Instituto Universitario Politécnico Santiago Mariño Extensión Valencia SECCIÓN: A
HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II PROFESORA ARQ. ESTELA AGUILAR AUTORA ANGELA PROVINZANO
Historia de la Arquitectura II
Contenido Unidad I PG. 3 - 12 Renacimiento. Estética del Renacimiento. Arte del Renacimiento. Arquitectura del Renacimiento. Pintura del Renacimiento. Escultura del Renacimiento.
PG. 13 - 27
Unidad II Manierista. Arquitectura Manierista. Pintura Manierista. Escultura Manierista
PG. 28 Unidad III Barroca. Arquitectura Barroca. Pintura Barroca. Escultura Barroca.
Unidad IV
- 41
PG. 42 - 51
Neoclásica. Arquitectura Neoclásica. Pintura Neoclásica. Escultura Neoclásica.
PG. 2
Unidad I
El Renacimiento Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un período de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa. El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término renacimiento se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el antropocentrismo.
PG. 3
Estética del Renacimiento
Unidad I
La cultura renacentista supuso el retorno al racionalismo, al estudio de la naturaleza, la investigación empírica, con especial influencia de la filosofía clásica grecorromana. La estética renacentista se basó tanto en la antigüedad clásica como en la estética medieval, por lo que a veces resultaba algo contradictoria: la belleza oscilaba entre una concepción realista de imitación de la naturaleza y una visión ideal de perfección sobrenatural, siendo el mundo visible el camino para ascender a una dimensión suprasensible. Uno de los primeros teóricos del arte renacentista fue Cennino Cennini: defendiendo el arte como una actividad intelectual creadora, y no como un simple trabajo manual. Para Cennini el mejor método para el artista es retratar de la naturaleza (ritrarre de natura), defendiendo la libertad del artista, que debe trabajar como le place, según su voluntad También introdujo el concepto de diseño, el impulso creador del artista, que forja una idea mental de su obra antes de realizarla materialmente, concepto de vital importancia desde entonces para el arte moderno.
Cennino Cennini
PG. 4
Unidad I
Arte del Renacimiento En el Arte del Renacimiento marcan el desarrollo de diferentes etapas: la primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV: es el denominado Quattrocento, y comprende el Primer Renacimiento también llamado (Renacimiento temprano) o (Bajo Renacimiento), que se desarrolla en Italia; la segunda surge en el siglo XVI y se denomina Cinquecento: su dominio artístico queda referido al clasicismo o Alto Renacimiento también llamado (Renacimiento pleno), que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista.
Leonardo da Vinci
Este período desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI. Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el arte gótico en sus formas tardías, situación que se iba a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. Rafael Sanzio
PG. 5
Unidad I
Arte del Renacimiento
Diseño de Miguel Ángel. Ejecutada para presidir la plaza principal de Florencia, esta escultura es en realidad una estudiada alegoría política bajo la apariencia del tema cristiano. La visión resulta amplificada por las dimensiones colosales de la estatua, pensada para no perderse en el espacio de la plaza.
Miguel Ángel
PG. 6
Unidad I
Arquitectura del Renacimiento La arquitectura renacentista tuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior. Surgió en una ciudad en donde la arquitectura gótica apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas fueron edificios religiosos. Con el nuevo gusto, se buscaba ordenar y renovar los viejos burgos medievales e incluso se proyectaban ciudades de nueva planta. La búsqueda de la ciudad ideal, opuesta al modelo caótico y desordenado del Medievo, sería una constante preocupación de artistas y mecenas. Así, el papa Pío II reordenó su ciudad natal, Piensa nuevo urbanismo renacentista. En sí, las ciudad, convirtiéndola en un auténtico muestrario del des se convertirían en el escenario ideal de la renovación artística, oponiéndose al concepto medieval en el que lo rural tenía un papel preferente gracias al monacato.
La Iglesia de Santa Maria Novella, Localizado en Florencia, con una fachada de León Battista Alberti. La ordenación geométrica que propone Aberti en el diseño queda mitigada por el empleo de mármoles polícromos, conforme a la tradición local.
PG. 7
Arquitectura del Renacimiento
Unidad I
Tempio di Santa Maria della Consolazione Trabajaron en ella: Cola da Caprarola, Antonio da Sangallo el Joven, Baldassarre Peruzzi, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Jacopo Vignola e Ippolito Scalza. En el año 1508-1607.
La Basílica de San Pedro Obra de Bramante y Miguel Ángel, autor del diseño final que se ejecutó en su mayor parte; la cúpula fue terminada por Giacomo della Porta, y la fachada es obra de Carlo Maderno. Concebida inicialmente según un diseño centralizado, las variaciones en la dirección de la obra dieron como resultado un nuevo prototipo de iglesia, llamado a extenderse con la Contrarreforma.
PG. 8
Unidad I
Pintura del Renacimiento En la pintura del Renacimiento se introdujeron de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto, pintor aún dentro de la órbita del gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva y naturalismo, que alejaban su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludiaban el Renacimiento pictórico. En el Quattrocento del siglo XV se recogieron todas estas novedades y se adaptaron a la nueva mentalidad humanista y burguesa que se expandía por las ciudades de Italia. Los pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introdujeron también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollarían a partir de ahora enormemente. Una búsqueda constante de los pintores de esta época sería la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas: se trató de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista es una época de experimentación; las pinturas abandonan lenta y progresivamente la rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad. Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las composiciones, y se introducen los desnudos en las figuras.
PG. 9
Pintura del Renacimiento
Unidad I
El Nacimiento de Venus Obra de Botticelli, conservada en la Gallería degli Uffizi, Florencia. El paganismo se introduce en el arte renacentista como contrapunto al mundo hermético y cerrado del Medievo en el que Dios era el fin de todo. El ser humano en su individualidad y diversidad será a partir de ahora el objeto máximo del interés de los artistas.
Sandro Botticelli
PG. 10
Unidad I
Escultura del Renacimiento La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura. El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari había sido un mundo propio de godos, y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.
PG. 11
Unidad I
Escultura del Renacimiento
Piedad del Vaticano Obra del Renacimiento de Miguel Ă ngel Buonarroti.
PG. 12
Unidad II
Manierista Manierismo fue invento del Renacimiento italiano, la palabra “maniera” (manera) apareció por primera vez en tratado de Cennino Cennini El libro del arte, hacia 1390. Pero fué Giorgio Vasari quien, en 1550, le dió al término su sentido actual. La expresión “maniera moderna” se refiere a los pintores renacentistas de la segunda generación que, en el siglo XVI, abandonaron la imitación de la naturaleza y los modelos antiguos. Derivada del Latín “manus”(mano), la maniera se refería al estilo de un artista, a sus aptitudes formales particulares. Se denomina Manierismo al estilo que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. Se caracteriza por el uso de modelos muy plásticos, figuras exageradas, a menudo con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio, con frecuencia de efectos dramáticos, y una aparente elección arbitraria del color. Supone el rechazo del equilibrio y la claridad del renacimiento en busca de composiciones más dramáticas y complejas, y el deseo de efectos más emotivos, de mayor movimiento y contraste. En este aspecto, anticipó el barroco que se desarrollaría hacia el año 1600. El manierismo no fue una reacción contra los cánones del renacimiento, sino que creció fuera de él, cultivando casi en exceso el estilo con el que la figura humana era tratada por los últimos maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel, cuyas obras proporcionaron el impulso para su desarrollo. Así, el Juicio Final (1536-1541, Capilla Sixtina, Vaticano) de Miguel Ángel coincide con la obra de algunos pintores manieristas.
PG. 13
Unidad II
Manierista El manierismo constituye un estilo con personalidad propia. Su primera muestra se puede fechar alrededor de 1520, en Roma, de la mano de uno de los discípulos de Rafael llamado Giulio Romano. Los pintores que encabezaban dicho estilo fueron Rosso Fiorentino y Jacopo da Pontormo. Parmigianino, artista del norte de Italia, produjo uno de los ejemplos más notables de la pintura manierista, La Virgen del cuello largo (1534-1540, Galería de los Uffizi, Florencia) caracterizada por la extrema verticalidad de la composición y una ambigua relación espacial. Alumno de Pontormo es Il Bronzino quien aplicó el tratamiento del manierismo al género del retrato y a la pintura alegórica, como en su famosa Alegoría de Venus, Cupido, Locura y Tiempo (c. 1546, National Gallery, Londres). Entre los arquitectos de este periodo Andrea Palladio fue el más destacado. Formado como cantero en su nativa Vicenza, se convirtió en arquitecto hacia la mitad de su vida. Sus obras más destacadas son una serie de villas en el campo que construyó próximas a Venecia, en el Véneto. La escultura manierista está representada por el artista italo-flamenco Juan de Bolonia, así como por el virtuoso Benvenuto Cellini (escultor y orfebre) con sus exuberantes creaciones. Una de las primeras aplicaciones del manierismo a las artes decorativas y a la arquitectura se aprecia en la obra de Giulio Romano en el palacio del Tè, Mantua, Italia (c. 1525) y en los planos que Miguel Ángel realizó para la Biblioteca Laurenziana (1524-1559, Florencia), inscritos también dentro del estilo manierista.
PG. 14
Unidad II
Manierista
Iglesia de Wies, Alemania, 1745-1754
PG. 15
Unidad II
Arquitectura Manierista La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, Entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca. Los historiadores consideran al manierismo como la última fase del Renacimiento, precedida por las del humanismo florentino y por el clasicismo romano; sin embargo, si las primeras dos fases son distinguibles temporalmente, no resulta tan claro con el clasicismo y el manierismo que coexistieron desde inicios del siglo XVI. El término maniera, usado ya en el siglo XV para indicar el estilo de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes (orden, medida, diseño y maniera), con particular referencia a las obras de Miguel Ángel; luego lo utiliza Jacob Burckhardt para definir de manera peyorativa el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco. No obstante a inicios de siglo XX, a la luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la crítica revaloró la cultura manierista.
PG. 16
Unidad II
Arquitectura Manierista Entre sus características destacan: La arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, con lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista. La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva. La pérdida o debilitación de las coordenadas axiales, las que ordenan el edificio según un eje de simetría.
Destaca el palacio del té En mantua, obra de giulio romano.
PG. 17
Unidad II
Arquitectura Manierista DiseĂąo de la fachada del Palacio Marino sobre la Piazza San Felice representado por Bianconi
MĂĄser Localizado en Italia
PG. 18
Unidad II
Pintura Manierista La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento 1530 y duró hasta alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco, pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte de Europa hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa. El término manierismo proviene de maniera moderna (término que profiere de la Vite de Vasari), en referencia a aquellas obras que se decían realizadas a la manera de los grandes maestros del Alto Renacimiento. La imitación de las obras de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hace que se produzcan imágenes artificiosas. En cierto sentido, la propia grandeza de esas obras maestras cerraba las vías a la creatividad artística, y a las jóvenes generaciones no les quedaba sino la imitación. Es un arte propio de la época de crisis, tanto económica como espiritual en el medio de la Reforma protestante; los diversos problemas se ven simbolizados en el Saco de Roma en 1527. Los comitentes no son burgueses, sino los aristócratas, mecenas que deseaban complicadas alegorías cuyo sentido no siempre es claro. Resultaba un estilo inadecuado para el tema religioso, por lo que en la Contrarreforma se optó por otras formas más apropiadas.
PG. 19
Unidad II
Pintura Manierista La Pintura manierista se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones. Las proporciones anatรณmicas se alteran a su voluntad. El alargamiento de las figuras es constante. Un buen ejemplo seria: madonna del cuello largo de parmigianino.
PG. 20
Unidad II
Pintura Manierista En el Manierismo se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo. Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco. Obra de: "Ío y Zeus"
PG. 21
Unidad II
Pintura Manierista
El Descendimiento de la Cruz. Autor Pontormo. Técnica Oleo sobre Madera. Estilo Manierismo. Tiene un Tamaño de 313cm x 192cm. Es Localización en la Iglesia de Santa Felicita, Florencia, Italia.
PG. 22
Unidad II
Escultura Manierista Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son: Benvenuto Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni. BENVENUTO CELLINI Fue un magnífico orfebre y un magnífico técnico (dominó todos los procedimientos). Algunas de sus mejores obras son: PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto pedestal y soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio por la línea abierta (brazo separado). Se separa ligeramente del clasicismo por la modificación de los cánones. No busca un ideal sino una pose humana que ofrezca una posición dinámica. Esta estatua representa el triunfo de los Médicis sobre la República de Florencia. SALERO CON NEPTUNO Y VENUS Es una extraordinaria pieza de oro lo que demuestra su categoría también como orfebre.
Benvenuto Cellini
PG. 23
Unidad II
Escultura Manierista La tendencia al desgarramiento propio de este estilo aparecen en la exagerada musculatura de “Perseo con la cabeza de Medusa” de Benvenutto Cellini. Fue fundida en bronce de una sola pieza, lo que supone una enorme dificultas técnica.
Salero con Neptuno y Venus
PG. 24
Escultura Manierista
Unidad II
Algunas de sus Obras de Juan de Bolonia son: ESTATUA DE NEPTUNO (EN UNA PLAZA DE BOLONIA.) Neptuno, desnudo, es esculpido con proporciones monumentales. EL RAPTO DE LA SABINA Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están desnudos MERCURIO La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando, de nuevo, una línea serpenteante. Es una estatua de bronce.
Juan de Bolonia
FAMILIA LEONI Los Leoni (Leone y Pomepeo) pasaron su vida en la Corte de Felipe II. Algunas de sus obras fueron el Sepulcro de Felipe II, el sepulcro del emperador Carlos V y Carlos V venciendo y aplastando al furor.
PG. 25
Unidad II
Escultura Manierista Hay preferencia por la figura “serpentinata”, contorsionada con artificio de formas que dibujan la ascensión helicoidal. Destaca Juan De Bolonia con: La Fuente de Neptuno en Bolonia
El Rapto de la Sabina (1581-1582)
PG. 26
Unidad II
Escultura Manierista
Hércules y el centauro Neso Obra de Juan de Bolonia. Material de Mármol. Estilo Manierismo. Localización Piazza della Signoria, Florencia.
PG. 27
Unidad III
Barroca El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte en el estilo barroco y que, partiendo desde diferentes contextos histórico culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo. En el estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia, período también conocido en este país como Seicento, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término Barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: primitivo (15801630), maduro o pleno (1630-1680) y tardío (1680-1750).
PG. 28
Unidad III
Arquitectura Barroca La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos. Al igual que en la época anterior, el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia, gracias principalmente a la comitencia de la Iglesia y a los grandes programas arquitectónicos y urbanísticos desarrollados por la sede pontificia, deseosa de mostrar al mundo su victoria contra la Reforma. La principal modalidad constructiva de la arquitectura barroca italiana fue la iglesia, que se convirtió en el máximo exponente de la propaganda contra reformista. Las iglesias barrocas italianas se caracterizan por la abundancia de formas dinámicas, con predominio de las curvas cóncavas y convexas, con fachadas ricamente decoradas y repletas de esculturas, así como gran número de columnas, que a menudo se desprenden del muro, y con interiores donde predominan igualmente la forma curva y una profusa decoración. Entre sus diversas planimetrías destacó especialmente entre finales del siglo XVI y principios del XVII el diseño en dos cuerpos, con dos frontones concéntricos (curvo el exterior y triangular el interior), siguiendo el modelo de la fachada de la Iglesia del Gesù de Giacomo della Porta (1572).
PG. 29
Unidad III
Arquitectura Barroca
Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane En el aĂąo (1634-1640) de Francesco Borromini, en Roma.
PG. 30
Unidad III
Arquitectura Barroca
Iglesia de San Carlos Borromeo (Viena) En el aĂąo (1715-1725), de Johann Bernhard Fischer von Erlach. En Alemania.
PG. 31
Unidad III
Arquitectura Barroca En la arquitectura barroca se adoptan las líneas curvas frente a las rectas ya que así consiguen un mayor efecto de dinamismo y expresividad. Las fachadas adquieren la máxima importancia en su arquitectura ya que en ella se suelen volcar los mayores empeños decorativos mediante numerosas cornisas y columnas griegas, romanas y salomónicas. Por el predominio de los elementos decorativos sobre los constructivos, se puede decir que el estilo barroco es más una forma de decoración arquitectural que un estilo de arquitectura. En Italia la máxima figura fue Gian Lorenzo Bernini. Destacan: - Las superficies onduladas - Las plantas elípticas - Las trabazones interrumpidas. Todo ello acompañado de una exageración de la monumentalidad.
La última etapa de la arquitectura barroca se conoce con el nombre de Rococó. En la arquitectura barroca española destacan autores como José de Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), José de Ribera y arquitectos del s. XVIII como Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa.
PG. 32
Unidad III
Pintura Barroca Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más características del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista. Se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. Pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
PG. 33
Unidad III
Pintura Barroca José de Ribera es el principal representante de pintura barroca de la Escuela Valenciana. Aunque inició su obra en Valencia, será en Italia donde terminará su formación y se verá afectado por la corriente tenebrista de Caravaggio, estilo que irá abandonando en los últimos años de su vida.
José de Ribera Algunas obras fundamentales de José de Ribera son el Martirio de San Bartolomé, Martirio de San Felipe, San Andrés, Santísima Trinidad y San Jerónimo penitente.
Martirio de San Bartolomé
PG. 34
Unidad III
Pintura Barroca Bartolomé Esteban Murillo pinta temas religiosos y escenas con niños y aunque su primera etapa es tenebrista, lo hace de manera dulce y cercana a la cotidianidad, lo que hace de sus obras, pinturas muy agradables de contemplar. Un claro ejemplo lo tenemos en su más importante pintura, Sagrada Familia del Pajarito. Aunque es un cuadro tenebrista, no hay dramatismo en él por la cotidianidad de la escena y la amabilidad con que trata a los personajes, eliminando todo rastro de grandilocuencia o exageración.
Bartolomé Esteban Murillo
Sagrada Familia del Pajarito
PG. 35
Pintura Barroca
Unidad III
Alonso Cano fue arquitecto, escultor y pintor, aunque fue en el campo de la pintura donde fue más prolífico. Alonso Cano trató en sus obras conjugar un clasicista anhelo de la belleza con el realismo propio de la pintura barroca de su tiempo.
Cristo muerto sostenido por un ángel
Alonso Cano
PG. 36
Unidad III
Pintura Barroca Diego Velázquez es el pintor más importante y genial, no sólo del arte barroco español, sino una de las grandes figuras de la pintura de todos los tiempos. Aunque inició su obra, como otros pintores de la época, en estilo tenebrista, lo fue abandonando hasta alcanzar un tipo de pintura colorista y luminosa. Intervino exitosamente en todos los géneros, desde los habituales temas religiosos hasta bodegones y pasajes, pasando por una prolífica colección de cuados mitológicos, retratos y escenas históricas. Al ser un genio de la pintura, no es fácil concretar lo que hace a Velázquez diferente a otros maestros de la pintura del barroco. Sin embargo, podemos citar su maestría para representar con gran realismo los objetos y las personas. Por otro lado Velázque dominó la perspectiva aérea con la que crea un realista sentido de profundidad, al conjugar la perspectiva con los efectos de la luz. También es destacable, en algunos cuadros más que en otros, una pincelada suelta que contrasta con la preferencia de otros artistas por el pincelado minucioso.
Diego Velázquez
PG. 37
Unidad III
Pintura Barroca Velázquez se autorretrató pintando, en 1656 en su cuadro más emblemático: Las meninas. En las mangas de su vestido y en su mano derecha se aprecia su estilo final rápido y abocetado. En su paleta distinguimos los pocos colores que utilizaba en sus pinturas. La cruz de laOrden de Santiago que lleva en su pecho fue añadida al cuadro posteriormente.
PG. 38
Unidad III
Pintura Barroca La rendiciรณn de Breda o Las lanzas Realizado en รณleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velรกzquez y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.
PG. 39
Unidad III
Escultura Barroca La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo. Características generales: Tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en lo más sublimes como los más vulgares. Realización de esquemas libres del geometrismo. Se proyecta hacia afuera. Se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje. Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo (reducción del largo de una figura, según la regla de la perspectiva) y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo. Se utiliza preferentemente la madera y el mármol.
PG. 40
Unidad III
Escultura Barroca Laocoonte y sus hijos de Agesandro, Atenodor y Polidoro de Rodas (siglo II a. C.), en el Museo Pío Clementino, Vaticano. Para numerosos críticos e historiadores del arte lo barroco es una fase recurrente de todos los estilos artísticos, que sucede a la fase clásica. Así, el arte helenístico al que pertenece el Laocoonte sería la fase barroca del arte griego.
PG. 41
Unidad IV
Neoclásica El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta el siguiente siglo. Su surgimiento tuvo una misión clara: oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió. El neoclasicismo se nutrió especialmente de las ideas racionales que promovía el movimiento de Ilustración y terminaría de conformar a la burguesía como la nueva clase dirigente, con capacidad económica. Muchos burgueses adquirían obras artísticas para conseguir a través de ellas estatus social que hasta ese momento solo era propiedad exclusiva de la nobleza y el clero. Entre sus consideraciones elementales el Neoclasicismo supone un arte absolutamente pensado y racional, con reglas y muy sencillo y que se propone imitar al arte griego, romano y renacentista. El Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al arte medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen.
PG. 42
Unidad IV
Neoclásica Jacques Louis David, el pintor oficial de Napoleón Bonaparte, representa el neoclasicismo en materia de pintura; buscaba constantemente la perfección con trazos sencillos y poco uso del color. Por el lado de la escultura, la premisa era hallar la belleza ideal tal como lo había hecho el arte griego a través del uso del mármol blanco. Y en cuanto a la arquitectura, lo civil le ganó en terreno a lo religioso, predominando la columna, el frontón y la línea recta.
Jacques Louis David
PG. 43
Unidad IV
Arquitectura Neoclásica La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico que produjo el movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Se prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a partir de entonces con otras tendencias, como la arquitectura historicista y el eclecticismo arquitectónico. Algunos historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX como clasicismo romántico, a pesar del oxímoron (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con el romanticismo, estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas grecorromanas. Factores fundamentales que influyeron en la creación de la arquitectura neoclásica fueron los determinantes en el contexto político, social y económico de la época, en que se incluyen destacadamente la Revolución Industrial, la crisis del Antiguo Régimen, la Ilustración, el enciclopedismo, la fundación de las Academias y el despotismo ilustrado.
PG. 44
Unidad IV
Arquitectura Neoclásica
Grand Théâtre Burdeos
PG. 45
Unidad IV
Arquitectura Neoclásica
Iglesia de la Gran Madre di Dio Turín, en Italia.
Iglesia de San Vicente de Paúl en París.
PG. 46
Unidad IV
Arquitectura Neoclásica
Interior del Panteón de París
El Panteón de París
PG. 47
Unidad IV
Pintura Neoclásica La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante. El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en paíse orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual. Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más lo irracional y la locura que la serenidad a la antigua. E igualmente coincide en el tiempo con el movimiento prerromántico alemán del Sturm und Drang.
PG. 48
Unidad IV
Pintura Neoclásica Jacques Louis David: El juramento de los Horacios en el año (1784–85).
Mengs: El Parnaso en el año1761
PG. 49
Unidad IV
Escultura Neoclásica La escultura neoclásica se incluye dentro de una corriente de la filosofía y estética de una influyente difusión que se desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y la América. Como reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo de moralización.
Antonio Canova
Antonio Canova: Perseo con la cabeza de Medusa
PG. 50
Unidad IV
Neoclásica François Rude La Marsellesa en el año 1833. ubicado en el Arco de Triunfo de París.
François Rude
PG. 51