2GDossier Iberoamérica by Ariadna Cantis Silberstein

Arquitectura emergente iberoamericana

Ibero-American Emerging Architecture

Ariadna Cantis Emergencias iberoamericanas Ibero-American emergences

Pezo von Ellrichshausen Arquitectos Casa Rivo, Valdivia Rivo House, Valdivia Casa Poli, península de Coliumo Poli House, Coliumo Peninsula Martín Alonso y Daniel Rosenberg Cobertizo y galpón, península El Panul Lean-to and shed, El Panul Peninsula Max Nuñez y Bernardo Valdés Casa camino a Farellones, Santiago de Chile House on the road to Farellones, Santiago uro1.org Prototipo m7, Punta de Gallo, Tunquén m7 prototype, Punta de Gallo, Tunquén

Rozana Montiel Entre espacios Interspaces

ARGENTINA a77 Plug out unit, Boulogne Sur Mer Plug out unit, Boulogne Sur Mer Alexis Rochas Proyectos hinchables, California Inflatable designs, California Ana Rascovsky Baño, Tigre Bathhouse, Tigre Ariel Jacubovich Reforma y ampliación de vivienda, Buenos Aires Remodelling and extending of an apartment Buenos Aires Dieguez Fridman arquitectos & asociados Edificio de viviendas, Buenos Aires Apartment building, Buenos Aires Tomás Saraceno Air-port-city Air-port-city BRASIL BRAZIL Alexandre Cafcalas Arquitectura anacoreta Anchorite architecture UNA Arquitetos Escuela Telêmaco Melges, Campinas Telêmaco Melges School, Campinas Nitsche Arquitetos Associados Casa en la Barra Do Sahy, São Sebastião House in Barra Do Sahy, São Sebastião Procter-Rihl Casa rebanada, Porto Alegre Slice house Porto Alegre

COLOMBIA JPRCR + Planb Orquideorama, Medellín Orquideorama, Medellín Planb Colegio Hontanares, Retiro Hontanares School, Retiro Felipe Arturo Videoinstalaciones Video-installations Husos Casa Taller Croquis, Cali Taller Croquis House, Cali ESPAÑA SPAIN Andrés Jaque Tejido Automático Automatic Fabric Casa Tupperware, Madrid Tupperware House, Madrid Antonio Abellán Una casa entre limoneros, Aljucer, Murcia A house among lemon trees, Aljucer, Murcia

CHILE Patricio Mardones Genio y figura Genius and figura

MÉXICO MEXICO José Manuel Castillo Sistema Operativo México. Prácticas y tácticas arquitectónicas recientes en la metrópolis Operating System Mexico. Recent architectonic practices and tactics in the city

Alejandro Beals, Christian Beals Casa en el lago Rupanco House on Lake Rupanco Felipe Assadi Casa 20 x 20, Santiago de Chile 20 x 20 House, Santiago

Pilar Echezarreta Proyectos inflables, París Inflatable designs, Paris Michel Rojkind Casa PR34, Tecalmachaco PR34 House, Tecalmachaco

PERÚ PERU Beno Juárez Sim.bio.sis, Lima Sim.bio.ses, Lima 51-1 arquitectos Agencia de viajes, Lima Travel agency, Lima PORTUGAL Pedro Gadanho ¿Resurgirá de nuevo el sur? (Sobre la emergencia de la emergencia) Will the South rise again? (On the emergency of emergency) Pedro Bandeira Entrada de emergencia, São Paulo Emergency entrance, São Paulo Pedro Gadanho, a.s* atelier de santos Ellipse Foundation Art Center, Cascais, Lisboa Ellipse Foundation Art Center Cascais, Lisbon Moov Seta amarella Seta amarella

2GDossier 2GDossier Iberoamérica

2GDossier

VENEZUELA Mateo Pintó, Matías Pintó Conectores peatonales, San Miguel de la Vega, Caracas Pedestrian connectors San Miguel de la Vega, Caracas Supersudaca ¡Al Caribe! Biografías Biographies

Iberoamérica Arquitectura emergente Emerging Architecture

2GDossier

GG Directora Editor-in-chief Mónica Gili | Editora Editor Ariadna Cantis | Coordinación editorial Editorial staff Carlota Estaún, Carolina Vidal | Diseño Gráfico Graphic design PFP, Quim Pintó, Montse Fabregat | Traducción Translation Julia Capomaggi, Paul Hammond | Corrección de estilo Text revision Carme Muntané, Paul Hammond | Suscripciones Subscriptions Editorial Gustavo Gili, SL Tel. 93 322 81 61 / Fax 93 322 92 05 | Publicidad Advertising Pilar Tendero García | Tel. 93 580 39 33 / Fax 93 691 84 47 Rosselló 87-89. 08029 Barcelona | Producción Production Andreas Schweiger | Fotomecánica Colour separations Rovira Digital, SL | Impresión Printing Ingoprint | Encuadernación Binding Reinbook, SL | Printed in Spain. Depósito legal: ????????. ISBN: 978-84-252-2153-8 | Precio en España Price in Spain 29,50 € IVA incluido | ISSN: ????????. © Editorial Gustavo Gili, SL, 2007 | Editor Publisher Editorial Gustavo Gili, SL 08029 Barcelona Rosselló 87-89. Tel. 93 322 81 61 / Fax 93 322 92 05. e-mail: info@ggili.com - http://www.ggili.com Portugal, 2700-606 Amadora Praceta Notícias da Amadora Nº 4-B. Tel. 214 91 09 36 Queda prohibida, salvo excepción prevista en la ley, la reproducción (electrónica, química, mecánica, óptica, de grabación o de fotocopia), distribución, comunicación pública y transformación de cualquier parte de esta publicación —incluido el diseño de la cubierta— sin la previa autorización escrita de los titulares de la propiedad intelectual y de la Editorial. La infracción de los derechos mencionados puede ser constitutiva de delito contra la propiedad intelectual (arts. 270 y siguientes del Código Penal). El Centro Español de Derechos Reprográficos (CEDRO) vela por el respeto de los citados derechos. La Editorial no se pronuncia, ni expresa ni implícitamente, respecto a la exactitud de la información contenida en este libro, razón por la cual no puede asumir ningún tipo de responsabilidad en caso de error u omisión. All rights reserved. Legally constituted exceptions aside, no part of this publication, including the cover design, may be reproduced, distributed, publicly transmitted or transformed by any means, electronic, chemical, mechanical, optical, tape recording or photocopy, without prior permission in writing from both the copyright holders and the Publisher. Infraction of the rights mentioned may constitute an infringement of intellectual copyright (articles 270ff of the Penal Code). The Spanish Centre for Reprographic Rights (CEDRO) looks after the respecting of the rights cited above. The Publisher makes no assertion, either expressly or implicitly, as to the accuracy of the information contained in this book, and so cannot assume responsibility of any kind in the event of error or omission.

2GDossier

2GDossier 4

Emergencias iberoamericanas

Ibero-American emergences

a77

Plug out unit, Boulogne Sur Mer

Alexis Rochas

Proyectos hinchables, California

Inflatable designs, California

Ana Rascovsky

Baño, Tigre

Bathhouse, Tigre

Ariel Jacubovich

Reforma y ampliación de vivienda, Buenos Aires

Remodelling and extending of an apartment Buenos Aires

Dieguez Fridman arquitectos & asociados

Edificio de viviendas, Buenos Aires

Apartment building, Buenos Aires

Tomás Saraceno

Air-port-city

Alexandre Cafcalas

Arquitectura anacoreta

Anchorite architecture

UNA Arquitetos

Escuela Telêmaco Melges, Campinas

Telêmaco Melges School, Campinas

Nitsche Arquitetos Associados

Casa en la Barra Do Sahy, São Sebastião

House in Barra Do Sahy, São Sebastião

27 30

Procter-Rihl

Casa rebanada, Porto Alegre

Slice house, Porto Alegre

Patricio Mardones

Genio y figura

Genius and figure

Alejandro Beals, Christian Beals

Casa en el lago Rupanco

House on Lake Rupanco

38 41

Felipe Assadi

Casa 20 x 20, Santiago de Chile

20 x 20 House, Santiago

Pezo von Ellrichshausen Arquitectos

Casa Rivo, Valdivia

Rivo House, Valdivia

Casa Poli, península de Coliumo

Poli House, Coliumo Peninsula

Martín Alonso y Daniel Rosenberg

Cobertizo y galpón, península El Panul

Lean-to and shed, El Panul Peninsula

Max Nuñez y Bernardo Valdés

Casa camino a Farellones, Santiago de Chile

House on the road to Farellones, Santiago

uro1.org

Prototipo m7, Punta de Gallo, Tunquén

m7 prototype, Punta de Gallo, Tunquén

JPRCR + Planb

Orquideorama, Medellín

Planb

Colegio Hontanares, Retiro

Hontanares School, Retiro

Felipe Arturo

Videoinstalaciones

Video-installations

Husos

Casa Taller Croquis, Cali

Taller Croquis House, Cali

68 72 76 78

Ariadna Cantis ARGENTINA

7 10 14 16

BRASIL BRAZIL

CHILE

44 48 52 58

COLOMBIA

Cubierta: Favela Paraisopolis, São Paulo, Brasil Cover: Favela Paraisopolis, São Paulo, Brazil © Armin Linke, courtesy Galerie Klosterfelde Berlin

Iberoamérica Arquitectura emergente Emerging Architecture ESPAÑA SPAIN Andrés Jaque

84 86 90

Tejido Automático

Automatic Fabric

Casa Tupperware, Madrid

Tupperware House, Madrid

Una casa entre limoneros, Aljucer, Murcia

A house among lemon trees, Aljucer, Murcia

José Manuel Castillo

Sistema Operativo México. Prácticas y tácticas arquitectónicas recientes en la metrópolis

Operating System Mexico. Recent architectonic practices and tactics in the city

Pilar Echezarreta

Proyectos inflables, París

Inflatable designs, Paris

Michel Rojkind

Casa PR34, Tecalmachaco

PR34 House, Tecalmachaco

Rozana Montiel

Entre espacios

Interspaces

Beno Juárez

Sim.bio.sis, Lima

Sim.bio.ses, Lima

51-1 arquitectos

Agencia de viajes, Lima

Travel agency, Lima

Pedro Gadanho

¿Resurgirá de nuevo el sur? (Sobre la emergencia de la emergencia)

Will the South rise again? (On the emergency of emergency)

114

Pedro Bandeira

Entrada de emergencia, São Paulo

Emergency entrance, São Paulo

Pedro Gadanho, a.s* atelier de santos

Ellipse Foundation Art Center, Cascais, Lisboa

Ellipse Foundation Art Center Cascais, Lisbon

117 120

Moov

Seta amarella

124

Mateo Pintó, Matías Pintó

Conectores peatonales, San Miguel de la Vega, Caracas

Pedestrian connectors San Miguel de la Vega, Caracas

128

Supersudaca

¡Al Caribe!

Biografias

Biographies

132 136

Antonio Abellán MÉXICO MEXICO

94 100 102 106

PERÚ PERU

108 110

PORTUGAL

VENEZUELA

Argentina 10

Alexis Rochas Proyectos hinchables, California Inflatable designs, California 2006

Se trata de un sistema arquitectónico que combina presión de aire y materiales textiles inteligentes de alta resistencia como solución tectónica a estructuras autoportantes con una masa mínima: menos material, más información. El trabajo nace del entendimiento estratégico de lo deficiente o grado de falta en el proceso arquitectónico; podemos definir esta arquitectura como una provisoria sistematización de deficiencias. Estos trabajos son posibles, simplemente, porque son imposibles de ejecutar bajo regímenes convencionales, sean económicos, políticos o tecnológicos. ¿Cómo construir sin el tiempo necesario?, ¿cómo desarrollar una arquitectura sin sitio?, ¿una tecnología sin las herramientas necesarias?, ¿un tipo de oportunidades que intrínsecamente promueven su extinción, desarrollando un gusto particular por lo que tiene pretensiones de imposibilidad? Dichas formulaciones llevan a sustituir la ansiedad formal por una reinterpretación constante del proceso de producción, estableciéndose como principal campo de operación e invención. Así, la idea de proyectar se despliega como un proceso abierto y variable, generado sobre la base de tecnologías materiales, procesos constructivos y dinámicas de desarrollo en constante interacción con parámetros de habitación y programa. Buscando una cartografía capaz de mediar entre lo intuitivo y lo inteligente, expandiendo el intercambio entre la especulación numérica y lo táctil del material, esbozando una economía blanda en donde no hay puntos fijos o jerarquías… Así, el trabajo se plantea como una cooperación endémica entre sistemas de producción: diseño, ingeniería y manufactura, entendidos como variables que operan simultáneamente. Las propuestas de esta arquitectura son empujadas sobre pieles

de corta duración, ocupando momentos casi superficiales, impulsando una economía efervescente, donde el espacio de comunicación es demasiado lento para acomodar las diligencias de un trabajo pensado, desarrollado y destruido a corto plazo. Una arquitectura de horas, acercándose a minutos y que sueña con segundos, para enfrentarse con las ruinas de un trabajo pensado para que desaparezca, que confronta su empeño en persistir, destiñéndose, descosiéndose o ablandándose. This is an architectural system combining air pressure and highly resistant intelligent textiles as a tectonic solution to self-bearing structures with a minimum mass; less material, more information. The work grows out of a strategic understanding of the deficiency or degree of shortfall in the architectonic process; we may define this architecture as a provisional systematisation of deficiencies. These works are possible simply because they are impossible to carry out under conventional systems, be they economic, political or technological. How does one build without the necessary time? How does one develop an architecture without a site? A technology without the necessary tools? The kind of opportunity that intrinsically furthers its extinction by developing a particular taste for what makes exaggerated claims of impossibility? These formulations lead to replacing formal anxiety by a constant reinterpretation of the production process, this being established as the main field of operation and invention. Thus, the idea of planning unfolds as an open and variable process generated on the basis of material technologies, constructional processes and dynamics of development in constant interaction with parameters of habitation and programme. By seeking a car-

tography capable of mediating between the intuitive and the intelligent, expanding the interchange between numerical speculation and material tactility, sketching out a soft economy in which there are no fixed points or hierarchies... And so, the work is posited as the endemic cooperation between systems of production, design, engineering and manufacture, understood as variables that operate simultaneously. The proposals of this architecture are gentle shoves on skins of short duration, occupying almost superficial moments, stimulating an effervescent economy in which the space of communication is too slow to accommodate the formalities of a work thought up, developed and destroyed in the short term. An architecture of hours, verging on minutes, and which dreams of seconds so as to confront the ruins of a work intended to disappear, which confronts its determination in persisting, fading, tearing or getting softer. 99% AIRE 99% AIR Equipo de proyecto Design team Santino Medina (coordinador del proyecto/project coordinator), Jeremy Backlar, Vanessa Hooper, Fred Oddie, Wataru Sakaki, Greg Thorpe, Patrick Shields, Kari Viste, Steven Kim, Ellen Donnelly, Lionel Lambourn, Elizabeth Marley, Junya Watanabe AEROMADS 1.0 Equipo de proyecto Design team Betty Kassis, Victoria Coaloa, Luckas Galher, Krystal Chang PABELLÓN HINCHABLE DEL MERCADO FAB FAB MARKET INFLATABLE PAVILION Equipo de proyecto Design team SCI-Arc Outreach and Community Program: Alexis Rochas (profesor/professor), Wataru Sakaki (coordinador del proyecto/project coordinator), Santino Medina, Jeremy Backlar, Patrick Shields, Leandro Rolon, Simon Battisti Fotografías Photographs Michael Shields

99% aire 99% Air

Aeromads 1.0

Alexis Rochas

Proyectos hinchables, California

Inflatable designs, California

Pavell贸n hinchable del mercado FAB FAB Market inflatable pavilion

Argentina 16

Ariel Jacubovich Reforma y ampliación de vivienda, Buenos Aires Remodelling and extending of an apartment, Buenos Aires 1998-2002

El proyecto consiste en la reforma y ampliación de una vivienda situada en el centro de una manzana, en un edificio de dos plantas. Como el arquitecto, el promotor y el propietario de la obra son la misma persona, construir se convierte en un proceso vital, en constante progreso. Una gran terraza que actúa como prótesis; la cubierta se pliega sobre sí misma haciendo que los dos niveles de las terrazas practicables sean uno, simulando una montaña. La estructura metálica está formada por dos estructuras auxiliares, en una trama de perfiles galvanizados que soportan la cubierta continua. La mitad de la construcción fue en seco y la otra mitad en húmedo para hacer posible la convivencia entre la obra y el habitar; de este modo, la construcción se convirtió en un elemento diferido, interrumpido, constituido por procesos logísticos artesanales mediante procesos de fabricación experimentales. La fabricación fue una “puesta en escena” donde se aceptaba las consecuencias literales de los cambios de escala y las improvisaciones. The project consists of remodelling and extending an apartment situated in the middle of a city

block, in a two-storey building. As the architect, developer and owner of the flat are one and the same person, the act of building becomes a vital process in constant progress. A great terrace acts as a prosthesis; the roof folds back on itself, turning the two levels of the usable terrace into one, simulating a mountain. The metal framework consists of two auxiliary structures in a weave of galvanised profiles that support the continuous roof. Half of the construction was dry-built and half wet, to render the coexistence between building work and occupancy possible; in this way, the construction work was converted into a deferred, uninterrupted element made up of handcrafted logistic processes by means of experimental production processes. The production was a “mise en scène” in which one accepted the literal consequences of the changes of scale and the improvising. Emplazamiento Location c/Castillo, 255, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina | Proyecto Design years 1998-2001 | Construcción Construction years 2001-2002 | Estructuras Structural design Roberto Alfie | Fotografías Photographs Andrea Arrighi

Argentina Dieguez Fridman arquitectos & asociados Edificio de viviendas, Buenos Aires Apartment building, Buenos Aires 2004-2006

Los proyectos de vivienda permitieron que muchos de los edificios más relevantes del siglo XX en Buenos Aires plantearan reflexiones o experimentaran diversos temas, como los modos de habitar, la relación con la naturaleza y con los sistemas constructivos o con el clima y el asoleo. Este proyecto pretende trascender las limitaciones que las normativas y la necesidad de maximizar la rentabilidad económica imponen hoy a este tipo de encargos, avanzando un paso más hacia la tradición experimental. Situado en un barrio residencial de Buenos Aires, este edificio pretende incorporar en las viviendas distintos espacios, recorridos, situaciones y detalles propios de la arquitectura de la casa unifamiliar. La planta baja de acceso está ocupada por la noche por los coches; durante el día se convierte en lugar de juego para los niños. Las escaleras y los puentes de acceso a las viviendas están semicubiertos y conducen a un espacio interior cerrado en el vestíbulo de cada vivienda. Las ocho viviendas se organizan en dos niveles: en planta baja, la cocina, el lavadero y el comedor; los dormitorios, en la superior; y un salón a doble altura hace de nexo entre ambas plantas. Tanto el salón como el dormitorio principal cuentan con una terraza profunda en la parte delantera, que se cierra en la planta superior con un sistema de parasoles horizon-

tales de vidrio, transformando la fachada en un espacio intermedio entre el interior y el exterior; al aire libre pero protegido del viento y de las vistas desde la planta baja. Los parasoles, las fachadas exteriores, las divisiones de vidrio y las fachadas al patio forman una serie de velos superpuestos paralelos a la calle, permitiendo que la luz los atraviese de distintas maneras a lo largo del día. Housing design enabled many of the most relevant buildings in 20th-century Buenos Aires to try out ideas or to experiment on issues like ways of inhabiting, the relationship with nature and with building systems or the climate and the sunshine. This project seeks to transcend the limitations that regulations and the need to maximise cost-effectiveness impose today on these kinds of commissions by taking a further step in the direction of that experimental tradition. In a residential area of Buenos Aires, this building seeks to incorporate in its apartments different spaces, trajectories, situations and details typical of the architecture of the singlefamily house. The ground floor with its entrance is occupied during the night by cars and during the day turns into a play area for the children; the stairways and access bridges to the apartments are half-covered and lead to a closed indoor space in the hallway of each dwelling. The eight apartments are organised on two levels: on the ground floor the kitchen, laundry room and dining room; the bedrooms on the upper floor and a double-height lounge that forms a nexus between the two parts. Both the lounge and main bedroom have a deep terrace on the front which is closed in on the upper floor with a system of horizontal glass sun stoppers, thus transforming the facade into an intermediary space between inside and outside, in the open air but protected from the wind and the views from the ground floor. The sun stoppers, exterior facades, glass dividers and facades giving onto the courtyard form a series of superimposed veils parallel to the street, permitting light to pass through them in different ways during the course of the day. Emplazamiento Location c/Clay, 2.928, Buenos Aires, Argentina | Arquitectos Architects Dieguez Fridman arquitectos & asociados: Tristán Dieguez, Axel Fridman, Germán Dyzenchauz (arquitecto asociado/associate architect) | Colaboradores Collaborators Brenda Levi, Odile L’Hardy | Proyecto Design year 2004 | Construcción Construction years 2004-2006 | Estructuras Structural design Sebastián Berdichevsky | Iluminación Lighting Pablo Pizarro | Paisajismo Landscape design Cora Burgin | Carpinterías metálicas Metal door and window frames Estudio Gigli (Andrés de Aguirre, Santiago Herrera) | Documentación de obra Building documentation Martín Torrado, Gabriel Galván | Constructor Contractor Brunetta SA | Fotografías Photographs Tristán Dieguez

Argentina 22

Tomás Saraceno Air-port-city Air-port-city 2004-2006

On air

Los proyectos y experiencias que se publican son parte del proyecto a largo plazo Air-portcity: arquitectura más liviana que el aire. Airport-cities: ciudades cuyas atmósferas, técnicas y materiales están en estado de transformación permanente. El ciudadano nómada nunca vuelve al mismo lugar, simplemente porque no hay un mismo lugar. Air-port-city es una enorme estructura cinética que opera en una verdadera economía de transformación. Asumiendo su papel de político internacional, Saraceno propone un vuelo alrededor del mundo sin sanciones oficiales, planteando la Ley Civil Universal y reemplazando las divisiones militares. Las Airport-cities son como nubes, son la suma visible de pequeños cuerpos, como pequeñas gotas o cristales de hielo suspendidos en la atmósfera. Pueden existir con variedad de programas, formas, tamaños y sentidos. On air es un sistema basado en el principio de redes (todos los sistemas vivos se comunican entre sí y comparten áreas de investigación), ciclos (para sobrevivir, todos los organismos

vivos se alimentan de un flujo continuo de sustancias y energía de su entorno, y producen un excedente utilizable para otras especies; así, la sustancia está siempre en circulación a través de esta red de vida), sociedad (el intercambio de energía y recursos en un ecosistema está sostenido por una cooperación dominante; la vida en el planeta está sostenida por los principios de cooperación, sociedad y conexión de redes), diversidad (un ecosistema obtiene la estabilidad a través de la riqueza y la complejidad de su propia red ecológica, a mayor biodiversidad, mayor resistencia) y equilibrio dinámico (un ecosistema es flexible, es una red en continua fluidez). Su flexibilidad es una consecuencia de retroalimentaciones múltiples que mantienen el sistema en un estatus de equilibrio dinámico. Flying gardens (varias localizaciones, Reino Unido e Italia, 2004-2006): características espaciales y temporales para un proceso de ocupación sostenible, una invasión necesaria de plantas, seres humanos y animales hacia el Land Side Air.

La migración es un fenómeno global y ubicuo. Un gran porcentaje de nuestra tierra cultivada está cubierta por plantas migradas o introducidas. El rango geográfico de la mayoría de las plantas y las especies animales están limitados por factores climáticos, y cualquier cambio impactará en el organismo que vive allí. The project designs and experiments that are published form part of the long-term Air-portcity project: an architecture lighter than air. Airport-cities: cities whose atmospheres, techniques and materials are in a state of permanent transformation. The nomadic citizen never returns to the same place, simply because there is no same place. Air-port-city is an enormous kinetic structure that operates in a genuine economy of transformation. Assuming his role as an international politician, Saraceno proposes a round-the-world flight without official sanctions, positing a Universal Civil Law and replacing military divisions. Air-port-cities are like clouds; they are the visible sum of small bodies, like little drops or ice crystals suspended in the

atmosphere. They can exist with a variety of programmes, forms, sizes and meanings. On air is a system based on the principle of networks (all living systems communicate between themselves and share areas of investigation), cycles (in order to survive, all living organisms are fed with a continuous flux of substances and energy from their surroundings and produce a surplus utilisable by other species; hence, the substance is always in circulation through this network of life), partnership (the exchange of energy and resources in an ecosystem is sustained by a pervasive cooperation; life on the planet is sustained by the principles of cooperation, partnership and networking), diversity (an ecosystem gains stability through the richness and complexity of its own ecological network; the bigger the biodiversity the bigger the resistance), dynamic balance (an ecosystem is flexible, it is a network in continuous flux). Its flexibility is the consequence of multiple feedbacks that keep the system in a status of dynamic balance.

Flying gardens (various localities, United Kingdom and Italy, 2004-2006): spatial and temporal characteristics for a process of sustainable occupation, a necessary invasion of plants, human beings and animals in the direction of the Land Side Air. Migration is a ubiquitous global phenomenon. A big percentage of our cultivated land is covered in migrating or introduced plants. The geographical rank of most plants and animal species is limited by climatic factors and any change would have an impact on the organism that lives there. ON AIR Emplazamiento Location Galleria Pinksummer, Génova/ Genoa, Italia/Italy | Proyecto y construcción Design and construction years 2004 | Fotografías Photographs M. Marchica, A. Balestrero, A. Cocco FLYING GARDENS Emplazamientos Location Galería Flaca (2004), Villa Manin Centro d’Arte Contemporanea, Passariano, Italia/Italy (2005), Suddenly Castle, Reino Unido/United Kingdom (2006) | Asesoramiento biológico Biological consultant Alicia Andersen | Fotografías Photographs Tomás Saraceno, Foto Sillani

Flying gardens

BrasilBrazil Arquitectura anacoreta Anchorite architecture alexandre cafcalas

“Anacorese = toda fantasía de retiro sobrio. Imagen pacificadora de Espinosa. Anacorese: solución individualista para la crisis del poder. Huyo, niego el poder del mundo, los aparatos; quiero crear una estructura de vida que no sea un aparato de vida. De ahí el acto simbólico de ruptura: anakhorein = recusar el poder, objetar al poder (o al menos, a los demás, como poder)”. Roland Barthes, Cómo vivir juntos, 2002.

“Anchoresis = any fantasy of sober withdrawal. A pacifying image of Espinosa’s. Anchoresis: an individualistic solution to the crisis of power. I flee, I deny the power of the world, of systems; I wish to create a structure of life that isn’t a system of life. Whence the symbolic act of rupture: anakhorein = refusing power, objecting to power (or at least, to other people, as power).” Roland Barthes, How to live together, 2002.

Cuando la modernidad brasileña legitimaba su madurez, y tras una visita al edificio sede del Ministerio de Educación y Salud,1 el artista y arquitecto suizo Max Bill hablaba en su artículo de 1954 “The architect, the architecture, the society” de un conjunto de críticas a la nueva arquitectura brasileña, que se podría resumir en la frase siguiente: “en mi opinión, la arquitectura de Brasil se arriesga a caer en una posición de academicismo antisocial”.2 Bill llamaba la atención sobre la pérdida de preocupaciones fundamentales relacionadas con el significado y la función social de los edificios modernos brasileños, que, según él, se traducía en su servidumbre hacia el usuario, lo que se explicaba por la inclinación de los jóvenes arquitectos brasileños a situarse dentro de un contexto de posturas estéticas que tendía al academicismo formal, un tipo de manierismo lecorbusieriano. Algo más tarde, Bruno Zevi denominaría a este fenómeno como “moda lecorbusieriana brasileña” que distanciaba a los arquitectos brasileños de lo social y, más tarde, del debate mundial. Mientras que en Europa y en Estados Unidos las críticas a la modernidad se organizaban y anunciaban su crisis, los principales arquitectos de Río de Janeiro y São Paulo fortalecían y difundían comportamientos academicistas consolidando el entender el objeto arquitectónico a partir de un modelo taylorista lecorbusieriano, al tiempo que creaban cuerpo y sentido para que apareciera la Escuela Carioca y, más tarde, la Escuela Paulista. Se cerraba así, definitivamente, el paso a todo tipo de discusión sobre cualquier crisis de la modernidad en el país durante el siglo XX, a la vez que consolidaba también cierta distancia de las discusiones internacionales. En la actualidad, ante la urgente necesidad de renovación de los lenguajes de expresión y la expansión del horizonte creativo, oriundos del nuevo pacto global que todavía estamos negociando entre todos, desde

As Brazilian modernity was establishing the legitimacy of its maturity, and after a visit to the headquarters of the Ministry of Health and Education,1 the Swiss artist and architect Max Bill referred in his article “The architect, the architecture, the society” (1954) to a set of criticisms of new Brazilian architecture which could be summed up in the following sentence: “In my opinion, the architecture of Brazil runs the risk of falling into anti-social academicism.”2 Bill drew attention to the loss of fundamental preoccupations relating to the meaning and social function of modern Brazilian buildings, which, as he saw it, resulted in their servitude towards the user, something which was explained by the inclination of young Brazilian architects to situate themselves within a context of aesthetic postures tending towards formal academicism, a type of Corbusian mannerism. Some time after that, Bruno Zevi would call this phenomenon the “Brazilian Corbusian fashion”, which distanced Brazilian architects from the socius and, later, from world debate. While in Europe and the United States criticisms of modernity were organised and announced its crisis, the principal architects of Rio de Janeiro and São Paulo strengthened and disseminated academicist behaviour patterns by consolidating understanding of the architectonic object on the basis of a Taylorist Corbusian model while also creating a corpus and meaning so that the Carioca School and, later on, the Paulist School might appear. The way was thus definitively blocked to any type of discussion about a crisis of modernity in the country during the 20th century, while also consolidating a certain distance from international discussions. Today, faced with the urgent need to renew native languages of expression and with the expansion of the creative horizon of the new global pact we are still negotiating among ourselves, from Russia to Haiti, one of the most interesting—and oddest—phenomena that is

Alexandre Cafcalas (1972) es arquitecto por la Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAUUSP). Actualmente investiga sobre arte y arquitectura brasileña en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), donde estudia doctorado. Ha fundado 55ONZE, plataforma multidisciplinar con sedes en Brasil y España, desde donde desarrolla proyectos de arquitectura, diseño de acción, gráfico y multimedia, publica artículos y organiza exposiciones.

Alexandre Cafcalas (1972) graduated as an architect from the Architecture and Urbanism Faculty of the Universidade de São Paulo (FAUUSP) and currently researches into Brazilian art and architecture at the Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), where he is doing his doctorate. He founded 55ONZE, a multidisciplinary platform with centres in Brazil and Spain, from where he undertakes projects in architecture, action, graphic and multimedia design, publishes articles and organises exhibitions.

Proyecto de, entre otros, Le Corbusier, Lucio Costa, Oscar Niemeyer, Affonso Eduardo Reidy, 1936.

Véase: Bill, Max, “The architect, the architecture, the society”, en Architectural Review, 694, vol. 116, octubre de 1954, págs. 238-239.

A design by, among others, Le Corbusier, Lucio Costa, Oscar Niemeyer, Affonso Eduardo Reidy, 1936.

Cf. Bill, Max, “The architect, the architecture, the society”, in Architectural Review, 694, vol. 116, October 1954, pp. 238-239.

Rusia a Haití, uno de los fenómenos más interesantes —y curiosos— que está ocurriendo en Brasil es la recuperación de posturas formales y tecnológicas que buscan la identificación ideológica en escuelas estéticas locales —principalmente la Escuela Paulista— que han tenido un papel fundamental en la difusión de la arquitectura brasileña. Distancia y creatividad En este contexto, esta vuelta a los lenguajes academicistas por parte de un grupo de jóvenes arquitectos —contrarios a la apertura “antropofágica” de los primeros artistas modernos que “todo comían” a principios del siglo XX— recuerda el “primer alejamiento” del debate internacional de los primeros arquitectos brasileños modernos de la mitad del siglo XX. Como sucedió en el pasado, este “alejamiento” actual parece tener la finalidad de abrir espacios a partir del establecimiento de lo que Nicolas Bourriaud ha llamado de “distanciamiento activo” del universo exterior, y que, a su vez, se hace incuestionable como instrumento de recuperación de la lógica de una micropolítica de resistencia. Es decir, parece ser que el objetivo de estos arquitectos jóvenes es continuar reafirmando el lugar de independencia del discurso brasileño, mediante la reiteración de una estética auténtica, local, que reivindique la presencia de un modelo nacional, a partir del rechazo vehemente de la adopción de un patrón de lenguaje común, globalizado y difícilmente no vaciado en su personalidad, visto como un tipo de architecture lite, por adaptar la expresión art lite de Catherine David para referirse a la falta de consistencia ideológica y formal de los regímenes estéticos seudocríticos e ingenuos que tanto abundan en la actualidad. Lo que ayuda a justificar este distanciamiento natural del mundo — que ha configurado un horizonte creativo particular, con respuestas estéticas a partir de sus propias razones determinantes, y también explica cualquier tendencia a su actual repetición confundiéndolo con un deseo del “local versus global”— es un tipo de alejamiento inherente: un distanciamiento natural, o “pasivo”, entre los brasileños y el espacio-tiempo común del mundo. Aunque de una forma subjetiva, la compleja razón mestiza de la sociedad y de la cultura brasileñas, cultivadas en una condición geopolítica particular (que casi pasa por autónoma) excluye cualquier término de comparación, aunque sea con su vecino más cercano. Así, ni el lanzamiento del telescopio espacial Hubble, el fin de la Guerra Fría, la unificación de las dos alemanias, ni la inauguración del McDonald´s más grande del mundo en Pekín, han parecido tener la más lejana relación con los brasileños. Distancia y modernización ¿Es la elección de un proyecto de continuidad estética como aparente sobre-vida ideológica, la (re)identificación de la actualidad y validez del discurso moderno, a pesar de su descontextualización histórica y cultural, lo que mueve a estos jóvenes arquitectos? Aunque todavía cabe la posibilidad de que su inalienable e inmensurable “carga sólida” cultural, en palabras de Zygmunt Bauman, fuera lo que justificara este proyecto de fluida continuidad estética como un difícil, lento, pero, sobre todo, natural apearse de un momento histórico, todavía con sus límites borrosos entre el pasado reciente y el presente. Oscilando entre estas dos posibilidades, la porción de la producción arquitectónica actual que nos interesa intenta encajarse, incómoda todavía, en la nueva geografía del país y del mundo. Para lograr avanzar, se hace urgente formular una posición crítica clara respecto a su siglo de modernidad, donde el binomio “modernidad versus modernización industrial”, a la vez que delineaba la silueta arquitectónica y tecnológica del país, confundía, reunía y apartaba a los principales agentes de la construcción social y cultural. Debemos hacer aquí un rápido paréntesis y volver a la década de 1960, momento en el que un amplio movimiento de revisión de las prácticas artísticas pasó a centralizar el sentido de sus estéticas en la figura del usuario, acusando una amplia crisis en la modernidad, a

occurring in Brazil is the recovery of formal and technological postures which seek after ideological identification in local aesthetic schools—mainly the Paulist School—which have played a fundamental role in the diffusion of Brazilian architecture. Distance and creativity In such a context, this return to academicist languages on the part of a group of young architects which, opposed to the “anthropophagic” openness of the first modern artists who “devoured everything” at the beginning of the 20th century, recalls that “early distancing” from the international debate of the first Brazilian modern artists of the mid20th century. As occurred in the past, this current “distancing” seems to be aimed at opening up spaces on the basis of establishing what Nicolas Bourriaud has called the “active distantiation” of the external universe and which in turn becomes unquestionable as an instrument of recuperation of the logic of a micropolitics of resistance; that is to say, it seems that the goal of these young architects is to go on reaffirming the position of independence of Brazilian discourse via the reiteration of an authentic local aesthetic. This aesthetic vindicates the presence of a national model based on a vehement rejection of the adopting of a model of common language which is globalised and all but devoid of personality, seen as a type of “architecture lite”, to adapt Catherine David’s expression “art lite” to refer to the lack of ideological and formal consistency of the pseudo-critical and ingenuous aesthetic regimes that are so plentiful right now. What helps to justify this natural distantiation of the world—which has shaped a particular creative horizon with aesthetic responses based on their own determinant reasons, and also explains any tendency towards its actual repetition by confusing it with a desire for the “local versus the global”—is a type of inherent distancing: a natural, or “passive”, distantiation among Brazilians and the common space/time of the world. Albeit subjectively, the complex, mestizo rationale of Brazilian society and culture, cultivated in a particular geopolitical (and seemingly autonomous) circumstance, excludes any point of comparison, even with its closest neighbour. And so, neither the launching of the Hubble space telescope, the end of the Cold War, the unification of the two Germanys nor the inauguration of the world’s biggest McDonald’s in Peking have seemingly had the least thing to do with the Brazilians. Distance and modernisation Is the choice of a project of aesthetic continuity as an apparent ideological survival [sobre-vida] the (re)identification of contemporary existence and the validity of modern discourse what, in spite of its historical and cultural decontextualisation, moves these young architects? Although the possibility might still exist that its inalienable and immeasurable cultural “solid charge,” in the words of Zygmunt Bauman, is what would justify this project of fluid aesthetic continuity as a difficult, slow, but above all natural way to get out of an historical moment still with its indistinct boundaries between recent past and present. Shuttling between these two possibilities, the portion of current architectural production that interests us attempts to slot, as yet inconveniently, into the new geography of the country and of the world. In order to successfully advance, it becomes urgent to formulate a clear critical position with respect to its century of modernity, in which, at the same time as it delineated the country’s architectural and technological silhouette, the binary opposition “modernity versus industrial modernisation” confused, brought together and separated the main agents of social and cultural construction. We must quickly digress here and go back to the 1960s, a moment in which a broad movement of re-examination of artistic practice went on to centralise the meaning of its aesthetics in the figure of the user, betraying a widespread crisis in modernity, notwithstanding the prosperity of the process of industrial and institutional modernisation in

pesar de la prosperidad del proceso de modernización industrial e institucional brasileños. En el ámbito de la construcción del espacio, las Arquitecturas biológicas de Lygia Clark, los Parangolés o los Penetrables tropicalistas de Helio Oiticica, y los espacios de recreación al aire libre de Waldemar Cordeiro, consolidaron el inicio de un proceso de cambios radicales como respuesta objetiva a la implementación de la dictadura militar en 1964. Dictadura que significó una alteración radical negativa y con efectos imprevisibles en el rumbo del país para el mundo artístico del momento, de ideología socialista. A diferencia de la postura que adoptó casi toda la clase artística, los arquitectos de la Escuela Paulista reiteraban su posición por conjugar arquitectura moderna con los índices de crecimiento económico e industrial —que, a pesar de la dictadura, eran elevados—, despejando así la duda sobre una posible crisis en el proyecto moderno. A partir de esta postura, que todavía reafirmaba sus orígenes en la vertiente industrial lecorbusieriana, la arquitectura que se desarrolló en los años siguientes al golpe militar no se diferenciaba en nada de la que lo precedió.Pasó a asumir una posición de exención, aislada en el panorama de la dilatada crisis geométrica e ideológica nacional diseminada por toda la clase artística del momento. En este contexto, se podría llegar a decir que la razón de las críticas que Max Bill lanzó al Ministerio de Educación y Salud, acusándolo del “primer aislamiento” brasileño de las cuestiones mundiales, coincide con las razones que siguieron apartando el discurso disciplinario arquitectónico del debate artístico y social también en el panorama nacional de las siguientes tres décadas: la exclusión del usuario como componente social, motivo y sujeto del espacio arquitectónico. Entonces, cabe preguntarse si en este período de exclusión de los agentes sociales del espacio arquitectónico, a favor del avance del desarrollo mecanicista nacional, se encuentra la evidencia de un constante esfuerzo de legitimación de la arquitectura brasileña a partir de sí misma, y la génesis del divorcio entre sociedad y discurso arquitectónico que tanto afecta negativamente a los nuevos arquitectos brasileños. Renegociando la distancia Lo que sí podemos afirmar es que el “retiro sobrio” creativo (anacoreta) de estos arquitectos brasileños funciona como elemento de proyecto, un tipo de territorio estético conocido, familiar y, sobre todo, con necesidad de diferencia —una vía de individualización—, que, al mismo tiempo, acusa un proceso histórico donde el reto es lograr inventar su propia “estructura de vida” a partir de la reinvención del mundo. Para ello, es imperativo conseguir evitarlo, algo que esta vez parece imposible. Y así se va aclarando un poco más la dificultad de la actualización de la arquitectura brasileña: una medida entre la recusación al mundo y la necesidad de su rediseño. Es decir, por un lado, es urgente que estos jóvenes arquitectos inviertan seriamente en una redefinición crítica de su territorio de actuación y, sobre todo, de su sujeto, a partir de un programa de abertura e inclusión. Un programa donde la reconciliación con las cuestiones relacionadas con la construcción de la sociedad —abandonadas bajo los planos del Ministerio de Educación y Salud— podrá ampliar fuentes de materia prima, interfaces de diálogo interdisciplinario y el reto de la disciplina en Brasil. Sustituir distancia por intimidad. Pero, ¿cómo es posible sustituir distancia por intimidad, si fue justo ese distanciamiento, ese deseo por ser extranjero en el mundo, ese endémico extranjerismo de desconexión, la principal garantía del motor creativo de la arquitectura brasileña en las últimas siete décadas? Esto es lo que se pregunta el pequeño grupo de arquitectos a que nos referimos en este texto. Y sus proyectos no son más que los primeros gestos en este proceso de negociación de la difícil reincidencia de la individualización del discurso brasileño.

Brazil. In the realm of the construction of space, Lygia Clark’s Biological architectures, Helio Oiticica’s Parangoles or Penetrables tropicalistas, and Waldemar Cordeiro’s open-air recreational spaces have consolidated the beginning of a process of radical change as an objective response to the implementation of military dictatorship in 1964, which signified a radical negative change with unpredictable effects in the direction of the country for the art world of the time and its socialist ideology. Unlike the stance that almost the entire artistic class adopted, the architects of the Paulist School reiterated their position by conjugating modern architecture with the rate of economic and industrial growth—which was high, despite the dictatorship—thus resolving doubts about a possible crisis in the modern project. Based on this understanding, which went on reaffirming its origins in the Corbusian point of view, the architecture developed in the years following the military coup was not in the least bit different from the one that preceded it; it went on the assume a position of immunity, isolated in the panorama of the long-drawn-out geometrical and ideological national crisis disseminated by the entire artistic class of the time. On the basis of this understanding, it could even be said that the reason for Max Bill’s criticisms of the Ministry of Health and Education, which revealed Brazil’s “basic isolation” from world issues, coincides with the reasons that also kept on cutting the architectural disciplinary discourse off from the artistic and social debate on the national scene of the next three decades: the exclusion of the user as a social component, motive and subject of architectonic space. Next, we might ask ourselves if in this period of exclusion of the social agents of architectonic space in favour of the advance of a mechanicist development on a national scale we find evidence of a constant effort of legitimation of Brazilian architecture on the basis of itself, and the genesis of the divorce between society and architectural discourse that has so negatively affected new Brazilian architects. Renegociating the distance What we can say is that the creative (anchorite) “sober withdrawal” of these Brazilian architects functions as a design feature, a kind of aesthetic territory that is known, familiar and chiefly with a need for difference—a way of individualisation—that at the same time reveals an historic process in which the challenge is to successfully invent its own “life structure” on the basis of the reinvention of the world. For that reason, it is imperative to make sure of avoiding it, something which appears impossible this time, and so the difficulty of the updating of Brazilian architecture is gradually clarified a little more: a measure caught between challenging the world and the need to redesign it; that’s to say, on the one hand it is urgent for these young architects to seriously invest in a critical redefinition of their territory of intervention and, above all, of their subject on the basis of a programme of openness and inclusion in which a reconciliation with issues relating to the construction of society, issues abandoned in the plans for the Ministry of Health and Education, will be able to enlarge sources of raw material, interfaces of interdisciplinary debate and the challenge of the discipline in Brazil and thus manage to replace distance by intimacy. But how is it possible to replace distance by intimacy, if it was precisely this distantiation, this desire to be a foreigner in the world, this endemic foreignism of disconnection, which was the main guarantee of the creative motor of Brazilian architecture over the last seven decades? This is what the small group of architects we refer to in this text asks itself, and their projects are no more than the first gestures in this process of negotiating the difficult recidivism of the individualisation of Brazilian discourse.

BrasilBrazil

UNA Arquitetos Escuela Telêmaco Melges, Campinas Telêmaco Melges School, Campinas 2003-2004

Este proyecto forma parte de un programa piloto de la Fundación para el Desarrollo de la Educación cuyo objetivo es la construcción de escuelas con sistemas estructurales de hormigón prefabricado. Una de estas escuelas, destinada a la enseñanza media y ubicada en una gran zona residencial del suburbio de Campinas, se sitúa en un terreno en esquina bastante exiguo, que ha definido la implantación compacta y vertical. Los dos accesos corresponden a sendas esquinas y vienen marcados por aberturas que despegan el volumen del edificio de las paredes laterales. La zona deportiva cubierta se colocó sobre el edificio, permitiendo liberar prácticamente toda la planta baja para alojar áreas comunes y jardines. Los muros de límite del terreno también fueron, en cierta manera, asimilados por la arquitectura, y participan de la volumetría del conjunto. La planta tipo se organiza a partir de un corredor central articulado con escaleras en los dos extremos del edificio, permitiendo un sistema de circulación fluido. El cerramiento lateral de la zona deportiva, de persianas venecianas con celosías fijas de plástico traslúcido, se extiende hacia el lado de las aulas en forma de parasol conformando, así, un gran volumen reflectante de día y traslúcido de noche, que constituye una importante referencia dentro de la homogeneidad de la zona residencial.

This project forms part of a Foundation for Educational Development pilot scheme for building schools with structural systems of prefabricated concrete. One of these schools, intended for secondary education and located in a major residential area in the suburb of Campinas, is situated on a rather small plot of land with two corners, which have determined the compact, vertical implantation. The two entrances correspond to the two corners and are defined by openings that detach the volume of the building from the sidewalls. The covered sports area is placed on top of the building, thus enabling the entire ground floor to be left free to accommodate communal areas and gardens. The outer walls of the plot were also partly assimilated by the architecture and play their part in the volumetry of the whole. The standard floor plan is organised around a central articulated corridor with stairways at either end of the building, thus providing a fluid circulation system. The lateral outside wall of the sports area, consisting of Venetian blinds with fixed louvers of translucent plastic, extends towards the classrooms side in the form of a sunshade, thus forming a large reflective volume by day and a translucent one by night, which constitutes an important reference within the homogeneity of the residential area.

Emplazamiento Location Vía Coletora D2, Campinas, São Paulo, Brasil/Brazil | Arquitectos Architects Una Arquitetos: Cristiane Muniz, Fábio Valentim, Fernanda Barbara, Fernando Viégas | Colaboradores Collaborators Ana Paula de Castro, Apoena Amaral e Almeida, Jimmy Liendo Terán, José | Carlos Silveira Jr., José Paulo Gouvea, Ricardo Barbosa Vicente, Sabrina Lapyda | Proyecto y construcción Design and construction years 2003-2004 | Estructuras Structural design Ruy Bentes Engenharia de Estruturas | Instalaciones Building services Histec Instalações e Montagens Ltda. | Consultor de cimentación Foundation consultants Cepollina Engenheiros Consultores | Coordinador de proyecto Project coordinator Mirela Geiger de Mello | Coordinador de obra Construction coordinator Nelson Geraldo de Paula Salles | Constructora Construction company Hoss | Fotografías Photographs Nelson Kon

BrasilBrazil Nitsche Arquitetos Associados Casa en la Barra Do Sahy, São Sebastião House in Barra Do Sahy, São Sebastião 2001-2002 Situada en el Parque Natural da Serra do Mar, el solar de esta casa de vacaciones —al que se accede por callejuelas laberínticas de arena y tierra a 50 m del mar— contiene vegetación autóctona de la mata atlántica, una vegetación que quedó intacta después de la implantación del proyecto y que ha pasado a componer el jardín, una zona de paso entre la piscina y el volumen de la casa. En la estructura se han utilizado vigas y pilares industrializados de madera, con el fin de reducir los costes y atender a un plazo de construcción muy corto. Estos elementos están anclados a un forjado prefabricado mediante soportes metálicos, que eleva el suelo con el objetivo de proteger al forjado de la excesiva humedad de la zona. La estructura se divide en seis módulos de 3,5 m, y acusa la división de la casa en dos segmentos funcionales claros: tres módulos dedicados a las habitaciones y otros tres para las zonas de estar, interconectados directamente por la terraza exterior. La fachada prin-

cipal se protege de la radiación solar y de la lluvia, y permite que un colchón de aire fresco permanente circule entre la cubierta metálica y el falso techo de contrachapado de madera que se extiende sobre los diversos espacios interiores de la casa. Situated in the Serra do Mar Nature Park, the site of this holiday house—which is reached by maze-like passages of sand and earth some 50m from the sea—contains native Atlantic Forest vegetation, a vegetation kept intact after the implantation of the project and which has gone on to form the garden, a throughway between the swimming pool and the volume of the house. Industrialised wooden beams and pillars have been used in the structure so as to reduce costs and to fit in with a very short construction time. These elements are anchored to a prefabricated deck by means of metal supports, raising the floor with the aim of protecting the deck from the excessive dampness of the area.

The structure is divided into six 3.5-m modules and reveals the division of the house into two clear functional segments: three modules devoted to the bedrooms and three for the living areas, directly interconnected by the outdoor terrace. The main facade is protected from solar radiation and rain and permits a cushion of fresh air to circulate between the metal roof and the false plywood ceiling extending over the different indoor spaces of the house. Emplazamiento Location Barra do Sahy, São Sebastião, São Paulo, Brasil/Brazil | Arquitectos Architects Nitsche Arquitetos Associados: Lua y/and Pedro Nitsche | Colaboradora Collaborator Marina Mermelstein | Proyecto y construcción Design and construction years 2001-2002 | Constructor Contractor Construvale | Estructuras Structural design Ita | Carpintería Door and window frames Tambelini | Cubierta metálica Metal roof Dânica | Superficie del solar Ground surface 806 m2 | Superficie construida Built surface 190 m2 | Fotografías Photographs Nelson Kon

Nitsche Arquitetos Associados

Casa en la Barra Do Sahy, S達o Sebasti達o House in Barra Do Sahy, S達o Sebasti達o

BrasilBrazil Procter-Rihl Casa Rebanada, Porto Alegre Slice house, Porto Alegre 2002-2004 POOL

GUEST BATH

BEDROOM

LIVING

DINING

KITCHEN

La casa establece una serie de referencias a la arquitectura moderna brasileña, además de añadir un nuevo elemento con su geometría prismática compleja, una geometría que genera una serie de ilusiones espaciales en los espacios interiores. La casa aborda el tema universal de los espacios residuales en las ciudades. La naturaleza cambiante del contexto urbano genera con el tiempo cierta cantidad de espacios extraños, unos espacios residuales que pueden ser extremadamente interesantes porque imponen preguntas difíciles de resolver en términos de planificación y programa. La casa ocupa un solar de 3,7 m de anchura por 38,5 m de longitud. Una piscina en la última planta es el principal generador espacial: polariza la atención de la casa y hace que sus ocupantes sean todos voyeurs; un homenaje al cuerpo, la obsesión nacional de Brasil. La piscina se apoya en unos muros laterales, conformando un volumen en voladizo sobre la sala de estar. Durante el día hace las veces de filtro de luz natural creando diferentes efectos de remolinos acuáticos a lo largo del día; por la noche, con las luces de la piscina encendidas, funciona como un gran accesorio de luz coloreada. El proyecto fue concebido como una rebanada construida en un residuo urbano abandonado tras la apertura de una nueva vía en el sector oeste del solar. El espacio se pliega y despliega dentro de una forma prismática, y desarrolla una serie de distorsiones espaciales, creando la ilusión de un espacio más amplio en un solar angosto. Las cubiertas inclinadas también generan una perspectiva forzada que, a su vez, distorsiona la percepción espacial. The house makes a number of references to modern Brazilian architecture as well as

GARDEN

GARAGE

adding a new element with its complex prismatic geometry, a geometry that generates a series of spatial illusions in the interior spaces. The house addresses the universal theme of residual spaces in the city. In the course of time, the changing nature of the urban context generates a certain number of strange residual spaces that can be extremely interesting because they pose questions that are difficult to resolve in terms of planning and programme. The house occupies a site that is 3.7 m wide and 38.5 m long. A swimming pool on the top floor is the main spatial generator: it polarises the attention of the house and means that its occupants are all voyeurs; a homage to the body, Brazil’s national obsession. The pool is supported on sidewalls, forming a volume sticking out over the lounge. During the day it serves as a natural light filter, creating different swirling water effects; at night, with the illumination of the pool on, it functions as a great coloured light fixture. The design was conceived as a slice, built in an urban residuum abandoned after the opening of a new road in the western sector of the site. The space folds and unfolds within a prismatic shape and develops a series of spatial distortions, creating the illusion of a more ample space on a narrow plot of land. The sloping roofs also created a forced perspective that at the same time distorts spatial perception. Emplazamiento Location Porto Alegre, Brasil/Brazil | Arquitectos Architects Procter-Rihl | Colaboradores Collaborators Dirk Anderson, James Backwell, Johannes Lobbert | Proyecto Design years 2002 | Construcción Construction years 2004 | Estructuras Structural design Michael Baigent MBOK, Antonio Pasquali (BR) | Cimentaciones Foundations Vitor Pasin | Instalaciones Installations Flavio Mainardi | Dirección de obra Construction management Mauro Medeiros | Constructora Construction company JS Construções | Fotografías Photographs Sue Barr, Leonardo Finotti, Marcelo Nunes

Chile Genio y figura Genius and figure patricio mardones

Una notoria revista catalana señalaba hace unos meses el paradigma del arquitecto solitario y genial —imagen promovida por el mercado y la propaganda—, contrapuesto a la figura del arquitecto cuyo trabajo es “la manifestación de un saber colectivo, aprendido, constituido a lo largo del tiempo, y para quien la diferencia individual forma parte de las características de la comunidad”. ¿Cómo este distingo toca la esfera de lo que ocurre entre los arquitectos del Cono Sur, específicamente entre aquellos que han comenzado su carrera en los últimos diez años? El panorama arquitectónico chileno goza por estos días de alguna atención por parte de la prensa especializada internacional. Después de un período en que las relaciones y el intercambio cultural con el extranjero estuvieron estancados, las obras chilenas han comenzado a circular fuera de los círculos locales: primero tímidamente, y luego con mayor profusión, han ocupado varias de las páginas impresas que circulan entre estudiantes y profesionales del hemisferio norte. La buena salud del medio arquitectónico local, detectada con mayor nitidez desde el extranjero y deducible de esas páginas, pierde buena parte de su vitalidad una vez confrontada con una mirada más exhaustiva y menos complaciente de la realidad construida del país. Ciertamente, la arquitetura chilena que ha sido objeto de las miradas de los críticos representa una porción muy pequeña de la producción local, y lo que es más preocupante, su impacto y presencia en la discusión cultural nacional es todavía muy limitado. Más bien constituye una materia que, por el momento, interesa casi exclusivamente a sus propios protagonistas. Roto el hechizo, tal vez una primera respuesta a ese desencanto tenga que ver con la ausencia de un código común que, como se enunciaba antes, dé forma a ese saber colectivo y establezca un tono comunicativo y concreto que determine una fracción mayor de la producción arquitectónica chilena.

A few months ago a well-known Catalan magazine pointed to the paradigm of the solitary architect of genius—a propaganda image promoted by the market—compared with the figure of the architect whose work is “the manifestation of a collective knowledge, built up over time, and for whom individual difference forms part of the characteristics of the community.” How does this subtle distinction affect the sphere of what happens among the architects of Argentina, Chile and Uruguay, specifically among those who have begun their career in the last ten years? These days, the Chilean architectural scene enjoys a certain amount of attention from the international specialised press. After a period in which connections and cultural exchanges with other countries were at a standstill, Chilean works have begun circulating beyond local circles: at first timidly and then in greater profusion, they have appeared in some of the magazines that circulate among students and professional in the northern hemisphere. The good health of the local architectural milieu, discerned more clearly from abroad and deducible from those same magazines, loses much of its vitality when confronted with a more exhaustive and less complacent vision of the country’s actual buildings. Of course, the Chilean architecture that has been the object of the critics’ attentions represents a very small part of local production, and what is even more worrying is that its impact and presence in the cultural debate of the country is still extremely limited. On the contrary, it constitutes a material that for the moment almost exclusively interests its own participants. The spell broken, perhaps a first response to that disenchantment has to do with the absence of a common code that, as was mentioned above, might give form to that collective know-how and establish a communicative and concrete tone that determines a greater fraction of Chilean architectural production.

La escuela Una primera aproximación al panorama de los “nuevos arquitectos” en Chile debiera pasar por una mirada al estado de las instituciones donde se han formado. Producto de la liberalización del mal llamado “mercado de la enseñanza superior”, herencia del régimen neoliberal del general Augusto Pinochet, y después del aumento explosivo del número de escuelas de arquitectura (y, por tanto, de estu-

The school A first approach to the “new architects” scene in Chile ought to include a look at the state of the institutions they have been trained at. A product of the liberalisation of the ineptly named “advanced teaching market”, an inheritance of the neo-liberal regime of General Augusto Pinochet, and afterwards of the explosive increase in the number of schools of architecture (and hence of students)

Patricio Mardones (1973) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Como coordinador editorial de Ediciones ARQ, de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile, ha desarrollado una serie de libros y revistas sobre arquitectura latinoamericana, especialmente la chilena. Es profesor en la Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad Andrés Bello de Santiago de Chile. Además, mantiene su práctica profesional en asociación con Rodrigo Pérez de Arce y Cecilia Puga. Su última obra es la nueva cripta para la catedral metropolitana de Santiago de Chile (2006). En 2007 fue profesor invitado en la University of Texas de Austin, Estados Unidos.

Patricio Mardones Hiche (1973) graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica de Chile. As editorial coordinator of Ediciones ARQ, of the Architecture School of the Pontificia Universidad Católica de Chile, he has developed a series of books and magazines about Latin-American architecture, particularly Chilean. He is a teacher at the Pontificia Universidad Católica de Chile and the Universidad Andrés Bello in Santiago de Chile, and also runs a professional practice in association with Rodrigo Pérez de Arce and Cecilia Puga. His most recent work was the new Crypt for the Metropolitan Cathedral in Santiago de Chile (2006). In 2007 he was a visiting professor at the University of Texas in Austin.

diantes) experimentado en Chile a principios de la década de 1990, se tiende a estabilizar un campo colmado de ofertas académicas en el área de la arquitectura. Doce mil estudiantes en cuarenta escuelas repartidas a lo largo del territorio, para un país de 13 millones de habitantes, parece una cifra escalofriante, augurio de futuro desempleo y saturación. Esta realidad, actualmente regulada por las leyes de la oferta y la demanda, contiene, sin embargo, un componente positivo e inesperado, cuya próxima fecha de expiración no anula sus efectos a largo plazo: la aparición de un activo campo laboral centrado en la docencia. El desarrollo y crecimiento de nuevas escuelas mantiene ocupados y da sustento a una fracción considerable de los jóvenes salidos de las escuelas más antiguas, a quienes las nuevas ven como depositarios de una cierta tradición que es necesario adquirir. La existencia de ese nicho laboral ha generado una condición clave para el desarrollo actual de la disciplina en Chile (y tal vez sea una de sus aristas más interesantes): es habitual que los arquitectos jóvenes repartan sus horas entre labores académicas y profesionales, produciendo entre ellas un vínculo y una continuidad que no resultan obvias y que, seguramente, han alimentado de forma positiva un ejercicio de la profesión más crítico y, quizás, más reflexivo. La importancia (probablemente contingente y circunstancial) que ha adquirido la enseñanza entre estos jóvenes arquitectos chilenos tiene relación con un acuerdo tácito, cuya conciencia se hace poco a poco más palpable: el valor de la figura de “escuela” y la condición de la arquitectura como oficio. Centrada en el ámbito del taller, la arquitectura es una disciplina que se aprende haciendo, en un trabajo más o menos lento guiado por personas experimentadas (en diferentes grados). La existencia de estas relaciones maestro-discípulo es clave en la construcción de una continuidad que mantenga al panorama de la arquitectura fuera del aparato vacío de los estrellatos, la sobrevalorada genialidad individual y la autorreferencia de ciertos edificios, pensados más como exhibición de una destreza que como parte de un tejido social encarnado en la ciudad. En el caso chileno, han sido unos cuantos arquitectos titulados a principios de la década de 1970 quienes han mantenido una sólida práctica docente que, sin duda, ha cualificado el desarrollo actual de la disciplina. Teodoro Fernández, Fernando Pérez y Rodrigo Pérez de Arce, desde la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica, y, últimamente, Germán del Sol, en la Universidad de Chile, son tal vez los ejemplos más consistentes de una actividad que comparte enseñanza y práctica profesional y que, durante los últimos quince años, ha sido determinante en la formación de, al menos, dos generaciones de profesionales, desde donde han surgido varios de los nuevos destacados de la arquitectura chilena. Tanto Sebastián Irarrázaval, Alejandro Aravena, Cecilia Puga, Smiljan Radic, Mathias Klotz y, más recientemente, Eduardo Castillo y PvE, por nombrar los casos más conocidos, mantuvieron un vínculo importante con alguna de estas figuras mayores, a veces como estudiantes y, otras, como jóvenes colaboradores. A su vez, todos ellos ejercen actualmente la docencia: la relación academia/ejercicio profesional, por circunstancias de naturaleza diversa, sigue siendo un denominador común entre los nuevos arquitectos (sobre todo entre los más prometedores, muchos de ellos aquí publicados), y, seguramente, podría dar continuidad a un desarrollo que, de otra forma, podría constituir sólo un episodio aislado. El sentido de “escuela” —y, por tanto, de cierta tra-

experienced in Chile at the beginning of the 1990s, an abundant field of academic offers in the area of architecture gradually became stabilised. Twelve thousand students in forty schools spread throughout the territory for a country of 13M inhabitants seems to be a hairraising figure, a portent of future unemployment and saturation. This reality, currently regulated by the laws of supply and demand, has, however, a positive and unexpected side whose short lifespan does not nullify its long-term effects; namely, the appearance of an active work area centred on teaching. The development and growth of new schools occupies and gives a livelihood to a considerable proportion of the young people coming out of older schools, whom the new schools see as repositories of a certain tradition that it is necessary to acquire. The existence of this labour niche has generated a structure essential to the current evolution of the discipline in Chile (and perhaps this is one of its more interesting high spots): it is habitual for young architects to divide their time between their academic and professional work, thus producing a link and a sense of continuity between them that is not obvious and that has undoubtedly nourished a more critical and certainly more reflexive exercise of the profession. The importance (probably contingent and circumstantial) that teaching has acquired among these young Chilean architects is related to a tacit agreement, an awareness of which becomes gradually more palpable: the value of the “school” image and the notion of architecture as a profession. Centred on the confines of the studio, architecture is a discipline one learns through the doing of it, in a more or less slow undertaking guided by people who are experienced (in different degrees). The existence of these teacher-student relationships is crucial to the constructing of a continuity that helps keep the architecture scene beyond the empty ostentation of the star system, the overvalued individual genius and the self-reference of certain buildings, conceived more as an exhibition of skill and less as a part of a social fabric embodied in the city. In the case of Chile, a few architects who graduated at the beginning of the 1970s have maintained a solid teaching practice that has undoubtedly determined the current development of the discipline. Teodoro Fernández, Fernando Pérez and Rodrigo Pérez de Arce in the Architecture School of the Universidad Católica, and recently Germán del Sol at the Universidad de Chile, are perhaps the most consistent examples of an activity consisting of teaching and professional practice and which over the last fifteen years has been decisive in the training of at least two generations of professionals, from which have emerged various of the outstanding new names in Chilean architecture. Sebastián Irarrázaval, Alejandro Aravena, Cecilia Puga, Smiljan Radic, Mathias Klotz and more recently Eduardo Castillo and PvE, to name the most famous cases, maintained an important link with one or other of these major figures, at times as students and at other times as young collaborators. All of them in turn currently work as teachers; for various reasons the academic/professional practice relationship goes on being a common denominator between new architects (above all among the most promising ones, many of them published here), and could certainly lend continuity to a development that would otherwise be only an isolated episode. The sense of a “school”—and, therefore, of a certain collective tradition, inheritable and living—extending to the collabo-

dición colectiva, heredable y viva— extensible a las colaboraciones de jóvenes arquitectos en los estudios profesionales de sus maestros, puede ser una garantía importante a la hora de calibrar el impacto y la influencia que las últimas generaciones puedan tener en la sociedad, más allá de la contingencia noticiosa de la figura del mes.

rations of young architects in the professional studios of their teachers may be an important guarantee when it comes to calibrating the impact and influence that recent generations might have in society, over and above the well-informed contingency of the figure of the month.

Arquitectura para arquitectos Los arquitectos que comenzaron su carrera profesional a principios del siglo XXI, teniendo como fondo el reconocimiento internacional —en diferentes esferas— de nombres como Smiljan Radic, Mathias Klotz y Alejandro Aravena, enfrentan una tarea no del todo fácil. A diez años de la primera Casabella dedicada a la arquitectura chilena, puede parecer que la reciente publicación monográfica de a + u (Chile Deep South) cierra un ciclo. Entendidas como una síntesis del desarrollo de la disciplina en esta parte del cono sur, ambas publicaciones acumulan un buen número de obras que indicarían cuáles han sido las líneas de acción más vitales durante la última década. Ciertamente, podríamos ver esta muestra como una especie de patrimonio local, que establece una primera masa crítica que entiendo clave para la entrada de la arquitectura en el interés y compromiso de la opinión pública chilena (tarea pendiente hasta ahora). ¿Cómo dar el paso siguiente? Seguramente abriendo la disciplina a un espectro de matices que la salve de la polaridad actual entre una práctica brutal y mecanizada, que es la que ha determinado la fisonomía de nuestras ciudades en la última década, y una experimentación exquisita que, a pesar de sus méritos, no ha logrado comprometer al ciudadano común. Los primeros avances ya son visibles. Elemental, el programa de investigación y proyecto de vivienda social liderado por Alejandro Aravena que vincula a la Universidad Católica y al Gobierno de Chile, se ha constituido al mismo tiempo en una suerte de taller conformado por jóvenes arquitectos que ha convocado — cosa rara en Chile— a la opinión pública en torno a la arquitectura. Por otro lado, Mauricio Pezo, antes colaborador de Rodrigo Pérez de Arce, ha formado, junto con la argentina Sofía von Ellrichshausen, uno de los estudios actualmente más interesantes en Chile, utilizando una serie de acciones de arte urbanas para abrir la discusión de la comunidad en torno a la ciudad, en este caso la sureña Concepción. La cooperativa uro1.org ha mantenido una línea de acción similar a partir del proyecto Nautilus-La casa de vidrio, desarrollando en paralelo una serie de investigaciones sobre viviendas económicas y sistemas prefabricados para la clase media. Todos son casos recientes y en proceso. Y tal vez una de las formas para medir su éxito radique, de nuevo, en su capacidad para recibir, apropiar y legar el pequeño patrimonio que la arquitectura chilena ha construido en los últimos años. Y también en comunicar ese interés al resto de los ciudadanos, sacando de vez en cuando a la arquitectura de su círculo ensimismado.

Architecture for architects The architects who embarked on their professional career at the beginning of the 21st century, against a background of the international recognitionæin different spheresæof names like Smiljan Radic, Mathias Klotz and Alejandro Aravena, are faced with a task which is not all that easy. Ten years after the first Casabella devoted to Chilean architecture, the recent monographic number of a + u (Chile Deep South) would seem to close the circle. Seen as a synthesis of the development of the discipline in this part of South America, the two publications bring together a number of works that would seem to indicate what the vital lines of action have been during the last decade. We might certainly see this sample as a kind of local heritage that establishes a first critical mass, one that is crucial, as I see it, for an awareness of, and commitment towards, architecture within Chilean public opinion (a task that has hitherto been pending). How do we take the next step? Surely by opening the discipline up to a spectrum of nuances that might save it from the current polarity between a brutal and mechanised practice, which is what has determined the face of our cities during the last ten years, and an exquisite experimentation that, for all its merits, has not managed to involve the average citizen. The first advances are already visible. “Elemental”, the social housing research and design programme headed by Alejandro Aravena, which involves the Universidad Católica and the Chilean Government, has at the same time been set up as a sort of workshop created by young architects that has convokedæa rare thing in Chileæpublic opinion around the issue of architecture. Moreover, Mauricio Pezo, Rodrigo Pérez de Arce’s former collaborator, has formed, along with the Argentinean Sofía von Ellrichshausen, one of today’s most interesting studios in Chile by utilising a series of urban art actions to stimulate public debate on the city, in this case the southern city of Concepción. The uro1.org cooperative has maintained a similar course of action in relation to the “Nautilus-House of glass” project by undertaking a parallel series of investigations into economic housing and prefabricated systems for the middle class. All are ongoing recent examples. And perhaps one of the ways of measuring their success lies, once again, in their ability to receive, adapt and pass on the small inheritance that Chilean architecture has constructed in recent years. And also in communicating this interest to the rest of the population, thus occasionally extricating architecture from its self-contained circle.

Chile Alejandro Beals, Christian Beals Casa en el lago Rupanco House on Lake Rupanco 2004-2006 La casa se ubica a orillas del lago Rupanco, en la zona sur de Chile. El solar, de 160 x 30 m, tiene un desnivel de 36 m y vistas al lago con orientación sur. El programa de la vivienda debía incluir una sala de estar y un despacho donde poder almacenar libros, fotos y cañas de pescar. El comedor, la cocina y la terraza debían tener una continuidad visual, participando tanto como conjunto como por separado simultáneamente de un mismo espacio. En la planta alta, los dormitorios se disponen en los extremos de los volúmenes, conectados mediante un ancho pasillo que permite que este espacio se convierta en un recinto más, en una galería que se extiende hacia el exterior hasta tocar la parte alta del terreno, aprovechando el desnivel natural y generando, de este modo, un acceso secundario e independiente. El exterior de la casa se mimetiza con el entorno tomando prestadas formas y texturas de las construcciones de la zona. La estructura es de madera de pino, las fachadas de pino impregnado y los revestimientos interiores de madera de mañío y ulmo sin tratar. El exterior se ha tratado con un impermeabilizante de color negro muy utilizado en las construcciones rurales del sur de Chile para protegerse de la persistente lluvia. Con el tiempo, las fachadas se irán decolorando y la casa se asentará para, poco a poco, confundirse con el resto de construcciones del lugar. La casa se organiza en dos volúmenes paralelos colocados en un claro del bosque. Cada pieza se orienta hacia su mejor relación posible

con el paisaje: en la parte alta, hacia un bosque de arrayanes y arbustos autóctonos; hacia el frente, la vista entre las copas de los árboles y el lago; y hacia los lados, los planos herméticos e impermeables que, de vez en cuando, se recortan para permitir la entrada de luz. The house is located on the edge of Lake Rupanco, in the south of Chile. The 160 x 30 m site has a 36 m slope and south-facing views of the lake. The house programme was meant to include a lounge and an office where books, photos and fishing tackle could be kept. The dining room, kitchen and terrace were to have visual continuity, participating at once together and separately in the one space. On the upper floor, the bedrooms are arranged at the far ends of the volumes and connected by a wide corridor that converts this space into an extra area; this gallery extends outwards until it touches the high part of the terrain, making use of the natural slope and generating a secondary, independent entrance. The outside of the house blends in with the surroundings by borrowing the shapes and textures of the buildings in the area. The structure is of pine, the facades of treated pine and the interior facings of untreated mañío and ulmu wood. The exterior has been treated with a black sealer much used in rural buildings in the south of Chile to protect them from the persistent rain. In the course of time the facades will change colour and the house will become established and gradually blend in with the other buildings in the area. The house is organised in two parallel volumes in a woodland clearing, with each element orientated towards its optimum rapport with the landscape: in the upper part towards a wood of myrtle trees and autochthonous bushes, the view between the tops of the trees and the lake towards the front and the hermetic, impermeable planes, which from time to time are cut back to allow for the entrance of light, towards the sides. Emplazamiento Location Lago Rupanco, Región de Los Lagos/Lake Lupango, Los Lagos region, Chile | Arquitectos Architects Alejandro Beals, Christian Beals | Proyecto Design years 2004-2005 | Construcción Costruction years 2005-2006 | Estructura Structural design Patricio Stagno | Constructores Contractors Nicolás Aranguiz, Mauricio Carrasco

Chile Felipe Assadi Casa 20 x 20, Santiago de Chile 20 x 20 House, Santiago 2005 Esta casa se ha construido con materiales industriales y lavables para minimizar su mantenimiento. El programa incluye una casa de huéspedes y juegos para niños, dos dormitorios con baño cada uno, una cocina/bar, un baño de visitas y una zona de estar, todo ello sin llegar a una superficie total de 100 m2. Un volumen de vidrio inserido en el paisaje permite ver a través los árboles cuando la casa no está ocupada. El resto de los paramentos son de color negro para mimetizarse fácilmente con el contexto; la naturaleza y el tiempo se encargan de limitar el espacio contenido en esta caja de vidrio. La pequeña intervención se modula mediante piezas de 20 x 20 cm; todos los recintos, vanos, muebles, iluminación, etc., se refieren a una trama de módulo 20 x 20 cm que opera como plano regulador tanto en el interior como en el exterior de la casa. La planta es cuadrada, un ejercicio de simplificación espacial y una referencia directa al módulo escogido. This house has been built with washable industrial materials to minimise maintenance. The programme includes quarters for guests and for children’s games, two bedrooms, each with a private bathroom, a bathroom for communal use and a lounge, all this in less than 100 m2. A glass volume inserted in the landscape enables one to see through the trees when the house is unoccupied. The rest of the facings are black, in order to blend in with the context; nature and time attend to defining the space contained in this glass box. The small intervention is modulated by means of 20 x 20 cm components; all the areas, spans, furniture, lighting, etc., refer to a 20 x 20 cm module pattern that operates like a regulating plan on the inside as well as the outside of the house. The house has a square floor plan, an exercise in spatial simplification and a direct reference to the module chosen. Emplazamiento Location Calera de Tango, Santiago de Chile/Santiago, Chile | Arquitecto Architect Felipe Assadi (Assadi & Pulido) | Colaboradora Collaborator Trinidad Schönthaler | Proyecto y construcción Design and construction years 2005 | Fotografías Photographs Guy Wenborne

Felipe Assadi

Casa 20 x 20, Santiago de Chile 20 x 20 House, Santiago

Chile Pezo von Ellrichshausen Arquitectos Casa Rivo, Valdivia Rivo House, Valdivia 2002-2003

Situada en la ladera oriental de un cerro cubierto por una densa selva de especies autóctonas, la casa tuvo desde el principio la necesidad de propiciar el encuentro y desencuentro de sus habitantes, una pareja madura. En un enclave de condiciones extremas, todo el programa de la casa se resuelve en una pieza compacta y monolítica, con el objetivo de conservar la temperatura, reforzar la sensación de autonomía de la pareja, ganar altura para que el volumen asome por encima de las copas de los árboles y conseguir vistas y sol la mayor parte del día, alejar las tres habitaciones de uso privado (el dormitorio de la pareja y un estudio para cada uno de ellos), estimulando la búsqueda y los desencuentros. Las actividades comunes se unifican en un espacio abierto, orientado al norte, que permite recorrer con lecturas transversales y diagonales la topografía del cerro. La estructura está construida con madera pino sin tratar. El espacio de mayor tamaño y las habitaciones están revestidos de un mismo

entablado para suelos, muros y techos. Toda la superficie exterior se ha cubierto con una capa de entablado y cubrejuntas verticales de pino sin cepillar, y se le ha acabado negro de aceite carbonileo (un material muy utilizado en las construcciones rurales de la zona). Situated on the eastern side of a hill covered in a dense forest of autochthonous varieties, from the first the house addressed the need to propitiate the encounter and lack of encounter of its inhabitants, a mature couple. In an enclave with extreme conditions, the house’s entire programme is resolved in a compact, monolithic unit that serves to conserve the temperature, reinforce the feeling of the couple’s autonomy, gain height so that the volume sticks out above the tops of the trees and gets good views and sunshine for most of the day, put a distance between the three rooms for private use (the couple’s bedroom and a study for each of them), thus stimulating the idea of searching and perhaps not finding. The common activities are unified in a north-facing

open space that permits the topography of the hill to be scanned sideways and crosswise. The framework is of untreated pine. The largest space and the rooms are faced in the same panelling for floors, walls and ceilings. The entire outdoor surface has been covered with a layer of panelling and vertical butt cover straps of unplaned pine and a black finish of carbonyl resin (a material much used in the rural buildings of the area). Emplazamiento Location c/ Rapa Nui, 1, península de Coliumo/Coliumo Peninsula, Chile | Arquitectos Architects Mauricio Pezo, Sofía von Ellrichshausen | Proyecto Project years 2003 | Construcción Construction years 2004-2005 | Cliente Client Centro Cultural Casapoli | Estructura Structural design Cecilia Poblete | Mecánica de suelo Soil mechanics Carmen Gonzáles | Fotografías Photographs Cristóbal Palma

Pezo von Ellrichshausen Arquitectos

Casa Poli, penĂnsula de Coliumo Poli House, Coliumo Peninsula

Chile Pezo von Ellrichshausen Arquitectos Casa Poli, península de Coliumo Poli House, Coliumo Peninsula 2003-2005

La calidad del suelo donde se asienta esta casa obligó a confinar la operación en una pequeña pieza retirada de la orilla, una figura compacta, sin escala ni referencias que suavicen su dureza. Sin embargo, la elevación del suelo permitió recuperar la sensación de podio natural al pie del acantilado, allí donde rompe el mar contra las rocas. El suelo interior se divide en tres plataformas que se adaptan a la topografía natural. La triple altura de la plataforma más baja, orientada al noroeste, pretende contener la dimensión aérea del lugar, con toda su impresión de desprendimiento y gravedad. El programa debía alternar una casa de vacaciones con un centro cultural que incluyera actividades de reunión, trabajo y galería de arte. Por ello, en el interior se producía cierta contradicción, pues debía mediar entre una dimensión pública y otra más íntima e informal. Toda la obra se construyó con hormigón in situ y encofrados de madera sin cepillar en estratos horizontales, que hacían coincidir las tongadas con la medida de un panel de media tabla. Una vez terminada la obra de hormigón, toda la madera de los encofrados se reutilizó para el revestimiento de los muros interiores y unos paneles correderos que servían tanto para cubrir el programa perimetral de servicio como para proteger las ventanas cuando la casa estaba vacía. The quality of the ground on which this house stands obliged the intervention to be confined to a small area set back from the waterside, a compact shape without scale or references that might soften its hardness. For all that, raising the ground enabled the architects to rehabilitate the feeling of a natural podium at the foot of the cliff, where the sea breaks against the rocks.

The interior ground is divided into three platforms, which adapt to the natural topography. The triple height of the lowest, northwest-facing platform seeks to contain the aerial dimension of the place, with its feeling of disinterestedness and gravity. The programme had to alternate a holiday house with a cultural centre that would include activities to do with meeting, work and an art gallery, all of which meant that a certain contradiction was created on the inside, since the latter was obliged to mediate between a public dimension and a second, more intimate and informal one. The entire building was constructed with sitepoured concrete with unplaned wood formwork in horizontal layers that made the lifts coincide with the measurement of a half-board panel. Once the concrete work was completed, all the wood used in the formwork was reutilised to face the inside walls and some sliding panels that served to cover the perimetral service programme as well as to protect the windows when the house was empty. Emplazamiento Location Valdivia, Chile | Arquitectos Architects Mauricio Pezo, Sofía von Ellrichshausen | Proyecto Project year 2002 | Construcción Construction years 2003 | Estructura Structural design Cecilia Poblete | Constructor Contractor Jaime Risco | Fotografía Photographer Cristóbal Palma

Pezo von Ellrichshausen Arquitectos

Casa Rivo, Valdivia Rivo House, Valdivia

Oficinas y estudios, Clerkenwell, Londres

Studio offices, Clerkenwell, London

Chile Martín Alonso, Daniel Rosenberg Cobertizo y galpón, península El Panul Lean-to and shed, El Panul Peninsula 2004

Las formas de estas dos estructuras, un cobertizo y un galpón, son el resultado del manejo paralelo de procedimientos constructivos abstractos, tanto en el espacio digital como en el material. Esta abstracción se produce al entender la forma como resultado de una estrategia de operaciones más que como un producto final preestablecido. Así, el diseño digital, que pretende la aplicación de teorías contemporáneas de cómo la adaptabilidad y el crecimiento, se combina con la rudimentaria construcción tradicional propia del contexto chileno. El cobertizo se adapta a la forma irregular de la planta, que presenta un quiebro central; en este quiebro, dos estructuras desfasadas se unen progresivamente por el giro de una de las aguas de la cubierta de una posición a la otra. El galpón relaciona una estructura tradicional a dos aguas con una forma ortogonal que permite que sus caras se abran por completo. Se compone de marcos triarticulados que, al variar la crujía, giran y cambian de posición. El cobertizo y el galpón son producto de la aplicación rigurosa de una serie de reglas del juego, unos procedimientos constructivos abstractos entre líneas, paños, puntos de rotación, rótulas, vectores y cerchas. The forms of these two structures, a lean-to and a shed, are the outcome of the parallel handling of abstract building procedures in both digital and material space. This abstraction is

produced when understanding form as the result of an operational strategy rather than as a pre-established end-product. As a consequence the digital design, which seeks to apply contemporary theories of adaptability and growth, is combined with the rudimentary traditional construction typical of the Chilean context. The lean-to adapts to the irregular form of the ground plan, which has a bend in the middle; in this bend two staggered structures are progressively joined by turning one of the gables of the roof from one position to the other. The shed connects a traditional ridge-roof structure with an orthogonal form that enables its two faces to open completely. It is formed by tri-

articulated frames which, when the span varies, turn and change position. The lean-to and the shed are the outcome of the rigorous application of a series of game rules, nominally abstract building procedures, stretches of wall, points of rotation, pivots, vectors and trusses. Emplazamiento Location península el Panul, IV Región/El Panul Peninsula, Region IV, Chile | Equipo de proyecto Design team Oficina War IA (Martín Alonso, Daniel Rosenberg) | Proyecto y construcción Design and construction years 2004 | Promotor Developer Aquamont, SA | Estructuras Structural design Gustavo Montero Saavedra | Constructor Contractor Gustavo Montero Saavedra | Jefe de obra y montaje Head of construction and assembly Emilio Morales | Fotografías Photographs María del Rosario Montero Prieto

Chile 60

Max Núñez, Bernardo Valdés Casa camino a Farellones, Santiago de Chile House on the road to Farellones, Santiago 2004-2006

El proyecto parte de las particularidades del territorio, de su pendiente, de su vegetación, de sus vistas y de los requerimientos del cliente, un hombre soltero que permitió redefinir el programa de una casa unifamiliar para convertirlo en una unipersonal; en un lugar que le permitiera alejarse de la ciudad y vivir en una relación próxima con el paisaje de la precordillera. La topografía se ve interrumpida por un plano horizontal de 8 x 36 m dispuesto en sentido norte sur, a contrapendiente. La plataforma genera una superficie estable y continua que incluye una habitación para invitados, un patio, un pabellón, una terraza y un estanque de agua que ocupan toda su longitud. La superficie pesada del patio, elevada 70 cm sobre el nivel de la plataforma, viene definida por la base de un espino preexistente. El pabellón es un recinto de vidrio, bajo una cubierta liviana de techo oscuro, un espacio casi vacío desde donde la mirada atraviesa el vidrio hasta la cordillera, la profundidad del valle, los pinos y el exterior inmediato, abarcando todos los campos de visión del territorio. El pabellón permite la incidencia del sol pero de forma controlada mediante aleros y cortinas. Dos ventanas correderas, una a norte y otra a sur, permiten ventilarlo aprovechando el viento que sube por el valle. La terraza y el espejo de agua, colgados sobre la pendiente, abren por completo el paisaje descolgándose sobre la pendiente. El agua refleja la luz en el techo del pabellón y sirve para refrigerarlo ante las elevadas temperaturas estivales. The design proceeds from the particularities of the terrain, its slope, its vegetation, its views and the requirements of the client, a single man who permitted the architects to redefine

the programme of a single-family house and to turn it into a single-person one in a spot that allows him to get away from the city and to live in a close relationship with the landscape of the Andean foothills. The topography is interrupted by an 8 x 36 m horizontal plane running north-south against the slope. The platform generates a stable and continuous surface area that includes a guest room, a patio, a pavilion, a terrace and a pool, which occupy its entire length. The heavy surface of the patio, raised 70 cm above the level of the platform, is defined by the base of a pre-existing hawthorn tree. The pavilion is a glass enclosure beneath a lightweight roof, dark in colour, an almost empty space from where the gaze traverses the glass in the direction of the foothills, the deep valley, the pines and the space immediately outside, taking in every field of vision the terrain offers. The pavilion harnesses the sun but controls it by means of eaves and curtains. Two sliding windows, one in the north and the other in the south, enable the pavilion to be ventilated by making use of the wind that comes up through the valley. Hanging over the slope, the terrace and the reflecting pool completely open up the landscape. The water reflects the light on the ceiling of the pavilion and keeps things fresh in the high summer temperatures. Emplazamiento Location Camino a Farellones, Santiago de Chile Santiago, Chile | Arquitectos Architects Max Núñez, Bernardo Valdés | Colaborador Collaborator Nicolás del Río | Proyecto Design years 2004-2005 | Construcción Construction years 2005-2006

Max Núñez, Bernardo Valdés

Casa camino a Farellones, Santiago de Chile House on the road to Farellones, Santiago

Chile uro1.org Prototipo m7, Punta de Gallo, Tunquén m7 prototype, Punta de Gallo, Tunquén 2002-2003

Este apartado solar, en una meseta junto a un acantilado, y un presupuesto reducido marcaron el encargo. Se trataba de que el tiempo de ejecución de la obra in situ se redujera al mínimo para ahorrar costes en esta vivienda temporal y en el transporte de mano de obra y material. El pequeño pabellón, de 45 m2, se desarrolla en una topografía escalonada, y se construyó a partir de piezas realizadas en un taller de carpintería, transportadas y ensambladas in situ en menos de una semana. El sistema (m)n, del que m7 es su primer prototipo construido, investiga el proyecto de habitáculos de bajo coste, con ensamblaje de módulos de madera prefabricados, realizados a partir del aprovechamiento óptimo de las medidas estándar de planchas de terciado estructural (1.220 x 2.440 x 21 mm) y sus variaciones. El coste total se sitúa en unos 300 dólares/m2, demostrando que es un producto relativamente accesible para la economía del país. Las piezas se cortan y se tratan como si fueran prefabricadas y, una vez ensambladas in situ, se combinan perfectamente en una forma unificada. The isolated piece of land, a flat area next to a cliff, and the reduced budget available determined the commission. It was a question of reducing the execution time of the on-site construction to a minimum in order to save on the

costs of a temporary dwelling and the transport of a workforce and material. The small 45 m2 pavilion unfolds on a stepped topography and was built from components made in a carpentry workshop, transported and assembled in situ in less than a week. The (m)n system, of which m7 is the first built prototype, investigates the project of low-cost housing based on the assembling of prefabricated wooden modules created by making optimum use of the standard measurements of sheets of structural plywood (1,220 x 2,440 x 21 mm) and their variants. The total cost is around $300 per m2, thus demonstrating it to be a relatively accessible product for the economy of the country. All the pieces are cut and treated as if they were prefabricated, and once assembled on site combine perfectly in one unified shape.

Emplazamiento Location Lote 9, Punta de Gallo, Tunquén, V Región/Fifth Region, Chile | Arquitectos Architects cooperativa uro1.org (Fernando Portal, Nicolás Rebolledo, Gabriel Rudolphy, Alejandro Soffia, Arturo Torres) | Proyecto Design years 2001 | Construcción Construction years 2002-2003 | Promotor Developer Jaime Aravena | Construcción Construction cooperativa uro1.org, Jaime Aravena, familia Montoya, María José Varas, Rodrigo Gijón, Jaime Lorca, Alejandro Soffia Vial, Daniel Soffia Vega, LuLa, Rodrigo del Castillo, Jaime Pascual, Rambo, José Vega (componentes de madera terciada/plywood components), Segundo Rodríguez (fibra de vidrio/glass fibre) | Fotografías Photographs Andrés Cortínez

uro1.org

Prototipo m7, Punta de Gallo, TunquĂŠn m7 prototype, Punta de Gallo, TunquĂŠn

Colombia JPRCR + Planb Orquideorama, Medellín Orquideorama, Medellín 2005-2006

Orquideorama surge de la relación entre la arquitectura y los organismos vivos, sin marcar diferencias entre lo natural y lo artificial, sino asumiéndolo como una unidad que permite definir una organización material, ambiental y espacial particular, cercana a los procesos vitales. Lo orgánico se entiende a dos escalas, cada una de las cuales permite definir diferentes aspectos del proyecto: la escala micro, que posee principios de organización material y las estructuras de la vida natural, por un lado, y, por otro, la escala externa y visual de las formas vivas, que permite acercarnos a sus fenómenos ambientales y perceptivos. La escala micro de lo orgánico, su organización en leyes y patrones geométricos flexibles (un panal, un tejido celular), permite definir la

creación de un módulo en planta llamado “florárbol” conformado por siete hexágonos. Su repetición permite definir el crecimiento y expansión del proyecto, el control perimetral, la organización del programa y la geometría del suelo. La escala externa de las configuraciones vivas (en concreto, flores o árboles) permite definir la percepción de un amplio bosque o jardín en sombra, además de un sistema estructural de troncos huecos o patios que permiten ejercer un control moderado de la temperatura, la humedad y la recolección de agua. Más que una forma acotada y cerrada, se define un sistema modular de agrupación y crecimiento flexible: el proyecto agrupa 10 flores árbol, pero se comporta como un sistema en espera, que puede crecer en cualquier

momento, e incluso replicarse en otro lugar. Al reemplazar la estructura de carácter industrial existente, el nuevo Orquideorama, como un jardín a escala mayor, restituirá la forma del follaje faltante mediante sus pétalos cubierta. Más que una cubierta, se quiere construir una superficie superior con las cualidades lumínicas y ambientales del follaje. Orquideorama, “Orchidarama”, arises from the relationship between architecture and living organisms without registering a difference between the natural and the artificial, but adopting it as a single unit that enables one to define a particular material, environmental and spatial organisation, close to vital processes. The organic is understood at two scales, each of which permits different aspects of the project to be defined: the micro scale with its principles of material organisation and the structures of natural life on the one hand, and, on the other, the external, visual scale of living forms which enables us to get closer to their environmental and perceptual phenomena. The micro scale of the organic, its organisation in flexible geometric laws and patterns (a honeycomb, cell tissue) permits the creation to be defined of a module in plan form called “flower-tree”, consisting of seven hexagons. Their repetition enables one to define the growth and expansion of the project, the control of the perimeter, the organisation of the programme and the geometry of the ground surface. The external scale of the living configurations (namely, flowers or trees) permits the perception to be defined of an extensive wood or garden in the shade, as well as a structural system of hollow trunks or patios that enable a moderate control to be exercised of the temperature, humidity and collecting of water. More than an enclosed and closed form, we define a modular system of grouping and flexible growth: the project groups together ten flower-trees but behaves like a system on hold, which can grow at any moment, and even replicate itself in some other place. On replacing the existing industrial type of

structure, the new Orquideorama will, like a large-scale garden, restore the missing foliage by means of its roof petals. More than a roof, one seeks to construct an upper surface with the luminous and environmental qualities of foliage. Emplazamiento Location Medellín, Colombia | Arquitectos Architects JPRCR (Camilo Restrepo, J. Paul Restrepo) y Planb (Alejandro Bernal, Felipe Mesa) | Colaboradores Collaborators Viviana Peña, Catalina Patiño, Carolina Gutiérrez, Jorge Buitrago | Proyecto Design years 2005 | Construcción Construction years 2006 | Consultores Consultants Ménsula SA | Fotografías Photographs Sergio Gómez

Flor-รกrbol vegetal Flower-Vegetal tree Flor-รกrbol luz Flower-Light tree Flor-รกrbol animal Flower-Animal tree

JPRCR + Planb

Orquideorama, Medellín Orquideorama, Medellín

Colombia Planb Colegio Hontanares, Retiro Hontanares School, Retiro 2003-2006 La implantación y construcción de ambientes del proyecto surge de su relación con la diversidad geográfica del lugar, cuyos accidentes determinan el programa y la actividad de la siguiente manera: meseta central (zona abierta, alta y no construida, destinada a eventos compartidos), ladera occidental (zona en pendiente, recogida y limitada por un bosque autóctono para talleres y aulas de los niños más pequeños), ladera oriental (zona en pendiente y despejada para las aulas y los talleres de los adolescentes), ladera de cultivos frutales (zona de mucha pendiente, adecuada para la siembra de cultivos frutales y atractores de aves), microcuenca hidrográfica (zona baja de bosque autóctono que será cuidada y fortalecida para realizar caminos y jardines) y hondonada (zona extendida y recogida, de poca pendiente y con tribunas naturales para zonas deportivas). El proyecto surge a partir de la construcción de un bancal longitudinal que atraviesa la diversidad topográfica siguiendo una curva de nivel. En zonas de mucha pendiente, esta acción permite realizar desmontes y algunos rellenos de tierra moderados, además de definir un recorrido plano, extendido y fácilmente practicable por parte de niños y profesores. De esta manera, el crecimiento de los niños se vincula con el movimiento longitudinal a través de las diversas formas geográficas. Cuando abandone el colegio, cada estudiante habrá pasado un tiempo en cada uno de los accidentes geográficos mencionados. El proyecto no pretende respetar o acomodarse a la naturaleza, sino formar parte de ella a través de acciones sencillas: vincular los accidentes geográficos a la configuración geométrica, proponer un material de construcción con un color parecido al de la arcilla del lugar, definir un patio para cada aula, un pasillo de recreo y observación, cubiertas jardín, terrazas deportivas, jardines topográficos y cultivos frutales, determinar un módulo flexible y abierto, e introducir ensayos figurativos referidos a animales autóctonos. La escuela es más paisaje dinámico que forma abstracta; por medio de su geometría, la arqui-

tectura colabora con la dispersión de los niños por el lugar, con cierta libertad de movimiento pero también con la posibilidad de concentración para actividades compartidas en la meseta superior. The implantation and construction of project environments arises from their relation to the geographical diversity of the location, whose idiosyncrasies determine the programme and the activity in the following way: a central plateau (an open area, high up and unbuilt, intended for shared events), a western hillside (a secluded sloping area limited by autochthonous woodland for the workshops and classrooms of the smallest children), an eastern hillside (an unobstructed sloping area for the classrooms and workshops of the adolescents), a hillside with harvestable fruit trees (a strongly sloping area adapted for the sowing of harvestable fruit trees and bird attractors), a hydrographic microbasin (a low area of autochthonous woodland that will be nurtured and reinforced in order to create pathways and gardens) and a dip (an extended, secluded, slightly sloping area with natural platforms for sports zones). The design is based upon the constructing of a longitudinal terrace that crosses the diverse topography by keeping to a curve in the level. In areas with a lot of slope, this intervention enables one to undertake a levelling of the ground and a few moderate in-fills of earth, as well as to define an extended flat course that is easily negotiable for children and teachers.

In this way one links the growth of the children with the longitudinal movement across the different geographical forms. Upon leaving school, each pupil will has spent time in each of the geographical idiosyncrasies mentioned above. The project doesn’t seek to respect or to conform to nature but to form part of it via simple interventions: to link the geographical idiosyncrasies to the geometric configuration, to propose a building material with a colour similar to that of the local clay, to define a patio for each classroom, a corridor for break-time and observation, a rooftop garden, sports roofs, topographical gardens and cultivated fruit trees, to determine a flexible and open module and to introduce figurative experiments referring to authochthonous animals. The school is more dynamic landscape than abstract form; via its geometry, the architecture collaborates with the dispersion of the children throughout the location, with a certain freedom of movement but also with the possibility of gathering together for shared activities on the upper plateau. Emplazamiento Location municipio/town of del Retiro, cerca de/near Medellín, Colombia | Arquitectos Architects Planb (Felipe Mesa, Alejandro Bernal) | Colaboradores Collaborators Federico Mesa, Camilo Restrepo Villa, Jorge Buitrago, Isabel Dapena, Juan David Diez, Sergio Escobar, Andrés Benites, José Daniel Cárdenas | Proyecto Design years 2003 | Construcción Construction years 2006 | Ingenieros Engineers Gabriel Tamayo, Jorge Luis Betancourt | Fotografías Photographs Verónica Restrepo

Planb

Colegio Hontanares, Retiro Hontanares School, Retiro

Colombia Felipe Arturo Videoinstalaciones Video-installations 2004-2006

El punto intermedio entre la arquitectura y el arte fue la plataforma que permitió emprender la investigación de los trazos de memoria de Colombia. El resultado de este período se materializa en una serie de trabajos en soporte vídeo y videoinstalaciones donde se explora la idea de la fragilidad de la memoria en Colombia. Trabajos como Péndulo, Beads (Cuentas), Earthfalls (Cascadas) fueron construcciones en el tiempo y el espacio únicamente visibles a través de la operación de proyecciones de vídeo en distintas localizaciones de Bogotá. Se permite así experimentar con la traducción de la idea de una memoria política difusa que en el vídeo está representada por una presencia real de fragmentos esculturales en el espacio. Lidiar con el papel del arte al enfrentar traumas históricos y la traducción de estos pensamientos en cuerpos en el espacio. ?, San Onofre La primera fase de este proyecto consistió en entrelazar libros intercalando páginas de unos con otros. La fricción producida por el contacto de las múltiples capas de papel se incrementó por la presión de incontables pinzas de pelo. Entrelazar la mitad de las páginas de un libro con la mitad de las de otro produjo una estructura que podía crecer incesantemente. La manipulación de la tira de libros, condujo a cortes por las espinas de los libros que generaron diferentes fragmentos que, posteriormente, fueron instalados en la galería adaptando su forma articulada a los muebles del espacio. En una segunda fase, el proyecto repitió el entretejido de páginas, pero esta vez con hojas de papel impresas con una fotografía tomada en la región de San Onofre. Las múltiples estructuras de papel se instalaron a lo largo de una vía, en todos aquellos rincones, juntas o espacios residuales que permitan la adaptación de los cuerpos de papel. Se espera que el paso del tiempo y la manipulación de los paseantes vayan destejiendo las estructuras y difundiendo progresivamente la imagen fotográfica.

Beads (Cuentas) La continua construcción de la ciudad hace que el sentido de pertenencia no se vea representado en un espacio, sino en el principio de incertidumbre que lo caracteriza. Definida por este cuestionamiento, la arquitectura es siempre una expresión de ausencia, de deficiencia, de algo incompleto. De esta manera, nuestro tiempo ha quedado desnudo, un tiempo amalgama de recuerdos, intuiciones y esperanzas. La forma de nuestras ciudades no sólo ocurre en el territorio, sino, sobre todo, en el tiempo; el tiempo de nuestras ciudades, un instante que dura para siempre. Los espacios existen como la superposición de instantes, collares de tiempo, pasos perdidos; un único paso. Cosas que pasan, invisibles catástrofes. Beads (Cuentas) es la construcción de un volumen cúbico en el tiempo. La operación consistió en igualar una unidad de espacio con una de tiempo; cada adición o sustracción de un ladrillo en el volumen fue marcada por la grabación de un fotograma. La edición consistió en ir hacia adelante y hacia atrás en la línea de tiempo del vídeo, jugando con el flujo de ladrillos en el tiempo y el espacio. Earthfalls Earthfalls (Cascadas) es un reexamen de la naturaleza de la ruina y del monumento en un país que, como Colombia, ha convivido durante décadas con un complejo conflicto político. La exploración opera con la oposición de una técnica de construcción popular y rural y un paisaje urbano y artificial como el del jardín botánico de Bogotá. Propone también la construcción de una arquitectura que sólo puede verse a través del tiempo del vídeo. Este trabajo incluye tres procesos diferentes: la construcción de los muros de tierra, la grabación a instantes del inducido proceso de desaparición de los mismos y la proyección del material editado. The midpoint between architecture and art was the platform that permitted the investigation to be undertaken of the memory traces of

Colombia. The outcome of this period is materialised in a series of works in video and videoinstallation in which the idea is explored of the fragility of memory in Colombia. Works like Pendulum, Beads and Earthfalls were constructions in time and space, uniquely visible through the procedure of video projections in different places in Bogotá. It was thus possible to experiment with the expression of the idea of a diffuse political memory that is represented in the video by the real presence of sculptural fragments in space. To fight with the role of art when confronting historical traumas and the expression of these thoughts in bodies in space. ?, San Onofre The first phase of this project consisted of interweaving books by intercalating their pages, one with the other. The friction produced by the contact of the multiple layers of paper increased through the pressure of countless hairclips. Interleaving half of the pages of one book with half the pages of another produced a structure that was able to grow incessantly. Handling of the row of books led to cuts along their spine, generating different fragments that were installed in the gallery by adapting their articulated form to the furnishings of the space. In its second phase, the project repeats the interweaving of pages, but this time with sheets of paper printed with a photograph taken in the San Onofre area. The multiple structures of paper will be installed along a roadway, in all those corners, junctions or residual spaces that might admit of the adaptation of the bodies of papers. It is hoped that the passing of time and the handling of passers-by might gradually unpick the structures and progressively disseminate the photographic image. Beads The ongoing construction of the city means that the sense of belonging is not represented in a space but in the principle of uncertainty

that characterises it. Defined by this questioning, architecture is always an expression of absence, deficiency; it is something incomplete. And so our time has remained naked, a mixed time of memories, intuitions and hopes. The shape of our cities does not only occur on the ground, but above all in time; the time of our cities, an instant that will last forever. Spaces exist as the superimposition of instants, necklaces of time, wasted footsteps, a single step. Things that happen, invisible catastrophes. Beads is the construction of a cubic volume in time. The operation consisted of equalising a unit of space with a unit of time; each addition

or subtraction of a brick in the volume was marked by the shooting of a frame. The editing consisted of going backwards or forwards in the timeline of the video by playing with the flux of bricks in time and space. Earthfalls Earthfalls is a re-examination of the nature of the ruin and of the monument in a country that has coexisted for decades, like Colombia, with a complex political conflict. The exploration operates with the opposition between a vernacular, rural technique of construction and an artificial urban landscape like that of the botanical garden of Bogotá. It also proposes the

construction of an architecture that can only be seen through the time of a video. This work includes three different processes: the construction of earthen walls, the recording by instants of the induced process of disappearance of the same, and the projecting of the edited material. Autor Creator Felipe Arturo | Instalaciones Installations San Onofre, San Onofre, Colombia, (2005-2006); Beads, Bogotá, Colombia, vídeo/video, 3,55 min., 2004; Earthfalls, Jardín Botánico/Botanical Garden, Bogotá, Colombia, videoinstalación/video-installation, 1,08 min en bucle/in loop, 2004-2005

Colombia Husos Casa Taller Croquis, Cali Taller Croquis House, Cali 2006 Este edificio, un jardín para hospedar y proporcionar néctar a las mariposas de Cali, es la sede del Taller Croquis, un pequeño negocio de ropa y decoración ubicado en el centro de la ciudad. El edificio está pensado como un jardín inteligente, un biómetro que, además de los beneficios que puede producir en el ambiente interior, desarrolla estrategias de acción y concienciación sobre la importancia de la preservación de la biodiversidad en la ciudad, estimulando la presencia de mariposas de la región en el edificio por medio de plantas que las hospeden y alimenten. Las mariposas son uno de los bioindicadores más efectivos de la calidad y biodiversidad del ecosistema, y particularmente importantes en esta región que concentra la mayor diversidad de mariposas del planeta. De esta manera, el edificio jardín también podrá servir al taller como estrategia indirecta de márketing, formando parte de una exploración espacial, de múltiples formas de una identidad caleña, aunque transnacional, del negocio, frente al reto que supone su

expansión. El proyecto se desarrolla en dos estrategias complementarias: el “edificio jardín hospedero y nectarífero” para mariposas de Cali como infraestructura (o plataforma) construida en diferentes etapas, y Proyecto Cali como entidad (o generador), que desarrolla la fachada jardín y espacio para la investigación multidisciplinar sobre la ciudad. El edificio jardín hospedero está pensado como un dispositivo de relaciones simbióticas entre el negocio y la ciudad, reconociéndolas como entidades que funcionan en distintas escalas, desde lo local a lo global. Como nuevo icono del Taller Croquis, la casa jardín formará parte de la identidad caleña de los productos en su archipiélago de ventas mundial, buscando aquella globalización de la diferencia que valoriza lo específico. El edificio jardín hospedero y nectarífero para mariposas de Cali es, al mismo tiempo, la apuesta por una nueva imagen del Taller Croquis y un redescubrimiento de Cali más urbano y tropical.

This building-cum-nectariferous host garden for butterflies in Cali, head office of Taller Croquis, a small clothes and decoration business is located in the centre of the town. The building is conceived as an intelligent garden, a biometer which, along with the benefits it may produce in the indoor atmosphere, develops strategies of action and awareness of the importance of preserving biodiversity in the city by stimulating the presence of regional butterfly varieties in the building by means of the host plants they feed on. Butterflies are one of the most effective bio-indicators of the quality and biodiversity of the ecosystem and are particularly important in this region, which has the greatest diversity of butterflies on the planet. In this way, the building-cum-garden will also be able to serve the business as an indirect marketing strategy, forming part of a spatial exploration of a multifarious Cali identity which, faced with the challenge its expansion entails, is both local and trans-national in business terms. The project deploys two com-

plementary strategies: the Cali building-cumnectariferous host garden for butterflies as an infrastructure (or platform) constructed in different phases, and Project Cali as an entity (or generator) that develops the garden-facade and space for a multidisciplinary investigation of the city. The building-cum-host garden is conceived as a device for symbiotic relations between business and city, recognising these as entities that function at different scales, from the local to the global. As a new Taller Croquis icon, the house-cumgarden will form part of the Cali-based identity of the products in their archipelago of sales worldwide, by seeking after that globalisation of difference that valorises the specific. The building-cum-nectariferous host garden for butterflies in Cali is Taller Croquis’s wager on a new image and also a rediscovery of the more urban and tropical image of Cali itself.

Emplazamiento Location Cali, Colombia | Arquitectos Architects Husos (Camilo García, Diego Barajas) con/with Francisco Amaro (biólogo/biologist) | Colaboradores Collaborators Juan Pablo Arias, Junko Watanabe, Antonio Cobo | Proyecto y construcción Project and construction years 2006 | Cimentación Foundations Rodrigo Gallegos | Estructura metálica Metal structure Jorge Mejía | Constructor Contractor Luis A. Ramírez | Agradecimientos Acknowledgements Fundación Zoológico de Cali, Douglas Laing (ingeniero agrónomo especialista en agricultura tropical/agronomist specialising in tropical agriculture), Lorena Ramírez (bióloga/biologist, Universidad del Valle, Colombia), Luis M. Constantino (biólogo entomólogo, investigador asociado al/biologist and entomologist, associate researcher at the Centro Nacional de Investigaciones de Café, Cenicafé, Chinchiná, Colombia), Ricardo A. Claro (biólogo entomólogo/biologist and entomologist, Universidad Nacional de Colombia, Colombia), José Martín Cano (biólogo entomólogo, Universidad Autónoma de Madrid), María García, Manuel Salinas, Julián Velásquez | Fotografías Photographs Javier García, Silvia Patiño

escalera móvil mobile star

Antejardín tradicional/la casa está detras/paisaje horizontal Antejardín en diagonal/la casa está encima/paisaje oblicuo Traditional front garden/the house behind/horitzontal landscape Diagonal front garden/the house is upwords/oblique landscape

lavaplatos de esconderse hidden washdisheg

cortina curtain mesa sube y baja up and down table

Husos

Casa Taller Croquis, Cali Taller Croquis House, Cali

para las plantas for plants cocina-santuario sanctuary-kitchen

para sentarse for sitting

para jugar for playing

superficie húmeda para las mariposas humid surfase for butterflies

1. Señor Milagroso de Buga 2. Cristo Negro del Pacífico 3. Virgen del Carmen, Patrona de los conductores 4. Virgen de Chiquinquirá, Patrona de Colombia 5. Virgen Milagrosa, adorada en Cali 6. Señor de la Caña 7. Santa Librada 8. Dr. José Gregorio Hernández, médico curador venezolano 9. Divino Niño 10. San Pedro Claver, S.J. Protector y defensor de los negros.

EspañaSpain 84

Andrés Jaque Tejido Automático Automatic Fabric 2003

Tejido Automático es el dispositivo para la inscripción de particularidades individuales en un entorno metropolitano. Es también el proyecto de construcción de un personaje. Una anfitriona equipada para crear amistades entre agentes más o menos peculiares. Una anfitriona que hace posible una forma de convivencia que no necesita unificar o establecer jerarquías entre comportamientos o culturas individuales. Si la emperifollada japonesa moderna de la novela de James Joyce Finnegans Wake imponía su personalidad por donde pasaba, la tecnogeisha del siglo XXI transforma su atuendo para hacer que los invitados de la ciudad contemporánea se sientan “como en casa”. Para construir un contexto que, como un parlamento, está formado por fragmentos superpuestos que representan a los actores que lo componen. En definitiva, un personaje con un cometido arquitectónico: crear mediaciones entre personas diferentes para hacer posible que tengan asociaciones estimulantes basadas en la diversidad. La tecnogeisha está equipada con diferentes capas de vestuario. En el momento que ella decida, sus invitados pueden acceder a un espacio cada vez más íntimo a través de pequeñas manipulaciones de su ropa. Cuanto más pegada a la piel, más íntimos son los espacios que genera. En el estrato más exterior, el abrigo, apoyado sobre el suelo, se con-

vierte en un parque urbano con pradera de césped y barbacoa. Y en el más interior, junto a su piel, una combinación de ripstop plegado y recogido con correas elásticas, con un sistema de cordones que permite liberar los pliegues y convertir el traje en una cápsula de intimidad. Automatic Fabric is the mechanism for inscribing individual particularities in a metropolitan setting. It is also the project of constructing a character. A hostess equipped to create friendships between more or less odd agents. A hostess who makes a form of conviviality possible that doesn’t need to unify or set up hierarchies between kinds of behaviour or individual cultures. While the modern, dolled-up Japanese woman of James Joyce’s novel Finnegan’s Wake imposed her personality wherever she went, the technogeisha of the 21st century transforms her attire in order to make guests of the contemporary city feel “at home”. In order to construct a context that, like a parliament, consists of superimposed fragments representing the actors that compose it. In short, a character with an architectural assignment: to create mediations between different people and to make it possible for them to have stimulating relationships based on diversity. The technogeisha is equipped with different layers of costume. When she decides, her

guests can accede to an ever more intimate space by means of small manipulations of her clothing. The closer it is to the skin, the more intimate are the spaces it generates. On the outermost layer, the coat, supported on the ground, turns into an urban park with a meadow of grass and a barbecue. And on the innermost, next to her skin, a combination of ripstop, folded and gathered with elastic straps, with a system of cords that enables the folds to be released and to turn the costume into a capsule of intimacy. Emplazamiento Location presentado en la/presented at the Galería Doméstico, Madrid, España/Spain, septiembre de/September 2003 | Arquitecto Architect Andrés Jaque, con la colaboración especial de la artista/with the special collaboration of the artist Alicia Ríos | Colaboradores Collaborators Tania Álvarez, Carmen Ovejero, MaríaSolange Faría, Herminia Vegas | Modelo Model Sybille Streck | Fotografías Photographs Miguel de Guzmán

EspañaSpain Andrés Jaque Casa Tupperware, Madrid Tupperware House, Madrid 2006 La casa Tupperware es el primer producto de la Tupperware Shop, un catálogo de productos arquitectónicos del que se acaba de construir un primer prototipo en el centro de Madrid, que está planteado como una alternativa al urbanismo estratégico oficial basado en las experiencias de márketing piramidal. La casa ofrece una respuesta arquitectónica y financiera a tres preocupaciones públicas que evidencian la crisis del modelo de desarrollo de tejidos residenciales en España tras la entrada del euro, y de las que el diseño detallado de las viviendas es punto de paso obligado. El sistema de casas Tupperware incrementa la especialización de las soluciones tecnológicas y la normalización de sus procesos de producción, incidiendo directamente en una optimización del uso del espacio y haciendo posible mantener las mismas prestaciones con una reducción del 55 % del tamaño de las viviendas y un 52 % en el precio global. La casa contiene su propio mecanismo de propagación, un sistema piramidal donde los propios usuarios muestran las virtudes del sistema a sus amigos, amantes o incluso desconocidos, en un modelo de promoción boca a boca. Como efecto indirecto, el sistema pretende contribuir a la construcción de una sociedad de usuarios que, gracias a la reducción de los gastos derivados de la financiación de sus viviendas, cuenten con un mayor grado de emancipación respecto a la necesidad de obtener ingresos regulares. Por otro lado, el aumento de la formación de los operarios productores e instaladores contribuye a un incremento de su capacidad para intervenir en la construcción de la esfera pública. El primer prototipo de la casa Tupperware se construye para uuna pareja de mediana edad que se va a vivir fuera de la ciudad y deja solos a sus dos hijos adolescentes. Se trata de un apartamento singular de 30 m2, una vivienda de plástico y colores saturados que revive el modo como las madres españolas preparan tupperwares con comida casera para sus hijos, porque, en el fondo, esta casa se ha hecho con el mismo tipo de afecto. Una

casa de plástico que mantiene encapsulado, igual que un tupper con croquetas, un mensaje de cariño y confort hogareño. The Tupperware House is the first product of the Tupperware Shop, a catalogue of architectural products, a first prototype of which has recently been constructed in the centre of Madrid, and which is posited as an alternative to official strategic urbanism based on the experiences of pyramidal marketing. The house presents an architectonic and financial response to three public preoccupations that demonstrate the crisis of the model of development of residential fabrics in Spain following the entrance of the Euro and of which the design in detail of houses is an obligatory crossing point. The Tupperware House system promotes the specialisation of technological solutions and the normalisation of their processes of production by directly influencing an optimisation of the use of space and making it possible to maintain the same facilities with a 55% reduction in the size of the dwellings and a 52% saving in the overall cost. The house contains its own mechanism of propagation, a pyramidal system, in which the users themselves demonstrate the virtues of the system to their friends, lovers or even strangers, in a word-of-mouth model of promotion. As a spin-off, the system seeks to contribute to the constructing of a society of users who due to the reduction in costs deriving from the financing of their dwellings have a greater degree of freedom in terms of the need to obtain regular incomes. In the first instance, the increased training of the producing and installing operatives contributes to a growth in their capacity to intervene in the construction of the public sphere. The first prototype of the Tupperware House has been constructed for a middle-aged couple who are going to live outside the city and who are leaving their two adolescent children on their own. It is a singular apartment 30 m2 in size, a dwelling of plastic and bright colours that revives memories of how Spanish mothers prepare tupperwares with homemade food for their kids, because at bottom this house has been created with the same type of affection. A house of plastic that like a tupper with croquettes encapsulates a message of tenderness and home comfort. Emplazamiento Location Madrid, España/Spain | Equipo de proyecto Design team Alessandro Armellini, Helena Bartosova, Sarah Caperos, Rebecca Frisoli, Iris Hutinger, Leandro Morillas, Teresa del Pino, Pedro Pinto-Correia, Jorge Ruano | Proyecto y construcción Design and construction years 2006 | Dirección de obra Construction management Andrés Jaque, Pedro Pinto-Correia | Investigación Research Pablo Urlé | Márketing Marketing Laura Arenas | Estructuras Structural design Belén Orta | Constructora Construction company Gescón, SL | Fotografías Photographs Miguel de Guzmán

EspañaSpain 90

Antonio Abellán Una casa entre limoneros, Aljucer, Murcia A house among lemon trees, Aljucer, Murcia 2004-2006

El crecimiento actual de la ciudad de Murcia devora el tejido cultivado de la Huerta murciana, la tupida estructura de norias, acequias y azarbes que salpica el territorio de manera espontánea y desestructurada. Los solares rústicos de la Huerta se sustituyen poco a poco por casas unifamiliares aisladas, muchas de ellas ilegales, que un planeamiento posterior legaliza en lo que constituye más un ejercicio de cristalización del fenómeno que una efectiva estrategia de activación. En este caso, el horizonte del experimento no ha consistido más que en ensayar algunas condiciones formales que permitan una mejor intervención en este y en otros contextos similares y en términos casi exclusivamente de camuflaje o participación. Imaginar un replanteo por fracciones de segmentos entre troncos a partir de la malla tejida por la vegetación existente, es un mecanismo de aproximación que permite, además, cambiar la manera de proyectar: de objetos autónomos, acabados y bien perfilados a elementos con estructuras abiertas, variables, que hacen del resultado sólo una versión, tan única como cualquier individuo de una especie. Construir un volumen escalonado en altura hacia el centro permite que los bordes se acerquen a la escala original del contexto, la del limonero y del huerto, pero, sobre todo, a la valla metálica y la tapia. Encontrar una proximidad material entre los elementos preexistentes y los añadidos no radica sólo en el enlucido arroalado de los muros, con reflejos verdosos, ni en mantener el riego a manta o en retrasar una fila de árboles hasta el cierre de la parcela, se encuentra, sobre todo, en reciclar el modelo de construcción con muro de carga, de sus huecos y altu-

ras libres, y de la condición de sus espacios interiores. The current growth of the city of Murcia devours the cultivated fabric of the Murcian Huerta, the dense structure of chain pumps, irrigation channels and drainage ditches that dots the territory in a spontaneous, de-structured manner. The rustic plots of land of the Huerta are gradually being replaced by detached single-family houses, many of them illegal, which the planners then legalise in what is more an exercise in the crystallisation of the phenomenon than an effective strategy of activation. In this instance, the furthermost limit of the experiment has consisted of no more than trying out a few formal conditions that might allow for an improved intervention in this and other similar contexts in terms, almost exclusively, of camouflage or participation. Imagining a marking out of the ground plan via fractions of segments between trunks on the basis of a mesh woven by the existing vegetation is an approach that also allows the design method to be altered: from autonomous, finished and well-formed objects to elements with open, variable structures that turn the result into a mere version, as unique as any individual of a species. Constructing a volume that is stepped in height towards the centre permits the edges to verge on the original scale of the context, that of the lemon tree and the orchard, but above all the metal fence and the garden wall. Encountering a material similarity between the pre-existing elements and the added ones does not only reside in the plaster of the walls, with greenish streaks, nor in maintaining the blanket watering or in setting back a line of trees in the direction of the enclosing of the

plot, it is found, above all, in recycling the model of constructing with a loadbearing wall, of its openings and clearances and of the condition of its interior spaces. Emplazamiento Location Camino Hondo, Pedriñanes, Aljucer, Murcia, España/Spain | Arquitecto Architect Antonio Abellán | Colaboradores Collaborators Ignacio Bautista, Leticia Ballester | Proyecto y construcción Design and construction years 2004-2006 | Aparejador Master builder Antonio Bleda | Estructuras Structural design Juan Antonio Santa-Cruz | Jardinería Garden design Bienvenido Alonso | Constructor Contractor Construcciones Euloman, SL | Fotografías Photographs David Frutos

Antonio Abellรกn

Una casa entre limoneros, Aljucer, Murcia A house among lemon trees, Aljucer, Murcia

MéxicoMexico Sistema Operativo México. Prácticas y tácticas arquitectónicas recientes en la metrópolis Operating System Mexico. Recent architectonic practices and tactics in the city josé castillo

En los últimos seis años, la producción arquitectónica en México parece apuntar a una forma distinta de operar en y frente a la ciudad. Esta forma, que vengo a llamar Sistema Operativo México, está definida por dos condiciones centrales. Una apunta hacia una hipótesis sobre cómo las complejidades —demográficas, legales, económicas y de falta de planeamiento— de las grandes ciudades como Ciudad de México se negocian en el proyecto arquitectónico. Estas condiciones se transforman críticamente mediante la resistencia, organización, alineación y subversión, para convertirse en activos del arquitecto. El segundo tema tiene que ver con la relación que existe entre la construcción del arquitecto como persona y su producción profesional. En principio, se plantea que la construcción del arquitecto actual implica la sustitución de una serie de actitudes, como el oficio, el talento, la originalidad, la individualidad o a la experiencia, por otras más inmediatas y contingentes. En el contexto de una publicación que contempla la producción arquitectónica nueva, emergente o reciente de toda una región, parecería más importante explicar las particularidades de un lugar como México, así como las formas de operar de un grupo de arquitectos. Esta forma de describir la producción de los últimos años nos permite evitar la tradicional categoría de “generación”, las lecturas simplistas del lugar u origen común, e incluso las filiaciones y preferencias estrictamente formales o estéticas. Para explicar el sistema

In the last six years architectural production in Mexico seems to hint at a different way of operating in and in terms of the city. This way, which I have called Operating System Mexico, is defined by two central conditions. One points towards a hypothesis about how the complexities—demographic, legal and economic, plus a lack of planning—of big cities like Mexico City are negotiated in architectural design. These conditions are critically transformed through resistance, organisation, alignment and subversion into assets for the architect. The second issue has to do with the relationship existing between the construction of the architect as a person and his professional output. In principle it is posited that the construction of the architect today involves the substitution of a series of attitudes like the profession, talent, originality, individuality or experience by other more immediate and contingent ones. In the context of a publication which contemplates the new, emergent or recent architectural production of an entire region it would appear more important to explain the particularities of somewhere like Mexico, as well as the ways of operating of a group of architects. This way of describing the output of the last few years enables us to avoid the traditional category of “generation”, simplistic readings of location or common origin, and even strictly formal or aesthetic connections and preferences. In order to explain the operative system,

José Castillo (Ciudad de México, 1969) es arquitecto por la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México y doctorado en urbanismo por Harvard University. En 2002 funda, junto con Saidee Springall, el despacho arquitectura 911 sc. Actualmente es profesor en la Universidad Iberoamericana y miembro del consejo editorial de las revistas Arquine y El Arqa.mx. Ha sido comisario de distintas exposiciones, entre las que se incluyen Mexico City dialogues, en el Center for Architecture de Nueva York (2005), y de las participaciones mexicanas en las bienales de Róterdam (2005), São Paulo, Venecia (2006) y Canarias (2006).

José Castillo (Mexico City, 1969) graduated as an architect from the Universidad Iberoamericana, Mexico City, and did a doctorate in urbanism at Harvard University. In 2002 he founded, along with Saidee Springall, the architectural practice 911 sc. He is currently a professor at the Universidad Iberoamericana and a member of the editorial board of the magazines Arquine and El Arqa.mx. He has been the curator of various exhibitions, including Mexico City dialogues at the Center for Architecture in New York (2005), and of the Mexican contributions to biennials in Rotterdam (2005), São Paulo, Venice (2006) and the Canary Islands (2006).

operativo, se plantean diez episodios que constituyen aproximaciones para describir un contexto reciente, conformado por los temas que nos parecen relevantes en Ciudad de México. Historias/culturas La cultura arquitectónica en México tiene un paralelo con la explosión demográfica y el desarrollo económico que caracterizo a Ciudad de México en la segunda mitad del siglo XX. Si en 1929 Ciudad de México apenas contaba con medio millón de habitantes repartidos en una superficie de 100 km2, actualmente la ciudad es una megalópolis de 1.400 km2 de extensión y casi 20 millones de habitantes. No pueden entenderse las obras y producciones de las arquitecturas públicas o privadas más notables del siglo pasado sin referirlos a estos dos ejes, el económico y el demográfico. Los grandes desarrollos de vivienda de las décadas de 1950 y 1960 y la construcción de la ciudad universitaria han estado íntimamente vinculados al crecimiento de la ciudad en todos los sentidos. Este vínculo entre arquitectura, demografía y economía tuvo su reflejo también en la cultura arquitectónica, sus publicaciones y sus técnicas de difusión. Las arquitecturas recientes comparten con algunas de las vanguardias del siglo XX en México, el interés de utilizar la difusión mediática como estrategia fundamental para su consolidación como vanguardia; unas técnicas utilizadas tanto por Mario Pani en las décadas de 1950 y 1960, como por Alberto Kalach y Enrique Norten en la de 1990. Hoy en día, la revista Arquine —proyecto editorial iniciado por Miquel Adrià, un arquitecto catalán instalado en México— ocupa un lugar similar y ha sido fundamental para establecer un diálogo de ida y vuelta, presentando arquitecturas mexicanas en otras latitudes y para exponer en México otras producciones, notablemente latinoamericanas, que, de otra forma, hubiera sido difícil conocer. Arquine ha sido importante para superar los anquilosados debates de los orígenes, de lo local, lo nacional, lo folclórico y la simplificación de todo discurso a una agenda social y política del regionalismo y la dependencia. Políticas En 2000, después de casi setenta años de un régimen unipartidista y poco democrático, se anticipaba un parteaguas mucho más que político. Se pensó inmediatamente en el modo como las transiciones chilena o española habían impactado en otras esferas de la vida diaria, como la cultura o la arquitectura, incluso hasta en la calidad de la obra pública. Hoy, a seis años vista, está claro que se perdieron las oportunidades para modificar prácticas culturales y generar una nueva visión de la obra pública. A diferencia de otras ciudades y países iberoamericanos, donde se ha revalorizado la relevancia de la obra pública y las políticas culturales, la gestión de los pasados seis años ha sido decepcionantemente trivial. Si bien puede decirse que hubo obra pública, no pasó ni por la lógica de los concursos arquitectónicos ni tampoco por el encargo de obras notables en cuanto a diseño se refiere. Esta situación es uno de los factores centrales para explicar por qué, a diferencia de otros países; la obra que suele mostrarse al hablar de arquitecturas mexicanas es fundamentalmente privada. Geografías El aparente centralismo cultural en el que parece dominar Ciudad de México, a veces ignora producciones de otras geografías que han

ten episodes are posited as ways of describing a recent context shaped by the issues that seem relevant to us in Mexico City. Histories/cultures Architectural culture in Mexico has a parallel in the demographic explosion and economic development that characterised Mexico City in the second half of the 20th century. If in 1929 Mexico City had barely half a million inhabitants and a surface area of 100 km2, today the city is a megalopolis of 1,400 km2 in size and almost 20M inhabitants. The most notable works and productions of public or private architecture of the last century cannot be understood without referring them to these two economic and demographic axes. The major housing developments of the 1950s and 1960s and the construction of the university campus have been intimately linked to the growth of the city in every sense. This link between architecture, demography and economy has also been reflected in architectural culture, its publications and its techniques of dissemination. Recent architectures share with some of the avant-gardes of the 20th century in Mexico an interest in using media coverage as a basic strategy in their consolidation as an avant-garde; such techniques were used by Mario Pani in the 1950s and 1960s as well as by Alberto Kalach and Enrique Norten in the 1990s. Today the magazine Arquine, a publishing project set up by Miquel Adrià, a Catalan architect established in Mexico, occupies a similar place and has been fundamental in establishing a two-way dialogue, presenting Mexican architectures in other climes as well as exhibiting other productions in Mexico, notably Latin-American ones that it would be otherwise difficult to find out about. Arquine has been important when it comes to going beyond sclerotic debates about origins, the local, the national, the folkloric, and the reduction of all discourse to a social and political agenda of regionalism and dependency. Politics In 2000, after almost seventy years of a scarcely democratic one-party regime, a divide which was far more than political was anticipated. One immediately thought of the way the Chilean or Spanish transitions had had an impact in other spheres of daily life such as culture or architecture, up to and including the quality of public building. Today, six years later, it is clear that opportunities to modify cultural practices and to generate a new vision of public building were wasted. Unlike other Ibero-American cities and countries where the relevance of public building and cultural policies has been revalorised, the management of the past six years has been deceptively trivial. Although it may be said that public building existed, it didn’t depend on either the logic of architectural competitions or the commissioning of notable buildings in terms of design. This situation is one of the central factors which explain that unlike other countries, the building that is usually shown when speaking of Mexican architectures is basically private. Geographies The apparent cultural centralism in which Mexico City seems to dominate sometimes ignores productions from other geographies that have received some sort of recognition both inside and outside the country. In Tijuana, Monterrey and Guadalajara relevant architec-

obtenido cierto reconocimiento tanto dentro como fuera del país. En Tijuana, Monterrey y Guadalajara se están desarrollado arquitecturas relevantes que no pasan necesariamente por Ciudad de México como mecanismo de difusión en otros circuitos internacionales. La condición fronteriza de Tijuana ha permitido que surjan posiciones que van desde la teoría a la investigación; es el caso de Teddy Cruz, quien, si bien vive e imparte clases en San Diego, Estados Unidos, está vinculado a Latinoamérica tanto por razones históricas (nació y vivió en Guatemala) como por sus intereses. En otra trinchera se encuentra Raúl Cárdenas y su colectivo Torolab, quienes, mediante distintas producciones culturales, entre las que se encuentra la arquitectura, dejan patente las contradicciones y posibilidades de una geografía tan particular como la fronteriza. Si bien no existe una Escuela de Tijuana, sí es posible identificar sensibilidades por las contingencias territoriales, pero, sobre todo, un renovado interés de muchos arquitectos por trabajar en esta zona del país, tanto por las oportunidades que ofrece como por sus propias dinámicas económicas y demográficas. En el caso de Monterrey y Guadalajara, la arquitectura reciente ha surgido de una producción vinculada a los mecanismos del mercado inmobiliario y del encargo privado a menor escala. Se puede resaltar la producción de arquitectos como Gilberto Rodríguez y Alexander Lenoir en Monterrey, y Alfredo Hidalgo, Luis Aldrete y el grupo Hipogeo en Guadalajara. Centros y periferias Si bien hablábamos anteriormente de que existen otras “centralidades” de producción arquitectónica en el ámbito nacional, Ciudad de México, con sus 1.400 km2, tiene distintas geografías de centralidad y periferia. A diferencia de hace unos años, cuando la actitud profesional hacia las periferias era de resistencia o de espanto, actualmente puede observarse un interés en no juzgar la legitimidad de esas manifestaciones, sino de abordarlas tal como son. Si, por ejemplo, comparamos la villa P3 de Michel Rojkind en el suburbio de Tecamachalco con algunas otras producciones de la década pasada en suburbios similares, como Bosques de las Lomas, es evidente que existe una actitud distinta hacia el contexto. Mientras que los proyectos de las décadas de 1980 y 1990 buscaban recluirse ante esa “urbanización bastarda”, decadente y burguesa que era el suburbio de la metrópolis, la villa P3 parece celebrar su condición heterotópica; no se recluye o cierra hacia esa forma de ciudad. De manera distinta, los proyectos de Mauricio Rocha en las periferias marginales y rurales de Ciudad de México parecen adoptar la discreta misión de convertirse en referentes, pero no a partir de sus excesos, sino, por el contrario, a partir de tácticas no tan distintas a las del arte povera, donde la arquitectura surge precisamente del entendimiento de esos entornos fragmentados justo a partir de sus condiciones materiales y constructivas, así como de sus discretas iconografías. Por otro lado, la costosa inversión que resienten los últimos tiempos se ha llevado a cabo en el centro histórico de Ciudad de México no ha supuesto un impacto mayor en la producción de nuevos edificios de valor, ni siquiera en rehabilitaciones suficientemente atractivas. Escuelas Parafraseando a Peter Eisenman, no existen demasiados arquitectos interesantes (en México) que no estén impartiendo clases. Pero, más

tures are being developed that do not necessarily rely on Mexico City as a mechanism of dissemination in other international circuits. The frontier status of Tijuana has enabled positions to emerge that proceed from theory and research; this is the case of Teddy Cruz, who, although he lives and teaches in San Diego, USA, has both an historical link (he was born and bred in Guatemala) and interests that tie him to Latin America. On another battle front there is Raúl Cárdenas and his Torolab collective, which, through different cultural productions, among which is architecture, foregrounds the contradictions and possibilities of a geography as particular as the frontier one. Although a Tijuana School does not exist, sensibilities due to territorial contingencies can be identified, but mainly a renewed interest on the part of many architects to work in this area of the country both for the opportunities it offers and for its own economic and demographic dynamics. In the case of Monterrey and Guadalajara, recent architecture has arisen from a production linked to the mechanisms of the property market and the small-scale private commission. The production of architects like Gilberto Rodríguez and Alexander Lenoir in Monterrey, and Alfredo Hidalgo, Luis Aldrete and the Hipogeo group in Guadalajara is of note. Centres and peripheries Although we said above that other “centralities” of architectural production exist on a nation-wide scale, Mexico City, with its 1,400 km2, has different geographies of centrality and periphery. Unlike a few years ago, when the professional attitude towards the peripheries was one of resistance or of consternation, an interest can currently be seen in not judging the legitimacy of such manifestations but in tackling them as they are. If, for instance, we compare Michel Rojkind’s P3 Villa in the suburb of Tecamachalco with some other productions of the last decade in similar suburbs like Bosques de las Lomas, it is clear that a different attitude towards context exists. While the projects of the 1980s and 1990s sought to keep aloof from the decadent and bourgeois “bastard urbanisation” represented by the suburb, the P3 Villa seems to celebrate its heterotopic condition; it doesn’t shun or close itself off from that form of city. In a different way, the projects of Mauricio Rocha in the marginal and rural peripheries of Mexico City seem to adopt the discreet mission of turning into referents, not on the basis of their excesses but, on the contrary, in accordance with tactics not very different from those of arte povera, in which the architecture emerges precisely from understanding these fragmentary settings in relation to their material and constructional conditions, as well as their discreet iconographies. On the other hand, despite the recent huge investment in the historic centre of Mexico City, this has not had a major impact on the production of new buildings of value or even sufficiently attractive rehabilitations. Schools To paraphrase Peter Eisenman, there are not too many interesting architects (in Mexico) who aren’t giving classes. But over and above this fact, we might explain the evolution of the relationship between professional and teaching practices. In recent years the three most

José Castillo

Sistema Operativo México

Operating System Mexico

allá de este hecho, cabe explicar la evolución que ha seguido la relación entre prácticas profesionales y docentes. En los últimos años, las tres escuelas de arquitectura más importantes de Ciudad de México han contado con directores comprometidos, abiertos y renovadores que han motivado la incorporación de una nueva generación de arquitectos; han logrado introducir también nuevas posiciones, genealogías y simpatías, así como nuevos métodos de trabajo e investigación, lo cual ha permitido que las escuelas se hayan convertido en lugares de especulación que la práctica profesional en sí no siempre permite. Otra circunstancia vinculada a la educación tiene que ver con los exilios voluntarios en el extranjero, sea para realizar posgrados o para trabajar en despachos de otros países. Un número importante de estudiantes de arquitectura está complementando su formación en programas de posgrado en el extranjero. Las escuelas y despachos de las costas este y oeste de Estados Unidos han sido ahora complementados por otros en Londres, Holanda y España como lugares privilegiados para continuar la educación. Encargos Es un lugar común afirmar que el concurso público abierto es lo que ha construido oportunidades para despachos de jóvenes arquitectos europeos y de otras partes del mundo; sin embargo, al contrario que en otros países latinoamericanos, en México sólo se han convocado seis concursos públicos abiertos en los últimos cinco años. A estos, se les añaden un número muy limitado de concursos públicos restringidos, evidentemente inaccesibles para arquitectos menores de cuarenta años. Esta doble condición de escasez de concursos públicos abiertos explica las modalidades de los encargos dominantes. La primera de ellas es el concurso restringido. Entre aquellos que han tenido una voluntad de abrirse hacia prácticas más jóvenes, se encuentran: la ampliación del Centro Cultural de España, el CENTRO (escuela de diseño y comunicación), el anexo del Museo Experimental El Eco, todo ellos en Ciudad de México, y el CEDIM (escuela de arte, diseño y moda) de Monterrey. La segunda alternativa tiene que ver con la promoción inmobiliaria privada y la capacidad de generar trabajo propio. Si bien puede argumentarse que ha existido durante mucho tiempo, este esquema ha pasado de ser una herramienta más de especulación —formal, estética, programática— a una de construcción de plataformas temporales de acción. En el mejor de los casos, estas prácticas han generado innovación tipológica, experimentación material e incluso riesgos formales que, poco a poco, han transformado también percepciones en el público en general y aceptación de estéticas “alternativas” a lo convencional. Intereses Se puede hablar de que en la constelación de arquitectos jóvenes existen una serie de intereses comunes que parecen informar las prácticas y procedimientos. No son pocos los arquitectos que hoy en día comparten un interés por el arte contemporáneo. En la década de 1990, Ciudad de México se constituyó como una escena de arte en el ámbito global, caracterizada por la aparición de espacios independientes para el arte, así como el paso de artistas extranjeros que decidieron establecerse en México, como Santiago Sierra o Francis Alÿs.

important schools of architecture in Mexico City have had committed, open and innovative principals who have pushed for the incorporation of a new generation of architects; they have also managed to introduce new positions, genealogies and ideas of solidarity, as well as new work and research methods, which has enabled the schools to become places of speculation that professional practice per se doesn’t always permit. Another circumstance linked to education has to do with voluntary exile abroad, be this to undertake postgraduates studies or to work in studios in other countries. A significant number of architecture students are complementing their training with postgraduate programmes abroad. The schools and offices on the east and west coasts of the USA have now been complemented by others in London, The Netherlands and Spain as privileged places to continue one’s education. Commissions It’s a commonplace to say that the open public competition is what has created opportunities for young studios in Europe and elsewhere in the world; nevertheless, unlike other Latin-American countries, only six open public competitions have been convoked in Mexico in the last five years. To these are added a very limited number of restricted public competitions that are obviously inaccessible to architects less that 40 years old. This dual condition of a dearth of open public competitions explains the modalities of the predominant commissions. The first of these is the restricted competition. Among the ones that have attempted to address younger practices are the extending of the Spanish Cultural Centre, the CENTRO (school of design and communication), the annex to the El Eco Experimental Museum, all of these in Mexico City, and the CEDIM (school of art, design and fashion) in Monterrey. The second alternative has to do with private property development and an ability to generate work of one’s own. Although it may be argued that it has existed for a long time, this schema has progressed from being one more instrument of speculationæformal, aesthetic, programmaticæto one of constructing temporary platforms of action. In the best of cases, these practices have generated typological innovation, material experimentation and even formal risks that little by little have also transformed perceptions in the public in general and an acceptance of “alternative” aesthetics to the conventional ones. Interests It may be argued that in the constellation of young architects a series of common interests exist that appear to inform practices and procedures. Nowadays there are quite a few architects who share an interest in contemporary art. In the 1990s Mexico City constituted itself as an art scene on a global basis, one characterised by the appearance of independent spaces for art, as well as the passage of foreign artists who decided to settle in Mexico, artists like Santiago Sierra or Francis Alÿs. The art boom was strongly influenced and conditioned by the characteristics and conflicts particular to the city. In that sense, recent architects have sought to link up with this strategy of recognition of the city as the raw material with which to operate. Likewise, how the city is documented (photographically or on video)

Este bum artístico estaba fuertemente influido y condicionado por las características y conflictos propios de la ciudad. En este sentido, los arquitectos recientes han buscado una vinculación a esta estrategia de reconocimiento de la ciudad como materia prima con la que operar. De igual manera, el modo como se documenta la ciudad (en fotografías o vídeos) ha ejercido su influencia también en las técnicas de representación que recientemente utilizan algunos arquitectos; la obra de Rozana Montiel, José Dávila y Héctor Zamora puede entenderse a partir de estas conexiones. Otra posición relevante sería lo que podríamos llamar una voluntad global, es decir, el interés por conocer y conectarse con producciones externas y, simultáneamente, apropiárselas en sus planteamientos. Algunos despachos mexicanos, incluso los más jóvenes, están desarrollando proyectos en el extranjero y participan activamente en exposiciones, conferencias o como docentes en el extranjero; este hecho es una muestra de cómo plantean su práctica profesional ante fenómenos globales, traducción y flujo de las ideas o la propia dimensión mediática del reconocimiento y el éxito. Esa forma de construir su propio perfil, en oposición a otras maneras de entender la profesión, ha capitalizado las formas de difusión y traducción actual, minimizando la falta de experiencia o consistencia. Actitudes La diferencia más relevante que puede destacarse en las arquitecturas emergentes recientes respecto a generaciones precedentes, tiene que ver con lo que podríamos llamar la transición que va de la función de la arquitectura como práctica de resistencia a la arquitectura como disciplina pragmática. En otras palabras, podemos afirmar que el cambio de discurso tiene su idea en central la “oposición” al status quo (ideológico, político y en sus formas de representación y producción), una actitud de compromiso crítico ante las condiciones existentes. Otra actitud notable en la producción reciente tiene que ver con el papel del trabajo “colectivo” del arquitecto frente al individual; no es extraño constatar una efervescencia de colaboraciones, donde los arquitectos se asocian, agrupan o alinean con el fin conseguir un proyecto. Este hecho se está presente tanto en los concursos como en otro tipo de trabajos, y es producto tanto de un pragmatismo estratégico como de una búsqueda de diálogos cruzados, de diversión o de aumento de la productividad. Negociaciones A pesar de las transformaciones políticas recientes, y al igual que en otras partes de Iberoamérica, en México persiste el principio de negociación de la ley; ante la ausencia de regulación clara y precisa y de la constante interpretación ambigua de las leyes y reglamentos (de construcción, zonificación, etc.), se desarrollan estrategias de subversión de las normas como modus operandi. Estas tácticas de gestión son sustantivas en los proyectos que surgen tanto de despachos de vanguardia como en prácticas más convencionales. La innovación y experimentación no tienen que ver exclusivamente con la manipulación formal ni con la elaboración de un lenguaje arquitectónico personal e identificable, sino, más bien, con la capacidad de interpretar, subvertir y negociar leyes, reglamentos y códigos, así como de conseguir proyectos.

has also had its influence on the techniques of representation utilised recently by some architects: the work of Rozana Montiel, José Dávila and Héctor Zamora may be understood on the basis of these connections. Another relevant position would be what we might call a global ambition, namely, the interest in knowing about and connecting up with external productions, and at the same time in appropriating them in the name of one’s own ideas. A few Mexican studios, even the youngest, are developing projects in other countries and participate actively in exhibitions, conferences or as teachers abroad; this fact demonstrates how they posit their professional practice in the face of global phenomena, transmission and the flow of ideas or the actual media dimension of recognition and success. This way of constructing their own profile in opposition to other ways of understanding the profession has capitalised on current forms of diffusion and transmission, thus minimising the lack of experience or consistency. Attitudes The most noteworthy difference in recent emerging architectures visà-vis preceding generations has to do with what we might call the transition that extends from the function of architecture as a practice of resistance to architecture as a pragmatic discipline. In other words, we can state that the change of discourse has as its central idea “opposition” to the status quo (ideological, political and in its forms of representation and production), an attitude of critical commitment in the face of existing conditions. Another notable attitude in recent production has to do with the role of the “collective” as opposed to the individual work of the architect; it is by no means unusual to remark an effervescence of collaborations, in which architects associate, group together or align themselves with each other with the aim of obtaining a project. This fact is met with in competitions and in other types of work, and is a product of both a strategic pragmatism and a search for intersecting dialogues, amusement or an increase in productivity. Negotiations Despite recent political changes, and as in other parts of IberoAmerica, in Mexico the principle of negotiating the law exists; in the absence of clear and precise regulations and of the ever-ambiguous interpretation of laws and ordinances (of building, zonification, etc.), strategies for subverting the norms are developed as the modus operandi. These operational tactics are essential to the projects that come out of both avant-garde studios and more conventional practices. Innovation and experimentation do not have to do exclusively with formal manipulation or the elaboration of a personal and identifiable architectural language but, rather, with the ability to interpret, subvert and negotiate laws, regulations and codes, as well as obtaining projects. Along with legal ambiguities, the economic inconsistencies which produced a limited planning capacity cause time to become a relevant factor in the development of projects. The “six-year” concept of city planning, to do with the presidential term, or the Fast Track project are concrete manifestations of the perverse role time plays in the definition of the architectural project. The reduced effectiveness of urbanism as a tool and the limited correspondence between urban

José Castillo

Sistema Operativo México

Operating System Mexico

Junto con las ambigüedades legales, las inconsistencias económicas que producen una limitada capacidad de planeamiento obligan a que el tiempo sea un factor relevante en el desarrollo de los proyectos. El concepto de urbanismo de “sexenio”, o el proyecto Fast Track, son manifestaciones concretas del papel perverso que juega el tiempo en la definición del proyecto arquitectónico. La poca efectividad del urbanismo como herramienta y la escasa correspondencia entre las políticas urbanas y las dinámicas urbanas también han sido fundamentales para plantear una actitud arquitectónica y urbana que asume la fragmentación como condición ineludible, y el tiempo — bien sea rápido o lento— como una herramienta central vinculada al éxito del proyecto. Perspectivas A pesar de cierto optimismo tras comprobar la efervescencia productiva de los últimos años, en la arquitectura mexicana quedan todavía pendientes algunos asuntos heredados. La aparente endogamia y cercanía profesional entre los arquitectos parecen a veces más propio de la aristocracia de un país de castas que de una vanguardia cultural con diálogos productivos. Estaría por ver si esto puede traducirse en un mayor pluralismo, en un papel más activo de la cultura arquitectónica, o si puede cerrarse en autonomía disciplinaria. De igual modo, quedarían pendientes arquitecturas más ajenas a la precocidad de lo construido, a las actitudes seudoprofesionales y a la tiranía de lo “real”, y más comprometidas con la investigación, con otras formas de especulación y también con la transformación social y urbana. No se trata de ficciones ni imaginarios lejanos, sino de evidencias que esta publicación presenta tanto de Chile, Brasil o Colombia. Entonces, es este Sistema Operativo México el que deberá alimentarse de estas experiencias iberoamericanas cruzadas.

policies and urban dynamics have also been fundamental for positing an architectural and urban attitude that takes fragmentation on board as an unavoidable condition, and timeæbe it fast or slowæas a central tool linked to the success of the project. Perspectives Despite a certain optimism after verifying the productive effervescence of recent years, a number of inherited concerns are still outstanding in Mexican architecture. At times the apparent endogamy and professional closeness among architects seems more typical of the aristocracy of a caste-ridden country than of a cultural avantgarde and its productive dialogue. It remains to be seen if this can be translated into a greater pluralism, into a more active role in architectural culture, or if it can stubbornly persist as disciplinary autonomy. Likewise, architectures which are at odds with the precocity of the built, with pseudo-professional attitudes and with the tyranny of the “real”, and more committed to research, to other forms of speculation and also to social and urban change, are still pending. It isn’t a question of fictions or remote imaginaries but of evidence that this book presents from Chile, Brazil or Colombia. And so it is this Operative System Mexico which will have to draw sustenance from these intersecting Ibero-American experiences.

100

MéxicoMexico Pilar Echezarreta Proyectos inflables, París Inflatable designs, Paris 2001-2204

Inspirados, entre otros, en los ejercicios de Archigram, Utopie y Hans Walter Müller, las construcciones inflables realizadas en los últimos años tienen un significado diferente. Las estereotipadas estructuras de principios de la década de 1970 eran símbolo de rebeldía contra lo establecido, pues lo inflable conservaba entonces un confortable equilibrio entre moda y política. Actualmente es una herramienta para la hipermobilidad, un reflejo de nuestra intemporalidad, de nuestro elevado espíritu nómada y práctico, combinado con un deseo de alto rendimiento en lo que se refiere a materiales, durabilidad, seguridad e higiene; y, dicho sea de paso, la carga fetichista de animar ese objeto habitable mediante una estructura flexible e inflable. Una serie de trabajos inflables pudieron construirse, gracias al ingenio más que al presupuesto, utilizando tela impermeable, plástico de burbujas, hilo de nailon, extractores de aire y un maestro tapicero. El paso de la realidad virtual a la realidad material es el resultado de un juego de azares donde el producto obtenido es más una metáfora material que una reproducción de la imagen digital. Entre ambas realidades existía un abismo incomprensible. This is not a toy (Le Plateau, FRAC, París, 2004) representaba dos visiones, una política y otra funcional. La estructura se construyó con bolsas de plástico del plan Vigipirate que se estableció en París tras los ataques del 9 de septiembre. El jardín inflable era, a su vez, un aislante térmico y un colchón de presión. Folklórico ay!tech (Mains d’Œuvres, FRAC, París, 2003) se construyó para el gimnasio de Mains d’Œuvres, y consistía en una estructura de cubos de aire realizados en Tyvek®. El aire circulaba libremente entre los cubos dando

rigidez a la estructura. Con capacidad para seis personas, la construcción era una burbuja de aislamiento térmico y acústico, rodeada por un sistema de sonido estéreo que permitía que el sonido viajara de un extremo a otro del gimnasio trazando una X, atravesando la estructura y permitiendo, así, un estudio de las propiedades acústicas de la misma. Quelques m2 á gonfler (Algunos m2 para inflar, Centro Cultural de México en París, 2001) toma su título de un anuncio parisino que decía “Quelques m2 á louer” (“Algunos m2 para alquilar”), y responde a la carencia de viviendas con esta estructura fácil de hinchar, deshinchar y transportar. Con capacidad para quince personas y una vida útil de siete instalaciones, la ligera estructura, confeccionada con bolsas de basura normalizadas, hilo de coser, forro sintético y un ventilador, prometía una habitación confortable itinerante. Inspired by, among others, the exercises of Archigram, Utopie, and Hans Walter Müller, the inflatable constructions created in recent years have a different meaning. The stereotyped structures of the beginning of the 1970s were a symbol of rebellion against the established order because at the time the inflatable preserved a comfortable balance between fashion and politics. Nowadays it is a tool for hypermobility, a reflection of our atemporality, of our elevated and practical nomadic spirit, combined with a desire for high performance when it comes to materials, durability, safety and hygiene, and let it be said in passing, the fetishistic charge of animating that inhabitable object by means of a flexible and inflatable structure. A series of inflatable works were constructed due more to ingenuity than to the money avail-

able by utilising waterproof fabric, bubble wrap, nylon line, air extractors and a master upholsterer. The step from virtual to material reality is a result of the play of chance, in which the product obtained is more a material metaphor than a reproduction of the digital image. Between the two realities an incomprehensible abyss exists. This is not a toy (Le Plateau, FRAC, Paris, 2004) represented two visions, one political, the other functional. The structure was constructed with plastic bags from the Vigipirate Plan set up in Paris after the 9 September attacks. The inflatable garden was in turn a thermal insulator and an air mattress. Folklórico ay!tech (Quaint hi! tech, Mains d’oeuvres, FRAC, Paris, 2003) was constructed for the Mains d’Oeuvres Gymnasium and consisted of a structure of air cubes made at Tyvek. The air circulated freely between the cubes, giving rigidity to the structure. With room for six people, the construction was a thermic and acoustic isolation bubble surrounded by a stereo sound system that permitted to sound to travel from one end of the gym to the other by tracing an X, passing through the structure and thereby enabling a study to be made of its acoustic properties. Quelques m2 á gonfler (A few m2 to inflate, Mexican Cultural Centre in Paris, 2001) takes its title from a Parisian announcement that said “Quelques m2 á louer” (“A few m2 to rent”) and responds to the lack of housing with this easily inflated, deflated and transported structure. With room for fifteen people and a serviceable life of seven installations, the lightweight structure made of standard rubbish bags, thread, synthetic lining and a fan offered a comfortable, itinerant dwelling.

101

This is not a toy

Folkl贸rico ay!tech

Quelques m2 谩 gonfler

102

MéxicoMexico Michel Rojkind Casa PR34, Tecalmachaco PR34 House, Tecalmachaco 2003

Situado en Tecamachalco, Estado de México, este proyecto consiste en la reforma y ampliación de una casa de finales de la década de 1960. La ampliación se plantea como un espacio independiente, al que se accede por una escalera de caracol. El apartamento se separa en dos medias plantas: la primera contiene las zonas comunes —sala de estar, comedor, cocina, aseo y un montacargas— y, bajando media planta, se accede a la sala de televisión y el dormitorio principal, con su baño y vestidor. La azotea, donde se encuentra este volumen se utiliza como una gran terraza que utiliza los lucernarios existentes como bancos acrílicos luminosos. Situated in Tecamachalco, Mexico State, this project consists of the remodelling and extending of a house from the late-1960s. The extension is posited as an independent space reached by a spiral staircase. The dwelling is divided into two half-floors: the first contains the communal areasælounge, dining room, kitchen, toilet and a service liftæand, descending half a floor, one reaches the TV room and the main bedroom, with its bathroom and dressing room. The flat roof where this volume is found is used as an extended terrace and utilises the existing skylights as luminous acrylic benches. Emplazamiento Location Tecalmachaco, México/Mexico | Arquitectos Architects Michel Rojkind (Rojkind Arquitectos) | Colaboradores Collaborators Agustín Pereyra, Beatriz Díaz, Álvaro Sordo, María Carrillo, Gianpaolo Fusari | Proyecto y construcción Design and construction years 2003 | Estructuras Structural design Jorge Cadena | Instalaciones Building services José Ignacio Báez, Jesús Saldana | Constructor Contractor Factor Eficiencia: Fermín Espinoza, Ricardo Brito | Fotografías Photographs Jaime Navarro

103

104

5 mts

SECTION A

Michel Rojkind

Casa PR34, Tecalmachaco PR34 House, Tecalmachaco

105

106

MéxicoMexico Rozana Montiel Entre espacios Interspaces 2001-2002

El proyecto propone una relectura urbana a partir de conexiones entre espacios que generen nuevas posibilidades de ocupación y recorridos que los acoten. Así, el espacio se centra en un estado de suspensión entre un nivel elevado, el suelo y el subsuelo. Once elementos cotidianos se articulan entre sí —colador, garrafón, chapas de botella, embudo, antena, parrilla, escalera, cesta, puerta, neumático y espejo— y hacen reconocibles distintas dimensiones que abarcan desde un objeto doméstico a uno urbano, otro en movimiento, reciclado (desecho que se convierte en hecho) hasta un concepto arquitectónico (distorsión en garrafón, filtración en colador, contenedor en cesta, etc.). Se construyen habitáculos donde la materia y el lenguaje se generan a partir de la abstracción de estos elementos, convirtiéndolos en espacios transitables que combinan realidad y ficción. The project proposes an urban rereading on the basis of connections between spaces, thus generating new possibilities for occupation and itineraries that delimit the space, which focuses on a state of suspension between a raised level, the ground and the substratum. Eleven everyday elements are inter-articulatedæa colander, demijohn, bottle tops, funnel, aerial, grille, set of stairs, basket, door, tyre and mirroræand propose different recognisable dimensions that extend from a domestic object to an urban one, another in movement, a recycled one (a non-entity converted into an entity) up to and including an architectural concept (distortion in the demijohn, filtration in the colander, a container in the basket, etc.). Dwellings are constructed in which matter and language are generated from the abstraction of these elements, converting them into transitable spaces that combine reality and fiction. Emplazamiento Location itinerante, México | Equipo de proyecto Design team Rozana Montiel, Martín Soto | Proyecto y construcción Project and construction years 2001-2002 | Fotografías Photographs Dante Busquets, Rozana Montiel

107

108

PerúPeru Beno Juárez Sim.bio.sis, Lima Sym.bio.ses, Lima 2006

Sim.bio.sis es una instalación sonora interactiva para espacios públicos que propicia una relación simbiótica entre sistemas humanos y virtuales, y utiliza los flujos y patrones que se generan entre sí como herramienta de control, evolución y creación sonora. Explora cómo pueden afectar los sistemas artificiales a nuestra noción de espacio público, territorio, redes, etc., y, a su vez, cómo influyen las interacciones humanas en el desarrollo y evolución de dicho sistema virtual. También explora las propiedades emergentes y las capacidades de los algoritmos genéticos y los patrones de comportamiento biológico y social como herramienta creativa en el desarrollo de materia sonora y visual. Cómo las formas musicales pueden ser generadas del mismo modo que los organismos vivientes, y cómo pueden evolucionar en mundos creados artificialmente que interactúan con sociedades humanas. Mediante el uso de una cámara web, se analiza el espacio público y se rastrea el movimiento de las personas, enviando las coordenadas resultantes a un software especialmente diseñado que genera representaciones gráficas de estos movimientos, basándose en sus posiciones en el espacio físico, y las integra en el contexto de un sistema de vida artificial conformado por agentes informáticos. Este sistema se proyecta en el mismo espacio físico que se está grabando; de forma que las per-

sonas pueden verse reflejadas como parte del sistema e interactuar con los agentes virtuales, modificando su conducta o posición en el espacio, y alterando así la evolución del sistema artificial. El sistema de vida artificial está formado por una comunidad de sonidos gráficamente representados en forma de agentes o entidades que se mueven de forma aleatoria por el espacio virtual en busca de energía o alimento. Sym.bio.ses is an interactive sound installation for public spaces that favours a symbiotic relationship between human and virtual systems and utilises the flows and patterns that are generated between each other as a tool of sound control, evolution and creation. It explores how artificial systems can affect our notion of public space, territory, networks, etc., and, in turn, how human interaction influences the development and evolution of the virtual system; it also explores the emerging properties and capabilities of genetic algorithms and of patterns of biological and social patterns of behaviour as a creative tool in the development of sound and visual material, how musical forms can be generated as living organisms and how these may evolve in artificially created worlds that interact with human societies. Using a webcam, one analyses public space and tracks people’s movement, the resulting

coordinates being sent to a specially designed software programme that generates graphic representations of said people by basing itself on their positions in physical space and integrates them in the context of a system of artificial life configured by computer agents. This system is projected in the same physical space, in such a way that the people can see themselves reflected as part of the system and interact with the virtual agents, modifying their agency or position in space and thereby altering the evolution of the artificial system. The system of artificial life is formed by a community of sounds graphically represented in the shape of agents or entities that move aleatorially through virtual space in search of energy or nourishment. Emplazamiento Location X Festival de Vídeo Arte Electrónica, Museo de Arte de Lima/Lima Art Museum, Perú/Peru | Arquitecto Architect Beno Juárez | Colaborador Collaborator Arturo Reategui | Proyecto y construcción Design and construction years 2006 | Desarrollo Location Centro de Investigación de la Arquitectura y la Ciudad, Universidad Católica del Perú (CIAC-PUCP)

109

110

PerúPeru 51-1 arquitectos Agencia de viajes, Lima Travel agency, Lima 2006

El desordenado crecimiento de la ciudad de Lima ha hecho que la plaza Paz Soldán sea un lugar inaccesible por la gran congestión de vehículos y porque se ve empequeñecida por las torpes construcciones vecinas que se esconden detrás de vallas infranqueables para protegerse de la habitual inseguridad de la megalópolis tercermundista. Dicho contexto ofrece la oportunidad de realizar una operación de recomposición urbana que restaure una escala apropiada a la plaza, que resalte sus monumentos y que aporte espacios públicos generosos. Tras el estudio de las visuales, las alineaciones y las relaciones urbanas, se decidió concentrar el programa en un volumen compacto, de manera que, en el espacio que se deja libre, se sitúe una “plaza líquida” que refleje el entorno y proporcione seguridad al edificio sin necesidad de vallas. El edificio alberga una agencia de viajes, con una superficie total de 460 m2, que comprende oficinas y espacio de atención al público. Este último adquiere una especial importancia, y consiste en un espacio amplio y sereno con mesas para atender a los clientes y un recinto de proyección multimedia para ocho personas, construido sobre ruedas para adaptarlo a la distribución de las mesas según convenga. El requerimiento más importante consistía en evitar que los clientes dispusieran de vistas hacia el exterior, para que no pudieran distraerse. Esta condición se solucionó mediante una piel muy ligera, compuesta de planchas de policarbonato en la cara exterior y de acero perforado en el interior, una combinación que produce un velo que refracta y refleja la luz de una manera especial. La enorme contaminación del aire generada por los vehículos y la ausencia total de lluvias

en Lima, determinó la creación de un ingenioso sistema de limpieza que deja caer agua cada cierto tiempo sobre los 320 m2 de fachada, protegiendo el edificio y mejorando la calidad del aire. The disorderly growth of the city of Lima has converted the Plaza Paz Soldán into an inaccessible spot due to the congestion of motor vehicles. It is also dwarfed by the ugly buildings nearby, hidden behind insurmountable fencing that shields them from the habitual insecurity of the third-world megalopolis. This context provides the opportunity to undertake an operation of urban recomposition that restores an appropriate scale to the plaza, emphasises its monuments and provides generous public spaces. After study of the sightlines, alignments and urban relationships, it was decided to concentrate the programme to the maximum on a compact volume, so that in the space that remains free a “liquid plaza” might be sited which reflects the environment and provides security to the buildings without the need of fencing. The building houses a travel agency with a total surface area of 460 m2, which includes offices and a space for attending to the public. This last space acquires special importance in an ample, serene area with tables to attend to clients and a multimedia projection area for eight people, built on wheels in order to adapt to the distribution of the tables, as needed. The most important requirement consisted of avoiding views towards the outside, so that the clients wouldn’t be distracted, a factor that was solved by means of an ultra-light skin consisting of sheets of polycarbonate on the outer face and of perforated steel on the inner, a combination which produces a veil-like cov-

ering which refracts and reflects the light in a special way. The huge air pollution generated by motor vehicles and the total lack of rain in Lima gave rise to the creation of an ingenious cleaning system that allows water to pour for a given time over the 320 m2 facade, protecting the building and improving the air quality. Emplazamiento Location plaza Paz Soldán, San Isidro, Lima, Perú/Peru | Equipo Design team 51-1 arquitectos (Fernando Puente Arnao, César Becerra, Manuel de Rivero); arquitecto principal/head architect Ernesto Puente Arnao | Colaboradores Collaborators Diego Contreras, José Zelaya, Ximena Peña, Fiorella Pinillos | Proyecto y construcción Design and construction years 2006 | Instalaciones Building services Antonio Blanco, Hydrofluidos, Refricorp, Trazzo Iluminación, Carpintería Metálica, Fortunato Cárdenas | Contratistas Contractors PM Arquitectos | Fotografías Photographs Fernando Puente Arnao, Elsa Ramírez

111

112

51-1 arquitectos

Agencia de viajes, Lima Travel agency, Lima

113

Portugal ¿Resurgirá de nuevo el sur? (Sobre la emergencia de la emergencia) Will the South rise again? (On the emergency of emergency) pedro gadanho

En un escenario donde la falta de recursos puede volverse crítica, es de esperar que quienes siempre han trabajo en condiciones de obligada falta de recursos puedan ofrecer soluciones más sostenibles y creativas a los nuevos problemas cotidianos. Cuando el petróleo es objeto de guerra, la escasez de agua, una amenaza, las temperaturas aumentan y la energía debe repensarse en términos de fuentes alternativas, nos vemos obligados a reflexionar más seriamente sobre el derroche y los gastos lujosos. Nos podemos imaginar que, en pocas décadas, los valores y estrategias de acuerdo sobre las que construimos nuestro entorno deberán cambiarse de raíz. A pesar de que el sistema de consumo siempre servirá de distinción visible de una pequeña minoría, llegará un día en el que el espacio para los espectáculos desiguales de alta tecnología, los materiales costosos y la arquitectura satinada de las estrellas será cada vez más restringido. Aunque las reivindicaciones justificadas de progreso yacen generalmente detrás de dichas muestras de poder, llegará un día en que las evidencias efectivas deberán concebirse y promulgarse de otras maneras. El llamado sur ya se está enfrentando a este tipo de dilema. A pesar de que la integración en un mercado y en una cultura mediática globales provoca que partes enteras de algunos países del sur vayan a buscar un poco de acción dentro del atractivo dominio de la más avanzada producción arquitectónica, la situación económica

In a scenario in which lack of resources may become critical, it is to be expected that those who always worked within a condition of necessary resourcefulness can offer more sustainable and creative solutions to new everyday problems. When oil is the object of war, water shortages threaten, temperatures rise and energy has to be rethought in terms of alternative sources, one is led to reflect more seriously upon waste and luxurious expenditure. And one may imagine that in a few decades the values and strategies according to which we build our environment will have to be fundamentally changed. Although the system of consumption will always serve the conspicuous distinction of a small minority, there may come a time where the space for inequitable shows of high technology, expensive materials and glossy “starchitecture” is increasingly restricted. Even if justified claims for progress generally lie behind such shows of strength, there may come a time when effective evidence has to be devised and enacted in other ways. The so-called South is already facing this kind of dilemma. Although integration in a global market and in a global media culture cause entire sections of some southern countries to go looking for a piece of the action within the attractive realm of more advanced architectural production, the general economic situation of these countries makes inequalities particularly evident and unacceptable.

Pedro Gadanho es arquitecto y desarrolla su actividad entre la arquitectura, la crítica, los comisariados y la docencia universitaria. Fue director de ExperimentaDesign, en la Bienal de Lisboa, y de la representación portuguesa de la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2004. Actualmente es profesor en la Faculdade de Arquitectura de la Universidade do Porto (FAUP).

Pedro Gadanho is an architect and divides his time between architecture, criticism, curating and university teaching. He was the director of ExperimentaDesign at the Lisbon Biennial, and of the Portuguese contribution to the 2004 Venice Biennale of Architecture. He is currently a professor at the Universidade do Porto's Faculdade de Arquitectura (FAUP).

115

general de estos países hace particularmente evidente e inaceptable las desigualdades. La creatividad, pues, debe dirigirse hacia la falta de recursos, haciendo frente a condiciones adversas. También es cierto que, históricamente, la producción arquitectónica de estos países se ha caracterizado precisamente por el hecho de usar recursos mínimos, materiales tradicionales y escasez tecnológica. La arquitectura portuguesa ha sido un buen ejemplo de esta predisposición; la idea de escasez no sólo puede identificarse como una fuerza motriz conceptual para una forma de producción arquitectónica largamente establecida;1 recientemente, el mayor reconocimiento internacional de la obra de Álvaro Siza está ligado también a un reconocimiento particular de su habilidad para usar la artesanía y una reducida paleta de materiales y tecnologías que produzcan una experiencia espacial exquisita. Sin embargo, posteriormente surgió una tendencia en la arquitectura portuguesa que la apartó de la complejidad y la austeridad de recursos de Álvaro Siza, hacia un minimalismo más generalizado o una aproximación comercial; si bien es cierto que a costa de sacrificar la riqueza arquitectónica y la diversidad, se ha provisto de un modelo que aún revela una búsqueda general de restricciones materiales y económicas. Desafortunadamente, estas restricciones se han convertido, en muchos casos, en algo así como una camisa de fuerza, en lugar de una práctica inventiva, que debe lidiar con la crisis económica y social que azotó al país recientemente. Esto puede significar que, para reinventar la austeridad, y aún disfrutar de una práctica arquitectónica vibrante y significativa, los arquitectos portugueses quizás deban explorar nuevos caminos. Después de una tendencia emergente que acercó a algunos jóvenes arquitectos portugueses a una identidad europea potencialmente compartida —fomentada por los intercambios Erasmus y reforzada por el aumento de movilidad tanto de personas como de información—, puede que todavía sean necesarios desarrollos que hagan frente a las cuestiones que aquí se apuntan. Aunque las generaciones que están o bien refinando el enfoque minimalista con nuevas herramientas conceptuales, o bien abriendo el campo de la investigación arquitectónica hacia una mayor diversidad formal y temática, aún luchan por un reconocimiento —de hecho, son las que están siendo objeto de recientes exposiciones2 o publicaciones, como esta misma—, necesitamos identificar las prácticas que ya están cambiando de trayectoria y poniendo de manifiesto una nueva gama de preocupaciones. A pesar de que los profesionales emergentes que están siendo tratados últimamente en los medios, todavía se están empobreciendo por la necesidad de la arquitectura de renovarse a sí misma dentro de un sistema de preocupaciones autónomas —aunque las referencias externas apelan a instigar y justificar una deriva o una renovación en el marco interno de la arquitectura o las tradiciones establecidas—, ya existen indicios de que el próximo paso puede darse en la dirección de un nuevo tipo de emergencia. Como proponía en el comienzo del texto de un modo alegórico, una emergencia real se está volviendo tangible, más allá del dominio de la arquitectura largamente establecido, y las prácticas que están comenzando a apuntar esa emergencia son aquellas que deberían denominarse correctamente como emergentes.

Creativity, then, has to be directed at resourcefulness in the face of adverse conditions. As it is, it is also true that historically the architectural output of these countries has been frequently singled out precisely on account of the fact that it makes use of minimal resources, traditional materials and technological scarcity. Portuguese architecture has been a good example of this predisposition. It is not just the idea of scarcity which can be identified as a conceptual driving force for a long-established way of producing architecture1 —more recently the major international recognition of Álvaro Siza Vieira’s oeuvre has also been interwoven with a particular acknowledgment of his ability to use craftsmanship and a reduced palette of materials and technologies in order to produce an exquisite spatial experience. Subsequently, however, a tendency arose in Portuguese architecture which turned away from the complexity and resourcefulness of Álvaro Siza towards a more generalised minimalist or commercial approach. Albeit at the cost of architectural richness and diversity, this has provided a model that still reveals a general pursuit of economical and material constraints. Unfortunately, such constraints have, in many cases, become something of a straightjacket, rather than an inventive practice which would deal with the economical and social crisis that recently hit the country. This could mean that in order to reinvent resourcefulness and still enjoy a vibrant and significant architectural practice, Portuguese architects may have to explore new avenues. After an emerging trend that brought some younger Portuguese architects closer to a potentially shared European identity—triggered by the Erasmus exchanges and powered by the increased mobility of people and information—there might still be a need for developments that face the questions we are addressing here. Even if the generations that are either refining the minimalist approach with new conceptual tools or opening up the field to a more diverse formal and thematic architectural research are still striving for affirmation—and are indeed the ones who are now being focused upon in recent exhibitions2 or publications like this—one needs to look for signs of practices that are already changing course and revealing a new range of concerns. If the emergent practitioners who are being portrayed and discussed in the media of late are still growing out of architecture’s need to renew itself within a system of autonomous concerns—even if external references are now called upon to instigate and justify a dérive or a renewal of architecture’s internal frame or established traditions— there are already suggestions that the next step may indeed be taken in the direction of a new type of emergence. As I was proposing at the somewhat allegorical start of this text, a real emergency is becoming tangible just beyond the long-established realm of architecture, and the practices that are starting to address that emergency are those which should more correctly be called emergent. Curiously, if in Portugal this tendency may be sensed—since it is a noticeable rule in some South-American art, design and architecture—it is because this is a country now divided between its European and its Southern identity.

Véase: Gadanho, Pedro, “Scarcity and dislocation,” en Gadanho, Pedro; Tavares Pereira, Luís (eds.), Influx. Arquitectura portuguesa recente, Livraria Civilizaçao, Oporto, 2003. 2 Éste Este fue incidentalmente el tema de la contribución portuguesa a la Bienal de

Venecia 2004. La exposición lidiaba precisamente con la renovación de la tradición portuguesa dentro de los mundos opuestos del minimalismo o la diversidad y la hibridización. Véase: Gadanho, Pedro, “X vs. YNOT = diversidade: equações de identidade na arquitectu-

ra portuguesa recente,” en Gadanho, Pedro; Tavares Pereira, Luís (eds.), Metaflux, Duas gerações na arquitectura portuguesa recente (catálogo de la exposición homónima), Instituto das Artes/Livraria Civilização, Lisboa, 2004.

See my own article “Scarcity and dislocation,” in Gadanho, Pedro; Tavares Pereira, Luís (eds), Influx. Arquitectura portuguesa recente, Livraria Civilização, Porto, 2003. 2 This was incidentally the theme of the Portuguese contribution to the 2004 Venice

Biennale. Metaflux, Two generations in recent Portuguese architecture, curated by myself and Luís Tavares Pereira, dealt precisely with the renewal of Portuguese tradition within the opposed realms of minimalism or diversity and hybridisation. See my text

“X vs. YNOT = diversidade: equações de identidade na arquitectura portuguesa recente,” in Gadanho, Pedro; Tavares Pereira, Luís (eds), Metaflux, Duas gerações na arquitectura portuguesa recente, Instituto das Artes/Livraria Civilização, Lisboa, 2004.

116

Curiosamente, si esta tendencia puede detectarse en Portugal —ya que es una regla distinguible en algunas obras de arte, diseño y arquitectura de Sudamérica—, es porque se trata de un país dividido entre su identidad europea y sureña. Quizás sea por la proximidad de Portugal con el sur y sus problemas e idiosincrasias por lo que puede apuntarse una explicación que justifique la presencia de las prácticas jóvenes que, aquí y allá, recurren a entender la aceptación local de la arquitectura como un servicio social. En este sentido, la arquitectura ya no se ve como mera respuesta a clientes y mercados, autosuficiente y que se explica a sí misma, sino como una práctica que debe hacer frente a los nuevos problemas que están emergiendo en las sociedades contemporáneas. A pesar de que las preocupaciones aquí apuntadas son bastante globales, circunstancias como los vínculos históricos con el reciente pasado colonial, la proximidad geográfica con el hemisferio sur y una aproximación sensible a los problemas climáticos y económicos, parecen estar alentando una nueva actitud de resurgir dentro del contexto portugués; aunque estamos aún claramente atraídos por los valores que distinguieron la ascensión del star system arquitectónico posmoderno. En este sentido, y como muestra en la emergente —y emergencia— explosión de Plano B, Moov y Luís Pereira Miguel, los recursos que provienen de una tradición arquitectónica bien establecida pueden utilizarse ahora para algo más útil a la sociedad que la mera consolidación de una carrera confortable dentro de los parámetros profesionales y de mercado. Afortunadamente, las estrategias de autoconstrucción en el caso de Plano B, arquitectura performativa con un contenido social crítico en el de Moov, o los modelos cooperativistas para países en desarrollo en el de Luís Pereira Miguel, muestran una mayor preocupación por la austeridad sostenible y crítica que por la mera búsqueda de un estilo arquitectónico; la arquitectura se muestra aquí como un medio, más que como un fin en sí misma. Al igual que algunas prácticas sociales y utópicas anticiparon en las décadas de 1960 y 1970, nuevamente se recurre a la arquitectura para solucionar problemas en las emergencias que se manifiestan a nuestro alrededor. Y como la preocupación sobre los recursos y la falta de ellos es, tal como ya hemos dicho, global —y que algunos posicionamientos filosóficos y sociales se vuelven también como modas colectivas que, más que nunca, no conocen fronteras—, debemos enfatizar que las actitudes descritas aquí no se están haciendo visibles sólo en lugares donde la emergencia se siente con mayor urgencia. Si la arquitectura latinoamericana emergente es propensa a revelar esta tendencia, por la pura contingencia de su escenario y circunstancias, el fenómeno que trato de apuntar adquiere formas muy diferentes en cuanto uno mira la práctica arquitectónica emergente alrededor del mundo. Así, un espectáculo reciente como Talking cities,3 comisariado por Francesca Ferguson y uban drift en Essen, brinda una amplia evidencia de esta precisa emergencia: el arquitecto como investigador, carroñero y crítico social, que trata de desarrollar estrategias nuevas y creativas para hacer frente a la escasez, las desigualdades y los auténticos desastres ecológicos que, en cualquier latitud del globo, están saliendo a la superficie de la ciudad contemporánea. Desplegar prefabricados o autoconstrucciones, reciclar escombros y tecnologías caducas, reinventar lo social a través de la apropiación estética de materiales cotidianos, generar optimismo a partir de las condiciones de máxima pobreza; esta tendencia surge inicialmente dentro de un mundo de práctica artística contemporánea, pero ahora puede convertirse en una fuerza motriz dentro de la práctica arquitectónica y del diseño. La emergencia lo demanda, y aún más en un contexto de culturas que se desarrollan rápidamente.

It is perhaps from Portugal’s proximity to the South and its problems and idiosyncrasies that an explanation may be drawn to justify the presence of young practices that, here and there, are radically drawing on the locally accepted understanding of architecture’s social service. In that respect, architecture is no longer seen as merely a selfexplanatory and self-sufficient answer to clients and markets, but as a practice that must face up to the new problems that are emerging in contemporary societies. Although the concerns addressed here are quite global, circumstances such as historical ties to a recent colonial past, geographical proximity to the southern hemisphere and a closer sense of climatic and economic problems seem to be encouraging a new attitude to arise within the Portuguese context, albeit one that is still clearly attracted to the values that distinguished the ascension of the lateModern architectural star system. In that sense, and as shown in the emergent—and emergency—exploits of Plano B, Moov and Luís Pereira Miguel, resources coming from a well-established architectural tradition known to the architect may now be used for something more socially useful than merely consolidating a comfortable career within the ranks of the profession or of the market. Fortunately, strategies of self-construction in the case of Plano B, performative architecture with a critical social content in the case of Moov, or cooperative models for developing countries in the case of Luís Pereira Miguel, show more concern for sustainable and critical resourcefulness than the mere pursuit of architectural style. Architecture is here shown as a means, rather than as an end in itself. As some social and utopian practices anticipated in the 1960s and 70s, architecture is again taken as a problem-solver for the emergencies that manifest themselves around us. But because a concern with resources and resourcefulness are, as already said, global—and because certain philosophical and social stances also return as collective fashions that, more than ever, know no frontiers—one must stress that the attitudes described here are not only becoming visible in places where the emergency is more urgently felt. If emergent Latin-American architecture is prone to revealing this tendency due to the pure contingency of its settings and circumstances, the phenomena I’m trying to address acquire many different shades as one looks at emergent architectural practices around the world. Thus, a show like Talking cities3, recently curated by Francesca Ferguson/Urban Drift in Essen, provides ample evidence of this precise emergence: the architect as researcher, scavenger and social critic who tries to develop new creative strategies to face the scarcities, inequalities and authentic eco-disasters that, at any latitude of the globe, are surfacing in the contemporary city. Deploying readymades or self-construction, recycling debris and defunct technologies, reinventing the social through the aesthetic appropriation of everyday materials, recreating optimism out of the poorest conditions—this tendency initially arose within the world of contemporary art practice, but now it may become a driving force within architectural and design practice. Emergency demands it. And all the more so in the context of rapidly developing cultures.

Ferguson, Francesca; urban drift (eds.), Talking cities, Birkhäuser Verlag, Basilea, 2006.

Ferguson, Francesca; urban drift (eds.), Talking cities, Birkhäuser Verlag, Basel, 2006.

Portugal

117

Pedro Bandeira Entrada de emergencia, São Paulo Emergency entrance, São Paulo 2005

El texto de presentación de la VI Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo, decía: “La ciudad que no posea utopías para orientar su desarrollo, difícilmente conseguirá crecer en armonía. La arquitectura se propone hacer de puente de conexión entre la realidad y la utopía”. La instalación Entrada de emergencia, concebida como el espacio de representación portuguesa en la bienal, resulta de la asociación entre el concepto de “vínculo” y la casualidad de haber colocado, en el mismo espacio, una salida de emergencia que no se había contemplado en el proyecto original del edificio de Oscar Niemeyer. Supuestamente, las salidas de emergencia son la conexión más corta entre “interior” y “exterior”, pero, en el contexto de la bienal, este hecho podrá enfatizar la ambición de aproximar la “utopía” a la “realidad”, o viceversa, según el sentido de la conexión. Por otro lado, las salidas de emergencia casi siempre son vínculos efímeros cuya función se

justifica apenas en caso de “accidente”. En una sociedad cada vez más tomada por los medios de comunicación de masas, la dependencia de la “prevención” justifica la paradoja de “al estar inventándose el barco, simultáneamente se inventa el naufragio”. Al igual que Niemeyer, Le Corbusier tampoco pensó en “salidas de emergencia” en la capilla de Ronchamp, al menos según los patrones actuales de seguridad: sólo hace poco se colocó la señalética de emergencia (cajas de acrílico verde) en las puertas de un edificio que, por otro lado, es todo él de hormigón armado. Ni los católicos creen en la protección divina, ¿no es hacia el interior de la iglesia que se corre en caso de accidente?, ¿no debería colocarse la señalética en el exterior más que en el interior? Dentro del imaginario moderno, los alzados de vidrio del edificio de la bienal evocan una voluntad de disipar la dicotomía interior/exterior. Paradójicamente, la desmaterialización del alzado en una piel casi invisible no invalidó la existencia de las salidas de

emergencia que encontramos en el edificio. Se podrán construir diversas metáforas a partir de esta situación: una primera evoca las contradicciones y dificultades que la arquitectura moderna (utópica por excelencia) encontró al confrontarse con las diferentes realidades sociales “exteriores”, lo que lleva a cuestionar la “transparencia” del alzado. Una segunda metáfora se refiere en concreto al hecho de que una de las puertas de “salida de emergencia” se encuentra en la sala portuguesa, pudiendo ésta representar la diáspora de las recientes generaciones de brasileños emigrados al Portugal comunitario y de su supervivencia. Una tercera metáfora, claramente más optimista, se refiere al enunciado de la propia bienal: “La arquitectura es lo que se encuentra entre la utopía y la realidad”, y es, por tanto, la “salida de emergencia”. La instalación pretende invertir el sentido de la emergencia; si la salida era un recorrido desde la utopía “interior” a la realidad “exterior”, la “entrada” será el recorrido de la realidad a la utopía: cualquier

118

cosa, como volver a creer en la protección “interior” de Ronchamp. En este sentido, y sólo en este sentido, Entrada de emergencia será un proyecto que privilegia el riesgo y la experimentación inherentes a la utopía, en perjuicio del medio y del pragmatismo (tantas veces frío e inhumano) que caracteriza a la sociedad occidental. Pero esta utopía no estará desvinculada ingenuamente de la realidad; su conexión estará enfatizada por una reivindicación de deseo que no puede ser exclusiva del arquitecto: el “exterior tendrá que contaminar el “interior”; en este sentido, entrar vuelve a ser de emergencia. The introductory text to the 6th São Paulo International Biennial of Architecture said: “A city which does not have utopias to guide its development can hardly grow harmoniously. Architecture stands like a bridge between reality and utopia.” Conceived as the official Portuguese space in the biennial, the installation Emergency entrance results from the association between the concept of “linkage” and the coincidence of having, in the same space, an emergency exit that hadn’t been contemplated in the original design of Oscar Niemeyer’s building. Emergency exits are supposedly the shortest possible route between “internal” and “external”; in the context of the biennial, this fact is able to emphasise the ambition of approximating “utopia” to “reality”, or vice versa, depending on the meaning of the connection. On the other hand, emergency exits are almost always ephemeral links whose function is barely justified in case of “accident”. In a society increasingly colonised by the mass media, a dependence on “prevention” justifies the paradox that says that “with the invention of the ship, the shipwreck is born.” Just like Niemeyer, Le Corbusier didn’t think, either, of “emergency exits” in the Ronchamp Chapel, according to current safety standards, at least: only recently has the emergency signposting (green acrylic boxes) been placed above the doors of a building which is, furthermore, entirely of reinforced concrete. Neither do Catholics believe in divine protection—isn’t it the inside of the church that one runs towards in case of accident? Shouldn’t the signposting be placed on the outside more than on the inside? In the modern imagination, the glass elevations of the biennial building evoke a wish to trigger the internal/external dichotomy. Paradoxically, the dematerialisation of the elevation in an almost invisible skin didn’t invalidate the existence of the emergency exits we found in the building. Different metaphors may be constructed from this situation: the first evokes the contradictions and difficulties that modern architecture (which is utopian par excellence) encountered when confronting different “external” social

Pedro Bandeira

Entrada de emergencia, São Paulo Emergency entrance, São Paulo

realities, which caused it to question the “transparency” of the elevation; a second metaphor specifically refers to the fact that one of the “emergency exit” doors is found in the Portuguese hall, the latter being able to represent the diaspora of recent generations of Brazilians emigrating to EEC Portugal and their survival. A third, and clearly more optimistic, metaphor refers to the statement of the actual biennial: “Architecture is what is found between utopia and reality” and is, therefore, the “emergency exit”. The installation seeks to invert the meaning of emergency; if the exit was an itinerary from “internal” utopia to “external” reality, the “entrance” will be the itinerary from reality to utopia: anything, like believing again in Ronchamp’s “internal” protection. In that sense, and only in that sense, Emergency entrance will be a project that privileges the risk and experimentation inherent in utopia as against the fear and pragmatism (so often cold and inhuman) that characterises Western society. But this utopia will not be ingenuously dissociated from reality; its connection will be emphasised by a vindication of desire that cannot be exclusive to the architect: the “external” must contaminate the “internal”; in that sense, entering returns to being an emergency. Emplazamiento Location São Paulo, Brasil/Brazil | Equipo de proyecto Design team Pedro Bandeira, Dulcineia Neves dos Santos | Proyecto y construcción Design and construction years 2005 | Organización y producción Organisation and production Instituto das Artes/Ministério da Cultura de Portugal | Fotografías Photographs Dulcineia Neves dos Santos, Pedro Bandeira

120

Portugal Pedro Gadanho, a.s* atelier de santos Ellipse Foundation Art CenterCascais, Lisboa Ellipse Foundation Art Center Cascais, Lisbon 2005-2006 Un almacén anodino en las afueras de Lisboa se convierte en un contenedor y lugar de exposición de arte contemporáneo. Para ello se concibe una estrategia elemental: las diversas escalas, dimensiones y características de las salas de exposición deben tener diferentes condiciones para adaptarse a los diferentes modos de presentación que caracterizan la más reciente producción artística; la sucesión de estas situaciones crea un hilo narrativo. Un vestíbulo negro multifuncional converge en un pasillo comprimido. Uno deja el paisaje industrial periférico detrás de unas bandas de goma transparente. A la izquierda se encuentran las oficinas y las áreas de recepción, con sus pequeñas cocinas de Corian y las persianas metálicas que limitan el espacio de oficina, unas zonas que pueden también servir como zona pública para caterings en una inauguración. En la parte superior, una fachada de vidrio angulado esconde una habitación que cuelga detrás de un vidrio oscuro. La sala VIP y la sala de reunión son un lounge futurista que, como un dispositivo panóptico, domina visualmente el vestíbulo y el espacio expositivo. Muebles de Eero Saarinen y Marc Newson, paredes marrón chocolate, una alfombra beis suave y lámparas de techo redondas generan una atmósfera similar a las que aparecen en la revista de tendencias Wallpaper*, específica para el coleccionista voyeur o el comisario. El primer espacio de la galería es un gran vestíbulo que permite la exposición de instalaciones excepcionalmente grandes y, simultáneamente, constituye un nudo de distribución para el resto del circuito expositivo. Los espacios de transición están marcados de algún modo como territorio arquitectónico que se opone al espacio blanco neutral, técnico y climatizado de las salas de exposiciones. Bandas naranjas marcan una barrera psicológica y una simetría invertida en la distribución funcional de dos salas en la segunda planta; una pintura general de paredes y techos en gris amplían el espacio originalmente pretendido hacia el almacén vecino; una columna roja

oscura y una viga aluden al espacio existente remodelado; todo esto establece una gama cromática que reacciona a la hegemonía moderna del espacio expositivo blanco. Sin embargo, últimamente, los artistas invadieron incluso esos momentos intersticiales como espacios expositivos alternativos. Por otro lado, la noción de gama cromática obtiene su expresión más extrema en oposición al blanco y el negro. No sólo el volumen externo y la entrada son, por tanto, negativos perfectos del espacio expositivo, sino también la sala VIP y la sala de proyección negra opuesta a la entrada tienen sus homólogos en un espacio instalación

donde la intensidad del blanco se ha llevado al límite. Un techo traslúcido, las paredes blancas y el pavimento de goma blanca crean un efecto de “luz blanca, calor blanco” que lleva a la condición de galería hacia una altura cinemática. El tema arquitectónico dominante se confirma como la oposición entre la caja negra y el cubo blanco. An anodyne warehouse on the outskirts of Lisbon is turned into a container and exhibition space for contemporary art. To do this, an elementary strategy is conceived: the various scales, dimensions and characteristics of the exhibition areas must have distinctive qualities

121

in order to adapt to the different forms of presentation that characterise the artistic production of now; the sequencing of these situations creates a narrative thread. A multifunctional black vestibule converges on a narrow passageway. One leaves the peripheral industrial landscape behind a set of transparent rubber strips. To the left are the offices and the reception areas, with their little Corian kitchens and metal blinds that delimit the office space, zones that can also be used as a public area for the catering at an opening. In the upper part, an angled glass facade hides a suite suspended behind a dark sheet of glass. The VIP area and meeting room form a futurist lounge that, like a panoptic device, visually dominates the vestibule and the exhibition space. Furniture by Eero Saarinen and Marc Newson, chocolate-brown walls, a soft beige carpet and round ceiling lights generate an atmosphere similar to those appearing in the style magazine Wallpaper*, required reading for the voyeuristic collector or the curator. The first gallery space is a great vestibule that enables exceptionally large installations to be shown and simultaneously constitutes a distribution node for the rest of the exhibition circuit. The transitional spaces are similarly marked out as an architectural territory that is in opposition to the neutral, technical and airconditioned white space of art galleries. Orange bands define a psychological barrier and an inverted symmetry in the functional layout of two galleries on the second floor; the overall painting of walls and ceiling in grey extend the original hypothetical space towards the neighbouring warehouse; a dark-red column and beam allude to the existing space, since remodelled; all this establishes a colour range that reacts to the modern hegemony of the white exhibition space. Finally, however, the artists invade even these interstitial moments as alternative exhibition spaces. On the other hand, the notion of a colour range finds its most extreme expression in opposition to the white and black. Not only are the external volume and the

entrance perfect negatives of the exhibition space, then, but the VIP lounge and black projection room opposite the entrance also have their counterparts in an installation space in which the intensity of the whiteness has been taken to the limit. A translucent ceiling, white walls and white rubber flooring create an effect of “white light, white heat” which takes the gallery factor to cinematic heights The dominant architectural theme is confirmed as the opposition of black box and white cube. Emplazamiento Location Cascais, Lisboa/Lisbon, Portugal | Arquitectos Architects Pedro Gadanho, a.s* Atelier de Santos (Pedro Costa, Célia Gomes) | Proyecto y construc-

ción Design and construction years 2005-2006 | Colaboradores Collaborators João Simões, Ricardo Balhana, Ana Teresa Henriques | Consultores Consultants Promomento, Fernando Rodrigues/ARA, Pedro Gomes/GAU, Madeira da Silva | Fotografías Photographs Daniel Malhão, Paulo Seatra

122

Pedro Gadanho, a.s* atelier de santos

Ellipse Foundation Art CenterCascais, Lisboa Ellipse Foundation Art Center Cascais, Lisbon

123

124

Portugal Moov Seta amarella Seta amarella 2004-2006

Contaminación Contamination

Acople Maxing contact

Contaminación Contamination

Punto de anclaje Anchorage spots

La instalación performance Seta amarella [Flecha amarilla] es un proyecto sobre la contaminación del paisaje urbano, que reflexiona sobre la posibilidad de comunicación de la ciudad contemporánea.Buscar una posible definición de lugar, interviniendo activamente en su carácter transitorio, respondiendo a la llamada de un icono/objeto/hito capaz de contaminar y ser referencia de identidad, al igual que definimos una red de signos viarios, códigos, símbolos y mensajes que actualmente conforman el territorio urbano. Introducimos una imagen clara, identificable y reconocible a lo largo de toda la ciudad. Un objeto que surge en el paisaje urbano como una referencia tridimensional, anunciando y materializando esa nueva dimensión de comunicación omnipresente; un volumen que interactúa con el territorio adyacente a través de calidades específicas de su forma y su textura, asumiendo un papel integrante en la ciudad moderna y rompiendo con la bidimensionalidad. La instalación performance se concibe de forma progresiva y se presenta a través de una serie de acciones con diferentes características relacionadas con la especificidad del territorio urbano donde tiene lugar. Genéricamente, podemos definir tres momentos de aproximación y desarrollo de las flechas amarillas en el paisaje urbano:

1. Puntos de anclaje como espacios para llegadas y salidas de los objetos; pueden ser una plaza u otro espacio público, espacios inaugurales para la modulación del entorno urbano a través de la presencia de las flechas; tienen la intención de ser lugares para el encuentro/reencuentro, reunión/discusión, socializar/jugar, etc. El primer contacto con el lugar sucederá aquí, donde la llegada de un elemento ajeno a la rutina diaria guiará a quienes caminan sobre las nuevas relaciones que se han establecido, espacial y visualmente, en su entorno inmediato. 2. Contaminación a través de suaves, largas y duraderas performances, las flechas comenzarán a desparramarse por la ciudad, dejando atrás los puntos anclados. Diseminarán sorpresa, comunicarán e interactuarán con la población. Los primeros vínculos entre personas y objetos deberán emerger. 3. Establecen contactos después de ser diseminadas por el paisaje. Las flechas se volverán a encontrar ocasionalmente en un único lugar, o en varios otros, configurando y reorganizando nuevos espacios en la ciudad, ya que son capaces de producir con sus volúmenes plazas, calles, corredores, refugios, podios, bancos o cobertizos, infinitud de espacios, impredecibles e inesperados. The installation/performance Seta amarella [Yellow arrow] is a project about the contami-

Contaminación Contamination

Acople Maxing contact

nation of the urban landscape which reflects on the possibility pf communication of the contemporary city; to seek a definition of place by intervening actively in its transitory character, responding to the summons of an icon/object/landmark capable of contaminating and being a reference of identity in the same way as we define a network of road signs, codes, symbols and messages that currently go to form the urban territory. We introduce a clear, identifiable and recognisable image throughout the city. An object that emerges in the urban landscape as a threedimensional reference, announcing and materialising that new dimension of omnipresent communication; a volume that interacts with the adjacent territory via the specific qualities of its shape and texture, thus assuming an integral role in the modern city and breaking with two-dimensionality. The installation/performance is conceived progressively and presented via a series of actions with different characteristics relative to the specificity of the territory it takes place in. Generically speaking, we can define three moments of the approach to and development of the yellow arrows in the urban landscape 1. Anchoring points as spaces for the arrival and departure of objects; they can be a plaza or other public space, inaugural spaces for the modulation of the urban environment through

125

130 cm

49 cm

59 cm

the presence of the arrows; they have the intention of being locations for encounter/reencounter, meeting/discussion, for socialising/playing, etc. The first contact with the location will happen here, where the arrival of an element inappropriate to daily routine will guide passers-by as to the new relationships established spatially and visually vis-à-vis their immediate environment. 2. Contamination through smooth, long and lasting performances; the arrows will begin to spread throughout the city, leaving the anchor points behind. They will cause widespread surprise, communicate and interact with the local population. The first links between people and object will undoubtedly emerge. 3. They establish contact after being disseminated through the landscape. The arrows will occasionally revert to being in a single location, or in a few other ones, thus configuring and reorganising new spaces in the city, since they are capable of producing, with their volumes, plazas, streets, passageways, refuges, podia, benches, shelters: an infinity of spaces, unpredictable and unexpected. Emplazamiento Location itinerante/travelling: Lisboa/ Lisbon, Coimbra, Montemor-o-Novo, Torres Vedras (Portugal), São Paulo (Brasil/Brazil) | Equipo Design team Moov: António Louro, José Niza, João Calhao | Proyecto y construcción Design and construction years 2004-2006

126

Moov

Seta amarella Seta amarella

127

128

Venezuela Mateo Pintó, Matías Pintó Conectores peatonales, San Miguel de la Vega, Caracas Pedestrian connectors, San Miguel de la Vega, Caracas 2001

Con más de 400 ha y 95.000 habitantes, el barrio de La Vega es uno de los asentamientos informales espontáneos más extensos y habitados de Caracas. Se caracteriza por presentar niveles de urbanización precaria que se reflejan en la falta o ineficiencia de servicios básicos de infraestructura, equipamiento urbano y espacio público, así como limitada accesibilidad y riesgo geológico por sus condiciones de topografía extrema. Con la idea de integrar estas zonas de barrio y comunidades al resto de la ciudad, y como parte del Plan Nacional de Habilitación de Barrios, el proyecto para San Miguel de La Vega fue iniciado en 1999 por el Consejo Nacional de la Vivienda y el Banco Mundial para que sirviera de modelo y caso piloto. Con la idea de iniciar un proceso de intervención generalizado pero que reconozca las singularidades tanto como repetición de las mismas condiciones y problemas en cada barrio y escalera, se planteó un estudio de los conectores peatonales orientado a constituir tanto un sistema de análisis como un sistema de proyecto. Como estrategia para el análisis se diseñó un lenguaje gráfico de representación codificado por iconos, estructurado por categorías y tramos, que permitiera representar de forma sintética cada una de variables en las escaleras mediante un sistema de convenciones equivalentes. Utilizando una especie de storyboard como base para identificar los temas de proyecto, se transcribieron todos los datos posibles registrados, unos de tipo cuantitativo — como tipos de pendiente, conexiones, anchos de tramos, viviendas servidas, etc.—, y otros de carácter perceptivo —como la identificación de temas, programas y lugares que se necesita potenciar—.

Para generar el sistema de proyecto y catálogo de aplicaciones tipo; se estructuraron diez temas que abarcasen las condiciones básicas de los futuros conectores peatonales. Un primer grupo implícito en la escalera como tipología y espacio conector son los accesos, la escalera, las intersecciones, los lugares y usos, y el espacio y sus límites. Un segundo grupo se define como calle equipada, conectada al sistema urbano de ciudad: la iluminación pública, la canalización de aguas, la disposición de desechos, el equipamiento urbano y la seguridad e información. With an area of 400 ha and 95,000 inhabitants, the barrio of La Vega is one of the most extensive and lived-in informal settlements in Caracas. It is characterised by presenting levels of precarious urbanisation that are reflected in the lack or inefficiency of basic services of infrastructure, urban amenities and public space, as well as limited accessibility and geological risk due to its extreme topographical conditions. With the idea of integrating these neighbourhood and community areas with the remainder of the city, and as part of the National Development Plan for Local Neighbourhoods, the San Miguel de La Vega project was set up in 1999 by the National Housing Council and the World Bank as a model and pilot scheme. With the idea of beginning a generalised process of intervention that would recognise the singularities and repetition of the same conditions and problems in each barrio and flight of steps, study of the pedestrian connectors was directed towards proposing a system of analysis and a system of planning. As a strategy for the analysis, we designed a graphic language of representation, codified by

icons, structured in categories and sections so as to depict in synthetic form each of the variables in the flights of steps by means of a system of equivalent conventions. Akin to a storyboard which forms the basis for identifying the themes of the project, we transcribed all the possible data registered, some of it quantitativeælike types of slope, connections, width of the flights of steps, houses served, and so forthæand some perceptual in nature: like the identification of themes, programmes and locations that we need to develop. In order to generate the planning system and a standard catalogue of applications, we structured ten themes that would address the basic conditions of future pedestrian connectors. A first group implicit in the flight of steps as a typology and connecting space includes the approaches, the steps themselves, the intersections, different locations and uses, and the space and its boundaries; a second group defines it as an equipped street connected to the city’s urban system: public lighting, the water drainage system, the siting of rubbish, urban amenities and security and information. Emplazamiento Location barrio/neighbourhood of San Miguel de La Vega, sector el Petróleo, Caracas, Venezuela | Equipo Design team Mateo Pintó, Matías Pintó | Anteproyecto Preliminary design 2001 | Colaboradores Collaborators Alejandro Salcedo, Douglas García, Francisco Martín, Pier Cappecci | Promotores Developers Consejo Nacional de la Vivienda, Banco Mundial/World Bank | Organización comunitaria Community organisation Consorcio Gran San Miguel | Ingeniería civil e hidráulica Civil and hydraulic engineering Fernando Peláez, Santos Michelena | Topografía Topography José Miguel Castro

tramo stretch

129

130

Mateo Pint贸, Mat铆as Pint贸

Conectores peatonales, San Miguel de la Vega, Caracas Pedestrian connectors, San Miguel de la Vega, Caracas

131

132

Supersudaca ¡Al Caribe! 2005

Las costas del mundo están experimentando a una velocidad sin precedentes una gran acumulación de materia: infraestructuras, contaminación, dinero, comida, desechos y millones de personas se concentran en delgadas bandas paralelas al mar con fines turísticos. La región caribeña representa una modesta porción del turismo mundial, con un escaso 2,3 % y unos 20 millones de turistas anuales. La aceleración ha sido imparable desde la década de 1970, y el sector ya representa una media del 50 % de la economía de la región, con casos como Antigua o Barbuda, donde se rebasa el 90 %, un hecho que convierte al Caribe en la región con mayor penetración de turismo del mundo. El fenómeno promueve una dependencia de las inversiones extranjeras, con síntomas similares al viejo sistema colonial, dirigido a un único producto de exportación y controlado por un ente extranjero. Otro dato en este sentido es el control español de los complejos hoteleros del “todo incluido”, que sólo compite en dominio con la cantidad de operadores turísticos norteamericanos, líneas aéreas y webs de reservas on line. Dos tipos de turismo dominan la región: el de crucero y el de “todo incluido”. El primero representa más de la mitad del mercado mundial y concentra su nodo de operaciones en Florida, mientras que el segundo es líder mundial en innovación, con inversores españoles, norteamericanos, franceses y, recientemente, chinos. Esta combinación de turismo del “todo incluido” y de la verticalización ha disminuido el ya débil protagonismo local y ha incentivado el famoso leakege económico: por cada dólar que gasta un turista en un paquete de “todo incluido”, sólo tres centavos se quedan en el Caribe, ya que 89 centavos se quedan en el país de origen por billetes y hospedaje Y, de los 11 centavos restantes, 8 vuelven al extranjero por importaciones de comida y otros productos extranjeros que demanda el turista, márketing y los salarios más elevados correspondientes al personal extranjero. Los tres

centavos restantes se diluyen en salarios, servicios y algún que otro suvenir. Las franjas costeras han crecido espacialmente de forma imparable en veinte años. En Barbados, los 4 km de strip, surgidos en la década de 1980 junto a la ciudad, parecen inocentes frente a los 35 km de Punta Cana, lugar concebido ya como mundo paralelo o “isla fantasía”, aislado de la realidad local. Sirvientas, taxistas, cocineros, camareros, músicos y animadores llegan de nadie sabe dónde, cantan, cocinan, limpian, sonríen y desaparecen rumbo a ciudades seriadas, como en tiempos coloniales o de la revolución industrial. El strip del “todo incluido” ha superado al suburbio de la ciudad límite generando una no ciudad ocupada por una población que cambia cada semana, un territorio al margen de la ley, un laboratorio del futuro. The world’s coasts are experiencing, at unprecedented speed, an accumulation of matter: infrastructures, pollution, money, food, rubbish and millions of people are concentrated in narrow bands parallel to the sea with touristic ends. The Caribbean region represents a modest portion of world tourism, with a scant 2.3% and some 20M tourists a year. The acceleration has been unstoppable since the 1970s and the sector now represents an average of 50% of the region’s economy, with cases like Antigua or Barbados, where it is over 90%, a fact that makes the Caribbean the region with the greatest penetration of tourism at the world scale. The phenomenon promotes a dependency on foreign investments, with symptoms similar to the old colonial system, like the focusing on a single export product controlled by a foreign entity. Another datum in this respect is Spanish control of “all-inclusive” hotel complexes, a control which only competes in terms of ascendancy with the quantity of NorthAmerican tour operators, airlines and on-line reservation webs. Two sorts of tourism dominate the region, the cruise variety and the “all-inclusive” kind. The

first represents more than half of the world market and concentrates its operations node in Florida, while the second is world leader in innovation, with Spanish, North-American, French and recently Chinese investors. This combination of “all-inclusive” tourism and verticalisation has crippled the already weak local presence and has encouraged the economic leakage we hear so much about: for every dollar a tourist spends on an “all-inclusive” package holiday, only 3 cents stay in the Caribbean. Eighty-nine cents remain in the country of origin for tickets and the cost of board and lodging. Of the remaining 11 cents, 8 go back abroad due to the importation of food and other foreign products the tourist demands, marketing and the higher salaries of foreign personnel in the holiday location. The remaining 3 cents are divided between wages, services and the odd souvenir. The coastal strips have grown unstoppably in spatial terms in twenty years. In Barbados, the 4km of strip, emerging in the 1980s next to the city, seems innocent next to the 35km of Punta Cana, a location conceived as a parallel world or “fantasy island” isolated from local reality. Servants, taxi drivers, cooks, waiters, musicians and entertainers arrive from who knows where, they sing, cook, clean, smile and disappear in the direction of packed cities, as in colonial times or the industrial revolution. The “all-inclusive” strip has surpassed the suburb on the city limits, generating a non-city occupied by a population that changes every week, a lawless territory, a laboratory of the future. Arquitectos Architects Supersudaca ¡Al Caribe!: Félix Madrazo, Manuel de Rivero, Elena Chevtchenko, Juan Zapata, Sofía Saavedra, Max Zolkwer, Ana Rascovsky, Pablo Guerrero, Victoria Goldstein, Juan Pablo Corvalán | Fotografías Photographs Justin Caderholm, NASA

133

134

Supersudaca

ยกAl Caribe! ยกAl Caribe!

135

136

Biografías Biographies

51-1 ARQUITECTOS

a.s* ATELIER DE SANTOS

Fernando Puente (1973) es arquitecto por la Universidad Ricardo Palma (Lima) y realizó un máster en Dirección de Empresas Constructoras e Inmobiliarias en la Universidad Politécnica de Madrid (UPM). En 1998 fundó Becerra Puente Arnao Arquitectos junto a César Becerra. Actualmente es profesor en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Cesar Becerra (1974) es arquitecto por la Universidad Ricardo Palma (Lima). Ha trabajado en proyectos de interiorismo y, desde 2000, en proyectos inmobiliarios de vivienda. Manuel de Rivero (1973) es arquitecto y urbanista por la Universidad Ricardo Palma (Lima) y realizó un máster en el Berlage Institute (Róterdam). Trabajó en el despacho de MVRDV en Holanda. Actualmente es profesor e investigador en la Universidad Católica del Perú y miembro fundador de Supersudaca. Fernando Puente (1973) graduated as an architect from the Universidad Ricardo Palma (Lima) and did a Master’s in Construction and Real State Management at the Universidad Politécnica de Madrid (UPM). In 1998 he founded, along with César Becerra, Becerra Puente Arnao Arquitectos and is currently a teacher at the Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Cesar Becerra (1974) graduated as an architect from the Universidad Ricardo Palma (Lima). He has worked on interior design projects and since 2000 on housing property projects. Manuel de Rivero (1973) graduated as an architect and city planner from the Universidad Ricardo Palma (Lima) and did a Master’s at the Berlage Institute (Rotterdam). He worked in the MVRDV office in The Netherlands and is currently a teacher and researcher at the Universidad Católica del Perú and a founder-member of Supersudaca.

a.s*, atelier de santos es un colectivo de arquitectos fundado en Lisboa en 1997 por Célia Gomes y Pedro Machado. Entre sus proyectos destacan la residencia de estudiantes São Miguel, el Museu da Ribeira Grande o la biblioteca central de la Universidade dos Açores, esta última nominada para el Premio Europeo de Arquitectura Mies van der Rohe y seleccionado para los premios FAD de arquitectura en 2004. Su obra ha sido presentada en innumerables publicaciones y ha formado parte de diversas exposiciones, nacionales e internacionales, como la Bienal de Arquitectura de Venecia, la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo o la Architectural Association de Londres. a.s*, atelier de santos is an architects’ collective founded in Lisbon in 1997 by Célia Gomes and Pedro Machado. Among its projects are the S. Miguel students’ residence, the Museu da Ribeira Grande and the central library of the Universidade dos Açores, this last nominated for the Mies van der Rohe European Prize for Architecture and selected for the FAD Architecture Prizes in 2004. Their work has featured in countless publications and has formed part of different local and international exhibitions, such as the Venice Biennale of Architecture and the IberoAmerican Biennial of Architecture, and at the Architectural Association in London.

137

a77

ANTONIO ABELLÁN

MARTÍN ALONSO / DANIEL ROSENBERG

FELIPE ARTURO

Gustavo Diéguez (1968) y Lucas Gilardi (1968) son arquitectos por la Universidad de Buenos Aires. Formaron parte del colectivo m777 hasta 2004, donde desarrollaron proyectos de arquitectura y experiencias de urbanismo en países como Holanda, España, Alemania y Estados Unidos. En la actualidad, bajo el nombre de a77, desarrollan trabajos de vivienda experimental y diseño, así como proyectos colectivos, como Charlas de Gasolinería y Rally Conurbano, que combinan prácticas del arte contemporáneo con el urbanismo relacionado con la complejidad metropolitana de Buenos Aires. Son profesores de urbanismo y proyectos en las Universidades de Palermo y Buenos Aires, respectivamente. Gustavo Diéguez (1968) and Lucas Gilardi (1968) graduated as architects from the Buenos Aires University. Until 2004 they formed part of the collective m777, where they developed architecture projects and planning experiments in countries like The Netherlands, Spain, Germany and the USA. Under the name of a77, they currently undertake experimental housing and design work as well as collective projects like “Charlas de gasolinería” (“Chats at the gas station”) and “Rally conurbano” (“Conurban rally”), which combine contemporary art practices and urbanism in relation to the metropolitan complexity of Buenos Aires. They teach urbanism and project design at the Universities of Palermo and Buenos Aires, respectively.

(Murcia, 1973) es arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Navarra. Ha colaborado con los estudios de José María Torres Nadal, Javier Peña y Adhoc, y ha dirigido una empresa constructora. Desde 2003 es profesor asociado del Área de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Alicante. Ha recibido una mención en los XII Premios de Arquitectura de la Región de Murcia por la reforma del pabellón 5 del cuartel de artillería para el Centro Párraga (Murcia). (Murcia, 1973) graduated as an architect from the School of Architecture at the Navarra University. He has collaborated with the studios of José María Torres Nadal, Javier Peña and Adhoc, and has run a construction company. Since 2003 he has been an associate professor in the Architectural Projects department of the Alicante University. He received a special mention in the 12th Murcia Region Architecture Awards for his remodelling of Pavilion 5 of the artillery barracks for the Centro Párraga, Murcia.

Martín Alonso (Santiago de Chile, 1976) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Daniel Rosenberg (Israel, 1978) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde cursó también un máster con una tesis sobre sistemas constructivos adaptables. Juntos fundaron Oficina WAR i.a. en 2003, una sociedad para el desarrollo de proyectos tanto para clientes privados como concursos, entre los que destaca el primer premio del concurso para la Feria Internacional de Santiago de Chile (2004). También han desarrollado proyectos docentes en las universidades Federico Santa María y Andrés Bello de Chile. Martín Alonso (Santiago, 1976) also graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica de Chile. Daniel Rosenberg (Israel, 1978) graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica in Santiago, where he also did a Master’s with a thesis on adaptable building systems. Together they founded Oficina WAR i.a. in 2003, a company for the development of projects for both private clients and competitions. Among the latter they won first prize for the Santiago International Fair (2004). They have also undertaken teaching projects at the Universities of Federico Santa María and Andrés Bello.

(Bogotá, 1979) es arquitecto por la Universidad de los Andes, Bogotá, y actualmente estudia un máster en Artes Visuales en la Escuela de Artes de Columbia University, Nueva York. Participó en la creación del espectáculo multimedia Este siglo y el otro para celebrar el final de siglo XX en Colombia, y en 2004 en la exposición Cuerpo, arte, naturaleza en el Jardín Botánico de Bogotá con la videoinstalación Cascadas. (Bogota, 1979) graduated as an architect from the Universidad de los Andes, Bogota, and is currently doing a Master’s in Visual Arts at Columbia University, New York. He participated in the creation of the multimedia spectacle Este siglo y el otro (This century and the other) to mark the end of the 20th century in Colombia and in 2004 in the exhibition Cuerpo, arte, naturaleza (Body, art, nature) in the Bogota Botanical Garden with the video installation Cascadas (Waterfalls).

FELIPE ASSADI

PEDRO BANDEIRA

ALEJANDRO BEALS CHRISTIAN BEALS

DIEGUEZ FRIDMAN ARQUITECTOS & ASOCIADOS

(1971) es arquitecto por la Universidad Finis Terrae (Santiago de Chile) y realizó un máster en arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 1999 recibe el Premio Promoción Joven del Colegio de Arquitectos de Chile, otorgado al mejor arquitecto chileno menor de 35 años. Es profesor de taller en la Universidad Andrés Bello y ha sido profesor invitado en universidades de Chile, México y Colombia. Su obra ha sido ampliamente publicada en revistas y en libros especializados de todo el mundo, y ha formado parte de exposiciones en Barcelona, Pamplona, Londres, Quito, Tokio y Santiago de Chile. (1971) graduated as an architect from Universidad Finis Terrae (Santiago) and did a Master’s in Architecture at the Pontificia Universidad Católica de Chile. In 1999 he received the Premio Promoción Joven from the Colegio de Arquitectos de Chile, awarded to the best Chilean architect under 35. He is workshop professor at the Universidad Andrés Bello and has been a guest lecturer at universities in Chile, Mexico and Colombia. His work has been widely featured in specialised magazines and books the world over and he has participated in exhibitions in Barcelona, Pamplona, London, Quito, Tokyo and Santiago.

(1970) es arquitecto por la Facultad de Arquitectura de la Universidade do Porto (FAUP). Estudió en Barcelona el máster Metrópolis de la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Desde 1998 es profesor de proyectos en la Universidade do Minho. Fue coeditor de los primeros números de la revista de cultura urbana In Si(s)tu y actualmente es coeditor de la revista de arquitectura Laura de la Universidade do Minho. Participó en la exposición Metaflux en la Bienal de Venecia (2004) y representó a Portugal en la VI Bienal de Arquitectura de São Paulo. (1970) graduated from the Faculdade de Arquitetura of the Universidade do Porto (FAUP). In Barcelona he did the Metropolis postgraduate programme in architecture and urban culture at the Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) and the Centre de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB). Since 1998 he has taught project design at the Universidade do Minho. He was co-editor of the first few issues of the urban culture magazine In Si(s)tu and is currently co-editor of the Universidade do Minho’s architecture magazine Laura. He participated in the Metaflux exhibition at the Venice Biennale of Architecture (2004) and represented Portugal at the 6th São Paulo International Biennial of Architecture.

Alejandro Beals (Santiago de Chile, 1976) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile, tras haber estudiado un curso en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB). Ha trabajado en los despachos de Guillermo Acuña (2001) y Mathias Klotz (2001-2006). En 2006 funda su propio despacho junto a Loreto Lyon. Fue profesor del Taller de Arquitectura de Mathias Klotz en el Instituto di Architettura di Venezia (2005), y desde el 2001 profesor instructor del Taller de Proyectos de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Christian Beals (Santiago de Chile, 1974) es arquitecto por la Universidad Finis Terrae. Ha colaborado en los estudios de Gonzalo Mardones (2001) y Felipe Assadi (2001-2003). Desde 2003 trabaja en su propio despacho. Alejandro Beals (Santiago, 1976) graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica de Chile, after doing a course at the Barcelona School of Architecture (ETSAB). He has worked in the offices of Guillermo Acuña (2001) and Mathias Klotz (2001-2006). In 2006 he founded his own office, along with Loreto Lyon. He was a teacher in Mathias Klotz’s architecture workshop at the Instituto di Architettura di Venezia (2005) and since 2001 has been an instructor in the Project Design Workshop at the Architecture School, Pontificia Universidad Católica de Chile. Christian Beals (Santiago, 1974) graduated as an architect from the Universidad Finis Terrae. He has collaborated with the studios of Gonzalo Mardones (2001) and Felipe Assadi (2001-2003) and since 2003 has worked in his own office.

Tristán Dieguez (Buenos Aires, 1972) y Axel Fridman (Buenos Aires, 1971) son arquitectos por la Universidad de Buenos Aires (1997). Entre 1998 y 2000, Axel Fridman realizó un máster de en la Columbia University (Nueva York), y Tristán Dieguez trabajó en el estudio de César Pelli. En 2000 fundan Dieguez Fridman arquitectos & asociados. Actualmente son profesores de la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Han obtenido varios premios en concursos: primer premio por la ampliación de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires, segundo premio por el rediseño de la plaza de la República (Buenos Aires) y una mención en el concurso del Museo de la Prehistoria (Jeongok, Corea del Sur). Tristán Dieguez (Buenos Aires, 1972) and Axel Fridman (Buenos Aires, 1971) graduated as architects from the Buenos Aires University in 1997. Between 1998 and 2000 Axel Fridman did a Master’s at Columbia University, New York, and Tristán Dieguez worked in the studio of César Pelli. In 2000 they founded Dieguez Fridman arquitectos & asociados and are currently lecturers in the Architecture, Design and Urbanism School of the Universidad de Buenos Aires. They have won various competitions: first prize for the extension of the Economic Science Faculty of the Buenos Aires University, second prize for the redesign of the Plaza de la República (Buenos Aires) and a mention in the competition for the Museum of Prehistory (Jeongok, South Korea).

PILAR ECHEZARRETA

PEDRO GADANHO

HUSOS

ARIEL JACUBOVICH

Es arquitecta por la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México y estudió un máster en Columbia University, Nueva York. Actualmente es profesora asistente del programa de posgrado de la Escuela de Arquitectura de la University of Pennsylvania. Su trabajo de arquitectura inflable, instalación y vídeo ha participado en exposiciones en México, París y Nueva York. En colaboración con Enrique Moya-Angeler ganó el segundo premio de Europan 8 (2006) con un proyecto sobre Especies Urbanas. Vive y trabaja en Nueva York. Graduated as an architect from the Universidad Iberoamericana, Mexico City, and did a Master’s at Columbia University, New York. She is assistant professor on the postgraduate programme of the University of Pennsylvania’s School of Architecture. Her inflatable architecture, installation and video work has been shown in exhibitions in Mexico City, Paris and New York. In collaboration with Enrique Moya-Angeler she won second prize in Europan 8 (2006) with a project On Urban Species. She lives and works in New York.

Es arquitecto y desarrolla su actividad entre la arquitectura, la crítica, los comisariados y la docencia universitaria. Fue director de ExperimentaDesign, en la Bienal de Lisboa, y de la representación portuguesa de la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2004. Actualmente es profesor en la Faculdade de Arquitectura de la Universidade do Porto (FAUP). Is an architect and divides his time between architecture, reviewing, curating exhibitions and university teaching. He was head of ExperimentaDesign at the Lisbon Biennial and of the Portuguese contribution to the 2004 Venice Biennale of Architecture. He is currently a professor in the School of Architecture of the Universidade do Porto (FAUP).

Práctica interdisciplinaria de arquitectura y urbanismo formada por Diego Barajas (Bogotá ,1975) y Camilo García (Cali, 1973), ambos arquitectos por la Universidad de los Andes, Bogotá. Estudiaron un máster en Arquitectura y Urbanismo en el Berlage Institute de Róterdam. Desde 2003 residen en Madrid y trabajan entre España y Colombia. Camilo García trabajó en zonas marginales en el Taller del Espacio Público de la alcaldía de Peñalosa en Bogotá y en el despacho de Blanca Lleó, Madrid. La obra de Diego Barajas ha sido expuesta en el Historisch Museum de Róterdam, en el Witte de With Centrum voor Hedendaagse Kunst, en Archilab 2004 de Orleáns y en PhotoEspaña 2005. Ha impartido clases y talleres en diversos centros y actualmente desarrolla su doctorado en la Universidad Politécnica de Madrid (UPM). Is an interdisciplinary architecture and urban planning practice formed by Diego Barajas (Bogota, 1975) and Camilo García (Cali, 1973), both of whom graduated as architects from the Universidad de los Andes, Bogota. They each did a Master’s in Architecture and Urbanism at the Berlage Institute (Rotterdam) and have lived since 2003 in Madrid, from where they work between Spain and Colombia. Camilo García worked on marginal areas in the Public Space Workshop of the Peñalosa Mayor’s Office in Bogota. He has also worked in Blanca Lleó’s office in Madrid. Diego Barajas’s work has been shown at the Historisch Museum in Rotterdam, the Witte de With Centrum voor Hedendaagse Kunst, Archilab 2004 in Orleáns and in PhotoEspaña 2005. He has given classes and workshops in different centres and is currently doing his doctorate at the Universidad Politécnica de Madrid (UPM).

Obtuvo el título de arquitecto por la Universidad de Buenos Aires (2000), de la que fue profesor de Morfología y Teoría de la Arquitectura (19992002). Después de haber trabajado en varios despachos de arquitectura, abrió su propio despacho. Entre 2002 y 2004 se establece momentáneamente en Barcelona donde continúa su actividad junto al colectivo Z_van. Actualmente trabaja como editor de la revista UR arquitectura y como arquitecto en Buenos Aires. Qualified as an architect at the Universidad de Buenos Aires (2000), where he gave classes in the Morphology and Theory of Architecture between 1999 and 2002. After working in various architecture offices, he opened his own. Between 2002 and 2004 he settled in Barcelona, where he continued his activities together with collective Z_van. At present he works in Buenos Aires as both an editor of the magazine UR arquitectura and as an architect.

ANDRÉS JAQUE

JPRCR ARQUITECTOS

BENO JUÁREZ

ROZANA MONTIEL

(Madrid, 1971) es arquitecto y profesor de proyectos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM). Ha sido investigador residente de la Alfred Toepfer Stiftung de Hamburgo y profesor invitado en diversos centros académicos. Ha publicado numerosos artículos de crítica en revistas especializadas e impartido conferencias en foros académicos y profesionales españoles e internacionales. Desde 2000 dirige la oficina Andrés Jaque Arquitectos, especializada en proyectos políticamente innovadores. Su obra ha resultado premiada en numerosos concursos, publicada en revistas internacionales y expuesta en el Hellerau Festspielhaus de Dresde, La Casa Encendida de Madrid, la Bienal de Arquitectura de Venecia y la Bienal de Arquitectura Iberoamericana de Lima (2004). (Madrid, 1971) is an architect and teacher of project design at the Madrid Architecture School (ETSAM). He has been a resident researcher at the Alfred Toepfer Stiftung in Hamburg and a visiting professor at different academic centres. He has published numerous critical articles in the specialised press and given lectures at academic and professional gatherings, both Spanish and international. Since 2000 he has run Andrés Jaque Arquitectos, an office specialising in politically innovatory projects. The office has won many prizes, been published in international magazines and shown at the Hellerau Festspielhaus in Dresden, La Casa Encendida in Madrid, the Venice Biennale of Architecture and the Ibero-American Biennial of Architecture in Lima (2004).

Camilo Restrepo (Medellín, 1974) es arquitecto por la Universidad Pontificia Bolivariana. Estudió el máster en urbanismo y cultural urbana Metrópolis de la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Desde el 2000 es profesor de proyectos en la Universidad Pontificia Bolivariana. Es conferenciante en distintas universidades colombianas y profesor invitado en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. J. Paul Restrepo (Medellín, 1944) es arquitecto por la Universidad Pontificia Bolivariana. Colaboró con Gilberto Rodríguez Jaramillo entre 1967 y 1973, para posteriormente establecer su propio estudio. En 2002 funda, junto con Camilo Restrepo, JPRCR arquitectos. Camilo Restrepo (Medellín, 1974) graduated as an architect from the Universidad Pontificia Bolivariana. In Barcelona he did the Metrópolis postgraduate programme in architecture and urban culture at the Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) and the Centre de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB). He has been a teacher of project design at the Universidad Pontificia Bolivariana since 2002 and has lectured at different Colombian universities and been a guest professor at the Pontificia Universidad Javeriana in Bogota. J. Paul Restrepo (Medellín, 1944) graduated as an architect from the Universidad Pontificia Bolivariana. He collaborated with Gilberto Rodríguez Jaramillo between 1967 and 1973, the year in which he set up his own studio, which he left in 2002 to co-found JPRCR arquitectos.

(Lima, 1979) es arquitecto por la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Ingeniería (UNI) de Lima. Movido por el compromiso de atender los desequilibrios que afectan a nuestras ciudades, experimenta con las posibilidades de generar nuevos proyectos urbanos-arquitectónicos basados en principios de autoorganización y dinámicas de sistemas complejos. Colabora en El Rostro de Dios (www.thefaceofgod.amarengo.com), proyecto Combi (www.combi.da.ru), proyecto Perú Max Flow (www. perumaxflow.blogspot.com) y Sim.bio.sis (www.festivalvae.com /10/index.htm). Es investigador y docente en el Centro de Investigación de la Arquitectura y la Ciudad CIAC-PUCP y Gestor del Laboratorio de Procesos Autoorganizados Experimentales–OVO. (Lima, 1979) graduated from the School Architecture of the Universidad Nacional de Ingeniería (UNI) in Lima. Committed to responding to the imbalances that affect our cities, he experiments with the possibilities of generating new urban and architectural projects based on principles of self-organisation and the dynamics of complex systems. He collaborates on El Rostro de Dios (www.thefaceofgod.amarengo.com), the Combi project (www.combi.da.ru), the Peru Max Flow project (www.perumaxflow.blogspot.com) and Sim.bio.sis (www.festivalvae.com/ 10/index.htm). He is a researcher and teacher at the CIAC-PUCP centre of investigation into architecture and the city and manager of the Laboratorio de Procesos Autoorganizados Experimentales–OVO.

(Ciudad de México, 1972) es arquitecta por la Universidad Iberoamericana. Estudió un máster en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB). En 2000 fundó accubo.estudio. arquitectura, y desde entonces es profesora de arquitectura en la Universidad Iberoamericana y en la Anáhuac del Norte. Participa en la IV Bienal Iberoamericana en Lima (2004) y su proyecto fue seleccionado en el concurso de arquitectura efímera del Pabellón de México en la feria ARCO, Madrid. En 2005 participó en la II Bienal Internacional de Arquitectura en Róterdam y en la VI Bienal Internacional de Arquitectura en São Paulo. (Mexico City, 1972) graduated as an architect from the Universidad Iberoamericana. In 1998 she did a Master’s at the Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB). Since 2000, when she founded accubo.estudio. arquitectura, she has taught architecture at the Universidad Iberoamericana and Anáhuac del Norte. She participated in the 4th Ibero-American Biennial of Architecture in Lima (2004) and her project was selected in the Mexican Pavilion’s ephemeral architecture competition in ARCO, Madrid. In 2005 she participated in the 2nd International Biennial of Architecture in Rotterdam and in the 6th São Paulo International Biennial of Architecture.

MOOV

NITSCHE ARQUITETOS ASSOCIADOS

MAX NÚÑEZ / BERNARDO VALDÉS

PEZO VON ELLRICHSHAUSEN ARQUITECTOS

Es un grupo formado por João Calhau (Lisboa, 1978), José Niza (Lisboa, 1978) y António Louro (Lisboa, 1978) que desarrolla su actividad partiendo de la interferencia entre dos entidades superpuestas que comparten el mismo espacio y equipo base, pero con diferentes objetivos y modos operativos. Su campo de trabajo abarca tanto el diseño como la arquitectura o el urbanismo, y se caracteriza por un acercamiento pragmático. Moovlab es un laboratorio de arte y proyecto abierto a todo tipo de colaboraciones interdisciplinarias o proyectos innovadores, y combina proyectos dentro del campo de las instalaciones, el diseño de sonido, imagen y performances con arquitectura y estrategias urbanas. Is a group consisting of João Calhau (Lisbon, 1978), José Niza (Lisbon, 1978) and António Louro (Lisbon, 1978) which undertakes its activity on the basis of the interference between two superimposed entities that share the same space and basic equipment but with different objectives and modi operandi. Its range of work includes design as well as architecture and is characterised by a pragmatic approach. Moovlab is an art and design laboratory open to all kinds of interdisciplinary collaborations or innovatory projects, and combines projects in the field of installations, sound design, image and performances with architecture and urban strategies.

Lua Nitsche (São Paulo, 1972) y Pedro Nitsche (São Paulo, 1972) son arquitectos por la Faculdade de Arquitetura e Urbanismo de la Universidade de São Paulo (FAUUSP). Después de haber trabajado en varios estudios de São Paulo, y motivados por el premio que recibieron por el proyecto de la casa en Barra do Sahy, fundaron su propio estudio en 2002. Lua Nitsche (São Paulo, 1972) and Pedro Nitsche (São Paulo, 1972) graduated as architects from the Architecture and Urbanism School of the Universidade de São Paulo (FAUUSP). After working in various São Paulo studios, and motivated by the prize they received for the design of the house in Barra do Sahy, they founded their own studio in 2002.

Max Núñez (Santiago de Chile, 1976) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde ha estudiado también un máster. Ha trabajado en los despachos de Sebastián Irarrázaval y Guillermo Acuña, y desde 2005 se ha asociado con Nicolás del Río, con quien dirige dRN Arquitectos. Actualmente es profesor del taller de Arquitectura de la Universidad Andrés Bello. Bernardo Valdés (Santiago de Chile, 1975) es arquitecto por la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde ha estudiado también un máster. Ejerce como arquitecto independiente con proyectos e investigaciones que van desde el desarrollo de productos para la construcción hasta proyectos de arquitectura y paisaje. Actualmente es profesor de la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Max Núñez (Santiago, 1976) graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica de Chile, where he also did a Master’s. He has worked in the offices of Sebastián Irarrázaval and Guillermo Acuña, and in 2005 went into partnership with Nicolás del Río, with whom he runs dRN Arquitectos. He is currently workshop professor in Architecture at the Universidad Andrés Bello. Bernardo Valdés (Santiago, 1975) graduated as an architect from the Pontificia Universidad Católica de Chile, where he also did a Master’s. He works as an independent architect on projects and research that extend from the development of building products to architecture and landscape design. He currently teaches in the Pontificia Universidad Católica de Chile’s Architecture School.

Mauricio Pezo es arquitecto por la Universidad del Bío-Bío y estudió un máster en la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 2006 recibió el Premio Promoción Joven del Colegio de Arquitectos de Chile. Sofía von Ellrichshausen es arquitecta de la Universidad de Buenos Aires. En 2002 fue distinguida con el Diploma de Honor Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. La obra de Pezo von Ellrichshausen Arquitectos ha sido seleccionada para la Bienal Iberoamericana de Arquitectura de Lima (2004) y de Montevideo (2006), la Bienal de Arquitectura de Chile (Santiago de Chile, 2004 y 2006), las exposiciones Frontis para la Bienal de Arquitectura de Venecia (2004) en representación de Chile, exposición; 20 jóvenes arquitectos chilenos en la Maison de l´Architecture (París, 2005); y Casa granturismo de Portugal (Silves, 2005). Mauricio Pezo graduated as an architect from the Universidad del Bío-Bío and did a Master’s at the Pontificia Universidad Católica de Chile. In 2006 he received the Premio Promoción Joven from the Colegio de Arquitectos de Chile. Sofía von Ellrichshausen graduated as an architect from the Buenos Aires University. In 2002 she was awarded the Buenos Aires University’s Architecture, Design and Urbanism Faculty’s Diploma of Honour. Their work has been selected for the Ibero-American Biennial of Architecture in Lima (2004) and in Montevideo (2006), the Bienal de Arquitectura de Chile (Santiago, 2004 and 2006), the Chilean exhibition Frontis for the Venice Biennale of Architecture (2004), the exhibition 20 jóvenes arquitectos chilenos (20 young Chilean architects) at the Maison de l´Architecture (Paris, 2005) and the exhibition Casa granturismo in Portugal (Silves, 2005).

MATÍAS PINTÓ / MATEO PINTÓ

PLANB

PROCTER-RIHL

ANA RASCOVSKY

Matías Pintó (1973) y Mateo Pintó (1975) son arquitectos por la Universidad Central de Venezuela. Su estudio integra disciplinas como el urbanismo, el arte y el diseño, en proyectos, obras y exposiciones de distinta índole. Matías es el autor del Pabellón de Venezuela en la Exposición Internacional de Lisboa (1998), y Mateo ganó el premio de la sección nórdica en el concurso Viviendas Urbanas para el Siglo XXI de la UIA de Pekín (1999). Desde 1999 trabajan en su estudio participando en Proyectos Piloto de Rehabilitación Urbana comisionados por el Estado de Venezuela, donde han desarrollado proyectos de infraestructura y servicios, y de vivienda social. Matías Pintó (1973) and Mateo Pintó (1975) are graduate architects of the Universidad Central de Venezuela. Their studio integrates disciplines like urbanism, art and design in projects, works and exhibitions of different kinds. Matías was the creator of the Venezuelan Pavilion at the Lisbon International Exhibition (1998) and Mateo won the Nordic section prize in the Beijing UIA’s Urban Housing for the 21st Century competition (1999). Since 1999 they have worked in their studio, participating in the pilot urban rehabilitation schemes set up by the State of Venezuela, where they have developed infrastructure and service projects and designs for social housing.

Estudio fundado en el año 2000 por Alejandro Bernal y Felipe Mesa. Alejandro Bernal (Medellín, 1973) es arquitecto por la Universidad Pontificia Bolivariana y realizó un máster en la Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelona (UPC). Entre 2002 y 2005 fue profesor de proyectos en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Pontificia Bolivariana, y profesor de proyectos de fin de carrera de la Colegiatura Colombiana de Diseño. Felipe Mesa (Medellín, 1975) es arquitecto por la Universidad Pontificia Bolivariana y realizó un máster en la Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelona (UPC). Desde 1999 es profesor de teoría y proyectos en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Pontificia Bolivariana. Studio founded in 2000 by Alejandro Bernal and Felipe Mesa. Alejandro Bernal (Medellín, 1973) graduated as an architect from the Universidad Pontificia Bolivariana and did a Master’s at the Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelona (UPC). Between 2002 and 2005 he taught project design in the Architecture School of the Universidad Pontificia Bolivariana and final-year project design at the Colegiatura Colombiana de Diseño. Felipe Mesa (Medellín, 1975) graduated as an architect from the Pontificia Bolivariana and did a Master’s at the Universitat Politècnica de Catalunya, Barcelona (UPC). Since 1999 he has taught theory and project design in the Architecture School of the Universidad Pontificia Bolivariana.

Christopher Procter (Filadelfia, 1958) estudió en la Architectural Association de Londres y en la Carnegie-Mellon University, Estados Unidos, realizando prácticas en Japón y con Paolo Soleri en Arcosanti. Tras haber construido varias casas solares en Estados Unidos y haber trabajado en diversos estudios de arquitectura, en 1995 se asoció con Fernando Rihl Fernando Rihl (Poa, 1962) estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres y en la Universidade Federal do Rio Grande do Sul (Brasil). Cursó dos másters sobre temas de vivienda y medio ambiente y realizó su doctorado sobre luz natural. Actualmente es profesor en el Chelsea College of Art and Design de Londres y tutor invitado en la Oxford Brookes University. Christopher Procter (Philadelphia, 1958) studied at the Architectural Association in London and at Carnegie-Mellon University in Pittsburg, and did his practical training in Japan and with Paolo Soleri in Arcosanti. After constructing various solar houses in the States and working in different architecture studios, in 1995 he went into partnership with Fernando Rihl (Poa, 1962). Rihl studied architecture at the Architectural Association in London and the Universidade Federal do Rio Grande do Sul. He won first prize for the best architectural student in Brazil in 1989. He did two Master’s on housing and the environment and did his doctorate on natural light. He is currently Senior Lecturer at Chelsea College of Art and Design and a guest tutor at Oxford Brookes University.

(Buenos Aires, 1972) es arquitecta por la Universidad de Buenos Aires. Entre el 2000 y 2002 realizó estudios de posgrado en el máster de arquitectura del Berlage Institute (Róterdam) y en la Escuela de Arquitectura de Versalles (Francia). Ha trabajado en varios despachos de arquitectura de Buenos Aires y Holanda, y como asesora permanente en planeamiento urbano para el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente comparte labor profesional con Irene Joselevich. Ha sido profesora en la Universidad de Buenos Aires e invitada en varias universidades de Latinoamérica. Colabora en diversas publicaciones latinoamericanas y holandesas. Es miembro fundador de los colectivos Supersudaca y Cartonita. (Buenos Aires, 1972) graduated as an architect from the Universidad de Buenos Aires. Between 2000 and 2002 she did a Master’s in Architecture at the Berlage Institute (Rotterdam) and at the École d’Architecture in Versailles, France. She has worked in various architecture offices in Buenos Aires and The Netherlands and as a permanent adviser in Urban Planning for the Government of the City of Buenos Aires. At present she shares a professional practice with Irene Joselevich. She has been a teacher at the Universidad de Buenos Aires and a visiting professor at various universities in Latin America and writes for different Latin-American and Dutch publications. She is a founder-member of Supersudaca and Cartonita collectives.

ALEXIS ROCHAS

MICHEL ROJKIND

TOMÁS SARACENO

SUPERSUDACA

(Buenos Aires, 1974) es el fundador de I/O, una práctica de arquitectura centrada en metodologías arquitectónicas de fuente abierta, y fundada sobre el desarrollo de tecnologías activas de construcción y dinámicas de desarrollo. Su trabajo reciente incluye el proyecto Aeromads, un sistema arquitectónico adaptativo que combina presión de aire y textiles inteligentes de alta resistencia como solución tectónica para estructuras autoportantes de masa mínima. Desde 2003 es profesor en SCI-Arc, donde ha liderado una serie de proyectos comunitarios que incluyen: FAB mercado temporal de artes, el prototipo LINC para la creación de espacios comunitarios, el tratamiento acústico de la sala de conferencias de SCI-Arc, y el pabellón de las sombras de LAMP Community. Ha recibido, entre otros premios, City of Los Angeles Design Award (2004), New York Society of Architects (2002) y M. W. Del Gaudio Award for Excellence in Total Design. (Buenos Aires, 1974) is the founder of I/O, an architecture practice focusing on open-source architectonic methodologies through the development of dynamic technologies and implementation processes. His recent work includes the Aeromads project, an adaptive architectural system combining air pressure and high-strength intelligent fabrics as a tectonic solution to self-bearing structures of minimal mass. Since 2003 he has taught at SCI-Arc, where he has headed a series of community outreach projects, including the FAB Arts Market Temporary Gallery, the LINC prototype for the creation of community spaces; the acoustic treatment of the SCI-Arc lecture hall; and the LAMP Community’s Sun Shelter Pavilion. Among other prizes, he has received the City of Los Angeles Design Award (2004), the New York Society of Architects (2002) and M. W. Del Gaudio Award for Excellence in Total Design.

(Ciudad de México, 1969) es arquitecto por la Universidad Iberoamericana de México. Después de trabajar por su cuenta durante unos años, se asoció con Isaac Broid y Miquel Adrià para fundar el estudio Adrià+Broid+Rojkind (19982002). En 2002 fundó rojkind arquitectos y en 2004, junto a Arturo Ortiz, Derek Dellekamp y Tatiana Bilbao, el MXDF Urban Research Center, cuyo objetivo es intervenir en áreas específicas del desarrollo urbano para modificar la producción del espacio urbano en México mediante el estudio sistemático de las condiciones sociales, políticas, medioambientales, globales y culturales. (Mexico City, 1969) graduated as an architect from Universidad Iberoamericana. After working for himself for several years he went into partnership with Broid and Miquel Adrià and founded the studio Adrià+Broid+Rojkind (1998-2002). In 2002 he founded rojkind arquitectos and in 2004, along with Arturo Ortiz, Derek Dellekamp and Tatiana Bilbao, the MXDF Urban Research Center, with the aim of intervening in specific areas of urban development by modifying the production of urban space in Mexico through the systematic study of social, political, environmental, global and cultural conditions.

(1973) vive en Fráncfort. Ha realizado exposiciones individuales en Buenos Aires (1998 y 2000), Inmigration en la Kaiserlautern Universität (2003) y en la Pinksummer Gallery de Génova (2004), además de exposiciones colectivas como Buenos días Santiago: una exposición como expedición (curateur attitudes), Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile (2005), en la I Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú y en Here we come, Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn (2003). Recientemente ha sido invitado por la Agencia Espacial Europea para hablar sobre las posibilidades de interacción ente artistas y la estación espacial internacional. (1973) lives in Frankfurt. He has had individual exhibitions in Buenos Aires (1998 and 2000), In-migration at the Kaiserlautern Universität (2003) and Pinksummer Gallery in Genoa (2004), and exhibited in group shows like Buenos días Santiago: una exposición como expedición (curateur attitudes) (Good day Santiago: an exhibition as an expedition (curator attitudes) ), Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2005); the 1st Contemporary Art Biennial in Moscow; and Here we come, Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn (2003). He has recently been invited by the European Space Agency to speak on the possibilities of interaction between artists and the international space station.

Supersudaca se fundó en Róterdam en 2001; actualmente está formado por Elena Chevtchenko (Ucrania), Juan Pablo Corvalán (Chile), Martín Delgado (Uruguay), Victoria Goldstein (Argentina), Pablo Guerrero (Colombia), Félix Madrazo (México), Ana Rascovsky (Argentina), Manuel de Rivero (Perú), Sofía Saavedra (Bolivia), Juan Alfonso Zapata (República Dominicana) y Max Zolkwer (Argentina). Supersudaca cree que es posible mejorar el entorno urbano latinoamericano por medio de más investigación, más acciones directas, más talleres, más concursos y, sobre todo, más intercambio entre los muy mal comunicados arquitectos latinoamericanos. Sus principales temas de interés han sido la descentralización territorial, las acciones urbanas, la vivienda social y el turismo “todo incluido”. Supersudaca ha recibido premios en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura de Lima (2004) y en la Bienal Internacional de Arquitectura de Róterdam (2005). Supersudaca was founded in Rotterdam in 2001 and currently consists of Elena Chevtchenko (the Ukraine), Juan Pablo Corvalán (Chile), Martín Delgado (Uruguay), Victoria Goldstein (Argentina), Pablo Guerrero (Colombia), Félix Madrazo (Mexico), Ana Rascovsky (Argentina), Manuel de Rivero (Peru), Sofía Saavedra (Bolivia), Juan Alfonso Zapata (the Dominican Republic) and Max Zolkwer (Argentina). Supersudaca believes it is possible to improve the Latin-American urban environment through more research, more direct action, more workshops, more competitions and above all more exchanges between the very badly connected architects of Latin America. Its main areas of interest have been territorial decentralisation, urban actions, social housing and “all-inclusive” tourism. Supersudaca has received prizes at the Ibero-American Biennial of Architecture in Lima (2004) and the International Biennial of Architecture in Rotterdam (2005).

144

UNA ARQUITETOS

COOPERATIVA URO1.ORG

Despacho fundado en 1996 por cuatro arquitectos titulados por la Faculdade de Arquitectura y Urbanismo de la Universidade de São Paulo (FAUUSP): Cristiane Muniz (São Paulo, 1970), Fábio Valentim (São Paulo, 1970), Fernanda Barbara (São Paulo, 1967) y Fernando Viégas (São Paulo, 1971). Realizaron el Pabellón de Brasil en las IX Bienal de Arquitectura de Venecia (2004) y el pabellón del Arsenalle para la X Bienal. Su obra recibió un premio en la V Bienal de Arquitectura de São Paulo (2003) y han sido finalistas en la V Bienal Iberoamericana de Montevideo (2006). Studio founded in 1996 by architects who graduated from the Architecture and Urbanism School of the Universidade de São Paulo (FAUUSP): Cristiane Muniz (São Paulo, 1970), Fábio Valentim (São Paulo, 1970), Fernanda Barbara (São Paulo, 1967) and Fernando Viégas (São Paulo, 1971). They created the Brazilian Pavilion for the 11th Venice Biennale of Architecture (2004) and the Arsenalle pavilion for the 10th Biennale. Their work received a prize at the 5th São Paulo Biennial of Architecture (2003) and they have been finalists at the 5th Ibero-American Biennial in Montevideo (2006).

La Cooperativa uro1.org fue fundada en 2002 y está formada por Fernando Portal Carrasco, Nicolás Rebolledo Bustamante, Gabriel Rudolphy Leyton, Alejandro Soffia Vega, Arturo Torres Cortés y Luis Rebolledo. Su obra ha sido seleccionada dentro del Panorama Emergente Latinoamericano en la III Bienal Iberoamericana de Arquitectura e Ingeniería de Chile (2002), las Bienales de Arquitectura XIII, XIV y XV de Chile (2002, 2004 y 2006, respectivamente) y la IX Bienal de Arquitectura de Venecia (2004). Sus objetivos son la formulación y el desarrollo de ideas materializables en proyectos y negocios innovadores, entendiendo su desarrollo como un cruce de variables de diversa índole que considera un desafío intelectual, un planteamiento político, una visión de negocios, una gestión eficiente, y que asume un desarrollo arquitectónico cuyo fin es provocar estos procesos de transformación. Cooperativa uro1.org was founded in 2002 and consists of Fernando Portal Carrasco, Nicolás Rebolledo Bustamante, Gabriel Rudolphy Leyton, Alejandro Soffia Vega, Arturo Torres Cortés and Luis Rebolledo. Its work has been selected as part of the Emerging Latin-American Scene for the 3rd Ibero-American Biennial of Architecture and Engineering in Chile (2002), the 13th, 14th and 15th Architecture Biennal in Chilean (2002, 2004 and 2006, respectively) and the 9th Venice Biennale of Architecture (2004). Its objectives are the formulation and development of ideas embodied in innovatory projects and businesses, their development being understood as the intersection of variables of different kinds posited as an intellectual challenge, a political precept, a vision of business and an efficient form of management, and which assumes an architectonic expression whose end is to provoke those processes of change.