Allegro
Volúmen 1 Diciembre 2015
Gustavo Dudamel “Espero
aprender hasta que me entierren”
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Carta del Editor Andrés D. Molina
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“Si todos los significados pueden ser expresado de manera adecuada por las palabras, las artes de la pintura y la música no existiría. Hay valores y significados que se puede expresar sólo por las cualidades inmediatamente visibles y audibles.” La revista Allegro, se centra en llevar al público parte de la vida de los grandes artistas de la música clásica, expresar a través de entrevistas y fotografías lo que cada director de orquesta, sopranos y tenores, instrumentista y otro cúmulo de oficios dependiente de este magnífico arte llamado música, hacen en su día a día, cómo se compenetra cada uno con su oficio, y qué experiencia puede transmitir y por qué no, alguna anécdota que enriquezca al lector. Cada artículo está debidamente revisado para llevar una información limpia, estructurada, entendible y confiable para que todos los amantes de lo clásico en cuanto a música disfruten.
Contenido Gustavo Dudamel
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Jesús Ruíz Mantilla
Andrea Bocelli
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Sarah Brightman
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Pagar por hacer música
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Helbert Von Karajan
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Siempre nos quedará Mahler
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Javier Ansorena
Alan Lomax
Tomás Marcos
P. de Plunkett
Pablo L. Rodríguez
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G Gustavo Dudamel “Espero aprender hasta que me entierren”
Jesús Ruíz Mantilla
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staba llamado a ser la gran esperanza para la música clásica. Pero Gustavo Dudamel no solo se ha consagrado ya ante los podios y las orquestas más importantes del mundo, sino que demuestra una audacia en el negocio que va más allá de la mera interpretación o la punta de lanza de un proyecto educativo, donde se podrá acceder a través de su web a su nuevo disco dedicado a Wagner grabado con cerca de 200 músicos de la Orquesta Simón Bolívar. Dudamel, que responde a esta entrevista, apuesta por una masiva expansión de su arte antes de una nueva gira 8
con la orquesta venezolana, la joya de la que salió este director, creado por José Antonio Abreu en 1975. Su prioridad ha sido siempre abrir la puerta de la música clásica en cualquier forma o manera en que me sea posible. En esta ocasión ha planificado mejorar la experiencia del concierto al dar algo muy especial en su origen. Además, su discográfica [Deustche Gramophon, Universal] apoya este proyecto. P. ¿Fue Wagner mesías de un tiempo que va más allá del nuestro?
R. Wagner conecta tantos aspectos de la historia de nuestra
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música, e ilumina tanto de lo que ha sucedido tras él… El término mesías iría quizás demasiado lejos. No se me ocurre otro compositor mejor que Wagner para dar matices al Sistema de orquestas venezolano. Mi sueño es dar un paso adelante con la Simón Bolívar, pasar de ser considerados como una orquesta de jóvenes a algo que sea tomado mucho más en serio. Sabemos que no hacemos música de la misma manera que las orquestas europeas. Nunca ha sido nuestro objetivo imitarlas, sino crear algo que sea completamente nuestro, un sonido y una interpretación del repertorio que sólo la
juventud, la energía, el compromiso y el espíritu de El Sistema puede prestar a estas obras. Eso nos ha inspirado para comenzar a construir un proyecto en Venezuela.
P. Usted ha colaborado con varias de las grandes Filarmónicas. ¿En qué se complementan respecto a la Simón Bolívar? R. Lo que más he amado son los intercambios que hemos tenido con estas formaciones y como nos hemos enriquecido mutuamente. Todo el mundo conoce en qué medida Simon Rattle ha apoyado nuestro trabajo en Venezuela, pero lo que no sabe tanta
gente es que los músicos de la Filarmónica de Berlín llevan viajando a Venezuela desde hace años para formar y compartir sus conocimientos con nosotros. Con La Scala hemos desarrollado una relación muy estrecha y este verano, hemos sido invitados a tocar en el foso de este teatro de ópera legendario para interpretar La Boheme. No puede uno ni imaginar cómo es de excitante —¡y terrorífico!— para los músicos de mi orquesta sentarse en un teatro de ópera así de mítico. P. Confesaba hace poco: “Ya no soy un joven director”. Acababa de afron-
G tar su proyecto Mahler, estaba en sintonía con Richard Strauss. Wagner parecía biológicamente a punto para pasar a sus manos. ¿Se considera un director maduro?
R. Este año ha sido un año de referencia para mí en muchos aspectos. Es más, no estoy seguro de que haya habido otro año en el que haya sentido que he crecido tanto en mi visión y haya resuelto tantos aspectos. Decir que me siento “lleno” no sería correcto. Cuando comenté aquello de que no era ya un joven director no olvidaba añadir que espero seguir aprendiendo hasta que
me entierren. Porque no creo que pase un solo día en el que no me quede totalmente sorprendido ante lo que experimento. Puesto que hablamos de Strauss, y los conceptos que acuña sobre auto-dominio y auto-superación los cuales están ligados a la comprensión por su parte de estos dos grandes compositores: Strauss y Wagner. P. Y como padre, ¿en qué medida esa experiencia le ha dotado de otras dimensiones humanas y artísticas? R. He pasado mucho tiempo con mi familia este año y en particular con mi mujer y mi hijo. Ver a mi hijo
crecer y desarrollarse me ha influenciado de tantas maneras diferentes que siento la obligación personal de contribuir encontrando más energía y tiempo que poder centrarme en su desarrollo pero al tiempo, también poder aprender de él. P. Puede que el mayor enemigo de Wagner sean los wagnerianos. ¿Cuál es el daño que pueden seguir produciéndole? R. Custodiar una tradición no es necesariamente algo malo. En realidad se dan momentos y lugares para que ello suceda. Esto último no implica que no tengamos que
aproximarnos con una mirada fresca de vez en cuando, y eso es lo que estamos haciendo con esta grabación. Aprendiendo juntos, mi orquesta y yo, compás a compás, nota a nota, momento a momento...ha sido demasiado emocionante. P. ¿Qué respuestas nos ofrecen los enigmas de El anillo? R. Es una historia universal y eterna. Sobrevive al paso del tiempo y a los medios artísticos para ser contada una y otra vez e integrada en nuestra psique, algo que sucede tan raramente en el mundo actual, rápido, inmediato, online, digital… Es una de las cosas que más amo
de esta obra. Y no me tomo a la ligera la responsabilidad asociada a la hora de proteger esta integridad. P. ¿Podría hacer un retrato de la Venezuela actual? ¿Qué le aflige de ella? ¿Qué le preocupa más? ¿Cómo ve su futuro? R. Contribuyo dónde y cómo puedo. Siempre me veo en primer lugar como padre y director musical. No me corresponde comprometerme profesionalmente a otros niveles. Esta es una pregunta tremendamente compleja sobre la que discutiremos a lo largo de muchos años.
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Andrea Bocelli:
«No puedo hacerme el mártir» La voz italiana más internacional canta al amor, a los grandes de la ópera y ahora también al cine. «He visto cien veces más que quienes siempre hablan de mi incapacidad», asegura. Javier Ansorena
A
ndrea Bocelli resulta ser una persona con un físico imponente. Su altura se acentúa cuando, al final de la entrevista, se levanta de su sillón y se acerca a dar la mano. «¿Sabes por qué no me gusta hablar de mi discapacidad?», pregunta, y no espera para dar la respuesta: «Me vienen a preguntar cosas como si fuera totalmente inválido y no estoy de acuerdo. Yo he visto mucho en la vida y no me puedo hacer el mártir». Lo dice con una voz suave, contenida, que guarda sus cuerdas vocales para empresas mayores. Pero el mensaje llega con 10 www.allegromusic.com // Dic 2015
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«De pequeño escuchaba la voz de Sinatra, Mario Lanza y otros grandes. Y soñaba con cantar sus canciones»
rotundidad, a pesar de que sus asistentes avisan de que no le gusta hablar de su ceguera, que le incomoda, que es capaz de levantarse de su silla y marcharse. «He visto cien veces que más que quien siempre hablan de mi incapacidad», dice. Pero no es un Bocelli furibundo, sino dulce, amable, meloso. Como sus canciones. Cajón de sastre Bocelli gasta estos días su garganta en la promoción de «Cinema», su último disco, una selección de grandes canciones de la historia del cine. Es un cajón de sastre donde entran clásicos del musical -desde «No llores por mí Argentina» a «The Music of the Night», de «El fantasma de la ópera»-, «Por una cabeza», de «Perfume de mujer»-, «Moon River», «Gladiator» o «La vida es bella». «Son canciones que conozco de toda la vida, de cuando era pequeño y escuchaba la voz de Frank Sinatra, Mario Lanza y otros grandes intérpretes. Yo soñaba entonces cantar estas canciones algún día», dice el cantante. Las bandas sonoras son el mejor
ejemplo de que la música «vale por sí misma», explica. «Cuando escuchamos estas canciones sin ayuda de las imágenes tienen una fuerza que se basta y se sobra». «Cinema» supone una vuelta a la rama romántica de Bocelli, con toques pop -en el disco firma un par de duetos, entre ellos con una estrella estadounidense, y luego un parón en su actividad operística. «Necesitaba un des-
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canso», reconoce Bocelli, que ha grabado recientemente. En el escenario, sobre todo en la ópera, no se puede elegir entre cantar con el corazón o con el cerebro. «Hay que hacerlo con ambos, porque sin el corazón no hay arte, pero sin el cerebro existe el riesgo de no llegar al fondo de la música». Bocelli canta con los ojos cerrados, como lo hacen los cantaores flamencos cuando rebuscan el fondo del
alma. «Eso es cierto en todos los géneros musicales. Cuando la música propone algo al alma, cuando la quiere hacer crecer o dilatar, siempre es introspectiva». El flamenco lleva la conversación a España, donde Bocelli estuvo la pasada primavera. Cantó en la Sagrada Familia de Barcelona y se compró un caballo andaluz, una de sus pasiones. «Llegó a mi casa la semana pasada»,
celebra con una amplia sonrisa. También tuvo tiempo para otra afición, el «calcio». «Me encanta el fútbol español, es un espectáculo y cuando veo el juego de Messi o Ronaldo es algo muy divertido». Deja claro que no le guarda rencor a ese deporte. Aunque tuvo problemas de visión desde su nacimiento, perdió la vista por completo en un partido de fútbol, a los doce años, jugando de portero.
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«Me encanta el fútbol español. Y cuando veo el juego de Messi o Ronaldo es algo muy divertido» «Tenemos que vivir de recuerdos», reconoce Bocelli. Pero no habla para nada de su ceguera -«no es interesante», sino otra vez de fútbol. «El 2006 todavía está en el corazón. Y también 1982,
¿eh?», dice sobre los últimos Mundiales que ganó la escuadra «azzurra», y ríe, se atusa su pañuelo de seda multicolor y parece que se le ilumina la mirada detrás de sus gafas de aviador. Dic 2015 // www.allegromusic.com 13
1960
Sarah Brightman Ve la primera luz Alan Lomax
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arah Brightman nació el 14 de agosto de 1960 en Berkhampstead, Reino Unido, y desde pequeña dio muestras de sus aptitudes para convertirse en estrella, pues rápido aprendió ballet y cautivó con su voz. A los 13 años debutó en teatro con el papel protagónico en la puesta en escena “I and Albert”, en el London’s Piccadilly Theater (1973). Tres años después se unió al grupo británico de dance “Pan’s people” y se presentó en importantes “shows” de televisión, como “Top of the pops”. Cuando tenía 19 años conoció al que sería su primer esposo, Andrew Graham Stewart, quien fue su productor y representante por un tiempo. Posteriormente, su carrera dio un paso más, cuando apareció
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en un comercial como vocalista del grupo musical Hot Gossip. En ese tiempo la banda figuró de manera sorprendente en el Top-5 británico con el tema “I lost my heart to a starship trooper”. Un año después de unirse al grupo pop, Sarah regresó a sus raíces teatrales, al sumarse al reparto original de la obra “Cats”, para después estelarizar “Nightingale”, en Charles Strouse´s. Mientras que su carrera musical y teatral florecían, Brightman continuó su dedicación a perfeccionar su voz clásica, por lo que entró a la prestigiada academia Royal College of Music. Años después el incremento de su popularidad y talento la llevaron a aparecer en los papeles más prestigiosos en teatro. Así, protagonizó “Requiem”, de Andrew Lloyd Webber, en Lon-
dres y Nueva York, motivo por el cual obtuvo la nominación a Mejor Artista Nuevo de Música Clásica. En ese entonces se separó de su primer esposo Andrew Graham e inició un romance con Andrew Lloyd Webber (quien estaba casado) y terminó por contraer matrimonio con él poco tiempo después. Andrew impulsó su carrera teatral; sin embargo, la unión acabó de manera amistosa seis años después, en 1990, debido a las largas ausencias de él y el arduo trabajo de ambos, además de las especulaciones de que ella obtenía papeles principales en las obras por su relación con Webber. Sin embargo, sus problemas personales no interfirieron con sus proyectos laborales, ya que ambos siguieron trabajando. En el ámbito musical, en 1989 Sarah presentó su primer
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disco ya como solista, titulado “The songs that got away”, pero fue hasta su segundo álbum llamado “As I came of age” que despegó su carrera. La actriz decidió viajar a Los Ángeles para trabajar en su carrera musical, así que pidió el apoyo de uno de uno de sus integrantes, Frank Peterson, quien se convirtió en su productor y además tuvo una relación amorosa. Su primer disco en colaboración con Sr. Frank se llamó “Dive”, del cual se desprende el éxito musical “Captain Nemo” (1993). Desde los 90 hasta la fecha ha grabado varios discos con mucha riqueza musical, como “Fly” (1995), que incluye una canción utilizada en el campeonato de boxeo en Alemania y la incomparable interpretación de “Time to say good bye”, con el tenor italiano Andrea Bocelli. En el álbum “Timeless” (1997) compartió créditos con la Orquesta Sinfónica de Londres, grabó un “cover” del grupo Queen, y grabó con José Carreras. En álbum “Edén”, de 1998, integró un dueto con Richard Marx, un “cover” del grupo español Mecano; entre otros sencillos clásicos. En el 2000 lanzó el disco llamado “La luna”. “Classics” se
estrenó un año después y fue una recopilación de interpretaciones clásicas y una versión sola de “Time to say good bye”; el disco “Harem” (2003) se realizó inspirado en el Medio Oriente y con canciones adaptadas por Sarah y Frank.Su álbum “The harem world tour, life from Las Vegas”, lanzado en 2004, contiene más de 20 canciones, detrás de cámaras y entrevistas con la intérprete. El álbum llamado “The very best of Sarah Brightman”, contiene los temas trascendentes de su carrera como solista. En 2008 engalanó con su voz la inauguración de los Juegos Olímpicos de Beijing. Un año después, Brightman lanzó en Japón “Amalfi: Sarah Brightman Love Songs”, el cual es la banda sonora oficial de una película japonesa. En otoño del mismo año inició una gira de conciertos por América Latina para promocionar su disco “Diva”. Algunas de las presentaciones fueron realizadas en México. Participó en las actividades de clausura del Festival Internacional de Chihuahua en el mismo año; la cantante culminó la gira en la zona arqueológica de Chichén Itzá. En noviembre de 2009 la intérprete estuvo a cargo del tema
principal de un drama histórico titulado “Saka Kumo no Ue no”, el cual se incluyó en el álbum de la banda sonora del drama. En octubre de 2010, inició una gira artística llamada “Sarah Brightman In Concert with Orchestra”, presentándose en Japón, Corea del Sur, Macao, Canadá y Ucrania. Dio un recital en el templo de Tadai-ji en Nara, que fue grabado y transmitido por la red de televisión TBS a escala nacional en Japón. El filme “First night”, bajo la dirección de Christopher Manaul, en el que Brightman compartió créditos con Richard E. Grant y Mía Maestro, otros, fue estrenado en 2011 en el Festival Internacional de Busan, en Corea del Sur, y durante marzo pasado en el Festival Cinematográfico de Glasgow. En noviembre de 2013, ofreció en México, en el marco del tour “Dreamchaser” una serie de conciertos en cuyos conciertos presentó el sencillo “One day like this”. En 2014 continuó la gira “Dreamchaser”, en Europa, pero tuvo que cancelar sus presentaciones en América debido a una fractura de tobillo. Ese año aceptó un proyecto para grabar un tema en el espacio; no obstante, canceló sus planes en 2015.
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PAGAR POR HACER
MĂşsica
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La música es, sin duda, un arte, pero su ejercicio es también una profesión para la que hace falta una formación larga y sacrificada; y se supone que una profesión es el ejercicio de un oficio que permite ganarse la vida. Por ahora nadie niega directamente que los músicos que tocan o componen deban tener una cierta remuneración por su trabajo, pero la realidad lo desmiente ampliamente en esta sociedad. Si en algo se ha notado musicalmente la crisis puede ser en la situación de muchas de las orquestas españolas que desempeñan en precario su labor. Algo que llega hasta los sueldos de los músicos, que en muchos casos han sido rebajados. Incluso se ha llegado a intentar, y en algunos casos a conseguir, el hacer a los músicos de orquesta trabajadores fijos discontinuos, es decir, que en los periodos de vacaciones se les suspende de sueldo. Fuera de las orquestas, algunos jóvenes solistas han visto impulsadas sus carreras por el hecho de que se les daba una oportunidad y
se tenía a un buen concertista por poco precio. Algunos hasta han conseguido notoriedad, algo que les ha servido para constatar que no pueden aspirar a más y, o siguen tocando a precio de becarios, o deben dejar el puesto a otros que están dispuestos a aceptar lo que sea con tal de tocar. Recientemente se ha dado un caso de un excelente cuarteto de cuerda que pretendía tocar en el ciclo de un importante centro público donde les interesaba hacerlo. Después de atravesar mil vericuetos administrativos, en los que todo el mundo les decía lo buenos que les parecían y lo interesante que era que tocaran, al final les concedieron un hueco y solo les costaría 400 Euros por los gastos de sala. No solo no les pagaban, sino que encima tenían que poner dinero. Así que ahora tocar ya no es una manera de ganar algo, sino de perder lo menos posible. El ejemplo anterior se refiere a ciclos ya existentes, no a un alquiler de sala. Pero desde mucho antes de la crisis, el problema de los alquileres de escenarios públicos dista mucho de estar resuelto. Esos espacios, que han sido construidos como equipamiento cultural público con dinero de todos, resulta que se alquilan.
No hay ningún control sobre la calidad de lo que se va a ofrecer y las autoridades se conforman con embolsarse el dinero. Espacios emblemáticos de la música, la ópera o el teatro público, se alquilan para presentar líneas de perfumes o marcas de chorizo, que de todo ha habido, sorteos de lotería, o las cosas más impensadas. Pero esos espacios fueron una inversión pública para una función cultural, no para ganar dinero con ellos de cualquier manera. No es que nunca hayan abundado los encargos de obras, pero hasta hace pocos años había algunas instituciones que los hacían. Eso se ha
No deja de ser curioso porque son entidades con cierto presupuesto que pagan a solistas internacionales mucho más de lo que cuesta un encargo. Bastaría con suprimir uno para tener una, o incluso dos, obras escritas para ellos. Lo que hace pensar que en realidad su ánimo de encargar solo es un rutinario lavado de cara para algo que no interesa para nada. Si entramos en el capítulo de la musicología, la crítica musical o la ensayística, el terreno se nos hará incluso más árido. De siempre, escribir sobre música ha sido algo muy mal pagado en este país. Pero, de todas formas, mal pagado no significa no pa-
En fin, una actividad profesional, como es la música, se está convirtiendo en un hobby que empieza a ser costoso acabado por completo, incluso para las orquestas que antes no encargaban demasiado pero sí algo. Ahora, la mayoría se acogen al convenio con la Fundación Autor, que nació como un complemento y se ha convertido en el único recurso. No se trata de alguien que esté buscando un estreno de lo ya hecho, sino de una petición de obra nueva para esa institución que la quiere, pero gratis.
gado, que es a lo que se ha llegado en la mayoría de los casos. No es raro que te persigan para que escribas algo marchando por delante el eufemismo de que “no hay presupuesto”. En fin, una actividad profesional, como es la música, se está convirtiendo en un hobby que empieza a ser costoso. Antes había que pagar, mal o bien, la música; ahora hay pagar por poder hacer música.
Tomás Marcos Compositor y ensayista español
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Helbert
Von Karajan P. de Plunkett
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lego al aeropuerto de Zurich en una mañana pálida y fría; el minibus que me traslada desde el avión se desplaza por entre los hangares, donde están los jets privados, y delante de todos ellos, solitario, hay un pequeño birreactor, el Mystère 10. En la cabina del piloto se divisWa el perfil de un rostro escondido bajo la larga visera de una gorra, y al traspasar la puerta, el mismo Herbert von Karajan. Voy a pasar dos días en el chalé de Saint-Moritz del último monstruo sagrado de la música clásica, el hombre sobre cuyos hombros descansa la mayor responsabilidad orquestal de Europa, famoso en todo el planeta, a cuya casa muy pocos periodistas han sido invitados desde hace dieciséis años. Se dice de él que es altivo e inalcanzable, pero, lejos de eso, es, por el contrario, un caballero ascético y atento.
Durante horas, Von Karajan va a hablar sobre lo que más le interesa: primero, su orquesta, y después, las incertidumbres de Occidente. —Todo el mundo asegura que vivimos en una época de decadencia y yo no puedo impedir a la gente que piense así, pero es completamente falso. —¿Es usted optimista, maestro? —Sí, profundamente. No sólo porque tengo la suerte de dirigir una orquesta sin igual, sino porque hemos sacado la música clásica de sus capillas, hemos contribuido a la evolución del espíritu. A los veintiún años dirigía la pequeña orquesta de Ulm y vendía abonos de puerta en puerta; cincuenta años más tarde la música se ha convertido en el pan de cada día para millones de personas. Dic 2015 // www.allegromusic.com 21
A sus 74 años, Von Karajan piensa: Que ninguna fatalidad puede destruir el mundo, que la técnica y la industria masiva ofrecen a la cultura un potencial de conquista sin prece¬dente histórico. Que esta conquista tiene como ley primordial el súper esfuerzo, la selección y la excelencia. —¿Es usted elitista? —¿Elitista? ¡Súper elitista! —Sólo lo mejor es aceptable. El mal que perturba nuestra sociedad es no exigir lo mejor posible. Desde mi primer contacto con la Orquesta Filarmónica de Berlín, en 1937, me dije: “Si deseo algo por encima de todas las cosas es esto. Este es mi universo”. —¿Por principio? —No, porque necesitaba toda una vida para llegar a donde yo quería: al punto en que a 22 www.allegromusic.com // Dic 2015
partir del cual las cosas se encarnarían en el mmento en que yo las pensara, y llegar a ese punto implica un trabajo educativo de larga duración. Como ocurre en el arte: cada mejora es como traspasar un umbral gigantesco. —¿Qué son las faltas para un Von Karajan? —El producto de la pereza, de la debilidad a expensas del ritmo. Y el ritmo es una conquista permanente sobre la dejadez, una lucha para no dejarse llevar por la inercia. Para acceder, por el esfuerzo, a una segunda naturaleza más elevada. Puedo soportar una nota falsa, pero nunca un error de ritmo. —La desenvoltura de Furtwängler y la precisión de Toscanini unidas: esta es la idea a la que siempre he tendido. A mis alumnos les digo: “Una orquesta es como un barco, colocadlo en la posición apropiada y él hará el resto”.
—¿Se trata, pues, de una búsqueda en la parte espiritual? —Se trata de una conquista de lo implícito, una andadura hacia la esencia de las obras. Al cabo de tiempo, si no se ha violentado nada, se, progresa hacia su verdad, se encuentra su ritmo natural. Es una ley de vida.
y seis meses antes de la primera repetición todo está dispuesto; revisa incluso las luces y no permite los vaqueros durante los ensayos, ya que, en su opinión, el vestido influye en la actitud, y todos los que trabajan a sus órdenes deben estar ataviados siempre como el día del estreno.
—¿Entonces es...? —Un vuelo de pájaros salvajes.
Von Karajan, el austríaco reina en la actualidad sobre un imperio musical universal, y medita sobre el impacto formidable y misterioso de la música sinfónica europea en Japón:
—¿Perdón? —Un vuelo de pájaros salvajes. La armonía indecible. Ciento veinte personas fundidas en una sola, en la gracia del instante. —¡Pero contra la pereza y la fatiga está la voluntad! Y, si se posee decisión, toda la orquesta te sigue en bloque. En cambio, si cometes el más mínimo error o si dejas entrever la más mínima debilidad interior, lo notará al instante, con una potencia emotiva capaz de hacerla fracasar por completo. El maestro, con la mirada perdida en las cercanas cumbres, reanuda la conversación —Hoy día todos los músicos quieren convertirse en directores de orquesta. ¿Por qué? Porque el director goza de una autoridad y una fuerza de expresión únicas. Su poder de decisión se extiende a todo; es un verdadero dictador y el hombre de 1982 detesta a los dictadores, cuando lo son los demás, naturalmente, porque, si tiene oportunidad de convertirse en dictador él mismo, su punto de vista cambia. Es de sobra conocida la obsesión de Von Karajan por el detalle, por el perfeccionismo; él mismo se ocupa de la puesta en escena,
—Multitudes fascinadas e inmóviles, un pueblo introvertido, con una concentración perfecta, clubes de jóvenes nipones cuya norma es llevar cada uno un disco por mes... —¿Y los jóvenes occidentales? —Viven entre ventajas que me hubieran pa¬recido, en mi adolescencia, sueños demenciales, y, sin embargo, ofrecen un aspecto cansado, aburrido, saturado... Saturado sobre todo de música mala. Pero la cosa no es tan sencilla, antes de los diecisiete años, esta generación presta atención al rock, pero cuando salen de la universiad se llevan consigo cientos de discos de música clásica. Algunos me escriben entusiasmados y me dicen: “Tengo todos los suyos”. “O Von Karajan es sobrehumano”, escribía Maurice Clavel algún tiempo antes de morir, “o no va al fondo de todo”. Una suposición prematura, puesto que el interesado ha dado la respuesta ya: para ir hasta el fondo de su voluntad sabe que le serían necesarias varias vidas.
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Siempre nos quedará
Mahler Pablo L. Rodríguez
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ndris Nelsons reconoce que le habría encantado conocer a Mahler en persona. Imposible, al llevar muerto más de un siglo, pero también comprensible. Su música parece tan actual y cercana que hasta los productores de la Warner quisieron contratar sus servicios como compositor fílmico tras el éxito de Morte a Venecia en 1971. A Nelsons le habría gustado preguntarle por el famoso Adagietto de su Quinta sinfonía, cuyo tempo debería ser más rápido que en la famosa banda sonora utilizada por Visconti. La Quinta de Mahler carece de programa, pero parece claro que su diseño inicial se vio alterado por el encuentro con Alma Schindler en noviembre de 1901. Tras dos primeros movimientos fúnebres y vehementes, o un scherzo plagado de humor negro, aparece Alma y todo cambia con el amoroso Adagietto o la henchida felicidad del Allegro giocoso final. Obviamente nada hubiera sido posible sin la impresionante Lucerne Festival Orchestra que regresaba a Ibermúsica El espíritu del director milanés sigue vivo en esta orquesta formada por solistas y amigos como prueba fehaciente de que su concepto del “Zusammenmusizieren” le ha sobrevivido. Un “ejército de generales”, que diría Charles Burney, donde todos se escuchan y se apoyan entre sí, pero donde reina la excelencia de los primeros atriles de grandes orquestas europeas junto a los integrantes de la Mahler Chamber Orchestra y prestigiosos grupos de cámara como los cuartetos de Leipzig o Hagen. Fue un lujo contar con el solo inicial de trompeta de Reinhold Friedrich, las intervenciones del trompista Alessio Allegrini en el Scherzo.
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