JosĂŠ MarĂa Mellado Closer
Biografía Nacido en Almería en 1966, es un fotógrafo y escritor que ha sido
Presidente de la Real Sociedad Fotográfica durante 5 años.
Se dedica a la fotografía desde los 90, y es internacionalmente
conocido por sus paisajes retocados digitalmente. Así, su mayor éxito viene por sus libros de tratamiento digital.
Su trabajo artístico se halla recogido en cuatro libros de obra: “El
Silencio y la Luz”, “Islandia”, “Paisaje. El Eterno Retorno” y “From Heaven to Earth”.
Ha sido premiado en más de un centenar de ocasiones y sus obras
figuran en importantes Colecciones y Museos.
Ha participado de forma regular en las ferias de arte internacionales
más relevantes.
Exposición: Closer José María Mellado inauguró el 26 de octubre en el Centro Andaluz
de la Fotografía su nueva exposición ‘C L O S E R’, una colección en la que lleva trabajando varios años y que, sin olvidar la base de su fotografía más conocida, la del Paisaje, hace una arriesgada interpretación de éste, ahondando en su perfil más íntimo, más cercano. En Enero de 2016 comenzará la exposición en Granada y continuará por varias provincias españolas.
Esta exposición consta de 46 piezas con un formato entre 150×100
y 225×150 cm. Han sido impresas directamente en Dibond con una máquina Arizona y tintas de exterior gracias a la colaboración de Canon. El resultado es de una extrema durabilidad y permite su exhibición sin protección, por lo que no hay reflejos ni brillos no deseados.
Qué nos sugiere el título Puesto que el título “CLOSER”, traducido al español, significa “más cercano”, creo que el autor quería atraer aún más al espectador mediante cosas que están a la orden del día, muy cerca de nosotros, pero vistas desde una perspectiva nunca experimentada, lo que asombra a quien observe sus obras por la originalidad de sus ideas.
o Esta exposición está constituida por una colección de trabajos que José María lleva recopilando durante varios años. o En ella, predomina el formato horizontal. o Sus obras son de soporte digital con una clara técnica figurativa. o En cuanto al género, existe algo de reportaje, pero predominan la experiencia estética y paisajes. o A pesar de algunas obras atrevidas, consigue un equilibrio de colores agradable en la mayoría de sus fotografías (es subjetivo, a mí algunas me parecen excesivamente editadas). Además, el dinamismo también cobra bastante importancia en algunas de sus obras, como en “Fútbol en la Piscina del FOCSA”, La Habana, 2015.
Primera obra favorita
Bailarinas frente al espejo, La habana, 2012 •
Formato horizontal.
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Impresión directa sobre DIBONDr con tintas UV en Arizona de Canon.
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Juega con luces y sombras, formas curvas y rectilíneas, divide la imagen en dos mediante el pilar y consigue, a mi parecer, una armonía de colores bastante atractiva.
Análisis de la obra
En la imagen se puede observar a dos mujeres arreglándose el pelo y bromeando frente a un espejo en una escuela de baile.
El mensaje de la obra es literal, descriptivo, no representa nada fuera de lo común. La fotografía fue hecha aparentemente de forma espontánea.
No tengo conocimiento de qué quería expresar el autor. Sin embargo, creo que a todos los espectadores nos transmitirá más o menos lo mismo: un sosiego y sensación agradable a la vista que tiene un punto de diversión al observar a las mujeres del fondo riéndose.
Percepción personal: Es una fotografía que me atrae por el contraste entre la luz y las sombras, y por el ángulo en que se ha resuelto, permitiendo haber tenido así la oportunidad de captar a las dos bailarinas mirándose en el espejo y sonriendo. De haber hecho la foto desde la perspectiva del piso de abajo a las escaleras, se habría obtenido una imagen básica, sin contrastes y plana por la cantidad de luz que entra a través de las ventanas. Además, es interesante la división de la imagen en dos. A pesar de que la parte izquierda sea muy llamativa por su claridad, la derecha también lo es porque esa claridad se refleja en el espejo, haciendo que en medio de las sombras exista un punto de luz que dé equilibrio a la imagen, admirando así el conjunto. También consigue cierta armonía con la mezcla de formas.
Como he dicho antes, la fotografía me transmite mucha serenidad. Es elegante, el efecto tenue relaja la vista, lo que me parece muy adecuado para esta toma. Los contrastes dan cierto ritmo a la imagen. Los detalles como el dorado del espejo, las decoraciones y las escaleras la hacen aún más interesante y dan dinamismo a la estructura rectilínea del pilar. En conclusión, a mi percepción se trata de una toma muy bien resuelta, con una técnica muy buena y una edición posterior bastante interesante y agradable.
R贸mulo Pe帽a Visiones del Agujero
Biografía Nace en 1982.
Su contacto con la fotografía comienza en el 2002 de manera autodidacta. La búsqueda de un lenguaje visual lo conduce hasta la fotografía estenopeica
y la comprensión de la física fotográfica, permitiéndole abordar temas documentales desde un enfoque experimental.
Desde el 2007 ha participado en las confrontaciones de arte nacional de
mayor importancia.
A nivel Internacional ha llegado a exponer de manera colectiva en países
como Alemania, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Italia y México.
A finales del 2013 participa en el visionado de portafolios Transatlántica
PhotoEspaña y posteriormente es seleccionado para la exposición “Elemento Latente. 10 Fotógrafos de America Latina” en el marco oficial del festival PhotoEspaña 2014.
Exposición: Visiones del Agujero Se trata de un proyecto que presenta la historia de Pueblo Llano,
una comunidad rural de Los Andes venezolanos que en los últimos 30 años ha presentado tasas de suicidios mayores que las de todo el país (40 por cada 100.000 habitantes), con cifras comparables a los índices más altos a escala mundial, según datos de investigación desarrollados por el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas.
Retrató las pertenencias de las víctimas y espacios asociados al
acto suicida de la región.
Qué nos sugiere el título “Es una metáfora que hace alusión a la técnica fotográfica empleada estenopeica), y a su vez sugiere una lectura oscura de las ausencias”, dice Rómulo.
o Predomina el formato horizontal, aunque en realidad se trata de una composición de fotografías, normalmente verticales, que escanea para crear la imagen final. o Fotografía analógica realizada con una cámara estenopeica que él mismo creó para lograr los efectos que quería alcanzar. o Suele tratar con dobles exposiciones. o Diría que corresponde a una fotografía documental o de reportaje, como reivindicación y denuncia.
Segunda obra favorita
Obra de título desconocido, Pueblo Llano
Formato horizontal, compuesto por tres fotografías verticales escaneadas posteriormente y realizadas con una cámara estenopeica.
Se refuerza la tenebrosidad mediante el efecto blanco y negro para crear sensación de soledad y espectación.
Análisis de la obra En la imagen podemos observar un paisaje cubierto casi por
completo de nubes, en blanco y negro, con lo que parecen ser ruinas de una casa antigua en el suelo, además de una vivienda con pintadas a la izquierda.
El mensaje es subjetivo (a mi parecer), representa el vacío que
dejan las personas al morir, una realidad cruda e inevitable, que se ve aún más acentuada por tratarse del suicidio la causa de ese vacío.
La imagen pudo haber sido preparada, o simplemente pudo ser
espontánea al darse cuenta el autor de que podía obtener una buena toma al pasar por la zona.
Percepción personal. La imagen me parece atractiva porque me resulta inquietante. En ese sentido me recuerda a algunas fotografías de José María Mellado, en las que parece que algo va a pasar, por ejemplo, a llover. A su vez, me transmite muchas sensaciones, desde la inquietud mencionada antes, hasta la soledad, el vacío, la esperanza rota, puede que incluso tristeza, melancolía… El hecho de que haya pintadas en la pared, como si todo fuera muy alegre y divertido, y que de pronto todo haya desaparecido, transporta al espectador a ver la cruda realidad y a preguntarse hasta qué punto puede haber sufrido una persona aparentemente feliz, qué es lo que hay detrás de cada cosa. La imagen me parece muy buena, tanto por las tomas en sí como por la edición posterior.
La conclusión a la que me hace llegar es que la realidad es muy triste. Todo es efímero, todo es apariencia, todo tiene un doble significado que normalmente la gente no se suele molestar en buscar, y esos valores se refuerzan por el blanco y negro de la fotografía, el ángulo e incluso el momento en que la imagen fue capturada: un día nublado. Creo que el objetivo del autor de transmitir ha sido totalmente cubierto con esta y otras muchas fotografías de su exposición Visiones del Agujero.