DISEÑA DORES DEL SIGLO XX Licenciatura en Diseño 2015 - Universidad de Mendoza, sede Cervantes
DISEÑA DORES DEL SIGLO XX
Título: Diseñadores del Siglo XX 194 p. 210x200mm. Diseño y fotografía de cubierta y diseño de colección: Alumnos de Lic. en Diseño 2015. Este libro se terminó de imprimir en junio de 2015 en BUK Impresiones, Río Cuarto, Córdoba. Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en o transmitida por, un sistema de recuperación de información, en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, fotoquimico, electroóptico, por fotocopia, o cualquier otro, sin el permiso previo por escrito de la editorial.
DISEÑA DORES DEL SIGLO XX Universidad de Mendoza, sede Cervantes Teoría del Diseño I Profesor: Mgter. Sarale, Luis Alberto Alumnos: Aguirrezabal, Anahí Altamira, Damián Nellip Battiston, María Antonella Rivarola, Gabriela Rocío Rodríguez, María Ayelén Tellería, Valeria Cecilia Torres, Emmanuel Hernán
Introducción
ÍNDICE
Pág. 58
Pág. 68
Pág. 11
Pág. 80
Pág. 130 Pág. 142 Pág. 154
Pág. 14
Pág. 28
Pág. 48
Pág. 102 Pág. 112 Pág. 120 Conclusión
Pág. 164 Pág. 176 Pág. 194
DISEÑADORES DEL SIGLO XX Todo buen Diseñador debe portar una mochila cargada de cultura Uno de los obstáculos principales para el desarrollo de una investigación en diseño, es encontrar referentes válidos, ya que la bibliografía existente es escasa. Solo la capacidad del observador/ investigador determina el grado de pertinencia disciplinar de una determinada reflexión, que facilite la transferencia conceptual al diseño y se incorpore como parte del pensamiento propio. En la historia el diseño ha sido mayoritariamente abordado desde lo profesional. Y la investigación en este campo, es una práctica relativamente nueva comparada con otras disciplinas de las ciencias definidas como exactas. Otro factor importante es que en el siglo XX se han producido los cambios de paradigmas socio culturales, sustanciados a partir del protagonismo de las nuevas tecnologías, en general y particularmente las de la información y comunicación, ya que impactan con discursos hegemónicos, creando modelos identitarios ajenos a las culturas regionales. Por lo tanto en el trabajo desarrollado por los alumnos se puede
decir que han participado de un proceso de aprendizaje a través de experiencias de observación reflexiva de la realidad indagada, que les da referencias tanto para cambiar como para comprender el mundo en que vivimos. Esto es aprender a través de ser o aprender en forma experiencial. Las reflexiones que surgieron de esta experiencias se pueden resumir de este modo: El primer gran desafío del Diseño es aprehender a interpretar esos escenarios de participación del Diseñador y los objetivos que supone su trabajo, donde existen organizaciones, su sistema de relaciones productivas y sus expresiones culturales. El segundo gran desafío del Diseño es aprehender a enseñar, a mediar gráficamente estos productos y ponerlos en valor. Hoy la educación del Diseño solo se adecua a estos nuevos discursos, por iniciativa individual y no por un operativo integral institucional. Hay que asumir al Diseño como un instrumento articulador de la cultura material y proyectual, que puede ser generador de campos de acción, sistemas de productos inéditos y de imaginarios coherentes con el territorio y la identidad cultural. En consecuencia, el diseño debe abordar dinámicas de producción material que incluyen las relaciones entre el objeto, el contexto y la cultura, y desde allí desarrollar su capacidad para gestionar imaginarios sociales. En su despliegue interdisciplinar se perfila como factor diferencial y ventaja avanzada en relación a las otras disciplinas. Esperamos que sirva. ¡Sean Felices! Mgter. Dis. Ind. Luis Sarale
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Introducción En este libro se desarrollara una investigación sobre artistas, diseñadores gráficos y de indumentaria destacados del siglo XX, haciendo breves pasajes sobre su biografía, principales obras influenciadas por las corrientes o movimientos del contexto, para que el diseñador pueda nutrirse de diversos conocimientos culturales, artísticos, históricos, entre otros; y es a través del mismo se pretende brindar una herramienta que permita al diseñador trasladarse y captar la esencia de cada autor como fuente de inspiración y a su vez implementación de técnicas y procesos de diseño. La finalidad de este libro será generar una nueva fuente de datos que sirva como bibliografía de consulta para quienes decidan tratar algunos de estos temas en el futuro.
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“Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles.”
Artista plástico (EE UU, 1928 - Nueva York, 1987)
ANDY WARHOLD
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Andrew Warhola Artista plástico (Pittsburgh, EEUU, 1928- New Yorck 1987) Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
Marilyn Diptych
1962
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19 El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas. Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces moLatas de sopa Campbell
1962
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Mao
1973
21 nocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo. Otra faceta de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital. Portada para The Velvet Underground & Nico
1967
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Eigth Elvises
1963
24 Big Electric Chair
1967
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Gold Marilyn Monroe
1962
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Green Coca-Cola Bottles
1962
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“Amo a las mujeres e intento hacer cosas hermosas con ellas”.
Diseñador de modas (New York,1942)
CALVIN KLEIN
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Calvin Richard Klein Diseñador de modas (Nueva York, 1942) Nacido en el Bronx, New york; desde pequeño aprendió el oficio de la confección gracias a su abuela, y fue su madre quien lo animó a perseguir sus sueños e iniciar su carrera en la moda. Luego de graduarse en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Nueva York, ganó una beca para estudiar en el Instituto de Modas, Tecnología y Diseño, donde se graduó en 1962. Después de culminar sus estudios, se convirtió en aprendiz de un sastre que producía trajes y chaquetas en Nueva York, a partir de ese momento, Klein, trabajó en la creación de sus propios diseños. En 1968, Klein y Barry Schwartz, su mejor amigo de la infancia, comenzaron la compañía Calvin Klein teniendo como principales productos abrigos y trajes. Calvin destacaba la importancia de su familia y amigos en su vida y por ende, intentaba volcar los mismos valores con los que convivía en su marca.
31 Durante la década de 1980, Calvin, siguió trabajando de manera independiente hasta que en los años 1990, se hizo altamente reconocido por sus creaciones minimalistas despojadas de todo tipo de adornos. Un año después, creó su propia firma llamada Calvin Klein Inc, y a partir de entonces comenzaron a llegar los éxitos. Las colecciones de jeanería y la producción de fragancias terminaron por catapultar su éxito. Dueño de un estilo minimalista, de líneas puras, Klein sostenía: “La ropa más simple es la más difícil de hacer”. Calvin Klen revolucionó el mundo de la publicidad: todas las campañas de la firma se ideaban desde adentro de la empresa a través de una agencia integrada en su estructura. Estas campañas se caracterizaban por utilizar modelos en poses provocativas, lo que causó mucha repercución en entidades conservadoras. Además, fue el primer diseñador en subir un logo a las pasarelas y pionero en probar nuevas formas para anunciarse en las revistas de moda; ideó un suplemento de más de 100 páginas que fue distribuido junto a las principales revistas de la editora internacional Condé Nast: Vogue, Glamour y GQ. La mercadotecnia y la provocación han sido siempre su principal motor en la moda, Klein le otorgó al mundo de la ropa interior una importancia que nunca había tenido hasta entonces, incluso en el mercado masculino. Además, Calvin, imaginó un nuevo tipo de libertad para los hombres en cuanto a la ropa que iba más allá de la elegancia clásica: ropa ligera, como camisetas debajo de chaquetas o chaquetas deportivas, jeans y jerseys de cuello alto; el estilo característico norteamericano de los años 80’s. Luego de generar un su fama dentro del mundo de la moda, Klein decidió incursionar en otros ámbitos dentro de ese merca
32 do para ampliar su industria, y fue a partir de esto que lanzó sus primeros perfumes “Obsession” y “Eternity” que tuvieron un gran éxito a nivel mundial. A estos sucedieron “Escape” y “Contradiction”, y en la actualidad existen “CK One” y “CK Be”, dos frangancias unisex, que expresan la esencia del estilo de la marca. En el año 2002, la marca fue vendida a Phillips- Van Heusen, el mayor fabricante de camisas de Estados Unidos por la suma de 400 millones de dólares más un enorme paquete de acciones sobre las ganancias estimadas de los próximos años. Para Klein, este negocio le otorgó los recursos necesarios para expandir aún más su nombre por Asia y Europa, aunque esto le implicaría perder el control sobre sus diseños. Las marcas que se desprenden de Calvin Klein son: ·Calvin Klein Collection: Línea de Pret-a-porter. ·ck Calvin Klein: Línea de difusión. ·Calvin Klein Performance: Línea de alta gama de ropa deportiva. ·Calvin Klein Jeans: Línea de indumentaria confeccionada en denim. ·Calvin Klein Home: Colección de artículos de blancos y accesorios. ·The Khaki Collection: Colección juvenil de gama media-alta. ·Calvin Klein Golf: Artículos para Golf. ·Calvin Klein Underwear: Colección de ropa interior. ·CK one Lifestyle: Fragancias, ropa interior y ropa de denim. ·Calvin Klein Watches & Jewelry: Artículos de relojería y joyería. En la actualidad, el Director creativo de Clavin Klein Collection es el brasileño Francisco Costa que ocupa el puesto desde 2003. El británico, Kevin Carrigan, es el Director creativo de las marcas ck Calvin Klein y Calvin Klein desde 1998, mientras que Robert Mazzoli es quien está al mando de Calvin Klein Underwear. El actual Presidente de la división Calvin Klein Inc. dentro de PVH Corp. es Tom Murry.
33 Primera campa単a de la firma, publicada en la revista Tenn Vogue.
1968
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Primera publicidad grรกfica de Calvin Klein Jeans, protagonizada por Patti Hansen
1979
35 Lanzamiento de Calvin Klein Underwear.
1982
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Lanzamiento de “Obsession�, la priimera fragancia mascula de Calvin Klein.
1986
37 Afiche publicitario de la fragancia “Escape”
1991
38 Campa単a de Calvin Klein Jean protagonizada por Kate Moss
1992
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Afiche publicitario de la fragancia “CK One� con la modelo Kate Moss.
1994
40 Lanzamiento de Calvin Klein Home.
1995
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Kate Moss y Jamie Dornan protagonizan la campa単a de Calviin Klein Jeans.
2006
42 Italo Zucchelli, diseñador de la línea masculina de Calvin Klein Collection.
2004
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Campaña de Calvin Klein Underwear protagonizada por el fútbolista japonés Hidetoshi Nakata.
2010
44 Francisco Costa, diseĂąador de la lĂnea femenina de Calvin Klein Collection.
2003
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Para esta temporada la lĂnea femenina de Calvin klein Collection estuvo compuesta casi en su totalidad por tejidos. Se destacaron las tĂşnicas, las faldas tubo y los degradados de colores
EW2014
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La pasarela de Calvin Klein Collection para esta temporada se baso en siluetas complejas y la utlizaci贸n de tejidos modernos. Para la cr铆tica, el estilo sofisticado y estructural planteado por Costa se aleja del espiritu juvenil de Calvin Klein.
SS2015
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En esta colección, Costa, se ha inspirado en la moda de finales de los 60’s y principios de los 70’s. Se destacan las texturas del terciopelo, el cuero y las pieles. Los abrigos se destacaron por ser largos y ligeros.
FW2015
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Trabajó la portada como un espacio de expresión artística donde el objeto cotidiano concebido como ready-made puede ser un registro de conexión para la expresión gráfica.
Diseñador Gráfico (Santander 1930 - Madrid 2004)
DANIEL GIL PILA
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DANIEL GIL PILA Diseñador Gráfico (España 1930-2004) Daniel Gil Pila nacido en Santander, España en 1930, fue un importante diseñador gráfico español. Desde muy joven sintió inclinación hacia las artes plásticas lo que le llevó a estudiar Artes y Oficios en Santander y realizar posteriormente estudios de Bellas Artes en Madrid. En 1951 realiza su primer diseño de cubierta, para el libro de Manuel Arce Carta de paz a un hombre extranjero, editado en Santander, en la colección “Flor”. A principios de los años 60 diseña cubiertas de discos. En 1966 comenzó a trabajar para Alianza Editorial, donde desarrolló su obra más conocida como diseñador gráfico: las portadas de la colección “El Libro de Bolsillo”. Gil rompió con una estética editorial excesivamente convencional para introducir un nuevo lenguaje gráfico más innovador y experimental. Durante años contribuyó a crear una de las imágenes más sólidas yatractivas del diseño gráfico español y se convirtió en un referente para todas las nuevas generaciones de creadores gráficos.
Portada Cosas de Sabiduría o Proverbios Morales y otras Rimas; para Alianza Editorial.
1974
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Portada Cuando suena el ClarĂn para Alianza Editorial.
1961
52 Portadas Diccionario de la PsicologĂa 1; para Alianza Editorial.
1963
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Portada El cine segĂşn Hitchcock; Para Alianza Editorial
1974
54 Portada En las monta単as de la locura; para Alianza Editorial
1996
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Portada Cosecha Roja; para Alianza Editorial
1994
56 Portada Candido y otros cuentos; para Alianza Editorial.
1982
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Portada Cuentos/1; para Alianza Editorial
1985
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“No confundás legibilidad con comunicación. Sólo porque algo sea legible no quiere decir que comunique”
Sociólogo y surfista profesional, y diseñador gráfico (EE.UU- 1954)
DAVID CARSON
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David Carson Sociólogo y surfista profesional, y diseñador gráfico (EE.UU- 1954) Sociólogo y surfista profesional, descubrió tardíamente que existía un oficio llamado diseño gráfico. Esta situación le permitió acercarse al diseño de manera desprejuiciada y experimental desde las referencias de las llamadas sub culturas como lo son el surf y el rock and roll. En sus comienzos trabajó como director de arte de las revistas Beach Culture, Transworld Skateboarding, Ray Gun y posteriormente Blue y Surfin Rico. Su trabajo aborda la comunicación visual como una aproximación personal que evade por igual las convenciones y el default. Pero inclusive va más allá al definir la intuición como el método para transmitir emoción, originalidad y fuerza. “Si usas la intuición harás un mejor trabajo, más sólido y probablemente lo disfrutes más, así empezará a parecer menos “trabajo”. Carson apuesta a la metáfora, la sugerencia y la interpretación abierta a través de la diagramación (layout) con elementos de lenguaje visual como la tipografía, la fotografía y la ilustración con imágenes texturadas, desenfocadas, en multi capas, que reverberan o apenas aparecen. Su inspiración proviene de la vida cotidiana y no del trabajo de otros diseñadores o de la tradición tipográfica. Es por eso que ha logrado instaurar una nueva manera de componer tipografía manejando códigos visuales que retan a las convenciones de la lectura, pero sin descuidar en ningún momento la potencia comunicacional. Su libro The end of print (1995) se convirtió en el libro sobre diseño gráfico más vendido en la historia, situación ante la cual Carson asoma la broma: “Si hubiera sabido que se iba a vender hubiera hecho un mejor libro, pero en realidad no tenía idea”. En el prólogo de este libro se aprecia el uso del concepto de la ENTROPÍA como un sistema de energía que estructura el desorden. “Es más difícil hacer un buen diseño caótico que un buen diseño limpio”. Carson se ha convertido en una figura renombrada del diseño gráfico internacional y su trabajo ha sido muy influyente en las nuevas generaciones de diseñadores. Sus clientes van desde la banda de rock Nine Inch Nails hasta Giorgio Armani. Más recientemente ha abordado otros formatos como el video, el cine, la fotografía o el diseño web.
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Contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para el diseño de la reconocida revista Ray Gun, una revista de las normas internacionales, en la que había mucho sobre música y estilo de vida como tema principal.
Portada revista RayGun, con la banda “Garbage”
1992
62 Portada revista RayGun especial de la banda “OASIS”
1992
Ray Gun logró que Carson se hiciera muy conocido y atrajo a nuevos admiradores de su trabajo. En este período, Carson aparece en publicaciones como el New York Times y Newsweek lo que genera un aumento de su publicidad en gran medida.
63 Quiksilve
2011 David se desempeñó como Director de Diseño para el concurso de 2011 Quiksilver Pro Surf en Biarritz, Francia, y diseñó la marca para el Quiksilver Pro 2011 en Nueva York.
64 Portada revista BLUE
1997
Le dio nombre y diseñó el primer número de la revista Blue, aventura y estilo de vida, en 1997. David diseñó el primer número y las cubiertas de los tres primeros, dirección de arte y diseño de la revista hasta su desaparición.
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Dise単o cartel de Pepsi - Campa単a Publicitaria
1996
66 Del surf a Obama.
1997
Las portadas de Carson para la revista Blue son un clรกsico en su trayectoria. Abajo, un trabajo para The Guardian sobre los discursos de Obama.
67 The End of Print
1995
Primera publicación deCarson. Se vendieron más de 200.000 ejemplares en cinco idiomas diferentes, y pronto se convirtió en el best-seller en todo el mundo del diseño gráfico.
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“Me gustaría que los visitantes saliesen de aquí llorando, es decir, con una emoción”
Arquitecto y diseñador (1917-2007)
ETTORE SOTTSSAS
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ETTORE SOTTSSAS Arquitecto y diseñador (Innsbruck, Austria 1917-2007) Arquitecto y diseñador italiano de origen austriaco. Comenzó su carrera en Milán, en 1947, y desde entonces se involucró en la experimentación de nuevas posibilidades en una gran variedad de campos de creación, tales como la arquitectura y el diseño industrial y gráfico. Ha participado en el movimiento Arte concreta y diseñado objetos para importantes firmas italianas, como las máquinas de escribir y las computadoras Olivetti, además de muebles y archivos para Sistema 45 y la fábrica de muebles Knoll de Milán. En los años setenta se interesó por la arquitectura radical, proyectó viviendas populares, y con otros reconocidos diseñadores italianos, fundó Global Tools, una escuela basada en la libre creatividad individual. A esta época pertenecen sus colaboraciones en las revistas Domus y Casabella. Participó en la creación del grupo Memphis, que se mostró muy activo en el ámbito de la decoración y el diseño de objetos. Entre los numerosos premios y distinciones que ha recibido se halla el doctorado honorario del London Royal College of Art.
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Gabinete Casablanca
1981
73 Oceanic Lamp
1981
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Super Lamp
1981
75 Carlton
1981
76 Mรกquina de escribir Valentine para Olivetti
1956
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Tahiti Lamp
1981
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Mimosa side table
1984
79 Ultrafragola
1970
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“La naturaleza es mejor que la costura”.
Diseñador de modas (Lomardía, 1950)
FRANCO MOSCHINO
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Franco Moschino
Diseñador de modas (Lombardía, 1950) Nació el 27 de febrero de 1950 en Abbiategrasso, Lombardía, Italia. Su madre era ama de casa y su padre herrero. A sus 18 años asistió a la Accademia delle Belle Arti en Milán para estudiar Bellas Artes con el objetivo de convertirse en un pintor. A su vez, para poder financiar sus estudios, trabajó como ilustrador de moda. Poco tiempo después, su interés se inclinó hacia las telas y la confección por sobre la pintura. En el año 1971, comenzó a ilustrar para Gianni Versace y trabajó junto a él hasta el año 1977 donde comenzó a diseñar para la firma italiana Cadette. En 1983 Franco Moschino funda Moschino Couture! con la intención de crear “trajes económicos, útiles y prácticos. Con ese aire de desenfado e ironía que tanto necesitamos todos”. Desde sus inicios, el estilo de Moschino fue claro; sus prendas eran extravagantes, cargadas de gráfica, icónicas y divertidas. El espíritu irreverente y contestatario fue uno de los pilares sobre los que se constituyó la marca italiana y también uno de los máximos responsables de su
éxito, un éxito basado en el desasosiego del espectador y la ironía de un creador que llegó para romper con todo tipo de estruturas en un mundo de la moda muy conservador. Franco Moschino se consideraba un artista/publicista más que un diseñador clásico, su caso podría ser comparable con el de Andy Warhol. Gracias a esto la marca encontró en la ironía publicitaria el mejor aliado para sus creaciones. Las campañas de Moschino, junto a las de Toscani para Benetton, sentarían las bases de gran parte de la industria de la publicidad contemporánea. En el otoño de 1983, Franco, presentó su primera colección femenina, durante un inolvidable desfile en Milán. Años más tarde lanzó su línea masculina que saldría a la venta en 1986. Durante ese mismo año comienza a fabricar jeans y accesorios, y en 1987 se pone a la venta su primer perfume. Un año después se lanza al mercado una segunda línea, llamada Cheap & Chic. En plena vorágine de su éxito, Franco Moschino abrió su primera tienda en Milán en el año 1989 y un año después sorprendió al mundo con una campaña titulada Stop “The Fashion System” (Paren el sistema de la moda) donde alertaba sobre lo peligroso de convertirse en una víctima de la moda. También en ese año, recibió el premio Aguja de Oro y abrió su segunda tienda en Milán. En 1993, para celebrar sus diez años en la moda, organizó una exposición sobre su obra titulada X Anni di Kaos! (¡Diez años de caos!), en la que quedaba totalmente explícito su aporte al mundo del diseño. En 1994 Moschino presentó su primera colección ecológica llamada “Ecouture” confeccionada con materiales extraídos de la naturaleza, meses después el 18 de septiembre, tras varios años de luchar contra el sida fallece, dejando huérfana su firma de moda. A partir de ese momento, su antigua asistente Rossella Jardini fue
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84 la heredera de la dirección creativa de la firma. En el año 1996, la firma italiana inagura una tienda en la Avenida Madison de New York y dos años después el grupo Aeffe, que había apoyado la producción desde el comienzo de la marca, compra con la compañíay en ese año se anuncia el lanzamiento de una nueva linea, en este caso de sportwear: Moschino Life. Los diseños de Moschino han sido usados por celebridades como Fran Drescher en The Nanny, Alicia Silverstone y Gwyneth Paltrow, entre otras. En 2006, Moschino diseñó los trajes para la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Turín. Desde esa época hasta inicios de la segúnda década de este siglo ha diseñado modelos exclusivos para Kylie Minogue, Madonna. En el año 2013 Moschino retoma su popularidad a través del nombramiento como nuevo director creativo del irreverente diseñador estadounidense Jeremy Scott, quedadon formalizada esta unión al presentar su colección otoño-invierno 2014/15. Desde entonces Moschino, de la mano de Scott, ha vestido a gran cantidad de artístas de reconocimiento mundial tales como Rihanna, Miley Cyrus, Rita Ora, Katy Perry, CL (2NE1), y Nicky Minaj, entre otras, recuperando así, el impacto que supo tener en sus comienzos. Actualmente la marca se compone de varias etiquetas: ·Moschino (línea principal para mujeres y hombres) ·Moschino Cheap and Chic (segunda línea fememina creada en 1988) ·Love Moschino (línea de difusión para hombres y mujeres, conocida como Moschino Jeans desde 1986 a 2008). También se incluyen accesorios de moda, joyería, perfumes y cosméticos, incluso cascos de motocicleta. En 2010 Moschino abrió su Hotel concepto llamado “Maison Moschino”.
85 Primera colecci贸n femenina de Moschino, temporada primavera/verano.
1984
86 Primera boutique de Moschino en Milรกn.
1989
Apertura de la segunda tienda de Moschino en Milรกn.
1990
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Primera fragancia de Moschino.
1987
“Oh! De Moschino� perfume lanzado por Moschino Cheap&Chic .
1996
UOMO, primera fragancia masculina de la firma italiana.
1997
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Afiche de campaña “Stop the fashion system!”
1991
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Afiche de campa帽a concienizaci贸n social.
1992
90 Rossella Jardini, directora creativa de Moschino. Sucesora de Franco.
1994
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Esculturas de símbolos históricos de Moschino con la palabra “forever”, esparcidas por Milán.
1995
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Fran Dresher usando una chaqueta Moschino en su serie “The Nanny“.
90’s
Outfit Moschino Cheap&Chic al que pertenecía la chaqueta de Dresher.
90’s
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Madonna usando Moschino en su gira “Sticky & Sweet Tour”.
2008
Lady Gaga vestida por Moschino en su gira “Born This Way Ball Tour”.
2012
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Maison Moschino, hotel conceptual ubicado en Milรกn, valoado con cuatro estrellas.
2010
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Detalles de diferentes habitaci贸nes dentro del hotel.
2010
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Lamparas colgantes en forma de perro, ubicadas en el lobby del hotel.
2010
Habitaci贸n minimalista de la Maison Moschino.
2010
98 Jeremy Scott, director creativo de Moschino. Sucesor de Rossella Jardini.
2013
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La colecci贸n Ready-to-wear para esta temporada marc贸 el debut de Jeremy Scott en Moschino. Las principales inspiraciones fueron Mc Donalds, la firma Chanel y el dibujo animado Bob Esponja. A partir de este momento, Scott, da inicio al resurgimiento de Moschino dentro del mundo de la moda, retomando los valores iniciales de la marca y poniendo la firma en su lugar: la boca de todos.
FW2014
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Para esta temporada la colección Ready-to-wear de Moschino tuvo como principal fuente de inspiración la muñeca Barbie, con motivo de la conmemoración de su 55º aniversario. Scott puso sobre la pasarela todos los prejucios con los que se relaciona tanto a la moda como al estereotipo de belleza que propone la marca Barbie; la prensa reconoció que desde los trabajos de Franco Moschino no se veía algo así.
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En la pasarela de la temporada otoño/invierno 2015/2016 el equipo de Moschino presentó una colección inspirada en los Looney Tunes de Warner Bros, graffitis y el nuevo perfume de la firma: “Moschino Toy”, una fragancia cuyo envase es un osito de peluche que lleva puesta una camiseta con la frase “This is not a Moschino toy”.
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“Un gran director de arte es un tipo que sabe cuándo alguienha tenido una idea mejor que la suya”
Diseñador gráfico y tipógrafo. (Nueva York 1918 - 1981)
HERBERT LUBALIN
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104 Sudley and Hennessey
1959 Cre贸 este anuncio para la firma de publicidad Sudley y Hennessey. Combin贸 tipograf铆a bold para creear un composici贸n impresionante.
105 No More War
1960 Fue uno de los estados visuales mรกs iconogrรกficas emitidas durante la guerra de Vietnam.
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Logotipo Estudio Herb Lubalin
1964
107 Revista FACT
1967
Diseñó muchas portadas de la revista Fact, las cuales son un ejemplo de orfebrería tipográfica de los sesenta.
108 Mother and Child
1966
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Fue realizada por Ralph Ginzburg y Herb Lubalin, donde crean la tipografĂa Avant Garde.
Revista Avant Garde
1968
110 Afiche alfabeto Avant Garde Gothic Survivor
1979
Afiche antibĂŠlico realizado para AIGA, criticando la guerra en un juego de palabras e imĂĄgenes de cucharachas, manteniendo su propio estilo.
111 Survivor
1972
Afiche antibĂŠlico realizado para AIGA, criticando la guerra en un juego de palabras e imĂĄgenes de cucharachas, manteniendo su propio estilo.
112
Diseñador gráfico (Rapperswil, 9 de mayo de 1914 – Unterengstringen, 30 de agosto de 1996)
JOSEFF MULLER BROCKMANN
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Josef Muller Brockmann
Olympische Spiele Munchen
1972
Diseñador gráfico (Rapperswil, 9 de mayo, 1914 – Unterengstringen, 30 de agosto,1996) Josef Müller-Brockmann inició su carrera con tan solo dieciséis años de edad introduciéndose como aprendiz en un taller de diseño gráfico, posteriormente comenzó a estudiar arquitectura, diseño e historia del arte en la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. A los veintidós años de edad comenzó a trabajar de ilustrador freelance y diseñador, basándose en su creatividad autentica e impactante. En 1936 formo su propio estudio de diseño de exposiciones, gráficos y fotográfico. grafico de carácter universal. Müller-Brockman llegó a ser el diseñador suizo más influyente de su época, cuando el movimiento que creó se expandió más allá de las fronteras de su país. Utilizaba una combinación de la tipografía asimétrica, las retículas y motivos abstractos evocan las obras que se interpretaban. Su dominio de la tipografía, particularmente su trabajo con la tipografía Helvetica, definió una generación de diseñadores
115 M眉ller Brockmann .Exposici贸n.OLMA.
1959
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Sistemas de retículas / Sistemas de grelhas: Un manual para diseñadores gráficos.
1982
117 Die Neue Haas Grotesk
1962
118 MüllerBrockmann. Cartel para la exposición DerFilm,
1972
En los años 50 surge Alemania y Suiza un nuevo estilo de diseño gráfico que se convirtió en la imagen oficial de muchas instituciones del país, llamándose en un primer momento “Diseño Suizo”, y que pronto se extendió universalmente por toda Europa y Estados Unidos llegando a ser el estilo predominante hasta los años 70.
119 Cartel para la exposici贸n DerFilm,
1972
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“Suficiente es más”
Diseñador/ ilustrador (Nueva York) 1929
MILTON GLASSER
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Milton Glaser Diseñador/ ilustrador/intelectual nacido en Nueva York el 26 de junio de 1929, en el seno de una familia de inmigrantes húngaros. Comenzó sus estudios en la escuela Cooper Unión (desde 1948 hasta 1951) con una beca Fulbright, asistió a la academia de las bellas artes de Bolonia, Italia en virtud de Giorgio Morandi. (1952-1953). Entre los años 1954 y 1974 Glaser fundó y presidió el estudio de la 'Tachuela' (con semour Chwast, Reynold Ruffin y Edward Sorel) en Nueva York ; y desde 1955 hasta 1974 fue el editor y co-director artístico de la revista del "push pin gráfica En 1968 fundó junto a Clay Felker Felker New York Magazine, una revista dedicada a estilos de vida, cultura, política, y competidora de The New Yorker, donde Glaser habia sido presidente y diseñador hasta 1977. Glaser acompañado de Jerome Snyder escribieron The Gourmet Underground, una guía de restaurantes baratos en la Gran Manzana, fue una de las columnas más populares de la revista New York porque todo el mundo en la ciudad buscaba precios bajos y buenos restaurantes. En1974 se estableció en su propio estudio, Milton Glaser Inc. y se asoció con Walter Bernard en 1983 para formar la publicación de la empresa de diseño WBMG. Estos fueron responsables del diseño de más de 50 revistas de todo el mundo. Entre ellas: Jardin des Modes, L’Europeo, New West, L’Express, Manhattan Inc, Channels, Lire, The Washington Post Magazine, Village Voice, New York e Paris Match, entre otras. Glaser fue un prolífico creador de carteles (más de 300) y grabados. Su famoso cartel de Bob Dylan se convirtió en un símbolo de los años sesenta y actualmente es un icono del diseño americano. Este diseñador se dedicó al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L’Express, Esquire o Village Voice yLa Vanguardia (19871989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color. En identidad corporativa, desde finales de los ‘70 se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en losEstados Unidos. También creó el logo de DC Comics. En 1975 bocetó en una servilleta lo que en dos años más tarde se convirtiría en un conocido símbolo: I Love New York.
El estilo de los trabajos de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande, diseñó algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo. Milton Glaser ha sido un activo miembro de la concepción y la comunidad educativa, fue profesor de diseño en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en uno de los programas más respetados de EEUU. Milton Glaser ha sido objeto de exposiciones individuales en el centro Georges Pompidou de París, el Lincoln Center Gallery, Nueva York; la galería de Houghton en la Cooper Union, Nueva York; la galería de AIGA en Nueva York, el Philadelphia Museum of Art.
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124 Logo I love New York
1970 Fue creado para una campaña de la ciudad, basado en la canción compuesta por Steve Karmen, llamada “I love New York”. El logo cuenta con tres letras con la tipografía “American Typewriter”, lo que confiere una identidad al logo, se basa en los caracteres de la maquina de escribir patentada por Chrispopher Latham Sholes, creador de uno de los inventos norteamericanos más famosos, así como el teclado Qwerty. Tres letras I y NY separadas por un corazón, una apuesta arriesgada y muy alejada de las tendencias gráficas de la época. Al sustituir la palabra “Love” por el corazón, Galsser creó un nuevo icono mundial.
125 Cartel Bob Dylan
1957 Glaser tomó su inspiración para el perfil de Dylan desde un autorretrato 1957 por Marcel Duchamp. El rostro del cantante se reduce a un perfil negro sobre blanco mientras que su pelo se llena de formas de colores. Se puede describir “psicodélico” Y utilización de un movimiento de arte anterior, en el arte Nouveau. Esa fue una influencia para los colores y formas en el cuadro.
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Tipografía Baby Teeth
1970 Se trata de una perfecta combinación de las proporciones modernistas vigentes en aquella época con el
estilo sólido neoyorquino. Su apariencia evoca las populares tipografías geométricas como la Futura o la
Avant Garde contando únicamente con los caracteres mayúsculos.
127 Revista New York
1974
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Glaser abordó la publicidad para el modelo olivetti valentine, que era una máquina de escribir portátil diseñada por Ettore Sottsass, (1969) que era bastante revolucionaria para la época, partiendo de su llamativo color rojo (que posiblemente se debía a la influencia de la cultura pop), y tenía la cualidad también de que era de plástico, hoy en día esa máquina es un objeto de culto .
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Carteles para Olivetti
1969
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“Pionero, innovador, visionario, hombre de gran talento, preocupado por atrapar los ojos de la gente, penetrar en sus mentes, calentar sus corazones y hacerles actuar.”- George Lois.
Diseñador gráfico, (E.E.U.U. 1914-1996)
PAUL RAND
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132 Industrial Arts Exposition
1935 ExposiciĂłn Internacional celebrada en ParĂs desde el aĂąo 1925, con la finalidad de mostrar los adelantos industriales y las artes decorativas.
PAUL
133 Museum of Modern Art
1941 Fue reconocido como uno de los diez mejores directores de arte por el Museo de Arte Moderno.
PAUL
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PAUL
New York Subways Advertising Co.
1946 Publicidad dise帽ada por Paul para la promoci贸n de la Nueva York Subways Advertising Company. Supone una imagen ilustratva y una composici贸n din谩mica.
135 No Way Out
1950 Poster realizado por Paul para la pelĂcula No Way Out . Es una pelĂcula de cine negro americano, dirigida por Joseph L. Mankiewicz.
PAUL
136 Interfaith Day
1953 Rand diseñó una serie de poster para el centro comercial “Central Park Mall”; por motivo del día interreligioso.
PAUL
PAUL RAND 137
Isologotipo American Broadcasting Company
1962
Rand diseñó el isologotipo para American Broadcasting Company, una de las cuatro cadenas de televisión de radiodifusión comercial más grandes en los Estados Unidos.
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PAUL
RAND
Logotipo IBM
1972 Luego de una serie de logotipos de IBM de Rand culmin贸 en esta versi贸n, formado a partir de rayas apiladas, sugiriendo velocidad dinamismo, lo que hizo las iniciales de la compa帽铆a inmediatamente reconocible en todo el mundo.
P
139 Eye Bee M para IBM
1981 Paul dise帽贸 el poster para IBM, con la intenci贸n de que el lector deletree el nombre de IBM, mediante un jerogl铆fico.
PAUL
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PAUL
RAND
Logotipo NeXT
1986 Por un pedido de Steve Jobs, Paul Rand dise帽贸 el isologotipo para la nueva empresa de computadoras.
L
D
141 Eye Bee M para IBM
1990 Cubierta realizada para el catálogo del trimestre de invierno. Debía representar obras de arte público para el disfrute de sus clientes.
PAUL
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“No diseñoropa, diseño sueños”
Diseñador de indumentaria (1939)
RALPH LAUREN
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RALPH LAUREN Diseñador de indumentaria (1939) Ralph Lauren Este diseñador nació en 1939 y empezó su carrera como vendedorde guantes, antes de dedicarse al diseño de corbatas y pañuelos. A finales de los 60 creó la deportiva linea polo, una moda para caballeros con influencias de la ropa inglesa de estilo rústico. En 1971 también lanzó su una colección para señora. Para su moda Lauren confecciona chaquetas estilo Norfolk, blusas con lazos, faldas a cuadros, etc., con un estilo conservador y según la tradición. Además este estilo tiene un aspecto de reminiscencias claramente americanas: la moda de las praderas o la ropa con influencia de los tiempos de los pioneros, como el tejido de los vaqueros, el algodón ola lana lo han convertido en uno de los diseñadores preferidos del público americano, por conservar la calidad artesanal y y las tradiciones familiares rurales, que también plasma en la disposición de sus tiendas. Utiliza la madera, la piel, las chimeneas, y la lona pesada como elementos decorativos, que transmiten la impresión de unos valores intemporales u de seguridad imperturbable.
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146 Magazine- Ralph Lauren
1980
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Magazine- Ralph Lauren
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Magazine- Ralph Lauren
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Magazine- Ralph Lauren
1989
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1980
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Sailing Nautical- Ralph Lauren
1982
153 Sailing Nautical- Ralph Lauren
1980
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Reconocido diseñador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.
Diseñador Gráfico (Nueva York 1920 - Los Angeles 1920)
SAUL BASS
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SAUL BASS Diseñador Gráfico (EE.UU. 1920-1996) Saul Bass nació en la ciudad de Nueva York, 8 de mayo de 1920. Fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos. Estudió en el “Artes League” en Nueva York, y después en el Colegio de Brooklyn. Kepes, diseñador húngaro, fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso. Se mudó a Los Ángeles en 1946, donde abrió su propio estudio en 1950, dedicado inicialmente a la publicidad. Otto Ludwig Preminger, es quien lo introduce a la industria cinematografica. Pidiendole que diseñara los títulos y créditos de la película. También trabajaría junto a otros célebres directores como ser Martin Scorsese y Alfred Hitchcock. Saul Bass elevó los títulos de crédito a la categoría de arte. El diseñador gráfico norteamericano consiguió que se convirtieran en una manera de introducir al espectador en la película y no solo en una simple sucesión de los nombres de técnicos y actores. Formas geométricas simples, colores puros y una habilidad especial para captar el espíritu del largometraje con muy pocos elementos fueron sus señas de identidad. Unas características presentes también en sus carteles de películas, capaces de explicar mejor que las sinopsis el argumento de un filme.. Fallece en 1996, en la ciudad de Los Ángeles.
157 Afiche Carmen Jones, (Otto Prminger)
1954
158 Afiche The man with the golden arm, (Otto Prminger)
1955
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Afiche Vertigo, (Alfred Hitchcock)
1958
160 Afiche Anatomy of a Murder, (Otto Preminger)
1959
Anatomía de un Asesinato, se estrenó en el año 1959, es una película de drama criminal. Este film fue dirigido por Otto Preminger, y fue protagonizada por James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Eve Arden, George C. Scott, Arthur O’Connell, y Kathryn Grant. Esta fue una de las primeras principales películas de Hollywood para abordar el sexo y la violación en términos gráficos. Saul Bass, diseñó los títulos y créditos de esta pélicula, además del afiche promocional.
161
Afiche The Human Factor, (Otto Preminger)
1980
162 Afiche West Side Anatomy, (Jerome Robbins - Robert Wise)
1961
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Afiche Grand Prix, (John Frankenheimer),
1966
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“En el diseño es necesario un 30% de dignidad, un 20% de belleza y un 50% de absurdo”.
(4 de febrero de 1932, Tokio – 11 de enero de 2009 ) fue un escultor, diseñador gráfico y todo un maestro de la carrtelería, creador de ilusiones ópticas
SHIGEO FUKUDA
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SHIGEO FUKUDA (4 de febrero de 1932, Tokio – 11 de enero de 2009 ) Shigeo Fukuda nacido el 4 de febrero de 1932, se basó en la creación de hermosas cartelerías donde utilizaba como técnica principal las ilusiones ópticas, gran diseñador grafico y escultor. Cuando finalizo la segunda guerra mundial, empezó a interesarse en la corriente minimalista suiza, basándose en el diseño grafico y tridimensional. Se graduo en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Musica de Tokio en 1956, donde luego de unos años dio clases allí y tambien en el Departamento de Diseño Grafico de la Universidad de Yale. En 1967 se empezó a escuchar su nombre cuando seleccionaron su trabajo para que sea el Cartel Oficial de la Exposicion en Japon 70.
167 International Carpet Design Competition
1992
En 1972 gano el premio de oro en la Bienal internacional del Cartel de Varsovia. En 1985 en Moscu se consagra con el primer lugar en la Bienal del Cartel. En 1993 el primer premio en En 1972 gano el premio de oro en la Bienal internacional del Cartel de Varsovia. En 1985 en Moscu se consagra con el primer lugar en la Bienal del Cartel. En 1993 el primer premio en Eslovaquia. En 1995 el Premio Savignac en el Salon internacional del Cartel en la UNESCO, en Paris. En 1987 y 2006 fue admitido al Halll de la Fama ADC en New York. En 1976 recibio el premio al Artista Recomendado del Ministerio de Educaci贸n. En 1997 gana el premio por servicio meritorio del Ministerio de Comercio e Industria. En 1997 lo premia con la Medalla Cinta Purpura.
168 “Almuerzo con casco”, una de las obras más representativas de Fukuda.
1987
En otro famoso trabajo suyo muestra una imagen muy geométrica del cuello de un varón con una corbata que forma las piernas de un hombre y una mujer.
Expo “S. Fukuda en Polonia”
1995
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170 Río 92
1981
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Kyogen
1981
172 Hiroshima-Nagasaki 50
1995 Opinaba que en el diseño era necesario “un 30% de dignidad, un 20% de belleza y un 50% de absurdo”. A continuación presentamos una selección de sus carteles, en los que utiliza la ambigüedad de la figura y el fondo así como diversas figuras imposibles.
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Shadow man, otra ilusi贸n 贸ptica de Shigeo Fukuda.
1989
174 Victory
1945 No todos sus trabajos fueron comerciales, muchos tuvieron un carácter social, como este “Victory 1945” que diseñó para Amnistía Internacionalen 1975, aunque incluso en esos casos mantuvo su original estilo. En este poster muestra una bala que en lugar de salir de un cañón, va de vuelta para entrar por éste, conmemorando los 30 años del final de la Segunda Guerra.
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Happy Birthday
1982
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“Tu vida es mucho mejor si llevas ropa que provoque admiración”
Diseñadora de indumentaria (Inglaterra 1941)
VIVIENNE WESTWOOD
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VIVIENNE WESTWOOD Diseñadora de indumentaria (Inglaterra 1941) Irreverente, divertida, atrevida, hay más sinónimos para describir a esta increíble diseñadora? Sí muchísimos más, Vivienne Westwood es una adelantada a su tiempo y la responsable de haber customizado al punk, de plasmar a través de la ropa un mensaje de rebeldía. Su nombre real es Vivienne Isabel Swire nació en Derbyshire, Inglaterra el 8 de abril de 1941, su familia era de origen modesto y a los 17 años se mudó a Harrow (Londres) donde empezó a estudiar en la Escuela de Arte de Harrow - University of Westminster y se especializó en moda y joyería, en sus épocas de estudiante decía: “no sabía cómo una chica de clase trabajadora como yo podría ganarse la vida en el mundo del arte”. En 1962, Vivienne se casó con Derek Westwood, ella hizo su propio vestido de novia. En 1971 conoció a Malcolm McLaren, otro gran innovador (fue el fin de su primer matrimonio) se convierten en socios. pareja y socios. En 1975, McLaren se convirtió en manager de los Sex Pistols, banda punk que lideraba dicho movimiento en Inglaterra, la banda empezó a usar los ropa diseñada por Vivienne; ella tuvo la capacidad para sintetizar el concepto de la música y la actitud punk para crear una nueva estética. Vivienne estaba profundamente interesada en la estética punk, trabajaba con los conceptos de la contracultura.
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Primeros Desfiles “Romantic of the high sea”, el primer desfile de los dos que acabaría presentando junto con McLaren. La colección resultó ser muy imaginativa, suntuosa y muy colorida, y fascinó al público. Uno de los trajes especialmente hermosos, con un luminoso anaranjado, mangas rasgadas y un chaleco a topos negros y amarillos que se completaba La segunda colección “Nostalgia of Mud” en 1982, les llevó directamente hasta París y se convirtieron en los primeros ingleses que presentaban su moda en la metrópoli francesa, desde los tiempos de Mary Quant. Pero después de éste acontecimiento, tomaron caminos distintos de modo irrevocable. La colección “Witches” de 1983, con una síntesis de etnicismo y confección presenta la firma exclusiva de Westwood.
“La creatividad procede de la técnica”. El punto fuerte de la diseñadora radica en la combinación de lo anticonvencional y la profesionalidad , que le permitediseñadora radica en la combinación de lo anticonvencional y la profesionalidad , que le permite desarrollar y dar forma a ideas propias. El punto de partida y la la fuente de ideas que nutre su trabajo es la historia que la sitúa en una posición independiente respecto a las tendencias actuales, ya que según dice “no hay nada mas pasado de moda que el espíritu de una época”. En 1984 causó gran impacto con los modelos “mini-crini”, que presentaban una línea muy femenina. La vista se iba a los rellenos tan poco comunes que aparecían en la zona del pecho y del trasero. Así mismo los zapatos de plataforma conferían un aspecto mágico al conjunto. En 1987 presentó
el corpiño como prenda del vestuario exterior femenino.El
punk
Los diseñadores como Westwood estaban creando estilos exclusivamente para punks y utilizaban el cuero negro como la tela insignia principal. Los punks usaban el cuero negro en todo, desde chaquetas hasta botas con cordones hasta arriba Doc Marten. Las mujeres usaban minifaldas de cuero negro y tanto ellas como los varones usaban accesorios de cuero que a menudo estaban incrustados con apliques de plata. También usaban cinturones con tachas al estilo de collar para perros, muñequeras anchas y guantes sin dedos de cuero. La indumentaria de cuero más valiosa a menudo era la chaqueta de cuero negro, que muchos cubrían con las banderas de la unión británica en la espalda y con prendedores de bandas de rock adelante.
181 Primera colección “Pirates” Vivienne Westwood
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Primera colección “Pirates” Vivienne Westwood
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Vivienne Westwood
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Estampa- Colecci贸n invierno Vivienne Westwood
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Conclusión Para concluir, es necesario destacar que este ejemplar reúne a los grandes y destacados diseñadores mundiales, tanto gráficos, de indumentaria y artistas plásticos, y a lo largo de su desarrollo se pudo observar una exposición de las obras más destacadas y por las que son reconocidos y admirados, con el fin de ofrecerle al lector un abanico de información, citando las grandes obras de cada artista. Es una gran fuente de comunicación, pues otorga información acerca del estilo y época que define a cada uno de los citados artistas del Siglo XX.
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DISEÑADORES DEL SIGLO XX
Ilustres diseñadores y artistas recorren las páginas de este libro, ofreciendo al lector un abanico de obras que transitaron el mundo por su estilo e innovación; una forma de brindar un reconocimiento a grandes comunicadores del Siglo XX.