BALLETIN DANCE 187

REAPERTURA DEL TEATRO COLON El Inoerno tan Temido

ESPAÑA Festival de Valencia

CUBA Bienal del Caribe

LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA NZA A ISSN 1850-6275 . Año 17 . Nº 187 . mayo 201 220100 gratuitaa eenn Revista mensual de distribución gratuit Capital Federal y Gran Buenos Aire AAires es

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22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // MAYO 20102009 NOVIEMBRE

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TAPA 6 El Infierno tan Temido. Se Reabre el Teatro Colón 14 Nuevos Aires PROVINCIAS 20 Avellaneda. Don Quijote 20 Buenos Aires. La compañía El Centro de Buenos Aires en el Güemes 20 Salta. Milonguera en el Provincial 22 Córdoba. Doble Aniversario en el Libertador L sala La l ddell T Teatro t C Colón ló vista desde el escenario Foto . Miguel Micciche

TANGO 24 Milonga en Celeste y Blanco FOLKLORE 30 La Identidad De Nuestro Pueblo

Sumario 187

DANZA ÁRABE 34 Del Cine al Escenario COMENTARIOS 36 81/2 o una mirada interior 38 A Manera de Unidad Separada 40 Mínimo Estudio de lo Mínimo 42 Estreno de Surmenage a Trois 47 Menos que Danza o Más que Danza 48 Perfectamente Incorpórea PUBLICACIONES RECIBIDAS 64 Revistas. Catálogos.

Libros CARTELERA 26/29/44 Cartelera

MAYO 2010 - AÑO 17 - Nº 187

ACTUALIDAD 16 Nuevos Ballets en las Escuelas 18 Premio Romano a Bocca 18 Noverre Vuelve a Nacer ARGENTINOS EN...

50 Bélgica y Francia. El UBAllet realizará una gira europea 50 España. Iñaki Urlezaga estrena La Traviata 51 Mozambique. La Compañía del IUNA de gira .

52 Estados Unidos. Videodanza 53 Estados Unidos. Wainrot estrenó Voyages INTERNACIONALES 54 España. Nacho Duato abandonará a la CND 56 Rusia. Vuelven los Premios Benois de la Danse 56 Italia. William Forsythe reconocido en la Bienal de Venecia 56 Uruguay. No supongas 58 Cuba. Bienal de Danza del Caribe: una plataforma para la danza 60 Cuba. Entrevista: Ayelén Clavin.

62 España. Caleidoscopio de Estilos IN MEMORIAM 52 José Brahemcha BALLETIN INFORMATIVO 66 Audiciones. Convocatorias. Dabke en el Obelisco 68 Diálogo. Seminarios.

Talleres 68 Balletin Dance Didáctico 70 Puntos de Venta

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación Resolució de la Nac Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancill Cancillería de la República Argentina. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Dis Nº 122. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/2004/2009). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 826907. Fotopropietar cromía: D DTP Conexión Gráfica. impresión. Gráfica Laf. Monteagudo 741/45. Vª Lynch. San Martín. Buenos Aires. Tel/ Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión dde la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Eva Alberione Carlos Bevilacqua Román Ghilotti Eliana Gissara Tamara Gosman Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Natalia Picorelli corresponsales en el exterior María Ester Basurco (Perú) Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com

INTERIOR DEL PAÍS: $ 3 TIERRA DEL FUEGO: $ 5 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0400 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar

Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

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El Infierno tan Temido.

Se Reabre el Teatro Colón Por Laura Lifschitz

La tan esperada reinauguración del primer coliseo pone sobre la mesa los modos en que se desplegó el plan maestro de restauración. En medio de las protestas de los empleados, se temen las consecuencias de la racionalización implementada en el teatro, según afirma Máximo Parpagnoli, representante gremial

Cúpula de la Sala Principal pintada por Raúl Soldi Foto . Maximo Parpagnoli

Las imágenes que ilustran este informe corresponden al Teatro Colón antes de su cierre.

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Grandes expectativas se han generado desde que el gobierno de la ciudad de Buenos Aires anunciara, en noviembre de 2009, que el Teatro Colón reabriría sus puertas el 24 de mayo de este año, con una función de gala en el marco de los fastos por el Bicentenario. Se sabe que dicha celebración será televisada, anuncio que el jefe de gobierno porteño dio en conjunto con el senador nacional de la UCR, Gerardo Morales.

Los pocos sectores de la sociedad que se muestran entusiasmados ante la eminencia de tal evento, lo hacen bajo el convencimiento de que la restauración del Teatro -que heredó Mauricio Macri de gestiones anteriores- finalmente dará sus resultados.

Es cierto que el Colón estaba amenazado en cuanto a su estructura edilicia por un riesgo de deterioro progresivo y eventual destrucción, además de estar relativamente atrasado respecto a sus posibilidades tecnológicas Ello fue la razón para que en el año 2000 el Poder Ejecutivo de la Ciudad mediante la Subsecretaría de Patrimonio Cultural convocara a la Dirección General de Infraestructura para elaborar un “Master Plan” para la puesta en valor y la actualización tecnológica del edificio del Teatro. A partir de allí y hasta la asunción del gobierno del PRO (Macri), la encargada de la planificación de las reformas -que se fueron agregando con el paso de los años- fue la arquitecta Silvia Fajre, entonces ministra de Cultura de Jorge Telerman.

El Teatro Colón pasó a ser un tema prioritario, hasta para el propio jefe de gobierno, desde la última gestión en la ciudad. Por ello encomendó al Ministerio de Desarrollo Urbano reformular el plan de las obras. Lo cierto es que el teatro está cerrado desde 2006. Así es que el ingeniero Macri jamás lo conoció en la plenitud de su funcionamiento, al menos siendo jefe de gobierno, y éste podría ser uno de los motivos por el que dio su visto bueno a la racionalización de personal del teatro, otro de los temas preocupantes. No hay peor ciego que el que no quiere ver.

DUDAS SOBRE EL PLAN MAESTRO En 1989 el actual solar del Teatro Colón fue declarado patrimonio histórico nacional. Esto implica ciertos cuidados que se han de tener respecto de las refacciones en el edificio histórico.

Por lo pronto, los trabajos actuales demuestran negligencia respecto de lo estructural, sobre todo reflejado en una importantísima resquebradura en uno de sus muros históricos (ver BALLETIN DANCE Nº 173, enero 2009). Y el mobiliario también está desatendido. El producto de la labor del equipo técnico, que durante décadas fue elogiado por la calidad de sus producciones nacionales, perece poco a poco, dadas las pésimas condiciones de conservación.

Sin embargo, esta situación no ha generado reacción alguna en la Comisión Nacional de Museos y de Monumentos y Lugares Históricos, institución que en su declaración de 1989

Desde El Paraíso Foto . Miguel Micciche MAYO 2010 // BALLETIN DANCE / 7

Resplandecientes oros en la cúpula del Salón Dorado Foto . Maximo Parpagnoli

para con el coliseo establecía que “los inmuebles históricos no podrán ser sometidos a reparaciones o restauraciones, ni destruidos en todo o en parte, transferidos, gravados o enajenados sin aprobación o intervención de la Comisión Nacional”.

En tal sentido, es curioso que esa Comisión no se haya expedido acerca de las reformas del sector escenotécnico, en donde se emplazó un nuevo montacoches que da al exterior sobre la calle Cerrito, invadiendo casi la totalidad de la vereda. Esto significa una contravención de todos los códigos y normas de edificación urbana. Además, este nuevo elevador es de mayores dimensiones que el anterior y, aunque los encargados del proyecto sostienen que otorgará mayor fluidez a la producción del Colón, el túnel de circulación que lo comunica con el escenario no ha sufrido variación alguna en sus dimensiones.

La Comisión ahora deberá hacer frente a una presentación ordenada por la justicia, en torno a su labor como veedora de estado del edificio histórico. En tal faena se encuentran el presidente del organismo, Juan Martín Repetto y sus vocales, entre ellos, Teresa Anchorena -funcionaria del gobierno porteño durante la gestión aliancista- e Inés Urdapilleta. Esta última fue titular de la Comisión de Cultura de la Legislatura porteña al momento de promulgarse la ley de autarquía para el máximo coliseo, y su principal promotora; y actualmente es miembro del directorio del Ente.

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PRESENTACIONES ANTE LA JUSTICIA Mucho antes de que se cerrara el Teatro Colón en 2006, para acelerar los trabajos de remodelación, los empleados ya habían denunciado los daños al patrimonio. Tras largo tiempo, lograron ser escuchados a través de una acción de amparo contra el Gobierno de la Ciudad, el Ente Autárquico Teatro Colón, el Ministerio de Desarrollo Urbano y el Ministerio de Cultura. A fines de 2009, el juez en lo Contencioso, Administrativo y Tributario Guillermo Scheibler decidió realizar una inspección ocular en el Teatro, y en el Centro de Exposiciones de la Ciudad de Buenos Aires, el espacio artístico La Nube, los Talleres Labardén y la Biblioteca Nacional, lugares que funcionan en la actualidad como depósitos de los bienes muebles del teatro.

A raíz de la visita, los expertos concluyeron que la intervención sobre el monumento histórico fue agresiva e ilegal. Y además, las autoridades reconocieron que previo al momento de trasladar los cien containers con el patrimonio histórico, cultural y artístico del teatro no se realizó ninguna tarea de inventariado. Es así como desde la órbita oficial no pueden explicar la desaparición de un bastón perteneciente a Giacomo Puccini. En marzo de este año se difundieron imágenes del abandono total de los objetos, lo que da cuenta del deplorable estado de los trajes, por ejemplo, enmohecidos debido a filtraciones.

Como resultado de esta inspección, se dispuso que el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y el Ente Teatro Colón debían disponer medidas de resguardo y protección del patrimonio mueble.

Ante su incumplimiento, el 8 de abril, el juez Scheibler resolvió ampliar el periodo de presentación y solicitó al gobierno porteño y su ministerio de Cultura, a la legislatura de la ciudad, al Archivo Nacional de la Nación, al Ente Autárquico del Teatro y a la Comisión Nacional de Museos y de Monumentos y Lugares Históricos que “remita todos aquellos antecedentes que obren en su poder referidos a las obras de Teatro Colón ( ), al patrimonio inmueble y mueble del Teatro Colón, (…) a la declaración de Monumento Histórico del Teatro Colón, y (…) a los procesos licitatorios de las obras vinculadas al Teatro Colón”. El pedido se hizo extensivo a la auditora general de la ciudad para que acompañe informes de medición de la acústica y el diseño del nuevo telón del teatro.

Además de la situación del patrimonio, el juez constató en aquella inspección, que las condiciones para el desempeño de las funciones de los trabajadores en el Centro de Exposiciones tampoco estaban garantizadas.

Desde el Palco Presidencial Foto . Maximo Parpagnoli

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Una vista del telón original enmarcado por la magnificencia de la sala Foto . Maximo Parpagnoli

Este hecho no debe ser pasado por alto, pues implica una arista más del complejo escenario en el que el gobierno de Mauricio Macri está dejando al Teatro Colón: la flexibilización de las condiciones de empleo es una muestra de una política tendiente a hacer desaparecer cualquier factura propia, con el fin de importar producciones.

LA DESAPARICIÓN DE LOS CUERPOS ESTABLES Y LA PLANTA PERMANENTE En resumidas cuentas, el gobierno porteño anunció un plan de ajuste de la planta permanente, bajo el argumento de que hay más gente de la necesaria para poner en funcionamiento el Teatro Colón. Es decir, se hizo hincapié en la histórica idea de que el Estado está superpoblado de empleados que descansan tranquilamente en un puesto que saben nunca les será quitado. Pero si bien los trabajadores del Colón acuerdan en que es necesaria una reestructuración, no creen que éste sea el modo, principalmente porque se ha efectuado de una manera concordante con la ilegalidad.

Luego de varios intentos de desplazamiento del personal, finalmente se decidió jubilar masivamente a todos aquellos que cumplían con los requisitos, y suspender la liquidación de sus sueldos aún cuando no se han efectivizado sus retiros. Además, junto a la creación del Ente Autárquico, el gobierno porteño disolvió once sectores del teatro: siete secciones técnicas, dos artísticas, mayordomía y administración. Actualmente los sectores antes destinados a informática, grabación y video, fotofilmación, vestuario, escultura y mecánica escénica son espacios ocupados por dependencias artísticas y posiblemente terminen en salas de relax o gimnasio.

Mientras tanto, el taller de escenografía del tercer subsuelo está siendo transformado en sala de ensayo de la ópera.

Tras esa purga, en mayo de 2009, se trasladaron 278 trabajadores al Instituto Superior de la Carrera (creado a través del de10 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

creto 726/07, es un Organismo Fuera de Nivel dependiente del Ministerio de Hacienda, encargado de capacitar al personal del gobierno porteño), para que fueran evaluados y, si correspondía, reasignados a otras funciones. La evaluación nunca tuvo lugar.

Y por otra parte, el traslado fue efectuado ilegalmente pues por la resolución que así lo dispone, no fue comunicado a ninguno de los involucrados. Pese a ello, estas 278 personas en una situación de precariedad laboral continuaron prestando funciones tanto técnicas como artísticas, pues de otro modo “la magra temporada de 2009 ni hubiera salido”, según confirma Máximo Parpagnoli, representante gremial de los trabajadores y uno de los demandantes en la causa que sigue el juez Scheibler.

Pero lo más temible es el procedimiento que siguió a estos traslados. En la actualidad hay 138 trabajadores (artistas, técnicos, administrativos) que fueron puestos en disponibilidad. Esto significa, a partir de la ley 471 de empleo en la ciudad, que deben ser enviados al Registro de Agentes en Disponibilidad y si en el término de seis meses no se halla un puesto en donde ubicar al asalariado, es despedido e indemnizado. Claro que en este formalismo hay un pequeño detalle: un trabajador sólo puede ser asignado a otra función distinta a la desempeñada hasta su paso a disponibilidad si algún área del gobierno de la ciudad lo “reclama para sí”, para utilizar un eufemismo. Una suerte de caza de brujas macartista algo remozada por las circunstancias.

Lo que no es complejo de explicar es el llamado a concurso abierto que efectuó el Ente Autárquico para cubrir 45 cargos de administración y prensa a fin de cubrir parte de esos 138 puestos que se perdieron al enviar a los trabajadores al Registro de Disponibilidad. Es curioso suponer los motivos por los cuales se realizan estos concursos, puesto que aquellos con antigüedad en el Teatro tienen harto mayores y mejores conocimientos del complejo funcionamiento de producción y montaje de una obra lírica, por caso.

LA LIQUIDACIÓN DE UN TEATRO Esta intrincada red de conflictos en el Teatro Colón tiene un trasfondo común: el jefe de gobierno porteño está convencido de que la racionalización de los gastos a partir de la restauración y renovación de su edificio tiene que funcionar como ejemplo de una gestión pulcra en términos de costos y beneficios. Se pretende que el Teatro Colón sea símbolo de excelencia en materia cultural gracias a una administración económicamente viable, tal como la de cualquier consorcio de propiedad horizontal.

El palaciego Salón Dorado, preparado para una conferencia Foto . Maximo Parpagnoli

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Pero en principio se topa con tres dificultades.

Uno: el costo económico y cultural de una deficiente restauración De acuerdo con las inspecciones de fines de 2009, el arquitecto Fabio Grementieri, especializado en preservación de patrimonio, determinó que, en todas las áreas del Foyer el estuco símil mármol ha sido limpiado excesivamente alterando el color y los brillos originales. “Más allá del desafortunado resultado estético cabe señalar que los procedimientos y productos aplicados para la limpieza del estuco símil mármol pueden haber afectado física o químicamente el material original o los tratamientos protectores que pudieran ser aplicados. (…) las reposiciones imitando la técnica original pueden ser inestables en color y textura con el paso del tiempo y destacarse del resto de la decoración. Frente a esta posibilidad puede ser necesario en el futuro remover esos completamientos (…) y en el intento de retirarlos dañar el estuco original adyacente”, aseguró Grementieri a través de un documento. Es decir, hay muchas probabilidades de que las intervenciones realizadas en distintos rubros aceleren la degradación de diversos componentes del tejido físico histórico y patrimonial del teatro. Y por lo tanto, serán necesarias nuevas intervenciones para remediarlo.

Dos: la creación del Ente Autárquico Este organismo, dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y sancionado por ley en septiembre de 2008, con autonomía funcional y autarquía financiera, “es el organismo público que tiene la misión de crear, formar, representar, promover y divulgar el arte lírico, coreográfico, musical -sinfónico y de cámara- y experimental, en su expresión de excelencia de acuerdo a su tradición histórica, en el marco de las políticas culturales de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires”.

La comandancia está a cargo de un Directorio integrado por cinco miembros: director general, director ejecutivo y tres directores vocales, uno de los cuales representa a los trabajadores. Los cargos del directorio son designados y removidos por el jefe de gobierno. El director general es desde su creación Pedro Pablo García Caffi -cuyo rango y remuneración es equiparable al de un Subsecretario-. Pero el Ente se desempeña sin su plena conformación, pues aún no se pudo acordar quién sería el representante de los trabajadores (que debía asignarse por votación), por lo que su funcionamiento es absolutamente anómalo.

Ahora bien, fácilmente puede deducirse que si el objetivo es separar al Estado de las consideraciones referentes al Teatro, para racionalizar gastos, estamos ante lo que en filosofía clásica se conoce como “paradoja”. Pues además de su numerosa conformación, depende de la misma entidad una Unidad de Control de Gestión, a los fines de fiscalizar la administración del propio Ente Autárquico.

Lo concreto es que esto supone un gasto importante para el gobierno porteño y, entre tanto, muchos trabajadores están prácti12 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

camente sin cumplir función alguna -salvo algunos trasladados, como el caso de un asistente de régie que seguramente despliega una fantástica escena al momento de tener que repartir turnos en un hospital público porteño-. La situación de inestabilidad es tal que los empleados desconocen dónde y cuándo presentarse a trabajar, además de los maltratos que reciben del director del teatro, Pedro Pablo García Caffi, quien asegura que el personal es trasladado porque “el Colón no es un seguro de desempleo, y no puede apilar trabajadores en los pasillos del teatro”.

Tres: los costos de la importación de producciones Con un teatro que hasta el momento de su cierre poseía mano de obra y capital para realizar las producciones propias, a partir de la disolución de once áreas y de los cuerpos estables, las producciones serán importadas. Una evidente vuelta a un modelo económico ya caduco, dado el desinterés por la factoría que implicó el Teatro Colón.

No solamente esto resultará un costo muy alto, sino que también significará que los aportes estatales conducirán únicamente a la contratación de decorados, vestuario y material ocasional para cada función, cuando una producción propia constituye un bien preciado que podría ser fácilmente “exportable” a otros teatros.

No cabe duda de que García Caffi es conciente de ello: cuando estuvo a cargo del Teatro Argentino de La Plata dejó algunas deudas, por ejemplo, por honorarios que pagó para la contratación de artistas extranjeros.

Desde el punto de vista económico, el sistema de cuerpos estables supone “un grupo que puede ir aquilatando repertorio, lo cual facilita muchísimo los tiempos de producción y de montaje de cualquier obra. Y desde luego, resulta mucho más económico.

Es falso pensar que al romper la relación de dependencia con el gobierno se ahorran gastos”, asegura Parpagnoli.

Así dadas las circunstancias, el 24 de mayo será esperado con una ansiedad rayana en la desesperación. En ello, Parpagnoli es firme: “Durante una cantidad de tiempo el Teatro Colón no va a ser el que nosotros conocimos. No va a tener las producciones, ni se van a ver el tipo de espectáculos que se veían antes, ni va a haber una mecánica, funcionalidad o destino similar al que tuvo”.

Mucho esfuerzo y dinero demandará revertir esta situación. No queda más que aferrarse a lo que algunos llaman “esperanza”, y otros, conciencia ciudadana. __BD

Vista aérea de nuestro primer coliseo tomada hace algunos años Foto . Maximo Parpagnoli

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I N S T I T U T O

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C O L Ó N

Nuevos Aires Por Agustina Llumá

Desde las entrañas del ballet ruso, Tatiana Fesenko tiene a su cargo la Escuela de Danza desde comienzos de este año Foto . gentileza oficina de prensa del Teatro Colón

En su 50º aniversario y luego de varios años bajo la misma dirección, el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón arrancó 2010 con nuevas autoridades, lo que -en principio- supone un cambio

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Ante las medidas generales adoptadas por el Ente Autárquico, resulta sumamente extraña la importancia que Pedro Pablo García Caffi confiere al instituto de enseñanza en cada uno de sus discursos. Porque ciertamente para el modelo de Teatro que pretende, la estructura educativa -Danza, Canto Lírico, Régie, Dirección Musical de Ópera, Academia orquestal y Caracterización-no tiene mucha razón de ser.

Sin embargo Eduardo Ihidoype y Tatiana Fesenko están entusiasmados con su nueva misión. En diálogo con BALLETIN DANCE, los directivos señalaron que durante una primera instancia su tarea será evaluativa. Cautos y respetuosos a la hora de hablar, no desparramaron proyectos a futuro -de esos que nunca se concretarán- sino que se centraron en la situación actual. Los cambios serán paulatinos.

Ahora bien, con la sede dividida en distintas dependencias municipales, la carrera de danza se dictará”En realidad el Instituto nunca tuvo un lugar establecido dentro del Teatro, siempre ocupó aquellos que las actividad del teatro le dejaban disponibles. En algunos casos inclusive utilizaban los camarines de los artistas para dar algunas clases.

Los espacios fijos como las salas de danza eran muy escasos. En el nuevo Teatro Colón -por así llamarlo- va a haber sectores destinados al Instituto, donde antes había depósitos de utilería sobre la calle Viamonte. Pero son las obras que están más relegadas, porque serán las últimos en empezarse. Estamos hablando de poder ocuparlo al menos dentro de dos años, podrían ser tres”, explicó Ihidoype, director del ISA. El resto de las carreras del Instituto se van a dictar en un edificio de Viamonte y Paraná, que estará listo en dos o tres meses. La escuela de danza podría trasladarse en 2011 “si encontramos un lugar mejor, más cercano al coliseo, porque las comodidades que ofrece la Escuela Jorge Donn son muy adecuadas”. Y aseguró que los alumnos “tienen que estar más cerca de las actividades del Teatro, de las vivencias que implica y no lo tienen estando en la otra punta de la ciudad”.

Fesenko a cargo de la dirección de la carrera de danza, reiteró en varios momentos de la conversación, que el trabajo de formación, debe partir desde el ABC de la técnica. La forma y el estilo, resultan primordiales para esta maestra moldeada en la propia Escuela Vaganova de San Petersburgo. “La técnica Vaganova es la técnica más perfecta, que ha tenido una evolución en el tiempo lógicamente. El cuidado de las formas, la postura, el movimiento de brazos y su metodología, hacen a la técnica Vaganova perfecta. La preparación es muy importante, y el aprendizaje debe hacerse gradualmente. Tenemos un programa para toda la carrera, pero muchas cosas dependen del maestro, que será quien evalúe el nivel de su clase, cómo avanza o no”, explicó a Balletin Dance.

“Este año no cambiaremos mucho, vamos a ver cómo está funcionando la escuela. Sí puedo adelantar que trabajaremos con las formas. Hay muy buenos maestros y además

los argentinos tienen condiciones para bailar. Siempre que he trabajado con argentinos noté el deseo de los alumnos por saber más.

Por eso con todo mi amor, les transmito todo lo que he bailado.

Haremos las modificaciones paulatinamente, con reuniones con los maestros para que tengan la misma metodología de enseñanza. Tengo mucho respeto por el trabajo de todos y poco a poco, retocaremos algunas cosas”. Se podría decir que un bailarín es bueno cuando su estampa es perfecta, “por eso debemos tratar de hacerlo más perfecto”, explicó.

Ihidoype lo aclaró un poco más: “si el año que viene hiciéramos cambios en las carreras nunca serán abruptos. Podría tratarse de una actualización de planes de estudios, serán solamente ajustes, de contenido o de materias, resultantes de la evolución en las carreras”.

Lo analizado hasta el momento de esta entrevista, permitió a Tatiana Fesenko confirmar que la metodología impartida en el ISA se asemeja bastante a la que para ella es la más adecuada.

Las clases tienen una secuencia, un orden, “muy parecido al que tenemos nosotros”.

También la maestra aseguró que este año “vamos a hacer una función con algunas obras de ballet romántico, ballet clásico, para mostrar más estilo, que es tan importante en la formación”.

Mientras que Ihidoype confirmó que a fin de año “seguro vamos a tener una actuación en el propio Teatro Colón”. Pero antes habrá otras prácticas escénicas en ámbitos del gobierno de la ciudad, con un programa “normal para una escuela, donde todos pueden actuar, desde los chiquitos hasta los mayores. Así como antes también tenían, pero ahora quiero poner otro programa” remarcó Fesenko.

La designación de los maestros recae directamente en la dirección de la Escuela, “no he cambiado a nadie, pues considero que están bien, trabajamos internamente y noto muy buena predisposición.

Podemos arreglar las bases porque todos tienen el deseo de en-

El músico a cargo de la dirección del ISA, aseguró que “el Instituto tiene que lograr formar artistas con el mayor nivel de excelencia posible” Foto . gentileza oficina de prensa del Teatro Colón

señar”, analizó la directora. Se trabajará para “unificar el criterio del estilo, de la forma y actualizarlo” completó el director.

Ihidoype señaló que está en conversaciones para restablecer un equipo médico de asesoramiento para los alumnos de danza, integrado por nutrición, psicología y traumatología, fuera del establecimiento. Se piensa en ayudar a los alumnos para que preserven su buena salud, sobre todo considerando que es una escuela a la que concurren niños desde pequeños. “El control médico no es para perseguir a los chicos, sino para ayudarlos a que puedan estar mejor y no tomen un camino equivocado”. __BD

Los autógrafos no están incluidos.

Cecilia Figaredo llegó al estudio.

Inscripción previa. Vacantes limitadas.

(011) 4568.7365 | pedro lozano 4205 devoto | www.estudiolange.com.ar | info@estudiolange.com.ar Directora: Lorena Gallo, egresada del Teatro Colón. Clásico | Jazz | Contemporáneo | Iniciación | Hip Hop | Yoga | Elongación.

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Nuevos Ballets en las Escuelas Por Agustina Llumá

A fines del año pasado el gobierno porteño creó los ballets de sus tres escuelas de danza de enseñanza media, esto significa que desde este 2010 todas las escuelas cuentan con un mínimo presupuesto para que sus alumnos realicen las prácticas escénicas En rigor de verdad la nueva disposición, indica que a partir de ahora, cada escuela contará con 20 horas cátedra pagas por el gobierno para contribuir con las compañías de danza que de hecho funcionaban en las escuelas.

Estas horas destinadas a ensayos y montajes, deberán ubicarse fuera del horario escolar en las mismas sedes.

O sea, que el gobierno aportará para el pago del maestro a cargo del elenco, no así para los bailarines, ni para vestuarios, escenografías ni traslados. Estos ballets deberán actuar en sus escuelas cuando así se pueda, pero además podrán hacerlo en otros ámbitos ciudadanos.

Aprovechando estas nuevas disposiciones, y los cambios de programas de estudio que comenzarán a regir el próximo año, BALLETIN DANCE, entrevistó a Fabiana Bezenzette directora de la Escuela de Danzas Aída Mastrazzi (centro).

La mítica institución, que fuera la Escuela Nacional de Danzas, se encuentra en pleno proceso de cambio.

Fueron muchos los años en que fue descuidada, desde su edificio hasta el alumnado, pasando por el personal

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Integrantes del Ballet Institucional de la Escuela de Danza Aída Mastrazzi Foto . gentileza de la Escuela de Danza

docente y administrativo. La nueva gestión a cargo de un equipo de conducción integrado además por Violeta Bianchi e Irma Nieva (vicedirectoras), Mercedes Solare, Cristina Pelizza y Mónica Soto (regentes), Mario Sabattini (subregente) planea comenzar con la renovación en este mismo año.

El proyecto escolar de la escuela Mastrazzi elegido para 2010, año dedicado en todas las áreas al bicentenario, ha sido La Cinta de Moebius. La banda de Möbius tiene una sola cara (no existe interna ni externa) y también tiene un solo borde (no hay arriba ni abajo, adentro ni afuera) por eso es una superficie no orientable. Es una cinta en movimiento constante.

En diálogo con BALLETIN DANCE la directora aseguró que ya se inició un plan para cuidar el edificio, están en proceso de afinar algunos pianos, de restaurar muebles de estilo, y también están recibiendo donaciones -para ello la Asociación Cooperadora de la escuela jugará un rol principal-.

Por otro lado, se organizarán cursos de actualización docente, para que los profesores de la institución puedan aggiornarse.

BALLET INSTITUCIONAL Bajo la dirección de Silvana Sapia, con asistencia de Marcela Álvarez y Romina Mancini, el Ballet Institucional ha realizado diversos repertorios, de acuerdo a la currícula escolar, incluido un ballet integral dirigido al público infantil que combina la danza con algunos episodios hablados.

Las próximas actuaciones confirmadas incluyen una intervención urbana en el marco del tratamiento de la Ley por la Fibromialgia, el 12 de este mes, a las 10 hs, frente a la Legislatura de la Ciudad (Perú 160). Y los sábados de junio, la presentación de El Pueblo Quiere Saber, un trabajo coreográfico con motivo del Bicentenario, en el Espacio Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640). __BD

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Se entregó a Julio Bocca el Premio Roma 2010 El 9 de abril se anunció en el Istituto Italiano di Cultura de Buenos Aires, que Julio Bocca será el galardonado de este año, por la comuna romana. Así lo anunció Aldo Milesi, Presidente del Premio Roma, una distinción internacional organizada por Comune di Roma (Regione Lazio, Provincia di Roma), con el patronato del Presidente de la Republica Italiana y el apoyo de la Embajada de Italia y el Istituto Italiano di Cultura.

Bajo la sección Premio Internacional a la Cultura, el bailarín y coreógrafo argentino fue el destinatario del galardón por danza clásica, mientras que Stefano Dominella por la promoción de la moda italiana en el mundo.

La entrega oficial de premios que incluyen narrativa y ensayo, se realizará en julio en Italia.

Aldo Milesi y Julio Bocca el mes pasado en Buenos Aires Foto . gentileza oficina de prensa

Actualidad

PREMIO ROMANO A BOCCA

NOVERRE VUELVE A NACER Gala de Ballet en Festejo del Día Internacional de la Danza Aunque la celebración recuerda el nacimiento de Jean Georges Noverre (29 de abril de 1727), este año la Gala se realizará el 11 de mayo en el Teatro Presidente Alvear.

Organizada por el Consejo Argentino de la Danza (CAD), los convocados para el espectáculo son: Mabel Espert y José Zartmann, Compañía de Leonardo Cuello (tango), Ballet Folklórico Nacional, Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín (dirección: Mauricio Wainrot), Ballet Metropolitano de Buenos Aires (dirección: Leonardo Reale), Ballet Argentino (dirección: Julio Bocca), solistas del Ballet Estable del Teatro Colón (dirección: Lidia Segni), y Luana Brunetti Mattion y Alejandro Malpezzi, ganadores del Concurso Julio Bocca 2009.

Como cada año se leerá el mensaje de los artistas de la danza, que este año estará a cargo de Lidia Segni.

Entrada gratuita, previa reserva telefónica al 4901-4715 o 4584-3370, las localidades se retirarán el 10 de mayo en el hall de la Escuela de Danza, Esmeralda 285.

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LA COMPAÑÍA EL CENTRO DE BUENOS AIRES EN EL GÜEMES La compañía El Centro, de la Escuela de Actividades Artísticas homónima, con dirección general de Laura Aguerreberry, Jimena García Blaya, Mariela Bonilla y Nora Ivitz, se presentará como invitada en el evento Circuito Coreográfico en el Teatro Güemes de Mar del Plata, el sábado 15 de mayo.

Con una selección de obras de su repertorio que incluirá: Anahí, Orangotanga, Crunchi Granola Suite, I´gotcha y Blackbird.

Desde Buenos Aires llevarán Blackbird Foto . gentileza Compañía El Centro

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MILONGUERA, EN EL PROVINCIAL A

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DON QUIJOTE La Escuela de Danzas Municipal de Avellaneda que dirige Elena de la Serna, continúa con sus presentaciones en el Teatro Roma En el marco de un programa para la difusión del ballet, la Escuela de Danza de Avellaneda, presenta un Don Quijote adaptado para ser presentado a alumnos de escuelas primarias de la comuna bonaerense.

Esta versión, a partir de la original creada en la escuela en 1999, ha sido modificada para las alumnas del establecimiento, a quienes se suman bailarines invitados del Teatro Argentino de la Plata en los roles centrales, entre los que se cuentan Martín Quintana, Esteban Schenone, Sol Iufer y Julieta Paul.

Las próximas funciones serán el 11 de mayo y el 10 de junio, a las 14 hs, con entrada libre y gratuita. Teatro Roma de Avellaneda (Sarmiento 109, Informes: 4205-9635).

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Este musical de tango, Milonguera, tiene la característica de ser una obra en que se fusionan y cruzan milonga, tango y candombe con música electrónica y salsa.

Protagonizado por Mora Godoy, se presentará en la ciudad de Salta el sábado 15, a las 22 hs., en el Teatro Provincial (Zuviría 70,Tel 0387 422-4515).

El ballet integral Don Quijote, con caballo y todo a cargo de alumnos y profesionales Foto . gentileza Escuela Municipal de Avellaneda

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Doble Aniversario en el Libertador La ciudad de Córdoba celebra este mes el aniversario de la inauguración del Teatro Nuevo o de la calle Ancha, como popularmente se llamaba al Teatro del Libertador General San Martín, ocurrida el 26 de abril de 1891 El Teatro del Libertador bajo la nueva conducción de Carlos del Franco, ha preparado una extensa agenda de actividades para este aniversario durante abril y mayo, a las que se suma una Gala Patria con motivo del Bicentenario de la Revolución de Mayo, que incluirá a todos sus elencos artísticos.

El 119° aniversario del teatro será festejado con una selección de arias y coros de la zarzuela cómica Luisa Fernanda bajo la dirección general de Oscar Gálvez Vidal.

Para los 200 años de la declaración de la Independencia, se ofrecerá un tributo a grandes autores y compositores argentinos. El Coro de Cámara de la Provincia interpretará el Concierto del Bicentenario, el jueves 6 de mayo a las 19 en la Sala Mayor bajo la dirección de Gustavo Maldino, con obras de Emilio Dublanc, Carlos Gustavino, Gilardo Gilardi, Agustín Dentone y Carlos del Franco.

En la Semana de Mayo, los cuerpos artísticos abordarán la in-

El Teatro del Libertador a 186 años de su inauguración Foto . Susana Pérez

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terpretación del legado histórico desde una visión artística del Siglo XXI. La puesta comienza con la Sinfonía N° 2 en Do menor, Op. 55 La Bruja de las Montañas, del compositor Alberto Williams (18621952), estrenada en 1910 también enmarcada en los festejos del Centenario de la Revolución de Mayo. Presentada aquí en forma de ballet, a través de una coreografía original de Teresa del Cerro para la compañía oficial, dirigida desde marzo por Adriana Fasolis, y con la participación de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, dirigida por Hadrian Avila Arzuza.

Completará el programa Suite de Tango otra creación de Teresa del Cerro para el Ballet Oficial, con la participación de la Orquesta Provincial de Música Ciudadana bajo la dirección del bandoneonista Damián Torres, y el cantor Gustavo Visentín. Sobre las partituras de Loca Bohemia de Francisco de Caro, El Monito de Julio de Caro, Buenos Aires Hora Cero y Libertango de Astor Piazzolla.

Ambas producciones cuentan con diseño de escenografía y vestuario de Santiago Pérez y diseño de iluminación de Francisco Sarmiento.

Las funciones serán el sábado 22 (estreno) a las 21:30, domingo 23, martes 25, miércoles 26 y jueves 27 a las 19 hs, en la Sala Mayor.

UN POCO DE HISTORIA El Teatro Nuevo venía a cambiar la fisonomía de Córdoba, para dejar atrás el espíritu de aldea y convertirse en una ciudad. El gobernador Ambrosio Olmos anunciaba al iniciar las obras, que este espacio abriría una “nueva escena de estímulos intelectuales”, sería una “escuela de útil enseñanza” y “un monumento de ornato destinado a embellecer la ciudad”.

El diseño arquitectónico del Teatro quedó en manos del ingeniero italiano Francisco Tamburini, quien también tuvo a su cargo en Buenos Aires al nuevo edificio del Teatro Colón y culminó la obra de la Casa Rosada.

El italiano Arturo Nembrini Gonzaga realizó las pinturas de las salas y cinceló el grupo de estatuas sobre el ático, el alto relieve sobre el mismo remate del frente, las pinturas del cielo raso y las paredes del vestíbulo, además de los pasillos y otros ambientes interiores.

El Teatro Nuevo abrió el 26 de abril de 1891 con una función a beneficio protagonizada por una orquesta de jovencitas que interpretó un repertorio sinfónico. Se lo llamó Rivera Indarte hasta que en 1950 pasó a denominarse Teatro del Libertador General San Martín, y en 1991 fue declarado Monumento Histórico Nacional.

Hoy sirve de asiento para los cuerpos oficiales (Orquesta y Banda sinfónica, Ballet Oficial de la Provincia, coros Polifónico y de Cámara, y Orquesta Provincial de Música Ciudadana), y a su vez alberga el Seminario de Canto, el Seminario de Danza Clásica Nora Irinova y La Orquesta Académica Juvenil. __BD

Teresa del Cerro coreografió el programa del Bicentenario Foto . Susana Pérez

OPERA ARGENTINA Siguiendo la línea trazada por el año de la Independencia, en junio el Teatro pondrá en escena la ópera Lin Calel de Arnaldo D´Espósito, con reggie de Daniel Suárez Marzal.

La historia acontece en los tiempos previos a la conquista de América, y será protagnizada por Patricia González, Juan Carlos Vasallo, Enrique Gibert Mella, Juan Barrile y Alicia Cecotti, junto a la Orquesta Sinfónica de Córdoba (con dirección de Hadrian Avila Arzuza), el Coro Polifónico de la Provincia (dirigido por Oscar Gálvez Vidal) y el Ballet Oficial de la Provincia (con dirección de Adriana Fasolis).

El estreno será el viernes 25 de junio, con reposición los días sábado 26, domingo 27 y martes 29 también en la Sala Mayor.

Adriana Fasolis nueva directora del Ballet Oficial Foto . Natalia Ferreyra

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Milonga en Celeste y Blanco Por Carlos Bevilacqua La danza típica porteña estará presente de diversas maneras en los festejos del bicentenario. Aquí se adelanta la puesta que para la noche del 25 prepara la milonga del Parakultural, con la participación de dos parejas de tango, una de folklore y la música en vivo de una fabulosa orquesta El sentido común (que suele ser el menos común de los sentidos) indica que las danzas típicas nacionales deberían ser números puestos a la hora de festejar un aniversario tan importante como el de los 200 años de la Revolución de Mayo. Sin embargo, al cierre de esta edición no fue posible que las dependencias culturales de Nación y Ciudad dieran un panorama completo de las actividades oficiales que incluirán manifestaciones tangueras. Sí se sabe que el Ballet Folklórico Nacional realizará varias presentaciones durante la Semana de Mayo, una de ellas como parte de un desfile temático en un espectáculo a cargo del coreógrafo Diqui James. El otro gran cuerpo artístico de la Nación, la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, ofrecerá un concierto el 26 de mayo a las 20:30 en el Teatro Cervantes con la dirección de Atilio Stampone y las participaciones de Raúl Lavié y María José Mentana como cantantes invitados. En el ámbito municipal porteño, la Orquesta del Tango de la Ciudad tocará el 18, el 20 y el 27 del corriente mes en el Teatro Alvear y el 26 en el Complejo Cultural 25 de Mayo, de Villa Urquiza.

Más humildes pero muchas veces más previsoras, las milongas conmemorarán el bicentenario con algunos de los recursos con que festejan otros aniversarios significativos: exhibiciones de

Julio Balmaceda, quien junto a Corina de la Rosa tomará parte de los festejos “parakulturales” Foto . Gentileza Julio Balmaceda 24 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

baile y/o música en vivo, más los infaltables mini-discursos de los organizadores o alguna idea original para la ocasión.

Esta última posibilidad se concretará de la mejor forma en el Salón Canning la misma noche del 25, cuando el productor Omar Viola matice una de las tres ediciones semanales de la milonga Parakultural con un show temático especial, alusivo al bicentenario nacional. Si bien buena parte de la puesta se guarda en secreto para generar un efecto sorpresa, Balletin Dance pudo averiguar que participarán los bailarines de tango Julio Balmaceda y Corina de la Rosa, Rodrigo Palacios y Agustina Berenstein, la orquesta Color Tango y los bailarines de folklore Nadia Ratchitzky y Leonardo Freire.

Como datos que generan expectativas favorables podría apuntarse que Julio y Corina constituyen una de las parejas más talentosas del tango salón de exhibición, con catorce años de trayectoria en el cultivo de formas tradicionales, a la vez que personales; que Color Tango (dirigida por un ex-bandoneonista de la orquesta de Osvaldo Pugliese) es una de las más apreciadas por los milongueros, en parte por su fidelidad al sonido puglieseano; que Rodrigo y Agustina son dos jóvenes que constituyeron la gran revelación de las Noches de los Maestros del Congreso Internacional de Tango Argentino (CITA), celebrado en marzo último en Buenos Aires; y que Nadia y Leonardo, bailarines tanto de tango como de folklore, ya supieron deslumbrar con la destreza de sus pies en anteriores presentaciones sobre el parquet del Canning.

“Originalmente habíamos pensado en programar toda una semana de actividades alusivas al bicentenario, pero después nos pareció excesivo porque íbamos a alterar demasiado el transcurso habitual de la milonga. Entonces optamos por articular algunas puestas coreográficas que nos parecen valiosas en una sola noche -cuenta Viola-. De alguna manera, va a ser como abrazarnos con artistas que queremos mucho en una fecha muy significativa”. Aunque reticente a dar detalles, Balmaceda adelantó: “La idea es hacer algo fuerte, algo que va a impactar. Va a tener tramos de coreografía grupal y la orquesta va a estar integrada al concepto global del show”.

Consultado acerca de la función práctica que puede tener la conmemoración del bicentenario, Viola contestó: “A mí el bicentenario me mueve más a la reflexión que al festejo. Es algo muy

Agustina Berenstein y Rodrigo Palacios serán parte de la puesta especial que prepara el Parakultural Foto . Gentileza de la pareja

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personal, que me pasa también con mis cumpleaños o aniversarios. No soy de hacer grandes fiestas, me da más por la meditación, que no necesariamente tiene por qué adquirir un tono triste. En este caso en particular, me parece que cumplidos estos 200 años seguimos teniendo deuda social muy evidente. Hay todavía mucha desigualdad y poco cumplimiento de los derechos humanos, que no son sólo una cuestión del pasado sino también del presente. Basta ver lo que pasa con el paco entre tantos chicos, por ejemplo. Ahí se da una situación delicada en la que mucha otra gente queda como rehén de la violencia que genera la droga. Por otro lado, hemos progresado mucho en nuestra forma de concebir la política. Llevamos 26 años consecutivos de democracia, algo inédito desde la sanción de la Ley Sáenz Peña, en 1912. Además somos una especie de potencia en lo cultural. Hay muchísima producción original, profunda y creativa, en muchos casos llevada adelante a pulmón. ¿Qué mejor manera de celebrar un bicentenario que con una movida cultural como la que tenemos? En los últimos tiempos hemos tenido varias muestras del reconocimiento que nuestras expresiones artísticas reciben en el exterior. El tango, en particular, es una de las más valoradas por los extranjeros, lo cual nos llena de orgullo”.

Balmaceda, por su parte, entregó la siguiente reflexión: “El bicentenario es una fecha por demás interesante para pensar qué país tenemos y qué país queremos. A mí se me presenta como una bocanada de aire fresco entre tantos conflictos que se viven en la sociedad, a veces por cuestiones ideológicas, otras por cuestiones económicas o por el ritmo frenético de vida que muchas veces llevamos en las grandes ciudades. En ese contexto, pienso que el tango puede ser un gran nexo entre los argentinos. Necesitamos más abrazo en un sentido amplio de la palabra, involucrando el contacto físico pero también el diálogo, el esfuerzo por ponernos en el lugar del otro, algo que, por supuesto, es posible sólo después de conocer más o menos bien al otro”.

Al imaginar qué rol podría cumplir el tango en ese conocimiento mutuo, describió una idea que fusionaría dos instituciones de la cultura porteña: el bar y la milonga. “Sueño con lugares que estén abiertos las 24 horas, donde se pueda tomar algo y a la vez bailar en un espacio despejado de mesas. Por momentos se bailaría y por momentos no, según el deseo de los parroquianos. Sería fantástico que el baile surgiese solo, como algo natural y relajado, porque bailar tango hace bien, es una actividad terapéutica”. __BD

Facundo Mercado Martín Alvarez Clásico para Niños

Mónica Revelli Clásico para Adultos

Marcela Otero Griselda de Ritis Contemporáneo para Niños

Paula Safar Comedia Musical y Teatro

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Gabriela Saenz, Yesica Alonso Aimé Schwieters JULIO

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PARIS - LONDRES • Clases en European Dance Center (París) y London Studio Center (Londres).

• Visitas a Museos y a la casa de ANNA PAVLOVA • Espectáculos: ¨Billy Elliot¨, ¨El Lago de los Cisnes¨, y ¨La Dame du Lac¨ • Cruce por Eurotunel • Guía en español O LET P • Aéreos COM • Bus a disposición O • Hoteles CUPcon desayuno y cena www.tour-cultural.com.ar/ballet MAYO 2010 // BALLETIN DANCE / 25

-contemporáneo Al Ras O de nada vale que corras cuando el incendio va contigo. Coreografía y dirección: Roxana Grinstein. Interpretes: Victoria Molins, Cecilia Pujín y Analía Martorello. Sábados 21 hs. Portón de Sánchez (S. de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-contemporáneo Básico + Tris Básico. Dirección: Natacha Visconti. Intérpretes: Victoria Molins y Marisa Villar. Tris, de Milena Burnell y Soledad Gutiérrez. Intérpretes: Carla Rímola, Alejo Wilkinson y Soledad Gutiérrez. Domingos 21 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Zelaya 3122, Tel:4862-0209).

-contemporáneo A pesar de todo Sobre temas de Eladia Blázquez.

Ballet contemporáneo de Mariela Cambiasso. Cantante: Humberto Barrios. Sábado 29, 21 hs. Biblioteca Juan B. Justo (Av. La Plata 85).

-ballet contemporáneo Ballet Real de Suecia Ballet Stockholm 59º North. Solistas del Ballet Real de Suecia. Pulcinella and Pimpinella (Birgit Cullberg), Pas de Danse (Mats Ek), Apartment (Ek), Cantus in Memory o The Dancing Queen (Giovanni Bucchieri), Tactile Affinity (Pontus Lidberg. Jueves 1 y viernes 2 de julio, 20 hs. Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125, Tel: 4816-5943).

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Cartelera

-performance multimedia Áspera y sensible Grupo No Se Llama. Jueves 21:30 hs. Querida Elena Sencillas Artes (Pi y Margal 1124, Tel: 4361-5040).

Sólo con reserva previa. Se suspende por lluvia.

-contemporáneo Cariño Dirección: Mayra Bonard. Intérpretes: Ignacio Monna, Victoria Carambat y Federico Fernández Wagner. Música: Diego Frenkel. Sábados de junio y julio, 22 hs (desde el 29). Sala Batato Barea, Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

-contemporáneo Ciclo de Danza Contemporánea Venecia sin Ti, Compañía Casta Diva, dirección: Mónica Fracchia.

Soledades Alternas, Compañía SurDance Ensamble, dirección: Jorge Amarante. Jueves 21 hs. Teatro del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 943, Tel: 4326-3606).

-teatro Creo en Elvis De Mariano Rochman. Asesoramiento coreográfico: Cecilia Estévez. Dirección: Luciano Cáceres. Sábados 23 hs. Teatro El Grito (Costa Rica 5459, Tel: 15-4989-2620).

-contemporáneo Criollo Coreografía: Gerardo Litvak. Intérpretes: Víctor Campillay, Luís Monroy, Mauro Cacciatore y Esteban Esquivel. Viernes 23 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-flamenco Dos almas, un deseo Dirección general: Roberto Rodríguez. Intérpretes: Marina Schampier, Chela Fernández, Luciana Garoni y Dania Rodríguez. Domingos 19:30 hs. Teatro Empire (Hipólito Irigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

-teatro El lenguaje de las flores De Federico García Lorca. Coreografía: José Campitelli. Bailarina: Marcela Suez. Dirección: Rafael Fernández. Domingos 20 hs. Sala Mediterránea (Tucumán 3378, Tel: 4863-7156).

-infantil El Payaso de Oz y Pinocho Versiones libres de Héctor Presa.

Sábados, domingos y feriados 16 hs y 17:30 hs. Teatro Larreta (Mendoza 2250, Tel: 4771-9295).

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-ballet y otros Gala del Día Internacional de la Danza Mabel Espert y José Zartmann, Cía. de Leonardo Cuello, Ballet Folklórico Nacional, Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Ballet Metropolitano de Buenos Aires, Ballet Argentino, Luana Brunetti Mattion, Alejandro Malpezzi y solistas del Ballet Estable Teatro Colón. Martes 11, 20:30 hs. Teatro Presidente Alvear (Corrientes 1659, Tel: 43755018).

-musical Los Últimos Cinco Años Intérpretes: Germán Tripel y Melania Lenoir y elenco. Dirección: Juan Álvarez Prado. Miércoles, viernes y domingos 20:30 hs, sábados, 22:30 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4861-3110).

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-infantil Feria de los Chicos 8º edición. Organiza: Revista Planetario. Espectáculos, actividades, servicios y productos para los niños.

Viernes 22 de 14 a 20 hs, sábado 23 y domingo 24 de 11 a 20 hs. Centro de Exposiciones de la Ciudad de Buenos Aires (Av. Figueroa Alcorta y Pueyrredón).

-folklore celta Gran Festival Celta Fest Noz: los bretones celebran Saint-Yves, el patrón de Bretaña.

Intérpretes: War Zao (música y danza de Bretaña) y Sapa (música y danza de Escocia). Sábado 15, 21 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto y Cabildo, Tel: 4783-1783).

-contemporáneo Jujuy Dirección: Ana Garat. Intérpretes: Rosaura García y Emanuel Ludueña. Sábados 20:30 hs. El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 4862-0655).

-contemporáneo Labial Coreografía: Gustavo Soto. Intérprete: Yamila Arnaudo. Jueves, 21:30 hs. Pata de Ganso (Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

Cartelera

-performance El Milagro Dirección: Gabily Anadón. Intérpretes: Leandro Valle (Brasil), Lucía Lacabana (Venezuela), Guilherme Morais (Brasil), Santiago Dragani (Argentina) y José Antonio Más Morales (Cuba). Jueves 20 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

-musical ‘M’ El impostor Con Martín Bossi. Coreografía: Rodrigo Cristófaro y Vanesa García Millán. Dirección: Ana Sans y Manuel Wirzt. Jueves a domingos 21:30 hs. Teatro Broadway (Corrientes 1155, Tel: 4382-2201).

-infantil Mi Bello Dragón De Enrique Pinti. Coreografía: Ricky Pashkus. Sábados y domingos, 17 hs. Teatro Maipo (Esmeralda 443, Tel: 4322-4882).

-ópera tango María de Buenos Aires Dirección: Julian Vat. Con el Quinteto Fundación Astor Piazzolla, Juan Vitali, Sebastián Holz y María Alejandra Perlusky, y elenco. Viernes y sábados, 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525 esq. San Martín, Tel: 5555-5359).

Sede Belgrano

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Sede Caseros

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La Identidad De Nuestro Pueblo Por Juan Cruz Guillén

Miguel Ángel Tapia y Carmen Estelles directores de la compañía Foto . gentileza Gran Ballet Argentino

Artista de nivel nacional e internacional, Miguel Ángel Tapia, director del Gran Ballet Argentino de la provincia de Córdoba, rememora en esta conversación su carrera abocada a preservar la identidad de nuestro pueblo apoyado en la utilización de nuevos recursos

Miguel Ángel Tapia comenzó a bailar danzas típicas argentinas siendo muy joven y “con la atrevida irresponsabilidad adolescente dirigí algún que otro pequeño grupo” recordó entusiasmado junto a este cronista. En 1966 “con mayor preparación y madurez, y con largas horas de ensayo logré el preciado título en una competencia que ese año se estrenaba: Primer Campeón Nacional de Malambo” de la cordobesa localidad de Laborde.

Desde 1963 Tapia dirige el Gran Ballet Argentino, rol que paulatinamente fue absorbiendo todo su interés. Esta formación coreográfica es la de más larga trayectoria en el país. “Desde sus inicios trabaja con músicos en vivo y gracias a un trabajo responsable y claros objetivos, ha logrado una excelente reputación nacional e internacional”. En aquel entonces el bailarín estudiaba Ingeniería, “pero el afán por lograr niveles de excelencia al recrear las manifestaciones tradicionales, me orientó a otros rumbos en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba”.

Desde siempre el elenco se integró con jóvenes bailarines y músicos de todo el país. “Hacemos esfuerzos para que se puedan sumar a lo que hacemos, para que se superen artísticamente, adaptándose al rigor de un entrenamiento en el que no sólo se trabaja el cuerpo con la apoyatura de diversas disciplinas, sino que se hace lo mismo con la energía interior, con la comunicación, con la expresividad.

De manera tal que todo movimiento, hasta el más pequeño, tenga una auténtica razón de ser”.

EN COSQUÍN En la década del ’70 Miguel Ángel Tapia fue Director Artístico del Festival Nacional de Folklore de Cosquín y coreógrafo del Ballet Oficial del encuentro. “Fue una sugerencia de Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola –reconoce- . Durante el período de mis gestiones (1973 y desde 1975 a 1980), a la par de mi tarea específica, secundaba a mis muy admirados y queridos maestros en sus grandes montajes, él ha sido el gran creador dentro de nuestra disciplina y no creo que pueda ser superado. Fue una experiencia invalorable, a pesar de que la línea estética que sigo es diferente a aquella.

CENTENARES DE ARTISTAS A la hora de crear una nueva obra, Tapia se ve seducido por los espectáculos integrales, con gran cantidad de actuantes (bailarines, músicos, cantores, actores).

Así lo ha plasmado con La Retreta del Desierto montada en los estadios mundialistas de Córdoba y Mar del Plata con 400 y 200 artistas respectivamente, Raíces en la que participaron 90 intérpretes, Soy Latinoamérica con 150, presentada en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín y La Pampa en Llamas en la que intervinieron 300 artistas en el Festival de Doma y Folklore de Jesús María.

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EN EL EXTERIOR Con su propia compañía ha realizado giras por todo el mundo. El año pasado se cumplió su tournée número 28. Diferentes aspectos de la cultura argentina fueron vistos a través de sus espectáculos en reiteradas oportunidades en Francia, Suiza, Polonia, Perú, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Portugal, España, Bélgica, Holanda, Alemania, Eslovenia, Paraguay, Panamá, Puerto Rico, Italia, Malasia y Chile.

La crítica internacional lo reconoció cuando en 2000 realizó los diseños coreográficos para la ópera El Matrero presentada en el Teatro del Libertador de Córdoba con solistas del Teatro Colón (Opera, Londres, Inglaterra. Octubre de ese año). También fue muy bien recibido por la prensa extranjera su trabajo de apertura y cierre del Festival de Martigues en Francia en 2008, una puesta con todos los bailarines y músicos participantes que fueron alrededor de 300.

Miguel Ángel Tapia Foto . gentileza Gran Ballet Argentino

Una pintura del altiplano con 120 bailarines en escena Foto . gentileza del elenco

Sus experiencias creadoras llegaron pronto hasta Canadá, donde fue contratado para montar un espectáculo de danzas argentinas con bailarines del Centro Universitario St. Louis MailletEdmundston “una experiencia interesantísima que disfruté mucho”, o cuando en Puerto Rico dirigió la puesta en escena de El Nacimiento de la Plena Puertorriqueña “un desafío mayor” señaló Tapia.

¿A qué se refiere con disciplinas de apoyo?

“Cuando hago referencia a las disciplinas de apoyo para la proyección, la recreación o la estilización de las danzas tradicionales argentinas (danza académica, jazz, danza contemporánea, entre otras), queda sobreentendido que solo nos valemos de ellas en tanto puedan brindar a los cuerpos elasticidad, ductilidad, exactitud en los desplantes”.

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PREMIOS A lo largo de todos estos años el coreógrafo y director fue adjudicándose reconocimientos importantes, entre ellos -señala puntualmente en esta conversación- el premio Consagración Cosquín del Festival de Cosquín (1992), el trofeo Estampas y Memorias-Cóndor en La Plata (1996), el Diploma de Honor del Consejo Argentino de la Danza-Unesco (2002) y el Reconocimiento al Mérito Artístico que otorgó el Gobierno de la Provincia de Córdoba a los artistas que “aportaron y enriquecieron la vida cultural del pueblo cordobés” (2009).

Este año, en las Bodas de Oro del Festival de Cosquín, la compañía de Miguel Ángel Tapia, presentó el cuadro Raíces “una pintura del altiplano, con diferentes carnavalitos ensamblados en vivo por los músicos de la compañía y con 120 bailarines en escena, con un colorido y un despliegue muy importante, y lo que más ovacionó al público, fue que los bailarines terminaron la actuación mezclados con el público, por eso digo que el público nos aplaudió de pie”.

CAMPO VS. CIUDAD “Las danzas rurales y el tango integran nuestro repertorio. En los dos, damos importancia relevante al gesto, a la expresión, al mensaje. La búsqueda permanente en las prácticas es ir descartando lo superficial y lo meramente marcado, reemplazándolo por la emoción a flor de piel.

En esto maneja los hilos Carmen Estellés, mi compañera, y asistente de Dirección del Ballet. Ella es egresada del Seminario de Arte Dramático del Teatro del Libertador de Córdoba, se ha especializado en trabajar el aspecto teatral en los bailarines y logra 32 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

El Gran Ballet Argentino este año en Cosquín Foto . gentileza del elenco

muy buenos resultados. Cuando algo sale bien, parodiando, digo a los cuatro vientos: Carmen tiene el 55% de las acciones!! Pero si ella se empecina en imponer una idea que no comparto, vocifero: El director soy yo!!”.

FAMILIA Desde pequeño su hijo Alejandro los ha acompañado en las giras integrando el grupo musical como quenista y percusionista. Y ya hace unos cuantos años, aporta sus conocimientos actualizados de tecnología en materia de sonido e iluminación, “se ocupa de los contactos internacionales y, por supuesto, discute las puestas en escena”. __BD

“Cientos de bailarines se han nutrido de mis conceptos y me enorgullece ver a muchos de ellos ocupando lugares importantes en el ambiente de la danza, tanto en Argentina como en el exterior.

Los años van pasando pero el objetivo sigue siendo el mismo: aunque con el apoyo de recursos nuevos, seguir preservando la identidad de nuestro pueblo”.

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Del Cine al Escenario Por Eliana Gissara Mixtura de danza clásica hindú, árabe, hip-hop y jazz, el Bollywood es la nueva tendencia que se impone en el mundo de las danzas orientales. Balletin Dance dialogó con dos precursoras del género a nivel internacional y local: Meera y Laksmi Devi En la década que recién comienza, India es señalada como una de las cinco potencias que experimentarán mayor crecimiento en los próximos años. Con una vasta población, su capacidad productiva se encuentra en ascenso en todos los sectores económicos, con mayor énfasis en lo que se denomina “la industria cultural”, una industria sin chimeneas de gran alcance a nivel mundial gracias a las nuevas tecnologías.

El gran producto de esta fábrica es el cine, cuya denominación comercial es Bollywood, un juego de palabras entre Hollywood -Meca del cine occidental- y Bombai -ahora Mumbai, capital de la India-. El Bollywood es un fenómeno del cine que genera pasión entre el público. De temáticas

La danza Bollywood, originada por la industria cinematográfica de la India, tiene un gran despliegue de vestuario y accesorios Foto . Gentileza Laksmi Devi 34 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

variadas, hay sólo un elemento que nunca puede faltar: la pieza de danza. Con el correr de los años, esos fragmentos fílmicos de baile han tenido su correlato sobre el vivo del escenario, originando compañías y espectáculos, y generando una danza nueva, de estilo animado y sobre todo muy vistosa en sus formas.

“El Bollywood dance es el resultado del trabajo de muchos coreógrafos a lo largo de los años. Es básicamente una fusión de los estilos clásicos y folklóricos de la India, enriquecidos con elementos de otras danzas. En los viejos films podemos ver danzas clásicas; con el devenir del tiempo, tanto la música como las danzas se fueron ‘modernizando’ y fusionando con hip hop, jazz y danza árabe, dando lugar a lo que conocemos hoy como estilo Bollywood”, explica Laksmi Devi, precursora de este género en Argentina, que dio sus primeros pasos a nivel profesional en el año 2004.

Si bien en un comienzo era una danza realizada por mujeres, las películas muestran en la actualidad hombres de todas las edades bailando interesantes secuencias, algunas cantadas, a través de las cuales se cuenta una historia. En cada film de Bollywood hay un grupo de actores - bailarines y coreógrafos que ostentan la misma jerarquía que un elenco tradicional.

En tierra oriental, una película sin danza difícilmente es concebida. “La fascinación por el Bollywood es un fenómeno global que entró a la cultura pop y al mainstream muy rápidamente. Occidente está experimentando la cultura hindú y hoy es tendencia mundial, utilizada por artistas como Britney Spears, Jay Z y Shakira, entre otros”, analiza Meera. Hija de una bailarina de danza oriental e hindú y un músico de tabla que vivió en Egipto, Meera destaca la expresividad y diversidad que tiene esta danza.

Si bien ha participado como invitada en algunas de estas películas, la vida artística de la bailarina pasa ahora por el escenario. “El Bollywood se nutre de las danzas clásicas hindúes. Personalmente me gusta emplear fusiones de diferentes estilos que aprendí -por ejemplo Kathak, Bharatanatyam, y Odissi-, dependiendo de la música. Es una danza que te permite ser creativa, respetando siempre los orígenes”.

Por su parte, Laksmi Devi fue formada en el ballet, la danza contemporánea y el folklore argentino. Con el deseo latente por la actuación, el imán hacia las danzas hindúes se despertó años más tarde y fue en el Bollywood donde Laksmi encontró esa veta de actriz que tanto añoraba. “Del Bollywood me atrajo todo, su música, su colorido, su diversidad, su estética y por sobre todo la variedad coreográfica que posee este estilo.

El hecho de que te permita trabajar con elementos de distintas danzas, crear y contar historias mientras bailás es lo que lo hace atractivo”.

En la actualidad, el Bollywood cuenta con muchos adeptos en la región y gran parte de las compañías de danza árabe de Argentina, sobre todo aquellas más relacionadas con el bellydance, incursionaron en este género en el que el lenguaje de las manos -mudras- es protagonista. Por otro lado, ya hay academias que incorporaron al Bollywood dentro de su programa de estudios, y en todo seminario de envergadura hay un módulo dedicado exclusivamente a esta danza, lo que demuestra que el abanico de danzas no tradicionales en nuestro país continúa enriqueciéndose en su variante de estilos. En tiempos de Youtube, la industria cultural se despliega como una máquina en constante expansión, que no conoce fronteras ni delimita su alcance. __BD

Foto . Gentileza Meera MAYO 2010 // BALLETIN DANCE / 35

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8 1/2 o Una Mirada Interior Por Román Ghilotti

En el Centro Cultural de la Cooperación se presenta El Milagro, espectáculo enmarcado en el Programa Danza y Políticas de la institución, y que he podido y podré ver desde adentro

Este comentario sobre El Milagro cuenta con pecado y gracia originales que son a la vez su virtud y su defecto: el autor, yo, aunque algo tangencialmente, es (soy) parte del espectáculo.

El espectáculo es, en principio, por su construcción originaria, trabajo de varios improvisadores, reflexionadores, hacedores: Gabily Anadón al frente y por detrás, dirigiendo-creando a seis intérpretes-creadores de hibridaciones en pos de lenguaje que, ufanamente, decimos hacen una muestra de Latinoamérica en hibridaciones, esto en virtud de accidentes tales como, por citar un par, lugares de nacimiento (pintorescos para ser híbridos) y contextos y arrastres culturales de sus historias particulares (híbridas para ser lenguaje): Leandro Valle (Brasil), Lucía Lacabana (Venezuela), Guilherme Morais (Brasil), Santiago Dragani (Argentina) y José Antonio Más Morales (Cuba).

Este grupo, con apoyo y asistencia efectiva de Sofía García, lle36 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

gado un punto encontró asociados para avanzar en las estructuraciones-improvisadas: Julieta Rosso, cantante que también está en la escena, en las escenas, Pedro Zambrelli edificando espacios y tiempos por sonidos y luces, y tres tangenciales críticos (invitados) para comentar lo que creyeran comentable en el momento que creyeran oportuno: Ale Cosin y Laura Lifschitz, más yo, el que escribe. Con este último agregado crítico, o este último crítico agregado, El milagro inició su andar de espectacularidad, incluso tratando de estar al margen de lo espectacular en algunas operatorias, buscando manifestarse sólo como evento. Difícil marginalidad, de a ratos lograda, de a ratos no.

Siete escenas, agrupadas en el orden del día (de cada función), consecuencia del azar de ese mismo día (de-función) y de las elecciones de tarjetas con los nombres de las escenas, por parte de espectadores que no saben que están eligiendo un orden, un encadenamiento, un discurrir. Además, intervenciones por parte de los críticos (invitados), algo ad libitum, un poco ad hoc, y así a fortiori encabalgadas sobre algo que ocurrió, ocurre u ocurriría en la pieza, despliegan en parte una octava escena (escandida por esas intervenciones).

Algo que no es (o no sea; o fuera posible de no ser) políticamente correcto tiende a darse como acento en cada escena. Ciertas violencias, ejercidas particularmente en los cuerpos, otras de otros grados de fuerza: morales, religiosas e ideológicas, alcanzan expresión en su presentación, tan al margen de valoración como sea posible (por ello, valoradas). Distanciamientos y tomas de posición respecto de temas y conductas, puestos en apariencia en las escenas, con pulsos irónicos, iconoclásticos y hasta directamente bobos por triviales, arman discursos ambiguos, cambiantes, incluso de dudosas tendencias. No se trata de irritar por irritar, aunque algo de eso hay (o habría); ni de ser gratuito en la misma gratuidad que va desde el título a los juegos y cambios.

Pero constantemente se expone algo que no cierra, cerrando de ese modo, que no pareciera justificarse mientras lo justifica su posible referencia a posibles casos de aquello que se da por naturalización o realidad.

El Milagro entra en dualidades: es ficcional en sus caprichosos juegos, en sus entramados textuales, y no lo es en sus maneras del juego ni en sus temáticas que nadan en el límite entre lo Arriba: Guilherme Morais y Sofía García. Abajo: Santiago Dragan, José Antonio Más Morales, Lucía Lacabana, Leandro Valle, Gabily Anadón, Pedro Zambrelli y Julieta Rosso Foto . Andrés Goldberg

acostumbrado, lo aceptado y el horror (ese, naturalizante, tan instalado cotidianamente, que suele causar risa y gracia).

El Milagro, también aunque no a todos, da que pensar. Para los que lo gustan positivamente, los pocos recursos utilizados y los simples puntos de ataque son ya de suyo síntesis y metáforas (que hacen denuncia sin necesidad de denunciar al modo “corriente”, si existe tal modo) de otras formas de torturas y flagelos e imposiciones por los que se vive (que, en parte, de esto trata; milagroso es seguir en cuerpo en medio e inmerso en estos jugos). Para los que lo disgustan, positiva o negativamente, lo trivial, el desajuste a cánones estéticos acostumbrados (o exigidos), hasta la falta de buen gusto o lo que se da en llamar falta de respeto, da que pensar (en algunos) en qué sea la estética (o lo estético, da igual), qué la tolerancia (o libertades creativas, da igual), que la construcción de posibilidades de comunicación (y no la información o catalogación de detalle, no da igual). ¡Qué se piensa desde, por, en, durante, después, etc., de El Milagro?

No sé. Algo (mucho-poco), quizá no se piense (¡no se piense?).

Algo que, pecador en gracia y por defecto en virtud, pienso por, en y con El Milagro es que, coreográficamente, esto escrito en estas líneas es una mitad agregada (por crítico -invitado-) a la octava escena (de críticos -invitados-); es, entonces, la escena 81/2 (ni de cerca o lejos Otto e Mezzo; en cambio, sí, “choimedio”), es decir: esto también es, coreográficamente, El Milagro. __BD

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A Manera de Unidad Separada Por Román Ghilotti

La última obra de Ana Garat expone la paradójica continuidad de un desencuentro entre dos cuerpos que construyen encontrándose uno a otro Jujuy, estrenada en El Camarín de las Musas (idea y dirección de Garat, responsable de la coreografía en colaboración con los intérpretes), evoca en su título una geografía que no aparece. Y no sólo lo típico o característico de lo jujeño está ausente: Jujuy pareciera señalar que no aparecerá lo esperable. No es del NOA de lo que trata la obra ni de lo parejo en común de una pareja.

Dos bailarines, Rosaura García y Emanuel Ludueña, presentes ya al ingreso del público, desarrollan series de movimientos que encadenan formas y maneras de establecer relaciones entre sus cuerpos. Fugaces tomas, algunas “naturales”, como asirse en abrazos, apoyadas además por miradas que rozan un diálogo no dicho, aparecen combinadas con otras secuencias más “extrañadas”, con cruces de agarres y hasta espasmos que no permiten totalizar la forma. Constantemente pareciera que está por inaugurarse un abrazo o un encuentro más pleno, hasta se diría cotidiano, o bien, en su antítesis, un rechazo certero. Pero nunca terminan de unirse o separarse. Hay esbozos de guiños, gestos a medio camino, actitudes que apuntan o remiten al estar una con el otro, él junto a ella, completando una pareja que “se entiende”, que sabe de sus modos de estar. Como tomadas de la vida diaria, de las relaciones al uso esperables entre mujer y varón como pareja de hecho y derecho, las acciones y su encadenamiento van tejiendo una trama que resultaría simple si cumpliera con el encuentro o, negativamente, con ruptura. Sin embargo, desmintiendo la reunión espacial que constituyen como dúo que baila, estorbando la “armonía” posible que en algo, oblicuamente, evoca trabajos de partenaire o pas de deux, el hecho de su conjunción espacial y cinética nunca afirma una unión desde los personajes. Y, a la vez, tampoco propone la desunión, el rechazo, el desarreglo entre ellos. El interesante juego así dispuesto por Garat y los intérpretes centra la atención en fugaces tramos, 38 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

en aquello que se da y queda como resquicio o grieta entre los cuerpos, entre las miradas y los gestos, entre los movimientos y los cambios. En esos huecos, que se vierten a la atención del espectador de a gotas, la expectativa de que algo que junte o separe, de que algo de la historia afirme lo emotivo, va gestando una impronta melancólica que, para mayor fuerza como impronta, tampoco busca imponerse como dominante. La melancolía, que toma del pasado para presentificar y hacer contraste con lo que no es (y, tal vez, tampoco fue), es la nota que recorre el espectáculo. Su vehículo: secuencias, repeticiones, variaciones, y los cortes o citas de esas mismas formas.

García y Ludueña, de notable performance en el estreno, más las propuestas de simpleza, tanto del dispositivo escénico (A y B Realizaciones Escenográficas) que sintetiza espacios de lo común para dos, del vestuario (Pilar Belmonte) con un criterio de pasaje e intercambio de las presencias entre los intérpretes, como de la música (Patricia Casares) y la iluminación (Luciana Giacobbe) con sutilezas y matices, todo lo presente es escena redunda en significancias de lo emotivo, vertidas en dosis muy pequeñas y ajustadas, van instalándose sin vocación expresa. Lo que sí resulta obvio, dado a la vista, son los modos de construcción, los recursos compositivos y su administración, sinceramiento de danza y espectacularidad. Y, sobre lo anterior, finalmente es la melancolía lo que puede leerse como el hilo que guía esa unidad nunca completa, desencontrada, y lo fragmentado de esos desencuentros que no alcanzan a separar los cuerpos o las formas ni las emociones. __BD Rosaura García y Emanuel Ludueña formando en sus cuerpos estilizaciones que ni unen ni separan Foto . gentileza de Jujuy

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Mínimo Estudio de lo Mínimo Por Román Ghilotti

Se ha repuesto Pieza Para Pequeño Efecto, creación de Fabián Gandini en la Sala Escalada

Gandini y sus muñequitos Foto . Luciana Acuña y Mariana Tirantte

El trabajo de Gandini se constituye a partir de usos muy acotados, apocopados, de las posibilidades de los elementos puestos en juego, enfatizando el recurso de reglas o disposiciones para el juego puesto en marcha.

La pieza utiliza muñequitos plásticos, una pequeña cámara digital, recortes de papel de lija, tijeras, reglas y otros elementos y herramientas para su continuidad. También: palabras que explican, indican organizan y ordenan, y juegos de cambio de luces y determinaciones del espacio.

En escena, Gandini y un amigo-asistentecolaborador (Luis Biasotto). El último opera luces y recuerda detalles o ayuda a la construcción de lo pequeño, o a su posibilidad.

Como en las cajas chinas, lo pequeño que se

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construye está dentro de otra construcción grande, la que se expone en la totalidad (es decir: la obra propiamente dicha). La construcción de lo pequeño, que es la obra dentro de la obra (que, para juegos especulares, es un remedo de la construcción grande), pasa por Gandini, especialmente. Como un artífice construye y muestra lo que se ve, y explícitamente, hasta didáctico, va enunciando y detallando lo que hace (que es lo que se ve); opera los elementos y las herramientas y manipula los muñequitos y la cámara para montar la escena de la pequeña construcción de la obra. Una vez grabadas se proyectan las imágenes (también, en otros tramos, se ven imágenes no tomadas el día de función: son muy parecidas). El efecto visual es ver muñequitos plásticos “bailando”. Lo interesante del trabajo es que Gandini expone y explica qué se hace, cómo se hace, y además lo hace. Lo hecho, en definitiva, es esa construcción, semi artesanal, cercana a la organizada y seria invención del juego (infantil o adulto), para captar imágenes de los muñequitos que desarrollan la ilusión de coreografía que monta Gandini, y que después también es expuesta por parte del bailarín y su co-equiper-asistente-amigo-colaborador.

En síntesis el trabajo es coreografía que se muestra en sus detalles constructivos: elaboración del set para grabar a los muñequitos; movimiento y grabación de los muñequitos para proyecta esas imágenes; reiteración de las reglas impuestas a los muñequitos ejecutadas por Gandini/Biasotto.

Pieza Para Pequeño Efecto, con eficacia lúdica, con transparencia constructiva, con humor sutil es una propuesta en la que la utilización de recursos mínimos, la reiteración de operatorias y la variación de los anteriores expone algo trivial que no va más allá de lo que se indica y, a la vez, abre la posibilidad de recorrer intersticios del acto creador en lo que tiene de actividad que está en medio de efectos de significancia. __BD

A UR I T MA UA O L ES es DIP ILAT o Pilat P tod Mé

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Estreno de Surmenage a Trois Por Eva Alberione Después de varios meses de ensayos, ansiedades, maratones de clases para recaudar fondos y mucho trabajo, el 11 de abril se estrenó Surmenage a Trois, el primer espectáculo de la compañía Proyecto Dos dirigida por Alejandro Ibarra Con la sala del Teatro El Cubo casi colmada, la flamante compañía se presentó en sociedad mostrando calidad técnica, excelentes intérpretes y mucho humor, uno de los ingredientes fundamentales de esta nueva apuesta que se propone trabajar teatro y danza como una unidad.

Los nueve actores-bailarines que conforman Proyecto Dos tienen formación en teatro, danza y canto, y han trabajado en numerosos musicales del circuito comercial. “Éste es un espacio para darle protagonismo a la gente talentosa que siempre está atrás en los musicales”, bromea Ibarra, en referencia a que generalmente los mismos se centran en las figuras protagónicas.

El elenco a su vez es territorio de creación para directores y coreógrafos invitados.

En esta primera puesta que continúa presentándose este mes, el director conjugó tres obras de teatro-danza, de menos de veinte

minutos de duración cada una. Para la primera, Vinilo convocó al coreógrafo Gustavo Wons, quien presentó una pieza basada en la nostalgia de las despedidas y los recuerdos, en la que los bailarines pudieron lucir sus cualidades técnicas y su veta actoral.

La segunda parte contó con el debut como coreógrafa de Karina K, con 3 Episodios Insistenciales 3, una más que interesante búsqueda corporal del universo de los monos, que luego de encontrar una zapatilla de punta acaban bailando con la música de El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky. Inteligente y punzante, la pieza arrancó más de una risa en la platea y dejó ver el intenso trabajo de experimentación que tuvieron que llevar a cabo los bailarines para convertirse en chimpancés.

El espectáculo cerró con Urbanopolis. Postales Diarias de Ibarra, llena de personajes acelerados, algo desquiciados, que transitan por una ciudad ajena e interactúan entre sí de múltiples maneras que a la larga conducen a la violencia. Choferes, curas, secretarias, oficinistas, compradoras compulsivas, desfilan en este abanico cargado de ironía, reflejo de muchas de las situaciones que se viven día a día en la ciudad.

La compañía lució pareja, con momentos destacados a cargo de Milagros Michael, Ariel Juin y Juan José Marco. Poco más de una hora le alcanzó para arrastrar al público a tres universos muy diferentes entre sí, en un prometedor debut. __BD

La compañía en 3 Episodios Insistenciales 3 de Karina K Foto . Esteban Bauty Torres 42 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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Programa 3. Viernes 23, sábado 24, domingo 25, 20:30 hs. Martín/ Zuain, Montes, Dai Chee Chang, Servera/Idelson/Capece/ Scholnik.

Todas las fechas: Video Instalación: Moguillansky. Entrada libre y gratuita. Casa de Cultura de la ciudad de Buenos Aires (Av. de mayo 575).

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Cartelera

-musical Maris Autor: Lorenzo Anzoátegui, Franco Bertolucci, Andrea Carballo, Rafael di Veroli, María Virginia Godoy, Ana Livingston. Diseño coreográfico: Luciana Bash, Salomé Bejarano, Julia de la Torre. Domingos 19 hs.

Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

-contemporáneo Pieza para Pequeño Efecto Coreografía y dirección: Fabián Gandini. Viernes 21:30 hs. Sala Escalada (Remedios de Escalada de San Martín 332, Tel: 4856-0277).

-danza teatro Serán Otros los Ruidos Coreografía e idea: Vivian Luz. Puesta: Daniel Marcote. Intérpretes: Carlo Argento, Laura Wigutow. Domingos 18 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-contemporáneo Taller de Danza Trabajos de investigación coreográfica de alumnos y maestros del Taller de Danza del Teatro San Martín. Sábados 20 hs. Centro Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255, Tel: 4931-9667). Entrada libre y gratuita.

-tap Tap sessions Intérpretes: zapateadores, músicos y público en general. Viernes 28, 0:30 hs. Buenos Aires Club (Perú 571, Tel: 4331-1518).

-teatro danza Surmenage a Trois Vinilo de Gustavo Wons, 3 episodios insistenciales 3 de Karina K y Urbanópolis de Alejandro Ibarra.

Grupo: Proyecto Dos. Domingos 17 hs. El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 49632568).

-imporvisación Te lo Dedico Dirección: Celia Argüello Rena. Intérpretes: Jimena Pérez Salerno, Mariano Kodner, Pablo Castronovo y Celia Argüello Rena. Domingos, 19 hs. Experiencias en Escena, Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

-teatro Tempo Coreografía: Diego Bros. Dirección: Marcelo Katz. Intérpretes: Hernán Carbón, Gabi Goldberg, Virginia Kauffmann, Martín López Carsolio y Julieta Carrera. Viernes y sábados 20 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543, Tel: 50778077).

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El manual más completo de danza clásica, escrito hasta el momento!!!

Todos los pasos del ballet clásico, explicados detalladamente, con numerosas ilustraciones 400 PÁGINAS En venta en librerías de todo el país y en la Tienda Balletin Dance www.balletindance.com.ar Tel: 4331-0400

Tratado de danza Clásica basada en la Metodología de Elongación por Alfredo Gurquel 46 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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Menos que Danza o Más que Danza Por Agustina Llumá

Elenco completo de la Compañía de Danza Contemporánea Foto . gentileza del elenco

El elenco creado el año pasado continúa sus actividades en 2010, en esta segunda temporada con algunos cambios, entre ellos, el nombre (Compañía Nacional de Danza Contemporánea), sumó maestros de danza al elenco, la dirección ha pasado de ser del colectivo a una colegiada (Ernesto Chacón Oribe, Victoria Hidalgo y Bettina Quintá, también intérpretes) y se fueron algunos y se sumaron otros bailarines, logrando completar un equipo de cinco mujeres y cinco varones (Luciana Benosilio, Juan Cid, Pablo Fermani, Diego Franco, Virginia López, Daniel Payero y Victoria Viberti).

Rakhal Herrero, joven cordobés, fue convocado para realizar esta primera creación, que se tituló La Que Sepamos Todos (Oda a Nosotros Mismos). Una obra integral (a diferencia del año pasado) con mucho proveniente del campo dramático, del clown, del varieté.

Este nuevo lenguaje escénico (por compararlo con los inicios de la troupe), descarta escenas propiamente danzadas (por encasillar alguna descripción), para integrar algo de teatro físico (por volver a encasillar). Textos, chistes, sketchs.

Escenas inconexas que se pasean por aquello que podría llamarse argentinismo, desde la mirada de Herrero, o bien desde la mirada de un bailarín argentino.

La maqueta, o la estructura de la obra, es actual. Conviven y se entretejen realidades distantes, fantasías, ilusiones y verdades, organizados a la era digital. Con un suave discurso social enlistado en los gustos de las clases altas y bajas, que en su coexistencia, algunos despuntarán sobre el final.

Los bailarines de impecable condición y formación, se arriesgan en esta pieza con el lenguaje hablado, que han trabajado y mucho, mas es el corporal el suyo propio y allí está su virtuosismo. __BD

La Compañía de Danza Contemporánea de la Secretaría de Cultura de la Nación, estrenó el primer trabajo de esta temporada que continuará presentándose con entrada gratuita, en el Centro Nacional de Música, hasta el 9 de junio

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Perfectamente Incorpórea Por Agustina Llumá

El mes pasado el ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata dirigido por Rodolfo Lastra, inició su temporada 2010, con el paradigma del romanticismo, Giselle, protagonizado por Anastasia Kolegova e Iñaki Urlezaga

Para evadir la realidad por algunas horas nada mejor que asistir a una función de ballet tradicional. Historias como la de Giselle, absorben al espectador en un mundo en el que no existen geografías ni siglos, aunque allí estén expresados.

Dos actos. Las danzas campesinas, el pueblo en ebullición, la exposición de las castas, el amor, la traición y la muerte por un lado.

A continuación un mundo fantasmagórico, un bosque, la luz de luna asomándose temblorosa entre las ramas de los árboles, las willis, el amor, de nuevo las castas y por último el perdón. Todo esto acompañado por la orquesta en vivo, escenografías y vestuarios, dan el marco perfecto para una noche de total ensoñación.

Es el personaje de Giselle ciertamente el más comprometido en esta obra. Amén de sus variaciones y pas de deux, ella debe enfrentar la famosa escena de la locura en el primer acto (en la que termina muriendo, también por su problema cardíaco) y luego aparecerse cual fantasma durante todo el segundo acto, pálida, etérea, incorpórea.

Anastasia Kolegova del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, ofreció en La Plata una de las más claras demostraciones, de estilo y técnica, del período romántico.

Destacándose sobre todo en el segundo acto, el acto blanco. Verdaderamente ella no tocaba el piso, levitó durante toda la función.

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Kolegova y Urlezaga en una noche de total ensoñación Foto . Guillermo Genitti | Teatro Argentino

Con una altura extrema que la dota de longilíneas posturas, su Giselle fue de este siglo.

Más que difícil resulta explicar con palabras cómo pudo mantener el estilo romántico con una línea contemporánea. Cada uno de sus compases se veía matizado por una combinación de dinámicas reflejadas en microescala. La perfección del dominio que otorga la escuela Vaganova le permitió que sus brazos redondeados se vieran extendidos, que sus posiciones de piernas románticas fuesen altísimas, que el movimiento del torso y la cabeza completaran su discurso, que las baterías y piruetas fuesen realizadas a máxima velocidad por un alma en pena.

Iñaki Urlezaga por su parte, realizó una estupenda función, con sus dotes de nobleza, provenientes de sus diez años en el Royal Ballet de Londres. Técnica cuidada sumada a su caballerosidad escénica, lo mostraron como a un distinguido partenaire para una delicada estrella. Resolvió con aristocracia la entrada al bosque del segundo acto, una caminata que por tan sutil resulta tan complicada.

Esta versión coreográfica de Gustavo Mollajoli, presenta al cuerpo de baile con una sencilla coreografía, con variados diseños espaciales sin complicaciones en las secuencias. La casual diferencia de estatura entre los protagonistas y el resto de los artistas contribuyó a crear un ámbito irreal. Así, realizaron una correcta presentación en la que inclusive se destacaron los solistas Victor Filimonov (Hilarión), Agustina Verde y Martín Quintana (pas des paysans) y Alejandra Baldoni (Myrta). __BD

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Beatriz Moscheni, en la Danza B

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Seis décadas comprenden la historia de la danza clásica en la vida de Beatriz Moscheni.

Los mejores maestros formaron su personalidad artística, hasta ingresar al Ballet del Teatro Colón y -por concurso también- a ganar el cargo de solista. Con una narración ágil y coloquial, Moscheni llega al presente como distinguida profesora egresada de la Escuela Nacional de Danzas.

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EL UBALLET REALIZARÁ UNA GIRA EUROPEA DURANTE LOS MESES DE MAYO Y JUNIO El tour que realizará el Ballet de Folklore y Tango de la Universidad de Buenos Aires (UBAllet) del 11 de mayo al 22 de junio, incluirá cuatro festivales internacionales de folklore y cultura tradicional, entre los que se destaca el más importante de Bélgica: Festival Mundial de Folklore de Saint-Ghislain.

La agrupación, dirigida por Marcos Falletti, con una delegación de 30 artistas entre bailarines y músicos, montará un espectáculo integral de folklore y tango que también mostrará en teatros y centros culturales, junto a la realización de ciclos de conferencias sobre danza argentina y talleres didácticos, en diversas localidades belgas y francesas.

Desde su gira artística por Suiza y Francia (2008) la Secretaria de Cultura de la Nación ha declarado de Interés Cultural la participación del UBAllet en los festivales europeos en el marco de los festejos del Bicentenario Argentino.

1° Escuela de Bailes de Salón Social y de Competición Clases de técnica para mujeres y para parejas Baile social y programas de competición Ritmos estandard y latinos Principiantes - Intermedios - Avanzados

ENTRENADORA

A LICIA S AMPAYO ballroom2alicia@hotmail.com Celu: 15-45407246 50 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

Bajo la dirección de Marcos Falletti el Uballet nuevamente en Europa Foto . gentileza prensa Centro Cultural Ricardo Rojas

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IÑAKI URLEZAGA ESTRENA LA TRAVIATA EN MADRID JUNTO AL BALLET CONCIERTO El estreno de La Traviata (la extraviada) se realizó el 28 de abril y las funciones se repetirán hasta fines de mayo, en el madrileño Teatro Nuevo Apolo, protagonizadas por Iñaki Urlezaga y Eliana Figueroa, un ambicioso proyecto que el bailarín desarrolló durante varios años.

Trasladar al ballet las partituras de la ópera no fue fácil. Con arreglos de Luis Gorelik se presenta esta versión de La Dama de las Camelias, en un ballet integral de dos actos. Una de las historias románticas más dramáticas de la literatura universal, centrada en el personaje masculino (Alfredo) en el original de Alexandre Dumas (h), en la ópera y en esta versión en ballet la historia gira en torno a Violeta Valery que finalmente morirá de tuberculosis.

La Compañía de Danza del IUNA en África Foto . gentileza del elenco

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LA COMPAÑÍA DEL IUNA DE GIRA POR MOZAMBIQUE Entre el 21 y el 30 de abril, la Compañía de Danza del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte, dirigida por Roxana Grinstein, se presentó en el Teatro Avenida de Maputo, capital de Mozambique. Además la directora y los integrantes del elenco dictaron workshops para bailarines africanos.

Las coreografías presentadas fueron: Cuarto Creciente (Poema Visual) con dirección de Roberto Galván, Todo a Medias (Solo) de Grinstein y Perros Sueltos dirigida por Gustavo Lesgart.

La gira se enmarcó en el Proyecto Sur Sur AA (del Programa de Promoción de la Universidad Argentina del Ministerio de Educación), que tiene como objetivos crear lazos horizontales de conocimiento entre los diferentes sur, consolidar relaciones internacionales y generar nuevas vivencias y experiencias.

J·U·A·N·A

GURQUEL LEDERER PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

w w w. l e d e re r g u r q u e l . c o m EL MUNDO DE LASDANZA ARTES CLASICA EN Alfredo Gurquel, MOVIMIENTOJuana Lederer

Walkiria Appelhans, Geraldine De Crescenzo Sonia Nocera, Romina Mancini, Gabriela Nuñez, Victoria Mazari TECNICA DE PUNTAS: Juana Lederer, Mariángeles Alé AVANZADOS E INTERMEDIOS: Mariángeles Alé PRINCIPIANTES: Nadia Batista, Katya Pazanin PARA NIÑOS: Gabriela Nuñez, Lorena Batista

ESTIRAMIENTO Alfredo Gurquel, Juana Lederer Celia Montini

ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO CORPORAL POR BIOMECANICA (Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel)

PREPARACIÓN ESPECIAL PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

DANZA CONTEMPORANEA Geraldine De Crescenzo, Romina Mancini, Gabriel Contreras, Nadia Batista, Julieta Rodríguez Grumberg TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

JAZZ

PRINCIPIANTES - INTERMEDIOS - AVANZADOS

Manuel Vallejos, Daniel Bartra, Carol del Castillo

BARRE À TERRE Lorena Batista

Fiesta en la casa de Flora Foto . gentileza Ballet Concierto

NIÑOS BABY CLASS · NIÑOS INICIACION MAYO 2010 // BALLETIN DANCE / 51

17 de julio de 1931 (Buenos Aires) - 15 de abril de 2010 (Buenos Aires)

Por Carlos Bevilacqua

José Brahemcha, uno de los tantos milongueros geniales que recién en los últimos años pudo vivir del tango.

Foto . Grupo de Brahemcha en facebook 52 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

In Memoriam

Más conocido como “el Turco José”, el bailarín de tango José Brahemcha fue uno de los más fieles representantes del llamado estilo Villa Urquiza.

Nació en el barrio porteño de Saavedra, cuando Buenos Aires latía al ritmo del tango (con Gardel todavía vivo) y pocos años antes del furor de las orquestas. De niño se dedicó al ciclismo hasta que, ya entrado en la adolescencia, su padre le sugirió aprender a bailar “para relacionarse mejor con las chicas”. Luego de mucho observar a bailarines experimentados y practicar con amigos del barrio, se animó a ir a un baile de carnaval del club Montañés, en Colegiales.

Así fue como empezó a desarrollar unas formas bien personales, sobre todo a partir de una obcecada política de ensayo y error en prácticas como la del club Huracán de Villa Martelli.

Tiempo después se volcó al estudio del estilo que se practicaba del otro lado de la General Paz, en Villa Urquiza. Se interesó en particular por incorporar a su repertorio los movimientos de Luis Lemos, alias “Milonguita”, para luego adaptarlos a sus modos.

“El del Turco José es un tango al piso, con una gran variedad de figuras originales y un modo de moverse suave y elegante, con energía y precisión, armonizando las figuras con la música”, según el texto de presentación de los docentes de la Academia de Estilos de Tango Argentino (ACETA), órgano de la Secretaría de Cultura de la Nación que entre 2004 y 2007 se dedicó a registrar los estilos de grandes maestros milongueros.

Como la gran mayoría de los ases de la pista nacidos antes de 1970, Brahemcha no se dedicó profesionalmente a la danza. Sustentó su hogar trabajando el mimbre para la confección de cajas de bombones y carteras, entre otros objetos. Recién en los últimos años de su vida empezó a ganar algo de dinero dando clases de tango. Quienes lo conocieron de cerca lo pintan como una persona muy culta, afable y calma. Los parecidos entre su manera de ser y su forma de bailar ¿habrán sido pura coincidencia?.

Argentinos en el exterior

JOSÉ BRAHEMCHA

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VIDEODANZA El 11 de abril comenzó en Washington el programa Argentina at the Smitshonian 2010 en el marco de las celebraciones por el Bicentenario, la muestra más grande de arte contemporáneo argentino que se haya realizado en Estados Unidos, que incluye exposiciones de arte, talleres interactivos con artesanos, charlas y disertaciones, entre otras actividades.

Así a se proyectó un ciclo de videodanza nacional New Dance, Movement and Animation from Argentina en el Museo Hirshhorn de la ciudad capital.

Con organización del Smithsonian Latino Center y de nuestra Secretaria de Cultura de la Nación, cuenta con apoyo de la Embajada Argentina en Washignton y de la Embajada de Estados Unidos en Buenos Aires.

Participaron en la inauguración, Jorge Coscia (secretario de Cultura de la Nación), Héctor Timerman (Embajador argentino en Estados Unidos), Eduardo Díaz (director ejecutivo del Centro Latino del Instituto Smithsoniano), Marcela Cardillo (subsecretaria de Gestión Cultural de la Nación), John Finn (agregado cultural), Silvina Szperling (directora del Festival de Videodanza de Buenos Aires), la bailarina Laura Urgüelles (Washington Ballet) y otros artistas argentinos.

Festival de Videodanza Argentina en Washington Foto . gentileza Secretaría de Cultura de la Nación

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Travesías en la puesta porteña Foto . gentileza Complejo Teatral de Buenos Aires

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WAINROT ESTRENÓ

VOYAGES EN NUEVA YORK A principios de abril Mauricio Wainrot puso en el Joyce Theater de esa ciudad su coreografía Voyages, estrenada en 2004 en el Teatro San Martín de Buenos Aires bajo el título Travesías.

La pieza ha sido creada sobre músicas étnicas y folklóricas de diversas culturas y cuenta con escenografía y vestuario de Carlos Gallardo.

En Nueva York fue interpretada por el Richmond Ballet, compañía del Estado de Virginia, que con estas actuaciones marcaron su segunda presentación en la ciudad y su segunda experiencia con Wainrot como coreógrafo.

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Nacho Duato abandonará a la Compañía Nacional de Danza El mes pasado Nacho Duato anunció que dejará su cargo de director un año antes de lo previsto, luego de dos décadas en sus funciones.

La Compañía Nacional de Danza de España (CND), depende de la Dirección General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), El director del INAEM, Félix Palomero, anunció que la CND debería incluir en su repertorio obras clásicas y neoclásicas además de las contemporáneas, y por sobre todo de varios coreógrafos diferentes, y que el proceso de transición se realizaría durante el próximo año. Sin embargo Duato ha preferido retirarse antes, más precisamente en julio.

Lógicamente con esta nueva política de compañía la CND dejará de ser lo que hasta hoy se conoció. Épocas de cambios profundos, mantienen en velo a los bailarines del elenco que no encuadrarán en la nueva formación y que no comprenden porqué el Estado decidió cambiar un modelo que llevaba tanto tiempo de éxito internacional. Muchos de ellos aseguraron que abandonarían el elenco en el mismo momento en que lo haga su actual director.

La CND realizará una gira por Estados Unidos hasta mediados de mayo, el 25 de junio actuarán en el Teatro de la Zarzuela en España y el 30 bailarán en el Teatro Bolshoi de Moscú, en lo que supone la despedida formal de Duato.

Otro de los temas que ya se habían polemizado hace unos cuantos meses, es qué ocurrirá con el repertorio actual de la CND, casi todas coreografías firmadas por Nacho Duato y de él dependerá en el futuro que puedan seguir mostrándolas. Rumores de pasillo aseguran que no lo permitirá.

Por otra parte, ya suenan varios nombres que podrían adjudicarse el cargo de la dirección, entre ellos se han mencionado a Tamara Rojo y a José Carlos Martínez, ambos españoles primeros bailarines del Royal Ballet de Londres ella y de la Opera de París él. __BD

Con el retiro de Duato en julio, el futuro de la CND es ambiguo Foto . Michael Slobodian

Primer libro de Balletin Dance T

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elongaciónxelongación modelo . Lorena Sabena

del maestro Alfredo Gurquel Más de 200 ejercicios ilustrados del revolucionario método de trabajo corporal basado en la biomecánica. Un estudio de Alfredo Gurquel de más de 40 años de investigación que se centra en la elongación como punto de partida para toda actividad física.

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Escuelas Patagónicas Estela Erman

Programa avalado por Secretaría de Cultura de la Nación

Maestras patagónicas: Carla Celi (San Luis) · Celeste González (Río Grande) · Natalia Lassalle (Río Grande) ESTELA ERMAN Tatyana Kobzeva (Ushuaia) · Carina Marzullo (Bariloche) · Mónica Romano (Río Grande-Tolhuin) Contacto: Espacio Artístico Colette. Corrientes 1660 - Tel: 6320-5346 - cel. 15-5809-1056 - estelaerman@gmail.com - www.espaciocolette.com.ar

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WILLIAM FORSYTHE RECONOCIDO EN LA BIENAL DE VENECIA El León de Oro de la Bienal de Venecia recayó en el coreógrafo William Forsythe y el músico Wolfgang Rihm La séptima edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Venecia, que se realizará del 26 de mayo al 12 de junio concederá esta distinción al coreógrafo estadounidense por su “continua renovación” y su papel como “punto de referencia para las generaciones jóvenes”.

Rihm por su parte, lo recibirá en el marco del 54º Festival Internacional de Música Contemporánea de Venecia, del 23 de septiembre al 2 de octubre.

“William Forsythe ha revolucionado el mundo de la danza” explica la Bienal en su comunicado de prensa.

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No Hagas Suposiciones este mes en el Solís Foto . gentileza oficina de prensa

Habrá una gala de ballet con la participación de todos los nominados 2009 y 2010 y al día siguiente actuarán los ganadores de ésta y anteriores ediciones.

Los premios que se otorgan desde 1991, contaron este año en su jurado con Yuri Grigorovich siempre como presidente, Micha”l Denard (Opera de París), Kenneth Greve (Finnish National Ballet), Wayne Eagling (English National Ballet), Birgit Kell (Mannheim Dance Academy), el director del Karlsruhe Ballet de Alemania, Uliana Lopatkina (Teatro Mariinsky), Linda Shelton (Joyce Theatre de Nueva York) y Hienz Spoerli (Zurich Ballet).

Ellos nominaron a cincuenta artistas de catorce compañías: Coreógrafos: David Dawson, Terence Kohler, Susanna Leinonen, Benjamin Millepied, Alexey Ratmansky y Christopher Wheeldon..

Bailarinas: Maria Alexandrova (Bolshoi Ballet), Hélène Bouchet (Hamburg Ballet), Isabella Boylston (American Ballet Theatre), Begoña Cao (English National Ballet), Isabelle Ciaravola (Opera de París), Euguenia Obraztsova (Teatro Mariinsky) y Anu Viheriäranta (Het National Ballet).

Bailarines: Esteban Berlanga (English National Ballet), Thiago Bordin (Hamburg Ballet), Stephane Bullion (Opera de París), David Hallberg (American Ballet Theatre), Michail Lobukhin (Teatro Mariinsky), Friedemann Vögel (Finnish National Ballet) y Marian Walter (Opera de Berlin).

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NO SUPONGAS Laura Pirotto presenta este mes No Hagas Suposiciones en el ciclo MontevideoDanza 2010 del Teatro Solís de Montevideo La obra es el resultado de una investigación de los sistemas fisiológicos humanos para encontrar desde ahí el movimiento y crear el material, que pone en escena al cuerpo como objeto plástico y sonoro.

El elenco está integrado por Ana Clara Martínez, Natalia Fernández, Laura Rodríguez, Daniella Pássaro y Ruth Ferrari, con música de Paulo Amorin, Sara Sabah y Mariana Lucia.

Las funciones serán el miércoles 26 y el jueves 27, a las 21 hs, en al Sala Zavala Muñiz.

Continua renovación en el arte de Forsythe

Los premios Benois de la Danse 2010, se entregarán una vez más en el Teatro Bolshoi de Moscú. El año pasado habían tenido que suspender la ceremonia por cuestiones económicas, sin embargo la directora general Reguina Nikiforova, afirmó que el 18 de mayo, se hará la entrega correspondiente a este y al año pasado, en el mítico coliseo ruso.

Yuri Grigorovich estará al frente del jurado como ha sido desde 1991

VUELVEN LOS PREMIOS BENOIS

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Coach personal de Maximiliano Guerra

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Bienal de Danza del Caribe: una plataforma para la danza Por Mercedes Borges Bartutis desde La Habana

MalSon, la obra que Susana Pous creara para la compañía cubana DanzAbierta, se alzó con el premio en la categoría de Grupo, en la Segunda Bienal de la Danza del Caribe que tuvo lugar recientemente en La Habana, con la contribución de Culturesfrance y del Consejo Nacional de las Artes Escénicas como los organizadores cubanos El evento es ya un espacio visible para el encuentro entre bailarines, coreógrafos, y profesionales de la danza que producen en el área, tanto en la zona insular como en la continental, así como en el diálogo con otros gestores y artistas del mundo.

El espectáculo de Susana Pous con música de X Alfonso, uno de los artistas más interesantes que muestra Cuba hoy, ganó el concurso por mayoría de votos, en una reñida disputa con Peso, pieza concebida por la coreógrafa cubana Sandra Rami, dentro de su espacio de experimentación en Teatro El Público, una de las compañías más prestigiosas de las artes escénicas de la Isla.

Y justamente fue Peso la otra propuesta, en competencia, más seductora dentro de la Bienal.

Susana Pous es una artista española que vive y trabaja en Cuba hace bastante tiempo. Su espectáculo Malson, abre con secuencias de movimientos bien atractivas y deja claro que de estos tiempos hay que reinventar la danza. El espectáculo, muestra

El espectáculo de Susana Pous con música de X Alfonso ganó la competencia caribeña 2010 Fotos . gentileza Bienal de Danza del Caribe 58 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

sujetos atrapados entre las desilusiones y la seducción de la vida, que aún difícil se hace hermosa y encantadora.

Por otro lado, el jurado de la Bienal de la Danza del Caribe dejó desierto el premio en el apartado de Solo, al considerar que las obras presentadas mostraron debilidad en su propósito e intención artística. Sin embargo, indicó realizar acciones que contribuyan al desarrollo de algunos coreógrafos participantes, en esta categoría, y les permita dialogar con otras experiencias.

Por ello determinó conceder invitaciones para participar en el Festival de Montpellier Danse 2010 (Francia), a Julie Adami de Guyana, así como gestionar residencias para los jóvenes cubanos Abel Berenguer y Janoski Suárez, y para Jean-Aurel Maurice de Saint-Martin (Haití).

La Segunda Bienal de la Danza del Caribe marcó largas e intensas jornadas en los escenarios del Teatro Mella, la Sala Llauradó, y la sala Tito Junco del Complejo Cultural Bertholt Brecht. En su inauguración, el evento mostró al Ballet Nacional de Cuba con Las Sílfides, una versión de Alicia Alonso sobre la original de Mikhail Fokine, y Acentos, una coreografía de Eduardo Blanco. Cerró la noche Súlkary, interpretada por Danza Teatro del Caribe, formación que reside en Santiago de Cuba. Esta pieza está considerada como el gran clásico de la danza moderna cubana, y esa noche inicial su hechizo hizo “saltar”, de sus asientos a los participantes de la Bienal, con una cerrada ovación.

Súlkary se estrenó en 1971, fue una obra creada por Eduardo Rivero, coreógrafo y bailarín perteneciente de la primera generación de la danza cubana.

La Bienal de la Danza del Caribe también permitió conocerse a algunos y reencontrarse a otros. La muestra que acompañó la competencia provino de coreógrafos y bailarines de más de diez países, y puso sobre el tapete interrogantes, satisfacciones, dudas, acuerdos y desacuerdos.

No obstante, para Noel Bonilla Chongo, director artístico asociado de la Bienal, y uno de sus principales hacedores, “por fortuna, este Caribe nuestro, tan diverso e idéntico a la vez, sigue tendiéndonos mágicas trampas para recuperar los olvidos y erigirnos en otros en la medida que volvemos a ser los mismos. Tradición e invención se unen en un universo anónimo y lo geográfico, lo histórico, lo social se hacen inclusivos en los imaginarios artísticos y en las heredades de nuestros pueblos de culturas híbridas y mezcladas.”

Entre las obras de la muestra, que acompañaron la competencia de la Bienal, tuvo una gran aceptación Maravillosa, una fantástica propuesta de la ecuatoriana Josíe Cáceres y la uruguaya Federica Folco. Esta pieza surgió del proyecto coLABratorio - Encuentro Sudamericano Europeo de Coreógrafos, una iniciativa del Festival Panorama de Dança de Río de Janeiro, y con el apoyo del programa Cultural 2000 de la Unión Europea y la colaboración del Forum Internacional de Dança de Bello Horizonte, la Bienal de Dança do Ceará de Fortaleza, Artsadmin de Londres, Alkantara de Lisboa y Theatre Institut de Praga.

Otros espectáculos que llamaron la atención del público fueron

Good Boy un desgarrante trabajo del francés Alain Buffard; O corpo é a midia da dança? (¿Es el cuerpo el soporte de la danza?) del brasileño Vanilton Lakka, propuesta que convierte el vocabulario del break dance en un material coreográfico bien diferente; Sobrenatural de la argentina Natalia Tencer, obra que induce y paraliza el movimiento a la vez; Esto no es una danza de Díxan Garrido y Libety Martínez, dos jóvenes bailarines cubanos que se cuestionan el desnudo en la danza, y los “ingredientes” de una coreografía para que sea efectiva; y ¿Cómo se dice en Martinica “La arena de la playa”? del mexicano Javier Contreras y la martiniqueña Annabel Guérédrat, un tierno espectáculo que habla de soledades y de cómo respetar el espacio del otro.

El Caribe latió en esos días maratónicos, que nos ofrecieron una panorámica de las producciones del área. De destacar en las intensas jornadas vividas, fue el trabajo de los equipos técnicos de los teatros habaneros, quienes evadieron las adversidades para complacer los requerimientos más específicos de cada uno de los espectáculos, que integraron una gran programación curada por la consejera francesa de danza Sophie Renaud y el cubano Noel Bonilla Chongo.

Dedicada al noventa cumpleaños de Alicia Alonso en esta ocasión, el camino abierto por la Bienal de Danza del Caribe, seguirá siendo una mira propositiva en el desarrollo y visibilidad de nuestra Danza. __BD

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Ayelén Clavin

UNA JOVEN PROMESA DE LA DANZA ARGENTINA La Bienal de Danza del Caribe realizada en marzo en La Habana, tuvo como antecedente en Manzanillo -al Oriente de Cuba, bien lejos de la capital de la Isla y de todo- el taller Danza en Construcción El Taller Danza y Construcción fue un espacio de escritura y composición que reunió a bailarines y coreógrafos del Caribe insular y continental, con el objetivo de buscar instrumentos y claves, que ayudaran a los jóvenes a encontrar modos de enfrentar el hecho creador.

Dos profesionales, con propuestas bien distintas, guiaron el taller: Taoufiq Izeddiou de Marruecos y Vanilton Lakka de Brasil. Diez días de trabajo pusieron sobre el escenario del Teatro Manzanillo, un grupo de obras que conformaron un espectáculo singular. Dentro de las propuestas sobresalió el trabajo de la jovencita argentina, Ayelén Clavin, quien accedió gustosamente a conversar con BALLETIN DANCE.

Dentro del taller la argentina se destacó por su manera de moverse, por su propuesta de partitura física. Esta especie de residencia, de convivencia, posibilitó el intercambio de información y experiencias, desde prácticas heterogéneas.

En Argentina, la Secretaría de Políticas Universitarias del Ministerio de Educación de la Nación abrió el año pasado una convocatoria a alumnos, para ayudarlos económicamente para realizar cursos de perfeccionamiento en el exterior. “Yo supe de la realización de la primera Bienal de Danza del Caribe y me interesaba mucho venir a ver la de este año, porque es un encuentro de artistas de diferentes lugares del mundo. Necesitaba una persona que me invitara al evento, y me contacté con Noel Bonilla que me habló de Danza en Construcción. Decidí quedarme los 20 días y así estar en el taller y asistir posteriormente, a ver las obras de la Bienal”, explicó la bailarina.

Las dos propuestas de Taoufiq Izeddiou y Vanilton Lakka fueron diferentes e interesantes, describe Clavín: “En cuanto a lo técnico, el trabajo que hicimos con Lakka es más cercano a la formación que tuve y al camino que he recorrido en Argentina. Es más físico y demanda un gran esfuerzo del bailarín. Su trabajo con el break dance tiene una búsqueda curiosa. En cambio el entrenamiento de Taoufiq trabaja con el ritmo interno del cuerpo, fue lo que más costó, pero me pareció muy seductor y me divertí. A pesar de ser totalmente diferentes los dos entrenamientos articularon de una manera increíble”.

Si se pide que la joven intérprete realice una comparación entre la vida del artista en Cuba con la de los argentinos, señala que se sorprendió al saber que en la Isla existen quince compañías de danza contemporánea. En Argentina dice ella, “es difícil trabajar en forma independiente. Por lo general, la gente no vive de sus obras, sino que vive de la docencia. Bailar o hacer coreografías no es el principal ingreso de un artista de la danza, salvo para aquellos que ya tienen un nombre. Pero son casos muy particulares. Para el que se está haciendo el camino -repitió- es bastante difícil”.

Respecto a lo estético, en Danza en Construcción, pudo apre-

Clavin se destacó por su propuesta de partitura física Foto . gentileza Ayelén Clavin 60 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

ciar búsquedas muy dispares. “Observé un poco de todo. Algunos trabajaron más desde la expresión, de su mundo interior y con ese tipo de disparadores. Otros desde un punto más formal, en cuanto a la producción de movimientos, similar a mi camino (en un inicio, después busco el sentido de ese material). En estos días de trabajo se planteó la concepción de una danza como política, es decir, de ser concientes de que el hecho escénico dice algo. Yo estoy en esa búsqueda”.

Clavin acaba de terminar de cursar la carrera en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) y se encuentra en preparación de su tesina de graduación. Su investigación se remonta a la primera generación de danza moderna en la Argentina, y apunta a descifrar si allí hubo o no influencia de la modern dance de Estados Unidos. “Mi pregunta es más bien estética”, manifiesta.

Junto al Grupo del Patio comparten un proyecto creativo con Silvina Grinberg y Liliana Tasso, paralelamente ella integra un equipo de investigación referido a la historia de la danza en la Argentina que coordina Susana Tambutti y asiste en una obra a Pablo Rotemberg. “En cuanto a la docencia, estoy impartiendo clases de danza contemporánea y de historia general de la danza en el IUNA y creo que empezaré a trabajar en la Universidad de San Martín, en el área de danza que dirige Oscar Araiz. Así vivo entre la teoría, la creación, la reflexión, la docencia y la interpretación. Gracias a eso puedo vivir de la danza”, finalizó. __BD

Twins Tap Dance Center

22º ANIVERSARIO

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STAFF DE PROFESORES 2010 Ale Castro Videla · Ati Castro Videla · Andrea Rossi Michele Kadison · Milagros Michael · Claudia Palta Rodrigo Cristofaro · Leo Robaglio · Selva Santagada Carolina Amaya- Pedro Frias · Yamila Embon Florencia Lopez Cabanillas · Vera Mauer Noli Rodríguez · Lucila Greco · Luciana Castro Ximena Catala · Ingrid Cataldo · Rosario Ruete Agustina Vivone y otros.

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Caleidoscopio de Estilos Por Tamara Gosman desde Valencia

Del 26 de marzo al 9 de mayo se realizó en la capital levantina el Festival Dansa València 2010 que ya ha conquistado un lugar de prestigio en el mundo, en homenaje a Les Ballets Russes de Serge Diaghilev

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La Consagración de la Primavera en versión original Foto . Marie-Laure Briane | gentileza Dansa Velència

Asun Noales, directora de Otra Danza, prefiere bucear en la naturaleza para extraer de ella su fuente de inspiración. Ejemplo de esto son sus espectáculos Tierra o LLevèig. Casi a inicios de abril se presentó Back, una pieza donde la búsqueda llega hasta lo más primitivo del movimiento y ofrece una estética muy lograda que rompe con sus anteriores obras. La utilización de recursos simples de manera inteligente crea un universo abstracto capaz de envolver al espectador y a los intérpretes. Es una coreografía concebida para seis bailarines en constante movimiento.

En otro registro, se encuentra 3XX de Eva Bertomeu Compañía de Danza, plataforma de creación que compartió el espacio escénico con Cristine Cloux y Patricia Gracia. Se destacó la originalidad del lenguaje coreográfico de esta última con 1+1 articular y la temática comprometida de Bertomeu en Lus Primae Noctis sobre el derecho de pernada y la mujer-objeto.

A mediados de abril, la acción se trasladó al Teatro Principal para presentar a Rafael Amargo con su espectáculo Rendez-Vous. Se trató de una fusión

Minus 16 de Ohad Naharin Foto . Ros Ribas

Desde su primera experiencia, han pasado por el festival ballets y coreógrafos renombrados como la Compañía Nacional de Danza (CND) de Nacho Duato, Nederlands Dans Theatre (NDT), Rambert Company y la Batsheva de Ohad Naharin.

Desde esta edición el festival cambió su nombre a Temporada Internacional Dansa València, para la que los organizadores lograron convocar al Grupo Corpo de Brasil y Les Ballets de Monte Carlo, además de los conjuntos españoles.

El vigor de Danza Valencia se expresa en la variedad de propuestas escénicas, que van desde la danza clásica y la contemporánea, a la neoclásica, el flamenco y las coreografías experimentales.

Lo que resalta de esta edición 2010 es una tendencia de las compañías, sobre todo a nivel local, a incluir elementos de otras manifestaciones como el uso de palabras, el diálogo y el canto.

La primera parte del Festival, en el Teatro Rialto, acogió a grupos independientes valencianos ya consagrados: Eva Bertomeu Compañía de Danza, Otra Danza dirigida por Asun Noales y Proyecto Titoyaya del coreógrafo Gustavo Ramírez, quien sobresalió con su última creación Lo Que No Se Ve. La pieza de Ramírez permite apreciar su lenguaje coreográfico, rico en cuanto a detalles y con una dinámica que desafía la velocidad. Sus obras gozan de una estructura original, donde lo aparentemente caótico es racionalmente organizado y ofrece un efecto visual de gran belleza. Si bien el ballet evoluciona a partir de una historia que se basa en las relaciones afectivas y cómo son alteradas por la lejanía, dista de ser un “relato” lineal. Es un trabajo que manifiesta el lado más oscuro del coreógrafo, como él mismo lo definió.

de flamenco y danza contemporánea junto a excelentes músicos y cantaores, que sumaron instrumentos musicales como un chelo y una flauta a los habituales guitarra y cajón flamenco. Acompañaron a Amargo tres bailaoras y una excepcional solista, La Lupi, que robó las miradas y los aplausos.

La temporada tuvo un momento excepcional al acercar al público un homenaje a Les Ballets Russes de Diaghilev.

No por acaso Danza Valencia trajo a Les Ballets de Monte-Carlo con Shéhérezade del director Jean Christophe Maillot y La Consagración de la Primavera en la versión original de Vaslav Nijinsky. Es que son pocas las compañías que cuentan con esta joya en su repertorio, y fue ésta la primera vez que se mostraba en suelo español.

Así los monegascas se sumaron a los valencianos en la temática de homenaje del festival de este año.

El Ballet de Les Teatres de la Generalitat Valenciana presentó tres nuevas versiones de Pulcinella por Toni Aparisi, Parade de Angel Rodríguez y Bolero de Thierry Malandain.

Entre las dos primeras de tono cómico se destacó Parade con una escenografía minimalista en blanco y negro y personajes surrealistas: bailarines vestidos de colegialas, smoking, tutú y máscara de snorkel, pelucas alocadas y coloridas, y secretarias retro que escriben en máquinas de escribir imaginarias. La música de Satie completó la acción ágil y caricaturesca. Con la utilización de variados recursos (de nuevo intervino el diálogo, y se proyectó un video de los mismos intérpretes) bien articulados, la obra divierte al público y lo enternece sobre el final.

El broche del cierre lo tuvieron las compañías Sol Picó con su espectáculo El Llac de les Mosques, IT Danza con tres obras de los consagrados coreógrafos Alex Eckman, Stijn Celis y Ohad Naharin, Victor Ullate Ballet que presentó Beethoven y el Grupo Corpo de Brasil con Bach y Parabelo, ambas creaciones de Rodrigo Pederneiras. __BD

1975-ADA-2010 Academia de Danza y Arte Dirección: Cristina Ponzo y Aaliah INSCRIPCIONES 2010 Clásico NUEVOS CURSOS Arabe Jazz-Contemporaneo Comedia Músical Iniciación a la danza de 6 a 10 años Salsa -Tango-Flamenco Teatro ( todas las edades) Profesorados – Espectáculos – Certámenes

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Raúl Gatto Ex primer primer bailarín, bailarín, solista solista del del Ex Teatro Colón Colón Teatro Director del del Ballet Ballet Municipal Municipal Director de Lomas Lomas de de Zamora Zamora de Miembro del del CID CID (Concejo (Concejo Miembro Internacional de de la la Danza Danza Internacional de la la Unesco) Unesco) de Docente de de la la Escuela Escuela de de Docente Danzas de de La La Plata Plata Danzas

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Publicaciones recibidas

REVISTAS FLAMENCO EN ARGENTINA Director. Juan Naranjo Marzo 2010, Número 6. 32 páginas DADA MINI Director: Nicolás Cacciavillani Año 3, Nº 11, 128 páginas GAZPACHO Revista del Centro Cultural de España en Buenos Aires Director: Ricardo Ramón Jarne Nº 1, abril de 2010, Sostenibilidad Medioambiental. 96 páginas.

SAVERIO Revista cruel de Teatro Director: Gustavo Urrutia Año 3, Nº 8, abril de 2010, 16 páginas

LIBROS SARA NIETO VIDA DE UNA BAILARINA ESTRELLA De Marisol Calderón Dondero y Francisca Folch Couyoumdjian Editorial El Mercurio Aguilar, Chile 2009 Una investigación profesional permitió que las autoras revivan toda la vida de Sara Nieto en 400 páginas de impecable factura. Con un vocabulario accesible a todo público, excelente edición literaria e innumerable cantidad de entrevistas, el lector podrá adentrarse en la vida de una “Bailarina estrella” latinoamericana de las últimas épocas. Uruguay y Chile, son sus principales escenarios, en los que se funden anécdotas profesionales con su vida familiar.

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ORQUESTA TÍPICA: TRADICIÓN

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POR LA DANZA Revista de la Asociación Cultural Por la Danza con la colaboración de la Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad de Madrid Nº 82, primavera 2009, 116 páginas.

CATÁLOGOS REVISTAS CULTURALES DE ESPAÑA Arce, 25 años difundiendo cultura 2009/2010. 120 páginas, Madrid.

EDITORIALES INDEPENDIENTES DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES Gobierno de la ciudad de Buenos Aires Catálogo 2010. 110 páginas.

De Horacio Salgán 240 páginas, Ediciones Biblioteca Nacional, 2008 Inicio de la Colección Cuadernos de Música para contribuir con la recuperación de la memoria artística de la nación y el minucioso trabajo de conservación del patrimonio histórico cultural. Aquí se rescatan piezas extraordinarias de un capítulo fundamental en la historia del tango argentino.

REINGENIERÍA EDITORIAL Aplicada al texto escolar De Doris Arroba Jácome 100 páginas, Manthra Editores, España 2010 REVISTAS CULTURALES REALIDAD Y PERSPECTIVAS Asociación de revistas Culturales de España 84 páginas, Madrid

64 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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MAYO 2010 // BALLETIN DANCE / 65

Balletin Informativo

AUDICIONES CONCURSOS Y FESTIVALES • La empresa de cruceros Royal Caribbean Internacional estará nuevamente en Buenos Aires para seleccionar cantantes y bailarines. Inscripción obligatoria (no necesariamente personal): lunes 17 de mayo de 14 a 17 hs, en Bailaras: Paraguay 2745, llevar foto reciente y curriculum en inglés. Las audiciones de bailarines serán el lunes 24 y martes 25 desde las 9 hs. Los interesados en participar deberán tener nivel profesional con gran experiencia en danza jazz (también para quienes saben telas y/o acrobacia), de 18 a 30 años y realizarán combinaciones montadas por los coreógrafos de la empresa. Se ofrece: contrato de seis meses, periodo de ensayo pago, ambiente profesional y shows contemporáneos. Salario mensual desde 1.770 dólares estadounidenses, pasajes de ida y vuelta y alojamiento pago a Hollywood, Florida, Estados Unidos, donde se realizarán los ensayos.

Uruguay. El nuevo Ballet Nacional del Sodre de Montevideo, bajo la dirección artística de Julio Bocca, seleccionará bailarines y bailarinas, en carácter extraordinario, para la conformación de su primera programación, para el período comprendido entre el 1º de junio y el 31 de diciembre de 2010. La audición de selección se realizará el lunes 24 de mayo, a las 10 hs y constará de una Clase completa (barra/centro), de carácter eliminatorio. Los interesados deben tener una sólida base de ballet clásico, altura mínima de 1.65 m. para las mujeres y 1.70 m. para varones, buen estado físico, y 27 años como máximo. Inscripción por e-mail: BNS.2010.Audiciones@gmail.com, hasta el 14 de mayo de 2010.

• Certamen Nacional de Danza Julio Bocca. Organiza: Consejo Argentino de la Danza. Cierre de inscripción: 31 de mayo.

Informes: www.consejoargentinodeladanza.com • Encuentro Nacional de Profesores de Danzas Folklóricas, La Regionalización del Folklore. 1º edición. Organiza: Escuela de Danzas y Ballet Regional Huayra Cuyum.

10 y 11 de julio de 2010. Informes: (0261) 15-590-1483, Luzuriaga 1299 (5501) Godoy Cruz, Mendoza.

• Danzamérica. Organiza: Cristina Sánchez. Del 29 de septiembre al 11 de octubre. Vila Carlos Paz, Córdoba.

Informes: www.danzamerica.org, E-mail: info@danzamerica.org • La Menage. 7º edición. Festival de Nuevas Tendencias. Del 17 al 22 de agosto. Teatro Real de Córdoba.

Podrán participar espectáculos, nuevos creadores, solos al atardecer o calle en movimiento, y también se solicitan pasantías. Informes: Marcelo Massa, lamenagefestival@gmail.com Brasil. Festival Internacional de Dança de Cabo Frío. 6º edición. Del 3 al 7 de septiembre de 2010. Río de Janeiro. Informes: ballet@marciasampaio.com.br.

España. MasDanza. Certamen coreográfico, certamen de solos y certamen de break dance. Del 23 al 30 de Octubre de 2010. Cierre de inscripción: 15 de junio. Premios desde 6.000 euros. Informes: C./ San Diego de Alcalá, 14 - 15 (35001) Las Palmas de Gran Canaria. Tel: (00 34 928) 369-004, E-mail: info@masdanza.com

CONVOCATORIAS

DABKE EN EL OBELISCO

El Centro Cultural Ricardo Rojas convoca a coreógrafos y bailarines para participar de Puentes 3, que se realizará en noviembre de este año, con coordinación de Alejandro Cervera y Patricia Dorin. El programa es un nexo entre las áreas pedagógicas y de programación del Centro Cultural. La selección se realizará mediante audiciones durante el mes de agosto, quienes participen de la programación lo harán en calidad de alumnos, por lo tanto no recibirán pago ni viático alguno. Los interesados en participar deberán completar una ficha de inscripción en la Oficina de Cursos, Av. Corrientes 2038, 4º planta, de lunes a viernes de 11 a 19 horas. Cierre de inscripción: 17 de agosto.

Consultas: puentes3.danza@gmail.com.

El domingo 23 de mayo se realizará el Dabke más grande de la Argentina, con el objetivo de unir a todas las personas interesadas en la milenaria cultura árabe y en especial su música, a través de esta danza folklórica tradicional llamada Dábke/Dábka. Los interesados en participarán podrán acercarse de 14 hs a 17 hs, los hombres con remera blanca y las mujeres con remera celeste y llevar la mayor cantidad posible de derbakes y tables. Así la colectividad árabe se sumará a los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo.

Organiza: Walter Salih, Fearab Buenos Aires: dabke_akbar_argentina@hotmail.com.

66 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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Balletin Informativo

DIÁLOGO El lunes 17 a las 19 hs, en el Auditorium Central de Argentores se realizará un Diálogo con Susana Zimmermann Teatro-Danza, con proyección de videos. Entrada libre y gratuita. Pacheco de Melo 1820.

SEMINARIOS Dentro del ciclo Dramaturgias Aplicadas de Argentores, Susana Zimmermann dictará el seminario intensivo teóricopráctico gratuito, Dramaturgia aplicada a la Danza, Teatro-Danza. Del 10 al 14 de mayo de 14 a 17 hs. Se investigará e interrelacionará la aplicación de los elementos esenciales del arte coreográfico en relación con el teatro y otros lenguajes escénicos y audiovisuales. Se proyectarán videos y se realizarán lecturas de los lenguajes del movimiento (danza, cine, ópera y televisión).

Podrán participar dramaturgos, coreógrafos, bailarines, actores, directores, estudiosos del teatro y la danza, estudiantes de arte y disciplinas escénicas.

Los interesados deben presentar un currículum impreso, de lunes a viernes de 13 a 18 hs (cupos limitados), en el Anexo de Argentores, Montevideo 696. Informes: 4373-5061 int. 110.

TALLERES En el marco de la Escuela de Teatro de la Universidad Kennedy, se desarrolla el Taller de Teatro-Danza a cargo de Susana Zimmermann, en el que expone su técnica personal en clases prácticas.

Viernes de 15 a 19 hs, en el Colegio Claret: Piedras 645. Inscripción gratuita. Informes: 4345-0175 (Escuela de Teatro).

BALLETIN DANCE DIDÁCTICO MÁS JORNADAS EN TODO EL PAÍS Desde la colección destinada a docentes de danza Balletin Dance Didáctico, Compartiendo Ideas, su directora Alicia Muñoz, realiza una serie de encuentros con docentes para intercambiar experiencias.

Así las Jornadas de Actualización y Reflexión Docente que se realizan junto a prestigiosas instituciones de todo el país tienen su enfoque en los nuevos modelos pedagógicos utilizado para trasmitir los conocimientos (cómo enseñar), a diferencia de otros centrados en los contenidos mismos (en qué enseñar).

Estos encuentros que Muñoz realiza con los docentes de todas las disciplinas de la danza, contribuyen a evaluar las diferentes posibilidades de aplicar las nuevas corrientes pedagógicas a la enseñanza de la danza, para pasar de un modelo conductista a un aprendizaje constructivista.

El objetivo: ayudar a los docentes a reflexionar sobre el hacer diario, optimizar los recursos didácticos para obtener mejores logros en los alumnos, establecer parámetros de evaluación a partir de fundamentos teóricos, establecer vínculos con alumnos y padres.

El curso se organiza tal como lo proponen los volúmenes editados de la colección, desde una metodología teórico-práctica, para desarrollar cinco temas: la transmisión del conocimiento, la observación como metodología, la planificación y la expresión como fin, el cuerpo como instrumento.

PRÓXIMAS

FECHAS:

NEUQUÉN Organiza: Lorena Rosso Días: 15 y 16 de mayo Informes: info@balletjazz.com.ar Tel: +54 (0299) 154089235 1º nivel 2º nivel CASILDA (ROSARIO) SANTA FE Organizan: Silvia y Adriana Ferrara Día: sábado 22 de mayo de 2010 Lugar: Escuela de Danzas “Isadora” Costo: $100 E-mail a: isadoradanza@hotmail.com Inscripción: hasta el viernes 21 de mayo.

Personalmente en la Escuela Isadora por la tarde (Mendoza y MorenoCasilda-Sta.Fe) 1º nivel BUENOS AIRES. VACACIONES DE INVIERNO (JULIO) Asociación Arte y Cultura 2º nivel 3º nivel

68 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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• Mar del Plata (Buenos Aires). Escuela Municipal de Danzas Norma Fontenla: México 1742. Tel: (0223) 473-1016.

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• Neuquén capital. Instituto Cascanueces. Paola Querci: Galarza 3584 (8300). Tel: (0299) 446-4097, E-mail: cascanoe@hotmail.com • Rosario (Santa Fe). Koi Ballet, Carina Odisio. Club Español: Rioja 1052. E-mail: odisiocarina@hotmail.com.

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• San Juan capital. L’Danse Indumentaria, Mariela Clavel: 25

de mayo 40 (este). Tel: (0264) 420-4353.

E-mail: marielaclavel_6@hotmail.com.

• Santa Rosa (La Pampa). Bella Bailarina, Adriana Arillo: 1º de mayo 684. Tel: (02954) 15-54-8245.

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SUSCRIPCIÓN También podés recibir la revista todos los meses en tu casa (en todo el mundo). A través del sistema de suscripción, pagás solamente los gastos de envío que en Argentina son $ 7 por revista.

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70 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010

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72 / BALLETIN DANCE // MAYO 2010