Kreativ. Número 0 - Junio 2015 by David Porta

Entrevista

Juan Gatti Aportes de Charles Darwin al dise単o Los estilos del

Arte Digital Artista del mes

Sergi Brosa

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La convocatoria surge de una iniciativa de Barcelona TRAM (red de tranvías de Barcelona) y consiste en la realización de un diseño de merchandising basado en los valores que representa la marca TRAM. Con esto, queremos potenciar y brindar la oportunidad a los alumnos de diseño para que puedan trabajar a partir de un caso real. La convocatoria está destinada a los estudiantes de todos los campos de diseño gráfico matriculados durante este curso 2014-2015 en los centros reglados por la Generalitat de Cataluña, tanto privados como públicos. Para más información, se pueden presentar tanto las propuestas como consultar las bases en nuestra web https://www.tramdisseny.cat/.

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STAFF David Porta Director, dirección de arte, jefe de maquetación Camilo Angulo Diseñador y escritor | Iñaki Carrasco González Poeta Isabel Garzo Ortega Escritora y periodista | Carmen Bustos de la torre Directora de Marketing Lucas García Director y profesor de Marketing | Fernando García Diseñador gráfico y profesor Amelia Castilla Periodista | David García Vázquez Periodista | Brian Walker Fotógrafo Joan Betancur Ibagón Publicitario | Zae Vega Desarrolladora web y publicista Gustavo Becker Diseñador Editorial | C/Condes de Aragón 11D 7º Izq - 50009 Zaragoza - t. 665 56 70 89 www.kreativ.tk -  @kreativ Edita: EstudioKai - Impresión: Diazos - www.diazos.es - Depósito legal: Z59800-2015

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SUMARIO

La naturaleza es la medida

¿Para que sirve el arte?

La erradicación del “no se puede”

Los estilos del Arte Digital

La paradoja de la colaboración

En casa de herrero, cuchillo de acero

Aportes de Charles Darwin al diseño

La psicología del color

Juan Gatti

La creatividad tiene mil puertas y los niños tienen las llaves

La seguridad es primero: Web Safe Fonts

El escultor de Espacios

Papel + Lápiz = Diseño

Artista del mes

Agenda

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Camilo Angulo Valenzuela

LA NATURALEZA ES LA MEDIDA Aproximación académica para comprender la estructura de la forma desde el estudio de los artrópodos. Uno de los propósitos de la formación básica en diseño es la de estimular la capacidad intelectual de los estudiantes por medio de la imposición de una serie de conceptos teóricos universales, esto con el fin de que puedan interiorizar unas competencias particulares del proceso creativo durante sus etapas de exploración, imaginación, ensayo y error, que les permitan materializar ideas con algún tipo de novedad. Durante este proceso de fundamentación, y desde la visión de las ciencias cognitivas propuesta por la profesora María Rodríguez Moneo, el reto más interesante que tenemos los docentes es lograr que nuestros estudiantes evolucionen de un conocimiento cotidiano hacia un conocimiento académico; que se caracteriza por tener un nivel de elaboración más complejo. Lo anterior requiere de unas complejas estrategias didácticas con interacciones significativas prácticas que motiven a los estudiantes a construir y descubrir estos conceptos desde su

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propia experiencia, para que en el futuro puedan aplicarlos a su quehacer diario. Presento a continuación un ejercicio que se desarrolló en una asignatura que antecede y fundamenta los talleres de proyectación del programa de diseño industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Colombia. Con este proyecto académico se pretendió manejar los conceptos básicos caracterizados por Kandinsky como punto, línea y plano en un espacio positivo, elementos indispensables para entender la estructura de la forma desde un pensamiento tridimensional. La dinámica diseñada en clase se basa en tomar referentes naturales como los artrópodos para, mediante una operación mental de de-construcción del exoesqueleto, estudiar sus partes y disposiciones, con los que en una etapa posterior se permitan reconstruirlo como una forma artificial generada por medio de sistemas análogos como la papiroflexia. Logrando la simulación del «todo» en una representación 3D que se representa en una escala mayor (2:1). El tema pretexto seleccionado en esta ocasión fueron los artrópodos, porque creemos que los organismos de la naturaleza desde las teorías evolutivas de la biología, son el mejor referente para explorar este tipo de inquietudes académicas. Como una nota al pie, también es muy interesante ver cómo se conectan, de cierta manera, el mundo natural con el artificial donde habitan los estudiantes. Vale la pena mencionar que la forma de este ejercicio se

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ha utilizado recurrentemente en artes y diseño, pero en nuestro caso particular, nos interesaba explorar de manera rápida los principios de la biónica y algo de la biomimética, metodologías que nos proporcionaron herramientas para construir múltiples respuestas volumétricas sobre un mismo problema. Adicional a la anterior aproximación, encontramos en el trabajo del profesor Roberto Doberti algún sentido al complejo tema de las uniones y los anclajes. Bajo el marco anterior y después de trabajar en la disección visual de fotografías, los estudiantes desarrollaron de manera artificial los detalles constructivos con algún nivel de especificidad que, desde la construcción de una argumentación, permitieron evidenciar un entendimiento y control en el manejo de la estructura

de la forma; lo que soportaron con unos planos de proyectación, cortes y especificaciones técnicas bajo el lenguaje del diseño. Esto nos permitió caracterizar el ejercicio como una experiencia académica genuina que produce un tipo de conocimiento que es suseptible de ser codificado, registrado y socializado. Desde el inicio en el ejercicio se plantearon dos restricciones básicas: utilizar hojas de papel de 75 gramos como sustrato y un pegamento líquido instantáneo como adhesivo. Esta decisión de poner restricciones se tomó con la intención de favorecer el desarrollo del pensamiento recursivo (capacidad de adaptación) de los diseñadores en formación, ya que se enfrentan a una búsqueda de respuestas que requieren una mayor habilidad cognitiva para

la invención y que hacen parte del sistema exploratorio de la mente de acuerdo con las teorías de Finke, Ward & Smith, 1995. Por otro lado, no nos interesaba que otro tipo de materiales resolvieran por sus propias características y bondades el problema de la construcción de una estructura artificial. Para finalizar, como una etapa posterior de aplicación de estos hallazgos, se propuso con el mismo grupo de estudiantes, una segunda etapa del ejercicio donde diseñaron propuestas de utensilios con formas volumétricas orgánicas, que evidenciaran su origen natural como un valor agregado y respondieran de manera satisfactoria a mejorar alguna actividad humana.

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Iñaki Carrasco González

¿Para qué sirve el arte? El arte, y por extensión el objeto artístico, deben cumplir una función más allá de la puramente estética. Llamadme conservador, pero aquello del arte por el arte estaba muy bien en los años de la universidad, cuando creíamos que el grunge lo iba a cambiar todo. Hoy nadie lleva camisetas con la cara de Kurt Cobain. Eso mismo fue lo que debió pensar Judi Wethein, una artista argentina afiancada en Brooklyn, que en 2005, en lugar de forrarse vendiendo camisetas, diseñó y produjo las zapatillas Brinco. Era un proyecto para in_Site05, un acontecimiento artístico que se desarrolla a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos. Las zapatillas Brinco, como objeto, no son más que eso, unas zapatillas de deporte. Se fabricaron en una máquina de China igual o similar a las que fabrican las zapatillas de otras marcas que lleva cualquier estrella de la música, del deporte o cualquiera de nosotros. Cada par tenía un coste de producción de 17 dólares y se vendían en una galería de San Diego (California) por unos 200 dólares. Sin embargo, las Brinco eran unas zapatillas diferentes. Incluían un mapa de la frontera mexicana impreso en el interior de la plantilla, una linterna, una brújula y un bolsillo con un par de comprimidos de analgésico Tylenol. Todo esto no era casual. Wethein creó estas zapatillas como proyecto artístico, pero con una doble función. Por una parte servían como objeto de denuncia en el lado estadounidense de la frontera porque ponían de relieve la dicotomía entre la función, los medios de producción y la plusvalía económica de la obra de arte y el objeto cotidiano. Por otro lado, Judi entregó 500 pares a los inmigrantes que trataban de cruzar ilegalmente la frontera y dedicó integramente lo recaudado por las ventas en San Diego a un centro de asistencia a los inmigrantes ilegales. Además, el objeto, en su doble vertiente artística y conceptual como denuncia de una realidad, fue 10 / Kreativ. / Nº0 2015

voluntariamente integrado en el circuito de la comercialización globalizada. El diseño en el corazón del primer mundo bajo sus premisas estéticas y éticas, y la producción en ese limbo, que es China entre el segundo y cuarto mundo, era un grito irónico en la misma cara del capitalismo deslocalizado que nos vende la mayor parte de la ropa que cuelga de nuestros armarios. Sin embargo, los 500 pares de zapatillas puestos en manos (o pies) de los inmigrantes que trataban de saltar la valla salvaron probablemente algunas vidas o, al menos, facilitaron el trance. Hace dos meses que cerró la última edición de ARCO. Si ese mismo día bajabas a la calle y preguntabas a cualquier transeúnte sobre qué es lo que recuerda de esa feria, probablemente te hablará del vaso de agua. Probablemente no sabría decirte mucho más. Casi con total seguridad no recordará que el autor era Wilfredo Pietro, un ciudadano cubano nacido en Sancti Spiritu, en 1978, que cuenta con obra expuesta en el Centro Pompidou de París y en el Guggenhein de Nueva York. Dutante los días que duró el revuelo mediático entorno a la obra de Pietro, el autor comentó a la Agencia EFE que su trabajo se basaba en elementos cotidianos que puedan generar una idea precisa sobre la realidad que nos rodea. Esto me recuerda a algo que dijo T.W. Adorno en su Teoría Estética: tatar de percibir el arte de forma extraestética convierte el objeto en algo estético. Me pregunto si el capitalismo no nos ha devuelto otro grito irónico cuando, diez años después, los inmigrantes ilegales siguen queriendo cruzar las fronteras, todosseguimos llevando zapatillas fabricadas en China y nadie viste camisetas con la imagen de la valla de Melilla.

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Una doctora ha conseguido que el Sistema Nacional de Salud financie en su centro una prueba que en la pública no es una opción. Aunque desde fuera la medicina pueda verse como un campo sujeto a normas y con poco margen para la creatividad, Belén Santacruz, jefa de Ginecología y Obstetricia del Hospital Universitario de Torrejón de Ardo; asegura que los médicos son personas muy creativas. «Muchas veces son los grandes motores de la humanidad». En distintos momentos de la historia ha habido personas que no se han fiado de un «no se puede» y se han hecho preguntas. «Alguien tiene que decir ese “¿y si.-7”», reflexiona la doctora. A menudo, esa innovación proviene de las bases, aunque solo sale adelante cuando los que están arriba piensan igual: «los buenos directivos animan a sus equipos a pensar así». «No se puede» es una expresión que no está en mi vocabulario», asegura Santacruz. «¿Por qué no se puede? ¿Porque tú no puedes, porque nunca nadie ha podido? ¿Porque no interesa en este momento? Las personas que consiguen cambiar las cosas no tienen miedo al cambio». En 2011 apareció un nuevo test que detectaba enfermedades cromosómicas como el síndrome de Down a través de un análisis de la sangre materna. Eran buenas noticias: las pruebas existentes hasta el momento, la amniocentesis y la biopsia corial, son invasivas y tienen un riesgo de aborto del 0,5%. Debido a su elevado riesgo, solo se realizan cuando la probabilidad de que el feto tenga alguna anomalía es alta. Santacruz tiene dos hijos. Por eso conoce bien ese pensamiento que pasa por la cabeza de casi todas las madres cuando se ponen enfermos: que, si pudieran, lo pasarían mal ellas en su lugar. tdina prueba que solo implicara la sangre materna permitiría a las madres precisamente eso: recibir ellas el pinchazo». Cuando las investigaciones fueron lo bastante estables, el nuevo test llegó a España, pero solo al ámbito privado, previo pago de unos 700 euros. «Un precio que puede no parecer muy alto cuando se está hablando de la vida de tu hijo», reflexiona Santacruz, pero suficiente para que cueste implantarlo en el Sistema Nacional de Salud Así que esta doctora comenzó su cruzada particular para que en su hospital esa prueba fuera costeada con dinero público. Ella se quita méritos: «No se me ocurrió solo a mí». Santacruz expuso a la gerencia la idea de sustituir el método invasivo por el nuevo, por el gran beneficio social que representaba. Calculó el coste de las pruebas existentes hasta

el momento y determinó que el importe de la sustitución era inferior al esperado. Y documentó los riesgos de todas las opciones porque «evitar una sola muerte es ya muy importante». También añadió algunos argumentos no cuantificables: «las mujeres, al ver que estamos a la última en innovación, confiarán más en este hospital». Con toda esa información en la mano, la gerencia fue a hablar con el laboratorio para negociar las condiciones económicas. Tras un proceso de más de un año, el equipo lo consiguió. Ahora, en el Hospital de Torrejón, el Sistema Nacional de Salud cubre íntegramente este test inocuo para el feto que detecta las enfermedades relacionadas con los cromosomas 21, 13 y 18. Lo costea cuando existe un riesgo alto de que el feto tenga alguna anomalía cromosómica. «Es más fácil gestionar hospitales nuevos que hospitales que tienen unos protocolos de hace mucho tiempo. Aquí tenemos una gestión más directa y capacidad para adaptarnos». El test también ha llegado al hospital de Alcorcón. Otros, como La Paz, están pensando en ofrecerlo de forma gratuita o haciendo investigaciones sobre él. La doctora explica por qué algunos hospitales están siendo cabecillas de este avance imparable: «mover a toda la sanidad en conjunto es un proceso mucho más lento». Santacruz basa sus opiniones en el respeto. «Nuestro servicio de ginecología se caracteriza por respetar las decisiones de las mujeres, aunque a veces no las compartamos. Nuestro trabajo es darles información. Luego cada una tiene sus ideas o creencias». No hay que olvidar que las innovaciones relacionadas con la genética a menudo acarrean polémicas éticas. «¿Tienen derecho los padres a saber, por ejemplo, que su hijo se va a morir a los cuarenta años?». Cada avance requiere una pregunta y cada «no se puede», un «¿y si...?». Santacruz toma esta postura inconformista como una filosofía de vida: «Al ser humano, por naturaleza, le dan miedo los cambios, pero hay gente a la que la estimulan. Esta gente es muchísimo más positiva y se hunde menos ante los contratiempos. Si tienes un problema muy gordo, lo haces diez trocitos y vas resolviendo cachos pequeños. Y así quizá soluciones un 90%. Desarrollar el cerebro es vivir preguntándote continuamente qué, cómo, dónde y cuándo. Incluso hay personas a las que les han tocado buenas cartas de póquer y, aun así, han dicho “pues ahora voy a inventarme otra juego que no sea el póquer”».

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April

Los estilos del Arte Digital Un vistazo a los géneros y estilos de pintura de actualidad en el arte digital Mi nombre es April, y soy historiadora de arte. O al menos lo fui. Desde que me “digitalicé”, he descubierto que el arte normal u este no podrían ser más diferentes. Sabes que vivimos en un mundo que está patas arriba cuando todo el mundo se sorprende ante la pintura de un verdadero artista, pero piensa que es normal para un usuario de software el poder hacerlo. Pero mientras que el panorama del arte contemporáneo ha seguido fascinando con razón, los artistas digitales tienen que oír que, a la hora de producir obras de arte que son estéticamente agradables, los pintores lo hacen mucho mejor. En esta presentación revisaré algunos de los estilos clave en el arte digital en estos momentos. Es una lista exhaustiva, y va desde géneros que se basan en los movimientos como la fantasía, ciencia ficción y manga (todos los géneros que invitan al artista y al expectadora soñar) y movimientos técnicos como vexel y fotomanipulación, que se remontan a los más remotos impulsos artísticos para meterte con tus herramientas, y encontrar una mejor o más interesante manera de hacer marcas y expresar ideas. Creo que el arte digital es el mejor escaparate de los dos tipos de movimientos artísticos, y me gustaría demostraros por qué. Desde la fantasía y la ciencia ficción hasta los métodos en que los ilustradores contemporaneos llevan su software al límite y un poco más lejos, los géneros y estilos mostrados aquí reflejan algunas de las ilustraciones más creativas que se pueden ver, y las más importantes en la actualidad.

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Fantasía

Vector

Vexel

Manga

Anime

Fotomanipulation

Tipografía

Ciencia Ficción

Fantasía

Mito, magia, espadas y brujería

La fantasía tiene sus raíces en los cuentos de hadas, leyendas y mitología. Se trata de pintar lo fantástico, por lo que es un género que cada artísta debería probar al menos una vez, si no por la capacidad de dejar volar su creatividad desenfrenada, entonces por el sustancioso cheque que puede reportarle! La Fantasía es muy popular entre los compradores de carteles y grabados, por no hablar de los efectos en el potencialmente lucrativo mercado del diseño de los libros de bolsillo. Hay una gran cantidad de subgéneros dentro de la fantasía. En estas páginas hay ejemplos de imagenes basadas en mitos u cuentos de hadas. El orientalismo es un estilo muy popular, la alteridad de los antiguos edificios, ropas y armaduras de Asia, junto con la riqueza visual, que apela a los consumidores que crecieron con los videojuegos y los dibujos animados de los sábados por la mañana.

Fire within me AF-Studios

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Vector

La estilización a un nuevo nivel El arte vectorial y el vexel tienen ambos sus raíces en la ilustración editorial, que exige una clara delimitación para obtener su punto de vista. La diferencia entre ellos es que los vectores son creados a partir de programas basados en vectores, mientras que el arte vexel nace a partir de programas basados en la trama.

Oil Planet - Cristiano Sigueria

Colourful Animal Dream World - Joey Chou

Tradicionalmente el arte vectorial lucía un aspecto limpio, puro y estilizado. Sin embargo, muchos artistas que trabajan en este campo han introducido recientemente elementos que hacen que su arrte tenga un aspecto deliberadamente áspero y pintad o a mano. esto demuestra las habilidades técnicas de estos artistas con los programas que eligen.

Vexel

Herramienta basada en el engaño Las imágenes vexel imitan la apariencia de los vectores tradicionales; normalmente son limpios y precisos con cambios de color nítidos y líneas fuertes. Así que puede que te sorprenda descubrir que son creados utilizando programas basados en trama: los que son diseñados para combinar colores y crear verdaderos efectos sobre los medios.

El término vexel es un portmanteau de “vector” y “píxel”. Los artístas vexel utilizan capas, texturas, líneas y rellenos para crear la apariencia suave que quieren, típica en el Photoshop. ¿Por qué no Illustrator?

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Manga

Arte japonés de cómic

Manga y su equivalente animado, Anime, son estilos con un gancho visual muy fuerte que se originaron en Japón, y se expandieron y crecieron por todo el mundo. con una peculiar mirada caricaturesca y una pureza de líneas de apariencia Zen, requieren paciencia y habilidad para dominarlo, a pesar del hecho de que “Manga” significa “imágenes caprichosas”. Fantasía y ciencia ficción son comunes en el arte manga, pero otros subgéneros incluyen “kawaii” y “shoujo” o “para las niñas”, que a menudo caracterizan escenas del mundo real e historias. El manga es, a menudo monocromático en transparencias de color gris o pantalla de tonos. Su estilo visual también se utiliza en videojuegos y diseños de embalaje aquí y en Japón.

Manga girl Mark Henry Bustamante

Anime

Un arte derivado de la animación

Anime a veces puede presentar personajes de diseños más sencillos, pero es más rico en color y el detalle de fondo es, a menudo, espléndido. En japonés significa “animado”, pero en el Oeste el término ha llegado a referirse (con razón o sin ella) al estilo visual de los dibujos animados japoneses y algunos videojuegos. Al igual que el manga, su popularidad europea comenzó en Francia antes de expandirse hacia el resto de continente y, finalmente a Canadá y los EE.UU.

“

Manga y Anime son estilos con un gancho visual fuerte, nacidos en Japón y exportados al mundo

Just a guy David Porta

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Pegasos dividido Teodoru Badiu

Fotomanipulación

Con más de un siglo de antigüedad, todavía pega fuerte y, ahora, en digital

La fotomanipulación ha existido desde el inicio de la fotografía, pero la revolución digital le ha dado una nueva vida. Photoshop, el software de Adobe, líden en el mercado de editores de imágenes, fue diseñado específicamente para la fotomanipulación, y ha aumentado considerablemente sus posibilidades.

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La fotomanipulación, o fotomontaje, puede ser sutil u obvia, pero su realismo inherente implica que la credibilidad de la obra es la clave para que funcione. Dependiendo de si la imagen está diseñada para ser vista como una fotografía o como una pieza de arte digital, la composición requiere un alto grado de precisión.

Tipografía

El arte clásico de las letras.

La tipografía es otra forma de arte antigua, como la fotomanipulación, que ha sido modificada por herramientas digitales. Al igual que hace el arte vectorial, muchos diseños de fuentes se hacen hoy en día en programas como Illustrator. Ofrece a los artistas la oportunidad de llevar más allá los límites del diseño de fuentes. Un mercado popular para la tipografía es el diseño de productos, especialmente en la ropa y los álbumes. La capacidad de crear un logotipo corporativo o una forma decorativa de una palabra de moda, hace que sea atractivo para las agencias de publicidad. La historia del diseño de fuentes, primero en rotulación caligráfica, posteriormente en grabados y más tarde en tipos móviles, hace que sea el género más antiguo, aparte de la pintura misma, en haber pasado a ser digital y, de hecho, muchos estudios de fuentes se refieren a sí mismo como “fundiciones”

MattGfeller Memorial Doughnut run Brady Tyler

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Sci-fi

Visionando el futuro La ciencia ficción, como la fantasía, está interesada básicamente en las realidades imaginarias. A diferencia de la fantasía, sin embargo, la ciencia ficción mira hacia el futuro y no al pasado, excepto en algunos casos únicos. Abreviatura del término “ciencia ficción”, el arte sci-fi ofrece oportunidades técnicas similares al artista en cuanto a que le permite imaginar mundos alternativos y futuros posibles. El estilo del “espacio ópera” de ciencia ficción cuenta con impresionantes paisajes estelares en una auténtica escala galáctica, con naves espaciales y estaciones que, a menudo, se hacen eco de los elementos del art Deco y el Modernismo en su diseño. También ofrece la oportunidad para conceptualizar criaturas alienígenas y paisajes muy diferentes de los nuestros. El aspecto es típicamente limpio y de aerógrafo, con el fin de mostrarnos complejos detalles técnicos.

La ciencia ficción distópica y el cyberpunk tienden a mirar hacia un futuro imaginario oscuro; el cyberpunk está particularmente preocupado por la tecnología. Ambos cuentan con un estilo descarnado, urbano con tonos oscuros y texturas rugosas. Un spin-off del cyberpunk que ha ganado recientemente popularidad es el steampunk, que imagina épocas históricas adoptando la tecnología actual. está representada con dispositivos de vapor y relojería con elementos del XIX.

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Dark Planet Saga - Nova Mathias Leth

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Carmen Bustos

La paradoja de la colaboración La cultura “co” cada vez cobra mayor protagonismo. Colaborar, co crear, compartir, se presentan como fuerzas de la era digital para estimular la creatividad y resolver problemas. La soledad del genio ha pasado a mejor vida. Los espacios se diseñan totalmente abiertos, sin paredes, para supuestamente, trabajar mejor en equipo. Las sesiones de trabajo parecen sinagogas, toda idea es bienvenida y el brainstorming es el nuevo mesías. Pero, ¿qué hay de verdad en todo esto?, ¿realmente somos más creativos en grupo?, ¿es necesario ser tan extremista y hacer que desaparezca la individualidad del creativo? Numerosas investigaciones hablan de la necesidad de la privacidad a la hora de crear, de evitar las interrupciones y de encontrar un espacio íntimo y reservado para llevar a cabo este tipo de trabajo. Los estudios de psicólogos como Mihaly Csikszentmihalyi o Gregory Feist, estudiosos de los procesos creativos, revelan que la naturaleza individualista e introvertida de algunas personas fomenta la capacidad de crear. No es casualidad entonces que Newton se encontrara sólo debajo de un árbol cuando le cayo la manzana y descubrió la ley de la gravedad. Culturalmente, y más en estos días donde todo esta pasando tan deprisa, subestimamos el poder de la quietud y la soledad como parte importante y necesaria del proceso creativo. Parece que, o la decisión y la idea ha salido de un grupo multitudinario, o no es válida. Tener nuestros espacios de privacidad nos hace tomar consciencia de toda los estí-

mulos e información que hemos ido recibiendo. La privacidad además de creativos nos hace más productivos.

Alejarnos del ruido, de la gente, de las distracciones, es vital cuando estamos con un tema entre manos que exige aportar una solución novedosa. Y lo más interesante, la soledad nos permite aprender mejor. Según el psicólogo Anders Ericsson, la mejor manera de convertirte en un especialista es de manera individual, de ahí supongo que cobra más sentido las grandes lecciones orientales de “maestro y alumno”. La meditación por supuesto también es otro gran aliado y ejemplo para fomentar la creatividad. Colaborar sin duda es estimulante, divertido, y extremadamente útil. Y si esa colaboración se produce en entornos diversos que facilitan la autonomía de pensamiento de cada uno de los participantes, el efecto se multiplica exponencialmente. Pero nunca deberíamos olvidarnos de la necesidad de el espacio individual y de reflexión particular de cada uno, de retarnos personalmente para buscar solos la mejor solución. Y de forzarnos a salir del grupo y hacer que eso ocurra. Combinar e integrar ambas capacidades nos ayudará a llegar a caminos más interesantes. Y lo más importante que lo “nuevo” y las “modas” no nos hagan perder de vista la esencia del ser humano. Los problemas cambian, la forma de abordarlos también, pero la creatividad es y será la fuente de inspiración y la que realmente genere el cambio.

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USA SIEMPRE RECAMBIOS ORIGINALES

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Lucas Garcia

En casa de herrero, cuchillo de acero “En casa de herrero, cuchillo de palo”. ¿Cuántas veces hemos oído el refrán? No por repetirlo a cobrado mayor sentido. Siempre me ha sorprendido la baja cantidad de oftalmólogos operados de la vista. Jamás confiaría en un profesional que no prueba su propio producto. Lo mismo ocurre en la llanura digital. Cualquier agencia interactiva que se considere creativa debe mimar su comunicación corporativa (fragmento de un libro por escribir titulado Versos del html 5). El consumidor es menos idiota que nunca; si alguna vez lo fue. Si vendes que tu ADN es imaginativo no te queda otra que defenderlo. Y aquí te sumerges en las aguas pantanosas del autobombo. En el cenagal de la comunicación pobre, antigua, carca, casposa. Cualquier adjetivo calificativo de viejo. El posicionamiento de tu marca tiene que hablar por ella misma. Su identidad, la yuta, debe justificar los valores implícitos -creativo; interactivo; social- sin necesidad de nombrarlos. Y no es necesaria una inversión enorme. Solo necesitas un corazón.

Solo necesitas creer en lo que haces Creer en tu claim. Creer en lo que haces por el consumidor. Creer en el consumidor. La velocidad jugará siempre en tu contra. Sólo te queda una vía para ser más rápido que el propio medio digital: ser el primero en hacer lo que dices que haces Y sorprender durante el proceso. El resto es silencio.

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Fernando García

Los aportes de Darwin al diseño Darwin expuso importantes conceptos de diseño en muchas de sus investigaciones, analogías que se captan directamente al releer desde otra perspectiva la esencia de sus ideas La gran influencia de Charles Darwin (1809-1882) en el ámbito del diseño actual es poco conocida. Algunas de las resoluciones a las que llegó el naturalista precisan que la evolución simplemente ocurre, que no implica ninguna dirección o propósito. Por tanto, al cambiar los entornos de los seres vivos, las características adaptativas también cambian. Darwin hizo igualmente alusión a que los organismos que tengan características propicias deberán ser más aptos; los que no las posean, no lo serán. Así, toda adaptación encamina a la supervivencia de cualquier ser vivo a un ambiente determinado, independientemente de cuáles sean sus atributos. Darwin describe, en alusión a su libro El origen de las especies, que «como estaba bien preparado para apreciar la lucha por la existencia que por doquier se deduce de una observación larga y constante de los hábitos de animales y plantas, descubrí en seguida que bajo estas condiciones las variaciones favorables tenderían a preservarse, y las desfavorables a ser destruidas. El resultado de ellas serían nuevas especies. Aquí había conseguido por fin una teoría sobre la cual trabajar». La influencia de la teoría de la selección natural vinculada con el diseño puede entenderse de la siguiente forma: las soluciones correctas se mantendrán, mientras que las equivocadas se eliminarán. La propuesta que llegue a ser elegida como la más apta para resolver un problema será la que podrá reproducirse muchísimas veces,

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con ligeras variaciones al paso del tiempo, según el tipo de problemas a enfrentar. Darwin llamó «selección natural» a su teoría, por oposición a la selección artificial, que sucede cuando el ser humano cría diversos organismos, sean plantas o animales (e incluiríamos aquí «diseños»). Para él, la Naturaleza podría hacer una selección mucho mejor de muchas especies, separando a las más adecuadas a ciertas condiciones ambientales, para sobrevivir y reproducirse en la siguiente generación.

A la izquierda, señal atacada por depredador en Costa Rica (Foto: Ron Mertens). A la derecha, señal afectada por la luz solar (Foto: Fernando García).

Esta teoría, se caracteriza por dos atributos: 1. La existencia de una inmensa cantidad de organismos nuevos que producen a su vez muchos más descendientes (huevos o semillas). 2. De ellos sólo sobre vivirán para reproducirse los que estén mejor adaptados a su medio. Entre los organismos reproducidos se manifiesta una gran diversidad, donde cualquier observador casual y con poco tiempo no podría percibir. Sólo observando detenida mente durante mucho tiempo las características y propiedades de un organismo, podría un especialista distinguirlas, sorprendiéndose a me nudo ante la amplísimas posibilidades de variación que pudieran existir. No obstante, es muy probable que no lleguen a reproducirse muchos de los individuos que se manifiestan inicialmente, pues la fuerte presión de los factores selectivos en la Naturaleza (así como también en el campo del Diseño) influyen en su aniquilamiento o sobrevivencia.

A la izquierda, parásitos presentes en una señal de Barcelona (Foto: Fernando García). A la derecha, competencia para llamar la atención entre señales en una calle de Taipéi, Taiwan.

Entre ellos, los depredadores (los vándalos, quienes destruyen la propuesta generada en poco tiempo); el clima (las condiciones del ambiente, temperatura, presión atmosférica, intensidad solar, en donde se desenvolverá, así como el tiempo); otros miembros del propio grupo social (las múltiples alternativas de diseño generadas al mismo tiempo); la competencia por el espacio (entorno donde se competirá);el alimento (sea dinero, tiempo o espacio); la pa reja (complementos que se relacionan con el elemento); los parásitos (todo elemento añadidos a la propuesta inicial); y

la enfermedad (deterioro natural por ausencia de mantenimiento); y otros, afectarán los resultados que influirán en la selección, sobrevivencia o muerte del diseño. Darwin no pudo comprobar de manera plena la relación estrecha que existe entre el instinto y la inteligencia, aunque sí pudo vislumbrar la fuerte influencia entre estos dos componentes en la conducta del ser humano y de los animales, al referir textos, tanto del naturalista francés Georges Cuvier como del inglés Alfred Russel Wallace, para explicar su importancia.

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Cuvier sostenía que «el instinto y la inteligencia están relacionados entre sí en razón inversa, no faltando tampoco quien pensara que las facultades intelectuales de los animales superiores no son más que desarrollos graduales del primitivo instinto». Por otra parte, Wallace4 decía que «la gran mayoría de los actos inteligentes que vemos en el hombre provienen del espíritu de imitación y no de la razón; pero hay una gran diferencia entre nuestras acciones y las ejecutadas por los animales inferiores, puesto que el hombre sólo por el espíritu de imitación no puede en su primer intento construir, por ejemplo, un hacha de piedra o una canoa, mientras que el castor puede hacer su presa o canal a la primera oportunidad; el ave su nido; y la araña su maravillosa tela, con tanta o por lo menos la misma perfección como cuando tienen más edad y gozan de todas las ventajas que suministra la experiencia». De esta manera, Darwin visualizaba que el refinamiento gradual de estas aptitudes (y su incidencia en el probable diseño) se venían manifestando con algún grado en varias especies. Darwin criticaba a muchos pensadores que atribuían la evolución progresiva del hombre a la gran distancia que existía entre el desarrollo intelectual humano y el de los animales; y a quienes afirmaban que el humano era el único ser capaz de una mejora progresiva, así como de la utilización de instrumentos. Dicho planteamiento fue cuestionado por Darwin al indicar que «muchas veces se ha dicho que ningún animal hace uso de utensilios, pero los que lo afirman ignoran que el chimpancé, en su estado natural, casca una especie de fruta propia de

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la región en que reside, muy semejante a la nuez, con una piedra». De igual modo citó este naturalista la interesante conducta de las hormigas que han domesticado a los pulgones como si fueran ganado desde hace muchísimo tiempo antes que el hombre, para que de estos puedan obtener minúsculas gotas de líquido azucarado, a tal grado que no sólo las «ordeñan», sino que las cuidan y protegen de sus depredadores naturales. Ante tales resultados, percibimos con cierta cautela que no es del todo improbable que los orígenes del diseño se hayan manifestado también de manera paulatina y secuencial, por vías distintas a lo largo de su historia. Esto es, que cada especie que respondió adecuadamente a algún problema enfrentado para mantener su vida, aprovechó sus aptitudes favorablemente en el medio ambiente donde vivía, debiendo nosotros reconocerlas en el nivel de complejidad más adecuado a su condición. Si las conclusiones generadas por estas observaciones no nos engañan, es probable que el desarrollo del diseño también hubiera podido mostrarse desde sus inicios de esta manera, culminando en su grado más evolucionado a través de las soluciones humanas manifestadas objetivamente; sin embargo, con un origen discreto y humilde. Lo que se llama propiamente «diseño», en el mundo animal se puede interpretar como las soluciones de ciertas especies para mantener su vida en sus estadios correspondientes, con algunos indicios de una plausible representación mental en su cerebro, es decir, primero es «pensar» y después «diseñar».

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¿Cómo reaccionamos al color? Su influencia en el consumido es clave para determinar una compra. ANTES DE EMPEZAR El color importa (mucho): puede disparar la venta de un producto o ser su perdición. Por eso es indispensable integrar una tonalidad específica al logo de una marca e intentar provocar el mayor impacto en los clientes potenciales. La selección de los colores a emplear no debe dejarse al azar. Cada gama expresa algo distinto y elegir la adecuada puede determinar el rumbo de un negocio. Por ello, aquí te decimos para que sirve cada uno.

GUÍA DE CONCEPTOS Energía

Finanzas

Aerolíneas

Comida

Hogar

Tecnología

Salud

Ropa

Coches

Agricultura

Esencialmente, los colores se dividen en cálidos y fríos. Los primeros se asocian a la energía y los segundo a la calma y a la seguridad. ÚSALO

AMARILLO Por su reminiscencia al sol comunida esperanza y optimismo. Estimula la creatividad y la energía, además es útil para atraer el ojo del cliente. CODIFICA Positividad, luz, claro, motivación y creatividad

AZUL Es el más popular para identificar una marca. Tranquiliza a la gente porque remite al cielo y el mar. CODIFICA Confianza, dependencia, seguridad y responsabilidad.

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DÚDALO

EVITALO

NARANJA Combina el brillo y alegría del amarillo con la energía y la fuerza del rojo para crear un color lleno de vida y entusiasmo. CODIFICA Vitalidad, diversión, juego y exuberancia.

MORADO Es sofisticado y misterioso. Tiene que ver con la realeza y la elegancia. CODIFICA Realeza, sofisticación, nostalgia, misterio y espiritualidad.

ROJO Evoca una respuesta pasional y visceral. Incrementa el ritmo cardiaco, la respiración y activa la glándula pituitaria. CODIFICA Agresividad, energía, provocación y la posibilidad de captar la atención.

VERDE Es sinónimo de calma, frescura y salid, pero varía dependiendo del tono. Los más oscuros se asocian a la influencia y los claros, a la serenidad. CODIFICA Riqueza, salud, presitgio y serenidad.

ID ÁL

ÍOS

BLANCO Representa pureza y limpieza. Es ideal para servicios de salud y aquellos relacionados con niños. CODIFICA Pureza, nobleza, limpieza y suavidad.

NEGRO Utilizado para referir clase, elegancia y sofisticación. Trabaja especialmente bien en productos caros. CODIFICA Prestigio, valor, atemporalidad y sofisticación.

MARRÓN Habla de simplicidad y tierra, de fuerza y durabilidad. Hay que tener cuidado también porque puede recordarle suciedad. CODIFICATierra, naturaleza, simplicidad y durabilidad.

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Amelia Castilla

Solo por placer El artista Juan Gatti es famoso por su lado más festivo y atrevido, por sus carteles para Almodóvar y fotografías de moda. Ahora emerge su trabajo más personal a travñes de estas imágenes inéditas

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A menudo la música suena como el escape perfecto. Algunos conciertos de Billy Bond acababan con los asistentes en comisaría, claro que el rock no tenía buena prensa con la dictadura argentina. Juan Oreste Gatti (Buenos Aires, 1950) apenas había cumplido la mayoría de edad la noche en que esta imagen quedó grabada en su retina. El grupo, uno de los pioneros del rock argentino, saltó a la arena de La Cueva, ya de por sí caldeada por un público ansioso, y arrancó con un feroz “¡Chicos, rompan todo!”. La consigna precedida de los acordes del rock and roll corrió como la pólvora. El diseñador

rememora la anécdota de juventud para constatar lo mucho que le pone todavía la provocación. En los últimos 30 años, su carrera como fotógrafo de moda, diseñador de portadas musicales y cartelista de buena parte de las películas de su amigo Pedro Almodóvar y de algunos de los éxitos del cine español no ha dejado de crecer profesionalmente, pero sigue sintiéndose un outsider. Hasta ahora, su carrera artística siempre se ha movido entre las fantasías hollywoodienses y la escuela Bauhaus: “Tengo un lado más racionalista y otro más cercano al glam y al pop”. Nº0 2015 / Kreativ. /33

“Soy muy obsesivo y meticuloso. busco un acercamiento a las cosas que tiene que ver con la forma en que observo la vida” “no hago botellas de lejía, sino proyectos creativos de clientes creativos” Ha transformado la entrada a su estudio, ubicado en un recoleto callejón del madrileño barrio de Salamanca, en un jardín donde el arce ya empieza a teñirse de rojo otoñal. Simpático, educado y exagerado hasta decir basta, arranca la entrevista con una de sus máximas: “Lo que más me gusta en la vida es la jardinería. Lo más divertido es venir los fines de semana y meterme ahí hasta que termine todo y acabar arañado como un soldado del Vietcong. Podar me encanta, me relaja muchísimo”. Rodeado de calders, warhols, muebles de diseño adquiridos por eBay en lugares recónditos y los prototipos de algunos de sus diseños, el creador argentino se reafirma como un punki elegante. Cuesta creerlo, viéndole impecablemente vestido de sport, pero el creador de la imagen de marca de Jesús del Pozo, Sybilla y Almodóvar, añade que su reto es “dignificar objetos bastardos”. Cuenta su amiga Alaska que, por más que le pide que haga cosas ordinarias, siempre las resuelve de la manera más fina. Cualquiera de sus trabajos, da igual que se trate de carteles, fotografías, diseños de zapatos (creó un par para Camper) o frascos de perfume, contiene esa huella que tan bien enmarca la belleza. Quizá por eso Contraluz, nombre del libro y de la exposición antológica de su carrera que prepara el Canal de Isabel II de Madrid para este mes, debería llamarse contra todo. La muestra, además del trabajo más representativo, realizado en la moda, el cine, las editoriales, publicidad, gráfica y dirección de arte -”las distintas fases de mi carrerón”-, acoge una gran sorpresa: fotografías inéditas en blanco y negro, tomadas a lo largo de los últimos 25 años. En paralelo a todo ese trabajo tan luminoso, al concluir las sesiones de moda, en el momento en que

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se marchaban todos y en el estudio solo quedaban sus asistentes o alguna modelo amiga, empezó a investigar con un carácter experimental sobre cosas muy abstractas. En esos tiempos muertos, con su cigarrillo mentolado en las manos, jugó a ver qué sucedía si agitaba una bombilla, fotografiaba el humo o jugaba con la estela de una linterna. Sus amigos dicen que tiene alma de alta costura y espíritu de cazador. “A medida que avanzaba, fui

mirando todos esos elementos y, aunque tenía cosas diversas, encontré una unión en todos ellos, un común denominador que soy yo el que lo impregna. A partir de ahí todo adquirió forma y comencé a tomar fotos para completar ese trabajo”. Para acabar este juego y que el experimento no continuara hasta el infinito, necesitaba buscar el formato libro y la exposición. Se trata, como muchas cosas en su vida, de cerrar una etapa para dar paso a la siguiente obsesión.

Frente al color de todo lo realizado anteriormente, Gatti derivó hacia lo negro y neutro, casi acromático. Se trata de algo tan personal que siente que se está desnudando, una parte que “me hace sentir vulnerable”. Lo otro, la parte pública, representa trabajo y creación; todo ha sido realizado con un fin, pero las obras agrupadas en Contraluz solo tienen que ver con su placer. La periodista María Vela Zanetti, que lo ha acompañado durante todo este tiempo, dice que Contraluz “contiene una parte que festeja la vida y otra que celebra la muerte”. Basta pasar la página de la portada y el libro arranca con un “In memoriam a todos mis amigos muertos”. El último, Jesús del Pozo; pero son muchos los ausentes. “Desgraciadamente me tocó en pleno la época del sida en la década de los ochenta y he tenido pérdidas muy fuertes. Esto es un homenaje a ellos”. Entre todo el material destacan, como su propio título sugiere, fotos cuyo tratamiento ha pasado por usar la luz en contra, pero contiene también imágenes que son radiografías o rayografías, donde la luz actúa directamente aislando el objeto. “Si coloco un insecto sobre el papel sensible y proyecto la luz, queda su huella. Me gusta que la luz delimite la sombra y que si miras una cara se vea el límite de la luz”. Hay flores agitadas por el viento, libélulas que simulan joyas de un escaparate de Tiffany, palomas que parecen modelos de alta costura, caballos briosos, y siempre la belleza deslumbrante del cuerpo humano. “Soy muy, muy meticuloso y bastante Nº0 2015 / Kreativ. /35

obsesivo, por eso siempre busco un acercamiento a las cosas que tiene que ver con la forma en que observo la vida. Digamos que se trata del punto de vista que tengo hacia los objetos y los elementos, donde hay una especie de descubrimiento de la belleza y un análisis muy riguroso de la forma y la figura”. Algo inevitable en una persona que lleva la moda en el ADN. Creció en el estudio de su madre, diseñadora de alta costura, jugando, bajo las mesas de las modistas, a recortar revistas de moda y crear collages con las top models de la época. “En casa no solo se cosían los trajes, se hacían los bordados, los sombreros y los guantes. Había un sentido tan fuerte de la elegancia que mis intentos posteriores por convertirme en un destroyer no han funcionado. Creo que he compaginado ambos conceptos”. Siempre se ha movido en esa dualidad. Una dualidad que lo acompaña desde niño. En su caso, el dibujo le salvó la vida. Gatti, como muchos veinteañeros, mostraba cierta tendencia al despiste. Con el general Alejandro Agustín Lanusse en la presidencia, se asomó al balcón de su casa en calzoncillos mientras en la calle se desarrollaba un acto militar. Gatti, hijo único y niño supermimado, pasó seis meses en una prisión de alta seguridad. Para entretenerse le pidió a su madre lápices de colores y papel, y montó “un chiringuito donde dibujaba y escribía postales románticas para madres y esposas, y dibujos pornográficos para que los presos se masturbaran”. Ante sus ojos quemaron a un recluso y violaron a otro con un azulejo.

“Fue como un rito de iniciación,

pasé por el abismo y sobreviví. Si pasé por eso, no voy a dejar que un ataque de histeria me anule una sesión; aquello me dio fortaleza, me da la sensación de que puedo manejar cualquier situación”.

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De Buenos Aires saltó a Nueva York, donde siguió enganchado al rock y, en paralelo, al diseño y la moda. Ahora, muchos jóvenes lo siguen y lo imitan. “No he tenido que claudicar demasiado, no me vendí mucho a la cosa comercial ni a las agencias de publicidad; en cierta forma siempre he trabajado con artistas que son tan outsiders como yo”. Sigue viviendo rodeado de música. “No puedo trabajar sin ella. No me gusta que sea muy heavy, prefiero los sonidos emocionantes, pero no cursis”. Le gustan las cantantes bobas como Nico y Françoise Hardy; su grupo favorito se llama Au Revoir Simone. Hasta ahora, a lo largo de su carrera siempre ha habido una persona que ocupaba el primer plano, llámese Almodóvar, Sybilla o Elena Benarroch. Gatti se mantenía en la sombra porque se sentía cómodo. “En general trabajo con amigos a los que respeto, gente con un lenguaje común. No hago botellas de lejía, sino proyectos creativos de clientes creativos. La cosa es que, a veces, más que un trabajo parece un picnic”. Fue así desde que aterrizó en el ruidoso Madrid de los ochenta; llegaba de Nueva York, contratado por Kenzo para trabajar en París, pero se cruzó una oferta de una discográfica y empezó a diseñar portadas para los discos de los grupos de la movida, algo que ya había desarrollado con éxito en su país con los rockeros más importantes. Fue el inicio de una carrera que se extendió a la moda y al cine y que le llevó a la cima del éxito. “De todo lo que he probado, el trabajo es lo que me da más satisfacción; lo que me divierte es sentarme frente a la mesa de dibujo, acompañado de mi música. Hubo un momento en que trabajaba para generar trabajo para otros, iba de comida en comida firmando nuevos encargos; pero aquello se acabó, en mi estudio no entran más de dos empleados”. Con Almodóvar forma un gran matrimonio artístico -con sus “alegrías y sus peleas”-, pero también ha colaborado, entre otros, con Fernando Trueba, Álex de la Iglesia, Lucrecia Martel y Susan Seiderman.

“Me suelen dar total libertad. Empiezo a documentarme antes de que se ruede, primero leo los guiones y luego visiono en sala de montaje de qué va para finalmente sintetizar lo que más me gusta. Más que carteles, busco crear iconos que sean identificables. En general, trato de usar un mínimo de elementos para provocar mayor expresividad en el cartel. Intento no desvirtuar la personalidad de la película y que el género se refleje. Eso es algo que se puede seguir en las películas de Pedro; los primeros carteles son más petardos, hasta el momento en que entra en una cosa más elaborada y hasta más oscura”.

de ánimo; en la moda, crear atmósfera y belleza. “No estoy de acuerdo con el feísmo que impera en la moda, ¡menos mal que está pasando! En los noventa, todo parecía impregnado por ese estilo medio grunge o descuidado, y yo me decía: para sacar a una chica con el pelo sucio... Se trata de una tendencia, pero personalmente no quiero hacerlo. Nunca he entrado en el feísmo, a mí lo que me da placer es crear belleza, belleza por sí misma, sin concepto, sin discurso y esas tonterías. Prefiero buscar emoción en las cosas antes que mirar en la basura. Soy completamente antidiscurso”.

Moda y cine son lenguajes distintos. Para los carteles busca cierta expresión y comunicar estados

La exposición ‘Contraluz’, de Juan Gatti, se abre en el Canal de Isabel II de Madrid el 23 de noviembre. Nº0 2015 / Kreativ. /37

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Joan Betancur Ibagón

La creatividad tiene mil puertas y los niños tienen las llaves Recordar lo que vivimos y dejar a un lado lo que «aprendimos» es una manera de ser más creativos.

fianza en nosotros mismos. En estos casos solemos creer que se trató de una inspiración de la nada o de un momento divino.

Aquel hombre fuerte está desfalleciendo después de una ardua batalla con su peor enemigo. Tiene que refugiarse unos segundos para recargar energías, por lo que necesita esconderse. Debe pensar rápido. ¡Claro!, los cajones de las medias, ¡su enemigo nunca lo encontrará ahí! Trepa por los zapatos tirados en el suelo, alcanza aquel cable que cae del nochero, trepa hasta este y de un solo salto logra caer en el cajón. Usando todas sus fuerzas lo abre y rápidamente se esconde en él, cubierto por aquellas medias amarillas que tanta seguridad le brindan, espera hasta el momento adecuado para salir y terminar con lo que no se sabe por qué, en algún momento de esta tarde aburrida empezó.

¿Pero realmente fuimos iluminados de manera directa con un susurro al oído que nos dio la brillante idea? No lo creo. Lo mas probable es que antes, cuando no se nos ocurría nada, hayamos pasado por una situación que nos hizo «volar bajo» y perder el interés a el proyecto en el que trabajábamos. En cambio, cuando levitamos en la cotidianidad, cuando experimentamos libremente sensaciones, cuando nos dejamos volver a ser niños y perdemos el temor a lo bizarro, a lo ingenuo de una idea, justo ahí nuestra creatividad se despierta.

Quizás algunos recuerden esta aventura como propia, otros relacionarán al personaje con un Max Steel o un Iron Man; pero lo más probable e importante es determinar la finalidad del ejercicio de la memoria creativa. He sido testigo y he vivido personalmente cómo la falta de creatividad puede llegar a afectarnos sobremanera, causando estrés y desconcierto. En esos momentos difíciles salimos para tomarnos un descanso, tomamos un helado o, si el tiempo y el modo lo permite, un relajo más elevado, como una salida al parque de diversiones, al cine o al spa, depende de los gustos. Entonces, en el momento más inesperado, aparece esa brillante idea, justo cuando recobramos nuestra esperanza y la con-

Así es como lo logran los niños. Ellos quieren llamar la atención, quieren que los miren todo el tiempo. Nosotros, al contrario, nos encargamos producir momentos de aburrimiento, con una intelectualidad tan avanzada que nos hace escépticos de la facilidad creativa. Una sugerencia: al menos por un día:

OLVÍDATE DEL PAPELEO Y DE LOS COMPROMISOS; COMO SI FUESES UN NIÑO DÉJATE SORPRENDER POR TODO LO QUE TE PASE. SI LO LOGRAS, SEGURAMENTE ENCONTRARÁS CADA VEZ MÁS LLAVES PARA ABRIR MUCHAS PUERTAS DE LA CREATIVIDAD.

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Zae Vega

La seguridad es primero! :

Web Safe Fonts Una de las situaciones a las que se enfrenta todo diseñador de páginas web cuando está comenzando a desarrollarse en el área, es el uso de las tipografías, ya que, en la fase de diseño muchas veces utilizamos fuentes de forma muy creativa, pero al momento de ver nuestra creación en internet: Problema!, la fuente no es precisamente la que utilizaste en tu diseño y el estilo se ha alterado :( Antes de caer en pánico, expliquemos a que se debe esto y por supuesto, como solucionarlo. Esto es así porque en los documentos HTML la información de la tipografía no se incrusta en el propio documento, como sucede en los documentos de Word, por ejemplo, sino que simplemente se le indica la fuente con la que debe mostrarse el contenido, y el navegador va a buscarla al repositorio local de fuentes del equipo (en C:/Windows/fonts, por ejemplo). Si la que se le ha indicado no está, utiliza la tipografía por defecto del sistema. Para evitar este problema, y poder escoger una tipografía para un título o un encabezado, se acostumbraba usar trucos como escribir el texto en Photoshop, y exportar una imagen que sería colocada en la página web. El inconveniente de esto, es que cualquier cosa que no fuera texto real, no era útil para efectos de SEO, ya que el buscador no es capaz de leer ese texto para comprobar la relevancia de las palabras clave de un sitio. El concepto de Web Safe Fonts es sencillo, existen varios tipos de fuentes que existen virtualmente en todas las computadoras y dispositivos, ya que vienen precargados en sus sistema, asi que si un contenido web utiliza cualquiera de estos estilos, va a verse exactamente igual en cualquier equipo, a estos nos referimos cuando hablamos de asegurarnos de usar una Web Safe Font en en proyecto para que no se 40 / Kreativ. / Nº0 2015

altere el diseño de nuestro contenido y aunque muchos podrán considerar anticuado o escaso de creatividad el uso de una fuente precargada, esto es más una medida de seguridad y vale la pena saber su utilidad. La propiedad font-family y el concepto de font stacks Cuando determinamos la fuente tipográfica a utilizar en nuestro diseño web, hacemos uso de la propiedad font-family, que no es otra cosa mas que el nombre de la fuente que queremos usar en un párrafo, en los encabezados, etc. Pero esta regla no solo se compone del nobre de la fuente , sino que además lleva algunas palabras adicionales conocidas como Font - stack, algo asi como un respaldo en caso de que la primera fuente nombrada no se encuentre en el sistema, de este modo, como podemos ver en el ejemplo, si el sistema no encuentra la fuente Times New Roman, debe reemplazar por alguna cuyo nombre es Times y si tampoco está, con cualquiera del tipo “serif ”: p{ font-family: “Times New Roman”, Times, serif }

En los font-stacks cada palabra se separa con una coma, y se ordena según la familia (serif, sans-serif, monospace) poniendo primero la fuente deseada y enseguida las que se parezcan más asegurando que son Web Safe Fonts. Esta es una medida de seguridad importante ya que si sólo dejaramos el nombre de la primera fuente, y no se encuenra en el sistema de quien ve nuestra página, será reemplaada literalmente cualquier fuente (se le parezca o no) sin que tengamos siquiera un poco de control sobre ello.

Ahora, ya que estamos en contexto, hablemos de las alternativas para poder utilizar algunas fuentes personalizadas que no sean precisamente Times New Roman o Arial sin correr un riesgo demasiado grande para nuestro diseño. En el sitio web de Google fonts, localizamos la fuente que queremos usar y hacemos click en el icono de “Quick Use”. Enseguida obtenemos el enlace que deberá ser agregado en la sección <header> de nuestro archivo de tipo html y también la regla que nos servirá para cada elemento dentro de nuestro archivo de estilos CSS para que aplique ese estilo. Otra alternativa es el uso de la regla @font-face, nos permite utilizar cualquier fuente tipográfica subiendo el archivo de la misma a nuestro servidor y haciendo el llamado desde nuestro CSS con la siguiente sintaxis:

/*Este es el método con más soporte para diferentes navegadores que puedo recomendarles hasta el momento hasta el momento*/ @font-face { font-family: ‘MiFuente’; src: url(‘mifuente.eot’); /* IE9 Modo de Compatibilidad * src: url(‘mifuente.eot?#iefix’) format(‘embeddedopentype’), /* IE6-IE8 */ url(‘mifuente.woff ’) format(‘woff ’), /* Navegadores modernos */ url(‘mifuente.ttf ’) format(‘truetype’), /* Safari, Android, iOS */ url(‘webfont.svg#svgFontName’) format(‘svg’); /* Legacy iOS */ } /*Posteriormente utilizamos nuestra fuente de esta manera:*/ body { font-family: ‘MiFuente’, Respaldo, sans-serif; }

En teoría, el uso de @font-face pondría fin a la limitación de no poder usar fuentes fuera de lo común en proyectos web, aunque hay que tener en cuenta que, como el servidor recibe más peticiones, la velocidad de carga de la web será considerablemente más lenta.

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David García

El escultor de espacios

“Odio la palabra render.Tiene un componente tan mecánico que da la impresión de que el ordenador hace el trabajo por ti.”

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En algo ha avanzado el panorama laboral. La

historia más antigua de un tipo que creaba universos le otorgaba solo el domingo como día de descanso. Menudo atraso. Lo de que alguien se dedique a crear mundos sigue ocurriendo, pero ahora, por suerte, los sábados también son días de ocio y de reflexión. Beauty and the Bit es un estudio creativo especializado en imágenes y visualizaciones que, mediante técnicas de modelado en 3D y procesos de posproducción, crean mundos donde antes no había nada. Virtuales, sí, pero lugares que se materializan a partir de la conciencia creadora de un diseñador inteligente. En este caso, el hacedor se llama Víctor Bonafonte y, que se sepa, no es seguido por ninguna Iglesia

fundada para rendirle culto. Los que sí se rifan sus omnipotentes habilidades son algunos de los mejores estudios de arquitectura de todo el mundo. Bonafonte es también arquitecto, como la mayoría de sus clientes. Llegó un día en el que tuvo que renunciar a la arquitectura al uso, la que pone el foco en la construcción tocho sobre tocho. Las causas, ya saben, las habituales desde aproximadamente 2007. Bonafonte explica que, tras diez años ejerciendo como arquitecto de los de toda la vida, la realidad laboral tal y como la conocía hasta ese momento se fue a pique. «Pasé de tener mucho trabajo a no tener nada y que me echaran del estudio en el que estaba por cuenta ajena», explica.

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Era hora de buscar una salida, y el arquitecto comenzó a dar pasos por el sendero que más atractivo le parecía. «La parte de la arquitectura que más me gustaba era la más plástica, la de la imagen. Siempre había estado involucrado en esto del 3D y me fui metiendo cada vez más en el tema. Quedarme sin trabajo fue el espaldarazo definitivo», cuenta.

Tras eso, ganaron un concurso con otro estudio potente, 3xn Architects. A partir de ahí, y mediante el boca a boca, fueron encadenando un proyecto tras otro. «Una cosa llevó a la otra, saltamos a esta oficina y seguimos creciendo hasta el punto de tener que decir que no a algunos trabajos para poder mantener la calidad y el control creativo», declara el arquitecto.

Su plan de reciclaje y reinserción duraría un año, el tiempo que necesitaba para organizar todo lo necesario para constituir la armadura de una pequeña empresa y montar un sitio web en el que comenzar a mostrar trabajos para llegar a potenciales clientes. «Comencé Beauty and the Bit desde mi habitación. Yo solo con una máquina», «Algunos blogs internacionales empezaron a darnos mucha cancha y eso nos condujo a nuestro primer gran cliente internacional, FRES Architectes», un estudio francés que les sirvió de trampolín.

A Beauty and the Bit se les puede considerar como makers aunque no se pueda palpar lo que crean. Su trabajo viene a ser algo así como la artesanía virtual de la luz y el espacio. Y lo hacen tan bien que se rifan su trabajo desde muchos rincones del planeta. «Tenemos algo de pintores. Nuestro sello es el de una posproducción muy cuidada. No hacemos solo matte painting. Queremos evitar que las imágenes sean frías. Estás abanderando la imagen del arquitecto y lo puedes hacer de una manera original», explica Bonafonte.

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El creador sostiene que quiere despojar su trabajo de todo lo inerte, de lo que aleja a sus diseños de convertirse en espacios vivos. De hecho, a causa de eso odia la denominación que la mayoría de arquitectos emplean para las visualizaciones que concibe: render. «No hago renders. Odio la palabra. Tiene un componente tan mecánico y robótico que da la impresión de que el ordenador hace el trabajo por ti. Aquí nos peleamos con las imágenes una y otra vez», aclara. Disfruto más con lo que hago ahora que con lo que hacía hace cuatro o cinco años», manifiesta. Y lo dice mientras cuenta también las cosas menos bonitas de su día a día. «Construir una compañía, hacer que la gente se involucre en ella, que puedan ganarse la vida con ello y que, además, disfrutemos es un quebradero diario de cabeza. Pero es muy satisfactorio», admite.

A la vez explica sus vicisitudes con los clientes que piden mil y un cambios convirtiendo los primeros diseños, «los menos contaminados», en piezas menos frescas. También lamenta que ahora dedica el 70% del tiempo a labores totalmente ajenas a la creación de mundos, como labores burocráticas, administrativas, comerciales o de relación con los clientes. Aun así, sigue teniendo un objetivo entre ceja y ceja. Beauty and the Bit debe seguir creciendo de manera sostenible. «Quiero hacer que la gente que ya está aquí siga viviendo de esto y que sean felices con ello. Así alcanzaremos otras metas como empresa, trabajaremos con los estudios más grandes del mundo. Ya nos tienen en cuenta a nivel internacional. Pero creceremos con los pies en la tierra». Una tierra, esta sí, sólida, estable y real, no generada a través de un ordenador.

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Gustavo Becker

Papel + lápiz = diseño Dos instrumentos fundamentales antes de comenzar a diseñar: papel y lápiz.

Soy de la generación de diseñadores que trabajan en el tablero, de usar y experimentar con rotuladores, lápices de todo tipo, pasteles, pinceles, témperas, tintas y aerógrafos. Al iniciar un proyecto de diseño solamente con un lápiz y una hoja de papel blanco es en donde nos vemos enfrentados a crear, a componer y manejar la forma y el espacio con absoluta libertad. Me gusta sentir el roce de la textura del papel mientras el lápiz traza la línea básica y pura. Con esa precariedad tecnológica, lo que se siente, es impagable. De pronto, algo toma la forma de lo que podría ser nuestro diseño. Implica también inmediatez, es el paso más directo en el proceso creativo entre el concepto y la imagen. Esto me trae a la memoria una frase de un viejo colega, jefe del área de producción gráfica de una conocida agencia de publicidad internacional: «a estos chicos nuevos les apagas el computador y no son capaces de tirar una línea sobre una hoja de papel», refiriéndose a los nuevos diseñadores que llegaban a hacer su práctica profesional. Sin duda era una frase un tanto violenta, pero no dejaba de encerrar parte de una verdad. Aún hoy, generaciones nuevas de diseñadores no dejan de hacer el boceto «a lápiz» antes de sentarse frente a la «máquina».

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Aun teniendo una cantidad infinita de recursos y herramientas, de un modo u otro en la etapa primaria, la máquina nos hace diluir entre una fuente que no podemos encontrar, una fotografía en que el ángulo de toma no coincide, un color que en el espectro RGB no nos da en el CYMK, y peor aún, el software no logra «hacer» un efecto determinado. Todas estas búsquedas nos van bloqueando e impidiendo procesar el diseño. La única gran inversión que hacemos los diseñadores está en nuestra mente, nuestros conocimiento y constante aprendizaje. No dejemos nunca de leer mucho, estudiar, mirar y observar todo: construcciones, la calle, los muros, el paisaje urbano y rural, la luz natural o artificial sobre las texturas. Guardar todo aquello en el disco duro de nuestra mente es el mejor archivo que podremos tener, ya estará siempre ahí, a mano, sin comprimir en ZIP. Por supuesto que es imprescindible, en el momento de implementar el diseño, el uso del computador, que ofrece todo el potencial del software y la tecnología, para complementar lo que hemos creado. Ahí podemos buscarlo todo, allí está la Aldea Global frente a nosotros para que recorramos sus plazas y rincones.

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Artista del mes Sergi Brosa

Hoy tenemos en nuestra ventana una moto blanca voladora en ella va subido un ilustrador Español muy especial, su nombre es Sergi Brosa. Tenemos el placer de tener en nuestro sillón de estrellas a un gran artista , sus ilustraciones son brillantes , creador de escenarios míticos que derrochan vida y originalidad . Sin duda gente así hace que nos enorgullezca ser Español porque Brosa deja el pabellón muy alto con su técnica y estilo, sin duda podemos presumir que hay gente muy buena en nuestro país y Brosa es uno de esos grandes maestros.

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Agenda HÓPLAY.

MULAFEST.

FUEGO BLANCO.

Certamen internacional de videojuegos independientes que albergará exposiciones, conferencias y talleres en torno al videojuego indie.

Música, street art y mucho más.

Exposición de gran parte de la obra del Kunstmuseum Basel donde estarán representados artistas como Edvar Munch, Vassily Kandinsky o Paul Klee, entre otros.

Getafe

25.6 - 28.6.2015

Alhóndiga, Bilbao

Museo Reina Sofía, Madrid, hasta

23.11 - 29.11.2015

SÓNAR 2015.

UNBIKE.

Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art.

Segunda edición de esta feria internacional de la bicicleta.

Barcelona

Barcelona Design Week 2015.

NIT LAUS.

Con motivo de su décimo aniversario, la Barcelona Design Week presenta un programa de más de cincuenta actividades, entre exposiciones, talleres y encuentros, dirigido tanto a los profesionales del sector como a un público más general.

Feria de Madrid

18.6 - 20.6.2015

18.9 - 20.9.2015 FADFEST.

Festival organizado por FAD en torno al diseño en todos sus ámbitos (diseño gráfico, industrial, moda, arquitectura, comunicación audiovisual…), que incluye exposiciones, talleres y otros… Disseny Hub, Barcelona

25.6 - 10.7.2015

Entrega de premios de los Laus. Disseny Hub, Barcelona

2.7.2015

SEEWAY, Barcelona

5.6 - 19.6.2015

50 / Kreativ. / Nº0 2015

Centro de Diseño, Barcelona

8.6 - 14.6.2015 BICI-PICNIC.

Tres horas de bici, neverita y esterilla. Matadero, Madrid

1.7.2015

TINGLAOS DE GRAFISMO.

Ya está aquí la cuarta edición de Tinglaos de Grafismo, una formula fresca y distendida para los viernes de junio en Barcelona.

14.9.2015

PHOTOESPAÑA.

Festival internacional de fotografía y artes visuales que estará dedicado de forma monográfica a la fotografía latinoamericana. Madrid.

3.6 - 30.8.2015

MIGRANT GARDEN.

Migrant Garden se ha puesto en marcha contando con el respaldo de la Universidad Politécnica de Milán. El proyecto pretende promover una cultura arquitectónica atenta a la deriva de las condiciones medioambientales y que sea responsable con el paisaje. Milán, desde

19.6.2015

Nยบ0 2015 / Kreativ. /51

En el próximo número

Diseño de Newsletters

Carlos Gaijo Skeumorfismo vs flat design