Youth photography

Revista de fotografĂ­a & Imagen Digital Consejos tecnicos en la fotografia digital Fotografia en Santo Domingo de los Tsachilas

Editorial Photographic art Pontificia Universidad Católica del Ecuador Sede Santo Domingo - PUCE SD Periodo 2016 01 Realizado por: Naranjo Andrés., Cinthya Ulloa.

Correos institucionales afnaranjor@pucesd.edu.ec ciulloac@pucesd.edu.ec Taller de Diseño IV Número de páginas: 75 Ejemplares impresos: 1 Tutor Msc. D. Andrés García U. andresgarcia.dis@gmail.com Nombre de la Revista: Youth Photography Tema: Fotografía Hecho en: Santo Domingo de los Tsáchilas - Ecuador © 2016 Todos los derechos reservados

CAPÍTULO 1

CAPÍTULO 3

LA FOTOGRAFÍA Y SU GRANDIOSA HISTORIA

- Historia de la fotografía.

- El padre de la fotografía.

- Brecha digital.

INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

CAPÍTULO 2

BASES FUNDAMENTALES EN LA FOTOGRAFÍA

- Fundamentos fotográficos.

- Elementos formales.

- ¿Qué es una cámara fotográfica?

- Primera cámara fotográfica digital.

- Composición de una cámara fotográfica digital.

- Composición fotográfica con artes

- Procesos Fotográficos.

- Tipos de cámaras fotográficas.

- Creatividad e Intención.

visuales.

- Combinación de elementos fotográficos.

- Elementos técnicos de la fotografía.

- Importancia del Software y del retoque fotográfico.

Í N D I C E

LENGUAJE FOTOGRÁFICO

FOTOGRAFÍA EN SANTO DOMINGO DE LOS TSÁCHILAS

- El lenguaje de la fotografía técnico y artístico.

- Como trasmitir el mensaje al espectador.

- Hablando de la fotografía.

- Fotógrafos de la ciudad - Fotografías Académicas

CAPÍTULO 5 10 CONSEJOS TÉCNICOS EN LA FOTOGRAFÍA DIGITAL - Controlar el polvo.

- Limpieza del sensor.

- Comprobar la nitidez.

- Corregir un mal enfoque.

- Mejore su estabilidad.

- ¿Cómo sujetar la cámara?

- Como pulsar el disparador

CAPÍTULO 4

- Llevar un trípode.

- Cuando los trípodes están prohibidos.

- Aislamiento instantáneo.

CAPÍTULO 6

I N T R O D UCC IÓ N

El arte de la fotografía de una manera sencilla, didáctica y visual demostrando que a través de la fotografía se demuestra el arte que existe en ella y en la cual se puede observar la diversidad culturar plasmada en esta misma, se lograra este objetivo a través de la recopilación de información obtenida en fuentes digitales como bibliográficas, esta revista cuenta con un banco fotográfico muy amplio tanto propio como de fuentes web , se implementó el trabajo dentro de varios software que son los siguientes, tratamiento de fotografías, vectores y de texto.

Kraków, Poland Sylwia Bartyzel

C APÍT ULO 1

I N TR OD UCC IÓN A LA FOTOGR AFÍ A

Dispositivo electrónico que capta las imágenes y las guarda en formato digital con una alta resolución, también en la mayoría de los casos graba vídeo pero con una resolución menor. Las cámaras digitales fotográficas tienen el mismo uso que se les daba a las cámaras basadas en rollo, pero tienen la ventaja de que en su gran mayoría es posible visualizar la foto en una pequeña pantalla LCD que integran y por medio de botones integrados, borrar, copiar, acercar la imagen “Zoom”, etc. Entre otras funciones.

Estación del tren,Ryan Tauss

LA PRIMER A C ÁMAR A FOTOGR ÁFIC A DIGITAL La primera cámara digital de la historia la inventó Kodak. Fue en 1975, hace 40 años, y el artífice del invento se llama Steve Sasson, un ingeniero que todavía trabaja para esta empresa. Esta primera cámara digital no tenía casi nada que ver con las que conocemos ahora. Un aparatoso dispositivo del tamaño de una tostadora, que pesaba 3,6 kilos y que sólo tomaba imágenes en blanco y negro con una calidad de 0,01 megapíxeles. Tardaba 23 segundos en grabar una foto. Para construirla Steve Sasson, su inventor, utilizó una lente de una cámara de vídeo Súper 8 y un curioso soporte de grabación: una cinta de cassette. Pero como por entonces todavía faltaban unos años para que llegara el ordenador personal, la forma de ver las fotos que había hecho esta cámara digital era utilizar un televisor. [2] Sasson y Lloyd obtuvieron la patente por la cámara digital en 1978, mientras que en los años 90 llegaron los primeros dispositivos comerciales. Curiosamente esta tecnología ha sido una de las causas de la bancarrota que en 2012 declaró Kodak, compañía para la que sigue trabajando Sasson.

A él le llegó el verdadero reconocimiento en 2007, cuando entró a formar parte del Consumer Electronics Hall of Fame, gestionado por la Consumer Electronics Association de Estados Unidos. [1] (Pradera, A,

2002)

Primera cámara fotográfica Digital

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COMPOSICIÓN DE UNA C ÁMAR A FOTOGR ÁFIC A DIGITAL Objetivo: Conjunto de lentes que concentran los rayos de luz., trozo de vidrio pulido.

Obturador: Es un dispositivo mecánico, permite decidir en el momento exacto en el que se hará la fotografía y el tiempo que estará expuesta a la luz. [1] Diafragma: Disco que controla la cantidad de luz que llega a la película. Está cerca del objetivo. Podemos variar la luz que entra en la cámara. Visor: A través de éste podemos ver anticipadamente y enfocar lo que vamos a fotografiar.

Disparador: Después de la ejecución de este botón se obtiene en la superficie sensible la imagen que se ha logrado capturar por el ojo visor.

Lente: El lente es el componente de la cámara fotográfica que sirve para enfocar y regular el foco (las cámaras que tienen zoom son capaces de acercar y alejar la imagen), captar la luz; el lente capta los haces de luz y los ordena del otro lado de forma convergente. [2] (Pradera, A, 2002)

Partes de una cámara, Vadin Sherbakov

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PR OCESOS FOTOGR ÁFICOS

Cámaras, Jeff Sheldon

Los procesos fotográficos surgen con la necesidad de plasmas las imágenes que se obtenían con las cámaras estenotipias en un soporte sin necesidad de calcarlo, Hasta que en 1888 se comienzan a fabricar por kodak las películas fotográficas, se investigaron diferentes materiales de los que surgen las diferentes técnicas del siglo xix que son de gran importancia ya que representan los primeros pasos de la fotografía actual y representan la fotografía del siglo xix. [9] Nicéphore Niepce fue un científico, inventor y fotógrafo francés que nació en el año 1765 y murió en 1833. Fue el inventor, junto a su hermano, de un motor para barco y, junto a Daguerre, de la fotografía, el procedimiento de Niepce: Niepce colocaba dentro de la cámara oscura una placa de metal embadurnada con un betún preparado con sales de plata y lo colocaba dentro

de la cámara oscura, dejaba que entrara la luz por el orificio e impactara sobre la placa embetunada.

Al procedimiento lo llamó la Heliografía distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Necesitó 2 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz.Artista e inventor francés, pionero de la fotografía. Louis Daguerre perfeccionó el procedimiento de fijación de imágenes de su compatriota Niépce, logrando reducir los tiempos de exposición y obteniendo de gran nitidez. [16] El inventor bautizó con su apellido su método y las imágenes obtenidas: daguerrotipia y daguerrotipo.

El procedimiento de Daguerre. El procedimiento consistía en fijar las imágenes en una hoja de cobre, recubierta con un pulido de plata y yodo, creando una superficie sensible a la luz; esta placa se colocaba dentro de la cámara y se la exponía durante algunos minutos.

Luego se lavaba la placa con una solución de cloruro de plata, para detener el proceso y de esta manera quedaba la imagen que no se perdería, aún si se volviese a exponer a la luz. William Henry Fox fue un físico inglés, químico, y el inventor del proceso negativo-positivo de fotografía la innovación de Talbot: El calotipo albot desarrolló unas hojas de papel impregnadas de una solución de sales de plata, las cuales tomaban del negativo original las imágenes con los tonos invertidos en escala de grises, obteniendo pues un positivo. Perfeccionó este invento hasta que lo difundió en 1841, con el nombre de calotipo. [6] (Flynn, K. 2016)

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TIPOS DE C ÁMAR AS

FOTOGRÁFICAS. Existen multitud de tipos distintos de cámaras fotográficas y los posibles criterios de clasificación son también innumerables teniendo en cuenta la complejidad y especialización que ha alcanzado la tecnología en este campo, las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte en que se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película, del tamaño (compactas, bridge, DSLR) o también en función del grado de automatismo (esto más bien en la era analógica en la que había cámaras manuales y cámaras automáticas) ¿Qué tipos de cámaras digitales hay? ¿Cuál es la más indicada para cada tipo de uso? ¿Cuál es la que yo necesito? Vamos a tratar de arrojar un poco de luz al respecto. [7] R. H Mason. (1987)

Poland, Sylwia Bartyzel

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CÁMARAS COMPACTAS Una cámara compacta es una cámara fotográfica sin objetivo. En su forma más simple consiste en una caja que no permita la entrada de luz con un agujero en una de sus paredes y la película o el papel fotográfico en la pared contraria. Cámara compacta de 35mm Kodak. Sin duda usadas entre los usuarios no profesionales. Pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales Sus principales características son las siguientes. [10-11]

Tienen un tamaño reducido, lo más habitual es que no tengan visor (utilizan la pantalla LCD), aunque hay algunas que tienen visor óptico o electrónico.

En ningún caso tienen visor réflex. Habitualmente poseen un sistema de enfoque por contraste. El tamaño del sensor es pequeño, aunque a medida que surgen nuevas generaciones de cámaras compactas van incorporando sensores de mayores dimensiones. Actualmente los tamaños más habituales son 1/1,7” (7,44 x 5,58 mm) y 1/1,7” (7,44 x 5,58 mm). Sin embargo existen cámaras compactas con sensores de diversos tamaños, e incluso recientemente ha salido al mercado la Sony Cyber-Shot DSC-RX1 que es la primea cámara compacta con un sensor full-frame. Las imágenes se registran en formato jpeg. Salvo alguna excepción, no permiten registrar imágenes en formato RAW. Tienen un objetivo fijo, normalmente un zoom.

[13] (Grande, F. 2009)

Cámara Compacta, Panasonic Lumix

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Intermedias o Bridge A diferencia de las compactas el sensor de este tipo de cámaras es ligeramente superior, lo que supone un aumento en la nitidez y calidad de las fotos, así como en la posibilidad de obtener ampliaciones más grandes sin perder calidad. Tienen más funcionalidades que las compactas. Las lentes son de mejor calidad y suelen tener un zoom no intercambiable habitualmente con mayor alcance que las compactas. Sus principales características son las siguientes. [16] Tienen un tamaño pequeño, algo mayor que el de las cámaras compactas, pero menor que el de las réflex gracias a la ausencia del espejo. La mayoría cuentan con un visor electrónico. En algún casos no disponen de visor (utilizan la pantalla LCD) y en otros disponen de visor óptico, lo más habitual es el sistema de enfoque por contraste. Algunas poseen un sistema mixto por contraste y detección de fase.

El tamaño de sensor más habitual es APS-C (aproximadamente 23,5 x 16,6 mm, ya que existen pequeñas variaciones entre fabricantes), aunque las hay con sensores más pequeños Todas permiten el registro de imágenes en formato jpeg y RAW, disponen de un sistema de objetivos intercambiables. [13] (Grande, F. 2009)

Intermedias o bridge, Fepix

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R é fl e x o D S L R El tamaño del sensor es notablemente mayor que en las cámaras bridge. Por tanto la nitidez y calidad de las fotos es claramente superior. Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de objetivos, dispone de un visor réflex que muestra con mucha precisión el resultado definitivo de las fotos, cuenta con más funcionalidades que te permiten ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el proceso de tomar una foto. Sus principales características son las siguientes. [12] Tienen un tamaño pequeño, algo mayor que el de las cámaras compactas, pero menor que el de las réflex gracias a la ausencia del espejo. La mayoría cuentan con un visor electrónico. En algún casos no disponen de visor (utilizan la pantalla LCD) y en otros disponen de visor óptico, lo más habitual es el sistema de enfoque por contraste. Algunas poseen un sistema mixto por contraste y detección de fase.

El tamaño de sensor más habitual es APS-C (aproximadamente 23,5 x 16,6 mm, ya que existen pequeñas variaciones entre fabricantes), aunque las hay con sensores más pequeños Todas permiten el registro de imágenes en formato jpeg y RAW, disponen de un sistema de objetivos intercambiables. [13] (Grande, F. 2009)

Réflex o DSLR, D510

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CÁMARAS DE FORMATO MEDIO Las cámaras de formato medio se caracterizan tener un tamaño de sensor (o de negativo) mucho mayor que las cámaras réflex (4-5 veces mayor), lo que permite obtener imágenes de gran calidad.

Son utilizadas por aficionados avanzados y profesionales de la fotografía en campos como la fotografía de moda y publicitaria. Sus principales características son las siguientes. [12]

Tienen un tamaño pequeño, algo mayor que el de las cámaras compactas, pero menor que el de las réflex gracias a la ausencia del espejo. La mayoría cuentan con un visor electrónico. En algún casos no disponen de visor (utilizan la pantalla LCD) y en otros disponen de visor óptico, lo más habitual es el sistema de enfoque por contraste. Algunas poseen un sistema mixto por contraste y detección de fase.

El tamaño de sensor más habitual es APS-C (aproximadamente 23,5 x 16,6 mm, ya que existen pequeñas variaciones entre fabricantes), aunque las hay con sensores más pequeños Todas permiten el registro de imágenes en formato jpeg y RAW, disponen de un sistema de objetivos intercambiables. [13] (Grande, F. 2009)

Cámara Formto Medio, Hasselblad

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R E F E R E N C I A S [1] X. ,Wang, L., Li, & G. Hou, (ABR-1 -2016). De alta resolución de la reconstrucción del campo de luz usando un sistema híbrido de imágenes.55 (10), 2580-2593. doi:10.1364 / AO.55.002580.

[2] IS., Izmailov, EA., Roshchina, AA. Kiselev, TP.Kiseleva, OA. Kalinichenko, OP. Bykov, OV.Kiyaeva, LG.Romanenko, NA. Shakht, KL. Maslennikov, TA. Vasil'eva,. (MAR- 2016). Fotografía de espesor.21 (1), 111-132. doi:10.1134/S1063773715120051.

[3] EY., L. (NOV-1- 2015). Fotografía computacional con plenóptica cámara y captura de campo de luz: Tutorial.32(11), 2021-2032. doi:10.1364 / JOSAA.32.002021 [4] Flynn, K. (2016). Camera ready. Preservation, 68(1), 11.

[5] Pradera, A., & Heras, M. (2002). El libro de la fotografía. Alianza Editorial.

[6] Pérez, M. (2012). Tus primeros pasos en la fotografía réflex. (Mario Pérez ed.). España.

[7] R. H Mason. (1987). Fotografía. España: Ediciones Pirámide. doi: 84-368-0375-2 [8] Watkins, Derek. R., Dalmau Roselló. (1984). Cámaras fotográficas. España: Editorial Alhambra. doi:84-205-1005 [9] White, R. (2006). Cómo funcionan las cámaras digitales. España: Anaya Multimedia. doi:978-84-415-2014-1 84-415-2014-3 [10] Freeman, M. (2009). El ojo del fotógrafo. China: BLUME. [11] Freeman, M. (2014). El ojo del fotógrafo. guía gráfica. China: BLUME. doi:978-84-15317-76-0 [12] Grande, F. (2009). Cámaras en la cámara.90(92), 174. doi:1136-3614.

[13] J, M. F. (2000). Cámaras digitales.(64), 66-79. doi:1135-0407.

[14] Martínez Casalé, A. (200). Las cámaras fotográficas como objetos de consumo.39, 173-180. doi:ISSN 1130-8001 [15] Green , D. (2005). ¿Qué ha sido de la fotografía?. España: Editorial Gustavo Gili, S.L. doi:84-252-2132-3.

[16] Aguayo Hernández, F. (2005). Imagen, fotografía y productores.(71), 135-187. doi:ISSN 0186-0348.

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C APÍT ULO 2

I N TR OD UCC IÓN A LA FOTOGR AFÍ A

Leonardo Da Vinci fue quien empezó a dar las bases a la fotografía, inventando una máquina capaz de copiar la realidad, la cámara oscura, en los finales del siglo XV y principios del XVI. En el Renacimiento también se hizo otra aproximación a la fotografía, se inventó un espejo para enderezar la imagen y colocarla sobre un plano horizontal, la cámara lúcida. Esta permite ver al modelo y calcarlo a tamaño natural para que se pueda copiar.

The map, Dariuz Sankow

HISTORIA DE

LA FOTOGR AFÍA La fotografía nace en Francia tres siglos después, en el momento de la revolución industrial, favorecida por las innovaciones técnicas del siglo XIX. En sus inicios es usada principalmente por la burguesía, que acostumbraba tener retratos para mostrar status y ascensión social. El descubrimiento de las sustancias fotosensibles se remonta a muchos años de antigüedad. El hombre observó por ejemplo que al retirar un objeto dejado durante algún tiempo sobre una hoja verde, ésta conservaba la silueta del objeto. Los primeros experimentos datan del siglo XVII. Robert Boyle en 1663 describía que el Cloruro de Plata se vuelve negro al exponerse a la luz, aunque lo achacó al efecto oxidativo de aire. [1] (Quirós Linares, F. 2005)

En 1757 Giovanni Battista demostró que este efecto era debido a la acción de la luz. A partir de entonces los estudios sobre la naturaleza de la luz fueron completándose y se realizaron los primeros esfuerzos para fijar imágenes y dibujos por medio de la luz, pero éstos acababan por degradarse. [3]

Jennifer Trovato

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HISTORIA DE

LA FOTOGRAFÍA El descubrimiento de los principios de la cámara oscura se ha atribuido a Mo -Tzum, en la China de hace 25 siglos, a Aristóteles (300 a.C.), al erudito árabe Ibn al Haitam (1.000 DC), al inglés Bacín (1.250), etc., pero no dejan de ser meras especulaciones. La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).Durante el siglo XVIII el invento se hace muy popular al mejorarse técnica y mecánicamente, y pasar a convertirse en instrumento de dibujo. Es a principios del siglo XIX, a través de tres grandes personajes históricos, que se desarrolla en método fotográfico de la fotografía clásica. Fue Joseph-Nicephore Niepce (n. 1.765) quién consiguió las primeras imágenes negativas en 1816.

Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) recubiertas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Con este sistema, utilizando una cámara oscura modificada, impresionó en 1827 una vista del patio de su casa (fot. izq.), que se considera la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía. [8] (Scharf, A. 1994)

Jennifer Trovato

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En 1835 publicó sus primeros resultados del proceso que llamó daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo.

Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal, aunque el verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad. Fotografía de viajes y guerras. A mediados del siglo XIX va a producirse una contradicción con el 3 mundo anterior.

La fotografía aparece para demostrar que el mundo existe, que todo aquello que hasta ese momento se conocía a través de la literatura o pintura, es decir, todo aquello en donde había tenido que intervenir la mano y, por lo tanto, la subjetividad del hombre, ahora podía ser contemplado de forma “objetiva y veraz”. Después de todo, en estos momentos la fotografía se había convertido en un objeto a través del cual se daba fe del hecho en sí.El descubrimiento del colodión en 1851 va a cambiar la forma y la actitud de la fotografía de viajes, ya que va a obligar a los fotógrafos a transportar grandes cantidades de material, además de un cuarto oscuro para emulsionar las placas [8] (Scharf, A. 1994)

Southampton, United Kingdom, Annie Spratt

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Siendo un material mucho más sensible, va a ser capaz de registrar los sujetos u objetos en movimiento y, además, al ser su soporte el vidrio, va a producir imágenes mucho más nítidas. Con tiradas posteriores a la albúmina, que conservan la nitidez y detalles de la escena, el colodión permitirá una mecanización de la fotografía de paisaje convirtiéndola, además, en un objeto de consumo. La fotografía a partir de 1945 la fotografía en color se generaliza después de la Segunda Guerra Mundial, gracias en parte a dos jóvenes músicos, Leopold Mannes y Leopold Godowsky, investigadores a su vez de la Eastnian Kodak, quienes en 1935 crean los modernos procesos tricapa en color mediante el método sustractivo. Será en esta fecha cuando aparece en el mercado la película Kodachrome.

Pocos meses después, será Agfa quien lance al mercado su sistema.

Hoy en día, incluso puede dispararse con velocidades superiores a la millonésima de segundo y fotografiarse en total oscuridad, y se han llegado a fotografiar desde las simas abisales con cámaras provistas de fuertes juntas teóricas, al interior del cuerpo humano con endoscopios de fibra de vidrio, y desde los átomos a las estrellas. [8] (Scharf, A. 1994)

Adil Ansari

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EL PADRE DE

L A F OTO G R A F Í A Nicéphore Niepce fue un científico, inventor y fotógrafo francés que nació en el año 1765 y murió en 1833. Fue el inventor, junto a su hermano, de un motor para barco y, junto a Daguerre, de la fotografía. Interesado en la litografía, empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. [1] (Scharf, A. 1994)

Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación. [4]

Jacksonville, United States, Todd Desantis

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Un par de años después, ya en el 1818, obtiene imágenes en positivo sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas. Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. [6]

Necesitó 2 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Más tarde y causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes, falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo. [11] (Quirós Linares, F. 2005)

New York United States, Daniela Cuevas

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B R E C H A D I G I TA L ¿Dónde inicia realmente la historia de la fotografía digital? Viendo a diversos documentos históricos, se ve claramente que el punto de inicio depende un poco en el punto de vista de cada persona. La fotografía digital consiste en la obtención de imágenes mediante una cámara oscura, de forma similar a la fotografía química. Sin embargo, así como en esta última, las imágenes quedan grabadas sobre la película fotosensible y se revelan posteriormente mediante un proceso químico. En la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles, las cuales aprovechan el efecto fotoeléctrico para convertir la luz en una señal eléctrica, la cual es digitalizada y almacenada en una memoria.

[13-9] (Lemagny, J. C., & Rouillé, A. 1988)

Todd Desantis

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Cámaras, Jeff Sheldon

Se podría argumentar que Albert Einstein – quien ganó el Premio Nobel de Física en 1921 por sus trabajos del efecto fotoeléctrico – fue quien inicio la historia de la fotografía digital. En 1969, los laboratorios Bell (AT&T) crean el chip sensible a la luz, esto será el principio de la fotografía digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (Charged Couple Device), aunque en principio se plantea como un sistema para el almacenamiento de información, este principio del CCD dió paso al vídeo y fotografía digital. Al disparar la cámara, la luz llega a un sensor CCD, que contiene en su interior millones de cuadraditos llamados pixeles, que son los que forman una imagen cuando reciben luz.

Cuando un CCD tiene un millón de cuadraditos, se dice que tiene un MP (megapíxel) de resolución. [5-2]

(Colorado Nates, Ó.2006)

En diciembre de 1975, Kodak y Steve Sasson desarrollaron la primera cámara digital de la historia, este diseño tenía el tamaño de una tostadora. En 1986, Kodak inventó el primer sensor de megapíxeles del mundo, tenía una capacidad de grabar 1,4 millones de píxeles que podían producir una impresión de calidad fotográfica de 5x7 pulgadas. El primer prototipo de una cámara digital comercial fue la Mavica (Magnetic Video Camera), realizada por Sony Corporation a principios de los años 80, era una cámara electrónica de video que producía imágenes fijas que eran grabadas en discos flexibles de 3.5 pulgadas.La primera cámara fotográfica digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaban un sensor de CCD, grababa digitalmente las imágenes, y disponía [8-3]

de un cable de conexión para la descarga directa en el ordenador. Fue en 1994, cuando Apple introdujo la primera cámara digital para usuarios de ordenadores, la QuickTake 100 (co desarrollada con Kodak) trabajaba con un ordenador personal mediante el cable serial y tenía un sensor CCD de 640x480 pixeles. Podía producir ocho imágenes almacenadas en su memoria interna, y también contaba con flash integrado. Se comercializó durante tres años antes de dejarse de comercializar en 1997. Fueron construidos tres modelos del producto, incluyendo el 100 y 150, ambos construidos por Kodak, y el 200 construido por Fujifilm. Los modelos 100 y 200 solo son oficialmente compatibles con Apple Macintosh, mientras que el modelo 150 es Compatible con Apple Macintosh y Microsoft Windows. [12-10]

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R E F E R E N C I A S [1] Newhall, B. (2001). Historia de la fotografía. España: Gustavo Gili.

[2] Noriega, J. L. S. (2006). Historia del cine: teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión. Alianza Editorial.

[3] Sougez, M., & Gallardo, H. P. (2003). Diccionario de historia de la fotografía.

[4] Scharf, A. (1994). Arte y fotografía. Alianza Editorial.

[5] Langford, M. J., & Langford, M. (1990). La fotografía pasó a paso. Ediciones AKAL. [6] Roson, M. (APR 3 2015). doi:10.1080/14636204.2015.1069078.

"I

am

not

alone":

Photo

album,

memory,

gender

and

subjectivity

(1900-1980).16(2),

143-177.

[7] Colorado Nates, Ó. (2006). El nacimiento de la fotografía.1, 28-36.

[8] Lemagny, J. C., & Rouillé, A. (1988). Historia de la fotografía. Barcelona, Martínez Roca.

[9] DE, G. Y., & IMAGEN, L. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA. [10] Sougez, M. L., Felguera, M. D. L. S. G., Gallardo, H. P., & de la Rosa, C. V. (2006). Historia general de la fotografía.

[11]

Ribalta, J., & Chevrier, J. F. (2007). La fotografía entre las bellas artes y los medios de comunicación.

[12]

Scharf, A. (1994). Arte y fotografía. Alianza Editorial.

[13] Quirós Linares, F. (2005). Fotografía histórica y geografía histórica. Treballs de la Societat Catalana de Geografia, (33-34), 251-259.

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C APÍT ULO 3

BASES FUNDAMENTALES EN LA FOTOGR AFÍA

La fotografía como medio de expresión artística en las instituciones educativas puede contribuir eficazmente a desarrollar la sensibilidad estética, avivar la imaginación creativa y estimular una apreciación reflexiva de los aspectos visuales que rodean al fotógrafo.

World in the note, Todd Diemer

BASES FUNDAMENTALES

EN LA FOTOGR AFÍA La calidad de una imagen digital depende de muchos factores, algunos de los cuales son puramente subjetivos. Pero hay dos de ellos muy importantes, y que se pueden medir. Son la cantidad de detalle y el nivel de contraste de ese detalle, que determina la definición con que lo percibimos.

Ambos factores están estrechamente relacionados y puede decirse que son las dos caras de una misma moneda. Una imagen con más detalles y más contraste será preferida por cualquier observador a la misma imagen pero reproducida con menos detalles y con menor contraste. Analizaremos también otras variables como la variedad tonal, la amplitud de la escala tonal, la acutancia y el ruido digital. [3] (Downes, M., & Lange, E. 2015)

The time, Dan Carlson

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COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN

Las nociones básicas sobre la composición de una imagen son algo que debe tener en cuenta quien se sitúa tras una cámara fotográfica. La comprensión de ciertos conceptos técnicos como volumen, ritmo y textura, entre otros, permitirán "ver" mejores Fotografías y componer Imágenes con conocimiento de causa. La práctica de estos conceptos contribuirá a que el estudiante desarrolle su capacidad para percibir e interpretar críticamente las Imágenes del entorno, refinando la sensibilidad estética e incrementando la conciencia ambiental, como factores que contribuyen a la calidad de vida. [2] (Pilar Irala, H.

2011).

Olvido, Brian Erickson

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EL CENTRO DE ATENCIÓN Mediante la fotografía, el fotógrafo puede expresar sus emociones, ideas y sentimientos, observando de su entorno. Cuanto más complicado sea lo que estemos observando, más importante será determinar un punto de vista y un ángulo que clarifiquen la imagen e ilustren exactamente lo que se pretende. Cada vez que se hace una fotografía hay que preguntarse qué es lo que se quiere decir y analizar estas intenciones conscientemente en lugar de dejarlas a merced del azar o de la intuición.

Sea creativo. Agáchese y vea al sujeto de una nueva forma, tómese su tiempo para encontrar el mejor ángulo.

Decida si hay elementos irrelevantes, distractores, excluibles o disimulables, desde otra posición.

Probando varios puntos de toma es fácil darse cuenta de que se puede llegar al fondo de la esencia del sujeto. La reflexión crítica sobre lo que se ve es una parte vital del proceso de exploración. [8] (Pilar

Irala, H. 2011).

Time, Reed Angelo

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APERTURA El valor de apertura indica lo abierto o cerrado que está el diafragma del objetivo en el momento de disparar la fotografía. Viene indicado por una cifra que oscilará en diversos pasos entre un valor mínimo (máxima apertura del diafragma) y un valor máximo (que representa la apertura más pequeña), en pocas palabras entre más apertura del diafragma obtendremos un mayor enfoque del fondo, mientras que por el lado contrario a menos apertura el resultado será un enfoque menor de nuestro fondo y un mayor enfoque del objetivo principal.

Hay un factor muy importante controlado por la apertura del diafragma: la profundidad de campo, que es la distancia por delante y por detrás del motivo enfocado que se verá nítida en la imagen final. Si queremos realizar un retrato con el fondo desenfocado debemos abrir mucho el diafragma empleando un valor bajo de apertura, mientras que si lo que queremos inmortalizar es un paisaje lo ideal será emplear un valor elevado (diafragma bastante cerrado) para que así obtengamos nitidez en la mayor parte de los elementos fotografiados. [10]

(Colmenares, K. 2012).

Jump in the light , Dan Carlson

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TIEMPO DE EXPOSICIÓN Lo que este parámetro controla es el tiempo que el objetivo va a permanecer abierto durante la captura de la imagen. Sus valores suelen oscilar entre menos de una milésima de segundo y varios segundos. Como es lógico, valores elevados harán que más luz llegue hasta el sensor de la cámara y por lo tanto más clara sea la fotografía.

El problema de los valores altos de exposición es que ante el más mínimo movimiento de la cámara la fotografía quedará borrosa. Se supone que hasta 1/50 segundos (o si tenemos buen pulso a 1/30) una imagen puede quedar nítida si mantenemos la cámara firmemente sujeta mientras disparamos. A velocidades más lentas se va a hacer necesario el uso de un trípode para asegurarnos de que la cámara no se mueva absolutamente nada. [16] (Alfredo, R. 1983)

Skate in the dark, Artem Verbo

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SENSIBILIDAD ISO La sensibilidad ISO es la capacidad que tiene el sensor tiene para captar la luz de forma similar a cómo hacían los carretes fotográficos de hace años; sólo que en este caso podemos variarla a voluntad.

Cuanto más alto es el valor ISO más facilidad por parte del sensor para captar la luz que le llega a través del objetivo; y claro, podríamos pensar que la táctica a emplear es poner siempre el mayor valor posible. Sin embargo siempre hay algo que sacrificar, y un valor alto va a hacer que aparezca más ruido en la imagen, por lo que siempre debemos buscar un compromiso intermedio entre sensibilidad y ruido.

Un ISO demasiado elevado puede no notarse demasiado si vemos la imagen a pequeño tamaño en la pantalla del ordenador, pero una ampliación en papel puede revelar importantísimos defectos en los colores de la composición. [14] ( Downes, M., & Lange, E. 2015).

Freedom, Brian Erickson

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D I S TA N C I A F O C A L Si no quieres apegarte demasiado con este parámetro (es el más “raro” de todos) puedes considerarlo como el nivel de zoom óptico empleado a la hora de realizar la fotografía. Según el objetivo de la cámara utilizada puede tener consecuencias en la luminosidad que llega hasta el sensor; pero como os digo esto depende de la cámara u objetivos empleados en definitiva, lo que se modifica con la distancia focal es el ángulo de visión del objetivo, por lo que empleando distancias focales pequeñas tendremos una perspectiva de la escena muy amplia mientras que una distancia focal elevada hará que nos centremos sobre una pequeña zona del encuadre.

Lo más curioso del empleo de diferentes distancias focales es la variación de cómo percibimos los objetos en primer plano y de fondo. [9] (Alfredo, R. 1983)

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ELEMENTOS FORMALES

Las buenas fotografías no son suceso del azar.

Deben incluir elementos básicos para llamar la atención y crear admiración. Los elementos formales son el núcleo detrás de varios principios que crean el objetivo general para la fotografía. Los elementos también son usados por los críticos de arte para analizar el significado detrás de la fotografía. Hay siete elementos que los fotógrafos usan en la fotografía. Los elementos más básicos en una fotografía son las líneas y figuras. Las líneas estructuran una fotografía, llevando al ojo de un lado de la fotografía al otro.

Las líneas también pueden crear figuras más complejas en una fotografía o agregar profundidad. Los postes, los caminos y las vías de tren son ejemplos de líneas en las fotografías. Las figuras se crean a partir de líneas y pueden ser formas naturales como una roca o figuras geométricas como un triángulo.

Pueden agregar una cualidad bidimensional o incluso tridimensional a una fotografía. [3] (Downes, M., & Lange, E. 2015).

All , Ismael Nieto

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EL PUNTO

Es la unidad mínima de comunicación visual, la más simple, de forma redonda y la más abundante en la naturaleza. Es el elemento gráfico fundamental. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención. Cualquier punto tiene enorme fuerza de atracción para el ojo. Las ilustraciones de revistas y de periódicos están formadas por puntos, pues si se ve de muy cerca se alcanzan a distinguir los puntos.

[5] (Alfredo, R. 1983)

New, Roksolana Zasiadko

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LA LÍNEA Cuando los puntos están muy próximos entre sí y no se pueden reconocer de forma individual crea una sensación de direccionalidad, forman un elemento llamado línea; del punto nace toda línea, es contorno o delimitación.. Tiene una gran energía, ya que no es estática, puede ser inflexible y recta o puede ser curva, zigzagueante entre otras posibilidades de cambiar de forma. La dirección los contornos básicos expresan a su vez tres direcciones básicas: Horizontal y vertical, diagonal, curva. [2] (Alfredo, R. 1983)

way to end, Michael Durana

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EL TONO LA LUZ MOLDEA LOS OBJETOS Su intensidad y variaciones determinan el tono y sus diferencias marcan líneas de separación entre los mismos. Vemos la presencia de la luz y a que esta no es uniforme. Si esta no se repartiera creando varios tonos veríamos lo mismo en la total oscuridad. Las tonalidades entre el blanco y el negro se expresan mediante tonos de gris. La escala tonal del sistema de zonas es de 9 tonos de gris, aunque existen otras escalas, incluso entre 13 y 30 tonos de gris. El tono crea volúmenes. [6] (Alfredo, R. 1983)

In the dark, Tim Gouw

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EL COLOR El mundo real está lleno de color y este tiene una relación con las emociones. El color está cargado de información y es una experiencia visual muy percibida. El color es una de las principales características de todo lo que vemos y se presenta como una forma de identificación y diferenciación. Toda estructura toda forma que vemos conlleva un colorido, convirtiéndose en una forma de identificarla. De los colores primarios surgen más de 100 combinaciones perceptibles. La presencia o ausencia de color no afecta al tono, que es constante.

[6] (Alfredo, R. 1983)

Geometric, Erzol Ahmed

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BIDIMENSIONALIDAD Las dimensiones son formas de medición, sea de la longitud de una línea, del área que cubre una superficie o del volumen del cuerpo. Estas son las formas en que se representan las dimensiones del espacio, mediante su longitud, su anchura y su profundidad.

En la bidimensionalidad solo se muestran dos dimensiones, es decir no tienen profundidad, son dibujos de tipo plano. [7] (Colmenares, K. 2012).

Alone, Verne Ho

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TRIDIMENSIONALIDAD La tridimensionalidad hace que una imagen tenga un efecto de profundidad, aunque la imagen sea plana la hace ver de manera tridimensional. Mediante la tridimensionalidad un dibujo se puede ver con mรกs realidad. Se puede llegar a ver por medio del punto de fuga, por medio del tono o poniendo sombras a la imagen. [11] (De Pรกdua Bosi, A. 2015).

Fly, Gui Vicente

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COMPOSICIÓN DE FORMAS El interés de una composición es lograr la unidad, todas y cada una de las páginas necesitan tener una razón y un propósito para estar ahí. Se deben evitar poner elementos inútiles que distraen la atención.

Componer es el arte de ordenar los conjuntos de formas, de manera que ocupen en el espacio el lugar que le corresponde. La pintura es el arte de combinar efectos, es decir, de establecer relaciones entre colores, contornos y planos.

A lo largo de la historia los artistas han compuesto sus imágenes de diferentes maneras, al captarlas nos damos cuenta de sus ideales. Después de ordena, componer los elementos, se llega a la representación de formas simples o compuestas. [14] (Sánchez-Vigil,

J)

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PROFUNDIDAD Podemos definir la profundidad de campo como la zona enfocada de nuestra imagen que empieza por delante del punto dónde hemos enfocado y continúa por detrás de él. Si la zona es grande, diremos que tenemos mucha profundidad de campo, si la zona es pequeña, diremos que tenemos poca profundidad de campo y tendremos el fondo desenfocado. La poca profundidad de campo se puede usar como técnica para discriminar el fondo y centrar la atención del espectador en un punto. [16] (Alfredo, R. 1983)

Stop, Oliver Mieche

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R E F E R E N C I A S [1] Downes, M., & Lange, E. (OCT 2015). Landscape and urban planning. [PAISAJE Y URBANISMO] [2] James, E. (JUL 2012). What photography is. [Lo que la fotografía es] Http://apps.Webofknowledge.com/full_record.do?product=WOS&search_mode=GeneralSearch&qid=7&SID=1Chqu4HAVwjsJWnvcaQ&page=1&doc=3, 5, 247-250. doi:10.2752/175145212X13330132507266 [3] Buchloh, B. (SPR 2014). Allan sekula, or what is photography?. [Allan Sekula, o lo que es la fotografía?] Http://apps.Webofknowledge.com/full_record.do?product=WOS&search_mode=GeneralSearch&qid=7&SID=1Chqu4HAVwjsJWnvcaQ&page=1&doc=5, 55, 117-130. doi:10.1162/GREY_a_00144 [4] Carlucci, V., & Verbanaz, R. (2015). 3d in corsini art and autostereoscopic photography. Http://apps.Webofknowledge.com/full_record.do?product=WOS&search_mode=GeneralSearch&qid=13&SID=1Chqu4HAVwjsJWnvcaQ&page=1&doc=7, 6, 36-39.

[5] Spunta, M. (MAR 2011). Fossati's and messori's viaggio in un paesaggio terrestre: An imaginative journey through writing, photography, landscape, and painting.

Http://apps.Webofknowledge.com/full_record.do?product=WOS&search_mode=GeneralSearch&qid=13&SID=1Chqu4HAVwjsJWnvcaQ&page=2&doc=13, 66, 93-111. doi:10.1179/007516311X12918079775749 [6] Li, S., Kang, X., Fang, L., Hu, J., & Yin, H. (2017). Pixel-level image fusion: A survey of the state of the art. Information Fusion, 33, 100-112. doi:10.1016/j.inffus.2016.05.004 [7] Da Conceição Pereira, A. (2016). Contrasting (power of) visual and textual discourses in art studies: A critical perspective. Visual Communication, 15(1), 33-53. doi:10.1177/1470357215608550 [8] Trevizan, Z., Dos Santos Lopes, E., & De Souza, R. J. (2015). The photographic discourse in the textbook: Representation and misleading practice of reading. [O discurso fotográfico no livro didático: Representações e práticas inadequadas de leitura] Discursos Fotograficos, 11(19), 247-272. doi:10.5433/1984-7939.2015v11n19p247 [9] De Pádua Bosi, A. (2015). History and photographic narrative: The case of dorothea lange's migrant mother. [História e narrativa fotográfica: O caso de "migrant mother", de dorothea lange] Historia Da Historiografia, (19), 159-173. doi:10.15848/hh.v0i19.869 [10] Sánchez-Vigil, J. -., Marcos-Recio, J. -., & Olivera-Zaldua, M. (2009). Influencia de la fotografía digital en los departamentos de documentación de prensa. Profesional De La Informacion, 18(3), 278-283. doi:10.3145/epi.2009.may.04 [11] Joan Costa , S. S. (1977). El lenguaje fotográfico. In Madrid : Ibérico Europea de Ediciones, D.L. 1977 (Ed.), () [12] Pilar Irala, H. (2011). Lenguaje fotográfico y retórica. Https://dialnet.Unirioja.es/servlet/articulo?codigo=3686237, 15 [13] Alfredo, R. (1983). Fotografía. Https://dialnet.Unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4311738, 11, 63-66.

[14] Colmenares, K. (2012). Fotografía experimental: Líneas y textura.

[15] Tirelli, M. (2012). Fotografía experimental:fotografía digital.

[16] Colmenares, K. (2012). Fotografía experimental.

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C APÍT ULO 4

N ORMAS EST É TI C AS O DE COMPOSIC IÓ N

No existe una regla universal que configure una foto mítica, pero sí aquellas que nos pueden orientar el camino que debemos seguir funciones.Se trata de utilizar diferentes elementos para rellenar el cuadro y focalizar el interés en aquellos puntos que deseamos. Veamos algunas de esas normas.

V ladimir Chuchadeev, Russia

PICADO Es cuando realizamos una toma desde una posición más alta que el elemento o objeto fotografiado, desde arriba hacia abajo. La perspectiva que se produce es que el sujeto se vea disminuido en tamaño. Éste ángulo se usa como recurso compositivo para restar importancia y transmitir una sensación de debilidad o humillación. En caso de paisajes permite dar una sensación de profundidad, es muy usado en fotografías de niños y fotografía documental para mostrar la vulnerabilidad del sujeto. [1] (Hedgecoe, J. 1976)

Liége, Belgium-Sébastien H.

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CONTRAPICADO Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando éste más alto que la cámara. La perspectiva que se genera es que el objeto se vea engrandecido visualmente, lo cual transmite una sensación de mayor importancia y una posición dominante en relación al espectador. Éste ángulo se emplea básicamente para fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla fija, y también se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes. [4] (Paul, J. 1981).

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C E N I TA L Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad. [9] (Fernández Jacob.2003).

Denys Nevozhai- San Fransisco, United States

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CUR VAS EN “S” Se trata de incluir en el encuadre un elemento que tenga esa forma. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, etc. Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Pero hay que destacar que estos elementos no tienen por qué ser necesariamente objetos. Puede ser también una sombra, una línea que separa dos zonas con diferente iluminación, etc. Las curvas también son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada. [10] (Jonas, P. (1977).

Alex Siale- Nueva Zelanda

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H O R I ZO N TA L La disposición horizontal de nuestros propios ojos hacen agradables a nuestra vista las imágenes apaisadas o con un formato horizontal, los ojos exploran de lado a lado más fácilmente. Éstas líneas sugieren quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo. Nuestros ojos las interpretan como base y dan impresión de estabilidad y peso. La impresión de tranquilidad y calma resta dinamismo y potencia la sensación estática de la imagen. [5] (Tang, H.2015).

Jonathan Bean- Reino Unido

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VERTICAL Los formatos verticales no son tan agradables para el ojo humano como los horizontales, sin embargo son los que mejor se adaptan a libros y revistas y por tanto muy utilizadas. Una composición donde las verticales tengan cierto protagonismo aportará una mayor sensación de velocidad que otra imagen dominada por horizontales. En función del motivo que las produzca pueden interpretarse como barreras o transmitir sensaciones de fuerza. La combinación con horizontales que sirvan de base a las verticales conforman imágenes apacibles y estables. Éstas líneas sugieren fuerza, firmeza y es el más apropiado normalmente para retratos. [2] (Riaz, S.2015).

Salvatore Ventura- Estados Unidos

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DIAGONAL O INCLINADO Son las que aportan una mayor dosis de inestabilidad y por tanto de movimiento y dinamismo a una fotografía. El ojo humano percibe las diagonales como una posición antinatural, temporal y transitoria. De tal forma que nuestro cerebro imagina que dichas diagonales evolucionarán hacia verticales u horizontales. Éstas líneas transmite dinamismo y fuerza suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía. [1] (Joan , F. V. 2003).

Marco Krenn- Praga, República Checa

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REGLA DE TERCIOS La “regla” más básica de la composición en fotografía. Hay estudios que se remontan a la época de la antigua Grecia (año 500 a.c.) en los que ya se habla de las proporciones que dan más armonía a una escultura, una obra pictórica o incluso un edificio. A lo largo del tiempo todos los artistas han buscado una forma de división de las cosas perfectas pero no había nada que indicase en qué proporción debían estar las cosas (seres vivos, objetos…). Ahora sabemos que existe una fórmula muy conocida en el mundo del diseño, que permite dividir el espacio en partes iguales, para lograr un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy eficaz. Esta teoría se denomina “La regla Áurea”, también conocida como “divina proporción” o “numero áureo”. [11] (Zhou, Z. 2015).

Olea Foma

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A este número se le llama número de oro, se representa por el símbolo Ø y su valor es 1,61803…, lo obtuvieron los griegos al hallar la relación entre la diagonal de un pentágono y el lado. El nombre de “número de oro” se debe a Leonardo da Vinci.

La aplicación de la sección áurea en la fotografía viene a decir que si aproximamos los objetos más importantes a la sección áurea de los lados obtendremos una imagen más llamativa y equilibrada. La regla de los tercios es la forma sencilla de aplicar la sección áurea a la fotografía. Para aplicar la regla de los tercios dividimos hipotéticamente el espacio de una foto en tercios tanto vertical como horizontalmente y haremos que las líneas y los elementos más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios. Así, los horizontes y los elementos más importantes de una foto los colocaremos en los tercios. [1] (Fernández Jacob. 2015).

Jamison McAndie- Estados Unidos

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LEY DEL HORIZONTE Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, tres líneas horizontales de la misma anchura, tanto si se está trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de los casos, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.

Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando está presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados. [7] (Paul, J. 1981).

Jake Barford- Grecia

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REGLA DE LA MIRADA Se aplica en fotografías en las que el motivo principal es una persona, animal o cosa. La ley de la mirada fija la posición en la que debe encontrarse el objeto en función de la dirección en la que mira.

Dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes. [6] (Jonas, P. 1977).

Alex Blăjan-Skiathos, Grecia

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R E F E R E N C I A S [1] Joan , F. V. (2003). In Editorial Gustavo Gili (Ed.), Estética fotográfica. España.

[2] Riaz, S., Park, U., & Lee, S. -. (2015). A photograph reconstruction by object retargeting for better composition. Multimedia Tools and Applications, doi:10.1007/s11042-015-3037-z .

[3] Zhou, Z., He, S., Li, J., & Wang, J. Z. (2015). Modeling perspective effects in photographic composition. MM 2015 - Proceedings of the 2015 ACM Multimedia Conference, 301-310. doi:10.1145/2733373.2806248.

[4] Jiang, C., Dong, Z., & Zhang, Z. (2015). Measurement of the movement parameters of saltating sand over a flat sand bed using a high-speed digital camera. Environmental Earth Sciences, 74(6), 4865-4874. doi:10.1007/s12665-015-4490-8.

[5] Tang, H., Zhang, X., Zhuo, S., Chen, F., Kutulakos, K. N., & Shen, L. (2015). High resolution photography with an RGB-infrared camera. 2015 IEEE International Conference on Computational Photography, ICCP 2015 - Proceedings, doi:10.1109/ICCPHOT.2015.7168367 [6] Li, S., Kang, X., Fang, L., Hu, J., & Yin, H. (2017). Pixel-level image fusion: A survey of the state of the art. Information Fusion, 33, 100-112. doi:10.1016/j.inffus.2016.05.004.

[7] Krauss, R. (1996). Los fundamentos fotográficos del surrealismo. Krauss, R.E.La Originalidad De La Vanguardia y Otros mi/os Modernos.Madrid, Alianza, , 101-132.

[8] Hedgecoe, J. (1976). El Libro De La Fotografía Creativa: Fundamentos De Creatividd y Técnica Fotográfica.

[9] Jonas, P. (1977). Simplifica la composición fotográfica: Una visión actual Ediciones Daimon.

[10] Paul, J. (1981). La composición fotográfica. Ediciones Diamon.Madrid.

[11] Fernández Jacob, M. C. (2013). The photographic look of edgar degas. [La mirada fotográfica de Edgar Degas] Archivos De La Sociedad Espanola De Oftalmologia, 88(11), e80-e82. doi:10.1016/j.oftal.2012.12.007

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C AP ÍT ULO 5

1 0 CO N SE JOS TÉCNI COS

Para empezar tu carrera en la fotografía por el camino correcto, es necesario recopilar información. La recopilación de información te proporcionará orientación sobre los pasos correctos que necesitas tomar.

Chantel Lucas

2 Algunas cámaras permiten capturar una “plantilla de polvo”, que puede usarse con el software de acuerdo para eliminar las marcas de polvo de un conjunto de imágenes.

1 Siga el procedimiento descrito en el texto y examine una imagen lisa a un aumento del 100% de izquierda a derecha y de arriba abajo.

01 Co n t r o l a r e l Po l vo

1

2

Fotografía Propia

* Trucos para notar el polvo Poca Abertura Al momento de cerrar el diafragma de abertura del objetivo se amplía la profundidad de campo con lo que las partículas de polvo se ven más enfocadas.

Objetivo Gran Angular La menor distancia focal de un objetivo gran angular ofrece una mayor profundidad de campo, lo que ayuda a que el polvo quede más enfocado.

Tonos medios sin detalles Las escenas con pocos detalles, como un cielo prototípico, hacen que las sombras de polvo se vean más.

Al contrario de lo que sucede en el tipo de zonas de la imagen con una baja frecuencia, las zonas con una frecuencia alta y una alta cantidad de detalles encubren las manchas de polvo hasta el punto de que no necesitan eliminarse.

Es casi imposible evitar que se introduzca polvo al momento de cambiar de objetivo o lente, a no ser que se lo cambie en un lugar esterilizado como es un estudio; así pues, cualquier práctica fotográfica en exteriores es propensa al polvo.

Recientemente han empezado a surgir ingeniosas soluciones para limpiar el polvo en el sensor pero la forma más sencilla de hacerlo es ampliar la imagen al 100%.

Empiece por el extremo superior izquierdo de la imagen y desplácese hacia la derecha; descienda y vuelva a desplazarse hacia la izquierda, y así sucesivamente hasta que haya examinado la imagen completa. Cualquier sombra de polvo debería ser visible en forma de mancha oscura. El siguiente paso es limpiar el sensor o disponerse a eliminar las sombras durante el pos procesado. Algunas cámaras usan un procedimiento similar para crear una “plantilla de polvo”, utilizada para eliminar automáticamente el polvo. [1] (Freeman, M. 2008)

Áreas desenfocadas Las áreas borrosas o desenfocadas de una imagen crean otro tipo de zona de baja frecuencia sobre la que las sombras de polvo tienden a destacar. Sin embargo, estas zonas son más comunes con distancias focales largas y poca profundidad de campo, lo que tiende a compensar hasta cierto punto.

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02 Lim p i ez a d e l s e ns or

1-2 Siga las instrucciones del menú para bloquear el espejo.

Para hacerlo es necesario que la batería esté bien cargada (algunos modelos tienen que estar enchufados a la corriente eléctrica).

1 El usuario no debería limpiar su sensor, sobre todo porque manos inexpertas rayaran la superficie del filtro de paso bajo. Se trataba de una recomendación pertinente en los tiempos en los que los fabricantes de cámaras realizaban gratuitamente la limpieza de los sensores. Hoy en día, en cambio, los costes de limpieza son bastante elevados; además, existen en el kits de limpieza que hacen que limpiar usted mismo el sensor sea más o menos conveniente.

Si limpia el sensor con cuidado y seguridad, además de la limpieza regular del mismo podrá eliminar al instante cualquier invasión esporádica de polvo. Hay que tener en cuenta que los fabricantes siguen desaconsejando la limpieza por parte del usuario, pero en realidad lo hacen para protegerse a sí mismos.

El punto crucial que diferencia una buena limpieza de una mala es el hecho de tocar o no la superficie

2

Fotografía Propia

del sensor. El procedimiento más simple consiste en usar una pera de aire (soplador): al apretarlo, de la punta sale un chorro de aire. Siempre que evite tocar la superficie del sensor con la punta de la pera de aire, este tipo de limpieza difícilmente puede resultar dañino para la cámara. Sin embargo, el uso de estas peras de aire puede hacer que el polvo, en lugar de desaparecer, se desplace. Esto es, puede ser que se retire el polvo del sensor en cualquier momento. Lea detenidamente las instrucciones del fabricante de la cámara a la hora de exponer el sensor, lo que implica bloquear el espejo y abrir el obturador quitando el objetivo. Deberá buscar un lugar seco y sin movimientos de aire y adoptar una posición cómoda (por ejemplo, en un escritorio), de forma que, cuando póngala cámara boca arriba retire el objetivo y el sensor quede expuesto y tenga fácil acceso al mismo. Es importantísimo usar una luz muy focalizada

(el uso de luz LED es adecuado), aunque también es todavía mejor si la luz puede quedar fija de manera que no tenga que sujetarla. Una vez disponga de una buena visión del sensor, mueva la luz o la cámara de un lado a otro. [1] (Freeman, M. 2008)

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* Requisitos de limpieza • Un espacio limpio y sin polvo.

• Una fuente de luz muy focalizada, como una linterna LED o un foco de escritorio.

• Una buena visión a escasa distancia, lo que puede implicar el uso de gafas o de una lupa de aumento.

3 3

• Cualquier otro accesorio recomendado por el fabricante, como por ejemplo una fuente de energía externa para la cámara.

• Básico: una pera de aire.

• Avanzado: un kit para limpiar el polvo, generalmente compuesto por un aspirador y toallitas húmedas.

44 Use la pera de aire con firmeza y vigile bien hacia dónde se desplaza el polvo. Nunca se debe soplar con la boca, ya que cualquier gota de saliva que cayera sobre el sensor requeriría una limpieza exhaustiva. Si se dispone a limpiar el sensor porque acaba de hacer un control de polvo, busque las manchas de polvo que haya identificado en el control. Como se sabe, el objetivo invierte la imagen de izquierda a derecha y de arriba abajo; por tanto, al mirar directamente al interior de la cámara, el patrón se habrá invertido en ambas direcciones.

Dicho de otra forma, una mancha de polvo que durante el control haya visualizado en el extremo inferior derecho del sensor.

Hay un método mucho mejor y menos invasivo, que consiste en usar un pequeño aspirador. Algunos kits de limpieza incluyen uno que funciona con un bote de aire comprimido. Tendrá que ser más cuidadoso que con la pera de aire, ya que la succión no es muy potente y tendrá que situar el extremo del aspirador muy cerca del sensor. Cualquier mancha de polvo que no haya salido con ninguno de estos dos métodos tendrá que ser retirada físicamente, algo que sólo se debe hacer como último recurso. Evite el uso de pequeños pinceles, ya que, a no ser que estén absolutamente esterilizados, mancharán el sensor.

Use un kit de limpieza de sensores y siga las instrucciones al pie de la letra. [1] (Freeman, M. 2008)

3 Es recomendable llevar una pera d aire y una linterna (preferiblemente una pequeña linterna LED de luz blanca) en la bolsa de la cámara, ya que sólo con una pera de aire difícilmente eliminará las partículas de polvo (posiblemente sólo las desplazará).

4 Un pequeño aspirador de aire comprimido es bastante más eficaz para eliminar las partículas de polvo, ya que no las empuja, si no que las absorbe.

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03 Co m p ro b ar la ni ti d é z

New York, United States, Jacob Copus

Algo tan básico como enfocar con nitidez el sujeto de una escena a menudo se pasa por alto en el examen de otras características de la imagen, como el equilibrio del blanco o el preservar las altas luces.

No obstante, se trata de la característica más importante. Otros errores se pueden corregir durante el pos procesado, pero la más mínima falta de nitidez de enfoque puede estropear completamente una imagen. Si lo que quiere es un efecto impresionista y experimental, entonces no hay problema, pero, por lo general, enfocar bien el área clave de una imagen es una necesidad básica.

Antes dije “destreza básica”, pero hoy en día pocos fotógrafos usan el enfoque manual y menos todavía los objetivos manuales, lo que implica que el enfoque se encuadra por lo general en el marco de la automatización. No obstante, el enfoque automático no impide que se produzcan errores. Al realizarlo

1 en una escena, el error más común es que la cámara enfoca la parte equivocada de la imagen, como por ejemplo el fondo en un retrato. Las cámaras avanzadas usan varios métodos para identificar y enfocar bien el sujeto clave de la escena, como, por ejemplo, el reconocimiento de escenas. Sin embargo, ninguno de ellos es infalible. Un error más sutil es el enfoque, por ejemplo, de la nariz en lugar de los ojos en un retrato a corta distancia con escasa profundidad de campo. Cuanto mayor es la abertura, como sucede en la fotografía con poca luz, mayor es el problema. [1] El segundo caso más probable de fallo en la nitidez es la imagen borrosa a causa del movimiento, ya sea a causa de una velocidad de obturación lenta o que se haya desplazado el sujeto. La cuestión más importante.

1-3 Aumente el tamaño de la imagen al máximo para comprobar el detalle a partir de bordes contrastados. [1] (Freeman, M. 2008)

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Algo tan básico como enfocar con nitidez el sujeto de una escena a menudo se pasa por alto en el examen de otras características de la imagen, como el equilibrio del blanco o el preservar las altas luces.

No obstante, se trata de la característica más importante. Otros errores se pueden corregir durante el pos procesado, pero la más mínima falta de nitidez de enfoque puede estropear completamente una imagen. Si lo que quiere es un efecto impresionista y experimental, entonces no hay problema, pero, por lo general, enfocar bien el área clave de una imagen es una necesidad básica.

Antes dije “destreza básica”, pero hoy en día pocos fotógrafos usan el enfoque manual y menos todavía los objetivos manuales, lo que implica que el enfoque se encuadra por lo general en el marco de la automatización. No obstante, el enfoque automático no impide que se produzcan errores. Al realizarlo en una escena, el error más común es que la cámara

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enfoca la parte equivocada de la imagen, como por ejemplo el fondo en un retrato. Las cámaras avanzadas usan varios métodos para identificar y enfocar bien el sujeto clave de la escena, como, por ejemplo, el reconocimiento de escenas. Sin embargo, ninguno de ellos es infalible. Un error más sutil es el enfoque, por ejemplo, de la nariz en lugar de los ojos en un retrato a corta distancia con escasa profundidad de campo. Cuanto mayor es la abertura, como sucede en la fotografía con poca luz, mayor es el problema. [1] (Freeman, M. 2008) El segundo caso más probable de fallo en la nitidez es la imagen borrosa a causa del movimiento, ya sea a causa de una velocidad de obturación lenta o que se haya desplazado el sujeto. La cuestión más importante. Es comprobar la imagen lo antes posible después de la toma. A disparar y hacerlo correctamente.

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04 Corregir un mal enfoque

PUCE SD, Isabel Ulloa

1-3 Un error de enfoque causado por una gran abertura del objetivo, que desembocó en poca profundidad de campo e hizo que el punto de enfoque fuera la pared situada detrás del sujeto fotografiado. El enfoque se corrigió con FocusMagic, un plug-in de Photoshop, en una capa duplicada. La capa de la fotografía original se borró selectivamente después alrededor del ojo, por lo que la reparación de la deconvolución (algo que tiende a ser bastante agresivo) no afectó a la boca bien enfocada.

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¿Qué ocurre si no ha realizado las comprobaciones de nitidez descritas en las páginas anteriores y al final se encuentra con una fotografía desenfocada? Sí, existe un programa informático para corregirlo, pero hasta cierto punto. La herramienta de definición Unsharp Mask o USM (máscara de enfoque) no sirve de gran ayuda, ya que no soluciona el problema de raíz, sino que trata de solventarlo aumentando el contraste en unos pocos píxeles.

Puede que advierta cierta mejoría aplicando el filtro USM en partes concretas de la imagen, pero esta mejora de la definición es demasiado evidente y poco deseable aunque se aplique muy sutilmente. Lo que va a necesitar es un software capaz de calcular la cantidad exacta de desenfoque y después tratar de eliminarlo.

El procedimiento se conoce con el nombre de deconvolución, que consiste en encontrar la cantidad y la forma de desenfoque original y en reconstruir la imagen invirtiendo el desenfoque. Se trata de un proceso intensivo y complejo, aunque este tipo de software se tiene especialmente en cuenta en las investigaciones y hay muy pocos programas disponibles sobre la materia en el mercado. [1] (Freeman, M. 2008)

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M e j o re s u e s tabi li dad

Tanto si la prueba anterior le pareció útil como si la con siderara alentadora, siempre se puede mejorar. Sujetar la cámara con estabilidad es como el tiro deportivo el tiro con arco. De hecho, algunas de las técnicas usadas por los especialistas en estos deportes para mejorar su puntería se usan también en fotografía. A continuación, se describen diferentes formas de sujetar la cámara y distintas técnicas para disparar el obturador.

Sujeción

Existen distintas formas de sujetar la cámara. Las cá maras SLR modernas poseen décadas de experiencia en este campo. La forma en que sujetamos la cámara oscila en función de dos necesidades básicas: la esta bilidad y el fácil acceso a los mandos.

Postura

La cámara se apoya en nuestro cuerpo. Si estamos de pie, conseguiremos mejor equilibrio con los pies un poco separados, uno ligeramente delante del otro y los tobillos levemente inclinados hacia fuera. Además, es importante mantener la cámara sobre nuestro centro de gravedad, repartir el peso equitativamente en ambas piernas e inclinarse muy ligeramente hacia delante.

Apoyo

Localización del objetivo

Adrenalina

Sopor tes adecuados

Sírvase de cualquier soporte que encuentre a su alre dedor, siempre que le sea cómodo y le proporcione un buen punto de vista. Por ejemplo, puede apoyarse en una pared, ejerciendo presión sobre ella con la mano, el antebrazo y la cabeza y empujando también hacia ella con la pierna que queda más alejada de la misma.

Durante una toma fotográfica emocionante, segregaremos adrenalina de forma natural. Esta sustancia tiende a incrementar los movimientos involuntarios y suele afec tar a nuestra estabilidad. Resulta especialmente difícil combatir estos efectos; lo único que podemos hacer es calmarnos y seguir la siguiente indicación.

Se trata de una técnica profesional. Se emplea la inercia (que equivale a <<masa x velocidad>>) para combatir los movimientos involuntarios más sutiles; es especial mente útil si se trabaja con teleobjetivos. Descienda lenta mente hasta encontrar el encuadre que quiere y dispare el obturador sin detenerse. Para hacer esto se necesita una buena velocidad de obturación. Simplemente aprie te, no sacuda.

Deje reposar la cámara o presiónela contra cualquier superficie estable que haya cerca. Se trata de valorar si al hacerlo obtiene o no un mejor encuadre.

Estabilización de imagen

Hay varios objetivos profesionales que incorporan esta función. El principio básico es unir los micromotores, al rededor de uno o más elementos del objetivo, a un sis Respiración Una respiración lenta, profunda y regular contribuye a tema de circuitos que responde instantáneamente a los estabilizar el sistema nervioso. Contener la respiración movimientos que hacen que se produzca trepidación.

Los micromotores reaccionan haciendo que el elemen puede funcionar, aunque sólo durante unos pocos se to del objetivo se mueva en la dirección contraria. Los gundos; además, después pagará las consecuencias, estabilizadores no son económicos, pero se ganan dos ya que tendrá que respirar con mayor rapidez. o tres puntos de velocidad.[1] Previsión (Freeman, M. 2008) El momento más estable para disparar es, posiblemen te, justo antes de finalizar una espiración profunda

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Como sujetarla cámara 3

1 No lo considere algo personal. Todos sabemos cómo sujetar una cámara; sin embargo, no existe una forma estándar de hacerlo, por lo que cada uno tiene su propio método y sus pequeñas peculiaridades o variaciones de un mismo principio común (o de sentido común). Los diferentes ejemplos que se ilustran en las fotografías abarcan distintos tipos de objetivos y el cambio de horizontal a vertical. Cuantos menos comandos tenga que controlar manualmente, como el enfoque o el zoom, más podrá dedicarse a sujetar la cámara con estabilidad.

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2 Básico 1-2 Los codos apoyados sobre el pecho y la cámara firmemente sujeta en la frente. Agarre la cámara con firmeza con la mano derecha, con todos los dedos apoyados sobre ella menos el índice, que permanecerá flexible. La base de la mano izquierda soportará a la mayor parte del peso y se situará en el centro de la parte inferior dela cámara, con la muñeca en posición vertical.

Con el autofoco activado, solo se tiene que ajustar el zoom. El dedo índice de la mano izquierda sirve de soporte para la parte frontal del objetivo; el dedo meñique presiona los dedos de la mano derecha para un mayor soporte.

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Tensión de la correa 3-4 Variante un poco más estable del agarre básico. Con la muñeca derecha, tire de la correa de la cámara hacia afuera y hacia abajo para tensarla. Esta variante solo se puede poner en práctica con la correa corta.

Enrollado de la correa 5-7 Otra variante. Es especialmente útil para velocidades de obturación lentas, pero después resulta complicado desenredar la correa de la mano.

Enrolle la parte destensada de la correa rotando la mano como se muestra en la fotografía hasta que ésta quede bien sujeta a la cámara. [1] (Freeman, M.

2008)

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3 2 Agarre vertical con disparador secundario 1-2 Algunas cámaras SLR disponen de un segundo disparador en una esquina para tomar fotografías con la cámara en posición vertical. No es sólo una cuestión de comodidad, sino que también permite un mejor agarre de la cámara, con los codos sobre el vientre y los antebrazos en posición vertical. La mano derecha, a excepción del dedo índice, agarra el lado derecho de la cámara (la base) y abarca la máxima superficie posible. La base de la mano izquierda se encarga de sujetar la cámara por el extremo inferior, mientras que los dedos índice y meñique de dicha mano se usarán para aumentar la estabilidad de la cámara; los dedos pulgares, corazón y anular se destinará al ajuste del zoom.

5 Agarre vertical con disparador estándar (mano derecha arriba) 3 Si su cámara no dispone de disparador secundario, tiene dos opciones. Ésta es la primera: el disparador en la superior, lo que requiere colocar la mano derecha arriba. Es imposible evitar que el codo derecho quede levantado, lo que afecta negativamente a la estabilidad, ya que la tarea de sujetar la cámara queda relegada mayoritariamente a la mano izquierda, con todo el peso sobre la base de dicha mano. El ojo izquierdo queda al descubierto y, como es normal, permanece abierto.

Enfoque manual 4-5 Hoy en día, los objetivos sin enfoque automático son más bien una rareza, pero todavía se pueden encontrar. Aun así, es bastante probable que quiera el enfoque manualmente. El ajuste manual del enfoque implica que el pulgar y uno o dos dedos más tienen que permanecer libres para ajustar el anillo de enfoque. De este modo, todo el peso de la cámara recae sobre la base de la mano izquierda, algo que se contrarresta en parte agarrando con firmeza la cámara con la mano derecha. [1] (Freeman, M. 2008)

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07 Co m o p u ls a re l di s pa rado r 1 Movimiento lento y suave en dos fases. La primera (la presión parcial del disparador) activa las funciones. La siguiente, después de una pausa, si es necesario, activa el obturador.

1 Aunque hay pocas cosas que decir a este respecto, ya que es el acto más básico de toda la fotografía, todas ellas son importantes. Por muy obvio y patético que pueda parecer este consejo, no hay que disparar bruscamente, sino que hay que apretarlo suavemente pero con decisión. El motivo por el cual hago esta aclaración es que mucha gente, que por cualquier motivo no se siente cómoda con su cámara, tiende a no hacerlo. Probablemente se trata de un reflejo de subconsciente, una reacción del tipo <<bien, la imagen está bien encuadrada y bien enfocada, ia por ella!>>, lo que desemboca en pulsar el disparador como si se estuviera dando un portazo. Lo mismo que ocurre cuando se dispara un arma y se aprieta el gatillo si no se hace con cuidado. Siempre que sujete la cámara de la forma descrita en las páginas anteriores, y mantenga libres como mínimo los dos nudillos del dedo índice, no hay ningún motivo físico para sacudir la cámara. Tampoco se tarda mucho en acostumbrarse a la resistencia y sensibilidad del disparador de su

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2 Usar el temporizador de la cámara permite la activación interna del disparador.

3 Con un cable disparador se consigue evitar el contacto con la cámara.

cámara (varía de una cámara a otra). Dado que ciertas funciones de la cámara se activan pulsando muy suavemente el disparador (sin llegar a disparar), como, por ejemplo, el enfoque automático, resulta recomendable practicar con las dos posiciones del botón disparador: primero apretar muy suavemente para activar las funciones y después seguir apretando para tomar la fotografía. A velocidades de obturador reducidas existen una o dos técnicas con las que podrá estabilizar la cámara casi como si estuviera sobre un trípode. Siempre que pueda apoyar la cámara sobre algo estable puede considerar la posibilidad de activar el temporizador (si no quiere fotografiar el sujeto en un momento precioso). También puede usar un cable disparador, que le permitirá apretar el disparador sin tener que tocar la cámara. [1]

(Freeman, M. 2008)

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L l eva r u n tr í pode Obviamente, no se trata de una recomendación de carácter general, pero es algo que debe tenerse en cuenta si se va a enfrentar, con probabilidad, a condiciones de luz que requerirán velocidades de obturación lenta. Sin embargo, llevar consigo un trípode puede entorpecer el proceso, resultar incómodamente voluminoso y, sin duda, no le ayudará a pasar desapercibido como fotógrafo. Hay que decir a su favor que un trípode le permite realizar exposiciones todo lo largas que quiera y mantener la cámara fija en un encuadre en el que quiera cambiar los ajustes de la cámara.

Cada uno tiene sus preferencias en lo que al estilo del trípode se refiere, pero, sin duda, los materiales ligeros y robustos, como la fibra del carbón, que son los más caros, hacen que cargar con un trípode sea menos incómodo. También necesitará una correa o una funda ligera y un cabezal de trípode que mantenga la cámara firme, pero cuyo uso sea muy sencillo. Un sistema de cierre rápido es también muy recomendable.

London, United Kingdom, David Marcu

... además, los trípodes pueden colocarse y guardarse en cualquier lugar. [1] (Freeman, M. 2008)

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09 Cu and o l os tr í pode s est án p ro h ib ido s 1-2 Use el cabezal del trípode como hice en éste museo de París, France en el cual se prohíbe el uso de trípodes.

Para tomar la foto coloque el cabezal ya sea encima de piedras.

3 Una versión algo mejorada del uso del cabezal; se puede usar una placa base, que definitivamente no es un trípode.

4-5 Si dispone de un objetivo basculante para la corrección de la perspectiva; le será especialmente útil para tomar fotografías a nivel del suelo.

6-7 Apoye un minitrípode contra una pared, lo que le darás más libertad de altura que una superficie horizontal.

8 Otro sistema es inclinar la cámara hacia arriba desde el suelo, siempre que corrija la distorsión de la perspectiva con un programa informático.

9 Utilizar un monopié, que estrictamente no es un trípode.

Luca Santos

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London, United Kingdom, Patxi Olaeta

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3 Carlos Carrete

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Existe una cultura creciente de prohibición del uso de trípodes, y justamente en los lugares en los que su uso es esencial a la hora de tomar fotografías, como por ejemplos en museos, galerías, interiores y yacimientos arqueológicos. Cuando se encuentren en situaciones como éstas, en las que permite tomar fotografías pero se prohíbe el uso de trípodes, hay diversas soluciones posibles: • Usar el trípode hasta que alguien le llame la atención.

• Usar un monopié o monopode (algunas veces se considerará un trípode).

• Usar un minitrípode: colóquelo en una superficie ligeramente elevada o apóyelo contra una pared. En realidad sigue tratándose de un trípode, pero por lo general no tiene por qué llamar la atención a cierta distancia.

• Usar un minitrípode en el suelo, ya sea con un objetivo basculante o inclinando la cámara. Tenga en cuenta que tendrá que corregir la perspectiva en el posprocesado.

• Usar un cabezal de trípode sin patas, sujetándolo con la mano.

• Usar una placa base, incluso con un bloque de madera.

• Dar una propina al vigilante o guardia (dependiendo del país y de las circunstancias). [1] (Freeman, M. 2008)

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10 Ais l a m i e nto i ns ta ntán eo

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1 1 Coloque la cámara, con el objetivo hacia arriba y sin el parasol, en una bolsa de plástico.

2 Deje el espacio suficiente bajo la bolsa para poder manipular los controles con facilidad y ciérrela alrededor de la parte frontal del objetivo.

3 Ajuste el cierre con una goma elástica o cinta.

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4 Acomode la bolsa de plástico a su gusto.

5 Empiece a recortar el plástico alrededor del objetivo; deje una franja de 1 cm.

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Las bolsas de plástico transparente son una solución para proteger la cámara del agua, la nieve y el polvo. El uso de la cámara resultará algo más incómodo, pero como mínimo estará protegida. La bolsa debe ser lo suficientemente grande como para que la cámara quepa holgadamente en ella. Siempre que la imagen a través del objetivo sea nítida y se puedan manipular bien los mandos de la cámara, el resto se puede sellar. Introduzca primero el cuerpo de la cámara en una bolsa de plástico resistente.

Cierre la bolsa alrededor de la parte frontal del objetivo con una goma elástica.

Use la pantalla LCD de la cámara; siempre tendrá una visión más clara que mirando a través del visor. Una alternativa es utilizar una bolsa de plástico grande de cierre hermético, con la abertura situada en la parte trasera de la cámara, y practicar un agujero para el objetivo.

El uso de este tipo de bolsas ofrece la ventaja de que se puede acceder a la cámara con facilidad desde la parte trasera. [1] (Freeman, M. 2008)

6 Siga hasta que haya eliminado todo el plástico sobrante.

7 Coloque el parasol del objetivo.

8 Compruebe que puede manipular los controles a través del plástico.

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R E F E R E N C I A S [1] Freeman, M. (2008). 101 consejos. fotografĂ­a digita. United Kingdom: BLUME. doi:13: 978-1-905814-34-3.

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C APÍT ULO 6

FOTOGRAFÍA EN SANTO DOMINGO DE LOS TSÁCHILAS

Andrés Jaramillo

“Es simplemente pararse y observar desde el lado que el resto de personas no vemos con claridad” (Andrés Jaramillo-2016).

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BIOGR AFÍA

Andrés Jaramillo tiene 30 años de edad. Inició como fotógrafo de pura casualidad hace 5 años, ya que siguió otra carrera en la universidad. En un viaje que realizó hacia el Oriente en la Provincia del Napo, con su cámara pudo captar a una especie rara de un mono, la cual la obsequió a una revista ecuatoriana. Desde ese momento empezó su trayectoria hacia el mundo fotográfico profesional, siendo contactado por varias revistas como fotógrafo de fauna y flora del Ecuador. Tras haber obtenido esta experiencia, se interesó mucho más en la fotografía, dejando su antiguo empleo de 4 años atrás, dedicándose totalmente a la fotografía.

Tiempo después se radicó en la ciudad de Santo Domingo, el cual fue un problema al buscar empleo, ya que él no era conocido en este campo laboral; siendo rechazado por varias revistas.

Tiempo después viajó a la ciudad de Guayaquil a tomar un curso sobre iluminación erótica durante 3 días y esto le sirvió de gran ayuda ya que adquirió un mejor concepto sobre la fotografía; después de haber terminado este curso fue contratado por una revista. Andrés Jaramillo tiene 30 años de edad.

Inició como fotógrafo de pura casualidad hace 5 años, ya que siguió otra carrera en la universidad.

En un viaje que realizó hacia el Oriente en la Provincia del Napo, con su cámara pudo captar a una especie rara de un mono, la cual la obsequió a una revista ecuatoriana.

Desde ese momento empezó su trayectoria hacia el mundo fotográfico profesional, siendo contactado por varias revistas como fotógrafo de fauna y flora del Ecuador. Tras haber obtenido esta experiencia, se interesó mucho más en la fotografía, dejando su antiguo empleo de 4 años atrás, dedicándose totalmente a la fotografía. Tiempo después se radicó en la ciudad de Santo Domingo, el cual fue un problema al buscar empleo, ya que él no era conocido en este campo laboral; siendo rechazado por varias revistas. Tiempo después viajó a la ciudad de Guayaquil a tomar un curso sobre iluminación erótica durante 3 días y esto le sirvió de gran ayuda ya que adquirió un mejor concepto sobre la fotografía; después de haber terminado este curso fue contratado por una revista nacional y laboró allí durante un año. Al ver su magnífico trabajo, Andrés fue contratado por otra revista pero esta vez con ejemplares en todo Latinoamérica, en la cual laboró por un año más; al ver la calidad de fotografías y creatividad fue llamado por las 2 revistas que al comienzo lo rechazaron y esta vez fue él quien las rechazó.

Actualmente se dedica a la fotografía publicitaria; poco a poco fue adquiriendo experiencia dañando fotografías, en otras palabras, haciendo todo según como él creía que se debía componer, Andrés ha logrado implementar su propia técnica a tal punto de que cuando alguien mira una fotografía, puede ser identificado.

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“Olvidarnos del tema tecnológico para querer ser un fotógrafo, no es necesaria la última cámara del mercado ni los cientos de accesorios que existen, recordemos que cualquier persona que disponga de dinero podrá comprar uno, pero no todos serán fotógrafos ya que la esencia radica en la expresión y esta viene dada por nuestra formación cultural, un fotógrafo se forma por los libros que lee, por los viajes que ha hecho, por la experiencia adquirida, por las vivencias en el entorno, la fusión de todo esto es a lo que llamamos estilo y es una cualidad individual que cada uno posee y debe ser nuestro objetivo como comunicadores visuales el definirlo y expresarlo a través de nuestras fotos” (Fernando Mecías-2016).

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BIOGR AFÍA

Fernando Mecías tiene 29 años de edad.

•Técnico Auxiliar II- Diseño, DICOM, PUCE SD (2011) •Técnico I- Diseño- Fotografía, DTI, PUCESD (2011-2015) •Freenlace en Fotografía (2012 a la fecha) •Exposición Fotográfica Individual- Santo Domingo Paraíso Urbano, Recinto Ferial, Santo Domingo, Julio 2013 •Comunity Manager Grupo de voluntarios Huellitas SD (2012 a la fecha) •Exposición Fotográfica permanente-Santo Domingo Paraíso Urbano, JBPJM, Santo Domingo, abril 2014 •Docente por horarios PUCESD (2013_02/2015_02) •Activista Social en Pro del Bienestar Animal de fauna urbana •Presidente y Director de imagen en Operadora de Turismo Viajeros 593

las formas, texturas y colores de la flora y fauna, la cual le llevó a plasmarlas en fotografías. Por falta de tiempo debido al trabajo y para no abandonar la fotografía, remodeló un espacio en su domicilio como estudio fotográfico y empezó a fotografiar retratos de personas.

Inició su carrera de fotografía tomando fotografías de naturaleza, ya que le llama mucho la atención

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FOTOGRAFÍAS ACADÉMICAS

Edwin Sangucho

Estudiante: Edwin Sangucho

Modelo: Dallyana Torres

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Estudiante: Fabio Andrade

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Estudiante: Isabel Ulloa

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AUTORES

AndrĂŠs Naranjo afnaranjor@pucesd.edu.ec

Cinthya Ulloa ciulloac@pucesd.edu.ec

Youth Photography

@youthphotography