00 Edition - June 2020
photos that make noise!
www.noisemag.com
n.
00 Edition - June 2020
For the photos that make noise! Es una revista de divulgación artística, enfocada a la fotografía. Aprende las técnicas de mano de los maestros de industria y usa este espacio para mostrar tus mejores tomas. send your submissions at INFO@NOISEMAG.COM
n.
contents Cover Feature. pag. 1 - pag. 2
Spotlight. pag. 3 - pag. 10
Master Class. pag. 11 - pag. 20
Behind The Scene. pag. 21 - pag. 30
Submissions. pag. 31 - pag. 34
Credits. pag. 35 -pag 36
1.
“Turn Off The Lights” nuestra portada #00
L a comunidad de Noise Magazine está repleta de buena visión y talento. Todos los días estamos al pendiente del trabajo de todos nuestras submisiones, bucando las mejores imágenes para presentar en nuestra “Cover feature” o simplemente para admirar su talento y proezas técnicas. En este 2020, estaremos destacando las mejores imagenes y fotógrafos de nuestra comunidad cada mes, cuyo portafolio represente un logro fotográfico estelar y un alto nivel de participación dentro de la comunidad de Noise Magazine.
¡La portada de nuestra edición #00 es la pieza titulada “Turn Off The Lights” por el fotográfo Tony Soto! Su trabajo es notable por el uso de luz continua. La toma fue lograda usando una sola luz led, con geles de color, con un lente a 35mm y una abertura cerrada de F5. Asegúrate de revisar nuestras tomas favoritas de su trabajo en nuestra sección de Spotlight. pag 4. Tony ahora forma parte de los seleccionados a mejor imagen del año para nuestra eidición anual. Puedes votar por tu foto favorita en nuestro sitio web, www.NoiseMag.com.
¿Cómo ser elegido? Recuerde, en 2020, presentaremos un fotógrafo elegido de la comunidad cada mes. Al final del año, el fotógrafo de la comunidad de Noise del año será elegido entre los 12 ganadores mensuales, y el ganador general recibirá un tutorial de su elección en la tienda de Noise Masters. ¡Asegúrate de compartir tus fotos en la comunidad de Noise Magazine, en nuestro sitio web, redes sociales y nuestro correo!
send your submissions at INFO@NOISEMAG.COM
SPOTLIGHT.
Redacción de textos y fotografía por Rodrigo A. Ramírez
3.
4.
el que lo inició todo
Tony Soto nuestro fotógrafo destacado
Comenzamos nuestro primer rodaje con el trabajo destacado de parte de uno de los miembros fundadores de la revista Noise.
Tony Soto también conocido como “La Oveja Negra” o “Black Sheep” por sus compañeros de rubro. Es un joven estudiante y emprendedor, en su cuarto año de la licenciatura en comunicaciones se ha destacado en el área de la producción audiovisual y por supuesto en la fotografía. La pasión por la fotografía motiva el deseo de crear un espacio para jóvenes fotógrafos y artistas que empiezan en sus primeros pasos y buscan destacar dentro del mercado. Tony forma este proyecto para compartir conocimiento y experiencias en una comunidad de artistas con un mismo nivel de apreciación al arte y pasión por lo que hacen. Su trabajo se ha diversificado en distintas técnicas y estilos, sin mencionar su paso por la videografía, pero donde su estilo mayormente destaca y el género que él más disfruta son los retratos artísticos. Trabajando principalmente con modelos no profesionales, sus amigos y amigas, prefiere el uso de la luz continua y natural por encima de los flashes electrónicos o luces de estudio. Irónicamente, Rodrigo comenzó su carrera con la videografía y explica que en un principio odiaba o al menos no lograba entender la fotografía. “Siempre me gustó contar historias y simplemente me pareció que con la fotografía eso no se hacía. Me paercía que la fotografía solo se trataba de encontrar una historia y estar ahí para capturarla, nunca se me había ocurrido la posibildad que pudiese contar una historia con una sola imagen. Cuando me di cuenta de lo contrario, no hubo vuelta atrás.” No dejes de ver nuestras tomas favoritas de Tony Soto y si quieres dar una ojeada al trabajo completo puedes visitar su portafolio en línea con el enlace https://www.behance.net/blacksheepsv o puedes seguir su trabajo en redes sociales con su cuenta de Instagram @BlackSheep.Img
SPOTLIGHT.
1.
¿Cómo fue tu primera fotografía? Fue un foco incandescente en una gasolinera por la tarde. Tomé la foto con un celular pero recuerdo que el enfoque fue manual por lo que siempre me gustó.
2.
¿Qué fotógrafos te inspiran?
Todos pasan por su etapa de amor hacia Henri Cartier Bresson, pero el trabajo de Mark Seliger en los Vanity Fair es el tipo de tomas que me encantaría hacer.
3.
¿Qué técnica se te dificulta más?
4.
¿Cuál ha sido tu peor experiencia?
5.
¿Cuál ha sido tu fotografía favorita?
Los eventos, muchos fotógrafos hacen dinero así, pero yo no lo haría ni con paga. No logró conseguir tomas que me agraden cuando se trata de eventos.
Una vez durante una de mis clases de fotografía, le enseñaba a uno de mis compañero un telefoto que me habían prestado. Lo tomé mal y se me cayó, lo quebré y tuve que pagar unos 100$.
Mi foto favorita es un retrato que tomé a una persona sobre la que ya no sé qué pensar, de hecho no creo que la muestre al público en un largo tiempo. Quizás nunca.
Fotografía por Rafael Jacobo
Parte de conocer a un artista es conocer aquello que lo inspira, sus primeros
errores y grandes aciertos, saber de dónde roba sus ideas y las razones por las que hacen lo que hacen y quizas hasta aprendamos a hacerlo tan bien como ellos. Puedes encontrar la primera fotografía del trabajo de Tony en su cuenta personal de instagram, donde comparte todas sus piezas acompañadas de las experiancias únicas que las acompañan. Mark Seliger es un fotógrafo estadounidense que comenzó a trabajar para la revista Rolling Stone en 1987, y se desempeñó como fotógrafo principal de 1992 a 2002 y realizó más de 100 portadas para la revista. A partir de 2010, Seliger vive en la ciudad de Nueva York y trabaja para Conde Nast Publications. Ha tomado varias portadas para GQ y Vanity Fair. La fotografía de eventos es la práctica de fotografiar invitados y eventos en cualquier celebración u ocasión en la que se pueda contratar a un fotógrafo. Esta es una cobertura que se usa en todo el mundo en ocasiones como bodas, bautizos, ceremonias de nombres, fiestas, cumpleaños, formales, bailes, ceremonias, ceremonias de premiación, funerales, comidas y compromisos. Los teleobjetivos son caros y si tiene uno destinado a una cámara SLR más antigua, puede considerar usarlo con su DSLR. Mi experiencia es que esto es factible, pero hay algunos problemas críticos con los que tiene que lidiar. Las cámaras DSLR contemporáneas son poco amigables con las lentes más antiguas por diferentes razones, como la distancia del sensor de la lente, el mecanismo de montaje o incluso el software de la cámara. Es importante montar la lente vieja en la cámara a la distancia precisa sin dañar las partes internas. Los artistas a veces tienen que preguntarse porqué o para quién son las piezas que hacen. Muchas veces puede parecer que sus obras deben ser unicamente para el goze de su público y que por esto se deben a ellos, pero entender que como todo artista empieza es haciendo obras para su propio disfrute. Es respetable que un fotógrafo no quiera revelar una foto al público.
6.
SPOTLIGHT.
Redacción por Tony Soto
Cómo posar personas normales para grandes retratos Consejos de un fotógrafo
¿Qué haces cuando tu sujeto no es un modelo experimentado? Dáles muchos ánimos y demuéstrales las poses que tienes en mente. Mi consejo favorito es uno que siempre he utilizado: traer un altavoz portátil para reproducir música y crear algo de ambiente. Es una idea que parece sencilla pero es increíble los resultados que puedes obtener haciendo esto, haz que tu modelo baile al ritmo de la música, mantendrás a tus modelos relajados y quizás hasta puedas obtener unas buenas tomas de ellos en movimiento. Otras sugerencias son muy prácticas y fáciles de seguir. Usualmente yo guío a los modelos para mostrarle con mi propio cuerpo lo que me gustaría que hicieran. Siempre es más fácil reflejar a alguien que tratar de imaginar una pose. Algo que puedes hacer, que no solo ayudará a tus modelos sino que también hara de tu trabajo mucho más creativo y te ayudará a componer mejores imágenes. Haz que interpreten un personaje o incluso una situación; no importa si solo es una foto simple de una chica en un banco, dile que actue como si fuese la amante esperando a su amado sin saber si él siquiera llegará. Aunque no tengas un actor nominado a los Oscar’s frente a tu lente, con indicaciones claras y sencillas obtendrás muy buenas tomas.
7.
Creo que no hace falta que lo diga, pero, habla con tu modelo. Este paso es especialmente importante si nunca antes conociste a tu modelo o si no los conoces muy bien. Conócelos y pregúntales cómo fue su día. Habla sobre lo que han estado haciendo la semana anterior o dónde han estado de vacaciones, cualquier cosa para que la conversación se mueva y puedan relajarse. Este último puede ser difícil para algunos pero hará una gran diferencia para tus modelos y realmente no es tan complejo acostumbrarse. Dispárales sin usar el visor. El contacto visual con tu modelo es brillante para que se sientan cómodos. Poner una cámara y lente grande y aterradora entre usted y ellos es una buena manera de hacerlos sentir como un conejo a la luz de los faros. Coloque su cámara en un trípode y use la visualización en vivo o la conexión a una computadora portátil para que no tenga que mirar por el visor. De esa forma, puede mantener las manos en la cámara y disparar, y el enfoque permanecerá en el punto correcto mientras el modelo no se mueva mucho.
Cómo un último consejo que te daría tu madre. Toma un descanso entre tomas. Los descansos de cinco minutos aquí y allá permitirán que su modelo baje la guardia, para que no sientan que están actuando constantemente. Poco a poco, a medida que se mueven entre disparar y relajarse, se darán cuenta de que no hay nada de aterrador en la sesión de fotos, y el resto del tiempo que pasen juntos será mucho más fácil.
¿Cuáles son algunas de tus formas favoritas de relajar a las personas frente a la cámara? ¿Quizás descubriste que el heavy metal realmente ayuda? ¡Haz el intento y muestra lo que tienes a la comunidad de Noise Magazine!
Estas son solo algunas de las técnicas que uso en mis trabajos para ayudar a las modelos (en muchos casos amigas mías) nerviosas o tímidas a relajarse durante nuestras sesiones de fotos, pero quiero escuchar lo que tienes que decir.
8.
9. SPOTLIGHT.
10. La gran fotógrafa Annie Leibovitz, una vez dijo “Deberías fotografiar a las personas cercanas a ti, tu familia, tus amigos, ellos no saben cómo posar frente a una cámara ; obtendrás los momentos más reales de ésta forma.” Realmente creo en lo que ella dice, trabajar con modelos profesionales acelera tu trabajo pero no todos tenemos el lujo de pagar a una (menos para los que están empezando) y parte del aprendizaje se trata de esto. Trabajar con lo que tenemos a mano. Que no tienes cámara, practica con tu celular; que no tengo un flash, usa el sol o róbate una lámpara de tu mesa de noche.
La gran fotógrafa Annie Leibovitz, una vez dijo “Deberías fotografiar a las personas cercanas a ti, tu familia, tus amigos, ellos no saben cómo posar frente a una cámara ; obtendrás los momentos más reales de ésta forma.” Realmente creo en lo que ella dice, trabajar con modelos profesionales acelera tu trabajo pero no todos tenemos el lujo de pagar a una (menos para los que están empezando) y parte del aprendizaje se trata de esto. Trabajar con lo que tenemos a mano. Que no tienes cámara, practica con tu celular; que no tengo un flash, usa el sol o róbate una lámpara de tu mesa de noche.
MASTERCLASS.
Cada mes nos ponemos en contacto con un maestro de la industria dentro de la comunidad de Noise Magazine. Brindamos un espacio para que estos personajes compartan sus conocimientos.
En esta edición nos acompaña, Luis Escalante, fotoperiodista, activista social, publicista, emprendedor y CEO de una de las revistas digitales más grandes en el país, Sivar Media Magazine. 11.
Redacción de textos y fotografía por Rodrigo A. Ramírez
12.
Por su parte cómo @manifestartecartel practica el artivismo, pequeñas protestas con arte. Él solo, un cartel y acompañado de un pensamiento en voz alta se dirige a las calles de San Salvador a decir cosas que quizás alguna vez hayamos pensado tú y yo. Comienza como publicista trabajando para grandes de la industria como Ogilvy Pub. En 2015 deja la publicidad y funda Sivar Media Magazine, para potenciar el talento salvadoreño.
Su trabajo fotográfico se destaca en el género fotoperiodístico, a blanco y negro haciéndo enfasis en la fotografía analoga. Con él discutiremos el lugar del rollo en la modernidad y aprender a apreciar esta bella técnica perdida.
13.
Ocasionalmente, nuestras fotografías
tienen el privilegio de ser impresas, pero considerando la mayoría de las imágenes, esto es una anomalía. Aunque es capaz de imbuir una fotografía con cualidades deseables, el proceso de impresión en sí es inherentemente de reproducción, lo que requiere compromisos incorporados para la representación más aceptable del archivo digital; Una traducción de una traducción. Esta es la realidad para todos excepto un tipo de fotografía muy especial: el positivo directo.
MASTERCLASS.
Redacción por Luis Escalante
Una introspectiva al rollo
Recientemente compré una Mint RF70, una
cámara totalmente manual diseñada para aceptar la película Instax Wide de Fuji. Después de capturar algunas imágenes con él en los últimos días, recuerdo por qué amo tanto la película instantánea. Sí, es mágico ver cómo se desarrolla una impresión frente a ti, pero eso no tiene nada que ver con por qué la película instantánea es tan excepcional. Para la mayoría de nuestras fotos, su lugar de descanso final es un disco duro. Existen como datos para ser vistos en una pantalla. Pueden reproducirse sin perjuicio, compartirse y dispersarse a voluntad. Las características estéticas repetibles se pueden aplicar con el clic de un mouse. La película instantánea produce algo único, literalmente. Cada fotografía es un verdadero original. Único en su clase. Esta es la antítesis de la fotografía en formato digital. No puede haber otros como este por definición. Cada fotografía es una edición de 1.
Debido a que cada foto es un original único, significa algo para regalar. Si una persona lo posee, otra persona no lo posee. Esta escasez da el valor de impresión independiente de su propósito como una obra de arte o un recuerdo sentimental. Para ser plenamente apreciado, una impresión instantánea debe verse en persona al estar presente con el objeto físico. Esta fisicalidad es significativa. Se puede sostener, entregar, dar vuelta y ver en ángulo. Tiene una superficie. Es un hecho no trivial que una fotografía, en su forma verdadera y original, se puede tener en la mano. Esto también da sentido a quién era el fotógrafo, ya que en realidad tocaron la fotografía con las manos. Da sentido a dónde se tomó la fotografía, ya que la fotografía entró en existencia en ese lugar.
Y luego está la estética. Al igual que en las películas negativas y de diapositivas, la fórmula de las emulsiones juega un papel importante en la apariencia. La edad de la película también juega un papel importante. La cámara utilizada también contribuye significativamente a la apariencia. Según la técnica de procesamiento, las lentes disponibles o si las fugas de luz golpean la película intencionalmente o no. Cualquier rasgo que tenga la impresión final debe atribuirse físicamente en el momento de la captura. Incluso el marco alrededor de la impresión que alguna vez contuvo su emulsión es parte del producto final, separando perfectamente la imagen de su entorno tridimensional. Son estas características las que me hacen valorar la fotografía instantánea y otros procesos que producen un positivo directo. Sus cualidades son innegables, aunque su apreciación es ciertamente subjetiva. Para mí, es refrescante ver un tipo de creación de imágenes que está separado de la hiper, práctica clínica de la fotografía digital. Si me presentaran un archivo digital y una impresión original positiva directa de la misma imagen, como una obra de arte, le daría un mayor valor monetario y emocional a la impresión instantánea, y la elección sería simple. Además, ver cómo se desarrolla la imagen frente a ti es un sentimiento inigualable.
14.
15.
MASTERCLASS.
Redacción por Luis Escalante
a escritura está en la pared para fotografía de cine. Es un juego de suma cero con un solo resultado final: la extinción de la fotografía cinematográfica. Tal vez algo va a cambiar eso, pero lo dudo. Hay tres tipos de fotógrafos de cine: los que han estado en el juego antes de que existiera la tecnología digital, los que se dedicaron a filmar películas en un mundo después de que las cámaras digitales se volvieron omnipresentes, y los que aún no lo han probado pero lo harán en el futuro. Para muchos fotógrafos jóvenes, independientemente de su experiencia, tienen al menos una experiencia de un fotógrafo mayor hablando de manera condescendiente con ellos para filmar películas. Esto me deja boquiabierto. Mi experiencia personal con un fotógrafo mayor de la variedad curmudgeon fue con el hombre que poseía y dirigía el único lugar de procesamiento de películas en la ciudad que haría una de dos cosas cada vez que lo viera. Primero, me decía que no entendía por qué filmaría una película, que no tenía sentido y que debía parar. O, si no estaba tratando activamente de desanimarme de filmar películas, estaba tratando de venderme más películas de las que necesitaba o venderme una de sus propias cámaras. Fue la yuxtaposición más extraña. No quería que filmara películas por razones egoístas, pero, de nuevo, tenía un interés particular en mí para continuar filmando y usando su laboratorio para procesar mi película. Llegué a un punto en el que hice un esfuerzo para visitar la tienda solo cuando el propietario no estaba allí.
16.
Un juego perdido. s simple. Para cada equipo que juega un “juego”, las victorias están perfectamente equilibradas con las pérdidas. En su forma más simple, hay dos equipos. Independientemente de la cantidad por la que el equipo A comience a ganar, el equipo B comenzará a perder, así como funcionan los juegos. En un juego de suma cero, sin embargo, lo que sube debe bajar y las victorias del equipo A equivalen a las pérdidas. Antes de que todo esté dicho y hecho, todas las victorias junto con todas las pérdidas suman cero. Dentro del mundo de los fotógrafos de cine, la forma en que lo pienso es que hay personas que han estado filmando películas por un tiempo (equipo A) y luego aquellos que solo recientemente se han metido en el cine junto con aquellos que aún no lo han hecho. entrar, pero lo hará en algún momento en el futuro (equipo B). El equipo A incluye a personas que recuerdan cuando el precio de un Contax T2, o Hasselblad 500CM, o Mamiya 7, o cualquier otra cámara que era solo una fracción de su precio actual hace solo unos años en comparación con el valor de mercado actual.
Y luego está el equipo B, aquellos que solo conocen el precio actual o lo sabrán de esta manera cuando comiencen a filmar películas. La principal pérdida para el equipo A es obviamente el fuerte aumento de los precios de las cámaras. Puede ser frustrante, lo sé. Como sabrá por el artículo sobre mi adquisición más reciente de formato medio, la Fujifilm GA645, el precio de esa cámara hace solo un par de años era cientos de dólares menos que la tarifa actual. Me resultó particularmente difícil desembolsar cientos de dólares más de lo que alguien hizo solo dos años por la misma cámara. Excepto no por la misma cámara, sino más bien una cámara dos años más cerca de romperse.
Como
Las mejores y las peores.
MASTERCLASS.
Para aquellos que no están familiarizados, el gato de Schrodinger es una referencia a un experimento mental de la década de 1940. En dicho experimento mental, se coloca un gato en una caja sellada y completamente opaca junto con veneno radiactivo. En cierto punto, es posible que el gato haya sido envenenado y ya no esté vivo, pero hasta que alguien abra la caja para averiguarlo, no hay forma de saberlo.
Redacción por Luis Escalante Al igual que el famoso experimento de pensamiento del gato de Schrodinger, ciertas facetas de la película son sus mejores y peores cualidades, y no lo sabrá hasta que su película sea procesada.
17.
tal, el gato está vivo y muerto simultáneamente y permanece en esos dos estados en paralelo hasta que alguien abre la caja, y los dos posibles resultados / realidades convergen en una realidad. Si usted es físico, perdone mi comprensión plebeya. Si no eres físico, espero que hayas encontrado útil mi explicación demasiado simplista de este experimento mental. Dejando a un lado la física, el concepto del gato de Schrodinger es muy aplicable a la fotografía cinematográfica. Para aquellos que nunca han filmado o tienen experiencias mínimas, la demora entre exponer la película y ver la imagen desarrollada puede ser la parte más aterradora o peor de la filmación. De esta manera, diría que la fotografía de la película expuesta pero aún no desarrollada es tan buena o mejor de lo que esperaba y no tan buena como esperaba. Para aquellos con experiencia, es probable que sepan exactamente
cómo es fotografiar un cuadro y se va con la sensación de que estuvo bien expuesto con un excelente encuadre y tonos perfectos solo en algún momento por temor a que el disparo esté muy por debajo / sobreexpuesto, mal enmarcado o con cambios de color extraños. A medida que avanza el experimento mental, estos estados existen simultáneamente hasta que la película se desarrolla y se ve por primera vez. El procedimiento de exponer un cuadro y luego, en algún momento en el futuro, tener la película de-
sarrollada y vista en una mesa de luz no me molesta. No sé si molesta a la mayoría de los fotógrafos de cine, ya que viene con el territorio. Se espera que haya algún retraso en el proceso. Eso no quiere decir que, en algunas circunstancias, no deje mi C-41 el mismo día que lo filmé ni procese mi blanco y negro la misma noche que lo filmé; Solo digo que no es típico. En el momento de escribir este artículo, he estado creando una colección de E-6 para el proces-
amiento que inevitablemente tendré que enviar por correo. Aún así, ha estado sentado aquí durante algunas semanas y es probable que no se envíe por correo durante un mes más o menos hasta que la situación del coronavirus haya desaparecido. Para la película de diapositivas, en particular, tengo grandes esperanzas de que la película esté correctamente expuesta y los colores
se vean hermosos. Sin embargo, no lo sabré hasta que recupere la película, y dada la tendencia a que la película deslizante se explote en un abrir y cerrar de ojos, las tomas arruinadas son completamente posibles. Si crees que esto me vuelve loco, me imagino que es porque no filmas películas. De ahí viene una paciencia que no se puede enseñar a disparar digitalmente. No digo que sea algo bueno o malo, solo que son diferentes.
Incluso diría que hay una belleza en abordar la fotografía de esta manera, ya que, en muchos sentidos, refleja la vida. Cuando quiero probar una nueva cerveza que parece estar ahí afuera (como muchas están en los Estados Unidos), no sé si será increíble o terri-
ble. Lo mismo ocurre con nuevas amistades, libros, música o cualquier otra cosa. Más aún, esta experiencia es muy similar a la realización de exámenes en la escuela. Después de haber tomado y supervisado suficientes exámenes de estadísticas universitarias, los
estudiantes sienten que están en el limbo hasta que se les devuelva el examen. Zambullirse en algo que no sabe lo que está del otro lado no se puede emular con la fotografía digital, donde la retroalimentación es instantánea. ¿Cuáles son tus pensamientos? ¿Alguna vez
has filmado una película? ¿La visualización retrasada de su trabajo es su cualidad de filmación menos preferida o favorita, o está en algún punto intermedio?
¡Hay tantas películas para probar!
No estoy seguro de que haya alguna forma de reducir realmente la incertidumbre de filmar una película. Entre fugas de luz esporádicas y falta de enfoque y colores extraños, experimentar con una nueva película o una nueva cámara siempre introduce incertidumbre. Usar la misma película en la misma cámara una y otra vez, claro.
18.
Redacción por Luis Escalante
¿Un polígono de exposición?
MASTERCLASS.
La captura digital puede haber cambiado las cosas recientemente, pero
los gigantes del pasado de la fotografía generalmente consideraban cómo se verían sus imágenes como una obra de arte final. Penn pensó en el efecto del platino en su contraste. Adams desarrolló el sistema de zonas pensando en la profundidad de los negros de sus papeles. Entonces, incluso si suena demasiado contraria, ¿no deberíamos nosotros, como fotógrafos, pensar en el papel como parte de un cuadrado de exposición, un pentágono de exposición?
Los viajes de impresión de Johnson y Valberg comenzaron en lugares drásticamente diferentes, pero siguieron una ruta muy similar. Johnson, trabajando con NatGeo, Life y SI, rara vez toma fotos con la intención de imprimir. Muchas de sus imágenes terminaron como impresiones artísticas, pero, mientras lo expresa, disparó a la página, no a la pared. La impresión no era su objetivo. Por otro lado, Valberg disparó bastante por la pared. Con los Asuntos Globales de Canadá como cliente, las impresiones de Valberg se pueden encontrar en las embajadas de Canadá en todo el mundo. Cuando Johnson decidió organizar la exhibición itinerante The Van Gogh Affect y cuando el papel de trapo favorito de Valberg fue descontinuado, ambos se embarcaron en la búsqueda de algo nuevo. El papel como elección Frente a tener que pensar en el papel, tanto Johnson como Valberg comenzaron a darse cuenta de que si va a mostrar su trabajo, la elección del papel es tan importante como la apertura o la velocidad de obturación. El viaje de Johnson La parte de Johnson de la exhibición de Van Gogh se centra en parte en el Sanatorio Saint-Paul en Saint-Rémy. Esta es la instalación donde Van Gogh era paciente justo antes de mudarse a la aldea de Auvers-sur-Oise, donde murió. El sanatorio sigue siendo un centro psiquiátrico activo para mujeres. Las mujeres en las instalaciones usan arte para ayudar a sanar sus identidades. Johnson está muy interesado en un examen fotográfico de cómo se usa la creatividad para sanar o crear identidad frente al trauma.
19.
“Es aún un papel de Hahnemühle.”
20.
BEHIND THE SCENES.
Redacción y fotografías por Rodrigo Ramírez
La fotografía de juguetes ha crecido en los
últimos años, con aficionados y profesionales que la han adoptado en todo el mundo. Desde fotografías de juguetes de Star Wars hasta imágenes de figuras de acción como Iron Man y tarjetas artísticas para sus seres queridos, está en todas partes. Siga leyendo para obtener algunos consejos e ideas geniales para crear fotografías de juguetes en su propio rincón del mundo con objetos cotidianos.
21.
1.
Los ajusted de la cámara.
Esencialmente, cuanto más cerca esté de su tema, menos profundidad de campo tendrá que trabajar. Me quedo con un f-stop entre f / 5.6 - f / 8, pero si está cerca, todavía obtengo el efecto bokeh. Enfoque manual Cuando estoy fotografiando pequeños detalles de juguetes, el enfoque automático de mi cámara se confunde. A veces se requiere prueba y error, y muchas imágenes de revisión en la pantalla de mi computadora para verificar si el enfoque automático o manual funciona mejor para mí ese día en particular con ese juguete en particular. Si usa un trípode (definitivamente recomendado para la fotografía de juguetes), cumpla con ISO100 para que pueda optimizar la luz y reducir el ruido en la foto.
2.
Equipo para fotografía de juguete. Cable disparador. Usar un cable disparador es un paso importante para evitar el movimiento de la cámara. También me permite “dar un paso atrás” y evaluar toda la escena y la iluminación al hacer clic en el obturador. Telones de fondo Tenga a mano un fondo neutro que pueda usar detrás y debajo de sus juguetes. No tiene que gastar dinero: es realmente sencillo crear sus propios fondos. Iluminación A veces uso una lámpara y/o flash, pero sobre todo prefiero usar luz natural difusa a través de una ventana y un reflector. Herramientas Lleve un mini kit de herramientas con pequeñas tijeras, pinzas, tac azul y brochetas de madera para ayudar con los ajustes.
3.
Para una fotografía de juguetes sin complicaciones, haga sus fotos al aire libre con luz natural. Al igual que la mayoría de las otras formas de fotografía, es mejor evitar la luz solar abierta. Un día ligeramente nublado con luz uniforme es ideal. Es posible que aún necesite un pequeño reflector pero puede eliminar cualquier flash o iluminación artificial. Explore su entorno y observe cómo contribuye a la historia de fondo de su juguete y fotografía.
22.
BEHIND THE SCENES.
4.
5. 6.
Incluye emoción para contar la historia de tu juguete La parte divertida de la fotografía de juguetes es contar una historia. Incluya una narrativa sólida mediante el uso de accesorios (pequeños) o un trasfondo relevante. El resultado de contar historias en la fotografía de tu juguete es doble. El espectador no solo ve su historia, sino que también puede unir sus propias emociones y sentimientos de nostalgia al juguete. Puede ser un camión de juguete perdido en un bosque, muñecas pegadas en lo alto de una repisa de la ventana o animales de granja a la hora de la cena. Posar también es importante para transmitir la historia: intente tomar prestadas algunas ideas de poses de poses humanas. Si está fotografiando más de un juguete en la escena, considere cómo se relacionan entre sí y dónde están las líneas de sus ojos (si tienen rasgos faciales). Mira lo que comunica su “lenguaje corporal”. Mantenga la historia simple y clara: menos es siempre más.
Fotografías de apilamiento de enfoque para mayor detalle “Apilar foco” significa combinar fotografías del mismo sujeto con diferentes puntos focales, en Photoshop. Cada fotografía individual se puede configurar en un punto focal diferente para que cuando se combinen algunas de ellas, se enfoque más la imagen. Cada foto debe hacerse desde la misma posición. Aquí es donde su trípode es útil. Esta técnica es particularmente útil para la fotografía de juguetes porque a menudo estará haciendo primeros planos que pueden resultar en una profundidad de campo baja. Aprender las técnicas de apilamiento de enfoque no solo te dará fotografías súper nítidas de juguetes. También le dará habilidades de Photoshop que son útiles para muchos otros proyectos y temas fotográficos.
Mezcle sus puntos de vista para hacer fotos únicas de juguetes Aunque es posible que esté configurado para fotografiar a la altura de los ojos, piense fuera del cuadrado y explore diferentes ángulos también. Al igual que el retrato, disparar desde arriba o abajo puede agregar un elemento emotivo a un juguete y ayudar a contar una historia. A veces, esto significa sostener la cámara en ángulos extraños y parecer un poco tonto tratando de obtener la toma correcta. Sin embargo, siempre vale la pena. Inspírate con los fotógrafos de juguetes en línea Al igual que cualquier género de fotografía, existe una tremenda comunidad en línea de fotógrafos de juguetes que comparten sus obras de arte. Mitchel Wu crea escenas increíbles en su fotografía de juguetes, con personajes que todos conocemos y amamos. Kim Leuenberger tiene un fantástico tema de automóvil que se teje a través de su trabajo, exhibiendo hermosos autos de juguete en lugares deslumbrantes. Incluso hay un premio internacional especial de fotografía de juguetes que celebra lo mejor del género.
23.
24.
Te sorprenderá el tipo de imágenes únicas que puedes crear simplemente usando obje-
tos comunes de manera creativa y agregando un poco de técnica inusual. Este fantástico video tutorial le mostrará cómo un fotógrafo combinó el arrastre del obturador con un poco de uso de accesorios creativos para tomar este fascinante retrato.
Redacción y fotografías por Andrea Girón
25.
Cómo tomar esta interesante imagen que combina celofán iridiscente con arrastrar el obturador para crear un retrato vívido, colorido y pictórico. Toma el celofán, y en su lugar lo usa como un casco. Para la iluminación, usó un plato de belleza blanco Profoto con una rejilla. También usa la luz de modelado en una segunda luz estroboscópica para ayudar a resaltar los interesantes efectos de luz creados por el celofán cuando arrastra el obturador. En general, se necesita un poco de experimentación para determinar la longitud correcta del obturador para este efecto, dependiendo de las circunstancias; en este caso, Adler usa una velocidad de obturación de un tercio de segundo mientras acerca y aleja y mueve la cámara un poco en el proceso. Con esta técnica, obtendrás un resultado diferente cada vez, ¡así que asegúrate de tomar muchas fotos! Mira el video de arriba para ver el resumen completo. BEHIND THE SCENES.
Sigue los pasos en este tutorial dándole “play” o visita el enlace https://www.youtube.com/ watch?v=ySm_9pkoMvM&feature=emb_title
26.
BEHIND THE SCENES.
Redacción y fotografías por Andrea Girón
Convierte el día a noche. Abrimos nuestra fotografía en photoshop. En este ejemplo vemos claramente que es una foto diurna tomada un soleado día de verano. Sencilla y sin demasiados elementos en el encuadre lo cual la hacen ideal para convertir nuestro día en noche de una forma fácil, sin demasiados ajustes. ¿Empezamos? Ajustes de saturación Lo primero que vamos a hacer es bajar la saturación, ya que no ves los colores iguales de radiantes que durante el día. Para ello vamos a crear una capa de ajuste de tono / saturación y vamos a bajar la saturación general en torno a un -70.
Pinchamos sobre el icono de capa de ajuste tono y saturación para crear la capa y mover el deslizador de saturación hacia la izquierda para restar. En la misma capa de ajuste tono / saturación o podemos crear una nueva volviendo a pulsar en el icono, este tutorial lo he hecho sobre la misma capa. En la misma capa de ajuste, vamos a quitar esta vez saturación y luminosidad solo al color azul. Para ello, tal y como se muestra en la imagen inferior, seleccionamos el desplegable el color azul y le bajamos la saturación y la luminosidad
alrededor de un -40. Vamos a usar una capa de ajuste de niveles para convertir los tonos del día en tonos de noche. Pinchamos sobre el icono de niveles en nuestro panel de capas para crear la capa de ajuste de niveles y vamos a ajustar primero las luces para acondicionarlas a la luz de la luna.
28.
Redacción y fotografías por Andrea Girón
Como
fotógrafos y artistas, todos nos topamos con paredes creativas. Trabajamos duro para mejorar nuestras habilidades, aprendemos cosas nuevas y luego parece que nos topamos con una pared. A veces creo que complicamos más problemas como este, buscando algún truco mágico que nos brinde la perspectiva creativa que estamos buscando. Si eres como yo, sabes que por lo general no funciona. En cambio, aquí
BEHIND THE SCENES.
hay una colección de consejos que puede probar hoy para mejorar su fotografía y desarrollar su ojo creativo. No prestes atención a la orden, todos son completamente al azar. Con la situación actual que rodea la pandemia, la mayoría de nosotros no podemos realizar sesiones de fotos en persona, dejándonos recur-
rir a formas creativas para seguir haciendo fotos. Muchos fotógrafos han recurrido a sesiones de fotos en línea a través de plataformas como FaceTime y Skype. Si eso es algo que le interesa, este excelente video le dará muchos consejos útiles para mejorar sus tomas. Viniendo de Anita Sadowska, este excelente video le dará muchos consejos útiles para mejorar sus sesiones de fotos en línea. Muchos fotógrafos han recurrido a estos recientemente. Quizás la
mayor limitación de estas sesiones de fotos es el hecho de que no podrá obtener el tipo de resolución que obtendría de las imágenes normales, ni puede controlar cosas como la profundidad de campo o similares, pero por otro lado, con muchas Si estamos atrapados en casa y no podemos disparar en persona en este momento, esta podría ser su única opción, y son una forma diverti-
da e interesante de mantener sus habilidades creativas y creativas y simplemente disfrutar de la interacción humana. Mira el video de arriba para ver el resumen completo de Sadowska, ¡y pruébalo tú mismo!
30.
31. SUBMISSIONS.
ulación ones post las icaci sua sec sea l r e t b s d u e r p nu bra los s ve tras enar ar en ue tu o ca a la cent y puede es busnues o entre lamada p i e c i n d q t t us ar rs e . L na os u ste reto rticipan #Noias p ons para ara y b nozcas. m e da u n concu revista pto clav i s a b e i c a e g p En os u Rec s para Si d bmissi tu cám que co “Got nes l hashta estra n conce mejores e u g u e a n m a i n e r u m s a de ab cio de s prepara talentosa se llam las i des con se h res ns” bajo vian su s. r s o o a t o t a s i t t e d e r á s e r r n io en sc to vi . m rec osiciotístimiss del m os co o en ximo enge e Di ona res to ar ona a r “Sub scripto oncepto rabajam ” que cand toChall ora, Th scuro p ngulo pers e el pró t e o o a d t u su c rt pers un r los bajo el n #00 sePh eza gana cuarto en un ario y Ya q t.” e Pa en un e en ver una h t s i T n ó i u d s n i s t o e e tos. foto sta edic “Play tu sujet cualLa p do en u la luz l . El ves s para Tal vez con amos d o talen a e o a o de rtir a a o t r v s s t i a e p g s t í j o u a a t s a o s u En l E n e r a fonve o un ncep ond del s fant o de eyu mpe reto e el co ste en co icio, de nand grados ás que i elegant or en co d ando un t s o a i t m 45 liz de e suscrit ras gro nte señ a e e n n e ó e n cons naje, fic d r i o t c s r st a co ar a edi ga o ar p rda est en nue edes r tileri to. Un sa este el da. mera u piea i pers otro. u m j r r a p fo ue an de rab re nos r ar e esta con s quie este a hacen tor de b tión de t somPara fico rec , seguir u foto hotodor d uis Soto reciar en a n c t a s P t s á a t e a El g s para L edes ap batu stre dir solo cue sis en l nitivo togr ra revis y sube #Noise u e t a u fi p s l g f s s i s e e un nue social sion or” que shta ea n en ue d ión e bmis t el ha edic baja co a el toq contrast co es d n n e a o de Su he Direc E r c e n dud les r el clav T n po eccio za “ gina. una pero sin ido baja look u socia enge. s sel o en la a r á s b n , ll t o esta p bras pieza a ue da u Cha más 2do al 5 os han e d q s fot del r la os de la gros lo . es ve puestos odas las nuestr s e o d e u r P los n a la fot los gina. T as po robado n e e t d t das nte pá ma mp votazga y ju e s s co sigui curadas esionale ás de la les de f a sido es, pro ía, adem es ofici r f d o a e t r k r i g ed oo . to as a fo nuestr y Faceb l n e n itter es e cion ram, Tw g Insta
32.
SUBMISSIONS.
34.
Agradecemos a la comunidad de Noise Magazine por brindarnos de
imagenes y obras con una increible calidad técnica y disósición creativa. Hacemos esta revista por y para ustedes fotógrafos/videografos y diseñadores, todos como un colectivo de creativos y amantes de la imagen. Estamos trbajando para traerles más imagenes increibles, acercar a la comunidad fotográfica más cerca para conocernos entre todos y compartir de nuestro trabajo para hacer llegar este arte a todos los rincones y culturas del mundo. ¡No dejen de enviarnos sus trabajos fotográficos! Si quiere ver más del contenido que te traemos en nuestra Revista NOISE, puedes apoyarnos suscribiéndote a la edición mensual, pasar a echar un vistazo a nuestro sitio web “www.noisemag. com,” o seguir y compartir nuestras redes sociales en Instagram, Facebook y Twitter. Y quédate a la espera de nuestro canal de YouTube en unos cuantos meses más. Tienes fotos que te gustaría compartir con el mundo, conoces un fotógrafo que crees que tiene potencial y no recibe la atención que se merece, hay algúna técnica fotográfica que se te dificulta y /o te gustaría aprender, hay algún maestro del cual te gustaría aprender más; pues no dudes en escribirnos y recomendarnos ideas para traerte más y mejor contenido para el disfrute de toda nuestra comunidad. En la próxima edición puedes esperar. En nuestro fotógrafo destacado, Rafael Jacobo, el que combina sus fotografías con ilustraciones sacadas de las tiras comicas. Recibimos una clase magistral en el manejo e importancia de la luz por parte de Ángel Hernández. Descubirmos los secretos de una buena imagen compuesta de varias capas y un software para edición de fotos que puede desbancar a Photoshop. Y no olvides de participar en nuestro próximo reto fotográfico en Submissions, bajo el conceptro de los talentos. Además nos gustaría saber que opinas, dudas, quejas, recomendaciones y/o agradecimientos. queremos escucharte. ¡Hatsa la próxima y sigamos haciendo fotos que hacen ruido!
35.
Editores Rodrigo A, Ramírez WIlmer Peraza Beatriz Campos
Fotógrafos Rodrigo A, Ramírez Rafael Jacobo Andrea Girón
Diseñadores Rodrigo A, Ramírez Andrea Girón
Redacctores Rodrigo A, Ramírez Tony Soto Luis Escalante
36.
00 Edition - June 2020