samargotof_02_2022 by aquiaqui33

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LA PRIMERA REVISTA DE CINE

AÑO 75 · Nº 2140 · FEBRERO 2022 fotogramas.es

P ROTAG O N I STAS

GUILLERMO DEL TORO JESSICA CHASTAIN PETER DINKLAGE RYÛSUKE HAMAGUCHI FRANÇOIS OZON R E P O RTA J E S

‘BELFAST’

KENNETH BRANAGH, ÍNTIMO Y PERSONAL

‘MOONFALL’

ROLAND EMMERICH, APOCALYPSE AGAIN

‘UNCHARTED’

TOM HOLLAND, TRAS LA PISTA DE INDIANA JONES M U LTI PA N TA L L AS

413042 882602

02140

3,50 € (Canarias 3,65 €)

‘ CO M P E T E N C I A O F I C I A L’

‘THE AFTERPARTY’ ‘PAM & TOMMY’ ‘TODOS MIENTEN’ ‘OPERACIÓN MAREA NEGRA’

Penélope

SUMARIO

Foto: Nico Bustos/Artlist Syndication.

El caso del norirlandés versátil

Foto: 20th Century Fox.

Kenneth Branagh, desde la experiencia que dan sus 61 años, mira hacia atrás sin ira con Belfast, su película más personal, con la que rinde tributo a su familia. Una cinta que lo ha colocado tras la pista de los Oscar, como Muerte en el Nilo, que por fin llega a nuestras pantallas, lo llevó, armado con un bigote imposible, al exótico Egipto para resolver uno de los enigmas más difíciles de Hércules Poirot. Pág. 50

7 11 20 27 38 105 20 44 58 60 62 66

SECCIONES La Firma Invitada. Críticas. Cinefilia. Fotomatón. Miquel Fernández. News. Rewind & Fast Forward. ENTREVISTAS Guillermo del Toro, por El callejón de las almas perdidas. Penélope Cruz, por Competencia Oficial. Jessica Chastain, por Los ojos de Tammy Faye. Peter Dinklage, por Cyrano. Roland Emmerich, por Moonfall. Ryûsuke Hamaguchi, por Drive My Car.

70 François Ozon, por Todo ha ido bien. 73 Joachim Lafosse, por Un amor intranquilo. 76 Emmanuel Courcol, por El triunfo. 88 Álex González, por Operación Marea Negra (TV). 90 Irene Arcos, por Todos mienten (TV). 95 Amaia Aberasturi, por La edad de la ira (TV). 96 Marçal Forés, por A través de mi ventana (TV). 110 Michelle Jenner, por Horizon Forbidden West (videojuego). REPORTAJES 54 Uncharted. Dos aventureros y un dorado destino.

74 Cásate conmigo. Jennifer Lopez, el orgullo del Bronx. 83 The Afterparty. Se ha reescrito un crimen (TV). 86 Pam & Tommy. Nacidos para el escándalo (TV). HOMENAJES 28 Sidney Poitier. 34 Peter Bogdanovich.

83 96 100 103 104

MULTIPANTALLAS Series. VOD. DVD. Videojuegos. Leer y escuchar. FOTOGRAMAS.ES · FEBR ERO 202 2

SUMARIO ESTRENOS

21 ENERO EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS. PÁG. 20 Drama. Crítica pág. 17.

28 ENERO LA ABUELA. NÚM. 2.136 Terror. Crítica núm. 2.136. BELFAST. PÁG. 50 Drama. Crítica pág. 13. EN UN MUELLE DE NORMANDÍA. NÚM. 2.139 Drama. Crítica núm. 2.139. FRANCISCA. PÁG. 78 Drama. Crítica pág. 16. MIRA POR MÍ. PÁG. 81 Thriller. NO SOMOS NADA. PÁG. 80 Documental. EL PACTO. PÁG. 72 Drama. Crítica pág. 16. PRISIONEROS DE GHOSTLAND. PÁG. 79 Acción. Crítica pág. 12. TODO HA IDO BIEN. PÁG. 70 Drama. Crítica pág. 15.

4 FEBRERO CANTO CÓSMICO. NIÑO DE ELCHE. PÁG. 81 Documental. CYRANO. PÁG. 60 Musical. DESTINO A BRIGHTON. PÁG. 78 Comedia dramática. DRIVE MY CAR. PÁG. 66 Drama. Crítica pág. 11. EL BRINDIS. PÁG. 80 Comedia. MOONFALL. PÁG. 62 Ciencia ficción. Crítica pág. 12. LOS OJOS DE TAMMY FAYE. PÁG. 58 Drama. Crítica pág. 12. PETRA DE SAN JOSÉ. PÁG. 81 Drama. TUNDAMA Y EL TEMPLO DEL SOL. PÁG. 81 Animación.

11 FEBRERO AZOR. NÚM. 2.138 Thriller. LICORICE PIZZA. NÚM. 2.139 Comedia dramática. Crítica núm. 2.139.

TAILOR. PÁG. 81 Comedia dramática. THE ROYAL GAME. PÁG. 78 Drama. UNCHARTED. PÁG. 54 Aventuras. VIAJE A ALGUNA PARTE. PÁG. 80 Documental. VISITANTE. PÁG. 27 Terror.

18 FEBRERO CÁSATE CONMIGO. PÁG. 75 Comedia romántica. CODA. NÚM 2.139 Drama. Crítica núm. 2.139. GO FISH. SALVEMOS EL MAR. PÁG. 81 Animación. LAS ILUSIONES PERDIDAS. PÁG. 81 Drama. MUERTE EN EL NILO. NÚM. 2.124 Thriller. PRIMAVERA EN BEECHWOOD. PÁG. 69 Drama. Crítica pág. 16. SUPER… ¿QUIÉN? PÁG. 80 Comedia. UN AMOR INTRANQUILO. PÁG. 73 Drama. Crítica pág. 14.

F E BRE RO 2 02 2 · FOTOGRAMAS.ES

Como todos los meses, se suman a la redacción personalidades del cine y la cultura.

FERNANDO LARA Periodista, exdirector del ICAA y miembro de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, escribe en nuestra Firma Invitada sobre la trascendencia creativa del cine.

Pág. 7

25 FEBRERO AINBO, LA GUERRERA DEL AMAZONAS. PÁG. 81 Animación. EL BESO DE DIOS. EL DOCUMENTAL… PÁG. 81 Documental. COMPETENCIA OFICIAL. PÁG. 44 Comedia dramática. Crítica pág. 13. FLEE. PÁG. 72 Documental. Crítica pág. 15. INTRODUCTION. PÁG. 81 Drama. Crítica pág. 15. THE MEDIUM. PÁG. 79 Terror. EL PADRINO (50º ANIVERSARIO). PÁG. 81 Drama. EL TRIUNFO. PÁG. 76 Comedia dramática. Crítica pág. 14. TROS (TIERRAS). PÁG. 26 Thriller. UN PEQUEÑO MUNDO (PLAYGROUND). PÁG. 78 Drama. Crítica pág. 14.

• Las fechas de estreno, facilitadas por las distribuidoras, pueden ser modificadas por las mismas. • El listado completo de estrenos puede consultarse en www.fotogramas.es.

NUESTROS COLABORADORES

MARÍA CASADO Tiene a punto de estreno Las tres puertas, un nuevo programa de entrevistas para TVE. En Mi Cine Español recuerda sus primeras avenWXUDV FLQpÀODV FRQ (QULTXH \ $QD

Pág. 23

ROGER CASAMAJOR Llega a los cines con Tros (Tierras), la ópera prima de Pau Calpe, y en ¡Qué película la de aquel rodaje! recuerda su debut de la mano de Agustí 9LOODURQJD HQ OD LQTXLHWDQWH El mar.

Pág. 26

ANTONIO NADAL RODÓ Fundador

JULIETA MARTIALAY Directora jmartialay@hearst.es

REDACTOR JEFE: Roger Salvans rsalvans@hearst.es JEFA DE ACTUALIDAD: Laura Pérez lperez@hearst.es REDACCIÓN: Coral Chamorro cchamorro@hearst.es DISEÑO: Hearst Laboratorio Creativo Israel Álvarez. EDITORA GRÁFICA: Laura Párraga. FOTOGRAMAS.ES: DIRECTOR DIGITAL: Carlos Alonso carlosalonso@hearst.es REDACTOR JEFE DIGITAL: Juan Silvestre jsilvestre@hearst.es. EDITOR DE VÍDEOS: Javier Díaz-Salado jdiaz-salado@hearst.es. Colaboradores: María Aller, Mariona Borrull, Samuel Fuentes, Mireia Mullor, Ricardo Rosado, Rafael Sánchez. ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y REDACCIÓN: Antonio Rodríguez (Tel. 91 728 93 12). Han colaborado en este número: Adonías, Jordi Batlle Caminal, Rosa Belmonte, Mr. Belvedere, Mariona Borrull, Conchi Cascajosa, Fausto Fernández, Desirée de Fez, Jorge Gilarranz, Sara González Vellón, Eulàlia Iglesias, Fernando Lara, Beatriz Martínez, Àlex Montoya, Blai Morell, Mireia Mullor, Isabel Navarro, Álvaro Onieva, Jesús Palacios, Juan Pando, Ricardo Rosado, Sergi Sánchez, Ana Santos, Verónica Suárez, Antonio Trashorras, Pere Vall, Gonzalo Varela, Isabel Vázquez, Pablo Vázquez, Conrado Xalabarder, Manu Yáñez. Corresponsales: María Bernal (Los Ángeles), Marc Tió (Nueva York), Joe Utichi (Londres). Fotos: Sergio Bolaños, Miquel Fernández, Charlie Gray, Sara Guillén, David Herranz, Samantha Lopez, Peter Mountain, Niete, Manolo Pavón, Carmen Planes, Valero Rioja, Pablo Sarabia, María Villanueva. A Contracorriente, Amazon Prime Video, Apolo Films, Avalon, BTeam, Compacto, DeAPlaneta, Diamond Films, eOne, Festival Films, Filmax, Filmin, Flins & Pinículas, Getty Images, Golem, Karma, HBO Max, La Aventura, Marvel Studios, Movistar+, Netflix, Paramount, Pirámide, Sherlock, Showtime, Sony Pictures España, Splendor Films, Surtsey, The Walt Disney Studios Company Spain, TriPictures, Universal, Vercine, Vértice, Vértigo, Wanda Visión, Warner.

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CEO Cristina Martín Conejero Directora general de publicaciones: Benedetta Poletti Director de marketing: José Ángel Morales Directora administrativa: María Jesús Sacristán Director de control de gestión: César Portilla Director de producción: Carlos Bohúa Director de Hearst Agency: Luis Quintana Director laboratorio creativo y plató: Miguel Ruiz-Bravo Goytre

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LA FIRMA INVITADA

EL CINE COMO UNA DE LAS BELLAS ARTES Académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por la sección de Nuevas Artes de la Imagen, el crítico cinematográfico y ex director general del Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales (ICAA) reflexiona sobre la trascendencia creativa del cine.

esde que, en su Manifiesto de las Siete Artes, el escritor italiano Ricciotto Canudo incluyese el cine como la séptima de ellas, considerándolo un arte plástico en movimiento que fusionaba a las restantes, ha pasado más de un siglo y la idea ha adquirido plena carta de naturaleza. Ya pocos discuten esta valoración que el futurista Canudo lanzó entonces no sin polémica, aunque algunos ‘ortodoxos’ todavía continúen poniéndola en cuestión. Que la muy prestigiosa Academia de Bellas Artes de San Fernando, hija de las ideas de la Ilustración, haya acogido en su seno el cine significa que esa antigua mentalidad prácticamente ha desaparecido. No lo ha hecho ahora, sino desde 2004, cuando se creó la sección de Nuevas Artes de la Imagen, que alberga también la fotografía o el diseño. Y, dentro de ella, procedentes del campo cinematográfico han sido académicos Berlanga y Borau, como también en la actualidad Josefina Molina, Manuel Gutiérrez Aragón y Román Gubern, además de Arantxa Aguirre y quien esto firma, que acabamos de entrar. No lo hizo finalmente José Luis Cuerda, porque fue elegido, pero no llegó a leer su discurso, trámite obligado para el ingreso oficial. Exigencia no debida a una pura cuestión formal, sino porque ese discurso supone la presentación del recién llegado ante sus ilustres colegas y, en cierta manera, denota cuál va a ser su papel en la Academia. En mi caso, el discurso ha llevado por título El fuego sagrado. Un itinerario personal y se refiere a mi relación con el cine desde prácticamente la infancia. Tras abordar mi trayectoria periodística y crítica en Nuestro Cine, Triunfo, La Calle o este mismo querido FOTOGRAMAS, me detengo en la decisiva experiencia de dos décadas como responsable del Festival de Valladolid hasta mi incorporación al ICAA en enero de 2005. Pero si hay algo que centra el sentido del texto es una serie de consideraciones sobre la crítica cinematográfica, además de proponer un Decálogo nada dogmático ni grandilocuente sobre cómo llevarla a la práctica con una cierta coherencia y respeto hacia las obras analizadas. Labor en la que los críticos españoles han carecido de auténticos referentes, debido a la represión o al exilio de quienes podrían haber desempeñado ese engarce entre generaciones.

Por Fernando Lara*.

Elogio y defensa de la crítica de cine titulo ese apartado básico de mi discurso, cuya ambición es, ante todo, servir de punto de partida para un debate posterior. Igual que el que, sobre patrimonio, creo que va a interesar de manera particular a mis cincuenta y cinco compañeros académicos, procedentes de diferentes terrenos artísticos como la pintura, la escultura, la arquitectura o la música. Mostrar, por ejemplo, cómo Filmoteca Española (en cuanto ejemplo máximo de las filmotecas existentes) es la conservadora del patrimonio cinematográfico de nuestro país y, por tanto, tan merecedora de apoyo y recursos como las instituciones que protegen el patrimonio literario, plástico o musical, me parece una labor digna de ser desarrollada en la sección de Nuevas Artes de la Imagen. Donde, por el extremo opuesto pero no contradictorio, debe prestarse máxima atención “LA ACADEMIA DE BELLAS ARTES a las expresiones más creativas y renovadoras que vayan surgiendo ES UN CENTRO en este fértil territorio. VIVO, DINÁMICO, Contra lo que suele creerse en INCLINADO A demasiadas ocasiones, la Academia de MOSTRAR LO Bellas Artes es un centro vivo, dináMEJOR DE CADA mico, inclinado a mostrar lo mejor DISCIPLINA EN de cada disciplina en cada momento. CADA MOMENTO”. Según le gusta señalar a su director, el gran músico Tomás Marco, junto a significar un honor y un motivo de satisfacción personal, a la Academia se llega para trabajar en favor de una valía y una diversidad artísticas que conecten con aquellos que van a disfrutarla; es decir, con los ciudadanos de un país que se sienta responsable de su cultura. No podía ser de otra manera cuando sus paredes se hallan impregnadas por el espíritu de alguien como Francisco de Goya, allí donde se formó y donde se atesoran muchas de sus obras más representativas. u

*Fernando Lara es periodista, escritor, gestor cultural (dirigió el Festival de Cine de Valladolid entre 1984 y 2004) y asesor en la Asociación de Distribuidores Cinematográficos Independientes (ADICINE).

FOTOGRAMAS.ES · FEBR ERO 2 02 2

EL CINE COMO LA VIDA MISMA

EL MOLÓMETRO La autora analiza el carisma, el estilo o lo que los franceses denominan ese ‘je ne sais quoi’. Un modo de ser y parecer del que hacían (y hacen) gala algunos de los actores y directores del cine.

a primera vez que vi a Sofia Coppola no me pareció gran cosa. Qué vista la mía. Claro que fue en El padrino III y estaba pelín espantosa. Quizá demasiado joven. Demasiado enchufada. No me pareció que fuera a tener ese no sé qué. Algo que no te da ser hija de Coppola. Ese algo que se tiene o no se tiene. Pero cuando se hizo ‘filmmaker’ (lo digo como Carlos Latre imitando a Ricardito Bofill en Crónicas marcianas) ya fue otra cosa. Era guay. Alguien que hacía Las vírgenes suicidas o Lost in Translation. Ya no se bajó del pedestal guay. A una hija hasta le puso Cosima. No se quitó el cetro cool que adorna para siempre a algunas personas. En menor medida, pero también, le pasa a Chloë Sevigny. Hace poco se estrenó en Filmin Dean Martin: El rey del cool. Lo era. Hasta Elvis Presley le dijo que sería el rey del rock, pero que él era el rey del cool. Provenía de una familia humilde, como Cary Grant. Tenía (tenían) clase natural, la que no requiere esfuerzo ni educación, la que no dan varias generaciones sin pasar hambre y durmiendo con pijama. No es que Dean Martin destacara como el elegante en sus actuaciones memorables con Jerry Lewis, es que habría destacado ante el mismísimo Carlos de Beistegui. O ante Greta Garbo y Cecil Beaton paseando (hay una foto de ellos dos que tira de espaldas). Decía Arturo Fernández (me dirán que qué hace este aquí) que no todos los actores saben coger una copa o sentarse en un sofá. Por supuesto. Ni andar. Hay quien anda como si fuera a empezar un concurso de mates. Y hay quien anda como Sidney Poitier. Otro rey del cool. Cómo era ese hombre en Semilla de maldad, en La esclava libre, en Los lirios del valle, en Un retazo de azul o en Rebelión en las aulas. Vale que podemos decir que era otra época, que ya no hay hombres así. Que no es que los actores no sean ya así, que ni los ricos son Gianni Agnelli. Desde luego, la televisión se encarga de recordarlo. Si vemos Succession no se nos escapan las gafas y los jerséis que llevan. Pero menu-

F E BR ERO 2 02 2 · FOTOGRAMAS.ES

Por Rosa Belmonte*.

dos patanes. Qué pintas de palurdos. Solo Harriet Walter, la madre, supera el molómetro. De una época también pasada no hay pareja como la formada por John Cassavetes y Gena Rowlands. Molan como si hubieran sido elegidos los mejores representantes de un mundo que se fuera a acabar. Volviendo a las más o menos jóvenes, Maggie Gyllenhaal es equivalente a Chloë Sevigny y a Sofia Coppola. Y las tres son nacidas en los 70. Es mucho más guay que su hermano Jake. Solo ella habría sido capaz de hacer The Honourable “NO HAY PAREJA Woman, con esa perturbada COMO JOHN CASSAVETES Y GENA sexualidad, y salir indemne. Que ROWLANDS. MOLAN sí, que es ficción, pero impreCOMO SI HUBIERAN sionaba mucho. Ahora Maggie Gyllenhaal debuta como direcSIDO ELEGIDOS tora. Cuando presentó su pelíREPRESENTANTES DE cula en Venecia dijo que siemUN MUNDO QUE SE pre había sido directora, pero FUERA A ACABAR”. que no se sentía autorizada para permitírselo a sí misma. Que se lo planteó cuando hizo de directora de cine porno que luego se hacía cineasta de autor en The Deuce. La película es una adaptación de Elena Ferrante, que le dio su aprobación. Se comunicó con ella o con él por escrito. Le dijo que o la dirigía ella o no había trato. Debe de estar también bajo el influjo de Maggie. La historia es la de una mujer jodida por rollos maternales e interpretada por Olivia Colman. Le preguntan a su personaje cómo se sintió cuando estuvo un tiempo sin ver a sus hijas. Extraordinariamente. u

*Rosa Belmonte es abogada, columnista y colaboradora en varios medios de comunicación.

LA PISTA DE LAS ESTRELLAS:

Críticas

HHHHH HHHHH HHHHH HHHHH HHHHH

IMPRESCINDIBLE NO SE LA PIERDA NO LO LAMENTARÁ SE DEJA VER ALLÁ USTED

Hidetoshi Nishijima y Tôko Miura.

Drive My Car HHHHH Doraibu mai kâ (Japón, 2021, 179 min.). Dir.: Ryûsuke Hamaguchi. Int.: Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima, Park Yoo-rim. DRAMA.

rabajaremos para los otros, ahora y cuando seamos viejos, sin reposo, y cuando llegue el momento diremos que hemos sufrido, que hemos llorado, que todo ha sido difícil, y entonces el universo tendrá piedad de nosotros… y descansaremos. Descansaremos. El devastador monólogo de Sonia al final del Tío Vania de Chéjov se traduce, en Drive My Car, en una preciosa apología del gesto y el silencio que, de algún modo, destapa el secreto mejor guardado del cine de Ryûsuke Hamaguchi. El cineasta japonés nos sugiere que las apariencias engañan, que el suyo no solo es un cine de la palabra; que las palabras sirven, como en la obra del dramaturgo ruso, para ocultar lo que no se dice,

ra en que el tiempo erosiona para ilustrar esa acción indiPARA CHEJOVIANOS recta tan chejoviana en la sus corazas. Del mismo modo QUE AMEN MÁS LA VIDA QUE EL que el relato clásico es lo de que Happy Hour no podía DESENCANTO. menos, en la que lo impordurar menos de cinco horas, Lo mejor: su empático tante se negocia entre las Drive My Car no podría humanismo y sus emociones y el cuerpo contedurar menos de tres: ¿cómo, formas sobrias y transparentes. nido de los personajes. si no, nacería esa intimidad Lo peor: que sus tres El arte como vacuna. No es del viaje en coche, recortada horas de metraje, que extraño, pues, que la pelíen un paisaje que se deja pasan en un suspiro, resulten disuasorias. cula utilice los ensayos de atrás una y otra vez, como un Tío Vania como correlato mantra que aleja los malos paralelo a esa comunión de pérdidas, espíritus? A la prosa seca, transpadesamparo y empatía que se produrente, de Murakami, Hamaguchi le ce entre un director de escena y su corresponde con una sobriedad diáfachófer femenina. Que algunos de los na, en la que el tiempo que dedica a actores de la troupe hablen distintos sus criaturas le ayuda a desplegar todo idiomas –incluso el de signos– refuerlo que en el relato original estaba conza esa idea de sinergia emocional que centrado. Su ampliación en el campo va más allá del lenguaje. El arte, sí, es de batalla se traduce en la expansión la vacuna contra el solipsismo conde una cierta idea de melancolía, con temporáneo. En esa conexión entre lo la generosidad y calidez propias de real y lo representado, el director de la un humanista que se abraza a la vida excelente La ruleta de la fortuna y la como la Sonia de Chéjov a su fantasía encuentra la llave para abrir abnegación. Sergi Sánchez de par en par la opacidad de sus persoEnt. con Ryûsuke Hamaguchi en pág. 66 najes, que se derrite gracias a la maneESTRENO: 4 FEBRERO

FOTOGRAMAS.ES · FEBR ERO 2 02 2

CRÍTICAS

Patrick Wilson.

Moonfall HHHHH Moonfall (EE. UU., China, R. U., 2022, 124 min.). Dir.: Roland Emmerich. Int.: Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Donald Sutherland. CIENCIA FICCIÓN.

n el interior de este Grandes Éxitos del Raphael del desastre, Roland Emmerich, con sus inundaciones, meteoritos letales, una nueva edad de hielo y terremotos, hay un apasionante, muy sobrio viaje en el tiempo hacia aquel iluminado cantautor alemán de la ciencia ficción que debutara con la ecologista, conspiranoica y ludita El principio del Arca de Noé (1984).

Moonfall sorprende agradablemente con su kubrickiano (2001, claro) descenso al interior de la Luna, una contenida y filmada con austeridad casi soviética aventura filosófica y espiritual con PARA ACÓLITOS DE LAS ecos (el ente CATÁSTROFES NATURALES Y incorpóreo) a SIDERALES DEL Planeta prohiPROFETA EMMERICH. bido (1956) y Lo mejor: resumir El abismo negro ‘Gravity’ en cinco minutos al son del (1979). No hay ‘Africa’ de Toto. políticos en este Lo peor: la trama pulso con el ‘survival’ terrestre de los familiares. fin del mundo y sí militares, profesionales y tres perdedores, uno de ellos (el personaje de John Bradley) que parece el cruce entre el DiCaprio de No mires arriba –el film de Emmerich es su reverso de derechas– e Ibai Llanos. Si la Melancolía de Lars von Trier era para intelectuales, Moonfall lo es para groupies de Cuarto Milenio. Fausto Fernández

F EBR E RO 2 02 2 · FOTOGRAMAS.ES

Nicolas Cage.

Ent. con Jessica Chastain en pág. 58

Más información en pág. 79

ESTRENO: 4 FEBRERO

ESTRENO: 28 ENERO

ESTRENO: 4 FEBRERO

The Eyes of Tammy Faye (EE. UU., 2021, 126 min.). Dir.: Michael Showalter. Int.: Jessica Chastain, Andrew Garfield, Cherry Jones, Vincent D’Onofrio. DRAMA.

Prisoners of the Ghostland (EE. UU., Japón, 2021, 103 min.). Dir.: Sion Sono. Int.: Nicolas Cage, Sofia Boutella, Ed Skrein, Nick Cassavetes, Narisa Suzuki. ACCIÓN.

La historia bigger than life del matrimonio televangelista Bakker Lo mejor: la química está hecha de la entre Jessica Chastain y materia misma Andrew Garfield. Lo peor: ciertos que forma las glotópicos del biopic. rias y miserias del sueño americano. Tiene todos los condimentos de una saga de ascenso y caída estelar. Pero en lugar de hablarnos del mundo del rock o la mafia, lo hace del más siniestro y asombroso del evangelismo americano, arte y espectáculo. Y lo hace con color, humor, glamour y estilo. Jesús Palacios

Ent. con Roland Emmerich en pág. 62

HHHHH

l ladrón de bancos más despiadado de Samurai Town es liberado por El Gobernador para realizar una misión suicida: rescatar a contrarreloj a su desaparecida nieta, vistiendo para ello un traje de cuero con explosivos que se irán activando si no cumple diferentes normas. Dos de los artefactos apuntan, evidentemente, a sus testículos. Nicolas Cage dice que es la película más loca que ha PARA ENTREGADOS hecho nunca y, ENTUSIASTAS DE aunque no llega DISLATES VISUALES DE NEÓN, CUERO Y a la finura oligoCHICLE. frénica de Mandy Lo mejor: ofrece todo (P. Cosmatos, lo que uno busca en 2018) o Color una película de Sion Sono y Nicolas Cage. Out of Space Lo peor: caer aquí por (R. Stanley, error es peligroso. 2019), la puesta en escena del desnortado Sion Sono asegura un buen festival de excesos a todo el que necesite un fuerte chute visual. Deliciosamente desbordada en su propuesta, parece imposible saber qué ocurre realmente en esta hipertrofiada versión kabuki de 1997: Rescate en Nueva York (J. Carpenter, 1981) que, sin la garra de pasados aciertos del nipón como la más fungible Tokyo Tribe, logra que mantengamos la atención a base de posapocalípticos desbarres, la parafernalia interpretativa de Cage y el magnetismo de la siempre implicada Sofia Boutella. Ricardo Rosado

Los ojos de Tammy Faye

ería fácil recomendar el film de Showalter en base a la increíble interpretación de Jessica Chastain como la no menos increíble Tammy Faye, bajo kilos de maquillaje, cantando con su propia y estupenda voz. Es fácil también recomendar la visión del documental de los imprescindibles Bailey y Barbato en que se basa, para completar aquello que deja en sombras. Pero, dicho esto, no es nada difícil hacerlo a partir del hecho de que Los ojos de Tammy Faye es un biopic irresistiblemente entretenido, que alcanza ocasionalmente la brillantez de la mejor sátira y que, en cualquier caso, contiene todo lo que más nos gusta del melodrama, la soap opera y la crónica de sucesos.

Prisioneros de Ghostland

Jessica Chastain. PARA QUIENES CREEN QUE LA REALIDAD SIEMPRE INTENTA SUPERAR A LA FICCIÓN.

Competencia Oficial HHHHH Competencia Oficial (España, 2021, 114 min). Dir.: Gastón Duprat, Mariano Cohn. Int.: Penélope Cruz, Antonio Banderas, Óscar Martínez, José Luis Gómez, Irene Escolar, Carlos Hipólito. COMEDIA DRAMÁTICA.

l tándem formado por Mariano Cohn y Gastón Duprat lleva años demostrando su habilidad para la sátira más refinada y perversa. Películas como El hombre de al lado o El ciudadano ilustre ponían de manifiesto toda una nutrida nómina de miserias humanas a través de un humor de lo más incómodo. Además de hablar sobre el clasismo, ambas están regidas por la pulsión del ego masculino, una PARA SIBARITAS DE fuerza que terminaLAS CARCAJADAS ba siendo profunEXCÉNTRICAS Y OSCURAS. damente autodesLo mejor: la tructiva, sobre todo composición del rol de si tenemos en Penélope Cruz. cuenta que sus proLo peor: confía más en el gag que en la propia tagonistas siempre narración. estaban relaciona-

Jude Hill, el álter ego de Branagh en el film.

Belfast HHHHH Belfast (Reino Unido, 2021, 98 min.). Dir.: Kenneth Branagh. Int.: Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Jude Hill, Lewis McAskie, Colin Morgan. DRAMA.

hakespeare encumbró a Branagh, pero a la vez fue su tumba. Además del daño que le causó ser etiquetado como el nuevo Laurence Olivier, algo que se acabó creyendo a pies juntillas, el fracaso de la estupenda Trabajos de amor perdidos le dejó en el dique seco. Y cuando volvió, tuvo que reconvertirse

dos con alguna disciplina artística o creativa. Arquitectos, escritores, pintores y, ahora, actores. Competencia Oficial repite un dispositivo similar a sus anteriores trabajos con la particularidad de que todo gira en torno al propio proceso cinematográfico. El elemento meta estará siempre presente dentro de una trama que revela las tribulaciones internas que caracterizan el rodaje de una película que se convierte en una batalla campal narcisista entre un empresario metido a productor (José Luis Gómez), una directora con ínfulas autorales (Penélope Cruz), un actor popular (Antonio Banderas) y un actor de prestigio (Oscar Martínez). Todos los clichés son bienvenidos y a todos se les saca partido. El film funciona casi a modo de sitcom. Sus personajes son conscientes de su carácter caricaturesco y como tal se comportan, de forma tan grotesca como patética hasta que la risa desprejuiciada va dando paso a un sentimiento mucho más oscuro que ya no tiene ninguna gracia. Sin duda, el ejercicio de equili-

en mero artesano a cargo de productos insustanciales de generoso presupuesto, pero menguada creatividad… hasta ahora. Belfast, su film más personal hasta la fecha, es la redención a tanta mediocridad servida en forma de grandes producciones sin alma. Porque si de algo va sobrada esta maravilla, es de alma. Una película que no te golpea, sino que te acaricia a través de potentes fogonazos emocionales, pura gasolina para nuestros tocados corazones. Apelando más a Esperanza y gloria que a Los 400 golpes y sin bajar a la arena política, Branagh acude a sus recuerdos para construir esta generosa comingof-age narrada a través de los ojos de su jovencísimo álter ego, un voyeur que observa con la inocencia propia de su edad en una mirada retrospectiva sin demasiada ira, donde romanticismo y ensoñación pasan por encima del realismo. Y como quien hojea ese viejo álbum de fotos en blanco y negro, el espectador descubre esos pequeños retazos de vida de esa familia que hace suya –esos abuelos sabios, unos sacrificados padres que, con sus defectos, emanan decencia–,

Antonio Banderas, Penélope Cruz y Óscar Martínez.

brismo que practican Cohn y Duprat no habría llegado tan lejos sin la entrega de tres brillantes actores que de alguna manera se apuntan al juego representacional para poner al descubierto sus propias máscaras casi como si se tratara de una performance dentro de un espacio abstracto. Realidad, ficción, industria, vida, personajes, intérpretes, todo se funde y se confunde en este experimento repleto de cinismo y cargado de bilis en el que se pone de manifiesto la farsa, no solo del cine, sino también del mundo en el que vivimos. Beatriz Martínez Entrevista con Penélope Cruz en pág. 44 ESTRENO: 25 FEBRERO

y que lejos de incomodarlo, le apelan sin necesidad de acudir a esa peligrosa compañera de viaje que es la nostalgia. Y en esas lecciones de vida bajo los acordes de la música de Van The Man, sobresale el poder y la magia del arte que dulcifica y colorea literalmente esa vida en blanco y negro, y que sirve de refugio ante la inminente tormenta. Poderosa, tierna, ingeniosa y llena de detalles cinéfilos –el villano PARA OJOS INOCENTES se apellida Clanton, Y FANS DE LAS como el malo de PELÍCULAS HECHAS CON PASIÓN Y OK Corral; esos MUCHO AMOR. vecinos con apelliLo mejor: todo lo de dos ilustres: Ford, Hinds y Dench. Stewart; la referenLo peor: las odiosas comparaciones con cia a Shangri-La–, ‘Roma’ y alguna Belfast está tocada cucharada de azúcar por el cálido resde más. plandor de la cotidianidad, rebosa vida y es la prueba viva de que el cine, el buen cine como lo es esta película difícil de olvidar, está hecho del material con el que se forjan los sueños. Blai Morell Entrevista con Kenneth Branagh en pág. 50 ESTRENO: 28 ENERO

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CRÍTICAS

Kad Merad y su compañía teatral.

El triunfo HHHHH Un triomphe (Francia, 2020, 105 min.). Dir.: Emmanuel Courcol. Int.: Kad Merad, Marina Hands, Laurent Stocker, Saïd Benchnafa, Sofian Khammes. COMEDIA DRAMÁTICA.

nspirada en una historia real, la película de Emmanuel Courcol conecta, en cierta manera, con el último film de Neus Ballús, Seis días corrientes (2021): el actor no nace y se forma exclusivamente en las aulas, platós, sets e institutos de teatro. Y no hay una única manera de acceder a esta profesión. Claro que aquí los presos no tienen que hacer de presos, sino que han de memorizar, ahí es nada,

Esperando a Godot para, después, soltar las inmortales líneas beckettianas de la forma más correcta y natural posible. Sin nervios y con complicidad. El triunfo aúna a dos colectivos (los reos y los intérprePARA ESTUDIOSOS DE tes) para entender LA OTRA CARA DEL MUNDO DEL al primero y para ESPECTÁCULO. desglamurizar al Lo mejor: el segundo. Nos mete improvisado, divertido entre barrotes y sereno discurso final de Kad Merad. y también nos Lo peor: un título que cuenta que el teadice muy poco. tro puede seguir siendo ese viaje a ninguna parte. Mira a los inquilinos del centro penitenciario de frente y observa a los faranduleros con realismo. Unas oportunas críticas sociales redondean una cinta que nos demuestra que todos tenemos un Godot (o dos, o tres) que esperar, y que, si este no se presenta a nuestra cita, es cuestión de espabilarse y de llenar nuestra existencia de amor y humor. Pere Vall

F E BRE RO 2 02 2 · FOTOGRAMAS.ES

Leïla Bekhti.

Más información en pág. 78

Ent. con Joachim Lafosse en pág. 73

ESTRENO: 25 FEBRERO

ESTRENO: 18 FEBRERO

ESTRENO: 25 FEBRERO

Un monde (Bélgica, 2021, 72 min.). Dir.: Laura Wandel. Int.: Maya Vanderbeque, Günter Duret, Karim Leklou, Laura Verlinden. DRAMA.

Les intranquilles (Bél., Fra., Lux., 2021, 117 min.). Dir.: Joachim Lafosse. Int.: Leïla Bekhti, Damien Bonnard, Gabriel Merz Chammah, Patrick Descamps. DRAMA.

estamos ante un mero ejercicio de estilo; tampoco es este un retrato nihilista. Un Lo mejor: sus dos pequeño mundo protagonistas… y el plano final. (Playground), Lo peor: el arquetípico con su decisiva personaje de la coda de esperanmaestra. za, se convierte en la crónica de un tempranísimo inconformismo y de una emergente fe en la solidaridad como única senda para no encallar en la banalidad del mal. La entenderán quienes estuvieron allí y resistieron. Pablo Vázquez

Ent. con Emmanuel Courcol en pág. 76

HHHHH

n amor intranquilo es una película (otra más) sobre una enfermedad, tema siempre grave tratado, sin embargo, por Lafosse con una admirable justeza de tono, refractario al énfasis, al dramatismo, al subrayado. De hecho, el pulso calmado, sereno, de su puesta en escena contrasta con el estado alterado del protagonista, un pintor con problemas psicológicos, trastornos bipolares y reacio a tomar los medicamentos prescritos, lo que le lleva a ingresar PARA ESPECTADORES con frecuencia en INCLINADOS AL el hospital. DRAMA FORMULADO SIN FILTROS A Lafosse está claTREMENDISTAS NI ro que no le inteCONCESIONES A LA GALERÍA. resa particularLo mejor: la verdad que mente recrearse destilan Bekhti y en sus episodios Bonnard. de crisis y violenLo peor: al público impaciente le producirá cia, sino ilustrar urticaria; que se rasque. sus efectos en la vida diaria que comparte con su mujer y su hijo. El film es un recorrido por las tranches de vie de una familia con un puntual desequilibrio, capturadas de manera diáfana, natural, al dente. Como en la igualmente espléndida Después de nosotros (2016), centrada en la ruptura de una pareja, Lafosse explora la descomposición del núcleo familiar prestando aquí especial atención a las emociones y progresiva desesperación de la mujer, una sobresaliente interpretación de Leïla Bekhti. Jordi Batlle Caminal

Un pequeño mundo (Playground)

n su novela Los supervivientes, Jimina Sabadú mostraba el colegio como un ecosistema atroz donde las víctimas no tenían otra que aprender a comportarse como depredadores. Espiando entre los pupitres de un entorno similar, Laura Wandel coincide en una casi entomológica mirada sobre un sistema construido sobre el sedimento de los inocentes. El suyo es un recorrido por las trincheras del dolor, a través de una cámara que persigue a su guía casi a ras del suelo, vivificada por el virtuosismo de los planos secuencia. Nos estremecemos aquí al igual que con los niños en las odiseas bélicas de Rossellini, Tarkovski o el Clément de Juegos prohibidos (1952). Y, pese a su depurada pericia formal, no

Un amor intranquilo

Maya Vanderbeque y Günter Duret. PARA SACAR EL RECLINATORIO ANTE UN DEBUT SENCILLAMANTE EXTRAORDINARIO.

Todo ha ido bien HHHHH Tout s’est bien passé (Francia, 2021, 113 min.). Dir.: François Ozon. Int.: Sophie Marceau, André Dussollier, Géraldine Pailhas, Hanna Schygulla, Charlotte Rampling. DRAMA. Shin Seok-ho y Ye Ji-won.

Introduction HHHHH Inteurodeoksyeon (Corea del Sur, 2021, 66 min.). Dir.: Hong Sang-soo. Int.: Shin Seok-ho, Park Mi-so, Kim Min-hee, Kim Young-ho, Ye Ji-won. DRAMA.

asan los años, los lustros, y no hay manera de atisbar el crepúsculo de la inspiración de Hong Sangsoo, seguramente el cineasta surcoreano más importante de las últimas décadas. Su cine amaga permanentemente con caer en la rutina: uno ya no se sorprende al descubrir sus sutiles ejercicios de repetición-convariaciones a partir de unos pocos motivos escénicos o dialogados. Sin embargo, el principio de incertidumbre sobre el que se asienta la obra de Hong sigue PARA EXPLORADORES fulgurando como DEL MISTERIO DE LA el primer día. VIDA COTIDIANA. Cuando dos jóveLo mejor: las nes personajes sorprendentes elipsis masculinos miran que agujerean el relato. Lo peor: la sofisticación al fuera de campo del film requiere y no saben decir necesariamente de un espectador activo. si una mujer que los mira, a lo lejos, los está saludando o no, la duda deviene en interrogante metafísico. La celebración del misterio de la vida reverbera en cada rincón de Introduction, un film de apenas 66 minutos que abarca un sinfín de enigmáticas interacciones entre padres e hijos, madres e hijas, hombres y mujeres, jóvenes y adultos… a la luz del sol o bajo la nieve, en la realidad o en un sueño, en Corea o Alemania. Nada parece escapar a la mirada melancólica de Hong, un cineasta sabio que inventa películas poéticas. Manu Yáñez Más información en pág. 81 ESTRENO: 25 FEBRERO

rançois Ozon moldea las virtudes de la dramedia francesa para abordar el trabajo, emocional y material, que una hija debe acarrear cuando su padre, que ha sufrido un derrame, le pide que lo ayude a acabar con todo. Allí donde cabría la lágrima fácil y la sonrisa floja, la película se tuerce con la aspereza de las pullitas que heredamos de nuestros abuelos, unos cabroncetes, pero siempre nuestros. Quizás el recuerdo de ellos sí sea verdaderamente emotivo. Sin embargo, el viejo miente y manipula, se escuda detrás de los pingajos que cuelgan de sus ojos como una suerte de máscara trágica. A llorar a la llorería, dirá, dando tumbos y escondiendo su fragilidad

Un fotograma del documental.

Flee HHHHH Flee (Din., Fra., Sue., Nor., EE. UU., Esp., Ita., R. U., 2021, 90 min.). Dir.: Jonas Poher Rasmussen. Int. (voces): Daniel Karimyar, Milad Eskandari, Fardin Mijdzadeh. DOCUMENTAL.

l danés Jonas Poher Rasmussen recoge en este documental de animación, realizado así para proteger la identidad de su protagonista, la tremenda historia –señalada por la violencia, el miedo y la huida– de un refugiado afgano en Europa. Más allá de su evidente interés formal y conceptual, Flee es valiosa por la mezcla de delicadeza y claridad con la que parte de lo íntimo (una intimidad que se beneficia de la longeva amistad

Sophie Marceau y André Dussollier.

tras un rostro inerte. Lo de siempre, será cosa de las mujeLo mejor: que Ozon no juzga, pero res de la familia tampoco olvida. (la hija y su herLo peor: al final, la mana, a quien el historia sí cae en un cierto efectismo. padre menosprecia) construir un cuadro psicológico que justifique los actos de dicho analfabeto emocional. Desde un clasicismo despierto, Ozon tantea las fronteras entre vínculo, atadura, estima y opresión… Y mete el dedo en la llaga: ¿duele? PARA ENTENDER POR QUÉ YA NO LLAMAMOS A CASA.

Mariona Borrull Entrevista con François Ozon en pág. 70 ESTRENO: 28 ENERO

entre director y protagonista) para exponer un drama universal y sus terribles e inconsolables secuelas. Poher Rasmussen acierta al poner en el centro del relato al ser humano, a la persona por encima de los acontecimientos. Y con ese gesto explica a la vez los sucesos y a su protagonista. Lo hace con una humanidad, capacidad de comprensión y empatía, hasta el punto de sentir que la película no es lo más importante PARA FANS DE FILMS para él. Lo es darle QUE CUENTAN LA a Amin la oportuHISTORIA SIN OLVIDAR LO QUE IMPORTA: LAS nidad de contarse PERSONAS QUE HAY como él quiera, DETRÁS. con sus tiempos, Lo mejor: su empatía y con sus dudas. la humanidad. Lo peor: descartarla Y de esa capacipor pensar que es una dad de escuchar propuesta minoritaria. y comprender al otro sale una película tan hermosa como dolorosa sobre el miedo, la identidad y la imposibilidad de echar raíces cuando te las han ido arrancando con violencia. Desirée de Fez Más información en pág. 72 ESTRENO: 25 FEBRERO

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CRÍTICAS

Birthe Neumann y Simon Bennebjerg.

El pacto HHHHH Pagten (Dinamarca, 2021, 115 min.). Dir.: Bille August. Int.: Birthe Neumann, Simon Bennebjerg, Nanna Skaarup Voss, Asta Kamma August, Marie Mondrup. DRAMA.

a escritora danesa Karen Blixen es una de esas figuras a las que es imposible aproximarse, y más todavía si es en el cine, sin estar condicionado por la imagen que forjaron de ella el director Sydney Pollack y Meryl Streep en Memorias de África (1985). Su compatriota Bille August ha superado, sin embargo, este primer obstáculo con la imponente presencia de una elegante y enigmática Birthe

Neumann, actriz con un sorprendente parecido con Amparo Rivelles ya madura, que atrapa la atención en cuanto aparece en pantalla. La idea de adentrarse en la segunda vida de Blixen, la PARA QUIENES LES que se inició a su INTRIGA QUÉ PASÓ CON KAREN BLIXEN regreso de África, DESPUÉS DE ÁFRICA. como autora de Lo mejor: las culto, resulta muy componentes atractiva. Las femeninas del reparto. Lo peor: un aire de expectativas que teatralidad que le se crean en los resta frescura. primeros minutos de metraje no se ven sin embargo cumplidas. Filmada con elegancia, su fotografía es luminosa, quizá demasiado, y hay diálogos atractivos: Para ser feliz hay que correr el riesgo de ser infeliz. Se suceden las situaciones que preludian que va a suceder algo especial, como el momento, casi a oscuras, del tenebroso pacto que es el eje de la trama, pero el relato no acaba de progresar. Juan Pando Más información en pág. 72 ESTRENO: 28 ENERO

Primavera en Beechwood HHHHH Mothering Sunday (Reino Unido, 2021, 104 min.). Dir.: Eva Husson. Int.: Olivia Colman, Colin Firth, Odessa Young, Emma D’Arcy, Josh O’Connor, Glenda Jackson. DRAMA.

a francesa Eva Husson encuentra en El domingo de las madres de Graham Swift un vehículo perfecto para seguir explorando el sexo y la intimidad –fundamentales en su ópera prima, Bang Gang: Una historia de amor moderna (2015)– y a la vez expandir los márgenes de una ficción de época británica que a menudo peca de pudorosa. La directora se libera de los corsés buscando la narración no lineal a través de tres épocas, la proximidad emocional y física con su protagonista (excelente Odessa Young) y la naturalidad del desnudo, alejándose de lo que esperarían encontrar los fans de Downton Abbey. El resultado es una adaptación que traslada las palabras de Swift a imágenes de vocación poética y de un liris-

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Odessa Young y Josh O’Connor.

mo por momentos conmovedor, en busca de una hondura emocional Lo mejor: el lirismo que, sin embargo, de sus escenas más tiende a quedarse íntimas y su atmósfera absorbente. solo en la Lo peor: que no sepa superficie. extraer todo el jugo Aunque se que ofrece la novela de Swift. aprecian inicios de grandes reflexiones –el trauma de la posguerra, el proceso creativo, el dolor de la pérdida individual y colectiva–, ninguna de ellas llega a florecer del todo. PARA AMANTES DEL CINE DE TACITAS QUE TAMBIÉN SABE SUBIR LA TEMPERATURA.

Mireia Mullor Más información en pág. 69 ESTRENO: 18 FEBRERO

Francisca HHHHH Francisca (Portugal, 1981, 166 min.). Dir.: Manoel de Oliveira. Int.: Teresa Menezes, Diogo Dória, Mário Barroso, Francisco Brás, Nuno Carinhas. DRAMA.

Diogo Dória.

n Francisca, obra clave de Manoel de Oliveira que se estrena por primera vez y en versión restaurada en nuestro país, se concentran algunas inquietudes recurrentes del cineasta: la cultura romántica y las dinámicas del melodrama, destiladas a través de la figura literaria de Camilo Castelo Branco y de la escritora de confianza del director, Agustina Bessa-Luís, cuya novela Fanny Owen inspira el film. A través de la historia del amor funesto de un joven rico PARA (RE)DESCUBRIR por la muchacha UNA OBRA MAGNA DE del título, Oliveira MANOEL DE OLIVEIRA Y DEL CINE recoge los tropos CONTEMPORÁNEO. del Romanticismo, Lo mejor: ese tramo de la pulsión byrofinal que se adentra niana del protagoen el terror gótico. Lo peor: que no se nista a ese abanaprecie el sustrato dono vital en que socarrón de la película. se refugia la heroína, para impugnarlos desde la única posición legítima, el profundo conocimiento de sus mecanismos. Bajo la apariencia de una depurada puesta en escena de regusto teatral, Francisca despliega una serie de estrategias de deconstrucción de las retóricas románticas al tiempo que se sitúa en uno de esos espacios libidinales donde también habitan otras obras maestras extrañas como Vampyr o Gertrud de C.T. Dreyer. La pasión se desvela como un baile de máscaras mortuorio en una película a medio camino entre la modernidad y la fantasmagoría. Eulàlia Iglesias

Más información en pág. 78 ESTRENO: 28 ENERO

UN HOGAR CON AIRES COSMOPOLITAS La cinefilia nos ha llevado por los magnéticos paisajes orientales en mil y una películas. La edición limitada HEMBJUDEN de IKEA invita a disfrutarlos en casa.

a diseñadora británica Jennifer Idrizi recrea una atmósfera cálida y de inspiración oriental con su nueva colección HEMBJUDEN. El colorido y la alegría de los diseños, evocadores de aventuras como las de Michael Douglas y Kathleen Turner en La joya del Nilo, propician ambientes acogedores y bohemios con un toque festivo. Sus cojines, alfombras y cortinas sugieren los azulejos de un hamán que nos transporta al recreado por la inolvidable pelí-

El ritual del té es sagrado en Oriente, disfrútalo como se merece con las tazas (10 €/6 unid.) y la tetera (25 €) HEMBJUDEN.

cula de Ferzan Özpetek. Y los motivos florales tradicionales en blanco y negro del menaje de mesa nos envuelven en el refinado encanto local del Tánger de la mítica Casablanca. La edición limitada HEMBJUDEN, de IKEA, convierte el día a día en un escenario idílico en el que disfrutar de argumentos plácidos, armónicos y perdurables en el tiempo. Historias sencillas pero inolvidables y tan eternas como las de los grandes clásicos. www.IKEA.es

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Cinefilia

TA S I V E R ENT

GUILLERMO DEL TORO

EN CLAVE NOIR Desde sus inicios mexicanos con Cronos (1993) hasta la oscarizada La forma del agua (2017) –pasando por su etapa española con El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006)–, la carrera de Guillermo del Toro (Guadalajara, México, 1964) se había circunscrito íntegramente dentro de los márgenes del género fantástico y de terror. Ahora, con El callejón de las almas perdidas, cambia radicalmente de registro para abordar el cine negro sin perder por ello sus rasgos estilísticos definitorios. El resultado es una película suntuosa en lo formal y extremadamente oscura en su narración a través de la configuración de un personaje, Stan, al que interpreta Bradley Cooper, que construye su vida alrededor de la mentira y que no tiene escrúpulos a la hora de conseguir sus propósitos. Una exploración inmisericorde sobre las miserias del alma humana en la que se mezcla el ambiente circense, los monstruos de carne y hueso, la psicología, el tarot, la inocencia (encarnada por Rooney Mara) y el arquetipo de la femme fatale a cargo de Cate Blanchett. ¿Qué relación como espectador ha tenido con el género negro? Por alguna razón maniaca, antes de casarme decidí que tenía que leer todo Raymond Chandler en orden, como si fuera una ceremonia religiosa. Desde los cuentos de John Dalmas hasta sus novelas, incluso recuperé muchas de 20

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sus cartas, que eran muy interesantes. También estaba familiarizado con Dashiell Hammett, con James M. Cain, con James Hadley Chase, y con europeos como Andreu Martín en Barcelona o Georges Simenon en Francia. Si vinieras de visita a mi casa, comprobarías que buena parte de mi colección es de novela negra. En cuanto al cine, en México teníamos un importante exponente, Roberto Gavaldón, que mezclaba el melodrama desatado con el género negro. ¿Qué puntos en común encontraría entre el terror y el cine negro? Para mí, la impronta visual del cine negro es la misma que la del expresionismo y el horror. Parten de la misma esencia. Y después, lo que más me interesa es que ambos géneros son morales, se prestan a la parábola y es algo que sistemáticamente ha estado presente en mi obra. Siempre me he cansado de decir que los peores monstruos son humanos, que los monstruos somos nosotros. Por eso para mí fue muy importante construir la atmósfera visual de El callejón de las almas perdidas, porque la realidad es reconocible, pero el trabajo de luz, de diseño, de cámara llevan la historia a un terreno de simbolismo en el que se permiten cosas como que haya un bebé con un solo ojo, que exista una sensación de sofoco constante o que elementos como el tarot y las artes adivinatorias tengan tanta importancia. ¿Con qué directores de cine negro se siente más cercano? Cate Blanchett Hay muchos tipos y Bradley de cine negro, Cooper. depende de la

‘EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS’ Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un vagabundo de pasado misterioso, conoce en una feria ambulante a los mentalistas Zeena (Toni Collette) y Pete Krumbein (David Strathairn), de quienes aprende los trucos del oficio. Con esta habilidad se abre paso en los clubes nocturnos y entre la clase alta de la sociedad neoyorquina. Aliado con una inquietante psicoanalista, Lilith Ritter (Cate Blanchett), comienza a estafar a los millonarios locales. El reparto, en el que está el actor fetiche del cineasta, Ron Perlman (Hellboy), incluye a Rooney Mara, Willem Dafoe, Mary Steenburgen y Richard Jenkins. ESTRENO: 21 ENERO

Fotos: César Núñez/Hearst y Archivo Fotogramas.

Hablamos con el director mexicano, una auténtica enciclopedia viviente, sobre cine negro y las razones que lo impulsaron a rodar una adaptación de ‘El callejón de las almas perdidas’. Por Beatriz Martínez.

“El género negro y el cine de terror son morales. Se prestan a la parábola, y eso es algo que sistemáticamente ha estado presente en mi obra”.

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CINEFILIA # ENTREVISTA

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SUS 5 NOIRS FAVORITOS El director mexicano tiene claro que “el cine negro y el cine de terror se hacen a destiempo con el público, pero representan a la perfección la atmósfera de su época”. El realizador escoge para FOTOGRAMAS sus cinco películas imprescindibles del género. 1. ‘NACIDO PARA MATAR’ (Robert Wise, 1947). Historia de ‘amour fou’ y violencia en un ambiente de lo más sórdido . 2. ‘RETORNO AL PASADO’ (Jacques Tourneur, 1947). Un clásico de culto imprescindible para cualquier ‘tourneriano’ como Del Toro. 3. ‘DEMASIADO TARDE PARA LAS LÁGRIMAS’ (Byron Haskin, 1949). Para el director, una de las grandes que reivindicar, con una Lizabeth Scott fantástica. 4. ‘CONTRABANDO’ (Don Siegel, 1958). Algo más tardía, pero imprescindible por la brutalidad que desprende. 5. ‘BAJOS FONDOS’ (Sam Fuller, 1961). Ya inscrita en el neo-noir, a Del Toro le gusta su espíritu callejero y su insania.

visión de su director. Está Jacques Tourneur, Otto Preminger, Edgar G. Ulmer. En este caso, creo que me emparento más con lo ‘tourneriano’, aunque en niveles de brutalidad, me gusta el Preminger de la Fox, el de ¿Ángel o diablo?, Al borde del peligro, Laura o Vorágine. También me gusta mucho el elemento psicosexual que tiene Niágara, de Henry Hathaway, que es como una versión perversa de Vértigo.

MORIRÁS ANTES QUE ACEPTAR LA VERDAD Creo que, en realidad, usted no quería hacer un remake de la película de Edmund Goulding de 1947, sino que partió de la novela de William Lindsay Gresham, ¿por qué? Porque el final de la película me parecía demasiado feliz en comparación con el de la novela. Y yo quería que fuera tan apabullante y desolador como estaba escrito. Para mí, todo el film es un prólogo de lo que ocurre en los minutos finales. En realidad Gresham, el autor de la novela, fue nuestro guía espiritual, nuestra estrella del norte en esta película. Él se veía a sí mismo como Stan, el protagonista, que termina siendo víctima de sí mismo, convertido en un despojo de la sociedad. Terminó suicidándose en el mismo hotel en el que escribió la novela. En sus bolsillos se encontraron dos tarjetas de presentación, en una había escrito: Desempleado, sin dinero, sin futuro y en la otra, Morirás antes que aceptar la verdad. Ese fue nuestro lema tanto para la guionista Kim Morgan como para Bradley Cooper.

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Es muy impactante esa frase. ¿Podría emparentarse con el pesimismo de la época? Sin duda. Ten en cuenta que esa novela se escribió en un momento muy permeable culturalmente en Estados Unidos. Aparecieron pintores como Thomas Hart Benton, Grant Wood (autor del célebre cuadro Gótico estadounidense) o Edward Hopper. En letras nos topamos con la literatura del desencanto. Se abandona la idealización de Norteamérica y empieza a confrontarse con la América industrializada y urbana. Es un momento que se aproxima “Como todos, al existencialismo. Se escrime despierto bieron cosas tremendas cada día con una como Danzad, danzad, de Horace McCoy sensación de déjà- malditos, o El día de la langosta, vu, de angustia y de Nathanael West. ansiedad. Y eso es ¿De qué forma intentó llevar lo que representa todo ese material a su terreno y cómo conectaría con la la película”. modernidad? Yo quería hablar de algo que me parece muy urgente y es cómo la barrera dialéctica entre la verdad y la mentira se ha difuminado y estamos en un momento peligrosísimo en el que aceptamos sistemas de conocimiento y de racionalización que solo confirman lo que ya creemos. Nos gusta la solución inmediata a los problemas, rehuimos la confrontación, no entendemos la paradoja del ser humano, todo lo vemos como una dicotomía. A mí la paradoja me parece mucho más hermosa. La novela era una condena al sistema capitalista y esta también lo es de alguna manera. La película original surge en la época de posguerra, y la actual en la de pandemia. Es cierto y es muy interesante. Yo creo que estamos en un momento de altísima ansiedad, que se percibe como apocalíptico. La película se basa en un personaje que miente y que siempre está a dos segundos de perderlo todo. Eso es algo muy actual, ese sentimiento de estar ante el precipicio, parece que entre nosotros y el abismo haya medio metro. Yo me despierto todos los días con una sensación de déjà-vu constante, con angustia y ansiedad, y es precisamente lo que representa esta película que está cifrada a través del motivo circular, y de ese círculo, no se puede salir. ¿Cuáles son las películas que más le interesan en estos momentos? Las que están preñadas de preguntas y no tienen respuestas. Ahora el cine parece que tenga que darlo todo hecho y masticado, y yo prefiero no presentar al espectador una visión llena de soluciones, porque para mí lo interesante es explorar sin subrayar. u

CINEFILIA # MI CINE ESPAÑOL

QUIZ Por María Casado.

La nueva versión de ‘Muerte en el Nilo’ nos lleva a preguntarnos cuánto sabemos de Agatha Christie y el cine.

DE ENRIQUE Y ANA A PEDRO

A. ¿En qué película coincidieron Hercule Poirot y Miss Marple, los dos grandes detectives creados por la autora? 1. La casa torcida. 2. Muerte en el safari. 3. Detective con rubia. 4. Culpable de inocencia. 5. Nunca han coincidido.

La periodista, que estrena en TVE ‘Las tres puertas’, de la productora de Antonio Banderas Teatro Soho Televisión, a la que está ligada, es fan de Almodóvar. Un amor adolescente mitómano. Tenía la habitación empapelada con pósteres de Tom Cruise en Top Gun. ¿A qué estrella internacional le gustaría ver trabajando en el cine español? Lady Gaga es una artistaza. Canta, baila, actúa… Tiene un talento natural impresionante que, sumado a su esfuerzo y dedicación, se traduce en un trabajo brillante. De haber sido actriz, ¿qué personaje de qué película le habría gustado ser? Cecilia Roth en Todo sobre mi madre. Es una de mis películas favoritas. Me encanta cómo dibuja Almodóvar mi ciudad. ¿A qué actor o actriz le apetece entrevistar? Meryl Streep, drama y comedia, todo lo hace bien. Además Antonio [Banderas] me habla siempre tan bien de ella que tengo todavía más ganas de conocerla que antes. ¿Qué película, relacionada con el periodismo, le parece interesante? Tengo un recuerdo magnífico de Tesis, de Alejandro Amenábar. En mi época de la facultad se convirtió en una cinta de culto. ¿Qué noticia habría querido dar sobre el cine español? Siento que ya la he dado. Para mí la mejor noticia fue formar parte de la familia del cine presentando y dirigiendo la gala de los Goya de la pandemia. Un día especial en circunstancias extraordinarias. u

C. ¿Qué músico británico se declaró gran admirador de Margaret Rutherford, primera actriz que encarnó a Miss Marple? 1. Mick Jagger (The Rolling Stones). 2. Cliff Richard (The Shadows). 3. Tom Jones. 4. George Harrison (The Beatles). 5. Tommy Steele.

Fotos: Jesús Chacón y Archivo Fotogramas.

D. En Mallorca se filmó… 1. Diez negritos, de René Clair. 2. Muerte bajo el sol. 3. Gumnaam. 4. Noche sin fin. 5. Muerte en el Nilo. E. Christie las escribió con Poirot de protagonista, pero en el cine se transformaron en historias de Miss Marple: 1. El espejo roto. 2. Después del funeral. 3. El tren de las 4:50. 4. La señora McGinty ha muerto. 5. Asesinato a bordo.

RESPUESTAS

‘Las aventuras de Enrique y Ana’, dirigida por Ramón Fernández en 1981.

B. ¿Cuál de estas actrices ha encarnado a Agatha Christie en la gran pantalla? 1. Vanessa Redgrave. 2. Helen Hayes. 3. Judi Dench. 4. Angela Lansbury. 5. Emma Thompson.

A. ‘Detective con rubia’. B. Vanessa Redgrave. C. George Harrison (The Beatles). D. ‘Muerte bajo el sol’. E. ‘Después del funeral’ y ‘La señora McGinty ha muerto’.

Su primera vez con el cine español. Uf, debió de ser Las aventuras de Enrique y Ana (Ramón Fernández, 1981). Fui con mis primos al cine Rivoli, que estaba al lado de mi casa, en Barcelona. La de tardes que pasé allí… Por cierto, creo que tengo hasta el disco de esa película dedicado y firmado por los protagonistas. ¿En qué film español se quedaría a vivir? Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Siempre he tenido la sensación de vivir en una película de Almodóvar. La estética, la historia, los personajes… todavía hoy me alucina. Creo que ya se me ha hecho tarde para ser una chica Almodóvar, pero seguro que le habría dado mucho juego. ¿Con qué actor o actriz se iría de cañas? Con mi jefe y amigo Antonio Banderas en el Pimpi, en Málaga. ¡Qué suerte la mía! ¿Y con quién le encantaría quedarse encerrada en un ascensor? Con Daniela Santiago, tiene conversación para tirarte horas y días hablando con ella donde sea. Es una mujer increíble con un corazón enorme. Descubrirla en la serie Veneno, de Los Javis, y conocerla después ha sido un regalo. No querría tener sentado al lado en un avión a… Me da igual, tengo una facilidad pasmosa para dormirme o hacerme la dormida. Nadie notaría la diferencia.

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CINEFILIA

EN EL PUNTO DE MIRA

FAHRENHEIT 451 AL ROJO VIVO

NI FRÍO NI CALOR

El (arrollador) taquillazo de Spider-Man: No Way Home, primera película que cruza los mil millones de dólares de recaudación global en pandemia, y lo logra en tan solo 12 días.

La (clandestina) gala de entrega de los Globos de Oro, sin alfombra roja ni estrellas, en el Hotel Beverly Hilton, que ninguna cadena de TV aceptó retransmitir.

La (encendida) polémica entre partidarios y detractores de No mires arriba, y la tesis que mantiene el director Adam McKay en ella.

CAITRIONA BALFE La dublinesa borda, gracias a Kenneth Branagh, su mejor papel hasta la fecha en el cine con Belfast. La entregada madre de la cinta en la que el cineasta rememora su niñez ha colocado a la estrella de la serie de TV Outlander en todas las quinielas de los Oscar.

El (decidido) paso adelante de la Berlinale, que mantiene su edición presencial, aunque reducida y con secciones virtuales.

CALDEADO

MAYA VANDERBEQUE Rebosa ternura y sed de justicia en la reivindicable Un pequeño mundo (Playground).

GLENDA JACKSON Primavera en Beechwood es el primer rol en el cine tras su periplo en la política británica.

La (encomiable) iniciativa de La 2 de programar en prime time El chico, de Chaplin, y El maquinista de la general, de Buster Keaton, en el espacio Días de Cine Clásico. El (esperanzador) incremento en 2021 de un 45 por ciento de asistencia a las salas de cine, con respecto a 2020.

Fotos: Getty Images.

ANDREW GARFIELD Omnipresente estos meses, acompaña a Jessica Chastain en Los ojos de Tammy Faye.

SOFIAN KHAMMES El actor galo de origen árabe destaca junto a Kad Merad en la comedia El triunfo. 24

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ROONEY MARA Será Audrey Hepburn en un biopic, pero ahora luce noir en El callejón de las almas perdidas.

JULIETTE BINOCHE Elegancia y conciencia de clase contra la precariedad laboral en En un muelle de Normandía.

El (planeadísimo) coqueteo en redes de Chloë Sevigny con Jason Momoa poco después de que este confirmara su separación de Lisa Bonet. La (oportuna) elección de Cayetana Guillén Cuervo como presidenta de la Academia de las Artes Escénicas de España, creada en 2014.

El (divertido) pulso promocional entre Brad Pitt y George Clooney, al convertirse el primero en imagen de una marca de cafeteras competencia de la que anuncia su colega y amigo. La (nada) original propuesta de James Cameron de hacer doble versión de las películas, de seis horas para ver por capítulos en TV y otra de dos horas y media, para las salas.

ZONA GLACIAL El (súbito) corte de la emisión en TVE de El séptimo día, de Carlos Saura, justo cuando se desata el drama, dejando a los espectadores sin el final de la película. La (desacertada) tendencia de las distribuidoras de dar preferencia a los influencers sobre la prensa especializada en los pases de sus películas previos a los estrenos. El (enfebrecido) acoso en redes a Mads Mikkelsen por los fans de Johnny Depp, al sustituirlo en el rol de Grindelwald en Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore.

CINEFILIA

LOS MIL ROSTROS DE… NICOLAS CAGE 1

1. ‘Peggy Sue se casó’ (Francis Ford Coppola, 1986). 2. ‘Arizona Baby’ (Joel Coen, 1987). 3. ‘Hechizo de luna’ (Norman Jewison, 1987). 4. ‘Adaptation. El ladrón de orquídeas’ (Spike Jonze, 2002). 5. ‘Kick-Ass: Listo para machacar’ (Matthew Vaughn, 2010). 6. ‘Furia ciega’ (Patrick Lussier, 2011). 7. ‘Caza al terrorista’ (Paul Schrader, 2014). 8. ‘Pig’ (Michael Sarnoski, 2021).

PREGUNTAS SIN RESPUESTA ¿Cuándo se reconocerá la versatilidad de Oscar Isaac, estupendo en todos los trabajos a los que se enfrenta? ¿Por qué cuesta reconocer que la trama de Madeleine Collins es, como poco, confusa? ¿Cuándo terminarán los incontables y mareantes bailes

de fechas en los estrenos de las películas en salas? ¿Por qué Stephen Graham no está ya entre los grandes después de sus trabajos en Hierve y Condena? ¿Por qué, aunque desde sus inicios como guionista con Taxi Driver, sus historias parecen cortadas por un

mismo patrón y pobladas por idéntica estirpe de personajes, el cine de Paul Schrader siempre nos parece nuevo? ¿Por qué Ben A�eck para goce de los espectadores no se regala más personajes tan positivos y luminosos como su tío Charlie de El bar de las grandes esperanzas?

¿Por qué parece que la nostalgia noventera o incluso de los dosmiles, como prueban Spider-Man: No Way Home, Matrix Resurrections o la nueva Scream, ha tomado ya el relevo a la ochentera? ¿Quién tiene mejor colección de discos, Quentin Tarantino o James Gunn, que luce

su criterio musical en la descacharrante El pacificador? ¿Qué actor español podría encarnar a Raphael en el merecidísimo biopic que el cantante de Linares se merece? ¿Por qué el director Joel Coen decidió rodar su versión de Macbeth en formato 4:3?

Fotogramas & FLIXOLÉ

JOSÉ SACRISTÁN: GOYA DE HONOR A los 84 años, este genial actor cuenta con una filmografía que lo ha convertido en historia viva del cine español. Encuentra todas sus películas en la plataforma FlixOlé. an pasado más de seis décadas desde que aquel joven nacido en Chinchón devoto de Tyrone Power, John Wayne y Errol Flynn iniciara su viaje sobre los escenarios y delante (y también detrás) de la cámara. En la 36 edición de la gala del cine español, sus compañeros de profesión acaban de distinguirle con el Goya de Honor. En su trayectoria se ha vestido de gerente, médico, abogado, fontanero y hasta de vendedor de globos. Trajes que forman parte de la memoria cinéfila social y que ahora FlixOlé recuerda

con una colección de películas que muestran el amplio registro que ha interpretado el que sin duda es uno de los mejores actores del panorama nacional. Compuesta por más de 50 títulos, la colección de FlixOlé recorre el arco fílmico de Sacristán como actor y director: La vaquilla, El viaje a ninguna parte, Asignatura pendiente... También El muerto y ser feliz, filme que le reportó el único Goya que había tenido hasta ahora. ¡No te los pierdas!

www.flixole.com

En febrero, disfruta de todas las películas de José Sacristán en FlixOlé. El actor y director en El Diputado (izq.), ¡Vente a Alemania, Pepe! (bajo estas líneas) y Sex o no sex (debajo).

CINEFILIA # ¡QUÉ PELÍCULA LA DE AQUEL RODAJE!

PARECIDOS RAZONABLES

Por Roger Casamajor.

SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS LA INFANTA LEONOR Y ANGOURIE RICE (Spider-Man: No Way Home)

Hace 22 años que el actor rodó ‘El mar’, su debut en el cine, de la mano de Agustí Villaronga, su amigo hoy, con quien ha repetido en cinco ocasiones. díamos lo que quería. Con ese trabajo hecho, el rodaje fue relajado. Me encantó compartir escenas con Simón Andreu, apuntaba sus consejos en una libreta. Siempre voy con una. Y con Ángela Molina, la veía como a un ángel, qué luz tiene… Y no se me olvidan las dos horas que le llevaba a Alma Casal, la responsable de maquillaje, cada vez que debía ponerme RAMALLO en el pecho. ¡Y el miedo que daba rodar en el hospital del Tórax de Tarrasa! Era el sanatorio de tuberculosos donde nuestros personajes iban a curarse. Estaba en desuso pero con todo el mobiliario, parecía que los médicos y los pacientes hubieran huido. Cuando teníamos que movernos por allí solos, pedíamos a alguien que nos acompañara. Me llevé de recuerdo un recipiente donde colocaban los bisturís. El mar no deja indiferente, provoca reacciones dispares, como ocurrió cuando se estrenó en la Berlinale: parte del público tuvo que abandonar la sala y otra aplaudió sin parar. Aunque lo que más me gusta de ella es su poesía. Estoy muy orgulloso de haberla protagonizado. u

EL CARTEL DE ‘EL ESPÍA HONESTO’ Y EL DE ‘EL ESPÍA INGLÉS’ Envío de: Francisco Cervilla (Aínsa, Huesca).

EMILIO PALACIOS Y JEFF BRIDGES

Envío de: Alegría Pérez (Melilla).

‘TROS (TIERRAS)’ SE ESTRENA EL 25 DE FEBRERO

BERTO ROMERO Y MATTIA BINOTTO (director de la escudería

Roger y Bruno Bergonzini, como Ramallo y Manuel.

Fotos: Archivo Fotogramas.

Ferrari en F1) Envío de: Pilar Mendoza (Barcelona).

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RYAN O’NEAL Y ÁLVARO CERVANTES

Envío de: Toni Lasierra (e-mail).

Fotos: Getty Images.

Cuando leí el guion de El mar (2000) pensé que de ahí saldría algo muy interesante. No recuerdo un casting más duro que el que hice para esa película. Agustí (Villaronga), al que no conocía, me sometió a seis o siete pruebas, incluso viajamos a Mallorca para que conociera a quien sería mi partenaire, Antonia Torrens. Años después me contó que había sido porque en un principio me quería para hacer de Manuel (Bruno Bergonzini), y de repente sintió que encajaba en el de Ramallo. Ahora, que he rodado cinco películas con él, la última El vientre del mar, ya sé de qué va (ja, ja). No puedo estarle más agradecido. A nivel cinematográfico, es mi padre. Me dio mi primera oportunidad y me ha hecho crecer como actor. Aparte de eso, sus historias me interesan y trabajamos bien juntos. Somos muy amigos. Recuerdo agotadores también los ensayos. Gran parte de la cinta se rodó en mallorquín, y ni Bruno ni yo lo hablábamos. Estuvimos más de dos meses estudiándolo, además de trabajar otros aspectos de los personajes con Agustí. Llorábamos porque no enten-

Envío de: Vivian Ley (Alicante).

CINEFILIA # FOTOMATÓN

MIQUEL FERNÁNDEZ El confinamiento le ha mostrado, como a los personajes de ‘Visitante’, el debut de Alberto Evangelio, que existen realidades paralelas, y el intérprete (Barcelona, 1980) nos muestra la suya con estos desenfadados ‘selfies’. Acaba de estrenar, también, la serie ‘Mentiras’. Por Juan Pando. ¿Cuándo pensó por primera vez en ser actor? Fue algo muy fortuito. Tenía 16 años y estaba muy perdido. Siempre me ha gustado mucho cantar y un profesor que me había escuchado me animó a participar en una función escolar de West Side Story. Hice el papel de Riff y me encantó. ¿Cuándo vio que lo había conseguido? Al hacer protagonistas en musicales, con veintitantos, aunque en este país se tiende mucho a etiquetar con eso de que si eres actor de musical no puedes serlo de texto. ¿A quién admiraba de chaval? A Marlon Brando, Robert De Niro, Al Pacino y gente así. No soy mitómano, pero tiendo a idealizar a los hombres mayores que yo, que tienen más experiencia. ¿A quién admira ahora? (Risas) Intento admirarme y quererme a mí mismo; y evolucionar como persona para decir: Lo estás haciendo muy bien en la vida. ¿Sin qué no podría vivir? Sin orden. El caos me pone muy nervioso y me estresa. ¿Qué experiencia le sobró? Podría decir que los tres años que estuve apartado del escenario, como director artístico de una compañía de musical; pero gracias a ellos aprendí lo que no tenía que hacer y di el paso al tea-

tro de texto y al audiovisual. Pensó en tirar la toalla… Nunca. Al contrario, cada vez tengo más ganas y me siento más capaz. Un punto fuerte: El temple. Su talón de Aquiles: La explosión cuando colman mi paciencia, que es mucha. Lo mejor que aprendí de una pareja: A ver la belleza que hay en la vida. ¿Un recuerdo imborrable? El nacimiento de mi hijo. Un horror: Cuando te falta tiempo para hacer las cosas. Querría haber conocido: Mucho más a mi padre. Mito erótico confesable: Monica Bellucci. Cómo se lleva con las redes. Me gusta Instagram. En Twitter entro poco porque ya es un poco un basurero. Hacer escenas eróticas es: Depende del director y de la pareja, pero no son fáciles ni dejan de ser incómodas. ‘VISITANTE’ SE ESTRENA EL11 DE FEBRERO

LO HEMOS VISTO EN: En cine, en Mamá o papá, Adú, El guardián invisible o Cien años de perdón. En TV, en las series Alba, El embarcadero o Fariña. En teatro, en los musicales We Will Rock You, Hoy no me puedo levantar y Jesucristo Superstar.

CINEFILIA # HOMENAJE

SIDNEY POITIER: BLACK POWER Fue mucho más que una estrella de cine: un pionero que rompió barreras raciales en una época marcada por la lucha por los derechos civiles. Recordamos a una de las figuras clave del cine estadounidense del último medio siglo, fallecida el 7 de enero a los 94 años. Por Àlex Montoya. Te quiero, padre, pero lo que ocurre es que tú te consideras un hombre negro y yo me considero… un hombre. Pocos diálogos, de los miles que pronunció a lo largo de sus 50 años de carrera, le resonaran tanto como este de su personaje en Adivina quién viene esta noche (S. Kramer, 1967). Y es que Sidney Poitier (Miami, 1927) vivió siempre con el peso de ser un ejemplo para millones de ciudadanos negros que peleaban por sus derechos. Contesto preguntas sobre el color de mi piel todo el tiempo, y mi preocupación por la raza es sustancial, pero no lo es todo. El racismo es algo terrible, pero nunca quise que ser negro fuera lo único que me definiera. Acepté la responsabilidad de representar a los negros en el cine, acepté ciertas cosas pensando en los que vendrían después de mí. Pero también me llamaron tío Tom, y eso fue muy doloroso. He lidiado con ello durante años, afirmaba. Abriendo camino. Poitier se tuvo que acostumbrar a derribar puertas. Fue el primer negro nominado al Oscar como

Mejor Actor por su papel de convicto huido encadenado a Tony Curtis en Fugitivos (S. Kramer, 1958), que sí le dio el Oso de Plata en el Festival de Berlín. Fue el primero en ganarlo con Los lirios del valle (R. Nelson, 1963) o el primero en besar a una blanca, en Un retazo de azul (G. Green, 1965), beso eliminado en las copias que se proyectaban en estados con leyes contrarias a ‘la mezcla

LA CARA OCULTA DE LA ESTRELLA Menos conocida que la de actor es la faceta tras la cámara de Poitier. Por un lado, combinó dirección y actuación en Buck y el farsante (1972), Un cálido diciembre (1973) o Dos tramposos con suerte (1975), y, ya fuera de foco, unió a Gene Wilder y Richard Pryor en Locos de remate (1980). Antes, formó la productora First Artists junto a Paul Newman, Barbra Streisand y Steve McQueen, con el objetivo de financiar sus propias películas manteniendo el control creativo.

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Poitier, dirigiendo ‘Hanky Panky (Una fuga muy chiflada)’ (1982).

de razas’. Y aún más: en En el calor de la noche (N. Jewison, 1967), su detective Tibbs respondía a la bofetada de un blanco con un revés, algo nunca visto. Fue Poitier quien insistió en añadir esa reacción en el guion, bajo la amenaza de abandonar el film. No fue la única exigencia contractual de su trayectoria: nuestro hombre eligió interpretar solamente roles decentes y con valores. Consciente de su privilegio en un país inmerso en las luchas por los derechos civiles, contribuyó a las transformaciones sociales de los 60 desde un compromiso que iba más allá de la pantalla, recogiendo fondos para activistas en los estados del sur, formando parte de manifestaciones como la Marcha sobre Washington, o acompañando a Martin Luther King, su hermano del alma. Nacido por accidente en Miami, donde sus padres bahameños vendían tomates, Poitier creció en Cat Islands hasta los 15 años, cuando regresó a los Estados Unidos. Vivió en Nueva York, se formó en el American Negro Theatre, y debutó con Un rayo de luz (J.L. Mankiewicz, 1950). En su carrera destacan films como Semilla de maldad (R. Brooks, 1955), La esclava libre (R. Walsh, 1957), Un día volveré (M. Ritt, 1961), Rebelión en las aulas (J. Clavell, 1967) o dos secuelas de En el calor de la noche. Retirado de la pantalla durante una década, volvió con Dispara a matar (R. Spottiswoode, 1988) y Espías sin identidad (R. Benjamin, 1988), y aún participaría en Sneakers (Los fisgones) (P. A. Robinson, 1992) o en un puñado de telefilms como el que cerraría su carrera, The Last Brickmaker in America (2001). u

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3 1. Sidney Poitier, junto a Kathleen Maguire y John Cassavetes, en ‘Donde la ciudad termina’ (M. Ritt, 1957). 2. En ‘Los lirios del valle’ (R. Nelson, 1963), la película que le dio el Oscar a Mejor Actor. 3. Conversando con Katharine Hepburn en una pausa del rodaje de ‘Adivina quién viene esta noche’ (S. Kramer, 1967). 4. En una imagen de ‘Un lunar en el sol’ (D. Petrie, 1961) con Claudia McNeil. 5. Con Elizabeth Hartman protagonizó un polémico beso en ‘Un retazo de azul’ (G. Green, 1965). 6. Uno de sus personajes más populares: el profesor que todos quisiéramos haber tenido en ‘Rebelión en las aulas’ (J. Clavell, 1967). 7. Con Tony Curtis en ‘Fugitivos’ (S. Kramer, 1958), film que cambió su carrera. 8. Con Lee Grant en ‘En el calor de la noche’ (N. Jewison, 1967), título clave en su trayectoria. 9. En 2002, Poitier se llevó un Oscar honorífico que reconocía sus 50 años de carrera. 10. Dos décadas después de ‘La conspiración’ (R. Nelson, 1975) se reencontró con Michael Caine en el telefilm ‘Mandela y De Klerk’ (J. Sargent, 1997). 10 Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

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CINEFILIA # LOCALIZACIONES

LUZ, IMAGEN, SEVILLA… ¡ACCIÓN! Nace Sevilla&me, un proyecto clave para que la ciudad hispalense continúe siendo (ahora, aún más) un lugar de película y de televisión, de documentales y de experiencias audiovisuales. La ciudad se abre al mundo y lo invita, en sus ficciones y en sus realidades, a hacer del corazón de Andalucía el gran escenario de mil y un sueños.

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1. ¿El reino de Dorne? En realidad, los jardines del Real Alcázar, uno de los escenarios más espectaculares de la quinta temporada de ‘Juego de Tronos’. 2. Richard Armitage y Amaia Salamanca comparten secretos ante una vista de la ciudad en la próxima ‘La piel del tambor’. 3. La Plaza de España fue, en ‘Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones’ (G. Lucas, 2002), el planeta Naboo, donde nace el amor entre Amidala y Anakin Skywalker.

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nacionales o internacionales. Esta iniciativa se divide en dos áreas: la Sevilla Film Office (oficina de rodajes) y la Sevilla Venues (oficina de gestión de eventos en espacios públicos).

LA CIUDAD DE LOS PRODIGIOS Sevilla&me no solo trata de captar rodajes por la belleza de la ciudad sino también fortalecer el tejido productivo relacionado con la industria audiovisual local. Para ello la visión y el alcance es nacional e internacional. Crear una marca de ciudad, Sevilla, como el lugar ideal para que las ficciones de todo el mundo encuentren las mejores localizaciones imaginadas. Se ha agilizado todos los requisitos para rodar, se ha implementado ventajas fiscales –es sumamente competitiva desde el punto de vista de tasas– y se ha previsto un acompañamiento continuo de los productores interesados a lo largo de todos los rodajes. Además de los recursos que Sevilla pone a disposición de esos proyectos: 30.000 plazas hoteleras; 25.000 apartamentos; un aeropuerto con grandes conexiones; el AVE; buena climatología; múltiples escenarios para localizar rodajes, desde la monumentalidad más clásica hasta la vanguardia arquitectónica o las zonas verdes, así como recursos humanos, técnicos y artísticos de primera categoría. Sevilla&me apuesta por la ciudad como plató nacional e internacional (recordar Lawrence de Arabia, El reino de los cielos, Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones, Juego de Tronos, The Crown, Grupo 7 y un largo etcétera). Lo hace con la experiencia acumulada y con una moderna y funcional idea de institución ágil y práctica que dé todas las facilidades a los proyectos audiovisuales. Una ciudad de cine (y TV) cuyos prodigios queden por siempre en las pantallas y puedan ser visitados por cinéfilos turistas. u

Fotos: Archivo Fotogramas, Marian Ruiz, HBO, Julio Vergne, Alamy y Curro Medina.

A la larga y fructífera tradición de la ciudad como escenario de actividades culturales, audiovisuales, rodajes y presencia del cine (como el Festival de Sevilla), se unió en 2021 el innovador proyecto Sevilla&me (Media, Events and Entertainment). Parte específica de Sevilla City Office, dependiente del Ayuntamiento de Sevilla, se trata de una ventana que busca impulsar la ciudad, sus recursos, localizaciones y potencial humano, industrial y artístico de cara a rodajes de largometrajes, series de TV o documentales, sean

En 1962, David Lean rodó el encuentro entre Lawrence de Arabia (Peter O’Toole) y el comandante general, Lord Edmund Allenby (Jack Hawkins), en La Casa de Pilatos. Jose Coronado cruza el muy cinematográfico puente de San Juan en ‘Tu hijo’, el thriller de Miguel Ángel Vivas.

El sevillano Alberto Rodríguez rodó ‘Grupo 7’ en el casco histórico de la ciudad.

BRILLANTE PRESENTE, ESPECTACULAR FUTURO

El rodaje de ‘Una vez más’, ópera prima de Guillermo Rojas.

En un año tan convulso (la pandemia que nos acompaña desde 2020) como el pasado 2021, Sevilla no permaneció inactiva. En esos 365 días recibió 164 solicitudes de rodajes, entre ellas las de 13 largometrajes, cuatro series de televisión y un documental, lográndose que el montante de la inversión en la ciudad en este sentido alcanzara los 20,1 millones de euros. El futuro que se abre en este 2022 es todavía más esperanzador y brillante. Sevilla&me está y estará ahí.

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ENERO

DICIEMBRE

CINEFILIA # HOMENAJE

Peter Bogdanovich con Cybill Shepherd en el rodaje de ‘La última película’.

manejo del éxito. Con su nueva musa filmó Una señorita rebelde (1974) y el musical Por fin, el gran amor (1975), sendos descalabros para regocijo de una comunidad que lo detestaba. Tampoco funcionó Así empezó Hollywood (1976) ni Saint Jack (El rey de Singapur) (1979), que, eso sí, fue premiada en el Festival de Venecia. Después llegaría el abismo definitivo Firmar ‘La última película’, ‘¿Qué me pasa, doctor?’ o ‘Luna de papel’ lo puso en el cielo de los creadores del Hollywood setentero. Tan rápido fue el auge como la con Todos rieron (ver despiece) y con su caída de un director nostálgico del cine de los grandes estudios. Lo recordamos. enfrentamiento legal con Universal por el final cut de Máscara (1985). Nuestro Por À. Montoya. hombre acabaría reinventándose, resurdante en el set de Los Ángeles del infierno Fue la correa de transmisión entre giendo ligeramente de sus cenizas aunque lejos de sus mejores días, con Texasville los maestros clásicos y los recién (1966). Después, produciéndole su ópera (1990), ¡Qué ruina de función! (1992), llegados de ese Nuevo Hollywood, liderado prima, El héroe anda suelto (1968). Esa cosa llamada amor (1993), varios por los Scorsese, Coppola o Friedkin, que Tres films marcarían su ascenso al olimtelefilms y un glorioso rol como actor en renovó y marcó la meca del cine en los po: la devastadora y magistral La última Los Soprano (de la que firmó un episoaños 70. Peter Bogdanovich (Kingston, película (1971), en cuyo rodaje empezó Nueva York, 1939) formaba parte de esa un romance con Cybill Shepherd, y las dio). Y rodó su última, anacrónica y reivingeneración mágica, pero, a diferencia de comedias ¿Qué me pasa, doctor? (1972) dicable comedia, Lío en Broadway (2014); dos estupendos documentales sobre Tom sus colegas, nunca quiso romper con el y Luna de papel (1973). Pero las cosas Petty y Buster Keaton, y supervisó pasado: todo lo contrario, en sus el montaje financiado por Netflix películas se respira la influencia “Nadie te prepara para el éxito. Te crees para la inacabada Al otro lado del del talento de sus amigos John infalible. Finges saber más de lo que sabes. viento, de Orson Welles (que él Ford, Orson Welles o Howard El orgullo va antes de la caída”. coprotagonizaba). Mirando atrás, Hawks. Antes de codearse con analizaba: Nadie te prepara para aquellos viejos roqueros de la el éxito. Te crees infalible. Finges saber pantalla a los que tanto admiraba, cuyos cambiaron rápidamente: su arrogancia más de lo que sabes. El orgullo va antes generaba antipatías, como también que encuentros y veneración quedarían de la caída. Un buen resumen para el reflejados en libros de referencia cinéfila, abandonara a su esposa Polly Platt, magauge y el descalabro de alguien que tocó Bogdanovich había estudiado interpretanífica diseñadora de producción e induel cielo. Peter Bogdanovich fallecía el 6 de ción con Stella Adler, había dirigido teatro dable influencia creativa. Bogdanovich y enero, a los 82 años de edad, dejando un y escrito en la revista Esquire. Ya instaShepherd eran insultantemente felices y mediáticos, y no dejaban de mostrar egola- legado que lo convierte, quizás, en el últilado en Los Ángeles, fue Roger Corman quien lo apadrinaría: primero como ayumo cineasta clásico. tría, petulancia y ninguna habilidad en su

PETER BOGDANOVICH,

F E BRE RO 2 02 2 · FOTOGRAMAS.ES

Fotos: Getty Images y Archivo Fotogramas.

EL ÚLTIMO CINEASTA CLÁSICO

4 COMEDIAS CON SELLO CLÁSICO PESE A RODAR FILMS DE DIVERSOS GÉNEROS, BOGDANOVICH QUEDÓ ETERNAMENTE ASOCIADO A LA COMEDIA, QUE ABORDÓ SIN PERDER DE VISTA A MAESTROS COMO HOWARD HAWKS Y PRESTON STURGES.

… y compartiendo set con John Ford.

Peter Bogdanovich con Orson Welles…

ESTE ES EL CAMINO

‘¿QUÉ ME PASA, DOCTOR?’ (1972) Ryan O’Neal y Barbra Streisand eran una irresistible pareja en esta hija de ‘La fiera de mi niña’ (H. Hawks, 1938), que también miraba al slapstick de Mack Sennett y a los Looney Tunes.

Tan importante como algunas de sus películas fue la tarea como historiador, con un puñado de libros de referencia sobre grandes autores del Hollywood dorado. Cuando Esquire le encargó una serie de perfiles de cineastas clásicos, las puertas de Hollywood se le abrieron. De aquellos encuentros, Bogdanovich potenció su futuro como cineasta, pero también como divulgador y erudito: sus libros sobre Welles, Ford, Lang o Hitchcock son referenciales. Y nunca dejó de hablar de los autores que reverenciaba desde su adolescencia (con 20 años organizó en el

MoMA la primera retrospectiva en EE. UU. sobre su futuro amigo Orson Welles), y que le marcaron el camino a seguir. La cinefilia de Bogdanovich está presente en su obra: ya sea en la sala que proyecta Río Rojo en La última película. O en aquel hermoso y poético momento de Esa cosa llamada amor en el que River Phoenix compone un tema inspirado en El hombre que mató a Liberty Valance.

TODOS LLORARON Estaba muy enamorado de Dorothy, más de lo que nunca, antes o después, lo he estado de nadie. 30 años después de unos hechos que marcaron su vida, en el documental One Day Since Yesterday: Peter Bogdanovich & the Lost American Film (disponible en Filmin), el cineasta seguía traumatizado: en 1980, al terminar el rodaje de la chispeante y melancólica Todos rieron, Dorothy Stratten, pareja del director, playmate y coprotagonista del film, fue asesinada por su

todavía marido. Una tragedia después llevada al cine (en Star 80, de Bob Fosse), que alimentó la desconfianza de Fox, que hizo un estreno limitado del film, último trabajo ante la

cámara de Audrey Hepburn, pese a la buena recepción del público. Un devastado Bogdanovich decidió recomprar la película y distribuirla de forma independiente, sin infraestructura, hipotecando su casa y arruinándose. El cineasta tocó fondo. Tiempo después, acabaría casándose con la hermana de Stratten, Louise. Éramos supervivientes de un naufragio, Bogdanovich agarrados a la misma y la malograda madera, cuenta en el Dorothy Stratten. documental. u

‘LUNA DE PAPEL’ (1973) Ryan O’Neal y su hija Tatum (que ganó el Oscar con 10 años) sobreviven con pequeñas estafas en la América de la Depresión. Una gozada inspirada en el cine de Preston Sturges y Charles Chaplin.

‘¡QUÉ RUINA DE FUNCIÓN!’ (1992) Desternillante adaptación de la obra de Michael Frayn ‘Por delante y por detrás’. Puro vodevil con Michael Caine, Christopher Reeve y Carol Burnett.

‘LÍO EN BROADWAY’ (2014) Su última ficción, un screwball homenaje a ‘El pecado de Cluny Brown’, de Lubitsch, apostaba de nuevo por el vodevil. Un nuevo ejemplo de su dominio del ‘timing’ cómico.

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CINEFILIA # EL CONSULTORIO DE MR. BELVEDERE

Nuestros lectores hablan √ No sé si estaré cometiendo una herejía, querido Mr. Belvedere, pero esta West Side Story que nos acaba de regalar Steven Spielberg es infinitamente superior a la versión hasta ahora canónica de 1961. Más cine en ella, más y mejor expuesta la crítica social, todavía hoy por desgracia de actualidad, y sobre todo una María, la debutante Rachel Zegler, mejor que la pavisosa de Natalie Wood. Tristán Molina (vía Facebook).

√ Steven Spielberg ha hecho que el musical de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim se vista con su sabi-

duría cinematográfica para conseguir una de las mejores películas del año. Incluso creo que mejora al original de Robert Wise (el número de América) y que los añadidos (el personaje de Rita Moreno) también lo hacen. Ely Blanco (vía e-mail).

√ West Side Story 2021 es el West Side Story que se merecía el musical original. De hecho, respeta el orden de los temas musicales, no como en la versión de Wise & Robbins, habla con dureza sobre el racismo y su reparto está tan lleno de fuerza como de verosimilitud, comenzando por Rachel Zegler como María. Silvia Andrés (vía Facebook).

El elenco de ‘West Side Story’.

CONTESTA MR. BELVEDERE Aun pesando el cariño y el recuerdo a mi conexión profesional barcelonesa con la West Side Story de 1961 soy un hereje más y afirmo preferir la versión de Steven Spielberg. No solo por su acertado reparto (Zegler maravillosa, pero ojo a Ariana DeBose como Anita), sino por la energía y el puro cine que emana de cada una de sus secuencias.

BUSCANDO A TRINITY DESESPERADAMENTE √ ¿Secuela de Matrix? Habrán jugado mucho al despiste los responsables de Matrix Resurrections (las, por otro lado excelentes, entrevistas con Keanu Reeves y Carrie-Anne Moss que publicaba la revista el pasado número), pero lo que al final es esta aburrida cinta es un remake desangelado de la primera. Heriberto Albuixech (vía e-mail).

√ Matrix Resurrections no deja de ser otra vez el Orfeo en busca de Eurídice que se dejaba entrever en el film original de 1999. Una historia de amor entre el mundo real y virtual, con mínimos instantes de espectacularidad, donde lo mejor es el asumido paso del tiempo de sus protagonistas.

fans de la franquicia y acaso la demostración de que el talento estaba en la hermana Wachowski equivocada. Joan M. Rivera (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE Como siempre he sido incapaz de saber de qué narices iban las películas de Matrix mi avejentado cerebro ha procesado esta nueva entrega como una especie de Vestida para matar (el divertido personaje de Neil Patrick Harris) virtual que en realidad es la terapia/confesión de Lana Wachowski en su tránsito de héroe a heroína.

√ Aburrida, farragosa en sus esca-

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# El espía honesto tiene título de novela de John le Carré, su trama es de espionaje y sucede durante la Guerra Fría en una Alemania del Este de una sordidez extrema. Sin embargo, este excelente film de Franziska Stünkel explora otros territorios más profundos: la degradación del ser humano en una sociedad dictatorial. Alba Portillo (vía e-mail).

# Al final ha resultado que esta quinta entrada en el universo metarreferencial slasher de Scream no ha sido la mecánica continuación de la fallida cuarta entrega, sino una más que curiosa revisión del género y sus mutaciones en una sociedad como la actual. El contraste entre los personajes de siempre y un nuevo mundo de redes sociales y cultura de la cancelación es muy revelador. Francisco Vega (vía e-mail).

# Me lo pasé pipa con el primer Kingsman: Servicio secreto y su aire a episodio de la serie de televisión de Brian Clemens Los Vengadores trufada de la locura visual de Matthew Vaughn. No tanto con su demasiado cargada de demasiadas cosas secuela. Con lo que no contaba era con que esta tercera película, una precuela, The King’s Man: La primera misión, se convirtiera en la mejor de la trilogía. Mucho humor, muchos homenajes vintage a James Bond y un impagable Rhys Ifans como Rasputín. Miquel Aranda (vía e-mail).

# A pesar de tanta saturación informativa, y de usuarios de las redes sociales ávidos por ser los primeros en revelar las sorpresas de las tramas de las películas, ya sabía lo que escondía la trama multiverso de Spider-Man: No Way Home, pero la disfruté como el chaval que ha crecido leyendo las aventuras de Peter Parker y viendo sus apariciones en la pequeña y la gran pantalla. Pura emoción Marvel. David Valdearroyo (vía e-mail).

Raquel Palacios (vía e-mail).

sas escenas de acción, discursiva sin decir nada inteligible… Matrix Resurrections es una estafa para los

CINCO FLASHES EN CINCO FRASES

Keanu Reeves y Carrie-Anne Moss.

# Excesivamente larga y redundante en su premisa, No mires arriba funciona durante un rato como sátira sociopolítica ideal para estos oscuros tiempos de idiocia, negacionismo, descreimiento alrededor de quienes nos gobiernan y falsas noticias. Un breve rato porque finalmente no deja de ser la pataleta de los mismos pijos de siempre sobre la misma agenda de siempre. Joseba Parra (vía e-mail).

Fotos: Getty Images, Ramona Rosales, Alison Rosa y cortesía de Focus Features.

HISTORIAS DE NUEVA YORK

e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es

MUERTE ENTRE LAS FLORES (DE LIS) √ Asfixiante gracias al uso de ese claustrofóbico formato cuadrado que encierra a los personajes y sus cuitas, esta aproximación de Joel (sin Ethan) Coen a Macbeth consigue que seamos parte de la torturada mente y las sangrientas acciones de los protagonistas. Rosa Buendía (vía Facebook).

√ La tragedia de Macbeth no cambia ni un verso salvaje de Shakespeare, pero envuelve el texto en una abigarrada imaginería visual en blanco y negro que remite tanto al expresionismo alemán como a la versión que Orson Welles dirigió a finales de los años 40 del pasado siglo, que me sigue gustando más.

puramente del cine de los Coen. Sobresalientes Denzel Washington y Frances McDormand.

El InstagramDiario mrbelvedere.fotogramas

Elena Rivero (vía Facebook).

CONTESTA MR. BELVEDERE Toda una experiencia visual sin duda La tragedia de Macbeth a la cual pondría acaso como pega su obvia metáfora política con la figura de Donald Trump. Fascinado todavía por esa inquietante Kathryn Hunter encarnando a las tres brujas cual si fuera la Javier Botet del cine teatral de prestigio. Todo es 22 en FOTOGRAMAS. Como el veintidó, veintidó del Dúo Sacapuntas, que tuvieron su película: Yo quiero ser torero, de 1987 y dirigida por Miliki.

Frances McDormand.

Claudio Caracas (vía e-mail).

√ Está todo Shakespeare en el Macbeth de Joel Coen, pero también toda la violencia, las luchas por el poder y la locura de los personajes

EL DESTINO TAMBIÉN JUEGA √ Paul Schrader vuelve a hablar de crímenes, castigos y accidentados caminos de redención martirológica en El contador de cartas. Fiel asimismo a una textura y poso visual y dramático herederos de la obra de Robert Bresson, Schrader vuelve a ser ese francotirador en el cine de Hollywood con quien podemos seguir contando. Andrés Moro (vía e-mail).

√ Impresionante Oscar Isaac, acaso en el papel de su vida, como ese

compulsivo jugador que persigue una suerte de imposible redención de timba en timba de póker. El contador de cartas es una de sus más redondas películas, y eso es ya decir mucho a favor de uno de los directores más interesantes que existen.

También en 1922 debutaba en el cine (The Man From Hell’s River) un pastor alemán que respondía por Rin-Tin-Tin al lado del perruno Wallace Beery.

Silvia Bruguera (vía Facebook).

√ Llevará toda su filmografía, como guionista y como director, Paul Schrader hablando de lo mismo y con unos personajes intercambiables de unas a otras historias, pero qué más da si eso nos regala obras maestras como El contador de cartas.

Obligación/devoción belvederiana con un 22 es revisar por enésima vez La casa número 322 de Richard Quine y con Kim Novak.

Heriberto Aira (vía e-mail).

Ti�any Haddish y Oscar Isaac.

CONTESTA MR. BELVEDERE Cuando toda la crítica había cerrado y enviado sus listas con lo mejor de 2021 aterrizó el 29 de diciembre El contador de cartas, la cual ha sido para quien esto escribe, y sin ningún tipo de duda, la película del año. No es solo un film de depurada sabiduría y cien por cien Paul Schrader. Es también el mejor Scorsese (El color del dinero sin billar y tonterías) no Scorsese.

Y qué mejor 22 para cerrar este miniapartado que el de Trampa 22, irreverente y antimilitarista film de Mike Nichols.

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News

NACIONALES & INTERNACIONALES

Por Juan Pando y Roger Salvans.

Fotos: David Herranz.

‘UNA VIDA NO TAN SIMPLE’

“REFLEJO UN ESTADO DE ÁNIMO FRUTO DE EXPERIENCIAS VITALES, Y HAGO UN GUIÑO MELANCÓLICO Y CON HUMOR AL PASO DEL TIEMPO”.

UN SUTIL TONO OTOÑAL Y DE COMEDIA Hemos visto a Ana Polvorosa en diferentes registros, pero lo que hace aquí es muy bonito, resalta Félix Viscarret sobre la actriz, protagonista de la serie La Fortuna, de Alejandro Amenábar, que ya coincidió con Miki Esparbé en el corto A quien dices amar (2019), contra la violencia de género. Ha entendido muy bien el tono otoñal de la película y ese toque de comedia tan sutil que se les escapa a los personajes casi sin darse cuenta. Ella es una madre con la que Isaías (Esparbé), en crisis profesional, personal y de pareja, pasa cada vez más tiempo, explica el director, que tiene pendiente de estreno el drama No mires a los ojos.

NEWS RODAJES

Reparto coral de ‘Bajo Terapia’.

común, advertía Del Federico. Los personajes realizarán la propuesta terapéutica en un lugar ideado de modo especial para llevarla a cabo, mediante unos sobres que les dejan con unas instrucciones concretas que deberán seguir. Gerardo Herrero adelanta

Foto: Niete.

Álvaro Cervantes como Manel Estiarte.

EL AÑO DE LA VICTORIA Álvaro Cervantes y Jaime Lorente reviven, en 42 segundos, en los papeles de los nadadores Manel Estiarte y Pedro García Aguado, la disputada final que la selección española de waterpolo libró en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, una de las más prolongadas de la historia del olimpismo. El partido tuvo tres prórrogas, tras lo cual, el equipo logró la medalla olímpica. Dirigen Dani de la Orden y el debutante Alex Murrull, con guion de Carlos Franco y un reparto que incluye a Roger Casamajor, Àlex Maruny, Pep Ambrós y Marc Bonin. Han rodado entre el Principado de Andorra, lugar en el que se concentraron en su día los deportistas, y Barcelona. Producen Playtime Movies (productora de De la Orden), Sábado películas y la andorrana Imminent Produccions. 40

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que la historia va a seguir teniendo humor, pero no la misma cantidad de comedia que tenía la función teatral. Ruedan en el espacio expositivo de La Fábrica de Gomas, situada en el barrio Lezkairu de Pamplona, con producción de Tornasol S.L. y Alcaravan Films.

EL GRAN LÍO EN RÍO El director Joaquín Mazón (Cuerpo de élite), que tiene pendiente de estreno La vida padre, se pone al frente de un guion de Antonio Mercero hijo, Daniel Corpas y Juana Macías, a partir de una idea de Jean-Christophe Gra, para narrar en De perdidos a Río, las aventuras y desventuras de tres amigos inconscientes treintañeros. Esta comedia, que protagonizan Pablo Chiapella, Carlos Santos, Fran Perea y Esther Acebo, comienza con el viaje que hacen los personajes a Brasil para recoger el cuerpo de un amigo, muerto de modo extraño. Una vez allí comienzan sus peripecias. El reparto incluye a Kira Miró, María Botto, Carlos Areces y Jorge Cremades. Ruedan en Gran Canaria, Lisboa, Madrid y Río de Janeiro. Producen Pecado Films, La Claqueta y la portuguesa SPI, con Sony Pictures International Productions. Pablo Chiapella, Jorge Cremades, Esther Acebo y Carlos Santos.

Foto: Sergio Bolaños.

Me enamoré de Bajo terapia en cuanto la vi en el teatro, ha reconocido el productor y director Gerardo Herrero. No le fue fácil, pero no desistió hasta hacerse con los derechos de la comedia de Matías Del Federico, estrenada con éxito en escenarios de Argentina y España, bajo dirección de Daniel Veronese en ambos países. De su montaje español repiten en su reparto coral Fele Martínez y Juan Carlos Vellido; a los que se han unido ahora para su adaptación a la pantalla Malena Alterio, Alexandra Jiménez, Antonio Pagudo y Eva Ugarte. Ellos son los encargados de dar vida a las tres parejas que aceptan someterse a unas peculiares sesiones de tratamiento psicológico. Terapia misteriosa. Las tres parejas tienen conflictos distintos, pero conllevan un común denominador: la difícil misión de atravesar una vida en

Foto: Carmen Planes.

Entre el amor y el juego

RODAJES Las cuatro protagonistas.

Una celebración familiar, el cumpleaños de sus nietos, propiciará en la dramedia Los buenos modales el reencuentro de dos hermanas maduras, interpretadas por Elena Irureta (Patria) y Gloria Muñoz (Yucatán), que llevan 20 años sin dirigirse la palabra por un motivo que se obstinan en mantener en secreto. Sus nietos se han conocido por casualidad. Sus cuidadoras, a quienes dan vida Pepa Aniorte (La familia perfecta) y Carmen Flores (Madres paralelas), son amigas inseparables y vecinas de toda la vida. Estas, al descubrir el conflicto, harán lo posible, con más amor que acierto, por conseguir la deseada reconciliación entre las dos abuelas. Un asunto de mujeres. Esta es una historia que habla de la familia, pero sobre

Foto: Aritz Lekuona.

El secreto de la abuela

todo de las mujeres que se echan la familia a la espalda, cuenta su directora, Marta Díaz de Lope Díaz. Madres e hijas, abuelas y nietas, hermanas y, por supuesto, vecinas. Mujeres que se equivocan, que se pelean, que se aguantan, que explotan y que dicen te quiero llenando un táper. La cineasta, que repite con el trío Muñoz, Aniorte

y Flores, que ya estuvieron presentes en el reparto de su anterior trabajo, Mi querida cofradía, su debut en el largometraje, ha contado para este con la participación de Inma Cuesta. Han rodado en Barcelona, con la producción de Escándalo Films, Atresmedia Cine y ESCAC Studio. Distribuirá el film Warner Bros. Pictures España.

NEWS FESTIVALES 1

1. Denis Ménochet e Isabelle Adjani en ‘Peter von Kant’. 2. Noémie Merlant en ‘Un año, una noche’. 3. Laia Costa, protagonista de ‘Cinco lobitos’. 4. Isabelle Huppert en ‘À propos de Joan’. 4

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El cine se cita de nuevo en Berlín

RÓTERDAM, PUNTO DE ENCUENTRO VIRTUAL Mi vacío y yo, de Adrián Silvestre, en la competencia oficial del certamen; Eles transportan a morte, de Helena Girón y Samuel M. Delgado, en la selección Bright Future; Quién lo impide, de Jonás Trueba, en la sección Harbour, y el cortometraje de animación Azaletik azalera, de Mel Arraz, son los representantes españoles en el 51º Festival Internacional de Róterdam, cita clave del escenario indie europeo. El festival, que arrancó el 26 de enero con el film Please Baby Please, de Amanda Kramer, y se clausura el 6 de febrero, vuelve a celebrarse este año de forma virtual, con proyecciones y una serie de charlas on-line debido a la cuarentena estricta decretada por el Gobierno neerlandés.

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como guiño a la cinta que adapta, será el film inaugural. Isabelle Huppert, que presentará À propos de Joan, drama de Laurent Larivière (I Am Soldier), y recibirá el Oso de Oro de Honor a la trayectoria, y M. Night Shyamalan, presidente del Jurado, son dos de los nombres propios de una edición que, al cierre de este número, todavía no había confirmado las seleccionadas en su Sección Oficial. Presencia española. Por lo que a la participación española concierne, Isaki Lacuesta presentará Un año, una noche, en competición oficial. El film,

Raphaëlle Pérez, Raphi, protagonista y coguionista de ‘Mi vacío y yo’.

basado en la novela Paz, amor y death metal, de Ramón González, superviviente del atentado de la sala Bataclán de París de 2015, está encabezado por Nahuel Pérez Biscayart, Noémie Merlant, Quim Gutiérrez y Alba Guilera. Por su lado, Cinco lobitos, debut en el largo de la realizadora Alauda Ruiz de Azúa con Laia Costa y Susi Sánchez, se verá en la sección Panorama; mientras que Lois Patiño, con El sembrador de estrellas, y Gerard Ortín Castellví, con Agrilogística, competirán en la Sección Oficial de Cortometrajes.

GOTEMBURGO, EL FESTIVAL DE CINE MÁS HIPNÓTICO Más de 200 películas procedentes de más de 80 países distintos. Este es el menú principal del 45º Festival de Cine de Gotemburgo, que arrancará, en modo híbrido, el 28 de enero y se clausurará el 6 de febrero. El italiano Luca Guadagnino, que recibirá el Dragón de Honor, y la actriz sueca Rebecca Ferguson, galardonada con el Dragón Nórdico de Honor, serán los homenajeados de un certamen que, en paralelo a sus secciones a concurso, contará con un hipnotista en las proyecciones de tres de sus films seleccionados: Memoria, de Apichatpong Weerasethakul; Land of Dreams, de Shirin Nashat, y Speak No Evil, de Christian Tafdrup.

Fotos: Carole Bethuel y Manuel Fernández-Valdés.

El 10 de febrero arranca el 72.º Festival de Cine de Berlín, una edición que, como confirmaron sus organizadores, verá reducida su programación tanto en las jornadas de duración del certamen como en el aforo máximo en las salas –con un 50 por ciento de asistencia–, pero seguirá adelante con las proyecciones. Peter von Kant, reformulación del director galo François Ozon de la cinta de Rainer W. Fassbinder Las lágrimas de Petra von Kant (1972) que protagonizan Denis Ménochet, Isabelle Adjani y cuenta con Hanna Schygulla

THE END

ÁGATA LYS Actriz española. 12 noviembre. 68 años. De manera casual se conocía, casi mes y medio después, el fallecimiento de Margarita García San Segundo, triste desaparición en el anonimato de quien fue durante muchos años una estrella jamás anónima. Estrella de aquello que se llamó ‘cine de destape’, pero que en su caso, en el caso de Ágata Lys, fue mucho más allá de títulos como La nueva Marilyn, Sex o no sex, Las alegres vampiras de Vogel, El transexual, Deseo carnal o el sórdido drama en negro de Jacinto Molina El huerto del francés. Actriz excelente, fuera en comedias coyunturales (Onofre, el virgo; Me has

hecho perder el juicio; Los Kalatrava contra el imperio del karate), cine de aventuras (La máscara de cuero, Avisa a Curro Jiménez, El regreso de los mosqueteros…) o suspense (Detrás del silencio, Los fríos senderos del crimen…). También en series televisivas (La saga de los Rius), un mítico y shakespeariano Estudio 1 como fue El mercader de Venecia en el rol de Portia, teatro y ya enseguida en ese cine considerado más ‘serio’: Los santos inocentes, de Mario Camus; Familia, de Fernando León de Aranoa, o Taxi, de Carlos Saura.

JEAN-MARC VALLÉE

JAIME COMAS

Director canadiense. 26 diciembre. 58 años. Fue una de las voces más personales y destacadas (junto a la de su compañero de profesión e íntimo amigo Denis Villeneuve) del nuevo cine canadiense francófono. Tras algunos cortometrajes galardonados en festivales dio el salto al largo en films de encargo de los que pronto renegó (Liste noire, Los locos). Se tomó su tiempo pero con la sentida y muy cercana a su mundo C.R.A.Z.Y. (2005) explotó el gran cineasta que ya no nos abandonaría hasta su temprana e inesperada muerte, fuera en Europa (Café de Flore) o dando el salto a Hollywood con películas como Dallas Buyers Club, Alma salvaje y Demolición, tres films que hicieron muchísimo por sus respectivos protagonistas: Matthew McConaughey, Reese Witherspoon y Jake Gyllenhaal. Lo mismo le sucedió cuando se adaptó al medio televisivo en las series Big Little Lies (solo la primera y mejor temporada) y la desasosegante Heridas abiertas.

Guionista, productor y distribuidor español. 21 diciembre. 85 años. Crítico en FOTOGRAMAS escribió Por un puñado de dólares, Los piratas de Malasia, Nido de espías, El cazador de tiburones… y produjo, entre otras, ¡Dispara!, de Carlos Saura.

BOB SAGET Humorista y actor estadounidense. 9 enero. 65 años. El Danny Tanner de la sitcom Padres forzosos y el narrador de Cómo conocí a vuestra madre no se prodigó demasiado en cine (Medio flipado) aunque dirigió la de culto Trabajo sucio (1998).

MARIANO LAURENTI Director y guionista italiano. 6 enero. 92 años. Decenas de picaronas comedias con Alvaro ‘Jaimito’ Vitali llevan su firma: Jaimito, el conserje; Jaimito y la enfermera arman la guerra en el hospital; Enfermera para todo…

DWAYNE HICKMAN Actor estadounidense. 9 enero. 87 años. Pasó de actor infantil (El muchacho de los cabellos verdes) a juvenil (Cómo rellenar un bikini) y adulto (La ingenua explosiva) sin ningún trauma.

RENATO SCARPA Actor italiano. 30 diciembre. 82 años. Dos personajes icónicos en Amenaza en la sombra y Suspiria destacan en una vasta filmografía: Más allá del bien y del mal, El talento de Mr. Ripley, La habitación del hijo, etc.

Fotos: Getty Images y Archivo Fotogramas.

JOAN COPELAND BETTY WHITE

MARK FOREST

MARILYN BERGMAN

Actriz estadounidense. 31 diciembre. 99 años. Le faltaban poco más de dos semanas para ser centenaria y un poco más legendaria de lo que ya era y seguirá siendo. Actriz básicamente televisiva (en cine fue una senadora en Tempestad sobre Washington, de Otto Preminger), ya había brillado en los años 70 con La chica de la tele cuando su Rose de Las chicas de oro en los 80 la catapultó a una fama internacional.

Actor y culturista estadounidense. 7 enero. 89 años. Lorenzo Luis Degni triunfó en el culturismo antes de hacerlo, entre 1960 y 1965, en Cinecittà en una docena de péplums. Aunque fue extra en Hollywood en Sinuhé, el egipcio, los protagónicos le llegaron en Italia siendo los míticos Maciste y Hércules: El gigante del Valle de los Reyes, El gladiador más fuerte del mundo, Maciste el Invencible o La venganza de Hércules, entre otras.

Letrista y compositora estadounidense. 8 enero. 92 años. Junto a su marido Alan estuvo en las letras de canciones para películas tan populares (y premiadas con el Oscar) como The Way We Were, de Tal como éramos; The Windmills of Your Mind, de El caso de Thomas Crown, o las de Yentl. No fueron las únicas y si no recuerden los temas que sonaban en, por ejemplo, En el calor de la noche, Tootsie, Verano del 42, Con los ojos cerrados…

Actriz estadounidense. 4 enero. 89 años. Hermana de Arthur Miller, trabajó más en teatro que en cine, en films como Ahora me toca a mí, Sin coartada, El pacificador o La diosa.

ALFREDO MEJÍA Actor mexicano. 29 diciembre. 87 años. Fue el protagonista de Los olvidados (L. Buñuel, 1950), inicio de una carrera de solo dos décadas en las que sobresalen ¡Por mis pistolas!, Quinceañera y El boxeador.

FOTOGRAMAS.ES · FE BR ERO 2 022

ESTRENO # COMPETENCIA OFICIAL # ENTREVISTA

Penélope

Cruz

SIN LÍMITES

Los estados de gracia suelen ser provisionales, pero el que ella vive parece no tener fin desde hace mucho tiempo. En un año que ha comenzado ya imparable, vuelve a las pantallas con ‘Competencia Oficial’. Y alrededor de esta sátira sobre gente del cine y de todos los recovecos de su oficio, pedimos a su gran amigo el periodista y crítico Luis Alegre que charle para FOTOGRAMAS con nuestra estrella internacional.

Agentes 355, una de espías dirigida por Simon Kinberg, or su formidable trabajo en Madres paralelas que la reunió con Jessica Chastain, Diane Kruger o Lupita de Pedro Almodóvar, recibió la Copa Volpi del Festival de Venecia y premios tan distinguidos Nyong’o. Luego aguardan su turno L’immensità, del como el de la Asociación de la cineasta italiano Emanuele Crialese, y el thriCrítica de Los Ángeles y el de la Sociedad ller social En los márgenes, la ópera prima Nacional de Críticos de Cine de Estados como director de Juan Diego Botto, impulsada DE QUÉ VA: Unidos a la Mejor Actriz del año. En diciempor ella misma y coprotagonizada por su quePara cumplir con sus bre, el MoMA, el Museo de Arte Moderno rido Luis Tosar. sueños de grandeza, un farmacéutico de Nueva York, le rindió un impactante Y el 25 de febrero llega Competencia (José Luis Gómez) homenaje en su condición de ‘artista de Oficial, de Mariano Cohn y Gastón Duprat, los encarga una película importancia global que ha maravillado al directores argentinos de El ciudadano ilustre. a una endiosada público de cine desde 1992’. En esa gala fui Fue presentada, como Madres paralelas, en directora, Lola Cuevas testigo, durante el discurso de Penélope, de el pasado Festival de Venecia. Durante el cer(Penélope Cruz). la emoción de Rosalía –la otra española que tamen se filtró que el jurado vaciló entre darle Félix Rivero (Antonio se ha metido a medio planeta en el bolsillo– el premio por uno u otro trabajo. Pero lo que Banderas), actor famoso y popular, o del momento en el que Anne Hathaway nadie dudó es que era ella quien lo merecía, e Iván Torres (Oscar le confesaba, aun sin conocerla, que ella por delante de, por ejemplo, Kristen Stewart, Martínez), un purista estaba allí porque te admiro mucho. En ese que optaba por Spencer. Como sucedió con de la interpretación, punto, de frotarse los ojos, se encuentra hoy su Oscar, era la primera vez en la historia que son fichados para esta actriz única. una actriz española lograba la Copa Volpi. este rodaje que se En 2022, si nada se tuerce, estrenará cuaCompetencia Oficial es una sátira muy convertirá en un tro películas. La primera, en enero, ha sido original, llena de gracia y mala uva, de combate de egos. 44

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Foto: Getty Images.

“EL RETO ES DOMAR EL EGO, QUE NO TE DEVORE Y TE PERMITA SACAR LO MEJOR DE TI. SI TE DEJAS LLEVAR POR ÉL DE UN MODO OBSESIVO, ESTÁS PERDIDO”.

ESTRENO # COMPETENCIA OFICIAL # ENTREVISTA

la gente del cine. La historia se centra en “EL NUESTRO ES UN Y era un bonito desafío hacer de una directora las delirantes relaciones entre Lola Cuevas OFICIO QUE TE EMPUJA de cine tan loca y especialita como lo es Lola. ¿Pero a ti cómo te cae Lola Cuevas? (Penélope Cruz), cineasta de culto terribleA SER MÁS SENSIBLE Bastante mal. Si me la encontrara en la vida mente excéntrica, y los protagonistas de su HACIA LOS DEMÁS”. real, saldría corriendo. Pero al personaje le película, Félix Rivero (Antonio Banderas) e Iván Torres (Oscar Martínez), dos actores tan pillé cariño. Me estimulaba que fuera una antagónicos que lo único que comparten es la profesión. mujer tan alejada de mí. Ella tiene talento, pero su ego es La película dispara en todas las direcciones: contra el más grande que su inteligencia. No sabe escuchar ni quienarcisismo, la impostura y lo banal, pero también contra re aprender. Eso le hace estar muy sola. lo pretencioso y la solemnidad. En una escena, Lola sostiene que un artista nunca debería tener hijos. Es muy chocante oírte decir eso a ti, que has hallado De algún modo, Competencia Oficial surgió del impacto en tus hijos la felicidad absoluta. que te provocó El ciudadano ilustre… Claro, por eso, entre otras cosas, no tiene nada que ver Sí, al ver esa película pensé que me gustaría trabaconmigo. Lola Cuevas posee el encanto de las personas jar con sus directores. Provoqué un encuentro con que hablan sin filtro. Le da igual lo que piensen los demás Mariano y Gastón y nuestra relación fluyó de inmediato. de ella, le da igual todo. Pero cree que siempre tiene Barajamos algún otro proyecto, pero al final se impuso razón, no puede contemplar la vida desde la realidad de el de Competencia Oficial. otro, siente que la única realidad que cuenta es la suya. ¿Qué te resultaba tan seductor de la propuesta? No me gustaría nada ponerme en manos de alguien así, Me divertía, y era muy interesante, cómo reflejaba una pero qué bueno poder interpretarlo. parte de nuestro mundo y su trastienda, las tripas de este En ese tono extravagante y burlón, la película ofrece un retraoficio. También me apetecía mucho coincidir con Antonio to implacable y sombrío de tu profesión. Ridiculiza las manías, tics y neurosis de los personajes y subraya el cinismo y la menBanderas y Oscar Martínez, dos grandísimos actores.

Penélope Cruz es la directora de cine Lola Cuevas: aquí imparte a sus actores protagonistas una de las muchas lecciones de ego.

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humana. Un poco de autoestima es necesario para salir tira que presiden sus relaciones. ¿Hasta qué punto responde a lo que tú has vivido en tu carrera? adelante y, por descontado, para desarrollar un oficio Claro que he conocido a personas y observado actitudes, tan expuesto a la mirada de los demás como el nuestro. y no solo en este oficio, que me recuerdan a lo que enseña El reto es domar el ego, que no te devore y te permita la película. Pero, en general, eso no es así. El día a día es sacar lo mejor de ti. Si te dejas llevar por él de un modo algo más normal y el trato entre la gente suele ser fácil y obsesivo, estás perdido. El paso del tiempo sirve para agradable. El humor surge, precisamente, de la exageracolocar el ego en un lugar mucho más sano. También ción de ciertos comportamientos que, en la realidad, aunla maternidad ayuda en este sentido. que existen y resultan muy llamativos, son bastante anorHay en la película una apuesta por una especie de normalidad, males. Pero esa es la esencia del género de la comedia. por despojar al cine, y al arte en general, de la tontería de unos Competencia Oficial tampoco se corta un pelo en y de la petulancia y las ínfulas de otros. También mostrar las trampas que tiende la vanidad, el có“SOMOS ESTUDIANTES insinúa lo saludable que es no tomarse demasiamo la egolatría desbocada extrae lo más miserado en serio, no darse excesiva importancia. DEL MISTERIO DE ble y rastrero del ser humano… Eso es clave. Con los años uno aprende a LA NATURALEZA Sí, sobre todo mi personaje y el de Antonio reírse de sí mismo, a que te afecte menos HUMANA, Y ESO ES UN tienen el ego disparadísimo. Y el de Oscar lo positivo o lo negativo que se diga de ti, POZO SIN FONDO”. también, aunque lo haya disfrazado de otra a observar las cosas con mayor distancia. cosa. Pero el ego forma parte de la condición Cuando tu profesión es tan pública, te

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ESTRENO # COMPETENCIA OFICIAL # ENTREVISTA

sometes a un entrenamiento constante en este sentido. El aprender a relativizar lo veo como un regalo, para mi trabajo y mi vida. ¿Qué te sigue encandilando de la interpretación? Me gusta sentirme como una eterna estudiante. Esa sensación no varía con el paso de los años. Somos estudiantes del misterio de la naturaleza humana y eso es un pozo sin fondo. Me gusta tener la ocasión de enfrentarme en cada proyecto a una nueva aventura. Esa mezcla de incertidumbre y miedo, miedo del bueno, es muy excitante y hace que me mantenga muy despierta. Siempre comienzas de cero, nunca llegas a tener el control de la situación, jamás lo sabes todo.Y, por supuesto, me encanta que ser actriz me lleve a sumergirme en todo tipo de 48

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cabezas y personalidades y que eso me haga más empática. Es una profesión que te empuja a ser más sensible hacia los demás. ¿Es muy complicado encontrar en tu mundo amistades auténticas? ¿De qué manera la rivalidad profesional, a veces feroz, es capaz de contaminar las relaciones personales? La rivalidad existe, para qué negarlo. Pero suele ser una rivalidad noble, que resulta incluso muy aleccionadora y puede llegar a establecer un montón de afinidades personales. He encontrado grandes amistades y algunas las conservo desde que empecé. Son gente que se ha quedado en mi vida para siempre. Una de esas personas es Juan Diego Botto, que te ha dirigido en En los márgenes, una película que nació de ti.

Fotos: Manolo Pavón. y Samantha Lopez.

“EN MI PROFESIÓN LA RIVALIDAD EXISTE, PARA QUÉ NEGARLO. PERO SUELE SER UNA RIVALIDAD NOBLE, QUE RESULTA INCLUSO MUY ALECCIONADORA Y PUEDE LLEGAR A ESTABLECER UN MONTÓN DE AFINIDADES PERSONALES”.

Junto a sus ‘víctimas’ Antonio Banderas y Oscar Martínez.

de vida, estuviera sufriendo tanto. Nunca se sabe lo que pasa de verdad dentro de la cabeza de un ser humano. La traté poco, pero era muy cariñosa conmigo. A Verónica la querían todos. Y era una actriz maravillosa. Este febrero se anuncian las nominaciones a los Oscar. Hay un runrún de que podrías volver a estar ahí por Madres paralelas, después de un Oscar y otras dos nominaciones… Prefiero que ese tipo de alegrías me pillen por sorpresa, nunca esperarlas. Si lo vives así, es mucho mayor la felicidad y no hay lugar para la decepción si no pasa, porque no lo esperabas. Lo que sí siento es un profundo agradecimiento hacia Pedro Almodóvar, por Con Irene Escolar, en un confiar tanto en mí y poner en mis manos personajes momento del film. tan increíbles y complejos. Comenzaste tu carrera a los 17 años. El milagro es que, desde entonces, no has hecho más que superar retos e ir mucho más Juan y yo nos conocemos desde los 13 años. Coincidimos en la escuela de teatro de su madre, Cristina Rota. allá de lo que alguna vez te atreviste a soñar. No sé si has repaLo he visto hacer cosas muy impresionantes, como rado en algo: en 2022 se cumplen 30 años del estreno de dos actor y escritor. Un día le propuse escribir un guion para películas Jamón, jamón, de Bigas Luna, y Belle Époque, interpretar los dos. Lo hizo, me encantó, le de Fernando Trueba. convencí para que lo dirigiera y levantamos Madre mía. Eso me confunde mucho. “LA MUERTE DE la producción con Morena Films. Es una VERÓNICA FORQUÉ ME Me parece algo de anteayer y, a la vez, muy película preciosa. ROMPIÓ EL CORAZÓN. lejano. Es muy curiosa la sensación del paso El 13 de diciembre nos dejó una de tus compañedel tiempo. Pero qué suerte haber llegado NUNCA SE SABE LO ras españolas más ilustres, Verónica Forqué. QUE PASA DE VERDAD hasta aquí. u ¿Qué impresión te produjo la noticia? DENTRO DE LA CABEZA ESTRENO: 25 FEBRERO Me rompió el corazón. Da mucha pena que DE UN SER HUMANO”. alguien con tanta luz y que transmitía algo Competencia Oficial (España, 2021, 114 min.). tan bonito, tan lleno de dulzura, de alegría, COMEDIA DRAMÁTICA.

FOTOGRAMAS.ES · FE BR ERO 2 022

ESTRENO # BELFAST # ENTREVISTA

Kenneth

Branagh VOLVER A SER UN NIÑO

DE QUÉ VA: Belfast, verano de 1969. A través de la mirada del pequeño Buddy (Jude Hill), asistimos a la lucha de sus padres (Jamie Dornan y Caitriona Balfe), familia y vecinos para sobrevivir en una ciudad que comienza a sufrir las consecuencias de la violencia y las tensiones políticas.

Foto: lorem ipsum.

El cineasta regresa, en ‘Belfast’, a su ciudad natal para filmar una historia intimista en blanco y negro inspirada en sus recuerdos de una época marcada por el terrorismo del IRA. Su película más personal coincide en la cartelera con ‘Muerte en el Nilo’, en la que vuelve a dirigirse a sí mismo como Hércules Poirot. Por Ana Santos.

ucha gente se ha sorprendido de que yo sea un norirlandés de Belfast. Supongo que creían que había nacido en Oxford rodeado de obras de Shakespeare, dice con ironía, e impecable acento inglés, el cineasta Kenneth Branagh (1960) nada más comenzar la entrevista vía Zoom con FOTOGRAMAS. El descubrimiento de sus orígenes viene de la mano de su nueva película como guionista y director, Belfast, en la que narra, de forma semiautobiográfica, cómo vivió de niño los conflictos

que sacudieron la ciudad en el verano de 1969 (conocidos como The Troubles) y llevaron a su familia a tomar la decisión de emigrar a Reading (Inglaterra) para escapar de la violencia. Salir de Belfast cuando tenía nueve años es, sin duda, mi experiencia más traumática. De la noche a la mañana todo cambió y la vida nunca volvió a ser la misma para mí. Algo que también han sufrido infinidad de personas, de manera muy profunda y con consecuencias que todavía perduran. Disfrutábamos en la calle de

Kenneth Branagh, en las calles de ‘Belfast’, en las que rodó, en el verano de 2020, su particular ‘Roma’: un viaje cinematográfico a sus recuerdos de infancia.

ESTRENO # BELFAST # ENTREVISTA

una gran comunidad formada por familiares, amigos y vecinos y nos sacaron de allí para criarnos en un ambiente sin hostilidades pero desconocido. El comienzo del encierro por la covid-19 me hizo mirar hacia dentro y se desbloquearon muchas cosas…, cuenta.

UN VIAJE CATÁRTICO… Tal vez esto explique que Branagh esperara a cumplir los 60 y rodar 17 títulos para hacer su film más personal. Aunque ni siquiera empezó a escribir Belfast como un proyecto profesional sino como una necesidad vital. Solo quería contar la historia, no creía que fuera necesario convertirla en una película. Las primeras que la leyeron fueron mis dos hermanas, supongo que inconscientemente necesitaba su aprobación, se emocionaron mucho y me animaron a seguir adelante, explica. Pero también alude a otras razones de 1 peso para embarcarse en un proyecto que parece llamado a convertirse en uno de los grandes animadores de esta temporada de premios… con los hija de dublinesa y actriz fetiche de Branagh, que “SALIR DE BELFAST Oscar como meta final. Cuando te aproximas a CUANDO TENÍA NUEVE da vida a la abuela del protagonista, Buddy, interpretado por Jude Hill, un niño sin experiencia cierta edad valoras especialmente el tiempo que AÑOS ES SIN DUDA te queda por delante, quizá es mucho, pero no lo actoral que salió de un casting multitudinario. MI EXPERIENCIA MÁS sabes, y sientes cierta presión. Por eso estoy tan Reunimos a unos 300 chicos y fuimos reducienTRAUMÁTICA. DE LA do el grupo hasta llegar a seis. Pasaron por infiagradecido de haber podido rodar esta película. NOCHE A LA MAÑANA nidad de pruebas y él se tomaba muy en serio Y otro de los principales motivos para hacerla TODO CAMBIÓ Y LA en este momento de mi carrera es porque he su trabajo, pero también era muy alegre y le VIDA NUNCA VOLVIÓ A encantaba jugar al fútbol y bailar. Mejoraba día sido plenamente consciente de que en mi familia SER LA MISMA”. nunca hemos hablado de esa parte de nuestra a día y le gustaba improvisar, explica. Ciarán historia. Los irlandenses somos demasiados Hinds (El topo, Silencio) pone rostro a su abuelo, indulgentes con nuestro sufrimiento. Pensamos y Caitriona Balfe (Claire en la serie Outlander) y que todo el mundo tiene problemas y que hay que superarlos, Jamie Dornan –que se aleja así de la saga Cincuenta sombras y nosotros lo conseguimos, pero quería regresar al pasado, de Grey– interpretan a sus padres. Pocas personas son tan entender el enorme sacrificio que hicieron mis padres y agraguapas y sofisticadas como ellos, pero todo lo que sucede en decérselo. Y estrechar la mano de esa versión de mí mismo esta película es a través de los ojos de un niño y así es como yo veía a mis padres, cuenta el cineasta. con nueve años que no estaba preparado para algo así.

… Y CON ACENTO IRLANDÉS

HUMOR Y AMOR

El reparto, como no podía ser de otra manera, es 100 por cien irlandés. A excepción de Judi Dench (York, 1934), aunque

De hecho, Belfast, a pesar de transitar en torno al terrorismo del IRA, es una película luminosa, a ratos romántica, que

MUCHO MÁS QUE SHAKESPEARE El nombre de Kenneth Branagh va íntimamente ligado al del escritor inglés. Pero a lo largo de sus tres décadas de carrera también se ha puesto detrás de la cámara en proyectos muy heterogéneos.

‘MORIR TODAVÍA’ (1991) Un thriller en el que volvió a formar pareja con su entonces esposa, Emma Thompson, y le abrió las puertas de la ficción internacional.

‘LOS AMIGOS DE PETER’ (1992) La confirmación de su aura de joven prodigio fue con esta película coral bendecida por la crítica y el público.

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‘LA HUELLA’ (2007) Remake del clásico de Mankiewicz (1972) que enfrenta a otros dos intérpretes británicos con pedigrí: Michael Caine y Jude Law.

‘THOR’ (2011) ¿Branagh inaugurando la saga del guerrero de Marvel? Después sorprendió con Cenicienta (2015) y ambas fueron un taquillazo global.

‘MUERTE EN EL NILO’ (2022) Tras Asesinato en el Orient Express (2017), vuelve a ponerse el bigote de Hércules Poirot en esta adaptación de Agatha Christie.

no renuncia al humor. Es una cualidad muy irlandesa aprovechar cualquier excusa para organizar una comida o un baile que permita divertirse y escapar de la oscuridad. El humor es un gran mecanismo de autodefensa, afirma. Tampoco se trata de un film político que ahonda en un enfrentamiento que se inició hace un siglo y todavía tiene numerosas heridas abiertas. En cada película o cada libro que aborda este tema existe la presión de tener que explicar su complejidad, pero yo solo soy un cineasta que trata de reflejar cómo la gente común lidia con una situación extraordinaria que ni siquiera acaba de comprender, razona Branagh. También quería expresar mi amor por una cultura y su gente, aunque creo que el tribalismo, un elemento polarizador que está presente en muchos lugares del mundo, no ayuda y fue una de las cosas que hizo que mi familia y muchas otras decidieran irse. Por supuesto que puede haber legítimas, históricas y profundas razones para explicar este conflicto tan antiguo, pero sigue siendo urgente y necesario resolverlo.

2 1. Retrato de familia: Will (Lewis McAskie), Mamá (Caitriona Balfe), la abuela (Judi Dench), Papá (Jamie Dornan) y Buddy (Jude Hill). 2. Dornan y Balfe, química irlandesa en la pantalla… y la pista. 3. Hill y Dornan, hijo y padre en la ficción. 4. Ciarán Hinds, también nacido en Belfast, es el abuelo. En la imagen con Dench y Hill.

HA NACIDO UNA ESTRELLA Para Branagh, esta revisión de su infancia con banda sonora de temas clásicos y una nueva grabación de un tema de Van Morrison –Su música te transporta a las calles de la ciudad y a la melancolía que desprenden, apunta Branagh sobre el llamado León de Belfast– exigía rodar en blanco y negro. Con el director de fotografía, Haris Zambarloukos, buscábamos un blanco y negro aterciopelado y glamuroso y nos inspiramos en las imágenes de Cartier-Bresson, que retrata de forma poética a la gente común. Además, también influye que en Belfast llueve mucho, es una ciudad muy gris, afirma. Una estética que solo se rompe y se inunda de vibrantes colores con las películas que la familia ve en el cine. Es que Belfast también es mi historia de amor con el cine. Recuerdo Chitty Chitty Bang Bang (Ken Hughes, 1968) como algo mágico y me fascinaban los westerns de John Ford. Luego, cuando nos trasladamos a Inglaterra y solo quería desaparecer porque me sentía solo y me señalaban por mi acento, las clases de interpretación del colegio se convirtieron en mi tabla de salvación. Descubrir que podía transformarme en otras personas fue impactante. Era mi refugio, pero también algo divertido, excitante…, relata. Aunque fue con 15 años, al ver a Derek Jacobi en el papel de Hamlet, cuando decidió que quería ser actor. A los 18

ingresó en la Real Academia de Arte Dramático de Londres y, poco después, sus interpretaciones sobre los escenarios con la Royal Shakespeare Company y con la suya propia, Renaissance, le granjearon el calificativo de El nuevo Oliver. Pero fue su debut a los 28 años detrás de la cámara adaptando Enrique V (1989), junto a la que luego sería su mujer, Emma Thompson, con la que consiguió dos nominaciones a los Oscar (Mejor Director y Actor Protagonista) y que su nombre empezara a sonar en Hollywood. Desde entonces, y durante 30 años, ha tenido una prolífica y ecléctica carrera como director e intérprete no exenta de altibajos. Tras dirigir varias películas que no funcionaron surgió la oportunidad de Thor, para la que tuve que hacer una audición, algo que me pareció bastante estimulante, y pensé, ¿por qué no?, recuerda. Todos nos estrellamos contra algo: la muerte, una ruptura sentimental, un mal momento profesional… Entonces piensas, todavía estoy aquí. Y este mes por partida doble, porque también lo veremos interpretar por segunda vez al detective Hércules Poirot –y dirigirse a sí mismo– tras Asesinato en el Orient Express (2017), en Muerte en el Nilo, ambas basadas en novelas de Agatha Christie. u ESTRENO: 28 ENERO

Belfast (Reino Unido, 2021, 98 min.). DRAMA.

FOTOGRAMAS.ES · FEBRERO 2 02 2

DE QUÉ VA: Nathan Morgan descubre que es Nathan Drake y que un pasado aventurero va a llevarlo a un presente más aventurero todavía con la ciudad de El Dorado y un tipo llamado Sully de por medio.

ESTRENO # UNCHARTED # REPORTAJE

“ME SIENTO MUY PRÓXIMO AL NATHAN DRAKE DE UNCHARTED. NO LANZA TELAS DE ARAÑA Y SU VESTUARIO SE LIMITA A UNA CAMISETA Y UNOS TEJANOS, PERO PODRÍA SER PETER PARKER”.

hicieron caso, fueron tan amables de no darme una patada en el trasero y aprovecharon la reunión para hablarme de Nathan Drake y Uncharted, de un guion que rondaba por el estudio desde hacía años. Y, bueno, aquí estoy.

DESVENTURAS DE UNA AVENTURA

UN JOVEN INTRÉPIDO

Uncharted supone una zambullida llena de ritmo y de localizaciones exóticas en los orígenes de Nathan Drake (en realidad Nathan Morgan hasta que se revela su conexión con Francis Drake) con guiños a ulteriores aventuras que hicieron furor en la PlayStation 3 y versiones posteriores, sobre todo a la cuarta entrega, de 2016, El desenlace del ladrón. La idea del origen y primeras experiencias de un héroe por todos conocido nos daba juego para explorar la química entre un Nathan adolescente, con su energía, sus errores y su chispa, y la del que será su compañero de exploraciones y búsquedas, Victor Sullivan, alguien ya adulto, comenta Ruben Fleischer. Tom Holland añade un referente más CONEXIÓN MEDITERRÁNEA basado en el protagonismo de esta El equipo de rodaje de Uncharted montó pareja: No dejan de ser como Tintín y su circo aventurero en tierras catalanas en el capitán Haddock, y de hecho Victor días de confinamiento del pasado 2020, pone el toque cascarrabias y está en concretamente a finales de octubre, aunque no tanto para que la prensa se hiciera eco escena para reñir a Nate. del paso de actores y técnicos por la ciudad de Barcelona (los barrios de Sant Pere, ESCUDERO INDÓMITO Santa Caterina y la Ribera, el interior de la Ese Victor Sullivan, Sully para los amiHolland, con El Rubius, que Basílica de Santa María del Mar) reconvertida tiene cameo en el film, en el gos aunque aquí no comienzan como en exótica localización tropical, y por la rodaje en Barcelona. tal, del que hablan Fleischer y Holland gerundense Lloret de Mar. está interpretado por Mark Wahlberg

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Fotos: Clay Enos y cortesía de Sony Pictures.

El sí de Tom Holland, uno de los valores seguros de Sony (más ahora tras el taquillazo mundial de Spider-Man: No Way Home), ponía el cierre a un proyecto, el de convertir las trepidantes, exóticas y divertidas aventuras videojugables en película de imagen real, que llevaba muchos años dando vueltas por el estudio y cambiando de responsables (David O. Russell fue el director más cerca de llevar a la gran pantalla el juego), de actores principales y de enfoque. Ruben Fleischer no estuvo en ese grupo de posibles directores, pero sí en el de una nueva peripecia de Lara Croft, y como en el caso de Holland, de un ‘no’ pasó a escuchar un ‘sí’ en otro personaje estrella de los videojuegos, también entregado a la búsqueda de tesoros. No hay mal que por bien no venga, echa mano del refranero (en inglés es muy parecido) Fleischer, porque Uncharted potencia mucho el humor y ese es un territorio en el cual me siento cómodo. El guion final es como una de las aventuras cómicas de Bob Hope y Bing Crosby de los años 40, los seriales de aventuras de Jungle Jim y el espíritu de los primeros Indiana Jones.

4 1. Nate (Holland) con su colega aventurera Chloe Frazer (Sophia Ali). 2. En un descanso del rodaje, Holland y Nolan North, la voz original de Drake en los videojuegos, comparten confidencias. 3. Sully (Wahlberg), Nate (Holland) y los peligros de la arqueología. 4. Antonio Banderas se suma a la aventura para encarnar a un misterioso coleccionista de tesoros. ¿El enemigo al que batir?

que sabe manejarse bien en proyectos así, y encima Sony confía en él. Tom es un chaval estupendo y con un carisma brutal… Me pareció una buena manera de que volviéramos a ponernos todos en Hollywood a trabajar como antes. Sí, no como antes porque la COVID nos ha obligado a tomar todas las medidas de seguridad posibles, pero el poder salir de Estados Unidos y rodar en Alemania, en España… fue como sentir que la normalidad podía ser una realidad.

RODAR, ESA ODISEA Mark Wahlberg tiene razón porque Uncharted hizo frente a toda una pandemia para poder filmar sus escenas más espectaculares (en una trama donde la búsqueda de la mítica ciuquien no por casualidad justo dobla en edad a su compañero dad de El Dorado acaso sería el gran tesoro que conseguir) en en Uncharted: Sí, soy un cincuentón, reconoce Wahlberg, escenarios catalanes o en los solicitados estudios Babelsberg quien iba a ser Nathan Drake (y Robert De Niro, Sully) en el de Berlín. Aun así, nuestro Antonio Banderas, que en el film citado Uncharted dirigido por David O. Russell y que parepodría interpretar a uno de los más emblemáticos villanos de cía haberse olvidado de este proyecto mientras llevaba una la franquicia videojugable y que pasó de este rodaje al de la temporada, justo la del azote de la pandemia, tomándose con quinta entrega de Indiana Jones (la aventura es lo suyo), tuvo calma su carrera como actor: Es extraño que si caes de un que pasar un periodo de cuarentena al contagiarse de COVID proyecto regreses a él cuando han cambiado los responsaque coincidió con su cumpleaños y que afortunadamente no bles, pero sucedió. Al ser una precuela ya no tenía sentido fue nada grave. Pese a todas estas circunstancias, la película encarnar a Nate, pero sí a Sully. Además, era una historia completó su rodaje sin mayores complicaciones. Un film muy entretenida, muy bien escrita. Ruben es un director que suma a sus alicientes aquí comentados la presencia en el reparto de Sophia Ali (la doctora Dahlia Qadri de la televisiva Anatomía de Grey) como Chloe Frazer, Tati EL ADN DE NATHAN DRAKE Gabrielle (también conocida por su Según Amy Hennig, creadora (no gráfica) del Nate Drake, aparición en otra serie de televisión, personaje, Nate Drake tiene la presencia en versión en este caso la fantástica Los 100) del Harrison Ford de los Indiana Jones, la videojuego. como Braddock y el surcoreano y simpatía y la sabiduría para colocar un chiste justo en el momento de tensión habitual en la obra de Park Chanadecuado como el Bruce Willis de Jungla de wook (Oldboy) Chung-hoon Chung Cristal; con el encanto y la chispa romántica en la fotografía. u en la mirada de un Cary Grant; la energía de ESTRENO: 11 FEBRERO héroes del pulp literario como Doc Savage, y con el punto granuja del Michael Douglas de Tras el corazón verde. Uncharted (EE. UU., 2022, 115 min.). 3

AVENTURAS.

FOTOGRAMAS.ES · FEB RERO 2 022

ESTRENO # LOS OJOS DE TAMMY FAYE # ENTREVISTA

JESSICA CHASTAIN

LA MUJER TRAS LA MÁSCARA Por Mariona Borrull (Festival de San Sebastián).

n cines junto a Penélope Cruz en el thriller Agentes 355 y junto a Oscar Isaac en la nueva versión del clásico drama televisivo de Ingmar Bergman Secretos de un matrimonio, Jessica Chastain (Sacramento, California, 1977) atendió a FOTOGRAMAS para hablarnos de su nuevo rol, el de la predicadora televisiva Tammy Faye, con el que da otra vuelta de tuerca a una carrera heterogénea en la que sigue sin escatimar riesgos. Comenzó a trabajar en este proyecto hace siete años. ¿Cómo fue cambiando su visión de Tammy Faye? De joven la consideraba entre payasa y parodia de sí misma. Era una persona ridícula, o al menos eso me habían enseñado desde los medios. Luego, al ver el documental que Fenton Bailey y Randy Barbato le dedicaron (The Eyes of Tammy Faye, narrado por RuPaul Charles), descubrí que detrás de todo eso había en realidad una persona amable y compasiva. Empecé a conocerla, a quererla, pero, estudiándola para la película, seguía buscando pruebas de falsedad y de inconsistencia en su personaje. Al no encontrar nada, comprendí que, con Tammy, lo que ves es lo que hay. Ha sido increíble poder retratar eso. Y tras la película, ¿ha variado de opinión sobre algún otro personaje público? Britney Spears, está claro. No ha sido la única. Hace poco vi un documental sobre las Spice Girls, que reflejaba cuánto se criticó que Posh estuviera demasiado flaca, que Baby y Ginger empezaran a engordar, y cómo al intentar arreglarlo tuvieron serios problemas de salud, porque nunca era suficiente. Los hombres no han tenido que enfrentarse a este tipo de presiones. Sin embargo, estas mujeres parecen objetivos fáciles porque visten diferente, llevan mucho maquillaje, o incluso porque se comportan de forma ‘rara’. Algún día aprenderemos que las personas no son solo su aspecto.

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¿Cree que podríamos descubrir que alguien como Donald Trump también fue un incomprendido? No, en absoluto. Los medios marginaron a Tammy Faye por su aspecto, no por sus acciones. Hicieron lo mismo con Hillary Clinton durante la campaña electoral. Pero Donald Trump ha hecho cosas realmente espantosas. Si el mundo lo sobrevive, quedará en la historia como la personificación de la cara más oscura del ser humano. Se le considerará un tirano y uno de los peores. Cambiando de tema. Últimamente crecen los biopics. ¿Qué cree que aportan? Proporcionan el elemento sorpresa alrededor de unos personajes que crees conocer, sobre todo si son figuras mediáticas. Adoro las historias basadas en hechos reales, ya sean películas, reportajes o pódcast… Cuando ves algo que sabes que es verdad, todo resulta más importante, o más vívido. Son una fuente de aprendizaje. En la película se multiplica el uso de una palabra que acaba viciándose: ‘amor’. ¿Cuál sería a su juicio una expresión de la que se haya abusado para mal? Creo que la cultura de la cancelación. Está en boca de mucha gente, a menudo solo para beneficio de su propia versión de los hechos. Cada vez que alguien habla sobre la cancelación, una frase me viene a la cabeza: Cuando estás acostumbrado al privilegio, la igualdad se vive como opresión. La mayoría de la gente que se esconde tras esta etiqueta debería tener este dicho muy presente. Tuvo problemas con el maquillaje para caracterizarse de Tammy. ¿Por qué no usó efectos digitales? El CGI me pone nerviosa. Siento que a las actuaciones con rostros modificados digitalmente les falta alma. Cuando veo una interpretación y no me conmueve, aunque no sepa por qué, es que suele haber CGI involucrado. Entiendo su función en grandes películas de superhéroes, pero nunca lo usaría para una historia emocional. u

‘LOS OJOS DE TAMMY FAYE’ La historia de los medios americanos se escribe de nuevo por mano de Michael Showalter (La gran enfermedad del amor) y Jessica Chastain, también productora. Hoy se acercan al extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye, de pestañas tremendas y sonrisa siempre a punto. En los años 70 y 80, Tammy Faye y su marido, Jim Bakker (un pletórico Andrew Garfield), levantaron de la nada la mayor red de cadenas religiosas del mundo, gracias a sus mensajes de amor y prosperidad. Pero no pasó mucho tiempo antes de que las irregularidades financieras, las rivalidades y los escándalos derrocaran su imperio.

ESTRENO: 4 FEBRERO

The Eyes of Tammy Faye (EE. UU., 2021, 126 min.). DRAMA.

Andrew Garfield y Jessica Chastain, matrimonio de telepredicadores.

Foto: Charlie Gray.

En ‘Los ojos de Tammy Faye’, la intérprete pone las armas del biopic al servicio de una televangelista desacreditada por su aspecto excéntrico. Concha de Plata a Mejor Actriz, ha sido dos veces nominada al Oscar: ¿volverá a serlo?

“ESTAS MUJERES PARECEN OBJETIVOS FÁCILES PORQUE VISTEN DIFERENTE, LLEVAN MUCHO MAQUILLAJE O INCLUSO PORQUE SE COMPORTAN DE FORMA ‘RARA’. LOS HOMBRES NO SE HAN ENFRENTADO A ESTE TIPO DE PRESIONES”.

ESTRENO # CYRANO # ENTREVISTA

PETER DINKLAGE

EL PEQUEÑO GRAN SEDUCTOR El inolvidable Tyrion Lannister es el protagonista absoluto de ‘Cyrano’, la película dirigida por el británico Joe Wright que reinventa, en forma de musical, la figura del poeta enamorado. El actor nos cuenta cómo se enfrentó al reto de cantar en una historia que le parece más actual que nunca. Por A. S.

ADIÓS A LA NARIZ

Cyrano comenzó a fraguarse en 2017 cuando a Schmidt le encargaron convertir la obra de Rostand en un musical modesto, alejado de los excesos de Broadway. Entonces, a pesar de haber trabajado juntos en varias ocasiones –Erica me inspira constantemente, dice el actor–, ni ella pensó en Peter para dar vida al protagonista ni a él le atraía la idea. Hasta que entró en escena la banda indie The National con el cometido de componer la banda sonora: los hermanos Aaron y Bryce Dessner abordaron la partitura mientras que el líder, Matt Berninger, y su mujer, Carin Besser, escribían las letras. Es uno de mis grupos favoritos, así que iba a escuchar a Bryce ensayar. Hasta que un día pensé, ¿por qué no leo el guion?, cuenta Dinklage. Pero, sobre todo, lo que animó al actor a ponerse en la piel BRILLANTES E INMORTALES de Cyrano fue la decisión de Schmidt de eliminar la inmenTyrion y Cyrano, aparentemente en las antípodas, pero unidos sa nariz que acompleja al personaje. ¡Fue una idea genial! por tener una labia capaz de cambiar las cosas. Ambos son El concepto original es maravilloso, pero para mí fue muy tremendamente inteligentes, de los que se hace el silencio en inspirador porque puedo implicarme personalmente; no cuanto entran en una habitación. La diferencia es que Tyrion tengo la nariz grande, pero mido 1,35, he vivido siempre es más honesto con sus sentimientos, a veces demasiado y le con eso y me ha hecho ser la persona que soy, admite. crea problemas, y Cyrano se esconde detrás de otra persona. Normalmente siempre interpretaba a Cyrano un actor Yo tengo cosas de los dos y ellos de mí, reconoce. Una afirmaguapo que llevaba una nariz falsa y todo el mundo sabía ción que podría explicar la fama de encantador que, al terminar el rodaje, se quitaba la próde serpientes de Dinklage. Durante una cena tesis y se iba a su casa. Creo que esta versión DE QUÉ VA: miré a mi alrededor y vi que todas las mujehabla de manera más universal porque no Cyrano (Peter res, incluida la mía, estaban hechizadas por solo se refiere a alguien de mi tamaño o con Dinklage), gran poeta sus palabras, contaba en una entrevista David capacidades diferentes sino a todos, porque y espadachín, no Benioff, cocreador de Juego de Tronos. Ellas se ¿quién no se ha sentido inseguro en algún se atreve a declarar suelen sentir atraídas por hombres que tienen aspecto de su vida? sus sentimientos confianza en sí mismos y sentido del humor. a Roxanne (Haley Bennett). Cuando esta La verdad es que eso me ha dado mis opor‘CATFISHING’ le confiesa que ama tunidades, afirma el actor. Aunque también Con Cyrano, Dinklage sigue siendo fiel a dos a Christian (Kelvin reconoce que no siempre fue así. Yo era uno de máximas: no aceptar proyectos que se queden en Harrison Jr.), apuesto esos niños que se sentían raros e indignos de la parte más superficial de su aspecto –Siempre pero sin el don de la amor, así que siempre conecté con esta historia. digo que no a los personajes que se centran en palabra, Cyrano se Además, de joven fantaseaba con ser poeta y mi estatura y no aportan algo más profundo presta a ser su voz todavía lo hago de vez en cuando, añade. porque eso no es todo lo que yo soy, apunta– para conquistarla. 60

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Fotos: Peter Mountain.

in duda, me quedo con Tyrion Lannister. Han sido 10 años de mi vida interpretándolo en Juego de Tronos y es el papel que más me ha impactado personal y profesionalmente, afirma Peter Dinklage (Morristown, Nueva Jersey, 1969) cuando se le pregunta por el personaje favorito de su carrera. Pero es probable que, en unos meses, dude algo más a la hora de dar su respuesta. Y la culpa habrá que echársela a Cyrano de Bergerac, el célebre espadachín enamorado creado en 1897 por el dramaturgo francés Edmond Rostand que Dinklage interpreta en Cyrano, la versión musical de la guionista Erica Schmidt (su mujer desde 2005) y el director inglés Joe Wright, responsable, entre otras, de cintas como El instante más oscuro (2017) o Anna Karenina (2012).

“COMO ACTOR SIEMPRE QUIERO HACER COSAS QUE ME ASUSTEN, Y CANTAR ERA UNA DE ELLAS”

‘CYRANO’

Peter Dinklage da vida a un Cyrano sin la característica nariz. Todos aman a Roxanne (Haley Bennett).

Christian (Kelvin Harrison Jr.) es el tercero del triángulo amoroso.

y sumergirse en historias que le hagan ponerse a prueba. Como actor siempre quiero hacer cosas que me asusten y cantar era una de ellas. No había cantado desde que era niño y, obviamente, no es mi fuerte, pero me he sentido arropado por unas canciones de amor maravillosas y lo he hecho desde el corazón, explica. Pero ¿por qué volver a filmar una historia que le dio el Oscar a José Ferrer en 1950 y convirtió a Gérard Depardieu en una estrella internacional en 1990? Es increíble que algo escrito hace 125 años sea tan relevante ahora. Cyrano es el catfishing que impera en las redes sociales, esconderse detrás de otro para parecer lo que no se es. Y ese no es el camino, porque el amor es honestidad y si alguien

Siempre me gustó la obra de Edmond Rostand y recuerdo el impacto que me produjo de adolescente la película de Jean-Paul Rappeneau con Gérard Depardieu (1990). Por eso, cuando vi la conmovedora interpretación de Peter Dinklage y Haley Bennett (su pareja) en la versión musical que había montado Erica Schmidt en un pequeño teatro de Connecticut, me pareció una experiencia más accesible y emocional que la original gracias a las canciones que reemplazan a los largos monólogos, y pensé que podía llevarse al cine, cuenta el cineasta británico Joe Wright, aclamado por films como Orgullo y prejuicio (2005) y Expiación, más allá de la pasión (2007), que ha visto cumplido su sueño de filmar un musical.

te quiere de verdad te aceptará como eres, pero vivimos obsesionados con mostrar nuestra mejor versión y eso nos hace muy vulnerables. A mí todo esto ya me ha pillado muy mayor…, sonríe. También cree que el film esconde una advertencia para no subestimar el poder de las palabras. Tienen un poder extraordinario y, actualmente, las maltratamos. Creo que deberíamos ser más cuidadosos con ellas, sobre todo en el panorama político, porque influyen, para bien o para mal, en el comportamiento de la gente, afirma. u ESTRENO: 4 FEBRERO

Cyrano (Reino Unido, EE. UU., Canadá, 2021, 124 min.). MUSICAL.

FOTOGRAMAS.ES · FEBR ERO 2 02 2

ESTRENO # MOONFALL # ENTREVISTA

LUNAS DE HIEL Se llama a sí mismo ‘el último mohicano’ de la ciencia ficción. Quizás no el último, pero sí el único. Hablamos de (y con) Roland Emmerich, el realizador alemán que más dinero le ha dado a Hollywood destruyendo el mundo una y otra vez, un género al que regresa con su último trabajo, ‘Moonfall’. Por María Bernal (Los Ángeles).

l director Roland Emmerich (Stuttgart, Alemania, 1955) no es un conspiranoico aunque su filmografía se empeñe en decir lo contrario. ¿El misterio de las pirámides? Stargate, puerta a las estrellas (1994). ¿El calendario maya? 2012 (2009). El realizador de 66 años incluso ha cuestionado si Shakespeare era Shakespeare en Anonymous (2011) y, por supuesto, se ha reído del Área 51 en su película más taquillera, Independence Day (1996). Así que después de recaudar más de 3.000 millones de dólares en la taquilla mundial como el llamado ‘maestro de la destrucción’ –un calificativo que, nos cuenta, odia– y convertirse en el 15.º director más taquillero del mundo con estas historias, ¿quién le va a discutir sus fuentes de inspiración? Suenan totalmente locas, pero luego viene el ¿por qué no?, afirma alguien que es alemán, ergo escéptico, que no cree lo que cuenta, pero que se inspira en este tipo de historias para hacer pasar un buen rato. Por ejemplo, en esta ocasión, en el libro Who Built the Moon?, de Christopher Knight y Alan Butler, que se leyó hace ocho o nueve años y le hizo cuestionarse el origen del único satélite natural terrestre. Así nació Moonfall, su último trabajo, un concepto muy simple, dice, al que ha añadido otros elementos como el cambio de órbita de la Luna, su efecto en las mareas, la inevitable destrucción de edificios icónicos (en esta ocasión el Chrysler neoyorquino) o la lucha contra reloj para salvar a la humanidad incluso si eso significa dejar detrás a los seres queridos. ¿Y vida alienígena? No, contesta tajante. Lo dice y lo repite, aunque es difícil creerle. Mis películas siempre son más grandes que la realidad, afirma casi como excusa alguien que no busca el realismo sino el entretenimiento. Está claro que en Moonfall hay una historia de fondo, algo que llamamos el nanoenjambre. Algo o alguien tuvo que construir la Luna. Pero quiero que el espectador lo descubra solo, da como única pista.

EL DÍA DEL FIN DEL MUNDO Emmerich es quien ha construido este nuevo apocalipsis, irónicamente cuando el mundo entero está atravesando su propia distopía. Pero incluso DE QUÉ VA: con la COVID-19 de telón de fondo, la realiLa Luna está fuera dad que rodea a Emmerich es una minucia de órbita. Además, comparada con el universo de sus películas. puede no ser el satélite que creíamos. Me costó tres, cuatro meses más y un toma y Al frente de la NASA, daca con la compañía de seguros que añadió Jo Fowler (Halle 1,5 millones de dólares al costo de los actores Berry) intentará y 5,6 millones de dólares en temas COVID. salvar la Tierra Además, tuve que rodar en 61 días, pero con la ayuda de esto no cambió ni una coma del guion, indiBrian Harper ca quien no faltó un día al estudio, a escasos (Patrick Wilson) y KC Houseman 10 minutos de su mansión, en el corazón (John Bradley). de Hollywood. 62

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El edificio Chrysler, de Nueva York, destruido por una catástrofe lunar.

A lo largo de sus 31 años de carrera en antes (Bernardo) Bertolucci o (Luc) Besson. “NO ME GUSTAN Hollywood, algo ha cambiado en Emmerich. Ahora solo se hacen de ese tamaño las de LAS PELÍCULAS Ahora, además de hablar como un realizador, Marvel y la DC y no son de mi estilo. De algún FUTURISTAS. NO habla como un productor. Como dice, el único modo soy el último mohicano. Ya no se hace TIENEN EMPATÍA. que rueda épicos como si fueran películas indecine de ficción del que me gusta. Bueno, Chris SOLO STAR TREK pendientes. Se cansó de que los grandes estuNolan, ahí anda y quizás James Cameron y TRATA DE PORQUE dios se quedaran en propiedad con sus pelícuSteven Spielberg. Incluso Dune (D. Villeneuve, GENTE NORMAL. las, y que con cada nuevo proyecto le vinieran 2021), que me gustó mucho, probablemente con la misma cantinela de que es muy caro, no sería una película que yo haría. No me EL GÉNERO SE HA muy grande, muy… Emmerich. Así que tras el REDUCIDO A FILMS DE gustan las películas futuristas. No tienen desastre de Independence Day: Contraataque empatía. Solo Star Trek porque trata de gente SUPERHÉROES”. (2016), el realizador se ha independizado de normal. Pero el género se ha reducido a pelítodos formando su estudio, Centropolis, con el culas de superhéroes y a mí esas no me gusque ya produjo Midway (2019) y donde es el tan tanto, gruñe el también guionista. jefe, el que hace lo que le da la gana. Yo soy mi propio estudio y así tengo la última palabra –resume apoyado por Stuart PEDIR LA LUNA Ford en AGC–. Ya no se hacen grandes películas fuera de Como dice desde su despacho, la independencia lograda no los estudios, películas independientes, como las que hacían ha venido a costa de recortes sino gracias a su cabezo-

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John Bradley en el rol de un teórico de la conspiración.

Halle Berry y Patrick Wilson, al rescate frente a una nueva amenaza.

“YA NO SE HACEN PELÍCULAS FUERA DE LOS ESTUDIOS. YO SOY MI PROPIO ESTUDIO Y ASÍ TENGO LA ÚLTIMA PALABRA”.

nería y a una detallada planificación. De hecho, la gestación de Moonfall dio comienzo cuando todavía estaba ultimando Midway. Una producción que está en los 150 millones de dólares y para la que no ha escatimado en efectos visuales, contando con estudios como Framestore, Pixomondo, Scanline y DNEG. ¿Lo más difícil de la película? El nanoenjambre, sin duda. Ni me lo recuerdes, exhala. El realizador tampoco escatima en actores, aunque para contrarrestar el caché de Halle Berry, Emmerich reconoce que el resto del reparto fue bastante barato y que no los requirió en el set ni muchos días ni horas extras. En Marvel todo son estrellas y películas de

tres horas que se ruedan durante 120 días y su costo sube a los 320 o 350 millones de dólares. No es necesario, refunfuña hablando de la competencia. Parte de la generación que recuerda a la perfección la llegada del hombre a la Luna, a Emmerich no le importaría convertir Cuenta atrás para una Moonfall en una saga. Pero eso colisión apocalíptica. depende del público y no quiero gafarla, se corta mientras el productor que hay en él piensa en voz alta cómo rodaría la segunda y la tercera parte juntas para abaratar costos y le encantaría seguir el antiguo esquema de los seriales, cuando dejaban el final en el aire. ¿Lo que no le gustaría? Ir a la Luna. ¿Estás loca? ¿Sentarme encima de un cohete que puede explotar en cualquier momento? Prefiero esperar a que la carrera espacial esté mucho más avanzada y para entonces ya estaré muerto. u ESTRENO: 4 FEBRERO

Moonfall (EE. UU., China, R. U., 2022, 124 min.). CIENCIA FICCIÓN.

ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE ¡Bienvenidos a Centropolis! El pequeño edificio de dos plantas en medio de Hollywood es el corazón de Emmerich, con sala de proyección y posproducción, donde ha hecho posible sus dos últimas películas. También es su templo, adornado

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con mementos de sus films, desde una maqueta de El patriota (2000), a un huevo de Godzilla (1998), un alienígena de Independence Day, o los cascos de Stargate. Pero un cuadro ocupa un lugar preferente. Se trata del póster de Encuentros en la tercera

fase (S. Spielberg, 1977). Escrito, se lee: Que todos tus sueños cinematográficos se hagan realidad. Firmado, Steven Spielberg. Es mi película favorita. La vi en París y me quedé tan pegado que fue salir del cine y volver a entrar a la sesión siguiente.

Foto: Reiner Bajo/Lionsgate.

ESTRENO # MOONFALL # ENTREVISTA

Más Estrenos

DE QUÉ VA: Un afamado director de teatro, tras perder a su esposa, acepta una residencia para dirigir el montaje de Tío Vania mientras se enfrenta a los fantasmas de su relación.

especial, porque entre ellos no existe ni parentesco ni un carácter sentimental. Son dos personas lastradas por el trauma. Me interesó que ese vínculo se creara a través de sus trayectos en La ruleta de la fortuna y la fantasía coche. Dentro de ese espacio minúsculo cinéfilas. A veces ocurren pequeños milase crea un clima muy especial en el que gros con ciertas películas que alcanzan el silencio se torna en entendimiento. una dimensión inesperada. Es lo que Una adaptación muy personal. Él, Yûsuke, está pasando con Drive My Car, último utiliza esos momentos de la ruta para trabajo del japonés Ryûsuke Hamaguchi escuchar las cintas que le grabó su falleque llega a la cartelera pocos meses cida esposa en los que después de su anterior reproduce Tío Vania. film, La ruleta de la Mientras, al volante, estafortuna y la fantasía LAS PALABRAS rá la silenciosa Misaki, (2021), y que se ha posiNOS CONFUNDEN. también lastrada por el cionado como la gran MIS PERSONAJES dolor de la pérdida y que favorita para conseguir INTERACTÚAN MÁS A el Oscar a Mejor Film TRAVÉS DE SUS CUERPOS comenzará a sentir una poderosa vinculación Internacional. ¿Qué tieY DE LAS EMOCIONES . con la obra. Durante esos ne de especial esta obra trayectos, Yûsuke monde 179 minutos basada tará la representación, en un relato corto de elegirá a los actores, se encontrará con Haruki Murakami? Entre otras muchas el antiguo amante de su mujer y aprencosas, su sensibilidad a la hora de hablar derá de sus propios errores. Hamaguchi sobre la incomunicación, la soledad, escribió a Murakami solicitando adaptar el desarraigo y la pérdida, tomando esta historia, pero desde el inicio le como vínculo el texto de Tío Vania, de comentó que quería ampliarla a través Antón Chéjov. Cuando Hamaguchi leyó de otros conceptos que aparecieran en el relato Drive My Car, incluido en la sus volúmenes. Así, dentro de Drive compilación Hombres sin mujeres (Ed. My Car, se incluye también el relato de Tusquets), sintió una inmediata coneSherezade, en el que una mujer, después xión con su universo particular. Los de hacer el amor con su pareja, inventa personajes principales, Yûsuke Kafuku historias que conectan con sus deseos (Hidetoshi Nishijima) y Misaki Watari más ocultos, estableciendo un vínculo (Tôko Miura), no son precisamente entre el matrimonio entre Kafuku y su habladores, pero conectan de forma esposa antes de fallecer. También espiritual. Tienen una relación muy

“

”

ESTRENOS # ENTREVISTA

Kôji (Masaki Okada), el amante de su esposa, se encuentra con Yûsuke (Hidetoshi Nishijima).

ME RESULTA “ FUNDAMENTAL QUE LOS ACTORES NO INTERPRETEN, SINO QUE GENEREN VERDAD .

Janice (Sonia Yuan) y Lee (Park Yoo-rim).

”

hay ideas de Kino: Quería configurar un hilo conductor entre esos relatos para combinar pasado y futuro dentro del film, cuenta el cineasta. Para mí había una relación muy fuerte entre ellos que quería explotar para componer en un sentido más amplio Drive My Car. Más allá de las palabras. Una parte fundamental del film es precisamente la diversidad lingüística. El personaje de Kafuku es un director de escena cuya especialidad es crear montajes en los que aparecen diversas lenguas, incluso, el lenguaje de signos. Algo que Hamaguchi puntualiza: Las palabras a veces nos confunden, no siempre resultan precisas, así que mis personajes interactúan más a través de sus cuerpos y de las emociones que transmiten. La relación con la obra de Chéjov, es cierto que ya

estaba presente en el relato original de Murakami, pero Hamaguchi la lleva a un nivel superior, hasta el punto de que toda la película dialoga con el texto de Tío Vania, sirviéndose de ella para evidenciar el ánimo de sus protagonistas. Estudié en profundidad a Chéjov y, para mí, Kafuku siempre fue el propio Vania y el de Misaki, Sonia, sobre todo en lo que se refiere a su carácter inseguro. Era algo que ya estaba latente en el texto, pero intenté darle una mayor consistencia para que tuviera un sentido revelador a través de la imagen. Referentes de una carrera al alza. Ha sido un año intenso para Hamaguchi, un director que hasta el momento se había movido en el ámbito más estrictamente indie. Debutó en el largo con Passion (2008) y alcanzó el reconocimiento con Happy

Hour (2015). Con Asako I & II (2018) accedió a las grandes ligas y con La ruleta de la fortuna y la fantasía alcanzó el Oso de Plata en el pasado Festival de Berlín. Poco después presentó Drive My Car en Cannes, consiguiendo el galardón al Mejor Guion. Reconoce que su cine es una evolución natural de los grandes maestros japoneses, Ozu y Mizoguchi, aunque también se siente heredero de la nueva tradición de directores como Kiyoshi Kurosawa, uno de sus mentores y junto al que escribió La mujer del espía (2020). En cuanto al cine occidental, cita a Éric Rohmer, a Jean Renoir y a John Cassavetes, en especial Maridos (1970). Según nos cuenta, para él resulta fundamental que los actores no interpreten, sino que generen una verdad que conecte con el espectador. Desde ahí despliega el carácter alegórico de sus historias para llevarnos más allá de lo que vemos y que formen parte de nuestra experiencia vital. Porque de eso trata Drive My Car. ¿Podríamos conectar nuestra existencia a los textos de Chéjov? Seguro que sí, porque, como dice el film, lo abarca todo. u ESTRENO: 4 FEBRERO

Doraibu mai kâ (Japón, 2021, 179 min.). DRAMA.

MURAKAMI EN EL CINE El escritor ha sido llevado a la pantalla sobre todo a través de sus relatos, que han adquirido, gracias a los diferentes autores que lo han adaptado, una fuerza emocional y expresiva inaudita.

‘TONY TAKITANI’ (2004) Obra mayor del desaparecido Jun Ichikawa, una miniatura impregnada de toda la melancolía del relato original en torno a la pérdida.

‘THE SECOND BAKERY ATTACK’ (2010) Carlos Cuarón adaptó a Murakami en este corto que cuenta la historia de un matrimonio que vive su primera pelea atracando una pastelería.

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‘ALL GOD’S CHILDREN CAN DANCE’ (2008) La incomunicación y el sentimiento de aislamiento para este drama indie de Robert Logevall.

‘TOKIO BLUES’ (2010) Una de las novelas más emblemáticas del escritor, adaptada por el tailandés Tran Anh Hung y con música de Jonny Greenwood.

‘BURNING’ (2018) Enorme film de Lee Chang-dong en el que la lucha de clases adquiere un carácter fundamental a través de un thriller febril, incierto y paranoico.

ESTRENOS # BASADA EN UNA NOVELA

Odessa Young es la criada de Colin Firth y Olivia Colman, que han perdido a sus hijos durante la guerra.

AQUELLOS HERIDOS AÑOS 20 ‘Primavera en Beechwood’. La directora francesa Eva Husson tiñe de sensualidad y melancolía un drama británico de entreguerras que lleva a la pantalla la novela ‘El domingo de las madres’, de Graham Swift. Por Isabel Navarro. DE QUÉ VA: Una vez al año las criadas tienen un día libre, pero Jane es huérfana y dedica esa mañana a encontrarse con su amante aristócrata, que está a punto de casarse.

Una escritora no nace, se hace. Presentada en la última edición de Cannes, adaptada por la guionista Alice Birch (Lady Macbeth, Normal People) a partir de la novela de Graham Swift y dirigida por Eva Husson (Les filles du soleil), posiblemente Primavera en Beechwood sea el reverso erótico, naturalista y afrancesado de Downton Abbey. Un drama de época, sí (con el vestuario y costumbrismo habitual), pero que en realidad habla de las grietas colectivas e individuales de la pérdida, y que sigue a su protagonista, una mujer de la clase obrera, en su proceso de convertirse en escritora durante los años 20, 40 y 90, de modo que la película se percibe más como un recuerdo emocional que como una narración en desarrollo. Una vez al año. Mi film retrata a una sociedad muy diferente a la que suele asociarse con los locos años 20, explica Husson. En ese momento todo el

mundo estaba en modo de duelo por lo que acababa de ocurrir. Muchos hombres acababan de desaparecer; hijos y parejas y futuros padres, y había una sensación colectiva de pérdida y conmoción. En ese contexto, Jane (Odessa Young) y Paul (Josh O’Connor) dedican la única jornada que tienen libre al año las criadas, para hacer el amor. Una larga y explícita escena en la que los amantes se dedican a conversar desnudos que, según su directora, no es que carezca de energía erótica, sino que representa ese espacio de seguridad e intimidad en el que de forma extraordinaria podemos compartir nuestra vulnerabilidad con el otro. Colman O’clock. En el reparto, Colin Firth y una precisa Olivia Colman (perfeccionando ese registro tragicómico marca de la casa), así como una incombustible Glenda Jackson, que interpreta a Jane en su edad madura. u

ATRAVESAR EL ESPEJO Breve, atmosférica y sensual. Así es El domingo de las madres (Anagrama), una soprendente pieza de orfebrería donde Graham Swift, el más arriesgado de entre los escritores del Herralde’s British Team (McEwan, Martin Amis, Ishiguro…), construye una historia feminista: la de una huérfana puesta al servicio a los 14 años que encuentra su voz, su independencia y una profesión de éxito. Un relato que también es un cuento de hadas, como predice la línea inicial (érase una vez), una historia de pobreza, de serendipia, de ambición y de transformación. ¿Puedes atravesar un espejo y ser otra persona?, se pregunta Jane. Y la respuesta es sí.

ESTRENO: 18 FEBRERO

Mothering Sunday (Reino Unido, 2021, 104 min.). DRAMA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Géraldine Pailhas y Sophie Marceau, hermanas en la ficción.

AMAR LA VIDA, DESEAR LA MUERTE ‘Todo ha ido bien’. El infatigable François Ozon explora la cara más clásica de su cine para llevar a la gran pantalla la historia real de su amiga y colaboradora Emmanuèle Bernheim, quien vio tambalear su mundo cuando su padre le solicitó ayuda para morir dignamente. FOTOGRAMAS entrevistó al cineasta galo. Por Manu Yáñez (Festival de Cannes). DE QUÉ VA: Tras sufrir un accidente cerebrovascular y quedar debilitado y dependiente, André (André Dussollier) le pide a su hija Emmanuèle (Sophie Marceau) que le ayude a morir.

Historia de una colaboración. En Todo ha ido bien, François Ozon lleva a la pantalla una novela homónima y autobiográfica de Emmanuèle Bernheim, quien colaboró con el cineasta francés en la escritura de los guiones de Bajo la arena (2000) y Swimming Pool (2003), entre otros. En Ricky (2009), Ozon y Bernheim dieron forma a la historia de un bebé capaz de volar. Por su parte, Todo ha ido bien vuelve a reunirlos en torno a la muerte: Cuando publicó su novela Tout s’est bien passé, Emmanuèle me preguntó si me 70

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apetecía adaptarla al cine, pero dije que no porque me parecía una historia demasiado personal, demasiado suya. Tras la muerte de Emmanuèle (en 2017, víctima de un cáncer), volví a leer el libro y, esta vez, después de haber experimentado la muerte en mi círculo íntimo, me sentí capaz de dirigir Todo ha ido bien. Humor, amor, dolor. Uno de los elementos más sorprendentes de Todo ha

LA VIDA ESTÁ LLENA DE “ LÁGRIMAS Y RISAS. SOMOS EL EQUILIBRIO ENTRE AMBAS COSAS .

”

ido bien son los fogonazos de humor negro que atraviesan este relato protagonizado por un hombre que desea morir. Cuando se pregunta a Ozon por su inclinación a hibridar comedia y drama, el cineasta galo responde enérgicamente: ¡Es la vida! No veo por qué un tema dramático, sensible, no puede abordarse con humor. La distancia irónica es necesaria para poder ver las cosas con mayor claridad. Ozon no tiene dudas a la hora de definir su nueva película como un canto a la vida; eso sí, lleno de contradicciones. La vida está llena de lágrimas y risas, somos el equilibrio entre ambas cosas. En este sentido, la gran paradoja de Todo ha ido bien

es que el personaje de André ama tanto la vida que, frente a una enfermedad terrible, desea la muerte. Para certificar la enorme honestidad y el poderoso deseo de libertad de André necesitaba su humor negro. Él es como un niño que no le tiene miedo a nada, ni siquiera a la muerte, algo nada común en las sociedades occidentales, donde solemos enterrar la muerte debajo de la alfombra y la hemos convertido en un tabú. Contra el moralismo. Cuando se pregunta al director de Gracias a Dios (2018) por sus personajes, surge una y

otra vez su negativa a juzgarlos de manera tajante. Para mí, es importante que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones sobre la película. Yo no sé qué haría si me hallara en una situación como la que 2 tuvo que afrontar Emmanuèle. Tengo claro que no me gustaría vivir algo así y tengo dudas sobre si sería capaz de situarme en la ilegalidad para ayudar a morir a una persona cercana. Dicho esto, debo dejar claro que respeto el deseo de André de morir de forma digna. Pese al esfuerzo que hace Ozon por comprender a sus criaturas, el cineasta no da la espalda a las suspicacias: La enfermedad de André no le impedía pegarse un tiro en la cabeza, pero él prefirió involucrar a sus hijas en su muerte. Hay algo perverso en todo ello que me parece complejo y fascinante. La responsabilidad de

1. Marceau da vida a Emmanuèle Bernheim, una antigua colaboradora de Ozon y cuya historia adapta el film. 2. André Dussollier es el padre enfermo que pide una muerte digna.

ayudar a morir a alguien debería recaer sobre la persona interesada, el Estado y los médicos que deberían asistirlo, y no en los familiares. Marceau y el clasicismo. Sobre la elección de Sophie Marceau como protagonista de su nuevo film, Ozon explica que necesitaba un rostro popular para que el espectador pudiera empatizar desde un primer momento con el personaje de Emmanuèle, y Sophie (Marceau) cumplía ese requisito a la perfección. En contraposición a lo reconocible que resulta Marceau, Todo ha ido bien no contiene la habitual exuberancia formal del cine de Ozon: Siempre intento adaptar la puesta en escena de mis películas a la historia que quiero contar. Para esta película, era importante estar junto a los personajes, compartir sus emociones. Por eso sentí que era necesario borrar todo rastro de mi estilo y apostar por un clasicismo sobrio. u ESTRENO: 28 ENERO

Tout s’est bien passé (Francia, 2021, 113 min.). DRAMA.

Foto: Getty Images.

BUÑUEL, FASSBINDER, SCHYGULLA En Todo ha ido bien, se hace referencia a Luis Buñuel: Eso ya estaba en el libro de Emmanuèle (Bernheim), aclara Ozon. Todo ocurrió durante la celebración de una retrospectiva de Buñuel en la Cinémathèque

film dirige a Hanna Schygulla, française. Es una feliz musa del alemán: Fue una casualidad porque adoro maravilla dirigirla en el papel el modo irónico que tenía de la mujer que ayuda a Buñuel de abordar la muerte. ¿A quién le dedicaría Emmanuèle con la situación de su padre. En la película, Ozon una retrospectiva? A Fassbinder, claro, responde Hanna es como un ángel que trae la muerte, dulcemente. el francés, que en su nuevo

El cineasta Luis Buñuel.

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ESTRENOS

Amin, en uno de los fotogramas de esta original propuesta.

LA VIDA DE AMIN ‘Flee’. El drama de los refugiados mostrado en formato documental, pero con la animación como recurso formal. Un reto saldado con un arrollador éxito. DE QUÉ VA: Amin Nawabi, un inmigrante que vive feliz en Dinamarca y está a punto de casarse, debe exorcizar todos los acontecimientos que sufrió en Afganistán.

Animación. No me gusta la calificación de animación para adultos, niega el encabezado de este texto Jonas Poher Rasmussen, director y guionista de esta película (documental) de dibujos animados. Comprendo que se haga una distinción entre lo que es Flee y lo que hacen, no sé, Disney o Pixar,

Birthe Neumann, Asta Kamma August y Simon Bennebjerg.

‘El pacto’ DE QUÉ VA: Encerrada en su lujosa mansión danesa, la escritora Karen Blixen conoce a un joven poeta que le pide ayuda. Ella acepta a hacerle triunfar en su carrera siempre que cumpla todo aquello que se le ordene.

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respetando mucho su trabajo, que quede claro, pero no comparto que lo que mostramos y de lo que hablamos en la película sea algo restringido para los adultos. De hecho, en Dinamarca muchas escuelas han ido a ver el film y les ha servido para abrir debates muy interesantes porque habla de cosas que no deberían tener edad como los refugiados, la guerra, la represión…, y más si pensamos que la edad delimita tu visión del mundo o la aleja de él

Más allá de África. Conocíamos la historia de Karen Blixen (Isak Dinesen como pseudónimo literario) gracias a Sydney Pollack, Meryl Streep y Robert Redford y la oscarizada (edulcorada) Memorias de África (1985). Sin embargo, poco sabíamos de la vida posterior, en su Dinamarca natal, de la escritora, ya cerca de la tercera edad, galardonada con un Nobel, y viviendo en solitario. De esa etapa habla la última película de Bille August (Pelle el conquistador), y lo hace desde las memorias del joven poeta Thorkild Bjørnvig que estableció con la madura escritora una peculiar relación donde arte y vida tomaron unos colores dignos de un acuerdo mefistofélico.

con fantasías. Las reacciones, tanto de niños, jóvenes y adultos tras ver el film han sido muy positivas. Amin se ha convertido en alguien visible gracias a la película y a que sea en este formato. Lo mismo que su historia. Una historia verdadera. Documental es la palabra clave para referirse a Flee porque es el género al que se adscribe con todas sus consecuencias. ¿Por qué entonces utilizar la técnica de la animación? El actor Nikolaj Coster-Waldau (Juego de Tronos), productor ejecutivo del film junto a su colega Riz Ahmed (Sound of Metal) y narrador de este tiene la respuesta: Pienso que el documental es un género abierto a cualquier formato visual y manera de enfrentarse a él, reflexiona el intérprete. La realidad puede mostrarse de numerosas maneras y la animación permitía que los recuerdos de Amin adquirieran una carga dramática capaz de implicar más a los espectadores. El propio Amin se mostró de acuerdo con esta opción. Una elección que no es nueva (recordemos Vals con Bashir) y que en el caso de Flee ha llevado al largometraje a triunfar en festivales generalistas como el de Sundance y especializados en animación como el de Annecy, y a estar en la lista de posibles títulos seleccionados para el Oscar, tanto como Mejor Película, Mejor Documental y Mejor Cinta de Animación. ESTRENO: 25 FEBRERO

Flee (Din., Fra., Sue., Nor., EE. UU., Esp., Ita., R. U., 2021, 90 min.). DOCUMENTAL.

Quid pro quo. Bille August define el film como un drama de relaciones, una historia de seducción y de querer ser seducido; del arte de la manipulación, la culpa y la inocencia. Una historia dramática sobre un pacto peligroso y las inmanejables consecuencias de una relación inevitablemente dependiente, una emocionante conexión entre dos de las personalidades más grandes que ha dado la cultura danesa. Birthe Neumann (Happy Endings) encarna a Blixen y Simon Bennebjerg (The Guilty), al poeta. ESTRENO: 28 ENERO

Pagten (Dinamarca, 2021, 115 min.). DRAMA.

ESTRENOS # ENTREVISTA

Damien Bonnard y Leïla Bekhti.

LA TEMPESTAD INTERIOR ‘Un amor intranquilo’. Ahora que la salud mental acapara el debate, el belga Joachim Lafosse estudia en su nuevo film, estrenado en la Croisette y a competición en San Sebastián, los entresijos de la bipolaridad. Por Manu Yáñez (Festival de Cannes). DE QUÉ VA: A Leïla (Leïla Bekhti) y Damien (Damien Bonnard) los une un amor profundo. Sin embargo, su proyecto familiar se ve trastocado por la bipolaridad que sufre Damien.

rodean pasa a verse bajo el signo de la enfermedad. Pero me interesa la valentía que demuestra Leïla, la mujer del enfermo, cuando defiende que ella es algo más que una cuidadora: es una Más allá de la enfermedad. Como ya mujer, una profesional, una madre. hicieron Mr. Jones (Mike Figgis, 1993) La clave para sobrellevar esta doleno El lado bueno de las cosas (David O. cia es mantener viva la curiosidad Russell, 2012), Un amor intranquilo por los demás, por la vida. sitúa en el centro de su historia el trasCorrientes de amor. Para la realización de torno bipolar. Una compleja realidad Un amor intranquilo, Lafosse que el belga Joachim Lafosse admite que se inspiró en el aborda poniendo el énfasis en EL DATO trabajo de sus directores de la dimensión humana, y no Bipolaridad y paranoia. cabecera: el norteamericano clínica, del problema. Desde Convertido en un John Cassavetes, el francés el principio, decidí que no experto en materia Maurice Pialat y la neozelanquería que esta fuera una psiquiátrica, Lafosse explica que la desa Jane Campion. La herenpelícula de hospitales. Y no bipolaridad genera a cia de estos grandes cineastas, es porque no admire el buen su alrededor un agudos observadores de los trabajo de los psiquiatras, estado de paranoia. La gente que rodea a trasiegos de la vida emocional, sino porque quería poner el los enfermos vive una resuena en la aproximación foco en la intimidad de una intranquilidad de Lafosse a una narrativa familia que lucha contra la permanente, ya que identifican cualquier torrencial, entregada a una enfermedad. Cuando una señal de alegría y emotividad fulgurante y abierpersona es diagnosticada euforia como signos ta a la improvisación. Trabajo de bipolaridad, toda su de la enfermedad. sobre un guion más o menos existencia y la de los que la

detallado, pero siempre abierto a las sugerencias de mis actores. Aquí el reto consistía en representar una tormenta emocional sin caer en una cierta repetición esquemática de subidas y bajadas, apunta el director de Perder la razón (2012) o Después de nosotros (2016). Bonnard desatado. Conocido por sus contenidas interpretaciones en Rester vertical (2016) y Los miserables (2019), el actor Damien Bonnard se revela aquí como una fuerza de la naturaleza. Lafosse reconoce que, dado su talante introspectivo, temía que Bonnard tuviera problemas representando los episodios maníacos de su personaje, pero ocurrió todo lo contrario: Le costó mucho más adentrarse en la melancolía. Puede sonar extraño, pero a Damien le resultaba tremendamente agotador interpretar a un hombre desprovisto de toda energía. u ESTRENO: 18 FEBRERO

Les intranquilles (Bélgica, Francia, Luxemburgo, 2021, 117 min.). DRAMA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Étienne (Kad Merad) rodeado de su troupe de inesperados actores.

PRESOS ENTRE BAMBALINAS ‘El triunfo’. Kad Merad, uno de los intérpretes más populares de Francia, es el protagonista de una luminosa y humanista comedia social, basada en hechos reales, sobre un grupo de presos que monta la obra teatral ‘Esperando a Godot’. Hablamos de la película con su director, Emmanuel Courcol (‘Alto el fuego’). Por Àlex Montoya. DE QUÉ VA: Un actor (Kad Merad) de carrera nada exitosa dirige un taller de teatro en un centro penitenciario. Su proyecto es montar Esperando a Godot y representar la obra fuera de la prisión.

Actores entre rejas. Esta obra parece escrita para vosotros, sabéis perfectamente qué supone esperar, no hacéis otra cosa. No cabe duda de que la estrategia motivacional del maestro hacia sus alumnos, del actor hacia el grupo de presos a los que imparte un taller de teatro entre los muros de una prisión, es de lo más adecuada. El protagonista de El triunfo encuentra la luz al final de un túnel de mala fortuna y mucha frustración por una carrera que ha flirteado constantemente con el fracaso, y lo consigue con un proyecto de locos: montar Esperando a Godot, obra cumbre del teatro del 76

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absurdo, escrita por Samuel Beckett; una tragicomedia en dos actos en la que sus personajes esperan, en vano, al tal Godot. Todos creen que el montaje no llegará a ninguna parte, pero el actor-profesor encuentra inesperado talento en su encarcelado reparto. Es verdad que en el cine de prisiones se repiten permanentemente los mismos tópicos, explica el director Emmanuel Courcol. Pero la verdad de la cárcel es otra. Durante la preparación del film conocí de primera mano cómo viven los presos, y pude presenciar talleres de teatro muy parecidos al nuestro. Y también te das cuenta de cómo en un lugar así se pueden vivir momentos bonitos, que muchas veces tienen que ver con actividades e inquietudes culturales. Ahí los presos sacan lo mejor de sí mismos, y vemos

que son seres humanos como nosotros. En una de las escenas más hermosas de El triunfo, y tras el éxito de su primera representación en el exterior, los protagonistas bailan desnudos alrededor de la bandera de Francia que ondea frente al centro penitenciario: Es una secuencia bonita porque representa una explosión, aunque momentánea, de libertad. Talento o sinceridad. En otro momento representativo del film, que tiene que ver con el oficio de actor, el profesor dice a sus alumnos: Los hay buenos y los hay sinceros, prefiero a un mal actor honesto. No se moja Emmanuel Courcol sobre esta dicotomía, pero sí destaca que Kad Merad (Bienvenidos al Norte) es ambas cosas. Como todos, lo conocía por su gran trabajo como cómico, pero hay un personaje suyo

La representación de ‘Esperando a Godot’ es, como podía esperarse, todo un triunfo.

ES UNA HISTORIA A CONTRACORRIENTE, Y ME ALEGRO “POR ELLO, PORQUE HAY POCOS FILMS QUE BUSQUEN EL PLACER DEL ESPECTADOR”. son mucho menos conocidos, y la mayoría debutantes. Esa generosidad no es tan frecuente. Creamos un ambiente estupendo, casi de troupe teatral, lo cual era muy adecuado para un film así y para mí mismo, El director Emmanuel Courcol junto porque provengo del teatro. a Marina Hands, Ariane en el film. Luz en tiempos oscuros. Si El triunfo destaca entre tantas que me gusta especialmente: el de la comedias llegadas del país vecino con serie Baron noir. Kad interpreta a un el reclamo publicitario de haber conpolítico en un registro alejado de la quistado a X millones de franceses, comedia, un perdedor capaz de sacar es por su firme apuesta por el humaenergía de la desesperación, alguien nismo y la esperanza, casi nadando que no se deja vencer. Kad aportó ese a contracorriente en tiempos en los tipo de verdad tan necesaria para la que manda el cinismo. No me gusta historia. Es un gran actor, muy fino, demasiado la etiqueta de feelgood sutil y enormemente generoso, deja movie que a veces le cuelgan, pero es mucho espacio a sus compañeros de cierto que desde el principio tenía la reparto, que en el caso de El triunfo voluntad de abordar la película con

BASADO EN UNA FUNCIÓN REAL En abril de 1986 llegó la función final en el Teatro Royal de Gotemburgo de Esperando a Godot, tras la gira de un grupo de presos de la cárcel sueca de Kumla. Aquel montaje fue un empeño del actor Jan Jönson, inspirado en experiencias previas parecidas en San Quintín o en la prisión alemana de Lüttringhausen. Por sugerencia de Samuel Beckett, Jönson repitió en San Quintín. De sus experiencias nació el monólogo Moments of Reality, que sigue representándose en Europa.

esa fibra humanista, afirma el director Emmanuel Courcol. Quizá sí es una historia a contracorriente, y me alegro por ello, porque hay pocos films que busquen el placer del espectador, y en general riman demasiado con la desesperación de los tiempos que corren. Cuando la gente ve de qué van las películas, se les quitan las ganas de ir al cine. El absurdo del teatro. Si Esperando a Godot es la cima del teatro del absurdo, es posible que, de estar vivo, Samuel Beckett hubiera encontrado inspiración en estos días que vivimos para mejorarla. Hay muchos elementos en estos tiempos que riman con el teatro del absurdo y con la obra de Beckett, reflexiona Courcol. Obviamente, al rodar la película ni por asomo podíamos imaginar que se viera en un contexto como este. Pero, al mismo tiempo, creo que pasar por la experiencia del confinamiento ha podido ayudar a que el público sienta mayor empatía hacia los protagonistas. Y las medidas sanitarias que ha vivido el mundo de la cultura, los cierres de teatros y cines, han contribuido sin duda a sentir una mayor sintonía con la película. u ESTRENO: 25 FEBRERO

Jan Jönson y Samuel Beckett.

Un triomphe (Francia, 2020, 105 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.

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ESTRENOS

‘Un pequeño mundo (Playground)’ DE QUÉ VA: Nora comienza primaria en el colegio de su hermano mayor, Abel, y descubre que sufre acoso. Primero guarda silencio, como le pide, pero después habla con su padre, lo que agrava la situación.

Cruda realidad. La cineasta belga Laura Wandel sorprendió con su ópera prima sobre el acoso escolar en el último Festival de Cannes, donde su trabajo despuntó en la sección Una Cierta Mirada, llevándose el premio FIPRESCI. Uno de tantos reconocimientos, a los que puede sumar el Oscar, ya que es una de las 15 preseleccionadas en la categoría de Mejor Película Internacional. No se trata de juzgar, sino de explorar un miedo común que es el de la exclusión. En el patio del colegio donde se desarrolla la cinta hay bullying, pero también desconocimiento y falta de atención por parte de los adultos, comenta la directora, para quien era esencial contar la historia a través de los ojos de una niña. La elegida fue

Maya Vanderbeque y Günter Duret.

Maya Vanderbeque: Tenía siete años cuando hizo el casting. Rubia y con el pelo largo, no encajaba en la imagen que yo tenía de Nora, pero me dijo: Deseo con todas mis fuerzas hacer esta película. La elección de Günter Duret también fue un acierto. Es un chico extraordinario, algo salvaje e impulsivo, justo lo que buscaba. El papel lo asustó un poco, pero lo hizo muy bien, apunta Wandel, que felicita a todos los niños con los que rodó, para muchos era la primera vez delante de la cámara y el rodaje fue agotador

Patrick McNamee.

porque grabamos unas 20 tomas por cada plano debido a pequeños contratiempos. Fueron muy valientes y disciplinados. Autora también del guion, reconoce la influencia de realizadores como Abbas Kiarostami y Michael Haneke, que muestran al ser humano en su peor momento, pero lo hacen con tanto amor y benevolencia que siempre logran traer de vuelta su parte más justa y bella. ESTRENO: 25 FEBRERO

Un monde (Bélgica, 2021, 72 min.). DRAMA.

Albrecht Schuch.

Diogo Dória y Manuela de Freitas.

‘Destino a Brighton’

‘The Royal Game’

‘Francisca’

El director y guionista Chris Green rinde homenaje a Quadrophenia (F. Roddam, 1979) y la cultura mod con esta emotiva road movie sobre un joven, John (Patrick McNamee), que viaja de Manchester a Brighton, ciudad espiritual del movimiento, para llevar las cenizas de su padre, un mod de los pies a la cabeza que acaba de fallecer. Patsy Kensit, Sacha Parkinson y Max Boast completan el cast. En la banda sonora, figuras y grupos indispensables como Paul Weller, The Jam, Secret Affair y The Chords.

Para llevar al cine la obra más emblemática del escritor Stefan Zweig, el alemán Philipp Stölzl (El médico) ha contado con reconocidos actores de su país. Oliver Masucci, que interpretó a Adolf Hitler en Ha vuelto (2015), es ahora un notario judío, Bartok, a quien la Gestapo encierra por negarse a colaborar. Albrecht Schuch (Midiendo el mundo) encarna a su torturador. Bartok huye de la locura gracias a un libro de ajedrez. La austriaca Birgit Minichmayr (La cinta blanca) interpreta a su esposa.

La aclamada cinta que Manoel de Oliveira presentó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes de 1981, llega por primera vez a España en una copia restaurada. Adaptación de Fanny Owen, de Agustina Bessa-Luís, narra el episodio real del novelista del siglo XIX Camilo Castelo, cuyo amigo José Augusto se obsesiona con Francisca, la mujer que él ama. Cierre de la tetralogía de amores frustrados del cineasta portugués tras El pasado y el presente, Benilde o la virgen madre y Amor de perdición.

ESTRENO: 4 FEBRERO

ESTRENO: 11 FEBRERO

ESTRENO: 28 ENERO

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Nicholas al cuadrado: Nick Cassavetes y Nicolas Cage preparados para la acción.

Narilya Gulmongkolpech, la protagonista del film.

‘The Medium’ DE QUÉ VA: La grabación de un documental sobre una chamana se complica cuando su sobrina comienza a actuar como si estuviera poseída por un vengativo espíritu.

ÉRASE UNA VEZ EN… SAMURAI TOWN ‘Prisioneros de Ghostland’. Los extravagantes y extremos universos del actor Nicolas Cage y del director Sion Sono estaban condenados a encontrarse y lo hacen aquí, en un radical y explosivo tebeo western futurista. DE QUÉ VA: Un violento atracador de bancos con un fantasma del pasado acosándolo es contratado por el cacique de Samurai Town para recuperar a su huida nieta.

lo, no solo por el proyecto, sino por su admiración hacia el cine de Sono. Cóctel explosivo. Prisioneros de Ghostland es (otra vez en palabras Un western para Cage. Aunque con la de Sono) un cóctel explosivo, literalcantidad de títulos que se van dando mente explosivo, de numerosos refecodazos en su filmografía siempre en rentes que van del citado western crecimiento uno pensaría al cine de samuráis, de que Nicolas Cage debe de yakuzas, al noir pasado EL DATO haber interpretado decepor el estilo de Quentin La guinda Cannon. El torrencial despliegue nas de westerns, pero la Tarantino, la ciencia ficvisual del film, todo verdad es que no, y aunque ción y el cine romántico. un catálogo de la bizarra Prisioneros de En realidad, si tuviera posmodernidad y Ghostland no pertenezca que quedarme con una de clasicismo artístico, no se molesta en ocultar propiamente al género, sí esas piezas de este romque su principal e insólito que parte de su estética pecabezas sería con la de referente es Cyborg y de su argumento son historia de amor. ¿Quién (A. Pyun, 1989), un inequívocamente de un no se enamoraría de un western posapocalíptico producido por la Cannon. western. Bañado en ácido caballero andante como pero western. Es Centauros al que interpreta Cage? del desierto (John Ford, 1956) en un Un héroe atípico capaz de aparecer spaghetti western de Sergio Leone en paños menores, bañarse en sanque se desarrolla en alguna película gre o tener extrañas conversaciones posapocalíptica de samuráis, define (dignas de John Ford) en algunos a lo bestia la película su inclasificable de los pocos instantes de calma de director, el japonés Sion Sono (Love este loco actioner. Exposure). Sí, Nicolas Cage tenía que ESTRENO: 28 ENERO ser mi pistolero solitario en un mundo loco. Mi Django. Por supuesto que el Prisoners of the Ghostland (EE. UU., Japón, pluriempleado actor accedió sin dudar2021, 103 min.). ACCIÓN.

Posesión tailandesa. Ha batido récords de taquilla en Tailandia y en Corea del Sur, país coproductor (con el afamado Na Hong-jin, uno de los reyes del thriller, como productor ejecutivo), pero también provocó desmayos y ataques de pánico entre algunos espectadores, no siendo pocos los cines que aparcaron ambulancias en la entrada y compraron más de un desfibrilador. ¿Qué tiene de especial The Medium? Los espectadores de festivales como el del pasado Sitges lo saben: una muy inquietante mezcla de falso documental sobre chamanismo, una historia de posesiones maléficas narradas al estilo Paranormal Activity y un clímax final terrorífico a lo Holocausto caníbal. Folclore de miedo. La elección del formato de reportaje y el uso de cámaras de vídeo no sirven solo para acentuar la realidad de lo que se nos está explicando, sino que, en palabras de Banjong Pisanthanakun, el joven (y exitoso, títulos como Shutter: El fotógrafo o Pee Mak así lo atestiguan) director y guionista del film, enseña al mundo lo que para una gran parte de la población rural de Tailandia es algo verdadero: la convivencia con demonios, espíritus y con el Mal. Las y los chamanes son miembros muy respetados en nuestra cultura y en nuestra sociedad. Las tradiciones se han ido manteniendo pese al auge de las nuevas tecnologías. Precisamente me interesaba usar esas nuevas tecnologías para contar una historia de miedo como las de antes. ESTRENO: 25 FEBRERO

Rang Zong (Tailandia, Corea del Sur, 2021, 130 min.). TERROR.

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LO MEJOR DEL ENTRETENIMIENTO EN CASA

MultiPantallas SERIES

INÉDITOS VOD

DVD # BD

Álex González, Irene Arcos y Amaia Aberasturi nos hablan de sus estrenos en un mes cargado de novedades seriéfilas. Págs. 88, 90 y 95

Marçal Forés nos cuenta ‘A través de mi ventana’, film que adapta el éxito literario de la venezolana Ariana Godoy. Pág. 96

‘Madres paralelas’ y ‘Maixabel’, los últimos trabajos de Pedro Almodóvar e Icíar Bollaín, lideran la oferta de cine en casa. Pág. 100

SERIES

Yasper (Ben Schwartz), la detective Danner (Ti�any Haddish) y Brett (Ike Barinholtz), reunidos con el resto de sospechosos en la escena del crimen de ‘The Afterparty’.

SE HA REESCRITO UN CRIMEN Un asesinato. Una detective. Un puñado de sospechosos y un arsenal de versiones de un mismo misterio. Estas son las pistas que Chris Miller y Phil Lord nos dan para desentrañar ‘The Afterparty’. Hablamos con ellos. Por Roger Salvans. Los antecedentes de un dúo muy dinámico. Si las quinielas no se equivocan, la noche del 27 de marzo es muy posible que Chris Miller (Everett, Washington, 1975) y Phil Lord (Miami, Florida, 1975) salgan de la 94.ª ceremonia de los Oscar con su segunda estatuilla bajo el brazo. La primera la recogieron como premio por su trabajo en Spider-Man: Un nuevo universo (2018), y este año parten como favoritos por su faceta como productores de Los Mitchell contra las

máquinas. Un galardón que confirmaría su contribución al cine de animación de la última década, en la que pese a tener solo dos títulos en su currículo como directores –Lluvia de albóndigas (2009) y La LEGO Película (2014)–, su influencia y ascendente es innegable. Desde que en 2002 sacaran su primer proyecto de dibus adelante –la serie Clone High, para MTV, que la cadena canceló tras 13 episodios porque uno de sus personajes, un Ghandi fiestero pasado de vueltas, motivó que más de

100 personas iniciaran una huelga de hambre en la India–, su mano se ha dejado ver en films tan distintos como Shrek tercero (2007), Kung Fu Panda (2008), Cómo entrenar a tu dragón (2010) o La fiesta de las salchichas (2016), por citar solo unos pocos. En estos años, Lord & Miller también han producido, escrito y dirigido proyectos de carne y hueso, ya sea para el cine (la saga Infiltrados en el Instituto) como para la TV (Cómo conocí a vuestra madre, Brooklyn Nine-Nine o El último hombre en la Tierra), alternando éxitos rotundos con fiascos como el que les llevó a abandonar, por diferencias creativas, la dirección de Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), cuando llevaban ya más de la mitad de la cinta filmada. Con The Afterparty,

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MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

este dúo cristaliza un proyecto que nació hace más de 10 años, cuando en un impasse en la producción de Lluvia de albóndigas, Chris escribió un guion de más de 450 páginas para una película de misterio, cuenta Lord. Uno dice una cosa, el otro dice otra. Hacía años que me rondaba esta idea por la cabeza, sigue Miller. La de rodar una cinta de misterio con un asesinato en una fiesta de viejos alumnos contada desde distintas perspectivas, a lo Rashomon, en la que cada perspectiva se enmarcara en un género distinto: una comedia romántica, un thriller, un musical… Esa idea fue evolucionando y, con la explosión del streaming, nos preguntaron si teníamos algo que pudiera funcionar y pensamos que The Afterparty podía encajar. De hecho, cuando era una película, creo que resultaba demasiado episódica y algunas de las tramas no recibían el trato que se merecían. En forma de serie, podíamos ir más allá y dedicarle un capítulo a cada narrador y su punto de vista. Creo que hemos salido ganando. Y no, el guion no tenía 450 páginas, 84

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ríe Miller, que con esta serie debuta como director en solitario, pese a que, apunta, Phil ha estado en ella desde el principio. Algo que Lord confirma: Tampoco ha sido tan distinto a nuestros proyectos anteriores, ríe. Llevo pasándole notas sobre la serie desde hace mil años. Pero teníamos muchas cosas sobre la mesa y era lo mejor. Es una de las ventajas de trabajar en pareja. La señorita Amapola. La biblioteca. El candelabro. Escribir una historia clásica de misterio es como resolver un problema de matemáticas, continúa

Miller. Te planteas: ¿qué personajes necesito para contar lo que quiero contar? ¿Cómo estructuro la trama y dónde coloco las pistas para construir el final que necesito para sorprender al espectador? Para que piensen: Vaya, tendría que haber visto eso. Todas las piezas estaban ahí, pero no sabía dónde mirar. Esa es la esencia y la aspiración última de todo whodunit. Y para construirlo, Lord y Miller tiraron de los elementos imprescindibles: una víctima, Xavier (Dave Franco), una estrella a lo Justin Bieber que en el instituto era un

DEL FRACASO COMO UNA DE LAS BELLAS (Y CÓMICAS) ARTES El revés de Han Solo: Una historia de Star Wars (2018) será más conocido, pero nada les escuece como el fiasco de Awesometown, proyecto con el trío The Lonely Island para MTV para el que Lord y Miller rodaron un piloto en 2005. Entonces ya éramos fans de Andy (Samberg), Akiva (Scha�er) y Jorma (Taccone), cuenta Lord. Intentamos no amargarnos por el pasado, pero durante cinco años, cuando los nominaban a un Grammy o petaban Internet, enviaba un e-mail al ejecutivo que no dio luz verde a la serie.

The Lonely Island, en ‘Awesometown’.

1. Ti�any Haddish es la detective Danner, la encargada del caso. 2. Zoe (Zoe Chao) se ve arrastrada a una situación impensable. 3. Aniq (Sam Richardson) no es tan inocente como parece. 4. Xavier (Dave Franco), la víctima nada desvalida.

“ESCRIBIR UNA HISTORIA CLÁSICA DE MISTERIO ES COMO RESOLVER UN PROBLEMA DE MATEMÁTICAS”.

Fotos: cortesía de Apple y Aaron Epstein.

Chris Miller, director. don nadie; un escenario del crimen, la lujosa villa del asesinado, dispuesta como un tablero de Cluedo; una detective, Danner (Tiffany Haddish), que ve la vida como si estuviera en una película, y los posibles asesinos, cada uno con una cuenta pendiente que saldar en esa reunión de viejos alumnos: Brett (Ike Barinholtz), el duro de la clase recién separado de su novia de siempre Zoe (Zoe Chao); los empollones, Aniq (Sam Richardson) y Yasper (Ben Schwartz); la bala perdida, Chelsea (Ilana Glazer); la hípster incomprendida, Indigo (Genevieve Angelson), o Walt (Jamie Demetriou), al que nadie recuerda en la escuela. Cada uno tiene su historia y sus razones, cuenta Lord. Ha sido una gozada trabajar con ellos y

ajustar sus interpretaciones para acto seguido reventarles todo lo que habían hecho y adaptarlas a otro género. Lo han llevado muy bien, bromea. Las ocho caras de la verdad. Lo que singulariza The Afterparty es que no tiene un look definido como la mayoría de series. Tiene ocho, uno para cada episodio, sigue Lord antes de que Miller recoja su testigo: Creo que tenemos que destacar el trabajo de Carl (Herse, director de fotografía). Tuvo que preparar ocho estilos distintos, ocho plannings de iluminación, ocho formas de filmar. Y lo mismo con Daniel Pemberton, el compositor de la banda sonora, que tuvo que dar con ocho formas de abordar un tema que se sintieran únicas, pero a la vez encajaran en un conjunto. La libertad que da el streaming, en proyectos como este, es un lujo, sigue Miller. En el cine tienes que meter todo lo que quieres contar en una especie de caja de dos horas. Aquí el abanico de posibilidades es mayor, pero el reto sigue siendo el mismo: contar una buena historia. Los dos apuntan que el episodio que más han disfrutado, pese al trabajo que conlleva, es el musical. Y abren la puerta a más asesinatos en una segunda temporada: No hemos podido encajar un montón de ideas y estilos en esta entrega. Sería genial poder hacerlo en el futuro… Hay asesinatos para rato.

SUS MISTERIOS FAVORITOS Los espectadores han visto muchas series de misterio, cuenta Miller. Saben que cuando algo es demasiado evidente la trama irá por otro sitio, con lo que siempre tienes que intentar ir un paso por delante…, pero sin pasarte de listo. Entre sus misterios de cabecera, Lord cita un fracaso absoluto, Cluedo (J. Lynn, 1985), pero la adoramos desde niños y la seguimos encontrando graciosísima, y Morir todavía (K. Branagh, 1991), una de las cintas de asesinatos más satisfactorias que puedas ver. Miller reivindica El final de Sheila (H. Ross, 1973), mi whodunit favorito. Pero tengo que confesar que cuando estaba en el instituto era un fan absoluto de Colombo. Veía un episodio tras otro. El personaje es fantástico y las historias son inteligentísimas y tan bien explicadas. Es sin duda una de mis mayores influencias a la hora de escribir para la pantalla.

ESTRENO: 28 ENERO EN APPLE TV+

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MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

ÁLEX GONZÁLEZ

LA GRAN ODISEA ‘Operación Marea Negra’. A las órdenes de Daniel Calparsoro (‘Hasta el cielo’), el actor madrileño se vuelve a enfundar los guantes de boxeo para encerrarse en un submarino y contar la impensable travesía de un narcotraficante gallego.

también participaba, ya retrataron el en estudio y un tercero que recreaba La realidad inspira el guion. Como muchas otras ficciones, narcotráfico en Galicia aunque, según el interior. Este último fue escenario Operación Marea Negra nació de el actor, es un tema que queda como de un rodaje claustrofóbico, aunque un titular. Un operativo antidroga telón de fondo en esta nueva propuesta González no tiene queja: Sabíamos internacional detenía frente a las escrita por Natxo López (Perdida) y a lo que íbamos. Para mí hay una costas gallegas un sumergible de Patxi Amezcua (La sombra de la ley). diferencia entre duro y exigente. Duro fabricación casera cargado con es dejarte la piel y no ver ningún tipo Es una historia de aventuras. La de un 3.000 kilos de cocaína traídos desde tipo que consigue cruzar el Atlántico. de resultado. Daniel es un director América Latina. Era noviembre Es casi como Cristóbal Colón o muy exigente, pero eso hace que de 2019 y se trataba del primer Magallanes. Es una hazaña que yo como actor me sienta tranquilo narcosubmarino que llegaba a Europa. Agustín cruzara 6.000 kilómetros de sabiendo que al otro lado del combo Poco más de dos años después, océano, más 3.000 del Amazonas, en hay alguien que no se va a conformar Amazon Prime Video tiene lista para un semisumergible hecho de fibra de con cualquier cosa. Con él ya trabajó estreno una serie inspirada en aquello vidrio, siendo perseguido por la DEA en Inocentes y Combustión hace casi con Álex González como protagonista. y la Guardia Civil, con el combustible una década. Ha sido un reencuentro Ha sido muy rápido. Recuerdo la justo… Lo pillaron en Vigo porque lo muy esperado por mi parte. Es muy noticia y hablar de ello con los dejaron tirado, pero consiguió hacer práctico y combina muy bien la productores. A los pocos meses me el viaje en esa embarcación. interpretación con grabar de forma dijeron que estaban levantando el Un director exigente. Para el rodaje de la poderosa y hacer que sus proyectos proyecto y contaban conmigo. Da vida serie, liderado por Daniel Calparsoro, se reflejen más presupuesto del que en a Nando, a quien define como un chico construyeron varios submarinos: uno realidad tienen. con mucha intuición, pero con pocas de 20 metros de eslora que se instaló en Con acento. Si en Vivir sin permiso el luces, trasunto de Agustín Álvarez, el puerto de Aguiño para las escenas de acento era neutro –por decisión del el boxeador amateur que capitaneó exteriores, otro pequeño para recrear showrunner, Aitor Gabilondo–, aquí la misión. Valoré la posibilidad escenas de tormenta en una piscina Álex emula con soltura el deje gallego, de visitarlo en la algo que, confiesa, le cárcel, pero luego daba cierto respeto. pensé que era mejor El truco es pensar POR TERCERA VEZ CONTRA LAS CUERDAS desconectar y dar “Prefería que no hubiese boxeo –reconoce el actor de su tercer púgil en la ficción–. Egoístamente que soy gallego. rienda suelta a Cuando estaba en me parecía que ya huele un poco, pero Agustín era boxeador amateur y lo mantuvimos”. la imaginación. Galicia hablaba con No era necesario acento las 24 horas, condicionarnos por no lo dejaba nunca un personaje que no entre toma y toma. está en el imaginario Para hacerlo bien de la gente. tienes que entender Por ‘Segundo asalto’, su primera Fue un boxeador neonazi en En ‘Operación Marea Negra’ ¿Otra de narcos gallela gastronomía, película, fue nominado al Goya ‘Alacrán enamorado’, basada en vuelve a ponerse los guantes gos? Fariña y Vivir la cultura, la a Mejor Actor Revelación. la novela de Carlos Bardem. antes de subir al submarino. sin permiso, en la que arquitectura… 88

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Foto: Valero Rioja.

Por Álvaro Onieva.

‘OPERACIÓN MAREA NEGRA’ Con guion de Natxo López y Patxi Amezcua y dirección de Daniel Calparsoro, la serie cubre la historia real del protagonista hasta su entrada en prisión, pero no se descarta que la ficción pueda continuar. Si se hace una segunda temporada, que la están escribiendo, hay que inventársela. Yo creo que tiene potencial para que llegue a ser un gran narco como Al Pacino en El precio del poder (B. De Palma, 1983). Nando es pura pólvora: una vez que lo prendes no hay vuelta atrás, cuenta el actor.

“DE LOS 20 A LOS 30, SI ME OFRECÍAN EL ARQUETIPO DE HÉROE QUE SALVABA A LA CHICA, BUSCABA LO CONTRARIO. DESPUÉS ME DI CUENTA DE QUE ERA INTELIGENTE POTENCIAR LOS DONES QUE UNO TIENE”.

No puedes hablar con acento gallego y pasar por alto que siete meses al año está lloviendo en Galicia porque eso repercute en el estado anímico. Sin cruzar el charco. Su participación en X-Men: Primera generación (M. Vaughn, 2011) parecía el preludio del salto a Hollywood de Álex González, pero ahora, a diferencia de su personaje, no tiene motivos para cambiar de continente. En su momento pensé que iba a ser más

fácil por pura inconsciencia, pero Los Ángeles es una ciudad dura, muy competitiva, reflexiona. Desde que estuve allí ha cambiado mucho la profesión. Las plataformas han conseguido que los proyectos de habla hispana tengan más fuerza y que series rodadas en un polígono de Madrid se puedan ver en todo el mundo. No hace falta viajar para triunfar internacionalmente. Si me llaman de fuera iría, pero ya no tengo

esa ansiedad. Ahora su objetivo es más sencillo: Si te soy sincero, no busco un personaje concreto, sino divertirme. Durante mucho tiempo he pensado en personajes que quería hacer. De los 20 a los 30, si me ofrecían el arquetipo de héroe que salva a la chica, buscaba lo contrario. Después me di cuenta de que es inteligente potenciar los dones que uno tiene y saber en qué tipo de personajes puedes encajar. ESTRENO: 25 FEBRERO EN AMAZON PRIME VIDEO

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n MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

IRENE ARCOS

JUSTICIA POÉTICA

‘Todos mienten’. Hablamos con la actriz sobre su papel en la nueva serie dirigida por Pau Freixas, sus 11 años cosechando ‘noes’ y el momento en que dejó de ser invisible para ser, sencillamente, imprescindible.

Imagínensela sujetando cables con 24 años en Hospital Central… justo detrás de las cámaras. Estamos a finales de los 90 e Irene Arcos ha estudiado Comunicación Audiovisual en la Complutense porque, además de la interpretación, siempre le ha gustado escribir y no hace demasiado que se ha estrenado Tesis. Ella adora a Amenábar. Así que, por qué no. Es ayudante de cámara y le va bien. Solo que en realidad cuando ve a los actores en acción le corroe la envidia (sana o insana, qué más da) y se ahoga. Allí estaba yo tirando cable, hasta que llegó un momento en que me dije: Solo tenemos una vida. Así que lo dejé todo y para pagarme los estudios en una escuelita de interpretación empecé a trabajar en millones de cosas. Estuve de teleoperadora un tiempo y de acomodadora del Price… Que no te puedes imaginar lo bonito que fue cuando me dieron el premio los compañeros de la Unión de Actores a Mejor Actriz Revelación –por El embarcadero– y la entrega fue allí mismo, ¡en el Price!, que me lo conozco entero. Y es que el éxito, por fin, de Irene Arcos tras 11 años de pequeños papeles y poner el alma y el cuerpo día tras día en su profesión no puede ser tildado de otra cosa más que de justicia poética. Te dicen: Te han descubierto. Pero evidentemente yo ya me había descubierto a mí misma, solo estaba esperando que alguien me mirase de una vez. Algo diferente y potente. Desde 2019, en que rodó la primera temporada de El embarcadero (Movistar+), hasta hoy todo ha sido un encadenar proyectos y recoger premios y nominaciones. No te puedes imaginar la ilusión 90

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Fotos: Valero Rioja y Daniel Escalé Garcia.

Por Isabel Navarro.

que me hizo estar nominada a Mejor y de repente se ha dado cuenta de Actriz de Teatro en los Fotogramas que no es feliz. La pregunta de por 1 de Plata por Traición, de qué no se llena ese vacío Harold Pinter. Y no hemos interior la lleva a tomar 2 3 dejado de verla en Vis a decisiones drásticas, vis, en Élite…; pequeños como si pusiese el piloto papeles en los que no ha automático de la autopodido evitar robar plano. destrucción y en vez de Porque para la mayosolucionar las cosas no ría 2020 fue un año de le importase reventarlo proyectos paralizados o todo en plan kamikaze. perdidos, pero no para Quién es el asesino. Y a ella, que en lo más crudo la cuestión sentimental del crudo confinamiento se suma, por supuesto, 4 5 recibió la llamada del director la criminal. Ya que los Pau Freixas para que fuese seis capítulos de Todos a Barcelona a hacer un casmienten funcionan tamting. Era el peor momento, bién como un puzle de la gente se estaba muriendo piezas desordenadas que y salí de Madrid en un tren el espectador (y el guion) prácticamente vacío con van dosificando hasta un permiso especial, cuatro llevarnos al verdadero 6 mascarillas y el miedo en el asesino… o asesina. Una cuerpo. Al otro lado la espeestructura de cluedo entre raba el director de Héroes cuatro familias que comparten colegio, que en algunos (2010) y de series como Sé quién eres (Antena 3) y la detalles recuerda a la primemítica Pulseras rojas (TV3), ra temporada de Big Little que tras varias pruebas con Lies, y no solo porque Nicole las ventanas muy abiertas Kidman se pasara gran parte CUCHILLOS POR LA ESPALDA para que corriera el aire y no de los flashbacks disfrazada 1. Lucas Nabor es Iván, un joven problemático y atractivo que el virus, le confirmó a la actriz de Holly Golightly mientras seduce a su profesora Macarena (Irene Arcos). ¿O es al revés? que estaba dentro de Todos Irene Arcos aquí lo haga de 2. Juan Diego Botto encarna al hermano y abogado de Macarena, a mienten (Movistar+). Nunca flamenca. El spoiler está en su vez exmarido de Miren Ibarguren, que interpreta a la comisaria que investiga el caso. 3. Ernesto Alterio, padre de Iván, es amigo había tenido la oportuniel propio título de la serie: y compañero de pádel del marido de Macarena (Leonardo dad de contar con todos los Todos mienten. ¿Y quiénes Sbaraglia). 4. Eva Santolaria observa una caja de cuchillos que será guiones de una serie antes son todos? Un reparto con lo crucial en la trama. 5. La madre de Iván (Natalia Verbeke) y Maca de empezar a rodar y me los mejor del cine español que a son amigas íntimas. 6. Un más que agobiado Jorge Bosch que, devoré. Me enganchó porque Irene Arcos le ha parecido un como los demás, miente y miente. ya desde la lectura era evisueño. ¿Qué te voy a decir si dente que íbamos a hacer algo difeen la ficción Juan Diego Botto es mi estabilidad de una urbanización de rente y muy potente. ¿Y por qué cree alto poder adquisitivo donde el secreto hermano; Leo Sbaraglia, mi marido, que es distinto? Por la cabeza que y la mentira son moneda de cambio. y estoy mano a mano con Natalia tiene Pau y por la mezcla de tonos: Qué desea, qué quiere, qué piensa, qué Verbeke, Miren Ibarguren y Eva porque ahora estamos en un thriller siente o qué va a hacer Macarena son Santolaria? Fue un rodaje precioso. y ahora en comedia negra y luego en incógnitas nada fáciles de esclarecer. Porque mientras el mundo estaba en drama, y todo eso ya está planteado Casi como si Irene Arcos sufriera del pausa nosotros vivíamos en nuestra desde la propia escritura. síndrome de la indefinición de Ingrid burbuja de Todos mienten y ahí había En Todos mienten Irene Arcos Bergman en Casablanca, pero filtraun plus de ganas de trabajar y de interpreta a Macarena, cuyo vídeo da por el empoderamiento y la rabia dejarse la piel. Un resistir frente a manteniendo relaciones sexuales con de la tercera ola del feminismo y el la incertidumbre. Y ya ves, del virus un alumno –e hijo de su mejor amiga– #MeToo. Es una mujer que ha consenadie se contagió. es la bomba que dinamita la precaria guido todo lo que ansiaba en la vida ESTRENO: 28 ENERO EN MOVISTAR+

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MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

INTRIGAS Y AMBICIONES Uma Thurman hace doblete con ‘Sospechosos’ y ‘Super Pumped: La batalla por Uber’; Alan Ritchson se convierte en el exmilitar Jack Reacher, y Martin Freeman es ahora un atormentado agente de policía. Por Coral Chamorro. ‘SOSPECHOSOS’ Regreso a televisión. Dos años después de aparecer en la terrorífica Chambers, Uma Thurman, que en el cine solo ha intervenido en la familiar En guerra con mi abuelo (T. Hill, 2020) desde que en 2018 rodara La casa de Jack a las órdenes de Lars von Trier, vuelve a la pequeña pantalla por partida doble. El primero de sus trabajos es Sospechosos, serie criminal de Apple TV+ que adapta un formato original israelí: Falsa identidad (2015). En esta nueva versión, la novia del díptico Kill Bill interpreta a Katherine Newman, una conocida empresaria estadounidense que intenta descubrir quién ha secuestrado a su hijo cuando este estaba en un céntrico hotel de Nueva York. Kunal Nayyar, en un registro muy alejado de su trabajo en la cómica The Big Bang Theory, Georgina Campbell (Black Mirror), Tom Rhys Harries (White Lines) y Elizabeth Henstridge (Agentes de S.H.I.EL.D.) interpretan a cuatro huéspedes de ese mismo hotel que pasan a ser los principales sospechosos. Cuatro personas que no se conocen entre sí y que solo tienen en común la nacionalidad: británica. Noah Emmerich (The Americans) da vida a uno de los agentes que lleva la investigación.

Uma Thurman junto a Noah Emmerich, que interpreta a un agente de policía.

Desde Israel con temor. Maria Feldman (Homeland), creadora de la serie original israelí junto a Amit Cohen (Valley of Tears), forma parte del equipo de esta adaptación como productora ejecutiva. Las labores de showrunner corren a cargo de Rob Williams, forjado en las salas de guion de El hombre en el castillo o Killing Eve y responsable del drama criminal británico The Victim. Chris Long y Stefan Schwartz, realizadores de, entre

Joseph Gordon-Levitt y Uma Thurman.

otras, The Americans, se encargan de la dirección de una serie que se rodó a caballo entre Nueva York y el Reino Unido y cuya producción tuvo que suspenderse al poco de iniciarse, en marzo de 2020, para retomarse meses después y terminar el rodaje el pasado mes de mayo. Un final que puede dar pie, si sigue la trama planteada en el formato original, a una segunda y aún más intrigante temporada. ESTRENO: 4 FEBRERO EN APPLE TV+

‘SUPER PUMPED: LA BATALLA POR UBER’ Las tripas de Silicon Valley. El ascenso y caída de Travis Kalanick, CEO de la compañía Uber. Esa es la trama de la primera temporada de Super Pumped, basada en el best seller de Mike Isaac, La batalla por Uber: Una ambición desenfrenada. Joseph Gordon-Levitt da vida al polémico ejecutivo; Kyle Chandler, a su mentor, y Uma Thurman, a Arianna Huffington, parte de la junta directiva de la empresa. Detrás de la serie está Brian Koppelman, el creador de Billions, quien juntamente con los productores David Levien y Beth Schacter se ocuparán en las siguientes entregas de otros casos que han sacudido el mundo de los negocios. ESTRENO: 28 FEBRERO EN MOVISTAR+

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SERIES TOP ‘REACHER’

Alan Ritchson. como Reacher.

‘¿QUIÉN ES ANNA?’ Las apariencias engañan. El nuevo proyecto de Shonda Rhimes es un drama basado en un escándalo real: el de Anna Delvey, una reina de Instagram que robó el corazón, y las carteras, de la beautiful people de Nueva York. Anna Chlumsky (Veep) como la periodista que destapó el caso, y Julia Garner (ganadora del Emmy por Ozark) como Anna, lideran un proyecto que cuenta con Laverne Cox (Orange Is the New Black) en el cast y David Frankel (El diablo viste de Prada) tras las cámaras. ESTRENO: 11 FEBRERO EN NETFLIX Julia Garner.

Y ahora… en televisión. El exmilitar creado por Lee Child en 1997 del que ha escrito más de una veintena de títulos y que ha encarnado en el cine Tom Cruise desembarca en televisión. Los ocho capítulos de esta ficción se centran en la primera novela, Zona peligrosa, en la que Jack Reacher (Alan Ritchson, visto en Titanes), de paso en un pueblo del estado de Georgia, es acusado de un crimen que no ha cometido. La adaptación del guion corre a cargo de Nick Santora (Prison Break), que también es el productor. ESTRENO: 4 FEBRERO EN AMAZON PRIME VIDEO

CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS. TOP 5 JUAN SILVESTRE

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‘EUPHORIA’ (T. 2). HBO Max ‘MANHUNT: THE NIGHT STALKER’ (T. 1). Filmin ‘AMERICAN CRIME STORY: EL CASO LEWINSKY’ (T. 1).Netflix ‘CÓMO METERSE EN UN JARDÍN’ (T. 1). HBO Max ‘TODAS LAS CRIATURAS GRANDES Y PEQUEÑAS’ (T. 1-2). Filmin y Movistar+

TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ

Bárbara López e Ilse Salas.

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‘SEÑORITA 89’ Belleza y terror. Nueva serie de la argentina Lucía Puenzo, Goya a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana por XXY en 2008. Después de La jauría, regresa como directora y guionista de esta ficción que gira en torno al certamen Miss México y que produce con los hermanos Larraín (Spencer). Ilse Salas es la responsable del concurso, que recibe a las 32 finalistas en su finca, donde recibirán un duro entrenamiento que las pondrá a prueba hasta el límite. ESTRENO: 27 FEBRERO EN STARZPLAY

‘LAS CHICAS DE ORO’ (T. 1 - 7). Disney+ ‘AMERICAN CRIME STORY: EL CASO LEWINSKY’ (T. 1).Netflix ‘HACKS’ (T. 1). HBO Max ‘LA VIDA SEXUAL DE LAS UNIVERSITARIAS’ (T. 1). HBO Max ‘ESTACIÓN ONCE’ (T. 1). HBO Max

TOP 5 ROGER SALVANS

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‘EL PACIFICADOR’ (T. 1). HBO Max ‘YELLOWJACKETS’ (T. 1). Movistar+ ‘LA EDAD DORADA’ (T. 1). HBO Max ‘THE GREAT’ (T. 2). StarzPlay ‘CHUCKY’ (T. 1). SyFy

PONTE EN SERIE

Foto: Valero Rioja.

SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIÉFILO. ADRIANA TORREBEJANO Interpreta a una policía en Sin novedad, de HBO Max. La serie que me marcó: Los Soprano, me enganché a esa familia llena de luz y de oscuridad. Y a Friends, la he visto entera varias veces. No me canso. ¡Ojalá pudiera tomar un café con esa pandilla! Mi último enganche: Me encanta el género true crime, lo devoro todo. Ahora sigo Crims, de TV3.

La serie de culto que abandoné:

Mi personaje favorito: La señora

The Walking Dead, dejaron pasar mucho tiempo entre temporadas y me dio pereza retomarla. Me ocurrió lo mismo con Vikingos.

Maisel y Fleabag, que dan título a las series. Adoro cómo hablan. Y todos los de This Is Us.

¿Cómo y cuándo me gusta verlas? A todas horas, siempre

es buen momento. En casa, de viaje en el AVE, en tiempos muertos en los rodajes… Mi placer culpable: C.S.I. Las Vegas, Miami, NY… Da igual la ciudad (risas).

El que no soporto: Meñique, de Juego de Tronos; Arturito, de La casa de papel, y Pete Campbell, de Mad Men. La maratón de mi vida: Un día de pandemia, mi pareja y yo vimos una temporada de La casa de papel, nos dieron las tantas. The Crown también la vimos en un parpadeo.

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n MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

Por Isabel Vázquez.

In my opinion QUERIDÍSIMA MAMÁ

Martin Freeman por las calles de Liverpool.

‘THE RESPONDER’ Patrullando la ciudad. Martin Freeman, a quien seguimos esperando en la quinta temporada de Sherlock junto a Benedict Cumberbatch, encabeza el reparto de esta miniserie de cinco capítulos inspirada en las experiencias del expolicía y escritor Tony Schumacher, responsable del guion. La acción se desarrolla en las calles de Liverpool, que el agente al que encarna deberá mantener en orden junto a su novata compañera, interpretada por Adelayo Adedayo. De The Responder me fascina su mundo, en el que hay momentos para reír a carcajadas, pero que rápidamente se convierte en otra cosa, comenta Freeman. Dirige Tim Mielants (Peaky Blinders). ESTRENO: 31 ENERO EN MOVISTAR+

‘SEPARACIÓN’

Adam Scott.

Recursos inhumanos. Con el buen sabor que dejó su anterior experiencia como realizador (Fuga en Dannemora), Ben Stiller vuelve a la TV para dirigir esta historia en la que Adam Scott es el jefe de un departamento, cuyos empleados se han sometido a una operación que separa los recuerdos laborales de los personales. Patricia Arquette, John Turturro y Christopher Walken cierran el cast. ESTRENO: 18 FEBRERO EN APPLE TV+

Es un reproche habitual de los hijos de las estrellas que sus progenitores sustituyen tiempo y cariño por pasta y privilegios. O por un buen par de hostias en el caso de Joan Crawford. Todo el mundo se creyó a pies juntillas la versión que vomitó su hija Christina en su día porque una diva tan imponente por fuerza debía ser una mala madre. Les encantaba la idea de tener hijos, pero nunca les interesó criarnos, se lamentaba la protagonista de Hannah y sus hermanas. Pobres niños ricos. Hacks (HBO Max) es la historia de Ava (Hannah Einbinder) y Deborah, dos cómicas de distintas generaciones condenadas a entenderse. A Deborah la interpreta Jean Smart y, solo por eso, la serie ya merecía la pena. Deborah, una tipa brillante, cabeza de cartel en Las Vegas con décadas de experiencia y su propio estanque artificial para pescar carpas, tiene una hija llamada DJ (Kaitlin Olson) que, bien entrados los 40, sigue culpando a Deborah de no prestarle suficiente atención, de no apoyarla en sus proyectos. No sabes la cantidad de cosas que hago por ti, Deborah es altiva y orgullosa, o sea, mala madre y como tantas otras compensa a golpe de chequera las inseguridades de DJ mientras se aguanta las ganas de hacerse un Crawford. Pero Hacks, como Deborah, es mucho mejor de lo que aparenta.

‘OVNI(S)’ Una de platillos volantes. Francia, 1978. Un equipo comandado por un ingeniero espacial fracasado debe investigar las apariciones de platillos volantes que se suceden cada vez con más frecuencia en el país. Clémence Dargent firma la dirección y el guion de esta divertida historia protagonizada por Melvil Poupaud (Verano del 85), Daphne Patakia (Benedetta), Michel Vuillermoz y Quentin Dolmaire. ESTRENO: 8 FEBRERO EN FILMIN

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Jean Smart es Deborah en ‘Hacks’.

Daphne Patakia, Michel Vuillermoz ,Melvil Poupaud y Quentin Dolmaire.

n MULTIPANTALLAS # SERIES # EN CINCO RESPUESTAS

AMAIA ABERASTURI

ANSIAS DE LIBERTAD Con 24 años, la protagonista de ‘Akelarre’ interpreta en ‘La edad de la ira’, adaptación de la novela homónima de Nando López sobre los conflictos sociales que afectan a los adolescentes, a una estudiante de bachillerato feminista, liberal y comprometida. Por C. Ch. 3. Frente al espejo. Sandra, mi personaje, y yo somos risueñas y enérgicas, y hemos sido educadas desde el respeto, pero ella es más tajante y directa. No piensa como la mayoría y defiende su postura frente a compañeros de instituto, profesores o incluso el director. Es cañera. 4. Cuatro en raya. El rodaje fue maravilloso. Me preocupó cómo grabar una relación a tres con Manu Ríos y Daniel Ibáñez. Pero nos caímos bien desde el principio así que la escena salió sola. Me hizo una ilusión enorme coincidir con Eloy Azorín. Pensaba, lo he visto desde niña y ahora lo tengo delante. 5. El día de mañana. Vivo un gran momento gracias a Akelarre, que me ha traído trabajo. Hago lo que me gusta y estoy satisfecha de los resultados. Soy soñadora, pero no profesionalmente hablando. No aspiro a llegar a un sitio concreto, me sirve con seguir en esto, rodeada de personas con las que aprendo. Todo lo que llegue, bienvenido sea. ‘LA EDAD DE LA IRA’ SE ESTRENA EN FEBRERO EN ATRESPLAYER PREMIUM

Foto: María Villanueva.

La hemos visto en películas como Akelarre, por la que fue nominada al Goya a Mejor Actriz Revelación en 2021, y Nora. Y fue haciendo camino en series como Víctor Ros y Cuéntame cómo pasó… Ahora estrena La edad de la ira, dirigida por Jesús Rodrigo (Estoy vivo), y graba la segunda temporada de Bienvenidos a Edén, aunque la primera no se ha emitido todavía. 1. En una serie necesaria. La edad de la ira aborda temas como la homofobia, una lacra de la que hay que hablar. Es verdad que hemos recorrido un gran camino, pero aún queda mucho por hacer para acabar con ella. También toca temas como la intolerancia, la separación de los padres, la represión… 2. Atrapada en su tiempo. Muestra la realidad de los adolescentes de forma cruda, veraz, no se queda en la superficialidad. Y aunque es un drama, nunca deja de lado la alegría que caracteriza a los jóvenes. Es luminosa y esperanzadora. Todo eso la hace muy especial, diferente a otras producciones y es lo que me atrajo de ella.

“NO ASPIRO A LLEGAR A UN SITIO CONCRETO, ME SIRVE CON SEGUIR TRABAJANDO EN ESTO”.

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n MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

AMOR, SEXO Y TERRORES El director de ‘Animals’, Marçal Forés, nos habla de ‘A través de mi ventana’, su versión de la novela juvenil de Ariana Godoy. Además, llegan el último Oso de Berlín, ‘Un polvo desafortunado o polvo loco’, y lo más reciente de Michael Caine. Por C. Ch.

Clara Galle como Raquel y Julio Peña, que da vida a Ares.

» ‘A TRAVÉS DE MI VENTANA’ Un director con personalidad. Marçal Forés sorprendió con su primer largo, Animals (2012), en el que un chico con un oso de peluche de mascota se siente fascinado por un compañero de clase. Y después con la cinta de corte vampírico Amor eterno. Estos trabajos hicieron que los críticos hablaran de ‘romanticismo perverso’ al referirse a su cine. A través de mi ventana, su primera película no original, se aleja de las anteriores aunque comparten el despertar de la sexualidad y el deseo… Son temas que me interesan, dice el director. El personaje de Raquel, la protagonista, resulta muy atractivo. Es una chica fuerte que se aleja del cliché; no intenta cambiar para gustar al chaval del que se ha enamorado. Luego, está su viaje de crecimiento con Ares. Ha sido divertido adaptar la novela con Eduard Solà, continúa, aunque en los ensayos, si algo no encajaba, lo cambiábamos. 96

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Elección de los protagonistas. Para encontrar a los protagonistas de esta exitosísima historia de amor adolescente el casting fue amplio. Hay una cantera de jóvenes impresionante. Nos quedamos fascinados con Clara Galle y Julio Peña. Ella no tenía experiencia, pero es una actriz natural. Él había grabado la serie argentina Bia y en España, Acacias 38. Cuando los

vimos juntos, percibimos explosividad y mucho juego, dice Forés. Sobre las secuencias de mayor voltaje, añade: Gracias a las ganas que le pusieron, fueron de las más divertidas de rodar. Además, nos asesoró Miryam Benedited, coordinadora de escenas íntimas, una figura clave para generar la confianza necesaria. ESTRENO: 4 FEBRERO EN NETFLIX

ÉXITO DE VENTAS A través de mi ventana es el primer libro de la trilogía, incompleta, de la venezolana Ariana Godoy. Lo publicó en 2016 en la plataforma on-line de lectura y escritura Wattpad, que ese mismo año la reconoció con el premio Watty. Tras el éxito digital, llegó la versión en papel en 2019. La productora Nostromo Pictures, con la que tengo relación desde hace años, adquirió los derechos de la novela, y me la pasó para leerla justo cuando se acababa de publicar en España la primera edición. Ahora va por la 17. Ya entonces los lectores pedían que se hiciera una versión en Netflix, cuenta Forés.

La actriz rumana Katia Pascariu.

‘I WANT YOU BACK’

En el amor, todo vale. Jason Orley (El becario) dirige a Charlie Day, Jenny Slate, Scott Eastwood, Gina Rodriguez, Manny Jacinto y Clark Backo en esta comedia romántica en la que dos desconocidos se alían para separar a sus ex de sus nuevas parejas con el fin de recuperarlas. El exitoso tándem de escritores y productores formado por Isaac Aptaker y Elizabeth Berger (This Is Us y Cómo conocí a vuestro padre) está detrás de la cinta, cuya música ha compuesto Siddhartha Khosla. Precisamente suya es la banda sonora de This Is Us, por la que ha recibido numerosos reconocimientos y tres nominaciones a los premios Emmy. ESTRENO: 11 FEBRERO EN AMAZON PRIME VIDEO

Jenny Slate y Charlie Day, dos desconocidos desesperados.

‘UN POLVO DESAFORTUNADO O POLVO LOCO’

Crítica mordaz. Oso de Oro en la última edición del Festival de Cine de Berlín, la cinta de Radu Jude adopta el lenguaje de la sátira para abordar temas como el puritanismo, lo políticamente correcto, los nuevos migrantes y la locura colectiva vivida debido a la pandemia. Y lo hace a través de una profesora (Katia Pascariu) que es recriminada socialmente cuando se filtra un vídeo porno casero. Juzgar es uno de los mayores placeres del ser humano, ese placer aumenta en Internet, asegura el realizador rumano, considerado uno de los más destacados de su país. La película fue censurada en Rusia por ‘promocionar la pornografía’. ESTRENO: 25 FEBRERO EN FILMIN

Michael Caine da vida a un escritor retirado de agrio carácter.

‘BEST SELLERS’

A la vejez… La película que hizo saltar los rumores sobre su retirada, luego desmentidos, ponen a Michael Caine (88 años) en la piel de un escritor que se ve obligado a publicar una novela tras 50 años de sequía. La culpable: la insistente editora Lucy Stanbridge, encarnada por Aubrey Plaza. Curiosamente el actor se ha atrevido con la escritura y ya ha publicado dos libros. Best Sellers es el debut cinematográfico del guionista Anthony Grieco y la directora Lina Roessler. ESTRENO: 6 FEBRERO EN MOVISTAR+

FOTOGRAMAS.ES · FE BRERO 2 022

n MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

Foto: Yana Blajeva.

Leatherface vuelve a las andadas.

‘THE BETA TEST’

Y el infierno era eso. Jim Cummings, responsable de las indies Thunder Road (2018) y El lobo de Snow Hollow (2020), vuelve a ponerse frente a la cámara y también detrás –esta vez dirigiendo junto a PJ McCabe–, para contar una inquietante historia sobre un agente de Hollywood casado que recibe una carta anónima para mantener un encuentro sexual. A partir de ese momento su vida se convierte en un infierno de mentiras e infidelidades. Virginia Newcomb, Olivia Grace Applegate y Kevin Changaris completan el cast de este film que, como el resto de los trabajos de Cummings, mezcla comedia y horror. ESTRENO: 11 FEBRERO EN FILMIN

‘LA MATANZA DE TEXAS’

Regreso terrorífico. Secuela espiritual de la primera entrega de la saga que Tobe Hooper arrancó hace casi medio siglo sobre el asesino en serie que mata a sus víctimas con una motosierra, y que en esta ocasión dirige David Blue Garcia. Una vez más un grupo de jóvenes –entre ellos, Elsie Fisher, en su primer largo desde que deslumbrara con Eighth Grade (B. Burham, 2018)– viaja a un pueblo de Texas para montar un negocio. Su sueño se convierte en pesadilla cuando se topan con un sexagenario Leatherface, que sigue acosando a los habitantes de la zona, entre ellos a Sally (Olwen Fouéré), la única superviviente de la masacre de 1973 y que tiene sed de venganza.

Virginia Newcomb y Jim Cummings.

ESTRENO: 18 FEBRERO EN NETFLIX

‘BIGBUG’

La rebelión de las máquinas. Año 2050, en una sociedad en la que la humanidad depende de la inteligencia artificial para satisfacer sus necesidades, incluso las más íntimas, cuatro robots domésticos secuestran a sus amos. Divertida propuesta de Jean-Pierre Jeunet, el responsable de Amélie (2001), que regresa a la dirección nueve años después de El extraordinario viaje de T.S. Spivet. ESTRENO: 11 FEBRERO EN NETFLIX

Kim Ah-jung, Jang Ki-Yong y Ma Dong-seok.

‘THE BAD GUYS’

Mejor no toparse con ellos. Desde Corea del Sur llega esta cinta de acción que arranca con la huida de un comando criminal cuando el furgón en el que es trasladado a la cárcel sufre un accidente. Para capturarlos, la policía recluta a otro grupo de delincuentes más peligrosos, encarnados por SangJung Kim (el arquitecto); Ma Dong-seok (el músculo), a quien hemos visto en Eternals; Kim Ah-jung (la estafadora), y Jang Ki-Yong (el novato). Se trata del segundo trabajo como director de Yong-ho Son. ESTRENO: 22 FEBRERO EN MOVISTAR+

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Elsa Zylberstein y sus compañeros metálicos.

Kimi (Zoë Kravitz) cree haber descubierto un crimen… y tratará de desentrañarlo.

‘THE STORY OF LOOKING’ »

Reaprender a mirar. Mark Cousins, el director del aclamado documental La historia del cine: Una odisea, repite formato para llevar a la gran pantalla y en primera persona el libro que, con el mismo título, escribió en 2017. Bajo el pretexto de la operación de cataratas a la que debe someterse, reflexiona sobre la acción de mirar. La posibilidad de perder la capacidad de ver le lleva a hacer un recorrido nostálgico por todo lo que ha visto y lo que cree que aún le queda por admirar. Recuerda lugares, edificios y, sobre todo, películas. Son mis ojos adicionales, asegura. ESTRENO: 4 FEBRERO EN FILMIN Cousins en el documental.

‘KIMI’

Thriller pos-COVID. Seis meses después de deslumbrar con el noir No Sudden Move, Steven Soderbergh regresa con, cuenta él mismo, un thriller ambientado en este mundo pos-COVID, en el que los gigantes hi-tech han llenado nuestras casas de aparatos de inteligencia artificial que lo escuchan todo. En el film, Kimi (Zoë Kravitz), una chica que sufre agorafobia y trabaja para una de esas empresas, cree oír un asesinato e investigará. Soderbergh apunta que la cinta es un cóctel de La conversación (F. F. Coppola, 1974), La ventana indiscreta (A. Hitchcock, 1954) y La habitación del pánico (D. Fincher, 2002). Precisamente, David Koepp, guionista de esta última, firma el libreto. ESTRENO: 10 FEBRERO EN HBO MAX

Tim Blake Nelson frente a Stephen Dor�.

‘OLD HENRY’

Western clásico. El director y guionista Potsy Ponciroli viaja al viejo Oeste para contar la historia de Henry (Tim Blake Nelson ), un granjero que cobija a un hombre herido (Scott Haze) con una cartera llena de dinero. Su vida y la de su hijo (Gavin Lewis) corren peligro cuando la cuadrilla a la que pertenece y el sheri� (Stephen Dor�) van a buscarlo. No conocía a Potsy, pero supe que quería trabajar con él cuando me habló de mi personaje. Como padre, me atrajo la relación con su hjo. Siempre me han gustado los westerns y él lo ha rodado de una forma honesta, dice Blake Nelson. ESTRENO: 19 FEBRERO EN MOVISTAR+

Y ADEMÁS… 28 ENERO ‘Jugar en casa’. Dir.: Charles Kinnane. COMEDIA. NETFLIX. 30 ENERO ‘Un romance con Figaro’. Dir.: Ben Lewin. COMEDIA ROMÁNTICA. MOVISTAR+. 1 FEBRERO ‘El asesinato de Kenneth Chamberlain’. Dir.: David Midell. DRAMA. MOVISTAR+. 5 FEBRERO ‘Caballo soñador’. Dir.: Euros Lyn. DRAMA. MOVISTAR+. 13 FEBRERO ‘Allí me encontrarás’. Dir.: Brian Baugh. DRAMA. MOVISTAR+. 16 FEBRERO ‘Los consejos del Dr. Bird para poetas tristes’. Dir.: Yaniv Raz. DRAMA. MOVISTAR+. 18 FEBRERO ‘I predatori’. Dir.: Pietro Castellitto. COMEDIA DRAMÁTICA. FILMIN. 20 FEBRERO ‘Sitting in Limbo’. Dir.:Stella Corradi. DRAMA. MOVISTAR+. 22 FEBRERO ‘Contra’. Dir.: Sönke Wortmann. COMEDIA. MOVISTAR+.

FOTOGRAMAS.ES · FEBR ERO 2 02 2

n MULTIPANTALLAS # DVD + BD

DVD

Milena Smit y Penélope Cruz encuentran la amistad en un lugar inesperado.

EL PASADO NUNCA MUERE ‘Madres paralelas’. Penélope Cruz sublime en la última película de Pedro Almodóvar, que llega ahora en formato home. Por Antonio Rodríguez. Entre tinieblas. Cuando Pedro Almodóvar planteó por primera vez la idea de esta película a Penélope Cruz corría el año 1999 y ambos ya habían rodado juntos Carne trémula y Todo sobre mi madre. Pero no fue hasta el confinamiento que el cineasta encontró el modo de llevarla a la gran pantalla. En sus propias palabras, no he hecho cine social, pero en mis películas hay conciencia social. En esta ocasión, la vida cruzada de dos mujeres y el drama que se desencadena se une en la trama a una temática abiertamente política que habla de las fosas comunes y la herencia de la Guerra Civil. Como productor ejecutivo, Almodóvar ya había abordado el 100

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tema en el documental El silencio de otros (2018), dirigido por Almudena Carracedo y Robert Bahar, galardonado con el premio Goya. Laberinto de pasiones. Janis (Penélope Cruz), fotógrafa de profesión, y Ana (Milena Smit), hija de una famosa actriz (Aitana Sánchez-Gijón en su primer papel con Almodóvar), solteras y embarazadas, coinciden en la habitación del hospital donde van a dar a luz. El hijo que espera Janis es fruto de su relación con Arturo (Israel Elejalde), un antropólogo forense al que acudió para que investigase la existencia de una fosa común en su pueblo. Janis está decidida a criar al bebé sola. Ana, en cambio, se arrepiente de no querer al suyo. Entre ambas mujeres se forja

un fuerte vínculo que cambiará sus vidas para siempre.

Dolor y gloria. Con una acogida algo tímida en la taquilla nacional, su recorrido internacional, en cambio, ha sido muy alabado. Y en especial, el trabajo de Penélope Cruz que, tras la proyección del film en el Festival de Venecia, se convirtió en la primera española en ganar la Copa Volpi a la Mejor Actriz. Punto de partida para que la estrella no deje de cosechar premios al otro lado del Atlántico como el de la National Society of Film Critics de Estados Unidos, que podrían posicionarla para los Oscar. La película ha recibido ocho nominaciones a los próximos Premios Goya, entre ellos a la Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz Protagonista para Cruz.Editada por Sony, los extras del Blu-ray son el making of y una serie de clips. También disponible en DVD, en este formato no contiene extras. LANZAMIENTO: 18 FEBRERO

n MULTIPANTALLAS # DVD + BD NEWS Por Jesús Palacios. m

La cripta embrujada PASIÓN POR SAYLES

Blanca Portillo, en la piel de Maixabel Lasa.

SEGUNDAS OPORTUNIDADES La portentosa interpretación de Blanca Portillo en duelo con Luis Tosar y uno de los mejores guiones de la cineasta Icíar Bollaín (escrito junto a Isa Campo) llenan de emoción contenida Maixabel, una de las películas del año, nominada a 14 Premios Goya. La historia de los encuentros restaurativos entre las víctimas y los exmiembros de ETA (en este caso Maixabel Lasa, con uno de los asesinos de su marido) se edita en DVD y Blu-ray (3 de febrero, Divisa). De los extras destacan 10 piezas de making of. Además, la edición limitada en Blu-ray aporta un libreto ilustrado de 32 páginas con textos de la directora y los productores. Tom Hardy en un papel a su medida.

CONVIVIENDO CON EL ENEMIGO Basándose en una idea original del propio Tom Hardy, Venom: Habrá matanza, taquillera secuela dirigida por Andy Serkis (Mowgli: La Leyenda de la selva, 2018), mantiene idénticos parámetros cómicos y sangrientos que la exitosa Venom (Ruben Fleischer, 2018). Eddie Brock (Hardy) sigue luchando por entenderse con el simbionte que lleva dentro, mientras que otro simbionte, el peligroso Matanza, posee al psicópata Cletus Kasady (Woody Harrelson). En DVD, Blu-ray, 4K UHD, destaca una edición especial limitada en caja metálica. Los jugosos contenidos adicionales, reservados al Blu-ray, incluyen, entre otros, escenas eliminadas, tomas falsas, los documentales Eddie y Venom: La extraña pareja y Habrá… ¡acción! (este último también disponible en DVD). Edita Sony (18 de febrero).

Hay figuras en la historia del cine que, como sombras, tras el fatuo decorado de Hollywood, despiertan más mi pasión que aquellas siempre en boca de todos. Mientras el mundo está lleno de fanáticos que ensalzan al irregular y oportunista Spielberg, yo me deleito en recuperar y seguir la carrera un tanto oscura de John Sayles, uno de los últimos ejemplares auténticos del Nuevo Hollywood progresista y humanista que nos quedan, sin haber sido pervertido por el sistema ni perdido el norte. Mientras con una mano creaba clásicos del cine independiente de verdad, como El hermano de otro planeta (1984), con la otra convertía en perlas de la Serie B títulos como Piraña (1978), Los 7 magníficos del espacio (1980), La bestia bajo el asfalto (1980) o Aullidos (1981). Y mi homenaje perpetuo a su genio es volver a ver, cada cierto tiempo, Passion Fish (1992), que ahora reedita Sony en Blu-ray. Con dos actrices en estado de gracia, Mary McDonnell y Alfre Woodard, y uno con mucha gracia, David Strathairn, Passion Fish, que acercó a Sayles a las mieles del Oscar pero no era suficientemente melosa para obtenerlas, es la perfección del drama intimista, humano y delicadamente sentimental hecha cine. La atmósfera mágica del bayou y el Deep South, fotografiados por Roger Deakins, la música tradicional cajún, y un guion escrito con el ingenio y sensibilidad de un narrador americano clásico, se conjugan para ofrecer una singular oda a la amistad femenina, por encima de razas y clases, a la superación personal y a los encantos de la vida sencilla, que, como todo el cine de Sayles, representa los mejores valores liberales, desprovistos de revanchismo, misandria, moralismo o ánimo cancelador alguno. Una lección de cine y vida.

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n MULTIPANTALLAS # DVD + BD

‘Eternals’

‘La familia Addams 2’

DIR.: CHLOÉ ZHAO. INT.: RICHARD MADDEN, GEMMA CHAN, ANGELINA JOLIE, SALMA HAYEK. (DISNEY). FANTÁSTICA.

DIR.: GREG TIERNAN, CONRAD VERNON. INT.: OSCAR ISAAC, CHARLIZE THERON, CHLOË GRACE MORETZ. (UNIVERSAL). COMEDIA.

Marvel inclusiva. Con la direc-

En ruta. Tras el inesperado éxito en

ción de la oscarizada Chloé Zhao (Nomadland, 2020), Eternals narra las aventuras de un grupo de personajes inmortales que llegaron a la tierra hace 7.000 años y que se habían mantenido ocultos hasta ahora, cuando los Desviantes aparecen para amenazar nuestro planeta. La versión home del film aporta pista de audio con comentarios de la directora y los responsables de los efectos especiales, los documentales Inmortalizados y Ámbitos sociales, tomas falsas y cuatro escenas eliminadas. Disponible en caja metálica, UHD+Blu-ray, Blu-ray y DVD (en este formato no tiene extras).

2019 de la primera película animada basada en las clásicas creaciones de Charles Addams, llega esta secuela en la que repiten los personajes principales y se unen al elenco las voces de Bill Hader y Wallace Shawn. Gomez está preocupado porque piensa que los niños empiezan a alejarse de él y de Morticia, por lo que decide llevarse a toda la familia a unas vacaciones. Como es de esperar, durante el viaje las aventuras y los sustos son constantes. Disponible en DVD y Blu-ray, incluye los minidocumentales Somos los Addams, El valor de la locura y El viaje por carretera de La Familia Addams.

LANZAMIENTO: 9 FEBRERO

LANZAMIENTO: 18 FEBRERO

‘Dios, ¿por qué eres tan idiota?’ DIR.: ANDRÉ ERKAU. INT.: SINJE IRSLINGER, MAX HUBACHER, TIL SCHWEIGER. (F&P MEDIA). COMEDIA DRAMÁTICA.

Últimos deseos. Basada en una historia real, esta película alemana narra las aventuras de Steffi (Sinje Irslinger), una adolescente de 16 años a quien en un chequeo rutinario le diagnostican un cáncer terminal. Aunque sus padres (Heike Makatsch y Til Schweiger, conocido internacionalmente por su papel en Malditos bastardos, 2009) intentan protegerla lo máximo posible, Steffi no quiere estar en el hospital y en el año de vida que le queda se dispone a vivir todo tipo de aventuras. Editada únicamente en DVD, no contiene extras. LANZAMIENTO: 18 FEBRERO

NEWS

PETER PAN ANTE LA CORRUPCIÓN Llega por primera vez en 4K UHD Caballero sin espada (Sony), una de las indiscutibles obras maestras del cine, dirigida en 1939 por Frank Capra y protagonizada por James Stewart, Jean Arthur y Claude Rains. El material adicional comprende, entre otros, un comentario de Frank Capra Jr, el documental El sueño americano de Frank Capra y un largometraje documental presentado por Ron Howard. Disponible el 18 de febrero.

DÍAS DE ALCOHOL Y MUERTE A Contracorriente lanza el 15 de febrero en Blu-ray Bajo el volcán, una de las últimas películas de John Huston, basada en la novela de Malcolm Lowry que cumple ahora 75 años. Albert Finney fue nominado al Oscar por su gran intepretación de un excónsul al que el pasado y el alcoholismo llevan a la perdición. Incorpora el tráiler, una presentación del historiador del cine Patrick Brion y el documental Bajo el volcán: La borrachera lúcida. 102

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Por Adonías.

VIDEOJUEGOS

O EL JUEMG ES DEL

ALFRED HITCHCOCK VERTIGO De Pendulo Studios para PC (ya disponible) y PlayStation 5 y 4, Xbox Series X|S, Xbox One y Nintendo Switch (lanzamiento: 2022). 29,99 €

HALO INFINITE De 343 Industries para Xbox Series X|S, Xbox One y PC. 69,99 €

La saga Halo arrancó en 2001 como un Starship Troopers en exceso historiado y sin humor made in Paul Verhoeven: marines espaciales combatiendo engendros alienígenas ambientado por las percusiones tribales con pinceladas roqueras sobre lienzo de voces monacales compuesto por Martin O’Donnell y Michael Salvatori. Rabiosa visceralidad primigenia hecha pegatiros en primera persona, pura fiereza tecnológica con amplísimos entornos apenas contenidos por la recién nacida consola Xbox. Halo Infinite desbasta y refina aquellos logros añadiendo saltarina versatilidad lúdica con el uso del gancho, e inmersiva aptitud narrativa de epopeya estelar en mundo abierto.

No hay mejor forma de adaptar una obra que recuperar la esencia de la original –en este caso, cinematográfica– para crear una versión –la nueva, lúdica– de la misma. Este Vertigo se inspira más temática que argumentalmente en el film, ejecutando suspense antes que sorpresa, acción psicológica y confusión onírica, vía macgu�n, excelente guion y Dolly Zoom.

AETERNA NOCTIS Treyarch, De Aeternum Game Studios S.L para PlayStation 5 y 4, Xbox Series X|S, Xbox One y PC. 29,99 €

La excusa argumental que brinda el ser despojado de poderes durante la pugna que mantienen el Rey de la Oscuridad y la Reina de la Luz, origina en Aeterna Noctis una inteligentemente ejecutada mecánica clásica de estructura metroidvania. Un desafío suavizado con puntos de control que mesura plataformeo, acción y elementos rol que discurren con fluidez por niveles bien diseñados y plasmados.

SHOPPING

EL CAMINO A CASA

UNA ALIANZA DE CINE Por segundo año consecutivo, la aseguradora Divina Pastora patrocina la gala de los Goya, que se celebrará el 12 de febrero en Valencia, como parte del acuerdo firmado con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Además ha creado el concurso Cortos Divinos, que premiará los tres mejores trabajos.

Tejidos naturales, muebles multifunción, ideas para nuevos espacios y cambios de color son algunas de las tendencias que el interiorista y director creactivo Alberto Torres propone en portobellostreet.es para convertir la casa en un lugar más acogedor. Creaciones aptas para todos los presupuestos con piezas imprescindibles o caprichosas con las que renovar el estilo de vida.

EL TIEMPO EN SUS MANOS Inspirado en los bosques de abedules blancos de Japón, el diseño del Grand Seiko bien podría ajustarse a las exigencias del elegante y distinguido James Bond. Esta joya del tiempo tiene brazalete de acero inoxidable, cristal de zafiro de doble curvatura con revestimiento antirreflectante en el que destaca el segundero azul y una autonomía de 120 horas.

AUTO MÓVIL My Ami Buggy, el nuevo Citroën eléctrico que se puede conducir sin carné, es ideal para las escapadas al campo o a la playa. Bien equipado, tiene techo panorámico y visera, para proteger del clima adverso.

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REWIND & FAST-FORWARD

Bob Hope (a la dcha.) anfitrión de la 27ª edición de los Oscar, junto a Marlon Brando, ganador del premio a Mejor Actor por ‘La ley del silencio’ (1954).

Carta de presentación De gala. La brújula cinéfila ya apunta al 27 de marzo, fecha de la 94.ª edición de los premios Oscar. Ceremonia que, después de dos años, volverá a ser conducida por un presentador. A cierre de estas páginas y con la rumorología disparada, ese anfitrión no tenía cara. Buen momento para devolvérsela al cómico Bob Hope (1903–2003), rey de la comedia y faro para generaciones de humoristas norteamericanos. Hope actuó como maestro de ceremonias en los Oscar en 18 ocasiones, entre las décadas de 1940 y 1970. Su labor resultó querida y popular aunque, paradójicamente, nunca fue premiado por su trabajo como actor. Deberíais darme una estatuilla solo por venir, dijo con ironía en 1986. Eso sí: recibió cuatro Oscar honoríficos. u

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Realización: Verónica Suárez. Ayudante de fotografía: Sara Guillén. Ayudante de estilismo: Jorge Gilarranz. Peluquería y maquillaje: Miguel Ángel Álvarez. Michelle lleva look de Chanel y zapatos de Jimmy Choo.

Lleva casi dos décadas colándose en nuestros hogares con su sonrisa dulce y su perfeccionismo. Una actriz capaz de dotar de verdad todo lo que toca, y que ahora vuelve a poner voz a la guerrera Aloy de ‘Horizon Forbidden West’, el videojuego más esperado de PlayStation. Por Isabel Navarro.

Michelle JUGANDO EN SERIO

ichelle Jenner no es una actriz de método. Lo dice ella misma: Mi método es no tener método. Pero sí una actriz absolutamente metódica. Una artesana de su oficio, que combina intuición, escucha y trabajo concienzudo en cada uno de sus proyectos. Esta es la segunda vez que se pone al servicio de Aloy, la heroína del videojuego de PlayStation Horizon Zero Dawn, un mundo posapocalíptico dominado por unas criaturas mecánicas, que ahora crece y se expande en el esperadísimo Horizon Forbidden West. Si en la primera edición Michelle Jenner le dedicó a la grabación unas 80 horas, con esta nueva entrega la apuesta se ha elevado y ha llegado a superar las 150 dentro del estudio. El juego tiene tantas posibilidades, al ser de mundo abierto, que las variables se multiplican, explica la actriz cuya voz mantiene el tono dulce y versátil que le conocemos desde los tiempos en que Hermione Granger, la mejor amiga de Harry Potter, decía aquello de se dice leviosa, no leviosá… Entonces tenía 14 años y hoy

La gran ilusión. “Desde pequeña tuve claro que la interpretación iba en serio. Entonces quería demostrar que era una profesional y ahora lo que intento es hacer mi trabajo sin perder la capacidad de jugar en serio que tienen los niños”.

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ha cumplido los 35, por lo que el habla de su Aloy es más intensa, más fiera y más sabia que la de aquella marisabidilla encantadora. Su Aloy es pura épica. Tal vez porque a estas alturas de su vida Jenner ya sea completamente dueña de sus registros, pero también porque es evidente que en cada uno de sus pasos hay un cierto componente de placer. A Michelle se le da bien la alegría. Su risa es contagiosa. Disfruta dejándose peinar y maquillar. Disfruta cogiendo un arco. Disfruta de la sesión de fotos. Le encanta jugar a la PlayStation desde niña. Y se aplica también en el arte de la interpretación con la connotación lúdica que implica su oficio en francés (jouer) o en el inglés (play). Cuenta que durante el confinamiento decidió comprarse un arco y desde entonces disparar flechas se ha convertido en una de sus aficiones favoritas. Pero lo puedo hacer porque vivo a las afueras y tengo bastante espacio para practicar sin lesionar a nadie, ¿eh? No es un secreto que Michelle vive en el campo, cultiva tomates y suele regalar a los amigos lechugas de su huerto. Tampoco es un secreto que en 2019 tuvo un hijo que se llama Hugo y que su pareja es un adiestrador de perros cuyo nombre, Javier García, es en realidad completamente irrelevante. Michelle sale a menudo en las revistas del corazón porque al público le interesa, pero elude hablar de su vida privada con elegancia. Es escurridiza y hace un quiebro perfecto para contarte, por ejemplo, que sus cuatro perros se llaman Chiwi, por Chiwaka; Audrey, por Audrey Hepburn; Ringo (porque tenía cara de Ringo), y Siete. Además de tirar con arco, ¿qué otras habilidades ha tenido que aprender para sus películas? Para No tengas miedo (Montxo Armendariz, 2011) a tocar el chelo. También sé montar a caballo, y no solo a horcajadas porque para el personaje de Isabel iba siempre a lo amazona. En La sombra de la ley me metí a fondo en la conducción de coches de los años 20. Las persecuciones que hacíamos por los maizales en Galicia eran muy divertidas. Y claro, también sé disparar armas porque cuando manejas una pistola delante de la cámara tiene que parecer algo orgánico. Lleva trabajando en esta profesión desde los seis años y apenas recibió algunas clases de interpretación. ¿Cuál es su método? Siempre digo que yo he aprendido trabajando. Me considero muy intuitiva y creo que a veces la clave está en encontrar ese equilibrio entre lo cerebral y lo visceral. En mi propia experiencia, cuando he intentado tenerlo todo bien colocado mentalmente es cuando las cosas no han funcionado. Hugo Silva, que ha sido tantos años su pareja en pantalla, dice que su peor defecto es que es perfecta y que en los rodajes la llama ‘Michelle one take’ porque suele clavarlo en la primera toma. Qué va. Eso lo dice porque nos une el cariño, pero yo no me veo así. Como profesional soy muy concienzuda, pero nunca tengo la sensación de estar haciendo algo perfecto. Lo perfecto me aburre. A mí lo que me gusta es ponerme a prueba. ¿Cuál diría que ha sido el papel más difícil de su carrera? Uf, hay muchos, sobre todo Isabel, porque a lo largo de las temporadas no dejaba de cambiar. No podías quedarte estancada en lo que tú creías que era tu personaje. También me fascinó hacer a la Sara de La sombra de la ley. Es un per-

En la pág. de la izda., chaqueta de Dior y un mando de la PSP. A la dcha., twin set rosa de Chanel, pantalón de & Other Stories y anillo de Roger Vivier. Abajo, total look de & Other Stories.

VIDEOJUEGO # HORIZON FORBIDDEN WEST # ENTREVISTA

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‘HORIZON FORBIDDEN WEST’ En la esperada secuela de ‘Horizon Zero Dawn’, Aloy consigue que un nuevo mundo se alce sobre sus ruinas. CIFRAS DE VÉRTIGO Creado por el estudio holandés Guerrilla Games como juego exclusivo para PlayStation, Horizon Zero Dawn se convirtió desde su lanzamiento en 2017 en un éxito arrollador que ya ha vendido casi 11 millones de copias. LA ALOY DE MICHELLE Si mi voz suena épica es porque intento asemejarme a la original del vídeo en inglés, que es la de Ashly Burch. Pero también le aporto una parte propia de cómo entiendo al personaje, dice Jenner. Aloy me inspira. Es una guerrera con mucho poder y claro, la voz tiene que ir acompasando ese carácter. PREMIADA En 2017, Michelle obtuvo el Premio Titanium (Fun & Serious Game Festival) a Mejor Interpretación por Horizon Zero Dawn y es muy querida por la comunidad gamer. UN NUEVO MUNDO Uno de los pilares de Horizon Zero Dawn que se mantienen (y que incluso se potencian) en esta secuela es la del mundo abierto inmersivo, que es aún mayor y más interactivo que en las ediciones anteriores y además incluye la posibilidad de un modo de exploración subacuática. Perderse por las zonas de vegetación densa, de alta montaña o por la tundra y encontrarse con máquinas y tribus nuevas proporcionará aún más posibilidades de aventura. UN SALTO TÉCNICO Cada nueva generación de consolas trae más potencia. Además de que la carga es casi instantánea, gracias a la velocidad de la consola PS5, la sensación de inmersión es más efectiva debido a la mejora espectacular de

los gráficos y a los gatillos adaptativos del mando inalámbrico DualSense, que permite al jugador sentir la tensión de la cuerda del arco de Aloy o de su nuevo garfio, además de la resistencia de los gatillos con las armas pesadas de las tribus y las máquinas. VER, OÍR, SENTIR La tecnología de sonido 3D Tempest en auriculares compatibles propicia que el jugador escuche cómo los paisajes del juego cobran vida, ya sea la vegetación que se mueve con el viento, las aves que vuelan sobre su cabeza o las gigantescas máquinas acuáticas. Es decir, puede que no vea llegar al enemigo, pero sí podrá oírlo. MISTERIOS POR RESOLVER En Horizon Zero Dawn, Aloy pasa de ser la persona más irrelevante del mundo a ser la más importante. Perteneciente a una tribu matriarcal, pero de madre desconocida, estaba considerada una paria, pero no solo se convierte en la mejor cazadora de máquinas, sino que también descubre que ella es la clave para comprender el pasado de la Tierra y salvar su futuro. LA PLAGA ROJA La nueva historia arranca seis meses después de los sucesos ocurridos en Horizon Zero Dawn. Aloy ha viajado al Oeste Prohibido para investigar una misteriosa y mortífera plaga. En estas ignotas tierras, conocerá nuevas y extrañas tribus y combatirá contra máquinas más letales si cabe. Junto con viejos amigos y nuevos compañeros, se adentrará en este desconocido territorio para tratar de hallar las respuestas que necesita para salvar la vida en la Tierra. COMPATIBLE El nuevo videojuego contará con versiones tanto de PS4 como de PS5. u LANZAMIENTO: 18 FEBRERO

Fotos: cortesía de Sony Interactive Entertainment.

sonaje muy fuerte al que le ocurre de todo… Pero probablemente el más complicado fue el de No tengas miedo, porque hay cosas que son muy difíciles de entender acerca de lo que está pasando por la cabeza de una víctima de abusos. Y yo no dejaba de preguntarme: Pero, ¿por qué va a sentir culpa una víctima? Conocí a mujeres que habían pasado por esa experiencia y al final lo fui entendiendo, pero fue algo durísimo. Hizo esa película con 25 años y a Los hombres de Paco llegó con 18. ¿Cuándo ser actriz pasó de ser un juego a ser un trabajo? Desde muy pequeña tuve claro que aquello iba en serio. Entonces quería demostrar que era una profesional y ahora lo que intento es no perder la capacidad de juego. Seguir siendo capaz de hacerlo como los niños, que juegan en serio. Algunos niños actores se quejan de haber sido explotados… Pero yo siempre sentí que había un equilibrio. Todos me cuidaban. Además me gustaba mucho compartir una sala de rodaje y los atriles con actores a los que admiraba. Y con su propio padre… Pero con él no he trabajado tanto. La que sí hicimos juntos fue La vida es bella, de Roberto Benigni. Todavía me acuerdo que cuando Iosué, o sea yo, dice gritando: Hemos ganado, hemos ganado, rompí a llorar. Toda la lucha del padre por mante“ME CONSIDERO MUY INTUITIVA ner su inocencia me Y CREO QUE A VECES LA CLAVE emocionó y me sigue ESTÁ EN ENCONTRAR ESE emocionando. ¿Cuál de las actrices interEQUILIBRIO ENTRE LO nacionales actuales sería VISCERAL Y LO CEREBRAL”. su modelo? Elisabeth Moss, me encanta todo lo que hace y cómo lo hace. En su próximo trabajo repite de nuevo junto a Mario Casas. Dirigen los hermanos Pastor y está basada en la película A ciegas, de Sandra Bullock. Es la primera vez que hago una de terror y ha sido divertidísimo (risas). Me encanta el miedo. Resulta paradójico que durante mucho tiempo tanto el lector masculino como el espectador haya sido reticente a identificarse con la ficción protagonizada por una mujer, pero que no ocurra lo mismo en el mundo del videojuego: Aloy es una estrella. Puede que en algún momento haya sido así, pero creo que es algo que ha ido cambiando y lo digo porque tengo muchos amigos que también disfrutan y se identifican con personajes femeninos. Lo que hacía falta es que se escribiesen y se rodasen de una vez. Hace unos años parecía que el sector del videojuego estaba enfocado a un público masculino, pero ahora está ya más que demostrado que somos muchísimas gamers. A mí me da igual cuando estoy a los mandos ser un tío que mata zombis o convertirme en Aloy, porque ser una guerrera maravillosa en un mundo posapocalíptico me inspira y me hace soñar y estoy segura de que a ellos también. u

1. Aloy pasa de ser una paria a la mejor cazadora. 2. En el peligroso pero luminoso Oeste Prohibido, encontrará vestigios de nuestro mundo como el Golden Gate. 3 y 4. Los fans del ‘cosplay’ adorarán sus nuevos atuendos. 5. Otra novedad es el modo subacuático. 5

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