Art masters. Special edition of the Ukrainian modern art

Даний випуск каталогу «АртМайстри» присвячений репрезентації потужної генерації українських художників, творчість яких охоплює значний етап розвитку вітчизняного мистецтва і втілюється в різноманітних артпрактиках й експериментах. Микола Журавель, Борис Єгіазарян, Олексій Аполлонов, Сергій Семернін, Давид Шарашидже, Віктор Рижих, Галина Неледва, Олена Рижих, – ці імена уособлюють у собі справжній феномен на вітчизняній артистичний авансцені, є надзвичайно відомими у мистецькому середовищі. За кожним – активний пошук самоідентифікації, формування унікальної мови висловлення, інтерпретація змісту власної культури та її переосмислення у світовому контексті.

This edition of the “Art Masters“ catalogue is dedicated to representation of a powerful generation of Ukrainian artists whose art embraces a significant stage in the development of national art and is embodied in various art practices and experiments. Mykola Zhuravel, Borys Yeghiazaryan, Oleksii Apollonov, Sergiy Semernin, David Sharashidze, Viktor Ryzhykh, Galyna Neledva, Elena Ryzhykh. These names embody the true phenomenon in the national artistic scene and are extremely well known in the artistic environment. Each one embodies active search for self-identification, formation of a unique language of expression, interpretation of the content of one’s own culture and its rethinking in a world context.

Представлені в каталозі автори пройшли серйозний шлях становлення і мають нині ґрунтовні портфоліо. Вони встигли реалізуватися в Україні й сьогодні активно експонують свої проєкти поза її межами. Їхні роботи знаходяться в національних музеях, фондах світових компаній, приватних колекціях, а також – у постійних експозиціях провідних європейських галерей. На долю цього покоління митців випала місія подолання стіни тоталітарної ізоляції і поступового інтегрування у світовий контекст. Вони перетнули «залізну завісу» і активно долучилися до міжнародних мистецьких подій.

The authors, presented in the catalogue, have gone through a serious path of growth and have fundamental portfolios. They have managed to implement themselves in Ukraine and today are actively exhibiting their projects abroad. Their artworks are in national museums, foundations of world companies, private collections, as well as in permanent exhibitions of prominent European galleries. The fate of this generation of artists is the mission of overcoming the wall of totalitarian isolation and gradual integration into the world context. They crossed the Iron Curtain and actively participate in international art events.

Творчість більшості із задіяних у проєкті імен припадає на період останньої третини ХХ ст. – початку XXI ст. і охоплює

Creativity of the majority of the participants falls on the

переламні етапи розвитку країни від «відлиги», «застою», «перебудови» до її незалежності. Упродовж цих років у культурному полі вирувало широке розмаїття стилів, напрямків, рухів і мейнстрімів. Майстри формувалися у цьому горнилі, спираючись на різні образотворчі традиції, серед яких, звичайно, домінували класичні й академічні форми, враховуючи тогочасну орієнтацію інституцій вищої художньої освіти. Але справжнім джерелом натхнення для багатьох завжди залишалися український модернізм й авангард, нонконформізм й андеграунд. Пізніше – мистецтво концептуалізму й постмодернізму, пульс цікавості до яких залишається підвищеним і досі. Автори досліджують у своїх творчих практиках різні аспекти буття. Результати їх праці втілюються у надзвичайному багатстві зображальних мов, серед яких фігуративний і абстрактний живопис, реалізм і метафізичний реалізм, експресіонізм, наїв і багато іншого. Такий широкий спектр форм надає можливість майстру залучити глядача в активний і дуже захоплюючий діалог, а глядачу, відповідно, – знайти «свого» митця, чиє відчуття з ним на одній хвилі. Серед українських художників постать Миколи Журавля є добре знаною. Київський артпрактик, автор численних виставкових проєктів та пeрформансів, самобутній митець, чия творчість сьогодні є добре впізнаваною. Він є учасником Венеційського бієнале (2011), номінантом Шевченківської премії (2011), у 2009 році отримав звання академіка Римської академії модерного мистецтва. Кожна виставка Миколи Журавля – це значна подія. Своїми творами він намагається донести думку про те, що людина не помічає у довкіллі безлічі речей, і, як наслідок, втрачає їх для себе. Він працює в живописі, левкасі, графіці, скульптурі і є автором концептуальних проєктів, в яких висвітлює гострі, часом доволі незручні соціальні питання, досліджуючи проблеми урбанізації, екології і взаємовпливу суспільства та природи. Автора хвилюють проблеми у суспільстві, через перманентну кризу якого він відшукує нові форми творчого висловлення, постійно розвивається та вдосконалюється. Наприклад, разом з однодумцями – художниками Петром Бевзою, Олексієм Литвиненком, Олександром Животковим та іншими – брав участь у створенні сміливих проєктів, розкриваючи болючі питання, зазвичай неприйнятні для відкритого обговорення в суспільстві. На початку 2000-х років Микола Журавель почав втілювати масштабний задум під назвою «Пасіка», присвячений відомому бджоляру Петру Прокоповичу, який ще у XIX столітті винайшов новаторську систему вуликів, що не вбивають бджіл. Митець створив дерев’яні артоб’єкти, схожі на вулики, які розмістив у кількох українських селах. Окрім наявної екологічної теми, у проєкті був присутній натяк на безглузде насилля в соціумі, а також

period between the last third of the XX century and the beginning of the XXI century and covers the crucial stages of the country’s development from “thaw“, “stagnation“, “restructuring“ to its independence. Over the years, a wide variety of styles, trends, movements, and mainstream styles has flourished in the cultural field. The artists were formed in this barn, relying on a variety of fine arts traditions, among which, of course, classical and academic forms prevailed, taking into account the current orientation of institutions of higher art education. But the real source of inspiration for many artist has always been Ukrainian modernism and the avant-garde, non conformism and underground, later – art conceptualism and postmodernism, the pulse of interest towards which still remains high.

The authors explore different aspects of life in their creative practices. The results of their work are embodied in the extraordinary wealth of pictorial languages, including figurative and abstract painting, realism and metaphysical realism, expressionism, naive and others. This wide range of forms allows the artist to draw the viewer into an active and very exciting dialogue, and the viewer, respectively, has an opportunity to find “his/her“ artist, who feels on the same wave.

Mykola Zhuravel is well known among Ukrainian artists.

He works in Kyiv, the author of numerous exhibition projects and performances, an original artist, who is now well recognizable.

He is a participant of the Venice Biennale (2011), a nominee for the Shevchenko Prize (2011), and in 2009 received the title of Academician of the Roman Academy of Modern Art. Every exhibition of Mykola Zhuravel is a significant event. Through own artworks he tries to convey the idea that people do not notice the environment and therefore constantly lose for themselves. He works in painting, levkas, graphics, sculpture and is the author of conceptual projects in which he poses acute, sometimes rather inconvenient social issues, exploring the problems of urbanization, ecology and the mutual influence of society on nature.

The author is concerned about the problems in society, through the permanent crisis of which he finds new forms of creative expression, constantly develops and improves his work. For example, together with like-minded artists – Petro Bevza, Oleksii Lytvynenko, Oleksandr Zhyvotkov and others – he participated in the creation of bold projects that resulted in painful issues that are usually unacceptable for open discussion in society.

In the early 2000s, Mykola Zhuravel started to implement a large-scale project called “Apiary“, dedicated to the famous beekeeper Peter Prokopovich, who in the nineteenth century invented an innovative system of beehives that do not kill bees. The artist created wooden art objects similar to beehives, which he placed in several Ukrainian villages.

проведені паралелі між соціальним устроєм людей і бджіл. Наступний етап проєкту – «Пасіка. Apiari» – був експонований на Венеційській бієнале 2011 року. Живописні твори майстра демонструють оригінальний стиль, наповнений стилістичними рефлексіями і знаками. Його образотворчій мові властиві складні живописні площини з фрагментарними зображеннями різних архітектонічних конструкцій, завдяки яким відтворюються образи сучасного урбаністичного середовища. Архітектоніка – це основа основ його композицій, кістяк, на якому тримається вся надбудова. Простір трансформується динамічними формами і абстрактними співвідношеннями, об’ємним нашаруванням і різними матеріалами, нівелюючи міжвидові межі живопису і скульптури. У просторі поєднуються кольорові плями, деталі геометричних конструкцій і будинків. У цьому калейдоскопі наче можна віднайти впізнавані елементи, але роботи значно більше схильні до абстракції. Масштаб завдань у малярських роботах М. Журавля відсилає нас до модерністських експериментів кубізму, експресивного абстракціонізму і, одночасно, ледь помітно тяжіє до традиційного іконопису. Їх сутність – відлуння метафізики. Твори саме такого спрямування демонструються в каталозі. Борис Єгіазарян – видатний український майстер і письменник вірменського походження, який у 1999 році був нагороджений «Дипломом Міжнародного Біографічного центру» Кембриджу за видатний внесок у живопис і мистецтво ХХ століття, а в 2000 році увійшов до списку «2000 видатних художників і дизайнерів ХХ століття» Міжнародного біографічного центру в Кембриджі. Народився у Вірменії, навчався в Єревані, СанктПетербурзі і Києві в кращих художніх інституціях. В цілому, його навчання тривало 15 років. Зустріч із роботами Єгіазаряна є тим досвідом, що здатний змінити ключові поняття розуміння мети мистецтва. З одного боку, його картини – це світ легенд, переказів і сказань, які неможливо відокремити від багатої спадщини вірменської культури. Сюжет і його зміст часто розкриваються перед глядачем через архаїчні і іконографічні візуальні символи. В них відчувається глибока вкоріненість у національні традиції, що проходить навіть скрізь його інсталяції і артоб’єкти. Але, в той же час, всі його образи несуть у собі елемент універсальності, зрозумілий багатьом цивілізаціям. Він часто використовує символіку, яка живе у базових пластах культури (наприклад, риба, яблуко, дерево пізнання, лев, гранат, колесо життя, око). Символікою Борис Єгіазарян апелює до тієї «території духовності», де перебувають вічні, метафізичні сюжети. Автор широко відомий як живописець давніх саг і біблійних історій, трактованих на сучасний лад.

In addition to the environmental topics there is a hint of senseless violence in society, and made parallels between the social orders of people and bees. The next stage of the project – “Pasika. Apriary“ – was exhibited at the Venice Biennale, 2011.

Picturesque works of the artist demonstrate original style, full of stylish reflections and signs. Its pictorial language is characterized by intricate scenic surfaces with fragmentary images of various architectonic structures, which create images of the modern urban environment. Architectonics is the basis of the foundations of his compositions, the core, which holds the entire superstructure.

Space is transformed by dynamic forms and abstract correlations, volumetric layering and various materials, balancing the interspecific boundaries between painting and sculpture. The space combines colored spots, details of geometric structures and buildings. In this kaleidoscope it is possible to find recognizable elements, but the works are much more prone to abstraction.

The scale of the tasks in the artworks of Mykola Zhuravel sends us to modernist experiments of Cubism, expressive abstractionism and, at the same time, subtly gravitates towards traditional icon painting. Their essence lies in the metaphysics. Such artworks are presented in the catalogue.

Borys Yeghiazaryan is a famous Ukrainian artist and writer of Armenian origin, who in 1999 was awarded “Diploma of the International Biographical Center“ of Cambridge for his outstanding contribution to the art and the art of the twentieth century, and in 2000 he was listed in “2000 Outstanding Artists and designers of the twentieth century“ by Cambridge International Biographical Center. He was born in Armenia, studied in Yerevan, St. Petersburg and Kyiv in the finest artistic institutions. In total, his studies lasted 15 years.

Meeting with Yeghiazaryan’s artworks is an experience that can transform key concepts of understanding the purpose of art. On the one hand, his paintings are a world of legends and stories that cannot be separated from the rich heritage of Armenian culture. The plot and its content are often revealed to the viewer through archaic and iconographic visual symbols. They feel deeply rooted in national traditions, which runs even everywhere through its installations and art objects. But at the same time, all its images carry an element of universality that is understood by many civilizations. He often uses the symbols that live in the basic layers of culture (e.g. fish, apple, tree of knowledge, lion, pomegranate, wheel of life, eye).

By symbolism, Borys Yeghiazaryan appeals to that “territory of spirituality“ where eternal, metaphysical subjects are located. The author is widely known as a painter of ancient sagas and biblical stories interpreted in the modern way. He is interested in the topic of “holiness“

Він цікавиться темою «святості» і часто звертається до релігійних тем. Але, за словами самого автора, він не ілюстратор Біблії, а скоріше її вільний інтерпретатор, який вміє бачити святість у сучасному житті, в повсякденних речах. Святість трактується ним як можливість подолання меж фізичного світу, де буденні події піднімаються до рівня міфотворчості і набувають статусу ритуалів.

and often addresses religious topics. But, according to the author himself, he is not an illustrator of the Bible, but rather a free interpreter who is able to see holiness in modern life, in everyday things. Holiness is interpreted as an opportunity to overcome the boundaries of the physical world, where everyday events rise to the level of mythmaking and acquire the status of rituals.

Враження увічнення посилюється тим, що майстер часто звертається до мови, властивої іконопису або примітивного живопису. Наприклад, узагальнені схематичні фігури людей, площинність, золоте тло як містичне середовище. У його сюжетах практично повністю відсутній просторовочасовий фактор. Навіть люди часто зображені із заплющеними очима, перебуваючи у стані внутрішньої молитви. Загалом, все, що зображує художник, стає іконописним.

The impression of perpetuation is amplified by the fact that the master often resorts to the language inherent in icon painting or primitive painting. For example, generalized schematic figures of people, flatness, golden background as a mystical environment. His subjects have almost no space-time factor. Even people are often depicted with their eyes closed while in a state of inner prayer. In fact, everything that the artist depicts becomes iconic.

Роботи Єгіазаряна дуже соковиті за колоритом, відкриті і чисті, наповнені вірменським настроєм та алюзіями. Вони схожі на чудові книжкові мініатюри, готичні вітражі чи фрески. В каталозі знаходяться живописні роботи митця, в яких домінує один з його улюблених символів – гранат. Гранат є символом безсмертя і відродження, родючості і добробуту. У Бориса Єгіазаряна гранат є всесвітом, з якого все народжується. Він і Ноїв ковчег, і манна небесна, і гранат – посвята композитору Валентину Сильвестрову, де художник заглиблюється у дослідження взаємодії кольору, звуку і ритму. Давид Шарашидзе – художник, творчість якого спирається на грузинську народну традицію. Він народився і виріс у Грузії, закінчив Тбіліський державний університет. Свій шлях у мистецтві починав як фотограф. З 1993 року проживає в Києві, працює в галузі станкового живопису та кераміки. В полотнах майстра можна зустріти самобутні пейзажі з грузинськими вуличками і будинками, натюрморти, немов підглянуті у вікнах квартир, їх мешканців, вихоплених із потоку часу. Митця надихає краса людей і повсякденних речей, які їх оточують. Ними наповнені простори його композицій – книги, чашки, чайники, букети квітів у вазонах, картини в інтер’єрах, велосипеди, стільці, гранати. Улюблені предмети несуть у собі сталий мир, нагадують дитинство і наповнюють життя гармонійним спокоєм і хвилюванням. Давиду Шарашидзе в рівній мірі цікава робота над портретами і натюрмортами, міськими пейзажами та інтер’єрами, декоративними панно і керамічними об’єктами, зображення яких потім з’являються в його живописних роботах. Використовує він і цікавий прийом «картина в картині», коли одна його робота зображується в іншій в якості предмета інтер’єру. Зображення людей – одна з важливих тем. У полотнах маляра вони статичні і перебувають в умовно-прекрасному вигаданому світі, де все завмерло в споглядальному спокої. Жіночі образи тонкі, тендітні, вишукані і ніжні, зосереджені на внутрішніх роздумах і почуттях. В них спостерігається певний канон, розроблений митцем – вони з великими

Yeghiazaryan’s works are very juicy in color, open and clean, full of Armenian color and allusions. They look like great book miniatures, gothic stained glass windows or murals.

The catalogue presents the artist’s paintings, dominated by one of his favorite characters – the pomegranate.

Pomegranate is a symbol of immortality and rebirth, fertility and well-being. Borys Yeghiazaryan sees a pomegranate as the universe from which everything is born. It is Noah’s ark, the heavenly manna, and dedication to the composer Valentyn Sylvestrov, where the artist delves into the study of the interaction of color, sound and rhythm.

David Sharashidze is an artist whose work is based on Georgian folk tradition. He was born and raised in Georgia, graduated from Tbilisi State University. He began his career in art as a photographer. He has been living in Kyiv, works in the field of easel painting and ceramics.

In the canvases of the artist you can find original landscapes with Georgian streets and houses, still lifes, as if spied on the windows of apartments, their inhabitants, taken from the flow of time. The artist is inspired by the beauty of the people and the everyday things that surround them. They fill the spaces of his compositions – books, cups, teapots, bouquets of flowers in flowerpots, paintings in interiors, bicycles, chairs, pomegranates. Beloved items carry a stable world, reminiscent of childhood and fill life with harmonious peace and awe.

David Sharashidze is equally interested in working on portraits and still lifes, urban landscapes and interiors, decorative panels and ceramic objects, the images of which then appear in his paintings. He uses an interesting reception “picture in picture“ when one of his work is represented in the other as a matter of interior.

Images of people is one of the important topics. On the canvases of the painter they are static and are in a relatively fictional world where everything is frozen in the contemplative peace.

Female images are subtle, delicate, sophisticated and gentle, focused on inner thoughts and feelings. They have a certain canon, developed by the artist – they have large eyes and long necks, mostly depicted in full face. Very

очима і довгими шиями, здебільшого зображені в анфас. Дуже умовні, позачасові, звільнені від усякої повсякденності, занурені в стан внутрішнього спокою та зосередження, вони втілюють власне уявлення художника про жіночу красу. Настрій чи головна ідея транслюються через кольорову гаму, ритм і якусь деталь: книгу, рояль, квіти. Головною стихією автора є колір. Яскрава вібруюча палітра, оригінальне рішення кольорового простору, ретельне опрацювання текстур роблять його картини впізнаваними і самобутніми. Композиційна складова полотен Давида Шарашидзе характеризується лаконічністю, строгістю і продуманістю. Зазначається, що така ідеальна архітектонічна складова пов’язана з досвідом у фотографії. Співвідношення об’ємів настільки ідеально збалансоване, що навіть написи автора сприймаються як невід’ємні складові композиції. Олексій Аполлонов – знаковий художник для українського мистецтва. Живописець і графік, вдумливий філософ і естет, якому під силу найскладніші завдання. Його проєкти моментами настільки радикальні, що у мистецьких колах за ним закріпилася слава автора, який у своїх пошуках робить акцент на несподіваному і силі здивування. Подив, ефект несподіванки – це те, що вибиває глядача з повсякденної рутини і змушує оновити фокус сприйняття. Творчість Аполлонова наповнена великим розмаїттям жанрів і експериментів – він створює сюжетні фігуративні, нефігуративні і абстрактні композиції, вільно звертається до естетики різних стилів, напрямків і художніх шкіл. Наприклад, упродовж тривалого часу автор досліджував такі шедеври світового класичного мистецтва, як «Інфанта Маргарита» Дієго Веласкеса, «Музиканти» Караваджо, «Повернення блудного сина» Рембрандта. В результаті тривалого вивчення і аналізу цих картин були створені серії власних творів, присвячені першоджерелам. Зокрема, «Інфанта» стала головною темою декількох живописних і графічних серій, виконаних у різні періоди життя. Цикли, що виникли як рефлексія, засновані на міркуванні майстра про сприйняття геніальних творів попередників в контексті сучасного мистецтва, коли питання досконалості форми і змісту не мають вже першочергового значення. Власне, об’єктом уваги художника є ідеї. Наприклад, у серії «Біополе» він звертається до принципів іконописного живопису, і вимальовує образи людей праці, спорту чи інших видів активності за принципами канонів іконопису,

conditional, timeless, free from everyday life, immersed in a state of inner calm and concentration, they embody the artist’s own conception of female beauty. The mood or the main idea is transmitted through the colors, rhythm and some detail: a book, a piano, flowers.

The main element of the author is color. Bright vibrating palette, original color space solution, careful processing of textures make his paintings recognizable and original.

The compositional component of David Sharashidze’s paintings is characterized by conciseness, rigor and thoughtfulness. It is noted that such an ideal architectonic component is related to experience in photography. The volume ratio is so perfectly balanced that even the author’s inscriptions are perceived as integral components of the composition.

Oleksii Apollonov is a prominent artist for Ukrainian art.

A painter and graphic artist, a thoughtful philosopher and an esthetician, who can handle the most difficult task.

His projects are sometimes so radical that among artists he has acquired a reputation of an author who focuses on unexpected and the power of surprise in his research.

Amazement, the effect of surprise is what knocks the viewer out of his daily routine and forces him to refresh the focus of perception.

Apollonov’s creative work is filled with a great variety of genres and experiments – he creates figurative, non–figurative and abstract compositions, freely addresses the aesthetics of different styles, directions and art schools. For example, for a long time the author explored such masterpieces of world classical art as “Infanta Margarita“ by Diego Velazquez, “Musicians“ by Caravaggio and “The return of the Prodigal Son“ by Rembrandt. As a result of a long study and analysis of these paintings, a series of original works dedicated to primary sources were created. In particular, “Infanta“ has become the main topic of several colorful and graphic series performed in different periods of life. The cycles that emerged as reflection are based on the artist’s reflection on the perception of the ingenious works of his predecessors in the context of contemporary art , when questions of the perfection of form and content are no longer of primary importance.

The object of the artist’s attention is ideas. For example, in the Biofield series he addresses the principles of icon painting, and depicts images of people in labor, sports, or other activities based on the principles of icon canons, including iconography of the lives of the saints. He applies this generalized and highly personalized language of icons

зокрема іконографій житій святих. Він застосовує цю узагальнену і вкрай уособлену мову ікон до втілення земних сцен. Із зображальних засобів лише колір, контур, ритм і кольорові плями. На рівномірно замальованому тлі розміщені контури фігур, яким задається певний ритм. Образи людей статичні, мова універсальна і позачасова. Людина праці перетворюється на символ праці, чи навіть її знак, максимально знеособлений і монументалізований. Приховане кипіння пристрастей сприймається через колір і ритм. Візуально роботи нагадують експерименти кубофутуризму 1910-х років, а також широко відомі роботи Казимира Малевича із фігурами спортсменів чи селян у полі. Художник свідомо актуалізує відкриття авангарду на сучасному етапі, проводить певні паралелі і віднаходить нове образотворення. Сергій Семернин – відомий харківський митець, що працює у царині графіки і живопису. Навчався у Харківському державному художньому інституті, в майстерні П.Шигимаги. Сергій Семернин входив до знакового творчого об’єднання «Літера А», яке виникло в кінці 1980-х років на хвилі гласності та перебудови, коли в Україні спостерігалося творче пожвавлення і відбувалася руйнація сталої мистецької парадигми часів СРСР. Учасники «Літери А» об’єдналися у прагненні пошуків нових зображальних засобів, що відрізняються від класичного академізму. Досвід вільного оперування новаторськими художніми засобами втілився у надзвичайно цікаві креативні експерименти Сергія Семернина. Майстер створює графічні композиції, а також пластичні роботи, в яких досліджує можливості міжвидового зв’язку живопису, графіки та скульптури. В результаті трансформацій, виникають об’ємні картини, в яких виразність образотворчої мови розширюється за рахунок фактури і текстури матеріалів. Це здебільшого абстрактні твори, в яких часом упізнаються елементи реальності. Але загальний візуальний ефект утворюється не стільки завдяки впізнаваності фрагментів, скільки внаслідок спостерігання зорових і ментальних ілюзій, що формуються у процесі огляду. Сімейство Рижих–Неледва є унікальним явищем в історії українського мистецтва. Без перебільшення, київська династія художників Віктора Рижих, Галини Неледви і Олени Рижих є однією з найвідоміших у вітчизняному культурному

to the embodiment of earthly scenes. Of the imagery he uses only color, contour, rhythm and color spots. On an evenly painted background there are contours of figures with a certain rhythm. The images of people are static, the language is universal and nontemporal. A person of labor is transformed into a symbol of labor, or even its sign, as utterly impersonal and monumental as possible. The hidden boiling of passions is perceived through color and rhythm.

Visually the works are reminiscent of experiments of Cubo-Futurism of 1910s and widely known work of Kazimir Malevich with forms of peasants in the field or athletes. The artist deliberately actualizes the opening of the avant-garde at the present stage, draws certain parallels and finds new art.

Sergiy Semernin is a famous Kharkiv artist working in the field of graphics and painting. He studied at the Kharkiv State Art Institute at P. Shigimaga’s studio.

Sergiy Semernin was a part of the iconic creative association “Letter A” which emerged in the late 1980s in the wake of publicity and reconstruction, when Ukraine experienced creative recovery and destruction of the artistic paradigm of Soviet times. Participants in the “Letter A“ united in their quest for new imagery that is different from classical academism.

The experience of free operation of innovative artistic means was embodied in the extremely interesting creative experiments of Sergiy Semernin.

The artist creates graphic compositions, as well as plastic works, in which he explores the possibilities of interspecific communication of painting, graphics and sculpture. As a result of the transformations, volumetric paintings emerge in which the expressiveness of the visual language expands due to the texture of the materials. These are mostly abstract works that sometimes recognize elements of reality. But with the general visual effect, it is formed not so much by the recognition of fragments, but by the observation of visual and mental illusions that are formed in the process of examination.

Ryzhykh-Neledva family is a unique phenomenon in the history of Ukrainian art. Without exaggeration, the Kyiv dynasty of artists Viktor Ryzhykh, Galyna Neledva and Elena Ryzhykh is one of the most renowned in national cultural environment, whose lives and achievements have become impressive creative act that has been active for many decades in a row and continues to be so nowadays.

середовищі, життя і доробок яких стали вражаючим творчим актом, що охопив багато десятиліть поспіль і триває досі. Родина являє собою легендарний союз майстрів, де кожен стоїть у витоків певних новаторських відкриттів, які суттєво збагатили розвиток малярства в другій половині ХХ – початку XXI ст. Креативні рішення митців часто застають глядача зненацька, колізії сюжету неочікувані, живописні ефекти вражаючі, результат сприйняття їхніх творів захоплюючий. Зазвичай, вони актуалізують надзвичайно широку гаму почуттів. Підтримка і взаємозбагачення зробили династію самостійною творчою групою, в якості якої вона фактично ідентифікує себе упродовж тривалого часу. В доробку родини знайшли своє відображення стилістичні і тематичні пошуки декількох поколінь. Віктор Рижих і Галина Неледва почали працювати самостійно ще з середині 1950-х, коли вчилися в Київському державному художньому інституті. Вони отримали фундаментальну освіту, вдосконалювали свої знання в майстернях видатних майстрів, серед яких був, наприклад, К.Трохименко. В цьому ж інституті згодом навчалася їхня донька, Олена Рижих, також відома нині авторка. Ґрунтовне дослідження меж живопису і його можливостей, аналіз здобутків українського авангарду і власні креативні експерименти сприяли зростанню авторитету родини в мистецькому середовищі. В 1970-1980 роках вони були вже визнаними малярами, досягнення котрих викликали щиру повагу київського андеграунду. У них навчалися і намагалися наслідувати. Навколо подружжя буквально вирувала атмосфера справжнього творчого піднесення, яка вихором залучала до себе інших. Майстерня Рижих-Неледви була одним з неформальних культурних центрів української столиці. Прийшло і офіційне визнання. Наприклад, роботи Галини Неледви двічі експонувалися на Венеційському бієнале – у 1982 та у 1984 роках. Віктор Іванович Рижих – майстер непересічний, у творчості якого класична традиція і потужна життєдайність поєднуються з новаторськими рішеннями у віддзеркаленні найбільш вражаючих аспектів реальності. Спираючись на власні враження, він вибудовує алгоритми фіксації швидкоплинного часу, де намагається вхопити найважливіші елементи дійсності, віднайти її присмак у пам’яті. Його завжди цікавили глобальні явища, «ознаки часу», з яких можна зняти одежу повсякденної рутини. Мова митця характерно мінімалістична, лапідарна, вичерпно досконала, іноді надзвичайно стисла, але завжди сфокусована на головному. В його інтерпретації активно працюють усі зображальні засоби: пластична лінія, локальна пляма, баланс пропорцій, неочікуваний ракурс. Віктор Рижих розпочинав творчу роботу в роки, коли вибір сюжету часто обумовлювався специфікою тогочасного світосприйняття і декларувався вимогами радянської номенклатури. Натомість, його твори завжди вирізнялися власною інтерпретацією і

The family is a legendary union of artists where everyone is at the origin of some groundbreaking discoveries that significantly enriched the development of painting in the second half of the XX – the beginning of the XXI centuries.

The artists’ creative decisions often take the viewer by surprise, the plot collisions are unexpected, the picturesque effects are impressive, the result of the perception of their artworks is fascinating. They usually actualize an extremely wide range of feelings.

Support and mutual enrichment have turned the dynasty into independent creative group as it has actually identified itself for a long time. Stylistic and thematic searches of several generations were reflected in the work of the family.

Viktor Ryzhykh and Galyna Neledva started to work independently from the mid 1950 ‘s, when they studied in Kyiv State Art Institute. They received a basic education, refined their knowledge in the workshops of eminent artists, among whom was, for example, K. Trohymenko. Later, their daughter, Elena Ryzhykh, also a well-known author, studied at the same institute.

A thorough study of the limits of painting and its possibilities, analysis of the achievements of the Ukrainian avant-garde and their own creative experiments contributed to the growth of the authority of the family in the artistic environment. In 1970-1980s they were already recognized painters whose achievement caused a sincere respect in Kyiv underground art. Other artists studied and tried to imitate their artworks.

The atmosphere of a real creative breakthrough was literally whirling around the couple and attracted others.

The workshop of Ryzhykh-Neledva was one of the informal cultural centers of the Ukrainian capital. They were also officially recognized. For example, Galyna Neledva’s artworks were exhibited twice at the Venice Biennale – in 1982 and in 1984.

Viktor Ryzhykh is an outstanding artist whose artworks combine the classical tradition and powerful livelihood with innovative solutions to reflect the most striking aspects of reality. Leaning on his own impressions, he builds algorithms for fixing fleeting time, where he tries to grasp the most important elements of reality and to find its taste in memory. He has always been interested in global phenomena, the “signs of the time“, from which one can take the clothes of routine off. The artist’s language is characteristically minimalistic, lapidary, exhaustively thorough, sometimes extremely brief, but always focused on the essentials. All imaginative means are actively involved in his interpretation – plastic line, local spot, balance of proportions, unexpected angle.

Viktor Ryzhykh began his creative work in the years when the choice of this subject was often determined by the specifics of the worldview at the time and declared by the requirements of the Soviet nomenclature. Nevertheless, his artworks have always been distinguished by his own interpretation and author’s view of the event. The author’s considerable achievements are genre-themed compositions, paintings on historical themes, epic landscapes, characterized by prudent decisions and

авторським поглядом на подію. Значний доробок автора складають жанрово-тематичні композиції, картини на історичні теми, епічні пейзажі, для яких характерні виважені рішення і самобутня мова. Художник плідно працював над спортивною тематикою, захопившись взаємозв’язком динамічного руху і пластики тіла. Наприклад, він створив одну з самих відомих робіт 1970-1980-х років на тему спорту – «Київський футбол» (1979), де зображено групу футболістів, і, зокрема, О.Блохіна. Будь-який сюжет в його інтерпретації ретельно занотовує мить, монументалізує її, підносить до стану узагальнення. Він один з тих, хто знаходив можливість бути вільним і збагачував свою мову посиленням змістовності. Наприклад, митець багато зробив для розвитку таких феноменів, як «метафізичний реалізм» і «суворий стиль», у витоків якого він стояв. Особливу сторінку доробку майстра складають пейзажі. Дослідники інколи відзначають певну метафізичність і античну піднесеність в його роботах. Його здебільшого цікавлять безлюдні ландшафти – міські чи природні, в яких композиція будується завдяки якомусь окремому елементу. В таких пейзажах домінантою стають будівлі, скульптури, фрагменти архітектурного декору чи природи, а вільний простір буквально заливає колір – яскравий, дзвінкий, або ніжний і м’який. Колір спресований і щільний, немов символ часу, скрізь який предмети матеріалізуються. Митець вириває їх із потоку лінійного часу, звільняє з буденного і знаходить їм місце у вічності. Кам’яні фрагменти стають німими свідками життя, історію якого автор закликає почути завдяки ритму, пластиці і кольоровій тональності. Представлені в каталозі пейзажні твори Віктора Рижих відносяться до різних етапів його творчості і демонструють його неперевершений і потужний дар. Галина Олександрівна Неледва – мисткиня, ім’я якої у творчих колах знають майже всі. Вона – одна з найвідоміших художниць України, яка все життя активно розвивала образотворчі можливості живописної мови і стояла у витоків головних мейнстрімів вітчизняного мистецтва. На початку свого шляху Галина Неледва переважно працювала над жанровими полотнами і портретами, досліджуючи можливості лінійної перспективи, освітлення і тональної організації простору. Вона зверталася до мистецтва Ренесансу, зокрема італійського кватроченто, вивчала і переосмислювала його здобутки, відшукуючи власні зображальні засоби і прийоми. В 1970-1980-х майстриня активно досліджувала властивості кольору і фактури, осягала

original language. The artist fruitfully worked on sports subjects, fascinated by the interplay of dynamic movement and body plasticity. For example, he created one of the most famous works of the 1970s-1980s on the subject of sports – “Kyiv football“ (1979), which depicts a group of football players and, in particular, O. Blokhin. Any plot in his interpretation carefully records the moment, monumentalizes it, brings it to a state of generalization.

He is one of those who found the opportunity to be free and enriched his language by increasing content. For example, the artist has done a great deal to develop such phenomena as the “metaphysical realism“ and “rigorous style“ at the beginning of which he stood.

Landscapes are the special legacy of the artist. Researchers sometimes signify a certain metaphysical and ancient exaltation in his art. He is mostly interested in desolate landscapes – urban or natural, in which the composition is constructed through some single element. In such landscapes, buildings, sculptures and fragments of architectural decor or nature are dominant, and the free space is literally filled with color – bright, bell-shaped, or gentle and soft. The color is compressed and dense, like a symbol of time, though which the objects are materialized.

The artist pulls them from the flow of linear time, frees them from their everyday life and finds their place in eternity.

The stone fragments become silent witnesses to life, whose history the author calls to hear due to the rhythm, plasticity and color tone.

Viktor Ryzhykh’s landscapes, presented in the catalogue, relate to different stages of his work and demonstrate his unsurpassed and powerful gift.

Galyna Neledva is an artist whose name is known in the creative circles to almost everyone. She is in the top most famous artists of Ukraine, who during her life has been actively developing the visual possibilities of pictorial language and pioneered major mainstream of the national art.

At the beginning of her journey, Galyna Neledva mainly worked on genre canvases and portraits, exploring the possibilities of linear perspective, illumination and tonal organization of space. She turned to the art of the Renaissance, in particular the Italian quattrocento, studying and rethinking its achievements, finding her own imaginative tools and techniques.

In the 1970s-1980s, the artist actively researched the properties of color and texture, grasped the shaping and emotional functions of the color spot. She analyzed the experience of modern-day artists and artists of the Ukrainian avant-garde. The modernist’s formal techniques have undergone significant transformations in her work, reflecting the nerve of her own quest. The work

формоутворюючі та емоційні функції колірної плями. Вона аналізувала досвід художників-модерністів і митців українського авангарду. Формальні прийоми модерністів зазнали у її творчості значних трансформацій, віддзеркалюючи нерв її власних пошуків. Роботи авторки цих років є унікальним синтезом високої живописної культури і окремих елементів здобутків модернізму, зокрема експресіонізму. В них транслювалися складні психологічні і емоційні стани через неординарні композиційні прийоми, колірні гами і динамічну фактуру. Головним результатом цих експериментів був фактор психологічного навантаження композиції, шкала якого охоплює розмаїття станів від внутрішньої гармонії до максимального напруження. Поступово мова Галини Неледви трансформувалася в бік все більшого узагальнення, теми набували сакрального значення, з’являлися потужні метафоричні вислови. Вона писала полотна символічного спрямування, в яких охоплювала теми грецької міфології і євангельських сюжетів, створювала пейзажі, портрети і натюрморти із складними образними надбудовами. Авторка часто зверталася до роздумів про Бога, про діалог між Богом і людиною. В цих темах досягалося небачене загострення переживань, що в образотворчій мові виражалося у застосуванні відкритих кольорів, сміливій роботі з фактурою і формою. Майстриня використовувала такі новаторські художні прийоми, як продряпування і підмішування тирси у фарбу, чим досягала більшої пластичності живописного шару. Світ художниці надзвичайно цілісний. Майже всі сюжети засновані на її життєвих спостереженнях і внутрішніх переживаннях, навіть коли світ, який у них постає, здається несподіваним. Предмети і образи природи, портрети людей і враження від подій – усе, що було одного разу побачене і пережите, незмінно відображується у роботах Галини Неледви, хоч і зазнає істотних змін. У каталозі демонструються твори Галини Неледви різних років і тематичних спрямувань, які є справжнім надбанням української культури. Олена Рижих – мисткиня сучасна, схильна до символічних абстрактних форм, де узагальнення і метафора є важливими компонентами образотворчості. Всі її просторові композиції і колірні панорами є незбагненною, потужною містерією кольору, форми і ритму. Художниця отримала ґрунтовний практичний досвід з основ живописної майстерності від своїх батьків, фундаментальну мистецьку освіту в Київському державному художньому інституті. Розпочинала з фігуративного живопису, але з часом предметний світ в її творах трансформувався в узагальнено-абстрагований. Вона шукала власну лінію у мистецтві, створивши потужну зображальну мову, побудовану на поєднанні кольору і пластики. Стилю майстрині притаманна лаконічність композиції, виразна чітка структура, ритм

of the author of these years is a unique synthesis of the high picturesque culture and individual elements of the achievements of modernism, in particular expressionism.

They broadcast complex psychological and emotional states, which were achieved through extraordinary compositional techniques, color gammas and dynamic texture. The main result of these experiments was the factor of psychological loading of the composition, the scale of which covers the variety of states from the intrinsic harmony to the maximum stress.

Galyna’s language gradually transformed into increasing generalization, themes acquired sacred significance, powerful metaphorical expressions emerged. She painted canvases with an involuntary orientation, covering topics of Greek mythology and gospel subjects, creating landscapes, portraits and still lifes, and with complex imagery. The author often referred to reflections on God , the dialogue between God and human. In these themes, an unprecedented exacerbation of experience was achieved, which in fine language was expressed in the use of open colors, bold work with texture and form. Galyna used such innovative artistic techniques as scratching and blending sawdust into the paint, by which she achieved increased plasticity of the painting layer.

The artist’s world is extremely holistic. Almost all the stories are based on her life observations and internal experiences, even when the world that appears in them seems unexpected. Objects and images of nature, portraits of people and impressions of events – everything that was once seen and experienced, invariably reflected in the works of Galyna Neledva, though undergoing significant changes.

The catalogue shows works by Galyna Neledva of different years and thematic directions, which are a real heritage of Ukrainian culture.

Elena Ryzhykh is a contemporary artist, inclined to symbolic abstract forms, where generalization and metaphor are important components of art. All her spatial compositions and color panoramas are an incomprehensible, powerful mystery of color, shape and rhythm.

The artist received a thorough practical experience in the basics of painting skills from her parents, and a fundamental art education at the Kyiv State Institute of Art. She began with the figure of this painting, and only eventually the subject world in her works transformed into a generalized abstract. She was looking for her own line in the art, creating a powerful imaginative language built on a combination of color and plastic. The mastery style is characterized by the conciseness of the composition, the clear structure, the rhythm and the intense colorful atmosphere, where the main thing is to convey the idea of the plot.

The thematic range in which Elena Ryzhykh realizes herself is impressive – it is abstract works, landscapes, still lifes, genre compositions, paintings on religious subjects. Of great importance in the work of the author are works on biblical and evangelical motives, in which the artist explores

і напружена колористична атмосфера, де головне – передати ідею сюжету. Тематичний діапазон, в якому реалізовує себе Олена Рижих, вражаючий – це абстрактні твори, пейзажі, натюрморти, жанрові композиції, полотна на релігійну тематику. Велике значення мають в творчості авторки роботи, присвячені біблійним і євангельським мотивам, в яких художниця досліджує духовні, сакральні, вічні теми. В будь-який її роботі відчувається перевага духовного виміру над матеріальним, філософського світосприйняття над буденно-життєвим, що реалізується драматичною естетикою її живопису. В картинах мисткині можна виявити прагнення до максимальної виразності при використанні найлаконічніших, але потужних засобів. Живопис, як феномен з його засобами виразності, є однією з головних характеристик творчості Олени Рижих. Глядач активно залучається до споглядання сюжету через колір, форму і фактуру. Композиції вирізняються точно вивіреною колористичною і пластичною побудовою, ідеальним балансом об’ємів і колірних плям. Кожна кольорова форма, ритм вертикалей і горизонталей спрямований на те, щоб глядач зміг встановити емоційний контакт з картиною. Її роботи логікою не осягнеш. Особливу роль у творах Олени Рижих грає фактура. Глибока, густа, багатошарова – вона утворює динамічну поверхню і немов сублімує в собі творчу енергію. Фактура у вигляді багатократного нанесення фарб стає особливою якістю живописності і збагачує внутрішній потенціал картин автора. Простір у полотнах майстрині завдяки фактурі немов вібрує, і складається враження його рухомості. В каталозі представлені роботи авторки різних жанрів, серед яких пейзажні твори, сюжети на біблійну тематику, абстрактні композиції. Кожна з картин є значним живописним досягненням і свідчить про видатну роль художниці у культурному середовищі. Як висновок, слід зазначити що сучасні тенденції в українському малярстві спрямовані на активний пошук власної ідентифікації і нових принципів образотворення, але через усвідомлення національних художніх традицій і відкриттів. Творчість представленої генерації авторів є унікальним явищем у вітчизняному артистичному просторі. Це мистецтво високого професіоналізму, максимальної правди і щирості, для якого характерне усвідомлення своєї ролі як важливої комунікативної ланки, що вибудовує нові зв’язки при осмисленні історичної пам’яті.

spiritual, sacred and eternal themes. In any of her works the viewer can feel the spiritual dimension over the material, philosophical worldview over the everyday life, which is realized by the dramatic aesthetics of her painting.

In the paintings of the artist, one can see the strive for the utmost expressiveness when using the most laconic but powerful means. Painting, as a phenomenon with its means of expression, is one of the main characteristics of Elena Ryzhykh’s work. The viewer is actively involved in contemplating the plot through color, shape and texture. The compositions are distinguished by precisely adjusted color and plastic construction, an ideal balance of volumes and color spots. Each colored form, the rhythm of verticals and horizontals directed to the establishment of contact between the viewer and the painting. You will not comprehend her work with logic.

Texture plays a special role in Elena Ryzhykh’s works.

Deep, thick, multi-layered – it forms a dynamic surface and sublimates creative energy. The texture in the form of repeated application of paints becomes a special quality of painting and enriches the inner potential of the paintings of the author.

Due to the texture, the space in the canvas of the artist vibrates and gives the impression of its mobility.

The catalogue presents works by authors of different genres, among which are landscapes works, subjects on biblical subjects, abstract compositions. Each of the paintings is a significant scenic achievement and testifies to the outstanding role of the artist in the cultural environment.

In conclusion, it should be noted that the modern tendencies in Ukrainian painting are directed to active search for one’s identities and new principles of art, but through awareness of national artistic traditions and discoveries. Creative works of the presented generation of authors is a unique phenomenon in the national artistic space. It is an art of high professionalism, utmost truth and sincerity, characterized by an awareness of its role as an important communicative link that builds new connections in the understanding of historical memory.

НОЇВ КОВЧЕГ | NOAH’S ARK олія, полотно / oil, canvas 70x90 cm / 2006

І З НЕБА ВПАЛИ ГРАНАТИ | AND POMEGRANATES FELL FROM THE SKY олія, полотно / oil, canvas 90x120 сm / 2019

ІЗ СЕРІЇ «ГРАНАТ. ЛЮБОВ» | FROM THE «POMEGRANATE. LOVE» SERIES акварель, папір, авторська техніка / watercolor, paper, author’s technique 35х24 сm / 2019

ПОРТРЕТ КИЯНКИ АННИ | KYIV WOMAN ANNA’S PORTRAIT олія, полотно / oil, canvas 90x60 сm / 1996

БІЛА МУЗИКА | WHITE MUSIC акрил, полотно / acrylic, canvas 100х110 cm / 2017

ГРАНАТОВЕ ДЕРЕВО. ПРИСВЯТА ВАЛЕНТИНУ СИЛЬВЕСТРОВУ POMEGRANATE. DEDICATION TO VALENTINE SILVESTROV олія, полотно / oil, canvas 100х110 cm / 2017

ПІД БІРЮЗОВИМ НЕБОМ | UNDER THE TURQUOISE SKY полотно, олія / canvas, oil 90x130 cm / 2019

ЗОЛОТИЙ ВУЛИК | GOLDEN HIVE полотно, олія / canvas, oil 200х200 cm / 2018

АБСТРАКТНИЙ ПЕЙЗАЖ | ABSTRACT LANDSCAPE полотно, олія, змішана техніка / canvas, oil, mixed media 200х190 cm / 2018

КРИЛАТИЙ ОСТРІВ | WINGED ISLAND полотно, олія, змішана техніка / canvas, oil, mixed media диптих / diptych / 100х200 cm / 2019

ОПЛАКУВАННЯ | WEEPING полотно, олія, змішана техніка / canvas, oil, mixed media диптих / diptych / 120x200 cm / 2019

ТАЙНА ВЕЧЕРЯ | THE LORD’S SUPPER дерево, левкас, олія, метал / wood, leucas, oil, metal 120x280 cm / 2019

ТРАНСФОРМАЦІЯ ПРОСТОРУ | TRANSFORMATION OF SPACE дерево, левкас, олія / wood, leucas, oil 105x200 cm / 2017

ВЕЧІРНЯ РАПСОДІЯ | EVENING RHAPSODY полотно, олія, змішана техніка / canvas, oil, mixed media диптих / diptych / 130x240 cm / 2019

ЧОВЕН-ВУЛИК| BOAT-HIVE левкас, дерево,олія, змішана техніка / tree, leucas, oil, mixed media 65х150 cm / 2018

ІЗ СЕРІЇ «СПОРТЗАЛ» І | FROM “THE GYM” I SERIES полотно, олія / canvas, oil 110х150 cm / 2016

ІЗ СЕРІЇ «СПОРТЗАЛ» ІІ | FROM “THE GYM” II SERIES полотно, олія / canvas, oil 150х110 cm / 2016

ЗБИРАЧІ ВРОЖАЮ | HARVEST COLLECTORS полотно, олія / canvas, oil 150х110 cm / 2016

ДИПТИХ «НА СТАЙНІ» І | DIPTYCH “AT THE STABLE” I полотно, олія / canvas, oil 150х110 cm / 2016

ДИПТИХ «НА СТАЙНІ» ІІ | DIPTYCH “AT THE STABLE” II полотно, олія / canvas, oil 150х110 cm / 2016

КОМПОЗИЦІЯ З ГРАНАТАМИ НА ЗЕЛЕНОМУ | COMPOSITION WITH POMEGRANATES ON GREEN триптих / triptych полотно, олія / canvas, oil 40ч20 cm, 40х40 cm, 40x20 cm / 2019

БІЛИЙ РОЯЛЬ | WHITE PIANO полотно, олія / canvas, oil 100x70 cm / 2019

ВАЗА З ГРАНАТОМ, ЧЕРВОНИЙ СТІЛ | VASE WITH POMEGRANATE, RED TABLE полотно, олія / canvas, oil 100x80 cm / 2019

ЖІНКА БІЛЯ ПІАНІНО | WOMAN NEAR THE PIANO полотно, олія / canvas, oil 100x75 cm / 2011

ВІЧ-НА-ВІЧ | FACE-TO-FACE полотно, олія / canvas, oil 80x60 cm / 2019

ІСТОРІЯ КОХАННЯ | LOVE STORY змішана техніка, оргаліт / mixed media on cardboard 80х70 cm / 2009

САМОГУБСТВО 1 | SUICIDE 1 змішана техніка, оргаліт / mixed media on cardboard 60x45 cm / 2009

САМОГУБСТВО 2 | SUICIDE 2 змішана техніка, оргаліт / mixed media on cardboard 60x45 cm / 2009

САМОТНІСТЬ | LONELINESS змішана техніка, оргаліт / mixed media on cardboard 70х55 cm / 2009

САМОГУБСТВО 3 | SUICIDE 3 змішана техніка, оргаліт / mixed media on cardboard 60x45 cm / 2009

РАНОК В АРЛІ | MORNING IN ARLES полотно, олія / canvas, oil 90х120 cm / 1997

ЛУВР | THE LOUVRE полотно, олія / canvas, oil 100х150 cm / 2001

ОХОРОНЕЦЬ СЕНИ | A GUARD OF THE SEINE полотно, олія / canvas, oil 80x100 cm /1995

ПОЛУДЕНЬ У РОКЕМОРІ | NOON IN ROCKEMORE полотно, олія / canvas, oil 60х80 cm / 1992

САД ТЮІЛЬРІ | TUILERIES GARDEN полотно, олія / canvas, oil 110х160 cm / 2005

ПІВДЕННЕ МІСТЕЧКО | SOUTH TOWN полотно, олія / canvas, oil 70х90 cm / 2007

МІСТО НА КІКЛАДАХ | THE CITY ON CYCLADES полотно, олія / canvas, oil 70x100 cm / 2009

КРИМ. БАЛАКЛАВА | CRIMEA. BALACLAVA полотно, олія / canvas, oil 70х90 cm / 2006

ХРАМ НА САНТОРІНІ | THE CHURCH ON SANTORINI полотно, олія / canvas, oil 80х110 cm / 2012

ВТЕЧА ДО ЕГИПТУ | ESCAPE TO EGYPT полотно, олія / canvas, oil 115х180 cm / 2010

ВЕНЕЦІЯ. КАНАЛ ГРАНДЕ | VENICE, NIGHT GRAND CANAL полотно, олія / canvas, oil 90х120 cm / 2015

ПОБАЧЕННЯ НА ПІВДНІ | A DATE ON THE SOUTH полотно, олія / canvas, oil 90х120 cm / 2014

ФЛОРЕНЦІЯ | FLORENCE полотно, олія / canvas, oil 120х150 cm / 2015

ЗИМОВІ СХИЛИ | WINTER HILLS полотно, олія / canvas, oil 100х130 cm / 2013

ДВА ДЕРЕВА НАД СТАВКОМ | TWO TREES ABOVE THE POND полотно, олія / canvas, oil 70х90 cm / 2009 ПУЛЬСАЦІЯ | PULSATION полотно, олія / canvas, oil 60х120 cm / 2003 ЗЕЛЕНИЙ ПРОСТІР | GREEN SPACE полотно, олія / canvas, oil 60х120 cm / 2003

ЗЕЛЕНА СТРУКТУРА | GREEN STRUCTURE полотно, олія / canvas, oil / 95х120 cm / 1998

СЕРЕДНЬОВІЧНІЙ КВАДРАТ | MEDIEVAL SQUARE полотно, олія / canvas, oil / 100х100 cm / 2003

ЯВЛЕННЯ | APPEARANCE полотно, олія / canvas, oil 90х120 cm / 1991

ВТЕЧА | ESCAPE полотно, олія / canvas, oil 60×80 cm / 1990

ЗУСТРІЧ | MEETING картон, олія / cardboard, oil 50х70 cm / 1990

ДІАЛОГ | A DIALOGUE картон, олія / cardboard, oil 50х80 cm / 1990

ЕДІП І СФІНКС | OEDIPUS AND THE SPHINX полотно, олія / canvas, oil 80х100 cm / 1989

БУНТУЮЩАЯ ГАРМОНИЯ | REBEL HARMONY полотно, олія / canvas, oil 80x100 cm / 1990

ДІВА МАРІЯ ЧОРНОБИЛЬСЬКА | MATER DOLOROSA OF CHERNOBYL полотно, олія / canvas, oil 100x130 cm / 1991

ЧЕРВОНЕ ДЕРЕВО | RED TREE картон, олія / сardboard, oil 50х80 cm / 1990

ХРИСТОС І МАГДАЛИНА | JESUS CHRIST AND MAGDALENE полотно, олія / canvas, oil 98х98 cm / 1994