PALABRAS DE LA MAESTRA CLAUDIA FUENTES DE LACAYO El analista suizo Carl Gustav Jung, descubridor del inconsciente colectivo, escribió en su libro “El Hombre y su Símbolos”: “La posibilidad de llegar a una rica veta del inconsciente y traducirlo de manera efectiva en la filosofía, la literatura, la música o el descubrimiento científico, es uno de los fenómenos de lo que comúnmente se llama genio. "Ian Alden Russell expuso en su documento "el arte y la arqueología, una alegoría moderna", que los vínculos profundos entre la arqueología y el arte contemporáneo, visual, material y gestual, están íntimamente relacionados en la cultura.
Yo comencé mi práctica artística en los años setenta del siglo pasado, compartiendo con la arqueología la sensibilidad para profundizar en lo desconocido, acercándome a los vestigios cerámicos como tema y la memoria histórica como una propuesta para explorar, incluyendo los símbolos del consumo, lo que incluye al espectador en la resolución del lenguaje de mis pinturas. Como yo, desde los años setenta varios artistas centroamericanos han indagado en ese mundo desconocido o ignorado por la cultura hegemónica, con propuestas como las de Ilse Ortiz de Manzanares, David Ordóñez Lacayo de Guatemala y artistas que en la misma línea desde los ochentas y noventas han indagado en esos espacios, hasta el nuevo milenio, en el que muchos artistas han profundizado en el cuestionamiento de lo aprendido que deja por fuera a nuestros pueblos originarios.
En esta muestra, reconocidos artistas guatemaltecos, David Ordóñez Lacayo, Fernando Valdiviezo, Pedro Canivell, Edyn Macario Cúmes, Marlon Puac, Igal Permuth y Milagro Quiroa Fernández, nos brindan su propuesta para hacernos ver más allá de lo usual, lo aprendido con la mirada colonial y la sociedad de consumo, que no nos deja ver más allá nuestro potencial como pueblos originarios. Nos acompaña también Margarita Lucía (Maggie) Valero de México, quien desde siempre se ha dedicado a la experiencia descolonial. Y de Costa Rica, Ricardo Alfieri, quien desde los ochentas ha trabajado en ese proceso y hoy como Presidente de la Asociación de Artistas Costarricenses promueve ese pensamiento entre los miembros. También del vecino país nos regalan con su aporte artístico Li Briceño, gran grabadora que es mitad tica y mitad boliviana, Patricia Rucavado que trabaja el “Land Art” o “arte de la tierra”, tan cercano a las expresiones precolombinas. Alessandra Sequeira nos presenta su trabajo en tinta como un homenaje a los mapas estelares grabados en piedra en Guayabo de Turrialba. Alejandra Gutiérrez nos trae un trabajo sobre seda, para que experimentemos estar bajo el techo de Sibú, el dios orginario de la mayoría de pueblos indígenas de Costa Rica. Y Karen Clachar, quien como yo cuestiona ese mundo del consumo, imprimiendo encima de bolsas comerciales o empaques, petroglifos de Guanacaste. Y por supuesto de Nicaragua, nos acompañan el gran artista del metal, quien siempre ha indagado en el arte originario, Luis Enrique Morales Alonso, Laura Báez de Lacayo y su experiencia gastronómica pictórica COMI-NICA, y las esculturas y símbolos nahuas que prevalecieron en nuestro país por Nicaraos y Chorotegas que Ilse Ortiz de Manzanares convierte y representa a través del reciclaje del consumo.
CLAUDIA FUENTES DE LACAYO Maestra del arte descolonial en Nicaragua desde 1970, tal como los Maestros Ilse Ortiz de Manzanares y David Ordóñez Lacayo, de Guatemala Nacida en Nicaragua, Centroamérica, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Managua, Nicaragua. Recibió Cursos Especiales de Arte en la Universidad Católica, Santiago, Chile. Grabado en Nemesio Antúnez Atlelier 99, Santiago, Chile. Sus obras de arte tratan sobre el inconsciente de la gente mesoamericana que sobrevive en la olla de cerámica, el tazón de cerámica roto y la estatuilla de arcilla enterrada bajo las estructuras de la cultura occidental. Con su pincel y cuchillo de paleta, modela cada pieza como si fuera arcilla, y la descubre como un arqueólogo bajo las paredes de la Epistemología de la Cultura Occidental. Ha realizado 17 exposiciones individuales en Nicaragua, Guatemala, Estados Unidos, Chile y Costa Rica y 66 participaciones en grupos en Nicaragua, Guatemala, Costa Rica, España, Chile, China, El Salvador y Estados Unidos. Ha sido galardonada en la I Bienal Centroamericana de San Salvador; reconocimiento en "Entre Siglos", Libro Centroamericano de Arte Contemporáneo, por la Fundación Rozas Botrán y como Maestra de Arte Nicaragüense, Palacio Nacional de Cultura, Managua, Nicaragua. Su obra acaba de ser publicada en el XI International Contemporary Masters comisariada por Despina Tunberg, editada por Worldwide Art Books y exhibida en el Las Vegas Art Museum en 2017. Sus obras pertenecen a colecciones privadas y públicas en muchos países y recientemente sus obra como Maestra de las Artes en su país, se convirtió en parte de la colección permanente de la Galería Nacional del Palacio de la Cultura de Managua, Nicaragua. También es miembro de WEAD, Women Eco Artists Dialog, Claudia Fuentes de Lacayo, VALORES INTERVENIDOS California, Estados Unidos y Proyectos Decolonial de Arte, Arteresponsable 2, 73 x 78 cm., técnica mixta, 2017. Centroamericano y recientemente recibió el Galileo Galilei International Award y el Cristoforo Colombo International Award.
EL GIRO DESCOLONIAL EN EL ARTE MESOAMERICANO a través del tiempo Agradeciendo el espacio maravilloso que se nos ha brindado de tener esta exhibición en octubre en el Salón de los Cristales del Teatro Rubén Darío en Managua, este proyecto expositivo ha sido ideado por la Maestra nicaragüense Claudia Fuentes de Lacayo, bajo mi curaduría, como un periplo didáctico para el público, sobre la mirada de artistas visuales centroamericanos puesta en descolonizar la mente del consumo y la globalización imperantes, hacia la inmersión en las culturas endógenas como temática, con e l fin de reflexionar sobre la sabiduría de los pueblos aborígenes y poner en entredicho la herencia hegemónica del pensamiento Occidental, que damos por un hecho, pero que puede plantearse simplemente como la manera colonial de entender el mundo que nos subalterniza y nos hace repetir modelos exógenos. Por eso, los artistas participantes se sumergieron a partir de los años setenta del siglo pasado en símbolos y valores de las culturas originarias, privilegiando la consciencia sobre esos signos olvidados y abriéndolos a la percepción de un público acostumbrado en su mayoría, a validar únicamente las reglas de las instituciones del arte Occidental y por ende, del mercado, con el fin que estos observadores de las piezas propuestas por los artistas descoloniales centroamericanos, inicien un cuestionamiento de la subalternidad imperante que no nos permite innovar, sino sólo repetir. Descolonizar la mente es volver la mirada a otras culturas y a su manera de entender lo que nosotros, como herederos del pensamiento Occidental, damos por un hecho, pero que puede ser valorado bajo otras instancias por las culturas originarias o por individuos o colectivos que han privilegiado la consciencia sobre las acciones y conocimientos usuales. Descolonizar la mente es abrirla a la diversidad, a la multiculturalidad y a la transdisciplinariedad, y tal como afirma el artista guatemalteco Benvenuto Chavajay, “la palabra arte no existe en el pueblo maya, sino
que es una conexión sagrada”. Para los pueblos originarios, el chamán y el artista, son lo mismo, porque llevan a cabo una hierofanía, siendo que el objeto se convierte en una imagen insólita sin dejar de ser lo mismo, y cuando cambia el espacio profano en sagrado, la teofanía ritual y ancestral es equivalente al “templo del arte” en el que hemos convertido el museo, similar sacralidad ritual se lleva a cabo en un concierto o en un performance o intervención, pero la hemos dejado de reconocer como la transformación simbólica del cosmos que acontece en el ritual sagrado y hoy en día lo calificamos como evento, marco propicio diseñado por la sociedad de consumo. Por esto, el término ARTE no existe en las lenguas originarias, más bien es entendido el artista como el escriba /conejo. El numero 8 en la cuenta maya es el sello solar llamado Lamat (estrella del arte, poder de la elegancia : LAMAT). Asimismo, el espíritu del Ajq'ij (el sacerdote Maya) como el CONEJO, puede dejar el cuerpo para entrar en el mundo sobrenatural para buscar respuestas mediante los elementos y sus imágenes y emplea técnicas para inducir trance e incitar éxtasis, exactamente como el artista conectado al Universo, mediante su ser interior. Cada uno de los artistas que participan en esta muestra, es LAMAT, una verdadera estrella que ilumina rutas distintas para nuestro pensamiento a través de su magnífico arte. Marcela Valdeavellano– Valle, Curadora independiente, https://arteresponsable.org/ mvaldeavellano@arteresponsable.com
David Ordoñez Lacayo, Símbolos de Identidad , madera, pintura acrílica ,130 x 50 x 50 cm. 2017
David Ordóñez Lacayo, El caballito de siete colores, 100 x 75 cm. 2017
David Ordóñez Lacayo, Memoria oculta, gestación I, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm. 2017
David Ordóñez Lacayo, Memoria negada, técnica mixta sobre lienzo, 100 x 100 cm. 2017
La percepción simultánea de varias posturas posibles y los abatimientos a 90 y 180 grados, son constantes en las esculturas de Ilse Ortiz de Manzanares, constituyen formas acordes con la teoría del holomovimiento que postula la física contemporánea y que la escultórica prehispánica ya planteaba, tal como su escultura de latas recicladas, “Ollin Yoliztli” es el símbolo de la vida en movimiento en la mundo náhuatl. Y en nuestro mundo, es el consumo y el desecho que se transforma en un sentido cíclico en sus esculturas y en sus piezas de pared con arte reciclado.
Izq. Ilse Ortiz de ManzanaresXibalbá, técnica mixta, 39 in. x 25 in. x 8 pulgadas. 2015.
Der. Ilse Ortiz de Manzanares– Orden Implicado, técnica mixta39 in. x 25 in. x 8 pulgadas. 2014.
LUIS ENRIQUE MORALES ALONSO Maestro del arte descolonial en Nicaragua desde 1980
El arquitecto Luis Enrique Morales Alonso se ha venido expresando a través de loe metales desde hace más de cuarenta 42 años. Desde el principio de su trabajo artístico, él se ha inclinado por la investigación de las memorias originarias, los signos y símbolos que se reflejan en nuestro entorno como espejos de nuestro pasado. Él mismo lo explica claramente de esta forma: “La MEMORIA registra recuerdos; con su poder nos apropiamos de épocas, historias y personajes. Me cautiva la estética y mitologías de nuestra cultura precolombina. Me atrapan los materiales usados, con vida e historia propias. Me expongo a este reto. Las pupilas con
visión superior, poder imaginar que vemos los límites máximos de las imágenes y objetos materiales, los defectos, ilusiones ópticas que engañan al ojo y se divierten con él. Exploro agrediendo, rayando, puliendo, cortando y estrujando láminas de metal. Golpeando y martillando las hojas de acero. Coleccionando alambres, hierros y desechos sarrosos que han pasado por manos de obreros y “maestrosdeobra,” con la patina del agua, aire, sol, oxidación, colores: VIDA”
LUIS MORALES ALONSO (Managua, Nicaragua 1960)
Estudió en Nicaragua, Guatemala, México y Cuba PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS 1988 Mención Honorifica, 8vo. Certamen Nacional de Artes Plásticas PREMIO 1988, Teatro Rubén Darío, Managua. 1989 Mención Especial, 9no. Certamen Nacional de Artes Plásticas, PREMIO 1989 Galería Casa Fernando Gordillo, Managua. 1990 Nombrado Director del Museo de Arte Contemporáneo “Julio Cortázar”, Managua. 1992 Mención especial, XI Certamen Nacional de Artes Plásticas PREMIO 1992, Galería Praxis, Managua. 1996 Primer Premio en Instalación, Certamen Naturaleza 96, Galería Códice, Managua. 1997 Primera Mención de Honor, I Bienal de Pintura Nicaragüense Fundación ORTÍZ-GURDIÁN, Teatro Rubén Darío, Managua. 1998 Primer Premio Concurso Nacional de Pintura 35 Aniversario del Programa Mundial de Alimentos, Naciones Unidas, Palacio de la Cultura, Managua. 2001 Fundador de Añil, Galería de Artes Visuales. 2001 Primer Premio III Bienal de Arte Nicaragüense, Fundación ORTÍZ-GURDIÁN, Teatro Rubén Darío, Managua. 2007 Nombrado Director General del Instituto Nicaragüense de Cultura. 2007 ORDEN DE LA INDEPENDENCIA CULTURAL “RUBÉN DARÍO”. 2009 Artista invitado de Honor a la BIENAL INTERNACIONAL DE CUENCA, ECUADOR. 2016 PREMIO “LABRADOR DEL ARTE” 100 años de la Universidad Agraria, Nicaragua. EXPOSICIONES
Ha realizado 22 exposiciones individuales en Nicaragua, Guatemala, Perú, Costa Rica, Panamá. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en Nicaragua, Guatemala, Costa Rica, Panamá, Estados Unidos, México, Cuba, Ecuador, Perú, España, Alemania, Checoslovaquia, antigua Unión Soviética, Dinamarca y Polonia. Ha participado en III BIENAL DE LA HABANA, VI BIENAL DE CUENCA ECUADOR, I BIENAL CENTROAMERICANA, III BIENAL CENTROAMERICANA; I, II, III Y IX BIENAL DE ARTES VISUALES NICARAGUENSES.
Detalles de su pieza en metal de gran formato:
RICARDO ALFIERI Maestro del arte descolonial en Costa Rica desde 1980 Aún antes de la creación de su marca “Nochtli”, serigrafía basada en diseños precolombinos sobre diferentes prendas de vestir, Ricardo Alfieri ya se dedicaba a resarcir la memoria precolombina del olvido del consumo masivo y de la mirada eurocéntrica sobre el arte en general.
factor cultural, en tanto los sellos fueron hechos en el pasado precolombino costarricense para imprimir esos diseños en piezas como cerámicas, textiles, en incluso el cuerpo, según explica Priscila Molina Muñoz, curadora de Arqueología de los MBCCR, a quien agradezco su observación. “
El gran artista, crítico de arte y museógrafo, Luis Fernando Quirós Valverde, escribió sobre “Nochtli” lo siguiente: “...Al poner la mirada en la colección Nochtly – Diseños y Estampados Precolombinos de Costa Rica, destacan los caracteres del diseño: buen gusto, asimilación creativa, impresos con rigor. Son activadores que tocan nuestras emociones personales: tienen que ver, como se dijo, con un f
Su trabajo en piedra sintiéndose un verdadero Awá ( los chamanes Briri, Awápa en plural) es una ceremonia compartida, en la que cada pieza guarda los signos originarios y recuerda su contenido en unión con la naturaleza. Izq. “ Altar mayor ” escultura 25 x 20 x10 cm 2016 Der. “Aquelarre” escultura ,27 x 10 x 8 cm 2016
RICARDO ALFIERI Presidente de la Asociación Costarricense de Artistas Visuales ACAV, 2017Fundador y director del taller de arte Gráfica Génesis desde 1999, donde ha tenido la oportunidad de investigar y desarrollar la técnica del grabado junto a importantes artistas nacionales y realizar propuestas gráficas para los museos regionales. Desde esa plataforma inicia una importante gestión cultural que se ha mantenido hasta la fecha. -Amplía desde el 2009 su campo de acción en las artes escénicas con Gráfica Génesis Espacio Escénico, al ofrecer un espacio alternativo para jóvenes creadores y profesionales de la danza. En tal sentido valen destacar programas permanentes como el “Encuentro de Solos Hecho a Mano” y “Coproduzcamos con Gráfica Génesis” y la constante presentación y producción de espectáculos de teatro, danza y música. -Miembro de la Junta Administrativa del Museo de Arte Costarricense desde el año 2010, donde ejerció el cargo de Presidente desde setiembre del 2011 al 30 de junio del 2012. -Miembro actual del Grupo de Danza Graffiti.
Ricardo Alfieri “ Cónclave ” escultura, 23 x 26 x 6 cm. 2016
FERNANDO VALDIVIEZO Maestro del arte descolonial en Costa Rica desde 1980 El pensamiento y la acción económicos, son un aspecto de la vida, aspecto que recibe una falsa luz, si se le considera como una especie substantiva de la vida. Y mucho menos podrá́ encontrarse dicho punto de vista en el terreno de la economía mundial de hoy, que desde hace ciento cincuenta años ha tomado un vuelo fantástico, peligroso y a la postre casi desesperado, vuelo que es exclusivamente occidental y dinámico y en modo alguno universal humano. *1
cuestiona el sistema de valores consumista para unos y/o marxista para otros, que nos hemos tragado sin chistar, pero lo hace sin agredirnos, sino haciéndonos un segundo regalo, el de la ironía, que siempre delinea una sonrisa y desecha la energía negativa que podría engendrar el vernos reflejados en sus dibujos.
Así define el valor prioritario que el mundo eurocéntrico ha impuesto, Oswald Spengler, filósofo e historiador alemán, conocido principalmente por su obra “La decadencia de Occidente.” De la misma manera la línea magnífica de Fernando Valdiviezo, se apropia de esos falsos valores presentes en el dinero: los próceres, monarcas y héroes de nuestras culturas, sinónimos de hipócritas valores que nos tragamos sin cuestionar jamás. Fernando nos regala doblemente al enfrentarnos con su obra, apropiándose del papel moneda de muchos países e interviniéndolo (con notable preferencia por los que representan monarcas), dándole a su trabajo el verdadero sentido de la apropiación en las artes visuales contemporáneas, que nada tiene que ver con el robo, sino con poner en entredicho los símbolos del poder, tal como deja claro Juan Marín Prada en “La Apropiación Posmoderna”: No es el concepto de transmisión de las imágenes, estilos y pautas estéticas a través del tiempo el que opera aquí sino, sobre todo, el de su reubicación contextual. Y ésta orienta inevitablemente la reflexión sobre el arte hacia las esferas de lo social y de lo político. Con ello, el artista nos
“Espíritus ancestrales teniendo qué bailar al ritmo de los wannabe“ 2016.
FERNANDO VALDIVIEZO Artista visual nacido en la ciudad de Guatemala, el 19 de octubre de 1962. - Licenciado en Arte con especialización en pintura por la Universidad de San Carlos de Guatemala, (USAC) - Bachiller en Arte con especialización en Pintura por la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla“, (ENAP) - Obtuvo en 2012 el Premio de dibujo en el Certamen Arte en Mayo de la Fundación Rozas Botrán - Ha participado en más de cien exposiciones colectivas dentro y fuera de Guatemala.
Ha presentado veinte exposiciones personales en Guatemala y Costa Rica. Ha sido jurado calificador en certámenes de arte y diseño gráfico. Fue Catedrático de dibujo en la Escuela Superior de Arte de la Universidad Inter Naciones Actualmente es Maestro de Dibujo en la ENAP.
Dibujos de la serie “HABLANDO EN PLATA“ 2016
TÉCNICA MIXTA: Papel moneda intervenido y dibujo a tinta Miden 45 centímetros de alto por 35 centímetros de ancho.
“Joven indoamericano transculturizado haciendo alarde de sus nuevas habilidades“
“Hombre postmoderno y transculturizado disfrutando los placeres del viaje“
“Sabio hombre americano explicando el legado explicando el legado a sus futuras generaciones“
MARGARITA LUCIA (MAGGIE) VALERO CUEVAS Maestra del arte descolonial de México desde 1980 Mujer Rebozante Textil, deshilado Dimensiones: 246 x 65 cm. 2017 “Hilar es crear y unir una presencia física en un telar, hecho por mujeres como una tradición ancestral, así como sus ropas y atuendos. El rebozo es un atuendo que se utiliza constantemente en la vida de las mujeres, desde hace cientos de años. El rebozo, -en este caso un rebozo que heredé de mi familia-, simboliza el cobijo, la manera de arrullar a los bebés, de cargarlos, de acunarlos, de protegerlos. También es el cobijo cotidiano de las mujeres en el México rural, y son como los vestidos: pueden ser de lo más cotidiano hasta lo más elegante. Depende del trabajo y el material que se utilice. Mi abuela lo usó toda su vida, y yo lo rescato en su memoria, y deshilo, -quito-, todo aquello que puede representar una pérdida, un dolor y un error, para dar presencia a la mujer que soy, convirtiéndome así, en una mujer rebozante.” Así resume Maggie Valero esta pieza excelente de arte textil. MAS DE 28 EXPOSICIONES COLECTIVAS Y 3 INDIVIDUALES PUBLICACIONES 2013 Portada, Journal of Neurophysiology, Noviembre 1,2013; volumen 110, número 9 2001 Cornell study given thumbs-up, The Ithaca Journal, Ithaca, Nueva York, October 1 ,2001 1991 El Cocodrilo, Revista de Poesía, México, D.F. Egresada de la Academia Bezalel de Arte y Diseño en Jerusalén y del Instituto Avni de Artes de Tel Aviv, Israel, donde también fue alumna particular del pintor Assam Abu Shakra. En México, cursa un período en la Academia de Pintura y Escultura “La Esmeralda”. Posteriormente se integra al Diplomado en Museonomía en la Universidad Iberoamericana. Durante más de una década desarrolló proyectos en el campo de la difusión cultural, museografía, administración cultural y asociaciones civiles de carácter filantrópico, como son la Federación Mundial de Amigos de los Museos, la Federación Mexicana de Asociaciones de Amigos de los Museos, A.C., así como fundadora del Comité de Relaciones Públicas y Mercadotecnia del Comité Nacional Mexicano del Consejo Internacional de Museos (ICOM).
MARGARITA LUCIA (MAGGIE) VALERO CUEVAS Durante más de 15 años fue profesora en el área de Artes Plásticas y Visuales, haciendo investigación en materia de educación artística. Su búsqueda personal incluye la licenciatura en Ciencias Religiosas en la Universidad La Salle, además de estudios de otras escuelas filosóficas como el misticismo judío y su simbolismo, a lo largo de los últimos 20 años. Actualmente su interés artístico se centra en la exploración de materiales “simbólicos” que reúne, para expresar una perspectiva de sus propias vivencias, a través de obras relacionadas con actividades o temas femeninos que integran los elementos usados en su vida cotidiana, como es el arte textil y el grabado. Es asesora de la Universidad Nacional Autónoma de México con sede en Costa Rica, productora y locutora del programa de radio “Un raTico en México” (870 AM y 96.7 FM Radio UCR) y Tesorera de la Asociación Diplomática de Ayuda Costa Rica.
DETALLE DE SU PIEZA TEXTIL
LI BRICEÑO Maestra del arte descolonial en Costa Rica desde 1980 Li Briceño cohesiona en sí la fuerza del textil originario que representa los nexos de la mujer andina con el mundo y su línea orgánica. La abstracción y la figuración en tándem, trazadas en los mundos interiores, desembocan es estas formas ingrávidas y espaciales que nos permiten viajar a lugares intrínsecos que mediante sus múltiples técnicas de grabado y su obra textil, nos facilita el reconocimiento de tantas realidades paralelas. En sus propias palabras, esto dice ella de su trabajo: “Conectar, ordenar, construir, desarmar para engendrar de lo simple a lo complejo, en un rescate de la tradición oral y manual colectiva a la memoria que nos habita. Memoria que hila la historia del retazo textil y del grabado, en formas libres que dan paso a la gestación de nuevas formas y códigos sutiles e íntimos.”
Li Briceño “AUPAR I I”
Grabado intervenido: intaglio, estampación manual, xilografía, bloque de goma, linóleo / papeles de diferentes gramajes y calidades. Sobre Papel, tinta de grabado, hilos de algodón. Dimensiones: ancho 52cm x alto 58.5 cm Año: 2017
LI BRICEÑO Nace en San José de Costa Rica el 7 de Abril de 1958.Es artista visual y orfebre. Bachiller en la Enseñanza de las Artes Plásticas y egresada de la Maestría en Docencia Universitaria. Ha participado en 11 Bienales internacionales y en más e 25 exposiciones colectivas y 8 individuales nacionales e internacionales desde 1978. Las obras se encuentran en colecciones privadas y públicas. Presidenta honoraria de la Asociación Costarricense de Artistas Visuales. Miembro 2014-Junio 2016 de la Junta Administrativa Museo de Arte Costarricense. Costa Rica. Miembro Comité curatorial 2014-2015 de la Galería Dinorah Bolandi del Museo de Arte Costarricense. Presidenta 2013-2015 de la Asociación Costarricense de Artistas Visuales-ACAV. Miembro de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos-AIAP. Miembro fundadora de Asociación Costarricense de Artistas Visuales-ACAV. Fundadora y directora 2000-2007de La Casa del Artista. Cochabamba-Bolivia. Miembro de la Asociación Boliviana de Orfebres Profesionales. 2002 Medalla al Mérito Cultural 2002 de la Asociación Boliviana PRO-ARTE. 2001 Medalla Municipal al Desarrollo Cultural. 2001. Cochabamba, Bolivia. 2001-2008 Obra en la colección privada del BID. La Paz Bolivia. Talleres de arte para niños/as con calidades especiales. Talleres para adultos con problemas de Alzheimer, Parkinson y ceguera. Cochabamba, Bolivia. 2000Obra en los catálogos. “Bolivia a la vuelta del siglo”. 2000 y 2001. Bolivia.
Li Briceño “AUPAR I I” Grabado intervenido: intaglio, estampación manual, xilografía, bloque de goma, linóleo / papeles de diferentes gramajes y calidades. Sobre Papel, tinta de grabado, hilos de algodón. Dimensiones: ancho 52cm x alto 58.5 cm. 2017
PATRICIA RUCAVADO Artista descolonial en Costa Rica desde 1990 Patricia Rucavado es una artista costarricense quien viene dedicando su trabajo a la gráfica y la escultura, y de un tiempo a esta parte, se ha dedicado al “Land Art”, como se le conoce, es un movimiento de arte contemporáneo que desde sus inicios, en la década de los 60, buscó provocar la reflexión acerca de la importancia de preservar el medio ambiente mediante intervenciones que transformaron paisajes en obras de arte. Los artistas del Land Art fueron influidos por otras corrientes artísticas como el minimalismo, sin embargo, su trabajo recuerda un arte antiguo y originario, un lenguaje que maneja un diálogo con la naturaleza. En Centroamérica, sólo Patricia Rucavado ha incursionado en esta área utilizando materiales naturales. ESTUDIOS Universidad de Costa Rica, Egresada Maestría Profesional en Paisajismo y Diseño 2007 Universidad de Costa Rica, Quinto Año, Artes Plásticas, 2004 Universidad de Costa Rica, Bachillerato en Artes Plásticas con énfasis en Pintura, 2003 Escuela de Arte y Decoración (ESEMPI) (1989-1992) Universidad Estatal a Distancia, Administración de Empresas Agropecuarias (1981-1983) Centro de Artes Visuales,Gráfica Arquitectónica (1981) EXPOSICIONES NACIONALES E INTERNACIONALES Nido, Objeto Land Art- largo 24 cm x 22 cm de ancho y 12 cm alto. Colectivas Nacionales: en Museos estatales: Museo de San Ramón, Materiales: piedras y madera de teca, 2017 Museo de Puntarenas, Museo Calderón Guardia, Museo Juan Santamaría; Facultad de Economía, Bellas Artes, Comunicaciones, Lenguas, de la Universidad de Costa Rica, Museo de la Galería Mención de Honor Certamen Paisaje Universitario, Pintura, Universidad de Costa Rica. Miembro activo de la Asociación costarricense de artistas visuales ( ACAV ) Miembro de la directiva de ACAV (2014-2012-2011-2010) Miembro de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP) afiliado a la UNESCO con sede en París.
Patricia Rucavado: Paisaje I, Escultura Land Art, largo 65cm x 13 cm ancho x 43 cm alto Materiales: maderas y otros materiales naturales. 2017
MILAGRO QUIROA FERNÁNDEZ Artista descolonial en Guatemala desde 1990 Milagro Quiroa Fernández es una artista guatemalteca entregada la espiritualidad de la cultura maya, desde siempre. Hija de uno de los grandes Maestros del arte descolonial, miembro fundador del grupo Vértebra, cuya diversidad expresiva fue notable por ser no sólo un tremendo artistas visual que retó siempre las condiciones impuestas por el eurocentrismo, sino que además, fue un gran escritor y caricaturista. Por ese motivo, las hermanas Quiroa cada una, ha sido heredera de esa capacidad amplia y cuestionadora que Milagro convierte en lirismo. Su obra, siempre ligada a retar el patriarcalismo, así como el dolor femenino, ha sido catalogada como “artista sanadora”, en múltiples exposiciones que ha realizado internacionalmente, porque su intención siempre es liberadora, por lo tanto, descolonizadora. Las piezas que presenta en esta muestra, son un ejemplo de la liberación de los valores coloniales, situadas en Antigua Guatemala como metáfora.
Milagro Quiroa Fernández, Capuchinas encantada por el Tzikin, acrílico sobre lienzo, díptico, 120 x 80 cm. 2017.
MILAGRO QUIROA FERNÁNDEZ Nace en Guatemala en Mayo, 1960, su trayectoria como artista plástica da inicio en 1979 con una exposición individual en la Escuela de Artes Plásticas. Ha realizado 35 muestras individuales y participado en más de 50 exposiciones colectivas de pintura, dibujo, diseño de joyería artística e intervención de objetos. entre ellas en: Patronato de Bellas Artes; Sala Miguel Ángel Asturias de la Asociación de Periodistas de Guatemala APG; Universidad Rafael Landívar; Instituto Guatemalteco Americano IGA; Colegio Mayor Santo Tomas, Antigua Guatemala; Sala del Artista Casa Santo Domingo, Antigua Guatemala; Centro Cultural el Sitio, Antigua Guatemala; Centro Cultural Miguel Ángel Asturias; Centro Cultural Metropolitano; Cantón Exposición; Mas Arte Corredor Cultural Guatemala y el Salvador; Galería El Túnel; Galería Rocío Quiroa; XII Festival del Centro Histórico; Museo Ixel, Galería de la Fundación Guayasamín Ecuador, Bienal de Guayaquil 2008 y 2016, Life Force Arts Center Chicago USA, Progetto 7Lune Venecia, Italia; además de exposiciones y subastas con fines benéficos. En 2008 publica el libro “La Hija de los Nawales” con sus obras que también han formado parte de publicaciones del 13 Baktun en 2012, Ha ilustrado libros, revistas literarias, afiches, su obra fue imagen del V Congreso Latino Americano sobre Derechos Sexuales y Reproductivos en 2010. Colecciones privadas en Estados Unidos, México, Colombia, Ecuador, Europa y Guatemala tienen su obra. Postulada al premio Velázquez de las Artes Plásticas en Madrid (2006); medalla al artista del año en artes plásticas (2007), por la organización Premio al Artista de Año; Medalla de participación en Más Arte Primer Corredor Cultural, Guatemala – El Salvador. Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de San Carlos de Guatemala, cursó estudios de Diseño Gráfico y Arquitectura en la Universidad Rafael Landívar y de Antropología en la Universidad de San Carlos.
Milagro Quiroa Fernández, Santa Catarina Viajera, óleo sobre lienzo, 80 x 80 cm. 2017
Huellas de una herencia, Museo La GobernaciĂłn, Liberia, Guancaste.
Casa de AmĂŠrica Latina, Lyon, Francia.
IGAL PERMUTH Artista descolonial del nuevo milenio, Guatemala. Igal Permuth ha venido trabajando la doble moral y la dualidad imperante en la consciencia colonizada desde hace más de quinientos años en el mundo globalizado, él mismo explica así sus piezas:
“Dentro de la fauna de cuerpos arquetípicos desarrollo la investigación-creación “El Color Prohibido”. Busco develar las construcciones de los códigos y niveles de conciencia, las heridas, huellas y los fragmentos donde se construye un repertorio de lenguajes, que cuestionan o avalan el concepto de prohibición, ya
sean sociopolíticas o socioeconómicas, en fin, como elementos culturales. Los elementos infantiles son importantes en la construcción de mis piezas, ya que son los referentes, los elementos de ese momento; nuestra infancia, que es donde construimos nuestro repertorio y creamos nuestros acuerdos con el mundo de los códigos con los que reafirmamos nuestra realidad. Utilizo maniquíes como lienzos en blanco, para ver las imágenes reales de estos cuerpos y poner evidencia los distintos márgenes, espacios temporales, construir lecturas abducidas dentro del contexto guatemalteco. “
Igal Pemuth, Serie Color Prohibido; izquierda: Reina de Tercer Mundo. Técnica mixta, 12 x 22 pulgadas, 2017
Derecha: Joven tercermundista, técnica mixta, 12 x 22 pulgadas, 2017
IGAL PERMUTH Biografía artísitica resumida: EXPOSICIONES: -2017 Premio Internacional de Arte Milán, Teatro Da Verme, Milán, Italia. -2017 Artconnect, selección de curaduría, Berlín, Alemania. - 2017 Tránsfugas, Galerie Am Park, Viena, Austria. -2017 El Discreto Encanto ... Galería Sol del Río, Guatemala, ciudad. - 2017 Ingravidez, Estudio de Arte Jorge Jurado, Bogotá, Colombia. -2017 Mundos Simultáneos, Fundación G & T, Guatemala, ciudad. -2017 Mundos Simultáneos, Sala Marco Augusto Quiroa, Museos Casa Santo Domingo, Antigua Guatemala. - 2016, Exposición Colectiva: "Te quiero, te odio, sin ti no puedo vivir", Espacio Dos Puntos, Guatemala. - 2016, Exposición Colectiva: "Linking Centuries", Fundación Continental G & T, Guatemala 2016. -2015 Exposición Individual, "María Colores", Galería El Attico, Guatemala, ciudad. - 2012, Exposición individual: "Plaqueada", Palacio Nacional de Cultura. - 2010, Espectáculo individual: "La leona de dos mundos", 9,99 / Proyecto. - 2010, Exposición individual: "La Feria" en el marco del festival Foto 30, Mansión Panza Verde. - 2007, Exposición Colectiva: "Tarzán López", Sala Marco Augusto Quiroa, Museo Santo Domingo, La Antigua Guatemala. - 2006, Exposición colectiva: "Family Triptyc", Irving Arts Center, Dallas, Texas, Estados Unidos. - 2006, Exposición Colectiva: "CHANCE", en SOMARTS Main Gallery, San Francisco, California, USA. - 2005, Exposición Colectiva: "Triptych of Family", Casa del Centro Cultural IGA. - 2005, Exposición Colectiva: "Family Triptych", CCA, Abilene, Texas, USA. - 2004, Exposición Colectiva: "Family Portrait", Cooperación Española, Antigua Guatemala, 2004. - 2004, Exposición Colectiva, Galería Mozart, Hotel Santo Domingo, 2004.
- 2003, Solo Show: "El viaje", Galería Phoenix, Moscú, Rusia. III Festival Latinoamericano, Federación Rusa. - 2003, Exposición Individual: "El Viaje" - Canton G & T Continental Exhibition. - Exposición Individual: "The Journey" - Teatro Ermitage, Moscú, federación. II Festival Latinoamericano, Federación de Rusia, 2002. - Exposición Individual: "Arte y fotografía", Museo Ixchel Guatemala, 2000. - Exposición individual: "Arte & Fotografía Igal Permuth", Fronteras Fotografía de Bellas Artes, Coral Gables, Junio 2000. -Solo show: "La Isla", Galería El Ático, 1999.
Igal Permuth, El Color Prohibido, Pero sigo siendo el Rey, técnica mixta, 24 x 36 pulgadas,, 2017
ALESSANDRA SEQUEIRA Artista descolonial del nuevo milenio, Costa Rica. En Octubre exhibe en “Colectiva Centroamericana”, Artflow, Costa Rica; también en “Fazer Sentido” en el Museo Municipal Ilhavo, Portugal y en MC Galley, New York. En Septiembre de 2017 es la única finalista en The Global Art Awards, Dubai, en Pintura Abstracta. En mayo de 2017 fué reconocida con el Premio Internacional Caravaggio que brinda EA Editore, Palermo y también participó con los curadores Francesco Saverio Russo y Salvatore Russo en la Bienal de Barcelona y con la Galería Jorge Jurado Art Studio en New York Art Expo. También ganó el premio Dante Alighieri, en la Biennale Peschiera del Garda y exhibió en enero y febrero en Labyrinths en el Palazzo Ca’ Zanardi, en Venecia, Italia y en Ingravidez, en la galería Jorge Jurado Art Studio en Bogotá, Colombia. En mayo de 2017, fue invitada de nuevo especialmente por Fundación Rozas Botrán para participar en Arte en Mayo y dar una charla en la Universidad del Istmo, -UNIS-, en Guatemala. Su obra aparece en varias publicaciones internacionales, entre las que destacan The First Berliner Art Book 2017, Berlín, Alemania; Studio Visit Magazine, Boston, MS, Libro 1800, Nicaragua y ENTRE SIGLOS, Arte contemporáneo, Fundación Rozas Botrán, así como el curador británico Ralph C. Valley, ha escrito sobre su trabajo y formará parte de un libro que prepara sobre arte Centroamericano: https://curatorial -poetry.yolasite.com/art-entanglement.php En 2016 tuvo una exposición personal en Galería Cayalá, de Fundación Rozas Botrán y actualmente una sala dedicada en la exposición permanente en el Museo UNIS/Rozas Botrán, MURB.. También ofreció una experiencia de arte relacional en la Universidad del Istmo, en el Museo de Arte Contemporáneo con la Fundación Rozas Botrán de Guatemala. Fue invitada a exhibir en octubre en OXYGEN FRAGMENTED IDENTITIES | Bogotá 2016, en Jorge Jurado Art Studio,
así como en el colectivo “Colors to Inspire” de la galería Ward-Nasse, Nueva York , en diciembre 2016. Cuenta con más de 52 exposiciones colectivas entre las que destacan la muestra en el Museo de Arte Moderno de Guatemala, de ENTRE SIGLOS, el libro de arte contemporáneo centroamericano de la Fundación Rozas Botrán y también en 2016, fue una de las seleccionadas en T.I.N.A. Prize, Moscú y ganó el Exhibition Prize del IEAA, Art Dubai en TAG Gallery, Bruselas, donde exhibió. También fue invitada a VALOARTE, Costa Rica donde continúa en proyectos de la galería ART FLOW. Alessandra Sequeira, Guayabo cósmico, tinta acrílica sobre papel, 107X79 cm, 2017.
ALESSANDRA SEQUEIRA
Proyectos Descoloniales en el Arte, en el Instituto Nicaragüense de Cultura Hispánica https://www.academia.edu/9509818
Exhibió de junio a agosto, en “7 Pintoras Latinoamericanas” en los Alessandra ejecuta cada trazo y cada gota de tinta, con gran maestría Museos de Casa Santo Domingo, Santo Domingo del Cerro, en Antigua y esto la han convertido en una dibujante empedernida, algo inusual Guatemala y en “Las Trazantes”, en Galería Rocío Quiroa. También entre los artistas plásticos contemporáneos, que prefieren la pintura, exhibíIó en 2016 y 2015 en Life Force Center, Chicago; Upstream el video y las instalaciones, sobre el trabajo delicado y paciente de los Gallery New York, NorthernTrust y Espace Expression Gallery, con dibujos a pluma. Los trazos largos y precisos de Alessandra, su LatinAmerican Art, Auction & Awards, Miami, donde ganó la Mención destreza y control de la técnica se evidencian en cada pieza, dado su de Honor por Costa Rica; en 2015 participó en la 5ª Trienal de Riga, alto nivel de acabado, que destaca por su delicadeza y detallismo. Letonia, donde forma parte de la colección del Museo y exhibió en la Debido a la epigenética, término que viene de la palabra griega epi Galerija Arka en Vilna, Lituania. Expongo en 2016, 2015 y 2014 en Arte que significa por encima, o sea por encima de la genética, estos en Mayo, Museo de Arte Moderno de Guatemala. Sus recientes fenómenos que parecen exhibiciones personales han sido en Galería Cayalá de Fundación Rozas mágicos, paralelos al Botrán en Guatemala, en Colorida Art Gallery, Lisboa, Portugal y otra profesionalismo de la en el Museo Calderón Guardia, en San José, Costa Rica. Es también artista, hacen posible que parte del grupo de artistas su percepción del Universo “Top 7” de Galería ArtFlow. y su producción artística Expone y ofrece una contribuyan activamente a experiencia relacional en ampliar nuestro ser y estar la Escuela Nacional de en el mundo. Así es como Arte Plásticas de sus dibujos en esta muestra Guatemala en su 94 basados en los mapas aniversario. Representa a cósmicos del sitio Costa Rica como arqueológico de “Guayabo” seleccionada en la Bienal en Turrialba, Costa Rica, son CONTEXTILE 2014, en un sistema de unidad con Guimarães, Portugal y la las percepciones representa Colorida Art Gallery en Lisboa. En 2014 Alessandra Sequeira, Izq. “Sinapsis ancestral” tinta acrílica sobre papel, formo parte de la iniciativa 107 X 85 cm. 2017 Arriba: “Mapa estelar de Guayabo” tinta acrílica sobre papel, 107 X 79 cm. 2017
LAURA BÁEZ DE LACAYO Artista descolonial del nuevo milenio, Nicaragua. Laura Báez de Lacayo , Maestra de las artes Nicaragúenses, su obra forma parte de la colección permanentente del Palacio Nacional de la Cultura. Con más de 42 exposiciones colectivas y dos personales, la última en junio de 2017 en el Teatro Rubén Darío, intitulada “COMI-NICA”, fue seleccionada para formar parte de la colección permanente de la Sala para el libro “The Best of 2016” del International Emerging Artists Award, de Art Dubai, precisamente por su metáfora del mar y la mente. Laura ha ganado varios reconocimientos, entre los que podemos contar ser seleccionada por la curadora Despina Tunberg por ARTAVITA para exhibir en noviembre de 2016, en Spectrum Red Dot en Miami. También aparece en el libro ENTRE SIGLOS de arte contemporáneo Centroamericano de Fundación Rozas Botrán, así como en ICA, International Contemporary Art, editores de artistas seleccionados en su libro anual 2016 en New York, USA. Y entre otros, en su país ganó en 2004 el Tercer Premio del Certamen Nacional de Pintura “Antonio Sarria”, del Banco Central de Nicaragua y en 2002 fue finalista del Premio Nacional de Pintura “Toribio Jerez” del Banco Central de Nicaragua y actualmente, fue seleccionada por el Ministerio de cultura de su país, para exhibir en “Horizontes do Arte na America Latina e o Caribe”, Centro Cultural do Banco do Brasil, Brasilia, DF. Y en mayo 2017, se hizo acreedora al Premio Internacional Goya, de la Bienal de Barcelona, España y fue invitada a exhibir especialmente en Cupola Contemporary Art en Sheffield, South Yorkshire, Reino Unido y el mismo mes en “Arte en Mayo”, en la Fundación Rozas Botrán en Guatemala y también su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo MURB, Universidad del Istmo, Rozas Botrán, en Guatemala.
Laura Báez de Lacayo, VAHO, acrílico sobre lienzo, 122x107 cm. 2016
LAURA BÁEZ DE LACAYO LAURA BAEZ y la resemantización Del Bodegón Desde hace casi una década Laura Báez de Lacayo viene aportando a la pintura nicaragüense elementos nuevos desde el lenguaje abstraccionista; telas, texturas, volúmenes y elementos naturales virtualmente capturados como el agua y el fuego. Un ojo inquieto y sutil que nos revela la habilidad estética y sensibilidad de la pintora, y que se traduce en la “captura” de los detalles y fragmentos de universos mayores atrapados con alta sensibilidad en micro-mundos, que nos devuelve la artista como un nuevo universo que transforma en un mundo de color, sensación, memoria y formas. La pintura actual de Laura nos presenta dos grandes componentes: si por un lado ese lenguaje abstracto depurado, por el otro un contenido venido de la realidad “LAS COMIDAS NICAS”. Este punto de partida e inspiración en esta etapa de la pintora, nos lleva a una RESEMANTIZACION del antiguo tema académico como es El Bodegón. A través de su pintura Laura nos entrega los detalles que llaman la atención de sus ojos y elevada sensibilidad sobre nuestra colorida, olorosa y deliciosa comida tradicional; aparecen Fritangas, Dulces, Gallopinto, Rosquillas, Quesillos, en todas las variedades. Nuevamente valorada la cultura ancestral desde otra dimensión y propuesta actualizada. Manera de ver el modelo y proponerlo renovado, resemantizado; y sobre todo bien trabajado. Estamos ante una de las fundadoras de la Nueva Pintura Nicaragüense del Siglo XXI. Luis Morales Alonso Instituto Nicaragüense de Cultura
Laura Báez de Lacayo, TURRÓN, acrílico sobre lienzo, 122x107 cm. 2016
PEDRO CANIVELL ARZÚ Artista descolonial del nuevo milenio, Guatemala. Pedro Canivell Arzú dio inicio al Taller- Escuela de Esculturas en Piedra en Santa Catarina Palopó, en Atitlán, a raíz del descubrimiento de las piedras que trabajaban los Mayas prehispánicos en los sitios arqueológicos alrededor y en el fondo del lago de Atitlán, en Guatemala y notó que Edyn Macario Cumes, que trabajaba en su jardín, grababa las piedras que encontraba ahí, por lo que decidió devolver a los descendientes de los Mayas que viven ancestralmente en los pueblos que rodean este impresionante accidente hidrográfico de Guatemala, el eco que con aquellos cinceles de pedernal y madera, sus antepasados lograron sobre las piedras con las que elaboraron estelas y la arquitectura de sus ciudades.
Para elegir el palo desde el cual se realiza la danza, los bailadores y participantes hacen el ritual del "Fuego Sagrado", en el cuál se le pide a la naturaleza que les provea con el árbol adecuado y después, entre decenas de hombres, lo trasladan al centro del parque. Este ritual también es parte del Popol Vuh, el cual relata que el palo fue cargado por más de 400 hombres, o sea los 400 muchachos que volando se convirtieron en las Pléyades, de la constelación de Tauro.
Con equipo de última tecnología y medidas de seguridad actuales en el trabajo escultórico sobre la piedra, Pedro montó el taller de escultura costeando a los artistas locales que se han convertido en especialistas de cada área del proceso. Esta escultura, “Mashin”, se basa en la tradición del Palo Volador de Joyabaj, Quiché. Tras subir las escaleras, los hombres, llamados "voladores" ó "mashines", ejecutan la danza basada en una historia del libro sagrado Maya Quiché, el Popol Vuh, en la cual se relata la leyenda de los hermanos Jun Batz y Jun Ch'owen.
Ambos fueron castigados por tratar de asesinar a los gemelos de cada uno, Hunahpú e Ixbalanque. Cuando fallaron en su intento, los dioses los convirtieron en monos. Es por ello que los hermanos bailan graciosamente mientras bajan desenrollando el lazo al ritmo de la música tradicional de Joyabaj.
Pedro Canivell, “Mashin “(hombre volador del Palo Volador, tradición de Joyabaj, Quiiché, Guatemaa) escultura en granito, 61 x 56 x 32 cm. 2016.
PEDRO CANIVELL ARZÚ Pedro Canivell Arzú y cada uno de los participantes en su histórico proyecto “Taller-Escuela de Escultura en Piedra”, están fuertemente vinculados en la premisa compartir su trabajo más allá del individualismo que el mercado del arte ha implantado con más fuerza desde el modernismo la actualidad, a tal como la y neoyorquina Suzie Gablik afirma: “—el arte como expresión estética individual y como vehículo de cambio Pedro Canivell, Pato Poc, escultura en granito, 57 social, debe estar unificado y x 42 x 32 cm. 2016. equilibrado-”. Esta artista, autora, historiadora y crítica de arte, ampliamente reconocida por sus libros y publicaciones, en su libro “El Reencantamiento del Arte”, afirma "...Creo que hay una relación nueva y en evolución entre la creatividad personal y la responsabilidad social, ya que los viejos patrones modernistas de alienación y confrontación dan paso a los nuevos del mutualismo y al desarrollo de un diálogo activo y práctico con otras culturas y el medio ambiente." Pedro es un escultor que desde Madrid ha venido indagando en los puntos ciegos de la cultura. De nacionalidad guatemalteca y española, Pedro decidió elegir los puntos ciegos de la cultura hegemónica como punto de enfoque de su trabajo escultórico indvidual y colectivo.
Unido a la necesidad de recuperar la naturaleza dañada en el Lago de Atitlán que alberga su proyecto, participa también en esta muestra con el “Pato Poc”, ave endémica que despareció por la falta de visión ecológica en el lago. También su “elefantito en granito” basado en el Cerro de Oro, un volcán en formación en el Lago de Atitlán, se basa en la historia de el escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, quien despegaba del aeropuerto de la Ciudad de Guatemala en febrero de 1938, camino a Sudamérica, cuando el avión, accidentalmente sobrecargado de combustible, se estrelló a unos 10 kilómetros del aeropuerto. SaintExupéry resultó gravemente herido. Pasó un tiempo en La Antigua recuperándose de sus heridas. Y su estancia en Guatemala también generó ideas basadas en leyendas locales,, como la de la "Boaelefante". La mazacuata que digiere un elefante en su obra máxima, “El Principito”. Saint-Exupéry llegó al Lago de Atitlán donde vio el Cerro de Oro, que se convirtió en el modelo de "la boa constrictor que digiere un elefante" en la primera página de “El Principito” y esta es la pieza que él exhibe en esta muestra.
Pedro Canivell, Cerro de Oro, escultura en granito, 30 cm. x 20 cm. x 12 cm. 2016
MARLON PUAC MÉNDEZ Artista descolonial del nuevo milenio, Guatemala. Marlon Puac Méndez nació en San Pedro La Laguna, Sololá, en 1984. Guatemala. Artista Visual Tz’utujil e ilustrador de publicaciones Infantiles en Guatemala y en Portland, Oregon, Estados Unidos. Se graduó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” (ENAP) Ciudad de Guatemala. 2005. Especializado en pintura. Fue seleccionado para participar en el libro “Entre Siglos” Arte Contemporáneo de Centroamérica y Panamá, 2015. También seleccionado para representar al Arte Contemporáneo guatemalteco, en el proyecto de Imago Mundi 2017. Bajo los auspicios de la Fondazione Benetton Studi Ricerche. Recientemente finalista en “Arte en Mayo” Organizado por la fundación Rozas Botrán. Actualmente es el coordinador de la galería del Centro de Arte y Cultura Tz’utujil “Samajib’al Achib’al” en San Pedro La Laguna. Sololá. Sus propuestas han estado en más de doce muestras colectivas en Guatemala y Los Estados Unidos. Algunas exposiciones 2017 – Arte en Mayo, Fundación Rozas Botrán, Guatemala 2016 – Diálogos Descoloniales 1, en el Centro de Arte y Cultura Tz’utujil Samajib’al Achib’al. San Pedro La Laguna, Sololá. 2016 - Arte en las Calles, Fundación Rozas-Botrán, Guatemala. 2015- Arte en Mayo, Museo Nacional de Arte Moderno, Carlos Mérida. Guatemala. 2014- Agua y Cultura, Instituto Italiano de la Cultura, Guatemala. 2013- Presentaciones, Koelsch Gallery, Houston. Estados Unidos. 2007- Otra Mirada, Embajada de México, Guatemala. 2002- Bienal de Arte Paíz, Guatemala. 2002- Arturo Martínez, Certamen Nacional de Pintura, Guatemala. 2001- Victor Vásquez Kestler,
Marlon Puac, “Caña de azúcar,” de la serie Latifundio Colonial, Acrílico y tinta sobre lienzo, 54 x 93 centímetros, 2017
ALEJANDRA GUTIÉRREZ MOYA Artista descolonial del nuevo milenio, Costa Rica / Nicaragua Consciente de los cambios sociales en Latinoamérica y la anulación de sus culturas ancestrales que viene sufriendo a causa del concepto moderno de desarrollo con visión occidental, basado en la búsqueda del poder económico y cultural, considero que mi papel como artista es participar en la creación de la consciencia necesaria para fomentar la responsabilidad que a todos nos toca asumir en el descubrimiento de nuestro poder patrimonial.
Alejandra Gutiérrez Moya
Participa con el Tapiz en técnica mixta, MON 810 sobre los daños de MONSANTO a la agricultura latinoamericana en la Bienal Internacional SIART 2009, La Paz, Bolivia, donde es seleccionada para formar parte de la colección de Arte Textil Martha Cajías. Premio VISARTS, Richmond, Virginia, por su obra MOVIESTAR, 2010, Concedido por Fiberarts Magazine. Primer premio por tapiz Beso de Película, 2010 en la Hemspark Galerie, Hamburgo, Alemania. 4ta. Trienal Internacional de Fibras y Arte Textil, Riga, Letonia, 2010 Acreedora del Premio Especial de la trienal con ¨Wonderbra. Su pieza es parte de la colección permanente del Museo de Diseño y Artes Decorativas de ese país. Artista seleccionada para exponer en ART BRA Project, Montreal, Canadá 2011. Merecedora de nombramiento como promotora de iniciativa en América Latina y Caribe. Inicia en 2011 la propuesta colectiva ¨ Un sostén para para la vida¨, para tomar conciencia sobre el cáncer de mama, a través de los ArtBra, iniciativa que lleva a cabo en San José, 2011 y en 2012 , en Montevideo, Uruguay. En 2014 crea el proyecto WonderWoman Art Bra , para el salón especial que le es dedicado en la 5ª. Trienal Internacional de Fibra y Arte Textil de Riga, Letonia, donde partipan más de 40 artistas
internacionales seleccionados por ella. La exhibición colectiva WonderWoman Art Bra, es presentada en Galería ARKA, Vilna, Lithuania, 2014. Ofrece una ponencia en 1er. Encuentro de Arte Textil , Museo de Arte Textil, Oaxaca, México. 2014. Participa en la muestra Proyectos descoloniales en Centroamérica en el Instituto Nicaragüense de Cultura Hispánica (INCH) con su pieza ¨Échate a dormir” en Managua, Nicaragua 2014. Presenta ¨Cada Cabeza es un Mundo¨, pieza para Subasta colectiva, Galería Nacional, San José. 2015 En 2015 es gestora de la iniciativa para tejer solidaridad ¨Una manta por Siria¨, campaña que reúne a más de 400 tejedoras de Costa Rica y envía 354 mantas a Aleppo, Siria. Seleccionada para participar en Arte en Mayo, de la Fundación Rozas Botrán con su instalación ¨Tendidas al diálogo¨. Promotora de la campaña “TEJIENDO EL UNIVERSO¨, con proyecto La Manta de la solidaridad, para llevar mantas tejidas a Talamanca, Limón, Costa Rica. A cargo de su iniciativa desde 2009, del programa Tejiendo Empoderamiento, en la comunidad marginal de Tirrases , San José.
Alejandra Gutiérrez Moya: 'Bajo el techo de Sibú¨ Pintura sobre seda 90 x 88 cm. 2017