Catálogo de la Subasta Dona y Forma - Museo José Luis Cuevas - 25 Febrero 2021

SUBASTA VIRTUAL

25 FEBRERO 19:30 H

¿Quienes Somos?

Somos una iniciativa de la sociedad civil que surge con el objetivo de apoyar financieramente al Museo José Luis Cuevas, recinto que, derivado de la pandemia por COVID 19, requiere del apoyo de todos.

A través de la realización de subastas de arte y de una plataforma de microfinanciación (crowdfunding) es que cumplimos con nuestra meta de promover el arte y aportar los recursos para que este recinto pueda sortear la crisis.

Contamos con el apoyo de muchos creadores quienes generosamente aportan sus obras artísticas para subastar, y también con el involucramiento de personas de la sociedad civil quienes, como nosotros, consideramos al museo como uno de los espacios más relevantes de la Ciudad de México y del país.

El museo que apoyamos El Museo José Luis Cuevas, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, un espacio dedicado a conservar, estudiar y difundir el legado artístico de su fundador y de una generación de artistas que cambiaron el rumbo del arte de México y América Latina.

Ubicado en un monumento del siglo XVII en el Centro Histórico de la Ciudad de México ‒el antiguo Convento de Santa Inés‒ el Museo José Luis Cuevas resguarda una colección de más de 1800 obras de artistas nacionales y extranjeros de la segunda mitad del siglo XX, donde el acervo más relevante lo conforma la obra del autor de La cortina de nopal.

A lo largo de 28 años de historia, el museo ha presentado más de 350 exposiciones temporales de los artistas más significativos de América Latina, para el disfrute de los diversos públicos que asisten asiduamente al recinto, cumpliendo así el deseo del maestro de crear un espacio dedicado a la exhibición del arte de su generación y a la difusión de la obra de los jóvenes creadores.

De igual modo, el Museo José Luis Cuevas presenta, de manera permanente, una oferta de actividades académicas, artísticas, educativas y de extensión, que lo han convertido en uno de los espacios más importantes en el antiguo Barrio Universitario.

El Museo José Luis Cuevas es administrado y gestionado a través de la Fundación José Luis Cuevas Novelo A.C., asociación civil creada ex profeso para ese fin, y cuenta con el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

El objetivo principal de las subastas es la procuración de fondos para el Museo José Luis Cuevas a través de la Fundación José Luis Cuevas Novelo, AC. El procedimiento para la subasta en línea será el siguiente: 1. En el día y hora anunciado para efectuar una subasta, podrá participar cualquier persona que desee adquirir una obra de arte, sea cual fuere su nacionalidad o lugar de residencia.

2. En la transmisión que será EN VIVO, habrá un área en la que cualquier persona podrá hacer pública su oferta de adquisición y la más alta será la ganadora.

3. El martillero decidirá en su criterio cuando dar por terminado o desierto cada lote (obra en cuestión) subastado.

4. El postor ganador deberá pagar en el acto el 50% del valor ofertado y al momento de entregarle la obra el saldo correspondiente de otro 50%, que deberá efectuarse en un lapso no mayor a 10 días hábiles respecto a la fecha de celebrada la subasta.

5. Al postor ganador le será entregado un Certificado de Autenticidad de la obra adquirida emitido por el Artista que la haya creado.

6. La obra será entregada en el domicilio del Museo José Luis Cuevas. En caso de que el adquiriente desee le sea enviada a cualquier otro lugar, los gastos de envío así como el aseguramiento respectivo serán a cuenta de la persona que adquirió dicha obra.

José Luis Cuevas

LOTE 01 Precio estimado $45,000 Precio de salida $30,000

S/T, Grabado, 45x64 cm

José Luis Cuevas

LOTE 02 Precio estimado $28,000 Precio de salida $20,000

Autorretrato, Grabado, 52.8x38 cm

José Luis Cuevas

LOTE 03 Precio estimado $160,000 Precio de salida $120,000

El Fumador, Litografía, 107x78.5 cm

José Luis Cuevas

LOTE 04 Precio estimado $32,000 Precio de salida $23,000

S/T, Grabado, 38.5x76.8 cm

José Luis Cuevas

LOTE 05 Precio estimado $30,000 Precio de salida $18,000

Esperpento, Grabado, 30x40 cm

José Luis Cuevas

LOTE 06 Precio estimado $30,000 Precio de salida $18,000

Autorretrato con Bertha, Agua fuerte y agua tinta, 33x26 cm

José Luis Pasajes

LOTE 07 Precio estimado $85,000 Precio de salida $50,000

José Luis Cuevas, Al Alimón con José Luis Cuevas, 30x24 cm

José Luis Pasajes

LOTE 08 Precio estimado $85,000 Precio de salida $50,000

Siqueiros, Al Alimón con David Alfaro Siqueiros, 30x24 cm

Guillermo Ceniceros

LOTE 09 Precio estimado $250,000 Precio de salida $175,000

Augurios Premonitorios, Óleo sobre tela, 80x100 cm

Esther González

LOTE 10 Precio estimado $45,000 Precio de salida $30,000

Estudio de Arcángel, Óleo sobre tela, 60x40 cm

Roger Von Gunten

LOTE 11 Precio estimado $85,000 Precio de salida $60,000

Torso con dos perfiles, Serigrafía, 125x85 cm

Gustavo Arias Murueta

LOTE 12 Precio estimado $50,000 Precio de salida $35,000

Serie Desnudos, Serigrafía, 101.5x66.5 cm

Gustavo Arias Murueta

LOTE 13 Precio estimado $50,000 Precio de salida $35,000

Serie Desnudos, Serigrafía, 101.5x66.5 cm

Gustavo Arias Murueta

LOTE 14 Precio estimado $50,000 Precio de salida $35,000

Desnudo Luna, Serigrafía, 101x66 cm

Rafael Coronel

LOTE 15 Precio estimado $50,000 Precio de salida $35,000

Desde la Bufa, Giclée, 80x80cm

Arnaldo Coen

LOTE 16 Precio estimado $35,000 Precio de salida $20,000

Desde la Infinidad, Giclée, 35.5x28 cm

Ives Von Gunten

LOTE 17 Precio estimado $55,000 Precio de salida $40,000

El Hombre, Fotografía digital, 150x100 cm

Gustavo Monroy

LOTE 18 Precio estimado $18,000 Precio de salida $12,000

Desierto I, Aguafuerte, 59x45 cm

Gustavo Monroy

LOTE 19 Precio estimado $18,000 Precio de salida $12,000

Desierto II, Aguafuerte, 30x100 cm

Gustavo Monroy

LOTE 20 Precio estimado $18,000 Precio de salida $12,000

Desierto III, Aguafuerte, 100x30 cm

Luz Mari

LOTE 21 Precio estimado $65,000 Precio de salida $40,000

Metáfora, Bronce sobre piedra, 70x28x27 cm

Gabriel Macotela

LOTE 22 Precio estimado $40,000 Precio de salida $30,000

S/T, Acuarela, pastel y carbón sobre papel, 56x82 cm

Gabriel Macotela

LOTE 23 Precio estimado $20,000 Precio de salida $12,000

Necac, Grabado, 56x76 cm

Gabriel Macotela

LOTE 24 Precio estimado $25,000 Precio de salida $15,000

S/T, Pirograbado sobre lámina de madera, 60x80 cm

Rocío Klapés

LOTE 25 Precio estimado $42,000 Precio de salida $30,000

La alacena de la abuela, Acuarela, 75x57 cm

Manel Pujol Baladas

LOTE 26 Precio estimado $350,000 Precio de salida $90,000

De la serie Cosmos, Mixta cartón, 90x57 cm

Miguel Ángel Garrido

LOTE 27 Precio estimado $90,000 Precio de salida $60,000

Paisaje con perro, Óleo sobre tela, 190x125 cm

Magda Torres Gurza

LOTE 28 Precio estimado $18,000 Precio de salida $10,000

Nido en abundancia, Giclée, 90x100 cm

Jazzamoart

LOTE 29 Precio estimado $60,000 Precio de salida $40,000

Saxofonista, Acrílico sobre papel, 61x40 cm

Margarita Chacón Baché

LOTE 30 Precio estimado $25,000 Precio de salida $15,000

Trazos en el camino, Monotipo sobre papel algodón, 58x83 cm

Christa Klinckwort

LOTE 31 Precio estimado $70,000 Precio de salida $50,000

Flor Marina, Tríptico en técnica mixta, 80x260 cm

Pedro Camacho

LOTE 32 Precio estimado $16,000 Precio de salida $10,000

Al Destino, Fotografía digital, 60x90 cm

Christian Vizl

LOTE 33 Precio estimado $40,000 Precio de salida $25,000

Cenote cristalino, Fotografía digital, 60x90 cm

Roxana Wiley

LOTE 34 Precio estimado $150,000 Precio de salida $60,000

El árbol de la vida en rosa, Mixta sobre tela, 150x150 cm

Luis Argudin

LOTE 35 Precio estimado $42,000 Precio de salida $30,000

Wirikuta paisaje I, Óleo sobre tela, 40x60 cm

Alberto Ramírez

LOTE 36 Precio estimado $65,000 Precio de salida $45,000

Tendedero, Óleo y arena sobre tela, 90x100

Jorge González Vázquez

LOTE 37 Precio estimado $140,000 Precio de salida $100,000

Sol turquesa, Acrílico sobre tela, 150x200 cm

José Castro Leñero

LOTE 38 Precio estimado $70,000 Precio de salida $50,000

Matutino, Óleo sobre tela, 60x120 cm

Tomás Gómez Robledo

LOTE 39 Precio estimado $45,000 Precio de salida $30,000

Testigos II, Óleo sobre tela, 80x100 cm

Marco Valencia

LOTE 40 Precio estimado $140,000 Precio de salida $60,000

Palmeras en la tarde, Acrílico sobre lino, 34.5x98 cm

Miguel Ángel Alamilla

LOTE 41 Precio estimado $30,000 Precio de salida $20,000

Material inestable, Mixta sobre papel, 65x50 cm

Benito Nogueira

LOTE 42 Precio estimado $32,000 Precio de salida $18,000

Paisaje mexicano, Acuarela, 50x70 cm

Tere Muñoz de Cote

LOTE 43 Precio estimado $30,000 Precio de salida $20,000

Sintiéndote, Resina con pátina tipo bronce, 35x25x7 cm

Dalia Monroy

LOTE 44 Precio estimado $60,000 Precio de salida $25,000

Del Tacón al Son, Acrílico sobre lona, 50x50 cm

Beatriz Simón

LOTE 45 Precio estimado $60,000 Precio de salida $40,000

Peras, Técnica mixta sobre tela, 70x70 cm

Carlos Agustín

LOTE 46 Precio estimado $25,000 Precio de salida $18,000

Grial, Serigrafía, 110x74 cm

Carlos Agustín

LOTE 47 Precio estimado $25,000 Precio de salida $18,000

Icarus, Serigrafía, 115.5x76.5 cm

JOSÉ LUIS CUEVAS Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador cuya formación artística es prácticamente autodidacta.

Fue una de las principales figuras de la “generación de ruptura” con el muralismo mexicano y uno de los más destacados representantes del neofigurativismo.

Mediante el trabajo con la línea de gran ferocidad gestual desnuda las almas de sus personajes retratando la magnificencia de la degradación humana en el mundo de la prostitución y el despotismo.

A mediados de la década de los 50, la obra de Cuevas empieza a ser reconocida por coleccionistas y críticos especializados, entre ellos José Gómez Sucre, quien lo invitó a exponer en la Unión Panamericana (Washington, DC). José Luis Cuevas adquiere notoriedad por sus constantes exposiciones, tanto en Estados Unidos, como en México, el resto de Latinoamérica y en Europa.

Se le atribuye haber "bautizado" como la "Zona Rosa" del Distrito Federal como un homenaje y muestra de gran admiración por la artista cubano-mexicana Rosa Carmina, a la que entonces era una importante área de promoción cultural, intelectual y de la moda de la Ciudad de México.

Fue distinguido con el grado Doctor Honoris Causa, por la Universidad Autónoma de Sinaloa (1984); por la Universidad Veracruzana (2004); por la Universidad Autónoma Metropolitana (2006); por el Instituto Superior de Arte y la Casa de las Américas, La Habana, Cuba (2008) y por la Universidad Autónoma de Aguascalientes.

También recibió la orden de Caballero de las Artes y de las Letras de Francia (1991).

GUILLERMO CENICEROS Es un pintor Muralista mexicano, nace en El Salto, Durango, México.

En 1958 se gradúa de la Escuela de Artes de la Universidad de Nuevo León. Colaboró con el equipo del pintor y muralista David Alfaro Siqueiros en siete de sus murales más importantes, destacando La Marcha de la Humanidad. dentro del Polyforum Cultural Siqueiros. Curioso e investigador, Ceniceros crea o inventa la mayoría de sus herramientas de trabajo.

Amante de la literatura y la poesía tiene un profundo interés en el lenguaje.

Ha tenido importantes reconocimientos y exposiciones de su vasta obra.

En 1969 ganó el Premio de Pintura, SEP. Y en 1999 fue el único mexicano nominado al concurso de Arte Mundial. Fue el creador de los murales que se encuentran en las estaciones Copilco y Tacubaya del Metro de la Ciudad de México, además de muchas obras en instalaciones oficiales del gobierno mexicano.

El año de 2009 se publicó un libro en homenaje al pintor por sus 70 años.

Para conmemorar el Bicentenario de la Independencia Mexicana. El pintor dona un mural para la Cámara de Diputados en la Ciudad de Mexico.

Su obra forma parte de importantes museos y galerías en todo el mundo.

En su estado natal, Durango, se hizo reconocimiento a la obra de este gran Maestro, con el Museo de arte contemporáneo "Guillermo Ceniceros", albergando obra del Maestro y artistas connotados.

ESTHER GONZÁLEZ Nace en Tampico, Tamaulipas. Pintora, dibujante y grabadora, estudió en la Escuela de Artes Plásticas de la entonces Universidad de Nuevo León.

Desde 1970 ha exhibido su obra en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de México y en bienales internacionales de grabado de México, Bulgaria, Cuba, Chile, Holanda, India, Italia, Estados Unidos, Polonia, Puerto Rico, Suiza, Serbia, Venezuela y Yugoslavia. De manera individual, entre sus exposiciones más recientes está la muestra Signo en la Pinacoteca de Nuevo León de CONARTE en el 2008, misma que presentó en Chihuahua, Chihuahua, y en Sofía, Bulgaria.

En 1996 realizó el mural La Capilla de la Vida, localizado en el Hospital Santa Engracia en San Pedro Garza García. Durante su trayectoria ha recibido los siguientes reconocimientos: el Premio de Grabado del Salón de la Plástica Mexicana en 1971, en el que también obtuvo el Premio de Pintura en 1985 y el Premio de Dibujo en 1988, entre otros.

Desde el 2006 es miembro honorario del Centro de Investigación de Arte y Cultura Ortodoxa San Miguel Arcángel en el Centro de Lectura Nacional Dobri Voynikov en Shumen, Bulgaria.

La obra de González ha sido incluida en las exposiciones colectivas de Cien años a través de cien artistas en el Museo de Monterrey en el 2000 y Arte Nuestro en el Museo Metropolitano de Monterrey en el 2005.

El año pasado recibió en su estado natal la máxima presea que otorga en Gobierno del Estado, representado en sus tres poderes, con la Medalla Honor al Mérito, por su amplia trayectoria artística.

ROGER VON GUNTEN Al terminar sus estudios de pintura y diseño gráfico en la Kunstgewerbeschule bajo la dirección de Johannes Itten realiza su primera exposición en 1956 en su natal Suiza.

Tras pasar una breve temporada en Ibiza, España, llega a México un año después inaugurando su primera exposición ése mismo año y se junta con varios pintores jóvenes de la época que más tarde serían conocidos como la generación de Ruptura.

Aquí estudia grabado en metal en la Universidad Iberoamericana y posteriormente imparte clases en esa misma institución. Desde que llegó sintió una profunda identificación con México nacionalizándose en 1980 y viviendo a partir de entonces en el DF, Michoacán y Morelos.

Siendo un apasionado de la botánica, la música clásica y la astronomía su obra abarca pintura, dibujo, gráfica y escultura, caracterizándose por su uso de color, figuras abstractas y formas que buscan siempre la alegría por la vida de lo mexicano.

Desde su primera exposición en México en 1957, su obra forma parte de importantes colecciones nacionales e internacionales. También ha trabajado y expuesto en Suiza, España, Francia, Inglaterra, USA, Canadá, Indonesia y Japón entre otros.

En 1993 es aceptado como parte del Sistema Nacional de Creadores, siendo un impulsor constante del desarrollo artístico y cultural de nuestro país.

GUSTAVO ARIAS MURUETA Fue un artista plástico dedicado a la pintura al óleo, el grabado y el dibujo. En 1960 inició su trayectoria estética. Al año siguiente realizó la primera presentación al público de su obra.

Participó en Bienales Internacionales en Italia, Argentina, Chile, Puerto Rico y Cuba. Su obra forma parte de las colecciones de diversos museos de México: Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional de Arte, Museo de Arte Moderno de México, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo de Arte e Historia, Chihuahua, Museo Universitario Arte Contemporáneo (UNAM), Museo Nacional de la Estampa y Museo de Arte Abstracto de Zacatecas, entre otros.

En el plano internacional, el trabajo de Arias Murueta también forma parte de las colecciones de destacados museos como: National Museum of Mexican Art (antes: Mexican Fine Arts Center Museum) en Chicago, Illinois; Museo de la Estampa, en Bulgaria; Casa de las Américas en Cuba; Paris Art Center en Francia; Museo de Técnicas Gráficas, en Italia y Museo de Arte Moderno, en Ecuador, por citar algunos.

Además, el trabajo de Arias Murueta se encuentra en colecciones privadas como la del Banco Nacional de México, Cementos Mexicanos, Club de Banqueros de México, Colección Pascual Gutiérrez Roldán, el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México y Piso 51, Torre Mayor, México.

Desde 2013 recibió un amplio reconocimiento por su carrera artística de más de 50 años. Reconocimientos especiales y exhibición de su obra y vida artística en: Palacio de Bellas Artes en México, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY), Museo José Luis Cuevas, Museo Manuel Felguérez, entre otros, contando con la presencia en eventos inaugurales del Lic. Rafael Tovar y de Teresa, Secretario de Cultura de México.

ARNALDO COEN Arnaldo Coen nace en la Ciudad de México. Comenzó en la pintura como autodidacta. Desde 1957 y hasta 1960 estudió artes gráficas con Gordon Jones.

En 1959 y 1960 trabajó en el taller de Laurence Calgagno y comenzó a experimentar en el expresionismo abstracto, sin embargo, en su primera exposición individual en 1963, presenta expresionismo figurativo y a partir de 1964 incursiona en el expresionismo fantástico. Fue becado por el Gobierno Francés en 1967 y desde entonces realiza viajes de trabajo a Estados Unidos y a Europa. En 1968 fue miembro fundador del Salón Independiente.

En su desarrollo artístico comienza a trabajar con pinturas objeto y con la escultura, utilizando como tema principal el torso femenino con diferentes tratamientos. Participa con su obra mural y de caballete en las ferias de Hemisferia 70 y en el Pabellón de Osaka, Japón. Aparte de la pintura, entre 1964 y 1983, realizó environments, escenografías y vestuarios para obras de teatro y danza en los que utilizó paneles y objetos móviles, y pintura sobre cuerpo que se presentaron en el Palacio de Bellas Artes, la Biblioteca Benjamín Franklin, La alhóndiga, Guanajuato, el Museo Tamayo y en diferentes teatros de la Ciudad de México.

Entre 1976 y 1981 realiza partituras gráficas con Mario Lavista. En 1972 participó en la creación de Robarte el Arte, una película que se filmó y mostró en Documenta 5, Kassel, Alemania. De 1977 a 1978 trabajó en Africa, en colaboración con un grupo de arquitectos en Dodoma, Tanzania para diseño urbano de la nueva capital.

En 1986 presenta una exposición en el Museo de Arte Moderno de México y realiza un libro en 1987 con el poeta Octavio Paz. Posteriormente trabaja una serie de obras basadas en la obra de Paolo Uccelo que fueron presentadas en 1990 en la Sala Nacional del Palacio de Bellas Artes, en 1991 y 1992 en el Centro Cultural de México en Paris y la Galería Claude Lemand, Paris, Francia. Ha sido tutor de jóvenes creadores en varias ocasiones.

GUSAVO MONROY Nace en la ciudad de México. Estudia en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado La Esmeralda. Desde mediados de los años 80 su obra ha sobresalido a nivel nacional e internacional.

Actualmente forma parte del acervo de importantes museos y colecciones especializadas en México y Estados Unidos, como el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el Museo Nacional de la Estampa, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo Universitario de Ciencias y Artes de la UNAM y el Museo de Arte Contemporáneo Alvar T. de Carrillo Gil, en México; el Museum of Art-University of Arizona y el Latin American Art Museum en Long Beach, California.

Pintor, grabador y dibujante, participa activamente en el desarrollo de la vida cultural de su país. Ha obtenido diversos reconocimientos, entre los que destaca el Premio de Pintura de la IX Bienal Rufino Tamayo.

Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores y ha participado como jurado en diversos concursos nacionales como la XII Bienal Rufino Tamayo, la IX Bienal Alfredo Zalce 2014 y el XXXVII encuentro nacional de arte joven 2017.

LUZ MARI Nace en la Ciudad de México. Graduada en Diseño Gráfico por la Universidad Anáhuac; desde temprana edad mostró habilidad y gusto por el dibujo y la pintura.

A los diez años comienza sus estudios de pintura con el maestro Emilio Monroy; posteriormente continúa su preparación tomando clases con los maestros Edgardo Basurto, José Luis Bustamante, Patricia Cajiga, Lorraine Pinto, Concepción Pombo, Cuca Rivas, Virgilio Rodríguez Kuri y Luz María Solloa, entre otros.

Estudia en The Art Student League of New York, donde participó en talleres de pintura (Sharon Sprung, Doug Safranek y Deborah Winiarski) y escultura (Oscar Garcia, Barney Hodes y Arslan).

Impartió las materias de Fotografía y Técnicas de Expresión Gráfica en la Escuela de Diseño Gráfico y Escuela de Diseño Industrial de la Universidad del Nuevo Mundo; así como clases particulares de Pintura. Realizó la producción editorial fotográfica del libro “Cocina Sin Maquillaje”.

Es miembro activo de ARTAC (Asociación de Artistas Plásticos de México) y de ComuArte (Coordinadora Internacional de Mujeres en el Arte).

Artista certificada por Museum of the Americas.

Ha realizado 11 exposiciones individuales, participado en 40 exposiciones colectivas; su obra se ha expuesto en museos de la Ciudad de México y el extranjero y exhibido y comercializado en 5 galerías de arte.

Ganadora del 1er lugar en Escultura del Festival Internacional Da Vinci 2019, Museo José Luis Cuevas.

GABRIEL MACOTELA Pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico, Gabriel Macotela es un ejemplo de pasión y talento, un mexicano reconocido a nivel nacional e internacional.

Gabriel Macotela realiza estudios en la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda del INBA. Completa su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en el taller del maestro Gilberto Aveces Navarro. En 1977 funda Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero.

A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la ciudad de México y Monterrey. En 1989 presenta Personajes y su sombra en el Consulado de México en Barcelona, España y en 1990 en el Centro Cultural de México en París, Francia. Ha participado en innumerables exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura, y libros de artistas en lugares como Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España.

En 1991 realiza la escenografía de Medea y en 1993 participa en el espectáculo multidisciplinario Babel.En 1980 obtuvo el Premio de Adquisición del II Salón Anual de Pintura del INBA, y Mención Honorítica en la I Bienal de Cuenca, Ecuador y en 1993 es premiado en el concurso-exposición "Juguete Arte-Objeto" en el Museo José Luis Cuevas, México, D.F. A través de algunas de sus exposiciones, Macotela nos comunica el sentimiento de nosotros, metidos en esta ciudad, en esta situación tremenda de México, en que estamos como pasivos y no sabemos qué hacer, en la que estamos atolondrados por todo lo que nos rebasa.

Entre grúas, puentes y edificios, se inauguró una espléndida escultura urbana diseñada por el pintor, grabador y escultor Gabriel Macotela, ubicada a un costado del cruce donde convergen los segundos pisos del Periférico Sur y la avenida San Antonio, la esbelta pieza de 100 metros de altura es un exitoso proyecto artístico denominada “La Mujer Chimenea”.

ROCÍO KLAPÉS Desde pequeña ha estado muy de cerca del arte, tome clases de dibujo, pintura y escultura.

Pinta durante muchos años al aire libre por los hermosos pueblos que tiene México.

Después de ir a los museos de Europa tiene la inquietud de Pintar en otros estilos e ingresa a la ENAP; desde entonces su obra dio un giro de 360° comenzando a pintar abstracto, color, texturas, lo que la mancha le sugiera pegando papeles, recortes que los encontrara interesantes.

Le gusta fusionar lo espiritual, al empezar una obra Klapés medita y pide dar lo mejor de ella en color, eso es lo que en esencia es.

Su inquietud por explorar otras corrientes es inagotable, como arte objeto, escultura alternativa, arte conceptual e instalaciones. ¡La docencia le apasiona, la retroalimenta! desde 1992 ha dado clase en distintas instituciones a niños y adultos, también dirige murales en internados con temática que exalta los valores y nuestras tradiciones.

Le interesa que hagan conciencia y que a través del arte sean mejores personas.

A través de su obra conceptual pretende reutilizar lo usado dándole otra oportunidad a los distintos objetos con esa patina del tiempo y transformarlos en arte para que el espectador dialogue con ellos.

MANEL PUJOL BALADAS Destacado artista plástico catalán que radica en México desde finales de los años 90. Investigador del uso de la materia este artista se expresa en la pintura, gráfica y escultura dentro de la abstracción lírica. La convivencia con tres legendarios maestro: Miró, Dalí y Picasso, con quienes convivió activamente, le hicieron parte del contexto político socio-cultural imprescindible en el s. XX y sus enseñanzas estéticas son parte de su formación, además de la académica y la autodidacta.

Pujol Baladas posee una firma personalizada que usa medios y materias diversos. Implementa técnicas mixtas en donde conviven acrílicos, collage, óleo y texturas que le permiten crear diferentes planos y puntos de luz. Su trabajo artístico propone una abstracción atmosférica que como sucede a lo largo de la historia del arte, es reflejo de nuestra actualidad, de nuestro acontecer. Es una filosofía experiencial donde existe una reafirmación del sujeto a partir del abordaje a lo esencial que puede tener diversas lecturas, haciendo de éstas siempre un análisis emocional e intuitivo. Su personalidad se refleja en su obra: apasionada, con colores vibrantes, moderna, de estilo abstracto y en continua exploración sobre materiales y texturas.

Hasta hoy, participó en múltiples exposiciones colectivas con artistas como Appel, Argimon, Barceló, Bartolotzi, Ràfols-Casamanda, Clavé, Robert Llimós, Rogelio Cuéllar, Cuixart, Farreras, Elvira Gascón, Joan Genovés, Guinovart, Sergio Hernández, Joan Miró, Pelayo, Pablo Picasso, Saura, Nunik Sauret, Subirachs y Tàpies, en distintas galerías y ferias de arte como ARCO (Madrid, España), Expo Ginebra (Suiza), Arte Sur (Granada, España), Art Miami (Miami, EUA), Corinne Timsit (Paris, Francia, y cuenta con más de 80 exposiciones individuales en México, El Salvador, Puerto Rico, España, Suecia, Francia y EE.UU. Ha formado parte de galerías como la mítica GASPAR (Barcelona, España), Corinne Timsit (Paris, Francia) Pecanins (Ciudad de México), Pablo Goebel (Ciudad de México), entre otras y su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo (Denver, Colorado, E.U.A.), Museo de Arte Abstracto “Manuel Felguérez” (Zacatecas, México), Museo Sammlung Essl (Viena, Austria), Museo de Antropología de Santiago de Compostela (España), Casa Real Española, Museo Olímpico de Barcelona (España), Museo Olímpico de Laussanne (Suiza), Museo de Arte Hispánico (San Francisco, EUA.), Casa de la Moneda (París, Francia) y colecciones privadas de España, Francia, Italia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Suiza, Colombia, Argentina, Suecia, Canadá, EE. UU. y México.

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO Cursa la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, en San Miguel Allende, Guanajuato, especializándose en pintura bajo la guía del maestro José Ignacio Maldonado (2002-2005).Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en los estados de la República. Su primera muestra individual, Expansión en látex, conformada por treinta y cuatro piezas entre óleos y acuarelas, se presentó en 2005 en la Casa de Cultura Jaime Sabines de la Ciudad de México; en ella estableció un acercamiento a la anatomía humana a través de la naturaleza muerta.

Resultado de la inminente necesidad de representar la figura humana, en 2006 presentó la serie Animal en celo en el Museo de la Ciudad de Querétaro, conformada por veintidós óleos en los que plasmó el extremo del instinto sexual y su abstracción. Al encontrar sentido a lo grotesco consiguió su propósito de mostrar la piel humana y lo carnal en su aspecto más íntimo, con imágenes de lograda factura. Como complemento a esta serie, persiguiendo un equilibrio en los colores y continuando la búsqueda de la redención humana a través de la pintura, preparó Vorágine, presentada en 2008 en el mismo museo..

En su búsqueda por llevar a la pintura imágenes de la vida cotidiana, Garrido preparó tres exposiciones que presentó en Aldama Fine Art durante 2009, 2010 y 2012. Las muestras, cuyos títulos formaban el enunciado "Mientras sigamos vivos, todos nuestros fantasmas serán mi nostalgia", son una gran serie de ciento cuatro obras en las que el artista exploró la referencia fotográfica así como sus accidentes cromáticos y de movimiento. Se acompañaron con la edición de catálogos ilustrados que incluían ensayos de las críticas de arte Berta Taracena, Lelia Driben y Avelina Lésper. A esta serie siguió una cuarta exposición en 2014 en Aldama Fine Art. Bajo el título de Lo que habitamos, continuaba sus inquietudes de plasmar ciertos aspectos de la cotidianidad.

Durante 2019 exhibió Luz adentro, su trabajo de los últimos años, muestra que se presentó en Aldama Fine Art y en Museo del Pueblo de Guanajuato (2019). Obtuvo el reconocimiento del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, ahora Secretaría de Cultura, al recibir la Beca Jóvenes Creadores a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en tres ocasiones, para los periodos 2010-2011, 2012-2013 y 20162017. Vive y trabaja en San Miguel de Allende. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

MAGDA TORRES GURZA Es una pintora hiperrealista. Su técnica se basa en la representación de los elementos más allá del realismo. Sus pinturas al óleo, además destacan por contener detalles, símbolos ocultos y destellos de luz que pueden encontrarse solo si se observa con atención cada una de sus obras.

Inicia sus estudios en el Instituto Regional de Bellas Artes. La búsqueda por perfeccionar su trabajo la impulsa a cursar también Historia del Arte, Técnicas y Materiales para las Artes Visuales, Óptica, así como la carrera de Fotografía.

Ha recibido múltiples reconocimientos por parte de Bellas Artes, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Mexican Talent Network in Germany, Cultura Latinoamericana en Europa y diversos Museos como Museo Casa Estudio de David Alfaro Siqueiros, Museo José Luis Cuevas, Museo Torres Bicentenario.

La Secretaría de Turismo de México le concede el honor de ser considerada como una de las 100 experiencias imperdibles del país. Mediante el certamen "Los 100 Imperdibles" ya que resulta ganadora en la categoría de Arte.

Su labor altruista a través del Arte deja huella en niños en situación de calle atendidos en "Ministerios de Amor". También ha impartido clases a Pintores sin Manos y participado en proyectos como "Encorazona2" en apoyo a niños con deficiencias visuales. Así como también destaca por apoyar proyectos en pro del medio ambiente y el cuidado de ecosistemas y especies en peligro de extinción por medio de Animal Karma Foundation.

Motivo de su altruismo, en 2013 concibe e instituye el proyecto "Artistas al Cubo", procurando fondos para solventar el tratamiento de miles de niños mexicanos con enfermedades terminales.

JAZZAMOART Artista visual mexicano, nace en Irapuato; Javier Vázquez Estupiñán adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte); con estudios en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los ochentas, un estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana.

Considerado por Carlos Montemayor como uno de los tres grandes artistas de Guanajuato, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, su trabajo cuenta con participaciones y distinciones en museos y muestras como la Bienal Iberoamericana de Miami, Museo Reina Sofía en Madrid, Bienal Tamayo, Tour de la Bourse en Montreal, Trienal de Osaka en Japón, Premio Internacional de Dibujo Joan Miró en Barcelona, Premio del Festival del Centro Histórico, Premio del Bicentenario de la Revolución Francesa, Bronx Museum of Art en Nueva York, Bienal de Beijing, Museo Nacional de Arte de China, Rijksmuseum en Amsterdam, Salones Nacionales de Pintura, Escultura y Dibujo en México, Phoenix Museum of Art en Arizona, Europalia en Bélgica, Museo del Palacio Bellas Artes y Museo de Arte Moderno en México, Hyogo Prefectural Museum en Japón, Museo Kereva en Finlandia, Museo MARCO en Monterrey, Museo Do Brinqueido en Portugal, Museum of Latin American Art en California y Becas del Sistema Nacional de Creadores, entre muchos otros.

Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Europa, Corea del Sur y Japón, ha realizado escenografías e improvisaciones visuales para los principales exponentes del jazz internacional, como B.B. King, Ray Charles o Diana Krall.

El gestual lenguaje de Jazzamoart permite, a través de su pintura, escultura y performance, generar emociones tanto a los expertos del arte como a las personas que se acercan por primera vez a sus obras.

MARGARITA CHACÓN BACHÉ La obra de Margarita Chacón es una síntesis de lo real con el toque justo de compleja abstracción. Interpretaciones abstractas de recuerdos, sonidos, paisajes, sentimientos traducidos a forma y color los cuales explotan en el lienzo, o el papel creando un fuerte efecto visual, invitando al espectador a su mundo interno, donde la luz y colores intensos son su modo de expresión.

14 Exposiciones individuales en México. Entre las que destacan RAÍCES, la cual se ha itinerado por cuatro ciudades del país, y NEXOS Y TRANSICIONES en el Museo Universitario Leopoldo Flores. Mas de 90 colectivas en galerias y museos de México, USA, Cuba, España, Francia, Inglaterra, Finlandia, Bulgaria, Islas Mauricio, Turquía, Japon, Chile y Argentina.

Mencion de Honor en la I Bienal de Arte Contemporáneo de Argentina y en Artavita, International ContestEmbajadora del Instituto Europeo de Arte Contemporáneo.

Jurado en el certamen Arte Abierto, Museo Universitario Leopoldo Flores, Toluca Edo de México.

Su pieza Revolucionario fue pieza del mes de noviembre 2013. Museo Torres Bicentenario. Toluca, Edo de México.

Invitada a participar en el Festival Franco- Japonaiss en el Museo Prefectoral en Okinawa, Japón.

Representante Internacional de ARTAC, Asociación Mexicana de Artes Plasticas, IAA, International Artists Association, ONG asociada a la UNESCO, y miembro honorario del Institu Europée des Arts Contemporains.

Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas en México y el extranjero.

CHRISTA KLINCKWORT Nace en la Ciudad de México, de ascendencia alemana. Estudia en el colegio Alemán Alexander von Humboldt, Licenciatura en diseño gráfico, Universidad Iberoamericana México, Ciudad de México. No obstante, opta por las artes visuales como desarrollo profesional. Obsesionada por el misterio del accidente creativo que puede manifestarse en una pincelada o en la elección de algún objeto encontrado, buscado o atesorado al paso del tiempo, Christa ha desarrollado una creación multidisciplinaria que se expande de la bidimensión al campo expandido de la tridimensión.

Pintura, collages, fotografía, medios mixtos, ensamblados, instalaciones y grabados en los que la innovación formal se alterna con la interpretación de elementos vegetales y minerales. Restos animales y marinos así como materiales nuevos y viejos, refuerzan la poética simbólica que la caracteriza. Por lo mismo, a lo largo de su trayectoria se develan las experiencias de una artista que se ha interesado por el imaginario cándido, que ha sabido organizar la enseñanza de la gráfica y que ha convivido con el escenario artístico nacional e internacional compartiendo experiencias con prestigiados autores. Estudios y cursos diversos con Maestros reconocidos como: Gilberto Aceves Navarro, Gabriel Macotela, Luis Agudín, Roger von Gunten, Santiago Rebolledo, Miguel Castro Leñero, Herlinda Sánchez Laurel, Mena Pacheco, Prof.Dr. Markus Lüpertz (Alemana) entre otros. Cursos de Pintura, y Técnicas mixtas en Alemania; Kunstakademie Augsburg; Pintura abstracta en Bad Reichenhall; Collage abstracto en Kunstakademie, Hohenaschau; Elaboración de portafolio artístico en Merz Kunstakademie , Stuttgart, Cursos de actualización con la Maestra Blanca González Rosas: La Espiritualidad en el Arte, El Dibujo en la actualidad, Arte actual, El sistema actual del arte, entre otros.

Seleccionada para: Manos para México, Fundación Pedro Friedeberg, Museo Franz Mayer; Fundación México Arte Vivo, Museo de Arte Moderno; Segunda y Tercera Bienal de Arte Sacro, Monterrey, México, (Mención Honorífica en esta última), Art al Vent, España; Grabado del Bicentenario, Ciudad de México, DF (el grabado más grande del mundo); Cowparade, México, entre otras. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas en México y en el extranjero tales cómo: Banco de México, Laboratorios Boehringer Ingelheim Promeco, México, Revista Época, Colección Camaleón; Centro Asturiano; Ayuntamiento de Gata de Gorgos, España; Colecciones particulares en Australia y Phoenix.

PEDRO CAMACHO Nace en la ciudad de México y es Fotógrafo Profesional. Desde pequeño mostró un gran interés por la fotografía cuando su padre indistintamente llevaba una cámara a eventos diversos. Decide Así explorar una de sus pasiones acrecentadas en la adolescencia: La Fotografía, cursando estudios de Fotografía en la ciudad de México.

Con mucha pasión y esfuerzo, consigue que sus trabajos sean valorados y apreciados por sus Clientes. El abanico de ofertas se amplía y realiza producciones variadas como fotografiar temas paisajistas, de retrato, instalaciones industriales, entre otras.

Su estilo se aprecia en las imágenes luminosas y sugestivas que produce, y esto se convierte en un factor de éxito. Sus retratos, a diferencia del estilo estático habitual, son de una naturalidad sorprendente.

Camacho sostiene que el contenido emocional que una fotografía llega a producir es más importante que la imagen misma y de ahí la parte artística que cada fotografía tiene y es aquello que, hasta cierto punto, le da vida propia y es el motivo que busca plasmar en cada toma.

Actualmente, Pedro Camacho realiza trabajos de calidad para empresas de sectores muy variados o proyectos privados, manteniéndose al día con los rápidos avances tanto en equipos como en técnicas de postproducción. La satisfacción de sus clientes y su espíritu perfeccionista son la mejor garantía de éxito: Crear fotografías que comuniquen y hagan palpar sensaciones diversas al ser observadas.

CRISTIAN VIZL Nace en la Ciudad de México. Es licenciado en Administración de Empresas, se formó como un instructor de buceo, de Cave Diver, guía de rafting, y Sailor. Fue miembro del CEDAM, una organización mexicana dedicada a la arqueología marina. Vivió durante un año en Alemania (1993), posteriormente en Akumal, en el sureste de México (1997) y un año en Australia (1998).

Ha sido un fotógrafo aficionado desde que tenía 15 años de edad, pero es hasta 2010 cuando se comienza con la fotografía submarina y con un enfoque más profesional. Para Christian la fotografía todo es acerca de la luz, y en su opinión, es el aspecto más importante cuando se trata de crear imágenes atractivas, inspiradoras y emotivas. Afirma que, mucho más allá de las cuestiones técnicas, es más importante el cómo me aplicar y manipular la luz disponible, con el fin de crear imágenes con efectos dramáticos, llevando profundidades de la emoción y el uso de contrastes y tonalidades como medio para enfatizar forma y estructura del paisaje.

Se centra en el impacto emocional de la escena final que se conectará en un nivel más profundo, con las personas que observan estas fotografías. Del mismo modo que un poeta utiliza palabras para crear poesía, un fotógrafo utiliza la luz para crear imágenes. De tal manera, cuando Vizl está bajo el agua, uno sus objetivos es crear imágenes poéticas a través del uso de la luz. Trata de capturar los momentos sublimes del medio marino, la esencia de estar ahí, en esa experiencia y en presencia de la vida marina, la captura de su esplendor y el alma.

Está pura belleza y la poesía con imágenes que inspiran, nos hacen vibrar a través de la belleza en cada esquina del océano, un espectáculo épico que nos hace soñar con un mundo mejor, donde valoramos y cuidamos de todas las expresiones de la vida. Porque más allá de la cuestión de nuestra supervivencia es la cuestión de cómo experimentamos nuestra vida y cómo lo celebramos. Y nuestra experiencia de la vida está intrínsecamente ligada a la forma en que nos comunicamos y unión con todo lo que nos rodea, especialmente con toda la vida que nos rodea.

En su caso, es el océano y sus criaturas vivientes las que le dan ganas de celebrar. Así, su fotografía pretende ser una celebración de la vida marina y el mundo submarino.

ROXANA WILEY Originaria de los Mochis Sinaloa, hija adoptiva de Tabasco desde su primera infancia. A los 13 años de edad tiene su primera exposición colectiva en Bellas Artes, en la ciudad de México, obteniendo un reconocimiento especial. Además es Premio Nacional de la Mujer 2014, Premio Pergamino de Oro Andrés Henestrosa 2013 y 2014, Premio Internacional Ray Tico 2013 y 2015, Mujer líder Mexicana 2012, etc. Todos por su destacada carrera en el arte.

Roxana Wiley comienza siendo figurativa, además de retratista de la alta sociedad mexicana. Con los años se convierte en una buscadora incansable del significado de la existencia, del conocimiento del alma humana y sus emociones; es cuando a través de interminables y variados cursos y estudios sobre ello ha enriquecido su visión de vida y lo ha integrado a su arte. Experimenta con técnicas mixtas, con esmaltes, texturas y descubre el abstracto como transporte directo al subconsciente. Toma a la pintura como medio para crear emociones positivas en el interior del espectador y despertar actitudes que reconecten su ser divino y terrenal. Es creyente de la filosofía de la energía, del positivismo del arte como medio de acción de cambio interior a partir de la forma y del color. Se descubre influencia de Gustav Klimt en ese reflejo colorido de elementos y detalles que recrea, en donde el oro toma poder para iluminar las obras. También Jackson Pollock surge en algunas de sus obras para expresar su espíritu libre, desenfadado y feliz. Esta ambivalencia al pintar no se contrapone sino que se complementa pues por una parte emplea el detalle en sus abstractos y por otra, deja fluir su pintura en el “Actión Painting”, siempre en busca de una armonía que lo distinga.

Entre sus maestros destacan: Luis Nishizawa, Aceves Navarro, Herminia Pavón y Dolores de la Barra Solórzano.

Su obra tiene presencia en museos y consulados a nivel nacional e internacional, como es el caso del Consulado de México en Shangai en donde se exhibe su obra de manera permanente. Inquieta y comprometida con el arte, colabora con revistas y medios como Revista Regina, Revista Mentes Maestras, Revista Política y Poder, Magazine Belove, etc. Su última participación internacional fue en Art Basal, Miami Beach y en la X Bienal de Florencia. En 2015 fue Conferencista del Foro Internacional de la Mujer realizado en Centro Banamex.

LUIS ARGUDÍN Pintor mexicano nacido en 1955 con más de treinta exposiciones individuales, entre las que destacan “El taller y sus construcciones”(1988) en el Museo Carrillo Gil, Retratos (1996) en el Museo José Luis Cuevas, “El teatro e la memoria” (1996) en el Palacio e Bellas Artes, “Historia natural” (2003) en el Museo el Museo del Chopo, UNAM, “Comprendí con los ojos” que ha viajado por varias cedes en el país, “Cortinas y humo” en el Seminario de Cultura Mexicana (2008), y “Diluvios” (2010) en el Museo de Arte de Tlaxcala.

En el 2012 presenta “Afinidades electivas” en el museo de Hacienda, una muestra de 102 piezas entre pinturas, cerámica y talavera. El 15 de Noviembre del 2015 se inaugura “La pintura en la tierra, la pintura en el espacio”, un recuento del trabajo hecho desde el 2007 en cerámica y talavera. El 16 de Junio del 2016 se inaugura en el Museo de la Ciudad de México “Diluvios”, una propuesta de exposición de la serie de Diluvios como galería decimonónica. El 22 de Noviembre del 2020 abre “Estratos y Topografías”, en la galería de la Universidad Veracruzana “Ramón Alva de la Canal, y el 5 de Diciembre del 2021 inaugura “Topografías”, en el Seminario de Cultura Mexicana, en la CDMX. Es maestro de Teoría del Arte en la ENAP-UNAM (Escuela Nacional de Artes Plásticas) desde 1988, y del 2011 al 2013 en la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda”. En el 2006 se publicó Diluvios, por la Universidad Autónoma Metropolitana de Xochimilco, en el 2008 publica “La Espiral y el Tiempo, Juicio , juego y genio en Kant y Schiller” , y en el 2013 “El teatro del conocimiento, ensayos de arte y pintura”, ambos publicados por la ENAP-UNAM. Ha recibido la beca Fulbright – García Robles (1993-1994) otorgada por el congreso de E.U., la Pollock Krassner (NY) en pintura (1997), y es miembro del Sistema Nacional de Creadores (2000 – 2006), (2011 – 2013), (2015-2018) y (2021-23).

Desde el 2018 es maestro de carrera Titular “A” de la Facultad de Artes y Diseño, de la UNAM.

ALBERTO RAMÍREZ Desde temprana edad mostró inclinación por el dibujo y años después cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, de donde egresó en el año 2000.

Ha realizado dos exposiciones con sus dibujos, una serie de gran formato sobre figura en movimiento exhibida en el Cuartel Zapatista de la Ciudad de México, y otra más de paisaje para el Museo Regional de Milpa Alta, zona de la Ciudad de México donde vive y trabaja. Ha participado en numerosas muestras colectivas de pintura en centros culturales y galerías del país; en 2004 fue seleccionado para la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa, realizada en Guanajuato. Ha colaborado, asimismo, en distintos proyectos culturales en el área de curaduría y fue coordinador del Museo Regional de Milpa Alta.

Como docente ha impartido diferentes cursos y talleres: de dibujo en el mismo museo y en el Foro Cultural Calmecac; de dibujo experimental y de pintura abstracta en el Museo Universitario de Ciencias y Artes —donde alguna vez colaboró con el artista Gabriel Orozco en su exposición Tiempo, tierra y barro—; y de artes plásticas en el Colegio de Bachilleres.

En 2007 fue seleccionado en el programa Talento Joven, del Gobierno del Distrito Federal, un concurso anual para la incorporación de jóvenes capitalinos en diferentes ámbitos de acción urbana.

En 2008 Aldama Fine Art presentó su muestra El color de mi tierra, una serie de veintisiete pinturas al óleo con arenas, a la que siguió la colección Semillas, exhibida en el mismo espacio durante 2009, con su obra de caballete protagonizada por el color y la textura.

JORGE GONZÁLEZ VÁZQUEZ Cursó estudios profesionales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda del Instituto Nacional de Bellas Artes y se especializó en escultura. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en América y Europa. Entre sus muestras individuales, cabe destacar Tentativo, en Plaza Loreto, (1996); Como si fuera la primera vez, exposición itinerante que culminó en el Museo de Arte Tridimensional de la Delegación Azcapotzalco (2002-03); y Lluvias, soles y lunas, en la Galería José María Velasco del Instituto Nacional de Bellas Artes (2006), todas en la Ciudad de México. En 2005 fue invitado a realizar la escultura de gran formato Desnudo blanco, en el marco de la Sexta Conferencia Internacional de la Mujer en Graz, Austria. La pieza —tallada directamente en cantera— fue donada al pueblo austriaco y se exhibió de 2005 a 2010 en la Plaza Schlossberg de Graz.

En 2009 Aldama Fine Art presentó una exposición retrospectiva de su pintura y escultura con la publicación de un catálogo ilustrado y reseñado por la destacada historiadora y crítica de arte Lily Kassner. Ese mismo año exhibió su trabajo en Austria, con la exposición itinerante Jorge González Velázquez. The Four Seasons, En 2010 el Museo Casa Diego Rivera, de la ciudad de Guanajuato, celebró su trayectoria con una exposición retrospectiva. Presentó su trabajo en la ciudad de Nueva York y regresó a Europa para exhibir Muzyka Rzeíby (Música de la escultura) en el Jardín Escultórico Juan Soriano, en Varsovia, así como en la ciudad de Lublin y en la sede de la Filharmonia Opolska (2011). Una segunda exposición individual fue presentada en Aldama Fine Art bajo el título Fractal..., para exhibir sus más recientes trabajos en escultura, pintura, dibujo y estampa (2013). La exposición El color y la forma, se presentó poco después en el Museo del Palacio de Gobierno de la ciudad de Oaxaca (2014) y meses después el Museo Nacional de Arte recibiría su muestra Libertad de expresión, en el marco de la entrega del Premio Nacional de Periodismo (2014). Su trabajo fue distinguido al seleccionarse en el I Concurso de Escultura Solidaria, convocado por la Fundación Cursol en Alicante, España (2015). Expresión en 3D, una colección de obra reciente, se mostró en la Universidad Autónoma de Nuevo León El Tribunal de Justicia de la Ciudad de México recibió la exposición ltinerancia, una muestra individual que viajaría por varias sedes del país (2016).

Su más reciente exposición individual, bajo el título de Origen, se presentó en Aldama Fine Art (2018). En 2017 trasladó su taller a San Agustín Etla.

JOSÉ CASTRO LEÑERO Realizó estudios de Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Ciudad de México, y en el Centro de Investigación y Experimentación Plástica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Ciudad de México.

En 1976 presentó su primera exposición individual, Dibujo, en la Academia de San Carlos, ENAP-UNAM. En ese mismo año recibió el Primer Premio de Grabado en el XI Concurso Nacional de Estudiantes de Artes Plásticas, Casa de la Cultura de Aguascalientes y Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA, Ciudad de México. Entre sus principales exposiciones individuales destacan Rostros, gráfica, dibujo y pintura, ENAP-UNAM, Ciudad de México; Trayecto, gráfica, dibujo y pintura, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (1982); Crónicas paralelas, gráfica y pintura, Galería Otra Vez, Los Ángeles, California, Estados Unidos; Límites y concordancias, gráfica, dibujo y pintura, Universidad Tecnológica de México, Ciudad de México (1988); La imagen encontrada, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (1992-1993);; Impresiones, Museo Nacional de la Estampa, Ciudad de México (2009); Naturaleza fragmentada (colectiva), Museo de la Cancillería, Ciudad de México (2010); Paisajes encontrados, Taller de Arte Contemporáneo, TACO, Ciudad de México (2011); Circuito interior (2015) y Ciudad negra (2017), Aldama Fine Art, Ciudad de México; Viandante, gráfica, Cercle Kadrance, París, Francia (2017); Ciudad Ficción, Museo de Aguascalientes, Aguascalientes (2017) y Territorios de la memoria (colectiva), Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2019).

Su obra ha sido expuesta en Alemania, Argentina, Bélgica, Brasil, Canadá, Colombia, Corea, Cuba, Estados Unidos, España, Francia, Inglaterra, Italia, Japón, Portugal, Puerto Rico, República Checa y Suiza. Dentro de los reconocimientos que ha recibido cabe mencionar, entre otros, la VI y VIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Su obra ha sido abordada por destacados personajes del ámbito de la historia y la crítica del arte como Raquel Tibol, Teresa del Conde, Jorge Alberto Manrique, Jaime Moreno Villarreal, Fernando Solana Olivares, Juan García Ponce, Alberto Blanco, Gonzalo Vélez y Manuel Marín, por mencionar algunos. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

TOMÁS GÓMEZ ROBLEDO Inicia sus estudios de arte en 1967 con el maestro Vicente Gandía y posteriormente con el maestro Roger von Gunten. Unos años después continua su preparación en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, del Instituto Nacional de Bellas Artes, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Nacional Autónoma de México, plantel Academia de San Carlos, donde estableció un estrecho vínculo con el maestro Gilberto Aceves Navarro.

Su larga serie de exposiciones inició en la década de los setenta. De manera colectiva ha presentado su trabajo en un sinnúmero de ocasiones y de sus más de dos docenas de exposiciones individuales cabe destacar las muestras: Natures, en el Centro Cultural de México, en París, Francia (1991); Polyforum, en el Polyforum Siqueiros, en la Ciudad de México (1994); Puerto Bilbao, presentada en varias sedes de la capital mexicana como el Seminario de Cultura Mexicana (2001), la Casa de la Primera Imprenta de América de la Universidad Autónoma Metropolitana (2003) y la Casa de Cultura de Tlalpan (2006); Llamadas perdidas, en Aldama Fine Art (2011) y en el Museo de Antropología de Xalapa (2012); Travesías, en Aldama Fine Art (2016). Ese mismo año se editó un libro con el mismo título, edición que recoge su trabajo sobre papel junto con reflexiones del autor y Héctor Toledano sobre el oficio de dibujar. Dos años más tarde, dentro del colectivo TSArte, presentó Ludique, en el Instituto de México en Francia, una muestra de obra en papel (2018).

Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el periodo 2003-2005 y su trayectoria ha sido distinguida con numerosos premios, entre los que destacan las Menciones Honoríficas en el Certamen Cuizmala 88 (1988) y en el Salón Anual de Bellas Artes (1989), así como los reconocimientos en la IX Bienal Iberoamericana de Arte (1994) y en la Segunda Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (1999).

Recientemente fue seleccionado en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008).

Su actividad en la docencia ha sido extensa. Desde 1997 colaboró en el taller de dibujo del maestro Aceves Navarro. Su obra ha encontrado lugar en importantes colecciones, como la del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, El Colegio Nacional y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, por mencionar algunas.

MARCO VALENCIA Marco Valencia inicia su carrera como pintor abordando el costumbrismo, el primitivismo, describiendo los pueblos y paisajes típicos de El Salvador. "Creo que son las etapas que uno va viviendo cuando va en su carrera", afirma Valencia.

Sin embargo, Marco fue descubriendo que en sus temas, aunque incorporaba elementos de los poblados, siempre iba el elemento del paisaje incluido. "Siempre lo ponía como elemento secundario en mi trabajo, por eso, decidí cambiar el estilo y ponerme más con el naturalismo", explica el pintor.

Así, para Marco este hecho definió una nueva etapa en su trabajo como pintor y poco a poco se fue identificando con ese tema, hasta que decidió trabajarlo cien por ciento. Además, descubrió a los artistas naturalistas más reconocidos después de que él había comenzado a trabajar este campo.

Los trabajos que realiza no se refieren a una naturaleza real en el sentido físico, no implica una realidad que está viendo; más bien se trata de una realidad que el artista vive en su interior. Parte de experiencias reales e interiores.

En los últimos tres años, Marco ha destacado en la pintura por el estilo singular de enfocar su trabajo y afirma que su obra se enfoca hacia una continua reflexión de la naturaleza.

La reflexión sobre la naturaleza que realiza Marcos Valencia destaca la diversidad de hojas, troncos, helechos, el agua y sus reflejos, la luz que penetra en el bosque, etc. Para el artista, la flora tropical de los países latinoamericanos es exquisita en variedades y eso lo refleja en sus obras.

MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA Estudia en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, INBA, donde fue profesor durante varios años.

Ha realizado más de 30 exposiciones individuales y más de 150 exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero.

Entre los premios y menciones recibidos destacan: En 1986 el premio de adquisición en la Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Artes Plásticas, INBA. En 1990 El Primer Premio en la VII Bienal Iberoamericana de Arte, MAM. En 1984 menciones honoríficas en la I Bienal Rufino Tamayo y en el 2008 en el Premio Internacional de Dibujo Inglada Guillot en Barcelona.

Su obra se encuentra en museos y colecciones como el Museo de Arte Moderno de la Cuidad de México y El Solomon R Guggenheim de Nueva York. El Museo Essl de Viena y La Galería de Arte contemporáneo, Morbihan, Francia entre otros.

BENITO NOGUEIRA El maestro Benito Nogueira, conjunta figuras, paisaje, naturaleza muerta con un manejo excepcional de la técnica a la que ya estamos acostumbrados. Saca provecho de las transparencias y la expresión del color, juega como nunca con los espacios y las tonalidades, la inmediatez de la pincelada, que no titubea y no da oportunidad de las indecisiones.

El trazo queda como lo exigen los cánones: a la primera, con una única intensión lo que se desea expresar y lo que el ejecutante lleva consigo.

Esta técnica no es para cualquiera, su manejo no se improvisa, porque los acaba traicionando.

El maestro Nogueira, del oficio es más que un entendido, en su mano el pincel fluye, se desenvuelve bajo su fino toque, que como en la cadencia de una partitura, sus acordes, tonalidades e inflexiones quedan sobre el papel impresos. Su obra se convierte en su lenguaje y su visión.

Observa, ende a realidad, de ella, recupera lo que observa y en sus manos, recreada, se convierte en una obra de arte. Propone una conexión profunda entre sus propuestas y el observador. El color y las formas invocan en efecto inmediato, lo que la pupila percibe y resulta tangible para pasar al efecto inmediato de la emoción estética que se genera a nivel de los sentidos, los recuerdos, los lugares comunes y compartidos que se alojan en la memoria.

En su nivel más profundo, más allá de las emociones dispara su contenido interno para quien mira con atención encuentra su visión paralela.

El artista, como la punta del iceberg, lanza la propuesta, cifra el mensaje y deja que el observador reciba, perciba y aprecie lo que se ubica en la insondable del ser. Son visiones paralelas que se multiplican al infinito y se enriquecen con cada espectador, porque derivan de sus propias experiencias, sus particularidades. Cada obra, cada espectador, cada momento tendrá su propia resonancia.

TERE MUÑOZ DE COTE Nace en la Ciudad de México. Apasionada por la figura humana como máxima expresión de la belleza, hace de esta tema principal.

Su obra intenta plasmar expresiones sublimes del cuerpo humano y su interrelación dinámica con las emociones. Tere, básicamente es autodidacta con una sensibilidad a flor de piel que le hace plasmar en su obra elementos de su propia y permanente búsqueda de equilibrio, armonía, paz, y sobre todo amor, mucho Amor.

Su trabajo está caracterizado por el uso de materiales que trasciendan al tiempo en técnicas como bronce a la cera perdida, plata, mármol, entre otros.

Muñoz de Cote ha expuesto en lugares tan importantes como: Florencia, Italia; Las Vegas, Nueva York, Washington en Estados Unidos; Sofía, Bulgaria; Cancún, Los Cabos y Cd. de México. También ha logrado obtener premios y reconocimientos internacionales como: "Italia per l´ Arte", Premio Speciale della Giuria, durante la “Vitrina degli Artisti Contemporanei, Citta di Firenze”, y en la “II Biennale Internazionale del l´arte Contemporanea”, ambas en la ciudad de Florencia, Italia entre otros.

Ha participado en el Festival Internacional da Vinci, logrando reconocimientos por la exhibición de sus pinturas y esculturas.

La obra de Tere, es un deleite para los sentidos.

DALIA MONROY Egresada de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura ‘ La Esmeralda ‘ del INBA, Saint Martin’s School of Art, Londres, Inglaterra, y la Universidad de las Artes de Belgrado, Yugoslavia.

Participa en múltiples exposiciones nacionales e internacionales: Fundación Joan Miró, Barcelona, España, Bienales Tamayo, Nestlé, Olga Acosta, Bienal de Cuenca Ecuador entre otras.

Tiene la Mención honorífica en Nice, Francia, Primer Lugar Festival Internacional del Caribe en Santiago de Cuba, Soho, Nueva York.

Ha exhibido en Galerías del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, entre estos el Museo Nacional del Palacio de Bellas Artes.

Ha participado en múltiples exposiciones en México y en países como Estados Unidos, Inglaterra, España. Colombia, Perú, Honduras, Holanda, Yugoslavia, Slovakia , República Dominicana,Cuba entre otros.

Han escrito sobre su obra personajes de la crítica de arte y literatura como Raquel Tibol, Carlos Fuentes, Ricardo Garibay Antonio Rodríguez, Carlos Blas Galindo, Gilberto Aceves Navarro, Zoran Vukovic, entre otros.

BEATRIZ SIMÓN Artista visual con más de 25 años de trayectoria. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Su trabajo ha sido expuesto en diversos países, como Estados Unidos, España, Hong Kong, Emiratos Árabes Unidos, Colombia, El Salvador y en varias ciudades de México.

Entre sus exposiciones individuales destacan: Loveme Lovemenot, en el Consulado General de México en Los Angeles, California. (2020); Casi nada (poemas), en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2016-2017); Curae, en el Museo Pedro Coronel, Zacatecas (2014); Tacitus, que realizó un itinerario en el Museo José Luis Cuevas, CDMX (2012), en el Museo de Arte Contemporáneo Número 8, Aguascalientes (2011) y en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán, Mérida, (2010) y Beatriz Simón Recent Paintings, en el Consulado General de México en Miami (1999).

El trabajo de Beatriz Simón ha sido reconocido con los siguientes premios: Primer lugar en la III Bienal de Arte Sacro Contemporáneo del Museo Metropolitano de Monterrey (2013), Mención honorífica en la III Bienal Pedro Coronel del Museo Pedro Coronel en Zacatecas (2012), Seleccionada en la IV Bienal Alfredo Zalce del Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce en Morelia (2003) y Primer lugar, dos veces consecutivas, en el Museo de El Carmen de la CDMX (1997 y 1998), entre otros.

Su obra forma parte de colecciones como las del Museo de la Cancillería, el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, el Museo José Luis Cuevas, el Museo de Arte Contemporáneo Número 8 y el Museo de El Carmen, entre otros. Su labor altruista la ha llevado a participar en subastas como: Subasta de Arte Vivo (VIH Sida) en el Museo de Arte Moderno de la CDMX, WILD 9 (Fundación Internacional para protección de Áreas Silvestres del Planeta), Máscaras de Aliento CONFE (Atención a discapacidad), Pintadita a tu salud (A favor de la mujer de escasos recursos con cáncer de mama), Amigo Tarahumara y AAMI, entre otras.

Se ha difundido su obra en publicaciones como: 300 Artistas Mexicanos siglos XIX, XX, XXI, 2012; 200 Artistas Mexicanos, siglos XIX, XX y XXI, 2010; Ejemplar 97, de la revista Resumen, 2009, de la Promotora de Arte mexicano; entre otras.