Filosofía personal del arte

Filosofía personal del arte - en requerimiento de la materia de lenguajes del arte-

Andrea Salcedo 2013

Madonna and Child -­‐Detalle-­‐ (1470( Sandro Boticelli

1

ÍNDICE

Henri Matisse, pintando en su casa en Niza, Francia, 1948

2

Currículum vitae

¿Qué es el arte? (Introducción)

Mi visión personal del arte

Mi misión como artista

Mis valores

Integración de la fe

Mi objetivo como creativa

¿Qué es para mi el Arte? (Filosofía personal del arte)

Mi propuesta artística

Obras significativas: La inspiración y el resultado

Constancias y reconocimientos

Teorías de los lenguajes del arte

Reflexión

4 8 10 12 14 16 18 20

25

27

31

33

39

3

Currículum Vitae

Árbol #2 (1975) Myoung Ho Lee

4

Debanhi Andrea Salcedo Villarreal

8 febrero de 1993

-Currículum Vitae-

Estudiante de la Licenciatura en Artes Visuales Teléfono: (826) 1030360 debosalcedo@gmail.com

Artista Visual

Como estudiante de Artes Visuales he procurado destacar en mi desempeño involucrándome en diversas actividades laborales y escolares así como la experimentación personal en diversas disciplinas. (INVERTIR ORDEN!!!!)

• Directora del evento de la ceremonia de premiación de la Expo-­‐ARTCOM de otoño de 2012 y por segunda ocasión en la Expo-­‐Artcom de verano 2013, supervisando, organizando y dirigiendo las áreas de iluminación, sonido, música, decoración, arte, premiaciones y programa.

•

Fui productora del documental “Sin bajar la mirada” como requerimiento de la materia de Diseño Audiovisual ,el cual trata el tema de las madres solteras y su superación personal y valor aportado a la sociedad, mismo que ganó el premio a Producción Audiovisual de la Expo Artcom Otoño 2012.

•

En el mes de Abril de 2013 participé en una exposición colectiva de alumnos de la Universidad de Montemorelos para la Galería Eleanor Jackson con la pintura de técnica mixta “Retrospectiva de una vida”.

•

En el 4º semestre de mi carrera realicé una campaña publicitaria para el programa “Agentes contra el Dengue” que se aplicó en niños de primero a sexto de primaria en el municipio de General Terán el cuál consistía en una serie de actividades a realizar por parte de los alumnos para aprender a combatir los criaderos de mosquito además de una serie de ilustraciones bajo el slogan Lava-­‐Tapa-­‐Voltea-­‐ Tira.

•

El trabajo realizado para la campaña Agentes Contra el Dengue fue seleccionada para presentarse en el IX Congreso Internacional de Educación Ambiental durante el 8 al 12 de Julio de 2013 en La Habana, Cuba.

•

Asimismo participé en una exposición colectiva de nombre –PANORAMA-­‐ en el Museo de Linares, Nuevo León, México en el periodo del 7 de febrero al 6 de abril con el cuadro “El regreso de la dictadura perfecta”.

5

•

Fui directora de arte en una campaña de salud en contra de la homofobia para SCORA por parte de IFMSA en el 2012 la cuál quedó seleccionada para su difusión nacional. Ésta tuvo la intención de causar un impacto y llamar la atención de los espectadores sobre este problema factible de discriminación contra el grupo LGBT.

•

Durante el verano del año 2012 participe en el Rally Universitario “Expresión en Corto”, del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) por parte del cortometraje –Al Cristo Crucificado-­‐ junto a la actriz Evangelina Martínez y el actor Enrique Rojas, desempeñando el cargo de Dirección de Arte, el cuál consistió en determinar las locaciones para la grabación de diversas escenas, los elementos decorativos y el vestuario y maquillaje de los actores.

•

Durante los años 2011-­‐2012 trabajé como Community Manager para la página en Facebook de la empresa noruega de biotecnología Agrinos.

•

Durante mi estancia en esta universidad he participado en cuatro Expo-­‐ARTCOM presentando trabajos de diversas disciplinas como fotografía, dibujo, pintura y cerámica.

En un futuro planeo trabajar en difusión cultural para una organización gubernamental además de llegar a ser corredora de arte y tener mi propia galería.

Habilidades / Competencias • Manejo de Photoshop, Ilustrator y After Effects.

-­‐En cuestiones de fotografía e ilustración a través de Tablet.

• • • •

Manejo de las técnicas de pintura en Acrílico y Oleo.

Conocimientos de los proceso de cerámica.

Organización de eventos socioculturales.

Manejo de fotografía digital y análoga en exteriores.

Formación académica

2009-­‐2011

Estudio de Bachillerato de Humanidades en el Instituto Kipling de Irapuato

Habilidades de relaciones, desarrollo de información y capacidad de investigación a partir del programa internacional IBO.

Idiomas Español – Lengua Madre Ingles– 80% Francés-­‐ Comprensión lectora.

6

2011

Estudio de Bachillerato de Administración Financiera en el Colegio Bosco de Navojoa

Habilidades matemáticas en el área contable y financiera para la administración de PyMES.

Actual -­‐Universidad de Montemorelos

Licenciatura en Artes Visuales

Curso Social Media

Impartido por la Universidad de Montemorelos

durante el mes de Abril de 2013

Idiomas Español – Lengua Madre Ingles– 80%

Informática Photoshop – Medio Ilustrator– Medio Office-­‐ Experto

Experiencia profesional

2011 Agrinos

Departamento de Promoción y Publicidad atendiendo el puesto de Community Manager para la página internacional en Facebook de la empresa.

Logros / Hechos Alcance de 900 usuarios que atendían a la página y la cobertura de los acontecimientos mas importantes realizados internacionalmente.

2013 Clínica Luz y Vida

Departamento de difusión e investigación para la campaña Agentes contra el dengue generando la publicidad para dicho programa además de avalar el desempeño de los alumnos en el mismo.

Logros / Hechos

Proyecto seleccionado para exposición del IX Congreso Internacional de Educación Ambiental durante el 8 al 12 de Julio de 2013 en La Habana.

Cuba.

7

¿Qué es el Arte?

Bañistas (1918) Pablo Picasso

8

La caracterización del arte suscita un problema al que se han dado múltiples y diversas respuestas: -­‐Para Platón es una apariencia respecto de la verdadera realidad: el mundo de las ideas.

-­‐Aristóteles, refiriéndose particularmente a la poesía, ve en él una reproducción imitativa.

-­‐Kant distingue el arte de la naturaleza, la ciencia y el trabajo (el oficio) y habla de un arte estético o bello como modo de representación que place en el mero juicio por sí mismo, no mediante un concepto.

-­‐Para Croce el arte es, ante todo –intuición-­‐, entendida como expresión o actividad formadora interna.

-­‐Lukacs considera que el arte es un reflejo específico de la realidad.

-­‐Hegel no sólo se plantea el problema de la naturaleza del arte que él considera como un producto de la actividad humana, dirigido a los sentidos, que tiene su fin en sí mismo, sino también el de la necesidad que el hombre tiene de producir obras de arte. ¿Se trata de algo accidental o de una tendencia fundamental del ser humano?

-­‐El problema para Freud es también el de su origen (que encuentra en la fantasía inconsciente) y el de la función que cumple en nuestra vida psíquica (proporcionar un goce que disfrace y suprima las represiones).

-­‐Maritain define el arte como una virtud del intelecto práctico, que debe distinguirse de la moralidad, ya que se refiere a la bondad de la obra, no a la del artista como hombre. Queda planteado así el problema de las relaciones entre arte y moral.

-­‐Para Bertolt Brecht el problema del goce o aprovechamiento del arte es inseparable de la disposición o capacidad (que puede ser desarrollada) de observar el arte, es decir, de cierta participación en el trabajo del artista. Por ello, habla de "observación del arte y arte de la observación".

-­‐Claude Lévi-­‐Strauss considera el arte como un lenguaje o sistema de signos cuya función es, ante todo, establecer una relación significativa con un objeto. Pero, entonces, se plantea el problema, apuntando a la pintura abstracta, de si es posible pretender una significación más allá de' todo lenguaje. Finalmente, a Lévi-­‐Strauss le parece que si bien la expresión artística aspira a ser un lenguaje que no es el lenguaje articulado, la pretensión de significar más allá de todo lenguaje es una contradicción en los términos.

9

Mi visión personal del arte

La Pelona (1979) Rafael Coronel

10

Mi propuesta como artista refleja una importancia latente en el trazo y la línea, predomina el dibujo y se ve reflejada la variación en el proceso de la construcción de mi lenguaje semiótico y estilístico, considero que el mensaje que refleja es predominantemente positivista y emotivo inclusive en las obras que son de carácter sociopolítico.

A cada signo o elemento de mis obras lo ligo a la significación artística y estético-­‐sensible, en definitiva el arte va directamente aunado a lo que el artista vive o vivió y siente o sintió.

Como artista estoy en una constante búsqueda e investigación de lo que acontece actualmente en los sentido artísticos, le doy importancia al color aunque la paleta que uso por cuadro es poco variada, pero cada color que presento de manera solida tiene un significado importantísimo, el dibujo forma asimismo una parte importante de la composición, generalmente mi trazo es expresionista aunque independientemente trato siempre de buscar la belleza en la fealdad, lo bueno en lo malo y dar mi visión y percepción al respecto sobre cierto tema, siento que es mi manera de darle un giro a la situación y a la visión de los demás a través de la propia, aprecio o hosco en lo ajeno pero no lo adopto ni reflejo, aunque digan que “no hay nada nuevo bajo el sol” pretendo y juego al trabajar con la idea de algo innovador a través de mi lenguaje que se puede clasificar dentro de lo moderno.

Sostengo lo que dice Kant en su manifiesto de la estética trascendental en la crítica de la razón pura afirmando que el valor primordial se le da a la experiencia en tanto esta permite presentar y conocer a los objetos, desde la percepción sensible o la intuición. La capacidad de recibir representaciones se llama sensibilidad, y es una receptividad, pues los objetos vienen dados por esta.

Partiendo de lo ya mencionado el arte y el valor que el artista le da a su obra se puede ver como un negocio fructífero y rentable, casi basta con observar el statu quo «estado del momento actual», que hace referencia al estado global de un asunto en un momento dado para discernir lo que se pide, aprecia y desea por parte del receptor, Picasso, singular artista que admiro mucho, fue un alma inquieta que supo analizar y percibir lo que acontecía a su alrededor vendiendo su trabajo de manera veráz dándole el carácter al arte de utilidad e importancia, tan solo un poco de eso quisiera y bastaría para trascender como artista.

11

Mi misión como artista

Rare molded plywood sculpture (1944) Charles and Ray Eames

12

Como artista pretendo promover y fomentar la creación y producción artística ajena y propia, invertir en la educación de las artes y humanidades e involucrarme como servicio a la impartición de ellas propiciando la investigación, asimismo pretendo construir un espacio o foro para divulgar las expresiones culturales su preservación y la difusión del patrimonio cultural tangible e intangible de nuestra nación

13

MiS ValoreS

Escultura de la Casa Milá -­‐La Pedrera-­‐ (1909) Antoni Gaudí

14

Considero importante la promoción de valores a través del arte como lo son la honestidad, que sea verdadero lo que tu obra promueve, de la misma manera una obra debe enriquecerse de otras pero permanecer dentro de la autenticidad, que lleve la firma del artista, su línea y estilo, mantenerse auténtico nos lleva a verdaderos logros como tener iniciativa para proponerse y alcanzar metas altas, tener un carácter estable lo que le hace tener una coherencia de vida, además creo que las obras en cuanto a su creación y composición deben tener coherencia con lo que uno es y siente como artista para poder tener mayor alcance con el receptor, se debe tener un compromiso con la profesión y la obra que se esta realizando haciendo un poco más de lo esperado al grado de sorprender a los demás y a uno mismo con el propósito de alcanzar las metas de prioridades que se desean obtener o mantener, lo que se presenta y el artista deben tener carácter ya que este implica una decisión firme y una férrea voluntad para proponernos objetivos y alcanzarlos en la medida de nuestras posibilidades y no solo proponernos objetivos sino también proponer nuevos estilos y lenguajes artísticos que contribuyan al avance del arte, también pienso que el valor de la experiencia enriquece lo que el artista realiza, manifestar el aprendizaje que se tiene a lo largo de la vida hace atractivo lo que se ve porque el espectador percibe como fuerte e interesante lo que se presenta ante sus ojos, la línea del artista debe ser versátil y debe tener flexibilidad para mantenerse fresca con el paso del tiempo, para así adaptarse rápidamente a las circunstancias y a las tendencias artísticas que van surgiendo, manifiesto que el artista que sobrevive es aquel cuya capacidad de adaptarse es sobresaliente, de la misma manera se debe destacar en la laboriosidad para entrar en el rango de las artes finas, trabajar es solo el primer paso, hacerlo bien y con cuidado en los pequeños detalles es cuando se convierte en un valor, el artista debe ser practicante de la libertad, toda persona tiene limitaciones y represiones de diferente índole pero eso no debe ser limitante para ejercer esta noble labor de ser artista ni plasmar lo que uno siente y cree. El artista debe ser magnánimo, ¿Y que es la magnanimidad? Es nada mas y nada menos que dar más allá de lo que se considera normal, para ser cada día mejores sin temor a la adversidad o a los inconvenientes, se debe tener siempre como meta ser más y mejor y superior, superarse a sí mismo en todos los sentidos compitiendo con uno mismo, pero para esto se necesita tener paciencia para tolerar, comprender, padecer y soportar los contratiempos y las adversidades que se presenten en el camino de manera regia y con fortaleza.

15

Integración de la fe

El Cristo Amarillo-­‐ Detalle-­‐ (1889) Paul Gauguin

16

Considero importante la integración de la fe en la producción artística debido a que Dios Padre es el creador supremo de la naturaleza, lo tangible y lo intangible, lo visible y lo invisible además el nos ha dado la capacidad de sentir, crear y expresarnos y ¿Qué mayor inspiración que la naturaleza? A través de la imitación e inspiración del diseño inteligente se han creado las obras mas significativas a lo largo de la historia del arte.

Muchas personas pretenden no tener interés en el arte. Muchos cristianos saben poco de él o únicamente lo que les gusta, pero eso es solo conocimiento propio. Otros reconocen que el arte existe, pero no lo consideran de valor o de relevancia. A veces, las artes han sido denunciadas como irreligiosas y malas; otras veces, la estética ha llegado a ser una “religión” secular con serios devotos. Entre los escritores cristianos, rara vez se ha intentado relacionar el concepto de “belleza” con las doctrinas cristianas centrales.

“La belleza es verdad, la verdad es belleza”, escribió el poeta John Keats. Aunque Keats se sobrepasó en su concepto, Dios es realmente la Verdad, y la Verdad es bella. La creación misma testifica que Dios es un artista y un amante de lo bello.

Dios dice: “Una cosa he demandado a Jehová, esta buscaré; que esté yo en la casa de Jehová todos los días de mi vida, para contemplar la hermosura de Jehová” (Sal. 27:4).

17

mi objetivo como creativa

Niña con granada (1875) William Bouguereau

18

La cuestión en el arte no es tanto buscar sino encontrar mi propio lenguaje artístico, mi estilo , semiótica y símbolos, a partir de eso se llega la trascendencia, por eso mi objeto al pintar es mostrar lo que he encontrado. En el arte no basta con intenciones como decir a mi se me había ocurrido eso o yo pude haber hecho eso, lo que cuenta es lo que se hace y no lo que se tenia la intención de hacer.

Picasso decía que el arte es una mentira que nos hace ver la verdad y en sí todos sabemos que el arte no es la verdad Es una mentira que nos hace verla, al menos aquella que nos es dada a comprender. El artista debe saber el modo de convencer a los demás de su realidad o de la verdad de sus mentiras, si en el trabajo sólo muestra que ha buscado y rebuscado el modo de que le creyeran sus mentiras, nunca conseguirá nada.

Con el arte expresamos nuestro concepto de lo que NO es la naturaleza. Velázquez nos legó su impresión de las gentes de su época y la percibimos solo de la manera que el los retrató, por eso el arte ha sido siempre arte y no naturaleza. Y desde el punto de vista del arte no hay formas concretas y abstractas: sólo hay formas que son mentiras más o menos convincentes, no hay en el arte ni pasado ni futuro. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente no se la debe tomar en consideración. La variación no significa evolución. Si un artista varía su forma de expresión sólo quiere decir que ha cambiado su modo de pensar y este cambio puede haber sido para mejorar o para empeorar.

Puede que entre artista los temas sean diferentes, por eso hemos introducido en la pintura objetos y formas enteramente ignorados o vistos desde otra perspectiva, los artistas hemos abierto los ojos y la mente a lo que nos rodea para dar a la forma y al color todo su significado individual, en tanto como podemos; tenemos en nuestros temas la alegría del descubrimiento, el gozo de lo inesperado; nuestro tema es, en sí mismo, una fuente de interés. Pero, ¿para qué decir lo que hacemos si para enterarse basta con querer verlo?

19

¿Qué es para mi el arte?

Trabajando en el taller de dibujo en la obra pastel “Fue un fotógrafo ciego” (2013) Jonathán Sánchez

20

Filosofía personal de vida

Sostengo que a través de la metafísica podemos comprender la naturaleza, estructura y principios fundamentales a través de la realidad entendiendo que somos seres que existimos como entes los cuales estamos rodeados de objetos que tantos estos como los seres constamos de propiedades y ambos nos relacionamos a trabes de la causalidad, sabiendo que todo suceso se origina por una causa, origen o principio en un tiempo y espacio.

La lógica es otra rama de la cual a partir de las premisas puedo llegar a un fin o conclusión haciendo construcción de mi realidad desde lo que conozco, me rijo a partir de la ética para determinar lo moral, mis virtudes, el deber que tengo ante la sociedad, la felicidad y el buen vivir, además la estética me hace discernir entre la belleza y la fealdad, haciendo juicios estéticos a través de las experiencias que he vivido y con la cual he construido mi percepción.

Me opongo a la teoría ontológica de la permanencia y no del cambio de Parménides, Parménides señaló la unidad y la inmutabilidad del ser, el cambio en cada persona es constante tanto en el crecimiento por la edad como mental y emocional viéndose esto reflejado en la proyección del ser del artista en lo que propone viéndose las variaciones que presenta a lo largo de su trayectoria, me siento atraída a la doctrina filosófica del hedonismo por la parte de la búsqueda del placer en la vida (aunque en realidad el placer es banal y efímero) y no tanto de la parte de la supresión del dolor como objetivo o razón de ser de la vida, el ser humano siente y no se puede reprimir, pero si puede gozar de deseos muchos de ellos innaturales y también naturales pudiendo ser necesarios o innecesarios entrando en esta categoría las artes, Debemos satisfacer los deseos naturales necesarios de la forma más económica posible, podemos perseguir los deseos naturales innecesarios hasta la satisfacción de nuestro corazón, no más allá, No debemos arriesgar la salud, la amistad o la economía en la búsqueda de satisfacer un deseo innecesario, pues esto solo conduce a un sufrimiento futuro, todo lo mencionado anteriormente y nuestra manera de aplicarlo, disfrutarlo y vivirlo se verá fuertemente reflejado en nuestra obra.

Partiendo de la mayéutica, no de persona a persona sino de obra a persona se puede retar y causar preguntas e interrogaciones en el ser y ente que es el receptor, esta es una técnica muy interesante que consiste en interrogar a una persona para hacer que llegue al conocimiento a través de sus propias conclusiones y no a través de un conocimiento aprendido y un concepto pre conceptualizado, se basa en la capacidad intrínseca de cada individuo, la cual supone la idea de que la verdad está oculta en el interior de uno mismo.

Uno de los conceptos que me parecen muy interesantes es el de la idea, misma que incuba todo lo que viene a ser el resultado final, misma que es una imagen que existe o se halla en la mente, que a través de la capacidad que tiene el artista de razonar, auto

21

reflexionar, crear y de adquirir y aplicar el intelecto se da lugar a los conceptos los cuales son la base de cualquier tipo de conocimiento y aplicación científico, filosófico o artístico.

Considero que el empirismo es un método sustentable para nuestra carrera ya que el papel de la experiencia se presenta como primordial, ligada a la percepción sensorial, en la formación del conocimiento, siendo la experiencia la base de todo conocimiento, no sólo en cuanto a su origen sino también en cuanto a su contenido. Esto parte del mundo sensible para formar los conceptos y éstos se encuentran en lo sensible, su justificación y su limitación, dándole el toque personal gracias al utilitarismo que es una teoría ética que asume las siguientes tres propuestas: lo que resulta intrínsecamente valioso para los individuos, el mejor estado de las cosas es aquel en el que la suma de lo que resulta valioso es lo más alta posible, y lo que debemos hacer es aquello que consigue el mejor estado de cosas conforme a esto.

Creo que debemos de valorar la capacidad que tenemos vista desde El humanismo el cual enfatiza la centralidad de los seres humanos en el universo, su enorme valor e importancia y las aportaciones que puede proporcionar, sin olvidarnos de que como individuos solo somos parte de la creación de Dios siendo por siempre y para siempre él lo mas maravilloso, omnipotente y omnisapiente.

Filosofía personal del Arte

Hace tiempo cada vez que alguien me preguntaba … y para ti ¿qué es el arte?, yo solía contestar : Arte es todo aquello que se puede expresar, ahora veo que tal vez mi propuesta no estaba tan errada sino que estaba incompleta, sí , el arte es todo aquello que se puede expresar, pero no solo eso sino la manera en la que lo expresamos.

Creo que la expresión artística es en sí la expresión del individuo en relación a la sociedad, el material que se nos presenta es el elemento generador de arte y la vía para plasmar la idea, se puede contar desde una experiencia personal que nos dejo marca en la vida, pasando por los acontecimientos sociales que afectan a la época en la que se vive o ir mas allá creando un nuevo lenguaje semiótico y visual, transmitiendo así la manera personal de percibir las cosas, definitivamente la calidad del pintor es relativa a la calidad de vida que tuvo previamente.

La filosofía en cuanto al arte se concentra en la propia experiencia del arte, considerando el lugar que ocupa el arte en la vida humana y a su alcance metafísico y existencial, percibiéndola cada artista de manera diferente construyendo y agregando planteamientos filosóficos y artísticos conforme va avanzando en su carrera y trayectoria.

Para determinar mi filosofía personal del arte he preferido analizarla y determinarla desde el aspecto estético: Para empezar, el propio término de “estética” merece ciertas aclaraciones, una de las que

22

me parece más acertada es la de Baumgarten definiéndola como “la teoría de las artes liberales, una gnoseología inferior, un arte de pensar lo bello, una ciencia del conocimiento sensitivo”.

A lo largo de tres siglos de existencia, la estética ha abordado y cubierto con éxito un registro impresionante de cuestiones, que afectan a la representación, a la expresión, a la forma, a la noción de obra de arte y a los juicios de evaluación, mismos puntos que veremos a continuación:

La noción de expresión siempre ha estado en el epicentro de las teorías del arte. En la reflexión sobre el arte, la expresión tomará un lugar todavía más importante a partir del romanticismo. Esto conlleva una concepción nueva de la obra de arte como expresión personal del artista o espejo del espíritu de la época, que, de ninguna manera, era la preocupación principal cuando se trataba, en primer lugar, de imitar la naturaleza.

También conlleva la experiencia, por parte del espectador o destinatario de la obra, de encontrar en ella sentimientos respecto a los cuales tiene simpatía o resonancia.

Las teorías de la expresión se dirigen a uno o a otro de los aspectos siguientes: Hegel, se concentra en la expresividad humana, en la relación entre la interioridad y sus manifestaciones exteriores por los gestos, palabras, signos o conjuntos de signos en los que se ve una forma de comunicación específicamente emotiva y los acercamientos analíticos de Goodman se cuestionan sobre la manera cómo los símbolos pueden ser aprehendidos como expresivos y dan, así, una tonalidad emocional a la experiencia estética.

La noción de forma también participa de estos conceptos centrales a la reflexión sobre el arte. Comporta, al menos, tres ideas bastante distintas. En el platonismo se da una asimilación directa de la belleza a la forma, en esta comprensión está en el origen de todas las consideraciones de la belleza como orden, armonía, simetría, que después se encuentra en las concepciones sobre la armonía interna de los cuadros. Desde la Antigüedad, otra idea de forma se ha preservado desde la idea aristotélica de que una obra de arte, es un todo en el que se da una unidad casi viviente de la forma y que la obra de arte es una unidad análoga a la de lo vivo, una tercera idea diferente de la forma es la que consiste en ver en la obra de arte un conjunto de elementos específicos que operan independientemente respecto a su propia referencia a un significado o respecto a una referencia que constituiría su contenido. Este es el formalismo propiamente dicho.

La estética se ha preguntado insistentemente por la definición de la obra de arte y por las condiciones mediante las cuales atribuimos a una cosa la característica de serlo. Se han llegado a identificar las condiciones sociológicas que son indispensables para que una obra sea admitida como tal en un “mundo del arte” en función de las normas en vigor en este mundo. Se ha llegado a estudiar los géneros a partir de los cuales podemos identificar un objeto como una pieza artística que constituye la “obra” que es el comportamiento global de la persona o artista pudiéndose expresar a través de medios mas corpóreos como lo es

23

el performance art.

Otra preocupación primordial de la estética ha sido la evaluación, esto es, lo que se designa todavía como juicios de gusto o de belleza. La evaluación es esencial al momento de la identificación de alguna cosa “siendo arte”, esta evaluación juega, sin embargo, un papel bastante limitado en la investigación estética en ella misma, la evaluación sólo es una pequeña parte de los fenómenos a tener en cuenta. El arte es algo valorado –aspecto que resulta esencial a su concepto–, pero la justificación del valor no tiene tanta importancia como se piensa. De hecho, ya es de por sí algo positivo precisamente el hecho de que se pueda llegar a relativizar la importancia de una cuestión.

Ahora habría que preguntarse si no hay que ir mucho más lejos suscitando de nuevo algunas de las cuestiones tradicionales de la filosofía del arte menos atenidas por la estética. Ésta, preocupándose únicamente por el elemento de sensibilidad y de recepción, ha tenido tendencia a abandonar las interrogaciones de fondo sobre el arte, sobre las prácticas humanas en éste ámbito, sobre las funciones que cumplen, sobre las gestiones de producción, sean elitistas o populares, profesionales o de aficionado, pautadas o desviadas, individuales o colectivas. Hay varios dominios de investigación cruciales que deben ser revisitados, puesto que el arte no sólo tiene funciones estéticas.

Así, hay también funciones cognitivas, educativas, de identidad, extáticas, mágicas, políticas. Hay también un papel de medio de comunicación colectiva y de afirmación comunitaria. El arte como producción, como poesía, como práctica, escapa también en gran medida a las constricciones de la problemática estética. Así, hoy en día, en numerosos países, hay grupos de artistas que defienden la exclusión del “todo estético” en provecho de disposiciones conceptuales, cognitivas, comunicativas. Después de todo, una de las características más importantes del arte es que no tiene una función evidente ni inmediata.

Siempre se puede afirmar que el arte del siglo XX ya no fue un arte de la belleza; pero afirmaciones como ésta sólo son posibles si se excluye del mundo del arte la moda, el diseño, la fotografía y casi la totalidad del cine.

24

mi propuesta artística

Autorretrato (2012)

25

Desde ahora me estoy dedicando a producir arte de carácter social, de la misma manera y a la vez de proyectar un mensaje puede funcionar como pieza o elemento decorativo ya que son agradables a la vista por su simplicidad y composición.

Escogí la carrera de artes debido a que se que es una profesión muy noble y humanística, el arte en sí es lo que le da sentido a la historia y se hace valer a través de las épocas y acontecimientos sociales, el arte trasciende y marca pautas y modas a la vez del artista y su visión.

Deseo firmemente trabajar en una dependencia gubernamental o crear una asociación independiente que promueva el arte y el valor cultural, es por eso que me he estado involucrando desde que tengo ese deseo en la organización de eventos de esa índole y estilo.

Otra de mis intenciones viendo el arte como negocio es el de establecer mi propia galería para así generar movimiento en el medio artístico y de producción motivando a los artistas emergentes que tengan una propuesta interesante.

26

obras significativas: la inspiración y el resultado

Museo Soumaya –Detalle-­‐ , México D.F (2011) Fundación Carlos Sli

27

Guernica (1937) Pablo Picasso

El Regreso de la dictadura perfecta (2012) Andrea Salcedo

Waldo Indiferente (2013) Andrea Salcedo

28

The Young Lady with the Shiner

– Detalle-­‐ (1953)

Norman Rockwell

Fer y Marifer -­‐Detalle-­‐

(2012) Andrea Salcedo

^ Serie de la Fealdad (2013) Andrea S.

<-­‐ Rain (2011) Samuel Salcedo

29

El botones (1925) Chaïm Soutine

Retrospectiva de una vida

(2013)

Andrea Salcedo

30

Constancias y reconocimientos

Twiggy (1967) Richard Avedon.

31

Reconocimiento por parte de la vicerrectoría estudiantil de la Universidad de Montemorelos por la participación en el GIFF .

Reconocimiento a la calidad y la excelencia en la materia de Diseño Básico

Reconocimiento por parte del festival de cine de Guanajuato (GIFF) por la participación en el Rally Universitario

32

Teorías de los lenguajes del arte Autorretrato con collar de espinas (1940) Frida Kahlo0

33

Significado y valor del arte

El arte funge una función importante en la sociedad, el arte critica, expone y provoca, marca tendencias sociales y cambia la ideología de generaciones.

Además se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes, desde edad temprana, cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva ha desarrollar una ética muy sólida en su vida adulta. El arte en sí nos da referencias de nuestro sentir y ser, además nos llevan a comprender a nuestros antepasados, es fiel testimonio de nuestra historia, sin la cual no podríamos reconocernos. Sin las artes visuales no tendríamos identidad, ni reconoceríamos el lugar donde nacimos sin el referente visual, ya sea arquitectónico o plástico.

Teoría formalista

Se puede dividir en tres factores dependiendo su área de influencia: 1. Periodo histórico 2. Actividad filosófica 3. Movimiento artístico

Defiende la hibridación, la cultura popular, la autoridad intelectual y científica.

Posmodernidad Anti dualista: Los post modernistas aseveran que la filosofía occidental creó dualismos y así excluyo del pensamiento ciertas perspectivas. Por otro lado, valora y promueve el pluralismo y la diversidad.

Posmodernidad El giro lingüístico:

El post modernismo argumenta que el lenguaje moldea nuestro pensamiento y que no puede haber ningún pensamiento sin lenguaje. Así que el lenguaje crea literalmente la verdad.

Como movimiento artístico: En sentido artístico abarca un gran numero de corrientes des los años 50 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas.

Arte posmoderno: Frente a las propuesta del arte de vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan sólo reinterpretan la realidad que los envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierde así su sentido. La repetición encierra el

34

marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad del arte para transformarla vida cotidiana.

Teoría ritual

Surge como una manera de entender el origen humano. Esta llena de simbolismos que hacen alusión a cosas cotidianas o espirituales.

Es un concepto referido a una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia. Revela que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística que eran realizados con fines religiosos. En las pinturas rupestres se simbolizan seres humanos, animales y el medio ambiente, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Por lo general se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres.

Arte, magia, ritual y curación son términos relacionados con este tipo de arte, sobre todo en antiguas culturas de Oriente medio y América. En estos sitios la magia era considerada, no sólo un poder místico, sino también un arte en tanto que implica técnicas determinadas para lograr objetivos específicos.

Teoría imitativa

Imitación estricta de la naturaleza, de un ser o sentir, a fin de excitar las ideas en la mente de manera que sean exactamente similares o estrechamente correspondientes con lo que se es.

Las obras de arte que sustentan la teoría imitativa se dividen en dos tipos: 1. Aquella que pretende directamente ser la representación de la naturaleza del color tal y como se ve, así como la intención de llevar la escena original real ante nosotros, y lo cual se logra aún más en una pintura de flores u objetos inanimados, donde el tamaño de los objetos de la imagen se corresponde exactamente con los de los objetos reales.

2. Esos trabajos a través de los cuales describimos la naturaleza meramente por lo que sugiere ideas asociadas o semióticas, como es el caso en un dibujo de lápiz o grabado donde la intención no es imitar el color o la composición sino las formas o volúmenes; La primera clase de arte imitativo es representativo mientras que el segundo sugestivo.

En muchos casos, de hecho, las obras de arte que aparecen directamente imitativas, son tan sólo en un sentido limitado, y son, propiamente hablando una sugerencia de lo que se

35

observa, la cuestión en relación con esta teoría es más bien por asociación que por la representación directa.

El arte como medio de imitación es mucho menos perfecta que la naturaleza, ya que la imitación presenta omisiones que son observables en la naturaleza y que no en todos los casos apuntan a la excelencia de este tipo.

Platón estipula que el arte es imitación, ya que es una representación de la verdadera forma de un objeto. El artista se retira de las formas, o "ideales perfectos" que constituyen todas las cosas terrenales.

Creía que los seres humanos estaban lejos de las formas reales o verdaderas en el universo, en otras palabras, desde el ideal de Dios. Platón describe artistas y poetas de la República, "copian las imágenes de la virtud y por el estilo, pero la verdad que nunca llegan".

Teoría expresionista

Su principal característica es la primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme e irracional.

El expresionismo suele ser entendido como “la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad”

El expresionismo define una característica fundamental del arte moderno: Los artistas no buscan representar la realidad objetiva sino las emociones subjetivas de su entorno.

Formalmente esto se expresa por medio de la exageración, distorsión, primitivismo y fantasía, con una viva y violenta aplicación de sus elementos.

El expresionismo fue producto de los estragos causados por la primera guerra mundial.

Teoría cognitiva

La teoría cognitiva hace énfasis en entender e interpretar el comportamiento del consumidor y su proceso desde un acercamiento reforzado a uno cognitivo. Los individuos usan la información que ha sido propagada por fuentes externas y fuentes internas, esta información da pensamientos procesados, transferidos dentro de significados o patrones y a partir de eso se hace un juicio.

Esta teoría a su vea parte de la percepción, es decir como los individuos ven y le dan sentido a su ambiente. La percepción es sobre la selección, organización e interpretación del estimulo de los individuos y como comprenden su entorno

36

Los individuos selecciona e interpretan estímulos particulares en el contexto de las expectativas que crecen en la forma en que ellos clasifican toda la situación. La forma en que se percibe es un reflejo de sus experiencias pasadas.

Los compradores, críticos u observadores espera encontrar obras en situaciones particulares, así evalúan el arte de acuerdo a tamaño, color, forma y no siempre analizan las características físicas del elemento es por eso que se debe justificar, englobarla en un concepto.

Teoría postmodernista

La teoría postmodernista es un sistema variado y algo ambiguo ligado a la reacción filosófica y cultural de las convicciones del modernismo (igualado a veces con el humanismo). El postmodernismo es la propuesta filosófica de que la realidad es inaccesible a la investigación humana. El conocimiento es una construcción social, que las afirmaciones de la verdad son maniobras políticas, y que el significado de las palabras debe ser determinado por los lectores, no por los autores.

Manifiestos del postmodernismo:

Teología Postmodernista– Ateísmo Filosofía Postmodernista – Anti-­‐Realismo Ética Postmodernista – Relativismo Cultural Ciencia Postmodernista – Evolución Puntuada Psicología del Postmodernismo – Yo Socialmente Construidos Sociología Postmodernista – Igualitarismo Sexual Política – Izquierdismo (Justicia Social) Economía Postmodernista – Intervencionismo

En resumen, la teoría postmodernista ve la realidad de la manera como la construyen los individuos o los grupos sociales.

Arte y nuevas tecnologías

Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron vinculadas, dado que toda producción de imágenes. Supone una tecnología de producción, es decir: una técnica, una serie de instrumentos y de procedimientos, ciertas condiciones de eficacia, una habilidad, un saber, sin embargo, la relación entre arte, ciencia y tecnología ha ido fluctuando a lo largo de la historia del arte.

En el Siglo XVIII la Revolución Industrial aceleró el desarrollo de la productividad en diferentes áreas generando una gran cantidad de adelantos en la producción de

37

maquinaria y de nueva tecnología. Estos adelantos en la industria fueron aprovechados para el desarrollo de técnicas que rápidamente fueron tomadas por los artistas como medios alternativos para la creación.

El desarrollo de los medios digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías. Actualmente el uso de las computadoras y de Internet como instrumento para la creación, reproducción y difusión de la expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas tecnologías.

Arte en el siglo xxi

El Arte del siglo XXI comienza a inicios de este período, destacándose la vanguardia artística, que avanza hacia la ciencia y tecnología y otras ramas como la literatura.

Ninguna otra actividad humana puede ejercitarse con tanta libertad como la que permite la expresión artística. De ahí la potencia de la avenida del arte.

En el campo del arte, existe más libertad de movimientos, más tolerancia hacia la propuestas inesperadas, inusuales, insólitas o extravagantes. Las audiencias no esperan que las obras de arte se plieguen a aquello que se considera "la verdad".

El arte actúa como la punta de la lanza que abre camino al alud de novedad. El arte que se acerca viene a ser, a la vez, la causa y el efecto de la gran transformación que va a tener lugar durante este siglo.

38

Reflexión

El pintor Douanier Rousseau (1910) Pablo Picasso

39

El arte es la búsqueda de la verdad, un instrumento para conocer las intenciones, intereses y altibajos de el hombre y la historia de la humanidad. De esta manera, el arte nos hace tomar la realidad y unirnos a ella de manera subjetiva, el arte es concepto, impacta, impresiona, transmite; dicen que el diseño por el contrario ejerce una función de manera estética… no estaría de más decir que el arte asimismo funge una función importante en la sociedad, el arte critica, expone y provoca, marca tendencias sociales y cambia la ideología de generaciones, ¿por qué por lo tanto no se debería de considerar importante? Mejor dicho, corrigiendo y reiterando, sugeriría importantísimo mas que importante, y de aquí surge un manifiesto que es un parte aguas, el arte es o plagiador o revolucionario, logrando esto, se destaca en su tiempo.

El arte no es elitista, habla y se dirige para todos, su búsqueda y prioridad es la de causar una impresión, un choque de emociones y sea aceptada ya sea por su “belleza” o por su “fealdad”, no solo por el razonamiento y la critica sino también y sobretodo por la energía y vida que el mismo artista le ha dado.

El arte en si mismo debe ser un acto creativo, dejándose llevar por la intuición como sentido puro de la lógica, punto de partida para la convicción, mostrando el valor intrínseco que constituye al artista creador, el artista se debe valer por su entorno y lo que observa y le afecta de manera positiva o negativa, Tarkovski plantea que el artista, para hablar de lo vivo, debe valerse de lo muerto, el arte es una aspiración a la belleza, pero no por eso debe alejarse de lo mundano. La fealdad y la belleza depende directamente la una de la otra.

Y en cuanto al miedo constante y el cuestionamiento a nuestro talento y capacidad como artistas es que la única condición para poder crear es creer fielmente en la propia vocación. La creación del artista le exige el todo por el todo, que muera completamente y se entregue a su obra, sin usarlo como una vía de autoexpresión sino de expresión pura, ¿valdría la pena dar todo el esfuerzo para obtener un eco visual?.

40

¿Qué es el arte?

Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo.

-Pablo Picasso

41