Catálogo Archipiélago. 14 microhistorias en el arte contemporáneo by Arte Hoy

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Colectivo Archipiélago

14 microhistorias en el arte contemporáneo Ricardo Atl Yvonne Domenge Paloma Torres Gloria Carrasco Aarón Jiménez Aurora Noreña Mónica Dower

Verónica Cuervo Adriana Balvanera Natassja López Virginia Varela Berta Kolteniuk Jeannette Betancourt Jorge Ismael Rodríguez

14 artistas en sus constelaciones. Una aproximación. Luis Rius Caso

La figura del archipiélago es idónea para la representación metafórica de la heterogeneidad, en un clima compartido. Sin tener que asumir una forma precisa, el archipiélago se observa como un paisaje que naturaliza particularidades en un plano de coincidencias (la condición insular, el contexto), el cual difícilmente podría confundirse con un plano de homogeneidad “abarcadora”, propia de las plataformas continentales. No es extraño que diversas agrupaciones culturales se hayan identificado con el archipiélago. Recordemos, por ejemplo, a los poetas y artistas plásticos de Contemporáneos, del también llamado “grupo sin grupo” o “archipiélago de soledades”, que reunía a escritores tan distintos entre sí como José Gorostiza y Carlos Pellicer, o a pintores como María Izquierdo y Manuel Rodríguez Lozano. La condición insular tiene por riesgo la neguentropía, y por horizonte, en el extremo opuesto, al mundo. Puede ajustar el universo al alcance de su mirada o puede buscar el universo desde la plataforma de su mirada; encerrarse en la torre o, como lo explica Luis González y González, subirse a la torre para ver qué hay más allá. Nuestra búsqueda se orienta, desde luego, al encuentro de nuevas dimensiones “macro”, de nuevas simbolizaciones, que no diluyan la particularidad ni reconfiguren al archipiélago como una prolongación más de las estrategias promocionales del arte contemporáneo.

Para ello, el primer objetivo ha sido buscar hacia adentro, en los indicios propios, para luego emprender ejercicios de proyección hacia fuera, que detecten o construyan el puerto de llegada. Así, no se trata de encontrar el mismo lugar de salida ni tampoco lugares predeterminados por el mainstream vigente. Al entender el proceso creativo como algo que involucra la necesidad de generar “el Macro”, las correas de transmisión o los puertos de salida de la obra, el propósito es abrir horizontes que nos dejen ver la riqueza de las particularidades, los indicios que revelan en su verdadera magnitud los alcances de la creación artística. Pero cabe preguntarse, ¿qué revelan, qué dejan ver estas búsquedas? ¿Un conjunto de buenas piezas, una exposición colectiva más? Asimismo, ¿qué nos muestran esos indicios…Poéticas personales; lógicas de procesos creativos, como siempre? Creo que vamos más profundo. Estas obras son huellas del artista que las crea, dicho sin retórica. Es decir, los indicios revelan la existencia del artista, del creador multiforme que se ha concebido desde el Renacimiento, pero que las generalizaciones de la cultura contemporánea han diluido o anulado, al percibirlo como una sola proyección simbólica, asociable a una creatividad humana general. En las huellas de estos artistas están algunas de las múltiples caracterizaciones registradas en la memoria cultural no necesariamente atendida, que para advertirse requiere de “poner la lupa” en la particularidad. Gracias a ello es posible apreciar el abanico de

posibilidades, la summa de paradigmas que permite la noción de artista, en un presente que invita a prescindir de la visión progresiva-lineal moderna, que suponía la continua pugna de nociones y el desplazamiento de unas por otras, en un eterno y descarnado torneo con reminiscencias deportivas. Parte de los problemas actuales que afectan tanto al mercado como a la promoción en general, es la malsana continuación de ese criterio selectivo lineal, que no se corresponde con la complejidad de la cultura actual. El abordaje microhistórico nos revela, entonces, la existencia cultural y vigente del artista…de los artistas. Los saturnianos que, como Miguel Ángel o el Caravaccio no se ajustaban al ideal

sobrio…los románticos y neorrománticos que trabajan lo sublime de los absolutos…los modernistas (simbolistas) que rescatan a la naturaleza desde la seducción del artificio…los nietzscheanos que siguen combatiendo el enmascaramiento cultural con la verdad del arte…Los que nos recuerdan al personaje de La gran obra maestra de Balzac…Los que insisten en el already made…los que exhiben lo que hay que exhibir pero guardan para sí, como Picasso en cierta época, su verdadera obra…los que son más bien artistasejecutivos…los que siguen en la idea de “pequeños dioses”, a la manera del poeta creacionista Vicente Huidobro, o bien, en la de artistas clandestinos… Los que están a punto del desbordamiento al contacto con la música,

como algunos personajes de Thomas Mann y de Sandor Marai… Los que son artistas aunque se hayan visto obligados a declarar que han dejado de serlo…En fin, los que son como varios de los que ustedes conocen…Los que tienen esa energía indescriptible que nos emociona y modifica nuestra visión de las cosas…Los que son como… Ahora bien, si se ha tratado de un ejercicio de observación y de auto observación, de búsqueda de indicios para luego simbolizar, entonces se trata de un taller…En efecto, pero el ejercicio de poner la lupa en zonas específicas y posibilidades poco exploradas, ha implicado un trabajo colectivo muy profundo que, con la compañía de Carlo Ginzsburg, Georges Didi Hubermann, Mario

Perniola y varios más, nos ha conducido a reconocer y evitar prejuicios. El inicio del proceso consistió en un arduo ejercicio de ser vistos por las obras y por lo tanto, a ir más allá de limitaciones y connotaciones de época, como lo fuimos aprendiendo de Didi Hubermann y de algunos invitados al taller. Así, nos permitimos reunir en el mismo archipiélago muy diversas generaciones y distintas familias de artistas. El objeto de investigación más profundo, no ha sido externo (como podría serlo un tema para todos) sino al interior de cada uno de ellos y del grupo. El archivo se va ampliando y reconfigurando en la diferencia, en las coincidencias y oposiciones generacionales, conceptuales y vivenciales, bajo un eje tan difuso (y

sin embargo, real) y apasionante como lo es el de la caracterización del artista, en una suerte de mapa warburgiano, que nos va convenciendo que “Dios (y el artista), están en el detalle” En el trabajo de poner la lupa, de modificar la escala, de ir al “micro” en la trayectoria propia, la participación del grupo es fundamental. Más de quince voces, de miradas de muy distintas procedencias generacionales y simbólicas, intervienen. El archivo, así, desde su configuración específica y desde sus múltiples posibilidades, entra en funcionamiento. La experiencia ha resultado de lo más propositiva y gratificante, gracias a la calidad y solvencia de los artistas que

constituyen el archipiélago. Tejidas por todos nosotros, las microhistorias que nos reunieron durante cuatro meses tuvieron por motivo reflexionar sobre ese tema en el arte, a partir de sus vivencias, trayectorias y obras. El tema, por tanto, no fue externo y el objeto de investigación se orientó al interior de los proyectos. Las diferencias no sólo se respetaron sino que se significaron como un elemento de identidad en el grupo, lo cual resultó particularmente motivador. Se enfatizó con ello la pertinencia y potencial del proyecto, sobre todo en el interés de detectar algo así como una primera taxonomía (lo que hemos denominado constelaciones) y una nueva forma de concebir la extensión y organización del arte. Estamos empezando, pero sabemos que estamos en el comienzo de algo diferente. Entre los resultados de esta primera etapa se encuentra esta exposición, representativa además de la calidad reconocida de los participantes. Hemos tenido el privilegio y el gusto de culminar nuestro proceso en el espléndido espacio de Arte Hoy Galería, beneficiándonos de la generosa y aportadora interlocución de su propietario, Jorge Espinosa Fernández, así como de la curadora del espacio, Bárbara Perea, y del equipo integrado por Marianna de Regil, Yessica Díaz y Daniela Cruz Benhumea. El mejor premio al esfuerzo realizado ha sido el de beneficiarnos con la motivación de su complicidad, profesionalismo y amistad. Les estamos muy agradecidos.

Cualquier cosa dicha en latín suena profunda, 2012 Plomo sobre carbón 1/5 27 x 430 x 12 cm

Los colgados, 2012 Fundición en plomo sobre madera carbonizada 2/5 56 x 150 cm

Mis intereses personales y profesionales me han llevado a experimentar con la sintaxis de las palabras y el espacio que los materiales evocan. La melancolía, el spleen, o el llamado mal de Saturno en sus distintas acepciones son un filtro a través del cual mi trabajo se vuelve real.

Egresado de La Esmeralda y formación de oficio como asistente de escultores y artesanos.

“El misterio atraviesa este campo sembrado de símbolos, y también una inteligente esperanza: la que promete el plomo de transformarse en oro, como lo esperaban los alquimistas y los sabios que atribuían a los hijos de Saturno esa capacidad. Es la que esperamos en personajes y procesos que de las cenizas produzcan verdaderas transformaciones sociales. No es gratuito que sea Ricardo Atl, quien en plena época de redefiniciones conceptuales, nos recuerde esto, con la profundidad y contundencia de su trabajo.”

Becario de La Colección Jumex por el Seminario de Fotografía y Medios Alternativos en el Centro de la Imagen 2001.

Ricardo Atl 12

A carbón y plomo, con el fuego de su inteligencia y de su producción, Ricardo Atl enfatiza con su obra Los colgados la capacidad de la realidad (en particular, la que vivimos) de superar cualquier ficción, cualquier pronóstico de encontrar suspendido en el horizonte cotidiano un paisaje que de tan macabro invite a la comparación con el que registró José Clemente Orozco, a quien Ricardo glosa, un siglo atrás. En la obra de este artista iluminado por el mismo sol negro que abrazó a Durero, lo real se nos revela asimismo en metáforas como la de los peones-bala, que constituyen una representación perfecta del ajedrez actual, desbordado por multitudes como las del 132, y en el que sobresalen las ausencias tanto del tablero como de los dioses que tejen la trama, diría Borges, de polvo y tiempo y sueños y agonía. Luis Rius Caso

Luis Rius Caso

Ha presentado pláticas sobre su trabajo en el RAIN Meeting, (Rijks Artists Initiatives Network), 2005 y en Forum Lenteng, Indonesia, 2006. Seleccionadoen la X Bienal Internacional de Fotografía, 2001.

Ajedrez-territorio, 2012 132 peones de plomo, madera y cama de carbón 1/5 17 x 90 x 160 cm

Cristelle, 2012 Acero al carbón pintado 43 cm ø

Yvonne Domenge 14

Fraguada en valores humanistas, en la comunión entre pensamiento y emoción, que es propia del creador beneficiado por la templanza, tan celebrada por Marcilio Ficcino (equilibrio entre Saturno y Júpiter), Yvonne Domenge es fiel al ideal del arte y al idealismo que encarna, en su poder anticipatorio. Tocada por el fulgor dionisiaco de la música e interesada por los diferentes dominios del conocimiento y de la vida, la escultora rinde un tributo constante al modelo original de artista. Entre semillas y micromundos e interpretaciones del cosmos y de conceptos abstractos, la escultora discurre por diversas escalas en su abordaje de modelos con los que siempre dialoga, observando y dejándose observar, construyendo y dejándose construir por espejos que la confirman en su identidad y en su incesante búsqueda de sí misma. Luis Rius Caso

Me encuentro con situaciones, vivencias, objetos, formas y estudios específicos de un tema para traducirlos a la tercera dimensión.

Participación en distintos talleres de artistas, obreros y artesanos en México. 1974-al presente.

“La escultura de Yvonne Domenge es como meter una planta dentro de un espacio. Tiene vida, movimiento y no tiene ni principio ni fin, es orgánica.”

Simposio Nacional de Talladores de Madera. Monumento a la madre. México, D. F., 1989. Representación de México en el Salón Sociedad Nacional de Bellas Artes, Museo de Louvre, París, Francia, 1999. Mentor y jurado Beca de Residencia Discovery, residencias México-Canadá Fonca-Centro Banff, Alberta, Canadá, 2000.

Arq. Agustín Hernández

Proyecto Esculturas realizadas por la Comunidad de la Colonia Buenos Aires, México, D. F.,1999-2002. Simposium de Escultura para Artesanos y Escultores, Mérida, Yucatán, México, 2003. Primera obra integrada a una colección en el extranjero “Nuevo Sol”, Banco Mundial, Washington D.C., 1995. Exposición individual Interconnected, Galerías Boeing Norte y Sur, Millennium Park, Chicago, E.U.A., 2010-2012.

Cristelle, 2012 Acero al carb贸n pintado 100 cm 酶

Paloma Torres 16

Como artista y personaje de alto protagonismo en el mundo de la cultura, Paloma Torres sabe que el tejido del arte lo hacen las microhistorias; como las que ha vivido, narrado o provocado, con su energía, originalidad y creatividad características. Sus torres, performances, puertas, celosías, intervenciones in situ, son indicios de culturas milenarias que sobreviven o continúan en la vigencia de las formas y rituales afirmados por ella. Connotaciones ancestrales –comenzando con el barro y los materiales que emplea—, arquetipos y registros del entorno, entran a su crisol de alquimista, de artista-mago, donde se mezclan distintos tiempos y diversas soluciones con objetos, signos y acontecimientos que tienen el poder de añadir al mundo nuevos sentidos, misterio, belleza, elegancia, alegría, pasión. Luis Rius Caso

La mirada sobre el paisaje urbano, como jardines transformados por el hombre, me permite utilizar y transformar en objetos escultóricos los elementos de construcción en la ciudad.

“Así que el tema de la obra de Paloma Torres es, a ultranza, la intimidad del ser urbano que es forzado a replicar internamente las estructuras públicas, incluyendo las ideológicas, y termina por asimilar la opresión como la naturaleza real de su privacidad.” Luis Carlos Emerich

Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca, 2000 a 2006 y 2013. Performance “Ix K´uh- Ha´ (Diosa de Agua)”. Calcuta, India. El bosque de los deseos, Val-David, Quebec. El bosque transformado, intervención artística. Centro Cultural Helena Garro. 2012. Celosía para el Museo de sitio de la zona arqueológica de Tlatelolco. México, D.F., 2009. Horizontes Fragmentados. Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, Jalisco, y Museo Amparo Puebla. México, 2008. Cerámica Internacional. FuLe (FLICAM), Fuping, Shaanxi, 2007.

Columna con paisaje, 2008 Barro de Zacatecas y engobes 214 x 32 cm Ă¸

Columna, 2010 Barro de Zacatecas y engobes 230 x 30 cm Ă¸

Los caprichos del paisaje 1, 2012 Cerámica de alta temperatura 176 x 70 x 45 cm

Gloria Carrasco 18

Con su propio trabajo, Gloria Carrasco ha sabido situar desde hace años al arte cerámico en la jerarquía que le corresponde. Ubicada en el extremo opuesto al artista-narciso, Gloria parece no necesitar de las adulaciones ni de las mitologías ni leyendas que construyen a los pequeños dioses de la creación. Su labor habla por sí misma y se alimenta de su propia seguridad. Como artista y como arquitecta también, sabe que las personas necesitamos de la belleza, de la armonía, de las formas hechas para habitación del alma. Finas y elegantes, sus piezas bi y tridimensionales suelen dominar el espacio que ocupan, generalmente interior, con aplomo y sutileza a la vez. Como varias esculturas posmodernas, busca dominar el contexto que las ocupa –y lo logra—, pero, a diferencia de éstas, sin anularlo. Está con el espacio y con nosotros, acompañándonos, sin grandilocuencia pero con majestad, compartiendo la perfección de sus geometrías dulces en el escenario apolíneo de la realidad. Luis Rius Caso

Me interesa explorar la relación forma-espacio, trabajo con temas de la superficie terrestre y del paisaje como evidencia visual de un proceso.

“Exponer la naturaleza a partir de la “petite sensation” es la causa de las potentes abstracciones formales que singularizan la obra de Gloria Carrasco. (La artista) ha combinado una reflexión objetiva sobre el espacio, lo cual le ha dado un toque clásico, con evocaciones íntimas de la memoria, de suyo subjetiva, pero que ella se las ha arreglado para ahondar psíquicamente aún más, bordeando el territorio de la historia personal con otros estratos más profundos e inconscientes.” Miguel A. Muñoz

Licenciatura en Arquitectura, BUAP; Maestría en Urbanismo, UNAM; Cerámica en la EDA-INBA. Miembro de la International Academy of Ceramics, 2007. Exposiciones individuales: Centro de las Artes San Agustín, Oaxaca, 2012. Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz, 2011. Museo de Arte de Tlaxcala, 2009. Museo de la Ciudad de Querétaro, 2008. Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, 2007. Museo de Arte de Sinaloa, 2005. Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 2004. Su obra se encuentra en el acervo de museos de China, Francia, Lituania, Estados Unidos y México.

De lo alto vienen las aguas, 2011 Cerรกmica de alta temperatura 274 x 60 x 34 cm

Altar de Zeus, 2012 Tinta india sobre papel algodón. 65 x 51 cm

Aarón Jiménez 20

Formado en lo mejor y más depurado de la enseñanza académica, el talento de Aarón Jiménez alcanza y sobra para sortear el difícil reto que se ha impuesto a sí mismo de ser un creador desde la posproducción. Glosa tras glosa, Aarón nos conduce a territorios sicológicos inesperados, poco frecuentes en el arte, en los que la sorpresa se adelanta al gusto por haber llegado. El acontecimiento estético se consuma, finalmente, y nos complace terminar la experiencia en la zona mental que nos abrió. Aarón es un artista joven que reivindica la afirmación de que el arte se aprende, principalmente del arte, de donde viene. Su perfil es ruptural, con relación al del artista moderno y simbólico, y sin embargo, aunque sea a partir de una intención deconstructiva, muy en boga, su trabajo registra muy diversas constelaciones que han dado proyección al artista a lo largo de la historia. Luis Rius Caso

Busco realizar catástrofes-objetos de estudio, no de carácter disciplinar sino con la responsabilidad de producir un shift sicológico. Busco un extravío no aleccionador y trabajo a la entrega de mis obsesiones y deseos.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca en el 2012. Becario de Jóvenes Creadores, Fonca, 2011-2012. Selección de exposiciones: Creación en Movimiento, Jóvenes Creadores, Querétaro, 2012. Mappas, Guadalajara, Jalisco, 2009. Mai espeis, en el Centro Nacional de las Artes; INBA, Conaculta, Centro Multimedia y ENPEG “La Esmeralda”, 2008. Inter-México, en Drama, Lima, Perú, 2005. Esculturas Realizadas por la Comunidad de la Colonia Buenos Aires, Conaculta-Fonca, 2001-2002.

Katsushika Hokusai-Anish Kapoor, 2012 Tinta India sobre papel algod贸n 65 x 51 cm

Mueble-escalera I, 2012 Buró y madera reutilizada de la industria de la construcción 160 x 70 x 60 cm

Aurora Noreña 22

El concepto de reciclaje adquiere en la trayectoria de Aurora Noreña un valor muy especial, no bien alude a una visión del mundo plenamente consolidada en su dimensión propositiva. Artista y arquitecta de formación y profesión, Aurora ha logrado añadir a los objetos domésticos y de uso cotidiano una segunda identidad, concreta y simbólica, que en muchos casos puede entenderse como una prolongación ideal o utópica o artística de las cosas. Especializada como pocos en el conocimiento del arte contemporáneo, Aurora tiene los fundamentos, el vuelo y las videncias para plantear esta segunda vida de los objetos en el tiempo y en el espacio, algunos de los cuales devienen plataformas para descubrir nuevos horizontes, nuevos puertos de llegada o de fuga, de futuros que interactúan y modifican un presente en constante movimiento e investigación. Sus muebles modificados, como la silla, el buró y la mesa, mantienen sólo la memoria de su identidad y función originales, al devenir en los espléndidos observatorios que ahora son. Luis Rius Caso

Busco relaciones matéricas, objetuales y formales que propicien especulaciones sobre aspectos existenciales latentes en las inercias cotidianas.

Ha realizado ocho exposiciones individuales y participado en un sinfín de colectivas dentro y fuera del país formando parte de distintas colecciones públicas y privadas.

“(...) se trata de piezas que desde el punto de vista formal renuevan las formas de comprensión de la escultura y que combinan estrategias de corte conceptual.”

Están entre sus reconocimientos: Premio de Adquisición de Arte Joven 1991, Mención Honorífica Gran premio Omnilife 2001, las becas Jóvenes Creadores 1996-1997, FoncaConaculta; Fomento a Proyectos y Coinversiones 1999 y la residencia artística Art/Omi, Nueva York, E. U. A. 1998.

Elías Levin

Sobre su trabajo multidisciplinario reciente en torno a la mirada a la lejanía Jorge Sosa escribió: “Reúne un repertorio de vínculos con diferentes reflexiones que apuntalan la condición del horizonte como una práctica introspectiva, un ejercicio del deseo que confiesa lo inalcanzable de su propósito, como si se tratase de una aproximación a un punto ciego, a la seducción que provoca lo ausente.”

Mueble-Escalera II, 2012 Mesa de madera, acero pintado y fieltro 171 x 116 x 90 cm Mueble-Escalera II, maqueta, 2012 Cart贸n pintado 42 x 23 x 18 cm

True North, de Isaac Julien, secuencia, 2012 Acuarela sobre papel 36 x 48 cm

True North, de Isaac Julien, 2012 Acuarela sobre papel 109 x 166 cm

Mónica Dower 24

Los horizontes de Mónica Dower se contemplan en las cúspides o en el fin del mundo, como el célebre personaje de Caspar David Friederich que observa el mar de nubes. Con gran originalidad y bien arraigada a su propio tiempo, Mónica reivindica lo sublime, el vértigo romántico, tanto en sus acuarelas como en sus videos. Incluso, sus modelos construidos para ser pintados buscan alcanzar o crear esa dimensión que desborda y sublima lo cotidiano. Persistente en el linaje señalado, de infinitos que se presienten, de registros poéticos y filosóficos, Mónica busca en el almacén más grande de imágenes perfectas que existe, el cine, al interlocutor que la inspire y la transporte. Muchas veces es la imagen afección; otras más, la imagenpercepción; casi siempre, la secuencia que rompe y supera al instante único y privilegiado que ha determinado a la historia de la pintura. Luis Rius Caso

La serie Pintando la imagen-movimiento busca establecer diálogos entre la pintura y el cine, involucrando pensamientos filosóficos como el fenómeno de la duración. Pinto con acuarelas sobre papel secuencias y momentos privilegiados del cine con la intención de anclarlos en la memoria del espectador.

“Lejos de meramente representar escenas de video, Dower se centra en el acto mismo de observar y en la selección de fragmentos de cada obra, situándolos en una especie de Palacio de la Memoria, posibilitando así al público un atisbo a su imaginario personal.” Bárbara Perea.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca desde 2010. Exposiciones recientes: Materia Sensible, Museo Carrillo Gil, 2013. Buscar lo Real, Museo de San Carlos, 2012. Pintando la imagen-movimiento, Galería Ginocchio, 2011. Imágenes multimedia de un mundo complejo, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Hospital Real, Granada, Instituto Ludwig, La Habana, Centro Multimedia, México, D. F. y en la Sala Santa Inés de Sevilla, 2008. Come Closer, Kunstlerhaus Bethanien de Berlín, Espace Nobile de Ginebra e Isola Arte de Milán, 2005. Mención Honorífica, XII Bienal Rufino Tamayo, 2004. Premio Conaculta. Video instalación La llamada, San Ildefonso, México DF, 2003.

Verónica Cuervo 26

Artista de umbrales, Verónica Cuervo nos convence que el arte es un vehículo a otros mundos. Al del sueño y del inconsciente registrado en su espléndido libro; a otros más, plenos de energías y fuerzas que están lejos del alcance de nuestra visión chata y reductiva. En todos sus trabajos, Verónica construye algo de sí misma a través del objeto –del modelo— que construye. Por eso se afirma siempre en sus propuestas esa verdad personal, vertical e inquebrantable. En su serie fotográfica montada en cajas, la relación con el objeto (en los términos expuestos) determinó en la artista la necesidad de experimentar más allá del uso habitual de la cámara. Bajo una constante de tiempo de captura, jugó con las variables de la velocidad y la dirección del movimiento, y también del recorrido de la cámara en el registro de cada evento (como los nombra ella). No se predeterminó “objetivos” específicos en términos de cosas que la luz permite ver y congelar con el ojo y la lente, sino que trascendió la dimensión icónica convencional para capturar los efectos lumínicos de la continuidad del movimiento. Luis Rius Caso

No pretendo abstraer ni representar la realidad. Solo busco entender un poco más acerca de lo real en su cambio permanente, explorando la continuidad/discontinuidad del movimiento –sea físico o mental– siempre en el contexto de una línea de tiempo.

“Reflejo de un pensamiento y una mirada crítica en torno a los mundos que habita, Verónica Cuervo logra a través de su obra desmontar la realidad de una vez por todas para abrirle paso a la tensión del instante.” Jeannette Betancourt

Estudia Artes Plásticas en la Universidad de las Américas en 1981. En 1990 cursa la licenciatura en Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México. A partir del año 2007 se aboca a la fotografía y se prepara en diversas ramas de la cinematografía. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, y varias de sus obras forman parte del acervo de coleccionistas privados.

Electroencefalograma con deprivación de sueño, o 1 hora y 20 metros de procesos mentales, 2008 Fotografía digital manipulada sobre papel bond 20 x 2040 cm Portal 7, 2012 Fotografía digital, caja de luz 140 x 95 x 10 cm

Adriana Balvanera 28

Fiel a su proyecto de producir glosas, Adriana Balvanera presenta réplicas que rinden tributo al arte culto occidental, pero delatando (denotando) una condición local o una significación periférica que termina afirmándose como un valor protagónico y recursivo (de ida y vuelta: los copistas y replicantes necesitan el gran arte para copiar, y los grandes artistas necesitan copistas y replicantes que les confirmen dicho estatuto). En la idea de artista “marginal” que Adriana maneja (muy representativo de la posmodernidad), es importante destacar sus trabajos como réplicas y no como copias. Las segundas tratan de ser idénticas al original, mientras que las primeras, añaden algo más, voluntario o involuntario, que les da su particularidad. El artista encarnado por Adriana, el glosista periférico, ha tenido una presencia constante y muy exitosa en ferias de Latinoamérica, como Zona Maco. Luis Rius Caso

Como artista multidisciplinaria busco: la recodificación en los materiales de desecho, el hallazgo de encarnar la obra maestra, la resignificación de la pintura en el tiempo como lo perecedero.

Selección de exposiciones: Retratos Vivos, Suprema Corte de Justicia de la Nación, México, D. F. y Museo de la Acuarela, Toluca, Estado de México, 2007. Premio Agazzi, exposición colectiva, Comune di Mapello, Bérgamo, Italia, 2006.

“Siguiendo su proyecto de producir glosas, Adriana Balvanera presenta réplicas que rinden tributo al arte culto occidental, pero delatando (denotando) una condición local o una significación periférica que termina afirmándose como un valor significativo.” Luis Rius Caso

Color Agua y Papel, exposición itinerante, Museo de la Ciudad de México, México, D. F., 1995. The Andrea Schwarts Gallery, San Francisco, California, E. U. A., 1992.

Glosas profanas, 2012 Técnica mixta sobre cartón montado en caja de acrílico. 18.5 x 16.5 x 8 cm c/u

Natassja López 30

Natassja López pertenece a las primeras generaciones egresadas de las nuevas academias, que ponen en duda su condición de artistas. No obstante su asombrosa creatividad, no saben si lo son, y varios no quieren serlo, aunque la palabra “artista” les siga resonando. Viven un nuevo momento que deviene de la dilución del concepto arte, lo cual implica una constante necesidad de buscar nuevos anclajes teóricos, vivenciales e institucionales. Con Natassja el arte no es una creación fuera del mundo, sino que es parte de su mundo y se dirige a éste. Las fotografías de su personaje, de su alter ego llamado Juan, retratándose con tres de las figuras masculinas que para Natassja tuvieron importancia en un momento dado (su padre, su maestro de salsa, su maestro de arte y semiótica) dan cuenta de la función restaurativa que para ella tiene este quehacer. Luis Rius Caso

Con mi obra investigo las dinámicas de interacción generadas en una comunidad y sus habitantes; utilizo diferentes disciplinas para trabajar con situaciones específicas de su entorno.

Exposiciones individuales: Interiores, Mérida, Yucatán, 2010. Invasión de Espacios, La Chambre Blanche, Québec, Canadá, 2009. Retratos Familiares, las cosas que no vemos son mas fuertes de lo que creemos, Galería Manolo Rivero, Mérida, Yucatán, 2007.

“En la obra de Natassja López me encuentro con la evolución de una poética que se encuentra completa desde sus inicios. La práctica constante de su método: observación y un toque engañosamente ligero revela presencias y hechos de otra manera invisibles. Natassja construye sus artefactos con precisión, los anima, viven su momento de autonomía fugazmente y se disuelven en la memoria.”

Exposiciones colectivas: Estrategias, FrontGround/Galería Manolo Rivero, Mérida, Yucatán, 2012. Ta´topaj le Masewual, Castro Pacheco Hipertextual, La periferia, Mérida, Yucatán, 2008. Tercera Bienal Nacional de Arte Universitario, Museo Leopoldo Flores, Toluca, Edo. de México. Otras bitácoras (moving), Centro de Artes Visuales, Mérida, Yucatán y Museo Latino, Omaha, Nebraska.

Saúl Villa

Programa de Residencias (Eventos Especiales), La Chambre Blanche; Québec, Canadá, 2009.

Javier, Humberto y Gerardo en el Caribean Luz 1, de la serie Juan López, 2008 Impresión digital 23.94 x 36 cm Javier, Humberto y Gerardo en el Caribean Luz 2, de la serie Juan López, 2008 Impresión digital 23.94 x 36 cm Juan en el Caribean Luz, de la serie Juan López, 2008 Impresión digital 23.94 x 36 cm

Sin título 2, 2012 Monotipo 52 x 39 cm Sin título 1, 2012 Monotipo 42 x 50 cm

Virginia Varela 32

Susceptible como pocas trayectorias a un abordaje microhistórico, la de Virginia Varela ha destacado en San Luis Potosí, ciudad de donde es oriunda y donde ha vivido por mucho tiempo, con una pintura y un grabado que se ha construido en el diálogo constante con la obra y la enseñanza de artistas que trabajan problemas de forma, composición, materia y color. Representativa de una localidad, pero también de un horizonte “Macro” en la producción pictórica y gráfica, Virginia realiza un trabajo poético y sutil, de impacto inmediato, que invita al goce y a la experimentación de sensaciones. Encarna al artista que habla a través de la obra; de la obra que habla desde los gestos, desde la multiplicidad de huellas en su materia, desde una plasticidad que invita a la mirada a pasar y a sentir antes que a pensar y, acaso, a evitar el impulso de nombrar y definir; a permitirse acceder con plenitud a la experiencia artística, que en la belleza de sus pinturas y grabados es también estética. Luis Rius Caso

A través de la memoria represento las múltiples posibilidades de la abstracción y el mundo espiritual de las formas, del espacio y del color, surgiendo ciudades invisibles, paisajes y presencias que se proyectan a espacios de luz.

“Miro las uniones que aluden a otras frases en la obra de Virginia Varela, versiones de complejidad de un mundo más vigoroso y revelador, sin reprimir la transformación de lo real e imaginario de sus hallazgos anteriores.” Tomás Parra

Ha tenido exposiciones en los siguientes recintos de la ciudad de San Luis Potosí: Museo Nacional de la Máscara, 2011; Galería Germán Gedovius, 2008; Galería Juan Blanco del Centro Cultural Palacio Municipal, 2007; Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa del I. P. B. A., 2006; Galería Tere Caballero del Centro Cultural Palacio Municipal, 2004; Galería Rocha Cordero del I. P. B. A, 2003. Mención Honorífica en el Certamen 20 de Noviembre, San Luís Potosí, S. L. P. en 2006 y 2010.

Friso dibujado, 2009 Vinilo autoadhesivo recortado sobre moldura prefabricada cubierta de cemento y gesso 11 x 122 x 6.5 cm La emperatriz, 2009 Acrílico sobre moldura prefabricada cubierta de cemento y gesso 21.5 x 122 x 13.5 cm

Berta Kolteniuk 34

Añadidos en remates, esquinas o muros de una construcción real o imaginaria, monumental o mínima, o bien, significándose a sí mismas como formas devenidas en artísticas, los frisos y las esquinas de Berta Kolteniuk nos observan. Asentados en la personalidad de sus colores sólidos y brillantes, de su bien hechura, de su licencia de tener que significar necesariamente algo, están ahí, proponiendo la vivencia. La opción está en nosotros, en nuestra capacidad de de-construir y de significar con ellas nuevas arquitecturas mentales, o bien, de permitir una relación más abstracta y compleja con su bien conquistada autonomía artística. Más cercana a la singularidad y a la relatividad que a los grandes relatos; más proclive a la seducción de la idea y del gesto que a la estridencia del tema y de las imágenes, Berta cultiva con exquisitez y originalidad, desde hace décadas, una veta de aliento constructivista que en mi opinión resitúa con seguridad a la estética y a la dimensión espiritual, en la experiencia del arte. Luis Rius Caso

Mi trabajo surge de la experimentación en la pintura con la que llevo trabajando muchos años, llegando a una síntesis de exploración cromática, basada en campos de color en formas modulares tridimensionales con las que exploro el espacio.

“La obra exhibida aquí (...) –a la fecha la síntesis más terminada de un trabajo concentrado y luminoso mejor recibido en los Estados Unidos que en México– es una puesta en materia del proceso de observación y valoración de los ciclos vitales: el cambio estacional, la permanencia y la fragmentación del ser entre los azares genéticos, la muerte como condición necesaria de la vida.” Álvaro Enrigue, Washington 2003

Artista de larga trayectoria, egresada de la ENAP. Radicó en Estados Unidos de 1997 a 2004. Ha participado en más de 80 exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero. Entre sus muestras individuales destacan: Menta y chocolate, Fundación Sebastián, 2009. Chrome, 10 años de trayectoria, 1999-2009, Polyforum Cultural Siqueiros. Two perspectives, Skape Gallery, Seúl Corea, 2005. Rosebud, Galería Drexel, 2004. Traveling, Adani Gallery, Dallas, Texas. Cold & Warm, Instituto Cultural Mexicano, Washington, DC. Antártica, Instituto Cultural Mexicano, San Antonio, Texas, entre otras. Recibió la beca de artista por el DC Commision on the Arts and Humanities, Washington, DC, 2003 y la Beca de Proyecto y coinversiones, Fonca, 2009.

Jeannette Betancourt 36

Tengo la costumbre de asociar las bellísimas esculturas e instalaciones de Jeannette Betancourt con la genealogía modernista, de origen ruskiniano, que exaltaba a la naturaleza pero sobre todo a los signos artísticos que la referían. Si bien ahora ya no percibimos a la naturaleza como una basta realidad a dominar, sino más bien, como una dolorosa realidad a restaurar, persiste el asombro por el signo que la representa. Más aun cuando éste proviene de una artista con la cultura contemporánea y la creatividad de Jeannette, quien trabaja materia y vacío, formas y contextos desde una poética muy fina, de estilizaciones y resoluciones formales, estéticas y conceptuales sumamente limpias, que combina en varias ocasiones, con notable éxito, materiales povera con acero corten, con el cual logra resultados plásticos sumamente notables en el momento y durante la vida de las piezas, marcada por su proceso de oxidación. Luis Rius Caso

Artista multidisciplinaria. Puertorriqueña, naturalizada mexicana. Desarrolla obras basadas en situaciones inminentes en torno a la naturaleza. Privilegia la tridimensión (escultura, instalación, intervención) y la exploración de soportes materiales diversos que procura manejar y comprender tanto en su dimensión física como de significación.

“Reflexiva hasta la médula, Jeannette Betancourt contiende con el reto de la fábrica del espacio como quizá nadie lo hace: con una intensidad sólo equiparable a la complejidad de su concepción formal.” Luís Ignacio Sáinz

Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca, 2013-2015. Cuenta con obra pública en: la Universidad Autónoma Metropolitana/ Azcapotzalco. Selección de exposiciones: Otoño, la Av. Reforma, 2012; Habitar el corazón, Centro para la Conservación de la Mariposa Monarca en Michoacán, 2011; El Bosque, 2010; Uadis, 2010; El Abrazo, 2010; Espigas de Viento, 2010 y Los Guardianes, 2011. Proyectos: Mayo de 2013, Residencia artística en Le Cube Independent Art Room. Rabat, Marruecos.

Naturaleza perdida (trĂptico), 2011 Corte lĂĄser en acero, rolado y soldadura. 200 x 31 x 31 cm c/u

Mirror of the soul, 2012 Obsidiana tallada y grabada sobre espejo de agua 9 x 20 x 11.8 cm

Jorge Ismael Rodríguez 38

Jorge Ismael Rodríguez es un artista tridimensional cuyas esculturas, instalaciones e intervenciones se corresponden con una visión del arte que toma en cuenta “la verdad de la tierra y de la comarca”. Cercano al artista relacional abordado por Nicolas Bourriaud y a su sinónimo, el artista de la participación (ambos muy diferenciados del artista social moderno, de fácil consumo), Jorge Ismael involucra a comunidades, al espectador-crítico o al otro, desde propuestas de amplio espectro bien forjadas en el conocimiento del arte contemporáneo, tanto objetual como en estado gaseoso (Michaud). Su trabajo se distingue particularmente por la calidad y pertinencia de saberes, rituales y prácticas que involucra, así como por su alta sofisticación, profundidad y refinamiento. Como en el artista ciudadano teorizado por Siqueiros, en las obras y acontecimientos de Jorge Ismael se advierte una moral, en el sentido idealista y más positivo del término, ligado también con la belleza, que aumenta el relieve y la actualidad de sus propuestas. Luis Rius Caso

Formado como artista tridimensional crea esculturas, interviene espacios y construye instalaciones. Usualmente dota a sus obras de valores simbólicos para re-significarlos como “objetos propiciatorios”, ritualiza los procesos, establece diálogos con el público y siempre está atento a encuentros fortuitos.

“Hemos visto la transmutación de su obra en objetos propiciatorios, sus grandes ambientaciones formadas por objetos-sujetos, esculturas y textos convertirse en naves a la introspección y a sus instalaciones mas recientes en espacios rituales.”

Encuentro Nacional de Arte Joven, de 1987 a 1991. Monumento al paraguas, Feria Arco, Madrid, 2005. Primer premio II Mostra Internacional de Arte Ultratual, Brasilia. Artista del año por el Proyecto Cultural Sur-Vancouver, 2005. Proyectos en Japón, entre ellos: escultura para el Estadio E-Copa Shizuoka, 2002; Conector Natura Cultura, 2003 y Bosque de los buenos deseos, 2012. Los dos últimos en el marco de la Trienal de Echigo Tsumari. Festival International d´Arts visuels L’été des arts, Chateau de Chevigny, Francia con la creación del Musée de la fin du monde, proyecto MAYAS 21.12., 2012.

Enrique Salinas Enríquez

Max´s book, 2012 27 piezas de obsidiana tallada y grabada sobre piel De 6 x 5 x 7 cm a 19 x 8 x 5 cm c/u aprox.

Agradecimientos 40

El Colectivo Archipiélago agradece a cada uno de sus integrantes el compromiso, generosidad y calidad profesional aportados por cada uno, tanto en la dinámica de discusión grupal como en los esfuerzos de producción y curaduría de esta muestra. En particular agradecemos en todo lo que vale el apoyo técnico, de logística y gestión realizados por Ricardo Atl, Jeannette Betancourt, Mónica Dower y Aurora Noreña. También agradecemos mucho la participación generosa y creativa que nos brindaron en varios momentos otros integrantes de Archipiélago, investigadores, promotores y artistas, Blanca Lamadrid, José Gutiérrez y muy en particular nuestra colega y amiga Mariblanca Navarro, cuya presencia y opinión constante ha sido una referencia significativa para el grupo. Quedamos también muy agradecidos con Natassja López, por su apoyo técnico y de asistencia, que hizo posible la consolidación y la dinámica interna del grupo. Asimismo, expresamos nuestra profunda gratitud por compartir esta experiencia con nosotros, a Jorge Espinosa Fernández, director de Arte Hoy Galería, así como a la curadora Bárbara Perea y al equipo de la galería, integrado por Marianna de Regil, Yessica Díaz Buitrago y Daniela Cruz Benhumea.

Créditos de la exposición. Luis Rius Curaduría, investigación, documentación y cuidado de la edición

Bárbara Perea Asesoría curatorial

Luis Rius, Jorge Espinosa Fernández, Mónica Dower, Bárbara Perea, Marianna de Regil, Yessica Díaz, Daniela Cruz. Coordinación general

Colectivo Archipiélago y Arte Hoy Galería Museografía y montaje

Daniela Cruz Comunicación

Yéssica Díaz Difusión

Jorge Ortega del Campo Diseño editorial

Colectivo Archipiélago Fotografía

Contacto 42

Jorge Espinosa Fernández jespinosa@artehoy.com.mx

Marianna de Regil mdregil@artehoy.com.mx

Yessica Diaz ydiaz@artehoy.com.mx

Daniela Cruz dcruz@artehoy.com.mx

www.artehoy.com.mx Presidente Carranza 176 Coyoacán 04000, México, D. F. Tel: (55) 5554 0155