Rubelli - A Family Of Style 2012

LR

Some months ago, walking an antique show, I stopped in front of a vase; it was the work of Gio Ponti, the master of 20th-century design. My greatgrandfather had appreciated his talent; he commissioned several designs from him, including two velvets, woven by hand and exhibited at the Biennale of Venice in 1934. These patterns, now produced with modern techniques, form a collection of four which is Rubelli’s homage to Gio Ponti on the 120th anniversary of his birth.

I purchased that work of art because of its beauty and because it comes in the shape of a globe – a perfect complement to my collection of maps of Venice.

On it I can imagine the antique merchants travelling down the silk road: moving from the gold of Venice to the ruby reds of Istanbul, the turquoise of Samarkand, the whites of Darjeeling, the ink blue of Beijing, the jewel colours of florals from Kyoto.

These are the stops along an imaginary journey linking the opposites: East and West, past and future, tradition and innovation, art and industry, silk and high-performance fibres. Along the route linking these legendary cities, our new creations are unravelled and blended in a harmonious joining of contrasts.

doing for centuries and still keep on doing with the very same enthusiasm. Our origin is our identity: this is the reason for grounding the magazine with the initials of Lorenzo Rubelli, our ancestor who acquired a Venetian company deeply rooted in the noble art of silk.

This story is told in a monographic book of imminent publication, which analyses the intricate connection between the family, our Venice, and textiles. Rubelli - A Story of Silk in Venice discloses the substance of Rubelli.

In addition to the Rubelli collection, LR reveals the universe of the whole Rubelli Group: it tells the tale of how we wove threads of gold for the curtain of the Bolshoi Theatre of Russia (the picture on page 118 is a reminder of the exciting party that we hosted on 11.11.11 in Moscow); it also recalls the other brands of the Group: Dominique Kieffer, Armani/ Casa Exclusive Textiles by Rubelli, and Donghia.

It shows our new fabrics in wondrous surroundings.

It entertains and educates the reader with various stories connected to the Rubelli world, illustrating how tradition and innovation can combine.

Carlomagno is the outstanding example of an antique armour inspiring a timeless fabric, coated with layers of patina thanks to innovative processes developed by our designers and technicians.

This magazine is the result of cooperation bet-

This is what the Rubelli 2012 collection is about, coherent with the Rubelli tradition as well as

ween Rubelli and Edelkoort Etc. I wish to thank Loredana Di Pascale, as well as Lidewij Edelkoort, Sophie Lattes and their team for a remarkable accomplishment.

The discreet presence of the human figure in the presentation of our fabrics is a reminder that textiles are not only works of art: they are created to be lived in and with.

Hence, indulge in improving your own life by surrounding yourself with Rubelli fabrics: it can’t get any better.

Discover the worlds of the Rubelli Group in the upcoming pages, and find out how our history and tradition do not tie us down - rather, they are wings with which to fly towards the future.

projecting into the future. A collection conceived like a symphony in two acts: past and future, and with five movements: Antique, Metallic, Artistic, Romantic, Exotic.

Past and future are two entwined elements in the history of Rubelli. And a significant part of our future vision are the new products that we continuously design. Today’s challenges are everincreasing, thus our design studio has been reinforced. The valuable work of Alberto Pezzato, Anna Candelù and Francesco Zampieri now benefits from the artistic direction of Sophie Lattes, who orchestrates the creative team with great skill.

This new magazine, LR, is a love song to fabrics, a symbol of our passion for what we have been

22.12.2011, Nicolò Favaretto Rubelli

Rubelli Collection 2012 escape from the ordinary creative direction Sophie Lattes textile design Alberto Pezzato, Anna Candelù, Francesco Zampieri LR ISSUE 01 concept Lidewij Edelkoort art direction Lidewij Edelkoort Sophie Lattes publishing direction Nicolò Favaretto Rubelli Loredana di Pascale editor-in-chief Michelle Anderson Binczak management and production Vanessa Batut graphic design Omar Saiid, Janneke Smale designers Maarten Baas, Chuck Chewning, Kiki van Eijk, Ravage, Nelson Sepulveda photographers Rustem Adagamov, Rinne Allen, Giuseppe Brancato, Federico Cedrone, Sacha van Dorssen, Lisa Klappe, Kim Kyung Soo, Paul Lepreux, Carlo Paggiarino, Sabine Pigalle, Lili Rose, Paolo Spinazzé, Thomas Straub, Marie Taillefer, Makiko Takehara, Damir Yusupov stylists Eve-Marie Briolat, Gert van der Keuken, Geetali Lele, Sergio Machado, Nelson Sepulveda writers Diane Becker, Michelle Anderson Binczak, Lidewij Edelkoort, Judith Helm translators Serena Brugnolo, Mariagiovanna Cosentino, Giovanna Michelini production assistants Camille Hammerer, Fred Causse, Geetali Lele lithography Colorset bv, Amsterdam

escape from the ordinary A sumptuous and iconoclastic new collection invites us to wander entranced and even enchanted along the ever-evolving silk road, where the past meets the future and ancient culture meets contemporary culture in a renaissance of interest in textiles and the need for pattern. Evocative and poetic textiles carry us on an inspired odyssey from the decayed velvets of Venice to the naïf narrative jacquards of Shanghai and kimono florals from Kyoto that cohabit with signature Rubelli ruby reds rediscovered in Istanbul. A rich array of yellows and golds are designed with a modern silk road in mind; a promising road that travels confidently from the old Europe to the new Asia, crossing the seas and deserts bearing rich embroideries from Darjeeling and armoured patterns from Samarkand that are woven to illustrate the growing power of the east and the way it will influence western decoration. Bringing an innovative spirit to tradition, suffusing Rubelli’s Venetian origins with exoticism, a discreetly colourful and wonderful palette of life illuminates the past with the light of the present as if all creation is concerned with the praising of shadows; the play of light and dark heralds the arrival of a romantic time frame. The distinctive style of creative composition delivers a masterful sensual modernity that is at times nuanced and sober, at times boldly eccentric; these textiles illustrate the power of fabric to stir memory and to incite

printing Grafiche Antiga, Italy

our imagination to create other worlds. In this Rubelli era

photo front-cover Thomas Straub

is defined by an exceptional talent for creation, at the

photo back-cover Sabine Pigalle photo inside back-cover Sacha van Dorssen

for the 21st century, this family of style and distinction crossroads between art and industry, past and future, East and West, for a reincarnated culture of cloth. Cultivating all cultures in a contemporary collage of influences, this is savoir-faire at the service of savoir-vivre.

Lidewij Edelkoort

RUBELLI

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venice

draped in the textiles of the new silk road, one travels without leaving the bed-chamber, giving in to the siren call of sumptuous texture, shining colour and tantalising motif. the itinerary begins along the Gran Canal: wrapped in the sensual elegance of silks and caressing velvets in a charismatic palette of golds, one is transported.

istanbul sailing into the Bosphorus in pursuit of unexpected treasures, indulging in a contemporary rendition of an intensely poetic Ottoman way of life played out in rich and even romantic shades of scarlet and ruby.

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shanghai caught up in exuberant folds of Chinese blue and rich indigo, to express and calligraph a contemporary grammar of ďŹ nely-crafted chinoiserie, stimulating the imagination to create exotic interiors in which it is good to linger alone and daydream.

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kyoto reclining on multiple mattresses, the relaxed horizontal lifestyle of the geisha is landscaping interiors with random pattern mixes and a serene turbulence of colour that contribute a syncopated continuity and a graphic sense of percussion to a contemplative, creative interlude.

samarkand dreaming of a caravan of culture that moves across the steppe, until the spirit of the ancient city surrounds one in turquoise and celadon greens mixed with grey and a ďŹ ne dusting of gold, in rich layers of nomadic reďŹ nement.

darjeeling sipping tea in an ambiance of discreet and whitened decorative modernity, in which Indian riches and English traditions come together to create a soft enclave, a sense of profound enshrinement in light reective tones and sobre, splendid, softly shining silks.

Thomas Straub creative director Nelson Sepulveda assisted by Geetali Lele models Anne-Lise Salazard and Nicolas Breuil make- up Jean-Pierre CanavatĂŠ location and props Le Bateau de Safran Sophie Lescot, Paris photos

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left: Edmonton TC065-431

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Sublime and noble fabrics, draped to perfection, their hues masterpieces of subtlety, their textures the embodiment of elegance, atter the bedroom as they do the silhouette.

Here is the best of both worlds: be dressed in Armani or be undressed in Armani. With the silky surfaces and complexion-complementing colours of these textiles, the Armani/

Casa Exclusive Textile by Rubelli room offers the perfect setting within which to indulge one’s inner odalisque.

The name Armani has always been associated with quietly stunning and sophisticated fabrics; whether dressing a woman or an interior, the guiding notion is understated beauty. Nothing is too much.

the room an armani universe

right: Eldorado TC066-434

Luxury resides in matter. And the heart of the matter is allure. Allure that is found as much in the feeling of the fabrics as it is in the way they look and the way they fall and ow. For a voluptuous tactility is always present.

With intriguing botanically-inspired textural effects, micro-structures, surfaces and colours, the Armani/Casa Exclusive Textiles by Rubelli collection

is adventurous and discreetly luxurious.

Look closely and you will encounter the branches and leaves of an ancient oak tree in the silk lampas and digitally printed silk satin, a graphic modern weave reminiscent of basket construction, plant textures created from the stylised lines and ribbing of leaves, a 3D matelassĂŠ in which warp and weft alternate. Designs drawn from plant

shadows and silhouettes recall cyanotypes printed with sunlight, whose transparent layerings of pattern and tone echo the play of light across the leaves and petals in a garden. Neutral, natural and delicate non-colours such as muted aubergine, smokey greygreen, and a barely green-tinged creamy white create a cossetted, harmonious and timeless mood.

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left: Equador TD043-447

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photos

Liliroze flowers photos

Eve-Marie Briolat model Isabelle ThĂŠviot Rinne Allen from series Light Drawings, www.rinneallen.com text Judith Helm styling

the

tender minimalist

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guided by an innate taste for discretion, the dominique kieffer collection is a quest for authenticity yielding impressions of northern light and traditional textures

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this is textile design as philosophy: appreciate the small things. rest the eye, replenish the spirit.

25 LR 2012

photos

Sacha van Dorssen creative director Nelson Sepulveda assisted by Marjorie Guibert model Alicia NoĂŤl make up Jean-Pierre CanavatĂŠ

left: Samarcanda 30004-01, Diso 22104-14

reflections Vanessa Batut

textile photos

text

Diane Becker

left: Samarcanda 30004-05

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The city feels the pull of the tides and the moon. The waterways flowing through it seem to connect as well to the underground streams of the soul, to an ebb and flow of memory, fantasy and desire. In the Venice of the mind, we navigate a

fluid psychological labyrinth where all is not what it seems, making it the perfect setting for some of our most emblematic stories of love, loss and illusion.

Venice herself, the romantic and decadent La Serenissima, embodies

the pathos of glimpsing something deeply longed for that slips out of sight and out of reach; her stories animate the city’s allure in the melancholy twilight of its decay, just as they make love and beauty synonymous with

death. From these darkly glinting waters is born the tale of a tragic hero who loses his way in a fog of lies and whispers. Carried through the looking glass of a deceitful mirror-world, unable to discern truth, he is dazzled by distortion.

left: Samarcanda 30004-04

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Venetian interiors pay homage to its water-filled, reflective environment with still-lustrous ancient mirrors, their silver now streaked and spotted, with oxidised metalwork and fading gilding combined with decayed velvets and

draped heavy silks, all conspiring to dramatise not only the play of light against surfaces but the shadowed splendour of grandeur’s decline. Rich, slightly murky and subdued velvet shades set the mood: night black, fog silver, rain

blue, drizzle grey, lagoon green and sandy ochre.

In misty, luminous Venice the most extravagant imaginings seem possible. Sound is diffused, like music in some far-off room, just distant enough to escape the ear, suggesting

stories to the writer.

Tantalising to painters, the ever-changing light is reflective, silvery, like the light floating across patinaed mirrors and rippled window glass.

Even as the water lovingly reflects the city’s graceful

left: Samarcanda 30004-02, Diso 22104-05

buildings and bridges, its presence holds menace.

When the soft lapping on the old stones of the moorings and docks gives way to the fierce winter storms that flood the piazzas, they are submerged to knee-level

like some sister city to the lost Atlantis. Here, at any moment, beauty may drown in sorrow.

The canal beckons, the green water splashed with snippets of light.

Looking back as the swells spread beyond the oar’s

dip, the reflections of the golden palaces along the canal commingle with dark currents that softly, inexorably, lead out to sea.

Matthias Schaller’s Venetian mirror studies are from his Leiermann series, and are included in the Venice in Peril project, in which artists contribute works to support a programme to protect the city from environmental and touristic damage.

soft focus photos

Federico Cedrone Paolo Spinazzè

American design has a history of generous proportions, luxurious materials and inviting shapes reinvented with a glamorous eye for detail and ďŹ nishing. The decorating genius of Donghia is one of scenario-writing, with an intriguing dialogue between two chubby chairs,

a furtive glance between mirror and lamp and the stretched-out and languorous monologue of a discreet yet dominant sofa. The pieces are cast like characters and play a role in the drama of romantic decoration. A design that understands how to conjugate drama with restraint.

The genius of the dynamic creative director Chuck Chewning lies in his skill in holding on to what the past has given him and innovating this classical approach with an American contemporary eye.

He decided to go back in time, to the seventies of the founder-designer Angelo Donghia, and to take stock of the fat furniture that became a household style amongst

famous artists and movie stars.

The founder was a tailor’s son who followed his passion for the world of interiors; the current creative designer was born for a career as a master decorator that let him to travel the world like a modern nomad, designing the interiors of palaces that housed hotels along the way: Milan, Istanbul, London, Vienna and recently the Gritti in Venice.

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Donghia invented the idea of decorative style, and was therefore known as the St. Laurent of sofas; his aim was to create interiors made for living, and to this mission he applied a sense of quality, perfection and pleasure.

Chewning is inventing his own idea of lifestyle and creates

emotional environments for his clients to enjoy. If it were up to him he would dress his female clients to espouse their chaises, he would cook dinner to match their drapes and he would put them to bed in grey annel sheets and satin pajamas. He draws the Donghia brand into the 21st century

with his engaging charm and creative charisma. He freely unites the high-end luxury of silk jacquards with the coarser qualities of a blanket. His oeuvre can be best characterised by simplicity of line and purity of material combined with bold, almost brazen, form and sensual textures.

Fabric : Alchimia 30007-05

make something beautiful!

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fabric: Rattoppato 30006-05

Pauly, chair and armchair

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fabric: Punteggiato 30005-05

Mc 105, armchair

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He was a poet, painter, craftsman, industrial designer, journalist and founding editor of Domus magazine, as well as an architect. He was passionate about the power of good Italian design to contribute to la dolce vita, and he publicised his inspirations, ideas and style in his magazine, which he founded in 1928 and edited for many years. He participated in the Biennale delle Arti Decorative in Venice, which he used as a showcase for the best of Italian design and decorative arts.

Avid to try his creative hand at seemingly everything, Gio Ponti began to experiment with ceramic design in the 1920s, and soon thereafter began creating with a wide variety of other materials. Ponti created Murano glass for master glassmaker Paolo Venini, stage sets and costumes for Milano’s La Scala and fabric designs for Rubelli that were presented at the Venice Biennale in 1934. His interest in the decorative arts made him a master of decorative architecture also, designing ceramic skins for his buildings and decorating the walls of his hotels with huge and daring colourful patterns. Like many artists and designers working in the first half of the 20th century, his goal was to create total works of art which included architecture, decoration, textile and industrial design, inventing the idea of lifestyle avant la lettre.

Two of the three fabrics Ponti designed for Rubelli reinterpreted the centuries-old technique of velvet weaving. For Punteggiato he created a close sequence of staggered disks with various gradations of colour in a soprarizzo, and for Rattoppato, a series of graphic signs were incised on the surface of a figured velvet. Inspired by Japan, these lively, light-hearted graphic designs are complemented by a westernised figurative design on satin – the Asian ceramics distributed across the surface communicate all the rhythm, verve and exuberance for which Ponti was known. The Rubelli creative team designed a modernist component to complete the collection, an abstract to coordinate with the figuratives.

Forever extending his reach, Ponti applied his eclectic, multidisciplinary design approach to buildings like the famed Pirelli Tower of Milano, and to furniture pieces that became classics, such as the 1953 Distex armchair and the iconic lightweight 1957 Superleggera chair for Cassina, dubbed “the chair for all times” by the designer. Ponti’s creative curiosity and generosity of spirit led him to collaborate widely. The results were as playful as they were rigourous. He became a master in the manipulation of figurative motifs on a monumental scale: working with Fornasetti, the pair decorated a casino with enormous playing card motifs, while their collaboration on office design resulted in furniture adorned with images of pens, pencils, paper and computers.

At the time of his death in 1979 at the age of 88, Ponti had achieved, in his daughter Lisa Licitra Ponti’s words, “Sixty years of work, buildings in thirteen countries, lectures in twenty-four, twenty-five years of teaching, fifty years of editing, articles in every one of the five hundred and sixty issues of his magazines, two thousand five hundred letters dictated, two thousand letters drawn, designs for a hundred and twenty enterprises, one thousand architectural sketches.” Thanks to the Rubelli family’s re-edition, we can enjoy the whimsical patterns in the luxurious yet modernist fabrics he designed and share in the free-spirited joyousness with which Gio Ponti created. And that was what he would have intended. “Make something beautiful,” he said, and he did just that, many times over.

photo and drawings

Gio Ponti Archives

fabric photos

Camille Hammerer

fabric: Reticolo 30008-02

gio, con brio

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the modern nomad In hotel room decoration the choice of materials and colour is in the hands of the designer. He or she is charged with giving a luxurious and contemporary feel to a ďŹ ve-star palace. To blend the historical past with the technological present and to infuse functional fabrics with fantasy and sometimes even frivolity. The decorator designs a colour scheme in which the traveller has to live and feel at home, if only for a night.

A rather important humanistic responsibility, as all frequent yers know!

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The psyche of the modern nomad is taken into account in order to supply serenity and soothe troubled timewarped senses through natural tactile qualities and a softer, gentler colour range, teaching the traveller how to be lost in translation with allure and style.

In the hands of Dutch designer Kiki van Eijk, hotel-room design becomes a sketch of style and character suggesting new options and fresh ideas to fellow decorators and designers. After all, it is up to each individual story to be told in its very own way….

A beguiling scenario unfolds, draped over structural wooden sketches of furniture, beds, mirrors and lamps to narrate modernist stories told with Rubelli’s Trevira CS textiles, whose ingenious range of tones and textures come together to create spirited and restful sanctuaries in which not only body but also mind can find rest and respite from the hectic world out there.

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Set in a sparse industrial space, a hotel yet to be given form, these playful compositions propose limpid warm chestnut browns, luminous mustard yellows and soft bronzes as well as classic cool grey with lyrical touches of gold. A play of quilted and woven textures, irregular sheers and tactile ticking stripes encourages the light to dance delightfully across the dimensional surfaces, and suddenly a night spent away from home turns into an unexpected source of pleasure. photos

Lisa Klappe design

Kiki Van Eijk w w w. k i k i w o r l d . n l

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a momentary retreat

Principessa Kocacin 30009 - 01

61

The folding screen offers a flexible articulation of space, suggesting that a room is always open to redeďŹ nition, allowing us to designate a special space for contemplation based on the dictates of the moment, creating a place in which to pause, an intimate escape to a dreamland of three-dimensional beauty. When its woven textile surfaces depict a rich and exotic landscape replete with fanciful ora and fauna, the decor for the voyage of an ancient oriental princess embroidered in rich white, bronze and slate upon luminous grey, the imagination is invited to wander far and freely across this sea of silk, to take a private journey of fantasy and delight while relaxing in a hot and fragrant bath.

photos

Makiko Takehara @ Renate Gallois Montbrun assisted by

Kozumi Kigaki styling

Sophie Lattes assisted by

Geetali Lele location

Ravage Castle Ecrainville, France

chinese whispers Makiko Takehara @ Renate Gallois Montbrun assisted by Kozumi Kigaki styling Sophie Lattes assisted by Geetali Lele model Lou Liu make up Luc Drouen

Nightingale 30011-002

photos

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Flowering, stylised cotton jacquard find their inspiration in nostalgic imperial interiors as reinvented for contemporary reveries with a palette of subtle and rather fresh pastels.

Taking another cue from ancient China, the bed is no longer just for sleeping but becomes a place for working, reclining, reading,

taining. The Chinese word for ‘bed’ is translated as ‘a platform upon which to settle’ and it is in this spirit that early bed design resulted in daybeds, opium beds and also cozy, welcoming bed chambers – beds that were conceived as cloistered lounging rooms within which to gather for relaxed pursuits with friends

one’s own, in an ambience of beauty, softness and warmth.

Today the daybed is loosely covered in textiles with mattress, covers and cushions to match. The same pattern repeated in several subdued ceramic hues gives a playful feeling to the piece; even the folding screen is upholstered in the same patterns, creating a sense of

playing games or enter-

or a quiet cup of tea on

hushed privacy and mystery. left: Hazy moon 30012-003, right: Hazy moon 30012-004

left: Les Indes Galantes 30001-06, right: Les Indes Galantes 30001-09

past imperfect

Invite the past into the present to make harmony from rupture.

Turn dimensions upside down and change the rules around; tell an old tale in a new way to experience the paradox.

Take the present into the past for a fond and fleeting visit, and while you’re there re-weave the warp and weft and just twist the narrative to fit your future.

Rearrange history to disrupt expectations and render refinement provocative. Burn the bridges to make sense of ever newer experiences.

Uncoil the threads of time, and let faint motifs on fine brocades draw you into a game of historical hide-and-seek, spiriting you away as they disappear before your eyes.

left: Les Indes Galantes 30001-05, right: Les Indes Galantes 30001-09

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Take unpredictable paths along patchy rememberings.

Catch a ash of principessa in a girlish pink brocade; a murmur of renaissance matron in a rustle of heavy silk.

Enjoy a eeting encounter between now and then.

How many centuries can come together, in one place, in one moment?

Time-travel between the wild shores of long-lost misty origins and newly-fashioned identities. Play a game along the boundary where presence and absence meet.

left: Les Indes Galantes 30001-06, right: Les Indes Galantes 30001-08

Thomas Straub styling Gert Van Der Keuken smoke chairs by Maarten Baas for Moooi www.moooi.com special project by Edelkoort in collaboration with Rubelli and Moooi photos

Maarten Baas’s contemporary black-burnt period chairs are dressed in Rubelli’s Les Indes Galantes, a fabric whose effaced motifs are inspired by a 17th-century French design for an embroidered quilt for Louis XIV.

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Chiaroscuro 30014-009

photos

Makiko Takehara @Renate Gallois Montbrun assisted by

Kozumi Kigaki paintings

Arnold van Geuns location

Ecrainville, France

In the forest at twilight, trees are silhouettes against the dying light, a light that is most pure as it is disappearing. In this encounter of light and shadow, what seems at first sharp and finely drawn grows gradually fluid and fused until finally all matter is united, muted in shadow.

In the salon at twilight the light drifting through the open windows is distilled, becoming luminosity without colour. Dusky gold, violet and deep grey silks engage with the light in a chiaroscuro encounter in which it is ever-shifting nuance that sets the tone. The day’s last light sends a spark to play against form before it vanishes, like a fleeting glance.

Whether seen through the long tradition of

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in praise of shadows

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Ravage Castle

left: Chiaroscuro 30014-009, right: Chiaroscuro 30014-004

chiaroscuro in painting, in which 3D form is revealed only through the glancing of light and shadow against its contours, the liminal, indeterminate clair-obscur of the romantics, or via the Japanese love of low light

so eloquently expressed by writer Junichiro Tanizaki, to rediscover the beauty of shadows is a revelation. In a too-brightly-lit world, it is easy to forget that light glows most beautifully against gloom.

And just as a woman’s skin is

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Giardino Incantato 30016-003

seen at its best by candlelight, fabrics reveal themselves most richly with subtle illumination.

Taking a cue from Far Eastern aesthetic sensibilities, Rubelli masters the allure of twilight with the oating opalescent lights and glowing

darks of these faintly textured silken abstracts, which seem to illuminate the past with the light of the present. It is time to discover the magnetism of beauty that holds something back.

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the boys

I will never forget our first dinner.

They then lived in an en-suite service room high up under the rooftops in the middle of Paris. We were all romantically penniless. The boys had beautifully laid the table with a stylish Clemens-made tablecloth and napkins of unbleached cotton with brightly coloured bias borders. The tinned tuna salad was served in real St. Jacques shells and the Préfontaine (then the clochard’s house wine) came in

When they went on vacation to Scotland to visit the great castles and have sumptuous candlelit dinners, they slept in a tent to be able to pay for it all. The customs officers didn’t know what to make of the tuxedos and handmade Italian shoes in campers’ backpacks next to a folded tent.

Ravage, already then, practiced the now so fashionable “high and low”.

Later on, as Paris went through a sleepy and boring time, I started a salon-art gallery in my apartment as a self-defense strategy. Upcoming artists could show their work.

Hundreds of young people came for vernissages and parties to the then rather unknown and unloved rue St. Honoré. Ravage showed their work.

Curious big painted cardboard objects designed by Clemens and – also in cardboard – splendid cut-itout-yourself jewelry worthy of royalty

by Arnold, photographed as Lady Di. These cardboard roughs are like sketches of their work and sketches of their life also. This already indicated that it was not about decoration lust, nor was it about the need to tell a story. Central is their unbridled

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It became obvious quite early that the art direction of Clemens the Fashion Designer had found its match and counterpart in the visual proficiency of Arnold the Historian and Artist.

The vision of the one excited the imagination of the other. This would make for a lifetime of exploration and a life’s work in pictures and products.

a crystal decanter. Very grand and delicious. We felt rich and famous.

We then went on to dance the night away in the famous club Sept.

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We first met in art school, so we’ve known each other for a lifetime.

During this period I have witnessed the making of the Ravage Oeuvre. I was there to see fantasy become reality and dreams made tangible. The meeting of these two gifted long-haired blonds resulted in a life-long complicity, a fusion of talents. They have created their own visual code to tell us about wars and peace, victims and dictators, old maids and young lads, crowned heads and head nurses, decorated officers and bandaged soldiers.

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imagination and the uncontrolled drive to create. Without much thought about tomorrow, they design as they go along, making things that are not what they seem to be, pastiche made perfection, in an unstoppable flow of ideas.

Setbacks led to change and a house move, to new ventures like a shop, a collection and an international own brand. Well-deserved success is very nice if taken in stride; the real fun is in the doing. This process, this systematically trying to give meaning to life, will certainly have influenced illustrious apprentices like the designer Job Smeets and the couturiers Viktor & Rolf in their work methods and attitude. The courting of improvisation, the daring, the can-do attitude, are typical of Ravage. Who else would have picked such a name?

They make France their homeland.

Left and extreme right, philosophy and populism....the French paradoxes suit our boys. Furniture in Milan, bedding in Holland, fabrics in America, wallpaper in France. Art and Industry are happily united in Ravage’s hands.

Their New York breakthrough happened at a symbolic moment. The festive opening night in a prestigious Soho gallery was also the night President Bush Sr. launched the first attack on Iraq. The exhibition was called War and Peace, and showed military camp beds, army blankets, folding furniture, lamps and toiletries of Napoleonic splendour. You must accord them a fine sense of timing.

And so, between Clemens the Trend Forecaster and Arnold the Civilization Philosopher, the past and the present are woven into the fabric of the Ravage image of the future.

They go from very graphic black and white to the freehand pencil sketch to rich reds and gold, always to suggest warm radiance and great luxury.

Bronzes and ceramics soon add a third dimension. Thus the early cardboard models become real furniture, the sketches grow into paintings, and with ceramics and textile an oeuvre takes form. Arnold makes a drawing every single day, while Clemens does his fashion work. Incessantly they explore familiar and new themes: the house by the sea, the faithful dog, the old lady friend, the splendid opera, the silly goat, the sturdy pony, the devoted nurse and maybe soon, a donkey.

Family and friends have a big place in their life; chores and elaborate dinners are joyfully shared. The castle in cardboard finally becomes a real castle in Normandy, the Ravage Opus Vivendi, where their creative spirit affirms its singularity and its independence. Here it becomes clear that what makes them happy is the autonomous creative process.

The rock salt of life.

We – fans, friends and collectors – partake of this creative feast, where we can for a while be part of the dream. In the same spirit, they gracefully hosted the Rubelli textiles in their living room, where they echo the clair/obscur paintings Ravage is currently working on.

Makiko Takehara @Renate Gallois Montbrun assisted by Kozumi Kigaki art Ravage location Ravage Castle Ecrainville, France

photos

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Ermengarda 30025-005

my house is my fortress Carlo Paggiarino in the Stibbert Museum, Florence textile photos Paul Lepreux styling Nelson Sepulveda

armour photos

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Gong 30027-015

CULTURE IS ON A CRUSADE: ART, ARCHITECTURE, DESIGN AND FASHION ARE ASSERTING A MORE RADICAL ROLE IN SOCIETY, USING VISUAL VIOLENCE WITH A VENGEANCE. ART IS REPORTING AND COMMENTING, ARCHITECTURE IS BUILDING REFUGES, DESIGN IS HERALDIC AND DEFENSIVE, FASHION IS CONFRONTING, COSMETICS ARE SHIELDING AND MASKS ARE EXPRESSING OUR VERY OWN SELVES, WHILE ARMOUR IS PHYSICALLY OR EMOTIONALLY REINFORCING OUR PERSONAL SURVIVAL STRATEGIES. MY HOME IS MY CASTLE. MY HOUSE IS MY FORTRESS.

RUBELLI

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Carlomagno 30029-012

FABRIC HOLDS A POWER POSITION, USING DENSITY TO DEFLECT, PLIANCY TO SWAY BUT NOT CRUMPLE, SOLIDITY TO FEND OFF ALL MANNER OF SLINGS AND ARROWS, AND THE GLOW OF METAL TO SUGGEST THE COAT OF ARMOUR. FOR THE EMINENTLY CONTEMPORARY STIPPLED TEXTILES SEEN HERE, RUBELLI’S INNOVATIVE METALLIC LAMINATION TECHNIQUE PRODUCES THE EXTRAORDINARY EFFECT OF A VARIEGATED METAL PATINA THAT HAS SURVIVED THE CENTURIES. SEEN IN DIFFERENT LIGHTS, THE MATERIALS’ DULL EXOSKELETAL GLEAM RECALLS

RUBELLI

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Trebisonda 30003-008

HAMMERED IRON, BRONZE, DARKENED STEEL OR GILDED HIDE LEATHERS. IN COUNTERPOINT, THE SUMPTUOUS PURE SILK BROCADE INSPIRED BY A CLASSIC 16TH-CENTURY DESIGN EVOKES THE NOBILITY AND GRACE OF FINELY WORKED METAL INLAY. NEO-MEDIEVAL AND COURTLY, THIS CONCENTRATION OF MATTER FORTIFIES SURFACES IN OUR ENVIRONMENT, LINING OUR WALLS WITH CHISELLED CHAIN-METAL PATTERNS, OUR FURNITURE WITH ENGRAVED, EMBOSSED METALLIC BAS-RELIEFS AND BARRICADING OUR BEINGS WITH A FINELY FOCUSED FIGHTING SPIRIT.

RUBELLI

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RUBELLI

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Dazzling Incredible interiors have often included animal skins and hunting trophies. Long replaced by woven, printed and coated versions of the safari of style and design, the animal pattern has become the friend of the rich and famous and the delight of decorators. The dazzle of the zebra’s painted pattern, designed to elude the natural enemy, is now enthroned on a seat taken from a Hollywood set, guarded by a pair of hungry roaring panthers ready to make the kill.

RUBELLI

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Eccentric Extravagant urges compel man to assert a dominant role in the hierarchy of species by borrowing the powers of other stronger, wilder and creative animals, throwing on their cloaks of courage, redeďŹ ning style with emphatic manes and hooves, covering human skin with animals’ elegant graphic motifs and decorating human dwellings with the spoils of the hunt, covering sculptural chairs with their inviting yet savage and bouncing tactility.

coat: Okapi 30013-002, seats: Okapi 30013-004 and Okapi 30013-005

RUBELLI

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Animalistic The animal roaming the human psyche is once more roaring, reviving an instinctive desire for covering up with wild skin, exotic hides and stylized bones. Mixing and matching to design newer, wilder hybrids, this desire is all devouring and indolent, embossed with rhythm and engraved with graceful audacity. Conscious of becoming an endangered species himself, man wants to become animal, in touch with a more intuitive lifestyle.

Marie Taillefer styling Sergio Machado models Aymeric Bergada Du Cadet and Mathilde Rasmussen make up Pierre Duchemin photos

LR 2012

right: skull, Memento Mori by Nymphenburg, left: Small seat with the fabric of Armani/Casa, Edelweiss, TC067-443

RUBELLI

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frenetic romantics

IN SHAMBLES AND A PLANET IN DANGER, THE WORLD OF DECORATION AND DESIGN DECIDES TO TAKE COVER. TO LOUNGE IN THE LONG SHADOWS OF THE EVENING WAITING FOR THE VAMPIRES TO VISIT AND FOR THE MIDNIGHT BALL TO DEVELOP ITS HEDONISTIC AND ECCENTRIC STYLE WITH VEILED MIRRORS, MASKED FEMALES AND WINGED MALES. DARK FLOCKS OF FRENETIC ROMANTICS ENJOY ABSINTH APERITIFS AND A SUPPER OF CAVIAR AND BLOOD-TINTED FOWL, FOLLOWED BY PITCH-BLACK PUDDING MADE FROM LICORICE SPICED WITH WILD PEPPER. BLACK BECOMES THE ORDER OF THE NIGHT, THE GUARDIAN OF DARK HUMOUR AND THE ROMANTIC TROUBADOUR OF CYNICAL SONGS. WHETHER DOZING UPON A DAYBED, DRAPED AGAINST A MALE TORSO OR PIOUSLY KNEELING ON A GOTHIC CHAIR, IT IS ALL MORE BEATIFIC IN BLACK; THE RUBELLI FAMILY OF BRANDS IS CONCIOUS OF THESE NEWEST SOCIETAL TRENDS EXPLORING THE DARKLY ROMANTIC AND SOMETIMES EVEN SURREALISTIC SIDE OF INTERIOR DESIGN.

bird: Reticolo 30008-003

DISGUSTED BY A WORLD IN CHAOS, AN ECONOMY

RUBELLI

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lounge chair by Du Long et Du Lé, with the fabric of Dominique Kieffer, Damas, 17116-001

RETHINKING AND DRAMATISING THE FRENETIC COLOUR BLACK. THE DEEP AND DARK SHADOWS OF A NOSTALGIC PATTERN ARE BROADCASTING THE ROARING TIMES WE LIVE IN WITH THE REVIVAL OF JAZZ-AGE ARMANI ELEGANCE SEEKING TO EXOTICALLY EMBELLISH THE WORLD OF UPHOLSTERY WHILE GIANT INDIGENOUS INSECTS ARE SEEKING TO CREEP UP AND TAKE OVER MAJESTIC DONGHIA DRAPES DECORATING THE GRAND ENTRANCE. SOFT AND FEMALE KIEFFER VELVETS SEE ONE ESCONSCED IN A CHAISE LONGUE WHERE THE REVIVAL OF EROTIC LOVE CLOTHED IN THE DARKEST OF RUBELLI SILKS ACTS AS A AGGRESSIVELY SLASHED WITH A RAZOR-BLADE. WE REQUEST PENITENCE FOR OUR CARNAL CRIMES WITH KNEES SOFTLY EMBEDDED ON AN ORGANIC SATIN PATTERNED WITH LUSH BOTANICALS. LIVING ON THE EDGE. DESIGN INDULGES IN THE EMBRACE OF BLACK AND FAUX-BLACK OF EVERY TEXTURE AND TYPE, FOR A BLACK-ON-BLACK CELEBRATION OF GLORIOUS GLOOM AND DOOM AND AN AUDACIOUS AND ECCENTRIC ENACTMENT OF THE NIGHT, WHERE ALL IS A MAJESTIC SOMBRE MONOCHROME AND SOFT SHADOWS ARE CREATED BY THE FULL MOON ONLY.

MEMENTO MORI, THE STILLER STYLE SEEMS TO SUGGEST.

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SHAMANISTIC MASCOT CLOTHED IN AN ABSTRACT SATIN

RUBELLI

BECOMES A POSSIBILITY. A MEDITATIVE BLACK BIRD

left: mask Gong 30027-018, fabric: Donghia Bell’Insetto 10153-19, right: small bird Gong 30027-018, fabric Donghia Bell’Insetto 10153-19

Sabine Pigalle assisted by Justine Romuald styling Sergio Machado assisted by Daniel Costa avifauna birds by Studio Maarten Kolk & Guus Kusters www.mkgk.nl

photos

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left: Poliphilo 30000-010, right: Maurilia 30017-006

RUBELLI

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objects of desire Sabine Pigalle assisted by Justine Romuald styling Sergio Machado jewellery vintage Christian Lacroix photos

left: Gong 30027-005, Chiaroscuro 30014-006, right: Les Indes Galantes 30001-007

As travellers on the silk road of life, we need and accumulate boxes in which to hold possessions, boxes in which to classify our belongings, boxes in which to preserve the past and to streamline the present.

The box offers the pleasure of containment, and when the box itself is beautiful, the pleasure is doubled: the box

becomes a treasured object in its own right. Nomadic peoples, whose belongings are reduced to only the most necessary and most prized things, have developed containers that are both intelligently conceived and aesthetically impressive.

It is a natural step, in a collection inspired by the new silk road, for Rubelli to offer

boxes covered with the very textiles that have resulted from this imaginative 21st-century journey.

And now also, as in the time of the early silk road traders and travellers, we are inclined to put pen to paper. The act of writing becomes again a precious ritual, asking us to step away from the keyboard and screen. We want

ink and ink-pens and inkwells and desire respectfully crafted paper that is deserving of our ideas, and books whose noble fabrication and tactile, colourful fabric covers inspire us to ďŹ ll their blank pages with our travel sketches and our observations of life. Restoring the ancient pact between idea, ink, paper and cloth, we again want to write.

Giuseppe Brancato, Damir Yusupov, Rustem Adagamov text Diane Becker photos

dressing the bolshoi 12,000

M

fabric

1,200

M

gold fabric

500

KG

gold yarn

1.5 x3 W

H

repeat of the design for the main stage curtain

900

KG

total weight of the main stage curtain

Dressing a theatre is an extraordinarily complex affair, especially a legendary theatre known for its historic stagings of opera and ballet.

Recognised both for the dramatic beauty of its textiles and for its highly specialized experience in the creation of curtains and fabric furnishings for Italy’s great theatres, Rubelli was commissioned in 2007 by the Bolshoi Theatre of Russia to provide all the textiles for its restoration.

The Bolshoi’s history is one of devastation and rebirth. The original structure, built in the 1800s, was itself conceived as a musical instrument, one which allowed the audience to experience the music from within. A barrel-vaulted orchestra pit, a suspended wooden ceiling and a floating wooden floor contributed

to the theatre’s powerful resonance.

Heavy-handed consolidation of the Bolshoi during the Soviet years involved pouring huge amounts of cement into the structure, deadening the acoustics to the point that performers on stage could not even hear the orchestra. The curtains, adorned with a hammer and sickle motif, absorbed what little sound managed to escape. Decades of neglect exacerbated the theatre’s desperate condition, leaving it more than 75% unstable and making its restoration a matter of urgency.

Rubelli’s part in the great restoration included the provision of a damask for the boxes, the rooms behind the boxes and pelmets, and a brocatelle for the drapes and walls, both in red, as well as two types of

flame-retardant velvet. In all, over twelve thousand metres of damask, lampas, brocatelle, velvet and technical fabrics left Rubelli’s mill in Como for Moscow. Created in accordance with state-of-the-art safety regulations for technical fabrics, all fabrics used in the Bolshoi theatre are in gold and a fire-retardant fibre. Obtain-

ing the requisite strong red while interpreting the silk into a flameretardant fabric was not a simple matter. Many tests were carried out at the mill before approval, production and delivery.

The grand centrepiece of Rubelli’s contribution is the ensemble of three curtains for the main Bolshoi stage,

which required two years to research, design and produce. The fabric of the original stage curtain, in silk and pure gold yarn, showed a very large pattern repeat, a design feature which was retained in the reproduction. However, the pattern itself was changed: communistic iconogaphic elements were replaced

RUBELLI

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with the double-headed Tsarist Imperial eagle, Saint George and the Dragon and the word “Russia” in Cyrillic letters.

For the curtain five hundred kilos of pure gold yarn were developed by a highly specialised spinning factory, the only one of its kind in the world. The result is a precious, shimmering lampas used

to make two of the stage curtains: the first is the “classic” one made up of two parts which, running on tracks, are gathered at the sides; the second is that which descends from above to be used taut as a backdrop. Over twelve hundred metres of the lampas were supplied for the two stage curtains and for the covering of

the side columns. The third stage curtain required nine hundred and thirty metres of Imperial Russian red velvet, which was also used to make the valance.

When the great curtain opened on the 28th of October, 2011, it announced the rebirth of a Bolshoi for the 21st century, which also honours and applauds its grand, venerable past.

RUBELLI

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But numbers alone don’t tell the story, although they stun by their magnitude. Entering the theatre, even before the first notes are played the atmosphere is vibrant with the thrilling aura generated by the colours, the textures and the sumptuous play of reflecting lights. Woven into these rich and glowing vestments is the marvel of anticipation, the

tingling of attention which signals to the spectator to prepare every sense, to get ready to experience something from a higher, fuller, richer dimension beyond the world outside the theatre doors. It’s magic. Dressed for the occasion, the Bolshoi hosts a rare and extraordinary encounter with Art and Music.

LR INTRODUZIONE LR Introduction (pagina 1) Qualche mese fa, visitando una fiera di antiquariato, sono stato attratto da un vaso, opera di Gio Ponti. Il mio trisnonno Lorenzo, apprezzandone il talento, gli commissionò alcuni bozzetti, compresi quelli divenuti due velluti tessuti a mano ed esposti alla Biennale di Venezia nel 1934. Questi disegni, prodotti ora su telai ad alta tecnologia, fanno parte di una collezione di quattro articoli che costituiscono il nostro omaggio a Gio Ponti nel 120° anniversario della sua nascita.

Acquistai quel vaso per la sua bellezza e anche per la forma di mappamondo: una perfetta integrazione alla mia collezione di piante di Venezia. Su di esso seguo il percorso dei mercanti lungo la via della seta: lasciando l’oro di Venezia si attraversa il rosso di Istanbul, quindi il turchese di Samarcanda, i bianchi di Darjeeling, il blu inchiostro di Pechino, fino a giungere ai colori floreali di Kyoto.

Sono le tappe di un viaggio immaginario che unisce gli opposti: est ed ovest, passato e futuro, tradizione ed innovazione, arte e industria, seta e filati tecnici. I nostri nuovi tessuti si svolgono lungo queste città leggendarie, amalgamati in un contrasto armonico.

Questa è la collezione Rubelli 2012: tanto coerente con la tradizione Rubelli quanto protesa verso il futuro. Una collezione concepita come una sinfonia in due atti, passato e presente, ed in cinque movimenti: Antico, Metallico, Artistico, Romantico, Esotico.

Passato e futuro sono due elementi inscindibilmente connessi nella storia di Rubelli. La base del nostro futuro sono le novità che di continuo creiamo. Oggi le sfide si fanno sempre più dure, per questo abbiamo deciso di rafforzare il nostro ufficio stile: il lavoro prezioso di Alberto Pezzato, Anna Candelù, Francesco Zampieri, si consolida con Sophie Lattes, direttore artistico con il compito di orchestrare il nostro dinamico team creativo.

Questa nuova rivista - LR - è un canto d’amore al tessuto, un simbolo della nostra passione per l’attività che svolgiamo da secoli, e che continuiamo a praticare con il medesimo entusiasmo. Le nostre origini sono la nostra identità: per questo la rivista porta le iniziali di Lorenzo Rubelli , che nell’Ottocento acquisì un’azienda che manteneva in vita la nobile arte della seta veneziana.

La nostra storia viene raccontata in una monografia di prossima pubblicazione: “Rubelli - Una storia di seta a Venezia” che narra il solido legame tra la famiglia, Venezia, il tessuto.

Oltre alla collezione Rubelli, LR descrive le altre facce del Gruppo Rubelli: narra come abbiamo tessuto fili d’oro per il sipario del teatro Bolshoi; ricorda gli altri marchi del Gruppo: Dominique Kieffer, Armani Casa Exclusive Textiles by Rubelli e Donghia.

LR presenta i nostri tessuti in maniera spettacolare. Racconta storie legate al mondo Rubelli, mostrando come si possano combinare tradizione ed innovazione:

Carlomagno è uno straordinario esempio di come un’antica armatura abbia ispirato un tessuto atemporale, rivestito di strati di patina secondo tecniche esclusive sviluppate dai nostri stilisti e tecnici.

Questa rivista è il risultato della collaborazione tra Rubelli ed Edelkoort Etc. Voglio ringraziare Loredana Di Pascale, Lidewij Edelkoort con Sophie Lattes e i loro collaboratori per quanto hanno raggiunto.

La presenza discreta del corpo umano nella presentazione dei nostri nuovi tessuti rammenta come essi non siano solo opera d’arte, ma siano progettati per essere vissuti.

Dunque, concedetevi il piacere di vivere circondati dalle creazioni Rubelli: non v’è nulla di meglio.

Sfogliate le pagine di LR per conoscere i mondi del Gruppo Rubelli, e scoprirete come la nostra storia e la nostra tradizione non ci àncorano al passato ma sono le nostre ali per volare al futuro.

FUORI NORMA Escape from the ordinary (pagina 3-15) Sontuosa e garbatamente irriverente, questa nuova collezione 2012 ci conduce e ci incanta su una Via della Seta in continua evoluzione. Il passato e il futuro si incontrano, le culture antiche e contemporanee si incrociano, rinnovando il nostro interesse per le stoffe e i motivi.

Tessuti singolari e poetici ci fanno viaggiare tra i velluti patinati di Venezia, i jacquard naïf e narrativi di Shanghai, i motivi floreali dei kimoni di Kyoto, che convivono con i rossi rubino di Rubelli riscoperti a Istanbul.

Filo rosso della collezione, una tavolozza esuberante di gialli e ori, creata nello spirito di una Via della Seta moderna. La promessa di un viaggio dalla vecchia Europa verso la nuova Asia, che illustri l’influenza crescente dell’Oriente sull’universo dell’arredamento in Occidente, attraversando i mari e i deserti, carichi dei ricchi ricami di Darjeeling e dei motivi da armatura di Samarcanda.

Un ventaglio di colori e di texture al contempo vivide e discrete illumina il passato coi colori del presente, come se ogni creazione partecipasse dell’elogio dell’ombra. Portando innovazione alla tradizione e tingendo di esotismo le origini veneziane di Rubelli, questo gioco distintivo di chiaroscuri annuncia un rinnovamento del romanticismo.

Ora sobria e sfumata, ora arditamente eccentrica, questa collezione « fuori norma » dà vita a una modernità sensuale controllata, nella quale i tessuti stimolano i nostri desideri di memoria e intessono il nostro futuro.

Nell’era Rubelli del XXI secolo, questa famiglia, che si distingue per il gusto estetico e un know-how d’eccezione, esprime una cultura del tessuto al crocevia tra l’arte e l’industria, tra il passato e il futuro, tra l’est e l’ovest. Coltivando le più varie influenze culturali in un collage contemporaneo, dove il valore della conoscenza incontra il valore dell’emozione.

Venezia Viaggiare senza lasciare la camera da letto drappeggiata con i tessuti della nuova

via della seta, cedendo al fascino di sete sontuose, dal colore brillante e dal motivo allettante.

L’itinerario comincia lungo il Canal Grande: avvolti da sete di un’eleganza sensuale e da morbidi velluti si viene trasportati in una palette carismatica di ori.

Istanbul Veleggiare nel Bosforo alla ricerca di tesori inaspettati, abbandonandosi a un’interpretazione contemporanea di uno stile di vita ottomano intensamente poetico, che si esprime nei toni ricchi e persino romantici del rosso scarlatto e rubino.

Shanghai Catturati da esuberanti pieghe blu cina e ricco indigo, per esprimere e scrivere con una scrittura elegante una grammatica contemporanea di chinoiserie finemente lavorate, stimolando l'immaginazione per creare interni esotici dove è piacevole rilassarsi sognando ad occhi aperti.

Kyoto Distendersi su materassi multipli: il rilassato stile di vita della geisha è allestire interni combinando disegni scelti a caso con un felice turbinio di colori che creano una sincopata continuità ed un senso grafico della percussione in un contemplativo interludio creativo.

Samarcanda Sognare una carovana di cultura che avanza nella steppa fino ad essere circondati dallo spirito della città antica: ricchi strati di raffinatezza nomade fatta di turchesi e verdi celadon mixati al grigio e ad una leggera spolverata d’oro.

Darjeeling Sorseggiare tè in un' atmosfera di modernità discreta, dominata dal bianco, in cui le ricchezze indiane e le tradizioni inglesi si incontrano per creare una garbata enclave, un senso di profondo raccoglimento in toni che riflettono sobrie e splendide sete, leggermente lucenti.

LA STANZA Un universo Armani The Room - An Armani Universe (pagina 16-21) Tessuti sublimi e nobili - drappeggiati alla perfezione, in colori che sono capolavori di delicatezza e in texture che sono espressione di eleganza - abbelliscono la stanza come si trattasse di una silhouette. Qui vi è il meglio dei due mondi: essere vestito Armani ed essere svestito Armani. Grazie alle superfici setose e all’apporto dei colori, questi tessuti fanno della stanza Armani/Casa l’ambiente perfetto dove abbandonarsi alla propria odalisca.

Il nome Armani è sempre stato associato a tessuti sobriamente stupendi e sofisticati; che si tratti di vestire una donna o degli interni, il filo conduttore è una bellezza mai ostentata.

Niente è troppo. Il lusso è nella materia. E il cuore della materia è il fascino. Un fascino che deriva dall’aspetto di questi tessuti, dall’emozione che provocano, dal modo in cui cadono e scivolano. Perché c’è sempre una percezione tattile sensuale.

Con effetti texture intriganti ispirati al mondo vegetale, micro pattern, e giocando con superfici e colori, la collezione Armani/

Casa Exclusive Textiles by Rubelli è audace e garbatamente sontuosa. Guardatela da vicino e in un lampasso di seta e in un raso a stampa digitale troverete rami e foglie di un’antica quercia, un intreccio grafico moderno che ricorda la lavorazione di un cesto, texture che riproducono piante ispirate alle linee stilizzate delle foglie e alle loro nervature, un matelassé tridimensionale in cui trama e ordito si alternano. Disegni tratti da ombre e silhouette di piante ricordano sinopie stampate dalla luce solare, per cui gli strati trasparenti dei motivi e delle tonalità fanno eco al gioco di luce fra le foglie e i petali. “Colori non colori” neutri, naturali e delicati come il melanzana smorzato, il grigio-verde fumo e un bianco crema leggermente tinto di verde creano un’atmosfera intima, armoniosa e senza tempo.

La stanza Armani è il risultato di un concetto globale che comprende tessuti, moda, accessori, interni, architettura e design. Con il suo squisito senso estetico, pacato e conciliante, il genio di questo habitat simbiotico sta nella sua capacità di far sembrare e sentire meraviglioso chiunque vi entri.

UN MINIMALISMO GENTILE The tender minimalist (pagina 22-25) Improntata a un'innata discrezione, la Collezione Dominique Kieffer ricerca l'autenticità, con suggestioni di aurore boreali e tessuti tradizionali. E’ design tessile che si fa filosofia: apprezzare le piccole cose. Riposare la vista. Rifocillare lo spirito.

RIFLESSIONI Reflections (pagina 26-33) La città risente dell’influsso delle maree e della luna. Le vie d’acqua che l’attraversano sembrano unirsi alle correnti segrete dell’animo, al flusso e al riflusso della memoria, della fantasia e del desiderio.

Nella Venezia della mente, navighiamo in un labirinto psicologico fluido dove niente è ciò che sembra: un ambiente perfetto per le nostre più emblematiche storie d’amore, di perdita e d’illusione.

Venezia, la città romantica e decadente, la Serenissima, racchiude di per sé un pathos particolare e fa intravedere qualcosa di ardentemente desiderato che scivola via lontano senza poter essere afferrato; le sue storie alimentano il fascino della città nel melanconico crepuscolo della sua decadenza, come se amore e bellezza fossero sinonimo di morte. Proprio da queste acque che luccicano nel buio è nata la storia di un eroe tragico che si è perduto in una nebbia di bugie e di sussurri; condotto in un ingannevole mondo di specchi e incapace di riconoscere la verità, è abbagliato dalla deformazione.

Gli interni di Venezia celebrano questo ambiente circondato dall’acqua che riflette specchi antichi ancora lustri, con il loro argento ora striato e a chiazze, oggetti metallici ossidati e dorature scolorite accanto a velluti danneggiati dal tempo e drappeggi in seta pesante. Tutto contribuisce a enfatizzare non soltanto il gioco di luce

EFFETTO FLOU Soft focus (pagina 34-39) Nel corso della sua storia, il design americano ha sempre avuto dimensioni generose, materiali di lusso e forme accattivanti, reinventate con un occhio attento al glamour, ai dettagli e alle finiture.

Il genio decorativo di Donghia è il soggetto ideale per un film, con un dialogo intrigante tra due grosse sedie, un furtivo scambio di sguardi tra lo specchio e la lampada e un monologo languido e stiracchiato di un sofà che domina discretamente su tutto. Ogni singolo pezzo viene scelto per interpretare un personaggio specifico e recita la sua parte nella rappresentazione della decorazione romantica. La storia di un design che coniuga enfasi e sobrietà.

Il genio di Chuck Chewning, il dinamico direttore creativo di Donghia, sta nella capacità di rimanere fedele all’eredità del passato, innovando l’approccio classico con uno sguardo americano e contemporaneo.

Per questo ha deciso di tornare indietro nel tempo, agli Anni Settanta del fondatore Angelo Donghia, e di ripartire proprio dai mobili bombati che definirono lo stile delle abitazioni di tanti artisti celebri e di molte stelle del cinema. Angelo Donghia era figlio di un sarto, che in seguito ha coltivato la passione per il mondo dell’arredamento

d’interni; l’attuale designer creativo era destinato a questa carriera che l’ha portato a viaggiare in tutto il mondo come un moderno nomade e a ridisegnare gli interni di palazzi divenuti alberghi: a Milano, Istanbul, Londra, Vienna e, di recente, al Gritti Palace di Venezia.

Donghia ha inventato l’idea dello stile decorativo e, per questo, è noto come il Saint Laurent dei sofà; con una particolare attenzione alla qualità, alla perfezione e al piacere, il suo obiettivo era creare interni in cui vivere. Chewning dà forma a una sua idea di lifestyle, creando ambienti emozionali per i clienti. Se dipendesse da lui, i vestiti delle signore dovrebbero abbinarsi alle sedie, lui stesso cucinerebbe una cena intonata al colore delle tende e, quanto al letto, lenzuola di flanella grigia e pigiama di raso.

Con il suo fascino coinvolgente e il suo carisma creativo sta portando il marchio Donghia nel 21esimo secolo. Chewning combina liberamente il lusso estremo dello jacquard di seta con la trama grossolana di una coperta. La sua opera può essere riassunta nella semplicità delle linee e purezza dei materiali, unita a forme audaci, quasi sfacciate, e a tessuti dalla trama sensuale.

RENDI QUALCOSA MERAVIGLIOSO! Make something beautiful! (pagina 40-47) Il padrino della rinascita del design tra le due guerre è stato poeta, pittore, artigiano, designer industriale, architetto e anche giornalista e fondatore della rivista Domus.

Con la sua passione per lo stile italiano contribuì alla dolce vita e pubblicizzò le sue ispirazioni, le sue idee e il suo stile sulla rivista da lui fondata nel 1928 e diretta per molti anni. Partecipò alla Biennale delle Arti Decorative di Venezia, dove veniva esposto il meglio del design italiano.

Desideroso di provare la sua mano creativa quasi su tutto, negli anni Venti Gio Ponti cominciò a fare esperimenti sulle ceramiche, e successivamente ad utilizzare per le sue creazioni una grande varietà di materiali.

Ponti ideò oggetti di vetro per il maestro vetraio Paolo Venini, scene e costumi per La Scala di Milano e, per Rubelli, disegni di tessuti che sono stati presentati alla Biennale di Venezia nel 1934. Il suo interesse per le arti decorative ne ha fatto un maestro anche nell’architettura decorativa, creando rivestimenti in ceramica per i suoi edifici e motivi enormi e colorati per le pareti dei suoi hotel. Come per molti artisti attivi a partire dalla prima metà del XX secolo, il suo scopo era quello di creare opere d’arte in senso totale - che includevano l’architettura, la decorazione, il tessile, il disegn industriale dando così origine all’idea dello stile di vita ante litteram.

Due dei tre tessuti creati da Gio Ponti per Rubelli sono una reinterpretazione dell’antichissima tecnica della tessitura dei velluti. Per Punteggiato, Ponti ha creato una sequenza ravvicinata di cerchi sfalsati con diverse gradazioni di colore utilizzando l’antica tecnica del soprarizzo; e per Rattoppato, una serie di disegni

grafici incisi sulla superficie del velluto.

Ispirate al Giappone, queste decorazioni, vivaci e leggere, sono completate da un motivo figurativo occidentalizzato su raso (Alchimia). Le ceramiche asiatiche raffigurate sulla superficie del tessuto comunicano tutto il ritmo, la verve e l’esuberanza per cui Ponti era famoso. Per completare la collezione, il team creativo di Rubelli ha ideato un falso unito modernista da coordinare con i disegni figurativi: Reticolo.

In una continua progressione, Ponti applicò il suo eclettico e multidisciplinare approccio al design ad alcuni edifici - come il famoso grattacielo Pirelli a Milano - e a mobili che divennero dei classici, come la poltrona Distex del 1953 e la sedia icona Superleggera del 1957 per Cassina. La curiosità creativa di Ponti e la sua generosità di spirito lo portarono ad intraprendere molte collaborazioni. I risultati erano tanto giocosi quanto rigorosi. Divenne un maestro nella manipolazione dei motivi figurativi su grandissima scala: lavorando con Fornasetti, decorò un casinò con un motivo di enormi carte da gioco, mentre la loro collaborazione per il design d’ufficio portò alla creazione di mobili ornati con immagini di penne, matite, carta e computer.

Alla sua morte, avvenuta nel 1979 all’età di 88 anni, Ponti, nelle parole di sua figlia Lisa Licitra Ponti “aveva raggiunto sessant’anni di lavoro, edifici in trenta Paesi, conferenze in ventiquattro nazioni, venticinque anni di insegnamento, cinquant’anni di redazione, articoli in ciascuna delle cinquecentosessanta uscite delle sue riviste, duemilacinquecento lettere dettate e duemila scritte, progetti di design per centoventi aziende, mille schizzi d’archittettura”. Grazie alle riedizioni della Rubelli, possiamo apprezzare i motivi eccentrici dei tessuti preziosi, ma modernisti, che Gio Ponti ha ideato e condiviso, sempre in quello stato di gioia che caratterizzava i suoi momenti creativi. Questo è proprio ciò che avrebbe voluto. “Rendi qualcosa meraviglioso!”: questo era quanto diceva e che ha fatto, sempre.

IL NOMADE MODERNO The modern nomad (pagina 48-53) Nel decorare le camere d’albergo, la scelta di materiali e colori è nelle mani del designer. Spetta a lei o a lui dare il tocco che fa di un palazzo a cinque stelle un luogo lussuoso e contemporaneo. Si tratta di mescolare storia e passato al presente tecnologico e, nei tessuti, di aggiungere alla funzionalità fantasia e, talvolta, una certa leggerezza. Il decoratore d’interni crea lo schema cromatico in cui il viaggiatore dovrà abitare e sentirsi a casa, anche solo per una notte. Una responsabilità dal punto di vista umano piuttosto importante, come sa chiunque viaggi di frequente!

La psiche del nomade moderno è l’elemento centrale a cui si vuole dare serenità, lenire i brutti momenti e rilassare i sensi con materiali naturali piacevoli al tatto e una gamma di colori delicati, guidando il viaggiatore a perdersi in uno spazio nuovo, ricco di fascino e di stile.

Nelle mani della designer olandese Kiki

van Eijk, il design di camere d’albergo si arricchisce di carattere e personalità, suggerendo possibili scelte e idee innovative al mondo del design e della decorazione d’interni. Dopo tutto, sta a ciascuno raccontare la propria storia in modo originale...

Davanti agli occhi si apre allora uno scenario affascinante, drappeggiato su strutture in legno di mobili, letti, specchi e lampade, dove nuove storie moderniste vengono raccontate dai tessuti Trevira CS di Rubelli, dalla loro gamma di colori e da trame inedite che, combinandosi, danno vita a santuari vivaci e riposanti in cui non solo il corpo, ma anche la mente si rigenera, prendendosi una pausa dalla frenesia del mondo esterno.

Disseminate in un grande spazio industriale sperduto - un hotel ancora senza forma queste composizioni giocose propongono una serie di marroni castagna limpidi e caldi, gialli mostarda luminosi, delicati colori del bronzo e il classico grigio freddo, esaltato dal lirismo di tocchi d’oro. Un gioco di stoffe tessute e trapuntate, e di forme irregolari e righe in rilievo, invita la luce a danzare leggera tra le dimensioni delle superfici; e, all’improvviso, una notte trascorsa lontano da casa si rivela una fonte di piacere inaspettato.

LUNA DI SETA Silk moon (pagina 54-59) Delle 12 lune, la più ipnotica è la luna del raccolto che viene festeggiata in Corea come la più grande e la più luminosa. Nei tempi antichi questa luna era celebrata con gare di tessitura fra squadre di donne esperte che si sfidavano per festeggiare la bellezza della luce lunare.

Il fotografo Kyung Soo Kim ha voluto raccontare in un modo tutto suo la storia della luna piena propria della tradizione del suo Paese, richiamandosi alle forme fluide e floreali del hanbok in seta, il tipico vestito coreano. “Durante le festività tradizionali nazionali, chiamate Chuseok, molti coreani erano soliti indossare l’hanbok. Volevo mostrare questo abito tipico e ricreare l’atmosfera particolare sia con un tocco lirico che contemporaneo. Per questo ho scelto un allestimento neutro; mi importavano solo le ombre e i riflessi. Tessuti, vestiti e volti erano messi in risalto dai colori freddi che riflettevano la luce creando una sensazione quasi surreale”.

L’hanbok è astratto, senza particolari dettagli e senza tasche; è solo forma e volume. Il giacchino, chiamato jeogon , è tagliato molto corto, sopra il girovita come un bolero, ed è legato da un fiocco che funge da decorazione. Viene indossato con una gonna lunga e una sottogonna, coordinate fra loro.

Quest’ultima sostituiva i pantaloni larghi, in uso nei secoli precedenti. Questi modelli arcaici sono stati influenzati dagli scambi commerciali e culturali, e sono sopravvissuti a guerre e migrazioni.

Le forme semplici, che includono disegni sciamani, come le nappe con motivi che narrano saghe archeologiche, derivano dagli indumenti dei nomadi della Siberia e sono stati disegnati per facilitare i movimenti.

L’hanbok è un bellissimo esempio della storia della Via della Seta.

traduzioni italiano

sulle superfici, ma anche lo splendore sfumato del declino della magnificenza. E’ un’atmosfera fatta di nuance di velluti ricchi, ora vagamente tenebrosi, ora dalle tonalità più attenuate: nero notte, argento nebbia, blu pioggia, grigio pioggerella, verde laguna e ocra sabbia.

Nella Venezia nebbiosa e luminosa sembrano possibili le fantasie più stravaganti. Il rumore è diffuso, come la musica proveniente da qualche stanza lontana, distante abbastanza per sfuggire all’orecchio, e in grado di ispirare storie allo scrittore.

Allettante per i pittori, la luce in continuo cambiamento è riflessa e argentea, come la luce che si diffonde dagli specchi patinati e attraverso i vetri ondulati delle finestre.

Anche se l’acqua riflette amorevolmente edifici e ponti aggraziati, la sua presenza è minacciosa.

Come quando il leggero sciabordio sulle pietre degli antichi ormeggi e delle rive lascia spazio alle forti piogge invernali che invadono le piazze, sommerse dall’acqua fino al ginocchio. Così come qualche città gemella della perduta Atlantide.

Qui, in qualsiasi momento, la bellezza può annegare nel dolore.

Il canale fa un cenno, l’acqua verde spruzza frammenti di luce. Guardando indietro come le onde si allungano oltre i remi, il riflesso dei palazzi dorati lungo il canale si mescola alle correnti scure che dolcemente e inesorabilmente portano al mare.

Didascalia: Gli studi sugli specchi veneziani di Matthias Schaller sono tratti dalla collana Leiermann e sono inclusi nel progetto Venice in Peril, che vede artisti impegnati con il loro lavoro a preservare la città dai danni causati dalle condizioni ambientali e dal turismo.

Kyung Soo Kim fotografa l’abito tradizionale, realizzato però con colori pastello inconsueti. Le tinte opache ed eteree brillano come frammenti di un sogno di cui si ricorda solo la metà.

Le strutture del tessuto, spesse e crespe, danno voce ad armonie inaspettate che derivano dalla sovrapposizione di pastelli raffinati con la netta geometria dei tagli squadrati dei capelli neri. E ancora, un turbinio di gattini neri e l’interpunzione di una scarpa tradizionale dalla punta nera rivolta verso l’alto. Gli abiti raccontano il vissuto, il volume espressivo, le onde, i drappeggi e le curve che nascono dal movimento e che celebrano il movimento.

UNA FUGA MOMENTANEA A momentary retreat (pagina 60-63) Il paravento consente di organizzare lo spazio in modo flessibile, suggerendoci che una stanza è sempre pronta ad essere ridefinita. Quindi, permettendoci di dedicare un posto speciale alla contemplazione, crea un luogo dove soffermarsi: una sorta di fuga intima verso una terra dei sogni fatta di una bellezza tridimensionale. Quando la decorazione di un tessuto descrive la flora e la fauna fantastica di un paesaggio esotico - che racconta con le tonalità del bianco, del bronzo e dell’ardesia su di un grigio luminoso il viaggio di un’antica principessa orientale - l’immaginazione è sollecitata a vagare lontano attraverso un mare di seta.

Un invito a lasciarsi andare liberamente al piacere, rilassandosi in un bagno caldo e tonificante.

SUSSURRI CINESI Chinese whispers (pagina 64-67) Jacquard in cotone con disegni floreali e stilizzati - con una palette di pastelli tenui e freschi - si ispirano a nostalgici interni imperiali, reinventati per sogni ad occhi aperti contemporanei.

Traendo ancora ispirazione dall’antica Cina, il letto non è più fatto solo per dormire, ma diventa un luogo in cui lavorare, stendersi, leggere, giocare o intrattenersi. La parola cinese per “letto” è tradotta come “luogo su cui accomodarsi” ed è in questo spirito che i primi letti divennero dormeuse, letti per fumare l’oppio e anche camere da letto intime e accoglienti, letti che erano pensati come sale appartate in cui oziare, trovarsi e rilassarsi con gli amici, o dove degustare da soli una tazza di tè, in un’atmosfera di bellezza, dolcezza e calore.

Oggi la dormeuse è rivestita con tessuti da coordinare a materassi, coperte e cuscini. Lo stesso disegno ripetuto in diversi colori tenui, tipici delle ceramiche, le conferisce un tono giocoso. Anche il paravento è rivestito con gli stessi disegni e crea un senso di silenziosa intimità e mistero.

PASSATO IMPERFETTO Past imperfect (pagina 68-73) Invita il passato nel presente per creare armonia dalla separazione.

Rovescia le dimensioni e stravolgi le regole;

Racconta vecchie storie in modo nuovo per vivere sulla pelle il paradosso.

Porta il presente nel passato per un tenero e fugace saluto, E in quei brevi attimi riavvolgi trama e ordito per cambiare il corso degli eventi e adattarlo al tuo futuro.

Riordina la storia per smentire le aspettative e fai della raffinatezza una provocazione. Taglia i ponti col passato per dare senso a esperienze nuove e inaspettate.

Srotola i fili del tempo, e lascia che i tenui disegni di fini broccati ti facciano giocare a nascondino con la storia, avvolgendoti nel mistero mentre scompaiono dalla vista.

Scegli strade imprevedibili seguendo gli scampoli della memoria.

Cogli i bagliori principeschi nel broccato rosa di una ragazzina; i mormorii di madonne rinascimentali nel fruscio della seta pesante.

Ama l’incontro furtivo tra ciò che era e ciò che è Quanti secoli possono incontrarsi nello stesso posto, allo stesso istante?

Viaggia nel tempo, fino alle rive incolte delle origini sfuocate nell’oblio E le nuove identità disegnate sul presente.

Gioca la tua partita lungo il confine Dove si uniscono presenza e assenza.

Le sedie sono parte della serie nerobruciato di Maarten Baas, rivestite da Les Indes Galantes di Rubelli, tessuto dai disegni indefiniti ispirato ai motivi di una coperta fatta per Luigi XIV nella Francia del 17esimo secolo.

ELOGIO DELLE OMBRE In praise of shadows (pagina 74-79) Nella foresta, al crepuscolo, gli alberi sono silhouette contro la luce che muore: una luce ancora più pura, proprio perché svanisce. In questo incontro di luce e ombra, ciò che dapprima è ben definito ed elegantemente disegnato, gradualmente diviene fluido e tutto si ricompatta in una muta oscurità.

Nei saloni, al crepuscolo, la luce che si lascia trasportare attraverso le finestre aperte è distillata e diviene luminosità, ma priva di colore. Sete nelle tonalità del viola, dell’oro e del grigio iniziano un gioco di chiaroscuro con la luce dove a decidere il tono è la nuance sempre mutevole. L’ultima luce del giorno manda una scintilla per giocare con le forme prima che svaniscano, come un effimero sguardo fugace.

Riscoprire la bellezza delle ombre è una vera e propria rivelazione se lo si fa attraverso la lunga tradizione del chiaroscuro nella pittura - in cui la forma tridimensionale è rivelata solo con la fugacità dell’effetto luce ombra sui contorni (il chiaroscuro dei Romantici) - o attraverso l’amore giapponese per la luce soffusa espressa così eloquentemente dallo scrittore Junichiro Tanizaki.

In un mondo troppo illuminato è troppo facile dimenticare che la luce risplende al meglio nell’oscurità. E così come la pelle di

una donna appare più bella alla luce di una candela, anche i tessuti si rivelano più ricchi se la luce è soffusa.

Traendo ispirazione dalla sensibilità estetica dell’Estremo Oriente, Rubelli s’impadronisce del fascino del crepuscolo, conferendo una luce fluttuante e opalescente e fiammeggianti zone scure alle sue sete preziose che sembrano illuminare il passato con la luce del presente. E’ tempo di scoprire il magnetismo della bellezza che trattiene qualcosa dentro di sé.

I RAGAZZI The boys (pagina 80-85) Ci siamo incontrati per la prima volta alla scuola d’arte, quindi ci conosciamo da 35 anni. Una vita. Durante la quale siamo stati testimoni della nascita di Ravage. Ero là per vedere la fantasia e i sogni diventare realtà.

Il risultato dell’incontro di questi due biondi di talento dai capelli lunghi è stata una complicità che dura da una vita, una fusione di talenti. Hanno creato il loro codice visivo per raccontarci le guerre e la pace, vittime e dittatori, vecchie zitelle e giovanotti, teste coronate e nouveaux riches, ufficiali decorati e soldati feriti.

Quasi subito fu chiaro che la direzione creativa di Clemens “l’uomo fashion” aveva trovato il suo complemento e la sua controparte nella conoscenza visiva di Arnold “lo storico”. La visione dell’uno stimolava l’immaginazione dell’altro. Da qui le immagini di una vita di esplorazione e del lavoro di una vita.

Non dimenticherò mai la nostra prima cena. Allora vivevano in una mansarda di servizio nel centro di Parigi. Eravamo tutti romanticamente squattrinati. I ragazzi avevano apparecchiato sontuosamente la tavola con un’elegante tovaglia e relativi tovaglioli in cotone di colore naturale e rifiniti con orli molto colorati, tutto creato da Clemens. L’insalata di tonno in scatola era servita in vere conchiglie e il Préfontaine (allora il vino dei senzatetto) in un decanter di cristallo. Grandioso e delizioso.

Trascorremmo il resto della notte ballando nel famoso nightclub Sept.

Quando andavano in vacanza in Scozia, a visitare i grandi castelli e a fare splendide cene a lume di candela, dormivano in tenda per essere in grado di pagare tutto il resto.

I doganieri, ispezionando gli zaini dei due campeggiatori, non sapevano come reagire di fronte agli smoking e alle scarpe italiane fatte a mano. Ravage, già allora, praticava gli estremi, ora così in voga.

In seguito, quando Parigi attraversò una fase apatica e noiosa, come strategia di autodifesa aprii una galleria d’arte nel mio appartamento dove artisti emergenti potevano esibire i loro lavori.

Centinaia di giovani venivano per i vernissages e per le feste sulla allora non amata rue St. Honoré. Ravage esibiva le loro opere. Curiosi e grandi oggetti in cartone colorato di Clemens e – sempre in cartone – splendidi gioielli decoupage di Arnold, degni di una casa reale.

Questi semplici materiali in cartone sono come schizzi del loro lavoro. Ciò era

già indice del fatto che non bramavano decorare, né che avevano bisogno di raccontare una storia. Fondamentale è la loro immaginazione e la spinta a creare. Senza preoccuparsi del domani, creano via via che procedono, facendo cose che non sono ciò che sembrano: un pastiche fatto perfezione, in un fiume incontenibile di idee.

Imprevisti portarono a cambiamenti e un trasloco a nuove avventure tra cui un negozio, una collezione e un marchio internazionale. Il successo meritato è molto bello se affrontato con passo sicuro; il vero divertimento è nel fare. Questo processo, questo cercare di dare sistematicamente un significato alla vita, avrebbe sicuramente influenzato illustri apprendisti come Job Smeets e Viktor & Rolf nel loro metodo di lavoro e nel loro modo di rapportarsi ad esso. Il perseguire l’improvvisazione, l’osare, una positiva determinazione nell’agire sono aspetti tipici di Ravage. Chi altro avrebbe scelto questo nome?

La Francia è diventata la loro patria. Sinistra ed estrema destra, arte e industria, filosofia e populismo… i paradossi francesi si addicono ai nostri ragazzi. Mobili a Milano, biancheria in Olanda, tessuti in America, carte da parati in Francia. Arte e industria si fondono felicemente nelle mani di Ravage.

La svolta a New York accadde in un momento significativo. La serata di apertura a Soho coincise con la notte in cui il Presidente Bush sferrò il primo attacco in Iraq. La mostra, intitolata Guerra e Pace, esibiva letti da campo, coperte militari, mobili pieghevoli, lampade e accessori da toilette di uno splendore degno di Napoleone. Si deve riconoscere a questi artisti un vero tempismo. E quindi, fra Clemens, l’anticipatore di trend, e Arnold, il filosofo civilizzatore, il passato e il presente sono intessuti nell’immagine che Ravage ha del futuro.

Così vanno da un bianco e nero molto grafico allo schizzo libero a matita, alle ricche tonalità del rosso e dell’oro, per suggerire sempre un calore radioso e un grande lusso. Bronzi e ceramiche aggiungono presto una terza dimensione.

Così i primi modelli in cartone diventano veri mobili, gli schizzi si evolvono in dipinti e, con le ceramiche e il tessuto, un’opera prende forma. Non c’è giorno in cui Arnold non disegni, mentre Clemens segue il lavoro nella moda. Esplorano incessantemente temi familiari e nuovi: la casa sul mare, il cane fedele, la vecchia amica, la splendida interpretazione di un’opera, la capra stupida, il pony robusto, l’infermiera devota e forse, presto, un asino. Famiglia e amici svolgono un ruolo importante nella loro vita; faccende domestiche e cene elaborate sono condivise con gioia. Il castello in Spagna finalmente diventa un vero castello in Normandia, la Ravage Opus Vivendi, dove il loro spirito creativo sancisce la sua singolarità e la sua indipendenza. Diventa chiaro che ciò che li rende felici è il processo creativo autonomo.

Il sale della vita.

Noi – fan, visitatori e collezionisti – partecipiamo a questa festa creativa, dove per un momento possiamo essere parte del sogno.

FOLGORANTE Dazzling (pagina 94-95) Gli interni più lussuosi includevano spesso pelli di animali e trofei di caccia. Sostituiti da tempo con uno stile safari - disegni riprodotti in tessuto, a stampa e applicati - i motivi animalier diventano sinonimo di ricchezza e notorietà e, per i decoratori, il massimo piacere. Il mimetismo dei motivi zebrati, concepiti perché l’animale sfugga ai suoi naturali avversari, ora si insedia su un trono rubato a un set di Hollywood, sorvegliato da due pantere che ruggiscono affamate, pronte ad uccidere.

ECCENTRICO Eccentric (pagina 96-97) Una smania incontrollabile spinge l’uomo ad assumere il ruolo dominante nella gerarchia delle specie, sottraendo i poteri agli animali più forti, selvaggi e creativi: vestendosi del loro coraggio, riscrivendo il proprio stile con zoccoli e una folta criniera ricoprendosi con gli eleganti motivi grafici del manto animale, decorando la propria abitazione con bottini di caccia, rivestendo sedie scultoree di una materia tangibile e vivace, invitante e selvaggia.

ANIMALE Animalistic (pagina 98-99) L’animale che si aggira nella psiche umana ha ripreso a ruggire, ridando vita al desiderio istintivo di coprirsi con pelli selvatiche, pellami esotici e ossa stilizzate. Il design mescola e crea ibridi sempre più nuovi e selvaggi; il desiderio diventa onnivoro e indolente, prende forma nel ritmo ed è abbellito da grazia e audacia. Consapevole di essere egli stesso una specie a rischio di estinzione, l’uomo vuole diventare animale e avvicinarsi a uno stile di vita più intuitivo.

ROMANTICI FANATICI Frenetic romantics (pagina 100-107) Disgustati da un mondo in balia del caos, da un’economia disastrata e da un pianeta in pericolo, il mondo della decorazione d’interni e del design ha scelto di cercare riparo. Di riposare nelle lunghe ombre della sera, aspettando l’arrivo dei vampiri e l’inizio di un ballo di mezzanotte dallo stile eccentrico ed edonistico, con i suoi specchi velati, le donne mascherate e gli uomini alati. Oscure frotte di romantici fanatici bevono assenzio per aperitivo, cenano con caviale e cacciagione al sangue, per finire con un dessert nero come la pece, fatto di liquirizia e polvere di pepe selvatico.

Il nero diventa la regola della notte, il guardiano degli umori cupi, il trovatore romantico che intona canzoni ciniche. La dormeuse su cui appisolarsi e il drappeggio sul petto di un uomo o su una sedia gotica trovano nel nero una sorta di completa beatitudine. Ogni marchio del Gruppo Rubelli è consapevole degli ultimi trend; per questo esplora il romanticismo notturno e i tratti a volte surreali del design di interni.

Ripensare ed esaltare il fanatismo del colore nero.

Le ombre cupe e profonde dei motivi nostalgici raccontano gli anni ruggenti che stiamo vivendo, nel revival di un’eleganza Armani da epoca d’oro del Jazz, che vuole abbellire con elementi esotici il mondo dei tessuti d’arredo, mentre giganteschi insetti indigeni cercano di arrampicarsi e di conquistare i maestosi tendaggi Donghia.

I velluti morbidi e femminili di Kieffer cullano una figura abbandonata su una chaise-longue, su cui è possibile rivivere un amore erotico. Un uccello nero e meditabondo, vestito con le sete più scure di Rubelli, funge da mascotte sciamanica abbigliata di un raso squarciato con violenza da un rasoio. Chiediamo una penitenza per i nostri peccati carnali con le ginocchia dolcemente poggiate su un raso decorato con rigogliose forme botaniche. Vivere sull’orlo del precipizio. Il design si abbandona all’abbraccio del nero e del falso-nero in ogni tessuto e materiale, per celebrare nero-sunero la gloria del buio e la triste sorte: una rappresentazione audace ed eccentrica della notte, in cui tutto è una magnifica e sobria monocromia e le morbide ombre sono create unicamente dalla luna piena.

Memento mori. Cio’ che suggerisce il piu’ pacato degli stili.

OGGETTI DEL DESIDERIO Objects of desire (pagina 108-111) Come viaggiatori sulla via della seta della loro vita, abbiamo bisogno di collezionare scatole in cui conservare i nostri beni, scatole in cui classificare i nostri effetti personali, scatole in cui custodire il passato e ottimizzare il presente. La scatola dà il piacere di contenere, e quando la scatola stessa è bellissima, il piacere è doppio: la scatola diventa un oggetto gelosamente custodito. Le popolazioni nomadi, i cui averi erano ridotti allo stretto necessario e alle cose più preziose, hanno creato dei contenitori che sono ingegnosi dal punto di vista funzionale e sorprendenti dal punto di vista estetico.

E’ naturale che Rubelli, in una collezione ispirata alla nuova via della seta, offra scatole rivestite con i tessuti che sono nati da questo viaggio immaginario del XXI secolo.

E anche ora, come ai tempi dei primi mercanti e viaggiatori sulla via della seta, tendiamo a prendere la penna in mano.

L’atto dello scrivere diventa nuovamente un rituale prezioso che ci chiede di allontanarci dalla tastiera e dal video. Vogliamo inchiostro, pennini e calamaio e desideriamo una carta lavorata sapientemente che meriti le nostre idee, e quaderni di nobile fabbricazione, con copertine in tessuto colorate e piacevoli al tatto, a cui affidare i nostri schizzi di viaggio e le nostre osservazioni sulla vita. Ristabilendo l’antico patto tra idee, inchiostro, carta e stoffa, vogliamo di nuovo scrivere.

VESTIRE IL BOLSHOI Dressing the bolshoi (pagina 112-119) - 12,000 metri di tessuto - 1,200 metri di tessuto d’oro - 500 chilogrammi di filato d’oro - 1.5 X 3 metri di larghezza e altezza del disegno per il sipario principale - 900 chilogrammi - peso totale del sipario principale Vestire un teatro è un compito straordinariamente complesso, in modo particolare un teatro leggendario per le sue storiche messe in scena di opere e balletti. Riconosciuta sia per la straordinaria bellezza dei suoi tessuti che per l’esperienza altamente specializzata nella creazione di sipari e stoffe per l’arredamento dei più importanti teatri italiani, all’azienda Rubelli nel 2007 vennero commissionati dal Teatro Bolshoi tutti i tessuti per il suo restauro.

La storia del Bolshoi è di devastazione e rinascita. La struttura originale, costruita nell’Ottocento, è stata immaginata come uno strumento musicale che permetteva agli spettatori di vivere la musica dall’interno. Una fossa dell’orchestra a volta, un soffitto sospeso, in legno, e un pavimento galleggiante, anch’esso in legno, contribuirono ad accrescere la fama del teatro. Un intervento invasivo di consolidamento ai tempi dell’Unione Sovietica, con l’inserimento di grandi quantità di cemento nella struttura, ha assassinato l’acustica al punto che gli interpreti sul palcoscenico non riuscivano

nemmeno a sentire l’orchestra. Il sipario, decorato con il simbolo della falce e martello, assorbiva quel poco suono che era rimasto. Decenni di trascuratezza aggravarono la condizione già disperata del teatro, rendendolo instabile per più del 75% e facendo sì che il restauro divenisse una questione di primaria importanza.

L’operazione di Rubelli in questo enorme restauro includeva la fornitura di damasco per i palchi, i retropalchi e le mantovane, un brocatello per i tendaggi e le pareti, entrambi di colore rosso, ed anche due tipi di velluto antifiamma. In totale dalla tessitura di Como sono partiti per Mosca più di dodicimila metri di tessuto. Realizzati in conformità alle più avanzate norme di sicurezza, tutte le stoffe utilizzate nel Bolshoi sono in oro e filato antifiamma. Ottenere il rosso intenso commissionato, mentre si trasformava la seta in un tessuto antifiamma, non è stata cosa facile. Sono stati eseguiti molti test nella tessitura prima dell’approvazione, produzione e consegna.

L’apporto più significativo di Rubelli è l’insieme dei tre sipari per il palcoscenico principale. Ci sono infatti voluti due anni tra ricerca, elaborazione del disegno e produzione. Il tessuto del sipario originale, in seta e filato di oro zecchino, aveva un rapporto molto grande e un disegno con un impatto visivo che è stato mantenuto nella riproduzione. Tuttavia alcuni elementi del disegno sono stati modificati: simboli dell’iconografia comunista sono stati sostituiti dall’aquila imperiale zarista bicipite, dal San Giorgio col drago e dalla parola Russia in caratteri cirillici.

Per il sipario sono stati lavorati da una filatura altamente specializzata cinquecento chilogrammi di filato in oro zecchino.

Il risultato è un broccato prezioso e scintillante per due dei sipari: il primo, “classico”, scorrendo su binari si raccoglie ai lati; mentre il secondo scende dall’alto e viene utilizzato teso come fondale. Più di milleduecento metri di broccato sono stati forniti per i due sipari e per ricoprire le due colonne laterali.

Il terzo sipario ha richiesto novecentrotrenta metri di tessuto imperiale rosso, utilizzato anche per l’arlecchino.

Quando il 28 ottobre 2011 il sipario principale si è alzato, ha annunciato la rinascita di un Bolshoi del XXI secolo che onora e applaude il suo grande e venerabile passato.

Ma i numeri da soli non raccontano la storia, sebbene impressionino per la loro imponenza. Entrando nel teatro, persino prima che vengano suonate le prime note, l’atmosfera è vibrante grazie alle emozioni create dai colori, dalle texture e dal gioco sfarzoso delle luci riflesse. Intessuta in queste ricche e splendenti vesti c’è la meraviglia dell’anticipazione, la sollecitazione che invita lo spettatore a preparare tutti i suoi sensi, ad essere pronto a sperimentare qualcosa che proviene da una dimensione più alta, più piena, più ricca rispetto al mondo che resta fuori dal teatro. E’una magia. Vestito a festa, il Bolshoi ospita un incontro raro e straordinario fra arte e musica.

traduzioni italiano

LA MIA CASA È LA MIA FORTEZZA My house is my fortress (pagina 86-93) La cultura vive in una sorta di crociata: arte, architettura, design e moda svolgono un ruolo più radicale nella società, utilizzando la forza visiva come una vendetta. L’arte riporta e commenta, l’architettura costruisce rifugi, il design è araldico e diffidente, la moda si mette a confronto, la cosmetica protegge e le maschere esprimono ciò che siamo, mentre l’armatura rafforza fisicamente e mentalmente le nostre personali strategie di sopravvivenza. La mia casa è il mio castello.

La mia casa è la mia fortezza.

I tessuti detengono una posizione di potere utilizzando la flessibilità per piegare senza stropicciare, la resistenza per evitare tutti i tipi di “guai e tribolazioni” *, lo scintillio del metallo come la cotta di maglia dell’armatura. Nei tessuti contemporanei Ermengarda e Carlomagno la tecnica innovativa di Rubelli della laminatura produce l’effetto straordinario di una patina metallica irregolare che è sopravvissuta nei secoli. Visto sotto luci differenti, il luccichio della corazza dei materiali ricorda il ferro battuto, il bronzo, l’acciaio brunito o i cuoi impressi dorati. Il sontuoso Semiramide in pura seta, un broccato classico del XVI secolo, evoca la nobiltà e la grazia dell’intarsio metallico finemente lavorato. Neomedievale e raffinata, questa concentrazione di materia dà maggiore forza alle superfici nei nostri ambienti, delineando le pareti con motivi di maglie metalliche cesellate, i pavimenti con intrecci elaborati, i mobili con bassorilievi metallici incisi e lavorati a sbalzo. Barricando così il nostro essere con uno spirito combattivo, estremamente mirato. *Citazione dall’Amleto di W. Shakespeare

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LES INDES GALANTES

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GIARDINO INCANTATO

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MAURILIA

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ARGIA

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EUSAPIA

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LEONIA

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ARMILLA

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ISAURA

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DIOMIRA

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ZIRMA

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index fabrics

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ERMENGARDA

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TIRAZ

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GONG

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SUN BEAR

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CARLOMAGNO

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index fabrics

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JOUR DE VENISE

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VENETIAN SUNSET

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ADELMA

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AGLAURA

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KUBLAI

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