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s para nosotros un orgullo presentar nuestra primera edición, que con mucho trabajo y esfuerzo logramos terminar muy a tiempo, porque en un tiempo récord, con equipo no en muy buenas condiciones y con una maestra muy exigente (pero hemos de reconocer que muy buena, y no es que seamos unos barberos ni nada por el estilo), terminamos un semestre en el que hemos aprendido cosas buenas e interesantes, y sobre todo, a recibir críticas constructivas y a corregir y mejorar nuestro trabajo. En portada viene Muse, por dentro vienen otros cantantes, decidimos hacer la revista de música porque es algo que nos gusta y nos llena, en sí es de moda, moda musical, lo que suena actualmente y también lo que alguna vez sonó (pero que no ha pasado de moda, porque la buena música siempre está vigente). No tenemos palabras para llenar el resto del editorial, sinceramente somos hombres de pocas palabras, así que rellenaremos el resto con la siguiente definición de la célula tomada tal cual de la Wikipedia, gracias por su atención. Una célula (del latín cellula, diminutivo de cella, “hueco”), es la unidad morfológica y funcional de todo ser vivo. De hecho, es el elemento de menor tamaño que puede considerarse vivo.
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ecuerdo que la primera vez que escuche una canción de Carla Morrison fue en la estación de radio de “RMX”. De ahí se convirtió en una de mis cantantes favoritas. Aún no tengo la fortuna de ver uno de sus conciertos, espero poder ir a la “FIM” para verla tocar, sería una experiencia increíble. Carla se caracteriza por ese timbre de voz agudo, por sus canciones con temática amorosa y a veces por ser algunas de ellas tan tristes que hasta nos hacen llorar, así como también por las
colaboraciones que ha realizado con diferentes músicos como Clemente Castillo, con su buena amiga Natalia Lafourcade y con una banda tapatía bastante conocida en la escena de la música independiente mexicana, Radaid, entre otros artistas. Pero también ha hecho covers de diferentes canciones como “Paloma Negra”, “Estás que te pelas” del grupo norteño “Intocable” “Babaluca” de “Manu Chao” y “Tragos de Amargo licor”, entre otras. Lo que más me gusta de ella es su voz y la intensidad con la que puede cantar desde
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las canciones más tristes hasta las más intensas, pasando por algunas que evocan momentos felices y otras que simplemente son buenas para ir a pedirle perdón a la persona que amamos y que hemos herido. Lo nuevo: “Déjenme Llorar” Después de tres discos sale en este año su más reciente producción discográfica “Déjenme Llorar” que como ya es costumbre no nos defrauda ya que pasa por la misma línea musical que ha mantenido la Morrison por tanto tiempo. Evocando canciones melancólicas, tristes, algunas de ellas desesperadas y otras felices, con la música escrita perfectamente para todos los temas, y porque no, incursionando en algunos sonidos del Norte del País como los acordeones y tarolas que resuenan en la canción “Hasta la Piel” y uno que otro acorde de distorsión, el disco “Déjenme Llorar” es un gran acierto en su carrera y por supuesto uno de los más esperados por sus seguidores y la critica independiente. Cuando uno está escuchando este disco se le despiertan diferentes 6
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emociones, desde la tristeza, la melancolía, desesperanza, la felicidad y las ganas de matar a la persona que te hace sentir tan miserable, ya que las canciones de Carla Morrison nos hablan de cosas que ha todos nos han pasado ó que nos están pasando en estos momentos. Al final te deja un sabor muy agradable y sinceramente lo vuelves a poner, bueno yo sí lo hice y créanme que no me cansó de escucharlo. ···················
“Música escrita perfectamente para todos los temas e incurcionando en algunos sonidos del Norte del País”
··················· Pero... ¿Quién es Carla Morrison? (BIOGRAFÍA OFICIAL DE SU SITIO WEB)
La carrera de Carla Morrison comienza en el año 2006 participando en distintas bandas de covers en México; durante ese año Carla Morrison se muda a la ciudad de Phoenix Arizona (USA) en donde continua con sus estudios musicales y forma la banda “Babaluca” que logró posicionarse en poco tiempo
como uno de los proyectos más importantes de su ciudad. Después de una corta pero fructuosa carrera junto a “Babaluca”, Carla Morrison decide abandonar la agrupación para regresar a México y comenzar un nuevo capítulo en su vida. A principios del 2009, Carla lanza su primer EP como solista titulado “Aprendiendo a Aprender”, material que produjo en su totalidad de manera independiente y que tras corto tiempo logró capturar la atención tanto del público como de los medios, posicionándola dentro de las propuestas más interesantes de la nueva escena mexicana y llevándola a tocar a gran parte de la República. Para el 2010 y con un año de grandes satisfacciones, Carla Morrison presenta su segundo EP titulado “Mientras Tu Dormías” producido por Natalia Lafourcade, disco que llevaría a la canta autora a continuar cosechando más éxitos, presentándose prácticamente en toda la República Mexicana, conquistando también algunos escenarios en Estados Unidos y Colombia. Es de destacar que con el EP “Mientras Tu
Dormías”, Carla Morrison fue nominada al Grammy Latino, además de conseguir una serie de SOLD OUTS en todas sus presentaciones entre las que se incluyen el Teatro Metropolitan, el Lunario del Auditorio Nacional, Teatro Chino de Six Flags México, entre muchos otros. Carla Morrison logra destacar entre el gusto de varios músicos quienes la invitan a ser parte de distintos proyectos entre los que destaca el tema “Nada Cambia” de la película “De Panzazo” a dueto con Fernando Rivera Calderón y un dueto con el señor Juan Gabriel para su disco de 40 años de carrera. Carla Morrison se ha presentado en diversos festivales del mundo, entre los que destacan: SXSW (Austin Texas), Viva La Canción (España), Festival Centro (Colombia), Vive Latino (México) entre muchos otros. Para el 2011 Carla Morrison comienza a trabajar en su primer LP titulado “Déjenme Llorar”, bajo la producción de Juan Manuel Torreblanca y Andrés Landon, donde nos presenta 14 nuevos
temas que demuestran una evolución y madurez en la composición y el sonido de Carla Morrison. “Déjenme Llorar” sale a la luz el 26 de marzo del 2012 y llevará a Carla a tocar a distintas partes del mundo. En los primeros lugares de venta en México Si bien Carla es talentosa y de una voz envidiable, es impresionante que un cantante se coloque en los primeros lugares de ventas en México proviniendo de una discográfica independiente, y eso es lo que Carla ha logrado precisamente durante el
año pasado y que aún hoy, en pleno dos mil trece, se mantiene dentro del top, a casi un año de lanzamiento, el disco se encuentra en la posición número 57 del top 100, certificado por la Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas (AMPROFON). Sin duda, esto se logra solo con el talento y voz de Carla, que como se ve, aún tiene más que ofrecer de su álbum “Déjenme Llorar“, pues tal parece que esto es apenas el principio del éxitoso disco, enhorabuena por Carla, y aquí, en Phevos, le brindamos nuestro apoyo y reconocimiento total. PHèVOS
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ove, Lust, Faith and Dreams (estilizado como Love Lust Faith + Dreams) —en español: «Amor, lujuria, fe y Sueños»— es el nombre del cuarto álbum de estudio de la banda 30 Seconds to Mars, lanzado bajo el sello de EMI y Virgin Records. Tras estrenar el primer sencillo «Up In the Air» en el despegué del SpaceX CRS-2 mediante la Expedición 35, Jared Leto, vocalista de la banda, publicó la caratula del álbum mediante su web oficial y la lista oficial de los temas. En abril de 2012, la revista Rolling Stone anunció un artículo relevante sobre un nuevo proyecto musical de 30 Seconds to Mars, hablando de un futuro lanzamiento en LP. De acuerdo con dicho artículo, el 27 de abril del mismo año la banda en su transmisión de VyRT confirmó un nuevo tema llamado «Witness» y afirmo la noticia sobre el lanzamiento de un nuevo álbum y no fue hasta el 18 de marzo de 2013
cuando la banda anunció la fecha en que se estrenaría el álbum y mostró el listado de temas que contendría la edición normal del CD. La grabación de Love, Lust, Faith and Dreams comenzó en abril de 2012, en el estudio The LAB en Los Ángeles, California. En septiembre de 2012, “The Summit”, creo un evento donde los aficionados a la banda, estaban invitados a contribuir con las voces de coro para las pistas del álbum, anteriormente se uso la mista táctica para las voces corales de This is War en 2009. El arte del álbum fue diseñado por el artista británico Damien Hirst en su galería de 2011 llamada Gloss-on-Canvas. La pintura es parte de la galería de Hirst e intitulada como «Sectores monocromáticos de Primaria, Secundaria y Terciaria de Aro colorido, Centro Oscuro”. PHèVOS
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rupo británico conocido por su vocalista Freddie Mercury, fue sucesor de la banda de rock Smile. Esta banda, cuya carrera tuvo lugar en los años 60, resultó del encuentro entre el guitarrista Brian May (nacido el 19 de julio de 1947 en Hampton, Middlesex) y el batería Roger Taylor (nacido el 26 de julio de 1949 en Norfolk). En aquellos años, May estudiaba física y astronomía, mientras que Taylor se encontraba en la facultad de biología. Ambos se conocieron en la London’s Imperial College. El cantante de Smile era Tim Staffel, que además era solista. Cuando éste abandonó el grupo tras grabar un single, May y Taylor incorporaron a Freddie Mercury, (nacido en Zanzíbar el 5 de septiembre de 1946), cantante del grupo Wreckage y amigo del 12 PHèVOS
ex integrante Staffel. Queen fue una de las mejores bandas del mundo, estando al nivel de otros grupos musicales como The Beatles y Led Zeppelin. Causó furor por su combinación de rock, opera y música disco entre otros estilos. Entre sus canciones, destacan himnos rockeros como We Are The Champions y We Will Rock You. En sus actuaciones (algunas de tendencia glam), Mercury demostró ser un excelente pianista, además de tener talento como showman por sus poses teatrales. En algunos de sus videoclips se pueden apreciar toques de fantasía, como es el caso de A Kind of Magic (1986), un tanto surrealista, e Innuendo (1991), con muchos más efectos que el anterior. A principios de los 70, Frederick Bulsara sustituyó a Staffel. Ambos se habían
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conocido en la Ealing College of Art (escuela de diseño gráfico). Bulsara se dio a conocer como Freddie Mercury y el grupo pasó a denominarse Queen. Mercury se encargó de diseñar el logo del grupo. La Q formada por un lazo y que rodea una corona es por la inicial de Queen. El fénix quería decir que el grupo era inmortal, ya que según la mitología, esta criatura renace de sus cenizas. Los leones representan a Roger Taylor y John Deacon, ambos de signo Leo; el cangrejo a Bryan May, de signo Cáncer y las hadas a Freddie Mercury, de signo Virgo. En 1971 se unió a Queen el bajista John Deacon (nacido el 19 de agosto de 1951 en Leicester). El grupo tenía una llamativa estética glam y sus referencias se basaban en artistas como David Bowie, Led Zeppelin o Beach Boys. Despertaron interés a la discográfica Trident Productions lo que hizo que firmaran un contrato en 1972. No tardó en firmarse otro contrato: la compañía Trident acordaría esta vez un reparto de la producción con EMI para el primer álbum de la banda. En 14 PHèVOS
Queen en 1974, durante la grabación de Sheer Heart Attack. Aquí se alejan un poco del hard rock y el rock pesado que caracterizaban a los anteriores discos con canciones como “Killer Queen” o “Bring Back That Leroy Brown”, pero este punto ya lo comentaremos más adelante en el apartado de las canciones.
poco tiempo, lograron tener su primera gira, en la que actuaron como teloneros de Mott The Hoople. ···················
“Bohemian Rhapsody, ganadora del premio Ivon Novello a la Canción del Milenio” ···················
Durante los años 70, los discos de la banda eran los más costosos de producir, debido a los métodos de grabación que empleaban. Para ellos, os sintetizadores estaban prohibidos, por lo que el único modo de amplificar la voz era grabando el número de veces necesario la parte que deseaban
amplificar. Cuando May era joven quería una guitarra eléctrica, pero al no tener dinero suficiente decidió fabricarse una. Para ello, utilizó unos cuantos objetos que ya no le servían, madera de una vieja chimenea para el mástil y unos botones de nácar como amplificadores. Esta guitarra, a la que llamó Red Special, se diferencia de las demás guitarras de la época por su capacidad para emitir múltiples sonidos con variación de intensidad. Bryan May la utilizó tanto en las grabaciones como en los conciertos, empleando siempre como púa una moneda de cinco peniques.
La imagen usada para la edición de su segundo disco, Queen II (1974), sirvió de inspiración para el video clip de Bohemian Rhapsody (considerada mejor canción de todos los tiempos). El grupo presumía de ser con esta canción los inventores del video clip. En la portada de dicho álbum, las caras de los integrantes se encontraban sobre un fondo negro, resultando un poco gótico. Los seguidores de la banda llegaron a creer que el videoclip se grabó antes de la creación de la portada, cosa que no era cierta, puesto que esa canción se compuso un año más tarde. El Bohemian Rhapsody La canción, del álbum A night at the opera, con el lograron la fama en Estados Unidos) ganadora del premio Ivor Novello como mejor canción del milenio, llegó a ser número uno durante nueve semanas. Resulta ser una excelente combinación de música clásica y el rock de los años 70. Para grabar la parte de ópera perteneciente a dicha canción, necesitaron grabar sus propias voces más de cien veces. En la década de los 80, Queen cambió su sonido totalmente. Este nuevo sonido se debió a la incorporación de sintetizadores. El grupo abandonó la estética glam, mientras que Mercury desmintió su homosexualidad, además se cambiar su imagen. Igual de importantes fueron sus aportaciones musicales al cine, como es el caso de Flash Gordon (1980) y Los inmortales (1986). Algunas canciones compuestas para esta PHèVOS 15
última película fueron “Princess of the Universe” y la mítica “Who Wants to Live Forever”. La Enfermedad de Mercury y el cercano desenlace Esta banda tan prolífica llegó a ser una de las más duraderas de la historia de la música. En Inglaterra sus discos alcanzaron los primeros puestos, mientras que en Estados Unidos su puesto se hallaba por debajo del vigésimo. Sin embargo, en 1989 fue premiada como mejor banda de la década. Por su parte, Mercury grabó varios temas en solitario, aunque sin dejar el grupo. A finales
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de los ochenta, corrían rumores de que el vocalista de Queen había contraído el SIDA. Cuando él supo que las pruebas dieron positivo, decidió encerrarse en su casa y hacer de ella una clínica; donde continuaría grabando canciones como “I Want It All”. ···················
“Cuando Mercury supo de su enfermedad, se encerró en su casa y la convirtió en una clínica” ···················
En su intento por salvarse de su enfermedad sólo apareció públicamente en 1990. Más tarde, en noviembre de 1991 confesó en un comunicado que padecía SIDA. Un día después, esta terrible
enfermedad acabó con la vida del intérprete. Sus fans y los medios de comunicación le rindieron homenaje, incluso se le otorgó una estatua en Montreux (Suiza). Mientras Mercury se mantenía en pie, pudo grabar Barcelona en compañía de la soprano Montserat Caballé. Su mayor deseo era interpretar este tema en la inauguración de las Olimpiadas de 1992. Con esta pérdida tan importante para la música, además de para el grupo, Queen quedó inactivo. Hicieron como último trabajo una recopilación de canciones que grabó Freddie y que aún no se habían dado a conocer. Fue en 1995 y la nombraron Made in Heaven. Sin embargo, los supervivientes de Queen sorprendieron con su reaparición, al lanzar su CD Return of the Champions (2005). Esta vez llevaba la voz cantante Paul Rodgers, ex integrante de Free y Bad Company.
Freddie Mercury durante la presentación de la banda en el Wembley Stadium, en 1982. Fotografía: Archivo
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Brian May (guitarrista) en la presentaci贸n de Queen junto a Jessie J en las Olimpiadas de Londres 2012; Mercury apareci贸 en cuatro gigantescas pantallas ubicadas en el escenario. Fotograf铆a: EPA
Frank Sinatra La mejor voz de todos los tiempos
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rank Sinatra era una de las figuras legendarias del “show-bussines”. Durante muchos años soñó con igualar la categoría de Bing Crosby, el rey de la canción melódica para los norteamericanos. Indudablemente, Sinatra consiguió superar a su ídolo en el mercado internacional. Con una impresionante discografía a sus espaldas, es hoy un monstruo sagrado,
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cuya grandeza resulta incuestionable. Nadie osaría discutirle el sobrenombre de “The voice”; nadie puede disputarle su cetro, que mantiene seguro a título vitalicio. ···················
“Nadie discutiría su título de La Voz, nadie le disputará el cetro que mantiene por siempre” ···················
Sus distintos amoríos con algunas de las damas más famosas de Hollywood de la edad dorada, y muy
especialmente sus siempre turbulentas relaciones con la impar Ava Gardner, le convirtieron en uno de los personajes más agradecidos a la noticia espectacular. Sus presuntas relaciones con la Mafia y sus intervenciones, a menudo oscuras, en una larga lista de importantes negocios secundarios, le granjearon una reputación a veces dudosa, quer algunos biógrafos han pretendido desvelar, sin su consentimiento. Su imagen de hombre poderoso se completa en los años sesenta con la creación de lo que fue llamado “el clan Sinatra”, de múltiples
ramificaciones en el mundo
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ramificaciones en el mundo de la industria discográfica y cinematográfica y que acabó por extenderse al terreno político gracas al matrimonio de uno de sus miembros -el actor Peter Lawford- conuna de las Kennedy. (Otros de los componentes destacados del famoso clan fueron el cantante Sammy Davis Jr. y el actor-cantante Dean Martin. Entre las mujeres se habló de Angie Dickinson y Shirley MacLaine. Cuando apareció por primera vez en la pantalla, ya era una figura inmensamente popular
entre la juventud norteamericana. Las “bobby soxers” le habían convertido en una especie de joven dios y sus conciertos públicos eran acogidos con desmayos, llantos y gritos de histeria (todo esto, quince años antes del fenómeno Elvis Presley). Debutó en el cine todavía como miembro de la orquesta de Tommy Dorsey, en un título modesto, típico de las necesidades de la época: “Las Vegas nights” (1941), de Ralph Murphy. Siguieron filmes de corte parecido. La suerte del joven vocalista cambió radicalmente cuando la todopoderos M.G.M. se percató de su potencial taquillero, incluyéndolo en uno de sus grandes musicales. Fue “Levando anclas” (1945) de George Sidney. Un día en Nueva York y De aquí a la eternidad En 1949 llegó “Un día en Nueva York”, la obra maestra cuyos aires innovadores marcarían la pauta del cine musical en los años siguientes. Kelly, Sinatra y Jules Munchin fueron los tres marineros que, durante un día de permiso, conocen a las señoritas Garrett, Vera Ellen y Ann Miller, con los explosivos resultados que
todo el mundo recuerda. Después, la fama cinematográfica de Sinatra fue languideciendo. La falta de contratos era una evidencia brutal. Fue entonces cuando puso los ojos en uno de los papeles del novelón de James Jones “De aquí a la eternidad”, que la Columbia se disponía a llevar a la pantalla en 1953 bajo la dirección de Fred Zinneman. Por su creación del soldado Maggio, Sinatra recibió el Oscar de 1955 al mejor actor secundario. Paralelamente, una revisión de sus grandes éxitos musicales en la que a partir de entonces sería conocida como “la edición Capitol” le devolvió a la cúspide. Con esta edición Sinatra borraba de golpe su imagen de “crooner” juvenil para convertirse en figura de primera magnitud. Desde entones no dejaría de asombrar con su creciente madurez. El mismo fenómeno se produjo con su carrera cinematográfica. En los últimos años fue creciendo su fama de “tycoon”, que no benefició a su imagen pública. Acaso porque abarcó tantas parcelas del “showbussines”, su anecdotario es riquísimo y tan inagotable como su arte. PHèVOS 19
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Celebrando sus 20 años
Panic Station y Big Freeze y Animals (con una explosiva guitarra), respectivamente. l trío británico Muse ya tiene planes “Luego están las cosas orquestales”, añade, de celebración alrededor de sus 20 durante un almuerzo en Nueva York: años de carrera, los cuales se cumplirán Survival, un éxito como un tema olímpico el próximo año. “Estaremos festejando oficial, y el caos sinfónico de la canción nuestro 20 aniversario y no (en dos partes), que lleva · · · · · · · · · · · · · · · · · · · podemos creerlo. Creo que el título del disco. The 2nd “Se espera un posible es en febrero del próximo Law sonaría como “tres show en la Ciudad de año y por esas fechas, pero bandas diferentes”, afirma definitivamente planeaBellamy, “si no fuera por México para Octubre” remos algo especial. Yo mi voz.” ··················· creo que llevaremos a cabo algunos shows especiales en lugares Bellamy, el bajista Chris Wolstenholme y pequeños”, dijo el baterista Dominic el batería Dominic Howard grabaron la Howard a XFM. La agrupación inglesa tuvo mayor parte de la continuación de The su origen en 1994, pero demoró cuatro años restistance (2009) en Londres, el año en lanzar su primer EP de manera oficial. pasado. Y regresaron al estudio, en Los Angeles, con David Campbell, que también Con el paso del tiempo, el grupo encabezado ha colaborado en discos de Metallica y su por el vocalista y guitarrista, Matt Bellamy, hijo Beck. “Él entendió el efecto de banda ha editado un total de seis discos de estudio, sonora que estábamos buscando”, dijo entre los que destacan Absolution y Black Bellamy. Holes and Revelations, ambos lanzados en la década anterior. Se espera que los Pero fue en Londres, cuando Muse comenzó autores de Survival, Hysteria y Time a trabajar en el álbum el pasado verano, Is Running Out confirme en próximas cuando Bellamy encontró su título y el semanas un show en la Ciudad de México tema principal. Estaba viendo un panel de para el mes de octubre del presente año. economistas en la BBC cuando alguien en el programa se refirió a la segunda ley de la termodinámica. “Dijo: ‘Las leyes de la física Dentro de “The 2nd Law”
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“Lo que nos define es que nadie nos puede definir”, dice Matt Bellamy, el cantante, guitarrista y pianista de Muse, mientras repasa los temas del nuevo álbum del trío británico, The 2nd Law (a la venta el 2 de octubre). “Hay sonidos electro-pop y canciones que son obviamente rock clásico”, señala Bellamy, refiriéndose Madness, 22 PHèVOS
dicen que una economía basada en el crecimiento infinito es insostenible’”, dice Bellamy. “Todo el mundo está obsesionado con un crecimiento constante, sin control, y nadie está señalando que a lo mejor hemos llegado a un máximo. Survival conecta con esa locura”, añade Bellamy. Otra cancion, la ballada de piano Explorers “mira a la otra cara de la moneda.
A ese espíritu aventurero que hemos creado que está siendo cuestionado, ya que el planeta está diciendo ‘Tengo un límite y esto es lo que puedo ofrecer”. Pero hay descansos entre tanta apocalipsis: “Follow me, es una etérea declaración con un ritmo inusual: el latido del corazón, dentro del útero, del hijo de Bellamy con su prometida Kate Hudson, grabado en un iPhone,
cuenta el padre “justo antes de que ella lo empujara hacia fuera”. Y Save me, una de las dos canciones escritas y cantadas por Wolstenholme, que recuerda al Pet Sounds de Beach Boys. “Es un sonido nuevo para nosotros”, dice Bellamy, con una sonrisa. “Marca un buen cambio- continuaTengo una mente errática. Doy vueltas y me cuesta PHèVOS 23
centrarme en una sola cosa”, admite Matt Bellamy, de 34 años. El trío, que se encuentra de gira por EE UU, habla con David Fricke de la excentrica intensidad y la energía nerviosa del cantante de Muse. “A veces parece que tienes delante a un loco”, asegura Chris Wolstenholme, bajista de la banda británica, “No es fácil seguirle el ritmo”, añade. En el artículo Bellamy habla de su padre, George Bellamy (guitarrista en una banda de rock que llegó a tener un número uno en EE UU en los 60), de sus experimentos con “ciertos alucinógenos naturales” en su juventud o de la etapa en la que la banda estuvo a punto de separarse, después de lanzar Origin of Symmetry (2001): “Matt necesitaba relajarse. Sentía que llevaba el jodido mundo sobre los hombros. Se ponía agresivo. Consideramos seriamente la disolución”, relata Dominic Howard (batería). Muse dio a conocer ayer a las 19.00 horas el vídeo de Panic station, el último single de The 2nd law. Un clip que, en el mismo día, el trío se vio obligado a retirar y modificar. Escasos minutos después del estreno, los primeros comentarios que se podían leer en YouTube ya daban pistas: “Esa bandera es como el símbolo nazi japonés”, comentaba un usuario, sobre el uso del polémico emblema imperialista japonés, en los gráficos del título (abajo). 24 PHèVOS
En un par de horas, la banda de Matt Bellamy lo retiraba y se disculpaba en Twitter: “Perdón por el error en los gráficos de introducción del vídeo de Panic Station. Lo estamos solucionando ahora y subiremos la nueva versión muy pronto”. Con la publicación del nuevo disco de Muse The 2nd Law el pasado 2 de octubre y las respectivas entrevistas promocionales que el grupo ha ofrecido últimamente nos hemos enterado de varias cosas más sobre el grupo británico. Algunas no muy agradables, como los problemas con el alcohol del bajista Chris Wolstenholme. “Le tuvimos que avisar para que dejase de beber”, ha declarado el batería del trío Dominic Howard a The Observer. Él y el cantante Matt Bellamy le amenazaron con su futuro en el grupo si continuaba bebiendo así. “Por alguna razón, que todavía no sabemos, podía tocar el bajo a pesar de estar pedo”, continuó Dominic. “Solía beber en el escenario y empezamos a contar cuantas botellas tenía. Vimos que cada día eran más. Demasiadas”. Cuando se le preguntó si le habían dado un ultimátum, Howard respondió que sí. “Varias veces. Ahora Chris dice cosas como: ‘No puedo creer que aguantase así durante 10 años’. Lo cual es cierto. No puedo creer que lo hiciéramos. Pero lo hicimos. Siempre he creído en la integridad
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de la banda”. Wolstenholme ha admitido que tuvo un problema serio con la bebida la mayoría del tiempo que ha estado en Muse, aunque asegura que lo mantuvo en secreto para la mayoría de la gente. Y que no era “no era un borracho asqueroso”. Cambio de rumbo Dicen que se llamará The 2nd Law, se publicará en septiembre, se acerca al sonido dubstep y que será “radicalmente distinto”. El nuevo disco de Muse ya está prácticamente terminado y el grupo calienta motores con un curioso trailer recién estrenado en su web. ¿Han cambiado de rumbo y las guitarras darán paso a la electrónica? Habrá que esperar, pero atención a lo que Matt Bellamy, cantante y guitarrista del grupo, ha escrito en su Twitter. “Todos los procesos naturales y tecnológicos proceden de tal manera que la disponibilidad de la energía disminuye. En todos los intercambios de energía, si la energía no entra o sale de un sistema aislado, la entropía de ese sistema se incrementa. La energía fluye de concentrada a dispersa, malgastada e inútil. No puede crearse una 26 PHèVOS
nueva energía y la energía de alta calidad está siendo destruida. Una economía basada en el crecimiento infinito es…”. Ahí queda eso. El disco de la transición La magia se disipa cuando se revela el truco. En este aspecto, no debemos temer, pues The 2nd law no desvela ninguno de los enigmas que han convertido a Muse en una banda fascinante. De hecho, este álbum es de esos con los que te arriesgas a perder a los fans integristas, pero al menos consigues que la gente que te odia se quede calladita un rato. Que una banda tan artificiosa y pomposa sea adorada por los fans del rock más auténtico (en esto son los nuevos Queen), de aquellos que valoran la técnica por encima de todas las cosas, aunque la técnica llegue en un platillo volante, engrandece la leyenda de estos tres tipos. Madness, primer single del disco, es un intento de flirteo dubstep que termina sonando como un viejo tema de George Michael. Redondo y contenido. Tal vez la primera vez en una década que uno no siente
que debe escuchar un single de Muse debajo de la mesa, por si acaso. El flirteo electrónico se hace evidente en dos temas más. Save me es un despropósito con autotune, mientras Follow me nos presenta a un Matt Bellamy vestido de crooner sideral en el que a la postre es uno de los mejores cortes del disco. Si algo muestra The 2nd law es que Muse pueden estar llegando al límite del concepto que los propulsó, pues los tambores de guerra en la Tierra Media de Supremacy y el festival del riff de Survival, acaso
los más reconocibles como suyos, se hacen de lo menos interesante de un disco que gana cuando, en vez de correr, anda, aunque sea con piernas prestadas. En Panic station usan las de INXS; en Big freeze, las de U2. Los llaman discos de transición porque nadie sabe hacia dónde van. Y es que The 2nd law es como Memento, de Christipher Nolan: te gustó tanto como te irritó. Parecía un capricho, pero hoy sabes que es fundamental para entender lo que hizo luego el director. Lo mismo puede suceder con este álbum. PHèVOS 27
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ació en Parácuaro, Estado de Michoacán, el día 7 de enero de 1950. Fue bautizado con el nombre de Alberto Aguilera Valadéz. Su nombre fue elegido en honor al personaje de Alberto Limonta, de la radionovela “El derecho de nacer” de la emisora XEW. Sus padres fueron Victoria Valadéz Rojas y Gabriel Aguilera Rodríguez. Fue el menor de 10 hermanos, de los cuales 3 murieron. Siendo muy pequeño, su padre provoca accidentalmente un incendio en el pueblo, quemando varias casas vecinas. Es internado debido a un shock, luego se suicida ahogándose en un río. Este hecho fue plasmado años más tarde por Juan Gabriel, en su tema “De sol a sol”. Al tiempo de este suceso debió huir junto con su madre y hermanos del 28 PHèVOS
pueblo michoacano, ya que la noticia se propagó y nadie los quería como vecinos. Fueron de pueblo en pueblo hasta que llegaron a Ciudad Juárez, Estado de Chihuahua, donde se instalan en una casita cerca de una escuela de música “Semjasé”. A los 3 años, su madre lo interna en una escuela de mejoramiento social para menores, más conocido como el reformatorio El Tribunal. Estuvo allí durante varios años, abandonado, maltratado y sin que su familia fuera a verlo. En 1963 aprovecha que era el encargado de sacar la basura, para escapar y no regresar nunca más allí. Se dedica a distintos trabajos para sobrevivir. Conoce a Juan Contreras de Zacatecas, que era maestro de hojalatería con quien aprende el oficio, a quien considera como su abuelo,
padre, amigo y maestro. De esta etapa de su vida surge el tema “Eternamente Agradecido”. Es en recuerdo de él, que más tarde adopta el nombre artístico de Juan combinándolo con el de su padre, Gabriel. Con unos ahorros cruza la frontera como ilegal y se va a los EEUU. Allí estuvo preso por robar. La desesperación lo acerca a la religión metodista, cantando en el coro, leyendo la Biblia en las misas y limpiando la iglesia. Después vive un tiempo con una familia negra que lo adopta. Pero como su corazón estaba en México, se regresa. En 1965 hace una aparición en el programa “Noches Rancheras”, debutando con una canción de José Alfredo Jiménez “María la Bandida” y acompañado por el Mariachi de Gil Soledad y su banda. Es bautizado por Raúl Loya, con el nombre
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artístico “Adán Luna”. Viaja a la Ciudad de México recorriendo todas las disqueras, pero sin suerte. Se regresa a Ciudad Juárez donde obtiene su primer contrato para actuar en un centro nocturno llamado “Malibú”. En esa época también actúa en los centros nocturnos “La Cucaracha”, “Palacio Chino”, “Cucamonga”, “Charlie’s Bar”, “Carrusel”, “Boom Boom” , “Howaian” y “Noa Noa”. Inicios de su carrera El joven Alberto ansiaba que la gente lo escuchara y así él pudiera mostrar sus canciones, que ya eran más de 100 en aquel entonces. Así viajó a Tijuana, Ensenada, Rosarito; incluso a Lake Elsinore, California donde Alberto no tuvo éxito para demostrar todo lo que llevaba en su costal lleno de sueños y música. Años más tarde, volvió a Tijuana para tener la oportunidad de trabajar en el Bar Nic Teja, donde se encontró con San Sussie, una amiga argentina que conoció en Cd. Juárez. En ese lugar conoció a José Alfredo Jiménez y a Alicia Juárez. Juntos miraron actuar a
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Grace Renat. Tiempo después regresó a Cd. Juárez donde tuvo por fin la oportunidad de trabajar en el Bar Noa Noa del Sr. David Bencuomo, quién le brindó su apoyo y le dio la oportunidad de cantar acompañado por los Prisioneros del Ritmo, cantando canciones propias y de otros autores. Juan Gabriel, que en aquel entonces usaba el nombre artístico de “Adán Luna”, se ganó el reconocimiento del público local. Viajó a la Ciudad de México donde obtuvo la oportunidad de hacer coros para artistas como Angélica María, Leo Dan y Roberto Jordan dentro de la RCA. Estando en la disquera considerada la catedral del disco, se encontró nuevamente con José Alfredo Jiménez. Regresó a Cd. Juárez para trabajar una temporada en el Centro Nocturno Malibú, donde ganaba cada noche 20 dólares. Con la ayuda de la Sra McCulley, quien financiaba sus viajes, regresó a la Ciudad de México, esta ocasión para quedar marcado para siempre, pues en su andar en búsqueda de una oportunidad en alguna disquera, fue acusado falsamente de robo y
debido a su condición de juvenil, recluido en la Penitenciaria de Lecumberrí. Desde ese lugar le escribía cartas a su madre. Después de 18 meses consigue la libertad, ayudado por la cantante Enriqueta Jiménez “La Prieta Linda”, quién abogó por él ante el Director del Penal accediendo a una revisión de su caso; al no haber pruebas fehacientes de su culpa, salió libre. Fue precisamente la “Prieta Linda” la primera artista que grabó un tema de la autoría de Alberto Aguilera, el tema “Noche a Noche”. Fue llevado ante el Director de la RCA quien lo escuchó y envió con Eduardo Magallanes y Enrique Okamura, quienes le hicieron las primeras pruebas y le extendieron su primer contrato profesional para iniciar la producción de lo que sería su primera producción discográfica. El Exito La primera etapa de su carrera inició un 4 de agosto de 1971 cuando Alberto Aguilera y Adán Luna se funden bajo el mismo nombre de Juan Gabriel (Juan en honor a su gran maestro Juan Contreras y Gabriel recordando a su padre Gabriel Aguilera). Emprende la producción de su disco “El Alma Joven”, con diez temas de su autoría y con arreglos de Chucho Ferrer, Pocho Pérez y Eduardo Magallanes. De inmediato logra posicionar en el primer lugar de popularidad el tema “No Tengo Dinero”. La versión instrumental con la Orquesta Sinfónica de Londres en Inglaterra vendió un millón de copias. En México y Latinoamérica tuvo gran aceptación, vendió 2 millones de discos y grabó ese tema en japonés y portugués. Este mismo tema lo grabó Bata Illic en alemán en esa misma época.
Juan Gabriel y la cantante española Rocío Dúrcal durante una presentación de ésta última en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Foto: Archivo.
Siguieron los discos incursionando en la balada con éxitos como “Me he quedado solo”, “1, 2, y 3 y me das un beso”, “No se ha dado cuenta”, “Será Mañana”; este tema lo llevo a participar en el Festival OTI y aunque no fue el triunfador, fue el único tema que despegó radialmente en aquel año. En 1974 lanza su primer disco acompañado del Mariachi Vargas de Tecalitlán; se lanza como primer sencillo el tema “Se me olvidó otra vez” que a la postre se convertiría en uno de los temas rancheros más conocidos en todo el mundo, llegaron a la cima también “Esta noche voy a verla”, “Ases y Tercia de Reyes” y “Que sea mi condena”. Alcanzó fama y prestigio rápidamente ya que sus discos sonaban fuerte en la radio latinoamericana y sus intérpretes llegaban a los top de las listas de popularidad con sus temas; con discos de corte balada y ranchera grabó una decena de discos más en los próximos 7 años, colocando hasta 4 o más temas en las listas de popularidad en su voz y la de sus intérpretes; sus ventas acumularon los más de 20 millones de discos en 1980. PHèVOS 31
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esde que los vídeos se hicieron parte importante de la música, no el marketing ni los propios famosos dejar de competir por encabezar las listas de popularidad. Todo comenzó en los años 80, cuando surgió el primer canal dedicado exclusivamente a transmitir videos musicales. Claro, hablamos del primer video de MTV que fue “Video Killed the Radio Star” de The Buggles, una canción con respecto al movimiento de vídeo musical que estaba comenzando, la era de la televisión de la música las 24 horas del día. 32 PHèVOS
La industria de la música estaba preocupada por la venta de sus productos, por lo que el video tenía un objetivo de mercado, además de, por supuesto, ser un escaparate para los artistas y encontrar más seguidores y fans por todo el mundo. Fue entonces cuando estas producciones, ahora con gran altura, comenzaron a ser premiadas, tanto que los creadores, directores y los propios músicos, comenzaron una batalla para tener el mejor videoclip. A partir de entonces nació el trabajo meticuloso que terminó marcando un paréntesis,
ya que se consideran los videos musicales más caros de la historia. La industria musical estaba preocupada por vender sus productos, así que el video tenía un objetivo mercadológico, además, claro, de dar a conocer a los intérpretes y así encontrar a muchos más seguidores. Fue entonces, cuando este tipo de producciones, ya con gran auge, empezaron a ser premiadas, así que los creadores, tanto directores como los mismos músicos, iniciaron una batalla por tener el mejor clip, y al final lo dominaron unos cuantos.
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he Script está viviendo una época dorada con su nuevo álbum #3. La banda capitaneada por Danny O’donoghe siempre ha tenido un gran tirón entre el público europeo, pero posiblemente debido a la participación de su líder en la versión anglosajona de The Voice (ese reality que encumbra y realza las carreras musicales a sus jueces cuando debería de apoyar a nuevos artistas) se han marcado un Maroon 5 pero en versión europea; es decir, aguantando la calidad sin sumarse a ritmos más comerciales o perder parte de su estilo. Todo el viejo continente (incluida España) se han dejado caer en las garras de “Hall Of Fame” como buen tema que era. Pero ahora llega el momento de seguir adelante con la promoción de un disco que les está aportando las mayores alegrías de toda su trayectoria. Para ello, han decidido usar “Six Degrees Of Separation” como nuevo
single para seguir ganando adeptos a la buena música y, por qué no, a la melancolía. El otoño es la época del año idónea para las canciones más intimistas y relajadas, o también las más tristes si están relacionadas con alguna que otra ruptura sentimental (y si no, que se lo cuenten a Adele). The Script también parece haber entendido la jugada y se ha lanzado de cabeza a analizar a través de su nuevo single todas las fases de una ruptura, desde el destrozo inicial hasta la aceptación y el seguir adelante como última y única solución. Y la verdad es que toda la letra transmite a la perfección esta encrucijada mental o emocional por la que todo el mundo debe pasar una vez en su vida, eso sí, sin perder jamás el tono esperanzador. “Six Degrees Of Separation” mantiene a la perfección el estilo habitual de la banda, y no cabe ninguna duda de que será un nuevo éxito de su carrera. PHèVOS 37
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estas alturas a nadie sorprende que Adele es una de las mejores voces del panorama musical. Columbia bien lo sabe, de ahí que haya elegido a la artista británica para interpretar el tema principal de James Bond: Skyfall. Hace unas semanas lo hacía su tema principal, interpretado por Adele, que era votado instantáneamente como número 1 por nuestros usuarios. Estas son algunas curiosidades sobre la canción.
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1.-Los autores: Los autores de la canción son la propia Adele, Joel Pott y Paul Epworth, que dice que el homenaje al famoso ‘James Bond Theme‘ de Monty Norman es abierto. Adele y Paul Epworth ya habían trabajado juntos en ‘21‘. De hecho, él es uno de los productores de moda tras sus colaboraciones junto a gente como Florence and The Machine y Friendly Fires. También ha trabajado con Annie, The Big Pink, The Rapture, Bloc Party, Kate Nash y últimamente Azealia Banks. Su lista de colaboraciones es interminable. Aunque es gracias a Adele que tiene varios Grammys. ¿Habrá también Oscar? 2.-¡Joel Pott!: El tercer autor de ‘Skyfall’ es Joel Pott. Algunos lo conocerán por ser el cantante y guitarrista del grupo Athlete, una banda británica que ha publicado cuatro discos, siendo el último ‘Black Swan’ de 2009. El primero, ‘Vehicles and Animals’, fue nominado al Mercury Prize, y el segundo, ‘Tourist’, fue top 1 en la islas gracias al éxito de la balada ‘Wires’, inspirada en un problema de salud de su hija prematura. Últimamente Joel también ha escrito para un triunfito británico de ‘Factor X’ llamado Aiden Grimshaw. 3.-Los arreglos de J.A.C. Redford: Los arreglos han sido creados por el compositor californiano J.A.C. Redford, e interpretados por una orquesta de 27 músicos en los míticos estudios de Abbey Road de Londres. Aparte de publicar su propia música, Redford ha arreglado las bandas sonoras de películas tan premiadas como ‘Pesadilla antes que Navidad’, ‘Avatar‘ o ‘WALL-E‘. Fan de Joni Mitchell, también ha colaborado con estrellas como Bonnie Raitt o Sting. Se estima que ha arreglado musicalmente 500 episodios de series
Adele interpretando el tema en vivo en los premios de la Academia el 24 de Febrero de 2013.
norteamericanas, especialmente durante los 80 (‘Coach’, ‘St Elsewhere’). 4.-La letra: Paul Epworth ha dicho que las canciones de ‘James Bond’ se dividen entre las que reflejan la narrativa de la película y las que enfatizan el punto romántico. El productor sitúa esta composición en el primer grupo. La letra de ‘Skyfall’ insiste varias veces sobre afrontar el final de algo (la muerte) juntos, de la mano, y de pie, resistiendo. 5.-Adele dice…: Adele no ha concedido entrevistas últimamente porque ha estado muy ocupada dando a luz en la más estricta de las intimidades. Sin embargo, unas declaraciones suyas sí han aparecido entre las notas de prensa oficiales de la película, revelando que al principio fue bastante reticente sobre el proyecto por la presión y la atención mediática que requerían. Sin embargo, aceptó porque le gustó el guión. “Cuando grabamos las cuerdas, fue uno de los momentos en los que más orgullosa me he sentido en mi vida. Cuando tenga 60 PHèVOS 39
años me atusaré el pelo de nuevo diciéndole a la gente que un día fui una chica Bond, ¡estoy segura!”. 6.-Daniel Craig, llorando: Según una entrevista con Yahoo Music, Daniel Craig lloró la primera vez que escuchó la canción. “Lloré. Desde las primeras notas lo supe, y luego entra la voz y resultó ser exactamente lo que quería desde el principio. A medida que avanzaba fue mejor y mejor porque encajaba en la película. Cada vez encajaba mejor”. Otra fan famosa de la película es Willow Smith, hija de 12 años de Will Smith conocida por su hit ‘Whip My Hair’, que se ha animado a hacer esta pequeña versión. 7.-El vídeo y single: A diferencia de lo que ha sucedido en otras ocasiones, parece que no habrá vídeo para esta canción de James Bond. Teniendo en cuenta lo poco dada que es Adele a hacer videoclips, que han llegado a su carrera tarde, mal o nunca, a nadie le extraña, ¿verdad? Por otro lado, hay una edición del single en CD y vinilo, que incluye simplemente la canción original y la instrumental como cara B.
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8.-¿Ha sido un hit?: ‘Skyfall’ ha sido número 1 en países como Alemania, Irlanda, Holanda, Polonia, Suiza, Bélgica o Finlandia, pero se ha quedado sin el número 1 en Reino Unido (top 2) o en Estados Unidos (top 8), aunque lo peor es lo poco que ha durado en las posiciones más altas. En Estados Unidos esta semana cae al puesto 52. En España ha sido número 4. En otras palabras, es uno de los mayores éxitos de la saga James Bond pero no uno de los mayores éxitos de Adele. 9.-Otros éxitos de James Bond: El mayor éxito de la historia de la saga podría considerarse ‘A View To A Kill’ de Duran Duran, que fue top 2 en Reino Unido y top 1 en Estados Unidos. Sólo otras cuatro canciones lograron llegar al top 10 en ambos países: ‘Live and Let Die’ de Paul McCartney (1973), ‘Nobody Does It Better’ de Carly Simon (1977), ‘For Your Eyes Only’ de Sheena Easton (1981) y ‘Die Another Day’ de Madonna (2002). Precisamente, y coincidiendo con el día mundial Bond, que celebra los 50 años del agente en el cine, Adele acaba de estrenar a
nivel mundial su creación, un tema oficial compuesto junto a Paul Epworth con un aroma entre romántico, aventurero y soul que, eso sí, deja atrás los ademanes rockeros de Jack White y Alicia Keys para Quantum of Solace, y que dice mucho del estilo clásico con el que, dicen, Mendes se ha aproximado al mito de Bond. “Al principio estuve
indecisa de involucrarme con el tema central de ‘Skyfall’. Es que por tratarse de una canción de Bond se genera mucha atención y presión. Pero me enamoré del guión y Paul tuvo grandes ideas para la pista que al final terminó siendo fácil de realizar. También fue divertido y emocionante escribir la canción a partir de una sinopsis, cosa
que nunca antes había hecho. Cuando grabamos las cuerdas fue uno de los mejores momentos de mi vida. Cuando cumpla 60 años voy a presumir que fui una chica Bond”, dijo la artista sobre su trabajo. Grabado en los estudios Abbey Road de Londres, Skyfall cuenta con el acompañamiento de
una gran orquesta de 77 músicos. Atención, a ese respecto, a partir del minuto tres, con numerosos guiños musicales a la legendaria composición original de Monty Norman (o John Barry, tanto me da). Abajo les dejo con la canción completa y la letra, que podría hacer referencia a (spoiler) la caída del MI6 en la película. PHèVOS 41
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isualmente, la primera impresión es buena. El diseño y el estilo del aparato son familiares para el usuario. Su pantalla es táctil de 4,3 pulgadas. Los únicos botones físicos que tiene son el de encendido, el control de volumen y la tecla de acceso directo a las funciones Walkman. La navegación entre sus escritorios, pantallas y menús es muy similar al de cualquier smartphone con Android (este equipo usa la versión 2.3, conocida como Gingerbread). La única diferencia es durante la función del reproductor de música. Además, cuenta con un modo para manejar los controles desde la pantalla táctil.
Permite realizar diversas funciones de ecualización para mejorar y personalizar la manera de escuchar la música. Mientras que por un lado la conectividad Wi Fi restringe su uso de Internet en exteriores, sirve para colgarse de la red casera para usar la tecnología DNLA y “lanzar” contenido (música, video o fotos) a pantallas más grandes, como la de un televisor. Cuenta con la función Sense Me, que crea de manera automática listas de reproducción según los estados de ánimo predeterminados. Me gustó mucho.
Cuenta con la función Sense Me, que crea de manera automática listas de reproducción según los estados de ánimo predeterminados. Me gustó mucho.
Cuestión de peso A algunos usuarios le podría parecer un poco pesado el dispositivo, pese a no tener la función de teléfono ni una cámara de fotos incorporada.
A tener en cuenta El nuevo Walkman tiene características muy interesantes que pueden ajustarse a lo que algunos buscan.
Sensor de juegos Cuenta con el interesante G-Sensor, que permite controlar diversos juegos con solo mover el dispositivo, sin tocar la pantalla.
Acceso directo El botón W permite al usuario tener acceso directo a las funcionalidades del reproductor musical sin necesidad de desbloquear el dispositivo.
Alta calidad Cuenta con un procesador Nvidia Tegra 2 de 1GHz, que permite una navegación veloz en Internet.
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