N A 誰F
N A 誰F
DEFINICIÓN El término “naïf” (naives) proviene directamente del francés y significa “ingenuo” o “simple”. El arte naïf (también llamado primitivista) discurre paralelo a las diferentes épocas estilísticas, recogiendo la actividad creadora de artistas de vocación tardía, por lo común provenientes del campo o de pequeñas ciudades, autodidactos y totalmente desconocedores y desligados de la cultura “oficial” o academicista. El arte naif es la que producen ciertos adultos que carecen de educación artística, pero que preservan, en buena medida, la mirada plástica de los niños, con todo lo que ella tiene de asombro primigenio, vuelo fantasioso, desinhibida expresión y encantadora torpeza. El arte naïf es casi siempre figurativo, aunque puede abarcar desde la intención representativa naturalista, hasta el afán fabulesco y el delirio onírico. En el plano formal, se caracteriza por incorrecciones técnicas no deliberadas (y ni siquiera conscientes), especialmente en el tratamiento de la perspectiva y de las proporciones. Aplicado en el arte, se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático. En la estética naïf destacan el uso de colores alegres, la amabilidad sensible de los temas y la búsqueda de estilización y perspectivismo. El artista naïf manifiesta lo que su especialidad sensibilidad capta del mundo real con espontaneidad y sencillez, por lo que su arte puede parangonarse al popular o incluso, a las creaciones plásticas de los niños (ingenuismo).
El estilo no sólo se circunscribe a lo ingenuo y la ingenuidad sino también a una grata sencillez que, en el arte, se trasunta por un evitar rebuscamientos o sofisticaciones. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia (“ingenuidad”) respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y en segundo lugar por una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia y en tal caso la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones, en el segundo de los casos para que el naïf sea auténtico la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuestamente ingenua, este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público-meta que puede ser potencial comprador.
TEMAS Aunque el genuino naíf por defi nición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de “arte naïf” a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo).
HISTORIA El termino Naïf proviene directamente del francés y significa ingenuo. Este es el término que designa un terminado tipo de arte pero lo ingenuo ya estaba mucho antes que se hablara de naïf. Es decir, tenemos una larga tradición del arte ingenuo desde la segunda mitad del s.XVI, en el s.XIX se habla de categoría estética (el s.XIX es el gran siglo de la teoría del arte y la estética forma parte de ella). En pleno s.XX, por su gran aceptación en Francia, pasa a tomarse el término francés.
tiempos felices y sencillos. Esta nostalgia en lo Naïf se da mucho más en los artistas americanos que en los franceses. Podemos hablar de dos grandes sitios donde se origina el gusto por lo ingenuo al mismo tiempo: Francia y América. En América el lirismo es mucho mayor que en Francia, por el sentimiento de perdida de la patria está muy arraigado. En el s.XVII, excepto para los nativos americanos, todo el mundo tenía próxima una historia de perdida de su origen, de su tierra, su propio paraíso natal.
En esta categoría hay un substrato cultural bastante complejo. Por ejemplo, en el s.XVIII Winckelmann y Herder consideran lo ingenuo como la expresión mas pura del arte. Luego en el s.XIX esta idea de pureza va mucho mas allá: Por un lado Schiller considera que la época mas pura e inocente es la época clásica. Él que es poeta, entre otras cosas, analiza la poesía desde la antigüedad (Homero, Sófocles) y detecta que hay “un algo” que se repite a lo largo de toda la historia en autores como Dante, Cervantes, Shakespeare, Sterne y Goethe. Cree que en lo clásico se da lo inocente. Se debe pensar en el concepto como lo ven en el s.XIX, referido al mundo clásico, categoría que inunda la antigüedad (Grecia y Roma), donde la belleza es el número. Así que podemos apuntar la primera característica de lo Naïf: la simplicidad. Por otro lado, tenemos a Henri Rosseau que ve en lo inocente la búsqueda de una época pasada, a los orígenes de uno, a lo primitivo. Podemos apuntar una segunda característica: la nostalgia por lo perdido; por la patria, por los
Las primeras muestras de lo ingenuo las encontramos durante la segunda mitad del s.XVII con algunos relatos pioneros, generalmente anónimos, realizados por artistas deambulantes. Esto será otra característica: los artistas callejeros. En el s.XX la cultura de masas modifica el concepto y se convierte en una “simpleza” de la cultura del consumidor y también en una “docilidad ingenua” del artista. Mientras que antes la ingenuidad representaba el carácter fundamental del genio, ahora es la expresión de la docilidad hacia una industria cultural. Eso lo dice Adorno. Los pintores naïf primero suscitaron una simple curiosidad por parte del mundo del arte. Henri Rosseau hizo una exposición en el Salón Independiente de París en 1886 pero, como ocurre en muchos casos, a su muerte comenzará la fiebre por lo naïf. En Nueva York, en el Museo de Arte Moderno, se hizo una exposición con el nombre “Maestros de la pintura popular” en 1938 donde se reafirmó la importancia el arte naïf.
Estos pintores renegaban de la academia y también de las inquietudes vanguardistas y se limitan a contemplar el mundo con una frescura de excepcional emoción. Esto dio lugar a subproductos. La característica de lo naïf que más nos llama la atención, es esta aparente inexperiencia de los artistas. Por eso se ha relacionado muchas veces lo naïf con lo infantil. ¿Tiene el artista la voluntad asemejarse a los dibujos infantiles? La respuesta es que no. Así que decir que lo naïf es infantil no es del todo incorrecto pero sí es una consideración superficial y muy limitada. Es bastante difícil definir unas características para todos los pintores naïf porque la forma de la ingenuidad puede diferir en extremo entre un y otro artista pero hay quien coincide, a parte de la torpeza plástica, en la predilección los colores “chillones” y sobretodo la singularidad del tema y la composición. El artista naïf autentico es aquel que como buenamente puede plasma su sensibilidad y admiración por la vida. Se ha visto esta tendencia como una forma de rebelión contra la burguesía (tanto intelectual como material). En todo esto se ve una pequeña incongruencia: si hay una voluntad crítica contra el sistema del arte basado en que unos pocos especialistas valoran lo que es y no es arte, ¿por qué exponen en galerías y museos de alto copete como el Tate Muesum de Londres? Esto hace pensar en qué cambia la percepción de lo naïf. Anatole Jakovski, especialista francés en esta pintura, dice que “la verdadera novedad artística se inicia sólo con los naïf, en su mayor parte
campesinos de cualquier rincón del mundo”. Con respecto a los centros o focos de artesanía o arte “popular”, menciona Boulton lo siguiente: <En esos lugares se crearon lo que podríamos llamar escuelas como consecuencia, en la técnica, de una tipología en las obras, en la que ciertos rasgos característicos de dibujo, de colorido, de tratamiento de la materia, presentaba una persistencia evidente (...) Es bueno tener presente que el arte o artesanía que se va a producir después, se va a dar en dos vertientes: una raigambre popular pura, y otra culta como consecuencia de la enseñanza que se impartía en las escuelas de la colonia (...) fundidos o no, dieron origen al arte popular de hoy.>
EL ARTISTA NAÏF El arte Naif es aquel que desarrollaron un grupo de artistas al que denominaron naifs o aficionados por el hecho de no dedicarse la pintura como actividad principal, sino al margen de sus respectivas ocupaciones profesionales. No tuvieron formación académica, en todos los casos fueron creadores autodidactas. El autodidactismo que practican la mayoría deriva del deseo de huir del academicismo para conseguir unas manifestaciones artísticas menos contaminadas por los convencionalismos. Se le ha calificado también de ingenuo, pero esta ingenuidad no debe ser considerada de forma peyorativa, sino que está ligada a la búsqueda de la simplicidad para ofrecer así una visión del mundo sincera y exenta de artificios. Su particular idea de concebir el arte, no como algo reflexivo y trascendente, sino como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior, ha hecho que sus obras muestren como rasgo principal el ambiente completamente sereno y despreocupado que otorgan a la existencia. Han sido valorados como las únicas formas artísticas íntegras, ajenas a cualquier tipo de contaminación externa. Las principales características del arte naif son: contornos definidos con mucha precisión, falta de perspectiva, sensación volumétrica conseguida por medio de un extraordinario colorido, pintura detallista y minuciosa y gran potencia expresiva, aunque el dibujo puede ser incorrecto. <Un arte libre de convenciones, fresco y espontáneo. Así es como muchos definen las obras que se enmarcan en la corriente estética naïf.>
Esta definición comprende alguna de las características significativas que diferencian al artista “naïf” del artista “convencional” que ha recibido una formación técnica en alguna escuela o academia. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de “arte naïf” a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo). Para una mejor comprensión de la esencia de la pintura “naïf” intentaremos recoger sus elementos fundamentales: * El artista “naïf” no llega a comunicar de forma intencionada un “mensaje” en su pintura; tan sólo cuenta un relato, de forma ingenua y encantadora. El artista convencional busca un mensaje determinado y de forma deliberada. * El mensaje estético o ideológico que pueda transmitir el artista “naïf” brota originalmente como un manantial. Es decir surge de forma inconsciente y no premeditada. Lo crea sin saber el cómo ni el por qué. * El “naïf” nunca distorsiona la realidad intencionadamente. Intenta afanosamente reproducirla “lo mejor que puede”. Este esfuerzo enconado y entusiasta puede traslucirse de sus trabajos. La resistencia que encuentra a la hora de plasmar la realidad se contemplan claramente en su pintura. Por tanto podemos decir que un “naif” es en esencia una persona que pinta sin tener formación académica y por tanto es autodidacta. Su intuición le permite conseguir un “estilo”, un modo de expresión propio pero carente del conocimiento de las normas técnicas de la pintura (perspectiva, sombreado, juego de volúmenes, armonía de formas y
colores, composición etc...). La esencia, pues, del artista “naïf” se encuentra en la “frescura” personal no impregnada de ningún modelo estético aprehendido en las escuelas, que puedan condicionar o mediatizar su genuina forma de expresión. El pintor “naif” aparece desprovisto de convencionalismos, estereotipos y prejuicios adquiridos a través de la formación académica o por la imitación de las corrientes artísticas imperantes. De esta forma es posible hacer aparecer el “alma” naïf que se caracteriza por una cierta torpeza que irradia encanto, intuición afectividad y frescura derivada del arte “nato” y siempre “espontáneo” arte naïf.
REPRESENTANTES El interés por la frescura y el lirismo, se desarrolla primero en Francia en los comienzos del siglo XX, de la mano de artistas como Henri Rousseau que influye en la pintura de otros artistas del mundo. Henri Rousseau (1844-1910)
Se le reconoce un estilo naíf original y muy intuitivo que le otorga un lugar destacado en la pintura francesa de finales del XIX y principios del XX. Es el principal representante de este grupo. En Rousseau parece reunirse todo el arte naif. Fue conocido con el sobrenombre de “el aduanero” debido a su trabajo en la oficina de Aduanas de París. Aunque esta era su ocupación oficial, su verdadera pasión era la pintura, a la que se volcará por completo una vez que en 1983 se jubila. Sus cuadros chocaron con los convencionalismos de la sociedad burguesa del momento al recurrir a las técnicas realistas consideradas pasadas de moda. Pero esta peculiar manera de representar la realidad fue inmediatamente valorada por otros
artistas como Kandinsky, Picasso o Braque. Sin ser falso lo que pinta, tampoco es verdadero. Sus intereses temáticos se centraron principalmente en retratos y paisajes que desarrolló a partir de un lenguaje de gran ingenuidad e importantes dosis de fantasía. Como consecuencia de su autodidacta formación, se singularizó por el carácter extremadamente lineal, el empleo de unas perspectivas de gran convencionalidad aunque ligeramente sesgadas y el empleo de armónicos y sutiles colores, lo que se tradujo en unas producciones de naturaleza intemporal e imágenes arquetípicas reducidas a la esencia.
La encantadora de serpientes (1907) es emblema de su concepción artística. La exhuberancia y el grado de exotismo que logró imprimir a la representación de las selvas tropicales, hicieron pensar que incluso podía haber viajado a estos lugares, sin embargo, fueron fruto de la inspiración conseguida en los jardines botánicos de París. El tema exótico se halla inserto en una visión paisajística bastante compleja de planos, con contornos definidos y un extraordinario uso del color. En cuanto a la iluminación, destaca la tenue luz
que incide sobre la vegetación del bosque y se refleja en el agua. La figura de la mujer, de piel oscura, no recibe ningún foco lumínico, viene a ser una silueta. Ella toca una flauta y hace bailar no sólo a la serpiente, sino también a las plantas que aparecen iluminadas en primer plano. Es una misteriosa jungla que transmite un cierto grado de irrealidad y fantasía.
así como críticos del momento, sí reconocieron su talento y posible influencia. La gitana dormida sorprende por su extraña temática. Rousseau viste a la figura, que vemos desde arriba, con los colores del arco iris. El león no tiene apariencia real, parece un peluche agrandado. El vacío de la obra es muy sugerente, parece un ambiente propicio para escuchar las notas salidas de la mandolina que aparece en la composición. Es una obra casi surrealista por la descontextualización de motivos (el desierto y el agua, la fiera y el ser humano), la iluminación fantástica y la atmósfera lunar poco naturalista. Otras obras son Retrato de Pierre Loti, Retrato nupcial o Alegoría de la guerra. Séraphine Louis, Camille Bombois, Louis Vivin o André Bauchant son algunos de los pintores naif franceses más destacados.
El primer artista ingenuo que reconoce la Historia del Arte con cierta connotación de individualidad y excepción, es decir, como productor de significativas y singulares obras de arte. Esto quizá se deba a la potencial influencia que yace en el cuadro señalado, fechado para 1897. Por un lado el espacio es considerado un hipotexto para el surrealismo, la presencia del horizonte, la mujer y el animal en un tema claramente unido al onirismo. Por otro lado, tanto la guitarra como el jarrón, suelen ser tópicos recurrentes para el cubismo). Históricamente se reconoce el acercamiento que tuvo Rousseau con artistas de aquella época, Picasso, Toulouse-Lautrec, Cezánne, etc. Aunque algunos de ellos no sintieron respeto por el conocido Aduanero, llegando, incluso, a mofarse téte a téte. Otros,
Louis Vivin (1861-1936) Sus composiciones son de gran minuciosidad y su dibujo es muy preciso. Son típicas sus evocaciones de edificios de París, que aparecen representados ladrillo a ladrillo. En Mi pueblo Hadol en Los Vosgos destaca la inmovilidad de las edificaciones y la perspectiva que no da profundidad al paisaje.
Camille Bombois Es muy aficionada a representar con gran espontaneidad opulentas figuras femeninas y escenas de feria y de circo, en el que había trabajado como atleta.
André Bauchant (1873-1958) Era jardinero de oficio y empezó a pintar cuando contaba con cuarenta y cinco años. Prefirió las composiciones históricas o mitológicas y las trató con una grotesca seriedad.
Fiesta de la liberación de París. Séraphine Louis (1864-1942) Trabajaba como asistenta. Los cuadros de esta pintora, que había de perder la razón más tarde, tienen como tema flores y frutos de una fascinante original belleza, próxima al misterio de lo surreal.
Sus desnudos exaltan el poder de la feminidad y hacen pensar en las mujeres de la prehistoria. Toda su fuerza reside en la precisión y energía del dibujo, que confiere a las figuras planas su relieve y su fuerza. Desnudo con trazos en alto.
El árbol del Paraíso.
EL NA誰F EN LA ACTUALIDAD
PINTURA Como reacción al dinamismo futurista, el expresionismo y a la destrucción de las formas surgen las pinturas naíf y metafísica, fundamentalmente estáticas y figurativas, que entroncan directamente con el simbolismo. Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Se presentan como fruto de la intuición personal, suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas del campo o lugares salvajes; de ahí su cierta ingenuidad en la composición y el dibujo.
ILUSTRACIÓN
COLLAGE
FOTOGRAFÍA
MODA
MÚSICA En los años 80 dentro de la tendencia de la movida pop surgió algunas canciones que luego servirían de modelo a lo que se denominó como indie. Estas canciones se caracterizaba por unas letras muy rimbombantes, absurdas en muchos casos y que componían en su conjunto una extraña armonía. EMMANUEL NEGRA( EN EL VALLE DE LOS ZOMBIES)CIUDAD JARDIN Antes de entrar al cine se buscan en el fondo de sus bolsillos a ver si hay algo que les ayude a dominar el pánico atroz que invade sus espíritus hambrientos de nuevas emociones y terror. Cuando hay (¡ay!) tanto que hacer y tanto que no hay que hacer. Cuando hay (¡ay!) tanto que hacer y tanto que no hay que hacer y tanto que hacer. Antes de entrar al cine se buscan en el fondo de sus bolsillos a ver si hay espíritus hambrientos de nuevas emociones y terror. Cuando hay (¡ay!) tanto que hacer y tanto que no hay que hacer. Cuando hay (¡ay!) tanto que hacer y tanto que no hay que hacer y tanto que hacer. Emanuelle negra en el valle de los zombies. Emanuelle negra en el valle de los zombies.
La casa azul Una mezcla de la música disco de los 70, el europop de los 90, y abordando temáticas como el amor, la felicidad, la amistad, pero también la tristeza, el desamor y la frustración. El estilo de la banda se va a caracterizar por el contraste que surge por la combinación de melodías alegres con letras melancólicas. LAKa
El amor se juntó con el rock eslavo y nació Elvir Laković. Este cantante bosnio viene haciendo historia en la escena musical de la ex-yugoslavia. Su música concentra una visión inesperadamente opitimista, piadosa, y muy amante de lo animal (de hecho, fue veterinario de profesión). Siempre a su lado está Mirela “Lela” Laković, su hermana, compañera perfecta, la dulce pizpireta que guía al ingenuo lunático.
ARTESANÍA La artesanía es una economía, o productos del trabajo manual sin auxilio de la energía mecánica. Mientras que el folklore, donde nace la artesanía, es la forma de sabiduría del pueblo primitivo, simple, educado o la masa. Contraponiéndose al arte que es una manifestación de la psique colectiva de comunicación estética. La artesanía representa los valores estéticos de su posición socioeconómica. Son independientes culturales, con fórmulas estéticas propias. Diferencias y virtudes que tienen las artesanías sobre el Arte académico, en el pensamiento de Octavio Paz: La historia de la artesanía no es una sucesión de inventos ni de obras únicas. En realidad, la artesanía no tiene historia, si concebimos la historia como una serie ininterrumpida de cambios. Entre su pasado y su presente no hay ruptura sino continuidad. El artista moderno está lanzado a la conquista de la eternidad y el diseñador a la del futuro; el artesano se deja conquistar por el tiempo. Tradicional pero no histórico, atado al pasado pero libre de fechas, el objeto artesanal nos enseña a desconfiar de los espejismos de la historia y las ilusiones del futuro. El artesano no quiere vencer al tiempo sino unirse en su fluir. A través de repeticiones que son asimismo imperceptible pero reales variaciones, sus obras persisten. Así sobreviven al objeto up-todate.
Juan de la Cruz Andrade, Campesina preñada, talla en madera policromada, 84 x 24 x 17 cm. La escultura que presenta Juan de la Cruz, tiene un tema nada aproximado a la devoción religiosa, ni a la exaltación del héroe, ni la trivial escena costumbrista, que tanto sugieren los críticos sobre el tema que abarca el artista “popular”. En tal caso nos encontramos con una obra que se acerca al realismo social, como tema de alerta, más no una simple denuncia, develador antes que revelador. La faz de la madre con semblante melancólico, la caricia de la mano sobre su vientre, la otra se ciñe sobre el mango de un cuchillo, levantando su arista perpendicularmente al cuerpo, los pies descalzos, y una niña se sujeta a la pierna, escondiéndose. La violencia, el temor y la mujer se conjugan en un inefable trozo de madera esculpida.
INTERIORES Normalmente, si hablamos de decoración estilo naif pensamos de forma automática en decoración de habitaciones infantiles: habitaciones alegres y naturales, con colores vivos y cuadros de bonitas escenas campestres llenas de personajes y color.
Aunque el estilo Naïf es perfecto para decorar habitaciones infantiles, no impide que podamos adaptarlo al resto de nuestro hogar. Su ambiente se beneficiará de ese toque de dulzura e inocencia que en el naif nunca llegan a la nostalgia. Naïf en arte expresa la búsqueda de la candidez y la ingenuidad; por la espontaneidad y los colores brillantes y antinaturalistas. La expresión abarca hoy a un tipo de personalidad, un estilo artístico, y a las tendencias en moda y decoración de ese mismo nombre.
Los grandes cuadros o los murales en la pared y muebles claros en contraste con toques de color en algunos elementos como cuadros, móviles colgados en la pared, son algunas de las características de este estilo que hoy estamos trasladando a toda la casa.
Un hogar simple, sencillo, fresco, que evoca la inocencia de la niñez desde el más premeditado estilo decorativo. Decorar Naif es vivir Naif.
ESPÍRITU NAIF
Reinventa el espacio con piezas que no pasarán desapercibidas. Las posibilidades son infi nitas: materiales sostenibles, texturas naturales y objetos reciclados aplicados a nuevos contextos decorativos. El arte de reciclar. Reutilizar objetos aporta un plus de originalidad. Basta con customizarlos, cambiar su función inicial o, incluso, crear de la nada un objeto totalmente nuevo. Cualquier material vale con un poco de imaginación. Mix dinámico. Combate la monotonía con piezas de colores vivos, revestimientos de pelo y patchworks para conseguir una composición llena de movimiento.
LOCALES
ENCAJE Y SIMILITUD CON OTROS ESTILOS Dentro de la terminología de arte “popular”, se encierran otras expresiones artísticas, que bien o mal, sirven de sinónimos del mismo: arte “ingenuo”, arte “naïf”, arte “del común”, artesanía, arte “primitivo” y hasta rural. No obstante cada una de estas definiciones u objetos poseen características disímiles entre sí. Evaluando iconográficamente las nociones de arte “popular”, aporta una nueva condición del arte no académico o no escolarizado en la corriente de la critica contemporánea. Existe una identidad cultural escolarizada dirigida al espectador aficionado, que concluye en la normatización de la valoración artística. La presencia de paradigmas como los de globalización, posmodernidad y modernidad modifican los conceptos de identidad, académico, no académico, aplicados al arte “popular”, como hecho contemporáneo. A partir de un criterio de distinción social, artística o cultural la presencia del arte “popular” como objeto y, que por extensión, se lleva hasta los artistas productores de este renglón de la producción artística surge del planteamiento conceptual de arte y artista “popular” como un objeto elaborado por una “cultura” o subcultura, que lleva por apellido popular. En sentido subjetualista, se da un enfoque disímil al del objeto fetichizado o divinizado, más bien próximo al del producto cultural, evocador de una cultura determinada. La intención del arte “popular” responde a una explicación simbólica del universo de sus productores, que abarca ampliamente todos los tópicos de
su ser de una manera nada superficial, ni ingenua. José Antonio y Aura Araujo, Éramos muchos y murió ahorcado, barro mixto, 45 x 25 x 25 cm. El recurso humorístico de los artistas no escolarizados, tiende a ser un instrumento valioso para explorar su ya trasgresora posición, dentro de su paralelismo histórico, académico y estético. Yace un sentido de ruptura con su constitución interna, así su representación religiosa suele ser llevada a extremos exploratorios, además de su iconografía particular, que ocasionalmente se aleja del canon habitual, se permite también agregar componentes que hacen de la pieza una excepcionalidad iconográfica. La última cena, la traición de Judas Iscariote, presenta junto al número doce y trece, un aprovechamiento para la simetría, la tensión, el equilibrio y la disposición espacial, que juegan con el sentido de la narración bíblica, hasta ponerlo en relación con el lenguaje proverbial, así el trabajo de grupo de José Antonio y Aura Araujo, es una irónica propuesta de la tragedia de Judas.
CAMP Camp es un tipo de sensibilidad estética del arte popular que basa su atractivo en el humor, la ironía y la exageración. El camp es una corriente artística relacionada con las formas del arte kitsch, considerado como una copia inferior y sin gusto de estilos existentes que tienen algún grado de valor artístico reconocido. Suelen identificarse sus cualidades atractivas bajo los parámetros de la banalidad, la vulgaridad, la artificialidad, el humorismo, la ostentosidad y el carácter afeminado. Características
El camp en cualquiera de sus formatos artísticos se caracteriza por el énfasis a la ostentosidad y la exageración en las situaciones. En ocasiones sus atributos clave suelen relacionarse con la artificialidad, la frivolidad, su carácter artístico popular, su poca profundidad artística y el exceso de elementos que conforman su distinguido tono alegórico. El camp se define por la ridiculización de la dignificación social y la cultura masiva, instalándose como una contracultura a la cultura tradicional que pretendía hacer inaceptable a la cultura popular dignificada. El camp es un tipo de corriente artística de poca seriedad, de intenciones y resultados discordantes; definida en belleza por su evidente fealdad y mal gusto.
En la definición general del camp surge un sentido ingenioso, pero ridículo. Existen dos corrientes derivadas del camp que se identifican según lo que se esté parodiando; el camp bajo y el camp alto, en donde el camp alto normalmente refiere a la ridiculización de temas, estilos u objetos socialmente dignificados. Ambas variantes difiren en la valuabilidad estética y el valor culural y socio-económico que rodea al objeto (Ejemplo: una lámpara de lava es un elemento del camp bajo por ser un objeto que exagera los elementos de objetos artísticos apreciados en las clases sociales bajas; mientras que un candelabro del Art nouveau es un elemento del camp alto por ser un objeto que exagera los elementos de objetos artísticos apreciados en las clases sociales altas).
POP El Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comics, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. En pintura destacan los lienzos de gran tamaño y llamativos con colores planos.
En España, el productor de cine Pedro Almodóvar, emergió de la subcultura madrileña «La Movida» de la década de los 80 haciendo películas pop de 8 milímetros de bajo presupuesto.
El pin up, nacido también en U.S.A., comparte la viveza de colores y con escenas de la vida diaria.
DISCUSIÓN:El debate de la intención estética Existe un debate sobre el uso del término y la forma de definir las obras que responden a la intención estética de su creador. De ordinario la definición de una pieza como “Kitsch” involucra un secreto desprecio y el deseo de diferenciarlo del “arte culto”, por lo que las piezas realizadas en materiales económicos que imiten otros más caros, normalmente ostentosas, son consideradas Kitsch sin importar si el autor deseaba aparentar o no una pieza más costosa para que quien la poseyera se destacara como superior. Sin embargo, otra corriente coincide en definir lo kitsch precisamente por el “deseo de aparentar ser” (como la definición de clase propuesta por Marx). En este sentido, todas las imitaciones y copias serían consideradas como kitsch, así como el uso de materiales que pretenden ser otra cosa (plástico que imite oro, cristal o madera, por ejemplo), siempre y cuando esté pensada para que su poseedor aparente ser de una clase social, económica o cultural “superior” a la suya. Esto abre el debate sobre aquellas expresiones estéticas (normalmente populares) que reproducen estos patrones estéticos pero sin la intención de aparentar ser, sino más bien celebrar de forma colorida, como el caso del festejo del mardi Gras en Nueva Orleans, el Carnaval en Brasil o La fiesta de quince años en México. Así mismo, muchas piezas religiosas utilizadas en altares domésticos responden al uso de materiales baratos que pretenden ser otros más caros, aunque sin ostentarse como símbolos de estatus
social, sino, más bien, con el deseo de agradar a la deidad en cuestión, como es el caso de los coloridos altares de la religión hindú. Para muchos, estas expresiones se acercan más al canon estético naif.
LO QUE ES O NO ES NAÏF Desde que, a principios del siglo XIX, el cuáquero de Pensilvania, Edward Hicks vendiera sus lienzos basados en pasajes bíblicos, pasando por el aduanero francés Henri Rousseau, a finales del mismo siglo, y por el marinero pescador inglés Alfred Wallis, ya en los albores del siglo XX, - padres ellos, sin duda, de este estilo pictórico-, la pintura naif ha ido definiendo más y más su individualidad diferencial y sus características, atrayendo el interés de muchísimos artistas, tanto por sus posibilidades expresivas, como por la naturalidad e inmediatez, con que cualquier interesado puede iniciarse en esta actividad, sin más condicionantes que su rectitud de ánimo, su sinceridad, su entrega y, por supuesto, su talento. Sienten la necesidad imperiosa e irrenunciable de expresar en el lienzo, en la tabla o en el papel, a través del dibujo y del color, aquellas impresiones que la realidad que contemplan les produce. Lo naif, por tanto, tiene mucho de impulso, de compulsión y, consecuentemente, una enorme carga de verdad subjetiva y de sinceridad. Eso ha de verse y notarse en los cuadros, por muy elaborados que éstos sean. Y es que la pintura naif actual discurre por dos vertientes, que recogen sendas corrientes que fluyen de dos distintos manantiales: Aquella que procede
de la ingenuidad prístina, entendida como ignorancia de teorías y de técnicas aplicables al arte de la pintura; y aquella otra menos turbulenta y más encauzada, en la que los artistas buscan de una manera más consciente y estudiada unas formas de expresión que nos remiten a la infancia, en los cuales la sencillez de los trazos deben forzosamente ser una evocación de la ingenuidad infantil. Desde nuestro punto de vista, esta asunción consciente de lo naif, como medio de expresión artística, representa una dificultad, casi insalvable en muchos casos, en los que el cuadro pretendidamente naif termina por ser tan sólo una lámina o estampa de ilustración de textos destinados a lectores infantiles. En sentido contrario, la aproximación forzada a lo infantil, mediante la imitación “ad pedem litterae” de las formas y trazos de los dibujos y pinturas de los niños, no es en puridad pintura naif, sino simplemente pintura imitativa, ya que el artista naif ha de manifestar en sus obras las sensaciones y sinestesias acumuladas en su periplo vital y que inevitablemente le contaminan, influyendo en su expresión artística. El naif no imita, ni copia, crea. Paralelamente, tampoco el naif es una transmutación mimética del arte primitivo, si bien éste puede enriquecer al artista en su potencial creativo de detalles. La pintura naif, en cuanto se aleja del canon, no es, sin embargo, una negación filosófica del arte académico, como lo pudieron ser las vanguardias y ciertas formas actuales del llamado arte conceptual
y aledaños (minimalismo, objetualismo,...); pero sí es un resultado ajeno a estas reglas, tanto por ignorarlas, como por actuar como si se ignorasen, inhibiéndose de ellas. Sin embargo, todo cuadro naif tiene un tema, normalmente costumbrista, familiar, bucólico, es decir, narrativo de la vida y de la naturaleza. Tiene composición, en la que las perspectivas y líneas de fuga son inexistentes, así como las sombras; las figuras son esquemáticas y presentan cierto hieratismo y reminiscencias de la sencillez formal de las figuras del arte primitivo egipcio o babilónico; por último, las composiciones están dotadas de un detallismo exhaustivo, que concede a los cuadros un encanto y singularidad característicos, no exentos de lirismo. Sus colores son brillantes, alegres, fundamentalmente planos, jugando con los contrates, que sirven, de otra parte, para dar profundidad al cuadro, cuando así lo pretende el artista.
DISCUSIÓN PRECURSORES EN ESPAÑA Últimamente con el auge de Internet, han aflorado un gran número de pintores que se autocalifican de “naifs”, el término naif está de moda y hay una gran confusión con respecto a el, me da la impresión que un gran número de cuadros mal pintados en los foros y redes sociales se les califica de auténticos naifs y no lo son. Más allá de que cualquier persona esté en su derecho de pintar, exponer y vender cuadros, está el derecho de los auténticos naifs de que se respete y no se malinterprete su obra por
la gente que desconoce este tipo de arte y a la que se lleva a equívoco. El doctor Juan AntonioVallejo Najera plasmó en su libro “Naifs Españoles Contemporáneos” (el primero que se escribió en castellano sobre el arte naif) y sembró las bases para ayudar a entender este tipo de arte, desconocido en España. Se trata de los años 60 y 70, cuando no se conocían en España más de cinco o seis pintores naifs. Fue entonces cuando la otra gran divulgadora del naif Amparo Martí empezó a exponer cuadros en las galerías de donde ella era directora (Neblí y más tarde Ramón Durán). A ambos debemos en gran parte la divulgación y conocimiento de los pintores ingénuos en España. Así explica el doctor y ensayista Vallejo Najera en su libro, “Naif Españoles Contemporáneos” su visión de la pintura y los pintores naifs: “En el circo admiramos a esos profesionales del equilibrio que cruzan la pista sobre el alambre, sombrilla en mano. Su adiestramiento profesional les permite hacerlo de modo airoso, con aparente facilidad y elegancia. Supongamos que se invita a un espectador a que intente realizarlo. Al fin, aparece el insensato voluntario entre la expectación general. Se despoja de la chaqueta, sube, tropieza ya en la escalerilla. alcanza el alambre, da con evidente torpeza el primer paso, resbala y parece que va a caer, pero queda enganchado de las piernas; logra balancearse y agarrar de nuevo el cable; sube a medias con el cuerpo tendido sobre el alambre. se arrastra, tirando con las manos que avanzó estirando los brazos; pierde de nuevo el equilibrio y, otra vez colgado de rodillas y manos, rojo del esfuerzo, sudando por todos los poros, avanza, avanza y llega
al otro lado de la pista entre signos de sobresalto y risas de los espectadores, que entonces prorrumpen en atronadora ovación, superior a la que brindaron al profesional. El profesional es el “pintor” y el voluntario fortunado es el “naif”. Hay otras variantes posibles: una es la del espectador que sube a intentarlo y cae al primer paso, rompiéndose un hueso) carece de adiestramiento profesional, como el naif, pero le falta el arte innato de éste; es simplemente, trasladado a nuestro terreno, un mal pintor aficionado; ni sabe pintar ni “ser” naif; el naif “cruza la pista sobre el alambre”); otra variante curiosísima se viene produciendo con frecuencia creciente en el “mundo” artístico español. En la metáfora circense la situación se desarrollaría así: sale como “voluntario” una señorita, habla con el director, pasa a un camerino, regresa vestida de trapecista y enjoyada,preciosa; se despoja de la capa, toma la sombrilla y, ante un público asombrado que no sabe como reaccionar, cruza tranquilamente la pista, sobre el suelo, remedando los movimientos del profesional; al llegar al otro lado da un saltito, grita “ale-hop” y desaparece caminando hacia atras, mientras sonriente, envía besos a los espectadores, atónitos. En nuestro terreno es el caso de la persona que “juega a pintor”, se “viste” de pintor, habla como cree que hacen los artistas, alquila sala de exposiciones donde cuelga (y en ocasiones vende) unos monigotes hechos “jugando”, se proporciona críticas complacientes; en fin, hace todo del oficio menos pintar, menos “cruzar por el alambre”. El terreno naif se presta mejor a esta farsa, por lo que su número proporcional de “ale-hops” es superior al del resto de la pintura.
En todos los países y en casi todas las galerías y exposiciones dedicadas a este tema vemos presentarse, entremezclados los tres tipos: los naif auténticos, personas que simplemente “no saben pintar, y los que “juegan a naif”.
Como arte naif no se puede nunca referir un cuadro “mal pintado”.El creador naif tiene una entidad especial y característica. “Parece una pintura fácil, pero no lo es. Los naifs más que otros artistas son tan directos como los auténticos aunque lleguen a tener una técnica buena puesto que con el tiempo aprenden el oficio, sus obras son sencillas y elementales materialmente y también por supuesto inteligentes y llenas de contenido. Como en toda línea de arte, existen mejores o peores. Distintos, pero en su catalogación se ha de tener en cuenta sólo su calidad; ya que el naif no implica necesariamente un grado inferior en belleza y en valores artísticos, comparando injustamente “a priori” con otras líneas creativas. Hay mucha
confusión a este respecto, y no se puede aludir al arte naif en términos peyorativos: a veces, y según de quien parte esta opinión, es producto del desconocimiento y la falta de interés y sensibilidad. El artista naif es un anárquico, no convencional, que prescinde de técnica y academia porque “no llegó a tiempo” de aprenderlo; entonces improvisa con valentía, osadía y “descaro” lo que otros hacen con enseñanza tradicional o…”snobismos”. El creador naif es autodidacta pero por necesidad, y la voluntad imperiosa de manifestarse, comunicarse, sin saber hacerlo, le lleva a realizar su trabajo con normas plásticas elementales, sin perspectiva ni volúmenes, sin conocimientos de composición y aplicación de materiales, solo con su intuición y su deseo, en un afán irrefrenable para contar cosas de una forma primitiva. Hay que hacer con paciencia y trabajo una pedagogía amplia en lo social para entenderlos y respetar a los artistas primitivos. -El naif no es siempre: LUMINOSO Y ALEGRE. -El naif: NO ES INFANTIL. -El naif es: NARRATIVO, REFLEXIVO, FILOSOFICO. El naif tiene un alma profunda, personal, un mensaje social. Estoy hablando de naif autentico, más aún: de un buen naif. Texto publicado por Amparo Martí en el catálogo del V Certamen de Arte Naif del distrito de Chamberí.
¿Cómo es el costumbrismo naïf? Podría decirse que el pintor naif hace de espejo con respecto a su entorno, fiel a cuanto ve, oye, observa y huele…El naif es un pintor sen-
sual, no intelectual. Sensual en el sentido más autentico y puro de su concepto y definición. La creación, su estimulo, le vienen desde fuera, aunque luego sus cuadros surjan desde dentro, como no podría ser de otra manera, ya que es: SINCERO Y MUY PERSONAL. Esa sensualidad y ese “desde fuera” tiene muchos matices. El creador naif más que pensar, siente; es un observador intenso y en su pintura, es fundamental el color. Los colores y las imágenes son su motivo principal, y en esas imágenes incluye todas las cosas que modifican y conforman su alrededor, tanto las personales como las atávicas. Ya lo he dicho antes, el pintor naif siente más que piensa. No es conceptual pero tiene las ideas muy claras y las vierte en su pintura con una sinceridad y un primitivismo delicioso. Un naif crea con el corazón en la mano, serenamente y sin recursos técnicos y sin trampa. Es narrativo de natural, pasando a la materia, al soporte del cuadro, cuanto sabe por lo que pinta y como lo pinta. Un buen conocedor y un buen espectador, leen en sus cuadros y a través de ellos conocen a la persona y su mundo. ¿Qué les diferencia del arte académico? Los creadores académicos elaboran sus conceptos, las causas que los modifican, investigan sobre ellos, estudia recursos, aplica las técnicas para plasmarlos…El naif cuando es verdadero no modifica sus cuadros bajo ningún concepto. Puede pintar toda su vida sin aprender a pintar, ni investigar; no le interesa aprender, no lo necesita, no busca recursos técnicos, él cree que los tiene todos, y lleva razón, porque con lo que sabe, hace lo que quiere. Puede, eso sí, pintar con
mejor calidad pero nunca cambiará “su mundo”. No debemos caer en los tópicos de considerarlos iguales, son distintos y…bien distintos!!, porque todos sabemos que las cosas son distintas según se miren, y ellos, cada uno, ve las cosas de manera diferente, y sobre todo son descriptivos. ¿En qué consiste esta distinción? La marcan muchos factores: latitud geográfica, clima, economía y recursos de vida que les rodea. La situación social del entorno y de la persona cuenten mucho porque un naif no narra y describe del todo su presente; en estas observaciones particulares cuentan sus vivencias y sus recuerdos, sus añoranzas y sus nostalgias. Son concretamente estas cosas las que lo motivaron a pintar, casi siempre después de un largo periodo de tiempo de su vida. En la pintura naif no se puede uno quedar con lo que ve, hay algo más allá, se debe adivinar su intención. Cualquier pintor que maneja la técnica podría hacer, si quisiera, un cuadro naif pero… se descubre inexplicablemente, que en ese cuadro aislado no hay intención, no hay alma, no lleva impronta personal como tienen los cuadros sinceros y verdaderos, con unidad, que sí tienen en cambio, los creadores auténticos que pintan primitivo porque no saben hacer otra cosa. Es maravilloso saber que en el mundo entero culto y no tan culto, rico o pobre, hay un aglomerado de pintores primitivos iguales de espíritu y manera de ser con creaciones extraordinarias.
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