BALLETIN DANCE 192

ISSN 1850-6275 . Año 17 . Nº 192 . octubre 2010 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenoss Aires

LA R REVISTA ARGENTINA DE DANZA REV

Entrevista exclusiva ALICIA ALONSO 90º aniversario Iñaki Urlezaga nuevo estreno Esmée Bulnes Nuevo libro de Balletin Dance

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22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // OCTUBRE 2010 NOVIEMBRE 2009

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NOTA DE TAPA 6 Entrevista exclusiva a Alicia Alonso ENTREVISTA 12 Iñaki Urlezaga 20 Katsura Kan 24 Richard Amaro

Alicia Alonso en Yagruma Foto . Tonatiúh Gutiérrez

ACTUALIDAD 16 Videojuegos 16 El Corsario 18 Premiación 18 Desde las Raíces FOLKLORE 32 Formosa de Punta a Punta TANGO 34 Ellas, Mayores que Ellos 36 Con los Duendes del Gran Poeta DANZA ARABE 38 Historias Cruzadas

Sumario 192

IN MEMORIAM 50 Delfino Larrosa 54 Willy Wullich ARGENTINOS EN EL EXTERIOR 56 Marcelo Savignone 56 Ezequiel Sanucci 57 Mauricio Wainrot

PROVINCIAS 26 Buenos Aires. Nuevo Director del Ballet del Sur 26 Córdoba 28 General Pueyrredón.

Ciclo No Convencional COMENTARIOS 40 Actualidad Contemporánea 42 Música y Danza 44 De Afuera Adentro 46 Estreno de Espartaco 52 Velocidad, brío y decisión de llevar adelante la programación BALLETIN DANCE EDICIONES 48 Nuevo libro de Balletin Dance INTERNACIONALES 58 Luxemburgo. A Toda Danza 58 Estados Unidos. El Retiro de un Grande 58 Uruguay. Bocca vs.

Gremios 60 Austria. Legris Director 67 Alemania. Homenaje a Pina Bausch 68 Inglaterra. Danza de Verano en Londres CARTELERA 31/64/67 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 74 Investigación.

Inscripciones. Concursos y festivales. Semana del arte y la cultura. Gratis en Belgrano. Audiciones en el exterior

OCTUBRE 2010 - AÑO 17 - Nº 192 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancillería de la República Argentina. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/2004/2009). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 826907. Fotocromía: DTP Conexión Gráfica. impresión. Gráfica Laf. Monteagudo 741/45. Vª Lynch. San Martín. Buenos Aires. Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García.

Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Marta Sol Bendahan Carlos Bevilacqua Enrique Honorio Destaville Mariana Fernández Camacho Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Juliana Lizardo Villafañe Natalia Picorelli corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 3 TIERRA DEL FUEGO: $ 5 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0400 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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ENTREVISTA EXCLUSIVA A ALICIA ALONSO

Nueve Décadas Por Agustina Llumá y Martín Goyburu

2010: Año Alicia Alonso proclamado por el Ministerio de Cultura de la República de Cuba, vigésima segunda edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana (del 28 de octubre al 7 de noviembre) y cumpleaños número 90 (21 de diciembre) de la etoile

En entrevista exclusiva con BALLETIN DANCE, Alicia Alonso, una de las más importantes bailarinas de la historia repasa algunos aspectos fundamentales de su trayectoria.

Alicia Alonso, se prepara para celebrar su 90º aniversario Foto . Nancy Reyes

Alicia Alonso en Giselle uno de sus roles preferidos Foto . Colección Museo Nacional de la Danza de Cuba 6 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Con motivo de su cumpleaños número 90, la gran bailarina cubana ha recibido cantidad de importantes reconocimientos en todo el planeta este año, además se deduce que el festejo en diciembre de este año en La Habana será encantador. Es que a Alicia Alonso siempre le ha gustado celebrar sus cumpleaños. “Armo tremendo escándalo -señaló hace un tiempo en entrevista a Luis Báez-. Me encanta que me celebren los cumpleaños porque estoy viva”.

Para los extranjeros, habrá posibilidad de adentrarse en este especial mundo del ballet cubano, del 28 de octubre al 7 de noviembre cuando se realice el Festival Internacional de Ballet de La Habana, cita imperdible bianual para artistas y espectadores. Con cantidad de invitados extranjeros y eventos alusivos, una de las mayores expectativas se centra en las actuaciones del American Ballet Theatre y de un grupo de figuras del New York City Ballet (antiguo Ballet Caravan), por haber sido las compañías en las que Alicia Alonso se consolidó a la categoría de estrella mundial.

Hija de Antonio Martínez Arredondo y Ernestina del Hoyo Lugo, su nombre de nacimiento es Alicia Ernestina de la Caridad del Cobre. Fue en Estados Unidos donde se acostumbra a nombrar a las mujeres por el apellido de casadas donde saltó a la fama como Alicia Alonso. “Además, Martínez del Hoyo es muy largo, no es comercial, no es musical” explicó la propia bailarina a Báez.

Si algo no puede dudarse es la obstinación y perseverancia de Alicia Alonso, quien desde muy temprano, ha escuchado consejos de profesionales de todo tipo, indicando que no debía ni podría bailar, sin embargo, fuera de toda predicción, su carrera sobre el escenario ha sido una de las más largas, completas y exitosas. Y como ella misma explicó, no todo ha sido color de rosa.

A los 12 años, comenzó a dictar clases de ballet a tres niñas ricas de la capital isleña y desde entonces su vida transcurrió por y para el mundo del ballet. Bailarina, maestra y coreógrafa, continúa al frente del Ballet Nacional de Cuba con el cual ha realizado increíbles acciones de difusión, preservación y creación, tareas que hoy se enmarcan bajo el nombre de gestión cultural.

Su voluntad es sin dudas, su mayor virtud. Su optimismo está siempre marcado por el realismo. Su más importante crítica es su conciencia. La disciplina la mantuvo a la cabeza de este emprendimiento nacional, una mujer que dedica las 24 hs del día al BNC, sin tomarse vacaciones, aprovechando cada minuto y cada experiencia para trasladarla a la danza.

Una de las poses que la caracteriz贸, en El Lago de los Cisnes Foto . Maurice Seymour

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“Yo no soy bailarina para ser alguien. Bailo porque me gusta. Lo que yo hago no es para ser alguien. Es una necesidad para vivir.

Tengo necesidad de existir. Lo que nunca quisiera que se dijera es que no soy útil. Me gusta mucho la vida y para mí la vida es bailar. Bailo, luego existo”, señaló en aquella oportunidad.

BALLETIN DANCE. ¿Cómo logró que el pueblo cubano tenga tal pasión por el ballet?

ALICIA ALONSO. El baile es una expresión instintiva de los cubanos, forma parte de nuestra idiosincrasia nacional. Esto se encuentra en nuestro folklore, en los bailes populares. El trabajo que hemos hecho, fue llevar ese impulso natural a una disciplina técnica y estilística, dentro de un lenguaje teatral. Luego tratar de que el arte del ballet llegara a todos los sectores sociales. Con la Revolución pudimos hacerlo a gran escala, y además, desarrollamos durante años un trabajo de captación de nuevos públicos, con charlas demostrativas en centros de trabajo, escuelas, y hasta en unidades militares. Los resultados están a la vista. Se ha logrado el gusto popular por el ballet, que puede usted constatar en cualquier sector del país.

De sus encuentros con Fidel Castro, guarda la Alonso gratos recuerdos. La primera oportunidad luego del triunfo de la Revolución cuando “conversamos de ballet, de lo que podía hacerse, de cómo debía desarrollarse. Me dijo que teníamos todo el respaldo del gobierno revolucionario”, recordó junto a Báez.

Y al poco tiempo realizaban su primera gira por América Latina como embajada cultural, que en particular en la Argentina absorbió cantidad de bailarines para los inicios del Ballet Nacional de Cuba, oficializado en 1960.

Durante quince años tuvo Alicia Alonso, prohibida la entrada a los Estados Unidos, desde 1960, a pesar del éxito que había allí consolidado como bailarina. Era la más cotizada en ese momento, como señaló la propia bailarina. “No solo era dinero, sino también publicidad, prestigio desde el punto de vista artístico.

Todo el aparato publicitario estaba a mi servicio como figura artística de primerísima calidad”. Fueron varias las oportunidades en que el país del norte la presionó por cuestiones referidas a la Revolución encabezada por Fidel Castro. “Me plantearon que me daban la visa si me quedaba a vivir en los Estados Unidos, con la advertencia de que si regresaba a Cuba, no me volverían a dar visa de entrada. Mi respuesta fue un tajante no”.

BD. ¿Cuáles fueron los momentos más difíciles en su carrera? ¿Y los más gratificantes?

AA. Mis problemas visuales, que comienzan muy tempranamente en mi carrera, y con pronósticos terribles. Cuando los médicos intentaron que no bailara más, lo cual nunca acepté. Los momentos gratificantes han sido muchos, por suerte. Me sería difícil enumerarlos, y mucho más, establecer categorías entre ellos. Constatar que logramos establecer una de las grandes 8 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

compañías de ballet a escala mundial, y que nuestro pueblo ama al ballet y a sus artistas, es sin dudas algo que nos hace felices.

En efecto las complicaciones que Alicia Alonso tuvo que enfrentar desde temprano referidas a su visión fueron un punto neurálgico en su actividad. Ambos ojos sufrieron desprendimiento de retina y múltiples operaciones, que terminaron por costarle la vista. En 1941, tuvo que hacer reposo absoluto luego de una de sus operaciones. A pesar de los pronósticos, ella aseguró que al año estaría bailando nuevamente, y así fue. De más está explicar lo que significa para una bailarina tener que permanecer inmóvil durante tanto tiempo. Finalmente cuando pudo volver a levantarse tuvo que aprender a caminar desde cero.

Alicia Alonso bailó sin ver durante muchos años. Como la pérdida de visión se produjo lentamente fue supliéndolo con ejercicios y una especial forma de bailar, adaptándose. En escena utilizaba diferentes métodos para guiarse, como luces más fuertes o de distintos colores ubicadas estratégicamente. El público no se dio cuenta de su ceguera, aunque bailaba de forma diferente, como ella misma explicó en la misma entrevista citada anteriormente: “Mis movimientos eran redondos, un poquito más lentos. Convertí en algo positivo todo eso. El baile cogió cierta fragilidad de cámara lenta, sin ser cámara lenta”.

BD. ¿Por qué cree usted que los bailarines del BNC abandonan la compañía? ¿el bailarín es un ser nómade?

AA. En todas las agrupaciones dancísticas del mundo hay bailarines que dejan la compañía, por diversos motivos. Es curioso, que cuando se trata del Ballet Nacional de Cuba, esto causa en algunos medios un efecto especial, y se especula con un sinnúmero de posibles razones. En primer lugar, el número de bailarines que dejan nuestra compañía es mínimo, insignificante en relación con los que se quedan en ella. En cierta forma, la preocupación por los que no se van nos halaga, pues quiere decir que sienten que el Ballet Nacional de Cuba es algo importante, que merece una fidelidad, una entrega. Las motivaciones de los que se van son muy diversas: cuestiones personales, fantasías sobre realizaciones individuales de manera personal dentro de un sistema internacional de estrellas, ambiciones económicas desmedidas, equivocación sobre el verdadero alcance de sus cualidades artísticas individuales, etc. En realidad los formamos desde pequeños, les ofrecemos una compañía con un amplio repertorio con la que actúan en los grandes teatros del mundo. Y a veces algunos prefieren ir a vender en otra parte lo que aquí se les dio con generosidad y amor. Pero la mayoría es fiel a la compañía, a su historia y su continuidad.

BD. En cada Festival los extranjeros podemos observar a nuevos intérpretes, siempre perfectamente preparados. ¿Cómo trabaja la escuela cubana de ballet hoy?

AA. El trabajo de la Escuela no cesa, y la incorporación de nuevos alumnos suele ser masiva. Eso es notable en los varones, sobre todo si lo comparamos con lo que sucede en otros países.

Dominio del equilibrio con suave port de bras, para Odette Foto . Walter E. Owen

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Tenemos muchos buenos maestros, la mayoría de los cuales proceden de las filas de la misma compañía. Algunos empiezan su trabajo docente, aún antes de dejar de bailar.

Además, la Escuela Nacional de Ballet incluye la carrera profesoral, y también ofrecemos cursos especiales de metodología de la escuela cubana de ballet.

BD. Si hoy (2010) tuviera que elegir una compañía que no sea el BNC para sumarse a sus filas ¿cuál sería y por qué?

AA. Nunca se me ha ocurrido plantearme esa alternativa. Existen buenas compañías en distintos lugares, y cada una con su personalidad y su interés. Por otra parte estoy en el que es, sin lugar a dudas, mi lugar. Para formar buenos bailarines es importante un gran trabajo de captación, para que no se pierdan talentos. Una selección rigurosa, y que los profesores de los primeros años sean de una calidad óptima. Hay que educar a los bailarines no sólo en la pura técnica (que es importantísima), sino en su concepto, su estética. De nada sirve una brillante mecánica técnica si no se usa artísticamente para expresar estilos, personajes, sensibilidad artística, y esta conciencia hay que crearla desde el comienzo.

En Carmen, creado para ella por Alberto Alonso Foto . ICAIC

BD. ¿Cuáles son y fueron sus amigos del alma?

AA. He sido y soy muy dichosa en ese sentido, tuve y tengo grandes amigos. Tengo una alta valoración de la amistad. Es una de las expresiones más puras y elevadas del amor.

BD. ¿Cómo es Alicia Alonso como amiga? ¿Cómo es como directora?

AA. Como amiga, infiera usted como soy de mi respuesta anterior. Como directora, no me corresponde a mí opinar. De todas formas, le advierto que no es fácil, ni mucho menos, complacer a todos. Hay que actuar con honestidad, y de acuerdo con principios correctos, y no preocuparse mucho del que dirán.

BD. ¿Quién podrá sucederla con eficacia en esta ardua tarea de dirigir el BNC? ¿O tal vez sea necesario un equipo de varias personas para realizar sus funciones?

AA. Si está usted pensando en mi posible retiro, sepa que pienso vivir no menos de 200 años y trabajar hasta los 199. A mi alrededor hay muchas personas de gran capacidad que me ayudan a dirigir. Lo importante en esta tarea es el estar dispuesto a dar la vida entera, nuestras horas privilegiadas, al arte y a la compañía.

El traspaso de la experiencia es para Alicia Alonso fundamental. A los jóvenes, es necesario hablarles (radio, televisión y prensa impresa) de cómo enfrentarse a la vida, cómo prepararse para el futuro. No para un futuro distante sino para el día a día, para el mañana. Insistirles en la importancia del trabajo diario. Cada día es importante, no se puede volver atrás, siempre hay que ir hacia adelante.

La responsabilidad de formarlos es nuestra. Ellos tienen facilidades que nosotros no tuvimos.

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BD. ¿Qué lugar ocupa la Argentina en su corazón? ¿Guarda alguna amistad especial, con quiénes?

AA. No es un secreto que para mí el público argentino ha sido algo muy especial. He recibido de él en todas las épocas, expresiones de admiración y respeto que nunca puedo olvidar. Tuve una ovación de más de cuarenta minutos en el Teatro Colón hace muchos años, que están entre mis records personales. Allí tuve y tengo grandes amigos, y no sólo en el campo de la danza. De los que ya no están, recuerdo entre otros a María Ruanova, Victoria García, Victorica, a Fernando Emery, a Annemarie Heinrich. Y aún presentes, a tantas figuras del Teatro Colón que trabajaron conmigo, y otros bailarines que integraron las filas del Ballet Nacional de Cuba.

BD. Consejo para las nuevas generaciones de bailarines AA.¿Un consejo para las nuevas generaciones de bailarines?. Que amen la danza. Si no se trabaja este arte con amor, se siente que lo que la danza exige de nosotros es demasiado.

Si se ama, nos trae la mayor felicidad a que podamos aspirar. __BD

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Una Deliciosa Máquina de Hacer Danza Por Laura Lifschitz

Eliana Figueroa e Iñaki Urlezaga en La Traviata. Teatro Coliseo de Buenos Aires Foto . Antonio Fresco 12 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Recién llegado de Shangai, Iñaki Urlezaga y Eliana Figueroa, la primera bailarina de su Ballet Concierto, dialogaron con BALLETIN DANCE sobre los diez años del Ballet Concierto, una compañía que posibilita no sólo la difusión del arte argentino en el exterior sino también el placer de bailar en tierra propia

Encontrarse con Iñaki Urlezaga remite siempre a una idéntica situación: proyectos, proyectos y proyectos. Es que luego de ser durante diez años primer bailarín del Royal Ballet de Londres e invitado especial de numerosas compañías del exterior, un buen día decidió seguir bailando sin exclusividad, para poder mostrar su arte al mundo y para poder, por fin, y de algún modo, volver a la Argentina.

No es fácil vivir de la danza en nuestro país y Urlezaga bien lo sabe. Por ello tuvo la necesidad de armar su propio elenco, lo que le permitía también poder presentarse en nuestro suelo cuando la mayoría de los ballets oficiales están rogando por programación de ballet. Pero no está solo: más de treinta bailarines lo acompañan junto con su partenaire, Eliana Figueroa, que asume con absoluta pericia y dedicación el rol que le ocupa dentro del Ballet Concierto, y Franco Cadelago como primer bailarín, todos bajo la dirección artística de Lilian Giovine.

En una reciente entrevista a BALLETIN DANCE, ambos manifestaron el orgullo y el asombro por las tres presentaciones que brindaron a fines de agosto en la Exposición Universal en Shangai, como invitados especiales al pabellón argentino, proyecto llevado adelante por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

En principio, esta fue una buena nueva para el bailarín, acostumbrado a solventar todas sus presentaciones con aportes privados.

Y luego del desagradable episodio que lo enemistara con las actuales autoridades del Teatro Colón, por un incumplimiento en un contrato cuya resolución no logra destrabarse, el hecho de haber sido invitado y reconocido por un organismo del Estado es un motivo más para festejar.

No fue fácil: este año la compañía se divide en varios repertorios totalmente originales y coreografiados por Urlezaga, quien desempeña este nuevo papel con bríos renovados.

Las presentaciones en Shangai fueron tres, para escenarios y públicos variados: desde un gran teatro construido para la ocasión, hasta una presentación en la Plaza de las Américas, siempre acompañados por la Orquesta Sinfónica de Shangai, dirigida por Gao Jian, con quien la tarea de articulación fue, por lógicos motivos idiomáticos y culturales, bastante ardua. Aún así y gracias a ello, resultó una experiencia inolvidable para todos.

“Es muy lindo sentir que representás al país de origen, defendiendo tu lugar, sobre todo cuando te sentís respaldado”, señaló Urlezaga. Y agregó: “Yo siempre trabajé por mi cuenta, e incluso monté una compañía sin subvenciones. En este sentido me dio mucho placer representar a los argentinos oficialmente”.

La experiencia en Shangai fue magnífica para el Ballet Concierto, que dirige este primer bailarín. Construyeron para la ocasión, y en cinco meses, un teatro de dos mil butacas: “Es rarísimo que en la Argentina tarden veinte años para reconstruir un teatro y

logren rehacer el escenario y la parte visible y nada más. El resto nunca se sabe qué es lo que quedará. Y allá en cinco meses hicieron un teatro”, dijo Urlezaga.

REPERTORIO Respecto de su tarea como coreógrafo, Iñaki se maneja con la perspectiva generosa que todo buen director debe siempre tener presente: “Me preocupa mucho más encontrar un repertorio estable y artístico, que los haga a ellos crecer (por sus bailarines). A su vez voy pensando algunas cosas que me rondan por la cabeza y que pienso plasmar en un escenario. Por ahí hay algunas que se escuchan, y por ahí hay otras que no. No está en mí en la actualidad hacerme famoso como coreógrafo. Lo que me interesa es la exploración de ese tipo de trabajo y veo que no hay una gran capacidad en la Argentina, por tradición o por lo que puede verse, de tener coreógrafos que trabajen con bailarines clásicos.

La danza clásica en nuestro país no tiene un rumbo fijo, porque no hay creadores”. Sobre esta afirmación, agregó: “Argentina siempre tuvo grandes producciones fastuosas que han venido de Europa. Sin minimizar a nadie, no sé de grandes producciones armadas desde lo local”.

Urlezaga sigue presentándose en todo el mundo con su exitosa Carmina Burana, a la que este año agregó una última creación: su versión de la novela La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas, que dio origen a La Traviata, la excelsa ópera de Giuseppe Verdi. No fue fácil tampoco animarse a reversionar una obra lírica: “Cuando estábamos haciendo Carmina Burana se nos criticaba porque habíamos bailado una cantata. En ese momento ya habíamos empezado el proyecto de La Traviata y yo pensaba: ¿entonces qué van a decir cuando vean un ballet que antes fue ópera?”, cuenta con un gesto risueño. Pero el hecho de contar con Eliana como musa inspiradora para el personaje de Violeta fue de gran ayuda. Por un lado, por las características de Figueroa, muy expresiva y teatral, y con un exquisito manejo del leguaje corporal. Por el otro, por el cuerpo de baile. “Somos todos arriba del escenario, no sólo Eliana y yo. Si no tenés un material apropiado para trabajar, no se puede llevar adelante un buen ballet”. Eliana está encantada con ser Violeta y así lo expresó: “A la hora de hacer La Traviata sentí la libertad de poder poner cosas mías, movimiento y sensaciones que Iñaki utilizaba para redondear el personaje”.

SER BAILARÍN EN ARGENTINA Iñaki sabe que para volver y no perder presencia en nuestro país, al que ama, el que lo formó pero también el que lo impulsó a vivir en el exterior, debe hacer algunos sacrificios. Él es OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 13

conciente de que sin el impulso del mundo de la danza internacional, él jamás podría haberse reinstalado en el público local. Y por ello cree que para brindar un arte de calidad debe día a día generar nuevas propuestas. Es que la danza no es considerada como parte importante de la cultura de nuestro país. Este es un hecho que ya está claro desde la formación de los bailarines, cuyo desarrollo está plagado de dificultades. Pero que no se viven como tales. Esa es la experiencia de Eliana. Tiene 25 años, empezó a estudiar danza a los siete años, en Salta. A los doce años se radicó en Buenos Aires, en casa de familiares.

Para ello dejó a su madre. Luego, hace ya cinco años, audicionó para ingresar al Ballet Concierto, mediante el cual tuvo la oportunidad de volver a su provincia, ya en calidad de primera bailarina. En torno a las exigencias de su vida profesional, ella es sumamente agradecida: “En mi caso, ser parte de la compañía no implica el deber de tener que salir del país, porque acá no se puede bailar, sino que tenemos la posibilidad de bailar en otros lugares y eso es lo interesante”, indicó esta joven llena de energía y entusiasmo.

EL FUTURO DE LA COMPAÑÍA La creación del Ballet Concierto aún cuando escapa a las contingencias respecto del fomento a la cultura en nuestro país, tiene mucho más que ver con la coyuntura de lo que parece. Según Urlezaga, “a mí se me dio la posibilidad de fundar esta compañía con o sin crisis de los teatros oficiales, en 1999. Aunque sí me fui del país por una necesidad de encontrar una carrera. Y acá, si no

sos reconocido, pareciera que no bailás bien”. El Ballet Concierto se solventa gracias al público, a la venta de funciones. Para ello el bailarín y coreógrafo es quien coordina el trabajo de toda la compañía hasta el punto de participar no sólo de la programación, para que sus bailarines no pierdan posibilidad alguna de bailar, sino también en los pormenores laborales. Ello, a veces, es lo más complicado. Porque Urlezaga es conciente de esto: “No tengo inconvenientes a la hora de crear, sí a la hora de poder hacer las cuentas para que esto sea redituable. Pero teniendo personas con la predisposición de manera conjunta, ese beneficio se refleja sobre el escenario”.

Y en breve algunos pudieron y podrán disfrutar de ese trabajo: en septiembre, luego de la visita a China, el ballet presentó Carmina Burana en México. El argentino Jorge Amarante estrenó una coreografía de rock para el elenco: Ópera Rock, que se presentó en la ciudad de Tigre.

En el futuro próximo, el Ballet Concierto repondrá en Estados Unidos Carmen, Don Quijote y Combate de William Dollar. Y en noviembre, vuelve La Traviata a Buenos Aires (Teatro Coliseo del 11 al 14 de noviembre, con la Orquesta Sinfónica Nacional) y a Montevideo (Teatro Solís, del 2 al 4 de diciembre, con la orquesta Filarmónica de Montevideo). Un nuevo programa podrá verse en el Teatro Coliseo de Buenos Aires los días 19 y 20 de noviembre (Piazzolla Suite, El Angel Vive, con la Camerata Porteña dirigida por Marcelo Rodríguez Scilla). Más tarde viajarán nuevamente a Europa. El Ballet Concierto de Iñaki Urlezaga, una deliciosa máquina de hacer danza. __BD

Los protagonistas sobre el final de Violeta.

Teatro Coliseo de Buenos Aires Foto . Antonio Fresco

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A fines de noviembre Piazzolla en Buenos Aires Foto . Antonio Fresco

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Actualidad

VIDEOJUEGOS Dos marcas se unieron para lanzar un nuevo video juego, Reppetto (indumentaria francesa) y Nintendo, ofrecen ser una bailarina en wii (con gráficos en 2 y 3 D) Los nuevos lanzamientos se unen a Let’s Play Ballerina que permitía aprender pasos de ballet, para una niña de 12 años y participar de pequeños juegos para ganar dinero y comprar vestidos y accesorios (para consolas Nintendo ds).

Pero los nuevos juegos, son para wii, uno con el mismo título y basado en ritmos, que permite a las jugadoras asumir el rol de bailarinas clásicas. Así deberán prepararse, maquillarse, vestirse, y asistir a una audición en un reconocido Cuerpo de Baile. Debe realizar diferentes variaciones, clases y actuaciones.

Y Diva Ballerina, también para wii, es la historia de una bailarina, que deberá realizar poses y movimientos de la danza rusa Trepak y de Giselle. __BD

EL CORSARIO A fines de mes el Ballet Estable del Teatro Colón reestrenará El Corsario con la actuación de Paloma Herrera y Marcelo Gomes, primeras figuras del American Ballet Theatre de Nueva York

Una nueva oportunidad para ver a Paloma Herrera en Buenos Aires en un ballet integral, y nada menos que en El Corsario en las funciones que se realizarán en nuestro primer coliseo el viernes 29 y el domingo 31 de octubre.

Paloma estuvo durante septiembre en el Teatro Colón, para el montaje y los ensayos de esta pieza, y en su estadía recibió del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, una medalla del Bicentenario “…a modo de agradecimiento y reconocimiento por la valiosa contribución que ha hecho a la sociedad de su tiempo”.

Además este mes, Paloma bailará nuevamente en Cuba, en el Festival Internacional de Ballet de La Habana, junto a su compañía, en un hecho de importante magnitud para la historia del ballet. El ABT no se presenta en la Isla desde hace 50 años, y esta visita se debe al particular homenaje que el mundo está realizando a Alicia Alonso. Paloma y Marcelo Gomes además de sus funciones con el ABT extenderán su estadía, a pedido de su director McKenzie, para actuar las dos Galas de Ballet en el Gran Teatro de La Habana los días 5 y 6 de noviembre.

La agenda de Herrera, continúa sin pausa, en diciembre estrenará una muy ambiciosa producción de El Cascanueces, con coreografía de Alexei Ratmansky en Nueva York con el ABT, lo que la privará de celebrar el fin de año en Buenos Aires (como es habitual en su vida). Pero por otro lado, asistirá a la cita obligada de todos los años como jurado de los Kennedy Center Honours, del 5 al 6 de diciembre en la Casa Blanca de Washington, con la presencia del presidente de Estados Unidos y su esposa, y a la gala de los premiados en el Kennedy Center Opera House.

Para el año entrante Paloma ya tiene confirmados gran parte de sus días, con el ABT realizará giras internacionales y además participará como artista invitada en cuantiosas galas. Con la compañía tienen planeadas actuaciones en Londres y Rusia, y la temporada anual de dos meses en el Metropolitan Opera House estará dedicada a los festejos de los “Veinte Años de Paloma en el ABT” un hecho sin precedentes en los 70 años de historia del elenco. Allí la argentina protagonizará el estreno de la temporada: The Bright Stream creado por Alexei Ratmansky para el Bolshoi Ballet, sobre música de Dmitri Shostakovich.

Luego, funciones en Los Angeles y California (Estados Unidos), para regresar a Japón, Beijing y Taipei (desde el 18 de julio de 2011) mantendrán a Paloma alejada de Buenos Aires hasta mediados de agosto. __BD Paloma en un ensayo Foto . Jacques Moatti

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Actualidad

DESDE LAS RAÍCES Koki & Pajarín Saavedra con su Compañía Nuevo Arte Nativo se presentan hasta el 19 de noviembre en el Teatro El Cubo, con artistas invitados A Raíz del Baile es el título de este nuevo emprendimiento, creado por los reconocidos Koki y Pajarín Saavedra. Se trata de un ciclo de danza y música folklórica, que se estrena el 22 de octubre y se presentará todos los viernes.

Es una re-creación del espectáculo que habían gestado en 2009, que tiene dos ideas fundamentales como eje: el eclecticismo y la diversidad. Los mismos artistas se expresan a través de la danza, también mediante el canto y la música en vivo, todo esto en una recorrida por diferentes ritmos musicales de nuestro país.

Como señalara Carlos Bevilacqua entonces: “Koki y Pajarín proponen un viaje imaginario por las regiones del país que más aportaron a la música folklórica. Así es como se escuchan huaynos, vidalas, chacareras, zambas y un chamamé, casi todos tocados en vivo por los mismos bailarines-músicos del elenco más la participación fundamental del guitarrista Federico Pecchia”. “Como muestra condensada de tantas capacidades, pueden por momentos generar ellos mismos la música que bailan, ya sea al zapatear con pasión un malambo o cuando golpean contra el piso las boleadoras que revolean de a dos con increíble destreza”. __BD Koki y Pajarín, nueva propuesta con invitados Foto . gentileza oficina de prensa

PREMIACIÓN El 1º de septiembre se entregaron los premios del 2º Certamen Nacional de Danza Julio Bocca organizado por el Consejo Argentino de la Danza

Ciro Mansilla, Nahuel Alejandro Vega, Julio Bocca, Camila Sosa y Agostina Moroni.

Foto . Antonio Fresco 18 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

La ronda final y entrega de premios del concurso, se realizó el 1º de septiembre en la sala Casacuberta del Teatro San Martín de Buenos Aires. Este certamen destinado a jóvenes argentinos de 15 a 18 años, residentes en el país (con inscripción y participación gratuita), tuvo a Oscar Araiz, Julio López y Gustavo Mollajoli como jurados en su primera ronda (preselección a través de videos). En las siguientes dos etapas eliminatorias, oficiaron de jurado Norma Binaghi, Luis Ortigoza, Lidia Segni y el propio Julio Bocca.

El 1º Premio correspondió a Nahuel Alejandro Vega, de 17 años, oriundo de Mar del Plata, quien se adjudicó la estatuilla (obra de Antonio Pujia), diploma y beca en el curso de verano 2011 del American Ballet Theatre (con pasajes incluidos).

El 2º Premio fue para Ciro Ernesto Mansilla, de 16 años, de Paraná: diploma, medalla y beca en el Estudio Julio Bocca.

El 3º Premio: diploma y beca de estudio, fue compartido por Camila Sosa, 16 años, San Luis (beca en el Estudio Olga Ferri) y Agostina Moroni, 17 años, Córdoba (beca en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín). __BD

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Por Laura Lifschitz

“¿Podrías probar no ser un japonés haciendo butoh si no ir más allá de eso?”

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Del 23 al 28 de agosto Katsura Kan, gran maestro de la danza butoh, visitó Buenos Aires y en diálogo exclusivo con BALLETIN DANCE, deslumbró por su brillantez para reflexionar sobre lo que considera un arte de vanguardia en este siglo XXI La razón de la estadía de Katsura Kan en la capital argentina, fue brindar un intensivo workshop para bailarines, actores y performers a la vez de una charla magistral abierta al público en general, que ofreció por invitación de la Dirección Nacional de Música y Danza de la Secretaría de Cultura de la Nación.

Barrio de Almagro. La esquina de Billinghurst y Tucumán era testigo de dos mujeres que se movían al tiempo de un pianista. Desde una mesa, un hombre saboreaba un porteño café con leche. Era de mañana y pocos en el barrio sabían que quien miraba tras los vidrios de aquel lugar era Katsura Kan, quien visitó nuestro país a fines de agosto para dictar un curso a aquellos interesados por este arte nacido en el siglo XX y que, según el maestro, nunca deberá perder su carácter de vanguardia. Sin embargo, Kan no había desembarcado desde Japón. Hace un tiempo que es un artista nómade, y actualmente transcurre su vida en los Estados Unidos, pues considera que allí hay buenos cimientos para desarrollar la danza butoh.

Katsura Kan pertenece a las primeras generaciones de este movimiento. Se formó con Tatsumi Hijikata (creador del butoh), Yukihiro Hirota, maestro de la Escuela Kong de teatro Noh, y con Ben Shuharuto, maestro de Danza Tradicional Javanesa en Jokjakarta, Indonesia. Ahora, Kan considera que el butoh en Japón se ha anquilosado y hasta es ignorado. Y más allá de la isla, la imagen que de la danza butoh se tiene parecería responder más al exotismo que a un movimiento genuino donde lo más humano del hombre debe ser conducido hasta los límites de lo inhumano y la no belleza. En eso el maestro Kan es claro y contundente.

LA HISTORIA DE LA DANZA BUTOH REVISADA Butoh es un movimiento artístico de vanguardia nacido en la Segunda Guerra Mundial. Lo interesante es que en Japón la comunidad accedió al butoh prácticamente dos décadas después, en 1976. Si bien la corriente había surgido en 1959, recién en la década de los sesenta fue conocida como arte performático, en sintonía con los aires de la época, como el grupo Fluxus, en el que artistas japoneses también participaban.

Pero el butoh siempre se enfrentó a las resistencias. Según Kan “los movimientos artísticos en cualquier caso siempre buscan por un nuevo vocabulario. Es difícil preguntarse acerca El maestro Kan en el workshop dictado en Buenos Aires Foto . Matias Kritz

El maestro Kan en el workshop dictado en Buenos Aires Foto . Matias Kritz OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 21

de si butoh es un arte o una danza. Lo principal que quiero demostrar es que butoh es un movimiento artístico, como el de la danza contemporánea. Y como cualquier otra experiencia artística, tiene sus diferentes líneas. Kazuo Ohno es como Isadora Duncan: filosofa y baila. Martha Graham ya tenía un estilo, y en ese sentido (Tatsumi) Hijikata está más cerca. Luego hubo una generación en la que estuvieron involucrados Ko Morobushi, Carlota Ikeda y Yumiko Yoshioka, que se fueron a Europa en los setentas. Después se acercó Kazuo Ohno, Sanka Yuku y una vez, Hijikata. En las décadas de los ochenta y de los noventa muchos llegaron a Japón para estudiar butoh. Los occidentales que fueron a estudiar no tienen mucha idea de lo que es butoh, aunque así lo creen: terminaron por estilizarlo y fijarlo en una estructura que poco a poco se apaga. La mayoría de esta generación en general fijó su imaginación, lo que provocó una cerrazón para el movimiento de vanguardia”.

Generalmente se ha asociado al butoh a las experiencias de Hiroshima y Nagasaki, concepto con el que Kan está en desacuerdo.

De ser así, cualquiera interesado por el butoh estaría pendiente de encontrar el horror específico de esa etapa histórica de Japón, lo cual impediría un avance del movimiento de vanguardia. Lo que sí puede decirse es que butoh expresa lo no humano que hay en cualquier experiencia histórica, y por ende, humana. “El punto de la Guerra es un punto muy importante para guardar, para tener en cuenta. Pero no hay que creer que las bombas nucleares están relacionadas con butoh. El haber enfatizado este aspecto tiene que ver con cierto documentalismo que se difundió en Austria, relacionándolo con las deformidades producto de estas bombas. Especialmente los norteamericanos se sienten íntimamente culpables, y quizá por ello resultó atractivo para los europeos dar esta mirada de butoh. Pero es muy peligroso, porque fija una mirada. Yo quiero destruir esto todo el tiempo. Porque este tipo de tragedias están pasando en todo el mundo aún hoy”.

El origen de butoh es otro. En 1959 se veía en Japón algo íntimamente relacionado con el tabú, y el sinsentido, al punto que se acercaba, para Kan, a la estupidez. Así empezó. Luego de diez años, butoh se vio influenciado por la danza contemporánea y expresionista, principalmente por Mary Wigman. A partir de allí, también se comenzó a hablar de cuerpos grotescos. “No se busca la belleza, sino estar detrás de la belleza, incluido lo bello que hay dentro de lo grotesco. Ahora bien, qué de grotesco hay en butoh y qué de grotesco hay por fuera de butoh no podemos saberlo. Es muy difícil discernir la frontera entre una performance en donde estas consideraciones pueden ser entendidas como artísticas y las que no. En tanto haya algo nuevo -que muestre algo más que el acto de existir de un movimiento del cuerpo- sí hay arte”, asegura el maestro.

UN ARTE DE VANGUARDIA ¿Cómo perseverar en hacer de butoh un movimiento de vanguardia que no pierda su dinamismo? Así lo explica Kan: “La ac22 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

titud que yo desarrollo en mi trabajo es que estoy interesado en algo, no enseño nada. Pero trato de guiar a la gente hacia movimientos que no sean humanos. En este caso, es interesante cuando esos cuerpos generan algo que no está relacionado con lo humano pero que resulta interesante en escena. En muchos casos, al no poder categorizar bajo ninguna danza occidental, quienes asisten a estos eventos dicen finalmente: “Ah, esto es butoh”. Inclusive Kazuo Ohno e Hijikata al ser preguntados dicen que no hacen butoh, no se preguntan por ello, sino que siguen el propio interés conjugado con la realidad, es algo surrealista”.

EL BUTOH FUERA DE JAPÓN Para Katsura Kan, “filosóficamente, en Japón, butoh está fijado”.

Por este motivo, él trabaja en sus obras aspectos que lo acercan a otras experiencias de vanguardia no niponas, como la obra Quad de Samuel Beckett, que está siendo presentada en los Estados Unidos junto a una serie de charlas que el maestro tiene planeadas para los próximos meses. Pues butoh no es un arte no verbalizable. Si bien su expresividad no sea la de un sistema filosófico, la articulación de un lenguaje para hablar de esta experiencia más allá de lo humano es necesaria como búsqueda de este artista.

En sus propias palabras: “Me fui de Japón porque allí no puedo sobrevivir como artista, pero además los artistas necesitamos trabajar más alrededor del mundo. Por otro lado, cuando vi butoh fuera de Japón me di cuenta de que es sólo una imitación incorrecta del cuerpo japonés. Por ello, Min Tanaka viene diciendo que butoh es sólo para un cuerpo japonés. No estoy de acuerdo con esto. Cualquier persona con un background cultural que le permita comprender la historia está disponible para trabajar con butoh. Mi propuesta es preguntar: ¿Podrías probar no ser un japonés haciendo butoh si no ir más allá de eso?”.

Respecto de su visita a la Argentina, el maestro Kan ve que “acá todos tienen mucha experiencia y vienen de distintas áreas. Es como si hubiera ido a Europa y hubiera tomado un puñado de líneas artísticas. No conozco aún otros países de Sudamérica, pero creo que puedo esperar que acá se vaya desarrollando un butoh bastante interesante. Nosotros nos enfocamos en el cuerpo y nos concentramos en la investidura del cuerpo. Quiero contribuir a la sociedad y a lo humano. No se trata de una psicoterapia. Somos lo humano, pero como proceso de la historia. Todavía no podemos categorizar en qué aspecto somos humanos”.

Para Kan, “butoh nace como invento de vanguardia. Es imposible conservarlo con el transcurso de los años. Es como una explosión que nació, pero debería seguir produciendo pequeñas detonaciones. Ese es el modo de poder seguir haciendo butoh. Mi contribución es mostrar mi butoh para unirme a otros intentos, por eso estoy trabajando con la obra de Samuel Beckett y la tragedia de Edipo. Es parte de la búsqueda de un nuevo estilo en la historia del teatro y de la danza. Al mismo tiempo quiero compartir mi espíritu con las nuevas generaciones para que vayan más allá de mí”. __BD

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Gitano del Baile Por Mariana Fernández Camacho

Amaro en clase de jazz en Buenos Aires Foto . gentileza de Dance, Art & Movement

Invitado por la profesora Silvia Briem Stamm, el mutifacético artista norteamericano Richard Amaro pasó cuatro días en Buenos Aires y dictó clases de jazz en un estudio de Vicente López

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A los dieciséis años Richard Amaro era campeón nacional de Judo y tomaba clases de actuación en una escuela de Miami, la ciudad donde se crió. Para cuando cumplió 23 ya entrenaba bailarines, alquilaba teatros, montaba escenarios y aparecía en la televisión japonesa como un gran maestro y coreógrafo norteamericano. En el medio, una audición en la compañía Alvin Ailey cambió sus planes: “Estaba estudiando para ser actor y mi maestro me mandó a baile como complemento. Empecé a estudiar clásico, jazz y varias técnicas de ballet moderno. Después fui a la Universidad de Nueva York a audicionar como actor, pero me dieron una beca completa como bailarín. Probé suerte en Alvin Ailey y también me becaron. Nunca había bailado y empecé en Nueva York”, recuerda el multifacético artista durante su corta estadía en nuestro país.

Invitado por la profesora Silvia Briem Stamm, Amaro dictó clases de jazz en el espacio “Dance, Art & Movement”, en el marco de un intercambio cultural que también lo llevó a Brasil: “Siempre quise venir a la Argentina y estoy encantado de estar aquí. Lo que enseño es que con una base fuerte de varias técnicas y aprendiendo diferentes estilos, se puede trabajar por muchos años como bailarín. Porque todos los trabajos se acaban y lo mejor es estar preparado para lo que viene. Yo aprendí de todo y ya llevo 33 años bailando, actuando y cantando. Esas son las experiencias que les paso a mis alumnos y que a mí me han enseñado los grandes maestros y coreógrafos”.

Es que Amaro tiene una larga experiencia en esto de codearse con los grandes: trabajó con Jerome Robbins en Broadway, con Prince y Tina Turner, lo eligieron entre seiscientas personas para bailar con Michael Jackson en el décimo aniversario de MTV, interpretó a Bernardo en una gira de West Side Story por Europa, fue partner de Chita Rivero y el coreógrafo de varios comerciales que dirigió Bruce Weber. “Es difícil decir con quién me gustó más trabajar.

Son una base fuerte de varias técnicas y aprendiendo diferentes estilos, se puede trabajar por muchos años como bailarín Foto . gentileza de Dance, Art & Movement

Cada artista tiene su característica y es importante. Además, es totalmente diferente trabajar en el teatro, hacer baile concierto o pop. Pero si tuviera que elegir diría que bailar con Michael fue lo máximo. Era un genio. Él hacía todo: los ritmos, todas las canciones, los vocales de atrás, de adelante. Nadie fue igual. Y el público lo adoraba. Era increíble estar a su lado y sentir esa ola de energía”, confiesa bajito para no herir susceptibilidades.

Entre el escenario y la pantalla, también es clara su preferencia: “Me gustan las dos experiencias, pero prefiero el vivo, porque te emociona y sabés si al público le gusta o no lo que estás haciendo. Las películas o los comerciales a veces salen dos años después, cuando ya estás en otra vida -explica Amaro en un perfecto castellano que heredó de su padre cubano y de sus abuelos venezolanos y costarricenses-. Lo que más me gusta cuando estoy en el escenario es pensar en que el público se olvidó de todos sus dolores, y que durante esas dos horas cambió su vida. Es como sanar a una persona”.

Coreógrafo, director y bailarín. Los tres roles le traen satisfacciones y lo llenan de orgullo. Para Richard Amaro es como tener

varios sombreros que cambia según la ocasión: “Cuando entro en algún espectáculo como bailarín es más fácil, porque sólo tengo que pensar en mí y en hacer lo mejor que pueda para el público, para mi pareja de baile y para la obra. Pero cuando soy el director y coreógrafo me gusta ver cómo otras personas interpretan mis pasos. Disfruto de hacer todo”.

De hecho, en Latin Rhythms Amaro es todos en uno -”En ese show bailo, dirijo, soy coreógrafo y productor asociado”-, y la mañana siguiente a la entrevista con BALLETIN DANCE volvía a los Estados Unidos donde lo esperaban varias reuniones con productores interesados en el éxito de su espectáculo. También lo tienta la idea de repetir en diciembre el musical Babalu en Miami, en Broadway y en Las Vegas. Además de sus clases como profesor de jazz en la escuela del Miami City Ballet.

Y así sigue, valija en mano, la vida de Richard Amaro. Un gitano del baile. __BD

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NUEVO DIRECTOR DEL BALLET DEL SUR El Ballet del Sur de Bahía Blanca, tiene flamante responsable. Se trata de Ricardo Alfonso

Ricardo Alfonso, es egresado de la Escuela Nacional de Danza de Montevideo (Uruguay), donde integró el cuerpo de baile del Ballet del Sodre desde 1986, al mismo tiempo que inicia su trabajo como coreógrafo y repositor en Santa Fe. Desde 1992 ha montado espectáculos propios para el Sodre, para el Ballet Hoy de Uruguay y en Argentina para el Ballet de Cámara de Santa Fe, compañía El Saquito de Douglas y Ballet del Sur de Bahía Blanca.

Como versionista ha creado sus particulares puestas para Don Quijote y La Fille Mal Gardée, y como repositor Gayané y La Bayadera (acto de las Sombras), entre otras.

Con la compañía bonaerense, el coreógrafo ha trabajado como maestro (1997) y como jurado en la selección de bailarines (1999), y este año repuso sus Opus 64 y La Fille Mal Gardée. __BD

CÓRDOBA

Opus 64 por el Ballet del Sur Foto . gentileza del elenco

Provincias

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Entre los días 7 y 10 de octubre se presentó Pulcinella, con coreografía de Alejandro Cervera, en el Teatro del Libertador San Martín El Amor Brujo a principios de mes en Córdoba Foto . Susana Pérez

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Este estreno del ballet creado por Alejandro Cervera, con música de Igor Stravinski, contó con la actuación del Ballet Oficial de la Provincia que dirige Adriana Fasolis, la Orquesta Sinfónica de Córdoba, los cantantes solistas María Gosso, Mauro Di Bert y Federico Finocchiaro, y con diseño de luces del propio Cervera y vestuario de Pilar Beamonte.

Completó el programa la reposición de El Amor Brujo, música de Manuel de Falla y coreografía de Oscar Araiz, con reposición de Paulina Antacli. __BD

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Ciclo No Convencional Por Juliana Lizardo Villafañe La compañía de danza El Portón organiza la cuarta edición del ciclo Solos no Convencionales los días 6 y 7 de noviembre en el centro cultural Séptimo Fuego de Mar del Plata (Bolívar 3675)

Una presentación en el hall Foto . Agustina Villalba

Se trata de una propuesta distinta que tiene como objetivo “generar un ámbito para darle lugar a todos los coreógrafos y directores de la ciudad donde puedan indagar sobre la composición”, explicó Roxana Doglio, coreógrafa y directora de El Portón, en entrevista con BALLETIN DANCE. Los dos ejes fundamentales del ciclo son el espacio no convencional y el solo, que deberá surgir de ese lugar provocando una intervención creativa desde la imagen, el texto o el movimiento.

“La elección de un ámbito es el disparador de los trabajos y la idea es que desde allí surja la puesta en escena, no que sea una adaptación” aclaró Doglio.

El proyecto, al apuntar a la investigación coreográfica y a la integración de disciplinas, abre sus puertas a diversos lenguajes artísticos que incluyen a bailarines de danza contemporánea, clá28 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

sico y folklore, músicos, artistas plásticos y a todos aquellos que crean posible construir una obra dentro de una esfera inusual.

No sólo es una invitación interesante para los realizadores, sino que también es muy llamativa para el público que descubre una nueva forma de apreciar el arte. Durante la muestra un integrante del grupo anfitrión acompañará a los asistentes -como en una visita guiada- por las habitaciones y recovecos del Séptimo Fuego.

En el transcurso del paseo los espectadores se encontrarán con creativas puestas en escena plasmadas en rincones poco comunes (escaleras, pasillos, baños, gradas de una sala o biblioteca).

Los artistas en acción serán aquellos que fueron seleccionados de una convocatoria, por el jurado conformado por Paola Belfiore (coreógrafa y directora de teatro), Jorge Taglioni (actor y director teatral), Sonia Basualdo (artista plástica) y la propia Doglio.__BD

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El manual más completo de danza clásica, escrito hasta el momento!!!

Todos los pasos del ballet clásico, explicados detalladamente, con numerosas ilustraciones 400 PÁGINAS En venta en librerías de todo el país y en la Tienda Balletin Dance www.balletindance.com.ar Tel: 4331-0400

Tratado de danza Clásica basada en la Metodología de Elongación por Alfredo Gurquel 30 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

-performance 4 performances + 4 artistas + 4 salas Registro, un censo bicentenario por Oria Puppo y Espina No peito por Mariana Obersztern (20 hs). Puré de tomate por Mauro Guzmán y Toda esta gente: una conferencia por Agustina Muñoz (21:30 hs). Sábados. Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

-teatro Bestia de bestias

-musical Chicago

Coreografía: Luciano Rosso. Dramaturgia y dirección: Gustavo Lista. Interpretación: Sebastián Iglesias. Jueves 21 hs.

Teatro Anfitrión (Venezuela 3340, Tel: 4931-2124).

Foto . Bauty Torres

Coreografía: Bob Fosse. Coreógrafo repositor: Gary Chryst. Dirección musical: Gerardo Gardelín. Director residente: Gustavo Wons. Intérpretes: Natalia Cocciufo, Melania Lenoir, Martín Ruiz y elenco. Desde noviembre. Teatro Lola Membrives (Av. Corrientes 1280, Tel 4381-0076).

-teatro Cada una de las cosas iguales

-tango ConCiertoTango

-folklore A raíz del baile Koki y Pajarín Saavedra y Compañía Nuevo Arte Nativo. Viernes 22.30 hs (del 22 de octubre al 19 de noviembre).

El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568)

-flamenco fusión Arraigo Sibila y Ballet Al-Ándalus. Sábados 20:30 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Cartelera

De Laura Shaine Cunningham. Coreografía: Roberto Giovanetti. Dirección: Tatiana Santana. Intèrpretes: Paula Ettedgui, Soledad Rodríguez, Rosario Albornoz, Catalina Lescano, Luciana Procaccini y Lucila Kairuz. Viernes 20:30 hs. Andamio 90 (Paraná 660, Tel: 4373-5670).

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-teatro Adorables criaturas

De Alberto Ajaka. Asesoramiento en movimiento: Luciana Acuña. Lunes 21 hs, viernes 22 hs. Sala Escalada (R. de E. de San Martín 332, Tel: 4856-0277).

-performance Cuerpo y ciudad Intervenciones urbanas, videoinstalaciones, proyecciones, charlas y performances. Curaduría y dirección general: Adriana Barenstein. Intervienen: Néstor Tirri, Matxalen Bilbao, Pilar de Andrés, Leire Ituarte, Sergio Pletikosic, Juan Pablo Amato, Inés Armas, La Voraz y otros. Del 12 de octubre al 7 de noviembre. Espacio Itaú Cultural, Centros Culturales Rojas, Borges y estaciones de Subte.

Bailarines: Alicia Orlando & Claudio Barneix. Lunes 4 y 25, y todos los sábados, 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

-tango ¡Despierta Buenos Aires!

Coreografía: Ignacio Gonzalez Cano. Música: Orquesta Deatropellada.

Domingos 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

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Formosa de Punta a Punta Por Juan Cruz Guillén

Carlos César Ramírez, director del Ballet Folklórico de la provincia de Formosa, relata en este encuentro las características propias de la danza formoseña

En el extremo norte de la República Argentina, lindera a Paraguay, se encuentra la provincia de Formosa, una de las pocas que tiene dos folklores muy diferentes entre el este y el oeste, como así también sus acompañamientos musicales. En el primero totalmente litoraleño, las chacareras y zambas son los ritmos fundamentales, y también tiene toda la influencia de la música paraguaya con vestimenta propia y bien definida. Mientras que en el oeste puede observarse la influencia del Chaco salteño cuyo vestuario es: botas, bombacha, corralera y sombrero, totalmente distinto al antes mencionado.

Varias agrupaciones existen en Formosa de entre los que sobresalen aquellos con mayor alcance nacional como Patria y Tradición de las Lomitas y Estampas Gauchas del Pilcomayo de Clorinda.

El Ballet Folklórico de la provincia de Formosa inició su actividad oficial el 28 de junio de 2005, “en lo que significó la concreción de una larga aspiración de quienes cultivamos las danzas folklóricas, que encontró en nuestras autoridades la posibilidad de viabilizar este antiguo sueño”, señaló Carlos César Ramírez. El Subsecretario de Cultura, Fredy Jara, apoya permanentemente a las distintas expresiones culturales formoseñas.

Luego de una amplia convocatoria en toda la provincia, se seleccionaron sus actuales treinta integrantes, que ensayan cuatro veces a la semana “en el local del Anfiteatro de la juventud o eventualmente en las instalaciones del Centro Polivalente de Artes”. La preparación puede disfrutarse en sus cuantiosas actuaciones mensuales, “efectuamos entre cinco a seis presentaciones en festivales y actos patrióticos, tanto en la capital como en el interior. También representamos a nuestra provincia oficialmente en otras y fuera del país”, aseguró el director.

Si bien los integrantes al momento solamente reciben una pequeña ayuda económica para cubrir gastos de transporte, cuentan con un servicio de emergencia médica para casos de accidentes y el Estado “provee el vestuario en su totalidad, que luego 32 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

pasa a ser propiedad del ballet. Es mi deseo que en corto tiempo los bailarines tengan una estructura y sean remunerados de manera que les permita vivir de esta actividad”.

La mayoría de la presentaciones se centran en cuadros costumbristas, y en lo que va desde su creación han creado diez propuestas. Entre sus mayores logros se cuenta el haber bailado este año en el escenario Mayor de Cosquín. “Cuando fuimos convocados para representar a nuestra provincia en el Festival Nacional del Folklore Cosquín de Oro, lo tomamos con gran emoción y responsabilidad. Luego de ensayar durante casi dos meses con 55 bailarines, de los cuales la mayoría ya había pisado el escenario mayor en delegaciones al Pre-Cosquín, pero esa noche fue tanta la emoción que finalizado muchos se desmayaron y llorando expresaban haber cumplido con éxito un largo sueño”, recordó sin exagerar el maestro formoseño.

Estilo propio “Contamos con dos jóvenes coreógrafos que marcan el estilo y que le dan la característica al conjunto, los que propio de su juventud, insertan movimientos contemporáneos, pero cuidando la raíz sobre todas las cosas” explicó Martínez quien continuó: “Nuestros referentes como bailarines son El Chúcaro, Carlos Tapia, Juan Saavedra y Carlos Passarelli de Formosa”.

Al Este y al Oeste Tenemos un estilo propio que resalta lo formoseño y lo regional, cubriendo las distintas características de la danza de la provincia.

La región del este con su influencia guaranítica y gran colorido, destacándose la mujer por su belleza y simpatía, y al oeste con la influencia salteña y la guapeza, del sufrido hombre de a caballo.

Los directivos del Ballet estamos comprometidos con los jóvenes y es por eso que tratamos de que los integrantes sean buenos bailarines, pero nuestro deseo es que también sean buenas personas, buenos formoseños y buenos argentinos. __BD

Integrantes del ballet folkl贸rico de la provincia de Formosa Foto . Gentileza del elenco

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Ellas, Mayores que Ellos Por Carlos Bevilacqua

Las parejas consagradas en el reciente Campeonato Mundial tienen un rasgo en común: las damas superan ampliamente a los varones en edad. En la categoría Escenario se consagró la fórmula argentino-japonesa creada por una compañía Por más que se repita año a año desde 2002, el Campeonato Mundial de Tango no deja de ser un evento curioso. Con mucho de juego, algo de mega-espectáculo y una gran cantidad de estilos en pugna, atrae la atención del mundillo tanguero durante los nueve días de su desarrollo. Más allá de la dudosa compatibilidad entre danza y competencia, resulta difícil coincidir al evaluar el desempeño de cada pareja. Abundan los puntos de vista, los gustos, las variables a considerar y, claro, los debates apasionados.

Como cada año desde 2003, la competencia organizada por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires se dividió en dos categorías: Salón y Escenario. La primera, definida por los usos propios de las milongas. La segunda, abierta a todo recurso capaz de seducir al espectador. Las finales de ambas modalidades se celebraron los días 30 y 31 de agosto, respectivamente, ante una multitud que cubrió el ochenta por ciento del estadio Luna Park.

ARRABALEROS En la final de Tango Salón se impusieron Sebastián Jiménez (18) e Inés Bogado (29), quienes brillaron entre las cuarenta parejas participantes a través de un baile elegante, muy musical y rico en matices. Él, oriundo de Rafael Castillo (partido bonaerense de La Matanza), empezó a bailar tras quedar fascinado con una mues-

tra escolar de tango que vio mientras cursaba quinto grado de la escuela primaria. Ella también se interesó por el tango luego de verlo por primera vez en vivo, pero ya de adolescente y en Ezeiza (otro punto del conurbano). Sus caminos se cruzaron hace dos años en el club Sunderland, de Villa Urquiza, durante una clase de Carlos Pérez y Rosa Forte. Al poco tiempo, decidieron empezar a prepararse para el Mundial “tomando muchas clases privadas y practicando a más no poder”, según contaron en una rueda de prensa posterior a la coronación.

El segundo puesto fue para los rosarinos Diego Pérez y Soledad Cantarini (quienes ya habían salido terceros en 2006) y el tercero para la pareja binacional Cristian López y Naoko Tzutzumizaki (una fórmula de argentino y japonesa que daría que hablar al día siguiente). Como en las finales de Salón de los últimos dos años, el jurado estuvo ubicado a unos cuarenta metros de la pista, una distancia excesiva para poder apreciar las sutilezas del tango de salón, particularmente tratándose de grupos de diez parejas que van desplazándose (y por lo tanto, quedando tapadas unas por otras) a medida que fluye la música durante nueve minutos. Este año, los jueces encargados de calificar fueron Eduardo Arquimbau, Ana María Schapira, Julio Dupláa, Eduardo Masci, Pablo Inza, Julio Balmaceda y Javier Rodríguez.

Sobre el final de la noche, las parejas campeonas de otros años confluyeron sobre el escenario para ejecutar una puesta de la coreógrafa y crítica Laura Falcoff. En la línea de Anoche (la obra que Falcoff dirigió durante varios años con su hija Camila Villamil), la llamada Cumbre de los Campeones tuvo la particularidad de imprimir visos teatrales al tango de salón.

UNA IDEA EXITOSA La final de Tango Escenario implicó la consagración de una fórmula que viene observándose cada vez con mayor frecuencia en las últimas instancias del Mundial de Tango: un argentino con una japonesa. Esa combinación empezó a ser inducida por nuestro compatriota José María Luna, bailarín que en 2001, tras ejercer una intensa labor docente en Zárate y su zona de influencia, se radicó en Japón junto a su compañera Laura Mangione. Allá montó la compañía Luna de Tango, dedicada a la enseñanza y la producción de shows, milongas y... parejas profesionales. Ejemplo: Diego Ortega es un bailarín de apenas 21 años que luego de formarse en la localidad bonaerense Kuwamoto y Ortega, campeones de Escenario, tras recibir el trofeo Foto . Gentileza Gobierno de la Ciudad

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Bogado y Jiménez, los campeones de Salón, oriundos del conurbano Foto . Gentileza Gobierno de la Ciudad

de Colón con Zulma y Roberto Aguirre, fue invitado por Luna hace dos años a radicarse en Tokio para trabajar con Chizuko Kuwamoto, una japonesa que si bien no quiso revelar su edad, doblaría la de su compañero, según trascendió. Tras meses de intensa preparación, fueron coronados como los nuevos campeones mundiales de tango escenario.

Ortega y Kuwamoto constituyeron una de las mejores parejas de la final, al seguir con gran técnica y algunas formas muy originales los compases de El Marne en versión de Forever Tango. Pero es discutible que hayan sido superiores a los porteños Cristian Correa y Manuela Rossi (segundos, tras mostrarse armónicos en una performance con algo de teatral), o a Cristian López y Naoko Tzutzumizaki (otra pareja binacional que quedó tercera luego de ejecutar con precisión una coreografía de estética bien tradicional). Otros binomios de méritos sobresalientes fueron Alejandro Berón-Aldana Silveyra (originales intérpretes de una insólita versión de Los Mareados por Roberto Goyeneche, como representantes de Monte Grande) y Diego Benavídez HernándezNatasha Agudelo Arboleda (colombianos de figuras clásicas pero muy bien ejecutadas, con una energía contagiosa).

Esta vez, los ejes de las polémicas fueron Juan Carlos Copes, Claudio Segovia, Melina Brufman, Miguel Ángel Zotto, Gustavo Russo, Alejandro Cervera y Guillermina Quiroga, integrantes del jurado.

Durante la espera del fallo, un homenaje a María Nieves llenó el ambiente de emoción. En brazos de “Pancho” Martínez Pey, la mítica bailarina se explayó en una fabulosa exhibición con un despliegue físico propio de una piba. Antes había aparecido por las pantallas de video en una filmación de 1987, primero bailando con su compañero más famoso, Juan Carlos Copes, y luego pronunciando un breve discurso que terminaba así: “Yo nací para bailar tango y voy a morir con el tango”. Los seis mil espectadores la aplaudieron de pie durante casi un minuto.

La noche había arrancado con dos cuadros de la obra Cabalgata de Oscar Araiz, interpretados por miembros del Ballet de la Universidad Nacional de San Martín. Uno de ellos en clave cómica; el otro, en amalgama con la danza contemporánea.

Las dos parejas campeonas se alzaron con un premio de $ 20.000 cada una. La ganadora en Salón recibirá además dos pasajes a Madrid y la ganadora en Escenario un contrato para actuar durante un mes en escenarios japoneses. También habría que consignar el enorme reconocimiento simbólico que habitualmente se traduce en una multiplicación exponencial de las oportunidades de trabajo. __BD

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Por Carlos Bevilacqua

Con los Duendes del Gran Poeta

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Inaugurado hace 10 años, el restaurant-concert Esquina Homero Manzi alberga un espectáculo dirigido por “Gachi” Fernández que logra satisfacer los paladares de argentinos y extranjeros

Para el tango, la de San Juan y Boedo es una intersección paradigmática. Inmortalizada por Homero Manzi en los versos de Sur, hoy es el epicentro comercial de un barrio con mucha tradición artística. En la esquina noroeste funcionó durante décadas un bar histórico que, tras años de ostensible abandono, debió cerrar sus puertas a fines de los ‘90. Una iniciativa privada permitió recuperar ese espacio luego de una extensa remodelación y ampliación del predio sumando al original otros dos vecinos. Hoy el enorme salón que los transeúntes pueden vislumbrar desde la calle a través de grandes ventanales, luce un hermoso piso de mosaico en damero negro y blanco, una pared decorada con fotos enmarcadas de celebridades tangueras (algunas de las cuales también aparecen retratadas por el dibujante Hermenegildo Sábat en una saga imperdible), arañas de modelo antiguo, mesas y sillas del típico cafetín porteño y una extensa barra profusa en revestimientos de madera, mármol y llamativas chopperas de bronce.

En ese ambiente cargado de mística (tanto histórica como inducida), se desarrolla las 365 noches del año un espectáculo de tango que abarca expresiones de danza, música en vivo y canto, a la manera de tantos otros musicales basados en un género típico. Pero, a diferencia de tantos otros, el del restaurant Esquina Homero Manzi revela en sus contenidos cierta libertad creativa como para satisfacer las expectativas de los extranjeros (o lo que los empresarios turísticos pre-suponen que ellos esperan), sin dejar de ser interesante para los argentinos, por lo general más versados en la materia.

A lo largo de 90 minutos, un quinteto de solventes músicos anima las acciones de tres parejas de bailarines, la noche de nuestra visita compuestas por Florencia Roldán y Juan Malizia, Ángeles González y Carlos Kerr, y Cristian Miño y “Gachi” Fernández. El elenco rotativo para cubrir tantas fechas se completa con Sabrina Massó y Roberto Leiva y una pareja digna de atención: la de los talentosos Claudio González y Melina Brufman.

Todos ellos son los protagonistas principales de cuadros grupales y solistas en los que despliegan un baile de escenario sobrio, que sólo en algunos finales o variaciones del bandoneón se eleva en los cuerpos de las mujeres. Cumplen con coreografías frescas, proclives a la circularidad e hilvanadas de tal manera que fluyen sin cortes bruscos ni transiciones demasiado evidentes. Mucho tiene que ver con esas sensaciones la interpretación impresa por los bailarines a los pasos previamente estipulados. Y acaso también el vestuario, sensual y llamativo a la usanza de los shows de tango, pero también original en muchos de los cortes femeninos.

El espectáculo está compuesto además por cuadros cantados, a cargo de Claudio Garcés y Karina Rivera (la noche de la cobertura) y de Carlos Rossi y Noelia Moncada. Son esos los segmentos más previsibles, tanto por repertorio (con las “inevitables” obras de Manzi Sur, Malena y Romance de Barrio, entre otras) como por el estilo exacerbadamente dramático de los vocalistas. Aunque abordando otro clásico, Garcés sorprende gratamente en un pasaje acompañándose a sí mismo al piano en una barroca versión de Volver.

El otro formato utilizado en la puesta es el de la música meramente instrumental, una faz aparentemente secundaria, pero que en este caso transmite mucha energía, además de revelar la capacidad de los músicos. De hecho, a poco de andar entregan un rosario de juegos rítmicos al abordar A Fuego Lento de Horacio Salgán. Una actitud de búsqueda que tendría nuevas manifestaciones en Gachuno (tema escrito por el director musical del show, Julián Hermida) y en Último Tango en Buenos Aires (obra poco conocida del recientemente fallecido Rubén Juárez). Las ideas son llevadas a la práctica por el propio Hermida en guitarra, Adrián Fanelo en contrabajo, Clemente Carrascal en bandoneón, Juan Pablo Gallardo en piano y Paloma Bicca (reemplazante ocasional de Myrian Gandarillas) en violín.

Además de una de las intérpretes, María Martha “Gachi” Fernández es la ideóloga, coreógrafa y directora general del espectáculo reseñado. En diálogo con BALLETIN DANCE se mostró satisfecha al trazar un balance de los siete años que lleva al frente de un emprendimiento tan demandante como el de un espectáculo diario que no admite feriados. “Valoro mucho la posibilidad de trabajar en un lugar tan lindo como este, con la gente que yo elijo y con la posibilidad de incluir temas desconocidos para los turistas, como por ejemplo Morena (N. de la R.: la milonga de Esteban Morgado). Con las coreografías también me muevo sin limitaciones. Hay determinados requisitos a cumplir, pero que no me impiden dar cauce a la creatividad en muchos pasajes”, contó.

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“Gachi” Fernandez (en la pareja del centro), protagonista y directora del show Foto . Rocío Fernández Madero

Como servicio complementario y opcional para los comensales de cada noche, la casa ofrece una clase de baile para principiantes, con dos horarios, a las 19 y a las 20. La imparten la propia Fernández (o alguno de los bailarines de su elenco) en una especie de gran balcón del predio.

Por otro lado, los viernes y sábados el devenir tanguero se prolonga en sendas trasnoches de música en vivo, una modalidad menos pretenciosa en cuanto a despliegue escénico pero que suele ganar en cuanto a conexión con el público.

Se trata de una idea de “Gachi”, concretada por primera vez a principios del año pasado y que en sus primeros meses logró programar a artistas de la talla de Alberto Podestá, Nelly Omar, Roxana Fontán, María Graña, Guillermo Fernández y el Quinteto Real, entre otros.

Si bien la cena-show tiene precios improbables para el argentino medio, existe una promoción de “copa + show” que los hace más accesibles. Las trasnoches, en tanto, se ofrecen a tarifas definitivamente atractivas.

Al cierre de esta edición, Esquina Homero Manzi estaba a punto de festejar su 10° aniversario. Lo cual bien puede verse como una buena noticia para el tango, para el patrimonio edilicio del barrio y para la rueda económica que alimentan los artistas. __BD

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Historias Cruzadas Por Eliana Gissara Shayma y Shahdana son dos nuevos talentos que triunfan en el exterior. Ambas lograron abrirse camino a fuerza de perseverancia, talento y, por qué no, una pizca de audacia. La primera, cumpliendo su sueño de vivir y bailar en Medio Oriente desde hace más de dos años, la segunda, imponiendo un estilo propio dentro de la danza, que la llevó a embarcarse nuevamente en una gira internacional por Asia Apenas siendo una niña, Shayma decidió que su vida estaría ligada a la danza árabe. Con solo 13 años debutó en el escenario del restaurant Fairuz, homónimo de su maestra y referente, y durante cinco años se dio el gusto de bailar con músicos en vivo y aprender en base a la experiencia frente al público. Todavía menor de edad, estaba por llegar la audición que la llevaría a viajar por el mundo árabe.

Todo es distinto en la historia de Shahdana. Concertista de piano, inició su aprendizaje “de grande”, como suele decirse coloquialmente, de la mano Amir Thaleb. Su disciplina en las clases fue aquello que la atrajo, y habiendo recibido su diploma de profesora, decidió explorar otros estilos junto a Saida. Un nuevo egreso en el 2006, y luego la función en el Paseo La Plaza que torcería su destino. Dos coreografías, dos apuestas, dos nuevas ideas: el Tap-Derbake y el tango Invierno Porteño, de Astor Piazzolla.

LA VIDA EN MEDIO ORIENTE De vacaciones en Buenos Aires, Shayma dialogó con BALLETIN DANCE sobre su actividad como bailarina en Medio Oriente. ¿Cómo se vive? ¿Cómo se baila a 12.000 kilómetros de distancia?

“Logré mimetizarme tanto con la cultura local que algunos no me creen que soy argentina”, explica entre risas. Shayma llegó al Líbano a través de un casting organizado por el músico Osvaldo Brandán, a través del cual se solicitaban bailarinas para realizar presentaciones en shows, hoteles y restaurantes de varios países de la región… por el término de tres años. El tiempo no amedrentó las ganas de la joven bailarina, quien, ni bien cumplida la mayoría de edad, se subió sin pensarlo al avión. Sólo ella.

Si bien transcurre la mayor parte de su tiempo en El Líbano, el trabajo incluye giras por los Emiratos Árabes, Yemen, y Dubai, entre otros destinos exóticos. “Estoy dos o tres meses en cada hotel, acompañada por la orquesta del lugar y un cantante. Los shows son diarios, he llegado a hacer tres presentaciones por día”, comenta. El show difiere enormemente del que se realiza en Argentina. De acuerdo a lo que cuenta Shayma, consiste en una presentación, un tema de compositor clásico, y un saidi con bastón sobre la base musical de un dabke -tema que se utiliza para bailar entre las mesas y animar al público-. “Luego viene el halishi, pero muy distinto al estilo occidental. En los países del Golfo Pérsico esta danza tiene otra cadencia, otros pasos, la música es 38 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Shahdana también cumplió con el sueño de abrir su escuela propia este año Fotos . Javier Fuentes y Nicolás Fernández

más rítmica, y el movimiento típico de cabeza no se hace de forma lateral sino hacia adelante. Después viene un tema lento que puede ser con elementos, bien típico de las bailarinas extranjeras, el taxim con baladi, y finalmente el solo de derbake. En total es más o menos una hora”.

En cuanto al público, Shayma reconoce que suelen ser expertos en materia musical. “Allá van a escuchar música más que a ver el show. La mayoría de las personas pertenecen al turismo local o son habitués del restaurant, es una forma más de entretenimiento. La propina a la bailarina, tal como la conocemos acá, está prohibida. Dependiendo el país se le entrega el dinero al mozo, ofrecen una comisión por la bebida o simplemente tiran el dinero al aire y después el encargado del local lo junta”.

Con apenas 21 años, Shayma decidió continuar su carrera en Medio Oriente Foto . Nicolás Mango

A pesar de vivir bajo otras reglas sociales, las diferencias no son un problema para la bailarina, que desde muy joven estuvo ligada a las colectividades que visitan los restaurantes locales. “Me adapté bien a la cultura. Por sus formas me doy cuenta si estoy ante un cristiano o un musulmán. El cristiano suele ser más liberal, en cambio el musulmán aplaude el show y nada más; hasta es capaz de ni mirarte por respeto a la esposa que está presente.

Pero depende mucho del estilo que le imprime cada bailarina. Lo mío es entretenimiento, gracia y expresión”.

DESAFIANDO LA ORTODOXIA Recién llegada de una gira internacional por las ciudades de Jinju, Andong, Busan y Seul -Corea-, y Tokio, Osaka y Fukuoka -Japón-, Shahdana todavía recuerda aquella noche sesgada de emoción que dio origen a una danza muy particular: “Estaba en mi casa, algo deprimida, y me puse a escuchar música de Piazzolla. En un momento suena el tango Invierno Porteño interpretado por la Camerata Porteña, en una versión bien melódica. Sin más empecé a bailar, a combinar movimientos, y terminé llorando.

Enseguida pensé, si yo me genero esto a mí misma puedo también expresarlo al público. Como toda novedad implicaba un riesgo, pero yo lo sentía tanto que tenía que hacerlo”.

Y así, con la carga emocional de quien apuesta a más, llevó su idea al tradicional Ciclo de Música que Mario Kirlis produce en el Paseo La Plaza. BALLETIN DANCE fue testigo de esa función, en la que el público aceptó sin mediar la propuesta de Shahdana. No sólo eso, sino que también presentó un número de Tap-Derbake

en colaboración con los Gemelos Lombard, quienes ejecutaban la base percutiva con su zapateo. ¿El resultado? La coreografía fue tan aclamada que debió ser repetida en los bises.

A partir de ese momento comenzaron a abrirse las puertas para Shahdana, quien siguió incursionando en la variante del tango.

“Una de las coreografías que más llamó la atención fue sobre el tema Zita, con velos atados en el cuello. Hoy veo a través de Youtube que mucha gente lo baila en un certamen o show. Siempre quiero dejar en claro que mi intención no es hacer una fusión tango-árabe porque yo no bailo tango. Mi herramienta de danza es el árabe y expreso la música de Astor Piazzolla con el árabe.

Bailo y me expreso con los pasos que me salen, y hasta a veces ni yo los entiendo”, explica la tenaz bailarina, que hoy está cumpliendo con todos los objetivos que se propuso y más.

“Todo esto que me está pasando en mucho más de lo que aspiraba. Por eso trato de generar cosas nuevas, aprendiendo, probando y ensayando para desarrollar una estética propia”.

Es así como en el año 2009 Shahdana viajó a Corea a brindar clases y seminarios por dos meses, y Oriente se vio atraído por este estilo atractivo y cargado de emociones. En octubre volvió a emprender viaje, esta vez a Singapur, y en julio de 2010 visitó nuevamente Corea y sumó a Japón a la lista. “La gente se entusiasma con el tango oriental. En los seminarios dedico parte del tiempo a hablar sobre Piazzolla, su vida, su música, su lucha.

Personalmente me identifico mucho con su perseverancia, el intentar y ponerse metas; siento que hoy debo trasladar esa idea a otras personas”. __BD OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 39

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Actualidad Contemporánea Por Román Ghilotti

Dentro del marco del Festival Internacional de Danza Independiente Cocoa 2010 se estrenaron sendas piezas de Mariela Ruggeri y Marisa Quintela

Maresia de Ruggeri, en el Teatro del Pueblo, y Sole. No.ID (3D) de Quintela, en el Teatro del Sur, dos muestras del ámbito actual de la danza en la ciudad.

Maresia, dúo interpretado por la coreógrafa junto a Matías Etcheverry, transitó un discurso relativo a la presencia y el espacio.

Ambos intérpretes, caminando la escena, lado a lado las más de las veces, cambiando conjuntamente frentes y direcciones, se detenían en lugares donde desarrollaban breves secuencias o, apenas variaciones de formas. Apelando a tratos visuales y de contacto corporal lo más destacable resultó el modo en que oscilaban los encuentros o las separaciones, entre esfuerzos netos y directos y roces o insinuaciones de relación. Los bailarines pasaban de francos intercambios a solitarios tránsitos dando aire a una ambigüedad en sus relaciones: bien podía entendérselas como destinos comMarisa Quintela y Jesica Josiowicz en Sole.No.ID (3D) Foto . gentileza Cocoa 2010

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Etcheverry y Ruggeri lado a lado en Maresia Foto . gentileza Cocoa 2010

partidos, asimilables uno a otro, como bien podía verse en sus devaneos de formas y direcciones como ruptura o fragmentación recíprocamente construida, tanto en las acciones netas como en lo sugerido. Dicha sugestión estaba reforzada por imágenes de ellos mismo que se proyectaban por detrás de los intérpretes: estados y modulaciones de afectos que se dejaban apreciar y redefinían las acciones que ocurrían en la escena.

Sole. No.ID (3D), título que permite reconstruir el término “solenoide” (bobinado de hilos conductores sobre un eje que, al paso de corriente eléctrica produce un campo magnético en torno), jugó con la metáfora, expresada en el programa de mano, del accionar de “habitantes” pertenecientes a un circuito integrado. Adrede, en dicho programa de mano se dieron explicaciones incongruentes con fenómenos eléctricos o electrónicos, cosa que terminó expresándose como juego trivial en los desarrollos de los intérpretes en escena. Por otra parte, también en esta oportunidad proyecciones de imágenes jugaron un rol importante. En este caso se trató de proyecciones en 3D que, para verlas, requirieron el uso de lentes ad hoc. Lo bueno fue que, sin las lentes podía verse el espectáculo sin mayores pérdidas (las imágenes 3D daban un efecto de profundidad en algunos tramos, fundamentalmente con tratamiento decorativo). Los intérpretes (la propia Quintela con Jesica Josiowicz, Facundo Monasterio, Carolina Drughieri y Mario Rizzo) hicieron algunas secuencias, jugaron con juguetes, realizaron acciones con la expresa intencionalidad de ir haciendo patente un desarreglo creciente.

Como muestras de algo de lo que la danza ofrece en la ciudad en los tiempos que corren, la combinación de simplezas en los tratamientos de los cuerpos, aunadas con algunas secuencias con envíos a lenguajes contemporáneos, junto a cierto nivel de complejidades conceptuales en las propuestas temáticas, con o sin humor, Maresia y Sole. No.ID (3D) permitieron apreciar una de las aristas más transitadas últimamente. __BD

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Música y Danza Por Juan Cruz Guillén

Se presentó el espectáculo Esencias en el histórico Teatro IFT, con las actuaciones de Leandro Lovato y la Compañía Federal de Danzas que dirigen Glenda Casaretto y Fernando Muñoz

Como en lejanos tiempos, Leandro Lovato programó su presentación con bailarines motivo por el cual merece una felicitación, pues fanatismo aparte, son siempre quienes le otorgan un aire vistoso a los espectáculos musicales. Esta idea era la que antes han tenido Andrés Chazarreta, Santiago Ayala “El Chúcaro” (a partir de 1953) y los espectáculos de Joaquín Pérez Fernández, la Compañía de Ariel Ramírez (en 1964 Esto es Folklore, en 1965 Otra vez Folklore y en 1966 Folklore 150), lo mismo ocurría con Magia y Misterio del Folklore (de 1965, con Los Cantores de Quilla Huasi, Atahualpa Yupanqui, Ramona Galarza y el Ballet de Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola) y La Raíz y la Tierra (Teatro Odeón, 1966, con Mercedes Sosa, Los Trovadores, Chito Zeballos y el Ballet del Chúcaro). Todos estos espectáculos son un ejemplo de integración entre músicos y bailarines, que siempre brinda un resultado superior.

FICHA TÉCNICA. ESENCIAS Coreografía: Glenda Casaretto, Fernando Muñoz Bailarines: Sabrina Abbas, Ayelen Cantero, Glenda Casaretto, Romina Ferraro, Liz Maidana, Mariela Paredes, Agustina Pascual, Vanina Santicchia y Delfina Vivas. Diego Garcia, Gaspar Jofre, Mario Martinez, Marcos Olivera, Lucas Orcajo, Enzo Pascal, Angel Ruiz Fragola, Manuel Visetti e Ivan Wilhelm. __BD Lovato rodeado por el cuerpo de baile de la Compañía Federal de Danzas Foto . gentileza de la producción

La noche comenzó con tres temas de Leandro Lovato y luego aparecieron en escena los bailarines, que interpretaron una suite titulada Violín del Alma (zamba carpera, chacarera y gatos).

A sala llena, el espectáculo empezaba a tomar color y continuaba con una selección de zambas, todas reunidas bajo el título de Donde Mueren las Palabras, con un resultado coreográficamente muy bien logrado, muy buen clima y una excelente puesta de luces.

Por momentos la música iba a una velocidad excesiva que desvirtuó en más de una oportunidad la esencia de las danzas, fundamentalmente en la zamba: es imposible para los bailarines realizar el paso básico para los desplazamientos en situaciones como esas.

Así, como una de las tantas enseñanzas que me dejó mi padre es ser agradecido, Leandro Lovato destacó su reconocimiento eterno a quien lo introdujo en el mundo artístico y fue su trampolín profesional, la cantante que lamentablemente nos dejó tempranamente: Tamara Castro.

Esencias finalizó con el tercer cuadro coreográfico, un Patio Santiagueño integrado por malambo, remedio atamisqueño y gato, todo en homenaje a Don Sixto Palavecino.

La Compañía Federal de Danzas, ofreció -como en otras oportu-

nidades- una entrega total de los bailarines, con un vestuario excelente y el sello creativo de Glenda Casaretto y Fernando Muñoz.

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De Afuera Adentro Por Román Ghilotti En el Teatro Presidente Alvear, durante septiembre, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín ofreció un programa con tres estrenos Se trató de Intemperie de Diana Theocharidis, Syracusa de Carlos Casella y Chopin, Número 1 de Mauricio Wainrot.

En Intemperie Theocharidis propuso un juego espacial en el que las variaciones de las formas los cuerpos construían respuestas al viento u otros cambios atmosféricos. El viento, efectivo, soplando desde bastidores, movía vestuarios y cabelleras de los bailarines. Estos, a su vez, desplegaban secuencias en las que troncos y extremidades parecían también ser arremolinadas, arrojadas, arrastradas o incluso suspendidas por el aire y sus empujes. Junto a esto, y acercando una posible poética de relato de cuerpos y relaciones, encuentros de dos o más intérpretes parecían evocar cambios climáticos asociados a los modos en que se unían. Si bien tangencialmente, pequeños hechos de los vínculos, datos dados en miradas y contactos, abrían una gama de indicios, sólo indicios, de afectos e indiferencias. Los personajes sólo insinuados (podrían ser todos simplemente transeúntes), expuestos a una doble intemperie, atmosférica y vincular, formalmente ingresaban y salían en sus secuencias, las pasaban de unos a otros con sutiles transformaciones, dejando con esto una impronta de soledades que cohabitan el espacio desguarnecido.

Syracusa, la pieza de Casella, en un registro disímil, presentó un juego espacial más rígido. La escena, seccionada a la mitad de proscenio a foro por un camino rojo, amplio, que fugaba a la altura, dio lugar a trabajos grupales a modo de coros. Alternando momentos de simetrías circulares pivotadas en un intérprete central con otros de cúmulos dispuestos al tresbolillo u otros con agrupaciones a los flancos de la escena, algunos solos y dúos

graficaban variaciones en las que, con cierto humor, formas que aludían a algunas artes marciales se combinaban con acciones propias de héroes y antihéroes de ciencia ficción del estilo de Matrix (los films dirigidos por Lana y Andy Wachowski). Para el final Casella reservó una entrada en estética cercana al art decó: un desnudo femenino que, sobre la alfombra roja y con el resto de los intérpretes a sus lados, daba una irónica relectura de la espectacularidad de los shows de escena con danza.

Wainrot, con su Chopin, Número 1, cerraba el programa en un tono casi académico. Siguiendo con ajustada referencia los pasajes musicales del Concierto Nº1 para piano y orquesta de Frédéric Chopin, la obra concentraba su armazón en las eficacias formales, claramente legibles, que conectaban estructuraciones corporales y espaciales con lo sonoro. Desde un enfoque romántico, a la manera del ballet de ese período, pero con toques contemporáneos (no había protagonistas netamente excluyentes del resto, ni anécdota contada en peripecias como tampoco construcciones espaciales fundamentalmente frontales y de simetrías lineales), la sucesión de formas corporales casi vertidas sin pausa, reflejándose o haciéndose ecos unas a otras, la noción de musicalidad y las entradas de cadencias de movimiento parecían expresar un diálogo entre piano, orquesta y bailarines.

Con diversidad estilística en las poéticas coreográficas, Intemperie ocupada en metáfora del espacio afuera, Syracusa diseñada como espacio interior de teatralidad y Chopin, Número 1 aludiendo a la espacialidad propia del ámbito sonoro, el programa del BCTSM expuso la buena performance que tienen en esta etapa sus integrantes. __BD

Intemperie, impronta de soledades Syracusa al estilo Matrix 44 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Un enfoque romántico para Chopin Fotos . Alicia Rojo

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Beatriz Moscheni, en la Danza B

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Seis décadas comprenden la historia de la danza clásica en la vida de Beatriz Moscheni.

Los mejores maestros formaron su personalidad artística, hasta ingresar al Ballet del Teatro Colón y -por concurso también- a ganar el cargo de solista. Con una narración ágil y coloquial, Moscheni llega al presente como distinguida profesora egresada de la Escuela Nacional de Danzas.

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Estreno de Espartaco Por Enrique Honorio Destaville

En agosto el Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata estrenó Espartaco de Vilen Galstian sobre música de Aram Khachaturian y la participación de invitados rusos, junto a la Orquesta Estable dirigida por Javier Logioia

Artem Pykachev como Craso Foto . Guillermo Genitti | Teatro Argentino

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El Teatro Argentino de La Plata tiene nuevo director y éste es José Luis Lozano, quien fue integrante de la Compañía, director del Ballet Oficial de Córdoba y colaboró en otros del país. El elenco platense no tenía todavía en su repertorio una obra como Espartaco, caracterizado ballet de un momento brillante del período soviético.

Por otra parte, por las fuertes características y exigencias técnicas de la pieza, el coreógrafo armenio Vilen Galstian llevó al cuerpo de baile masculino a riguroso entrenamiento que resultó beneficioso desde que fue ostensible en el estreno, su exactitud y ajuste. Razones de comprensión histórica determinan que los elencos transiten distintas vertientes dentro del estilo más visitado.

Espartaco tendiente a exaltar la lucha contra la esclavitud, recurre continuadamente a la gestualidad, incluso para dar cierta majestuosidad a su neoclásico, hallando la danza sus pasajes más descollantes en los encuentros del protagonista con Frigia.

Momento en que también Khachaturian abandona su tesitura de ribetes grandilocuentes para dirigirse a una música de gran ternura y suave sonoridad que constituye una de las partes más exitosas de su partitura.

La coreografía incluye difíciles y complicados adagios acrobáticos como aquéllos cultivados en Occidente y en Rusia hacia la finalización de los años veinte. Estilo ajeno a la compañía que, no obstante, supo salir airosa del compromiso. Los protagonistas locales e invitados foráneos, en cambio no encajaron totalmente en sus personajes. Denis Morozov respondió técnicamente al virtuosismo exigido pero interpretó por imitación remedando al esclavo gladiador, y Artem Pykachev (Craso) no dio imagen de malévolo y sanguinario aunque su línea de danza sea buena.

Agustina Verde (Frigia) actuó con calidez y superó cierto temor ante continuas elevaciones (portés) requeridas por la coreografía, mientras que Stefanía Vallone (Egina) debe acentuar seducción y erotismo y los rasgos maléficos de la amante de Craso.

La obra de Galstian recibió gran apoyo de la excelente escenografía evocativa del estado romano diseñada por María José Besozzi, y por el vestuario apto para la danza, también evocativo, de Mariano Toffi (demasiado “escueto” en los hombres). La iluminación de Esteban Ivanec fue certera en sus matices e intensidades.

Y, ciertamente, uno de los componentes de este ballet es la conocida partitura de Aram Khachaturian, con poderosa orquestación, momentos dramáticos y frecuentes ritmos marciales, danzas para mujeres y otras para hombres, y el bello adagio de amor pleno de lirismo, todo ello ejecutado por la Orquesta Estable con encomio, muy bien dirigida por el temperamental Javier Logioia Orbe. __BD

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Nuevo libro de Balletin Dance En el marco de la colección “Los Irrepetibles”, Balletin Dance presentará el próximo mes, Esmée Bulnes, Maestra Incansable de Enrique Honorio Destaville E

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Maestra Incansable

Esmée Bulnes

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Balletin Dance Ediciones

El año pasado Balletin Dance Ediciones inició una serie de libros-homenaje basada en investigaciones, sobre la vida y la trayectoria artística de algunas personalidades que contribuyeron, notablemente, en la historia de la danza en la Argentina.

Cada libro está dedicado a un profesional, y como todo proyecto encarado por la editorial, en él se contemplan todas las manifestaciones de la danza. Así comenzamos con Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola de Juan Cruz Guillén, en cuanto al desarrollo de la danza folklórica de nuestro país.

Este es el turno del ballet clásico. El reconocido crítico e investigador Enrique Honorio Destaville ha elegido la figura de Esmée Bulnes para rendirle homenaje, la única maestra del Cono Sur que había estudiado con Enrico Cecchetti.

Esmée Bulnes, fue profesora de la Escuela de Baile del Teatro Colón, directora y repositora del Ballet Estable. Mientras que en la ciudad de La Plata trabajó concienzuda y talentosamente en el Ballet del Teatro Argentino, y en la Escuela de Danza que ella fundó.

En la década de 1950 se trasladó a Italia donde se abocó a formar a nuevas generaciones de bailarines del Teatro alla Scala di Milano.

Destaville logra determinar y precisar la importancia de lo transmitido por Bulnes para la danza argentina, estudiando sus hallazgos, luego de haber investigado sobre sus pistas.

En el marco de la colección “Los Irrepetibles” Balletin Dance recobra la historia del patrimonio cultural de artistas de la danza argentinos que descollaron en sus disciplinas específicas, proponiéndose con este proyecto editorial, contribuir a nuestra memoria con la recuperación de estas figuras poco o nada estudiadas hasta el momento.

Convencidos de que nuevas generaciones de investigadores, profundizarán más aun en estos personajes “irrepetibles” que la historia de la danza argentina, está obligada a recordar.

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ENRIQUE HONORIO DESTAVILLE Es historiador y crítico de ballet y danza desde hace aproximadamente tres décadas y media. Nació en Chivilcoy (provincia de Buenos Aires) y desde que arribó a la capital argentina -donde comenzó a asistir a los espectáculos- fue balletómano. Es abogado en ejercicio de la profesión.

Se inició formalmente como crítico especializado en el diario “Convicción” en 1978 y cuatro años más tarde pasó a escribir en el primer diario que se llamó “Tiempo Argentino”. Posteriormente se integró a la revista “Noticias” de Editorial Perfil y a “Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza”, en las que continúa su labor.

Ha escrito en numerosas publicaciones culturales de nuestro país y del exterior, entre las que se menciona la revista del Teatro Colón. También tiene a su cargo los comentarios históricos de los programas de mano de los teatros Colón y Argentino de La Plata.

Creó y condujo la audición “Panorama del Ballet y de la Danza” transmitida por Radio Nacional Clásica y ha sido profesor de Historia de la Música y la Danza en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón durante los últimos diez años.

Es éste el primer libro de su exclusiva autoría. Ha colaborado en “Teatro Colón a Telón Abierto” (2000), en “Memoria y Presente del Ballet del Teatro Colón” editado por la Comisión de Homenaje al octogésimo aniversario del Ballet Estable del Teatro Colón (2005) y en “Historia General de la Danza en la Argentina” (2009) preparado por el Consejo Argentino de la Danza y editado por el Fondo Nacional de las Artes.

Presentado el titulado “Esmée Bulnes” tiene en preparación otras dos obras relacionadas con la danza y el ballet.

PRESENTACIÓN La presentación del libro se realizará en la ciudad de Buenos Aires, la primera semana de noviembre, con entrada libre y gratuita. La fecha exacta y lugar, serán anunciados la primera semana de octubre, en el portal de internet: www.balletindance.com.ar Te esperamos!.

Se realizará un mesa redonda, se ofrecerá una copa de vino, y el autor autografiará ejemplares. __BD

Norma Fontenla, Ballet de la ópera Rigoletto, Olga Ferri y Mecha Quintana, son algunas de las fotografías que ilustran este libro.

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In Memoriam 50 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Delfino Larrosa Por Enrique Honorio Destaville Delfino Larrosa ya no está Pequeña biografía en Homenaje al artista desaparecido el día 25 de julio de 2010.

El mundo del Ballet ha perdido a una gran persona que contribuyó a la consolidación del ballet argentino y a difundirlo en el exterior donde vivió desde hace décadas...

Delfino era un ser humano muy querible, muy educado y excelente persona. Había nacido en 1926 y por tanto estaba en sus 84 años, sufriendo las alternativas de la vida que él había elegido: su gran pasión por el arte del ballet, encarada un poco tarde y luego de varios años en el país donde vio la luz, en el que ganaba salarios casi miserables, por lo que se radicó en Estados Unidos donde halló el reconocimiento en varias de sus ciudades de mediana importancia, sobre todo Miami.

También fue reconocido en otros países, como Israel en el que pudo ejercer sus habilidades coreográficas remontando algunas de las obras que sus maestros le habían enseñado en la Opera de Israel de Tel Aviv y donde también enseñó ocasionalmente.

Por su parte, él bailó en papeles de solista estrenados en los ballets de la Compañía de Sergei Diaghilev, intervino en los Ballets Russes de Monte Carlo, felicitado por aquel primer bailarín que fue Anatole Wiltzak, dado sus conocimientos de ciertas obras que se estrenaron y difundieron en el seno de aquel célebre vehículo de la cultura. Por lo tanto, Delfino bailaba Las danzas polovtsianas del Príncipe Igor, El Espectro de la Rosa, Las Sílfides, Carnaval y otras, todas de Mikhail Fokin.

Su primera maestra había sido Hilda Yussem, integrante del Ballet Estable del Teatro Colón. Más adelante, se decidió por continuar con Esmée Bulnes, en quien él apreciaba una seria metodización de la enseñanza, y por detrás de su máscara severa, una sensibilidad que le llegaba. Así pasó a ser no sólo alumno de la pedagoga, sino también un verdadero amigo, dentro de ciertos límites marcados por la personalidad de la maestra. Justamente la idea de irse del país se radicó en Larrosa luego de la decisión de Bulnes de salir de la Argentina. Entre tanto, había construido una amistad -a la que sólo destruyó la muerte- con algunos compañeros del Ballet que eran inseparables: Sabino Rivas, Ismael Guiser y también Rodolfo Danton. Ninguno de ellos vive, y sólo faltaba él para que tan fuertes sentimientos desaparecieran...

No obstante fue alguien muy querido por sus compañeras o amigas como Carmen Panader (una de sus habituales compañeras de baile), Rina Valverde, Beatriz Moscheni y otras. Con unos y otros integró el primer elenco del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata. Testigo y coprotagonista de los primeros pasos de la compañía que condujo Bulnes, a quien vio poner coreografías y reponer otras, y ser testigo de su incansable enseñanza en la sala de baile.

Lo conocí por intermedio del plástico Alfredo Caruso, cuando procuraba datos sobre alumnos de Elena Alexandrovna Smirnova en Estados Unidos. Luego nos perdimos el rastro por un tiempo, y reanudamos la relación al conocernos personalmente a comienzos de este año 2010. Allí, me manifestó su preocupación por el olvido en que estaba la figura de Esmée Bulnes. La Providencia quiso que me entregase no sólo sus apuntes, sino también sus propias fotos de actuación y otras, que sirvieron en mucho para la concreción del libro-homenaje a la maestra inglesa de mi autoría. __BD

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Velocidad, brío y decisión de llevar adelante la programación Por Enrique Honorio Destaville

Dedicado al 85º aniversario de la creación del Ballet Estable se presentó el mes pasado en el primer coliseo argentino un programa con obras de George Balanchine y Vittorio Biagi La función se integró con Variaciones Donizetti y Tema y Variaciones de George Balanchine sobre partituras de Donizetti y Tchaicovsky y la Séptima Sinfonía de Vittorio Biagi con música de Beethoven, protagonizados por bailarines invitados y el Ballet Estable del Teatro Colón que dirige Lidia Segni, con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Excelente propuesta el legado del ruso George Balanchine, gran creador del siglo XX. Más aún invitar a dos primeros bailarines del New York City Ballet con sus características. En general, el Ballet Estable del Teatro Colón, se ha inclinado hacia coreógrafos más “teatrales” con obras que compiten con la ópera, a la que siempre se ha dedicado la sala de Plaza Lavalle.

Los principales rasgos de la danza balanchiniana (velocidad, brío,

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musicalidad y cierto desinterés por la expresividad), no han sido los más cultivados por el Ballet Estable del Teatro Colón, en el transcurso de sus 85 años de vida. Esta vez, las fulgurancias se vieron, brillantes y admirables, en la pareja invitada: la norteamericana Tiler Peck y el español Joaquín de Luz. Apabullantes energía, vigor y maestría técnica de estos dos extraordinarios jóvenes que afrontan exhaustivo entrenamiento cuyo resultado es el que se apreció en escena.

Primero, sobre la música, con toques de humor, del compositor italiano, en las Variaciones Donizetti estrenadas en 1960, que contaron con nueve bailarines que se destacaron: Silvina Vaccarelli, Natasha Bernabei, Gerardo Wyss, y Alejo Cano Maldonado. Luego, en Tema y Variaciones (1947) con el mag-

nificente marco de homenaje a Petipa y al Ballet Imperial pomposo en la música de Tchaicovsky, finalizada en majestuosa evocación. Esta última también contó con las estrellas invitadas y su notable desempeño, como la relevante colaboración de los ocho solistas del elenco estable: María Clara Da Silva, Rosana Pérez, Natalia Pelayo y Sofía Menteguiaga con Stefanía Vallone, Vagram Ambartsoumián, Leonardo Reale y Gerardo Wyss.

Buena resultó la tarea de reposición de la autorizada Victoria Simon. Ella fue bailarina de Balanchine y estudiosa de sus creaciones de manera tal que cumplió explicando también el ideario del maestro fallecido hace años pero perpetuado por estos discípulos como ella misma.

El final de las siete funciones programadas fue para Séptima Sinfonía sobre música de Ludwig van Beethoven del italiano Vittorio Biagi, talentoso coreógrafo que se adapta a los requerimientos del Ballet Estable y transmite todo el espíritu renovador que inflamó a los creadores de los años ’60, como Maurice Béjart. Justamente Biagi integró el elenco del Ballet del Siglo Veinte y recibió allí las enseñanzas del maestro francés. De manera que el canevá de Biagi, exaltatorio de aquellas posturas y movimientos no exentos de cierto humorismo en distintos planos, con montaje sobre plataforma, fue exitoso.

También fue visible que Biagi ha cambiado la coreografía de algunas partes de esta obra. La anterior puesta de la Séptima Sinfonía, efectuada en el Teatro Colón por el creador italiano data de hace más de treinta años. En esta oportunidad descollaron Silvina Perillo (gran técnica), Alejandro Parente, Nadia Múzyca, Federico Fernández, Juan Pablo Ledo, Carla Vincelli, e integrantes del Instituto Superior de Arte del Colón, quienes gracias a su intervención dieron mayor brío a esta delicada programación que debió encarar el elenco de Plaza Lavalle. __BD

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

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GURQUEL LEDERER

PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

w w w. l e d e r e r g u r q u e l . c o m EL MUNDO DE LASDANZA ARTES CLASICA EN Alfredo Gurquel, MOVIMIENTOJuana Lederer

Walkiria Appelhans, Geraldine De Crescenzo Sonia Nocera, Romina Mancini, Gabriela Nuñez, Victoria Mazari TECNICA DE PUNTAS: Juana Lederer, Mariángeles Alé AVANZADOS E INTERMEDIOS: Mariángeles Alé PRINCIPIANTES: Nadia Batista, Katya Pazanin PARA NIÑOS: Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

ESTIRAMIENTO Alfredo Gurquel, Juana Lederer Celia Montini

ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO CORPORAL POR BIOMECANICA (Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel)

PREPARACIÓN ESPECIAL PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

DANZA CONTEMPORANEA Geraldine De Crescenzo, Romina Mancini, Gabriel Contreras, Nadia Batista, Julieta Rodríguez Grumberg TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

JAZZ

PRINCIPIANTES - INTERMEDIOS - AVANZADOS

Manuel Vallejos, Daniel Bartra, Carol del Castillo

BARRE À TERRE Lorena Batista

El Ballet Estable en Séptima Sinfonía Foto . Máximo Parpagnoli

NIÑOS BABY CLASS · NIÑOS INICIACION Mariángeles Alé

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Willy Wullich Por Marta Sol Bendahan La Partida de un Grande 30 de Enero de 1944 - 30 de Agosto de 2010

danza armonizadora comedia musical contemporáneo barre a terre clásico jazz tap español hip hop

Desde 1983

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Camargo 350 · Capital · Tel: 4854-5599 www.marinaconfalonieri.com.ar info@marinaconfalonieri.com.ar 54 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

In Memoriam

Muchos años, muchos días, muchas horas de aprendizaje constante, de respeto, de trabajo, de dedicación, de permanencia invalorable.

Muchas horas compartiendo espectáculos, analizando la vida, con el arte en las venas, haciendo historia con los recuerdos, haciendo huella con el quehacer diario.

Nos dejó un Grande en los pasillos del teatro, para ocupar el lugar de “Duende Mayor” del Teatro Municipal Colón de la ciudad de Mar del Plata.

Willy salió de gira, quizás para encontrar nuevos espectáculos y tocarlos con su varita de Duende Mayor y dotarlos del éxito que siempre auguró en tierra.

O tal vez con el Ahí va resonando en cada rincón y en cada fibra de los artistas que por allí pasamos, se arraigue para siempre el camino del arte que elegimos como medio de vida.

Seguiremos cantando, bailando, teatralizando o haciendo música; seguiremos pidiendo fechas y horas de ensayo para desarrollar nuestra veta artística; seguiremos escuchando un claroooo como su signo de aprobación, porque Willy no se fue.

Preferimos quedarnos agarrados de su mano, de su palabra, de su amor y seguir transitando la vida con la misma efervescencia de antes.

Ese día Mar del Plata lloró... ese día el cielo lloró. __BD

Sede Belgrano

Delgado 1455 Tel. 4551-2183 info@arte-danza.com.ar

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Argentinos en el exterior

INGLATERRA

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ALEMANIA

Vivo de Marcelo Savignone este mes en festivales europeos Luego de sus presentaciones en la Ciudad Cultural Konex, Marcelo Savignone, llevará Vivo, espectáculo experimental de improvisación, a Londres y Würzburg.

En la obra el intérprete, director y creador, despojado de todo artificio lleva la actuación a sus estados más primitivos y carnales a partir de máscaras balinesas de tipo Bondres que sirven como vehículo poético, con la asistencia de dirección de Luciano Cohen, Federico Costa e Ivan Selaive. En primer lugar, actuará en la London International School of Performing Arts (LISPA) en la que se formó como actor y perfeccionó en pedagogía teatral, además dictará charlas y seminarios.

Luego continuará Savignone hacia el Festival Internacional de Improvisación en Würzburg (Alemania), donde también actuará y dictará seminarios para actores improvisadores. __BD

Marcelo Savignone, del centro cultural Konex a Europa Foto . gentileza del actor

HOLANDA, ITALIA, VENEZUELA Y MÉXICO Ezequiel Sanucci en gira El coreógrafo y bailarín Ezequiel Sanucci, acompañado por Lydia Müller, vienen presentándose en diversos festivales en Europa (Holanda e Italia) y América (Venezuela y México).

El espectáculo con el que recorren el mundo es Tango Permiso de Residencia, creación del argentino. En diciembre presentarán un fragmento de la obra en el VII Festival Cambalache de Buenos Aires, y la pieza completa en el Espacio Cultural Pata de Ganso. __BD

Raúl Gatto Ex primer primer bailarín, bailarín, solista solista del del Ex Teatro Colón Colón Teatro Director del del Ballet Ballet Municipal Municipal Director de Lomas Lomas de de Zamora Zamora de Miembro del del CID CID (Concejo (Concejo Miembro Internacional de de la la Danza Danza Internacional de la la Unesco) Unesco) de Docente de de la la Escuela Escuela de de Docente Danzas de de La La Plata Plata Danzas

raulgatto_16@hotmail.com 56 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Estudio de Danzas

Saenz 179-181, 1º piso Of. 1 Tel. 4243-9675 Lomas de Zamora, Bs. As.

Sanucci en Tango…

CHILE, CANADÁ

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Mauricio Wainrot estrenó su obra Travesías en Santiago de Chile En un programa compartido, a cargo del Ballet Nacional Chileno (contemporáneo), en el Teatro de la Universidad de Chile desde el 24 de septiembre se vio Travesías (2005) de Wainrot (que ya ha montado más de diez obras en Chile), junto a otra pieza de un argentino, Escrito en el Aire de Oscar Araiz.

Poco después el Royal Winnipeg Ballet de Canadá repuso la Carmina Burana del director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, con 27 bailarines.

Por otra parte, Wainrot, actualmente está trabajando junto al músico, también argentino, Luis Bacalov. El proyecto que lleva adelante es una coreografía que se llamará Il Postino, basada en el conocido film homónimo de Michael Radford que tenía también música de Bacalov. La película inspirada en la novela Ardiente Paciencia (Antonio Skármeta) que tiene a Pablo Neruda como uno de sus protagonistas, se verá primero en versión operística, y la puesta de ballet de Wainrot prevé su estreno para 2012 en la Scala de Milán (Italia). __BD Carmina Burana en Canadá

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BOCCA VS. GREMIOS

Por Mercedes Borges Bartutis, desde Luxembrugo

Julio Bocca al frente del Sodre de Montevideo y sus primeros problemas gremiales

Esta ville silenciosa y tranquila, mantiene una atractiva programación en su Gran Teatro, una institución que indudablemente está llevando a su escenario lo mejor de la danza de estos tiempos.

Su programación anuncia propuestas bien diversas. Para la temporada de danza 2010-2011, este coliseo abrirá en octubre con una versión de Romeo y Julieta a cargo de Thierry Malandain y el Ballet Biarritz, y sobre fines de ese mes, recibirá un proyecto entre el Ballet Preljocaj y el Teatro Bolshoi de Moscú. Esta es una coproducción Francia-Rusia patrocinada por la Bienal de la Danza de Lyon, el Teatro Nacional Chaillot de París, el BerlinerFestspiele, y el propio Gran Teatro de Luxemburgo.

Para el mes de noviembre y dentro del Festival de Danza de la ciudad, el Gran Teatro de Luxemburgo presentará a la Michel Clark Company con el espectáculo Come, Bee and Gone.

Anne Teresa Keersmaeker abrirá el año 2011 con su compañía Rosas, y continuarán otros nombres de prestigio como Lisi Estaràs, Javier Barón, Michèle Anne de Mey, Sylvie Guillem y Russell Maliphant. __BD

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Con el primer programa integral de la temporada (Giselle) Julio Bocca vio cancelarse la función del 26 de agosto, a raíz de un paro por reclamos salariales que había iniciado el sindicato de empleados estatales uruguayos, que afecta también al cuerpo de baile.

En su momento Bocca anunció que sería la primera y la última vez que bajo su dirección se suspende un espectáculo.

La próxima huelga está anunciada para los primeros días de octubre, justamente coincidente con funciones programadas por el ballet, por lo que el argentino volvió a expresar su desacuerdo con la cancelación de shows. Esto le trajo algunos roces con los trabajadores y con los directivos: el vicepresidente del Sodre, Jorge Bruni, explicó que es la dirección del organismo la que toma decisiones y que Bocca no puede hablar en nombre de ellos. “Él está al servicio del Sodre, y no el Sodre al servicio de Julio Bocca”, aunque en simultaneo elogió su gestión al frente del ballet. __BD

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EL RETIRO DE UN GRANDE José Manuel Carreño se retira de los grandes clásicos

Carreño en un ensayo en la Casa del Ballet de La Habana, Cuba Foto . Alicia Sanguinetti 58 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

El cubano José Manuel Carreño anunció su despedida del American Ballet Theatre, con una función especial el 30 de junio de 2011 en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Será con El Lago de los Cisnes junto a Julie Kent (Odette) y Gillian Murphy (Odile).

Si bien anunció a la prensa que seguirá bailando, ya no serán los grandes clásicos.

La carrera de Carreño ha sido increíble, pues integró las filas del Ballet Nacional de Cuba, el English National Ballet, el Royal Ballet (Inglaterra), y el American Ballet. Pero además ha actuado en todo el mundo como artista invitado. Su fama comenzó a expandirse luego de haber obtenido la medalla de oro en el Concurso Internacional de Ballet de Nueva York (1987) y el Gran Premio en el Concurso Internacional de Ballet de Jackson, Mississippi (Estados Unidos, 1990).

Carreño, estará también este mes en el Festival Internacional de Ballet de La Habana, y ya ha comenzado a incursionar en la docencia, tarea que podría encarar en el futuro en exclusividad. Hasta junio, entonces, se podrá disfrutar de su arte en escena, bailar es para él “lo que más placer” aporta a su vida, confesó a la prensa. __BD

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Coach personal de Maximiliano Guerra

Danza Clásica Asesoramiento para Profesionales NUEVA DIRECCIÓN Maza 443 · Capital Federal Tel: 6010-4559

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Legris Director Por Beatriz Cotello desde Viena

Manuel Legris, nuevo director del ballet vienés Foto . gentileza Opera de Viena

El Club de Amigos del Staatsballet Wien (Ballet del Estado de Viena) como se ha redenominado al cuerpo de baile estable de la Staatsoper y la Volksoper, invitó a una charla con el nuevo director, el bailarín francés Manuel Legris en el Institut Français de Vienne

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El Instituto tiene su sede en un tradicional palacio adquirido por el gobierno francés a una antigua familia vienesa, y la reunión tuvo lugar en el Salon Rouge, un recinto de estilo barroco con paredes tapizadas de damasco carmesí, un setting muy adecuado para un bailarín que ha realizado su carrera en el ambiente del Palais Garnier.

El evento estuvo muy concurrido. Llegué al mismo tiempo que unas jóvenes longilíneas de pelo larguísimo y pies orientados hacia afuera, y adentro había más. Entre las personalidades concurrentes se contó al embajador de Francia y su esposa, un representante de la embajada del Japón, el director de la Ópera de Viena, Dominique Meyer, Annabelle Gausmann, Directora Administrativa del Ballet, Simone Wohinz, Directora comercial y varios artífices de la “vieja guardia“ como Karl Musil, ex bailarín y director de la escuela de Ballet del Conservatorio Municipal, la ex-primera bailarina Brigitte Stadler que supo ser partenaire de Rudolf Nureyev y el Balletmeister Carlos Gacio.

La conferencia fue conducida por la presidenta del Club, Ingeborg Tichy-Luger, quien además dirige la revista Dance (colega de nuestra BALLETIN DANCE), hablaron en inglés (Ingeborg no habla francés y Legris, si bien está aprendiendo diligentemente el alemán, todavía no lo habla con fluidez). ¡Qué lástima que el francés haya dejado de ser la lingua franca en el mundo del ballet!.

De hecho, como diría Legris en el transcurso de la entrevista, el idioma fue motivo de que tuviera ciertas dudas de hacerse cargo del puesto cuando se lo ofreció el director actual de la Ópera de Viena, su compatriota Dominique Meyer. Legris tardó meses en decidirse, pero no fue el idioma el responsable, sino que no estaba seguro de querer retirarse de la escena, a pesar de haber llegado a la edad en que lo hacen muchos bailarines. Exactamente desde 1986, Legris se desempeñaba como danseur étoile en el Ballet de París, cuando Nureyev lo promovió a esa categoría salteando la de premier danseur. Fue durante el estreno de su Raymonda en la escena del Metropolitan de New York. Legris era miembro de ese cuerpo de baile desde 1980.

A pesar de haber sido formado en una escuela de rígidas jerarquías, o a lo mejor, por haberse sentido oprimido por ellas, Nureyev se tomaba muchas libertades con las del Ballet parisino, también hizo saltarse de nivel a Sylvie Guillem, con quien Legris formó pareja en muchas oportunidades, incluida alguna vez en Viena.

No es descartable que en este aspecto Legris le depare alguna sorpresa a los aficionados al ballet de Viena: hizo insinuaciones de que el Staatsballet tiene pocos solistas y que ha visto en el corps muchos bailarines muy buenos. Se verá. También desea promover que el Ballet salga de gira: en principio a Japón, donde ya se lo conoce, y planea extender el radio a China y Corea, Italia, España (en el mediano plazo) y llevarlo hasta París y Estados Unidos (dentro de dos o tres años).

Un factor que pesó positivamente en su decisión de aceptar el cargo de director fue el buen recuerdo de la primera vez que bailó en la ciudad: hace once años como de Grieux y su Manon fue Simona Noja (era entonces primera bailarina y actualmente directora de la Escuela de Ballet), quien por cierto estaba sentada a mi lado en el salón.

Legris fue bailarín invitado del elenco local y también bailó en este escenario con el Ballet de la Opera de París y con el de Tokyo. En la conferencia mencionó también, con un cierto énfasis, que hace años que no lo contrataban más, como significando de que podría haber sido persona non grata para la anterior dirección.

María Anotnieta de Patrick de Bana, estrena el próximo mes Foto . gentileza Opera de Viena

Sobre su forma de trabajar, explicó Legris, prefiere intervenir personalmente en la preparación del trabajo de la compañía, supervisar de cerca sus clases y ensayos, establecer una relación estrecha con sus bailarines.

El programa que ha propuesto para esta primera temporada no es para nada un camino fácil, y al respecto explicó que entre empezar poco a poco o lanzarse directamente a la innovación, optó por lo segundo, en el entendimiento de que el cuerpo de

ballet está en condiciones de enfrentar el desafío. Se verán varias producciones nuevas como Juwelen der Neuen Welt, (Joyas del nuevo mundo) con coreografías de George Balanchine, William Forsythe y Twyla Tharp, Schritte und Spuren (Pasos y huellas) con obras de Jirí Kylián y representantes de la generación que le sigue y un Hommage an Jerome Robbins, que constituirá la primera vez que se ofrece en Viena una función totalmente consagrada a este coreógrafo.

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Ingeborg Tichy-Luger y Manuel Legris en la conferencia de presentación Foto . gentileza Club de Amigos del Ballet

En la Volksoper se estrenará Marie Antoinette, una pieza del joven bailarín y coreógrafo Patrick de Bana, se hará Le Concours de Béjart y habrá un programa dedicado a los jóvenes talentos coreográficos del Staatsballet.

De nuevo en la Staatsoper, como gran producción clásica se repondrá Don Quijote en la versión de Nureyev, y al final de la temporada habrá una gala dedicada a él, práctica que se repetirá todos los años. Le queremos rendir ese homenaje, dice Legris, porque fue “un gran gran director y un gran gran bailarín“. “¿Incluirán más coreografías de Nureyev?”, pregunta Ingeborg. Legris sonríe: no sabe todavía. Es difícil enseñar las coreografías de Nureyev por la falta de registros escritos claros y porque no se ha hecho una transmisión sistemática de generación en generación.

La temporada empezó con Onegin. La entrevistadora pregunta por qué eligió ese título para comenzar. Quería presentar un ballet que conociera bien, y además, fue su ballet de despedida,

Estudio de Danza

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CLASES PARA NIÑOS Y PREADOLESCENTES - INTRODUCCION A LA DANZA , JUEGOS CORPORALES: MARCELA ROBBIO - TANGO MAXIMILIANO AVILA bailarín y docente

- TEATRO ROBERTO CASTRO actor, director, docente de la EMAD, IUNA MANUEL LONGUEIRA actor, docente IUNA

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explicó Legris. Una forma inteligente de establecer un puente entre su tarea como bailarín y las que deberá desempeñar ahora como director.

Más tarde tocó el turno de hacer preguntas al público. ¿Por qué irá Don Quijote como primer clásico?. Por una referencia personal: le gusta y a la vez le recuerda cuando él tenía diecinueve años y un día Nureyev le dijo: en cinco días vas a bailar Don Quijote en Milán. Resultó un gran éxito. “¿Tiene intenciones de bailar en este escenario?”. Nueva sonrisa, con movimientos dubitativos de cabeza... Dependería de su estado físico. Si bien sigue entrenando, tomando clase, su mente y su corazón están con sus bailarines y no está muy disponible para interpretar un rol.

No faltaron cuestionamiento referidos a temas organizativos, dos señoras estaban muy contrariadas porque a la hora de comprar las entradas por internet, dos meses antes de las funciones, aún no se conoce el reparto. Legris contesta con simpatía pero no las satisface: “no se puede saber dos meses antes quién va a bailar, puede haber cambios de último momento”, y comenta a partir de su propia experiencia, que por ejemplo, Lionel Robbins, recién lo decidía el día mismo de la función. Las señoras tendrán que tener paciencia. (Difícil empresa en este pueblo donde la previsión y la anticipación son valores muy arraigados y si no se tienen en cuenta, cunde el pánico).

Por último, y como muestra de su buena voluntad para entenderse con el público y afincarse en el país, el nuevo director cerró la entrevista leyendo, con muy buena dicción, unas frases de agradecimiento y saludo en alemán, que tenía anotadas en un papelito.

El entusiasmo que expresa Manuel Legris al hablar de las tareas que tiene por delante y de sus proyectos, despierta la expectativa de que el Ballet de la Ópera de Viena de un salto en calidad y alcance mayor brillo y prestigio internacional.

La respuesta del público será seguramente positiva. __BD

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alisangui@arnet.com.ar www.aliciasanguinetti.com.ar OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 63

Mikhail Baryshnikov y Ana Laguna. Sábado 23, 20:30 hs y domingo 24, 20 hs.

Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125 4816-5943)

Creación colectiva. Dirección: Sandra Fiorito. Lunes 20:30 hs. Teatro Calibán (México 1428, PB 5, Tel: 4381-0521).

-contemporáneo Ean 13

-performance H.N.A.

Grupo Cinético. De Eduardo Elli y Carla Berdichevsky. Coreografía: Carla Berdichevsky. Domingos 19:30 hs. Garrick Arte Cultura (Av. Avellaneda 1359, Tel: 3526-7439).

Obra para danza y laptork -orquesta de computadoras-. Dirección y coreografía: Valeria Pagola. Intérpretes: Valeria Pagola, Esteban Insinger, Fabian Kesler.

Jueves 21 hs. Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

-cine El Lago de los Cisnes

-teatro Incriminados

Desde el 11 de noviembre en los cines argentinos. A cargo del Royal Ballet de Londres, con Marianela Nuñez y Thiago Soares. www.cinemark.com.ar

De Peter Handke. Asistencia artística y corporal: César Fois. Dirección: Leonor Manso. Intérpretes: Maia Mónaco y Martín Pavlovsky. Viernes y sábados 22 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

-tango El Viejo Almacén Coreografía y dirección: Luis Pereyra.

Bailarines: Nicole Nau y Luis Pereyra.

Cantantes: Virginia Luque y Hugo Marcel. Todos los días 22 hs. El Viejo Almacén (Av. Independencia y Balcarce, Tel: 4307-6689).

-contemporáneo Élucidation Coreografía e interpretación: Loïc Touzé. Domingo 10, 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8005).

-teatro El panteón de la patria De Jorge Huertas. Entrenamiento corporal: Andrés Molina. Asesoramiento coreográfico: Carlos Trunsky. Miércoles a domingos, 21 hs. Sala Cunill Cabanellas. Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530, Tel: 0800-333-5254).

-danza expresión corporal Entreveros Compañía de Danza Moderna Mapu.

Dirección: Evet Gaiani. Coreografías: Leticia Grondona y Elena Kruk. Intérpretes: Daniela Bedran, José Enderle, Javier Grosso, Melina Impini, Elías Sánchez, Vilma Santacruz, Sol Spinacci, Camila Suárez Barraza y Johanna Tocci.

Viernes 1, 8 y 15, 21 hs. Espacio Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640, Tel: 4552-4229). Espectáculo a la gorra.

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-contemporáneo, video danza, charlas debate Intima danza Ciclo de danza contemporánea. Jueves 20:30 hs. La Ratonera Cultural (Av. Corrientes 5552, Tel: 4857-2193). Charlas debates: Modera: Ana Gonzalez Vañek.

18:30 hs.

Jueves 7 y 14: H2O coreografía e interpretación: Natalia Pugliese y Vértigo en mí coreografía: Gisela Pellegrini y Bárbara Valerga. Intérprete: Natalia Otero.

Charla.

21y 28: Nueve coreografía e interpretación: Paula Rossignoli y Mi esqueleto aun mortal coreografía: Fernanda Díaz y Nunu Vadell. Intérprete: Fernanda Díaz. Jueves 28: charla y videodanza.

Jueves 4 y 11 de noviembre. Suave final de satén coreografía e interpretación: Ladis Osorio y La Playa dirección y coreografía: Andrea Franco Medinaceli.

Intérprete: Claudia Gómez.

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-teatro físico Hermana

-percusión La nave El choque urbano. domingos 20:30 hs.

Teatro ND Ateneo (Paraguay 918, Tel: 5236-3000).

Cartelera

-contemporáneo Tres solos y un dúo

- danza teatro y flamenco Lo que deja el viento Compañía Contratiempo Tr3s. Idea y Dirección general: Gabriel Arango. Interpretes: Carolina Catalán Carabia, Gustavo Friedenberg y Gabriel Arango.

Domingos 3, 10 y 17, 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 55555359).

-ópera-cumbia ¡Mueva la Patria!

De Pablo Marchetti, Fernando Sánchez, Javier Aguirre y Eduardo Blanco. Coreografía: Sebastián Codega. Dirección: Valeria Ambrosio. Intérpretes: Esteban Masturini, María Eugenia Fernández, Jorge Priano y elenco. Viernes 21 hs, sábados 23:30 hs. Teatro ND Ateneo (Paraguay 918, Tel: 4328-2888).

-ballet y neoclásico Nuits de ballet 3 Nuevo programa. Grupo Gurquel Lederer. Dirección: Juana Lederer, Alfredo Gurquel. Invitados. Domingo 17, 19 hs.

Teatro Empire (H. Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

-contemporáneo Programa mixto Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Director: Mauricio Wainrot. Intemperie de Diana Theocharidis. Syracusa de Carlos Casella. Chopin, número 1 de Mauricio Wainrot. Sábados 21 hs y domingos 17 hs (hasta el 24). Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659, Tel: 4373-4245).

OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 65

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46 / BALLETIN DANCE // JULIO 2010 66 OCTUBRE 2010

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-danza irlandesa y folklore ucranio Rally-Hopak Conjunto de Danzas Irlandesas Celtic Argentina y Ballet Folklórico Ucranio Prosvita. Sábado 16, 21 hs. Teatro del Globo ( M. T. de Alvear 1155, Tel: 48163307).

-contemporáneo Va Dirección. Mariana Carli. Intérpretes: Ramiro Bailiarini y Emiliano Formia. Viernes 22 hs. Impa (Querandíes 4290).

-performance Vivo Entrenamiento físico: Juan Martin Fernández. Dirección e interpretación: Marcelo Savignone. Viernes 23 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

-teatro físico Tal vez el viento Coreografía: Cecilia Elías, Miguel Ángel Elías. Miércoles 21 hs. Teatro Del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

I N T E R N A C I O N A L E S

HOMENAJE A PINA BAUSCH

-performance Universos co habitados Siete exhibiciones simultáneas presentan la obra de Alejandro Masseilot.

Curaduría: Clemente Padín. Apertura: martes 12, Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

El cineasta alemán Wim Wenders presentará el año próximo una película homenaje a la coreógrafa

-performance 3D Sole.No.ID (3D) De Marisa Quintela. Domingos 21 hs.

Teatro del Sur (Venezuela 2255, Tel: 4941-1951).

-butoh Sulky Coreografía: Teresa Duggan. Intérpretes: Teresa Duggan, María Laura García, Magda Ingrey, Daniela Velázquez, Ailin Rey, Jorgelina Mellia, Josefina Peres, Gabriela Romero, Giancarlo Scrocco.

Domingos 20 hs. Sala Mediterránea (Tucumán 3378, Tel: 4863-7156).

Cartelera

Ballet 40/90. Dirección: Elsa Agras.

Viernes, 20:30 hs (octubre y noviembre). Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

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-de todo Sandunga

Wim Wenders autor del documental Buena Vista Social Club (1999), y del recordado París, Texas (1984), entre otras, terminó de rodar su película de homenaje a la coreógrafa Pina Bausch, filmada en 3D. La idea habría surgido entre ambos creadores hace alrededor de 20 años, sin embargo el rodaje comenzó un mes después de la muerte de Pina Bausch (junio 2009). La película llevará al espectador al universo Bausch, “se volvió una película sobre su trabajo -explicó Wernders en una entrevista el mes pasado- evidentemente, es muy diferente de lo que hubiésemos hecho juntos”.

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Danza de Verano en Londres Por Fátima Nollén desde Londres

Natalia Osipova en Giselle Foto . gentileza oficina de prensa

Lejos de parar, la danza siguió su ritmo este verano en Londres ofreciendo lo mejor en espectáculos internacionales que ya son tradición, conjuntos locales y claro los cursos de perfeccionamiento tan buscados por estudiantes y maestros de todo el país y del extranjero

68 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Como todas las temporadas estivales, el Ballet del Teatro Bolshoi de Moscú se presentó en la Royal Opera House, sede del Royal Ballet, con un programa rico en matices y para todos los gustos, abarcando los clásicos de Marius Petipa, los grandes ballets heroicos de la era soviética y obras que incorporaron luego de la caída de la cortina de hierro, como las de George Balanchine. Dirigido artísticamente por Yuri Burlaka y acompañado por su propia orquesta, el Bolshoi y sus jóvenes estrellas, deleitaron al público con Espartaco, Coppelia, Don Quijote y El Corsario.

A lo que se sumó dos programas mixtos, siendo uno de ellos compuesto por Petrushka, Estaciones Rusas y el Gran Pas de Paquita. El otro combinó, de forma interesante, Serenade (George Balanchine-Tchaikovsky) que abrió con liviandad y estilo bien logrado el espectáculo del 26 de julio, con una brillante Giselle (Petipa después de Coralli y PerrotAdam, y producción de Yuri Grigorovitch). Cada obra tuvo un director de orquesta diferente. Sin dudas, el dramatismo de Giselle y particularmente de su segundo acto, fue la joya de la función. Natalia Osipova creó una Giselle etérea y sublime. Con giros y baterías velocísimos y un despegue del piso que parecía irreal en cada salto; mientras que sus adagios y altura de piernas denotaban naturalidad y control de exquisita suavidad . El soporte generoso de Ruslan Skvortsov como Albrecht , él mismo un sólido y fino bailarín, en los pas de deux fue fundamental para completar el tono espectral de

OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 69

Daria Klimentova y Vadim Muntagirov del English National Ballet en Cenicienta Foto . Annabel Moeller

entró en escena como maestro de baile. Tiene un talento excepcional y gran carisma.

El Hada Madrina, a cargo de una segura Begoña Cao, fue acompañada por las hadas de las cuatro estaciones y sus caballeros, con sus respectivos pas de deux todos muy bien ejecutados. Si bien el solo de Cenicienta del primer acto resultó un poco repetitivo o largo, la brillantez de las escenas palaciegas con sus vistosos trajes y decorados (David Walker), la presencia central del gran reloj, o luna, y la espectacularidad de la entrada de la protagnosita en el segundo acto se revelaron como una creación de gran atractivo. El gran pas de deux se destacó por los fabulosos penchés y el perfecto y prolongado equilibrio de Klimentova, mientras que Muntagirov promete mucho más para el futuro a partir de su impecable desempeño y dotadas condiciones. Lo interesante de la velada fue cómo todo el conjunto enmarcó constantemente a las figuras principales facilitando su destaque como perlas alrededor de un brillante. Indefectiblemente una noche para recordar.

esta obra del clasicismo romántico, con sus transportes seguros.

El cuerpo de baile sumó carácter y técnica para una función excelente de principio a fin.

El English National Ballet, por su parte, celebró sus 60 años con la reposición de Cenicienta (música de Prokofiev) de Michael Corder en el Teatro London Coliseum y una fiesta especial el 14 de agosto. En la función del 13 de agosto la primera bailarina Daria Klimentova brilló con sus equilibrios y versatilidad artística. También trasladó sus años de experiencia escénica en cada baile con su joven partenaire, Vadim Muntagirov de sólo 20 años, quien recientemente fue promovido a solista principal por el director Wayne Eagling (un avezado cazatalentos). Ésta es una Cenicienta diferente de la que se acostumbra a ver creada por Frederick Ashton. En la versión Corder, las hermanastras son bailadas por dos mujeres, en vez de hombres travestidos. El humor sigue presente, pero su participación es permanente y tienen mucho más para bailar. Ambas artistas (la Primera Solista española Adela Ramirez y la Principal británica Sarah McIlroy) cumplieron sus roles con gracia, técnica limpia y gran desparpajo. Mención especial merece el español Juan Rodríguez quien acaparó las miradas del público toda vez que 70 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

Quien no tuvo tan buena respuesta de la crítica especializada este verano, a pesar de que normalmente ocurre lo contrario, fue el cubano Carlos Acosta, principal del Royal Ballet, y productor de sus propios espectáculos cuando no trabaja con la compañía real o en Cuba. Su nuevo show, una colección de piezas cortas en las que estuvo acompañado por otra principal del Royal, Zenaida Yanowsky, cosechó comentarios como: “usted va a estar mejor viendolo bailar cualquier otra cosa”…” la premiere alcanzó un nuevo punto bajo”, de Zoe Anderson del diario The Independent quien sólo le dio una de cinco estrellas. O, según Judith Mackrell del Guardian, quien sostuvo que “a pesar de lo emparchado de la velada, los bailarines merecieron su aplauso”. O peor aún, dijo el Times: “ talento desperdiciado”. Acosta no necesita demasiado para vender entradas que su nombre y como él dijo en alguna entrevista: ”no me importa fracasar sino intentar algo nuevo”, seguirá seguramente tomando riesgos para encontrar su camino a futuro, considerando que a los 36 años debe estar pensando en lo que vendrá al retirarse.

El tango argentino hizo su parte en el Teatro Sadler’s Wells a través de Tanguera, coreografía de Mora Godoy y roles principales a cargo de Esteban Domenechini y Leticia Fallacara. Lograron éxito de público y crítica como la de David Dougill de la revista Culture del diario Times, quien los clasificó como virtuosos, a pesar de no encontrarlos suficientemente atrapantes.

Entre otras actividades estivales típicas, las escuelas de ballet dieron sus cursos de verano de dos semanas. Tanto la Royal

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Argentinas en la Central School of Ballet de Londres, junto a la profesora Linda Moran (Royal Academy) Foto . gentileza de la Asociación Arte y Cultura

Academy of Dance, la escuela del Royal Ballet, la Central School of Ballet y la del English National trabajaron a full. Muchas requieren audiciones de foto y/o video y promedian el costo de 300 libras esterlinas con días completos dedicados a la técnica clásica y todas las disciplinas complementarias: carácter, puntas, repertorio, entre otras.

En una ocasión especial, enmarcada en la celebración de los 20 años de la Asociación Arte y Cultura de Buenos Aires, catorce estudiantes de danza de la Argentina, visitaron Londres luego de París en un tour cultural con énfasis en el ballet. En Londres asistieron a clases de la Central School of Ballet impartidas por Linda Moran. También disfrutaron del Bolshoi en Coppelia, El Lago de los Cisnes del Ballet Mikhailovsky, y el musical Billie Elliot en su quinto año de éxito en el West End, así como de una visita guiada en la Royal Opera House, casa del Royal Ballet.

Listos están los programas que comienzan fuerte en todas las compañías en el otoño. Una exposición de los diseños para los Ballets Rusos abre en el Victoria & Albert Museum. Un nuevo Dance Umbrella reunirá las novedades de la danza contempo72 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2010

ránea y una lluvia de espectáculos independientes de ballet y danza se anuncian prontos para llenar las salas de teatro provenientes de todo el Reino Unido y del mundo, haciendo de esta ciudad uno de los centros más activos y atractivos para este arte en el planeta. __BD

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OCTUBRE 2010 // BALLETIN DANCE / 73

Balletin Informativo

INVESTIGACIÓN Balletin Dance, 17º aniversario. Concurso de Investigación en Danza. Con el objetivo de contribuir al desarrollo de la investigación en danza en la Argentina, Balletin Dance proyecta la primera edición del Concurso de Investigación en Danza 2011.

Las bases y condiciones de participación pueden encontrarse completas en el portal de internet: www.balletindance.com.ar, y en la edición del mes de septiembre de esta revista (Nº 191). Siete investigaciones como máximo serán publicadas en el primer libro de la colección Danza: Investigación en Argentina, que se lanzará en abril del año próximo. La temática de los trabajos a presentar es totalmente libre. La selección priorizará la investigación, que puede ser en cualquiera de sus formas, y sobre todo la conclusión que arroje cada trabajo.

La recepción de los trabajos se realizará hasta el 31 de enero de 2011, y los resultados serán anunciados en marzo. Para mayores informes, comunicarse únicamente por e-mail a: investigacion@balletindance.com.ar

INSCRIPCIONES Las escuelas de danza del gobierno de la ciudad de Buenos Aires convocan a interesados en cursar las carreras de Intérprete (intérprete en danza clásica y contemporánea, e intérprete en danzas folklóricas argentinas y tango. Ballet institucional), desde los 11 años, en sus tres establecimientos. La escolaridad es gratuita. En las mismas escuelas se cursa el bachillerato, en los turnos mañana y tarde. Y también ofrecen cursos abiertos a la comunidad para todas las edades.

• Escuela de Danzas Aída Victoria Mastrazzi, Esmeralda 285 (centro), Tel: 4326-2942/2992, E-mail: mastrazzi@yahoo.com.ar.

• Escuela de Danzas Nº 1, Nelly Ramicone. Oliden 1245 (Liniers, Mataderos), Tel: 4687-3426, 4686-3145.

• Escuela de Danzas Nº 2, Jorge Donn, Alejandro Magariños Cervantes 5068 (Villa Luro, Vélez Sársfield).

CONCURSOS Y FESTIVALES

Lomas Baila Tango. Certamen Municipal de Bailarines de Tango de Salón. Organiza: Municipalidad de Lomas de Zamora. Responsables: Pedro Echagüe y Rodolfo Palmer.

Pueden participar bailarines desde los 10 años (divididos en seis categorías). Cierre de inscripción: viernes 15 de octubre. Participación libre y gratuita. Informes: Casa de la Cultura lomense (Manuel Castro 256, Tel: 4239-9700).

Enmarcada en la celebración del 150° aniversario de la creación del partido bonaerense de Lomas de Zamora.

Open Sudamericano y Open Nacional 2010 (AABD). Competencia de bailes de salón estilo internacional. Organiza: Asociación Argentina de Baile Deportivo. Sábado 6 de noviembre de 2010, a las 15 hs. Sala Siranush del Centro Armenio (Armenia 1353, Buenos Aires). Informes e inscripción: hasta el 31 de octubre. Tel: 4386-2487, 15-5035-6943.

E-mail: prensa.aabd@gmail.com, www.aabd.org.ar.

SEMANA DEL ARTE Y LA CULTURA El portal Recursos Culturales celebra sus cinco años de vida con una propuesta integral, especialmente pensada para artistas, gestores, emprendedores, proyectos y organizaciones culturales La Semana del Arte y la Cultura del 11 al 15 de octubre: Jornadas de Conferencias y Mesas de debate sobre industrias creativas, financiamiento de la cultura, gestión, emprendimientos y redes, y Seminarios de Capacitación orientados a ofrecer las herramientas fundamentales para emprender y gestionar en cultura (Industrias Culturales, Financiamiento público y privado de la cultura, Gestión y emprendimientos culturales). Informes: www.recursosculturales.com.ar

GRATIS EN BELGRANO En el marco de las actividades descentralizadas de la Escuela de Danza Aída Mastrazzi, comenzaron los cursos vocacionales en el barrio de Belgrano: Escuela N° 20 (Congreso 1553). Iniciación al ballet (5 a 7 años) y danza clásica (8 a 12 años) a cargo de Cecilia Levantesi. Informes personalmente en la escuela.

AUDICIONES EN EL EXTERIOR

Estados Unidos. El Columbia College de Chicago (Illinois) seleccionará director para su departamento de danza, a partir del 1º de junio de 2011.

Los interesados deberán enviar una carta de intension, Cv completo y tres referencias en un único documento. Informes: https://employment.colum.edu/ Dance Department Chairperson (POS 736).

Holanda. El Scapino Ballet Rotterdam dirigido por Ed Wubble seleccionará maestro de baile para comenzar el 1º de enero.

Informes: salima.belhaj@scapinoballet.nl, http://www.scapinoballet.nl/en/pages/extra_1+vacancy_balletmaster Inglaterra. El English Youth Ballet dirigido por Janet Lewis seleccionará una bailarina con al menos dos años de experiencia, para bailar roles principales del repertorio de la compañía (Coppelia, El Cascanueces, La Bella Durmiente y Giselle), preferentemente con experiencia docente, con contratos desde enero de 2011. También verán bailarines varones en la audición (clase, variación y pas de deux), el 9 de noviembre de 2010.

Enviar Cv y foto por email: misslewis@englishyouthballet.co.uk.

Informes: Tel: +44 (0)1689 856747, http://www.englishyouthballet.co.uk Suecia. El Ballet Real Sueco de 80 intérpretes, busca nuevo director artístico. Los postulantes deberán tener experiencia (clásico y moderno), una clara visión de una compañía de alto nivel, contactos internacionales y nacionales, y capacidad para aprender el idioma. Cierre de inscripción: 15 de octubre. Informes: Birgitta Svendén: Tel: +46 (0)8 791 4301, personalavd@operan.se, http://www.operan.se/balletdirector

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