zone di bonifica attorno a Torre di Mosto (VE) che sto fotografando nell’arco di un anno per un progetto espositivo che chiameremmo Campagna Veneta. Un corpo di immagini che cerca di
“Una forma comunicativa più complessa che in alcuni casi trascende la realtà” esprimere il genius loci di questi luoghi rifuggendo da facili cliché di maniera da bel paesaggio bucolico in cui il disporsi delle campiture cromatiche costituiscono la struttura portante della foto. Ma, se il colore come effettivamente è provato scientificamente determina un’influenza sulla nostra psiche allora possiamo dire che queste composizioni cromatiche ci permettono di vedere oltre a ciò che è rappresentato nell’immagine facendo emergere un “paesaggio della memoria” e svelandone attraverso un approccio spirituale una sorta di Signatura rerum». «Presso il Museo del Paesaggio di Torre di Mosto è stata collocata l’installazione Terre in Vista, un as-
semblaggio fotografico in cui l’astrazione a cui sottoponi l’immagine ne risalta la qualità di artificio e ne esalta l’artisticità. Dove stanno, secondo te, i limiti della natura fotografica di una opera? Risulta ormai impossibile parlare di fotografia, come mezzo di produzione di immagini e linguaggio artistico autonomi?» «L’opera installativa Terre in Vista, composta da otto pannelli stampati la cui misura complessiva è di 16x1,2 metri, si inserisce nel ciclo Dialoghi celesti, una iniziativa promossa dal Museo del Paesaggio che affida a un artista la composizione di un dialogo tra terra e cielo esposto per una durata di almeno due anni all’esterno del Museo in uno spazio sospeso tra i due edifici che lo compongono. La valenza particolarmente rappresentativa che la comittenza richiede ad un’opera di questo genere rispetto al contesto in cui è collocata mi ha suggerito che la fotografia come linguaggio artistico autonomo non fosse sufficiente ad ottenere un risultato soddisfacente per cui ho elaborato un progetto in cui il ruolo della fotografia diventa solo l’elemento iniziale di un processo creativo più complesso. Alcuni scatti paesaggistici della campagna che circonda il Museo attraverso la loro moltiplicazione e ridisposizione speculare si sono trasformati in una serie di visioni astratte. Giorgio Baldo, curatore del progetto, coglie così il senso dell’opera: “Morucchio ha riconosciuto, nella follia analitica dell’occhio fotografico che vorrebbe conoscere-classificare tutti i particolari del corpo della terra (e che nei particolari si perde) i contorni di poche figure. A questi grandi confini che delimitano, si è riferito come certezze del “vero” vedere; tentando di dare sostanza al genio geometrico che all’interno di essi fluttuava, governando segni, spazio, colori e movimento». •