BALLETIN DANCE 189

JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 1

JOSÉ LUIS LOZANO Nuevo director del Ballet del Teatro Argentino de La Plata

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 17 . Nº 189 . julio 2010 . Revista mensual de distribución gratuita en . Capital Federal y Gran Buenos Aires es

España: MOV´S

BALLET DEL SUR De Bahía Blanca

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NOTA DE TAPA 6 Nueva Dirección en La Plata ACTUALIDAD 10 Bodas de Oro en el San Martín 12 Antonia Mercé en Argentina 14 Ballet en fílmico 14 La Plata 16 Uno entre los 25

José Luis Lozano Foto . Guillermo Genitti

PROVINCIAS 18 Buenos Aires . Reinicio Sureño ENTREVISTA 22 Un Nuevo Espacio para la Enseñanza Artística GENERAL PUEYRREDÓN 30 Tango del Bicentenario TANGO 32 Tradiciones que Perduran

Sumario 189

DANZA ÁRABE 34 Corazón Perdido FOLKLORE 36 La Danza Folklórica Goza de Buena Salud COMENTARIOS 38 Crudos Pasos de un Crudo Corazón 42 Laberintos 48 Premio María Ruanova 2010 50 Ballet Imperial en el Teatro Coliseo

IN MEMORIAM 44 Tamara Sidorenko (Tamara Grigorieva) 52 Blanca Lemos 52 Eduardo Giorello 54 Kazuo Ohno 54 Marina Semionova

STAFF

ARGENTINOS EN...

56 Estados Unidos. En el American Ballet Theatre 58 Estados Unidos.

Elena Roger volverá a protagonizar Evita 58 España. Hamlet argentino en el Pradillo 60 Francia. Argentinos festivos

colaboran en este número Carlos Bevilacqua Enrique Honorio Destaville Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Juliana Lizardo Villafañe Natalia Picorelli Diego Vázquez Comisarenco

INTERNACIONALES 62 Alemania. Entre Opuestos y Supuestos 64 España. El mov-s: Puerta abierta al debate BALLETIN INFORMATIVO 68 Audiciones 68 Subsidios 68 Becas 68 Convocatorias 70 Jornadas Docentes 70 Concursos y festivales CARTELERA 26/29/47 Cartelera

JULIO 2010 - AÑO 17 - Nº 189 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancillería de la República Argentina. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/2004/2009). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 826907. Fotocromía: DTP Conexión Gráfica. impresión. Gráfica Laf. Monteagudo 741/45. Vª Lynch. San Martín. Buenos Aires. Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García.

Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com

INTERIOR DEL PAÍS: $ 3 TIERRA DEL FUEGO: $ 5 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0400 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar

Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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Nueva Dirección en La Plata Por Agustina Llumá

Con la renuncia de Rodolfo Lastra Belgrano, José Luis Lozano encara la dirección del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, una gestión que no ofrecerá cambios, según indicó en entrevista exclusiva con BALLETIN DANCE

José Luis Lozano basará su gestión en los valores humanos

Fotos . Guillermo Genitti

Las autoridades del Teatro Argentino de La Plata habían rechazado la renuncia que Rodolfo Lastra había presentado a comienzos de este año. Sin embargo no pudieron retenerlo por mucho tiempo más y a mediados del mes pasado José Luis Lozano comenzaba su gestión al frente del elenco bonaerense.

Se trata de la primera vez que La Plata apuesta a su propia historia. Es que desde 1986 Lozano ha sido bailarín, maestro, coreógrafo y asistente de dirección del Ballet Estable. “Alfredo Gurquel había sido también bailarín del Teatro cuando asumió su dirección” recordó el flamante director, pero no había antecedentes de quien hubiese desarrollado todas las áreas del ballet. Y aseguró: “Siento que es el broche de oro para mi carrera dentro del Teatro Argentino”.

Lozano vivió en el Argentino la etapa sin sede, “el Teatro del Lago, el Cine-Teatro Rocha, pasé por todas las situaciones inhóspitas. Es un premio ahora como director tener todos los servicios y la posibilidad de trabajar en esta casa con tantas cosas positivas para dar a nivel teatral, con una infraestructura formidable”.

Nada de cambios, aseguró José Luis Lozano al referirse a su gestión directiva. “El nivel de conducción tiene que ver con una guía, con el respeto que se merecen todos los artistas, los grandes, los de la generación intermedia y los jóvenes. Tiene que ver con sustentar el respeto entre la gente. Esa es la guía de conducta más importante que puede tener un teatro, porque alimentas su espíritu, que muchas veces se siente dañado por gestiones que abandonan el nivel humano. Quiero ser sobrio con esta respuesta pero es la verdad. Hay muchas compañías en las que se lastiman a los bailarines a nivel personal, cuando deberíamos todos cuidarnos porque es una tarea artística que requiere de mucho afecto y de amor, más allá de los gustos o de los no gustos”.

Para explicar aún más su criterio Lozano ejemplifica: “Como coreógrafo podés tener un gusto acerca de un bailarín determinado, también como bailarín tenés un prototipo de artista, pero como director no debes tener ningún tipo de bailarín determinado, sino que debes trabajar para ellos te gusten o no. No tiene que notarse ¿se entiende? Es una gestión diferente. A vos te convocan para trabajar en una compañía y tenés que trabajar con esa compañía, no con otra que tengas en mente, porque sino tendrías que ir a otra”.

RESPETO Primero sos persona y después bailarín, o lo que fuere. Si te falto el respeto como persona no puedo después respetarte como bailarín. No creo en formalismos cuando es solamente eso, creo en el respeto cuando está basado en los valores humanos”.

ASISTENTE Mi maestra asistente es Fernanda Bianchi, una compañera de toda la vida, una persona que ha bailado todas mis coreografías, que es una excelente profesional y un ejemplo para el ballet. Ella ha sido primera bailarina, ha estado en la segunda fila y después vuelto a ser primera bailarina, ha hecho una carrera importantísima en el Teatro con absoluto respeto y todo su amor. El día que la presenté recibió una ovación de los bailarines, y se la merece”.

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La temporada cierra en diciembre con El lago de los Cisnes. En la foto Genoveva Surur y Bautista Parada.

ANTECEDENTE Mucho sirvió el antecedente del maestro al frente del Ballet provincial de Córdoba, durante las temporadas 2006 y 2007 “una experiencia maravillosa, formidable, donde aprendí un montón de cosas. Pude hacer ballets completos como La Bella Durmiente y El Lago de los Cisnes, que fueron un impacto para el público y para la compañía que no estaba acostumbrada a hacer tantos ballets completos”.

Su carrera continuó luego al ser invitado por Cristina Sánchez como maestro de la preselección del Prix de Lausanne en Latinoamérica donde se contactó con Jorge Texeira, director de la Compañía Brasilera de Ballet con sede en Río de Janeiro, que había llevado a varios de sus bailarines. Desde entonces ya lleva tres años viajando al país vecino como maestro invitado de la tropue, con la que este año viajó al Mónaco Dance Forum. Allí en el proyecto mi primera audición de los cuarenta y siete bailarines brasileros veinticinco recibieron contratos para integrar compañías de todo el mundo. “Fue un éxito porque en Europa no ven a Sudamérica como un lugar donde pueda haber ballet. Sin embargo es donde más ballet tenemos, porque ellos bailan solamente contemporáneo y cuando vieron el elenco del ballet clásico que llevábamos de Brasil quedaron impactados”. Al aceptar la dirección del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Lozano canceló los viajes que tenía programados para este año.

TEMPORADA A menos de una semana de haber asumido la dirección Lozano, adelantó a BALLETIN DANCE algunos de los títulos de la próxima temporada, a la vez de confirmar que 2010 continuará según lo establecido. “Comenzamos con Espartaco en agosto, ya están los dos maestros armenios, Nadia Dautian y Vilen Galstian” para el estreno vendrán bailarines invitados de Rusia que realizarán los roles protagónicos aunque al cierre de la presente edición no se habían confirmado sus nombres. “En octubre hacemos El Lago de los Cisnes de Mario Galizzi, y a fin de año dos obras de Rodolfo Lastra y Carmen de Violeta Janeiro en el Teatro del Lago. Se respeta la temporada como estaba planeada”.

Para el año entrante todavía no hay nada confirmado, sin embargo el director adelantó, “me gustaría La Fierecilla Domada de John Cranko, ya estamos en tratativas para eso en diálogo con Marcia Haydée. Y el año pasado yo había presentado un proyecto para hacer Sylvia, la primera producción latinoamericana del ballet. Pero realmente recién comienzo y estoy apenas en las vísperas de lo que me gustaría realizar”.

Serán como hasta ahora, cuatro programas, tres ballets integrales y otro contemporáneo. Con el agregado de algunas giras posiblemente a Montevideo y a Santiago de Chile. “He pedido que agregaran algunos espectáculos en tournée para completar lo que no podemos hacer dentro del teatro. Se va a dar confeJULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 7

FORMACIÓN Lozano se formó en Buenos Aires y a los dieciocho años, “con una valijita a cuestas” se fue a audicionar al Ballet de Tucumán. Allí comenzó su carrera profesional, “épocas en las que los protagónicos recaían en bailarines del Teatro Colón.

Tenía otra idea de bailar, tenía que apurarme por la edad, tenía que pensar en cómo podía ganar un día, cómo enriquecer mi existencia en el baile y la mejor opción fue conocer otras compañías. Fue maravilloso, pasé también por el Ballet del Sur de Bahía Blanca, antes de entrar al Argentino. Tus primeros pasos por el teatro son momentos de tu vida que no olvidas, mi primer espectáculo fue Giselle”.

rencia de prensa a fin de año con la programación por eso estoy definiéndola ahora. Tenemos a Marianela Nuñez que es primera bailarina del Royal ballet de Londres y a Ludmila Pagliero primera bailarina de la Opera de París, dos casos únicos en la historia, ya hablé con las dos para ver si pueden participar de nuestras producciones el año que viene”.

ESPARTACO Nadia Dautian y Vilen Galstian, los repositores de Espartaco llegaron contentos por trabajar en Argentina. Venían solamente a reponer la obra, pero se aprovechó su visita para que además dicten clases a la compañía repitiendo una experiencia anterior.

“Empezaron a trabajar muy fuerte, como siempre fue su estilo, ven a muchos bailarines nuevos y son gente muy estimulante y muy sabia. Saben mucho, mucho, de la profesión, son maestros altamente calificados en lo nuestro y se aprende mucho de ellos”. ¿Qué es lo que más falta desarrollar en el elenco?

“La compañía es excelente -afirma Lozano-, tenemos que trabajar nomás, no más. Tenemos un nivel muy rico. Hay gente de todas las edades, como en todos los teatros, y mi idea es darle trabajo a todos, justamente para que se sepa sustentar ese espíritu y no se quiebre generacionalmente la historia. Entré a trabajar en una compañía que conozco, que quiero, que es ésta y no otra. No tengo idea de inventar otro ballet diferente”.

“Me siento muy confortable, más allá de estar en mi casa donde todos me conocen, desde la camarinera hasta los cantantes, con quienes compartimos una vida. Saber que hay personas en cada área realizando su tarea, bien, y poder apoyarte en eso es importante”.

Cuánto tiempo estará al frente de la dirección José Luis Lozano, es algo que no puede preverse. Por ser una persona de la casa tiene una designación y no un contrato con fecha estipulada. De todas formas “gracias a dios uno nunca sabe el tiempo que va a estar en un lugar, hay que hacer las cosas lo mejor posible. Lo importante es la felicidad que te da lo que estás haciendo. Qué 8 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

te genera. A lo largo de toda mi carrera -empecé como maestro en el ‘84 y como coreógrafo en el ’90- nunca especulé con nada, ni con el tiempo, ni con el dinero, ni con la fama. Solamente me inspiró el trabajo, y ahora a los 49 años, sigue siendo igual”.

No es poco frecuente en Argentina escuchar cuantiosas escusas referidas a las programaciones debido al poco tiempo de organización. “Pero como no estamos en Suiza, yo no puedo programar nada hasta 2020, estamos en Argentina y soy consciente”, baja a tierra Lozano. “No soy de estar pensando siempre en el afuera, veo que lo que tenemos es muy bueno y soy feliz con ello. Estuve en Suiza, estuve en Mónaco, estuve en París, y también hay problemas, son otros, la gente no tiene una sonrisa en el rostro.

Ser feliz no depende de la carrera que elijas, podes ser dentista y feliz, bailarín y feliz, cartonero y feliz, creo en eso”.

“Según palabras de mis propios directores fue “abrir un poquito este círculo que siempre tiene los mismos nombres”. Es la realidad hay cuatro o cinco personas que siempre están en las direcciones de las compañías y no hay otras, y algún día tienen que aparecer, hoy me tocó a mí y Dios quiera que sean muchas personas.

VENTAJAS La Plata fue una de las primeras compañías del país en quitar los escalafones de los bailarines. “es un tema interesantísimo. Hace muchísimos años tuvimos reuniones, que tenían que ver con las oportunidades de la gente para poder bailar, en su momento fue algo problemático, pero que se conseguía al quitar las categorías.

De hecho hoy, una persona hace de primer bailarín en un ballet y la próxima vez es otro. El coreógrafo es el que elije a la gente, y todo el elenco, los directores y los maestros, acompañamos a esa persona en su proyecto. Por supuesto hay quienes siempre han hecho roles de primeros bailarines, pero como todo termina, es mejor que en la medida en que esto sucede volver a las filas que tener que alejarte del ballet, que es algo feo, no debería pasar, un día sos primero y al siguiente no sos nada, es inescrupuloso, no me parece el método”.

En La Plata también cuentan con la posibilidad de la jubilación a los 40 años de edad con veinte años de antigüedad. “Hemos luchado mucho por esto, y hemos conseguido el 82 por ciento móvil. Hemos conseguido muchas cosas que realmente nos ponen en una situación de privilegio, pero es un privilegio merecido”.

“Indiscutiblemente, eso le da un aire a la compañía permanentemente, algo que merecen todas las compañías del mundo. El Teatro Colón debería tener este mismo sistema jubilatorio, este respeto por su gente, no entiendo cómo no es así. Es injusto y no es complicado para nada. En toda la República Argentina somos treinta y pico de millones de ciudadanos, si hay trescientos bailarines subvencionados por el Estado es mucho, somos unos veinte maestros, unos diez coreógrafos y unos cinco directores, ¿a vos te parece que es tan complicado?”.

Otro de los puntos que se cuentan como virtud de la actual situación del Ballet Argentino de La Plata es que todas sus funciones son con orquesta en vivo. __BD

José Luis Lozano Foto . Guillermo Genitti

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Con austeridad, tal como se informó previamente, “por la ya sabida escasez de recursos presupuestarios que padece el CTBA en los días que corren” y desplazando la fecha para que no coincida con los festejos del Bicentenario, el 22 de junio (con repeticiones los días 23 y 29) se realizó la Fiesta de Cumpleaños.

El evento evocativo de la gestión artística del teatro a lo largo de sus cincuenta años en homenaje a la historia y los artistas del teatro, contó con dirección de José María Paolantonio.

La selección de artistas y espectáculos que participaron -teatro leído- intentaba sintetizar parte de la historia de la sala porteña, Mario Alarcón, Alejandro Awada, Aldo Barbero, Alicia Berdaxagar, Luis Brandoni, Roberto Castro, Patricio Contreras, Villanueva Cosse, Cutuli, Emiliano Dionisi, Daniel Fanego, Livia Fernán, Mariano Fernández, Malena Figó, Joaquín Furriel, Stella Galazzi, Claudia Lapacó, Víctor Laplace, Graciela Martinelli, Pepe Novoa, Juan Palomino, Mario Pasik, Ingrid Pelicori, Horacio Peña, Juan Carlos Puppo, Muriel Santa Ana, Martín Slipak, Malena Solda, Sergio Surraco, Rita Terranova, Antonio Ugo y Ana Yovino, además Sandra Guida, Alejandra Radano, Diego Vila, Rodolfo Mederos y Walter Ríos.

El espectáculo contempló la intervención del Grupo de Titiriteros bajo la dirección de Adelaida Mangani (con una compilación de sus espectáculos) y como cierre el Ballet Contemporáneo con un fragmento de Carmina Burana de su director Mauricio Wainrot. Posteriormente Kive Staiff, poco antes de dejar su liderazgo al frente del Complejo Teatral, pronunció un discurso alusivo.

Poco se vió de la trayectoria del Ballet Contemporáneo, puesto que no se recorrió ni mencionó nada de sus antepasados, al igual que en la muestra fotográfica de las salas del primer piso del hall de ingreso, con obras y artistas que formaron parte de la historia del teatro.

Por otro lado, desde el 6 de julio y hasta el 12 de agosto, tiene lugar un coloquio, a puertas cerradas, destinado a elaborar aportes para un modelo del Teatro San Martín en sus próximos cincuenta años. En el mismo participan intelectuales, periodistas, políticos, actores, directores teatrales, investigadores y los anteriores y actuales directores del Teatro San Martín. Sus resultados serán trasladados a una publicación especial.

Además actuó la Orquesta Típica Misteriosa Buenos Aires y Carlos “Negro” Aguirre ofreció música folklórica en el Hall Central Carlos Morel.

Todo fue grabado para un futuro documental cinematográfico con dirección de Mario Sábato sobre guión de Aída Bortnik, y está en proceso de edición un libro testimonial del medio siglo transcurrido. __BD

Carmina Burana Foto . Carlos Furman

Bodas de Oro en el San Martín

D A D I L A U T C A

Poco después de que el jefe de gobierno Mauricio Macri anunciara el nuevo Master Plan para el Complejo Teatral de la ciudad de Buenos Aires, se realizó una celebración por los 50 años del Teatro San Martín

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Antonia Mercé en Argentina Por Agustina Llumá

Una extraordinaria muestra retrospectiva titulada Antonia Mercé, La Argentina, Alma y Vanguardia de la Danza Española se desarrolla en el Museo Enrique Larreta hasta el 11 de julio

En el barrio de Belgrano de esta ciudad, el Museo Larreta resguarda la tradición de la Península Ibérica en nuestro país, constituyendo un símbolo de la unión de las culturas española y argentina, de ello da cuenta su patrimonio artístico y también su acervo documental. Allí con la valiosa colaboración de Graciela Ríos Saiz y de Carlos Manso, y el auspicio de la Oficina Cultural de la Embajada de España se expusieron por primera vez en Argentina fotografías, manuscritos, carteles, documentos, gigantografías, programas de mano, trajes y cantidad de objetos que pertenecieron a la genial bailarina.

Con una cuidada curaduría y presentación, varias salas del Museo se centraron en Antonia Mercé. Pero esta exposición no se detuvo en el quietismo habitual sino que Graciela Ríos Saiz se ocupó de rescatar coreografías de “La Argentina” que fueron interpretadas por el Ballet Hispania encabezado por Omar Urraspuro y Natalia Bonansea.

Además se proyectó un documental producido por la Agencia EFE de noticias, y se realizaron visitas guiadas con tres orientaciones, para el público en general, para familias y para instituciones educativas, que finalizaban cada una con un solo a cargo de una bailarina diferente del mismo elenco, en el que mostraban qué era exactamente lo que Mercé bailaba.

A la inauguración en el museo que depende del gobierno de la ciudad, asistieron la bailarina Lía Nanni radicada en París, presidente de la Association Les Amis d´Argentine (Antonia Mercé), el Consejero Cultural de España Antonio Prats Mari, quien destacó la dedicación puesta por quienes trabajan en el museo, para homenajear a esta artista que le dio prestigio, transformó y estilizó las danzas españolas sin quitarles su esencia popular.

Una de las salas estuvo dedicada a la Suite Argentina (1934), pieza que Antonia Mercé dedicó a nuestras danzas, luego de un estudio de las diferentes posibilidades, seleccionó tres norteñas: La Condición, el Bailecito y la Zamba.

El estreno fue en la Opera de París, donde obtuvo un rotundo éxito que luego repitió en su recorrido por el mundo incluyendo el Teatro Colón de Buenos Aires ese mismo año.

Los trajes que forman parte del patrimonio del Museo, fueron restaurados en sus propios talleres, y se exhibieron delante de gigantografías con la imagen de “La Argentina” en escena con el mismo vestuario.

Además gracias al apoyo de la Oficina Cultural de la Embajada de España, se realizó la edición del catálogo de la Exposición, que permite conocer a través de sus imágenes y textos, los ejes temáticos que guiaron el recorrido de la muestra y puede adquirirse en el Museo.

En el marco de la exposición se presentó el espectáculo Trilogía Flamenca, a cargo de Carlos Soto López (cante), Natalia Bonansea (baile) y Manolo Yglesias (guitarra). __BD

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Uno de los salones dedicados Antonia Mercé Foto . genitleza del Museo Enrique Larreta

ANTONIA MERCÉ Antonia Mercé ubicó a la danza española en su sitio de prestigio internacional. Su repertorio proviene de una investigación rigurosa sobre las danzas tradicionales españolas de cada región, a las que ella misma pulió, estilizó y elevó con la distinción especial de sus interpretaciones.

Nacida en Buenos Aires el 4 de septiembre de 1890, adoptó como seudónimo artístico el nombre del país que la vio nacer a pesar de que su madre decidió regresar a España cuando ella tenía dos años. Murió en Bayona, el 18 de julio de 1936, el mismo día que comenzaba la Guerra Civil. “Me acerqué más al pueblo. Vi bailar a gitanas, mozas y mozos de pueblos y villorrios. Palpé el entusiasmo popular. Conocí sus secretos. Esos bailes imperfectos traducían su alma”.

“Penetré luego en los cafés cantantes donde triunfaba la gitanería. Castañuelas, peinetas, taconeo. Todo me parecía excepcional...admirable (...). Poco a poco fui estilizando las danzas. Las modifiqué sin restarles su sabor típico, su esencia popular…”

Tras el éxito de El Amor Brujo, su primer ballet completo, formó en 1928 los Ballets Espagnols, una compañía permanente.

En palabras de Federico García Lorca: “El temblor del corazón de la bailarina ha de ser armonizado desde las puntas de sus zapatos hasta el abrir y cerrar de sus pestañas, desde el último volante de su cola al juego incesante de sus dedos. Verdadera náufraga en un campo de aire, la bailarina ha de medir líneas, silencios, zigzags y rápidas curvas, con un sexto sentido de aroma y geometría, sin equivocar nunca su terreno como hace el torero, cuyo corazón debe estar en el cuello del toro, porque corren el mismo peligro, él de muerte, ella de oscuridad…” “…Llenar un plano muerto y gris con un arabesco vivo, clarísimo, estremecido, sin punto muerto, que se pueda recordar sin maraña; he aquí la lengua de la bailarina. Pues bien, nadie en el mundo ha sabido escribir en el viento dormido este arabesco de sangre y hueso como Antonia Mercé. Porque une a su intuición nativa de la danza una inteligencia rítmica y una comprensión de las formas de su cuerpo que solamente han tenido los grandes maestros de la danza española…”

Las castañuelas se convirtieron en su sello personal y fue tan maravilloso lo que sus manos hicieron con este instrumento, que muy pronto fue llamada “La reina de las castañuelas”. Pasaron así a ser un instrumento orquestal más que un acompañamiento percusivo. __BD JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 13

Actualidad

BALLET EN FÍLMICO Llega a los cines de Argentina la primera Temporada anual de ópera y ballet registrada en alta definición A cargo de Santiago Chotsourian, se trata de una temporada completa de diez títulos entre ópera y ballet producidos por el Royal Ballet, la Scala de Milán y la Opera de París, entre otros.

El ciclo, que se inició el 10 de junio con la ópera La Traviata, de Giuseppe Verdi, se mostrará en las salas de la cadena Cinemark de Adrogué, Palermo y Caballito (consultar horarios en www.cinemark.com.ar).

Este modelo de distribución de contenido alternativo en High Definition para cines es creciente en todo el mundo, pero es inédito en América Latina y continuará el año próximo en México, Colombia y Perú. Cada ópera y ballet será emitido en dos o tres funciones, estará disponible al público por tiempo limitado, en carácter exclusivo y con los intervalos tal como sucede con las funciones de teatro lírico.

En lo referente al ballet la oferta incluirá producciones filmadas en 2008. Spartacus de Yuri Grogorovich con música de Aram Kachaturian, a cargo del Bolshoi Ballet en una producción realizada en el Palais Garnier de París, protagonizada por el cubano Carlos Acosta. Se estrena en los cines el 12 de agosto.

Continua La Bayadera de Natalia Makarova sobre música de Leon Minkus, por el Royal Ballet en el Covent Garden de Londres, con la argentina Marianela Nuñez, Carlos Acosta y la española Tamara Rojo. Estrena el 23 de septiembre.

En la versión coreográfica de Anthony Dowell también podrá verse este año en los cines porteños El Lago de los Cisnes de Piotr Ilich Tchaikovsky, por el Royal Ballet en el Covent Garden protagonizado por Marianela Núñez y el brasileño Thiago Soares. Estrena el 11 de noviembre.

El cierre especial de navidad no podía ser otro que El Cascanueces de Peter Wright sobre las partituras de Tchaicovsky, también por el Royal Ballet en el Covent Garden. Estreno: 23 de diciembre. __BD

LA PLATA El Ballet Contemporáneo de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata presentó sus nuevos trabajos La compañía dirigida por Laura Cuchetti comenzó su actividad en abril de 2009 y con su corta edad ya se ha presentado en diversos espacios de La Plata y del interior de la provincia de Buenos Aires. También actuaron en festivales y en muestras organizadas por la Escuela bajo la dirección de Mirta Soilbelzhon.

En su primer ciclo (2009) tres obras de Laura Cuchetti constituyeron su repertorio: Memorial en tres actos, Nude en cuatro y De lo Nuestro.

Este año el ballet presentará también creaciones de su directora, Per te Per me y Wanza, las primeras funciones de esta temporada fueron en el Teatro de Cámara de City Bell. __BD

Marianela Nuñez, aquí en Tchaicovsky Pas de Deux, será una de las protagonistas de este primer ciclo Foto . Dee Conway 14 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

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Actualidad

UNO ENTRE LOS 25 El proyecto 25 miradas, 200 minutos puede verse hasta el 15 de agosto en las pantallas de cine de todo el país con los avances de la programación Creado en el marco de los festejos por el Bicentenario de la Secretaría de Cultura de la Nación, 25 Miradas, 200 minutos consta de 25 cortometrajes de ocho minutos de duración que se proyectarán de a uno, en más de cien cines de todo el país, antes de las películas.

Los veinticinco directores , realizados por distintos directores son Adrián Caetano, Pablo Trapero, Marcos Carnevale, Albertina Carri, Paula de Luque, Inés de Oliveira Cézar, Sabrina Farji, Leonardo Favio, Pablo Fendrik, Sandra Gugliotta, Paula Hernández, Juan José Jusid, Víctor Laplace, Alberto Lecchi, Lucrecia Martel, Mausi Martínez, Néstor Montalbano, Celina Murga, Gustavo Postiglione, Lucía y Esteban Puenzo, Carlos Sorín, Juan Bautista Stagnaro, Juan Taratuto, Gustavo Taretto y Ricardo Wullicher.

Entre los 25 cortos se encuentra Leyenda del Ceibo, realización de Paula de Luque, protagonizada por los bailarines Bettina Quintá y Ernesto Chacón Oribe. Es “una suerte de poema sonoro-visual, (…) a partir de la leyenda del ceibo, la historia siempre re-escrita de perseguidores y perseguidos, represores y oprimidos, desde la colonización hasta la dictadura”, comenta su creadora. Y agrega: “En la leyenda, una indígena es capturada por un grupo de españoles y quemada en la hoguera, pero ella resurge del fuego hecha flor”.

Participaron de este proyecto producido por el gobierno nacional, las empresas Film Suez, Cámara de Exhibidores Multipantalla, Aníbal Esmoris, Hernán Musaluppi, Luis Sartor y Marcelo Schapces con coordinación de Fabián Blanco. El ciclo fue desarrollado por la Universidad Nacional de Tres de Febrero y colaboraron la Asociación Argentina de Actores (AAA), el Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (SICA) y la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC), mientras que el laboratorio Cinecolor bonificó todas las copias 35 mm para la distribución del material en salas. __BD

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Escenas de Leyenda del Ceibo de Paula de Luque

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Reinicio Sureño Por Agustina Llumá desde Bahía Blanca

El Carnaval de los Animales fue el mayor logro de este programa Foto . Raúl Lázaro

El Ballet del Sur enfrenta en 2010 una tarea de recomposición de la mano de Violeta Janeiro

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Luego de algunas gestiones no del todo acertadas, el Ballet del Sur emprende este año una tarea de recomposición. Es que la institución hermana del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, pues depende del mismo Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, ha quedado un tanto relegada por motivos cuantiosos.

Es cierto que la nueva estructura creada con los Organismos Artísticos del Sur (que nuclea ballet, orquesta y coro) bajo la coordinación de Sandra Reñones, busca una reorganización que facilite la tarea. Sin embargo en la práctica esto no ha sido del todo así. Lógicamente será necesario un tiempo para que el nuevo organigrama engrase sus engranajes.

Mientras tanto el Ballet del Sur ha sufrido a lo largo de su historia varios inconvenientes. Por un lado no tiene sede fija. Estos organismos trabajan y se presentan al público en el pintoresco y cuidado Teatro Municipal de Bahía Blanca que justamente no es provincial. La convivencia en todos estos años, no podría resultar mejor, pero eso no deja de significar que habitan una sede prestada.

Por otro lado, la distancia que los separa de sus padres y hermanos, se hace presente en cada una de las acciones que el Ballet intenta desarrollar. Las nuevas disposiciones en referencia a cada puesta en particular lejos de simplificar la labor, la ha complicado. Será cuestión de seguir esmerándose para que todos los eslabones de la cadena logren ensamblarse armónicamente.

Y por último, la cuestión de las secciones técnicas. Lógicamente no es similar el procedimiento de iluminación, sonido ni escenografía para el montaje de un ballet

Así este año, a modo de coordinadora artística Violeta Janeiro regresa al Sur. Su misión puntual fue configurar una temporada 2010, tomando en cuenta las nuevas estructuras, con mudanza de las áreas administrativas, prensa y comunicación, y relaciones públicas, a un ámbito alejado del teatro, el prácticamente nulo presupuesto, y el desánimo de los bailarines causado entre otros motivos por una sensación de aislamiento.

Es que verdaderamente, ni un sólo funcionario de la capital provincial se ha acercado a ver de qué se trata el trabajo sureño.

Aunque Reñones sea su nexo, nunca es igual recibir un informe escrito que ver con los propios ojos el arduo trabajo que implica cada puesta en escena y la profesionalidad con la que se trabaja.

Otro de los problemas ocurridos en estos últimos años ha sido, la desidia con la que los integrantes del elenco han trabajado. Con

o sin razones y/o culpables, esto sí o sí los llevó -sobre todo a los integrantes masculinos-, a descuidar su entrenamiento.

Por todo esto, la terea por delante que deberá enfrentar la dirección será la de recomenzar, volver a poner en funcionamiento a un elenco que estaba dormido, a pesar de que muchos de sus integrantes hubiesen continuado con sus funciones. Esto significa reencontrarse con el montaje de las coreografías, la preparación de estrenos, las funciones frente al público, la prueba de vestuario, las clases, los ensayos.

Pero no todas son malas. El Ballet del Sur se rige por las mismas disposiciones que el Ballet Argentino, los sueldos no son malos, y cuentan con la posibilidad de las jubilaciones a los 40 años (y 20 de servicio) con más del 80 por ciento móvil. Por ello el recambio generacional se da frecuentemente.

Con buena aceptación de los bailarines, Janeiro presentó una temporada que contempla todas las complicaciones y ventajas del Ballet del Sur. Ella cuenta en su haber con la experiencia de haber dirigido a esta misma compañía con éxito, de conocer el funcionamiento de la administración pública. Y además a esto se suma, su capacidad artística, propia de aquella generación que tanto recibió del arte de la danza en nuestro país. Conocimiento, capacidad y talento.

Opus 64 una coreografía que subraya las líneas estéticas del ballet clásico Foto . Raúl Lázaro

que para la presentación de un concierto. Al unirse los cuerpos en OAS los técnicos han perdido su especialización (tal vez sea posible ofrecer jornadas de perfeccionamiento a cargo de sus pares platenses), para que el ballet pueda completarse.

Otro tema común a diferentes compañías estatales, consiste en la negativa de las orquestas de acompañar las funciones de ballet. En general los reclamos de los músicos son variopintos, la incomodidad de los fosos, o bien porque no están acondicionados, o simplemente porque menosprecian la tarea cuando se realiza bajo el escenario. Nada se compara a una función interpretada por ballet y orquesta en vivo. Y la existencia de OAS hace pensar que la orquesta y el ballet deben convivir para ofrecer un espectáculo integral. El público estará agradecido, y los artistas también.

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Carmen de Alonso en reposición de Violeta Janeiro Foto . Raúl Lázaro

Este año comenzó con un programa mixto integrado por una obra neoclásica, una contemporánea y una clásica, con tres repartos y un asistente local para cada una. Natalia Gamón, Beatriz Piñeiro y Victoria Ansiaume, del mismo elenco, asisten en las coreografías y puestas de estas creaciones.

La presentación de abril se repitió el mes pasado, pues el público local estaba ávido de ballet, y así lo hizo notar, con el teatro lleno en su capacidad y eufóricos aplausos.

La función a la que asistió esta cronista en junio, se integró con Opus 64 de Ricardo Alfonso, un coreógrafo santafesino que ya tiene sus antecedentes con el Ballet del Sur, El Carnaval de los Animales del talentoso Oscar Araiz y la magnífica Carmen de Alberto Alonso.

La primera de base clásica, pensada exactamente para una compañía clásica, mostró claramente que los bailarines deben trabajar mucho más para recobrar las líneas que el ballet académico requiere. La segunda propuesta descubrió a un elenco de alta expre20 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

sividad, la obra apta para público infantil, es mucho más profunda de lo que parece a simple y primera vista. Excelente fue la actuación del presentador Milo Ducó. Por último en Carmen, al elenco le faltó la composición de cada personaje, con algunos desaciertos también a nivel rítmico, y la falta de continuidad argumental.

Las necesidades están planteadas, las carencias identificadas, y la disposición por parte de todo el equipo que conforma al Ballet del Sur mira hacia la resolución de las dificultades. El trabajo que demandará la puesta a punto no asusta, sino que alienta, y con ese estímulo los bailarines, maestros y directivos vienen preparando desde abril los nuevos proyectos: La Fille Mal Gardée en julio y el siguiente programa Araiz en agosto.

Con coreografía de Ricardo Alfonso, el Ballet del Sur estrena este mes La Fille Mal Gardée, en versión integral, sobre música de Ferdinand Hérold. Una de las más antiguas historias coreográficas, que se estrenó en el Teatro de Bordeaux el 1º de julio de 1789 con libreto y coreografía de Jean Dauberval, y causó revuelo popular por lo atrevido de su guión. Desde entonces, se realizaron cantidad de variantes, coreográficas y musicales, con el correr de los años.

La versión de Ricardo Alfonso fue estrenada por la Escuela Nacional de Danza de Montevideo (Uruguay) en el Auditorio del SODRE en 2001, protagonizada por la entonces alumna María Riccetto (Lise), Javier Pérez (Colas) y Serguei Grigorovich (Simone). __BD

EN FLORES

Mujer Bonita

I I I II I II Artículos de danza

ZAPATILLAS • de 1/2 punta (también de raso)

• de punta • de jazz

(deportivas de jazz)

I I I I II I II

• ballerinas • badanas

• Guantes • Mitones • Punteras • Polainas • Calzas • Castañuelas • Estolas • Saquitos de lana • Cubre patín • Accesorios danza árabe • Pestañas artísticas para danza

(metatarsianas de cuero)

• guillerminas (de danza árabe)

ZAPATOS PARA • baile español • flamenco • jazz • tango • tap • folklore

• Torsos • Mallas • Enteritos • Remeras • Musculosas • Caderines • Pollerines • Bermuda ciclista • Pollerín para patín • Pollerín con bombacha • Corset • Tutus

TRAJES PARA • Rikudim • baile árabe

VESTIDOS • de Rumba • de tango • de Fiestas • de «15» • de Madrinas • de bailes de salón • manguitas de fiesta • boleritos de piel

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Un Nuevo Espacio para la Enseñanza Artística Por Agustina Llumá

La Municipalidad de Avellaneda encabezada por el intendente Jorge Ferraresi inaugurará un nuevo Centro Cultural en el antiguo Mercado del Abasto de la localidad bonaerense

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A no más de diez cuadras al sur de la ciudad de Buenos Aires, cruzando el Riachuelo, se emplaza el antiguo Mercado de Abasto y Frigorífico de Avellaneda. Allí y con el mismo nombre del Secretario de Educación, Cultura y Promoción de las Artes Alfredo Caruso se acaba de inaugurar un nuevo Centro Cultural, con una infraestructura de avanzada.

En El Centro Cultural Prof. Hugo Caruso funcionarán a partir de fines de agosto, tres institutos de formación artística, los institutos de Música y Fotografía y La Escuela de Danzas dirigida por Elena de la Serna. Los institutos harán sus inauguraciones a fines de agosto para que la gente pueda recorrer las instalaciones.

El proyecto que estuvo a cargo de la arquitecta Magdalena Sierra, directora de arquitectura y obras particulares de la comuna, incorpora además de las espaciosas aulas para cada instituto, una sala para representaciones, biblioteca, sala de computación, áreas administrativas, vestuarios, baños, patio interno y externo, decorado con esculturas de artistas locales.

En diálogo con BALLETIN DANCE Elena de la Serna destacó los cambios que la Escuela de Danza tendrá en el futuro cercano y a largo plazo.

“Las expectativas son muchas -aseguró la directora-, en lo inmediato vamos a poder desdoblar los turnos porque nuestros superiores nos han otorgado la posibilidad de contratar más profesores. Tenemos cursos de 35 nenas y es imposible enseñar danza de esa manera, sabiendo que ya nos íbamos a mudar tomamos más alumnos, aunque todavía hay muchos interesados en lista de espera”.

EL EDIFICIO “El espacio que nos han dado es una maravilla, tenemos tres aulas, una muy grande que es como la sala 9 de Julio del Colón, ya están los espejos, tienen piso flotante, aulas para la parte teórica, instalaciones de baños y vestuarios enormes, con duchas, para hombres y mujeres, sala de maestros, secretaría, depósito de escenografía y vestuario.

Hace 25 años, de la Serna comenzó en la localidad con el proyecto de un curso piloto de danzas clásicas, abalado por el entonces Secretario de Cultura. “Soy la primera asombrada de lo que ha pasado en Avellaneda, nunca imaginé que este objetivo de desmitificación de la danza se iba a realizar de manera tan efectiva. Los chicos se acercan, las madres se acercan a la Escuela

Autoridades y alumnos de la Escuela de Danzas en la nueva sede Gentileza Escuela de Danzas de Avellaneda

Imágenes del Centro Cultural Prof. Hugo Caruso Gentileza Escuela de Danzas de Avellaneda JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 23

Vista interior del nuevo Centro Cultural Gentileza Escuela de Danzas de Avellaneda

ávidas de que sus hijos aprendan, que se cultiven dentro del arte clásico, a veces con posibilidades y otras sin ninguna posibilidad monetaria, muchas nunca asistieron a ver un ballet”. Es que la carrera de danza, que ofrece al finalizar un certificado de estudio es totalmente gratuita.

Ballets integrales Los alumnos de la escuela han realizado cada año una puesta integral de ballet, con coreografías adaptadas para ellos y protagonizados por primeras figuras invitadas del Teatro Colón o del Teatro Argentino de La Plata. Respetando la estructura del ballet, el argumento, la música y la época, explica de la Serna.

“Siempre fui criticada por estos ballets, pero tengo dos objetivos puntuales, por un lado mostrar que la danza clásica no es para una elite solamente, con las puestas los alumnos pueden aprender un poquito más que la técnica de la danza que se adquiere en las clases, y que sabemos es muy dura y el montaje los incentiva y les da la voluntad necesaria para seguir con las clases”. En las puestas participa todo el alumnado, incluso quienes recién empiezan logran interpretarlo a su manera, que lo hacen muy bien porque las criaturas son muy dúctiles”.

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Por otro lado estas producciones permiten “mostrarle a la comunidad de Avellaneda un ballet completo, que muchísima gente nunca había visto y eso para mi es una satisfacción enorme. Los alumnos y la gente me mantuvo tantos años en este esfuerzo, porque he venido luchando contra los molinos de viento”.

Pero además de estudiar ballet con Claudia Smiguel Walter Aon y Laura Aquino, en la escuela existen talleres abiertos a la comunidad, que no requieren necesariamente estudiar durante diez años. Técnicas varias de danza y complementos, junto a la Asociación Cooperadora la escuela organiza además clases abiertas, clases magistrales y conferencias, con invitados reconocidos del medio, homenajes, viajes a Buenos Aires y a La Plata para asistir a las funciones de ballet, para ampliar su formación.

Queda entonces, para los próximos pasos, que la Municipalidad de Avellaneda, cree la escuela con validez oficial, esto implica mayor cantidad de materias teóricas y prácticas, lo que implica superar el número de profesores. Los interesados son cientos y ya están enlistados, la infraestructura no podría ser mejor y contempla las clases prácticas y teóricas, la directora todavía tiene mucho por lo que seguir batallando para que los avellanedenses obtengan la mejor formación en danza.

“Ahora comienzo otro camino, más intenso que el anterior, para darle a Avellaneda lo mejor. Más allá de algunas no coincidencias, tengo que agradecer este nuevo centro cultural, porque es muy difícil que un intendente de una comuna del lado Sur de tanta trascendencia al arte de la danza clásica”. __BD

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-folklore 20º aniversario

-flamenco de ruptura Crash!

Ballet Folklórico Nacional. Coordinación: Margarita Fernández. Coreografías de Santiago Ayala y Norma Viola.

Viernes 16, 19 hs. Bolsa de Comercio (Sarmiento y 25 de Mayo).

Dirección general: Julio Panno. Coreografía: Lorena Di Prinzio. Sábados 22 hs (hasta el 7 de agosto). Centro Cultural Borges (Viamonte esquina San Martín, Tel: 5555-5359).

-ballet y contemporáneo Alas Ballet de la Escuela de Danzas Aída V. Mastrazzi. Dirección: Silvana Sapia.

Viernes 12 de agosto, 20 hs. Teatro Roma (Sarmiento 109, Avellaneda). Entrada libre.

-tango Bien de Tango

-contemporáneo Criollo

Dirección artística: Federico Strumeio.

Viernes y sábados 20 hs (hasta el 7 de agosto). Centro Cultural Borges (Viamonte esq. San Martín, Tel: 55555359).

Coreografía: Gerardo Litvak. Intérpretes: Víctor Campillay, Luís Monroy, Mauro Cacciatore y Esteban Esquivel.

Viernes 23 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-performance Cuerpo y ciudad en el Rojas

-danza teatro Cariño Dirección: Mayra Bonard. Intérpretes: Ignacio Monna, Victoria Carambat y Federico Fernández Wagner. Sábados 22 hs. Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

-teatro Creo en Elvis De Mariano Rochman. Asesoramiento coreográfico: Cecilia Estévez. Dirección: Luciano Cáceres. Sábados 23 hs.

Teatro El Grito (Costa Rica 5459, Tel: 15-4989-2620).

-infantil-tango ¡Chapuzón!

Un abrazo del Tango para chicos, grandes y muy grandes... Libro y dirección: María Mangone y Estela Rufaldi. Sábados y domingos 17 hs (vacaciones: todos los días). Centro Cultural Borges (Viamonte 525 esq. San Martín, Tel: 5555-5359).

Cartelera

Compañía Himenóptera. Dirección: Rhea Volij. Intérpretes: Laura Corral Fierro, Camila Di Mia, Ana Di Toro, Lisa Grass, Anastasia Peralta, María Florencia Pereira Delorenzi, Amalia Van Aken y Marianela Guereñú. Sábados 21:30 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

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-butoh Breve deslizamiento

Curaduría y dirección general: Adriana Barenstein. Intervienen: La Voraz, Valeria Polorena, Alina Follini, Sergio Pletikosic, Sofía Medici, Jessica Pinkus, Juan Pablo Amato, Quio Binetti, Alma Edelstein, Rosa Castilla, Rocío Pichon Riviere, Celia Argüello Rena y Gustavo Crivilone. Sábados 17 y 24 de julio y 7 y 14 de agosto, 19 hs. Centro Cultural Rojas (Corrientes 2038, Tel: 49533556).

-danzateatro (de mi) Idea, dirección y coreografía: Juan Coulasso y Daniela Cuculiansky. Sábados 20:30 hs. IMPA La Fabrica (Querandíes 4290, Tel: 15-5179-0527).

-musical Dijeron de mí Libro e interpretación: Virginia Innocenti. Piano: Diego Vila. Coreografía: Cecilia Elías. Dirección: Luciano Suardi.

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Jueves a sábados 21 hs, domingos 20 hs. Maipo Kabaret (Esmeralda 443, Tel: 4322-4882).

-todas las danzas El pueblo quiere saber Historia de una emancipación. Ballet de la Escuela de Danzas Aída Mastrazzi.

Coreógrafos: María Elena Anllo, Dafne Bernaldez, Cristian Castaño, Karina Gatto, Mariel La Salvia, Romina Mancini, Irma Nieva, Silvana Sapia, Viviana Taccone y Viviana Virs. Idea y dirección: Mariel La Salvia y Silvana Sapia. Viernes 27 de agosto, 20 hs. Centro Cultural Munro (Av. Vélez Sarsfield 4365, Munro). Entrada a la gorra.

-contemporáneo y videodanza Festival Endanza 2º edición. Dirección general: Liliana Cepeda. Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185).

Jueves 12, 18:30 hs: video Yo Tenía una Cabeza, ... Este Mundo No de Johann Kresnik. 21hs: programa compartido: JoSePhInE y fragmento de Novias de Verónika Peluffo (Compañía Fårö).

Victoria, Derrota o Empate de Johana Cessiecq y Karina Colmeiro (Compañía Pares Sueltos). Cualquiera Cosa de María Belén Gómez Ortiz y Paz Fernández Alonso (Compañía Cualquiera Cosa).

Jueves 19, 18:30 hs: video El Otro Cuerpo de Gerda König. 21 hs: programa compartido: Vaiven Es de Fabiana Maler (Compañía La Típica Danza). Óleo de Ayelen Graneros, Tik de Fabiana Aguilar (Compañía El Acople).

Jueves 26, 16:30 hs, charla: Desarrollo del Discurso Musical e Imagen por Marcelo Katz y Gabriel Gendin. 18:30 hs: videos del Festival de Internacional de Videodanza. 21 hs: programa compartido: Soledades Alternas de Jorge Amarante (Compañía Surdance Ensemble), Solo de Andrea Saltiel; Orfeo y Euridice de Liliana Cepeda.

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-danza teatro Gemma Suns

-musical Juicio a lo natural

Un mundo de superhéroes. Coreografías: Juanjo Barocelli. Libro, letras y dirección: Gastón Olivera. Sábados, domingos y feriados 16:30 hs. (vacaciones: del 17 al 21, 15:30 hs, del 22 al 26, 16:30 hs, del 27 al 11 de agosto, 17:30 hs). Terraza Teatro Bar Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660,Tel: 6320-5348).

De Maxi Rodríguez. Dirección: Cecilia Hopkins y Etelvino Vázquez. Interpretes: Cecilia Hopkins y León Iskovich.

Domingos 18 hs. Espacio Templum (Ayacucho 318, Tel: 4953-1513).

Libro, coreografía y dirección: Nicolás Perez Costa. Música: Nacho Medina.

Intérpretes: Juan Carlos Puppo, Vicky Buchino, Germán Tripel y elenco. Martes, 21 hs. Concepto Cubo (Pasaje Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

Texto y dirección: Ciro Zorzoli. Entrenamiento corporal: Eugenia Estévez.

Estreno: 5 de agosto. Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715, Tel: 4808-9479).

Compañía Circo Negro. Dirección: Mariana Sánchez. Jueves, viernes y domingos 19 hs, sábados 19 y 21 hs. Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Tel: 4857-3934).

-musical Frankie Kein y Manuel Arte Coreografía: Valeria Pérez Roux, Peter La Fox, Dee Deringer y Frankie Kein.

Intérpretes: Frankie Kein, Manuel Arte, Lía Crucet, Mauro Troussel, Romina Corpucci y elenco. Jueves, viernes y sábados 20:30 hs, domingos 18 hs. Teatro Margarita Xirgu (Chacabuco 875, Tel: 4300-8817).

-ballet, neoclásico, contemporáneo Gala de ballet Grupo Gurquel-Lederer. Dirección: Juana Lederer y Alfredo Gurquel. Western Union. Asistente de dirección: Mariángeles Alé. Coordinación: Rocío Rodríguez. Junto a la Cia. Tango en clave de Jazz y bailarines invitados. Coreografías de Daniel Bartra, Carol del Castillo, Gabriel Contreras, Jorge A. Alberto y reposiciones de los directores. Domingo 18 de julio, 20 hs. Teatro Empire (H. Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

-infantil Hamlet

Cartelera

-teatro Estado de ira

-circo Grandes éxitos

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-infantil Ergott

Milonguita entre fantasmas. Coreografía: Federico Lynch. Libro y dirección: Pablo Di Felice. Intérpretes: Mónica Spada, Pablo Di Felice, Daniel Chocarro, Nicolás Acosta. Sábados y domingos 17 hs (vacaciones: martes a domingos).

Concepto Cubo (Pasaje Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

-musical La Bella y La Bestia De Disney. Con Magali Sánchez Alleno, Martín Ruiz, Federico Moore, Carlos Silveyra, Ricardo Bangueses, Marisol Otero, Rodolfo Valss, Roger González, Tiki Lovera, Ana Fontán y elenco. De martes a domingos. Teatro City-ex Opera (Av. Corrientes 860, Tel: 5237-7200).

-teatro La mujer De Juan Bosch. Grupo Tibai Teatro.

Supervisión coreográfica: Héctor Díaz.

Dramaturgia y dirección: María Isabel Bosch. Domingos 19 hs. Teatro Silencio de Negras (Luis Sáenz Peña 663, Tel: 4381-1445).

-teatro La revolución... épica saga Dramaturgia y dirección: Leo Bosio.

Coreografía: Yanina Groppo. Domingos 20 hs. Teatro El Piccolino (Fitz Roy 2056, Tel: 4779-0353).

-contemporáneo Jujuy Dirección: Ana Garat. Intérpretes: Rosaura García y Emanuel Ludueña. Sábados 20:30 hs. El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 4862-0655).

Sede Belgrano

Delgado 1455 Tel. 4551-2183 info@arte-danza.com.ar

Sede Caseros

David Magdalena 3032 Tel. 4759-9613 arte_danza1@hotmail.com

Danza Clásica, Danza Jazz, Tap Danza Contemporánea, Hip hop Iniciación a la Danza, Flamenco Español, Tango, Salsa, Gimnasia Estiramiento, Danza Árabe Yoga, Reggaeton, Theater Dance

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Tango del Bicentenario Por Juliana Lizardo Villafañe desde Mar del Plata

La Compañía Tango Furia volverá a presentar este mes Tango Criollo y Porteño en el Teatro Colón de Mar del Plata, bajo la dirección de Emanuel Marín, quien con sólo 25 años, también baila y monta las coreografías

Compuesta con motivo del Bicentenario de la patria, Tango Criollo y Porteño se estrenó el 13 de junio en el mismo teatro y fue declarada de Interés Cultural por el Municipio. En la obra se describe el camino por el que ha transitado este baile desde la llegada de los inmigrantes hasta nuestros días. “Se trata de recrear la historia del tango, desde la música y desde las representaciones, y de homenajear a aquellos que fundaron el tango” expresó Emanuel Marín.

El primer cuadro que aparece es un candombe, aquella danza típica que bailaban los negros a fines del siglo XIX en nuestro país y que dio origen a la expresión que caracterizó a los porteños en el mundo.

La escena concluye cuando se simboliza la llegada de las familias inmigrantes que vienen a la Argentina con la expectativa de conocer una nueva tierra que prometía un futuro lleno de prosperidad. Se pudo percibir en la sala la nostalgia y la esperanza que inundaban el ambiente haciendo viajar en el tiempo al espectador.

El tradicional tango entre hombres no queda en el olvido en esta obra que le regala al público una pieza de milonga practicada por cinco bailarines. También se recrean los típicos cabarets y se elige una puesta donde una pareja baila arriba de una mesa mientras el resto los rodea.

El musical tanguero agasaja tanto a aquellos que originaron la música y la danza del tango como a los que difundieron este arte. Por eso se dedica una parte de la función a la conocida Radio el Mundo y se representa el programa El Glostora Tango Club.

Esta selección permite apreciar las interpretaciones expresivas de los bailarines en los diferentes cuadros, como también la habilidad en la técnica al bailar el tango, con trabajos de pareja, grupales y hasta un cantante en vivo que es invitado en este show.

Para la realización de Tango Criollo y Porteño y de sus trabajos en general, Emanuel Marín se basó en la búsqueda de lo distinto.

“Me gusta cambiar, no quedarme estancado”, dijo en la entrevista que realizó BALLETIN DANCE. 30 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

Tango Criollo y Porteño Foto . Alicia Chiarelo

Para ello, también se inspira en otro tipo de danzas: “voy a ver todo, salsa, jazz, flamenco. Creo que no hay que encerrarse en lo que hace uno mismo porque todo nutre, incluso las clases”. El joven coreógrafo modifica sus composiciones para hacerlas crecer, “cuando llego al máximo, hacemos una temporada de verano y después algo nuevo”, aseguró. “Aprendí mucho en mi carrera en la Escuela Municipal de Danzas Norma Fontenla y con la práctica de hacer y rehacer”.

Gracias a su esfuerzo y al acompañamiento de familiares y docentes pudo animarse a crear la compañía Tango Furia actualmente formada por doce bailarines. Ellos son: Tamara Bordet, Gisele Gómez, Ibel Villareal, Alina Riccioli, Micaela Lozcalso, Leyla, Julieta, Gastón y Ariel Antúez, Maximiliano Schwarman, Gabriel Pérez Castro y Nahuel Gusman.

Desde 2006 hasta hoy lleva recorridas varias obras entre las que se cuentan Astor, Tango Furia y Tanguero. Con ellas ha ganado el Premio Vocero 2009 de La Paz y el Premio Lobo de Mar 2009 en la categoría de danza y coreografía.

Las funciones serán en el Teatro Colón de Mar del Plata, los viernes 16 y 30, a las 20 hs. __BD

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Tradiciones que Perduran Por Carlos Bevilacqua

Con una fórmula sencilla pero eficaz, y celosa de ciertas costumbres ancestrales, la Milonga de las Morochas cumplirá este mes 10 años. Lo festejará con una edición especial

Al ser parte de la marea humana que circula de día por Corrientes y Riobamba es difícil imaginar que al caer el sol ese punto de la geografía porteña se transforme en refugio de la bohemia milonguera hasta bien entrada la madrugada, tal como ocurre.

El lugar (en rigor, un primer piso por escalera a pocos metros de la esquina) se llama hoy El Beso, pero arrastra una pre-historia de tango como Regin, sitio de ambientación mucho menos glamorosa que la actual, pero con un encanto reo que el cantautor Alfredo “Tape” Rubín supo inmortalizar en una canción de su disco Reina Noche.

Lo cierto es que una vez iniciado el siglo XXI, el salón empezó a lucir a nuevo, con piso de parquet, gruesos cortinados tenuemente iluminados en dos de los cuatro costados, espejos en otro, un largo sillón paralelo a otro y una estratégica iluminación en toda su superficie, todo en función del baile social. También con el nuevo siglo nació una de las milongas que pueblan las noches de El Beso, nada menos que la del sábado. Por el biotipo de las organizadoras, tan argentino como el tango, fue bautizada la Milonga de las Morochas (en referencia a Gabriela Schaffer y Jimena Salzman). Este mes se cumplen diez años consecutivos del encuentro sabatino, lo cual llevó a las morochas a planear una edición especial para el 24 de julio con un número de tango aéreo protagonizado por una pareja de la compañía de Brenda Angiel, sorteos de órdenes de compra de ropa y zapatos de tango, y una mega-torta de 5 kilos a repartir entre la concurrencia.

En un mail que durante junio circuló entre los cibertangueros se adelantaban también algunas “sorpresas”. Esto no impedirá que la mayor parte del tiempo los habitués puedan disfrutar de las caminatas en abrazo que tanto aprecian.

De hecho, el foco puesto en el mero baile es uno de los rasgos de identidad más fuertes de la Milonga de las Morochas. Por eso, casi nunca hay shows que interrumpan el fluir de la pista.

“Quisimos diferenciarnos del resto –cuenta Salzman, evocando aquellos comienzos en el año 2000– y como el milonguero es un poco egocéntrico, en el sentido de que no le gusta que le corten

Schaffer y Salzman, las morochas de la milonga.

Foto . Miguel Laborde 32 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

el baile, nos pareció una alternativa interesante la de no incluir nunca shows”.

La mayoría de su público es habitué, a simple vista se puede ver que impera un alto nivel promedio de baile y que se respetan a rajatabla determinados códigos milongueros, como el cabeceo para invitar a bailar. Otra particularidad de esta milonga es que casi todos sus asistentes son mayores de cuarenta años. “Eso se fue dando gracias al boca en boca, pero también nos sirve para marcar una identidad bien definida. Lo mismo que el hecho de ser una milonga para gente ‘suelta’. Nunca hay más de tres o cuatro parejas”, señala Salzman, encargada de ejecutar todas las decisiones, ya que Schaffer está radicada desde hace años en el exterior. A su vez, llama la atención cómo se separan hombres, de un lado del salón y mujeres, del otro. Revela Jimena: “Yo los alternaría, pero las mujeres en general me piden mesas del lado de Riobamba y, como consecuencia, los lugares que me quedan disponibles para los hombres, están del otro lado. A ellos les da lo mismo porque en algún momento de la noche dejan sus mesas y circulan, precisamente para poder invitar a bailar con un panorama visual diferente del que tienen en sus mesas”. ¿Adónde suelen emigrar los hombres?… A la barra, un área muy característica de El Beso, porque es proporcionalmente más grande que en otras milongas, suele estar llena y funciona como base de operaciones para el público masculino.

Joven pero experimentado DJ, Pablo Nieto se ocupa de administrar las orquestas preferidas de los habitués desde una cabina estratégicamente ubicada en lo alto del salón. Desde allí organiza la música (de corte bien ortodoxo) en tandas de tres o cuatro temas cada una, separadas por una breve cortina musical de otro género, tal como se estila en los bailes tradicionales. El resto de las condiciones para pasarla bien llegan a través del aire acondicionado frío-calor que regula la temperatura del ambiente y de un servicio de bar con empandas para calmar el hambre más urgente.

Llevada a explicar qué la lleva a organizar un baile cada siete días, Jimena ponderó la posibilidad de generar un lugar de encuentro con el tango como excusa. “Me gusta relacionarme con la gente. Y más todavía si mientras estoy brindando un servicio.

Trato de armar un espacio para divertirse, donde la gente pueda vincularse a través de la música y el abrazo. Como buena parte de nuestro público se repite, se tejen relaciones muy cálidas, muy humanas. Es un lugar de mucho vínculo. Hay gente que tiene reservada la misma mesa desde hace diez años. Entonces, claro, si no vienen me informan, no sólo para que disponga de la mesa, sino porque es todo un acontecimiento y ellos sienten que corresponde avisar”, cuenta Salzman, quien como bailarina aérea actuó varias veces con el grupo de tango electrónico Narcotango y participó en 2009 del show de tango y circo Nocturna, entre muchas otras performances.

Respecto del festejo del 24, explica: “Quisimos hacer algo original y que tuviera que ver con nosotras dos (por las organizadoras de la milonga). Gabriela es bailarina profesional de tango y yo

Varios abrazos en movimiento durante una edición de la Milonga de las Morochas.

Foto . Gentileza Jimena Salzman

acróbata, así que nos pareció que un fragmento del espectáculo que Brenda Angiel montó el verano pasado en el Anfiteatro de Parque Centenario era algo ideal”. La torta de cumpleaños, en tanto, tendrá dos pisos y será cocinada por ella misma, según prometió.

Curiosidad de color: entre los códigos que se observan en la Milonga de las Morochas está el de no sacar a bailar (los hombres, por supuesto) a las mujeres que están sentadas con su pareja en la misma mesa. Los integrantes de parejas que quieren bailar con otros se sientan entonces separados, y hasta llegan y se retiran por separado, como para preservar las chances de bailar en subsiguientes sábados. “En algunos casos nos hemos enterado de la existencia de algunas parejas varios años después de que habían roto, porque en su momento habían disimulado rigurosamente la relación”, recuerda Jimena.

Como atracción final, cabe señalar que, producto de la una iniciativa de Schaffer, la Milonga de las Morochas tiene una hermana homónima, pero un poco mayor, en Toulouse (Francia), la ciudad natal de Gardel. Acaso la única milonga con una versión a cada lado del Atlántico. __BD JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 33

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Corazón Perdido Por Eliana Gissara

Amir Thaleb presentó el 9 de junio en Buenos Aires al nuevo Ballet de Cámara, formado por alumnos y egresados de su escuela de danza oriental, con la obra Corazón Perdido que se repetirá en los próximos meses

No se contenta con ser el bailarín argentino con más prestigio en el mundo.

Tampoco le basta con convocar a multitudes en sus ya consagrados encuentros.

Ahora dirige no una, sino dos compañías de baile: a la Arabian Dance Company se le sumó el Ballet de Cámara Amir Thaleb, conformado por alumnos no profesionales, en su mayoría de cuarto y quinto año, y egresados de la Escuela.

La creación de este cuerpo de baile tiene como objetivo completar la formación artística de los estudiantes con la práctica escénica, además de brindarles la oportunidad de bailar frente al público. “Contamos con un espacio ideal, el Centro Cultural Arte del Medio Oriente, que tenemos que aprovechar. Son 35 los bailarines que quedaron seleccionados luego del proceso de audiciones que llevó más de un mes. La elección fue realmente difícil porque hay muy buenos talentos”, comentó la Directora del Ballet Yael Torchinsky, minutos antes de empezar la función del debut.

Amir Thaleb entregó un reconocimiento a Yael al finalizar la función debut Foto . Balletin Dance

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Este proyecto, iniciado en agosto del año pasado, mostró su resultado con el espectáculo Corazón Perdido, que contó con Thaleb como Director General y a Yael en su primera incursión como coreógrafa. “Algunas coreografías, sobre todo las del comienzo, son de Amir. Pero sus compromisos laborales hicieron que yo continuara con la creación y el pulido de la ejecución técnica”, señaló la joven bailarina, que está cumpliendo diez años de trabajo a la par de su mentor.

Corazón Perdido marca la vuelta de Amir Thaleb a la obra argumental, quizá una de las flaquezas más grandes que tiene la danza oriental en Argentina. Tan desarrollada en aspectos técnicos y estilísticos, la danza árabe ha incursionado contadas ocasiones en el género, marcando una diferencia poco favorable con el resto de las expresiones de danza. El espectáculo está compuesto por cinco actos, a través de los cuales se van sucediendo bailes folklóricos, de fantasía, boleros, rumbas gitanas y oriental contemporáneo. Se destaca el movimiento continuo de los personajes en escena y el color que le imprimen en su gestualidad. En este sentido, el trabajo de la actriz y bailarina Salomé Vega como coach de expresión teatral ofrece buenos resultados.

La acción dramática se desarrolla en un pueblo de pescadores, en donde van desfilando los personajes centrales como las cortesanas, la alcaldesa, el mercader, los marineros, las sirenas, las gitanas, y las bellas hermanas, una de las que sufre por el desencuentro con su amado. Tras un naufragio, enredos varios, tentaciones y hasta un conjuro, el corazón siempre triunfa y el pueblo entero festeja la unión de los enamorados.

El espacio utilizado en su totalidad para destacar a los distintos personajes de la historia Foto . Balletin Dance

Desde la coreografía, los cuadros grupales se destacaron por las dinámicas y el enlace de personajes y estilos, sobre todo en la apertura y el final de la obra. El espacio escénico fue utilizado en su totalidad, incluido el entrepiso con el que cuenta la EscuelaTeatro de Thaleb. La participación de los grupos “las sirenas” y “las gitanas”, cada uno en su estilo, mostró buena actitud en consonancia con la técnica.

Las grabaciones musicales, en su mayoría instrumentales clásicos grabados en el mundo árabe, fueron acordes a la propuesta de danza, más cercana al oriental egipcio que al bellydance estilizado. El vestuario de Fernando Corona selló el colorido de esta atractiva puesta en escena, que en su debut agotó las localidades de la sala.

Corazón Perdido es una doble creación de Amir Thaleb, en tanto promotor de la danza árabe y director de espectáculos. Las próximas funciones se llevarán a cabo los días 26 de agosto, 1º, 8 y 15 de septiembre, 24 de noviembre y 1° de diciembre, en el Centro Cultural Arte de Medio Oriente, donde también tiene su sede la Arabian Dance School. __BD JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 35

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La Danza Folklórica Goza de Buena Salud Por Juan Cruz Guillén En esta entrevista Rolando González, director del Ballet Folklórico de la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires, señala las características de la agrupación

Ballet Folklórico de la Facultad de Medicina

El año pasado los lectores de BALLETIN DANCE, descubrieron al ballet que funciona en la Facultad de Economía de la UBA, este mes presentaré al Ballet Folklórico de la Facultad de Medicina, cuyo decano es Alfredo Bussi. La agrupación depende del Centro Cultural José Ingenieros, con sede en la misma facultad (Paraguay 2155), el Secretario de Extensión Universitaria es Julio Muñagurria y el Coordinador de Cultura Mariano Corazzi.

Rolando González oriundo de Jujuy, donde había estado vinculado a la danza folklórica, se radicó hace diez años en Buenos Aires.

“Vine por razones de trabajo en el área educativa -recuerda en la conversación-. Comencé a dar a algunas cosas propias en cuanto a la identidad de Jujuy y del norte argentino, y volví a tener la sensación y decisión de poder hacer algo por el folklore”.

Tal vez fue por el alejamiento de su Tierra, “por extrañar las costumbres del pago”, que volvió a entrar en el circuito del folklore conjugándolo con proyectos educativos.

Antes de llegar a Buenos Aires, González trabajaba como profesor de historia en un área del gobierno provincial, que abarcaba diversas escuelas de Jujuy capital, y en forma paralela desarrollaba su carrera dentro del folklore, allí integró los Arrieros Yani,

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“que fueron los primeros que representaron a la provincia de Jujuy en Cosquín”, explicó.

“En una primera etapa yo estaba muy consustanciado con el folklore, integraba grupos tradicionalistas, con conjuntos de baile y con eventos vinculados a la formación y promoción de la danza folklórica. Por intermedio de la Dirección de Cultura de la provincia me trasladaba a otros lugares. Llegaba inclusive a barrios carenciados, difundiendo como docente y produciendo actividades folklóricas (música y baile). Trabajaba entonces de lunes a domingo y llegó un momento en que me saturé, fue cuando surgió la posibilidad de venir a Buenos Aires para hacer un trabajo diferente en el área de la educación”, afirmó el director.

Hace ocho años, ya instalado en la urbe metropolitana, González viajaba en un colectivo por la zona céntrica “del obelisco, y escuché un carnavalito, que provenía de un evento folklórico. Me olvidé a dónde iba y automáticamente me bajé en la primera parada siguiendo la música, eran unos chicos que estaban bailando”.

A partir de allí el jujeño se vinculó con la casa de la provincia de Jujuy, donde realizó algunos talleres y seminarios de folklore local.

Cuando el lugar que tenía asignado quedó chico, se trasladaron a

un espacio ofrecido por la casa de Tucumán. “Por esa época tuve alumnos que eran docentes y estudiantes de diversas facultades y surgió la idea de hacer danzas folklóricas educativas en las Universidades. Hice un trabajo de investigación que desarrollé durante unos meses para la facultad de Medicina y se lo presenté a las autoridades de ese momento. Ellos entendieron que la cultura era importante en un ámbito universitario a descubrir o a re-descubrir, como medio para fortalecer a los chicos. Como muchos vienen del interior del país, al llegar a Buenos Aires se encuentran con otra cultura, se van identificando con otra forma de mirar la vida, y la riqueza cultural (música, comidas y tradiciones), propia de su región están más olvidadas. Porqué no, dijeron, estos chicos que mañana serán especialistas en alguna disciplina de la medicina, puedan seguir teniendo el orgullo de su procedencia”.

El Ballet de la Facultad de Medicina de la UBA nació en 2006. La mayoría de sus veinticinco integrantes pertenecen a la institución (alumnos, profesores, empleados en general), pero también está abierto a la comunidad. De los bailarines, dieciocho están haciendo paralelamente la formación.

En el Centro Cultural José Ingenieros de la facultad se dictan veintitrés talleres en diferentes disciplinas, el noventa por ciento es gratuito. “Nosotros tenemos un taller en el área de folklore, otro taller de folklore inicial y un taller de guitarra” explica González.

Con dos ensayos semanales, la agrupación de baile, prepara su repertorio en una línea “básicamente tradicional” que presentan en eventos de la facultad o en otras instalaciones, como La Rural.

“Tenemos la región del norte, del altiplano (bailecito, cueca), con características muy particulares de Jujuy o Salta. Por ejemplo la cueca norteña es más criolla, más carpera y también la cueca andina que es más coya. Cada una tiene rasgos coreográficos distintos. La coreografía coya es con vueltas enteras y arrestos un poco más básicos. Y la otra como son las carperas”. ¿Desde la música cuáles serían los dos ejemplos?

“En la cueca Santa Catalina el ritmo está acompañado por una quena o un charango, y el atuendo de la ropa corresponde a la zona andina. En cambio si esa misma cueca está interpretada por una guitarra, o un bandoneón el atuendo es el del gaucho criollo y la coreografía es más de zamba”. ¿Y cuándo se ponen el saco y el pantalón?

“Eso es muy característico de La Paz, Bolivia. Usar saco, pantalón, camisa, zapato y sombrero significaba que era una danza de la aristocracia. Por ejemplo, para bailar la cueca boliviana, la Chola tiene una serie de accesorios, como oro en el vestuario, que le da el nivel social”. __BD

Caracterizados de coyas, los integrantes del ballet posan en una parada de colectivos porteña Foto . gentileza del Ballet Folklórico de la Facultad de Medicina JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 37

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Crudos Pasos de un Crudo Corazón Por Román Ghilotti

Romina Pedroli en Pasos Foto . Carole Parodi

Con una poética que toca lo pequeño universal, que pone sentido en los cuerpos, que no dice todo pero que no calla nada, Noemí Lapzeson desplegó dos de sus obras

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Entre el 16 y el 20 del mes pasado, en la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín, la compañía Vertical Danse que dirige Lapzeson presentó Pasos y Corazón, propuestas coreográficas que recorren esa zona ambigua entre la intimidad y lo público.

Pasos, un solo creado para Romina Pedroli, podría describirse simplemente como un estudio para espalda. Sentada a algo más de un metro de altura, en el centro de la escena, a varios metros de los espectadores, la bailarina, con una enorme pollera que cubría su asiento y llegaba hasta el público, ofrecía su espalda desnuda, su nuca, un poco de sus brazos, algo de sus piernas en algunas torsiones. Variaciones sutiles de sus movimientos, casi, en algunos tramos, reacomodaciones simplemente, construían sus escorzos.

En un diálogo que no terminaba de pausarse entre lo bailado y la música (a cargo de Gabriel Scotti, a un costado del escenario), en un doble discurso simultáneo y atento entre ambos intérpretes, Pasos fue abriendo diferenciaciones de detalles sin solución de continuidad.

La espalda de Pedroli, con un excelente manejo técnico medido, virtuoso en su misma poquedad de movimiento, destacaba tensiones y blanduras, rigideces y ligaduras en la carne. Sin detenerse nunca en una acentuación de la forma y sobre la misma lentitud que dirigía los cambios del cuerpo, la construcción de la obra expuso sus sencillas operatorias: un tronco visto desde atrás en distintos tránsitos de esfuerzos, piernas y brazos apareciendo de a ratos en angulaciones. Y a la vez, cada pequeña modificación proponía un enorme paso de auscultación, entre emocional y conceptual, de una mujer, de un ser humano allí, de cualquiera por extensión, del otro presente en la transparencia de su piel mostrada con el misterio que esta muestra acarreaba o acarrea.

Una posible pregunta abierta, entre la metáfora y lo concreto de ese cuerpo: ¿quién es o quién hay ahí, humano, antes o fuera de una pre comprensión? Y la pregunta valdría también por un “¿quién soy?”.

En Corazón Lapzeson puso en juego la intertextualidad. Sobre un poema de Heiner Müller, Pièce de Coeur, el trabajo de la coreógrafa se acompañó y acompañó a un texto que, en su dureza propone flexibilidad. La oscuridad, tristeza y pesadumbre que, en principio, instala el poema (18 versos “de amor”, donde alguien entrega su corazón, literalmente, a otra/o, corazón que es un “ladrillo” pero que “late” sólo por esa/e otra/o), esa simpleza patética que introduce, fue tomada y retomada en la coreografía.

A UR I T MA UA O L ES es DIP ILAT o Pilat P tod Mé

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Los gestos repetidos de Corazón Foto . Carole Parodi

Un murmullo a veces inaudible, otras más potente, continuo, recorría toda la duración de la obra. El poema dicho y repetido incansablemente, aunque en tonos cansados, operaba como un ritornelo infinito, asociado a la música (nuevamente Scotti), acentuaba y profundizaba el clima que los intérpretes (Romina Pedroli, Marcela San Pedro, Raphaele Teicher, Marthe Krummenacher, François Revaclier y Pablo Shinji) desplegaban. Cinco de ellos, sentados en sendas banquetas altas formadas en círculo, mientras uno se dejaba caer para yacer en el piso, quieto hasta el final, dieron inicio a la pieza.

Las palabras y los movimientos, a veces en canon adrede desajustado, con diferencias o reiteraciones en las actitudes, gestos y acciones fueron construyendo, sobre las repeticiones mismas, grados de profundidad para los registros de estados emocionales que dictaba el poema.

Ningún recurso mimético explícito, ninguna imagen de un “naturalismo” textual. Y, sin embargo, más allá de algunas cortas secuencias más decididamente formales, en términos de lenguajes de danza contemporánea (que bien podrían ser consideradas como referencias a mecánicas culturalmente “aprendidas”, para dar respuestas a emociones tan complejas y arbitrarias como aquello que se llama amor), la expresividad de los intérpretes se adentraba en los matices de los afectos asociables a las metáforas poéticas. Cercanías sutiles o explícitas, rechazos contundentes o tenues, encuentros inacabados y persecuciones cuidadosas y disimuladas, como en cuentagotas se fueron acoplando en la

escena mayormente dominada por la circularidad instalada desde el comienzo.

El yaciente finalmente se incorporaba; al mismo tiempo, las cuatro bailarinas, cambiando sus atuendos entre informales y urbanos por largos vestidos blancos, recordando a núbiles novias, en el fondo y simétricas, se ofrecían frontales a lo que siguiera, al acontecer futuro. También frontal el que se había incorporado llevaba una máscara de pájaro, como reforzando aspectos de rituales arcaicos, ritualidad ya presente en las novias, en lo circular de la puesta y en los tropos de las relaciones amorosas de unión y separación.

Corazón, como obra, no termina de contar el poema de Muller el cual, como obra, tampoco termina de contar el amor. El cuento no concluye: sólo se cuenta, roto, fragmentado, mal unido en cada receptor (que tampoco completará).

Lapzeson pareciera decir que el sentido o los sentidos no hayan su clausura, están ahí como pulsos de comprensión sin final, latiendo. Pareciera decir que el sentido de la obra está en transitarla en su crudeza pequeña de lo emocional, y ella pasó por Buenos Aires latiendo su corazón. __BD

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Beatriz Moscheni, en la Danza B

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Seis décadas comprenden la historia de la danza clásica en la vida de Beatriz Moscheni.

Los mejores maestros formaron su personalidad artística, hasta ingresar al Ballet del Teatro Colón y -por concurso también- a ganar el cargo de solista. Con una narración ágil y coloquial, Moscheni llega al presente como distinguida profesora egresada de la Escuela Nacional de Danzas.

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Laberintos Por Román Ghilotti

En el Espacio Cultural Pata de Ganso se presenta Linde, trabajo coreográfico con dirección de Andrea Saltiel

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El título mismo de la pieza anuncia la limitación, el recorte, particularmente espacial. En efecto, a lo largo de su desarrollo se planta sobre la escena un laberinto, hecho de rollos de cartón corrugado de alrededor de un metro de altura, desplegados y parados.

Sin embargo, y más allá de que la noción de lo laberíntico supone un grado importante de complejidad, en principio espacial pero que puede desplegarse a otras dimensiones interpretativas, la construcción de Linde es sencilla: se trata, fundamentalmente en sus tramos medios, de transitar los caminos posibles del diseño tortuoso. No más que eso.

Con un antes y un después que contrastan con esta disposición espacial, entre sí y también en lo kinético.

En el antes, en el comienzo de la obra, el dispositivo escenográfico que empieza a construirse es de un notable rigor geométrico: mientras un rollo va siendo desplegado contorneando los cuatro lados de la escena, conformando un gran cuadrilátero, otros tres rollos cuelgan verticales, centrados, desde el techo al piso, estirándose un poco a modo de alfombra sobre este. Un bailarín es quien despliega el rollo del contorno y los otros tres intérpretes aparecen desde detrás de las tres bandas de cartón verticales y realizan secuencias que repiten, cada uno sobre sendas alfombras de cartón. Los cuatro intérpretes (Paula Müller, Mariela Puyol, Federico Fontán, José Arrué), ataviados con vestuarios de tonos piel similares a los cartones, tras jugar las secuencias iniciales y, una vez desplegado completamente el rollo que bordea la escena, construyen el laberin-

to. El espacio queda cercado por rollos de cartón dibujando un cuadrilátero sobre la escena y, dentro de este, las formas sinuosas erguidas con los otros rollos delimitan trayectos posibles. Como todos los cartones están parados a los bailarines se les ve el torso y, entre ayudas mutuas o saltos, se los observa superar el metro de altura de los rollos parados, pasar de una encrucijada a otra del espacio cercado.

Las variaciones lumínicas que determinan lo observable, las sombras y las luces sobres los cuerpos y los trayectos, más que los trabajos de formas corporales, constituyen el centro de atracción. Y después, el después del laberinto, el final.

En el cierre del trabajo se destruye la verticalidad del laberinto: los rollos, empujados por los bailarines, quedan desordenadamente sobre el suelo. Con esta nueva disposición espacial, los bailarines, con los torsos desnudos, y con iluminación sólo dada por dos linternas de mano, sólo dejan ver de sus últimas evoluciones algunos escorzos particularmente sumidos en sombras.

Si se quiere, se puede tomar por laberíntico el inicio con ese orden rígido, arquitectónico, de encrucijadas que, en apariencia claras, distintas y predecibles, sin embargo constriñen con su orden a pocas posibilidades de variación, como si encerraran y contuvieran el alcance de los movimientos en sus disposiciones ortogonales. Si se desea, también laberíntica puede señalarse la secuencia final, con los cartones en desorden, donde las limitaciones que regulan los posibles recorridos y juegos de los intérpretes parecieran proponer a los cuerpos mismos y la piel como límites y reclusiones.

En síntesis, si así se intenta interpretar Linde, el espectáculo es una muestra, casi a modo de ejercicio, de qué variaciones elementales pueden tratarse como primera aproximación de lo que limita como laberinto. __BD

La piel y los cartones en conjunción de tonos Foto . Paulo Fast JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 43

TAMARA SIDORENKO (TAMARA GRIGORIEVA)

In Memoriam

Por Enrique Honorio Destaville El día 19 de junio de 2010 murió en Buenos Aires, donde había vivido gran parte de su extensa vida, la bailarina, maestra, coreógrafa repositora y mujer destacada del arte del ballet. Tenía 92 años y una constante amenaza de su corazón enfermo.

Foto . Annemarie Heinrich

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Grigorieva había nacido como Tamara Sidorenko (evidentemente de origen ucraniano) en la ex capital imperial de Petrogrado, en 1918. Un año antes, la ciudad y el Imperio Ruso habían sufrido una revolución (en dos fases) cuyas secuelas cambiaron la política mundial y dividieron a los países en sendos bloques que, por años, se enfrentarían sangrientamente. Me refiero a la Revolución Rusa... Ella misma, al momento de su nacimiento, debe haber sufrido las consecuencias de la hambruna que imperaba en Rusia. A su vez, el zar Nicolas II y su familia habían hallado horrible muerte en un sótano de la ciudad siberiana de Ekaterinenburg, más exactamente en la casa Ipatiev. Los acontecimientos así sucedieron y no quedaba otra salida que la huida a occidente en búsqueda de la Libertad y de mejores perspectivas de vida.

Y como tantos otros compatriotas de la Madrecita Rusia, su familia había de establecerse en Francia, donde estudió y decidió dedicarse a la danza.

Sus maestros de ballet fueron Madame Preobranjenskaia, el propio Balanchine, Anatoli Vilzak, la que sería su suegra Lubov Chernicheva y el peculiar Boris Kniaseff. Estaba bien dotada para la danza y aprendió rápido, pero también contaba con otro atributo, éste uno de los más deseados: el de la belleza.

Adolescente aún se unió a Les Ballets 1933 donde Balanchine la ayudó a bailar como él deseaba, y la enfrentó con algunos de sus más difíciles obras como Cotillon.

Después de pertenecer a esa Compañía pasó al Ballet Russe de Monte Carlo que a poco comenzó a llamarse Original Ballet Russe del Coronel de Basil. Allí tuvo los primeros contactos con la tradición de Les Ballets Russes. Lo que no aprendió en el seno de la troupe, lo aprendió por medio de quien sería su suegra y amiga, benefactora de Tamara, la notable bailarina Lubov Chernicheva, casada con el ex régisseur del Teatro Mariinsky y de la Compañía de Diaghilev, Sergei Grigoriev. El hijo de ambos se casaría con Tamara cambiando entonces su verdadero nombre: el de Sidorenko por el de Grigorieva.

Cuando la Compañía de Basil se estableció en la Argentina para evitar las acciones de la Segunda Guerra Mundial, Tamara bailó muchísimo, convirtiéndose en una de las bailarinas preferidas por el público argentino. Su repertorio: las obras de la Tradición de los Ballets Russes.

También fue maestra de baile y directora del Ballet del Teatro Colón en distintas oportunidades, ocupando este último puesto junto a Mario Galizzi en 1990. Fue su última intervención prácticamente... Se alejó después y hasta se negaba a hablar de sus amigas, como cuando murió Tamara Toumanova, ya que una profunda tristeza la afectaba.

Tamara Grigorieva será recordada siempre como uno de los hitos de la historia del ballet en la Argentina, y en el Uruguay, donde no sólo bailó con gran éxito, sino que también dirigió la Compañía del Sodre de Montevideo __BD.

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Dirección y coreografía: Martín Vieyra.

Intérpretes: Martín Vieyra, Noelia Mitelli, Manuel Coggiol, Andrea Weinstein, Karina Innamorato, Melanie Wilamovski, Roció Díaz Pérez, Cinthia Nion, Marianela Buttazzi, Luisina Fernández Scotto y Romina Rozenszajn. Domingo 15, 16:30 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525 esq. San Martín, Tel: 5555-5359).

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-tap Tap Sessions

Idea y dirección: Andrea Saltiel Intérpretes: Paula Müller, Mariela Puyol, Federico Fontán, José Arrué. Coreografía: Andrea Saltiel, Paula Müller, Maia Soboleosky, José Arrué, Federico Fontán, Mariela Puyol. Jueves 21:15 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

Chakatá, Compañía Argentina de Tap. Música, danza y otras sorpresas. Tercer viernes de cada mes, desde las 0:30 hs.

Buenos Aires Club ex Arlequines (Perú 571, Tel: 15-6766-8107).

Cartelera

-danza teatro Les roses rouges

-teatro imagen Tapiz Pizarnik Dramaturgia y actuación: Fabiana Rey. Dirección y fotos: Nora Lezano. Viernes 20:15 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543, Tel: 50778077).

-musical Noctámbulo Un amor prohibido. De Ariel Iannotti.

Coreografía: María José Vexenat. Intérpretes: Ariel Iannotti, Fernanda Neil, Pablo Heredia, Germán Barceló y Lourdes Estrella. Dirección: Jorge Mazzini. Lunes, martes y miércoles 21 hs. Teatro Broadway II (Corrientes 1155, Tel: 4382-2201).

-nfantil Playa bonita -contemporáneo Los figurantes Intérpretes: Ulrico Eguizábal, Mariano Kodner, Romina Padoan y Ollantay Rojas. Dirección: Agustina Menéndez.

Martes 21 hs. Centro Cultural Rojas (Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

Coreografía: Vivi Blosko. Música: Carlos Gianni. Libro y dirección: Hugo Midón.

Sábados, domingos y feriados 15 y 17 hs (vacaciones todos los días). Teatro La Comedia (Rodríguez Peña 1062, Tel: 4815-5665).

-musical Viaje de invierno De Alejandro Tantanian y Diego Penelas. Coreografía: Diego Velázquez..

Viernes 23 hs (desde el 23). Teatro Metropolitan 2 (Corrientes 1343, Tel: 5277-0500).

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Premio María Ruanova 2010 Por Diego Vázquez Comisarenco

El martes 8 de junio, en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el Consejo Argentino de la Danza realizó la ceremonia de entrega del Premio María Ruanova, que este año quedó en manos de Alejandro Parente, primer bailarín del Teatro Colón

Inicio de la ceremonia de entrega del Premio María Ruanova Foto . Diego Vázquez Comisarenco

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“Quiero recordar que el 5 de junio se cumplieron nada menos que treinta y cuatro años de la desaparición de María Ruanova. Inspirados en ella, es que creamos este premio en 1986 para destacar la labor maravillosa de los artistas que tenemos”, expresó abriendo la noche Beatriz Durante, presidente del Consejo Argentino de la Danza.

Con la conducción de Rolando Alvar, en el mismo acto se designó a Juan Lavanga como Miembro Honorario del CAD y se entregaron diplomas de honor a los maestros Teresa Barreto, Evet Giani, Daniel Galvé, Sylvia Panal y Carlos Rivarola. “También le entregamos esta distinción a los maestros que van desgastando la piedra hasta extraer ese brillante, que luego se convierte en un maravilloso artista. Esos maestros que generalmente quedan un poco en el anonimato”, concluía Durante.

Teresa Barreto expresó que: “Este premio hace visible la tarea de los maestros que constantemente en el aula estamos formando y a veces, es cierto, no podemos tener la visibilidad que tienen los artistas, pero hacemos al artista. Después de este premio la vida sigue, trabajando, dando clases, que es lo que a uno hace feliz”.

Por su parte, Carlos Rivarola dijo: “Es una grata sorpresa, uno trabaja y piensa que nadie lo está observando, pero este reconocimiento prueba que si en algún momento uno hizo las cosas bien, es reconocido. Es un gran aliento, me revitaliza para continuar investigando sobre el tango, tratando de encontrar la mejor forma para transmitirlo a los jóvenes y luchando para que el tango tenga su carrera específica dentro del IUNA para que los alumnos reciban correctamente toda la información que se pueda, condensada en una Universidad”.

El broche de oro de la noche lo recibió el propio Consejo Argentino de la Danza, al recibir de manos del Dr. Enrique Destaville, el premio Elena Smirnova 2009 por la publicación del libro “Historia General de la Danza en Argentina” editado por el Fondo Nacional de las Artes (que ya se encuentra agotado). Al respecto, el historiador completó: “es una forma de reconocer los méritos de los demás.

Este es el primer libro que engloba la historia general de la danza y era muy necesario, para las generaciones futuras. Los que escribimos allí, hemos cumplido con esa misión”. __BD

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Ballet Imperial en el Teatro Coliseo Por Enrique Honorio Destaville El Ballet Imperial de Rusia trajo aciertos y desaciertos en su fugaz visita efectuada a Buenos Aires. Aquí se comenta la función del 18 de junio en el Teatro Coliseo

Fue anunciado como un gran espectáculo, el Don Quijote de Minkus-Petipa-Gorsky con reformas introducidas por el director de la troupe Gediminas Taranda. La platea del Coliseo rebalsaba de público ansioso por ver -seguramente- a los bailarines cuyos ejemplos fueron las estrellas del Kirov y del Bolshoi. Aquellos que se presentaron durante numerosos años en las décadas de los ’80 y ’90 en Buenos Aires, pero luego de la grave crisis del año 2001, se produjo lo que un amigo de quien escribe denominaba como “El fin de todo…”.

Esto no quiere significar que el Ballet Imperial de Rusia haya pasado por ser una visión de algún espejismo. Por el contrario, en el elenco revistan un grupo de bailarinas de fina figura y grata presencia escénica, quienes mostraron total dominio de la técnica clásica, a saber: la protagonista, las amigas de Kitri, aquéllas que hacen del ensueño de Don Quijote una magnífica escena de las Dríadas, como su reina, el Cupido, en fin. También algunos bailarines como quien encarnó el protagónico de Basilio que tiene sus méritos aunque deba recordársele que los empeines deben estirarse ¡siempre!, y son mencionables algunos de los que encararon muy bien las danzas de carácter, aunque no sepamos sus nombres.

Este elenco, que pronta y acertadamente alteró su título en

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nuestro país, pues desde un principio se mencionaba como Ballet Imperial Ruso, produciendo cierta comicidad por su análogo nombre: el del postre imperial ruso, está dirigido por Gediminas Taranda, notable bailarín del Bolshoi.

Cuando Taranda debutó en el Teatro Colón como Abderramán en Raymonda, aproximadamente unos quince años atrás, produjo la gratísima visión de un bailarín de carácter y medio carácter, como sólo las compañías rusas de primer nivel podían presentar ese dramático personaje que cumplía una labor técnica excelente. Sin embargo, el ballet que él conduce está aún distante de uno de primer nivel.

Hoy el ballet en Rusia atraviesa algunos problemas como es el financiero entre otros, pero el empeño y fidelidad hacia ese arte por parte de importantes figuras lograron crear nuevas agrupaciones. Tal es el caso de la troupe visitante, que presentó el caballito de batalla del último imperio y del que luego fue ballet soviético: el legendario Don Quijote.

Este director tomó la versión original, produjo algunos cambios en las escenas cómicas pantomimadas, y guardó las attitudes y los frenéticos movimientos escénicos de la escuela italiana de danza, que por aquel entonces -fines del siglo XIX- pretendía con su grandilocuencia desplazar a la muy noble escuela francesa. Finalmente, se unieron, decantaron las normas y las selecciones, y así nació la escuela rusa de ballet.

Esta adaptación introduce dinámicas escenas en la taberna con bailes a la manera flamenca, cambios en el orden de ubicación de ciertos números y omisión de otros. En general, se ha preparado al joven elenco de rusos y orientales del Kazajistán, para lucir en los virtuosismos técnicos.

Una bailarina travestida encarnó al pícaro Sancho Panza, mientras el Quijote resultó demasiado quedo. María Sokolnikova (Kitri) demostró ser grande technicienne, y Narimán Bekzhanov (Basilio) buen partenaire, virtuoso y con poca interpretación.

El grand pas de deux incluye como otrora -fue creación de Marius Petipa- sendas variaciones femeninas de destacadas solistas. En el primer acto la Mujer de la Calle bailó con brío y distinción sin pareja actuación del Torero.

La escena de las dríadas -alucinaciones del viejo Hidalgo- estuvo bien lograda emparentando este ballet académico con el romanticismo. El heterogéneo vestuario se menciona como una última objeción. __BD

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EDUARDO GIORELLO BLANCA LEMOS La bailarina, maestra y coreógrafa, falleció en Capital Federal el 30 de mayo de 2010

In Memoriam

Blanca Lemos comenzó su formación en ballet con Ekatherina de Galantha, Mercedes Quintana, Michel Borowsky, Esmée Bulnes y María Ruanova, cursando sus estudios superiores en la Escuela Nacional de Danzas y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Integró el Ballet Estable del Teatro Colón desde 1948 donde interpretó bajo la dirección de Margarita Wallman, importantes roles dando inicio a su experiencia profesional. Trabajó con jerarquizados coreógrafos como Leónidas Massine, Jack Carter, Alicia Alonso, George Skibine y Adolfo Andrade, en los ballets Capricho Español, La Bella Durmiente, El Lago de los Cisnes, Apollon Musagète, La Cenicienta, Romeo y Julieta y Salomé.

Participó en giras con el elenco de nuestro primer coliseo y, en 1970 formó parte del Ballet de Cámara Argentino de Néstor Roygt en calidad de bailarina y Directora Artística, trabajos que también desempeñara en 1976.

Entre 1976 y 1984 dirigió el Ballet del Sur de Bahía Blanca, compañía que dedicó las funciones del mes pasado en su memoria.

A partir de 1984 continuó su labor con los Ballet de Salta y Ballet de Porto Alegre, Brasil, habiendo realizado el año anterior los montajes de La Boutique Fantasque, Gran Pas de Quatre y Las Noches de Walpurgis para la compañía brasileña. __BD

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El pasado 3 de junio, a los 65 años y en forma inesperada a causa de un aneurisma cardíaco, falleció Eduardo Giorello.

Nacido en La Plata, donde se formó como profesor de Filosofía y Letras, director de cine, periodista y crítico de arte, contaba con una refinadísima cultura. Colaborador como crítico de ballet, ópera y música culta, en varias publicaciones especializadas como en los diarios La Prensa y Ámbito Financiero (Buenos Aires) y El Día (La Plata). Como crítico de danza colaboró con Balletin Dance en numerosas oportunidades a lo largo de estos dieciséis años.

Giorello, quien firmaba sus artículos en algunas oportunidades como Eduardo Vincent, también se desempeñó como profesor de literatura en establecimientos secundarios y, como director cinematográfico, participó de la realización colectiva Informes y testimonios (1973).

Era miembro activo de sociedades musicales, socio de la comisión directiva de los premios ACE y jurado de selección en cantidad de premios a nivel nacional, entre los que se mencionan los Premios María Guerrero y los que otorga el Consejo Argentino de la Danza.

Habitué conspicuo del Teatro Colón desde su juventud se recordará su apasionamiento y su entusiasmo por todas las expresiones artísticas, por sencillas que fueran y su calidad humana amable, generosa y afable. __BD

Eduardo Giorello Gentileza . José María Pedraza

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Coach personal de Maximiliano Guerra

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In Memoriam

MARINA SEMIONOVA San Petersburgo, 12 de junio de 1908-Moscú 8 de junio de 2010 A los 102 años dejó de existir en su casa de Moscú, Marina Semionova, durante 22 años primera bailarina indiscutida del Teatro Bolshoi.

Maestra y ensayadora de varias generaciones de artistas, en su juventud estudió en la Escuela de Ballet de Petrogrado bajo la tutela de Agripina Vaganova, quien recreó para ella el papel del hada Naila de La Source en la versión tradicional de Aquille Coppini, Odette-Odille de El Lago de los Cisnes, Nikita de La Bayadera (1926), la Princesa Aurora de La Bella Durmiente (1927) y Raymonda (1929).

En 1935 fue la primera soviética invitada a bailar Giselle en la Ópera de París con Serge Lifar, y fue aclamada en la misma cuerda que antes lo fueron Anna Pavlova y Olga Spessitseva.

Se retiró del escenario en 1952. Luego, siendo maestra en la Academia Lunacharski y en la Escuela de Ballet de Moscú, pasaron por sus manos Maya Plisetskaya, Marina Kondriateva, Nina Timofieva, Svetlana Adirkajeva, Nina Sorokina, Nadiezda Pavlova y Nina Semizorova, entre otras muchas estrellas. __BD

Hakodate (Japón), 27 de octubre de 1906-Yokohama, 1º de junio de 2010 Considerado uno de los fundadores de la danza butoh junto a Tatsumi Hijikata Kazuo Ohno murió a los 103 años de edad debido a insuficiencias de orden respiratorio.

Ohno desarrolló en su danza temáticamente un universo enigmático, provocativo y atrevido con sus lentas evoluciones por la escena, con su figura oscura, dolorosa y evocadora de los horrores sufridos en Japón en la Segunda Guerra Mundial.

Convertido casi en leyenda de sí mismo se presentó con sus espectáculos hasta superados sus 100 años de edad.

Generaciones de butokas (bailarines de butoh) se formaron bajo su égida.

Entre sus obras más recordadas se encuentran My Mother, Water Lilies y The Road in Heaven, the Road in Earth.

En nuestro medio, en su visita al país donde se presentara en 1986 en el Teatro San Martín, se lo recuerda por su Admirando a la Argentina.

La Embajada del Japón y el Centro Cultural e informativo japonés, en su sede diplomática en la Argentina tiene previsto durante este año del Bicentenario, entre otras actividades festejar los 50 años del surgimiento del butoh. Se proyectará una de sus películas e intervendrá Gustavo ColliniSartor, representante de esta estética en nuestro país. Además se hará entrega del premio Japan Phoenix Bicentenario a Yoshito Ohno (su hijo, bailarín y maestro) por su legado. __BD 54 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

Kazuo Ohno Foto . Peter Sempel

KAZUO OHNO

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En el American Ballet Theatre Paloma Herrera continúa siendo la imagen del ABT mientras que Herman Cornejo, de nueva generación, ratifica su puesto de primer bailarín

Por su parte, Herman Cornejo ofreció un excelente Romeo en Washington

Como anuncio de la Temporada 2010 del ABT en el Metropolitan Opera House de Nueva York, donde realizarán dos meses de funciones, y también como publicidad de la celebración del 70° aniversario de la legendaria compañía, Paloma Herrera, Marcelo Gomes y Veronika Park, las tres figuras estelares del ballet On the Dnieper de Alexei Ratmansky, conforman la gigantografía que ocupa la imponente fachada del Met. En su schedule, Herrera ha reservado varias semanas de estadía en Buenos Aires durante el mes de septiembre para los ensayos de El Corsario, con reposición de Anne Marie Holmes para el Ballet Estable del Teatro Colón.

Esta será la única presentación de Paloma este año en la Argentina, y bailará junto a Marcelo Gomes los días 29 y 31 de octubre, en esta -aún- desorganizada temporada de reapertura del Teatro Colón.

El argentino también primer bailarín del ABT, abrió la temporada del Kennedy Center de Washington, con Romeo y Julieta de Sir Kenneth MacMillan con partitura de Sergei Prokofiev. Cornejo (Romeo) desplegó su talento junto a la cubana Xiomara Reyes y a Paloma Herrera, las Julietas de las dos veladas.

Ganador a los 16 años de la Medalla de Oro del VIII Concurso Internacional de Ballet de Moscú, siendo el bailarín más joven en obtener dicho galardón, se desempeña además como bailarín principal del Corella Ballet y es notablemente reconocido en el medio norteamericano, desde 2006, The New York Times lo signa como “el Baryshnikov de nuestra generación”. __BD

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Argentinos en el exterior

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ELENA ROGER VOLVERÁ A PROTAGONIZAR EVITA Será en 2012, en Broadway, cuando Elena Roger compartirá cartel con Ricky Martin quien personificará al Che, en la producción de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber de Evita.

Esta reposición del musical, la primera en Estados Unidos, consistirá en el debut de Roger en Broadway. Triunfadora en Londres (premio Olivier como mejor actriz por Piaf y nominación por su Evita), la argentina enfrentará el desafío de reimponer la exitosa pieza en Nueva York donde, en 1979, se alzara con siete premios Tony.

Por estos días Elena Roger ha vuelto a representar Piaf en Madrid. Y próximamente, regresará a Londres para ensayar Passion, de Stephen Sondheim y James Lapine. __BD

Foto . Antonio Fresco

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HAMLET ARGENTINO EN EL PRADILLO En el Teatro Pradillo de Madrid, tres compatriotas presentan Susana en el Agua y con la Boca Abierta La pieza, original de Fernanda Orazi (dramaturga y directora), está construida como un monólogo a dos voces: las de Marianela Pensado (actriz) y Mey-Ling Bisogno (bailarina).

Las mujeres hablan sobre esa otra mujer que ama, enloquece y se suicida, la trágica Ofelia del Hamlet shakesperiano. Y, con buen suceso madrileño, la excusa de hablar de esa otra da lugar al hablar de ella, de cualquiera, de todas las mujeres en aquello que hace a sus destinos intercambiables. __BD 58 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

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Argentinos festivos La séptima edición del Festival Nuits d’été Argentines se llevará a cabo en Paris del 8 de julio al 8 de agosto en concordancia con las celebraciones por el Bicentenario de America Latina y sobre todo de Argentina

Laura Lago en el rodaje del clip del tango Afiches Foto . gentileza de la producción

Para este año el Festival organizado por la Compagnie du Tal, Melocoton Production y el Conservatorio Héctor Berlioz, se desarrollará en el Hotel Gouthiere e incluirá además de teatro, espectáculos de danza, conciertos, milongas, conferencias, exposiciones plásticas, actividades para niños, una librería con títulos latinoamericanos y un ciclo de documentales que transmitirá el Canal francés Arte.

Los espectáculos programados son Se dice de mi de Federico Mora con la actuación de los también argentinos Sebastián Galeota, Laura Lago y otros, Córdoba de Andrea Brusque, El Lugar Perdido de Norma Huidobro, Esperanza Café de Simon Caillaux, Música Rota de Daniel Veronese, Sueños de Florencia Avila, Cabaret Tango de Celeste Sadir y Voltage de Alex Gutierrez. En materia de danza habrá clases de tango, milongas y un stage a cargo de Gotan Project que integra modern jazz y tango.

Los conciertos incluyen tango y música latinoamericana, y las conferencias versarán sobre la Argentina actual, Negra Argentina, Río de Plata, Oro en Argentina.

El canal francés Arte ha seleccionado siete documentales latinoamericanos, que tratan sobre la situación actual de Latinoamérica en general, y de Argentina, México, Chile y Venezuela en particular, firmados por Gonzalo Arijon, Antonio Segui, Emmanuelle Nobecourt, Carmen Castillo, Paul Smaczny, Maria Stodtmeier, Stéphane Bergouhnioux, Jean-Marie Nizan, Laure Egoroff, Rolo Pereyra y Jorge Camarasa.

Los artistas plásticos argentinos con muestra permanente son María Saravia, Julio Cesar Asis, Claudia Haber y Fred Henry.

El evento está auspiciado por el gobierno de Francia y las embajadas de América Latina en París. __BD

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Entre Opuestos y Supuestos Por Martín Goyburu desde Kaiserslautern

El Ballet del Teatro de Kaiserslautern, bajo la dirección de Stefano Giannetti, sigue presentando hasta el 24 de septiembre su ocurrente versión de El Lago de los Cisnes El italiano Stefano Giannetti, director y coreógrafo de la compañía del Palatinado Renano presenta esta nueva versión del clásico de Tchaicovsky estructurado en dos actos. En la pintoresca ciudad de Kaiserslautern, entre castillos, lagos y peatonales rodeando la Plaza San Martín, esta puesta se situó en el marco de una clase de ballet.

Para dar comienzo al primer acto, el coreógrafo se centra en la famosa pintura de Edgar Degas Le Foyer de la Danse.

El Ballet Estatal cuenta con tan sólo catorce bailarines y para este espectáculo se contrató a una invitada especial, Viara Natcheva, primera bailarina de la Opera de Berlín. El director da una vuelta de tuerca a la historia y logra desde lo coreográfico un interesante manejo espacial que multiplica la cantidad de intérpretes.

“Para esta creación parto de los opuestos, blanco-negro, ying-yang, heterosexualidad-homosexualidad, condimentos que encontramos en la vida diaria y que se verán reflejados dentro de la sala de ensayos”, señaló Stefano Giannetti en diálogo con este cronista. Enmarcada en la técnica académica de ballet clásico la coreografía permite también un pas de deux de estilo contemporáneo.

El espectáculo acompañado por la orquesta de la casa, de impecable ejecución, contó con la dirección del español Rodrigo Tomillo.

En escena, se desarrolla una típica clase en la sala de ballet. Al frente de ella se encuentra el Maestro (que a la vez dará vida a un temperamental Sigfrido que en esta visión no es el príncipe), interpretado por Adonis Daukaev. Y sus alumnos irán tomando diferentes roles como en la vida misma, es así como la alumna preferida se transforma en Odette-Odile, a cargo de la invitada especial Natcheva, de exquisitas líneas y dotes interpretativas.

Mientras que su alumno preferido se desdobla entre Rothbart y El Príncipe interpretado por Stefan Hammel.

El Mago (que no es aquí Rothbart) a cargo de Hiroya Fukuda, es una suerte de espíritu, un alma suelta que transita por varios momentos de la pieza, interfiriendo y confundiendo las relaciones entre los protagonistas. Así se apodera por momentos del Maestro-Sigfrido y por otros de Rothbart-Príncipe-Alumno.

“En realidad este personaje [El Mago] no es más ni menos que las dudas que cada uno lleva dentro suyo y acá retomo lo de los opuestos: el Maestro ama a Odette y ama a Rothbart, o también podría leerse que es el espíritu el que se apodera de Rothbart y seduce al Maestro solamente para alejarlo de Odette”, aclaró Giannetti.

Viara Natcheva: exquisita línea

Pequeños Cisnes 62 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

El Maestro-Sigfrido enamorado de su mejor alumna-Odette-Odile

El resto de los alumnos interpretarán las diferentes danzas de la versión original de Marius Petipa, tal como se conocen en la actualidad, como el pas de trois, los grandes cisnes, los pequeños cisnes (interpretados perfectamente por Laure Courau, Eleonora Fabrizi, Gabriella Limatola y Flavia Samper).

En la danza napolitana se destacó una vez más Hiroya Fukuda de noble presencia y pulida técnica. El coreógrafo juega en todo momento con la superposición de personajes, que en algunos momentos se torna difícil de seguir.

Y es con esa superposición de personajes que llega el final de la pieza: Sigfrido mata al Príncipe (vestido ahora como El Mago). Quizás solo se trate de una muerte simbólica, imaginaria, que servirá para regresarlo a lo terrenal rescatándolo de ese posible sueño perturbador, para dejarlo nuevamente en lo que es su pasión: la sala de ballet. __BD

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El mov-s: Puerta abierta al debate Por Mercedes Borges Bartutis desde Madrid

Una de las propuestas más atractivas y puntuales que muestran, hoy por hoy, las artes escénicas en España es el mov-s, una cita para el intercambio internacional de la danza y las artes del movimiento

Organizado por el Mercat de les Flors de Barcelona, este encuentro itinerante, tuvo lugar del 10 al 13 de junio de este año en el Museo Reina Sofía, de Madrid, anteriormente había sido en Barcelona (2007) y en Galicia (2008).

El mov-s de Madrid fue organizado conjuntamente con el Museo Reina Sofía y logró reunir a más de quinientos profesionales de la danza. En esta oportunidad, el tema central fue el espectador.

Se analizaron “aquellos aspectos que hacen de las personas espectadores activos capacitados para reconocer y dar valor a la creación contemporánea”.

Para sus hacedores, “el mov-s busca construir puentes de unión entre los artistas y las organizaciones de la danza y las artes del movimiento con el fin de establecer vías naturales de encuentro y colaboración”. Esta iniciativa del Mercat de les Flors apuesta, además, por indagar en las maneras de aumentar la cantidad de público para la danza, y crear “otro tipo de relación con el espectador se sustenta también en otro tipo de artes escénicas”.

La jornada inaugural estuvo presidida por Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, Bertram Müller Solano, presidente de la European Dance Houses Network, y Francesc Casadesús, director del Mercat de les Flors. Durante sus jornadas de trabajo, el encuentro trató temas puntuales como El espectador sujeto activo, Las prácticas de colaboración, Redes y comunidad, entre otros, expuestos en sesiones plenarias y luego discutidas, de forma más cercana, en mesas de trabajo que se realizaron de forma simultánea. Los participantes pudieron seleccionar libremente su propio itinerario, según sus intereses temáticos.

Sesiones de trabajo. De izquierda a derecha Marlon Barrio (dancetech), Natacha Melo (movimiento. org) y Hans Tino (danza.es)

Fotos . Mercedes Borges Bartutis 64 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

Escena Final de El Llac de les Mosques, el público firma su cuerpo

Entre tantas posibilidades, BALLETIN DANCE asistió a la presentación del proyecto Redes Sociales donde se explicaron los objetivos del portal danza.es a cargo de su director Hans Tino, movimiento.org defendido por la uruguaya Natacha Melo, y Red Social de Danza Integrada presentada por Xavier Duacastilla y Jordi Cortés.

Danza.es es un portal público para promocionar la danza, pertenece al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), un Organismo Autónomo dependiente del Ministerio de Cultura de España que tiene entre sus funciones el fomento y difusión de actividades musicales, líricas, coreográficas, teatrales y circenses. Este portal fue creado con el objetivo de ser un instrumento para dar a conocer los trabajos de los artistas españoles, y para que los profesionales y el público se puedan encontrar, se puedan comunicar.

Por su parte, en la red movimiento.org se integran profesionales y organizaciones latinoamericanas de danza. Fue creada por la Red Sudamericana de Danza en asociación con idanca.net y Associação Cultural Panorama. Su máxima es hacer juntos, y entre sus objetivos se menciona proporcionar la autogestión, los nuevos tipos de licencias en la cultura digital, tecnologías de sindicación, y el RSS, un intercambio de contenido puro.

La Red Social de Danza Integrada (http://grou.ps/danzaintegrada) es una iniciativa de creación reciente. Representada por el

grupo Canduco, tuvo una animada y simpática defensa de Xavier Duacastilla y Jordi Cortes, quienes relataron cómo organizaron su red con esfuerzos propios, para preservar las posibilidades de aquellas personas con desventaja física, que “encuentran en la danza el instrumento necesario para desarrollar sus habilidades expresivas y creativas, compartiéndolas con personas en su misma situación”.

Otra de las mesas que se destacó, fundamentalmente por su actualidad, fue Redes Sociales Virtuales presentada por el investigador y profesor venezolano radicado en Nueva York, Marlon Barrios, quien se dedica a la producción experimental on-line.

“Su experiencia mezcla danza, ciencias cognitivas y tecnologías interactivas, e investiga la intersección de la acción del movimiento con las nuevas tecnologías de la información y el uso de plataformas on-line para la colaboración creativa, la circulación del conocimiento y la innovación social en las comunidades y los contextos translocales”.

Marlon Barrios es el creador de www.dance-tech.net una red social on-line, que incluye un canal de video colaborativo (dancetechTV) y una serie de entrevistas que exploran la innovación y la mezcla de disciplinas en el movimiento. Es una plataforma y a su vez es una comunidad. Sus proyectos buscan desarrollar audiencias, aumentar el estado de relación para las redes y la colaboración, responde a lo que Barrios ha denominado “un proceso viral JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 65

de información”. Entre sus objetivos más ambiciosos está la participación y creación de festivales pensados para la danza online, y performance on-line en vivo.

Otra de las propuestas más atractivas de las jornadas madrileñas fue Itinerarios de la Colección: Teatralidad, estrenado por el Museo Reina Sofía para el mov-s y presentado por José Antonio Sánchez y Zara Prieto. Esta propuesta recorre su colección demostrando el diálogo permanente que han mantenido las artes visuales con el teatro desde principios del siglo XX. Según los curadores de este itinerario “el teatro y la danza se aproximaron a las artes visuales en busca de su definición como artes autónomas, reivindicando su independencia de la literatura y la música. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo, la relación se invirtió: el modelo de obra de arte total fue sustituido por la idea de obra abierta y las artes visuales practicaron la teatralidad entendida como recuperación del cuerpo, de sus experiencias y de sus huellas, tanto por parte de los artistas como por parte de los espectadores”.

El itinerario Teatralidad es una feliz idea que aporta el Reina Sofía a las investigaciones sobre artes escénicas en España. Este museo madrileño está implicado, además, en el Master en Practica Escénica y Cultura Visual (www.arte-a.org) , que se imparte en la Universidad de Alcalá, en colaboración con el Mercat de les Flors, Matadero Madrid, y la Casa Encendida. Sus alumnos tuvieron su espacio en estas jornadas del mov-s, donde presentaron algunos resultados de las experiencias del laboratorio de creación.

Otro tema a destacar dentro de las sesiones del encuentro español fue el testimonio de los artistas que acudieron a Madrid para compartir sus experiencias. En este punto es preciso resaltar la presencia de la brasileña Lia Rodrigues, considerada una de las creadoras más vanguardistas de su país, quien con gran compromiso político, desarrolló un trabajo impresionante en la Favela da Maré de Río de Janeiro. Aunque tuvo una estancia en Europa, la creadora regresó a Brasil donde fundó su compañía en 1990.

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El Guernica de Pablo Picasso, una de las obras incluídas en el itinerario Teatralidad, organizado por especialistas del Reina Sofía para el mov-s.

Foto . Mercedes Borges Bartutis

Actualmente trabaja en diversas búsquedas para explorar los límites del cuerpo, la lucha entre lo individual y lo colectivo, y la complejidad de las emociones humanas.

El complemento del mov-s estuvo en la muestra artística que acompañó cada día las sesiones teóricas, en un circuito de teatros que incluyó el Círculo de Bellas Artes, Teatro Fernán Gómez, Matadero Madrid, Teatro Circo Price y algunos espacios de representación flexibles del propio Museo Reina Sofía, entre otras salas. Una comisión artística seleccionó un número importante de espectáculos provenientes de todo el territorio español, y que por su propuesta estaban vinculadas al contenido teórico y al espíritu de este encuentro.

Entre las presentaciones sobresalió El Llac de les Mosques (El lago de las moscas) de Sol Picó, un espectáculo que obtuvo el Premio Max de las Artes Escénicas 2010, en España, como mejor coreografía después de haber sido nominado en esa misma categoría, como mejor espectáculo de danza y también como mejor bailarina. El Llac de les Mosques es una puesta en escena intensa, llena de energía y con momentos clímax enriquecidos por los excelentes músicos que acompañan durante toda la pieza a Sol Picó.

El plato fuerte al que todos quisieron asistir fue El Final de Este Estado de Cosas, un impresionante espectáculo de Israel Galván, programado en Teatros del Canal, y que esta reportera ya había visto una semana antes en el Théâtre de la Ville de París, cortesía de la buena amiga Beate Perrey. Aquí Galván hace alusión a la vida y a la muerte, en una descomunal manipulación de los recursos tradicionales del flamenco, pero conservando sus raíces, y teniendo bien claro de dónde viene y lo que quiere lograr con su proyecto. Lo acompaña en el escenario, un extraordinario grupo de músicos virtuosos que engrandecen su propuesta.

Finalmente, el mov-s dejó un espíritu de optimismo en todos los que llegaron hasta Madrid. En las palabras de clausura, Francesc Casadesús, su máximo inspirador, agradeció la colaboración del Museo Reina Sofía y de todas las instituciones culturales implicadas, y anunció que la próxima edición tendrá lugar en Cádiz.

Esta cita, itinerante y dinámica, es una muestra del nivel artístico y la implicación social que ha alcanzado la danza y las artes del movimiento, a nivel internacional. __BD

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Balletin Informativo

AUDICIONES

BECAS

-El Centro Cultural Ricardo Rojas convoca a cantantes y bailarinas interesados en participar en las funciones de la obra Fairy Queen, de Henry Purcell, que se realizarán los domingos 24 y 31 de octubre y 7, 14, 21 y 28 de noviembre, junto al Coro y Orquesta de la UBA, bajo la dirección musical de Andrés Gerszenzon y regie de Laura Gutman. Los preseleccionados serán citados por mail. Los ensayos comienzan en agosto. La audición para bailarinas se realizará el sábado 17 de julio, de 11 a 14 hs, en la sala Auditorio del Rojas y deberán presentar una variación de dos minutos de duración como máximo sobre la ópera en cuestión o sobre música barroca y una improvisación. Inscripción: cmonzo@rec.uba.ar. Se ofrece un viático mensual de $150.

-Festival VideoDanzaBA. El área de Taller de Formación del festival convoca a artistas del interior del país, para adjudicar becas que incluyen ingreso a todos los talleres, a las proyecciones, pasaje terrestre desde el lugar de residencia a Buenos Aires (ida y vuelta) y hospedaje en habitación compartida. La inscripción cierra el 15 de julio. Los talleres se realizarán del 6 al 11 de septiembre en el marco del XII Festival Internacional VideoDanzaBA. Los interesados deben enviar Cv y carta de intención a Claudia Sánchez, Coordinadora del Área de Formación, a la siguiente dirección de correo electrónico: formacion@ videodanzaba.com.ar. Mayores informes: www.VideoDanzaBA.com.ar

DEL EXTERIOR

DEL EXTERIOR

-Portugal.

Ballet Quórum de Lisboa. Seleccionará una bailarina con contrato por un año para la temporada 2010-2011. Los interesados en participar de la audición deben registrarse enviando CV y foto por email a: producto@quorumballet.com. Informes al Tel: (+ 351 91) 402-8841. La audición se realizará el domingo 18 de julio a las 10 hs, en el Theater Recreios de Amadora: Avenida Santos Matos Nº 2, 2765 Venteira, Amadora, Portugal.

-Inglaterra. Balletboyz seleccionará coreógrafos (mayores de 18 años) para crear una nueva obra original para la compañía, que se presentará en gira durante el año 2011. Los directores artísticos Michael Nunn y William Trevitt preseleccionarán a 5 postulantes que trabajarán un día con el grupo en octubre de este año. Los interesados deben enviar un DVD de no más de cinco minutos de duración, con un extracto de su obra, junto al Cv a: Tim Morris, BalletboyzSadler´s Wells Theatre, Rosebery Avenue, London, EC1R 4TN, England. Y además subir a YouTube una muestra de su trabajo + el vínculo (link) + el CV por e-mail a: tim@balletboyz.com. Mayores informes: www.balletboyz.com. Cierre de inscripción: 27 de agosto de 2010.

-Alemania.

Compañía de Danza del Teatro de Osnabrück dirigida por Nanine Linning. Seleccionará un maestro-asistente coreográfico, para trabajar a partir de agosto de 2010. Se requiere hablar inglés fluidamente, el conocimiento del alemán será bienvenido, manejo de computación y conocer el funcionamiento de un grupo de danza contemporánea. Los interesados deben enviar una carta de intención, Cv y foto a Shannon Moreno: Moreno@theater.osnabrueck.de. Mayores informes: www.theaterosnabrueck.de

-Alemania. Compañía RAZ. Seleccionará tres bailarinas para la producción Jeden Tag Wird es Besser, Gut Wird es Nie con coreografía de Hans Tuerlings, que requiere hablar en escena en alemán u holandés. El estreno será el 12 de noviembre de 2010 en Fabrik Heeder Krefeld, las audiciones desde el 20 de julio. La participación en la audición será solamente por invitación, las interesadas deberán enviar Cv con foto a: hanstuerlings@mac.com, Tel: (+31(0) 6) 8115-0143. Informes: www.datzijnwij.com

SUBSIDIOS La Secretaría de Cultura de la Nación otorga subsidios a organizaciones que trabajan para transformar la realidad social a través de la cultura. Hasta el 17 de septiembre, podrán presentar proyectos organizaciones sociales (con o sin personería jurídica) y comunidades indígenas.

Se subsidiarán iniciativas en tres líneas: Emprendimientos de desarrollo comunitario, Emprendimientos de comunidades indígenas y Emprendimientos de organizaciones de base (sin personería jurídica).

Entrega de proyectos: de lunes a viernes de 10 a 17, en A. Alsina 1169, 2º Piso, Ciudad de Buenos Aires, o por correo postal a la oficina de la Unidad de Proyectos y Programas Especiales (UPPE), Av. Alvear 1690, 1º Piso (C1014AAQ) Ciudad de Buenos Aires.

Mayores informes: (011) 4381-1788, subsidios@cultura.gov.ar

68 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010

-México. La Secretaría de Cultura de la Nación Argentina y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) de México, convocan a artistas individuales a realizar una residencia en México. Se otorgarán cinco residencias (artes visuales, danza, letras, medios audiovisuales, música y teatro) con una duración de diez semanas cada una, entre abril a agosto de 2011. Argentina se hará cargo del traslado aéreo y México otorgará cuatro mil dólares para alojamiento, alimentación, transporte local y materiales. Un jurado de ambos países tendrá a su cargo la selección de los ganadores. Las postulaciones se reciben hasta el 19 de julio de 2010. Informes: Dirección Nacional de Política Cultural y Cooperación Internacional, Programa de Becas y Ayudas, A. Alsina 1169, 2º piso (C1088AAE) Ciudad Autónoma de Buenos Aires. becasyayudas@cultura.gov.ar.

CONVOCATORIAS -Experimenta Teatro.

El grupo de teatro El Rayo Misterioso convoca a grupos de investigación de teatro y de teatro-danza para participar de la 11º edición, que se realizará del 7 al 13 de diciembre de 2010 en Rosario. El encuentro internacional está dirigido a actores, directores, estudiantes, pedagogos, investigadores y público en general.

Habrá espectáculos, talleres, seminarios, conferencias, proyecciones, mesas redondas y tres encuentros (revistas, directores de festivales y de críticos). Se priorizarán trabajos con criterio innovador, de búsqueda y exigencia estética. Informes: www.elrayomisterioso.org.ar/ experimenta. Inscripción: enviar ficha (solicitarla a: laboratorio@elrayomisterioso.org.ar), DVD y dossier. Cierre de inscripción: 30 de julio de 2010. La Organización del Festival cubre alojamiento, comidas y un cachet a definir.

-Tardes y noches de butoh,

ciclo dedicado al butoh y sus devenires. 4º edición. Organiza: Quio Binetti. Convocatoria a bailarines y performers. Cierre de inscripción: 1º de septiembre. Informes: www. tardesynochesdebutoh.blogspot.com, E-mail: fquio@yahoo.com, Tel: 15-6401-5966.

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Balletin Informativo

CONCURSOS

Y FESTIVALES

-Encuentro de Bailarines. 10º edición. Organiza: Instituto Danzave. Sábado 4 de septiembre, Teatro del Globo. Informes: Tel: 4501-0947, info@institutodanzave.com.ar.

-Danzamérica. 15º edición. Organiza: Cristina Sánchez. Del 27 de septiembre al 3 de octubre de 2010. Invitados especiales. Informes en internet: info@danzamerica.org, www. danzamerica.org.

-Encuentro Internacional de Danza Arabe. 12º edición. Organiza: Amir Thaleb. Del 23 al 26 de septiembre de 2010, Golden Center, Buenos Aires. Isis, Aziza, Randa Kamel, Mohammad Shahin, Yael, Momo Kadous, Amir Thaleb. Informes: info@encuentrodedanzasarabes.com, www.encuentrodedanzasarabes.com

JORNADAS DOCENTES En el marco de los festejos por el 85 aniversario, la Escuela Municipal de Danzas y Arte Escénico Ernesto de Larrechea de la ciudad de Rosario organiza el primer curso de Perfeccionamiento Docente a cargo de Alicia Muñoz, dirigido a docentes y alumnos avanzados de danzas, que se dictará en una jornada de dos módulos (uno teórico y otro práctico) de cuatro horas cada uno, el viernes 30 de julio. Informes: Santa Fe 1712, Tel: 480-2541, e-mail: escmunidanzas@fibertel.com.ar.

-Fiesta Nacional e Internacional del Poncho. 40º edición Del 16 de julio al 1 de agosto, en Catamarca. Actúan entre otros artistas el Ballet Folklórico Nacional de Argentina y los importantes cuerpos de baile de la provincia.

-Festival Internacional de Tango Queer. 6º edición. Del 22 al 28 de noviembre, Buenos Aires. Ciudad invitada de honor: Berlín. Milongas, prácticas, shows, orquestas, performances y clases. Cierre de inscripción: 31 de julio. Informes: www.festivaltangoqueer. com.ar, E-mail: info@festivaltangoqueer.com.ar, Tel: 15-3252-6894.

DEL EXTERIOR -Perú.

Encuentro Internacional Danza Sur 2010. 6º edición. Organiza: Yanavico Casa Taller. Del 6 al 12 de octubre, a orillas del lago Titicaca, en la ciudad de Puno, cuna de la civilización Inca. Propuestas estéticas que planteen una reflexión sobre la identidad étnica en el contexto contemporáneo, la violencia política y los derechos humanos.

Cierre de inscripción: 25 de julio 2010.

Informes: http://jesus-alegria-argomedo.blogspot.com, E-mail: puno.danzasur@gmail.com.

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JULIO 2010 // BALLETIN DANCE / 71

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