Revista AS Geeks nº2

ABRIL 2014

Revista de actualidad videojuegos, cine, series, anime y tecnología

Análisis

el profesor layton vs. phoenix wright castlevania los 2 -dlc: revelations INFAMOUS: SECOND SON hakuoki Críticas noé El Gran Hotel Budapest Capitán América: el soldado de invierno

TRUE DETECTIVE

Crítica de la serie

NOVELAS LIGERAS

Una alternativa al manga

MODELO DE NEGOCIO

Modelo del cine frente al del videojuego

ANALIZADO

THE ELDER SCROLLS ONLINE

TODO LO QUE NECESITAS SABER DEL MMORPG DEL MOMENTO

EDITORIAL Dirección general Carlos J. Rodríguez Dirección, maquetación, diseño y redacción @Karleon_gs

Javier Benítez Dirección web, relaciones públicas y redacción @Javitez891

Beatriz Tirado Redactora jefe, relaciones públicas y correctora de texto @btiradotrad

Volvemos a la carga con un número más. Agradecemos todos vuestros comentarios, ¡nos han animado en nuestras mañanas y tardes en la redacción!

En esta ocasión apostamos por el título MMORPG del momento, The Elder Scrolls Online; todo lo que necesitáis saber está en el análisis de la revista.

Además, contamos con el primer artículo de opinión que debate entre los modelos de negocio del cine y del videojuego.

Por si fuera poco, esta vez tenemos para vosotros 5 análisis de videojuegos, 3 críticas (una de ellas dual) y 2 análisis de periféricos sumados a los artículos de series y anime.

Así que, ¿a qué estás esperando para saberlo todo sobre la actualidad? ¡Un gran saludo!

David Losada Redactor jefe, relaciones públicas y corrector de texto @DavidLosadaF

Carlos J. Rodríguez

Han colaborado en este número: Christian Adriaensen @AdriaensenChris Enrique “Kymvenge” @KymvengeBlog Ricardo Delgado @rdelgadoa81 David Arjona @DavidArjonaZ

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Carlos Laullón

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Pablo Salazar

Contacto: revista@asgeeks.es

David Reszka

SUMARIO 6 NOTICIAS

8 Artículo de opinión: MODELO DE NEGOCIO CINE-VIDEOJUEGOS 12 Análisis de the elder scrolls online 16 Análisis de el profesor layton vs. phoenix wright 20 Análisis DE castlevania lOS 2 dlc- Revelations 22 Análisis DE infamous: second son 26 Análisis DE hakuoki 3ds 30 Reportaje Cuando el premio hace crash 32 Reportaje Joyas desconocidas del cine 36 Crítica de nOÉ 40 crítica EL GRAN HOTEL BUDAPEST 42 crítica de CAPITÁN AMÉRICA: eL SOLDADO DE INVIERNO 46 Crítica True Detective 50 Articulo ANIME Novelas Ligeras 52 análisis Tacens Mars Gaming MM1 56 análisis Razer BlackShark

NOTICIAS DESTACADAS Amazon anuncia Fire TV, su servicio de streaming por $99 Después de una larga temporada de rumores y especulaciones, esta misma tarde Amazon ha presentado Fire TV, el servicio de streaming tanto de videojuegos como de cine por $99.

Fire TV se puede conectar al televisor mediante HDMI y constará de 2GB de RAM, una gráfica similar a la que podemos encontrar en Smartphones y un quad-core. Tendrá Wifi y será compatible con HD llegando a los 1080p y Dolby Digital Plus con sonido envolvente.

Microsoft piensa en emular Xbox 360 en Xbox One “Hay planes, pero todavía no hemos acabado de pensar sobre ello, por desgracia. Está resultando muy complicado emular el PowerPC para X86. Todavía no tenemos nada que anunciar, pero es algo que me encantaría ver.” - Microsoft.

GBA se estrena en la consola virtual de Wii U Sony anuncia Project Morpheus, sus gafas de RV En el evento celebrado en San Francisco, la GDC, Sony ha realizado uno de los anuncios que muchos estábamos esperando: Project Morpheus o su set de gafas de Realidad Virtual.

3 de abril: Metroid Fusion, Advance Wars y Mario & Luigi: Superstar Saga.

10 de abril: Kirby y el Laberinto de Espejos y Wario Ware Inc.: Minigame Mania.

17 de abril: Golden Sun y F-Zero Maximun Velocity.

24 de abril: Yoshi’s Island: Super Mario Advance 3 Cada uno a 6,99€.

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TDK presenta TREK MICRO, el altavoz ultraportátil

Póster y clip de ‘El amanecer del Planeta de los Simios’

La calidad del sonido y el tamaño compacto no están reñidos, así la empresa TDK fabricante de productos de audio nos lo muestra con un nuevo dispositivo, el TREK MICRO, un altavoz de pequeño tamaño que podemos llevar en cualquier sitio.

Gracias a la gente de Collider podemos echar un nuevo vistazo a lo que será la secuela de una de las sorpresas más agradables del 2011 que sirvió para revitalizar una franquicia de la que ya nadie esperaba nada con un resultado más que decente y entretenido como fue El origen del Planeta de los Simios. En esta ocasión, la acción se retoma unos cuantos años después de los eventos de la primera entrega, una vez que los simios capitaneados por César (Andy Serkis) ya han formado una sociedad propia tribal y con los humanos cada vez más cerca de la extinción a causa de un virus que está diezmando a la población.

“¡Rompe Ralph!” podría tener secuela Henry Jackman, el compositor de la música de la famosa película de animación de Disney sobre videojuegos, ¡Rompe Ralph!, ha desvelado que probablemente tendrá secuela.

Ha insistido en que no puede decir nada más al respecto, pero cree que la noticia es oficial y que el guión de la película ya se está escribiendo. Reveló esta información en una entrevista con el medio digital Collider.

https://www.youtube.com/watch?v=RqCmstgDhSg

Ninja Slayer se convertirá en un anime Las novelas de Ninja Slayer contarán con una adaptación en anime, así se ha confirmado en la cuenta de Twitter oficial de estas. Conoceremos nuevos detalles acerca del anime el próximo 11 de abril.

Ninja Slayer se desarrolla en la futurista ciudad de Neo Saitama, donde Fujikido Kenji se convertirá en un asesino de ninjas tras perder a su familia a manos de estos. Kenji buscará venganza matando a todo aquél que se ponga por delante. Las novelas datan de 2012 cuando salieron por primera vez, y cuentan con tres adaptaciones en manga y un drama CD.

The Leftlovers, lo nuevo de HBO La cadena HBO acaba de anunciar que su nuevo proyecto, The Leftlovers, verá la luz el domingo 15 de junio a las 22:00 horas. Así pues, tomará el testigo de la superproducción Juego de Tronos. La primera temporada constará de 10 episodios.

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Artículo de Opinión

¿Qué pasaría si el cine copiara el modelo de negocio de los videojuegos?

A día de hoy nadie puede discutir que la industria cinematográfica ha estado presente en este mundo muchos años antes que la de los videojuegos. Este negocio (arte en muchos casos) ha realizado el papel de una especie de hermano mayor, abriéndole muchas puertas que de otra forma hubieran estado cerradas. Durante muchos tiempo el cine fue un simple pasatiempo donde los directores realizaban sus trabajos con amor y pasión, aunque con el paso del tiempo esto ha ido degenerando hasta el punto de que no deja de ser un negocio.

Los videojuegos, como no podía ser de otra forma, se han colado en nuestras vidas por esas mismas puertas, adquiriendo algunos de los malos hábitos que el cine ha ido acumulando con el paso de los años y desarrollando algunos nuevos. Ahora, la industria de los juegos ha superado con creces a la del cine, llegando a generar más ingresos que las películas y la música juntas, pero... ¿a qué precio? Ante nosotros vemos cómo llegan juegos a medio acabar, precios que no tienen nada que ver con las horas que nos proporcionan en algunos casos e incluso atropellos por parte de algunas compañías que no se cortan a la hora de demostrar que lo importante para ellas es el dinero, no sus clientes.

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Redacción: David Losada

En este artículo queremos analizar algunas de las manías y aberraciones que vemos a diario en el mundo de los videojuegos y que, al trasladarlas al cine, quedan en un sinsentido que haría que plantáramos cara a la industria, pero que por el contrario, pasamos por alto en nuestros monitores. Veamos algunos ejemplos.

Bugs o fallos

A día de hoy, no es ninguna novedad que sea imposible encontrar un videojuego sin fallo alguno. Es algo que nunca ha existido pero no hasta el punto en que hiciera que la experiencia de juego fuera desagradable o imposible, que en algunos casos es algo nuevo de estas generaciones. Imagine-

mos por un momento que llegamos al cine y comenzamos a ver al protagonista de una película basada en las leyendas artúricas utilizando su reloj digital con brújula para orientarse, o que si compramos un blu-ray y necesitamos ir al baño, al pausar en determinado momento este se atasca y tenemos que volver a empezarla de nuevo (no, no se puede pasar para adelante, esa función se implementará más adelante con un parche). ¿Qué pasa si mi copia está corrupta y solo puedo ver la mitad hasta que la distribuidora lance una actualización que lo corrija y me desbloquee el resto?

Pues a comprar su próxima película por supuesto.

DLCs everywhere

Llegamos a uno de los grandes negocios de los últimos años. Nuestro cine habitual por fin pone esa película que estábamos deseando ver, pero cuando llegamos a la taquilla, el empleado nos comienza a preguntar si queremos verla con una pequeña escena inicial que no sale en la película básica y que nos explica las motivaciones del protagonista, 50 céntimos más, o si queremos ver un final alternativo, 50 céntimos más, o si por el contrario queremos que la protagonista vaya vestida con otro traje con más escote, 50 céntimos más...

Esto también podría ser trasladado a las copias físicas de las películas, donde podríamos ver en nuestro blu-ray en el que para ver las escenas eliminadas, o un clip con la banda sonora, o incluso los comentarios del director, habría que pasar por caja. Por favor, deje de preguntar y coja mi dinero.

Reediciones hasta en la sopa

Salimos del cine, acabamos de ver una película muy interesante pero lo cierto es que no nos ha dejado muchas cosas claras. ¿Por qué pasa todo esto?, ¿quién era aquella mujer del final?... Medio

año después, vemos que la misma película vuelve al cine, pero esta vez vemos que nos cuentan la historia de aquella mujer que no sabíamos quién era y aclara algunos asuntos. Si quieres salir de dudas no te queda otra. La vemos de nuevo y bueno, no ha estado mal la explicación, pero de tres dudas que nos aclaró nos generó cinco más, ya que la última escena no tenía demasiado sentido.

Un año más tarde, cuando ya tenemos en casa nuestra copia en blu-ray más que vista (seguimos sin entender algunas cosas), vemos que se anuncia otra vez la misma película pero con dos o tres escenas nuevas que te aclaran algunas dudas. ¿Volvemos a ir al cine? ¿Hasta qué punto pasaremos por el aro?

Hándicap en el doblaje

A pesar de que existe una gran diversidad de opiniones en cuanto al doblaje de series y películas en nuestro país (gran parte prefiere escuchar a los actores hablar en nuestro idioma), lo cierto es que el cine goza de muy buena salud en ese campo, con grandes profesionales y recursos. El mundo de los videojuegos es algo muy Redacción: David Losada

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distinto y no por falta de grandes trabajadores; siempre tienen que realizar su trabajo a ciegas, sin tener una referencia visual ni auditiva ya que no tienen los vídeos delante, solo les dan las frases, el tempo y hagan su trabajo.

A todos nos chocaría si, durante una película, vemos cómo los actores siguen hablando una vez ha terminado su frase o, si por el contrario, su boca se mueve pero no escuchamos nada, por no hablar de frases que ni están bien construidas. Este caso se ha dado en los videojuegos, aunque hay que reconocer que es un detalle nimio a la hora de disfrutar de un título, nos sigue pareciendo un detalle cuando menos curioso.

Micropagos

Este es uno de los últimos inventos a los que hemos sido sometidos y que la Unión Europea ya ha tomado cartas en el asunto dado a que el free-to-play puede llegar a ser algo engañoso a veces. Trasladándonos al cine, estaríamos ante el free-to-watch, películas gratuitas que ir a ver al cine, pero con ciertas pegas. Si queremos una butaca, un euro, si queremos

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Redacción: David Losada

sonido envolvente, un euro, si queremos que haya oscuridad en la sala, un euro, si no queremos anuncios, un euro... Y ahí estaremos, haciendo cola.

Conclusiones

El mundo de los videojuegos ha llegado a un punto en el que, si nos contaran hace 20 años que veríamos algo normal tanta reedición, los bugs con los que tenemos que convivir o el lanzamiento de juegos incompletos, no nos lo creeríamos. La industria cinematográfica no ha dejado de quejarse del poco público de los últimos años y ha reaccionado en conse-

cuencia con la Fiesta del Cine o miércoles muy baratos. En los videojuegos seguimos pasando por el aro haciendo colas para comprarnos el próximo título incompleto y que nos dejará la cartera vacía. En el fondo tenemos lo que nos merecemos.

Análisis

The Elder Scrolls ONLINE Desarrolladora: Zenimax Online Género: MMORPG Jugadores: Masivo en línea Plataformas: PC, PS4 y Xbox One Lanzamiento: 4 de abril de 2014 (PC). Junio (PS4 y Xbox One) Precios: Xbox One/PS4: 69,95€ PC: 54,95€ Coleccionista: 99,95€

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Redacción: David Losada

En medio de un mercado que comienza a estar saturado con los MMORPG y en que lo gratuito está más de moda que nunca, Bethesda Softworks y Zenimax Online han lanzado The Elder Scrolls Online, una nueva apuesta con un negocio de modelo clásico basada en una de las sagas RPG más famosa de los últimos años.

Aunque pudiera parecer una locura ya que, pedir una suscripción mensual hoy en día parece más un suicidio que un negocio, ambas compañías han apostado por ello bajo la promesa de mantener un contenido de calidad de forma constante y un mejor tratamiento a sus clientes: los jugadores. ¿Será suficiente con su intención y sus promesas tamaña inversión de dinero? Os damos las pistas para responder.

Un MMO diferente

World of Warcraft, Star Wars Knights of the Old Republic, Neverwinter Nights Online, El Señor de los Anillos Online… lo cierto es que podemos encontrarnos casi con cualquier tipo de MMO hoy en día. Cada uno de ellos posee sus puntos fuertes y débiles, pero pocas son las diferencias que vemos entre ellos.

Para que The Elder Scrolls Online funcionara Zenimax Online tenía que separarse un poco de la competencia, por lo que desarrolló un juego un tanto distinto al resto.

Desde la compañía han asegurado que cuando lleguemos a nivel máximo, 50, tendremos muchas cosas que hacer (JcJ, mazmorras, raids, misiones especiales…) pero lo que nos hemos encontrado es un camino a recorrer realmente interesante, donde la meta no se nos antoja tan importante como en otros juegos del estilo.

Este MMO ha sido creado para disfrutarlo al máximo, recorriendo el mundo que nos rodea y buscando desentrañar cada uno de sus secretos y misterios. Para ello, podremos descubrir nuevas zonas, preciosos parajes, mazmorras, recolectar materiales para crear nuestro propio equipo, encuentros con enemigos poderosos, forjas míticas… no todo será realizar misiones para ganar experiencia y avanzar en la historia como si un mero trámite fuera para poder llegar al final.

El uso de megaservidores es algo también novedoso de este MMO, ya que no tendremos que dividirnos entre distintos servidores a la hora de po-

der jugar. Zenimax ha dispuesto varios de ellos que, unidos, conforman el citado megaservidor, el cual evitará colas para entrar y problemas de superpoblación o baja densidad de jugadores.

Estamos seguros este sistema de juego es algo que no a todo el mundo le gustará, ávido de acción y demostrar que es el mejor jugador de todos, pero incluso para ellos también habrá su espacio en The Elder Scrolls Online.

Un JcJ atípico

No puede existir un buen MMO sin ese componente competitivo entre los distintos jugadores que lo pueblen. En la gran inmensidad de la oferta que existe en este género, nos encontramos con dos facciones enfrentadas que harán lo posible por ganar la batalla final. Para ello tendremos distintos escenarios, diferenciados por niveles en muchos casos, que harán que no mostremos piedad por el contrario, o puede que se nos permita vagar por el mundo buscando demostrar a nuestra patria la devoción que por ella profesamos, aplastando hasta el más pequeño de nuestros enemigos.

Redacción: David Losada

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The Elder Scrolls Online ha apostado por un sistema un tanto diferente, juntando a tres facciones distintas, las cuales se enfrentarán permanentemente (no hay arenas ni battlegrounds diferenciados por niveles) por el dominio de cada una de las fortalezas y castillos que hay construidos allí. Para hacer que los jugadores estén un poco más interesados que en defender su honor ante los enemigos, existen varios pergaminos que otor-

gan distintos beneficios a toda la facción que lo posea, desde más experiencia a mejor daño a las clases de melé o de magia.

Para la lucha dispondremos de toda una maquinaria de guerra para asaltar las fortalezas enemigas que guardan tamaño tesoros, aunque dependerá de nosotros y de las estrategias que llevemos a cabo nuestro éxito o derrota.

Tamriel retratado a la perfección

Para aquellos que esperen ver la última generación de gráficos es más que posible que The Elder Scrolls Online no sea el título que están buscando; no obstante no se aleja demasiado. Hay que tener en cuenta que durante nuestras aventuras nos encontraremos con mucha, pero que mucha gente, por lo que no es nada sencillo encontrar un equilibrio entre el apartado gráfico y el rendimiento de nuestros ordenadores.

Teniendo esto en cuenta, lo cierto es que el juego nos ha sorprendido muy positivamente, ya que retrata el mundo de The Elder Scrolls de una forma muy realista, al mismo tiempo que permite unos requisitos bastante bajos para la época en la que vivimos. Si a esto le añadimos que el mapa es realmente grande y la variedad de escenarios y situaciones (no encontraremos demasiados emplazamientos repetidos), no nos cabe la menor duda que Zenimax ha tenido un gran trabajo por delante. ¿Y qué sería de un título de épica fantástica sin una banda sonora de acorde a la situación?

La música nos acompañará en todo momento como un aventurero más, con piezas clásicas acompañadas de coros digna de las superproducciones de Hollywood. El doblaje de los distintos NPCs ha contado con grandes actores británicos de la categoría de Kate Beckinsale o

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Redacción: David Losada

LO MEJOR Grandes posibilidades de personalizacion y libertad.

Poder explorar los mundos de Tamriel.

Alfred Molina en su versión inglesa. Si sois desconocedores de la lengua de Shakespeare os encontraréis un problema con The Elder Scrolls Online, ya que no ha sido ni doblado ni traducido al español por ahora, encontrándose tan solo en inglés, alemán y francés. A nosotros nos gusta verlo como una buena oportunidad de aprender jugando.

Un lanzamiento trágico

algo

Un juego tan sumamente grande no podría haber tenido un lanzamiento sencillo y quizás se ha visto todavía más ensombrecido por una mala plantificación. Inicialmente nos hemos encontrado que los servidores de Europa estaban alojados en Norteamérica, por lo que no se han adaptado a nuestros horarios y hemos sido objeto de mantenimientos a horas muy poco aconsejables.

A algunos episodios de altas latencias y caídas de los servidores tenemos que añadir problemas en misiones y distintos fallos o bugs que han empañado bastante el resultado final de The Elder Scrolls Online. Sin embargo, hay que decir que Zenimax ha sabido sobreponerse y ya ha arreglado muchos de estos errores y sigue trabajando en el resto por lo que ha sido más una molestia para los iniciados que para los futuros jugadores. Será una prueba a nuestra paciencia en ocasiones, pero merece la pena.

Un JcJ muy prometedor.

Sistema de crafteo trabajado.

Poco exigente gráficamente para hoy en día.

LO PEOR Un lanzamiento caótico.

demasiado

Sistema de estadísticas no demasiado claro.

VALORACIÓN Bethesda ha apostado por lanzar su MMO en un momento en el que mercado está muy saturado y escogiendo el modelo de negocio con más detractores: la suscripción mensual. A cambio, nos ofrece una experiencia única en el rico y vasto mundo de Tamriel, el cual disfrutaremos hasta su última brizna de hierba.

8,5

Redacción: David Losada

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Análisis

El profesor Layton vs Phonix Wright: Ace attorney Desarrolladora: Level 5 Género: Aventura gráfica Jugadores: 1 Plataforma: Nintendo 3DS Lanzamiento: 28 de marzo Precio: 44,95€

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Redacción: Christian Adriaensen

Dos gigantes japoneses se unen para hacer un crossover que reúne dos entregas exitosas en el mercado mundial: Profesor Layton y Phoenix Wright: Ace attorney. El primero pertenece a Level 5 y el segundo a Capcom. Dos años hemos tenido que esperar para que la traducción llegue a nuestras tierras pero la espera ha valido la pena. Misterios, magia, brujas, juicios… lo mejor de ambas sagas se entremezcla y hace que el juego sea un placer visual y sonoro.

Además, está unión de ambas sagas es producto del deseo de Akihiro Hino (presidente de Level 5) y esto hará que se note el doble trabajo y esfuerzo puesto por ambas compañías. Nuestros dos caballeros viajarán a lugares llenos de curiosidades, alegrías pero también con escalofriantes enigmas. Vayamos más lejos…

Un libro, un mundo El juego comienza con una cinemática en la que veremos a Sebastian, un ex alumno de nuestro profesor, y Aria huyendo de magia oscura con su coche. Más tarde, aparecen Layton y Luke hablando sobre las brujas y que la magia

nunca vistos, arduos juicios… doce capítulos componen la historia del juego, seis por cada personaje.

no existe. Por casualidades del destino, Aria aparece en el despacho del profesor y les enseña la Chronica Labyrinthica, un libro que cuenta el pasado… y el futuro. Está escrito por El Narrador, el villano que hace que todo lo que escriba se convierta en realidad.

Minutos después de este encuentro, una bruja aparece y se lleva a Aria. El arqueólogo y su aprendiz irán tras ella.

nacional de Letrados. De repente, les pedirán ayuda en un caso en el que Aria Fable (la misma chica) es acusada por herir y robar a un tripulante del barco. El problema es que ella misma se declara culpable y tu deber es demostrar lo contrario. Así pues, tras este suceso, el abogado y su ayudante médium vivirán otra aventura inexplicable en la que se meterán dentro de la Chronica Labyrinthica.

Por otro lado, Phoenix y su acompañante Maya (que no hemos visto desde Trials and Tribulations) están de camino a Londres para la Jornada de Federación Inter-

Vemos que el factor común es Aria Fable (curiosidad: fable es fábula en inglés) y que ambas parejas de detectives entrarán en el mundo de Labyrinthia. Enigmas

La magia está presente Técnicamente, el juego sigue la estela de ambas sagas y las une.

La unión de ambos personajes está muy conseguida pero eso no quita que las diferencias se hagan notables. La jugabilidad no varía respecto a los capítulos anteriores de las sagas. Respecto a Layton, se sigue yendo de escenario en escenario preguntando a la gente, resolviendo sus enigmas y encontrando monedas (como en El legado de los Ashalanti, tres en cada zona). Cambios respecto a las anteriores entregas son solo detalles como que las monedas ahora brillan al cogerlas o que los modelados 3D están mejor trabajados (si el juego salió hace dos años antes en Japón y antes que el último capítulo de la saga Layton, ¿por qué están mejor ahora?)

Además, Layton y Luke cogerán gusto a participar en los juicios también.

Redacción: Christian Adriaensen

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Respecto a Ace attorney tampoco hay grandes cambios. Los cambios están más en la historia por así decirlo. En el caso de Phoenix Wright, el juego consistirá en cuatro grandes juicios… pero no juicios normales sino juicios de brujería, es decir, que si pierdes, el culpable va a la hoguera. La forma de resolverlos tampoco es a través de pistas como huellas dactilares, informes médicos y fotos de la escena del crimen sino que tendrás en Gran Grimorio, un libro con todos los hechizos que poseen las brujas.

Nuestro fiscal también cambiará y ahora será el caballero de la Orden de la Inquisición, Alexandre Flamair, No será un debilucho como el que normalmente nos enfrentamos sino alguien con mucha personalidad y que nos pondrá las cosas difíciles. Además, ahora los acusados podrán dar testimonios en grupo y eso hará que tengamos que prestar más atención. Destacar el trabajo en los detalles de cada personaje pues podremos diferenciar pequeños gestos de duda y que lo podremos usar como referencia para los interrogatorios.

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Redacción: Christian Adriaensen

La aventura principal dura unas 40 horas entre puzles y juicios.

Además, el juego tendrá muchos otros puzles secundarios que luego podrás resolver o dejarlos pendientes. Un truquillo para ir más rápido es usar las monedas que te vas encontrando para que te den pistas (ahora hay hasta cuatro pistas por enigma) pero es mejor usar el cocó para resolverlos. Por otro lado, Nintendo anunció que iba a haber contenido descargable. Este contenido descargable clasificado como “El Montaje del Director” estará compuesto de doce capítulos extra y una galería de sesenta ilustraciones, todo de forma gratuita.

La condición es haber completado la historia y cuando lo hayas hecho podrás ver en el menú los extras que hay para descargar. Estos DLCs se incluirán semanalmente hasta septiembre y prometen tener una gran dosis de acción pues estarán dirigidos por el creador de la saga Phoenix Wright, Shu Takumi.

Respecto a la estética del juego hay que destacar el gran trabajo realizado por el estudio Bones que es el encargado en hacer las escenas animadas. Para daros un ejemplo de su trabajo hay que decir que también son los responsables de animes como Fullmetal Alchemist. El apartado sonoro también está muy conseguido. La música merece que pongas al máximo el volumen de tu 3DS pues así cargarás el ambiente de la magia que desprende. El doblaje y los textos están completamente en español.

Conclusiones Una fantástica historia llena de intriga y un trabajo increíble a la hora de las cinemáticas y la música ¿qué más se puede pedir?

Level 5 y Capcom han hecho un trabajo realmente maravilloso con esta fusión de ambas sagas.

LO MEJOR Las animaciones, la música, la capacidad para que el jugador use la cabeza todo el rato y que eso lo haga ameno para que no te canses

LO PEOR Si no eres amante de las aventuras gráficas o de los diálogos largos, este no es tu juego... pero aún así dale una oportunidad.

VALORACIÓN Los amantes de aventuras gráficas adoraréis este juego al igual que todos los juegos anteriores de estos cuatro personajes (Maya y Luke también son importantes, hombre).

También es una posibilidad para empezar a engancharte a ambas entregas pues no es necesario conocer los argumentos anteriores y además su argumento mezclado a veces con un tono cómico lo hace enganchadizo. Es un juego que tenéis que probar.

9,5 Redacción: Christian Adriaensen

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ANÁLISIS

Castlevania Lords of Shadow 2DLC: Revelations Desarrolladora: Mercury Steam Género: Aventura Jugadores: 1 Plataformas: PC, Xbox 360, PS3 Lanzamiento: 25 de marzo Precio: 5,95€

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Redacción: Carlos J. Rodríguez

Poco después del lanzamiento de Lords of Shadow 2 se confirmó las sospechas de todos aquellos que terminaron la aventura de Drácula: el juego tendría DLC. De esta forma, el pasado 25 de marzo se lanzó el DLC Revelations, contenido extra que nos pone en la piel de Alucard, el hijo de Dracul.

En esta ocasión, Alucard deja el látigo de las sombras y lo reemplaza por la espada Crisaegrim, espada fabricada con los fragmentos del Vampire Killer en los restos de Carmilla. El juego nos sitúa justo antes de comenzar la aventura con Drácula, teniendo gran importancia y revelándonos datos y acontecimientos que darán significado a la aventura principal. No es un DLC imprescindible, pero ayuda a comprender el por qué de algu-

nas cosas. La aventura transcurre en el castillo de Dracul, donde Alucard debe recuperar la Espada del Vacío y las Garras del Caos que han sido arrebatadas a su padre por su largo letargo.

HABILIDADES VAMPÍRICAS

Para tal misión, Alucard posee cualidades muy diferentes a las de su padre. Con el final de Mirror of Fate, se pudo ver como Alucard huía del castillo convertido en murciélago, pues bien, en esta ocasión es posible la metamorfosis del personaje en un murciélago para po-

der alcanzar lugares distantes y altos. La transformación de lobo ha variado en un estado espectral donde se tendrá total control de un lobo que además de saltar grandes distancias, permite poder sortear algunas trampas y barrotes. Por último posee la habilidad de poder volver a estados anteriores algunos elementos del escenarios, eso sí, durante un determinado tiempo. Con estas tres habilidades el juego nos desafía con numerosos puzles y enemigos.

Eliminando enemigos y destruyendo elementos del escenarios, Alucard conseguirá experiencia con la que mejorar sus habilidades con la espada, habilidades devastadoras que permitirán al personaje causar más daño. De nuevo vuelve la magia, que actúa directamente sobre el arma otorgando de esta forma la capacidad de curarse con cada golpe o causar un daño titánico.

EXPLORANDO EL CASTILLO

Se tiene la posibilidad de explorar tres zonas del castillo, todas ellas con escenarios que son inéditos de la aventura principal, acompañados por la música de Óscar Araujo. Sin embargo, los enemigos son los mismos que los de la aventura principal y no se ha optado por la inclusión de nuevos adversarios. Por otra parte, los puzles desafían al jugador haciendo recordar lo que suponía este reto en Lords of Shadow. Las situaciones de sigilo se han eliminado, algo totalmente evidente y de agradecer, ya que de esta forma no ralentiza el desarrollo de la historia.

De nuevo están las reliquias, todas ellas excepto la de invocación. Además, también vuelven las mejoras donde esta vez aumentará la vida o magia sin tener la necesidad de encontrar más piezas, hecho totalmente

lógico ya que estamos hablando de un DLC. También hay que destacar que durante la aventura se irá desbloqueando artes y pergaminos, siempre que los encontremos. La aventura durará sobre unas 2 horas, aumentadas si queremos recopilar todos los secretos del castillo.

LO MEJOR Controlar de nuevo a Alucard, esta vez usando la espada y nuevas habilidades. Los nostálgicos recordarán el Symphony of the Night.

Puzles que retarán al jugador.

El precio para lo que ofrece, ya hemos visto como otros juegos cuestan hasta el triple y dura lo mismo.

LO PEOR Esta campaña debió haber estado en el juego principal.

VALORACIÓN Revelations es el complemento ideal para la aventura principal, aunque no resulta ser un imprescindible, los jugadores amarán este descargable por todo lo que ofrece a su bajo coste.

7,5 Redacción: Carlos J. Rodríguez

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Análisis

Sony retoma una de las sagas más características que haya llevado a cabo, inFamous, esa combinación de superpoderes, ciudades arrasadas, el bien, el mal y la libertad de decidir por nosotros mismos.

inFamous: Second Son Desarrolladora: Sucker Punch Género: Acción Jugadores: 1 Plataformas: PS4 Lanzamiento: 21 de marzo Precio: 69,95€

Tras dos entregas en PlayStation 3, inFamous llega portando el estandarte de la nueva generación, un título que se le entregó antes incluso de ver cómo se comportaba el juego, basándose sólo en cinemáticas y algunos gameplays. ¿Fue una osadía por parte de los medios? ¿Realmente estamos ante el primer título diseñado por y para la nueva generación de consolas?

Bien es cierto que hasta la fecha el nivel en PlayStation 4 era del todo cuestionable. La falta de títulos y su limitada calidad provocaron que estos calificativos fueran

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Redacción: Javier Benítez

más un deseo que otra cosa. Tras probar inFamous Secon Son a fondo, podemos decir que esta vez no hubo error fatal, el nuevo título de Sucker Punch cumple con las expectativas perfectamente y, si bien puede mejorarse (como todo en esta vida) es merecedor de ser el primer juego 4 the Players.

Os recomendamos que leáis nuestro avance de inFamous Second Son para comprender el contexto del juego antes de entrar en detalles: http://www. asgeeks.es/video-games/ avance-de-infamous-second-son/

Cambio de aires

No más karma para Cole McGrath, una verdadera lástima para los fans (entre los que me incluyo) de este magnífico personaje. Y es que en inFamous Second Son tendremos que controlar a Delsin Rowe, un graffitero que en un principio le costará hacerse con sus nuevos poderes, pero que poco a poco cambiará de actitud hasta presentar cierta arrogancia y prepotencia. Esta actitud juvenil vendrá a contrarestarla Reggie, el hermano mayor de Delsin, una figura importante dentro de la trama la cual será bastante sencilla y corta (12 horas).

Destacar la novedad en cuanto a los ataques del personaje respecto a las anteriores sagas. En inFamous Second Son contaremos con dos elementos principales: el

humo y el neón (habrá algunos más pero no os los desvelaremos). Ambos son útiles a su manera. El humo está orientado al combate cuerpo a cuerpo, causa grandes daños y se expande con facilidad. Por su parte el neón es más adecuado para largas distancias ya que nos permitirá una mayor precisión.

Ambos poderes nos servirán para ascender de manera casi instantánea a los tejados de los edificios, un aspecto muy de agradecer ya que se ahorra muchísimo tiempo de forma rápida y eficaz.

Para recargar la barra de energía de estos poderes, tendremos que dirigirnos a diferentes puntos del mapa como las chimeneas o los letreros luminosos. Unos

Redacción: Javier Benítez

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y otros irán alternando el poder que tengamos activo, algo que no nos ha parecido buena idea y es que depender de un elemento externo para modificar el poder resta libertad y limita las posibilidades en combate. Destacar que la recuperación de energía se lleva a cabo a través del panel táctil del DualShock 4, una función que han tenido a bien incluir los chicos de Sucker Punch.

Explora y encontrarás

Delsin contará con el apoyo de otros personajes, aunque a veces no les haga mucho caso...

Como buen sandbox, inFamous Second Son nos ofrece una experiencia más fructífera si nos damos una vuelta por las calles de Seatlle. Aparte de las misiones principales, encontraremos otras secundarias con las que complementar las habilidades así como

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Redacción: Javier Benítez

añadir horas de juego. A este respecto cabe señalar que no son muy originales y no distarán mucho de lo ya visto en otras entregas, a excepción de los grafittis que tendremos que ir pintando por la ciudad a través de un minijuego.

Contando partículas

Sí, técnicamente el juego es lo que esperábamos, un auténtico recital de luces, colores y texturas cuidadas al detalle. Gran trabajo de Sucker Punch para la nueva consola de Sony que sentará las bases sobre lo que se espera en un futuro para PlayStation 4. Admirables serán los paisajes así como las explosiones durante el combate o la transformación de Delsin en humo…cosas que no podemos explicar con simples palabras, hay que estar a los mandos para disfrutar de los magníficos planos que nos brinda este juego.

Señalar que en inFamous Second Son, al igual que en las entregas anteriores, encontraremos cinemáticas dotadas del particular estilo cómic. Este elemento tan característico de Sucker Punch cobra aún más sentido con el personaje de Delsin y refuerza el estilo que han intentado otorgarle a este nuevo título.

Conclusiones

A favor está la calidad técnica del producto, así como ciertas innovaciones sobre todo en el control del personaje. Por contra, la historia nos deja un sabor amargo y es que no puede compararse con las dos entregas anteriores donde encontramos una trama más trabajada y ciertamente más interesante.

LO MEJOR La calidad gráfica (escenarios, partículas, sombras…)

Volver a disfrutar de la saga inFamous.

Contar con poderes distintos e innovadores.

LO PEOR Historia simple y poco interesante.

Delsin no está a la altura de Cole.

La duración de la campaña principal.

VALORACIÓN Las sensaciones tras completar inFamous: Second Son resultan ser bastante buenas, y es que estamos ante un título muy completo que ha sabido mantener el nivel que se le exigió (puede que precipitadamente) como estandarte de PS4.

8

Redacción: Javier Benítez

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ANÁLISIS

Hakuoki: Memories of the Shinsegumi Desarrolladora: Idea Factory Género: Novela Jugadores: 1 Plataformas: Nintendo 3DS Lanzamiento: 21 de marzo Precios:

Físico: 34,95€

eShop: 29,99€

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Redacción: Carlos J. Rodríguez

Hakuoki es una franquicia japonesa que tiene varios anime, OVAs e incluso mangas que ahora, gracias a Rising Games, podemos disfrutar de esta aventura en la portátil de Nintendo. El juego es la adaptación del ya lanzado en 2012 para PSP: Hakuoki Demon of the Fleeting Blossom, con algunos cambios y extras.

¿Aventura gráfica o novela?

No podemos clasificar el género del juego como aventura gráfica ya que el juego se limita a mostrar diálogos y a tomar decisiones y no a interactuar con puzles y otros elementos de ese género. Al iniciar el juego tomaremos el control de Chizuru Yukimura que tras el epílogo sabremos que irá en busca de su padre que ha ido a Kioto para trabajar. Ambos se comunican por mensajería, pero lamentablemente Chizuru deja

de recibir cartas de su padre; es ahí cuando la protagonista decide viajar a Kioto. Tras una serie de infortunios, Chizuru conoce a los miembros del clan Shinsengumi que la ayudarán a sobrevivir y a buscar a su padre desaparecido.

ellos con decisiones que alterarán el final de la historia dando así varios finales.

Durante todo el argumento, veremos varias ilustraciones y arte de los diferentes escenarios y personajes. En este apartado, pese a cumplir, se pudo haber aprovechado la potencia de la consola y realizar algunos modelados 3D ya que estos artes, aunque pueden verse en 3D, pasarán desapercibido y hará que el jugador desactive esta opción para que no se canse la vista. La música ambiental cumple con su cometido, teniendo temas buenos y otros que cansarán. El juego está inglés, por lo que es necesario tener un buen nivel de este idioma para lograr comprender toda la historia. El argumento se compone de siete capítulos, todos

Al principio el desarrollo de la historia es algo lenta, pero luego logra mantener un buen nivel de interés. Dependiendo de las decisiones tomadas, Chizuru se irá acercando a unos personajes o a otros en una historia de amor llena de giros argumentales y sorpresas. Mientras se juega, se irá desbloqueando términos y definiciones de lugares, personajes y objetos que quedarán guardados en la enciclopedia, accesible en todo momento; además de una galería que irá desbloqueando arte y vídeos sobre personajes. El juego permite el guardado rápido y la carga rápida, que permitirá guardar en cualquier momento, aunque se debe suponer que su función será a la hora de elegir decisiones para poder ver cuál de ellas es la que se desea. Dependiendo de la velocidad de lectura del jugador, la aventura se podrá completar en unas 10 horas, siendo aumentadas por las diferentes decisiones a lo largo de la aventura, en las que podremos volver a ese punto ya que el juego nos permite retroceder el texto hasta el punto deseado.

Edición coleccionista

De la mano de Badland Games, podemos hacernos con el juego en su edición física coleccionista que incluye el juego, la banda sonora y dos tarjetas lenticulares; edición exclusiva de GAME. El juego también está disponible en la eShop.

LO MEJOR Historia que engancha de principio a fin.

Los extras de la edición coleccionista.

LO PEOR Completamente en inglés.

Apartado gráfico y efecto 3D poco aprovechado.

VALORACIÓN El argumento del juego logra mantenerte pegado en la pantalla durante horas, sin embargo, el juego peca en los demás apartados siendo mejorables.

No se puede pedir mucho más a este tipo de juego siendo muy pocos los que llegan a territorio Occidental. Recomendable para los aficionados a la lectura, amantes del manga y las historias románticas.

7 Redacción: Carlos J. Rodríguez

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LANZAMIENTOS DESTACADOS ABRIL:

The Elder Scrolls Online (PC) 4 de abril

Final Fantasy XIV: A Realm Reborn (PS4) 14 de abril

Dark Souls II (PC) 25 de abril

Child of Light (PC, Wii U, X360, Xbox One, PS3, PS4) 30 de abril

Batman: Arkham Origins Blackgate Deluxe Edition (PC, X360, PS3) 1/4/2014 Goat Simulator (PC) 1/4/2014 Scourge: Outbreak (PC) 2/4/2014 Dynasty Warriors 8: Xtreme Legends (PS3, PSVita, PS4) 4/4/2014 The Elder Scrolls Online (PC) 4/4/2014 The Wolf Among Us: Episode 3 - A Crooked Mile (PC) / (X360, PS3) 8/4/2014 // 9/4/2014 Titanfall (X360) 10/4/2014 LEGO: El Hobbit (PC, X360, XONE, N3DS, WiiU, PS3, PS4, PSVita) 11/4/2014 Final Fantasy XIV: A Realm Reborn (PS4) 14/4/2014 Life Goes On (PC) 14/4/2014 Dark Souls II (PC) 25/4/2014 Child of Light (PC, Wii U, PS3, PS4, X360, XONE) 30/4/2014 Daylight (PS4) 30/4/2014 SIN DETERMINAR

Guacamelee! Super Turbo Champion Ed. (PS4, X360, XONE, Wii U) abril

Batman: Arkham Origins Blackgate Deluxe Edition (Wii U) Guacamelee! Super Turbo Champion Edition (PS4, X360, XONE, Wii U) Nihilumbra (Wii U)

Nihilumbra (Wii U) abril

Pier Solar HD (PC, PS3, PS4, XONE)

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Cuando el premio hace “crash”: Los Goya

Los premios se equivocan. Como creación humana es algo inevitable. Pero bien es cierto que hay ejemplos que van más allá del simple error o la puntual discordancia. Haremos un breve repaso de dichos casos especiales e intentaremos dar con algunas de las claves que provocan tales injusticias.

Cuestión de género

Hay un denominador común, que bien podría extenderse hacia otros premios y festivales, que es el trato discriminatorio que sufren las películas de género no ya a la hora de recibir galardones, sino simplemente al esperar un mínimo reconocimiento a través de las nominaciones. Es cierto que hay excepciones, tales como las hinchadas Tesis, Los otros y El orfanato, que salvaron la barrera y tuvieron una lluvia de premios pese a tener la etiqueta del thriller o el terror. Pero son casos aislados que, curiosamente, corresponden con dos figuras apreciadas por los académicos (podría decirse incluso que mimadas) como son Alejandro Amenábar y Juan Antonio Bayona. En su momento, El día de la bestia no pudo alzarse con el Goya a la mejor película, ni Bigas Luna conseguir el de mejor director por su soberbio trabajo en Angustia, una de las más notables cintas españolas de terror. La Academia siempre ha preferido el drama y, como alternativa, la comedia o el thriller estilo Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto o No habrá paz para los malvados. Abre los ojos o [REC], cin-

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Redacción: Pablo Salazar

tas más arriesgadas y personales, ya sufrieron el ninguneo en los Goya, y es que podría aseverarse que no es un territorio fértil para el miedo o la fantasía. Algo que los amantes de esas películas nunca entenderemos (o querremos entender). Quizá lo más sorprendente fue el cabezón a Juan de los Muertos, una auténtica y (agradable) sorpresa, aunque no compensa las injusticias hacia, por ejemplo, Los cronocrímenes, a día de hoy un título de culto.

Mejor el atajo que el descubrimiento La Academia se distingue no sólo por sus preferencias en cuanto a género, sino por una cierta cobardía a la hora de premiar lo más convencional, acomodaticio e incluso comercial frente a las expresiones más libres en

cuanto a lenguaje visual o narrativo. Sólo así se explica que fueran olvidadas Un perro llamado dolor, insólita y peculiar pero respetada, o las notables El apóstol y Carmina o revienta en detrimento de la taquillera e insípida Las aventuras de Tadeo Jones. El tirón comercial se tiene muy en cuenta, como en el caso de Lo imposible, que arrebató a Pablo Berger su Goya a mejor director por la milagrosa Blancanieves, algo inaudito, en un claro guiño hacia la taquilla. Como única y asombrosa excepción, cabría mencionar el

reconocimiento a La soledad, única propuesta de corte más experimental que ha logrado el éxito en los Goya.

No sólo la taquilla es un claro referente a la hora de adjudicar estatuillas, sino también la tendencia izquierdista de la Academia. Esta injerencia política ha generado que cintas convencionales y hasta televisivas como Escuchando al juez Garzón o Las maestras de la república logren el Goya a mejor documental obviando títulos mucho más valientes y originales. Pero si los académicos deciden ponerse rancios, no hay nada que hacer.

El intérprete ¿revelación?

Existen dos categorías en los Goya que infunde desconcierto como ninguna; son las de mejor actor y actriz revelación. La pregunta que surge es la siguiente: ¿qué entiende la Academia por revelación? Uno no alcanza a discernir si se trata de premiar un debut o, lo que parece más

evidente, alzar la voz ante un trabajo sobresaliente de un actor desconocido, sea o no su primer papel.

Aún tomando como válida e incluso estimable la segunda afirmación, no se justifican algunos deslices de los académicos, tales como premiar a Javier Pereira o Jan Cornet tras muchos años de sus respectivos (y estupendos) debuts. El premio se vuelve entonces enrevesado y confuso, aunque peor aún es el hecho de premiar a una actriz consagrada como Soledad Villamil por delante de jóvenes y tímidos debutantes, por muy desconocida que aquí sea.

Ateniéndonos a la lógica, no debería haber sido ni nominada. Todo esto contribuye a convertir esta categoría en cuanto menos cuestionable, y en un diáfano ejemplo del escaso control (o conocimiento) que poseen a veces los votantes edición tras edición.

Amores y odios

Para concluir, brevemente nombraré a un autor condenado al ostracismo, Joaquim Jordà, uno de las más notables documentalistas de nuestro país que vio cómo sus creaciones eran tan nominadas como finalmente marginadas en la fiesta de nuestro cine, algo que se antoja incomprensible y excesivo. Almodóvar, otro enfant terrible del cine español, fue reconocido con algunas de sus películas mientras otras fueron maltratadas sin motivo aparente. Quizá, mientras unos cuentan con el aprecio incondicional de la Academia (como Amenábar o Bardem) otros siempre son mirados con recelo como en el caso del Manchego, bien por cuestión de caracteres o por formas de ser (o de hacer cine). Un servidor es de la opinión de que uno es un artista al margen de rencillas o similares contiendas personales o políticas, pero queda demostrado que su opinión no es en absoluto compartida.

Redacción: Pablo Salazar

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Joyas desconocidas del cine JCVD

Quizá se la ignoró por las sospechas que puede provocar Van Damme, más interpretándose a sí mismo. Sirve para plantear una reflexión sobre cómo alimentamos nuestros mitos y esperamos que el caparazón sea el todo, y otras muchas lecturas. El Van Damme de la película tiene todo en su contra y además es rehén en un atraco a un banco que la policía cree que ha cometido.

Por primera vez en su carrera el actor consiguió elogios a su interpretación. Nos permite ver que esto es una película y JCVD no es Jean-Claude Van Damme. Pero él, que en la película no es un héroe, acaba siéndolo. La grandeza de JCVD es su capacidad de llegar a todo público y transformar opiniones preconcebidas, a la par que, esta vez sí, el héroe se manifiesta.

Cheap Thrills

Dos amigos con dificultades económicas, una pareja que les ofrece dinero en cantidades proporcionales a varios retos que les plantean, desde tomar tequila a cortarse un dedo. La película se burla de los personajes y de su transformación en auténticas bestias con el simple objetivo de conseguir dinero. Entre ese humor bestia también existe la pregunta de si nosotros seríamos capaces de llegar hasta los extremos que se ven si nos condujeran como lo hacen con ellos. La tesis es por eso simple y brillante, porque permite la carcajada culpable de reírnos de algo que no sería divertido pero con un inteligente poso de amargura final en su plano.

Big Bad Wolves

Ha tenido la fortuna de que gente como Tarantino la alabe sin concesiones, y deja una sensación similar a las famosas películas de Park Chan-Wook sobre la venganza. Un agresivo policía intenta vengarse de un profesor al que cree responsable de unos asesinatos infantiles.

En el justo momento de la captura el padre de la última niña desaparecida secuestra a ambos. !ueriendo saber dónde está su hija, no le importa hacer cualquier cosa al sospechoso. Como en la anterior película, comienza un desfile de secuencias bañadas de esa risa culpable, que funciona a la vez que juega con la culpabilidad posibel culpabilidad (o inocendia) de una persona. Puede que se diga que es tramposa o que sus rupturas de tono sean muy repentinas, pero este thriller tiene una gran valentía, grandes interpretaciones, y secuencias que son un ejemplo de composición espacial y de ritmo. Es, además, divertida y maliciosa.

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Redacción: Carlos Laullón

Conociendo a Matsuko

Una maravillosa mezcla de comedia, drama, musical, recuerdos, puesta en escena de fantasía y multitud de estilos sin igual, en la que detrás de cada risa se esconde una historia de desdicha y una enorme vitalidad. Shô intenta averiguar quién fue Matsuko, su tía, recién asesinada. Por el camino descubre una vida llena de infamia, golpes y contagiable alegría. Se la comparó con Amélie y con Bailar en la oscuridad, y aunque tiene ciertos paralelismos, se distancia hasta conquistar un espacio propio. Crea un maravilloso ejercicio de color y energía que empuja hasta llevar al límite la narración. Para redondear, una Miki Nakatani perfecta como Matsuko, en una de las mejores interpretaciones de la década, hace de su personaje algo excepcional.

My Winnipeg

Una obra concebida como un pseudoensayo documental sobre los recuerdos de infancia de su director en Winnipeg, su ciudad natal. Consiste en una catarata de historias e imágenes que abarcan toda la composición de la mente. Podría sonar pretencioso, pero no lo es. My Winnipeg queda como un precioso tributo a una ciudad que no tiene que corresponderse con lo que nos está mostrando: es, como todo, subjetivo y personal. Lo más importante con esta película es entrar en su universo, dejarse llevar por los laberintos de la memoria. Un lugar que contiene de todo: violencia, fatalidad, microhistorias, animación, etc. En esta película se intenta atrapar esa esencia en el trayecto de un tren surrealista y absurdo.

Love Exposure

Con Love Exposure Sion Sono consiguió recoger el testigo de Takashi Miike (y que este había recogido de Takeshi Kitano) como cineasta de culto total proveniente de Japón con una explosiva mezcla de elementos. Tenemos a Yu, un joven obligado a pecar por su padre, un intransigente pastor, que quiere encontrar a su María.

Sumemos una secta y secuestros en una serie de episodios alocados, sorprendentes. Love Exposure radiografía el estado de un país, lo satiriza y despedaza, y nos lo devuelve deformado a la vez que apegado a esa realidad contemporánea. Para mucha gente estamos ante una de las mejores películas de la década, pues tenemos algunos de los personajes con más carisma y más enérgicos, y un director que juega con ternura y mala leche como un niño pequeño y reflexiona con madurez sobre el amor, la fe (mostrada como lo opuesto al verdadero amor) y los traumas colectivos.

Redacción: Carlos Laullón

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El perfecto anfitrión

En un artículo que trata de joyas ocultas esta fue quizá la más inesperada. No es una gran obra, pero sí una genial muestra de cine moderno que necesita ser reivindicada urgentemente. La trama es sencilla: un atracador herido decide refugiarse en una casa haciéndose pasar por otra persona mientras la policía le persigue. El dueño de la casa es el perfecto anfitrión del título: cortés, educado, inmaculado. Pero al rato ese perfecto anfitrión deja de serlo y la película toma otro cariz distinto. Una vez la película coge el ritmo y el tono es imparable y oscila en lo que al director y guionista, Nick Tomnay, le viene el gana y las necesidades de la película, siempre un paso por delante del espectador. El giro enunciado es el más esperable, pero solo el primero de muchísimos. Hasta el increíble giro final, salvaje, y muy original.

Mind Game

Terminamos la lista con una película que viene a ser la culminación de lo expuesto en el artículo: originalidad, transgresión, experimentación con la forma y el contenido, oculto ante el gran público, de forma injusta. Mind Game, dirigida por Masaaki Yuasa, tiene el mérito de unir todo tipo de técnicas de animación y que no desentonen entre ellas, en una veloz narración. Nishi es asesinado casi por azar y error por la yakuza, una vez en el cielo consigue escapar y volver a la Tierra. En su llegada es engullido por una ballena, quedando atrapado en su interior y descubriendo varias sorpresas. La belleza de Mind Game es directamente proporcional a una caótica narración plena de secuencias insólitas y perfectas, como la salida de la ballena, en uno de los mejores momentos del anime de la última década.

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Redacción: Carlos Laullón

Crítica

NOÉ Director: Darren Aronofsky Género: Bíblico, épico Distribuidora: Paramount Pictures Intérpretes: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson Fecha de estreno: 4 de abril

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Redacción: Beatriz Tirado

Se suele decir que la Biblia, independientemente del credo religioso que profeses (si es que lo haces), es uno de los mejores libros que se han escrito jamás.

Se han hecho numerosas adaptaciones de sus historias en la literatura y la gran pantalla, especialmente del Éxodo y el Nuevo Testamento. Sin embargo, la historia del arca de Noé y el diluvio, puede que la más conocida de todo el Génesis además de la del pecado original, ha quedado largamente olvidada, a pesar de que las historias sobre diluvios están fuertemente arraigadas en el subconsciente colectivo de cualquier cultura y religión.

Con Noé, Darren Aronofsky (El luchador, El cisne negro, Réquiem por un sueño) nos da su visión personal y artística de la historia de Noé, además de resumir lo más importante del Génesis.

Con total seguridad, esta película levantará odios y pasiones (no olvidemos que, al fin y al cabo, la interpretación de esas historias bíblicas es subjetiva y de ella dependerá que el mensaje de la película arraigue en el espectador o no).

Desde luego, quien pretenda encontrar en esta adaptación una historia benévola y edulcorada como la inmensa mayoría de películas sobre la Biblia quedará ampliamente decepcionado. Escoger como protagonista a Russell Crowe, el famoso gladiador, ya es toda una declaración de intenciones: no esperes que este sea el Noé que te enseñaron en clase de religión. La brevedad de la historia (apenas unos párrafos) da lugar a todo tipo de interpretaciones, y no puede decirse que

humanas. De ahí que la mezcla de la historia de Noé con otras de renombre en el Génesis esté plenamente justificada. Y es curioso comprobar cómo, en muchas ocasiones, esta adaptación personal es más fiel al texto original que muchas otras obras, o cómo la cosecha propia hace que la historia sea más creíble y humana que la original.

la de Aronofsky sea peor o esté mal fundada. Si hay algo por lo que destaca Noé es porque ha sabido transmitir fidedignamente el ambiente oscuro, cruel y lúgubre del Génesis: no es el mundo de gominolas que nos han contado, y quien realmente haya leído esta parte de las Escrituras lo sabrá. Hay asesinatos, muerte, hambre, barbarie y canibalismo. El instinto de supervivencia del hombre primigenio está por encima de

cualquier barrera moral, y Aronofsky no se anda con chiquitas mostrando hasta qué punto puede llegar el ser humano para sobrevivir (o por una convicción de que está en lo correcto).

Puede que el foco de la historia sea Noé, pero la película no sólo nos quiere contar su historia.

Darren Aronofsky cuestiona hasta qué punto podemos poner los valores religiosos por encima de la razón y la bondad

Noé es una historia épica que toma prestados varios elementos de la saga de El señor de los anillos (los ángeles caídos son rocas antropomórficas) pero no de forma forzada. El apartado técnico es espectacular: el diluvio está recreado con virtuosismo, aunque puede que lo mejor sea la fotografía y la técnica del time-lapse con la que Aronofsky nos resume el Génesis y nos presenta lo más destacado de su mundo. Puede que muchos tuerzan el gesto ante estas originales escenas, pero lo cierto es que contribuyen a darle ese aspecto extraño y mágico al mundo, además de ser el sello más obvio del director en la película. Noé, aun a pesar de ser la más comercial de sus películas, no deja de ser en el fondo una película de autor, y conserva ese sentimiento onírico de las películas de Aronofsky, siendo Noé la película que más se beneficia de esta característica.

Noé también cuenta con un reparto estelar que dará lo mejor de sí: Russell Crowe es la elección perfecta para el protagonista, ya que pocos pueRedacción: Beatriz Tirado

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LO MEJOR La interpretación de Russell Crowe como el torturado Noé.

La fotografía y el apartado técnico (especialmente la recreación del diluvio).

Que plantea un dilema moral que pocos captarán, aunque sea su principal moraleja.

LO PEOR Se nota bastante que los animales están hechos por ordenador (y no para bien).

Que las edulcoradas superproducciones bíblicas de Hollywood interfieran en tu interpretación de la película.

VALORACIÓN Seas religioso o no, te guste la película o no, Noé se quedará grabada en tu mente por mucho tiempo, para bien o para mal. Y esto, señores, es una clara señal de que estamos ante una obra de arte.

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Redacción: Beatriz Tirado

den combinar nobleza y brutalidad de forma tan efectiva, dando aún más credibilidad a este hombre torturado que es Noé. Jennifer Connelly vuelve a acompañar a Crowe tras Una mente maravillosa (2001), ofreciendo una de sus mejores interpretaciones como la encarnación de la razón humana en la historia. También contamos con Emma Watson, quien vuelve a convencernos de que tiene un futuro más que prometedor por delante y su Hermione en las comerciales películas de Harry Potter ha quedado atrás, o con Anthony Hopkins, que da vida a Matusalén, aquí representado como una especie de brujo que tendrá un papel decisivo en la historia.

Una cosa está clara: seas religioso o no, te guste la película o no, Noé se quedará grabada en tu mente por mucho tiempo, para bien o para mal. Y esto, señores, es una clara señal de que estamos ante una obra de arte. Ámala u ódiala, pero nunca podrás olvidarla. Como las historias en las que se basa. Y esa es su mayor virtud.

Crítica dual

EL GRAN HOTEL BUDAPEST Director: Wes Anderson Género: Comedia Distribuidora: Vértigo Films Intérpretes: Fiennes, Tony Revolori, F. Murray Abraham Fecha de estreno: 21 de marzo

Wes Anderson a veces puede sacar de quicio. Moonrise Kingdom fue un pastel bien envuelto, con buen sabor y, en cierto modo, innovador; El Gran Hotel Budapest no es más que una tarta empalagosa que sigue las mismas pautas de cocción que su predecesora. Por tanto, dentro de su filmografía, carece de originalidad. Lo que me resulta verdaderamente chocante es el ingente número de seguidores que se están sumando al cine de este tipo, que lo tachan de ser uno de los “mejores realizadores de los últimos años”.

Personalmente creo que Louis Malle expresaba mejor eso del “mundo de fantasía” en Zazie en el metro, o si se me tira un poco de la lengua, Jean-Pierre Jeunet y Terry Gilliam. Pero el mundo de las maravillas de Wes Anderson, que recuerda a una versión “buena” de las últimas películas de Tim Burton, es un mundo idealizado de cartón piedra donde ni los sentimientos ni las pasiones ni la racionalidad tienen cabida. Es una realidad vacía envuelta en papel fucsia. Eso sí, muy visual.

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Redacción: David Reszka

Wes Anderson es un tipo que quiere llamar la atención utilizando decorados recargados con colores chillones y grandes angulares que deformen la imagen y muestren en un solo plano el exhaustivo (y aburrido) trabajo del equipo artístico. Y remarcando esto último de los objetivos angulares: pone nervioso ver una imagen deformada durante más de cinco segundos.

Me parece que va en contra de los objetivos primordiales del cine, que son crear una estética embellecida de la realidad o bien conseguir una objetividad completamente subversiva; en todo caso crear un mundo propio con una coherencia interna. Sin embargo el popurrí de trávelins, paneos, grúas y uso de grandes angulares no tiene una función específica. Y si la tiene yo no soy capaz de verla. Además, unos personajes acartonados, sin personalidad, todos clichés vistos ya en innumerables películas, no ayudan a mejorar el conjunto: desaprovechar actores y actrices como Willem Dafoe, Ralph Fiennes, Adrien Brody o Harvey Keitel, entre

otros, es una injuria. Por eso llego a la conclusión de que Anderson, que tiene ciertas aptitudes narrativas demostradas en sus últimos trabajos, se ha montado una historieta para atraer al gran público. Una cajita de muñecas con luces de neón poblada de barbies despersonalizadas. El Gran Hotel Budapest es como una bombilla en mitad del bosque en verano, y nosotros somos las moscas.

5,5

sible (aunque también insobornablemente personal) de su carrera.

La banda sonora, a cargo de uno de los genios musicales de los últimos tiempos, Alexandre Desplat, funciona a la perfección. Todo junto, pero no revuelto, convierte el visionado del film en una experiencia deliciosa.

Rememorar el pasado

Wes Anderson es uno de los grandes estetas del cine indie estadounidense. Plato no de todos los gustos, sus cintas son oasis creativos amados por la crítica, aunque en el caso del público siempre ha existido una mayor divergencia de opinión. Sea como fuere, El gran hotel Budapest no nace para ganar seguidores sino como regalo para alegría y gozo de sus fans.

Un hotel con muchas puertas Sus últimas películas sirven como una fantástica exploración de ese propio pequeño gran universo que ansía ser descubierto y conquistado. Para ello cuenta una historia a modo de gran flashback sobre un cuadro valiosísimo y el testamento de una señora que levantará ampollas en una peculiar (y peligrosa) familia. El enredo, el más puro y elegante disparate y el vértigo de la aventura y el humor se darán la mano en un extraño, imprevisible e impagable torrente de acontecimientos. Todo ello vertido en el contexto de una guerra inminente

que no habría imaginado mejor Ibáñez, hilado como si de un tebeo de Mortadelo y Filemón se tratara.

Huéspedes, colores y (son)risas El gran hotel Budapest supone una nueva cinta coral, con unos pocos personajes principales (brillante Ralph Fiennes acompañado por el debutante y proactivo Tony Revolori) y otros muchos que van apareciendo a lo largo del metraje, en ocasiones más cerca del cameo (Bill Murray) pero todos absolutamente entregados a la causa andersoniana. El reparto se mueve a través de una dirección artística exquisita, cuyo gusto por el detalle raya lo enfermizo, todo ello bajo una excelente fotografía. A esta propuesta visual maravillosa y colorista (siguiendo la estela de la magnífica Moonrise Kingdom) se le añade una utilización del encuadre y unos movimientos de cámara que quitan el hipo. Por último, aunque su humor muchos lo tachen de esquinado, alcanza una mayor eficacia y universalidad en esta película, quizá la más acce-

La historia nace desde una mirada tierna y nostálgica que deviene en una profunda melancolía, donde coexisten luces, sombras y colores como en la propia vida, para finalmente recalcar la necesidad del ser humano de sentir nostalgia y perderse a veces en ella. Porque El gran hotel Budapest es, en última instancia, una celebración de la memoria y el recuerdo, un puro y limpio ejercicio de nostalgia sobre la aventura de crecer y madurar (como Life Aquatic) y también sobre la aventura de enamorarse (como Moonrise Kingdom). Su cine guía sus pasos hacia largometrajes como éste, cada vez más esteticistas pero más emotivos, donde su preciosismo está al servicio del corazón.

Humanista, vitalista y benéfica, El gran hotel Budapest prolonga el discurso autoral de Wes Anderson, al tiempo que contribuye a mantener su universo puro e intachable. Uno lamenta que no se estrenen más películas así cada año.

8,5 Redacción: Pablo Salazar

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Crítica

CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO Director: Anthony & Joe Russo Género: Acción, superhéroes Distribuidora: Walt Disney Intérpretes: Chris Evans, Scarlett Johansson, Sebastian Stan Fecha de estreno: 28 de marzo

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Redacción: Enrique Kymvenge

Los Vengadores (2012) de Joss Whedon supuso un antes y un después para las películas de los superhéroes de Marvel; su éxito abrumador está estigmatizando las posteriores cintas que ya solo tienen la entidad de spin-off de aquella, perdiendo cierta personalidad y encorsetando unos guiones y personajes obligados a seguir la línea argumental de Los Vengadores.

Chris Evans vuelve sin sus amigos, o casi, porque Scarlett Johansson (la Viuda Negra) sigue apareciendo sin que entendamos mucho el por qué más allá de ser una imagen promocional, además el “capi” ha hecho un nuevo amigo: Anthony Mackie (Sam Wilson/Halcón), una adhesión completamente inexplicada e infundada. Os tengo que poner sobre aviso, la primera (Capitán

América: El primer vengador) me pareció entretenidilla sin más pero bastante irregular y esta tres cuartos de lo mismo.

Tanta bala, explosión y llamarada sin tener a Michael Bay en los créditos se me hace raro, y es que tal es la reiteración de este concepto que ya hacia al final, en lugar de ver casquillos volando, veía billetes de dólar despilfarrados sin remisión. Así pues, podemos decir que en la cinta el concepto cualitativo siempre se tiene menos en cuenta que el cuantitativo, un error.

Chris Evans y Capitán América, son ya como uno solo tras tres largometrajes, aunque esperemos que el actor tenga más picardía que el soso personaje.

Nick Furia (Samuel L. Jackson) por fín hace más que pasear palmito

tras muchas apariciones en las diferentes películas de Marvel; en está tiene que remangarse las mangas y ponerse a ello, ya era hora. Las novedades en el reparto tampoco es que aporten gran cosa. Robert Redford tiene planta y llena pantalla pero ya no es decisivo y el Soldado de invierno (Sebastian Stan) mola mucho en su presentación y los primeros compases pero una vez desvelado el rostro se diluye totalmente.

La trama y el guion vuelven a ser irregulares como los primeros, aunque esta vez por cosas completamente diferentes. Se percibe forzado en el humor, el calzador se ve a leguas y a veces es tan poco inspirado que resulta insultante para el espectador.

Narrativamente la cinta es aloca-

da e indecisa entre bombas y peleas cuerpo a cuerpo. El montaje es extraño y por momentos te da la sensación de ser aleatorio: una escena podría cambiar de lugar sin que repercutiera el resultado final.

Conclusiones: Un capítulo más de Marvel y sus personajes, olvidable y poco trascendente por mucho explosivo que metan de por medio acompañando a las futuristas naves que nos recuerdan el futuro alternativo en el que se desarrolla el film. Es consumible, aunque larga por sus más de dos horas. Si perdonas su poca sinceridad argumental llena de truquitos inservibles y algunas frases ridículas, te puede gustar.

LO MEJOR Despliegue Técnico, no se escatima en espectacularidad. ¿Aperitivo para Los Vengadores?

LO PEOR Conformismo narrativo y argumental.

Interpretaciones poco exigentes y esforzadas.

VALORACIÓN Si la historia te da un poco igual y buscas acción y explosiones con superhéroes resultones, perdonarás las muchas decisiones discutibles de la cinta.

5 Redacción: Enrique Kymvenge

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ESTRENOS RELEVANTES 4 ABRIL

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Director: Darren Aronofsky Intérpretes: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins Sinopsis: En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé, un hombre pacífico que sólo desea vivir tranquilo con su familia, recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio.

Director: Scott Waugh Intérpretes: Aaron Paul, Dominic Cooper, Imogen Poots, Michael Keaton Sinopsis: Cuenta la historia de un piloto de carreras clandestinas que posee su propio garaje para modificar sus coches y hacerlos más rápidos.

Director: Pascal Chaumeil Intérpretes: Aaron Paul, Imogen Poots, Pierce Brosnan, Toni Collette Sinopsis: En los días previos a Año Nuevo, cuatro desconocidos se encuentran en la azotea de un rascacielos de Londres con la intención de suicidarse. Sus planes de una “muerte en solitario” se arruinan en el momento en que se encuentran.

Director: Albert Dupontel Intérpretes: Sandrine Kiberlain, Albert Dupontel, Philippe Uchan Sinopsis: Ariane Felder, una juez de moral muy estricta, descubre que se ha quedado embarazada de Bob Nolan, un delincuente en busca y captura por asesinato. Incapaz de recordar nada, intentará averiguar cómo es posible que haya ocurrido algo semejante.

Director: Carlos Saldanha Intérpretes: Jesse Eisenberg, Anne Hathaway (voz) Sinopsis: Blu, Perla y sus tres hijos llevan una vida perfecta. Cuando Perla decide que los niños tienen que aprender a vivir como auténticas aves, insiste en que la familia se aventure a viajar al Amazonas.

11 ABRIL

Director: Keanu Reeves Intérpretes: Keanu Reeves, Jeremy Marinas, Karen Mok Sinopsis: El protagonista es “un joven experto en las artes marciales cuyas habilidades de combate le abren las puertas a un reino de vastas oportunidades pero dolorosas elecciones”

18 ABRIL

Director: Marc Webb Intérpretes: Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx Sinopsis: Las cosas cambiarán para Peter Parker cuando aparece un nuevo villano, Electro, y un viejo amigo, Harry Osborn, regresa, al tiempo que descubre nuevas pistas sobre su pasado.

Director: James Bobin Intérpretes: The Muppets, Ricky Gervais, Ty Burrell, Tina Fey Sinopsis: La pandilla de los Muppets se va de gira por todo el mundo, llenando las mejores salas de las capitales europeas como Berlín, Madrid o Londres. Pero no se libran del caos ni siquiera en el extranjero.

Director: Pawel Pawlikowski Intérpretes: Ethan Hawke, Kristin Scott Thomas, Samir Guesmi Sinopsis: Tras perder su trabajo debido a un escándalo, Tom Ricks, un escritor norteamericano, viaja a Francia, sobre todo con la intención de recuperar el amor de su mujer y de su hija.

25 ABRIL

Directores: Hayao Miyazaki Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, John Krasinski, Emily Blunt (voz inglés) Sinopsis: Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos.

Director: Paul W.S. Anderson Intérpretes: Kit Harington, Emily Browning, Jared Harris Sinopsis: Año 79 A.D. El film se centra en los días previos a la erupción del Monte Vesubio, lo que desencadenó uno de los grandes desastres de la historia.

Director: Jorge Torregrossa Intérpretes: Javier Cámara, Raul Arévalo, Carmen Ruiz Sinopsis: Un actor que fue a Nueva York a triunfar pero no ha conseguido lo que esperaba, recibe la visita de su primo, aparentemente un triunfador. La convivencia entre ellos irá descubriendo otros matices.

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True Detective: una verdadera joya Una obra de arte. Eso es lo que es la primera temporada de esta serie de la cadena HBO que finalizó su emisión hace apenas un par de semanas. Cuando pase un poco de tiempo y se vea con perspectiva, creo que True Detective pasará a ser considerada una serie de culto que marcará una época.

Es sencillamente sublime, una de las mejores que se han hecho jamás por múltiples motivos: actuaciones sobresalientes, fotografía excepcional, argumento intrigante, una de las mejores intros que se han hecho jamás, y muchas cosas más. El suspense de la serie no deja tiempo para reflexionar, las investigaciones de los protagonistas son una droga para el espectador que quedará prendando con ellas desde el primer minuto.

Otro nuevo éxito de HBO HBO ya nos tiene acostumbrados a productos de una calidad incuestionable como Los Soprano, Deadwood, The Wire o la más actual Juego de Tronos, pero creo

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Redacción: Ricardo Delgado

que con True Detective se ha superado con creces. Lo primero que hay que decir es que esta primera temporada ha estado muy marcada por las figuras de los policías, que han tenido mucha más relevancia que el asesino en serie al que les toca perseguir. Esta historia policiaca sobre el misterio de un asesino en serie nos arrastra a la Louisiana más profunda de principios de los años 90, donde se han ido sucediendo unos asesinatos en muy extrañas circunstancias. A lo largo de ocho capítulos, veremos cómo los agentes Rust Cohle y Marty Hart se ven inmersos en una investigación que les ha llevado nada más y nada menos que 17 años de sus vidas. La serie se sirve de numerosos flashbacks que nos hacen ver la evolución de la vida de todos los personajes prácticamente en tiempo real siendo una de sus características más sobresalientes, llevándonos una y otra vez a la fatigosa caza del asesino que hará que estos dos detectives sufran y revivan situaciones límite que les marcaron de por vida. La

diferente manera de ver las cosas de los dos agentes al mando, una filosófica y analítica y otra, mucho más visceral, se enfrentan a menudo en un recorrido siniestro lleno de víctimas y rituales de magia negra.

Actuaciones BRILLANTES

No se entendería esta serie sin las actuaciones de sus protagonistas: Matthew McConaughey y Woody Harrelson. En el caso de Harrelson, interpreta (con muy buenas maneras) al típico detective casado, familiar, mujeriego, algo complaciente y falto de carisma que se dedica a sobrevivir más que a intentar detener a los maleantes.

Muy buen papel el suyo, pero tal vez algo ensombrecido por la estelar actuación del recién galardonado con el Oscar, McConaughey, y es que la suya creo que es una de las mejores actuaciones que hemos podido disfrutar en una serie desde hace muchos años.

Este actor está inspiradísimo desde hace ya un tiempo, y su interpretación del agente Cohle es sencillamente genial. Esos diálogos susurrados hasta límites casi inaudibles, ese apuntar todo en libretas, esos gestos singulares, esas formas hechas con latas de cerveza, ese perenne cigarrillo en sus manos…es que cualquier cosa que ha hecho en la serie es digna de mención. Las conversaciones que tienen entre ellos son imprescindibles en todas y cada una de las ocasiones, de la primera a la última. El epílogo del capítulo final en el que hablan del conflicto entre la oscuridad y la luz quedará para la historia como uno de los momentos que todos los fans de la serie recordaremos. Ade-

más supone la despedida de los personajes, puesto que ya se ha confirmado que las temporadas serán independientes y contarán con actores y guiones totalmente diferentes.

Junto a ellos hay un buen grupo de secundarios como Kevin Dunn y Michelle Monaghan, una muy buena actriz que aquí ve su papel muy deslucido a mi entender. Son actores que no tienen un peso muy notorio, muy ensombrecidos por las actuaciones de los protagonistas, pero que cumplen realmente bien con lo que la serie pide. Si por algo me ha llamado también la atención True Detective es que las mujeres no han salido muy bien paradas.

Sólo salen como prostitutas, novias, esposas y locas… sin término medio. Supongo que el que la serie esté centrada en Louisiana a principios de los 90 no ayuda por su machista visión de la vida, muy característica del sur de Estados Unidos, y más en aquella época.

recurso mucho más aplicado en cine, y en la mayoría de los casos no llega a la altura de los tobillos al que se puede ver en esta serie.

Mención especial creo que se merece la Intro de la serie. La canción es del grupo The Handsome Family y lleva por título “Far From

Any Road”. A medida que avanza la música vamos viendo inquietantes imágenes mezcladas con una exquisitez digna del mismísimo Saul Bass, el hombre que elevó de una vez por todas las intros de las películas a verdadero arte. Sino sabéis de lo que hablo, echarle un ojo al inicio de Psico-

Grandísimo trabajo general Al frente de esta genial serie está Nic Pizzolatto, también guionista de The Killing, y que vuelve a demostrar que ahora mismo es uno de los escritores con más talento del mundo seriéfilo. Junto a él como director tenemos a Cary Joji Fukunaga, un hombre que se ha consagrado con este trabajo y que, acaba de poner en una gran perspectiva el remake de It que estrenará el año que viene.

En el haber de estos dos genios habrá que destacar el maravilloso plano-secuencia que cierra el capítulo 4, de lo mejor que se ha visto nunca en una ficción. Es un Redacción: Ricardo Delgado

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sis o Vértigo (de entre los muertos), ambas películas del genio del suspense Alfred Hitchcock. Así de buena es la entrada de True Detective cada semana, hay que disfrutarla todas y cada una de las veces.

Segunda temporada… un riesgo

La perspectiva de una segunda temporada con otros protagonistas y con otros personajes es muy peligrosa después del tremendo éxito de crítica y público que ha tenido.

La interpretación de los actores que se elijan no creo que se pueda igualar (ni tan si quiera acercar) a la que han realizado McConaughey y Harrelson. Siempre va a sufrir la comparación con esta primera temporada y eso puede llegar a ser un lastre demasiado grande. Numerosos rumores ya han empezado a filtrarse sobre esa segunda entrega como el fichaje de Brad Pitt, a lo que Pizzolatto ha comentado:

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Redacción: Ricardo Delgado

“El nombre de Brad ha salido varias veces, es sólo cuestión de cuáles sean sus otros compromisos.

Es la serie en la que todo el mundo quiere estar porque los guiones y los personajes son exquisitos y complejos. Brad tiene una relación estrecha con HBO, hizo equipo con Ryan Murphy el año pasado para producir The Normal Heart.

Sé que todo el mundo estaría emocionado de tenerle a bordo” Veremos a ver qué pasa, tenemos en la retina todavía las secuelas algo más flojas de series como American Horror Story, con una primera temporada excepcional que marca mucho, pero creo que los responsables de esta serie se han ganado el beneficio de la duda por lo menos. Una fantástica aportación al mundo de las series, ya la echamos de menos.

Novelas ligeras, una alternativa real al manga.

Los estudios de animación han tomado tradicionalmente el manga como principal fuente de material de referencia para realizar adaptaciones. Pero las posibilidades no se acaban aquí.

Historias originales o videojuegos –sobre todo por las novelas visuales- son algunas de las alternativas, pero entre ellas las novelas ligeras son las que han ganado más peso. Y es que es tanta la popularidad que han alcanzado en los últimos años que están llegando a superar al manga en el número de obras que reciben una adaptación.

Contando con semejante éxito en Japón, cabría esperar que se extendiesen más allá del peculiar mercado nipón, pero desgraciadamente sólo las obras más conocidas han conseguido salir de sus fronteras. Estados Unidos, por ejemplo, acumula algunas licencias de considerable éxito aunque sin conseguir asentarse.

La situación es todavía peor en España, con un panorama desolador, pues los tímidos intentos que hemos recibido se pueden contar con los dedos de las manos. Por lo tanto, con este artículo pretendemos dar luz sobre este género tan desconocido.

¿Qué es una novela ligera?

En Japón se las conoce como raito noberu ( ライトノベル ), o más comúnmente como ranobe ( ラノベ). El nombre toma origen del término inglés “Light Novel”, por el cual también se las conoce en occidente, y cuya traducción para nosotros sería Novela ligera.

Se trata de un género literario que inicia aproximadamente en 1975, que deriva de las revistas pulp y cuya principal demografía es el público joven-adulto. Su nombre no ha sido escogido arbitrariamente ya que la palabra ligera es lo que mejor define a estas novelas por varios motivos.

El primero es que pretenden ser de fácil lectura y para ello sus descripciones son deliberadamente escuetas.

Para suplir este hándicap disponen, muy habitualmente, de ilustraciones de los personajes o de escenas cada determinado número de páginas. Como resultado se obtiene una lectura amena donde predominan los diálogos, sin renunciar a una buena ambientación.

En la misma dirección que el punto anterior, para ser más accesibles cuando se leen en japonés, sólo están escritas utilizando Hiragana (silabario básico japonés) y una cantidad pequeña y básica de Kanjis (caracteres

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Redacción: David Arjona

chinos de significado completo), con lo que se consigue una lectura muy accesible. Resultan ser ideales, entonces, para gente joven o para extranjeros que están aprendiendo el idioma.

Y el último motivo es que su método de publicación es muy similar al del manga. Suelen ser serializadas en revistas semanales o mensuales por capítulos que se pueden leer con rapidez para después ser recopilados en volúmenes allí conocidos como tankōbon. Realmente cualquiera puede hacerse con ellos dado su bajo precio. Curioso es lo que sucede con la longitud de sus títulos, siempre muy extensos, y esto es debido a que necesitan

Un repaso de las novelas ligeras más importantes Sería indecente realizar este artículo sin nombrar a Legend of Galactic Heroes (Ginga Eiyū Densetsu). Publicada en 1980, esta épica espacial fue la primera novela en golpear a las masas, y además ha envejecido estupendamente. Ha recibido a lo largo de los años varias adaptaciones al anime o al manga.

La que siguió la estela del éxito diez años después fue Record of Lodoss War (1990), esta vez apostando por una historia de corte de fantasía medieval. describir lo máximo posible qué aportará.

Explicar por qué son tan desconocidas en occidente da para escribir mucho, pero el principal motivo es que presentan unos obstáculos culturales e idiomáticos gigantescos. Son costosas de traducir, y en el proceso es imposible evitar la pérdida del estilo del autor y de los matices que las hacen tan disfrutables.

Nos resultará muy familiar Slayers. Todos, aunque fuese de casualidad, vimos alguna vez su anime emitido en Televisión Española con el nombre de Reena y Gaudí. Su novela homónima fue publicada en 1992, y haber tenido por aquí su anime dice mucho de lo que consiguió.

Allá por el 2002, en plena efervescencia de aquella segunda juventud que vivió el anime en España, empujada por los fansubs, encontramos el anime de Full Metal Panic!, que aun sin haber sido un éxito sin igual no hay aficionado que no recuerde con cariño a su carismática pareja protagonista. Su novela ligera salió en 1998.

golpe sobre la mesa: Shakugan no Shana, Toradora!, Spice and Wolf, Sword Art Online , High School DxD, Toaru Majutsu no Index, Ore no Imōto ga Konna ni Kawaii Wake ga Nai, Durara!!, Bakemonogatari y muchas más.

Como todas las que hemos nombrado tienen una adaptación animada, queríamos nombrar una que no la tuviese y la única forma de acceder a ella sea leyéndola. Se trata de Utsuro no Hako to Zero no Maria, siendo considerablemente popular en la red pero no tanto en su país de origen, esta rocambolesca historia posee una calidad argumental sin parangón.

Hasta aquí llegamos, ya sólo nos queda desear que nuestras editoriales apuesten por las novelas ligeras algún día.

Sabemos que su mercado es limitado, así que aquí nuestro granito de arena para ampliarlo.

Sea como sea, siempre nos quedarán las impagables traducciones que nos regalan los fans.

La siguiente es, posiblemente, la principal responsable de la vitalidad de la que goza el género actualmente. Se trata de Suzumiya Haruhi, que vio la luz por primera vez en Japón en 2003 y la podemos encontrar en España editada por Ivrea. Se trata de una de novelas ligeras con mayor éxito de todos los tiempos, y un fenómeno cultural en sí misma que todavía perdura incluso fuera del país nipón.

Después de ella, con el camino más despejado, muchas obras han ido dando su particular Redacción: David Arjona

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Análisis

Tacens Mars Gaming MM1 Fabricante: Tacens Web: www.marsgaming.eu/ Lanzamiento: primer trimestre Precio: 6,17€

Tacens y Mars Gamingnos presentan el ratón MM1, un producto sencillo, cómodo y asequible al bolsillo. Aquellos que estén pensando en iniciarse en juegos de ordenador o que simplemente quieran renovar su equipo, encontrarán aquí un buen filón para actualizarlo.

En las próximas líneas intentaremos acercaros lo más posible a las prestaciones que presenta el MM1. Sin mirar su precio, podríamos estar ante un producto perfectamente catalogable entre la gama media-alta del mercado.

Todo el control reunido en seis botones

MM1 es un ratón bastante completo en cuanto a botones y es que encontraremos seis en este periférico. Tenemos el botón izquierdo, el derecho, la rueda

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Redacción: Javier Benítez

central, un botón DPI y otros dos más en el lateral. Tanto el botón izquierdo como el derecho se presentan en una superficie lisa, con una ligera inclinación hacia la zona frontal. Respecto a las pulsaciones de estos, cabe decir que es aceptable aunque cuenta con algo de resistencia ya que la fuerza que tendremos que ejercer es mayor que en otros ratones del mercado. Aun así, la respuesta es buena y no habrá problemas en repeticiones rápidas.

La rueda central cuenta con un diseño de estrías que permite un agarre mayor para el dedo, algo que se refuerza con el material de goma presente en la ruleta.

Su largo es aceptable, aunque el ancho se queda un poco corto llegando el dedo a rozar con los botones principales.

Pasamos al botón DPI (Puntos por pulgada), sin duda uno de los grandes aciertos del ratón.

Mediante sus pulsaciones se irá alternando entre los diferentes ajustes preestablecidos para seleccionar la velocidad que más nos interese. Hasta cuatro podremos elegir: 400, 800, 1600, 3200.

En función de los DPI que tengamos activos, el botón y la rueda central quedarán iluminados en esta relación: 400-transparente, 800-azul, 1600-rojo, 3200-violeta.

La verdad es que la respuesta de cada uno de estos ajustes varía mucho, así los 400 DPI nos resultarán muy limitados frente al resto y es que casi parece como si el movimiento del ratón estuviera limitado en su movimiento. Este sería el ajuste de un ratón normal

que no estuviera diseñado para una precisión alta. Por su parte, en los parámetros de 800 a 1600 DPI se produce un salto considerable, es por eso que aquí nos posicionaremos la mayor parte del tiempo que usemos el MM1. Terminamos con los 3200 DPI una velocidad exagerada y excesiva que prima sobre la precisión. No obstante, se agradece que el fabricante tenga en cuenta estos ajustes para cualquier tipo de usuario.

Cabe señalar que el botón DPI se encuentra “rodeado” por los botones principales y la rueda, además de “hundirse” en la zona centro del MM1 lo que hace prácticamente imposible que lo pulsemos por error.

Características principales •

Profesional Sensor óptico para Gamers de 3200DPI con un ratio de refresco sin precedentes de 1000Hz y para una precisión extrema.

•

Cambio de alta velocidad On-The-Fly de 400/800/1600/3200 totalmente programable por el usuario y con colores LED indicadores para una precisión y control máximos.

•

6 botones gaming profesionales capaces de hasta 5 millones de pulsaciones y una rueda de scroll de alta velocidad.

•

Diseño perfecto ambidiestro ergonómico con laterales de goma de alto agarre y grado industrial para una perfecta manipulación, agarre y rendimiento.

•

Pies de Teflón profesionales para asegurar un deslizamiento perfecto en cualquier superficie.

•

Peso del ratón específicamente diseñado para gaming profesional.

•

Cable de 2 metros trenzado y conector USB bañado en oro para un rendimiento máximo.

•

Compatible con: Windows, Linux & Mac.

Redacción: Javier Benítez

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LO MEJOR Buen rendimiento a bajo precio Diferentes frecuencias DPI Buena respuesta a los clics

LO PEOR Rueda central demasido estrecha La superficie lateral no agarra demasiado

VALORACIÓN Quizás su precio sea excesivo pero si estás pensando en disfrutar como nunca de League of Legends te recomendamos este ratón que sin duda es de lo mejor que hay en el mercado.

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7,5

Redacción: Javier Benítez

Los últimos botones con los que cuenta el ratón MM1 son los dos que se encuentran en la parte lateral izquierda. Estos, permiten una navegación hacia adelante y hacia atrás.

Un diseño venido de Marte

Si nos referimos al diseño del MM1 podemos decir que se trata de un ratón bastante grande, algo que no afecta en demasía a su manejo. La forma de sus laterales así como la superficie hacen que sea un diseño ambidiestro (aunque los botones laterales quedarían inutilizables para zurdos).

Quizás es en el agarre en la zona lateral donde encontramos algún problema en cuanto a diseño y

ergonomía ya que aunque encontramos una forma adaptada al dedo es demasiado angulosa y rígida.

El MM1 presenta un cable de 2 metros de largo, trenzado en rojo y negro. Este último aspecto es muy de agradecer y es que prácticamente cualquier ratón que quiera presentar algo de calidad debe incluir esto. Su acabado protege bastante bien el interior y no permite el deterioro o “viciado”.

Análisis

Razer BlackShark Fabricante: Razer Web: www.razerzone.com Lanzamiento: 2013 Precio: 129,99€

Análisis auriculares BlackShark Razer, la compañía de periféricos para gamers nos deleita con un producto muy completo, los auriculares BlackShark. Si bien estos no se encuentran entre los más caros y completos del catálogo Razer, podemos decir que presentan unas prestaciones realmente increíbles, por lo que aquel gamer que pueda permitirse un buen desembolso, encontrará en los BlackShark un perfecto aliado.

Como un guante

A primera vista los BlackShark llaman mucho la atención y es que presentan un diseño peculiar, inspirado en los cascos que utilizan los aviadores profesionales de helicópteros, tanto en la estructura de los headsets, el cableado exterior como en el micrófono articulado. Todo ello presentado en tonos negros, con

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Redacción: Javier Benítez

añadidos del verde característico de Razer.

Uno de los puntos fuertes de los auriculares BlackShark son sus almohadillas y el acolchado de su diadema. Hasta ahora no habíamos probado nada igual y es que ambas presentan un material viscoelástico que se acomoda perfectamente a nuestras orejas y cabeza. Una vez que retiramos los cascos este material vuelve a su posición inicial sin sufrir ninguna deformación. Lo más importante de todo es que tras un uso continuado no sufriremos el común dolor de cabeza que se presenta en otros periféricos.

Tras usar los BlackShark durante varias horas de juego seguidas, podemos afirmar que la sensación de cansancio y opresión craneal apenas se nota.

Un diseño inspirado en los aviadores profesionales

El cableado va por fuera ¿es un problema?

Respecto al tema del cableado exterior, podemos decir que no es para nada molesto. Se entiende que por estética, algunos usuarios no aprecien este diseño, pero en cuanto a funcionalidad, no presentan problema alguno. Si bien resulta atractivo a la vista, el que los auriculares tengan el cable en el exterior podría suponer un problema en tanto que son más propensos a recibir golpes, cortes u otros problemas similares.

nuestros BlackShark se adapten mejor a nuestra cabeza, tendremos que girar unas tuercas que se localizan en la zona lateral. Una vez sueltas, podremos desplazar los paneles de nuestros auriculares. El problema surge cuando queremos igualar cada uno de los lados, y es que no hay ninguna referencia que nos indique que ambas están a la misma altura.

Así pues tendremos que fiarnos de nuestra impresión.

Los auriculares están realizados en un material metálico en gran parte de su estructura. Nos referimos a las partes en las que podemos regular la extensión de los cascos, aunque aquí encontramos uno de los elementos más problemáticos. Para hacer que

Entra por un oído y sale por el otro también

En cuanto al rendimiento técnico, los auriculares presentan un gran aislamiento del sonido exterior, algo muy importante para los gamers. Esta inmersión dentro del juego viene reforzada

La regulación de la diadema es a través de estas tuercas...mal

por esos graves que potencian los auriculares, realmente llamativos a la hora de usarlos con videojuegos y nada desdeñables si reproducimos cualquier otro tipo de contenido.

Importante también la frecuencia de respuesta de 20 Hz – 20 KHz, algo que supera la media de otros productos similares.

En cuanto al micrófono, lo cierto es que aísla bastante bien el

Pero antes de posicionarnos a favor o en contra de este producto veamos las cualidades que presenta: • Sonido estéreo para graves mejorados • Diseño de almohadillas circumaurales para aislar el sonido • Micrófono en línea desmontable para chatear o tener mayor movilidad • Cable adaptador divisor audio/micrófono • Almohadillas viscoelásticas de cuero artificial para la máxima comodidad • Controladores estéreo magnéticos de neodimio de 40 mm • Controladores: Imanes de neodimio de 40 mm con bobina de voz en aluminio cubierto de cobre • Frecuencia de respuesta: 20 Hz – 20 KHz • Impedancia: 29 Ω • Sensibilidad a 1 KHz: 105dB ± 3 dB • Potencia de entrada: 50mW • Cable: de 1,3 m, enfundado con caucho • Conector: Conector de audio de 3.5mm con micrófono combinado Micrófono • Frecuencia de respuesta: 50 Hz – 16 KHz • Relación señal/ruido: 50 dB • Sensibilidad a 1 KHz: -37 dB +/- 4dB • Patrón de captación: Unidireccional Redacción: Javier Benítez

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Almohadillas viscoelásticas, un lujo para las orejas

LO MEJOR La comodidad de las almohadillas y la diadema Aisla muy bien el ruido externo Potencia los graves, ideal para videojuegos

LO PEOR Precio no al alcance de muchos Dificultad al regularlos Cableado exterior que puede verse afectado

ruido gracias a una sensibilidad de 1KHz: -3dB +/- 4dB. El uso de este es bastante cómodo, ya que gracias al brazo articulado podemos ajustar su posición a nuestro gusto. Si por el contrario no queremos hacer uso de él, cabe la posibilidad de desmontarlo, aunque no lo recomendamos ya que es un proceso complejo y que podría dañar los auriculares.

pecto al peso de los BlackShark cabe decir que no nos ha parecido excesivo ni afecta demasiado en tiempos de uso prolongados.

Conclusiones

Una vez más será el precio lo que limite la compra de este producto. Aun así, dentro de los auriculares de gama media alta, el precio de los BlackShark es el normal.

Se le ha achacado a este producto su peso y la corta longitud de su cable de conexión (1,3 metros) aunque la verdad es que nosotros no hemos visto estos apartados como negativos. Es cierto que el cableado podría ser un poco más largo pero no es algo realmente importante o que no pueda solucionarse con un extensor. Res-

VALORACIÓN La comodidad de estos headsets y la calidad del sonido que proyecta lo convierten en un periférico realmente atractivo para aquellos que quieran disfrutar de una experiencia óptima.

8,5 58

Redacción: Javier Benítez

Diseño robusto pero muy cómodo

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