Furniture Design Anthology by asa asa

Авторы проекта Наталья Якутина Федор Бухтояров Виктория Панафидина Администратор и бутафор проекта Любовь Ганопа Оформление и тексты Александра Архипова Финансковая поддержка проекта

1 Три года назад Наталья Якутина задумала необычный проект – серию фотопортретов новосибирских дизайнеров и архитекторов, в аллегорической форме воплощающих тот или иной интерьерный стиль или культовый предмет мебельного дизайна. Главная идея - раскрыть суть предмета через образ. Составив два списка стилей и предметов мебели и знакомых ей на то время профессионалов и руководствуясь своими внутренними ощущениями, Наталья наметила «жертв» на каждый потрет, стараясь совместить свои ощущения от человека с выбранным для него образом. Для реализации проекта она пригласила известного новосибирского дизайнера Федора Бухтоярова и не менее известного стилиста Викторию Панафидину. Задачей Федора и Виктории было «спроектировать» образ, конкретизировав его не только визуально, но и на тонком психологическом уровне. Постепенно офис, где проходили съемки, заполнялся странными вещами. Здесь были зеркала, матрас, сетка-рабица, телевизионные антенны, куски картона и огородных шлангов, парики, взятые в аренду театральные костюмы, рулонный газон. В ходе съемок администратору и бутафору проекта Любе Ганопа по требованию Федора приходилось добывать определенного цвета и рисунка ткани, краску, варить цветные макароны, месить тесто, покупать пистолеты, мороженое, детские совочки, леечки, целый гардероб белых и черных футболок и водолазок. И даже огромные куски парной говяжьей вырезки... «Говядина, конечно, пригодилась, но в остальном... в нашем офисе образовалось три гигантских кучи реквизита. Под конец проекта я уже умоляла людей разобрать кому что в хозяйстве пригодится, чтобы освободить место». Наталья Якутина Съемки шли пять месяцев с перерывами, потому что у всех – и у авторов, и у «моделей» – была своя работа. Во время съемок «модели», будучи людьми творческими и не боясь показаться странными или смешными, выносили все. Одних раздевали, других одевали, заставляя гримасничать, кусать сырое мясо или до отвращения наслаждаться мороженным и шоколадом, вымазывали лаком и краской, обливали тестом, мужчинам красили ногти и мыли пятки, женщин уродовали до неузнаваемости. В общем, издевались, как хотели. «Несмотря на трудоемкость и большую суету, мне очень понравился сам процесс. Я увидела знакомых мне людей совсем с другой стороны. И была приятно удивлена, насколько каждый человек талантлив и как легко он включается в творчески процесс. И обязательно хочу отметить, что без тонкого художественного вкуса Федора Бухтоярова и фантазии и мастерства в создании образа Виктории Панафидиной проект не получился бы таким цельным, ярким и точным». Наталья Якутина

Истоки Евгений Папшев

Никто не может точно сказать, когда человек придумал первый стул или первую кровать. Можно лишь предположить, что приспособление дикой неотесанной природы для ублажения человеческого тела началось очень давно. Для изготовления первой мебели использовались различные подручные материалы: вместо кроватей стелили солому и покрывали ее шкурами животных, большие камни служили сиденьями, но особенно удобным было использование дерева, которое легко поддается обработке. С первобытных времен и по сей день дерево было и остается материалом номер один.

Античность Сергей Князев

Египтяне не гнались за комфортом: их мебель была грубовата по исполнению, недолговечна и неудобна. Античность – вот время зарождения дизайна как искусства, призванного сделать жизнь не только красивой, но и более комфортной. Хитроумные греки изобрели сложные соединения деталей и научились гнуть древесину при помощи пара. Со временем тяжелые стулья заменяются более изящными с серповидно изогнутыми ножками (клисмосом), популярными не только в античности, но и повторенными впоследствии в стиле ампир. Обычай есть лежа стимулировал развитие новых разновидностей кушеток с поднятым изголовьем и скамеечкой... Как и греки, римляне любили лежачий образ жизни и вообще всяческий комфорт, поэтому искусство удобного горизонтального расположения дошло у них до появления кроватей с мягкой обивкой. Имперский дух требовал роскоши и помпезности. Массивные богато украшенные столы с мраморными боковинами, которые ставились в атрии (прихожей) символизировали домашний очаг. Римская мебель для сиденья похожа на греческую. Особенно распространёнными были складной курульный стул и удобная, хотя и громоздкая кафедра – кресло для знати. Вещи хранились в сундуках. Наиболее солидный из них назывался «арка». Он был полностью обит железом, никогда не передвигался и служил для хранения особо ценных вещей – своего рода «сейф» античности. Стремление к роскоши привело к использованию дорогих материалов: золота, серебра, слоновой кости, панциря черепахи. Иногда мебель просто полностью высекалась из мрамора или отливалась из бронзы. Не открыв ничего кардинально нового в искусстве, римляне, тем не менее, обладали хорошим вкусом. Именно в Древнем Риме мы впервые сталкиваемся с осознанной стилизацией.

Готика Виктория Панафидина

Конец света, ожидаемый в 1000 году, так и не состоялся, и мрачные оборонные постройки романской эпохи сменились экспрессивными, рвущимися ввысь формами готики. С изобретением в 1322 году лесопильной рамы ушла необходимость сбивать тяжеловесную мебель из толстых брусков. Тонкие и лёгкие доски позволяли конструировать новые формы во всём их разнообразии. Расцвет городов и ремесел оказал влияние на искусство и культуру и, в первую очередь, архитектуру и интерьер. Мебель традиционно последовала за своей «старшей сестрой» архитектурой. Она обильно оснащается архитектурными деталями: стрелами, башенками, поперечными ребристыми элементами, изображениями фигур, иногда воспроизводятся даже амбразуры. Для устранения однотонности чрезмерно тектоничных конструкций используют различные формы орнаментации. Мебель для сиденья – традиционные скамьи либо сундуки. Представительные кресла не слишком удобны: гладкое дощатое «сиденье-ящик» довольно жёстко и не позволяет отвести ноги назад, а прямая резная спинка тоже комфорта не добавляет. Впрочем, были и некоторые достоинства «сиденья-ящика»: поставленный возле кровати он с успехом заменяет домашний клозет.

Ренессанс и Sgabello Елена и Андрей Хаменковы

Этот странный стул тяжел, массивен и жесток – не откинуться на нем, не развалиться, но при этом украшен восхитительными архитектурными элементами. Sgabello – итальянский термин для демократичного подвижного стула, в отличие от sedia (кресло), имеющего «сакральное» назначение. В креслах-постаментах восседали папы или монархи, Sgabelli пользовали деятели итальянского Ренессанса и простые горожане. Трехногий стул (ножки могли быть соединены поперечинами для удобства ног) с массивным восьмиугольным сиденьем, богато украшенной резьбой спинкой, где часто изображался фамильный герб или эмблема, и полным отсутствием подлокотников обычно ставили в мастерских, дворцовых коридорах и приемных, чтобы «народ не засиживался». Именно на таких стульях сидели высоколобые гении и интеллектуалы Возрождения.

Барокко Юрий Тарасов

Barocco в переводе с итальянского означает «причудливый». Так назвали стиль его поздние противники - классицисты XVIII века, которым формы барокко напоминали результат игры «неразумной природы». История стиля неразрывно связана с эпохой абсолютизма, в частности, со временем правления Людовика XIV - «Короля-Солнце». Архитекторы строят роскошные дворцы, призванные символизировать власть абсолютного монарха. Их парадные интерьеры выдержаны в нормах ордерной архитектуры, но детали динамичны и дробны. Стены затянуты дорогими тканями, а потолки, благодаря иллюзионистическим перспективным эффектам покрывающих их росписей, уводят взор в необъятные небесные просторы с плавающими в них розовыми облачками и порхающими амурчиками. Весь этот праздничный золоченый декор, с венками, раковинами, головками купидонов, повторяясь из зала в зал, славит власть и богатство. В мебели геометрические линии Ренессанса также сменяются динамичными овалами, спиралями и другими сложными и запутанными очертаниями. Спокойная гладь предметов вздувается, линии изламываются, искривляются. Однако искривить трудно поддающуюся изгибу древесину не так уж просто. Возникает новый приём отделки мебели – деревянный мозаичный набор, когда для формирования больших изогнутых поверхностей склеивали кусочки фанеры (технология изготовления фанеры появилась в период Ренессанса). Впервые на интерьерную сцену выступают так называемые «гарнитуры», состоящие из нескольких гармонирующих друг с другом предметов обстановки. Сундуки уступили место комодам с выдвижными ящиками и бюро, появились диваны-сороконожки, как будто составлены из нескольких кресел. Другое изобретение барокко – мраморный столик-консоль, который обычно ставится под зеркалом, облаченным в тяжелую резную золоченую раму.

Рококо Екатерина и Светлана Банниковы

В первой половине XVIII века умами сибаритов завладевает новый стиль. «Изящный» – ключевое слово это эпохи. Хотя рококо и называют «стилем Людовика XV», вдохновителем его стал итальянец Месонье, в произведениях которого впервые появляются причудливые ассиметричные формы, в частности – мотив капризно изогнутой раковины (фр. rocaile ). Впервые интерьер – единое целое, гармоничное сочетание декора стен, пола, потолка и мебели. Полный отказ от автономности отдельных элементов конструкций, симметрии и прямых линий. Детали растворяются, и мебель кажется будто бы отлитой из одной пластичной массы. Если барокко – вся гамма эмоций от радости до трагедии, то рококо – лишь изысканность, тонкость вкуса, изящество… Ассиметричные композиции, небольшие интимные будуары, нежные па цвета. Мебель как будто привстает на цыпочки. Уход от жизни в мир фантазии, театрализованной игры, мифических и пасторальных сюжетов с обязательным налётом эротизма. В моду входит «шинуазри» («китайщина»): передвижные ширмы, гобелены, китайский фарфор. Капризы великосветских жеманниц задают основной тон, изящно-декоративный и легкомысленный. Появляются чисто женские предметы мебели – туалет, маленькие тумбочки, секретер. В формах диванов и кресел учитываются особенности пышной женской одежды. Мебель старается быть не только репрезентативной, но и комфортной.

Венецианский стиль Александр Ложкин

Вторая половина XVII века – золотая эпоха итальянской аристократии и торговой буржуазии, вливающейся и ряды знати. Отстраиваются и обставляются многочисленные дворцы и виллы, укрепляется стремление к стилевому единообразию меблировки. В Венеции рокайльные формы прижились очень быстро, а приемы декорирования были чрезвычайно разнообразны и оригинальны. Золоченому бронзовому декору здесь предпочитается искусство объемной резьбы. «Пузатую» мебель из недорогого местного дерева не фанеровали, как это было принято во всей Европе, а красили и расписывали букетами, цветочными гирляндами и даже сюжетными пасторалями по светлому пастельному фону – белому, зеленому или голубому. Конструктивные элементы и ящики подчеркивались обводкой контрастного цвета и окрашенной резьбой. Особую известность получает знаменитая венецианская лаковая мебель. Ориентальная мода возникает и во Франции, породив т.н. стиль «шинуазри», позаимствовавший с востока ориентальные мотивы на черном лаковом фоне. Венеция, в отличие от Франции, не только приняла, но и полностью «переварила» восточную экзотику, что, впрочем, было для нее самым обыкновенным делом. Очень скоро китайские образцы вытесняет роспись в европейском стиле. Одновременно из того же Китая заимствуется оригинальная техника декупажа: на поверхность наклеивали небольшой печатный рисунок (цветы, пейзажи, ведуты), раскрашенный акварелью, который покрывался сандрак-лаком. По этой же технологии сделаны и «венецианские» ширмы. В отличие от типичного для востока сочетания красного, черного и золотого, «венецианский стиль» это яркие чистые цвета на светлом фоне, чуть-чуть тронутом позолотой или серебрением.

Неоклассика и Джузеппе Маджолини Наталья Якутина

Если во Франции стили менялись почти мгновенно и были связаны с восхождением на престол очередного Людовика, то в Италии, где свои «людовики» имелись в каждом городе-государстве, стиль абсолютной монархии не был столь тотальен и имел массу вариаций и собственных версий. Стиль Людовика XVI - неоклассицизм – возрождает интерес к классическому наследию. Для Франции и Англии это было сродни «открытию», а в Италии элементы классического (античного) стиля никогда не исчезали полностью, тлея в недрах мастерских краснодеревщиков и маскируясь под прихотливое барокко или манерное рококо. Линейная строгость и четкость форм неоклассики была здесь естественной и мирно уживалась с любыми стилистическими завихрениями. Итак, с середины XVIII века обстановка становится более строгой и лаконичной: линии выпрямляются, на первый план выступает величественность и строгость, симметрия и равновесие частей. Декорирование сводится не к пышности резных форм, а к выявление внутренней красоты дерева.. В Ломбардии расцветает великолепная школа Ловати, готовившая столяров-краснодеревщиков. Ее самым знаменитым выпускником был Джузеппе Маджолини, который стал непревзойденным мастером в эпоху неоклассики, создав собственную технику интарсии (инкрустации) с использованием редких пород древесины: десятки и десятки различных цветов и оттенков подобно красочной палитре давали ему возможность получать поистине живописные эффекты. Маджолини удалось не только достичь недосягаемых вершин искусства интарсии, но и дать свое имя целому стилевому направлению в неоклассической мебели.

Ампир Галина Ковальчук

Как древнегреческий стиль, воспринятый римской империей, становится пышным и помпезным, так и неоклассицизм, повторяя путь античного искусства, увядает в блеске и роскоши. Римская империя стала не просто идеалом красоты, но и программой к действию. Если до этого античные мотивы органично использовались, то теперь им прямо подражают. Ампир становится первым стилем, официально насаждаемым «сверху». Египетский поход Наполеона повлиял на декор ампира, сообщив ему, помимо египетских мотивов, еще и военные – изображение сфинксов, пирамид, оружия, факелов, лавровых венков. Лёгкость и изысканность предыдущей эпохи сменяет холодная торжественность, фантазию – холодный расчёт. При этом тяжеловесный ампир сохранил одно из самых удачных и практичных изобретений XVIII века – раздвижную мебель. Таковы складные походные кровати и дорожное бюро. Благодаря множеству выдвижных ящичков оно было поразительно вместительным и удобным. Символом стиля ампир стало красное дерево, красивым и экзотическми шпоном которой покрывали все предметы мебели высшего класса. Массивная, с гладкими полированными поверхностями, декоративными накладными бронзовыми рельефами, деталями в виде карнизов, колонн, львиных лап, мебель была схожа с архитектурными сооружениями. Предметы служили прежде всего репрезентации и напоминали собой экспонаты выставки.

Бидермейер Максим Кудашев

Начало XIX столетия – эпоха буржуазии с ее стремлением к спокойной упорядоченной жизни и скромного вещного мира с лёгким налётом сентиментальности. Холодный аристократизм ампира перерабатывается в духе интимности и домашнего уюта. Этот стиль позже получил насмешливое прозвище «бидермейер» («бравый господин Мейер» - синоним мещанства). Впервые стиль не привязан к «старшей сестре» архитектуре, будучи прежде всего стилем интерьера. Никогда раньше мебель не была столь «мебельной» по характеру, то есть свободной от архитектурных излишеств и чужеродного декора. Простота и естественность мебельных форм компенсировалась яркой расцветкой обивок и функциональной практичностью конструкций. Мебель – уже не предмет украшения, а добрый услужливый друг – отличается выдержанными пропорциями и натуральностью отделки. Период бидермейера еще называли «эпохой светлого дерева». В формах преобладали изящные округлые очертания, простота и лёгкость. Появились гарнитуры из широких диванов и соф, дополненные стульями и столами. Для обивки сидений и спинок кресел вместо принятого в эпоху ампира шёлка применяли более простые ткани, например, ситец с цветочным рисунком, однотонный или в полоску репс. Ведущими центрами мебельного искусства стали Лондон, Берлин и Вена.

Колониальный стиль Вадим Аксенов

Эпоха заморских экспедиций и завоевания новых земель была и эпохой взаимопроникновением культур: европейцы несли на «туземные» территории свою культуру, а у местного населения заимствовали некоторые особенности их образа жизни, устройства жилищ и внутреннего убранства. Существовало несколько колониальных разновидностей европейских стилей, которые обогатились традициями национальной культуры самих колоний – голландских, французских, испанских, английских, немецких, американских. Изначально стиль жизни колонизаторов строился на идее скромности и бережливости и был одной из первых попыток минимализма: оставив обустроенный быт, они брали с собой только самое необходимое, самые знаковые предметы интерьера, с которыми расстаться было невозможно – кровать, сундук, рабочий стол. Это и определило свойства колониального стиля: простоту, добротность и предметный минимализм. К тому же европейцы блюли себя и свои представления о том, чем человек цивилизованный отличается от дикаря – он много читает, занимается науками и искусством, дорожит историей своей родины и своей семьи. Отсюда и некий налет интеллектуальности, элегантности и патриархального уюта одновременно. В конце XVIII-XIX веке служить на заморских территориях стало престижно. Колоны, как называли таких служащих, привозили в Европу экзотические предметы непонятного назначения или привычные европейские вещи, приобретшие этнический колорит, будучи изготовленными туземцами по европейским образцам. Во времена правления королевы Виктории(1837-1901) колониальный стиль стал необычайно популярен не только в колониях, но и в самой метрополии. Стоит подчеркнуть, что в отличие от стиля этно в колониальном стиле европейская традиция является основополагающей.

Прованс Мария Шубина

Прованс, основанный на народных традициях, очень лаконичен и достигает эффектного результата минимумом средств: типичная грубоватая и незамысловатая деревенская мебель, выкрашенная в светлые цвета, наивная роспись, вышивка, много цветов, света, уюта и (!) никакой интеллектуальности и экзотики. Прованский стиль – это обаяние старинных предметов, доставшихся в наследство от деревенских бабушек и прабабушек, пастельные разбеленные тона, яркие акценты, ручная работа и только натуральные материалы – дерево, камень, полотно, керамика.

Венские стулья Михаэля Тонета Ксения Лейбович

Австрийский мастер-мебельщик Михаэль Тонет, предвосхитивший модерн за несколько десятилетий до рождения этого стиля, клеил и гнул деревянные детали, подвергал их предельным деформациям, изучая возможности материала. В результате Тонетом был разработан промышленный метод гнутья, которым можно было создавать кресла и стулья из многослойных полос, отказавшись от традиционного крепления элементов и уменьшив количество деталей. На свое изобретение Тонет получил патент со следующей формулировкой: «выгибание дерева любого рода, включая самые негибкие породы, химико-механическим способом с целью получения желательных форм, в том числе округлых». Патент Тонет получил в Вене, и отныне стулья, изготовленные по его технологии, стали называться «венскими». Было разработано около 20 базовых моделей. Стержнем всей этой гаммы стал стул «№ 14» (1855) – самый лаконичный, изящный и графичный вариант венского стула. Он состоял всего из шести частей. Трехмерное гнутье позволило объединить спинку и задние ножки в одну деталь, сидение круглой формы затягивалось камышовым плетением, сечение деталей было сведено до минимума. Конструкция получилась очень легкой, пружинящей, но стабильной. Стул имел еще одно волшебное свойство – когда на него садился человек, он «исчезал», и о его существовании говорила только поза сидящего. Так венский стул мог вписаться в любой интерьер. Находки Тонета в формообразовании были использованы для конструирования мебели из гнутых металлических трубок, но уже в ХХ веке.

Модерн Людмила Федченко

Модерн в России, Ар нуво во Франции, Либерти в Италии, Югенд-стиль в Австрии и Германии... Эстетика против банальности. Решительное освобождение от груза традиций. Целесообразность, удобство, учет и использование возможностей новой техники – таковы задачи, стоящие на повестке дня. Основные принципы нового стилевого направления первым сформулировал идеолог и практик модерна Ван де Вельде. Он исходил из того, что повсюду, где развитие протекает беспрепятственно, без рецидивов прошлого, оно приводит к созданию стиля. Анри ван де Велде бросил вызов «бесцельному изобразительному искусству», которое, по его мнению, должна заменить «разумная (практическая) красота». Теоретики модерна отстаивали концепцию, согласно которой архитектура здания, интерьер и вся обстановка помещений должны были составлять единый художественный ансамбль. Взяв на вооружение лозунг «Назад к природе», модерн создал сложную систему линейного орнамента, в основу которого были положены мотивы сильно стилизованных цветов и растений. Но в целом роль декора была незначительна: интарсия, бронзовые накладки, реже - резьба по дереву. Зато обои и обивки из набивной ткани безудержно украшались изображениями стилизованных растений и животных. Среди «грешков», водившихся за художниками модерна, –подчас произвольное отношение к материалу. Не был до конца преодолен и конфликт между новым орнаментализмом и индустриальной техникой. Однако это не помешало модерну с быстротой эпидемии распространиться по всей Европе.

Hill House 1903 -1903, Чарльз Ренни Макинтош Иван Пономарев

Архитектуру, интерьер и мебель шотландец Чарльз Ренни Макинтош представлял себе как единое целое. Как архитектор он опирался на традиции сельского шотландского жилища и так называемый «баронский стиль» средневековых шотландских замков. И с этой точки зрения он был типичным представителем неоромантизма. Все его работы в жанре загородного особняка представляют собой талантливое и своеобразное проявление этого направления модерна. Наиболее известные проекты определяет абсолютная выверенность и чистота стиля. Макинтош применяет принцип тотального дизайна, разрабатывая и рисуя для дома всё: от самого здания до мебели, чайного сервиза и столовых приборов. Он создал серию стульев, настольных часов, светильников, столов и каминов, которые копировались, копируются и будут копироваться. В интерьерах Макинтоша доминирует геометрия, предметы графичны, конструктивны, ничего лишнего. Самый известный предмет мебели, созданный Макинтошем,– знаменитый стул Hill House с необыкновенно высокой решетчатой спинкой, трапециевидным сиденьем и прямыми ножками. Настоящая средневековая монументальность и устремленность в небо.

Barrel 1904, Фрэнк Ллойд Райт Ирина Аникина

Американец Фрэнк Ллойд Райт, следуя идеям Чарльза Макинтоша, разработал принцип органичной архитектуры, являющейся неотделимой частью окружающей среды, и сформулировал идею непрерывности архитектурного пространства, противопоставляя ее подчеркнутому выделению частей в классической архитектуре. Райт создал то, что сегодня называется приемом свободной планировки и что вошло в число средств, используемых всеми течениями современного зодчества. Интерьерам домов Райт уделял особое внимание, создавая мебель сам и добиваясь того, чтобы каждый элемент был осмыслен с учетом не только особенностей окружающей местности, но и привычек заказчиков. Есть легенда, что для одного своего клиента он разработал даже эскизы халатов. Известность Райту приносят «Дома Прерий», спроектированные им с 1900 по 1917 годы. Райт считал, что здание влияет на людей, которые его населяют. «...Приняв за масштаб человеческую фигуру, я уменьшил высоту всего дома, сделал ее соответствующей высоте человеческого роста. Говорят, что если бы я был сантиметров на десять выше ростом, мои дома имели бы совсем другие пропорции. Может быть...». Стул Barrel – один из предметов обстановки, разработанной архитектором для «Домов прерий».

Red&Blue 1917 -1918, Геррит Томас Ритвельд Виктор Семирот

В 1918 году Геррит Ритвельд знакомится с Тео ван Дусбургом, Питом Мондрианом и другими молодыми художниками, которые станут известны как группа De Stijl. Их стиль, получивший название «неопластицизм», оказался близок воззрениям Ритвельда: De Stijl применяли простейшие конструкции из горизонтальных и вертикальных элементов и минимальную палитру «основных» цветов – красный, синий и жёлтый с добавлением нейтральных чёрного и белого. В том же году Ритвельд создал одно из самых известных произведений – красно-синий стул. Он использовал прямые доски и рейки так, что трёхмерный объект визуально разлагался на простые геометрические формы. Сделанный из брусков дерева стандартной длины и несложный по конструкции, этот стул был не слишком удобен, но зато очень экономичен. Первоначально Ривельд выполнил его в натуральной отделке, но в 1921 году покрасил в радикальные для той эпохи цвета. В дизайне мебели в то время считалась новаторской монохромная натуральная палитра, поэтому цветной красно-синий стул, представленный Ритвельдом, произвел настоящий фурор. Задуманный как абстрактная композиция плоскостей и линий в пространстве, стул стал трехмерным воплощением авторского видения знаменитой картины Пита Мондриана, коллеги Ритвельда по De Stijl.

S 23 1926, Март Стам Андрей Курченко и Алексей Лещенко

Этот консольный стул создан голландцем Мартом Стамом в 1926 году и через год запущен в производство. По своей сути и форме он был очень похож на стул Марселя Брейера, что привело к спору по поводу авторских прав, который рассматривался в немецком суде в течение шести лет. В итоге права присудили Стаму. История эта не простая и вкратце выглядит так. В 1923 году преподаватель Кельнской школы искусства Герхард Штутген сделал консольный стул на основе гибкой трубки, изготовленной методом Маннесмана, и представил его на выставке факультета дизайна в Баухаусе. Штутген подошел к вопросу с технической, а не с эстетической стороны дела: он лишь хотел продемонстрировать возможности метода Маннесмана и, не будучи экспертом по металлу, разработал стул из чугуна со спайками на сгибах. Стул получился довольно страшный, и казалось что, в то время никто не оценил значение этого изобретения. В конце 1924 года Стам, предположительно не знавший о стуле Штутгена, также задумал сделать консольный стул. Он общался с Мисом ван дер Роэ, который и рассказал Стаму о новом сгибающем оборудовании, использовавшемся Марселем Брейером в мастерских Баухауса. Сам Мис, в свою очередь, позаимствовал у Стама идею консольного стула, и через несколько недель после того, как консольный стул Стама с прямыми ногами был представлен на выставке, Мис показал свой вариант консольного стула с изогнутой опорой. Мис и Март остались в добрых отношениях, а Марсель Брейер подал на Стама в суд. Вот такие страсти тогда кипели на фоне гнутых металлических трубок. Март Стам считал, что экономика, общественный дух и функциональность являются гораздо более значимыми, чем эстетические вопросы. Первая «действующая модель» его стула была сделана из газопроводных труб. Стул Стама отличался четким кубистическим контуром, конструктивной прозрачностью и парадоксальностью идеи – сидящий «висел» в воздухе. Сиденье и спинка из натянутой ткани или кожи были почти плоскими. Трубка имела небольшой радиус изгиба и образовывала замкнутый контур. Такая конструкция отлично воплощала эстетику геометрического формализма, но плохо пружинила. Много позже стул был усовершенствован, запущен в серийное производство и выпускается до сих пор.

Ар деко Елена Фрадкина

Ар деко нередко называют последним большим стилем. Соединивший в себе внешнюю роскошь, динамику и мощь с рациональностью структуры, он просуществовал недолго, немногим более 15 лет, и за это время стал символом финансового благополучия, процветания и изысканности. Ар деко – «тотальный стиль», создавший образ жизни, моду, стиль общения, работы и отдыха. Это время коротких женских стрижек, туфель без каблука, экстравагантных костюмов, влюбленности в автомобили и аэропланы, экзотические вещи, акульи шкуры, невиданные породы деревьев, время танцев под джаз, самых красивых небоскребов и появления индустрии «люкс». Зародившись в Париже 1906-1912 годы как лёгкое изящное новшество, логично продолжающее ар нуво, к началу 1930-х ар деко быстро эволюционировал в олицетворение беспощадной простоты и бескомпромиссности. Сочетание монументальных утяжеленных форм с изощренным украшательством сделало термин «ар деко» всемирно признанным синонимом эффектности. «Национальный» характер этого стиля четко просматривается в культуре разных стран. Италия легко соединила в своей версии ар деко футуризм и неоклассицизм, близкий вкусам Муссолини. В Центральной Европе взаимодействие ар-деко и собственной национальной самобытности означало или отход от современности, как это случилось в Вене, или появление собственного особого стиля (Прага и Варшава). В Нидерландах основным стилем современности стала массовая разновидность лаконичного ортоксального модернизма, но при этом, формы, которыми оперировали дизайнеры, были созвучны формам самого нелаконичного французкого варианта. Америка придала ар деко имперский размах и эстетику майя. В России и Германии была своя тоталитарная версия этого стиля. Ар деко мог быть роскошным и аскетичным , архаичным и современным, буржуазным и массовым. Основанный на геометрических и стилизованных природных формах, использующий дорогие материалы, ар деко выглядел экзотическим и ярким, а порой даже кричащим и вульгарным. Он мгновенно покорил весь мир и до сих пор остается источником вдохновения для дизайнеров.

Е1027 1927-1929, Эйлин Грей Андрей Куратченко

Все знают ее работы, но не знают ее имени... В профессиональном сообществе ирландку Эйлин Грей (Eileen Gray) недолюбливали из-за того, что она никому ничего не доказывала, не имела специального образования и была женщиной. Она любила экспериментировать и создавала мебель из материалов, которые на тот момент не были популярны. Будучи «вневременным», дизайн Грей не нуждается в каких-либо модификациях для того, чтобы выглядеть абсолютно современным – идеи Грей надолго определили тенденции в мебельном дизайне и намного опередили свое время. Например, при создании знаменитого кресла Bibendum (1917-1921) она использовала металлические трубки, которые другие применили в своих проектах почти через 10 лет. Наиболее значимые работы Грей приходятся на вторую половину 1920-х годов – период классического модернизма. В своем творчестве она сочетает формальный язык и важнейшие принципы модернизма с концепциями, более присущими Ар Деко – стиля, в котором она работала в начале 1920-х годов в Париже. Эйлин удается достичь успеха в использовании преимуществ модернизма и избежать холодности и доктринерства, которые проявляются в некоторых модернистских предметах мебели, созданных в это время. В 1927 году, когда Грей было уже 50 лет, она проектирует и строит для своего друга – румынского архитектора и писателя Жана Бадовича – свой первый и самый известный дом E1027, где столы ездили по рельсам, табуретки служили лесенками, полки вращались на петлях, шкафы прятались и появлялись, с помощью зеркал и ширм одна комната превращалась в несколько. Всё здесь было рассчитано на долгую, комфортную и счастливую жизнь. Эйлин и Жан прожили в этом доме несколько лет. Тогда же она придумала и свою самую знаменитую вещь – столик из хромированных стальных трубок. После разрыва отношений с Жаном Эйлин собрала свои вещи и ушла, оставив ему в подарок и дом, и всё, что его наполняло. С собой она взяла лишь столик Е1027...

Sandows 1927 –1929, Рене Хербст Инна Чехова

Экономический подъем, начавшийся спустя несколько лет после окончания Первой мировой войны, вызывает оптимистические настроения и общее оживление в крупнейших городах Европы и Америки. Огромные офисные центры и магазины, автомобили и трамвай доминируют в облике городов. Во всех областях прикладного искусства ведется поиск возможностей сочетания лаконичной функциональной формы изделий и потребностей людей в эпоху, характер которой определяют промышленность и техника. Стальные трубки оказались идеальным материалом для массового производства мебели, их строгий «гигиеничный» внешний вид соответствовал идеям авангарда о мебели, отвечающей духу времени. Поэтому очень быстро они стали излюбленным материалом дизайнеров. В 1927 году француз Рене Хербст, единомышленник Ле Корбюзье и Фернана Леже, придумал радикально функциональный дизайн кресла Sandows, больше похожего на тренажер, чем на мебель. Рама была изготовлена из никелированной трубчатой стали, сиденья и спинка сформированы эластичными жгутами, прикрепленными к раме крючками.

LC4 1928, Ле Корбюзье, Жанере, Перье Дарлин

«Самым великим» и «самым нелюбимым» архитектором XX столетия Ле Корбюзье называли не только при жизни, но и после смерти. В предложенной им системе тотального проектирования среды обитания (а по сути - и поведения) человека важное место занимало проектирование мебели – самой близкой проекции человека на окружающую среду. Для Корбюзье мебель по своей идеологии подобна ортопедии, она должна расширять функциональные возможности человека. Архитектор спроектировал два типа кресел. Первый – «кресло с подвижной спинкой», каркас которого состоит из стальных полированных или никелированных трубок. Кожаная спинка может быть помещена в различных положениях, что даёт возможность для отдыха. Второй – «комфортабельное кресло»: внутри каркаса из стальных трубок лежат ничем не закреплённые мягкие кожаные подушки. Создаётся контраст между огромными подушками и очень лёгкой на вид опорой, порождая впечатление того, что достигнут максимум комфорта при минимуме затраченного материала и труда. Но одним из самых известных произведений Ле Корбюзье в области мебельного дизайна стал шезлонг с регулируемой высотой спинки. Устойчивость конструкции, независимо от наклона, обеспечивалась силой сцепления резиновых трубок, надетых на перекладины опоры. Мебель Ле Корбюзье отнюдь не была безукоризненна с функциональной, технологической и эстетической точек зрения: для того, чтобы изменить угол наклона шезлонга, нужно было с него встать и осуществить целую серию действий, сварной стык был крайне ненадёжен, а если сравнить кресло Корбюзье с креслами Миса Ван Дер Роэ или Ээро Сааринена, то, в отличие от работ этих архитекторов, окажется, что оно совсем не является образом изысканной скульптуры. Ле Корбюзье крайне рационален и холоден, он пытался продемонстрировать не вещь, а методу проектирования. И эта его метода преподносилась им как самая высокая (и единственно верная) форма идеологии дизайна.

Barcelona 1929, Людвиг Мис Ван Дер Роэ Сергей Миронов

Людвиг Мис ван дер Роэ – немецкий архитектор и дизайнер, автор первых небоскребов из стекла и стали. В 1929 году он спроектировал павильон Германии на Всемирной выставке в Барселоне, принесший ему мировую известность. Оригинальное здание само являлось экспонатом выставки и представляло собой некий абсолют творчества архитектора-модерниста. При проектировании Мис ван дер Роэ основывался на принципе свободного внутреннего пространства, гармонирующего с экстерьером. Помимо проекта павильона, архитектор специально для него создаёт коллекцию мебели «Барселона». Фирменные мисовские стулья, табуреты, кресла и прозрачные столы производятся до сих пор.

Zig-Sag 1932, Геррит Ритвельд Елена Черных

Ритвельд с детства работал в мастерской своего отца-плотника. Отсюда любовь к дереву. Стул «Зигзаг» был создан Герритом Ритвельдом в 1932 году, но эта культовая модель до сих пор пользуется популярностью у любителей парадоксальных форм. Это одновременно и стул, и объект искусства, провоцирующий на размышления. Монолитный, словно высеченный из цельного куска дерева, «Зигзаг» создает впечатление динамичной конструкции, простой по решению и технологично продуманной по исполнению. Эта живая часть интерьера обладает скромной харизмой эстетства и функциональности, свойственной многим вещам, созданным голландской группой De Stijl. В свое время стул «Зигзаг» принципиально отличался от всех существовавших на тот момент: у него не было ножек, он состоял из прямоугольных панелей, а нагрузка на конструкцию распределялась по диагонали.

Пьеро Форназетти Маргарита Вымятнина и Ирина Петрусева

Пьеро Форназетти искренне считал, что изделие может быть декорировано полностью, вплоть до излишества, но при этом не должно терять свое утилитарное значение. Благодаря своеобразно украшенным предметам повседневной обстановки, он пытался передать «радость от ощущения жизни». В своём творчестве Пьеро бросал вызов формальностям: ни форма, ни декор не должны предопределяться функциональностью, а оформление не должно следовать за объёмом. Он остро чувствовал, как двухмерная графика должна ложиться на трёхмерные формы. Экспериментируя с различными техниками нанесения рисунка на камень, он постепенно перешёл к цинковой посуде и начал оттачивать технику с использованием специальной бумаги, на которой он печатал свои рисунки, а потом наносил их на лакированную поверхность мебели и других объектов. Это могли быть шляпы, жилеты, пепельницы, стулья, посуда, кабинеты, фортепьяно, магазины, автомобили... Все это самым чудесным образом преображалось в настоящий праздник, благодаря рисункам, технику нанесения которых он тщательно скрывал. В начале 1980-х годов случилось в некотором роде «открытие» Форназетти и мода на его стиль и изделия, которые теперь выставляются на аукционах. Одни ценят его за оригинальность, чувство юмора и самоиронию, другие упрекают в дурном вкусе, третьи самозабвенно и неумело копируют.

Письменный стол , декорированный Форназетти оркестровыми партитурами, подписью Тосканини, афишами и программами «Ла Скала», был спроектирован его другом – архитектором Джо Понти

Diamond 1950, Гарри Бертойя Наталья Шевченко

Гарри Бертойя считал себя в первую очередь скульптором, будучи одновременно непревзойденным экспертом по металлу в области прикладных искусств. Результатом неустанных экспериментов со свойствами металлов явилась его уникальная коллекция мебели из тонких металлических прутков с применением точечной сварки. Его стулья из металла сочетают, казалось бы, взаимоисключающие понятия – аскетизм и комфорт. Проволочный металлический каркас обеспечивает жесткость, легкость и устойчивость конструкции. Эта необычная и легкая на вид сетчатая мебель стала прототипом для последующих многочисленных модификаций.

Diamond, 1950

Модель 420, 1952

3107 1955, Арне Якобсен Татьяна Прохова

Для своих наиболее известных архитектурных проектов – аэропорта SAS и Radisson SAS Royal Hotel в Копенгагене (1956 –1960) – датский архитектор Арне Якобсен спроектировал каждую деталь, вплоть до вилок, ножей и ложек. Важной составляющей его творческого метода было стремление к созданию завершенного произведения: работая над проектом дома, он разрабатывал дизайн абсолютно всех его элементов. Любая самостоятельная функция должна была, по его мнению, получить самостоятельное дизайнерское решение. Кресла-скульптуры из литых стекловолоконных форм «Лебедь и «Яйцо» – творения Якобсона для Radisson SAS Royal Hotel – стали настоящими иконами дизайна и до сих пор остаются непревзойденными по удобству, простоте и изяществу стиля. Еще одним шедевром Якобсена является модель «3107», обычно называемая «№ 7». Стул первоначально был выполнен из бука в белом и черном цвете. «№7» является одним из самых успешных коммерческих проектов, со дня его создания было изготовлено более пяти миллионов копий. Незадолго до смерти, размышляя об успехе своего творчества, Арне Якобсен сказал: «Основной фактор – это пропорции. Именно пропорции делают греческие храмы такими прекрасными… И когда мы смотрим на самые выдающиеся здания Ренессанса и Барокко, мы видим, что все они имеют идеальные пропорции. Это важнейшая вещь».

Mashmallow 1956, George Nelson

Константин Еремичев, Олег Вишневский, Алексей Емельянов

Джордж Нельсон был сладкоежкой. Однажды он придумал для компании Vitra диван, вдохновившись формой и вкусом зефира. Marshmallow – так в Америке и Англии называют детские сладости: зефир, воздушную пастилу или суфле. Неудивительно, что этот субтильный диван, состоящий из восемнадцати скрепленных между собой подушек, дизайнер счел нужным сопроводить надписью: «Несмотря на шокирующий вид, предмет довольно удобный». Но самым большим вкладом Джорджа Нельсона в мебельный дизайн, стало создание шкафа-«стенки». Новаторскую концепцию «стенки» он впервые выдвинул в книге «Дом завтрашнего дня» (Tomorrow’s House, 1945), написанной в соавторстве с Генри Райтом. По мнению дизайнера, извечную нехватку свободного места в компактных квартирах можно легко решить, превратив стену комнаты в двусторонний (от пола до потолка) шкаф или стеллаж. Любопытно, что сама идея использовать стену как шкаф пришла в голову Нельсону спонтанно, когда издатель пытался всеми правдами и неправдами «надавить» на автора, чтобы он придумал «что-нибудь оригинальное» для раздела книги, посвященного вопросам хранения домашней утвари. Нельсон долго не мог придумать ничего оригинального, до тех пор, пока не обратил внимание на оконную нишу и не подумал – а почему бы не сделать хранилищем скарба пустую межкомнатную перегородку?

Superleggera 1955 – 1957, Джо Понти Людмила Ложкина

Джо Понти поставил перед собой цель создать «суперлёгкий» именно так переводится название модели), но при этом очень прочный стул при небольшом расходе материала. Через несколько лет исследований дизайнеру удалось добиться минимального веса стула – всего 1700 граммов. А рекламным слоганом этого произведения мебельного искусства стала фраза: «Даже ребёнок сможет поднять его одним пальцем!». Вторая интерпретация стула с двухцветной чёрно-белой отделкой каркаса и мягким сиденьем в белой или графитово-серой кожаной обивке была придумана Джо Понти для выставок. Однако она никогда не производилась серийно. По словам самого дизайнера, в темноте эта модель выглядит ещё более невесомой, поскольку кажется, что она стоит лишь на двух ножках. В 2011 году обе версии стула великого Понти вновь запущенны в серийное производство. Поистине, вечный дизайн!

Tulip 1955–1957, ЭэроСааринен Федор Бухтояров

Отцом Ээеро был знаменитый финский архитектор Элиэл Сааринен. В 1923 году семья переехала в Соединенные Штаты Америки. Уже с юных лет отец привлекал Ээро к проектированию. Его мать была скульптором, и в душе мальчика с детства шла борьба между влечениями к архитектуре и к скульптуре. Он решает стать скульптором и в 1929 году едет учиться в Париж. Через год Ээро меняет решение, возвращается в США и поступает на архитектурный факультет Йельского университета. Однако увлечение скульптурой оказало в дальнейшем значительное влияние на подход Сааринена к вопросам формообразования. В конце 1930-х годов Ээро знакомится с Чарльзом Имсом. Совместные дизайнерские эксперименты Имса и Сааринена привели к созданию новых форм в мебельном дизайне, а также первых видов мебели из многослойной фанеры. В 1940 году Сааринен и Имс приняли участие в конкурсе «Органический дизайн в домашней обстановке» («Organic design in Home Furnishings») Музея Современного Искусства в Нью-Йорке. В то время как Чарльз Имс продолжает работу над мебелью из фанеры, Ээро Сааринен выбирает другие материалы. Провозгласив отмену старых моделей стульев «с жалкими, путающимися ножками», Сааринен разработал «скульптурную» коллекцию Pedestal Group, которая представляла собой стулья и столы, отлитые из пластика. Каждый предмет мебели опирался всего на одну ножку, оканчивающуюся стоящим на полу диском. К этой коллекции относился и стул Tulip («Тюльпан»).

Mezzadro 1957, Акилле и Пьерджакомо Кастильони Николай и Юлия Лысенко

Значительное влияние на итальянский дизайн середины XX века оказал американский попарт, неуклонно толкавший дизайнеров к избавлению от старых канонов. Консольный табурет Mezzadro не что иное как укрепленное на стальной пружинящей рессоре тракторное сиденье. По классификации самого Акилле Mezzadro относится к объектам Ready-made, созданным из готовых предметов повседневной жизни. Дизайнер не менял их внешний вид, а лишь дал уже привычным предметам новую жизнь. Совместная работа братьев Кастильони в течение двадцати пяти лет оказывала серьезное влияние на итальянский дизайн. Это они основали в середине века миланскую выставку «Триеннале» и Ассоциацию индустриального дизайна ADI, a в 1954 году учредили премию «Золотой циркуль», и поныне пользующуюся устойчивым авторитетом во всём мире. «В ваших работах меня более всего восхищает полное отсутствие буржуазности. Ни разу я не заметил даже малейшего следа претенциозности. Знаю, это отражение вашего образа мысли – чистого, естественного, искреннего, спонтанного, гениального, прозрачного. Который вырастает из красоты вашего сердца». (Инго Маурер к Кастильони)

Cone 1958, Вернер Пантон Интерьер студия

«Сидеть на стуле должно быть забавно и интересно, как в игре», - считал Пантон. Он занялся дизайном мебели в 1950 году, когда пришел в дизайнерскую студию Арне Якобсена из архитектуры. Тогда это было распространённым явлением, так как школы дизайна, в современном понимании, ещё не существовало. Один из лучших проектов, реализованных Пантоном в дизайне мебели, – Cone, разработанный им для редизайна ресторана в отеле Коnigen on Funen (Дания). Продолжив линию спинки по прямой, пока она не соприкоснулась с ножкой-подставкой, он получил абсолютно новую концепцию формообразования стула. Другими словами, просто разрушил привычное представление о том, как должен выглядеть стул. Перевёрнутый конус был настолько футуристичен для своего времени, что выставленный однажды в витрине магазина его производителя в Нью-Йорке, привёл к необходимости вызова полиции: для восстановления дорожного движения напротив шоу-рума. Дальнейшим развитием дизайна Cone стал сконструированный из металлической проволоки Wire Cone (1958) и стул в виде сердца Heart Cone (1959).

Pol=prop 1962–1963, Робин Дей Сергей Фомин и Александр Зотцев

В 2009 году почта Великобритании выпустила «British Design Classics» – набор из десяти марок, посвященный мгновенно узнаваемой классике британского дизайна. Наряду с красными телефонными будками и двухэтажными лондонскими автобусами, самолетом «Конкорд» и мини-юбкой Мери Квант в перечень того, чем больше всего гордятся англичане, вошел и этот прессованный пластиковый стул. В мебельном дизайне британцы не так преуспели, как дизайнеры континентальной Европы или Америки. Но, как они сами говорят, «зато у нас есть Робин Дей». И это действительно немало, так как вряд ли на земле найдется хоть один человек, не сидевший на стуле Дея хотя бы пару минут. 20 миллионов экземпляров стула, названного одним из самых демократичных произведений дизайна XX, выпущено к моменту смерти в 2010 году Робина Дея – автора этого вездесущего пластикового шедевра.

Spotty 1963, Петер Мердок Наталья Ложникова

В 60-е годы теория функционализма подверглась критике. Прошел всеобщий восторг от массового производства и рационализма в формообразовании. Дизайнеры не хотели видеть себя «продолжением рук индустрии». Появились первые теории, ставившие в центр культурные, психологические и семантические аспекты, тем самым предвосхитившие постмодернизм. Художники поп-арта вдохновлялись обыденными предметами, которых производилось миллионы. Поп-дизайн был неотделимо связан с мечтой абсолютно потребительского мировоззрения. Идея производства долговечных, добротных товаров сменилась лозунгом «сегодня использовал – завтра выбросил». Это был прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Детский стул из гофрокартона Петера Мердока, который был в ту пору студентом Королевского колледжа искусств в Лондоне, стал символом распространяющейся «культуры недолговечности». Поп-арт развивал свои принципы формообразования, противоположные функционализму, но при этом не противоречащие ему. «Поп» означало соответствовать времени и быть модным. Тем самым ставился вопрос о границе между искусством и функциональным дизайном.

Ball 1963–1965, Ээро Аарнио Татьяна Иваненко

«Как дизайнер я ближе к художникам, но в моей области невозможно быть художником, не являясь также и технологом». Известный финский мастер Ээро Аарнио был и до сих пор является одним из пионеров использования пластмассы в промышленном дизайне. Поглощенный идеей создания новой мебели из новых материалов, Аарнио проектирует свое самое знаменитое кресло Ball. Материал (фибростекло) и форма были совершенным новшеством для мебельной индустрии того времени. «В доме у нас не было большого кресла, и я решил создать его абсолютно инновационным». Сделав несколько набросков, Аарнио определился с формой и размером (сам дизайнер был очень высокого роста, поэтому и сфера не должна была ему «жать»), – «...необходимо было только помнить, что оно должно пройти в дверной проем...». Кресло Ball – «комната для уединения внутри комнаты», защищенная от внешних звуков. Вращаясь вокруг своей оси, кресло дает возможность человеку, находящемуся внутр, видеть окружающее его пространство и тем самым не чувствовать себя полностью изолированным. «Неземное» кресло Ball стало сенсацией кельнской мебельной выставки 1966 года. Многофункциональные объекты с игровым подтекстом являются олицетворением эпохи шестидесятых. Не случайно «Ball» играет не последнюю роль в таких фильмах, как «Марс атакует» и «Люди в черном». До сих пор объекты Аарнио, созданные почти полвека назад, продолжают восприниматься атрибутами футуристического мира.

Panton Chair 1960 - 1967, Вернер Пантон Александра Архипова

Вековым традициям датских краснодеревщиков, которым следовали все на его родине, Вернер Пантон предпочел инновационные технологии и материалы. Он рассматривал каждый предмет интерьера как элемент жилой среды, связанный со всеми остальными компонентами. Его интересовала именно атмосфера всего дома, а не отдельная вещь как таковая. То, что он называл «интерактивный домашний ландшафт». Пантон начинает воплощать эту философию в своих знаменитых проектах. В 1960 Вернер Пантон доказал невероятное –стул может не иметь ни ножек, ни спинки, ни подлокотников– и заставил весь мир это принять. Самый знаменитый стул ХХ века – Panton. Это был первый стул, изготовленный из монолитного синтетического материала, предельно раскрывший потенциал пластика, который только был технологически достижим на тот момент, и воплотивший мечты поколений дизайнеров о стуле, в буквальном смысле состощем из одного куска материала. Семь лет Пантон искал фабрику, которая возьмется сделать эту модель, и в то же время продолжал совершенствовать ее. Стул начал производиться в 1967 и выпускается поныне. Когдато невероятная и дерзкая концепция мебели «без ножек и ручек» навсегда вошла в жизнь человечества.

Blow 1967, Де Пас, Д`Урбино, Ломацци, Сколари Юрий Куликов

Поп-дизайн с его яркими цветами, смелыми формами, дешевыми товарами стал стилем для молодых. Наиболее популярными материалами для поп-дизайнеров были различные виды пластиков, технологии изготовления которых в 1960-е годы уже хорошо освоены. Пластик привлекал низкой ценой и разнообразием цветов. Надувное невесомое кресло Blow, способное держаться на воде подобно спасательному кругу, сделано из прозрачной полихлорвиниловой пленки, склеенной термическим способом. Оно родилось на волне популярности надувных конструкций. Надували тогда всё, вплоть до целых комнат. Однако никому не пришло в голову столь простое решение. Возможно, были и менее удачные эксперименты, но в историю как первое надувное кресло вошло именно Blow. Разноцветные кресла из полупрозрачного ПВХ, продававшиеся в сдутом виде, немедленно заполнили модные клубы и дома. Недорогие, оригинальные, смешные и насквозь искусственные, они как нельзя лучше отвечали запросам молодежи. Blow выпускается до сих пор. Правда, теперь им больше интересуются серьезные коллекционеры дизайна, чем студенты с левыми взглядами.

Sacco 1968, Пьеро Гатти, Чезаре Паолини, Франко Теодоро Игорь Поповский

Этот самый странный из культовых предметов дизайна, названный из-за отсутствия формы sacco (мешок), в конце 1960-х годов стал телезвездой, а затем прочно утвердился в современных интерьерах, породив множество копий. Гениальное по своей простоте кресло – мешок набитый любым сыпучим материалом. Сам мешок сделан из прочной ткани или кожи и может быть любого цвета. Естественно, что предназначено такое «кресло» для несколько неформального сидения – выше, чем на полу, но ниже, чем на обычных креслах и стульях. В конце 1960-х годов новое поколение архитекторов и дизайнеров не желало больше проектировать элегантные изделия и выступало против «хорошего дизайна», ориентированного на потребителя. Исключительно критически относясь к развитию современных технологий и потребительскому настроению, они утверждали теорию «Антидизайна» и через провокационные действия хотели показать, что логическое развитие рационализма ведет к абсурду. Радикально настроенная молодежь искала новые альтернативные формы. В итоге она предпочла делать «дизайн без предметов» – дизайн поведения, отказавшись от канонических методов проектирования и заменив их игрой. Sacco – классическии образец «Антидизайна». Но, несмотря на «антидизайнерские» декларации, с точки зрения выполнения главной функции и комфорта, кресло-мешок безупречно. Оболочка не туго наполнена пластмассовыми гранулами. Наполнитель легко принимает форму, удобную для сидящего, и столь же услужливо меняет ее для следующего пользователя.

Up5 1969, Гаэтано Пеше Анна Сенченко

Гаэтано Пеше одним из первых предложил дизайнерам быть проще и относиться к создаваемым объектам как к взрослым игрушкам. Это и превратило недавнего выпускника Венецианского университета в мировую знаменитость. Сразу же войдя в разряд классики итальянского дизайна, серия «UP» стала своего рода эмблемой триумфального прорыва «итальянской линии» сквозь заслоны академического «хорошего дизайна». Спроектированная Пеше в 1969 году серия состоит из семи изделий различных размеров, обтянутых особым материалом. Их формы остаются неизменными и спустя более 30 лет после своего появления. Самое знаменитое из этой серии, ставшее истинным эталоном - «UP 5» или «Donna» - резиновое надувное кресло, повторяющее антропоморфные формы богини плодородия – большие материнские колени. Круглый мяч, одновременно служивший пуфом и подставкой для ног, прикреплялся к креслу шнуром и отлетал при ударе на небольшое расстояние. Работая над созданием серии «UP», Пеше содействовал изучению функциональных качеств полиуретана: были проведены исследования материала в соответствии с особенностями производства антропоморфных форм. Изготовленные целиком из полиуретана без какой-либо жесткой конструкции, кресла UP упаковывались под давлением и поступали к потребителю в сплющенном виде, но при вскрытии упаковки начинали на глазах обретать форму и объем, подвергая людей в состояние веселой жути. Это был одновременно поп-артистский вариант «открытой формы», характерной для кинетического искусства.

Постмодернизм 4 угла

Искусство авангарда решило пластическую задачу настолько успешно, что последующим искателям идеальных решений в области формы, цвета и пространства не осталось ничего другого, как пойти по пути функциональности и практичности искусства, но не поиска пластического идеала. Постмодернизм зародился в начале 1970-х годов как тип мировосприятия, согласно которому мир устроен нерационально, он сомнителен и непознаваем. Отрицая современный функционализм, постмодернизм объединил различные концепции многочисленных экспериментаторов. Его лучшие мастера не были эклектиками, они разработали новые художественные приемы, не отрицая прошлое, а пересматривая его иронично, без наивности. Постулат модернизма «форма следует за функцией» старательно разрушается. Семантическое значение объекта становится столь же важным, как и его практический смысл. Отвернувшись от монохромности и рациональных форм, постмодернизм обратился к декоративности и красочности, китчу и шику, индивидуальности и образной семантике элементов, к ироничности и цитированию исторических стилей. Начинавшийся в архитектуре с теоретических предпосылок, постмодернизм продолжился в дизайне сначала уходом в футуристичные эксперименты и художественность, а затем в виде концепции коммерческой культуры, став, в итоге, ее частью. Он создал новое представление о дизайне как о проектировании, ориентированном на потребителя, дал толчок к поискам яркого и значимого дизайна с новым смыслом и экологической моралью.

Bocca della Verità, Марио Чероли

Pinocchio, Марио Чероли

Prarone 1970, Sturm Вячеслав Никольский

В конце 1960-х вызов господствующему модернизму бросил радикальный дизайн (или «антидизайн»). Апологеты «антидизайна» работали над выставочными инсталляциями, архитектурными объектами, дизайном интерьеров и промышленных изделий. Цель – создание экспериментальных образцов для определения направления работы других дизайнеров. Это был полигон, где проверялось, каким образом коллеги и публика прореагируют на новые образы предметов. Во многом это был инструмент адаптации людей к новшествам. Все произведения радикального дизайна имели смысловую связь с поп-культурой и китчем и в то же время выражали насмешку над претенциозностью «хорошего дизайна». Одно из самых известных произведений «антидизайна», созданное радикальной дизайнерской группой Strum (бренчание) – Pratone (большой луг) – экзотическая мебель из полиуретана для сидения и лежания.

Proust 1978, Алессандро Мендини Виталий Зотов

Противники «хорошего дизайна» исследовали непромышленные способы производства и продвижения индивидуального творчества. Пережив к середине 1970-х годов пик своего расцвета, «радикальный дизайн» так и не оправдал надежды на социальные изменения. Но это течение вымостило путь для появления новых лидеров – групп «Алхимии» и «Мемфиса», глобально обновивших итальянский дизайн. Лидеры «радикального дизайна», среди которых был и Алессандро Мендини, заложили теоретические основы постмодернизма (неомодернизма), протестуя против установившихся канонов. Став главным редактором журнала Domus, Мендини превратил этот умеренный, добропорядочный и институционально благополучный журнал в еще один центр «нового дизайна», сместив акценты на искусство, моду и своего рода от-кутюр дизайнерского авангарда. Понятия «Ре-дизайн» и «банальный дизайн» связаны с деятельностью Мендини. Мендини подвергал редизайну уже успевшие стать классикой дизайна произведений, тем самым превращая их в новые, ироничные объекты. Ему же принадлежит идея так называемого банального дизайна, передающего ощущение интеллектуальной и культурной пустоты, свойственное индустриальному обществу. Банальность объекта подчеркивалась использованием яркого цвета или орнамента, как, например, в известном произведении Мендини - кресле «Пруст», которое он создал в 1978 году для студии «Алхимия».

Carlton-cabinet 1981, Этторе Соттсасс Наталья Федченко и Ольга Чернышева

Группа «Мемфис», основанная в 1981 году Этторе Соттсассом, Андреа Бранци и Микеле де Лукки, поначалу существовала как отделение студии «Алхимия» – галереи экспериментальных работ, не предназначенных для промышленного производства. Дизайн «Алхимии» был элитарен и осознанно интеллектуален. Соттсасс находил такой подход слишком ограниченным. Стиль «Мемфиса», черпая вдохновение из футуристических тем и декоративных стилей прошлого, включая Art Deco и китч 50-х годов, стал настоящей анархией в дизайне: острота жеста, смелая игра материалами, фактурами и формами, виртуозное смешение стилей. При этом стиль «Мемфиса» был привлекательным, остроумным и забавным. Он как будто кричал: «Не относитесь к дизайну слишком серьезно!» Все было кричаще пестро, наиграно и шутливо. Одним из любимых материалов дизайнеров «Мемфиса» стал ламинат, который они ценили за «недостаток благородства». Использовались коллажи, построенные по принципу хаоса. Многие из объектов выглядели как детские игрушки. «Играючи», Соттсасс и его единомышленники решали серьезные проблемы. Современный дизайн, говорили они, должен быть качественным и многофункциональным. В отличие от студии «Алхимия» дизайнеры «Мемфиса» пытались установить связь между дизайнерским объектом и потребителем. В своей работе они использовали социологию и маркетинг, стремясь не просто снабжать рынок, а ориентироваться на определенные социальные группы. Это привело как в эстетическом, так и в концептуальном смысле к новому пониманию дизайна. В 1988 году, когда популярность группы стала угасать, Соттсасс распустил ее. Несмотря на краткость существования, феномен «Мемфиса» с его молодой энергией и ироничным подходом к дизайну, оказался центральным явлением в создании интернационального движения постмодернизма.

Anemone 1987, Фернандо и Умберто Кампана Аркадий Баскаков

Братья Кампана являются одними из самых известных южноамериканских дизайнеров. В их неординарном творчестве в полной мере нашла свое отражение культура бразильского карнавала. Поэтому предметы мебели, рожденные в мастерской Кампана, кроме экстраординарного внешнего вида обладают своей неповторимой энергетикой. Фернандо получил высшее образование в архитектуре, Умберто – в области права. С 1983 года они работают вместе в области дизайна, или точнее чего-то среднего между искусством и дизайном. В их общей бразильской студии, переделанном гараже в Сан-Паулу, они проектируют мебель из подчас самых неожиданных трэшевых материалов, превращая их в произведения индустриального дизайна. Критики называют стиль Кампана «тропическим модерном». Это жгучая как перец чили смесь классического минимализма с латинским раздолбайством, которую вполне можно попробовать воспроизвести в домашних условиях. Модель кресла под названием Anemone выполнена из прозрачных пластиковых трубок, которые охватывают стальной каркас, как щупальца коралловых полипов – анемонов.

Rosa 1990, Масанори Умеда Татьяна Хорошеньких

Окончив в Токио школу дизайна Kuwasama, Масанори Умеда начал свою карьеру в Италии в 1967 году. В течение двух лет он работал в студии Акилле Кастильони, но известность на Западе Умеда приобрел, принимая участие в работе авангардной дизайнерской группы «Мемфис» в 1980-х годах. Кресло для отдыха в форме раскрывшегося бутона розы Умеда разработал для компании Edra, излюбленным стилем которой являются необычные эксперименты с формой. Подобно природному прототипу каждый «лепесток-подушка» автономен.

Ventaglio 2007, Cornelio Cappellini Виктория Гарднер и Владимир Князьков

Авторы этого гламурного чудовища – итальянская семья Каппеллини, владеющая фамильной мебельной фабрикой. Гламур как отдельный стиль не оформился – слишком размыты его границы и приемы. Во многом эклектичный, гламур это утрированная на грани кичта интерпретация Арт деко, следующая той же идеологии – быть стилем звезд. Излюбленный прием – сочетание классических форм с современными материалами, ярким цветом, декором и блеском. Ценные породы дерева, кожа, стразы, меха, экспрессивные формы – этим оправдывается высокая цена на мебель из коллекций именитых фабрик, в названиях которых присутствует слово «Glamour».

Этно Антон Усанов

История «этно» стара, как мир. Приступы моды на все экзотическое были и у древних египтян, и во времена Древнего Рима, и в эпоху крестовых походов, и благодаря влиянию Венеции, имевшей тесные контакты с восточными государствами. Китай становится необычайно популярным в Европе в XVIII веке, через столетие англичане распространили моду на Индию, а французы после египетских походов Наполеона дополняют античную классику египетскими мотивами и создают стиль ампир. В эпоху модерна на рубеже XIX -XX веков стали необычайно популярны японские мотивы. С открытием в 1922 году гробницы Тутанхамона Европа снова помешалась на Египте, а чуть позже Америка стала сходить с ума по эстетике империи майя, создав свою особую версию ар-деко. В 1960-е весь мир открыл скандинавский стиль... И снова – Япония, Китай, Марокко, африканская экзотика... «Этно» нельзя назвать стилем в строгом смысле этого слова. В силу своих особенностей он стоит особняком, и свойствами большого стиля это направление не наделено. Став популярным благодаря удобству, экономичности и простоте, «этно» одновременно заключает в себе нечто потаенное, дремлющее на дне души каждого. На грани тысячелетий этнический стиль снова успешно завладел воображением дизайнеров интерьера, мебели, текстиля и аксессуаров. Теперь в ход пошли не только формы и декоры, но и экзотические материалы: стволы и листья пальм и других тропических растений, бамбук, кокосовая скорлупа – из соображений не столько красоты, сколько экологичности и «зеленой идеологии» – как наиболее быстро восполняемые природные ресурсы.

Glacier 2000 - 2007, Заха Хадид и Патрик Шумахер Андрей Замащиков

Для Захи Хадид реализация грандиозных архитектурных проектов – самая важная, но далеко не единственная область деятельности. Она уже не раз демонстрировала многогранность своего таланта: изобретала необыкновенные по дизайну светильники, футуристических форм автомобили, кухни, посуду и даже женскую обувь. «Великая и ужасная» Заха всегда пыталась разрушить общепринятые каноны и «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс. С этой же целью – усиления внутреннего движения и деформации – Хадид полностью отметает общепринятую геометрию, используя искаженную перспективу, острые углы и кривые линии. Форма вовсе не следует за содержанием, и не равняется на него. Все ее проекты, будь то архитектура, интерьер или отдельные предметы, можно определить термином «функциональная скульптура», для создания которой используются самые современные технологии трехмерного моделирования и инженерные расчеты на прочность и устойчивость. В 2000 году Хадид и ее партнер Партик Шумахер предъявили дизайнерскому миру Z-Scape – компактный ансамбль мебели для общественных и частных интерьеров как своеобразный компромисс между абстракцией и органикой. Формы отдельных элементов Z-Scape позаимствованы у динамических преобразований пейзажа. Пара диванов Glacier (ледник) и Moraine из полиуретановой пены дополнена двумя столами - Stalactite (сталактит) и Stalagmite, выполненными из дерева. В следующие годы «природные» формы подверглись дальнейшим экспериментам с материалами и отделками.

Директор по дизайну Ханс Стромайер

Стиль никогда не бывает случайным. Сто лет назад мы были первой компанией, выпускавшей электротехнические приборы, которая взяла в штат дизайнера, чтобы он помогал создавать новую и более совершенную продукцию. Мы уже тогда понимали, что хороший дизайн не просто делает вещи красивыми, но также делает их более удобными в пользовании. Придерживаясь этого принципа и по сей день, мы создали коллекцию приборов Neue Kollektion, в которой высочайшие характеристики сочетаются с превосходным немецким дизайном: это и есть совершенство форм и функций. В нашем дизайне продолжается великая традиция: формы и функции прекрасно взаимодействуют. В коллекции Neue Kollektion горизонтальные линии создают ощущение единой линии, проходящей через все приборы. В то же время вертикальные линии обозначают интуитивно понятные панели управления. В отделке используются только материалы высочайшего качества, при этом, разнообразие материалов сведено к минимуму, чтобы обеспечить чистоту и однородность формы.

Мы гордимся тем, что часть кухонных приборов Neue Kollektion получили престижную награду International Forum Design Award, 2011. Значок iF получил мировое признание как знак выдающегося дизайна, которым ежегодно награждаются самые лучшие продукты по оценкам международных экспертов.

52 В наших домах уже нет того различия, которое когда-то было между кухней и гостиной. Теперь все это – просто единое пространство, в котором мы живем. Точно так же приготовление еды перестало быть рутинной работой, оно превратилось в особое развлечение, в одно из удовольствий современной жизни. Нашей новой коллекцией бытовой техники Neue Kollektion мы хотим показать, что эти приборы, находящиеся в самом сердце кухни, достойны того, чтобы быть на виду, точно так же, как высококачественная аппаратура hi-fi или аудио-видео система, чтобы Вы наслаждались ими. Радикальное мышление, тщательное исполнение. Мы не боимся свежих решений, но инновации должны быть проверены и испытаны снова и снова. Например, в наших духовых шкафах MaxiKlasse™ используется уникальная система ThermiC°Air. Благодаря циркуляции воздуха в большем внутреннем объеме она обеспечивает более равномерное приготовление блюд с образованием превосходной хрустящей корочки и отлично подрумянивает их. Это большое преимущество, ради которого мы провели очень много тестов с различными продуктами и рецептами.

54 Товар сертифицирован. Реклама. *Совершенство форм и функций

Духовой шкаф MaxiKlasse™TM Модель BP7314001M

НА НАША РАБОТАЕТ СОВЕРШЕННЫЙ УНИКАЛЬНАЯ РЕЗУЛЬТАТ СИСТЕМА

Эксклюзивная система ThermiС°Air в новых духовых шкафах AEG с камерой самого большого в своем классе объема обеспечивает блюдам идеальное приготовление. Благодаря тому, что горячий воздух равномерно заполняет всё пространство камеры, во всех её точках поддерживается одинаковая температура. Превосходный хрустящий результат гарантирован! Узнайте больше на www.aeg.ru

Товар сертифицирован. Реклама. *Совершенство форм и функций

55 Стиральная машина ProTex Модель L98690FL

каждая новая НАША что загрузка белья отличается СИСТЕМА от всех предыдущих ПОНИМАЕТ, Две загрузки белья – это всегда две разные загрузки. Интеллектуальная стиральная машина AEG с инновационной системой OptiSense распознаёт каждую из них и автоматически настраивает индивидуальный режим стирки. Результат: Ваши даже самые деликатные вещи дольше выглядят как новые. Узнайте больше на www.aeg.ru

Издательство АНО «Фонд региональной архитектуры ЗОЛОТАЯ КАПИТЕЛЬ» 630099, Новосибирск, ул. М.Горького, 17а, оф.2 +7 383 231 02 57 info@zkapitel.ru, www.zkapitel.ru Тексты, дизайн, препресс Александра Архипова Тираж 500 экз. Отпечатано в типоргафии «В-Принт» 630108, Новосибирск, ул. Станционная, 30а