BALLETIN DANCE 195 by Balletin Dance

LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA

ISS 1850-6275 . Año 17 . Nº 195 . enero-febrero 2011 ISSN Revista mensual de distribución gratuita Rev en Capital Federal y Gran Buenos Aires

Uruguay JULIO BOCCA Cuba FESTIVAL INTERNACIONAL DE BALLET DE LA HABANA Austria ESTRENOS EN LA OPERA DE VIENA Ecuador UN TOQUE DE DANZA

España LUCIANA CROATTO Y FRANCISCO LORENZO

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 1

NOVIEMBRE 2009 2011 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // ENERO-FEBRERO

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NOTA DE TAPA 6 Un Dúo Talentoso ENTREVISTAS 16 Formadores de Talento 18 Maximiliano Guerra: La Construcción del Movimiento 20 El Viaje del Arte ACTUALIDAD 12 Temporadas 2011 14 Premiados argentinos 14 Legislación 14 El IUNA Nuevamente en Actividad

Sumario 195

Luciana Croatto y Francisco Lorenzo en Nostalgia, en el Festival Internacional de Ballet de La Habana Foto . Alicia Sanguinetti

TANGO 22 Resultados de la Fusión PROVINCIAS 30 La Plata. Congreso Folklórico 32 General Pueyrredón. Guerra, Urlezaga y Piquín... 34 Ciudad de Buenos Aires. El Ballet Metropolitano...

COMENTARIOS 36 Cómo me Hubiera Gustado… 38 Ironía con Masas

STAFF

ARGENTINOS EN... 40 México. Agustina Galizzi

editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

IN MEMORIAM 26 Héctor Estévez 66 Enrique Morente INTERNACIONALES 42 Uruguay. Su Lugar en el Mundo 46 Cuba. El Mundo Baila en La Habana (segunda parte) 54 Ecuador. Un Toque de Danza. 56 España. Invierno Español 60 Austria. Estrenos Bajo la Dirección Legris 64 Chile. Duato, Béjart, Stevenson y Más CARTELERA 29 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 68 Audiciones. Del Exterior. Convocatorias. Del Exterior 70 Concursos y Festivales. Puntos de Venta

editora general Agustina Llumá

colaboran en este número Carlos Bevilacqua Rosana García Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Juliana Lizardo Villafañe Carlos Manso Estela Maris Natalia Picorelli corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 3 TIERRA DEL FUEGO: $ 5 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN

ENERO-FEBRERO 2011 - AÑO 17 - Nº 195 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancillería de la República Argentina. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/2004/2009). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 826907. Fotocromía: DTP Conexión Gráfica. impresión. Gráfica Laf. Monteagudo 741/45. Vª Lynch. San Martín. Buenos Aires. Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0400 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275

EN FLORES

Mujer Bonita

I I I II I II Artículos de danza

ZAPATILLAS • de 1/2 punta (también de raso)

• de punta • de jazz

(deportivas de jazz)

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• ballerinas • badanas

• Guantes • Mitones • Punteras • Polainas • Calzas • Castañuelas • Estolas • Saquitos de lana • Cubre patín • Accesorios danza árabe • Pestañas artísticas para danza

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ZAPATOS PARA • baile español • flamenco • jazz • tango • tap • folklore

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VESTIDOS • de Rumba • de tango • de Fiestas • de «15» • de Madrinas • de bailes de salón • manguitas de fiesta • boleritos de piel

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Un Dúo Talentoso Por Agustina Llumá Fotos de Alicia Sanguinetti

Francisco Lorenzo en una clase de Loipa Araujo en la Casa del Ballet Nacional de Cuba

Los argentinos Luciana Croatto y Francisco Lorenzo se encontraron en España. Juntos presentan un dúo contemporáneo en galas y festivales. Así llegaron al Festival Internacional de La Habana donde se realizó esta entrevista

En Cuba la pareja de argentinos mostró Nostalgia, una de las primeras creaciones coreográficas de Francisco Lorenzo, que explota las potencialidades de ambos. Jóvenes y talentosos bailarines que partieron hace años de nuestra Argentina, para trabajar con los máximos exponentes de la danza en Europa. En este dúo reservado, sobre música del Chango Spasiuk, ninguno hace alarde de sus condiciones físicas innatas para bailar, no hay acrobacia explícita, no hay efectos sobre-explotados. Se trata de una melancólica danza, de tenue luminosidad, sobre los recuerdos de aquello que ya no está. Cuando Francisco Lorenzo se fue de Argentina, asumía papeles protagónicos en el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. “Fui primero a Francia, a buscar un poco de estudio, entre Lyon y París” recuerda junto a quien escribe. De allí más workshops y audiciones en Barcelona donde trabajó con el catalán Ramón Oller durante una temporada. “Entre medio de todo eso me llamaron de Madrid para audicionar, y ya son ocho años los que llevo como bailarín principal invitado (ese es mi contrato) en la Compañía Nacional de Danza de España”. ¿Qué buscaba cuando fue a Europa? No tenía muy claro lo que estaba buscando pero sabía lo que no quería: seguir en Buenos Aires haciendo lo mismo y trabajando en el San Martín, porque ya no representaba un desafío para mi. Estaba muy contento con el trabajo ahí, pero no había unas miras muy progresistas, como yo digo. En la CND La suerte de estar en esta compañía en España es justamente que manejamos un repertorio súper variado, allí pude trabajar con Wim Vandekeybus que era un tipo con el que soñaba trabajar, con Willy Forsythe y con Mats [Ek], en creaciones. Pero además con [Jirí] Kylián en persona que ya fue un súmmum. Y las posibilidades que me dio Nacho [Duato] de hacer y de descubrir cosas, como los talleres coreográficos, investigar, salir de la compañía como bailarín invitado para actuar en festivales y galas. Eso que en Buenos Aires es impensable porque está todo muy centralizado y que en Europa es más fácil, las distancias son más cortas y los permisos son más fáciles de conseguir. Los coreógrafos De los más grandes, de estos nombres, la crème de la crème digamos… no sé exactamente qué edad tiene Mats, pero tengo un recuerdo muy claro de estar en el estudio trabajando con él, y de sorprenderme por la intensidad del trabajo, que habiendo hecho tantas coreografías y pasado por tantas compañías, me sorprendió mucho las ganas de seguir descubriendo -parecía un niño- de seguir creando, de seguir coreografiando. Con Kilyán fueron obras hechas, en las que él me ubicaba buscando que me pareciera -más o menos- al bailarín que había utilizado en la creación. Fue una experiencia diferente.

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Escena del dúo de Lorenzo que la pareja presentó en el Festival de La Habana

Primeras coreografías Hace dos años y medio comencé a coreografiar en los talleres coreográficos. Sin contratos, sin cobrar, simplemente con la oportunidad de tener un teatro, técnicos pagos, dinero para una pequeñísima producción y bailarines de la compañía, compañeros, a quienes yo les proponía el proyecto y les interesaba. De a poco hubo gente que vio el trabajo y un representante me llamó desde Berlín -con el que trabajo ahora-, así comenzaron las propuestas para bailar en galas.

Identidad Quiero llegar al punto de hacer que en la coreografía se vea algo que solamente yo pueda hacer. Aunque es evidente que están todas las influencias de la gente con la que trabajé, porque es inevitable y además es una manera de aprender, intento que las coreografías sean un mensaje muy propio, muy mío. Incluso en la música que utilizo, voy a las raíces latinoamericanas que en Europa no se ve demasiado y creo que me va a dar una identidad. ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 7

En la penumbra de Nostalgia

¿Nostalgia por Argentina? A veces. Los amigos. El trabajo: cómo me gustaría que las cosas fueran ahí bien diferentes a como son en realidad, por esas razones me fui. Respeto mucho como son, sólo que yo no encuentro mi espacio, mi lugar para desarrollarme. Encuentro con Luciana Croatto Aunque se habían cruzado en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, la diferencia de edades hizo que él no recordara cuando Luciana Croatto a los 12 años se “colaba” en las clases de Alejandro Totto. Sin embargo para ella “esa cara no se confunde”, aseguró en recuerdos pasados. Luego de que unos amigos bailarines los presentaran en el Viejo Continente, Lorenzo se enteró que Croatto estaba trabajando en Zaragoza. “Entonces venía a Madrid de una manera bastante periódica a tomar clases con la compañía y surgió la posibilidad de hacer algo muy argentino hace dos años, con música del Chango Spasiuk que es lo que en realidad estrenamos ahora en La Habana”, aseguró el bailarín. Futuro próximo Firmé el mismo contrato con el Ministerio, otra vez, pero el director no es el mismo. Nacho Duato dejó la compañía, se fue a San Petersburgo a dirigir el Mijailovsky. El hecho de no tener 8 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

esa presión, de un director como él tan cerca y con creaciones, me da la posibilidad de salir más afuera. Este año tengo algunos desafíos, me propusieron -por primera vez- hacer una pieza de treinta minutos para una compañía española y tengo algunas invitaciones de galas, como invitado en festivales y en compañías. A fines de noviembre Bulgaria y con Luciana vamos a Berlín con Malakov and Friends a presentar un dúo nuevo. Treinta minutos Estoy trabajando con Pablo Allende, un músico argentino radicado en Madrid y con Tomás Muñoz, un escenógrafo de ópera, para el vestuario me va a ayudar Luciana, vamos a hacerlo juntos. Tengo unas cuantas palabras encadenadas, estados de ánimo, del alma, que todo el mundo ha pasado por eso. Serán cinco y todavía es una idea muy fresca. Furia, soledad, euforia, humor, traición, esperanza, no estarán ni el dolor ni el amor, no va a haber nada cursi. Espero llegar a la emoción de la gente con el ritmo y llegar al corazón con el feeling de la obra. ¿Qué futuro ve para la CND sin Nacho Duato? Es bastante incierto. Este año por lo pronto está programado igual porque todas las giras y todas las actuaciones están vendidas con un año de antelación y mantenemos el repertorio de Nacho Duato, durante un año. Hubo un concurso y en diciem-

bre nombran al nuevo director [al cierre de esta edición se había confirmado al español etoile de la Opera de París, José Carlos Martínez como nuevo director], ahí veremos. Por los nombres que se barajan no creo que me interese demasiado. Pero este año me comprometí con Hervé Palito, ex asistente de Nacho y coordinador de la compañía, y con la compañía a cumplir con todas las actuaciones del año, y lo voy a cumplir. Utopía para el futuro lejano Vamos a fantasear: un teatro. La dirección de una compañía. De hecho estoy empezando a armar un proyecto con un empresario, estamos desarrollándolo sin nada claro, podría dirigir él y yo ser un coreógrafo residente. Consejo para quienes se inician en la danza Que no bajen los brazos, que hagan el esfuerzo que vale la pena, es una carrera muy bonita. Que lean. Aparte de estirar los pies, que intenten cultivarse. Me gustaría que lo tomen en serio. Instruirse, informarse en cultura general, del mundo. Es algo que a mi me llena, me hace seguir adelante, saber que hay tantas cosas por descubrir, por conocer.

Luciana Croatto en la misma clase, poco antes de comenzar la función en el Teatro Mella de La Habana

Luciana Croatto por su parte, realizó una carrera diferente. Oriunda de Santa Fe llegó siendo niña a la capital argentina para estudiar en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, tenía diez años y viajó sin su familia. “A los 14 me fui a seguir estudiando a Bordeaux [Francia], luego empecé a trabajar con Maurice Béjart en la compañía como bailarina profesional, con el estilo de Maurice muy Maurice -dice en perfecto francés-: un poco teatral, un poco neoclásico, un poco moderno. De ahí fui a Zaragoza a una compañía que se llama La Mov, de corte neoclásico y contemporáneo, donde invitan a varios coreógrafos jóvenes, así como Pancho [Francisco Lorenzo]. Me interesó mucho este camino de poder compartir las nuevas ideas de las generaciones que fueron tocadas justamente por Kylián, Mats Ek, Forsythe y todos ellos. Ahora si bien sigo trabajando en La Mov y coopero prácticamente con todas las piezas que hay, me encuentro freelance, lo que me permite asistir a galas y otras cosas que van saliendo. También trabajo con teatro, que me gusta mucho, he tenido la suerte de poder trabajar como consejera gestual de actores profesionales de teatro en España.

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¿Qué es una consejera gestual? Es la forma de actuar sin palabras. Cuando uno tiene un personaje, o un sentimiento, o lo que sea, todo nace en el pensamiento, luego tiene el sentimiento como es normal, y se refleja primero en el cuerpo para que salga la palabra, o la voz y el tono. Del tono no me ocupo porque no es mi trabajo. Tiene mucho que ver también la danza teatro. Estoy interesada por la danza teatro contemporánea y todo lo nuevo, sin dejar de hacer clase de ballet todos los días y sin dejar de admirar a Paloma Herrera, Tamara Rojo y Alicia Alonso. Con Béjart Maurice, para mi representó, además de mi coreógrafo, mi primer coreógrafo y mi guía espiritual en el arte en general, también fue como mi abuelo. Me enseñó muchísimas cosas porque no sólo era un gran intelectual y un sabio, era una persona muy pero muy generosa y humilde. Me enseñó que en el trabajo se tiene que trabajar en equipo, que de solistas y de estrellas no se hace ninguna gran pieza ni ninguna gran obra de arte. Es un equipo desde el técnico hasta el bailarín, o el coreógrafo, cada uno tiene que estar en su sitio y todos colaborar entre todos y dar lo mejor de uno. Y quererse. Y después de bailar ir a comer juntos y hablar de otras cosas que pasan en el mundo y no vivir en un frasco de danza, maravilloso por supuesto, pero que tiene que ser nutrido con la realidad. En Argentina el hecho de ser free lance a tu edad provoca un poco de miedo. Pienso que hay algunas pautas empresariales del éxito -el bailarín es su propia empresa- y una de las más importantes es aprender a tomar riesgos, después si sale bien, si sale mal... Se puede. Soy una persona que me ha ido muy muy muy bien, he tenido muchísima suerte y estoy muy agradecida. También la

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vida misma me ha dado algunas pruebas muy duras, en donde he tenido que volver a empezar, de cero. Se decir que es una de las cosas más importantes que me pasaron, empezar de cero otra vez y saber tomar el fracaso de una manera inteligentemente emocional. Digamos que no existen los fracasos, todo está en la cabeza y hay que saber seguir adelante. Usted siempre tomó riesgos. ¿Yo? Sí. Pero riesgos pensados, no me tiro por ahí porque sí. No. Hay personas que viven un poco pensando en ser alguien, o creen parecer alguien que quieren ser y nos olvidamos de lo más importante que es encontrarnos a nosotros mismos. Saber estar y disfrutar de cada momento, que es lo más difícil que uno aprende en la vida y es lo único que nos queda, realmente, es lo que nosotros hemos disfrutado y vivido. Claro que es para compartir, sino no tiene gracia. Planes a futuro En este momento estoy teniendo bastantes posibilidades muy distintas, estoy en un momento de decisión. Siempre queremos hacerlo todo pero en realidad no se puede, tiene que ser una cosa, tiene que ser el todo y construir el resto alrededor de esa cosa. Entonces, sea la posibilidad danza-teatro, contemporáneo, o bailarina de coreógrafo, o seguir free lance, o meterme en una compañía fija: en todas pierdes y ganas. También es lo que se ve por el camino. Y siempre agradecida. Consejo ¿Algún consejo? Que no se olviden que el arte son los colores del alma del mundo. Y que un arte por sí solo no es nada si nos olvidamos que somos seres humanos, que respiramos, que estamos hechos de sangre, de huesos, de alma, de espíritu también por supuesto. Que no dejen de creer en algo y que sin esfuerzo no se llega a ningún sitio. ¿Cuál es su creencia? Suena un poco… creo en mi. Por eso soy de las personas que cuando me encuentro a alguien como Francisco Lorenzo -un gran bailarín y un gran futuro coreógrafo- también creo en él. Creo en la gente que tengo alrededor, la cuido y trato de darle lo mejor de mí. Y bueno, a veces se comen alguna cosa mala mía, pero eso hace parte a la familia ¿no?. __BD

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Temporadas 2011 Poco se sabía al cierre de la presente edición de cómo habían quedado conformadas las temporadas 2011 de los elencos de ballet estatales El Teatro Colón no anunció oficialmente ninguna temporada para 2011 (ni ópera, ni ballet, ni conciertos), ni ninguna medida concreta para continuar su funcionamiento. Es cierto que el año finalizó de una manera poco habitual, con la suspensión de casi todos los espectáculos que estaban programados en diciembre. Los cambios y novedades se dieron casi a diario en este último mes, por lo cual mantener la actualidad desde estas páginas resulta imposible. Judicialmente hubo dos importantes y opuestas decisiones. Por un lado la Sala II del fuero contencioso, administrativo y tributario Nº 13 de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, dictó sentencia favorable al Teatro Colón y rechazó el amparo interpuesto por Máximo Parpagnoli, Pastor Mora, Diana Fasoli, Patricia Pérez y María Sara Tonazzi (iniciado en febrero de 2010, en referencia al maltrato del patrimonio histórico del Teatro, la acústica y la restauración del edificio entre otros tantos). Claro que casi un año después de haberlo presentado y luego de la re-inauguración en mayo- las cosas habían cambiado bastante.

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Por otro lado, el Juzgado en lo contencioso administrativo y tributario de la ciudad, Nº 1, Secretaría Nº 1, a cargo del Dr. Cataldo, ordenó el 3 de diciembre al gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que proceda a reparar las partes deterioradas de los pisos de las salas y escenario, garantizar seguridad en el foso de la orquesta de la sala 9 de Julio y habilitar su salida de emergencia, dentro de los 5 días, en los autos caratulados Crespo Favier Mariana y otros contra GCBA y otros sobre amparo. Esta revista no pudo saber oficialmente si estas reformas se realizaron o no. También en los primeros días de diciembre Pedro Pablo García Caffi, director general del Ente Autárquico, realizó una conferencia de prensa en la Jefatura de gobierno porteño, con aviso a los medios horas antes de iniciarla. Allí anunció que se aplicarán “duras sanciones sobre este pequeño grupo que impide el desarrollo de las actividades, y que amenazan y chantajean al público y a otros empleados”. Según el director los trabajadores agrupados a ATE (Asociación de Trabajadores del Estado) rompieron el acuerdo que habían firmado sus propios representantes días antes, que establecía la conciliación obligatoria hasta el 16 de diciembre.

De la actividad 2011, lo único que dijo García Caffi fue que “para febrero o marzo seguramente habrá aumentos de sueldos, porque es algo que se viene hablando”. También en el ámbito de la ciudad de Buenos Aires, el Complejo Teatral que nuclea a cinco salas porteñas, entre ellas al Teatro San Martín, no había presentado -cuando ingresaba esta revista a imprenta- su ciclo anual, a cargo de la nueva dirección, lo que supone que este año comenzará algo atrasado. A nivel estatal, fueron los elencos de la provincia de Buenos Aires, los que anunciaron su propuesta 2011 a BALLETIN DANCE. El Ballet del Sur bajo la dirección de Ricardo Alfonso que se publicó el mes pasado y el Teatro Argentino de La Plata con seis óperas, nueve conciertos, cuatro ballets integrales, una temporada de cámara, el festival de cine de universidades y una intensa actividad experimental. El Ballet Estable a cargo de José Luis Lozano, comenzará el año con el estreno de Sylvia coreografía del propio director sobre partituras de Léo Delibes (16 al 20 de abril). Jorge Amarante estrenará El Pájaro de Fuego con música de Igor Stravinsky (17 al 19 de junio en La Plata y 2 y 3 de julio en el Luna Park). Continúa La Fierecilla Domada de Kurt-Heinz Stolze con producción del Teatro Municipal de Santiago de Chile (16 al 22 de octubre) y finaliza la temporada con la reposición -una vez más- de Espartaco de Vilen Galstian sobre la partitura Aram Kachaturian. Por otra parte, el Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino (TACEC) ofrecerá una prolífica cantidad de propuestas, de todas, las vinculadas con la danza son: La Plata Arde plataforma para artistas de La Plata (música, teatro, danza) en marzo. Km. 29 de Juan Onofri Barbato, una obra por encargo del Teatro de la que participarán jóvenes pertenecientes al Centro de Día Casa Joven de González Catán que se verá en mayo. Intermedio una performance/teatro/new media dirigida por Claudia Billourou, con la participación de Minou Maguna y Gustavo Basso en una co-producción con Black Trash Productions (Alemania) que estrenará en julio. También por encargo el grupo Krapp estrenará en agosto una obra que incluirá cine, aún sin nombre. Transcripciones (danza, video, música) será el espectáculo coreográfico dirigido por Diana Theocharidis, con la actuación del cellista finlandés Ansi Kartunen y del videoartista francés Jean Baptiste Barriere que podrá verse en octubre. El año finalizará para el TACEC con una performance en la vía pública denominada El Gentío bajo la dirección de Ciro Zorzoli y la participación de los habitantes de La Plata, en diciembre. __BD

Espartaco en la puesta 2010 del Teatro Argentino Foto . Guillermo Genitti ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 13

Actualidad

PREMIADOS ARGENTINOS

LEGISLACIÓN

Se entregaron los premios 2010 del Programa de ayudas económicas Iberescena

El mes pasado se aprobó en Buenos Aires una nueva ley que beneficia a los pequeños espacios escénicos de la ciudad

El proyecto Iberescena anunció a fines del año pasado, que se recibieron en la convocatoria 2010 cuarenta proyectos enmarcados en la línea Gestión, ciento cincuenta para Creación, ciento setenta y seis para Programación y ochenta y cuatro para Coproducción 84. La inscripción para el ciclo 2011 estará vigente desde el 17 de enero hasta el 31 de junio de este año. Información completa en Internet: www.ivberescena.org Las ayudas a los procesos de creación dramatúrgica y coreográfica en residencia significó en 2010, una suma de cuatro mil euros para cada uno. Los argentinos ganadores fueron Lucia Russo (para su proyecto El Tiempo de los Gestos Salvajes), María Claudia Bellotto (Sin Título), María Cristina Niclison (Tamaña Soledad) y Matías Martínez Videla (La Primera Línea). En cuanto a los encuentros, talleres, seminarios y congresos, relacionados con al gestión y producción de las artes escénicas, los montos variaron de acuerdo a cada postulante, pero todos a continuación están expresados en euros. En nuestro país resultaron beneficiados el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral para su segundo foro sobre la producción escénica en Iberoamérica (5.000), la Comedia de la Provincia de Buenos Aires para su primera jornada de formación y reflexión en gestión en las artes escénicas (4.000) y la Universidad Nacional de Río Negro para la organización de su primer encuentro internacional de reflexión, pensamiento y práctica teatral (con 4.000). La tercera línea de apoyo está relacionada con las coproducciones de espectáculos de teatro-danza y las vinculadas con nuestro país fueron para Luis Garay (Estudio para Certezas de Incompletad, Brasil, 15.000), Mariano Cossa (El Plano Transparente, México-España, 15.000), Ulises Becáis (El Diablo y la Heladera, España, 10.000). Con sede en España se benefició a Euroescena (La Puta Enamorada, Argentina, 10.000) y desde Uruguay a Valeria Piana (Olor a pobre, Argentina, 12.000). Por último las ayudas a redes, festivales, y espacios escénicos para la programación de espectáculos resultaron para la Asociación de Coreógrafos COBAI (XI Festival El Cruce, 12.000), Asociación El Baldío (XV Festival de la Víspera, 10.000), Asociación Mutual Catalinas Sur (IV Festival Internacional de Títeres al Sur, 21.000), El Rayo Misterioso Experimenta Teatro (Encuentro Internacional de Grupos, 12.000), Equipo Delta Trabajo Teatral (XII Festival Otoño Azul, 12.000), Mara Valeria Ferreira (V Festival Internacional de títeres itinerantes del Niño Campesino 2011, 10.000). __BD

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La nueva ley modifica el artículo 2.1.8 del Código de Habilitaciones y permite que las pequeñas salas funcionen desde que se inicia el trámite de habilitación (antes debían esperar a que terminara). El objetivo: reconocer y proteger “la vitalidad y creación permanente de nuevos espacios culturales”. Para aquellas salas con habilitación pero que deban mudarse se les otorgará seis meses de plazo para iniciar el trámite de habilitación en el nuevo edificio. Además sobre fines del año pasado, dieciséis espacios escénicos de la ciudad de Buenos Aires, se nuclearon en una entidad a la que llamaron Escena, que comenzó sus actividades con la organización de Semana Escena Dosmildiez, Primer Festival de Teatro y Danza Autónomo, y que han impulsado la sanción de esta nueva ley. __BD

EL IUNA NUEVAMENTE EN ACTIVIDAD El 6 de diciembre los ocupantes del rectorado del Instituto Universitario Nacional del Arte, entregaron el edificio de Azcuénaga 1129 que habían tomado a fines de septiembre, a las autoridades de la institución Además, pocos días antes, ya habían tomado posesión del nuevo edificio de 5700 m2 ubicado en pleno centro de la ciudad de Buenos Aires. Las actividades, señalaban los funcionarios en un comunicado de prensa, “se normalizarán paulatinamente a medida que se realicen los respectivos controles a cuyo efecto serán convocados los responsables de cada área”. __BD

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 15

Formadores de Talento Por Carlos Bevilacqua

Enrique Lommi y Olga Ferri

Olga Ferri y Paloma Herrera

El Ballet Estudio de Enrique Lommi y Olga Ferri cumple en marzo 40 años de vida. Entre sus paredes se gestó buena parte de la historia grande de la danza en la Argentina Subir las escaleras de Marcelo T. de Alvear 1435 hasta el primer piso es entrar a una especie de templo de la danza en pleno Barrio Norte porteño. No porque haya muchos objetos recordatorios, sino por la vivacidad de los alumnos que prolongan una tradición de excelencia forjada a partir de 1970, cuando Enrique Lommi y Olga Ferri, primeros bailarines del Teatro Colón, abrieron el Ballet Estudio. “Quisimos un espacio que tuviera aire puro y luz natural. Cuando yo entré al ballet del Teatro Colón, la rotonda donde ensayaban los bailarines ya había sido declarada ámbito insalubre cinco veces por la Municipalidad”, cuenta Lommi. Su sobrina, Marisa Ferri, directora artística del estudio, aclara: “Ellos compraron el primer piso y, luego de 20 años, edificaron otro salón en el segundo. Enrique hizo construirlos con cámara de aire y cuando surgía algún problema, arreglaba madera por madera él mismo”. Aunque más pequeño, el salón de 14 x 6 m del primer piso fue testigo de la época de oro del estudio. Allí dieron sus primeros pasos coreográficos Paloma Herrera, Raúl Candal, Roxana Grinstein, Ana María Stekelman, Susana Tambutti y Margarita Bali, según cuenta Marisa. “Ellos se formaron con Enrique y con Fredy Romero, que daba unas clases de Graham fabulosas -agrega-. También se formaron maestros, como Daniel Escobar, Daniel Negroni, Elena Orfila, Cecilia Díaz, Lidia De Rosa, Bettina Quintá y Gisela Munch”. En el Ballet Estudio siempre hubo becas sin que se las promocionara como tales. “Cuando vino alguien que no tenía plata pero que quería estudiar y tenía condiciones, le abrimos las puertas”, asegura Lommi. Así fue como un niño llamado Iñaki Urlezaga empezó a tomar clases con ellos. “Iñaki venía a acompañar a la hermana y se quedaba paradito contra la pared, mirando, pero cada tanto estiraba una pierna o un brazo. Un día le dije a la madre: ‘Me parece que le interesa la danza’. ‘Sí -me dice-, pero yo no puedo pagarles clases a los dos’. Yo le contesté: ‘¿Quién habló de plata?’. Estuvo tres años tomando clases”. Un caso similar al de Marcela Goicoechea. Tras verla como jurado en un concurso infantil realizado en el Chaco, Olga llamó a la madre para decirle: ‘Señora: el día que quiera que su hija se forme como profesional, mi estudio está abierto para usted. No le puedo pagar la estadía, pero no se preocupe por el estudio’. “Pasó un tiempo y recibimos una carta de la madre, aceptando la invitación -narra Lommi-. Olga la preparó y después de un año y pico, entró al Colón”. Uno de los nombres que más elogios despierta es el de Paloma Herrera. “Ella se formó acá. Ya de nena era muy tenaz y muy aplicada. Llegaba siempre un rato antes para prepararse. Cuando empezaba la clase, ya estaba transpirando. Además, era muy celosa de la maestra. Cuando tomaba clases colectivas, a veces, antes de irse, se paraba frente a Olga y le decía: ‘Usted hoy no me miró ni una sola vez’. Se daba vuelOlga Ferri y Rudolf Nureyev Fotos . gentileza Ballet Estudio 16 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

ta y se iba, ofendida. ¡Tenía 11 años!”, recuerda Lommi. Marisa, por su parte, señala: “Olga siempre fue una maestra integral, no sólo en lo coreográfico. Hasta le teñía las mallas y le pintaba las zapatillas a Paloma. ¡Hoy, con 82 años, mi tía le ablanda las zapatillas a sus alumnas!” La charla se bifurca en decenas de datos, hasta que Marisa establece un hito fundacional: “El salón fue inaugurado por el maestro Héctor Zaraspe. Cuando Olga y Enrique lo llamaron todavía no tenía el prestigio que tuvo después, pero ya elegía a sus alumnas”. Marisa era todavía una niña cuando entreabría la puerta para ver cómo Zaraspe le daba clases a Rudolf Nureyev y a Margot Fonteyn. “Era algo increíble”, se maravilla al recordarlo. La figura de Nureyev también sacude la memoria de Lommi: “Vino dos veces a Buenos Aires, las dos contratado por el Colón. Era un tipo muy serio, muy concentrado en su trabajo. Cuando hizo El Cascanueces con Olga, yo tuve un choque con él porque, durante un ensayo en el que yo iluminaba, me dijo que le daba más luz a Olga que a él. Lo que pasaba era que como el círculo del reflector era chico, Olga entraba entera, pero él, que era muy alto, no”. Llevados a mencionar visitas extranjeras célebres, Marisa se ufana de haber tomado clases con Antonio Gades, la leyenda del flamenco, en ese ámbito. “Acá también estuvo (Mikhail) Baryshnikov cuando vino el año pasado”, acota la bailarina y docente. El mismo ámbito que recibió al argentino Jorge Donn cuando volvió al país para interpretar Nijinsky, Clown de Dios con Cipe Lincovsky. “Durante dos meses vino todos los días a tomar mi clase matutina”, recuerda Lommi. “Él dijo que cuando se tuvo que ir del país la única que le había dado una palabra de confianza había sido Olga”, aporta Marisa.

El Estudio hoy con su clase llena

Según cuenta el maestro, ese primer salón del estudio también fue el trampolín de Noemí Coelho: “Ella introdujo el jazz en el país. Y acá dio sus primeras clases”. Una vez en el enorme estudio del segundo piso (de 14 x 16 m), las palabras de Marisa conducen a una reflexión sobre el rumbo de la danza en la Argentina: “No hay en todo Buenos Aires un estudio como este. Enrique quiso construirle a Olga su propio Taj Mahal. En este salón predominó la comedia musical por sobre la danza clásica, reflejando el decaimiento general que sufrió el ballet en nuestro país”. El nuevo ámbito de techos altos y más ventanales luminosos albergó puestas de excelencia, como Chicago, Piaf, El Beso de la Mujer Araña, unos interminables castings para el Cirque du Soleil y una obra que Ana María Stekelman y Alfredo Arias armaron para presentar en el Palacio de Versalles. Para los entrevistados, cada sector del salón supone imágenes de fuerte carga emotiva. Como la de Sylvie Guillem ensayando con los 60 miembros del Royal Ballet de Londres. Pero no sólo de recuerdos vive el Ballet Estudio. Porque así como en los últimos años bailarinas de la talla artística de Ludmila Pagliero, Carolina Agüero y Marianela Núñez pidieron consejos a Enrique y Olga antes de interpretar determinados roles, hoy ese mega-salón es cedido para que preparen sus coreografías directores como Jorge Amarante y Analía González. “Yo, que soy de la generación que sigue, voy a hacer todo lo posible para que el estudio siga con la misma seriedad de siempre. Pero modernizándonos y sumando nuevos docentes de renombre, como por ejemplo Gustavo Zajac”, explica Ferri llena de orgullo. __BD ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 17

Maximiliano Guerra: La Construcción del Movimiento Por Eliana Gissara

El primer bailarín Maximiliano Guerra culmina un año de intensa actividad y se prepara para la temporada 2011, en la que repondrá su versión de Carmen en Buenos Aires y Mar del Plata, y la obra Íntimo en el interior del país El Ballet del Mercosur, con Maximiliano Guerra como director, presentó en el Teatro ND Ateneo un programa doble compuesto por una primera parte titulada Tango Paradiso, y el plato fuerte, Carmen, con coreografía de Guerra y su mano derecha Gabriela Pucci. La primera recorre distintos estilos de tango a través de las coreografías de Romina Guerra, Mora Godoy y Raúl Moreno. En tanto, la versión de Carmen opta por un costado más despojado, carente del cuerpo de baile y focalizado en el trabajo actoral de los protagonistas. Usted ha interpretado el papel central de Don José cuando apenas tenía 15 años. ¿Qué aspectos decidió subrayar hoy? Mi primer rol en el Teatro Argentino de La Plata fue interpretar a Don José. Después lo bailé en el Teatro Colón, en Cuba, Japón, Italia y España, pero en esta oportunidad decidí darle una vuelta más a la obra. Creo que el personaje es muy rico para trabajar, con un arco interno muy importante. No es el mismo hombre el Don José que llega a la tropa, que aquél seducido por Carmen en el cambio de guardia. Personalmente quedé muy satisfecho por mi trabajo y todo lo que logró el Ballet, muy abierto a la propuesta de encarar la danza desde otro lugar. Siempre rescato que uno no debe bailar desde la técnica para elaborar un personaje, sino que la historia debe ser contada desde el mismo personaje, para que la técnica fluya y sea solamente un medio.

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Asimismo realizaron variaciones en la puesta. Sí, agregamos el personaje del Destino. Es curioso porque el destino es aquello que existe cuando las cosas no nos salen tan bien... Pero después, cuando las cosas sí salen, las hacemos nosotros. Es un personaje siniestro, pero en el buen sentido, en lo que oculta, en lo que no se ve. También cumple la función de hilo conductor, ya que va generando las historias y conduciendo las figuras para que se vayan encontrando en la trama. Carmen es una obra intimista, es teatro sin palabras. Utilizamos la técnica de la danza clásica con algunos cortes personales, y un fuerte trabajo actoral en colaboración con el director y actor Manuel Callau. ¿Cómo conviven en usted los roles de bailarín, director, coreógrafo y maestro a la hora de montar una obra? Cuesta pasar de director a bailarín, porque para actuar el director tiene que generar en su grupo crisis internas en pos del personaje. En esta ocasión deseaba que este trabajo lo hiciera otra persona, ya que es complejo producirles estas crisis a mis colegas y luego actuar con ellos. Cuando uno tiene que interpretar un rol debe estudiarlo, leer la obra, el autor, entender por qué escribe, saber cuál era la situación social del mundo. Como maestro trato de transmitir estas herramientas para que los bailarines puedan mejorar. Luego está la coreografía, el lado más creativo. Mi búsqueda en este caso es hacer lucir a la persona en cada coreografía. Mi creación parte desde un personaje con determinado cuerpo, virtudes y limitaciones. Una agenda completa El 2011 inicia con varios proyectos para Guerra. En conjunto con el Ballet del Mercosur, viajará a Mar del Plata para hacer función los fines de semana de enero, y giras por el interior del país y la costa atlántica con el programa de 2010: Intimo. En febrero volverán a presentar Carmen en el ND Ateneo, con la posibilidad de extenderlo a todos los miércoles del mes, sin abandonar las funciones en la ciudad balnearia. “Va a ser una temporada cansadora porque también en febrero se define el ciclo televisivo Talento Argentino con emisiones en vivo”, comenta el bailarín, que ya tiene confirmado en 2012 viajar a Alemania para montar Don Quijote en la ciudad de Stuttgart.

¿Qué cambios produjo la televisión en su popularidad? Talento Argentino me da mucha satisfacción; me gusta que sea federal, cultural, y familiar, y que la gente del interior tenga la posibilidad de mostrarse. Muchas veces ejercí ese rol de promotor de talentos, como el caso de Marianela Nuñez, a quien llevé a Uruguay, España y Tokio cuando era adolescente. En cuanto a la popularidad, cambió el acercamiento con el público. La televisión te permite vivir con ellos en el living de sus casas, por ende cuando salís a la calle te dicen lo mismo que le dirían a un vecino. Este año también abrió su escuela Fábrica de Arte. Sí, encontré un lugar que me fascinó por sus dimensiones. Allí pude colocar mi tapete, que es casi la medida del escenario del Teatro Colón. En los espacios propios se genera mucha libertad creativa y tener un salón para ensayar es bárbaro. Hay que ensayar en grande, dejar que el cuerpo vaya a donde quiere ir. Después de bailar en tantos escenarios del mundo, ¿cuál es el que más lo conmueve? El Teatro Colón. Es el primer escenario que pisé cuando tenía 11 años. Pero amo la Scala de Milán y el Kirov (Mariinsky). Recuerdo haber terminado una función en Rusia, a los 21, y el teatro de pie ovacionando mi labor… Se me caían las lágrimas. ¡Qué hacía yo

Guerra y Patricia Baca Urquiza, Don José y Carmen. La coreografía de Carmen lució más austera e intimista Foto . Carlos Villamayor

ahí, un chico de Almagro! Soy una persona que se emociona en el escenario, me conmueve el público y me dejo llevar. Es parte de la vibración interna del alma. ¿Cuál es su relación actual con las autoridades del Teatro Colón? No tengo relación. Me entero por colegas las cosas que suceden y me da mucha bronca que no tengan la humildad de reconocer sus errores y reflexionar. La soberbia mata al hombre y esto es lo que más me molesta de la situación. Dejaron al Teatro arquitectónicamente bello para el público, pero se olvidaron que adentro viven almas. No poner pisos adecuados para bailarines es como cortarles las piernas, para eso es mejor disolver el ballet. Yo conocí al Teatro Argentino de La Plata sin edifico. Había sobrevivido muchos años así, pero no importaba. Lo fundamental es la gente que conforma los teatros. __BD

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El Viaje del Arte Por Eliana Gissara

BALLETIN DANCE dialogó con el director, coreógrafo y profesor Gustavo Zajac, quien celebra diez años de exitosa actividad en el teatro musical y la danza jazz. Con tres obras actualmente en cartel en Japón, México y Argentina, el artista repasa sus logros profesionales y su visión sobre la coreografía, la creación y las tendencias en escena Él cumplió su sueño. Fue feliz. Con intrepidez, redobló la apuesta y lo superó. Sigue siendo feliz. “Hoy busco ser más auténtico, generando un estilo propio que logre la transformación en el otro. La finalidad del trabajo no es la exhibición de una destreza sino la doble transformación; del espectador, por un lado, que mira y es conmovido por el arte, y del artista, por el otro, fomentando valores y estimulando el crecimiento personal. El trabajo humano es tan importante como la creación del movimiento, porque al final del día somos personas y debemos comprometernos con la humanidad del trabajo. El arte debe ser transformador, siempre en forma pacífica”. Bajo esta premisa se presenta Gustavo Zajac, una persona que trabajó sobre su propio destino y concretó lo que en retrospectiva imaginaba lejano. Diez años atrás daba por finalizado su ciclo como bailarín sobre un escenario, para ingresar a otro mundo, más plástico y creativo, como director y coreógrafo. Su debut fue como productor residente del musical Nine en Argentina, una pieza que posteriormente le abriría las puertas en la mítica Broadway Avenue de Nueva York. Habiendo obtenido la Beca Fulbright, Zajac fue seleccionado entre decenas de postulantes para estudiar comedia musical en Estados Unidos. Al culminar el proyecto, hizo su debut como asistente de coreografía en Wise Guys y se codeó con importantes figuras de la talla de Sam Mendes, Nathan Lane y Victor Garber. Luego regresó a Buenos Aires tras un año y medio intenso, y trabajó para la producción de Diego Romay como director adjunto de La Tiendita del Horror, en el Teatro Broadway. “Hasta el momento mi sueño máximo había sido bailar en calle Corrientes. Pero nunca imaginé todo lo que vino después. Ahí estaba yo, entrando y saliendo de los teatros de Nueva York, trabajando a sala llena en lo que fue mi segundo viaje a la Gran Manzana, volviendo a montar Nine con Antonio Banderas y Chita Rivera como coreógrafo adjunto”, comenta Zajac, con muecas de niño, mezcla de entusiasmo y arrebato.

Según el artista, hoy es más valorada la profundidad que la búsqueda de la destreza. En la foto como director general de El Violinista Sobre el Tejado en Japón Fotos . gentileza Gustavo Zajac 20 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

La ruta Buenos Aires-Nueva York continuó con su participación en Aplausos, con Claudia Lapacó y Paola Krum, y El Violinista sobre el Tejado con Alfred Molina. Luego llegó el turno de probar suerte en Oriente, Japón, con una nueva versión de Nine, y su incursión en otra danza, el folklore argentino, de la mano del musical Nativo en el año 2005. Si bien su lenguaje está ligado a la danza jazz, Zajac cree firmemente en la diversidad de estilos e intercambio de géneros. De hecho tiene en su haber grandes éxitos ligados al tango for export en los espectáculos Tangorama, Bien Argentino y Puerto Buenos Aires, encabezados por Mora Godoy, Raúl Lavié, Valeria Lynch, Laura Fidalgo, Maximiliano Guerra y Patricia Sosa. Ganador del premio ACE a Mejor Director de Musical por Víctor Victoria, Gustavo recorre todo el país sirviéndose de su otro rol, el de maestro. “Me gratifica el contacto con la gente. Creo que es importante equiparar los niveles de estudio. Cada año regreso a Buenos Aires a lo que yo llamo mi casa, junto a mis alumnos de la escuela de Olga Ferri”. Barajar y dar de nuevo El recorrido de Zajac en la danza también albergó un desvío, que fue sorteado con coraje y madurez. “Durante dos años me alejé completamente de la escena artística para volcarme en una carrera académica: Relaciones Internacionales. Dejé todo y me instalé en Arkansas (Estados Unidos) donde obtuve mi título universitario. Fue una decisión muy dura porque pensé que aban-

Gustavo Zajac dicta seminarios en el mundo y dirige una Beca en Pittsburgh

donaba el arte para siempre, pero pude lograr la ecuación que más deseaba y unir mis dos pasiones: el interés por el mundo y el teatro. Esto me ha llevado a viajar y establecer un ida y vuelta con la gente; yo me formo a través de las personas que viajo a formar, conozco distintas culturas y convivo con todas ellas”. En la actualidad, el director y coreógrafo tiene obras en cartel en Argentina, en México -Timbiriche- y en Japón -Spoon River-. Timbiriche fue estrenada en mayo y lleva más de doscientas funciones en el D.F., mientras que su par asiática se realiza a sala llena en Osaka. “La experiencia de trabajar con artistas tan diferentes entre sí es maravillosa, pero se requiere de un amplio elástico emocional y cultural para adaptarse a cada desafío”. En cuanto a su labor desde la creación, Zajac se inclina por el trabajo dramático, el desarrollo de historias y la transición de estados: “Del uno al muchos, del amor a la tragedia, del presente al recuerdo. Cuando tengo el arco claro se me hace fácil trabajar. No se trata de armar ochos con la música sino saber cómo contar historias contemplando el espacio escénico, que no solamente tiene que ver con el movimiento sino con la ubicación y el desplazamiento.

Eso es lo que hoy me identifica. No hay nada más valioso para un artista que generar un estilo, una marca registrada”. “Todos recreamos trabajos, la creación es un paso más de algo ya creado, no creo en la creación desde lo nuevo. Trabajamos desde una mixtura de impresiones pasadas, lo que nos surge de adentro y lo que aportan los artistas con los que trabajamos”. Por otra parte, Zajac se confiesa fanático del Cirque du Soleil, y los coloca como paradigma de la evolución en el teatro: “Creo que vamos hacia ese concepto, la fluidez, la continuidad, el simbolismo, el no apagón, el movimiento exquisito y el no sobreesfuerzo. Es más valorada la profundidad que la búsqueda de la destreza. Una linda pirueta es mejor que cinco”. La agenda 2011 inicia con cursos en Buenos Aires y selectivas, de cara a la Beca que lleva su nombre en Pittsburgh -en los últimos años fueron elegidos treinta y ocho participantes-, el montaje de otra obra en Japón, y seminarios en Ecuador e Italia. “Espero haber tenido la generosidad de devolverle a la danza todo lo que el teatro me ha dado a mí en estos diez años”. __BD

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Resultados de la Fusión Por Carlos Bevilacqua Con su característico enfoque experimental, el Festival Cambalache dejó en diciembre varios trabajos de mérito en las tres funciones de obras cortas ofrecidas en el Complejo Cultural 25 de Mayo Diversas expresiones artísticas que fusionan el tango con la danza y el teatro volvieron a conformar una atractiva programación en el Festival Cambalache, celebrado en Buenos Aires entre el 6 y el 12 de diciembre. En su séptima edición, el encuentro estuvo organizado por los coreógrafos Alberto Goldberg y José Garófalo (además creadores del festival) y los bailarines Silvia Toscano, Andrés Alarcón, Cristian Catalán y Melina Brufman. Como viene ocurriendo desde 2004, las obras breves constituyeron el principal foco de expectativa para el público en general. En esta edición, las obras seleccionadas fueron once y se repartieron en tres funciones ofrecidas en el Complejo Cultural 25 de Mayo, de Villa Urquiza. La primera noche fue inaugurada por Los Abuelitos, una puesta del grupo Tango Mix que versa sobre el rejuvenecimiento de dos ancianos gracias al baile. La obra está basada en una coreografía de tono cómico con la que los intérpretes, Mario de Camillis y Bárbara Wainnright, habían competido en el último Campeonato Mundial de Tango. A continuación pudo verse Cinnamon de Claudia Jakobsen y Ezequiel Farfaro que ya se había presentado en el Cambalache 2008. Las imágenes hablan de un hombre y una mujer caminando por avenidas paralelas de diferentes hemisferios, pero que terminan cruzándose. Todo en una lograda fusión de tango con danza contemporánea. Esta versión fue interpretada por Jakobsen (bailarina argentina radicada en Holanda) y por el colombiano John Galindo, una figurita repetida de este último Cambalache ya que también actuó al día siguiente en Deseos. La noche deparó luego las acciones de Fragmento Tango, Permiso de Residencia, una producción holandesa dirigida por otro compatriota radicado en Holanda: Ezequiel Sanucci. La obra buscó enfrentar el mundo de una alemana racional con el de un argentino apasionado. Los protagonistas fueron el propio Sanucci y Lydia Müller. Aquella primera noche cerró con las doce parejas de la compañía de tango del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) en Reina del Plata, un trabajo dedicado a una pieza musical paradigmática del tango: La Cumparsita. El director de la compañía,

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Leonardo Cuello, expuso una serie de figuras colectivas llenas de variantes, afines a una versión extendida de La Cumparsita especialmente compuesta para la ocasión por el músico teatral Sebastián Verea. DESEOS EN MOVIMIENTO La segunda noche arrancó dividida en los mundos domésticos que planteó la coreógrafa Flor Guerrero en Las Casas, una especie de collage de diferentes maneras de encarar la relación de pareja. A través de formas diversas que fueron del tango al flamenco, pasando por el malambo y la mera acrobacia, la puesta invita a espiar alternativamente los hogares con una luz seguidora como guía. En ese camino, los doce intérpretes entregaron imágenes de mucha belleza y originalidad, aunque en cuadros algo inconexos. Le siguió Quebrada, idea más teatral que coreográfica concebida por la francesa Karine Monneau sobre la identidad y su adaptación a los múltiples interlocutores con que nos encontramos a diario. La única intérprete es Marina Carranza, una argentina radicada desde 2001 en Francia. Ella es a la vez una alumna de tango en Buenos Aires, una colla en plena Quebrada de Humahuaca y una guía turística francesa. Al pasar de un rol a otro debe ubicarse en un nuevo marco de luz, como sujeta a la mirada ajena. Aun con destellos muy sugerentes, resultó una versión menos eficaz que la presentada en la edición 2008 de este mismo festival. Con menos pretensiones, tuvo mucho más impacto la nueva propuesta de Cecilia Troncoso, titulada Deseos. Los cinco bailarines del elenco generaron imágenes de gran sensualidad y belleza a través de movimientos de lograda fusión entre el tango y la danza contemporánea. Solos, primero; en interacción con telas, después; con una pared como punto de apoyo, más adelante y, sobre todo, con la música de Bajofondo, en un final con mucho “punch”. EL TALENTO DE ARAIZ El primer espectáculo de la última noche fue Armonía, anunciado como un tango drama. Las acciones fueron mostrando el desarrollo cronológico de una relación de pareja entre dos vecinos de una metrópolis indefinida, pero ubicada en diferentes meses

Maximiliano Ávila en La Última Curda Foto . Gentileza Festival Cambalache 10

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Vanaga y Mastrolorenzo en un pasaje de Sombras que se Alargan en la Noche del Dolor Foto . Gentileza Festival Cambalache 10

de 2009. Los vaivenes del vínculo se cuentan en un lenguaje de fusión acabado, pero poco innovador en sus formas. Sus intérpretes, productores y directores fueron los eslovenos Blaz Bertoncelj y Andrea Podlogar. La Última Curda, la obra que se ofreció a continuación, fue una confirmación de la madurez alcanzada por Maximiliano Ávila como intérprete de un solo relativamente breve pero contundente. Él también fue el coreógrafo y director de esta puesta, caracterizada por un alto nivel técnico y expresivo para retratar a un varón desesperado ante la inminencia de la muerte. El tango homónimo de Troilo y Castillo, en una versión intimista de Susana Rinaldi con reprise generado en edición, fue un oportuno contexto sonoro. El argentino Hugo Mastrolorenzo y la letona Agnese Vanaga fueron luego protagonistas de una obra intensa: Sombras que se Alargan en la Noche del Dolor. Dos vestidos femeninos como metáforas de lo que fue, aparecen al principio de la primera escena, mientras suena Nieblas del Riachuelo en la peculiar versión del cantante flamenco Bebo El Cigala. Los traen los bailarines, quienes en el resto de la puesta representan las tensiones de dos ex en un lenguaje predominantemente tanguero. Los cuadros más interesantes de la noche llegaron recién con 24 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

los fragmentos de Cabalgata la obra de Oscar Araiz estrenada en julio en el Teatro del Globo. Valió la pena esperar para ver la coreografías clownescas concebidas por el prestigioso director como una miscelánea de posibles postales del sentir nacional. Ya sea con Memphis La Blusera o con Tita Merello sonando como impulso musical, los siete bailarines de la compañía de la Universidad Nacional de San Martín son dúctiles y expresivos intérpretes para ideas originales, no por ello inaccesibles. Hasta el menos versado de los espectadores puede conmoverse con los encadenamientos gestuales de Elena Ponce, Paula Almirón, Yamila Ramírez, Ignacio González Cano, Marcos Chaves, Roberto Bazán y Ollantay Rojas. MUCHO MÁS QUE FUNCIONES TEATRALES El Cambalache 2010 también tuvo facetas valiosas en lo formativo (con siete seminarios a cargo de especialistas), en lo musical (a través de cuatro conciertos de grupos de tango experimental), en las artes plásticas (a través de exposiciones y performances varias), y en una sección audiovisual (que tuvo una función algo accidentada, en buena medida por un erróneo cálculo de tiempos que dejó afuera de la fecha original de proyección a siete de los veinticinco cortos programados). Hubo además dos eventos sociales con números artísticos: una fiesta de apertura con La Cumparsita no Aérea de Brenda Angiel y una fiesta de cierre en la milonga La Viruta, con un fragmento de la mencionada Los Abuelitos. __BD

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 25

Por Estela Maris El 11 de octubre se fue Héctor Estévez; lindo bailarín, buen coreógrafo, amigo entrañable. Nos conocimos cuando ingresó, casi adolescente, a la compañía de Ana Itelman. Desde entonces interpretó obras de grandes coreógrafos y en diferentes escenarios en nuestro país y el exterior, entre ellos el Teatro Embasy, Teatro Municipal General San Martín, en televisión en Canal 7, en Río de Janeiro (Brasil), en Libia. Su participación en Esta Ciudad de Buenos Aires (1955) con coreografía de Ana Itelman sobre poemas de Fernando Guibert, mereció el elogio de la prensa especializada, como el que escribió Fernando Emery: “... El Porteño: tuvo su tango, la sugestión y la fuerza, el no sé qué, de liturgia profana, que reclama el momento ...”

In Memoriam

Héctor Estévez

Fue integrante del Septeto de Danza cuya trayectoria marcó rumbos en la danza contemporánea, en Capital y en el interior del país. Ya como coreógrafo se dedicó al espectáculo musical, siendo muy recordados los televisivos Casino Philips y El Show de Antonio Prieto para Canal 13, así como también su actuación como director en espectáculos teatrales para niños y adultos. Se hizo acreedor de numerosos premios por su trayectoria artística, sin pausa, seria y responsable ganándose el amor y el respeto de todos los que con él trabajaban. He aquí mi homenaje a quien fuera un talentoso artista y un invalorable amigo quien ya estará coreografiando, tal vez, a los ángeles. __BD

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Dirección coreográfica: Agustín Camino. Dirección general: Jorge Sergiani. Intérpretes: Daiana Pujol, Filipe Lima Nobre, Nathalia Peña Muñoz, Gonzalo Ángeles, Natalia de Assuncao Correia, Leonel di Cocco, Solange Acosta, Max Van de Voorde, Talía Gorla, Leonardo Barri, Daniela González y Agustín Camino. Cantante: Hernán Frizzera. Lunes y miércoles 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte esq. San Martín, Tel: 5555-5359).

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Viernes de enero de 21 a 24 hs. El 14: Bruno Arias, Bondi Cultural. El 21: El vislumbre del Esteko y Terraplén. El 28: Tremor, Chango Farías Gómez. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131).

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MAR DEL PLATA -musical El diluvio que viene De Pietro Garinei y Sandro Giovannini. Coreografía: Rubén Cuello. Dirección: Manuel González Gil. Intérpretes: Tamara Álvarez, Victoria Dolan, Antonella Fucci, Melisa Fucci, Natalia Mouras, Andrea Oyantoi y elenco. Martes a viernes y domingos 22 hs, sábados 21:30 y 23:30 hs. Teatro Tronador (Santiago del Estero 1744, Tel: 0223 493-6513).

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 29

Congreso Folklórico El mes pasado Juan Cruz Guillén presentó su libro Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, de la colección Los Irrepetibles de Balletin Dance Ediciones, en el 3º Congreso Internacional de Danza Folklórica

Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola

Juan Cruz Guillén expuso el martes 16 de noviembre en el panel de apertura del evento, junto a Olga Fernández Latour de Botas, Azucena Colatarci, Roberto Lindon Colombo, María Inés Palleiro y Patricia Herrero. Respondiendo a una invitación cursada por Rosa Castillo, presidenta de la comisión organizadora de este congreso que se realizó bajo el lema “200 Años de Resignificación de la Danza Folklórica en Latinoamérica: Mitos y Desafíos” y junto a las 11ª Jornadas por la Identidad Cultural Identificarte2010. Como cierre de ese panel, Guillén ilustró una etapa fundamental del desarrollo de la danza folklórica en nuestro país, con la presentación del libro y del video documental sobre los maestros Ayala y Viola. __BD

30 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 31

Guerra, Urlezaga y Piquín en La Feliz Por Juliana Lizardo Villafañe

Esta temporada los marplatenses se enorgullecen al saber que recibirán a los máximos exponentes de la danza argentina en la actualidad. Maximiliano Guerra, Hernán Piquín e Iñaki Urlezaga se harán presentes en las salas de Auditorium (Boulevard Marítimo 2280)

Iñaki Urlezaga este verano en el escenario del Auditorium marplatense Foto . Diego Mequetse

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Cada uno de estos trascendentales bailarines le regalarán al público un recorrido por ritmos clásicos, como así también tango, folklore y rock, durante los meses de enero y febrero para todos los residentes de Mar del Plata y los turistas que se acerquen a veranear. Maximiliano Guerra, junto al Ballet del Mercosur, estrenará en la Sala Payró del Teatro el 7 de enero y continuará de viernes a domingos durante la temporada. Traerán una obra clásica como Carmen -de espíritu rebelde, que refleja las características de una sociedad estructurada y llena de prejuicios- en una versión contemporánea en la que se apreciará la exquisita calidad de los bailarines. Por otro lado, Iñaki Urlezaga regresará a La Feliz, junto a su compañía Ballet Concierto con dirección artística de Lilian Giovine, luego de su gira mundial. Junto a los primeros bailarines Eliana Figueroa, Macarena Gimenez y Franco Cadelago, presentarán las producciones del año 2010 (La Traviata y El Angel Vive) los días 17 y 18 de enero en la Sala Astor Piazzolla. La gira internacional incluyó numerosos países, con actuaciones en las ciudades de Shanghai, el Distrito Federal de México y Nueva York -donde obtuvo muy buenas críticas de parte de la prensa especializada y del público en general- entre otras. Por su parte, Hernán Piquín y Cecilia Figueredo ofrecerán su espectáculo Pasión Tango en la magnitud de la sala Astor Piazzolla los días 24 y 25 de enero. Esta propuesta del protagonista del film Aniceto de Leonardo Favio, cuenta con la actuación de la compañía Inspiration Tango, bajo la dirección coreográfica de Laura Roatta. El espectáculo está integrado por Tanguera, Oblivion, Yunta de Oro, Derecho Viejo, Invierno Porteño, Rezongo, La Luciérnaga, Balada Para un Loco, Milongueando en el 40, Zum, Uno, Mala Yunta, Verano Porteño, Recuerdo para un Regreso, La Cumparsita y Michelangelo. __BD

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El Ballet Metropolitano de Buenos Aires inicia su gira nacional

S E R I A S O N E U B E D D A D U I C

Auspiciado por la Agencia Córdoba Cultura, el Ballet Metropolitano que dirige Leonardo Reale se presentará este mes en las principales ciudades turísticas de verano de la provincia mediterránea

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Todas las actuaciones serán con entrada gratuita y con la participación de los bailarines invitados Julieta Paul (Ballet del Teatro Argentino de La Plata) y Martín Parrinello (Ballet Oficial de Córdoba). También bailará el propio director (Teatro Colón) y los solistas Yanina Toneatto y Martín Alvarez, acompañados por el cuerpo de baile integrado por Aldana Jimenez, Maia Cambero, Micaela Milanesi, Nicolás Merensa y Matias Santander. Con la asistencia de dirección de Yanina Toneatto y los maestros de baile invitados Sara Rszezotko y Mario Galizzi. Para esta primera gira nacional el BMBA ha seleccionado un programa mixto compuesto por Tierra y Luna de la catalana María Rovira, Valses de Viena, Bastones Dorados y Tiempo Opuesto de Leonardo Reale y dos estrenos: una obra de tango a cargo de David Benitez (radicado en Londres con Tango Movement), y una nueva versión de Bolero de Ravel con acompañamiento y arreglos musicales de Marcos ¨Pochi¨ Fernández. La compañía se presentará en las ciudades de Santa Rosa de Calamuchita (13 de enero), Embalse (14), Mina Clavero (15), La Falda (17), Villa Carlos Paz (18), Bell Ville (19) y en la explanada de la Catedral de Villa María (20). A continuación el BMBA se trasladará a Uruguay para presentar un espectáculo el 23 de enero en el Hotel Conrad de Punta del Este. Las actividades continuarán en abril con una nueva tournée denominada Hasta el Litoral, que abarcará diferentes ciudades de la provincia de Buenos Aires hasta Paraná (Entre Ríos). __BD

Funciones gratuitas en enero en Códoba Foto . Inés Quinteros Orio

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 35

Cómo me Hubiera Gustado… Por Juan Cruz Guillén Koki y Pajarín Saavedra presentaron A Raíz del Baile en el Teatro El Cubo, con diferentes artistas invitados en cada presentación

Excelentes bailarines para una acertada puesta en escena Foto . gentileza Compañía Nuevo Arte Nativo

Cómo me hubiera gustado ver el espectáculo A Raíz del Baile sentado en la platea junto a los Carlos: me refiero a Carlos Saavedra y Carlos Carabajal, padres de Koki y Pajarín, y de Peteco, porque lo hubieran disfrutado tanto o más que yo. Pensándolo mejor, ellos lo vieron desde arriba y para ver un ballet es el mejor lugar. Si bien muchos de los cuadros no eran estrenos, siempre se les descubre algo nuevo. En la Vidala Homenaje a Santiago del Estero, Koki le puso música al poema de Atahualpa Yupanqui que me trajo un recuerdo hermoso, puesto que es el mismo poema que decía Santiago Ayala “El Chúcaro” en el cuadro Vieja Danza Querida, cuando bailaba con la luna que personificaba Norma Viola. Los malambos con boleadoras de Koki y Pajarín Saavedra son siempre creativos y muy efectivos. De todos, se destacó el que hicieron tres muchachos con una sola bola, distinto, actuado y con buena sincronización. Durante los cinco viernes que se presentaron en El Cubo, tuvieron como invitados a: Teresa Parodi, Liliana Herrero, Graciela Carabajal, Peteco Carabajal y Paola Bernal. El día que asistí fue el turno de Peteco Carabajal como invitado. Tuve la suerte de trabajar codo a codo con él en Santiago del Estero (2004-2005) durante la intervención federal a esa provincia,

y desde entonces mantenemos una entrañable amistad. Peteco cantó primero la zamba de su autoría Bailar, Vivir, que está dedicada a Carlos y Adela Saavedra, ambos padres de Koki y Pajarín. Se trata de una hermosa obra que en la segunda parte dibujó coreográficamente Koki. Lo mismo ocurrió con una chacarera, que fue interpretada por Pajarín y terminó el bloque con un gato a cargo de los tres artistas. Como es habitual en los hermanos Saavedra, el espectáculo no pierde el ritmo en ningún momento, no tiene baches y posee la duración justa. Es una oportunidad para recomendar a esa gran cantidad de bailarines que siguiendo el estilo de Koki y Pajarín (iniciado por su tío Juan Saavedra hace muchos años en Europa) no imiten solamente sus movimientos y coreografías, sino también que aprendan de ellos cómo se arma un espectáculo (sin descuidar las luces, el vestuario, la ubicación de los cuadros, la selección de los músicos), todo lo necesario para que al finalizar el espectador se quede con ganas de más. Fue interesante la participación del músico Federico Pecchia y del grupo Locos por el Bombo, que merecen una felicitación por amenizar en el patio interior de la sala El Cubo con canciones y diferentes ritmos, el ingreso del público a la sala (entre ellos Oscar Araiz, Alicia Fiuri y Néstor Spada). Excelentes los bailarines Emilce Marcolongo, Victoria Cuesta, Letizia Arabia, Bárbara Ibarra, Lucía Pochat, Javier Santa Cruz, Santiago Azzati, Rafael Cabello, Javier Franichevich, David Ávalos y por supuesto, Koki Saavedra, Pajarín Saavedra. __BD

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A UR I T MA UA O L ES es DIP ILAT o Pilat P tod Mé

ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 37

Ironía con Masas Por Román Ghilotti En el Portón de Sánchez, la Compañía de Danza del Instituto Universitario nacional del Arte que dirige Roxana Grinstein, presentó M, o Cualidades y Variantes de la Masa, un trabajo que recorre tópicos de agrupaciones caracterizadas como masas

Un momento “neutral”, otra forma de verse masificado Foto . gentileza Compañía de Danza del IUNA

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Con idea, dirección y coreografía de Edgardo Mercado, y colaboración creativa de los integrantes de la compañía, M, desde varias perspectivas, como pieza propone una caracterización de la masa, que no resulta ajena a ciertas maneras bastante acostumbradas de presentar a la danza, en donde los grupos hacen su tarea en una supuesta libertad convencionalizada. En el programa de mano Mercado cuenta sobre la obra: “La masa (m), como resultante de la sumatoria de individualidades en busca de la utopía de presentarse como una multitud homogénea, ha sido el disparador de esta propuesta”. Aunque pareciera imposible (o quizá irónico) alcanzar a cubrir muchas “cualidades y variantes de la masa”, como anuncia el título, sí se rozan aspectos centrales. Aquella tensión imposible, como utópica, entre la reunión de varios (“sumatoria de individualidades”) y un único sentido (“multitud homogénea”), aparece en M con una organización ordenada, cartesiana. Una masa supone, básicamente, un grupo. En este caso, analíticamente, el grupo se muestra desde el inicio separando lo distintivo de cada elemento: cada bailarín desarrolla un breve solo mostrando su motivo de movimiento, con percusión sobre su cuerpo, dando una rítmica repetitiva como un sello propio. Luego, mediante diferentes reuniones o pequeños subgrupos, en los que se combinan o superponen estos motivos, se van generando efectos sonoros y coreográficos más complejos, casi siempre frontales y escandidos con pausas de silencios y movimientos “neutrales”, esto es, caminatas que sacan del centro a los intérpretes. Es decir, momentos de masificación y momentos en que reaparecen las individualidades. Hasta dar con el grupo completo como masa, manteniendo este juego de rítmicas superpuestas que construyen posibles rítmicas comunes. Sin embargo, la masa así constituida, muestra que no llega a “multitud homogénea”, a pesar de las constantes a la vista: vestuarios homologados para bailarinas y bailarines, estructuraciones espaciales, en recorridos y frontalidad, temporales, como medidas de entradas y salidas, y formales, por ejemplo en la insistencia en los

motivos particulares a la vez que adecuados unos a otros. Políticamente, la masa en M no llega a ser autónoma (lo que podría ser esa homogeneidad como multitud). Además de esas pequeñas marcas que podrían tomarse como autonomía, propuestas en los diversos motivos de los intérpretes (dudosa autonomía, o al menos precaria: todos visten igualado, todos se presentan similares), y que como sumatoria de particularidades podría dar un tinte de albedrío a la masa como masa, nada hay que fortalezca un grado de libertad para esta. Esto se acentúa con la entrada en escena de un nuevo personaje, una especie de director de orquesta, diferenciado en su vestimenta y su individualidad gestual y espacial (aparece en primer plano y de espaldas a la platea). El nuevo personaje opera sobre la masa como típica figura de líder conductor. La respuesta del grupo, pese a seguir estructurada sobre los motivos, resulta más decididamente heterónoma, acomodada a las sintéticas y elementales directivas que recibe (ataques y detenciones, básicamente). Y como final, tras un apagón, grupo y director de espaldas, sentados en el piso como una fila cero adosada por delante de la primera de platea, aplauden, cosa que también hace el público, instado por alguna claque. Se habilita la imagen de todos los presentes en la sala como masa, heterónomamente inducida a reconocer una escena vacía. Quizá este trasfondo irónico, crítico de convenciones y recursos que se quieren revisar en la danza, sea un punto central de M (nada, ni en el programa de mano, ni en la factura de la pieza, apuntala enfáticamente esto, lo cual, es cierto, pueda ser un toque irónico también). O quizá M trate de otra cosa. __BD

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Agustina Galizzi en Onegin Del 21 al 28 de noviembre la Compañía Nacional de danza de México repuso Onegin en la temporada de reapertura del Teatro de Bellas Artes, con Agustina Galizzi y Erick Rodríguez Fernández en los roles protagónicos El elenco del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), estrenó Onegin de John Cranko en 1999. Pero fue a fines de 2010 cuando Agustina Galizzi hizo su debut en el rol de Tatiana. Ella integra el elenco mexicano desde hace diez años, mientras que el cubano Rodríguez se incorporó a la troupe en 2003. Juntos “conforman una estupenda pareja” señaló el crítico Mauricio Rábago Palafox. Agustina Galizzi “llena de expresividad y fuerza dramática, se transforma durante la obra de una adolescente, a una joven enamorada para finalizar como una mujer trágica”, continuó el escritor. “Impecable en su técnica, proyecta una madurez artística inobjetable, sin duda está en su mejor momento”. Los días 21 y 28 Sandra Bárcenas y Raúl Fernández como protagonistas marcaron su retiro definitivo de los escenarios. “Sabíamos que esto iba a ocurrir tarde o temprano, que tendríamos que decir adiós a la danza, pero cuando se te empiezan a notar los años, cuando los hijos requieren más atención, pero todavía estás bien y en forma hay que retirarse” declararon los bailarines en conferencia de prensa. __BD

Galizzi y Rodríguez en Onegin

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Empezamos en Febrero

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Su Lugar en el Mundo Por Agustina Llumá Fotos de Alicia Sanguinetti

Julio Bocca asistió al Festival Internacional de Ballet de La Habana como director del Ballet Nacional Sodre de Montevideo que presentó Nuestros Valses de Vicente Nebrada en el Teatro Mella. En esta entrevista, el futuro de los vecinos del Uruguay

A Julio Bocca se lo ve feliz, y él mismo no se cansa de repetirlo. Desde que dejó de expresarse con el cuerpo en los escenarios comenzó a hablar distendidamente, “estoy muy relajado, muy feliz, y muy seguro, que eso cuenta mucho”, confesó en esta conversación. Nuestro compatriota es muy querido en Cuba, allí lo sienten como a uno más del Ballet Nacional. Es que desde que debutó en los escenarios del Festival en 1986, cuando acababa de alzarse con la medalla de oro del Concurso de Moscú, ha asistido regularmente. Allí realizó su primer El Lago de los Cisnes y también su último. En palabras de Miguel Cabrera, historiador del BNC, “Siempre está él cuando se habla de la gente que ha puesto polvo de oro a la historia del Festival. Y hoy regresa con una responsabilidad tan grande como la de revitalizar a una de las compañías más antiguas que tiene Latinoamérica, pues el Ballet del Sodre se fundó en 1935”. Julio Bocca comenzó a dirigir el ballet uruguayo el 1º de junio de 2010, realizando cambios inmediatamente, entre ellos incluir la palabra Nacional a su nombre. Esta propuesta que llegó de manos del presidente de la República Oriental del Uruguay, fue para él “una grata sorpresa”. El Ballet que acaba de cumplir 75 años, estuvo cuatro décadas sin sede tras el incendio del teatro, pero también junto a la asunción del argentino, se re-inauguró la sala principal y la compañía se trasladó al nuevo edificio. “He hecho muchos cambios -señaló el director- dentro de la compañía solamente trabajaban tres horas y ahora están trabajando siete. Al asumir hice una audición para incorporar a treinta y cinco bailarines con contratos anuales. Se está haciendo un cambio necesario para que el elenco recupere el nivel que supo tener y la única forma de tener una compañía de alto nivel y poder competir (en el buen sentido de la palabra) es trabajando” aseguró. En sus primeros meses el elenco estuvo integrado por ocho bailarines argentinos, sobre un total de cincuenta. “Quince de la plantilla estable -es una compañía con una estructura de estabilidad- que aceptaron trabajar en este nuevo reglamento y que

Bocca, feliz con la responsabilidad de revitalizar una de las compañías de ballet más antiguas de Latinoamérica 42 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

El Ballet del Sodre de gira en Cuba, con Nuestros Valses de Nebrada

estaban en forma para bailar, el resto son de Venezuela, Paraguay, Brasil y la mayoría son uruguayos”. Para Bocca el sacrificio, el amor y la responsabilidad, hacen a la carrera que realizó y eso es “lo que uno está transmitiendo a la juventud” La temporada a su cargo comenzó con Giselle de Sara Nieto, con once funciones a sala llena para un total de veintidós mil personas y en diciembre se montó El Lago de los Cisnes de Raúl Candal, ambas con producciones del Teatro Colón de Buenos Aires, y con bailarines invitados del Royal Ballet de Londres, del American Ballet de Estados Unidos y del Royal Ballet de Suecia. Insiste Bocca en su tarea de recuperar un público de ballet que se había perdido en Uruguay con una gira de tres semanas por el interior del país y sobre fin de año una función en el Teatro de Verano, donde los uruguayos suelen celebrar el carnaval. También en 2010 se realizaron los festejos por el aniversario con una gala el 23 de noviembre. 2011 “Ya tengo la programación hasta el 2013 -aseguró Bocca enorgullecido-. Con El Corsario completo, La Bayadera de Makarova, Un Tranvía Llamado Deseo de Mauricio Wainrot, La Viuda Alegre,

obras de George Balanchine, coreografías de Nacho Duato, de Antony Tudor, de Alvin Ailey. Mi idea es llegar a hacer una unión, por lo menos latinoamericana, con los otros teatros para hacer coproducciones, pues sería mucho más fácil poder unirnos y hacer un gran poll de teatros. También haremos una gira a España e Italia para los festivales de verano el año que viene.” RETIRO “Hace dos años que vivo en Uruguay que es mucho más tranquilo que Buenos Aires. Me retiré en 2007 y me tomé un año sin hacer nada. Tomando cerveza, tomando mate, yendo a la playa, engordé como unos diez kilos [que ya perdió], comencé a sentirme incómodo con mi cuerpo y empecé -de vez en cuando- a hacer una clase de ballet. Es la única forma en que me puedo mantener en forma. Es la única forma en que mi cuerpo conoce el ejercicio. Intenté con los gimnasios pero me parece muy aburrido.” TRANSMITIR En este momento, Julio Bocca asegura no extrañar subir a un escenario. “Estoy muy feliz de poder llevar los contactos que tengo, de poder transmitirle a los jóvenes mis experiencias, mis charlas con Alicia [Alonso], con Misha [Mikhail Baryshnikov], con [Rudolf] Nureyev, por esa suerte que tuve de juntarme y de mezclarme con una época muy linda del ballet”. ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 43

AUDICIONES En noviembre de 2010 hubo una nueva audición a la que se presentaron casi 150 bailarines desde México, Venezuela, Paraguay, Costa Rica, Ecuador, Perú, Brasil, Argentina, Chile, España y Uruguay. Las próximas audiciones serán en noviembre de 2011, en Montevideo.”

DOCENCIA “Es para mi una felicidad enorme haber encontrado otro camino dentro de la danza. Empecé a dar clases -que siempre dije que nunca iba hacer, por suerte uno va cambiando, va aprendiendo, va creciendo- y la verdad es que me gusta. La cosa cotidiana de estar todos los días y de corregir muchas veces lo mismo, para envolver a los jóvenes en lo que es la maravilla de este arte, el conocimiento de cada personaje, de lo que se está interpretando, de lo que se está haciendo.” PRESTIGIAR AL BALLET LATINO “Anoche hablaba con Alicia y le decía que -separando las distancias- el camino que ella hizo y sigue haciendo de formar una escuela y defender lo latino, es un poco lo que yo hice en Argentina, llevar la danza para que todo el mundo conociera el ballet, que todo el mundo supiera qué es un bailarín y que sea respetado. Lo conseguí, se hizo. A mi última función en la avenida 9 de Julio fueron trescientas mil personas y eso para mi fue y es muy importante. Ahora ya todos miran con diferentes ojos a los bailarines latinos, fue un trabajo difícil pero es lindo, y es lo que voy a seguir haciendo ahora en Uruguay, en un teatro que tiene su historia y de devolverle a ese Ballet su lugar en el mundo. Hay buenos elementos, buenos bailarines, hay buenos maestros. Creo que se puede lograr, por supuesto no es un trabajo a corto plazo, es un trabajo de constancia, de tiempo. Alicia Alonso nos ha dejado esa fuerza, toda esa constancia, de seguir bailando, de seguir dirigiendo, de seguir luchando. Verla ayer de pie, y salir al escenario, y saludar, y seguir, y seguir. Creo que esas cosas son las que la gente joven tiene que ver y absorber, no solamente las maravillas que hizo en su época sobre el escenario -que eran y siguen siendo ahora increíbles-.” NUESTROS VALSES “Es una obra de Vicente Nebrada un gran coreógrafo venezolano, con el cual tuve la suerte de trabajar y tener su experiencia y la musicalidad en cada paso que pone. Es una obra maravillosa, muy difícil para que el bailarín la incorpore, y que el Sodre está haciendo con su corazón, puesto que quiero ver personalidades arriba del escenario y no técnicos. Nuestros Valses es una obra antigua maravillosa que sigue estando vigente, en un estilo neoclásico. Una de las cosas admirables de Vicente es que nunca un movimiento termina, siempre es una continuidad, estás para un lado y de golpe tenés que terminar abajo, entonces mirar arriba y de golpe es atrás y volver adelante, nunca tiene un final, ni un corte. Su musicalidad es increíble, en cada detalle, sus movimientos de cabeza que usa hasta el último pelo que tengas en la cabeza.” BALLET ARGENTINO Eleonora Cassano es quien se encarga ahora del Ballet Argentino, ya a fines de 2010 Julio Bocca se desvinculaba por completo del elenco, en lo que significa un nuevo retiro. “Me quiero dedicar plenamente al Ballet Nacional del Uruguay. Esa etapa de mi vida también se cierra, después de veinte años en los que ha dado muchos frutos y muchos bailarines”. __BD

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44 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

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Fotos de Alicia Sanguinetti

Por Agustina Llumรก

El Mundo Baila en La Habana (segunda parte)

Del 24 de octubre al 8 de noviembre se realizó el Festival Internacional de Ballet número veintidós presidido por la prima ballerina assolutta Alicia Alonso. Cantidad de bailarines y coreógrafos de todo el mundo fueron invitados para actuar, reponer y crear con el Ballet Nacional de Cuba COREÓGRAFOS INVITADOS La compañía anfitriona invita a coreógrafos para que creen obras expresamente para los bailarines cubanos. En general viajan a la Isla algunos meses antes del Festival para seleccionar a los intérpretes y comenzar con el montaje. Luego, poco antes de que comience la locura del encuentro, terminan sus obras para poder estrenarlas durante los días del Festival. Así, este año Alicia Alonso propuso al español Antonio Ríos “El Pipa” (flamenco) una versión de El Amor Brujo sobre la partitura de Manuel de Falla que se estrenó en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana junto a la Orquesta Sinfónica del Teatro con la cantante Dayamí Pérez del Teatro Lírico Nacional. El coreógrafo situó a la historia en un puerto, y en sus propias palabras tuvo poco de brujo y mucho de amor. Excelentes fueron las actuaciones de Viengsay Valdés (Candela) y Omar Morales (Carmelo), quienes cambiaron de amor por Jessie Domínguez (Lucía) y Alfredo Ibáñez (José). La obra comenzó con niños de la Escuela Elemental de Ballet Alejo Carpentier que recitaron alguAnette Delgado y Yadil Suárez en La Noche del Eclipse estreno de Alicia Alonso Antonio Ríos “El Pipa” encabezó su El Amor Brujo

nas frases, palmearon y bailaron. “El Pipa”, cual Angel-Dios-Santero del amor, apareció digitando el destino de cada personaje, destacándose sus movimientos de manos y zapateos. El lenguaje usado para el BNC fue clásico mientras él se mantuvo en un flamenco puro, logrando combinar acertadamente los port de bras de ambos estilos, en una buena puesta en escena. Valdes, sólida en su actuación, convenció al público demostrando una vez más sus dotes actorales, inclusive al arrojarse desde el faro a los brazos de sus compañeros. El canadiense Peter Quanz (contemporáneo) estrenó Le Papillon con música de Jacques Offenbach, también en el Lorca con su orquesta sinfónica. La puesta resultó un exquisito homenaje a Marie Taglioni y a su destacada y joven alumna Emma Livry, en una versión que no tiene conexión con la coreografía original sino con la relación de aquellas mujeres. Taglioni creó una única coreografía que fue para su alumna más prometedora, quien poco después fue una de las tantas víctimas del fuego en el escenario allá por el siglo XIX. Dice la historia, que una noche se negó a utilizar la protección que se exigía en la época -pues no le permitía moverse con libertad y además era antiestético- y envuelta en gasas y tules al acercarse a una luminaria de gas fue inmediatamente invadida por el fuego. La dramática historia no terminó ahí, sino meses después de una tremenda agonía.

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EL MUNDO BAILA

LA HABANA

En el más puro ballet clásico, Valdés fue Taglioni, Elier Bourzac su partenaire y Carolina García una excelente y severa -pero afectuosa- maestra. La escenografía discreta, de escenario desnudo, permitió ambientar una sala de ensayo del mil ochocientos con espejos incluidos, y a la vez un escenario, para un excelente final, mágico y cautivante. El catalán Ramón Oller (contemporáneo) eligió una sucesión de postales habaneras en su Habanera Suite con las voces y la música de Liuba María Hevia, Marina Rossell, Carlos Cano (algunas canciones de autores argentinos) y Steve Reich. Esta vez enmarcados en el lenguaje de la danza contemporánea, Annette Delgado y Alejandro Virelles encabezaron las piezas inconexas, entre ellas la apertura con el regreso al escenario de María Elena Llorente acompañada por Javier Torres, mientras que el final fue con Todo Cambia de Julio Numhauser, también en el Gran Teatro de La Habana. Por otro lado, también viajan coreógrafos para montar obras creadas con anterioridad. El italiano Luc Bouy (partenaire de Ana Laguna en la Giselle de Mats Ek) llevó El Perfume un duo de amor sobre la encantadora voz de la portuguesa Dulce Pontes y partituras de Frédéric Chopin. Aquí nuevamente Valdés se destacó

Víctor Ullate montó Samsara para el BNC protagonizada por Bárbara García

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por su calidad técnica, en pasajes del tipo cámara lenta perfectamente acompañada por Elier Bourzac. Víctor Ullate llevó un fragmento de Samsara (2006) con música oriental, que encabezó Bárbara García junto al cuerpo de baile y solistas cerrando la Gala de Clausura de este Festival. La obra completa se basa en algunos aspectos cruciales de la vida del coreógrafo. “Creer que podemos encontrar algún placer duradero y evitar el dolor, es lo que el budismo denomina el Samsara, un ciclo sin esperanza que se repite indefinidamente una y otra vez y nos causa grandes sufrimientos”, palabras de Pema Chödrön, es una de las frases que Ullate proyecta (no en Cuba) sobre el telón de fondo. En cuanto a creaciones, también se presentaron a los trabajos ganadores del Concurso Iberoamericano de Coreografía Alicia Alonso, que organizan en conjunto la Sociedad de Autores y Editores de España junto al BNC, en forma bianual. Por primera vez este año se dio el primer premio en forma compartida para Espectral de Maysabel Pintado (Cuba) y Entomo de y por Elías Aguirre y Alvaro Esteban (España). Esta edición de la competencia no hace más que confirmar que el mundo atraviesa una crisis creativa. Carolina García y Viengsay Valdés, acompañadas por el cuerpo de baile, encarnaron Le Papillon una puesta clásica con visión contemporánea

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EL MUNDO BAILA

LA HABANA

CREACIONES CUBANAS También hubo estrenos mundiales de Alicia Alonso como es habitual en los festivales, y de otros coreógrafos cubanos. La directora ofreció tres propuestas dedicadas a importantes figuras de la cultura de su país, en el Gran Teatro de La Habana: Muerte de Narciso sobre música del cubano Julián Orbón, en homenaje y sobre un texto homónimo de José Lezama Lima (en el centenario de su nacimiento), que fue encabezado por Yanier Gómez. La Noche del Eclipse sobre música del también cubano José Manuel “Lico” Jiménez, con vestuario de Frank Alvarez, un dúo de amor interpretado por Anette Delgado (súper musical) y Yadil Suárez basado en la historia real de Juan Borrero y Carlos Pío Uhrbach y relata su primer encuentro el 10 de marzo de 1896. La Flauta Mágica sobre la original de Lev Ivanov con música de Riccardo Drigo (que nada tiene que ver con la de Wolfgang Amadeus Mozart), una obra que se había perdido en el tiempo y fue el director de orquesta Richard Bonynge quien la recobró para realizar una grabación con la Orquesta de la Royal Opera House de Inglaterra, en 1987. Y él mismo dirigió a comienzos de noviembre de 2010 a la Sinfónica del Gran Teatro de La Habana para este estreno, protagonizado por Viengsay Valdés y Elier Bourzac. La coreógra-

En Tres Vírgenes y un Diablo de Agnes de Mille, todas tienen su precio Foto . Nancy Reyes

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fa realizó una recomposición en base al argumento de Ivanov, a las partituras de Drigo y al dominio del estilo de la danza y la pantomima del período de la versión original, que dio como resultado un símil de Giselle. Eduardo Blanco estrenó expresamente para Yanela Piñera y Javier Torres Idilio con música de Luis Enrique Bakalov, tierno, amoroso, cariñoso, si bien mantuvo la estructura de un pas de deux clásico, ofreció algo diferente. Por su parte el destacado coreógrafo Iván Tenorio creó Ellos Bailan Preludios de Chopin, que fue interpretado por Anette Delgado, José Losada, Yanier Gómez, Serafin Castro, Osiel Gounod, Adrian Molina y Yonanh Acosta. Como su nombre lo indica fue una sucesión de preludios, con piano en escena (esta fue una edición del Festival con exceso de piano en escena) que permitió el lucimiento de las futuras estrellas del ballet cubano. De las cuantiosas reposiciones firmadas por Alicia Alonso, se destacó Umbral con música de Johann Christian Bach, como muestra de prolijidad, de escuela, de comunión, con hermoso vestuario de Salvador Fernández y escenografía de Zaida del Río. RECUPERACIÓN DEL PASADO El Ballet Nacional de Cuba también revivió creaciones del pasado, olvidadas en la mayor parte del planeta. Fueron dos re-estrenos

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EL MUNDO BAILA

LA HABANA

firmados por Agnes de Mille que dieron una imagen del mundo creativo de la genial coreógrafa estadounidense. Tres Vírgenes y Un Diablo con música de Ottorino Respiggi, a cargo de Ivette González, Ivis Díaz, Gretel Morejón y Ernesto Díaz. Una Rosa para Miss Emily sobre partituras de Alan Hovhaness protagonizado por Bárbara García y Javier Torres. Por otro lado se mostró La Muñeca Encantada (The Fairy Doll) de Nicolai y Sergei Legat con música de Joseph Bayer, un trío lúdico en el que dos bailarines vestidos de Pierrot, juegan a seducir infantilmente a la muñeca (Bárbara García), con todo tipo

Escena final de Apolo de Balanchine en versión completa

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de destrezas que permitieron disfrutar de los talentos de Yanier Gómez y Osiel Gounod. Entre muchísimas (verdaderamente muchas) reposiciones, el BNC volvió a reponer Apolo de Balanchine en versión original completa (que ya no se monta en ninguna compañía del mundo) y que estuvo magníficamente interpretada por Sadaise Arencibia, Yanela Piñeira, Amaya Rodríguez, Ivette González y Javier Torres. Y para la gala final el Grand Pas de Quatre de Jules Perrot sobre música de Césare Pugni por Viengsay Valdés (Taglioni), Yanela Piñera (Cerrito), Anette Delgado (Grisi) y Sadaise Arencibia (Grahn) en una excelentísima demostración del más puro estilo romántico. __BD

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Un Toque de Danza desde Ecuador Por Rosana García* En Ecuador hay dos instancias muy importantes en la historia de la danza escénica, un movimiento relativamente nuevo. Por un lado, luego de la actuación de un grupo de zarzuela en el país que causó gran interés en el público, el gobierno decidió invitar a uno de los integrantes, Raymond Mouge, para dictar clases de ballet en Quito. Como era el único maestro de la especialidad sumó además una escuela en la ciudad de Guayaquil donde decidió instalarse definitivamente. Allí concurrían las niñas de la sociedad Guayaquileña. Mouge fue pionero en hacer sus presentaciones con categoría, es decir, coreografiadas, con luces y en teatros, una forma de profesionalizar este arte. La segunda instancia se produjo en el año 1974 cuando se creó el Instituto Nacional de Danza con el apoyo del Ministerio de Educación, como bachillerato de danzas, fundado por Noralma Vera, Camila de Guarderas y Rubén Guarderas quienes forjaron e institucionalizaron el movimiento de la danza en Ecuador. La formación de este instituto motivó a varias generaciones que hacían danza de manera independiente a organizarse en un grupo, que al cabo de dos años hizo su primera presentación profesional que mostró un nivel superior. Así, en el año 1976, se creó el Conjunto de Danza Nacional, que luego se llamaría Compañía Nacional de Danza, respaldado por los fundadores de la escuela a quienes se sumó Marcelo Ordoñez. Los diferentes apetitos que había en el interior de este conjunto los llevó a trabajar más la danza neoclásica que la folklórica, y como ya había un desarrollo de técnicas de diferentes escuelas se produjo un cisma que definiría diferentes líneas de acción y de trabajo. Con este proyecto en mente un grupo de bailarines deciden formar el Ballet Ecuatoriano de Cámara en 1980 Fundado por Camila de Guarderas, Rubén Guarderas, Jaime Orbe, Cesar Orbe y Ramón Sulém con un sistema de trabajo más organizado y con reglamentaciones. La existencia de estas compañías le da a Ecuador la oportunidad de tener movimientos bastante amplios e independientes, que hoy en día se mueven en el país con carteleras semanales de propuestas actuales, en danza clásica, contemporánea y folklórica, y realizan giras al exterior, donde tiene gran acogida sobre todo esta última. Poder contar con grupos profesionalizados y bailarines independientes, surgidos de ambos elencos, y que siguen en la búsqueda y aprendizaje de nuevas tendencias en el mundo de la danza, es muy enriquecedor para todos los bailarines nacionales y extranjeros que actúan en Ecuador hoy en día. Ballet Nacional de Ecuador

Fotos . gentileza Ballet Nacional de Ecuador

Ecuador es uno de los países latinoamericanos con mayor cantidad de habitantes indígenas que cuidan y protegen su cultura, su danza nativa y mestiza

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La compañía cuenta con una proyección nacional que posibilita realizar recorridos permanentes en todas las regiones del país. Tal es así que en 2010 hicieron doscientas cincuenta y dos presentaciones gratuitas para más de doscientos sesenta mil espectadores de todas las edades. El Ballet Nacional está conformado por tres elencos que posibilita un amplio repertorio: el Ballet Ecuatoriano de Cámara, estilos clásico y neoclásico; el Ballet Metropolitano, folklore escénico nacional y latinoamericano; y el Ballet Contemporáneo de Cámara, para danza moderna y contemporánea. Para Rubén Guarderas fue la creación de las tres compañías lo que permitió responder a las demandas de presentaciones, pues pueden estar presentándose al mismo tiempo con diferentes propuestas en distintos puntos del país. Más allá de esta división estilística, el director señala la importancia para el bailarín de consolidarse en todas las técnicas. Así tiene proyectado en 2011 trabajar con orquestas sinfónicas, crear espectáculos multimedia, y actuar fuera de los teatros para que la danza trascienda. También dirigido a los bailarines, Guarderas expresó a esta cronista, que pide a los bailarines más trabajo y a la vez más mística. Que disfruten más lo que hacen, haciendo realidad sus utopías, y que se vinculen más al mundo del arte . “Hoy en día la mayoría de los bailarines busca la cantidad y la calidad técnica, pero se están olvidando del sentir, el interpretar dejando el alma en el escenario”. Por último realizó una invitación -abierto a nuevas propuestas nacionales e internacionales- para aquellos coreógrafos que quieran compartir sus creaciones en clásicos, neoclásicos, folklóricos, contemporáneos o modernos, puesto que “en toda compañía es importante el acercamiento a nuevos movimientos”. Y ese es su pensamiento para este 2011: “busquémonos, integrémonos, respetemos y disfrutemos enormemente lo que hace el otro. Que lo que realicen los otros colegas sean una gran emulación para todos los que hacen danza”. __BD * Ex bailarina argentina del Ballet Ecuatoriano de Cámara, dirigido por Rubén Guarderas quien colaboró en la redacción de este artículo y fue entrevistado.

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Mucha Danza en el Invierno Español Por Mercedes Borges Bartutis desde Madrid Dos citas de danza marcaron el invierno y el final del año, en la capital española: el Madrid en Danza y el Certamen Coreográfico de Madrid. La ciudad acogió en sus salas a creadores de experiencia y con un nombre a nivel internacional, pero también a jóvenes artistas que buscan insertarse en el panorama de las artes escénicas españolas. Balletin Dance pudo reportar las incidencias de ambos eventos, que movilizan al público y la prensa especializada en intensas jornadas de danza. MADRID EN DANZA 2010. PUNTO Y APARTE… El Festival Madrid en Danza, que tuvo lugar entre el 8 y el 28 de noviembre, cerró sus puertas después de numerosas presentaciones, talleres y encuentros entre artistas del movimiento. Importantes compañías llegaron invitadas a la capital, para integrar la gran cartelera que desarrolló está edición número 25, de una cita que se reafirma como uno de los eventos más significativos de la creación coreográfica en Europa. Más de treinta formaciones se presentaron en las salas de la Comunidad de Madrid. Entre los nombres que destacaron están la Compañía Nacional

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de Danza, dirigida de manera transitoria por Hervé Palito, Teresa Nieto en Compañía, el Ballet de la Ópera de Lyon con la versión de Giselle de Mats Ek, Wim Vandekeybus con su espectáculo Última Vez y Trànsit Dansa, entre otros. Además se organizaron varios ciclos que trajeron temáticas bien interesantes, para los amantes de la coreografía contemporánea. El Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes, mos-

La Giselle de Mats Ek por el Ballet de la Ópera de Lyon Foto . Jean Pierre Maurin

tró a compañías de flamenco diferentes en su concepción, pero con su mirada puesta en la historia de la danza española; por otro lado, el Ciclo Generación 2.0 llevó una muestra de jóvenes coreógrafos al Teatro Pradillo y a la Sala Cuarta Pared; mientras que el ciclo especial de danza italiana se mostró en el Pradillo, el Teatro Fernán Gómez y el Salón Cervantes de Alcalá de Henares. Según Ana Cabo, directora del Madrid en Danza, el festival estuvo marcado por los nuevos retos. Estrenos absolutos y nuevas obras para España, conformaron un amplio abanico de estilos y tendencias coreográficas. Madrid respiraba danza por todas partes en esos días de noviembre, la próxima cita en 2011 tendrá que superar con creces esta edición, de un encuentro ya maduro, que ha reinventado su imagen y propuesta. CERTAMEN COREOGRÁFICO DE MADRID. JÓVENES QUE APUESTAN POR LA DANZA El Certamen Coreográfico de Madrid es una plataforma para creadores jóvenes, que tiene lugar en la capital española desde 1987. Su directora y principal promotora es Laura Kumin, pedagoga y programadora que ha desarrollado una larga carrera como asesora de la danza en España. La competencia tuvo como escenario el Teatro Fernán Gómez de Madrid, del 2 al 5 de diciembre, con catorce obras finalistas que apostaron por un número interesante de premios.

PI-20 de Noemí Viana, la obra más aplaudida del Certamen Coreográfico de Madrid Foto . Jesús Vallinas

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Según Kumin, el certamen tiene como objetivo principal “darle herramientas y recursos a los coreógrafos jóvenes, para hacer más profesionales sus actividades”. La organización también colabora con el período de investigación de los artistas, y propicia el intercambio tan necesario en estos tiempos. Y es que con 24 años a sus espaldas, el certamen ha visto pasar por su catálogo a creadores que hoy son cita obligada en la danza española como La Ribot (1987), o Teresa Nieto (1990). En dos jornadas de competencia, siete obras fueron finalistas. El primer premio recayó en PI-20 de Noemí Viana (País Vasco), defendida por su autora y el también bailarín y coreógrafo Jesús Rubio, resultó un magnífico ejercicio de creación, un atrayente estudio de movimiento e imágenes, que revela una pieza sólida en su discurso. Noemí Viana obtuvo, además, varias becas, residencias y premios colaterales, entre los que se destacan el del público y la crítica. El segundo lugar fue para Escuálido Marsupial de Elías Aguirre y Manuel Rodríguez (Madrid-Andalucía), que llevó humor al escenario, insertó el divertimento para suavizar el ambiente, pero con un trabajo bien riguroso. Elías Aguirre y Manuel Rodríguez aportaron un tema que apenas se trata en la danza contemporánea. Y el tercer premio fue para Miniatura de Roser López Espinosa (Cataluña) que sorprendió pues había obras que tenían más condiciones para ubicarse en este puesto. Además de sus tres premios en metálico, el certamen ofrece un grupo importante de residencias, ayudas para desplazamientos en giras, participación en festivales y proyectos de tutorías. Son muchas las posibilidades para encausar las carreras profesionales de los participantes, aunque no obtengan los premios principales.

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Una de las acciones colaterales del Certamen Coreográfico de Madrid es el Taller Palabras en Movimiento. La experiencia tiene lugar por tercer año consecutivo, bajo el auspicio de Paso a 2, Plataforma Coreográfica Asociación Cultural, en colaboración con el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila y la revista Susy-Q, “para fomentar el periodismo de danza y la mirada crítica”. Otra gestión determinante en el Certamen Coreográfico de Madrid es ChoreoRoam 2010, una experiencia donde varias instituciones europeas facilitan los medios de investigación a un grupo de coreógrafos para que desarrollen su obra creativa. El Centro de Danza Canal fue testigo de procesos de trabajo que se mostraron al público prácticamente en ciernes. Las exploraciones van tras temáticas como la relación entre la mente y el cuerpo, o la búsqueda de fuentes ajenas al cuerpo como punto de inicio para el movimiento. El público asiste a una especie de gran almacén de ideas o estudios en procesos, que trasmiten sus puntos más íntimos. Con su experiencia, ChoreoRoam ha establecido comunidades de artistas de danza contemporánea en Europa, y aumenta la visibilidad de creadores que están iniciando sus pesquisas coreográficas. El espectáculo de cierre del concurso incluyó los tres trabajos ganadores y a la pieza Mala Suerte (o Fatal Talento) de la compañía Mopa que obtuviera el mayor galardón en 2009, así el evento se reafirma como una plataforma de danza, con un papel protagónico en el contexto de la danza europea. __BD

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Estrenos Bajo la Dirección Legris Por Beatriz Cotello desde Viena

En octubre y noviembre se vieron los anunciados estrenos de la nueva dirección del Ballet de la Staatsoper y de la Volksoper. En primer lugar el programa Juwelen der Neuen Welt con coreografías de Balanchine, Forsythe y Tharp (Staatsoper) y luego el estreno mundial de Marie Antoinette en la Volksoper

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JOYAS DEL NUEVO MUNDO Juwelen der Neuen Welt -un juego de palabras sobre las Jewels de George Balanchine, una de las cuales integró el programa- ofreció el Ballet de la Ópera de Viena en su primer estreno bajo la dirección de Manuel Legris. Trabajos de William Forsythe y Twyla Tharp completaron la velada, como anticipó BALLETIN DANCE en octubre del año pasado. Más que del nuevo mundo, el programa y los tres coreógrafos significan una síntesis entre el nuevo y el viejo: el ruso Balanchine, asimilado en los Estados Unidos, el norteamericano Forsythe que hizo su carrera en Alemania y la puro estadounidense Tharp. La música, indudablemente del viejo mundo: Tchaikovsky, Stravinsky, Brahms, Schubert. La elección de estos últimos es sin duda un homenaje a la tradición austríaca.

El espectáculo se inició con Tema y Variaciones sobre la suite para orquesta N° 3 de Piotr Ilich Tchaikovsky. Estrenado por Alica Alonso e Igor Youskevitch en 1947 en el Ballet Theatre, llegó a la Volksoper de Viena en 1953 en el marco de una gira europea de la citada compañía. La primera representación en la Staatsoper tuvo lugar recién en 1998 con Jolanta Seyfried y Gregor Hatala como figuras principales. La puesta de este año y aquella se llevaron a cabo bajo la supervisión de Nanette Glushak, miembro del Balanchine Trust. Los trajes, creación de Christian Lacroix, en amarillo apagado para el corps de ballet y naranja para los solistas. Siguieron Variaciones Sobre un Tema de Haydn sobre la conocida pieza de Johannes Brahms, de la coreógrafa norteamericana Twyla Tharp, que si bien fue en sus inicios avantgardista e iconoclasta, en esta pieza retoma el modelo clásico al que le imprime un carácter propio. La música se entreteje con la danza y la coreografía resulta muy variada, con cierto tono humorístico y a la vez de carácter serio. Intervienen cinco parejas solistas, dos parejas adicionales y el cuerpo de baile, vestidos con túnicas cortas en blanco tiza y beige dorado.

Olga Ésina y Vladimir Shishov en Tema y Variaciones Foto . Wiener Staatsoper GmbH | Michael Pöhn

Ketevan Papava (Madame Elisabeth) y Kirill Kourlaev (Das Schicksal) en Marie Antoinette Foto . Wiener Staatsballett | Dimo Dimov

La coreografía de Forsythe The Vertiginous Thrill of Exactitude (La vertiginosa excitación de la exactitud), creada sobre el cuarto movimiento (Allegro vivace) de la cuarta sinfonía de Franz Schubert denominada La Grande, utiliza a tres bailarinas y dos bailarines, que deben ajustarse a que a cada nota le corresponda un paso o un salto. Una verdadera tour de force para ellos (Liudmila Konovalova, Franziska Wallner-Hollinek, Kiyoka Hashimoto, Masayu Kimoto y Denys Cherevychko), sobre todo porque el director de orquesta, Christoph Eberle, se ciñó estrictamente a los tempi originales, prueba que absolvieron con toda exactitud. Los trajes diseñados por Stephan Galloway: un tutú reducido a su mínima expresión, o sea a un plato (verde) para las mujeres y para los hombres malla sin piernas (violeta). El último número fueron los Rubies de Balanchine. Transcribo esta cita: “Cuando un señor rico entra en Van Cleff and Arpels, sale con un saldo mucho menor en la cuenta bancaria, cuando entra Balanchine, sale con una coreografía”. Rubies resultó también muy exacta, y podía sentirse la concordancia de los bailarines con la música. Fue excelente la actuación de los tres soENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 61

listas principales (Maria Yakovleva, Mihail Sosnovschi y Ketevan Papava). La preparación estuvo a cargo de Nanette Glushak, y el mismo Legris dirigió los ensayos, junto con Alice Nesca. En una representación posterior Gregor Hatala realizó el rol principal, un veterano solista (lo es desde 1996), el príncipe por antonomasia, que también convence en el lenguaje matemáticoacrobático de Rubies. Natalie Kusch y Marie-Claire D’Lyse fueron las componentes femeninas del trío principal. El programa que podría definirse como “variaciones sobre el tema del neoclasicismo”, constituyó un bautismo de fuego para el Staatsballet Wien. El conjunto apareció como una compañía disciplinada, capaz de momentos brillantes y vertiginosas exactitudes.

MARIE ANTOINETTE María Antonieta, Reina de Francia, es la protagonista de este estreno coreográfico que tuvo lugar en la Volksoper de Viena. Una creación de Patrick de Bana con la intervención de las primeras figuras del Ballet de la Staatsoper y cuerpo de baile de la Volksoper. En diez cuadros fueron desfilando hechos salientes en la vida de la hija de María Teresa de Austria que luego se convertiría en reina de los franceses. Se intercalaron en estos cuadros intervenciones de una pareja que representa su sombra y su destino, este último actúa significativamente como un títere al que le fallan los mecanismos. También se alterna la música: en las partes históricas, partituras contemporáneas al personaje (bellas páginas de Mozart, Telemann, Vivaldi, Rameau y Chevallier de Saint-Georges), mientras que en las abstractas se utiliza música del s. XXI, compuesta por el español Miguel Cobo, de gran efectividad expresiva. La trayectoria comienza en la corte de Viena, al fondo la figura señera de la emperatriz María Teresa, vestida de negro con gran miriñaque, sigue el encuentro con el Dauphin y los cortesanos de Francia, luego los juegos en el Trianon. Una lluvia de papeles al final de este primer acto parece simbolizar los panfletos que distribuyen los revolucionarios, como anticipando que la vida de lujo y placer está por terminar. El segundo acto describe el asalto a Versailles -que ocurrió después de la toma de la Bastilla- la huída de la familia real, que terminó en su captura, y las penurias de la reina en la prisión. El término de la historia despertó grandes expectativas: ¿cómo iría a representarse el dramático evento? El último cuadro muestra la desolación del personaje en su prisión, la acompañan 62 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

Madame Isabelle, la hermana de Luis XVI quien fuera su amiga, como excepción en la corte francesa, el fantasma de su madre María Teresa y el de Luis, quien sabemos había perdido la cabeza antes que ella. En el momento final una poderosa luz roja baña a la pareja fundida en apretado abrazo, mientras suena un redoble de tambores que remata en el sonido zumbante del caer de la guillotina. El coreógrafo Patrick de Bana se formó como bailarín en la escuela de John Neumeier en Hamburgo, integró el ballet de Maurice Béjart y desde 1992 la Compañía Nacional de Danza de España, hasta que en 2003 armó su propio grupo Nafas (alma en turco). El lenguaje coreográfico que emplea en Marie Antoinette revela una base clásica y la influencia de sus maestros Neumeier y Béjart. De gran expresividad no pone el acento sobre proezas atléticas. Los bailarines mostraron un rendimiento muy parejo y equilibrado, tanto los solistas como el corps. Olga Esina como Marie Antoinette, especialmente trágica y conmovedora sobre el final, Luis fue personificado por Roman Lazik. Mención aparte merecen Elisabeth Golibina y Kirill Kourlaev como la sombra y el destino, respectivamente. El encargado de seleccionar e hilvanar los hechos históricos en una trama dramática apta para la coreografía fue Jaime Millás, escritor y periodista, que fuera director artístico del Teatro de la Generalitat de Valencia. El marco escénico es simple (la empresa española a cargo de la escenografía se denomina Espacios Efímeros): los costados y el fondo del escenario están revestidos de placas acrílicas. La escena en la corte de Viena se complementa con una escalinata al fondo y arañas barrocas, para decorar el Trianon descienden unas columnas como estalactitas de vidrio iluminado, la prisión está circundada por tubos también luminosos que representan las ominosas rejas. El vestuario estuvo a cargo de la francesa Agnés Letestu, que llegó al diseño luego de ser danseuse étoile en el Ballet de la Opera de París. Vestiditos ligeros con volados rococó para las bailarinas y redingotes transparentes y gorgueras para los hombres. __BD

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Duato, Béjart, Stevenson y Más El Teatro Municipal de Santiago anunció su temporada 2011 que integra reconocidos títulos y estrenos absolutos en ópera, ballet y conciertos La temporada de danza y ballet comenzará en marzo con la visita de la compañía norteamericana Hubbard Street Dance Chicago, que regresa a Chile luego de nueve años. Presentarán un programa mixto integrado por Arcangelo (Nacho Duato), Untouched (Aszure Barton), Deep Down Dos (Alejandro Cerrudo) y Blanco (Alejandro Cerrudo). El Ballet del Teatro Municipal de Santiago dirigido por Marcia Haydée comenzará en abril con el estreno en Chile de Drácula de Ben Stevenson sobre música de Franz Liszt. A comienzos de julio harán un programa compartido que incluirá Ètudes de Harald Lander y Gaîté Parisien de Maurice Béjart. La siguiente propuesta será en los albores de septiembre con a la opera prima de Kenneth MacMillan La Canción de la Tierra (creada para Marcia Haydée) con música de Gustav Mahler y Voces de Siempre del argentino Eduardo Yedro sobre composiciones de Patricio Meneses.

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En octubre será el turno de Romeo y Julieta de John Cranko con música Sergei Prokofiev y por último, en diciembre, Madama Butterfly de Jaime Pinto con partituras de Giacomo Puccini y Albena Dobreva. Los precios de las entradas de este año, aseguran en comunicado de prensa, serán accesibles y habrá importantes rebajas en los abonos, especialmente aquellos dirigidos a jóvenes, para acercarlos a vivir la experiencia de un espectáculo en vivo que es única e irrepetible. Además de estas seis funciones de ballet, habrá seis óperas, cantidad de conciertos, un ciclo de grandes pianistas, el ciclo de mediodía y una nueva propuesta para niños y adolescentes: Pequeño Municipal. Se trata de espectáculos de pequeño formato (una hora de duración) destinados a niños y adolescentes, con títulos de ópera, ballet y conciertos diseñados especialmente para introducir de una manera lúdica y entretenida a los pequeños a las artes escénicas. __BD

Duato ensaya Arcangelo con la HSDC

Beatriz Moscheni, en la Danza B

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Seis décadas comprenden la historia de la danza clásica en la vida de Beatriz Moscheni. Los mejores maestros formaron su personalidad artística, hasta ingresar al Ballet del Teatro Colón y -por concurso también- a ganar el cargo de solista. Con una narración ágil y coloquial, Moscheni llega al presente como distinguida profesora egresada de la Escuela Nacional de Danzas. ENERO-FEBRERO 2011 // BALLETIN DANCE / 65

In Memoriam

Enrique Morente GRANADA ESTÁ DE LUTO

Por Carlos Manso Nos conocimos en el Palacio de la Madraza, allá por 1993, cuando el musicólogo Jorge de Persia presentaba mi libro Antonia Mercé. Y al grupo se unió el poeta Juan de Loxa, quien me lo hizo intimar con algún vino y sus ‘tapas’ en un bar de Plaza Nueva. Así tuve al natural al cantaor de un nuevo flamenco, aunque tuviera y respetara los consejos y secretos de Pepe el de la Matrona, el grande de la vieja estirpe, a quien también escuché en la intimidad del Mayor Guadalupe, de Madrid, recordando que decía: “el cante verdadero es un mensaje que llega y lastima a toda la gente sensible”. Morente con aquellas raíces se adentró a la creación de la vanguardia del flamenco y convencido lo afirmaba: “Yo soy una persona que me aburre cantar siempre igual y pienso que la ortodoxia hay que cogerla e inspirarse y desarrollarla para hacer cosas que invitan a hacer nuevo arte. Porque esto es una música viva, ésto no es música de museo, si no estaríamos paraos, estaríamos en el campo y esto es un arte de profesionales” *. En 1996 nos reencontramos en Buenos Aires. Había llegado con la cantaora Carmen Linares -ella cantaría El Amor Brujo en el Colón y en el Avenida con la Orquesta Filarmónica dirigida por Fruhbeck de Burgos- y Morente con su pequeño grupo en el Presidente Alvear, donde su voz y su ‘cante’, íntimo, doliente, estremecía de emoción. Desfilaban en sus creaciones sus poetas: Federico, Hernández, Alberti, Machado, o Juan del Encina, Lope de Vega y San Juan de la Cruz. Poco más tarde, en el año ‘98, centenario del nacimiento de García Lorca, volveríamos a escucharle en Fuente Vaqueros o en Granada, a la par de Eladia Blázquez, Ana Belén, Pilar López, Ian Gibson, Roberto Ximénez, y aún mujeres mayores integrantes de “La Barraca”, -el grupo teatral universitario, dirigido por Federico, de los años de la República- en el sentido homenaje. Así conocí a Enrique Morante, muchacho bonachón, humilde, simple. Artista inconformista, luchador en procura de la perfección, tantas veces incomprendido por la renovación que impulsaba, pero auténtico en su arte que al fin se impuso dejándonos su valiosa enseñanza artística y humana. __BD *Del libro La Discoteca del Flamenco de Ángel Álvarez Caballero. Barcelona, 1995.

Carlos Manso, Carmen Linares y Enrique Morente, Buenos Aires, mayo de 1996 Foto . gentileza de Carlos Manso

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Balletin Informativo

AUDICIONES La Compañía Nacional de Danza Contemporánea realizará audiciones para contratar a cuatro bailarines, el sábado 22 de enero a las 9 y el domingo 23 de enero de 2011 a las 19 hs, en su sede, el Centro Nacional de la Música (México 564, Buenos Aires). Los interesados deben tener de 25 a 34 años, ser argentinos, poseer condiciones de conducta y aptitud psicofísica para desempeñar las funciones, muy buena técnica contemporánea, clásica, partenaire contemporáneo y es de gran aporte, aunque no excluyente, el conocimiento de otras técnicas. Además deben acreditar tener una experiencia profesional mínima de tres años en compañías. Para audicionar es necesario enviar un CV completo con fotografías y DVD, antes del 14 de enero. Informes: danzacontemporanea@cultura.gov.ar. El Tulsa Ballet de Estados Unidos realizará audiciones en Buenos Aires, para contratar bailarines principal, solistas y cuerpo de baile, para su próxima temporada, el sábado 26 de febrero de 2011, en el Estudio Olga Ferri-Enrique Lommi. Para la selección viajarán expresamente el director artístico Marcello Angelini y maestros del elenco. Los interesados en audicionar deben tener buena técnica clásica, creatividad y dos años de experiencia profesional. Se ofrece un contrato de 40 semanas, seguro médico internacional, salario competitivo (24.000 dólares al año) y un repertorio de excelencia con coreografías de Ronald Hynd, Jirí Kylián, William Forsythe, Edwaard Liang, George Balanchine, Mikhail Fokin, Adam Hougland, Ma Cong, Val Caniparoli y Darrel Grand Moultrie. Informes: companymanager@tulsaballet.org. www.tulsaballet.org.

AUDICIONES

DEL EXTERIOR

Alemania. El Ballet Augsburg seleccionará bailarines con buena técnica clásica (puntas), contemporáneo y experiencia escénica. La audición será el 22 de enero y solamente podrá participar los seleccionados. Enviar Cv y fotos a Theater Augsburg, Ballett, Kasernstrasse 4 – 6 (D-86152 Augsburg) Alemania. Cierre de inscripción: 15 de enero de 2011. E-mail: ballettassistenz.theater@augsburg.de. Alemania. El ballet Anhaltisches Theater Dessau dirigido por Tomasz Kajdanski contratará bailarines con sólida base clásica y moderna, para su próxima temporada. Habrá audiciones en febrero y en abril, en su sede de Dessau. Los interesados en participar deben enviar cv y fotos a ballettdirektiondessau@ymail.com indicando la fecha preferida de audición. Austria. La TLT Ballet Company de Innsbruck, dirigida por Enrique Gasa Valga, busca solistas con excelente técnica clásica (puntas) y buena técnica contemporánea. Participarán de las audiciones los bailarines invitados, previa selección, los días 15 y 16 de abril de 2011. Interesados: enviar Cv y foto de cuerpo entero a Tiroler Landestheater, Ballettdirektion att. Martine Reyn, Rennweg 2 (6020) Innsbruck, Austria, por email a: ballettdirektion@landestheater.at. España. Thomas Noone Dance seleccionará un bailarín y dos bailarinas, de alto nivel en técnica contemporánea y clásica y experiencia en trabajos de dúos. La audición será el 22 de enero en AREA (Espai de Dansa i Creació, Barcelona). Se reciben CV hasta el 19 de enero, en: admin@thomasnoonedance.com. Estados Unidos. El Ajkun Ballet Theatre de Nueva York, contratará bailarines de 16 a 35 años, para cubrir puestos de cuerpo 68 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2011

de baile y solistas. Se requiere tener conocimiento de pas de deux y repertorio clásico tradicional, y preferentemente, experiencia en danza contemporánea. Se ofrece contrato de 48 semanas incluidas 12 de gira. Habrá audiciones en diferentes ciudades de Italia, Inglaterra, Holanda y Estados Unidos. Los interesados en participar deben descargar el formulario de inscripción de internet: www. ajkunbt.org. Mayores informes: aijkun@aol.com. Reino Unido. El Scottish Dance Theatre que dirige Janet Smith, seleccionará bailarines/as versátiles y creativos, con un mínimo de tres años de experiencia profesional, con alto dominio de las técnicas clásica, contemporánea, improvisación y contact. Los interesados deberán enviar Cv con foto de cara, carta de presentación, DVD o link a videos recientes en internet, antes del 4 de febrero de 2011, a: Janet Smith, Scottish Dance Theatre, Dundee Rep Theatre, Tay Square, Dundee (DD1 1PB) UK. La audición será en Londres el 6 de marzo. Informes: www.scottishdancetheatre.com.

CONVOCATORIAS Mar del Plata. Semana del Arte Contemporáneo 2011. 3º edición. Del 3 al 9 de marzo de 2011 en el Centro Provincial de las Artes Teatro Auditórium, Plaza del Agua y Teatro Colon. Manifestaciones visuales, objetuales, performativas y musicales. Espectáculos, talleres, conferencias, workshops y acciones en espacios públicos, con entrada libre y gratuita. Cierre de inscripción. 20 de enero de 2011. Informes: www.sacmardelplata.com.ar Rosario. El Ballet Folklórico Libanes Firqat al Arz de la Sociedad Libanesa de Rosario, que dirigen Munir Nellmeldin y Nadia Hohn, convoca a bailarines mayores de 16 años, que deseen incursionar en las danzas típicas libanesas a integrar su compañía. Informes: nadiahohn@gmail.com Buenos Aires. Foro sobre la Produccion Escénica en Iberoamerica: La producción escénica en Iberoamérica, un puente entre la formación y la profesionalización del sector. 2º edición. Del 5 al 10 de diciembre de 2011. Organizado por el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (Celcit). La primera edición se realizó en la ciudad de México. El evento reunirá a creadores, artistas, gestores y productores con especialistas en Gestión y Producción de Iberoamérica con el fin de profundizar en la generación de estrategias tendientes a la formación, perfeccionamiento y profesionalización en la región. Con coordinación académica de Gustavo Schraier ya están confirmadas las participaciones de Marisa de León y Silvia Peláez (México), Miguel Àngel Pérez Martín (España) y André Carreira (Brasil). Informes: www.celcit.org.ar.

CONVOCATORIAS

DEL EXTERIOR

Suiza. El Prix de Lausanne busca director artístico para integrar su nueva estructura organizacional, que tendrá residencia en Lausanne. Se realizarán reuniones en julio de este año, para comenzar la tarea full time inmediatamente después del concurso de enero de 2012. Cierre de inscripción: 28 de febrero de 2011. Informes: Prix de Lausanne Artistic Director Recruitement Panel, Av. Bergières 14 (1004) Lausanne, Switzerland. E-mail: artdir@prixdelausanne.org Noruega. Carte Blanche, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, necesita un director de ensayos desde agosto del 2011. Los interesados deben enviar Cv y carta de presentación a: info@ ncd.no, antes del 31 de enero. También habrá audiciones para bailarines y bailarinas a fines de enero, quienes quieran participar deberán enviar CV y foto retrato a: info@ncd.no, antes del 15.

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Balletin Informativo

CONCURSOS

Y FESTIVALES

Festival Nacional del Malambo de Laborde, Córdoba. 43° edición. Del 11 al 16 de enero de 2011. Informes: www.festivaldelmalambo.com

DEL EXTERIOR España. Muestra de Videodanza Escena 2.0, 1º edición. Organiza la web Escena 2.0. Muestra de videodanza en internet. Los trabajos a presentar deben estar ya en una plataforma de video (preferentemente de alta definición) y no podrán superar los 5 minutos de duración, creado después del 1º de enero de 2009. Cierre de inscripción: 28 de febrero. Los interesados deben comunicarse por e-mail: escena20@gmail.com Información completa en www.escena-2.com España. Fira de Tàrrega Laboratorio de creación 2011. 4º edición. Destinado a jóvenes (residentes en Catalunya) creadores interesados en las producciones de calle. El premio consiste en 3.000 euros, una residencia creativa en Tárrega (Lérida) de tres semanas y el estreno del espectáculo en la Programación Oficial de FiraTàrrega 2011. Cierre de inscripción: 15 de enero de 2011. Enviar un dossier explicativo con el proyecto artístico. Informes: http://www.firatarrega.cat/es/laboratoris

¿DÓNDE CONSIGO BALLETIN DANCE? En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, BALLETIN DANCE es de distribución gratuita. La conseguís en los locales de venta de artículos de danza y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs. En el interior de la Argentina, podés comprar BALLETIN DANCE, LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA en tu propio estudio y en los siguientes locales, a $ 3.

CONCEPCIÓN DEL URUGUAY (ENTRE RÍOS). Carina Caire. Rto Uncal 160 Tel: (03442) 44-9020. E-mail: fulltraining@hotmail.com CÓRDOBA CAPITAL. Chita’s: San Martin 165, local 35 Tel: (0351) 423-9040. E-mail: info@chitasweb.com.ar FORMOSA. Studio Ballet, María Teresita Donkin. Juan José Silva 1275 E-mail: teredonkin@hotmail.com MAR DEL PLATA (BUENOS AIRES). Escuela Municipal de Danzas Norma Fontenla. México 1742. Tel: (0223) 473-1016 ROSARIO (SANTA FE). Koi Ballet, Carina Odisio. Club Español: Rioja 1052 E-mail: odisiocarina@hotmail.com SANTA ROSA (LA PAMPA). Bella Bailarina, Adriana Arillo. 1º de mayo 684 Tel: (02954) 15-54-8245. E-mail: adrianamarcela@cpenet.com.ar VENADO TUERTO (SANTA FE). Vínculos, Mónica Videla. San Martín 165 Tel: (03462) 423753. E-mail: vinculos@powervt.com.ar EN PARAGUAY, a 15.000 GS Huerta Librería. Asunción. Tel: (+ 59 521) 20-4242 Email: casa@huertalibreria.com

SUSCRIPCIÓN También podés recibir la revista todos los meses en tu casa (en todo el mundo). A través del sistema de suscripción, pagás solamente los gastos de envío que en Argentina son $ 7 por revista. Y contás con la suscripción grupal. Para un estudio, un local o un grupo de amigos que quieran recibir todos juntos los ejemplares mensuales de La Revista Argentina de Danza, a solo $ 3 cada una. + info: www.balletindance.com.ar, E-mail: suscripciones@balletindance.com.ar

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