BALLETIN DANCE 209

ISSN 1850-6275 . Año 19 . Nº 209 . mayo 2012 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

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NOTA DE TAPA 6 Entrevista con Oscar Araiz

IN MEMORIAM 50 Susana Agüero 51 Camila de Rebollo

ACTUALIDAD 13 Visita Explosiva 14 El Tap en su Laberinto 18 La Picardía del Amor 20 Inspiración Divina 20 Consagración Sinfín

ARGENTINOS EN...

52 Brenda Angiel de Broadway a Tel Aviv 53 Ecuador. Encuentro Butoh

ENTREVISTA 24 De Eso Sí se Habla Oscar Araiz, en el tanque de la Unsam Foto: Uri Gordon

PROVINCIAS 22 Santa Fe. Cuatro Tangos TANGO 26 Creciendo Paso a Paso FOLKLORE 32 Bailando en el Bosque DANZA ÁRABE 34 El Momento del Agite

Sumario 209

BALLETIN DANCE DIDÁCTICO 54 Nuevos Lanzamientos COMENTARIOS 36 Trastos de lo Triste 38 Compartiendo Cuatro Modos Subjetivos 40 Carmen nuevo trabajo de Mauricio Wainrot 44 Debut

INTERNACIONALES 56 Alemania. Saarbrücken se Tiñe de Perspectivas 58 México. Caravana de Artes Escénicas 62 Estados Unidos. Elena Roger y Ricky Martin en Broadway 62 Estados Unidos.

Chita Rivera Vuelve a Broadway 67 Uruguay. Riccetto regresa al Sodre 68 Reino Unido. Tamara Rojo nueva directora del English National Ballet 68 España. Un Nuevo Centro 70 Reino Unido. Extraña Renuncia CARTELERA 31/49/64 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/74 Audiciones, becas, casting, convocatorias, concursos, encuentros, festivales, premios, subsidios, residencias

MAYO 2012 - AÑO 19 - Nº 209 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998.

Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Directora y propietaria: Agustina Llumá.

Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 4996656. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Carlos Bevilacqua Guillermo Chulak Enrique Honorio Destaville Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Natalia Picorelli Daniel Sousa corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com

INTERIOR DEL PAÍS: $ 6 TIERRA DEL FUEGO: $ 8 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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OSCAR ARAIZ

La Emoción es mi Termómetro Por Agustina Llumá El 26 de mayo se inaugura la Usina de Ideas, un nuevo centro cultural que albergará a dos salas de conciertos en la ciudad de Buenos Aires.

Ese día actuarán entre otros, el grupo de danza de la Universidad de San Martín dirigido por Oscar Araiz

La Usina de Ideas es un antiguo proyecto del gobierno de la ciudad de Buenos Aires (ver Balletin Dance Nº 177, junio de 2009, también llamada Usina de las Artes o Usina de la Música) que busca, como epicentro, instalar en el barrio de La Boca un polo cultural. La antigua Usina de la Compañía Italo Argentina de Electricidad presentaba características más que propicias para esta adecuación, pues -entre otras- sus proporciones permiten lograr una buena acústica. Si bien en julio del año pasado se había realizado ya una inauguración, no contempló entonces la sala mayor de mil setecientas localidades. Oficialmente no se había develado al cierre de la presente edición el nombre de los artistas (nacionales y extranjeros) que participarán en estas funciones, ni el programa elegido, sin embargo BALLETIN DANCE pudo saber que una de las propuestas será Pulsos un estreno de Oscar Araiz.

Pulsos “No se si es una obra, es como un ejercicio. Se gestó en la Universidad de San Martín el año pasado -explicó Oscar Araiz al inicio de esta conversación-, donde hay un gran número de bailarines que vienen del folklore y tienen mucha técnica, tienen carácter, son muy musicales. Llegan con mucha prestancia, hay una cierta masculinidad inclusive, interesante. Entonces el año pasado los junté y les propuse hacer una investigación, un juego, con una música de un autor contemporáneo, John Adams, muy rítmica pero que no tiene nada que ver con la música folklórica, para ver si hay un punto de encuentro entre el zapateo argentino, o sea el malambo y estos ritmos que son diabólicos y muy contemporáneos. Es cortito, dura 13 minutos y bailan también las mujeres que saben malambo” anticipa el coreógrafo. “No se si para el público el resultado será tan interesante como fue para nosotros el proceso”, agrega.

Se inaugura este mes la Usina de Ideas

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Educación Oscar Araiz tiene a su cargo la dirección de dos carreras de nivel terciario, por un lado en forma privada, la Escuela de Danza Contemporánea Arte XXI que enfatiza la formación del bailarín, y por otro de manera estatal la Universidad Nacional de San Martín (Unsam) con tres orientaciones (compositiva, pedagógica y terapéutica).

Dentro de la Unidad Académica de las Artes, la Unsam ofrece cinco carreras (cine documental, artes circenses, danza, títeres y objetos, y fotografía), que por ahora son diplomaturas. El área danza nació bajo la dirección de Araiz en marzo de 2010, con un nivel de perfeccionamiento y es “un programa de cuatro años dividido en dos ciclos. Cinco cuatrimestres, en que la concentración está puesta en lo que la gente necesita y quiere en ese momento, que es bailar, moverse, técnica, aunque también haya

El Mar se mostró el mes pasado al Aire Libre en San Isidro Foto . Sebastián Pasquet

materias teóricas. Después viene una última etapa en que la carrera se abre y puede ingresar gente que no ha hecho la primera parte, donde aparecen las especialidades (que comienzan a impartirse en el segundo cuatrimestre de este año). Son tres patas: el compositor, el coreógrafo, el director, el gestor, el promotor, todo lo que es la producción, artística y administrativa. La otra especialización es la pedagógica, la de maestro. Y la tercera es la de las terapias corporales, terapias físicas, que me parece que es una de las más interesantes en este momento, socialmente hablando. Lo que me interesa es que los egresados tengan fuentes de trabajo, que vivan de lo que les gusta hacer”.

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En ambos centros educativos, el director propone concretar intercambios institucionales “que se hagan acuerdos, que se compartan a veces algunos seminarios, que se inviten alumnos. Yo estoy haciendo eso, también con la escuela de Mariana Sirote en Neuquén, que es una escuela divina, por sus maestros y planes de estudio. Una vez por año enviamos un alumno y otro viene.

Ella es una buena consejera. Nos gusta encontrar hermanos, tener pares”.

La vida del bailarín “La naturaleza del bailarín es orgánica. Es intelectual también, pero un gran porcentaje tiene que ver con su cuerpo, por eso ha sido como poco previsor del futuro (un hecho que está cambiando, porque ahora ya no lo es tanto). Mirá lo que veíamos antes en las compañías, que cuando se acababa el cuerpo se acababa la persona, es una cosa tremenda. Todo está cambiando, los sistemas están cambiando y las instituciones necesitan cambios,

quizás en esos cambios podamos aprender que la danza no es solamente la historia de un cuerpo que cuando se… empieza a limitar, se acaba, se queda en el aire, zumbando, porque hay otros aspectos que son muy interesantes” se refería Araiz en relación a las especializaciones de la carrera.

LA CREACIÓN… (ver Balletin Dance Nº 51, junio de 1998) En las dos instituciones educativas, Oscar Araiz creó sendas compañías de danza “Es el alma. En ese momento la gente quiere bailar” reiteró. Y lógicamente, sus bailarines encaran sus coreografías, pero también deben conocer otros estilos, tendencias y técnicas. “Por supuesto que coreografiar ha sido mi pasión siempre, yo lo hago con mucho placer, pero decididamente lo interesante es mostrar todas las cosas que se supone pueden convivir”.

GIRAS CON EL GRUPO DE LA UNSAM El grupo de la Universidad estará presentando El Mar en el Centro del Conocimiento de Posadas, Misiones, en julio y en agosto lo llevan a Salta. Pero también habrá presentaciones locales, donde mostrarán Rapsodia en los teatros Sala Plaza de la municipalidad de San Martín, Amijai y El Globo de la ciudad de Buenos Aires. Todas invitaciones que surgieron a

El Mar este año en Misiones y Salta Foto . Sebastián Pasquet

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través de gestiones realizadas por Nelly Skliar y Oscar Viaño.

Junto al Municipio en el que residen cuyo “vínculo con la universidad es bueno, hay posibilidades de hacer funciones para escuelas, e incluso que las escuelas se acerquen al tanque para ver funciones.

¿Cuánto influye el bailarín al momento de crear?

“Muchísimo. Todo. Porque estamos trabajando con su materia, su técnica, sus conocimientos, con su capacidad de inventiva, de coordinación, de imaginación. En Pulsos, más que nada hago una coordinación, manejando el rol musical. Hice un análisis de la estructura musical y la puse en un pizarrón, ‘miren, esto es lo que vamos a hacer: observen lo que pasa acá, cómo cambian estos ritmos, cómo cambian estos climas, hay una estructura.

Vamos a ver si la seguimos o si nos oponemos a ella’. De paso vamos estudiando cosas que tienen que ver con la música, con la percepción, con el teatro, con la emoción y con la técnica, básicamente. Es como un intercambio, es un ping-pong. Yo tiro esto, me devuelven lo otro y yo lo devuelvo cambiado”.

LA COMUNIDAD Hace unos años las diferentes políticas de estado (nacionales, provinciales y municipales) han impulsado la creación de fondos para financiar al arte. La mayoría del dinero público se otorga a los artistas en forma de subsidios, seleccionando a aquellos postulantes que más lo merecen de acuerdo a las diferentes bases y requisitos de cada convocatoria. La danza no ha permanecido ajena a estas propuestas ganando cada vez más terreno, aunque siempre un paso atrás del resto de las artes. Esta situación (la entrega de subsidios) ha fomentado la invención de proyectos

Sonidos Negros de Araiz, estrenado el año pasado por el Grupo de la Unsam Foto . gentileza del coreógrafo

cuyo objetivo final es conseguir dinero (adaptándolos a las bases de participación), y no tanto como verídica necesidad creativa.

Al respecto Araiz ensaya “En realidad la gente se junta porque salvo los modelos de las compañías oficiales, no existen compañías en sí mismas, entonces son grupos que se unen por afinidad artística o personal, es lo que se llamó la danza independiente. A veces es necesario reforzar un proyecto para justificar un pedido de dinero a una institución que gracias a Dios existe. Yo justifico que ocurra eso, porque capaz que con esa escusa (de conseguir dinero) suceden cosas más positivas y se puede hacer algo. A nivel humano”.

Más allá del aumento poblacional que ha sufrido la humanidad, estos grupos son cada vez más prolíficos y emerge entonces la pregunta: ¿tantos buenos coreógrafos están surgiendo en nuestro país? ¿Tantos creadores? ¿Tanta creatividad? A lo que el coreógrafo expresó: “yo nunca uso la palabra obra, ni la palabra crear, porque me parece que tenemos que ponernos de acuerdo de qué estamos hablando cuando mencionamos esas palabras.

Eso de sentirse un artista, creador de obras, a mí siempre me MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 9

pareció muy ridículo. Siempre. Me da como vergüenza. Porque no es que todos somos creadores, lo único que podemos crear es nuestra vida y con suerte.

Pero por otro lado -continúa Araiz-, hay una cierta creatividad natural en las personas, que se da hasta en el hecho de jugar, por ejemplo. Por supuesto que en el juego artístico intervienen elementos anímicos y espirituales que no se dan en uno deportivo”.

Y para sintetizar el entrevistado sentencia: “Puede ser que lo que esté mal es que nos creamos todos creadores. Porque pienso que el creador en sí mismo no existe, como alguien que saca de la galera una cosa milagrosa. Todos los que trabajamos sabemos que es una cuestión de ponerse… en la danza: es cuerpo. El cuerpo es un organismo, tiene emociones y sensaciones muy fuertes, y a veces el aspecto intelectual queda relegado, porque esta es nuestra naturaleza. Por eso yo tengo bastante discrepancia con esta actitud de que ahora la danza tenga que pensar. Por supuesto que piensa, sino sería una brutita (risas), pero no lo es”. ¿Tiene que ver con la moda del arte conceptual?

“Puede ser. Pero fijate que el arte conceptual en la danza es bastante paralizante. Yo veo que lleva a una especie de parálisis: cada vez menos, se mueve menos, se piensa más, se actúa menos. Esa es mi óptica y puedo estar muy equivocado, además yo pertenezco ya a una edad jurásica”, asegura mientras se ríe.

En este momento, hay formas de opinión, escuelas, tendencias, con las cuales yo tengo muchas dificultades, de comprender, en aceptarlas, en enterarme, en adoptarlas, y no se si me tengo que sentir obligado a eso. Decido sobre todo ser una persona de mi tiempo y considero que siempre lo fui, aunque ahora tengo algunas dudas de si quiero ser parte de este presente. Me lo pregunto. Mi característica presenta una diversidad que es propia de lo que fue el modernismo. Y el modernismo ya está superado. El modernismo, el posmodernismo, el posposmodernismo. Ya pasó.

Yo nací, mamé, me tocó ese tiempo y estoy muy contento y feliz de haberlo vivido” afirmó.

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La sala de danza de la Universidad, está emplazada en el Campus Miguelete, un particular edificio rodeado de espacios verdes, aire y sol. “La universidad era un tornavía, parece un coliseo romano, es redonda, de arquitectura inglesa. Son todos arcos, en el medio hay un gran disco (como el del escenario que gira), que era donde la locomotora cambiaba de dirección para entrar al taller o a otras zonas. Ese edificio antiquísimo, ahora está todo techado y convertido en aulas, biblioteca, cine, bar, rectoría, la carpa que es preciosa, y hay dos tanques de agua que eran utilizados para alimentar a las locomotoras, que se convirtieron uno en laboratorio científico y el otro es el estudio de danza, que tiene 15 m de diámetro”.

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Sonidos Negros de Araiz, estrenado el año pasado por el Grupo de la Unsam Foto . gentileza del coreógrafo

LA EMOCION La emoción es la marca, es mi termómetro. Cuando voy a ver algo, si no me toca emocionalmente me aburro mucho, me da la sensación de estar perdiendo el tiempo. Eso me sucede muy poco, pero sucede. ¿Cuando lleva la obra al escenario, piensa en el público: que no se vaya a aburrir?

(Risas). “A ver: ¿Quién es el público? ¿Qué es el público? Aclaremos de qué estamos hablando. Hay tantos públicos, hay tantas personas, hay tantos ánimos, depende de la obra, depende del día, depende de cómo estés. Cuando yo pienso en el público pienso en alguien que va gozar, o que por algún motivo va a asociar lo que está viendo con algún fantasma, con algún sueño, con algún deseo, con alguna persona. Cada uno es totalmente personal, no hay dos personas que vean la misma cosa.

Cuando yo digo que para mi el termómetro es emocional, es como cuando me encuentro por la calle con una persona de mi edad y me dice ¡Uy, yo me acuerdo de aquella escena en que rodaba por la escalera. Nunca me voy a olvidar! Eso, es lo único que vale de todo lo que hice. Que a alguien que habiendo pasado tanto tiempo le haya quedado esa emoción, como una marca, más que las reflexiones, los alumbramientos intelectuales. Pero no estoy en contra de ello, al contrario, estoy en una universidad, en un nivel académico. Te recomiendo leer la tesina que hizo Beatriz Lábate, al recibirse en Historia del Arte en la Universidad de Tucumán: Danza y Universidad. Es un estudio de las relaciones entre la danza y la universidad en la que habla mucho de la naturaleza de ambas y los cambios que hacen falta hacer para que se encuentren, tanto la universidad con sus estructuras, como la danza con su pobreza intelectual (esboza otra sonrisa). Pero se pueden establecer”. __BD

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Visita Explosiva El grupo 3e Étage, integrado por once primeras figuras del Ballet de la Opera de París se presenta los días 17 y 19 de mayo en el Teatro Coliseo Bajo al dirección de Samuel Murez, entre las figuras más relevantes se encuentran los dos flamantes ètoiles, denominados los niños mimados de la Opera, la argentina Ludmila Pagliero y Joshua Hoffalt.

3e Étage mostrará en Argentina Nouvelles Virtuosités un espectáculo con el que ha cosechados abrumadores elogios en sus giras por Europa y Estados Unidos, que ofrece un balance entre excelencia, humor, virtuosismo y diversión en diez piezas cortas en formato de gala. Comienza con coreografías de George Balanchine, Raul Zeummes y William Forsythe, para finalizar con el extravagante Epiphénomènes de Samuel Murez, considerado como uno de los jóvenes coreógrafos más destacados de la escena parisina.

Fundado en el año 2004 por el francés Murez (bailarín de la Opera Nacional de París) 3e Étage quería experimentar otro tipo de danzas. “Convoqué a aquellos bailarines de mi generación, que se

destacaban por su talento”, señala el director de esta troupe. “La Opera de París posee una estructura jerárquica muy estricta, con siete categorías diferentes que van desde quadrille surnuméraire (cuerpo de baile) a danseur étoile (estrella). Y los camarines se asignan de acuerdo al nivel al que uno pertenece: los coreógrafos se ubican en el primer piso, los étoiles y primeros bailarines en el segundo piso, y los solistas junior y el cuerpo de baile en el tercer piso (3e étage)”. De allí el nombre del grupo inicialmente integrado por jóvenes de espíritu irreverente.

“Con el correr de los años los bailarines fueron promovidos a categorías superiores, y ahora conforman la nueva generación de étoiles, primeros bailarines y destacados solistas. A pesar de que nuestros camarines ya no se encuentran en el 3º piso, el grupo ha mantenido su espíritu irreverente y creativo”, explicó Murez.

Este espectáculo forma parte del Abono de Ballet 2012, que propone la productora Grupo Ars (Liana Vinacur, Martin Boschet y Diego Radivoy), que se completa con la 2º Gala de Ballet de Buenos Aires en agosto y los Reyes de la Danza en noviembre, también en el Coliseo, con figuras provenientes del exterior y de la Argentina. __BD

Virtuosismo irreverente Foto . gentileza de la producción MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 13

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El Tap en su Laberinto Por Daniel Sousa El 25 de mayo se celebra el Día Internacional del Tap, disciplina que en nuestro país atraviesa una meseta en su evolución, al tiempo que añora los grandes musicales dedicados al arte del zapateo con chapitas. ¿Cómo reflotarlo? Opinan Rodrigo Cristofaro, Bebe Labougle, Alberto Agüero y Aníbal Pachano, entre otros

Como cada año desde 1989, la comunidad mundial de la danza celebrará este 25 de mayo el Día Internacional del Tap. Rítmico, estilizado, de una energía contagiosa, este estilo de baile percusivo que nace de la fusión entre las danzas irlandesas y escocesas y ciertos ritmos africanos caló hondo en Estados Unidos hacia fines del siglo XVIII. Allí encontró eximios cultores, ganó en popularidad y consiguió que el Parlamento dispusiera un día del año para reverenciarlo. El 25 de mayo coincide con el recordatorio del nacimiento, en 1878, del gran bailarín de raza negra Bill ´Bojangles´ Robinson, astro del vodevil en Broadway y atracción de varias películas hollywoodenses de la mano de la adorable Shirley Temple.

Bailado en el principio por los esclavos, el zapateo americano (también llamado claqué en tiempos pretéritos) fue puliendo sus formas originales, incorporó elementos de otras danzas y cobró vuelo con las magistrales performances de Gene Kelly, Eleanor Powell, Fred Astaire, Debbie Reynolds, Ginger Rogers y Sammy Davis Juniors, recordadas por todos. A través de ellos llegó a nuestro país, aunque no supo conservarse en estado puro y terminó incorporándose al teatro musical.

Vivió épocas de gloria el tap en la Argentina, pero no son éstas, claro. “En los ´80 fue un boom”, confirma Alberto Agüero, maestro de maestros y uno de los referentes de la disciplina en la Argentina. “Fue a partir del estreno de Erase una vez en Hollywood (documental de la Metro que compilaba los mejores musicales del cine). Esa etapa duró casi veinte años y luego fue decayendo”. ¿A qué lo atribuye?

Las nuevas generaciones han ido perdiendo el gusto por la percusión. También el jazz declino en su momento. En los ochenta, con las grandes orquestas, causaba sensación y luego se apagó un poco.

Algo similar le pasó al flamenco; son ciclos. Sin embargo, hoy hay una gran movida y un interés enorme por el tap en España, en China, en Japón. Los irlandeses son un poco los responsables de este renacimiento con sus espectáculos tan particulares.

Albero Agüero, maestro de maestros.

Foto . Antonio Fresco

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Ale y Ati Castro Videla (atrás), Mónica Povoli y Bebe Labougle, en escena Foto . Archivo del autor

“Son momentos, circunstancias”, coincide Rodrigo Cristofaro, uno de los coreógrafos jóvenes de tap más requeridos. “Entramos en una meseta, la disciplina se ha estancado. Hasta hace unos tres años todavía se veía un auge, pero el último par de años cayó mucho. En teatro, Carmen (Barbieri) incluyó algo de tap en su revista, y poco más. Tampoco han venido grandes musicales de tap de afuera ni se han montado acá, entonces la gente pierde el interés”.

Para Aníbal Pachano, creador de la compañía Botton Tap junto a Ana Sans, “hay poco tap en el teatro porque hay pocos coreógrafos. Esa es una realidad. Y los coreógrafos que hay, en general necesitan ser dirigidos por directores o coreógrafos generales.

Son pocas las personas que pueden realizar bien ese trabajo en nuestro país”. Según el hombre de la eterna galera y el bigote lápiz, “ahora en Estados Unidos el tap está volviendo a las fuentes, a lo más simple. La técnica del claqué, la que dominan los negros, es muy difícil y si no la encaran personas realmente preparadas es muy complicada de transmitir. Yo soy más de la vieja ola, del

tap más tradicional, un tap que lo puede hacer cualquiera -confiesa-. No me interesa buscar la complicación del virtuosismo para que después eso se ensucie y no sea efectivo”.

“Definitivamente, hoy el tap no está de moda”, remarca Bebe Labougle, otra de las figuras locales del zapateo americano. “A esto se le suma que los musicales que últimamente han venido no tienen tap. Si mañana llegara una obra como Crazy for You, al día siguiente explotarían las clases de tap. Lo mismo si se montara Fosse, se llenarían todos los cupos”. Lo que ha permitido mantener a flote el zapateo americano “es el estilo urbano -dice-, y la unión con ritmos como el funk y el hip hop, más actuales”.

“En Nueva York y en Londres siempre hay en cartel algún musical con zapateo americano”, interviene Astrid ´Ati´ Castro Videla, una de las Twins Tap, un dúo de hermanas con muchos años en la docencia y el escenario. “En Broadway se puede ver Anything Goes con música de Cole Porter; y siempre está Calle 42, un clásico. Acá, en cambio, no llegó ninguno de estos musicales zapateados”. En verdad sí: Calle 42 tuvo su versión local en 1989 en el teatro Metropolitan, con Violeta Rivas y Rodolfo Valss a la cabeza del elenco, dirección musical de Angel Mahler, coreografía y dirección general de Ricky Pashkus, pero Alberto Agüero no

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conserva un buen recuerdo de aquella puesta: “Ese es el musical más fuerte de tap, con casi cuarenta personas zapateando. Una pena que acá el resultado no fue muy feliz. Por un lado, porque hay ciertas letras que no se pueden traducir bien al español. Pero además, en lo coreográfico el resultado fue bastante mediocre porque en ese entonces no había bailarines preparados para tanta exigencia en la Argentina”.

Cristofaro se entusiasma pensando que tal vez sean ciertos los rumores de que Anything Goes llegará en 2013 a la Argentina y se anota para coreografiarlo. Quizás así se saque la espina que le quedó clavada cuando, habiendo sido elegido por la producción de Alejandro Romay para montar Cantando Bajo la Lluvia, finalmente el proyecto no llegó a concretarse.

LA ENSEÑANZA El de la enseñanza es un capítulo importante en esta historia y la clave para el pretendido resurgir del baile con chapitas. “Nos enfrentamos al problema de que todo lo que se ve en televisión son ritmos más movidos: hip hop, pop, salsa… Al tap no se lo ve en ningún lado. Y además hay otra realidad: la gente se dedica a los ritmos más sencillos de aprender, como el reggaetón”, confía ´Ati´ Castro Videla. “Nosotras tenemos alumnos de todas las edades y hemos podido ver que la gente joven que se acerca lo hace porque sus abuelos o sus padres alguna vez le mostraron películas de Fred Astaire o de Gene Kelly. Las nuevas generacio16 / BALLETIN DANCE // MAYO 2012

“Yo soy de la vieja ola, del tap que puede hacer cualquiera”, confía Pachano Foto . Archivo del autor

nes que no reciben ese legado no tienen idea de quiénes fueron esos artistas. Pero afortunadamente siempre hay familias donde existen fanáticos de alguna película, o que tuvieron la oportunidad de viajar y ver musicales afuera”.

En sus cuarenta años de trayectoria, Alberto Agüero ha sido “maestro de casi todos los que hoy enseñan”, afirma con orgullo.

Y añade: “Me sorprende gratamente que están llegando a las clases chicos chicos, de ocho o nueve años. Es que el tap tiene que ver con la percusión y los chicos tienen un oído impresionante, mucho más que los adultos. En ellos no hay exigencia, juegan y en ese jugar, aprenden”.

Por suerte, aporta Bebe Labougle, “hay una nueva generación de profesores, continuadores de la nuestra, y eso está bueno. El tap se ha ido asentando como complemento de formación y todas las escuelas de comedia musical lo tienen entre sus disciplinas, cosa que antes no pasaba. Finalmente se entendió que es una rama muy importante en la formación del bailarín”.

“Muchos creen que toman tres meses de clase y ya está”, admite Agüero Foto . Archivo del autor

¿Qué le aporta?

Aprender tap no es solamente para que uno pueda bailarlo, le da al bailarín una formación rítmica que no le da otra danza y eso, sobre todo al bailarín de jazz, le aporta muchas más herramientas para jugar con las dinámicas, con el estilo, con la sutileza.

Quien estudia tap gana en matices. Los coreógrafos americanos

que vienen a la Argentina a dar workshops siempre aconsejan a los bailarines estudiar tap. No se aplica sólo en un musical que tenga zapateo, sirve para todo.

Pachano asiente: “Yo soy un hacedor de la mixtura de técnicas.

El tap lo podés meter en cualquier lugar si realmente tenés una concepción artística diferente. Es una disciplina de disociación (sonido, cuerpo, brazos, movimiento) que también se puede aplicar para bailar una coreografía de jazz o de malambo”.

Cristofaro, orgulloso profesor de tap de la consagrada Elena Roger (“me emociona verme mencionado en su currículum”), cree que la nueva camada de artistas de teatro musical, de entre veinte y treinta años, ha entendido la importancia de esta disciplina.

“Se preocupan por el tap porque más de uno ya se ha quedado afuera de alguna audición por no saberlo. Hoy el nivel es muy alto en la comedia musical, hay gente muy buena, y el tap puede inclinar la balanza a favor de uno u otro en una prueba”. Sin embargo, Agüero alerta sobre un mal muy extendido: “Muchos creen que si viene una comedia musical importante toman tres meses de clases y ya está, pero no es así. Esto es difícil, la del tap es otra técnica. No se olvide que tiene que ver con el golpe”.

Tal vez un golpe -pero de suerte- sea lo que está necesitando el zapateo americano para recuperar la visibilidad y el brillo de otros tiempos. ¡Chap, chap! __BD

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La Picardía del Amor El 18 de mayo se estrena en el Teatro Argentino de La Plata la zarzuela Doña Francisquita dirigida por Jaime Martorell, con música de Amadeo Vives, libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo FernandezShaw y coreografía de Nuria Castejón Considerada una de las más importantes creaciones de la zarzuela, Doña Francisquita se estrenó en Madrid en 1923 en tres actos, con un éxito descomunal. Muchos historiadores la definen como ópera cómica o comedia lírica.

Para esta coproducción argentino-española se conformó un cuerpo de baile integrado por catorce bailarines, que actuarán junto a solistas líricos (la protagonista será encarnada por Marisú Pavón y Eleonora Sancho alternadamente), coro y la Orquesta Sinfónica del Argentino de La Plata.

Muchos de los bailarines convocados para esta puesta, habían trabajado ya con Nuria Castejón en la zarzuela Pan y Toros reali-

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zada en el Teatro Municipal de Santiago de Chile en 2008, bajo la dirección de Emilio Sagi. Ellos eran Chela Fernandez Belli, Alexis Frank y Roberto Rodríguez, quienes tuvieron a su cargo la selección del resto del elenco junto a la coreógrafa. “No ha sido una labor fácil, dado que no es común encontrar bailarines que estén técnicamente preparados, sobre todo varones, para poder realizar las cuatro escuelas de la danza española (flamenco, regional, estilización y bolera)” señaló a BALLETIN DANCE Fernández Belli.

El cuerpo de baile quedó conformado por los antes mencionados junto a los bailarines de Buenos Aires, Tucumán y Corrientes: Sibila Miatello, Alejandra Garcia, Leila Pajón, Laura Acosta, Luciana Garoni, Raquel Galan Rojas, Maximiliano Avila, Ricardo De Garay, Daniel Corres, Fabián Del Valle y Carlos Valenzuela. __BD El cuerpo de baile reunido en su primer ensayo el mes pasado en las instalaciones del Teatro Argentino de la Plata Foto . gentileza de los artistas

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Inspiración Divina Tamara Bisceglia presenta Obsesión Tango, los jueves y sábados en el Centro Cultural Borges Se trata de un espectáculo refinado y elegante, de gran elaboración estética, que incorpora composiciones de grandes autores, interpretadas por un cuarteto de alto nivel liderado por Fernando Marzan.

“De inspiración divina, Obsesión Tango es una mágica experiencia que realza la nobleza y sensualidad de este arte popular, desde los tangos tradicionales hasta las composiciones de Astor Piazzolla”, expresó la directora y coreógrafa.

Con la interpretación coreográfica de Tamara Bisceglia y Federico Paleo, Sara Grdan e Iván Terrazas, Carla Espinoza y Gerónimo Dorkas, y Florencia Zárate y Guido Palacios. __BD Obsesión Tango en el Borges Foto . Carlos Villamayor

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín estrena este mes su primer programa del año: Zeppelin de Carlos Casella y Gustavo Lesgart y La Consagración de la Primavera de Mauricio Wainrot Bajo la dirección artística de Mauricio Wainrot con Andrea Chinetti como directora asociada, el elenco del gobierno de la ciudad de Buenos Aires estrena Zeppelin montada especialmente para la ocasión sobre partituras originales de Diego Vainer.

La pieza con una estructura formal de un zeppelín, expresa con dieciocho bailarines “la sumatoria y la cuenta regresiva. El sinfín que va del 1 al 10 y del 10 al 1”, en palabras de sus creadores. El centro y corazón de la obra es el encuentro entre lo masculino y lo femenino que cambiará el relato desde lo más abstracto y físico inicial a lo teatral y onírico. En realidad se trata “de un ejercicio de construcción coreográfica pero también lo es sobre la fantasía”.

Por su parte, La Consagración de la Primavera sobre la magistral música homónima de Igor Stravinski fue estrenada en 1999 por el Royal Ballet of Flanders 20 / BALLETIN DANCE // MAYO 2012

Lesgart y Casella apostaron a un ejercicio Foto . gentileza Teatro San Martín

Consagración Sinfín

(Bélgica) y en 2002 por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín.

Para Wainrot es esta composición musical “el hito más importante de todas las partituras creadas para danza en el siglo XX”, estrenada en 1913 por los Ballets Russes de Sergei Diaghilev con coreografía de Vaslav Nijinski. Se divide en La Adoración de la Tierra y El Sacrificio, “la idea de base de mi versión reposa sobre el sentimiento ambiguo de triunfo y de crueldad ante la proximidad de la primavera y sobre el proceso ineluctable del renacimiento de la naturaleza” explicó el coreógrafo. __BD

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Cuatro Tangos En el marco del 50º aniversario del Mozarteum de Rosario, Cecilia Figaredo estrenará Cuatro Suites para Ballet de Tango, el 18 de junio en el Teatro Astengo Boulevard Tango Foto . gentileza de la producción

Colección

Súlkary Cuba dirigida por Mercedes Borges Bartutis

El Cuerpo Creativo Taller Para la Enseñanza de la Composición Coreográfica María del Carmen Mena www.balletindance.com.ar

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El cuerpo de baile encabezado por Cecilia Figaredo, actuará junto al quinteto de Andrés Serafini encargado de la dirección musical, para mostrar estas cuatro obras que conjugan el ballet clásico con las formas del tango tradicional. “La danza y la música se elevan muy por encima de los clichés, siendo ante todo un ballet, con música que suena a tango” señaló la directora en parte de prensa.

Suite Guardia Vieja es una evocación de Alejandro Cervera a los personajes funda-

cionales del tango, continúa Boulevard Tango Suite en la que Laura Roatta utiliza los gestos de tango del siglo XXI. Luego se verá Suite Gardel, una creación colectiva de la compañía Boulevard Tango sobre cuatro versiones del tango Volver (de Gardel y LePera), para finalizar el programa con Las Cuatro Estaciones Porteñas de Roatta.

La compañía se integra en esta gira con los bailarines Cecilia Figaredo, Soledad Buss, Yanina Rodolico, Andrés Baigorria, César Peral, Hernán Nocioni y Federico Luna. __BD

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PROYECTO DOS

De Eso Sí se Habla Por Guillermo Chulak Los sábados a las 18 hs en el Teatro El Cubo, se está presentando el espectáculo de teatro-danza Sexo por Tres compuesto por Trapos al Sol de Analía González, Sátrapa de Diego Bros y Patria, Sexo y Otras Yerbas de Alejandro Ibarra “La idea de tomar como temática al sexo nace porque el anterior trío de Proyecto Dos (Surmenage a Trois de Alejandro Ibarra, Karina K y Gustavo Wons) no tuvo un hilo conductor aparente. Era un espectáculo de tres cuadros independientes entre sí, también de fusión entre danza y teatro. Entonces, ahora quisimos dar un mínimo lineamiento a las tres obras y para eso pensamos en una palabra clave que fue surgiendo medio al azar entre mensajes de texto y charlas informales de lo que se nos cruzó por la cabeza en ese momento”, cuenta Alejandro Ibarra -director de la compañía- sobre Sexo por Tres. Los otros dos que pusieron sus anhelos en juego para la realización del trabajo, Analía González y Diego Bros, coinciden en el surgimiento del entramado de las dos disciplinas mixturadas.

“Trabajar sobre un tópico está muy bueno porque sirve como disparador de base, por eso de movida me gustó la idea; me fui metiendo cada vez más hasta que me di cuenta que como realizadora no podes obviar desnudarte íntegramente, entran en juego muchos rasgos personales. Encontré un contenido mucho más fuerte de lo que pensaba al principio, realmente me costó

encontrar el Leitmotiv, la imagen o la cuestión certera de qué quería mostrar”, confiesa Analía González durante la entrevista que BALLETIN DANCE mantuvo con los tres coreógrafos.

“Pensar en la sexualidad te puede llevar por muchos caminos; después revisando, es verdad, uno se va introduciendo de lleno en la propuesta y al bucear en mi memoria, por ejemplo, refloté Tres Veces Ana, una película argentina de la generación del ‘60, protagonizada por María Vaner que me sirvió para, desde ahí, narrar el tema del abuso a la mujer y la violencia de género”, completa Diego Bros.

Si bien comparten al sexo como denominador común, la obra está compuesta por tres interesantes puestas de danza contemporánea con una duración de veinte minutos aproximadamente y un elenco de actores y bailarines formado por Juan José Marco, Florencia Viterbo, Ariel Juin, Agustina Leoni, Marcelo Amante, Micaela Racciatti, Luciana Larocca, Gabriela Luque y Rodolfo Santamarina. ¿Se pusieron límites?

AI: El tema no nos condicionó para nada, trabajamos con total libertad para expresarnos. La única dificultad, por ahí, fue ver cómo exudábamos lo que propone el título en un tiempo escaso de duración de cada obra, pero igualmente pudimos poner en

Bros, González e Ibarra, tres miradas del mismo tema Foto . gentileza de la producción

Elenco completo de Proyecto Dos Foto . gentileza de la producción

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primer plano cierto tipo de historias que pueden ser conmovedoras para el público. ¿Qué métodos utilizaron para conformar las relaciones de elementos reales con la ficción de la escena?

AG: Fue un laburo de hormiga, de experimentar como en un laboratorio. Si bien, en el caso de los tres, lo espontáneo sirvió de base a la creación de estos mundos, particularmente, seguí la línea de Jacques Le Coq. En los ensayos tomé la improvisación como filosofía de creación que deja márgenes a la actuación para complejizar a un personaje.

AI: Cada uno hizo su propia interpretación y eso está muy bueno. Para darte un ejemplo, a las tres obras juntas las vimos por primera vez poco tiempo antes del estreno y nos sorprendimos porque habíamos hecho cosas totalmente diferentes con características de cada uno.

AG: Ale se reposó en la tranquilidad de saber que veníamos de lenguajes completamente diferentes. Fue asombroso ver productos muy distintos partiendo de un mismo concepto.

DB: Para dar un ejemplo, en un momento de la escena de mi puesta hay una suerte de representación del aborto. Llevé las coreografías para el lado de las risas frente a la aparición de un estado de desesperación, como para alivianar el drama.

A través del movimiento, la música, el canto y la actuación, Proyecto Dos piensa su trabajo como una lucha continua contra el empobrecimiento del espíritu a través del amor al arte. De esta forma, los coreógrafos encuentran una guía para su intuición creadora, en la obligación de realizar desde sus perspectivas los sistemas en los cuales están involucrados, con una calidad técnica increíble y una música que acompaña y magnifica los sentimientos de los personajes (sobre el final de Patria, Sexo y Otras Yerbas de Ibarra se puede escuchar una impresionante versión instrumental grabada de Aurora para acrecentar el espacio que la docente Stella Maris está buscando). __BD

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

J·U·A·N·A

GURQUEL LEDERER

PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

w w w. l e d e r e r g u r q u e l . c o m DANZA CLASICA

Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Walkiria Appelhans, Geraldine De Crescenzo, Sonia Nocera, Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé, Fernanda Mascaró, Lorena Batista, Alberto Retamar

ESTIRAMIENTO Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Celia Montini

ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO

CORPORAL POR BIOMECANICA

(Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel)

PREPARACIÓN ESPECIAL PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

DANZA CONTEMPORANEA Geraldine De Crescenzo, Romina Mancini, Gabriel Contreras, Fernanda Mascaró, Jorge Alberto TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

DANZA JAZZ Manuel Vallejos (Profesor titular del IUNA) ESTILO BOB FOSSE: Luis López Morera “Colo” (Profesor titular del IUNA) Carol del Castillo, Cecilia Gutermann

BARRE À TERRE Lorena Batista

NIÑOS · INICIACION A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

BABY CLASS (Niños de 3 a 6 años) Mariángeles Alé

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Creciendo Paso a Paso Por Carlos Bevilacqua Para llegar a brillar no hay un solo camino. Por si alguien todavía lo creía, José Halfon y Virginia Cutillo narran aquí el original camino que ellos eligieron recorrer. A poco de haber abierto su propia escuela, en esta entrevista también opinan sobre la actualidad del tango y hasta imaginan cómo podría ser más popular “La gira con los bebés”, coinciden entre sonrisas cuando se les pide alguna noticia fuerte, de esas que los periodistas necesitamos para justificar una nota. Padres por primera vez ¡y de mellizos!, al momento de la charla José Halfon y Virginia Cutillo estaban planeando una gira de casi dos meses por Polonia, Alemania, Suiza e Italia. “Nos vamos con una de las abuelas para que nos dé una mano. Va a ser un experimento interesante”, calcula él.

Es verdad: para los bailarines no es común, ni fácil, dar clases y shows en el exterior, viajando por diferentes ciudades con dos chicos de un año a cargo. Pero es que ellos como artistas tampoco son de manual. Jóvenes pero a la vez fogueados en diversos frentes, José y Vicky (como también se los conoce en el ambiente tanguero) lograron desarrollar una dinámica propia, elegante y a la vez audaz en cada exhibición.

Los dos son profesores de educación física, un rol con el que se ganaron la vida hasta 2003. “El haber estado frente a niños, adultos y mayores nos dio otra mirada en relación a determinados desafíos a la hora de enseñar a bailar. Sabemos, por ejemplo, que para la mayoría el baile es algo recreativo, entonces buscamos que la persona aprenda, pero en un ambiente relajado, ameno”, ejemplifica ella.

A fines de los ’90, cuando ya eran novios, José logró convencerla de dejar Buenos Aires para irse a vivir juntos a San Carlos de Bariloche, donde él había trabajado varios veranos en campings y actividades de montaña. “Empezamos a tomar clases de tango recién allá, como un hobby, sin mayor expectativa, pero enseguida nos entusiasmamos y empezaron a surgir trabajos en milongas y restaurantes de Bariloche, lo cual a su vez nos motivó a viajar cada vez más seguido a Buenos Aires para tomar más clases. En ese momento hubo como un furor por el tango en Bariloche. Al poco tiempo, en 2002, empezó a hacerse allá el Festival Patagonia y Tango, con el cual nosotros colaboramos de diferentes maneras”, evoca él. “Ese festival fue clave, también, porque los maestros que llegaban de Buenos Aires nos abrían mucho la cabeza en cuanto a estilos y pedagogías”, acota ella.

La avidez por crecer profesionalmente los llevó hace nueve años a volver a fijar residencia principal en la reina del Plata, donde viven la mayoría de los maestros más prestigiosos del tango.

“Dejamos de lado nuestros trabajos como profes de educación física para dedicarnos de lleno a la danza y nos empezó a ir bien”, cuenta Virginia.

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También con un criterio ecléctico fue que se formaron, al tomar clases con Ramiro Nievas, Sergio Natario y Alejandra Arrué, y Pablo Villarraza y Dana Frígoli, entre otros. Por lo demás, fueron tan absorbentes como pudieron en cada ambiente tanguero que pisaron. “Siempre fuimos muy autodidactas en cuanto a observar los movimientos de los demás y traducirlos a lo que nosotros sentimos. Tomamos mucho de muchos, pero tratando de ser sinceros con nuestro cuerpo”, explica José.

El siguiente gran trampolín fue la participación que tuvieron en la compañía internacional Otangó, de origen belga pero que supo girar por toda Europa. Cuenta José: “En esa época nuestros maestros eran Adrián Veredice y Alejandra Hobert. Cuando se creó Otangó, ellos fueron designados directores y nos eligieron como una de las parejas del elenco”. Luego llegarían las clases en El Tasso, innumerables audiciones, los bolos en Piazzolla Tango y un trabajo docente que también fue muy significativo para los dos: el que ejercieron en la Escuela de Carlos Copello. “Por un lado, nos entrenó mucho porque dábamos cuatro clases por semana y siempre había una buena cantidad de alumnos -cuenta él-. Y por otro, nos dio estabilidad económica para poder crear nuestras coreografías y hasta para hacer nuestras primeras giras solos”.

En ese ámbito del barrio del Abasto empezaron a forjar la que se transformaría en una marca de estilo de José y Virginia. Ante formas que no eran ni muy tradicionales ni muy modernas, los alumnos empezaron a preguntarles qué era lo que hacían. Esa necesidad tan humana de etiquetar los empujó a bautizar lo que hacían como “nuevo tango salón”, un nombre que resonó rápidamente y que la pareja supo potenciar a través de un blog homónimo. Así lo definen ellos: ““Respetamos la tradición del abrazo tanguero clásico, pero a la vez lo hacemos flexible para que pueda contener movimientos más elaborados que los tradicionales. Esa apertura nunca la planteamos como abrupta, sino gradual” (Virginia dixit); “El abrazo se abre para habilitar algunas formas como figuras fuera de eje o movimientos más ‘explosivos’. Nos gusta mucho el tango tradicional, incluyendo toda su cultura, pero también nos enganchamos mucho con los movimientos modernos” (José dixit).

José y Vicky en acción durante una exhibición en una milonga Foto . Urszula Softys

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El estilo de José y Virginia fue bautizado por ellos mismos como “nuevo tango salón” Foto . Adrián González

El diálogo se desarrolla en uno de los ambientes de 2Perfiles, la escuela de tango que la pareja inauguró a fines de 2011 en el barrio porteño de Balvanera, donde se imparten clases que van más allá de lo obvio (como compartir una pizza con vino malbec después de la lección). Y que le permitió a Viriginia establecer un punto de venta de la ropa para bailar que diseña con Florencia Caminiti.

“Tener un espacio propio nos da mucha libertad. Siempre nos gustó trabajar en clubes de barrio porque representan lo más genuino del baile social, pero a su vez implica luchar contra la rigidez de la comisión directiva del club, o de la gente del buffet, o contra el Gobierno de la Ciudad, que se interesa mucho en el Mundial de Tango pero muy poco en facilitar el desarrollo del tango a nivel popular durante los otros once meses. Todo eso genera un desgaste”, asegura él. “Trabajar en lugares ajenos implica una gran inestabilidad porque es muy difícil darle continuidad al laburo -acota ella-. Acá, en cambio, las limitaciones están más lejos. Sabemos que este es un paso más y que en un tiempo vamos a querer dar otro. Pero estamos muy contentos con la posibilidad de tener un lugar donde enseñar y ensayar relajados, además de poder juntarnos con colegas a experimentar”. Antes habían tenido la experiencia de dirigir, con buena repercusión, la escuela Tango Brujo, donde ganaron experiencia en el rubro.

Llevados a señalar lo bueno y lo malo de este momento del tango, José opinó: “Entre lo positivo, destacaría que hay muchísima gente bailando y haciendo música. El turismo internacional le da al tango una gran inyección económica, lo cual no tiene nada de malo. Supuestamente el rock es el aguante y el tango es careta, pero en realidad es al revés. Hoy en día al rock lo apoyan to28 / BALLETIN DANCE // MAYO 2012

das las marcas de celulares, de cervezas y las multinacionales; al tango lo apoyamos nosotros y los turistas extranjeros. También me parece positivo que se vuelva al abrazo tradicional, haciendo aportes, entendiendo que el hombre y la mujer de hoy no son los mismos que hace 70 años. Entre lo negativo, encuentro que hay colegas que en vez de trabajar se la pasan chapeando en Facebook. Creo que corremos el riesgo de pensar que es más importante conseguir 30 pulgares de ‘Me gusta’ que las conexiones con tus alumnos durante una clase”. ¿Por qué el tango no es más popular? La pregunta provocó en Virginia la siguiente reflexión: “Para bailar tango necesitás involucrarte más que con otras danzas. Por eso pasa que no todos se enganchan, pero el que se engancha está a pleno. También luchamos contra el prejuicio de que es cosa de viejos. En este sentido, pienso que sería muy bueno que se enseñe tango en la escuela primaria”. José, a su turno, observó: “Hoy en día la danza tiene muy poco espacio en la educación formal, a pesar de que hay mucha gente joven con mucha información que podría ser un puente directo con los chicos. Hace un tiempo armamos un proyecto para enseñar tango en las escuelas. Fuimos por las aulas, sin disfrazarnos de compadritos ni de nada y hablando como hablamos todos los días. La principal dificultad no era la resistencia de los pibes, sino el enorme proceso burocrático que se exigía para poder dictar el curso. Otro aspecto que influye es que el tango prácticamente no está en la televisión. Y cuando está, aparece a través de los mismos artistas consagrados de siempre que transmiten una imagen anacrónica del género”. __BD

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arteycultura@arnet.com.ar www.arte-cultura.com.ar

SEDE BARRIO NORTE Av. Santa Fe 1452 4866-2671 · 15-5494-5267

Fundación Beethoven invita a la Asociación Arte y Cultura para crear el área danza

BALLET y COMEDIA MUSICAL para niños/as a partir de 5 años Coordinado por LEONARDO REALE y NORA BENDER Clases dictadas en el escenario del Teatro Auditorium El Teatro Auditorium pertenece a la Fundación Beethoven y en él se proyectan Operas y Ballets desde el Metropolitan Opera House de Nueva York y desde el Teatro Bolshoi de Moscú. Y será la nueva sede Barrio Norte de la Asociación Arte y Cultura

SEDE ABASTO Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) 4866-2671

Staff de maestros

Sara Rzeszotko · Héctor Barriles · Luis Baldassarre · Rina Valver Mónica Revelli · Marcela Otero · Paula Safar · Nora Bender PILATES 30 / BALLETIN DANCE // MAYO 2012

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Primeras figuras del Ballet de la Opera de París. Jueves 17 y sábado 19, 20:30 hs. Teatro Coliseo (M. T. de Alvear 1125, Tel: 4814-3056).

-contemporáneo Caracoles y Mares Compañía Tedancari. Dirección y coreografía: Marta Bercy. Viernes 18, 21 hs. Sala Teatro El Juvenil (Av. Corrientes 4534, Tel: 6091 9034).

Cartelera

-ballet 3e Étage

-zarzuela Doña Francisquita De Amadeo Vives. Dirección: Guillermo Brizzio y Darío Dominguez Xodo. Coreografía: Nuria Castejón. Viernes 18, sábado 19, martes 22, miércoles 23, jueves 24 y sábado 26, 20:30 hs, domingos 20 y 27, 17 hs. Teatro Argentino de La Plata (Calle 51 e/ 9 y 10, Tel: (0221) 429-1700).

-ballet El Lago de los Cisnes

-musical ¡Bravo Nino!

-teatro, danza, multimedia Estado de la Tristeza Grupo Los Perros de Pavlov. Dirección: Ezequiel Bianchi, Elián López y Cecilia González. Domingos 21 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

-celtas Festival Celta Música, danza, feria y duelos medievales. Grupos: The Clovers Celtic Spirit, Fiesta Noz, danza por el grupo Eire dirigido por Patricia Insúa. Sábado 12, desde las 19:15 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto y Cabildo, Tel: 4783-1783).

-teatro El niño con los pies pintados De Diego Brienza y Laura Fernández.

Coreografía: Maia Menajovsky y Federico Borensztejn. Viernes 23 hs. Abasto Social Club (Yatay 666, Tel: 4862-7205).

-teatro En Tren de soñar

Debut del Grupo Novus Corpus. Dirección y coreografía: Jack Syzard. Jueves 10 y viernes 11, 19 hs. Pabellón de las Bellas Artes de la Uca Puerto Madero (Av. Alicia Moreau de Justo 1300, Tel: 4349-0200). Entrada gratuita.

Las Brujitas Flamencas. Eva Iglesias, Verónica Marcovsky, Maximiliano Serral y Romina Marcovsky. Domingos 16: 15 hs. Liberarte Bodega Cultural (Av. Corrientes 1555, Tel: 4375-2341).

Ballet del Teatro Argentino de la Plata.

Dirección: Mario Galizzi. Del 16 al 24 de junio. Con Viengsay Valdés y Dani Hernández del Ballet Nacional de Cuba.

Teatro Argentino de La Plata (Calle 51 e/ 9 y 10, Tel: (0221) 429-1700).

Historia de un amor. Con canciones de Nino Bravo. Dirección y coreografía: Sebastián Codega. Con Alejandro Dambrosio y Anabella Boron. Lunes 21:30 hs. Sala Teatro El Juvenil (Av. Corrientes 4534, Tel: 6091 9034).

-contemporáneo Bruma e Infinita Gaia

-flamenco infantil Enrica y Vicenta

De Eduardo Rovner. Dirección: Corina Fiorillo. Coreografía: Mecha Fernandez.

Domingos 19 hs. Teatro SHA (Sarmiento 2255, Tel: 4953-2914).

-videoinstalación coreográfica Hombre Rebobinado En versión personaje principal en vivo.

De Margarita Bali. Con Sandro Nunziata, Soledad Gutiérrez, Alejandra Márquez, Tomas González, Laura Gerolimetti, Camilo Nunziata Ravenna, Sergio Chiocca y Ana Deutsch. Viernes 20:30 hs. Sala Loft (Jorge Newbery 3571, 1° 7, Reservas: 4553-4572).

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Bailando en el Bosque Por Carlos Bevilacqua En su cuarta edición, el Festival Internacional de Folklore de Buenos Aires volvió a transformar el Bosque de La Plata en una gran fiesta popular

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“¡Vení a bailar!” era la frase que encabezaba el sitio web del festival durante los días previos. Podía pasar por un slogan publicitario más, pero la masiva participación de familias y jóvenes en el Festival Internacional de Folklore de Buenos Aires (FIFBA) terminó respondiendo positivamente a la convocatoria del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, organizador de este evento gratuito. Si bien el encuentro es básicamente musical, el enfoque de los programadores apunta a fomentar la celebración de lo que se escucha en los cuerpos. Como en otoños anteriores, la cuarta edición del FIFBA fue generosa en buenos momentos para quienes se acercaron al Bosque de La Plata del 13 al 15 de abril.

El baile popular latió en los multitudinarios cierres musicales de cada día. El viernes, en clave andina, con las sayas y los tinkus de Bruno Arias, primero; con las cuecas, bailecitos y zambas rápidas de Tomás Lipán, después, y con la fusión telúrica-rockera de Arbolito, al final. El sábado, en clave percusiva, a través de La Bomba de Tiempo, primero; del cantautor uruguayo Rubén Rada, más tarde y de la cantante colombiana Totó La Momposina y sus tambores, en el cierre. El domingo, el eje temático fue el acordeón, primero con el mexicano Celso Piña liderando una banda cumbiera que no le teme al experimento y luego con el Chango Spasiuk como cerebro de un chamamé exquisito. Ese día el festival se coronó con un homenaje a Horacio Guarany, que despertó más romanticismo de pareja que alegría colectiva.

EN FLORES

Mujer Bonita

I I I II I II Artículos de danza

ZAPATILLAS • de 1/2 punta (también de raso)

• de punta • de jazz

(deportivas de jazz)

• ballerinas • badanas

• Guantes • Mitones • Punteras • Polainas • Calzas • Castañuelas • Estolas • Saquitos de lana • Cubre patín • Accesorios danza árabe • Pestañas artísticas para danza

I I I I II I II

(metatarsianas de cuero)

• guillerminas (de danza árabe)

ZAPATOS PARA • baile español • flamenco • jazz • tango • tap • folklore

• Torsos • Mallas • Enteritos • Remeras • Musculosas • Caderines • Pollerines • Bermuda ciclista • Pollerín para patín • Pollerín con bombacha • Corset • Tutus

TRAJES PARA • Rikudim • baile árabe

VESTIDOS • de Rumba • de tango • de Fiestas • de «15» • de Madrinas • de bailes de salón • manguitas de fiesta • boleritos de piel

I III II I

Pero más allá de esos grandes shows, hubo espíritu festivo en los óvalos de chacareras, gatos y zambas que la gente dibujó sobre el pasto junto a los dos escenarios menores, montados a cien metros del principal. Las danzas típicas surgieron gozosas en el recital intimista que dio el viernes Raly Barrionuevo en el escenario Fogón, el mismo donde deleitaron al día siguiente Los Jóvenes Musiqueros y, el de cierre, el charanguista Jaime Torres. Figuras recreadas en mil estilos que, ya en un pulso más nervioso, siguieron el domingo las chacareras electrificadas del quinteto santiagueño El Vislumbre del Esteko.

En formas más anárquicas, pero de reminiscencias caribeñas, la gente también bailó gracias a la cumbia. El ritmo típico de Colombia fue recreado de diferentes maneras no sólo por Piña y Totó La Momposina sino también por dos bandas argentinas de notable eficacia: La Delio Valdez y la Orquesta Popular San Bomba. Cabe consignar que el público del FIFBA está compuesto en una gran mayoría por jóvenes, muchos de ellos estudiantes y algunos provenientes de otros países latinoamericanos. En promedio, unas treinta mil personas por día animaron el encuentro.

A nivel profesional, el FIFBA también tuvo qué mostrar.

La inauguración oficial se realizó a través de un desfile de agrupaciones bolivianas residentes en la Argentina que, tras recorrer bailando una calle interna del parque, ingresó al centenario anfiteatro del Bosque y terminó mostrándose, desglosado en cuadros coreográficos, sobre el escenario.

Precedidos por el Cuerpo de Danzas de Quilmes, mostraron su arte las fraternidades Tustas Wistus y Tinkus Wistus, la banda de vientos Central Acuario, los ballets Raíces y Amerindia, y las delegaciones argentinas de Los Aymaras y de Huaicané. Fue una excelente oportunidad para acercarse a ese mundo de trajes coloridos y danzas rituales, casi siempre acompañadas de cantos colectivos.

Esta vez no hubo clases de baile, como los años anteriores, pero se agregó un Mercado de la Música, para estimular el intercambio artístico con otros festivales del subcontinente y una aldea ecológica que buscó fomentar hábitos respetuosos del medio ambiente. A un costado del escenario principal, se montó una estructura destinada a difundir el uso de energías alternativas, la preparación de huertos móviles y el uso de bombas de semillas para aumentar la producción de oxígeno en zonas abandonadas o desérticas.

Una iniciativa valiosa, que hizo honor al fabuloso verde que da marco al encuentro. __BD

TARJETAS DE CREDITO - 3 CUOTAS SIN INTERES

La fraternidad Tinkus Wistus, de Laferrere (provincia de Buenos Aires), rumbo al Anfiteatro del Bosque platense Foto . Gentileza FIFBA

Av. Rivadavia 6433 - Tel: 4633-5247 Galería Boyacá - Local 20 creacionestechi@yahoo.com.ar

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El Momento del Agite Por Eliana Gissara Los músicos Daniel Shadrawy, Sergio Montana y Matías Hazrum debaten sobre la importancia de la percusión en la música árabe y la relación que establecen con los bailarines a la hora de la improvisación

Para Matías Hazrum, la clave del solo de percusión es la relación del instante Foto . Fuentes y Fernández

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El sonido, ese fenómeno que invita y seduce desde el éter y que luego se transcribe en caderas vacilantes. Los parches que oscilan y las manos que, en cada onda, redoblan su marcha hacia el centro para seguir escribiendo música en el aire. Son los percusionistas, aquellos que marcan el ritmo y le imprimen intensidad a la exposición.

“Los instrumentos de percusión tienen una capacidad de encantar, de hechizar, de penetrar, de llegar a lugares que sólo el que lo escucha puede saberlo. Los instrumentos no se eligen, ellos te buscan a vos”, dice Sergio Montana, que toca el derbake desde los 18 años y hoy dirige la orquesta Arab Rock. Su colega Daniel Shadrawy coincide con el espíritu magnético que tienen los tambores: “La percusión me eligió a mí. Toqué por primera vez en un escenario a los 4 años, como regalo de cumpleaños para mi abuelo. Antes del derbake, pasaron por mis manos varios instrumentos, hasta llegué a tocar un poquitito el bandoneón”.

Shadrawy, quien integró por muchos años la Orquesta de Mario Kirlis, erigió en el año 2006 junto a otros músicos la Horus Arab Music a la que trata de darle un estilo egipcio por medio de sus creaciones. “No es fácil, ya que es un estilo prestado. Se mezcla mucho con el latino y con las nuevas influencias turcas, pero la esencia es egipcia. Me gusta mucho marcar contragolpes en velocidad”, ejemplifica el músico, padre de Abril, a quien le compuso un curioso tema utilizando como base sus latidos prenatales.

Matías Hazrum, actual derbakista de Kirlis, fue uno de sus alumnos estrella. De raíces árabes, inició su carrera profesional a los 13 años tocando el daff: “Siempre elegí la percusión porque me siento cómodo y puedo expresarme más libremente. Si bien mis creaciones están un poco marcadas por el estilo de mis maestros, no busco darles un estilo definido. Lo principal es tratar de no caer en lo popular o en lo trillado. Pretendo hacer figuras que no sean las habituales o las comúnmente escuchadas”, explica Hazrum, que en 2010 editó su primer disco compacto con composiciones propias.

La percusión en la música árabe SI bien la percusión siempre ha estado presente en la música árabe, los instrumentos han ido cambiando con el paso del tiempo no sólo en su apariencia sino también en su forma de ejecución y el peso específico dentro de las obras musicales. En la época faraónica el bendir era el instrumento clave que marcaba el ritmo, aunque habitualmente su función era la de acompañar los rituales y ceremonias.

Hoy la percusión adquirió un carácter más ligado al espectáculo, tanto sea para asistir al resto de la orquesta como para coprotagonizar con la bailarina un fragmento esencial del show: el solo de derbake.

“Cuando hago un solo para la bailarina tengo la obligación profesional de lograr que ella entienda lo que estoy tocando. De no hacerlo, no significa que esté bailando mal, sino que mi trabajo está mal hecho”, comenta Montana, asumiendo el riesgo que implica la relación entre ambos. Hazrum, en cambio, coloca el eje del tema en el “entre” que se da entre músico y bailarín: “La relación que se establece es la que se genera en el momento. Eso no se puede imponer ni prever; es la que el bailarín esté dispuesto a tener, la que me proponga y la que me inspire”.

Shadrawy explica este vínculo desde la contigüidad, sosteniendo un punto de vista más corporal: “Creo que cada derbakista se conecta de manera diferente con la bailarina. En mi caso, es muy evidente... si la bailarina me responde, mi mundo se transforma en caderas, derbake, ella y yo, y todo lo demás deja de existir. Si no me responde, directamente no hay conexión”.

Shadrawy destaca la importancia de los cinco sentidos a la hora del solo Foto . Gentileza Daniel Shadrawy

Desde su orquesta Arab Rock, Sergio Montana imprime un estilo moderno Foto . Gentileza Sergio Montana

Ahora bien, a diferencia de otras expresiones artísticas, en la danza oriental el concepto de “solo” -ya sea de derbake, kanún o nay- significa improvisación, tanto para el músico como para el bailarín. ¿Cuánto de azar y cuánto de técnica existe? ¿Quién marca a quien? O mejor dicho, ¿qué es lo que pasa ahí, en esa suma de pequeños instantes?

Así lo define Sergio Montana: “El solo es el arte de lo impensado, es un acto único e irrepetible en donde la bailarina tiene que desnudar y transmitir a través de sus movimientos el espíritu y el alma del músico. Es la gráfica corporal de sus sentimientos, es la que se compromete emocionalmente con él para una única vía de contacto con el público; una fusión de energía, ritmos y movimientos, la compenetración total para que ambos saquen lo mejor de adentro”.

Por su parte, Matías Hazrum aconseja quitarle la presión al momento y relajarse más: “La idea es que lo disfruten y estén tranquilos, de esa forma pueden dar el estilo que el solo de percusión merece. Esto aplica tanto a bailarines como a músicos. Muchas veces menos es más. Es preferible hacer algo simple y seguro a algo complejo y poco claro”.

Finalmente, y con un toque de humor, Dany Shadrawy apela a la metáfora de los cinco sentidos a la hora de dar el primer golpe: “El bailarín tiene que tener “vista” para conectarse con el derbakista, “olfato” para adivinar los juegos del derbake, “tacto” para zafar cuando no los adivina, “oído” para poder marcar los golpes y “gusto” para bailar un solo. __BD MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 35

Los Perros de Pavlov es un grupo de teatro-danza-multimedia que estrenó Estado de la Tristeza, en el Espacio Cultural Pata de Ganso, donde continúan los domingos de mayo.

La obra, ideada y dirigida por Ezequiel Bianchi, Cecilia González y Elián López, e interpretada por los anteriores más Ana Inés García, pasa revista a algunas modulaciones posibles de caracterizarse como estados en la tristeza.

Musicalmente acompañados por un gran número de grabaciones, desde temas populares hasta dodecafonismo, más la apoyatura de proyecciones de video (Bianchi), también de variadas estéticas y temáticas, los intérpretes “dialogan” indirectamente con esos estímulos: sus actos, gestos y movimientos resultan resignificados al yuxtaponerse con los mensajes visuales y sonoros. Esto da un tono que va desde el video clip más aparentemente comercial a propuestas que rozan lo surrealista, con entradas a expresiones pop, naturalistas, académicas, absurdas, de music hall y gym.

Con estas modalidades y tratamiento, lo teatral y lo bailado, las más de las veces mostrado como fragmentaciones o síntesis de desarrollos que podrían ser mayores, construyen, sin solución de continuidad, rapsódicos tramos en los que se atraviesan corporizaciones de lo triste. Exasperación o bronca, quietismo y mutismo, aproximaciones sensuales, rechazos violentos, desasosiegos, pequeños triunfos, fracasos, afirmaciones, derrotas, en fin, muy diversos acontecimientos en los cuerpos. Y todo ha de ser, o podría, tristeza, porque, ¿qué formas son propias y cuáles no para ese estado?

El humor de la propuesta termina por ocultar parte del fondo del asunto, como si se insistiera en señalar que, inconmensurable, la tristeza está abroquelada, potencialmente, en toda situación humana, y lo que se hace es padecerla y pelearla, con ese mismo humor, con esa impronta de instar nuevas posibilidades de acción.

En función, los intérpretes jugaron con buenas construcciones tanto individuales como colectivas para la expresión de los avatares fugaces de angustia, pérdida y dolor de los personajes. Pocas palabras, adrede a veces ininteligibles, pero claras manifestaciones gestuales, de a tramos puestas más en la acción “cotidiana”, por otros sólo en lo kinético, fueron rítmicamente bien encadenadas en la pieza. Lo corporal, en sus esfuerzos y ajetreos, y lo mental, en sus devaneos y agotamientos, pasaban como momentos en las interpretaciones de cada integrante del grupo haciendo patente ese estar casi al borde de la insania, con vacío de comunicación, como distintivos que tiñen todo en tristeza.

En Estados de la Tristeza, las metáforas y concreciones apuntan a hacer evidente que lo que se carga como tristeza es más que el pesar y lo mustio: también hay una violencia hacia sí y hacia el mundo que se despliega desde esa inmensa emoción. __BD

Elián López, Ezequiel Bianchi, Cecilia González y Ana Inés García Foto . Enrique González

Por Román Ghilotti

Trastos de lo Triste

S O I R A T N E M O C

Lo pesado, lo melancólico, son notas de lo triste, pero también estas aflicciones estallan, sin abandonar por ello su ser tristeza

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Por Román Ghilotti

Compartiendo Cuatro Modos Subjetivos

O I R A T N E M O C

En el Centro Cultural Ricardo Rojas se presentaron, los sábados de abril, cuatro trabajos de nuevas coreógrafas del medio local El programa compartido, titulado Cuádruple, reunió Liebesträume de Soledad Gutiérrez, Tiempo Aquel de Milena Burnell, Horario de Descarga de Natacha Visconti y Parádoxa de Silvina Linzuain.

En Liebesträume Gutiérrez apeló a referencias al romanticismo pero despojándolo de subjetividades apasionadas. En efecto, ya en su título, Liebesträume (Sueños de Amor), nombre de un trabajo de Franz Liszt, consistente en tres canciones para piano y voz, se acerca a lo romántico, lo cual se sostiene, además, por la música para la obra. Esta, creada e interpretada en vivo por Laura Antonelli, remeda el más famoso motivo del alemán en un solo de piano que también resulta vaciado de apasionamientos. En lo coreográfico, los bailarines (Gutiérrez más Alejo Wilkinson Hassler, Carla Rímola, Santiago Azzati y Mercedes De Cillis) desarrollaron pequeñas secuencias de movimiento, recorridos lineales, rectos, construyendo encuentros y cruces que, reflejo seco de relaciones concretas, sólo daban vestigios de intercambios entre cuerpos. Lejos de las expresiones de pujanza en el deseo, ya sea con goce o padecimiento, un romanticismo muerto, racionalizado, era lo que se proponía en las formas y los contenidos de esos sueños de amor.

En Tiempo Aquel, Burnell afrontó la compleja tarea de instalarse en un discurso sobre la temporalidad vista en un cuerpo y sus recuerdos. El solo, interpretado por Carla Rímola, sobre música de Erik Satie y original de Pablo Berenstein, recorrió, a modo de muestras, varios segmentos en los que, en cada uno, aparecían maneras del movimiento y la gestualidad que supondrían distintas memorias del personaje reactualizadas en el presente. Algunas formas podrían haberse asociado a infancia, felicidad, desamparo,

Rímola sumida en una zona de recuerdo (Tiempo Aquel) Foto . Mariana Fossatti 38 / BALLETIN DANCE // MAYO 2012

Wilkinson Hassler manipulando a la rígida Gorostiza en Horario de Descarga Foto . Antonio Fresco

soledad, etc., una larga lista de estados o situaciones. Pero esto, en definitiva, quedaba sólo en la recepción particular de cada espectador. Rímola, de intensa performance, ajustó los tramos al punto de ofrecer la separación neta de las diferencias entre aquellos estados, es decir, se veían claramente los cambios de temples anímicos, las instancias de diferencias emocionales, con independencia de toda anécdota.

Horario de Descarga, centrado en posibilidades de la dureza para lo coreográfico, tal como se aclaraba en el programa de

Parádoxa: un contraste formal en danza (Soledad Gutiérrez y Carla Rímola) Foto . Mariana Fossatti

mano, puso en escena a dos intérpretes (Josefina Gorostiza y Alejo Wilkinson Hassler) que pasaban por momentos de rigidez corporal.

Un tercer bailarín (Santiago Azzati), con una zorra cargaba a quien estuviera rígido y lo ponía en nueva situación para que interactúe con el otro cuerpo. Más allá de las destrezas en términos de control de formas y esfuerzos, notables y precisos en Gorostiza y Wilkinson Hassler, la propuesta de Visconti trascendía tanto lo kinético y formal para esas secuencias, como también lo inmediatamente humorístico, que resultaba de las manipulaciones y los manejos de los cuerpos endurecidos. Quizá en parte por encadenarse el trabajo con los anteriores, quizá por el casi inevitable y naturalizado efecto que implica la presencia en escena de una pareja heterosexual tomándose y buscándose, lo que también se perfilaba eran las inadecuaciones y los fracasos de intentos de establecer relaciones y acompañamientos de pareja.

Por último, Parádoxa, un dúo bailado por Gutiérrez y Rímola, ambas de muy sólida interpretación, puso en movimientos, a veces frenéticos y potentes, un agregado de diversas modalidades de mostrar lo que, en general, llamamos danza. Recurriendo a lenguajes, técnicas, estilos y matices opuestos, los distintos segmentos del trabajo de Linzuain tomaron el desafío de intentar poner en “claro” qué sentidos se construyen al bailar. Lo paradójico del asunto radicó en exponer la imposibilidad de clausurar significados exactos para la mayoría de los casos de la danza.

Sin llegar a una conclusión definitiva, como se manifestó en el video final, donde la directora daba cuenta de trivialidades y dificultades para poder concluir sentidos sobre lo que se vio en escena, implícitamente se ejemplificaba cómo, en términos de danza, cuerpos en movimiento comunican, entran en intersubjetividad con los espectadores, dejando abiertas interpretaciones y metáforas de lo humano.

En síntesis, el programa presentó cuatro piezas que, leídas en clave de subjetividad, señalaban aspectos de tensión entre las aún posibles afirmaciones de los sujetos y las todavía no resueltas contradicciones entre tales afirmaciones y sus resultados sociales. __BD MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 39

La apertura de la temporada de ballet en el Teatro Colón, correspondió al estreno de Carmen, una obra que su coreógrafo Mauricio Wainrot había estrenado hace años para la Compañía del Ballet de Winnipeg, Canadá, con otra música de soporte, aunque no se hicieron mayores comentarios en aquella época. Tesonero como es Wainrot cuando se propone crear, desde hace meses había retornado a su idea de llevar a la fogosa gitana al escenario del Teatro Colón, con otra partitura musical y diversos cambios, sobre todo en el campo de la cantidad e importancia de los personajes.

Desde aquel resonado estreno de 1977, de la versión de Alberto Alonso con el compositor ruso Shchedrin -cónyuge de Maya Plisetskaya- no se había visto versión nueva de Carmen en nuestro país. Con excepción de la de Marcia Haydée, directora del Ba-

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llet del Teatro Municipal de Santiago de Chile, muy dramática, erótica e influenciada por la danza contemporánea, que en el Argentino de La Plata fue magníficamente interpretada por Marcela Goycochea y Luis Ortigoza. Pero estemos de acuerdo que en todas las versiones ha mediado el seguimiento al modelo original, extraído del libro del escritor Prosper Merimée, francés y romántico.

En cambio, de la Carmen de Wainrot, su autor nada ha dicho pese a las evidencias de que se basó en aquella obra literaria.

Como que estamos tratando sorpresas... no olvidamos que años después de la Carmen bailada por Plisetskaya, vino la Compañía del Ballet Nacional de Cuba, que actuó en numerosas fechas en el Teatro Colón, dirigida por la inolvidable y notable cubana Alicia Alonso, y pudimos remarcar sus diferencias con la versión que danzaba la egregia artista rusa. Mauricio Wainrot concibió entonces un ballet que muestra parecidos extremos de las obras mencionadas.

Allá por 1915, plena Guerra Mundial Primera, el audaz coreógrafo ruso modernista adherido a la tendencia constructivista de Tatlin -nos referimos a Boris Georgievich Romanov- trabajó exhaustivamente en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, para lograr una versión de Carmen truculenta como ninguna otra, sirviéndose de la música incidental de L’ Arlesienne también de Bizet 1 montada en medio de cruentas batallas que se

Carmen (Perillo) coquetea con Don José (Ledo)

Por Enrique Honorio Destaville

Carmen nuevo trabajo de Mauricio Wainrot

S O I R A T N E M O C

El estreno de Carmen de Bizet-Turina-Albéniz-Mauricio Wainrot, con el Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Lidia Segni junto a la Orquesta Estable bajo la batuta de Luis Gorelik, abrió la temporada de este año de nuestro primer coliseo

Una muerte anunciada por El Destino (Olmedo)

desarrollaban en el frente occidental. Así nació Andalusiana, con claros parecidos a la Carmen de la ópera y del libro de Merimée.

Si bien la música era de Bizet, y gratamente melodiosa, Romanov la eligió como sustento de su obra, donde al parecer sobraban cuchillos y puñales ensangrentados 2.

Wainrot también buscó sorprender al público del Colón. Entonces se dirigió a Luis Gorelik, prestigioso compositor y arreglador, quien trabajó sobre la idea propia de hispanización y dramatización de su reciente obra. Lo primero lo logró con fragmentos de Joaquín Turina e Isaac Albéniz, ahora sí el soporte se adecuaba a una imagen más hispana. Pero también hay nuevos personajes en esta Carmen que tienden a cubrir explicaciones. Uno de ellos, la Micaela encarnada por Maricel De Mitri (el día del estreno), se funde en una danza de pocos desplazamientos que remarca la finalidad del papel que le tocó asumir a la bailarina: el anunciar al enamorado Don José los consejos y noticias que le envía su madre. Como aquí no hay palabras, el momento de la comunicación ha sido resuelto por Wainrot con singular talento, exteriorizado en una escena de elaborada plástica del movimiento: uno de las más interesantes y bellos de la puesta, donde intervinieron Silvina Perillo (Carmen), De Mitri (Micaela) y Marta Despérès (la madre de Don José).

Carmen conquista a Escamillo (Fernández) Fotos . Máximo Parpagnoli

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L’ Arlesienne es música agregada a una obra de teatro de prosa de Alphonse Daudet. Era música creadora de atmósferas e inspiradora.

2 El ballet inspirado en Carmen por parte de Romanov también tuvo otro nombre tiempo después La Nuit Andalouse, probablemente con algunos cambios efectuados por su creador.

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DEL SEGUNDO REPARTO Por Agustina Llumá En las cinco funciones programadas como apertura de la temporada, los roles protagónicos se alternaron entre los diferentes primeros bailarines del Ballet Estable de Teatro Colón.

Así, el segundo reparto estuvo integrado por Nadia Muzyca (Carmen), Carla Vincelli (Destino), Edgardo Trabalón (Don José), nuevamente Federico Fernández (Escamillo) y Natalia Pelayo (Micaela), quienes debutaron la noche del tornado que arrasó con gran parte del conurbano bonaerense y algunas zonas de la ciudad de Buenos Aires (la función se demoró en un hecho sin precedentes en el Teatro Colón, pues estaba lloviendo sobre el centenario escenario).

Carmen (Muzyca) se enamora de Don José (Trabalón)

En el plano de los reconocimientos, cabe hacerlo con Eli Sirlin, quien abrió paso y destacó con su iluminación el papel de El Destino encarnado con encomio por Karina Olmedo. En el protagónico, la bella Silvina Perillo se mostró tan altanera como la gitana original, y no sólo tomó el modo de caminar desprejuiciado de quien no siente vergüenza, sino temor a perder la libertad.

Don José fue Juan Pablo Ledo, bailarín de relevantes condiciones y excelente técnica, a quien le falta aún profundizar sentimientos. Es un gran colaborador para coreógrafos visitantes y locales pues resuelve las dificultades técnicas. Escamillo tuvo el garbo de Federico Fernández, otro de los jóvenes sobre el que se debe trabajar para obtener el máximo de su rendimiento. Los bailarines del Teatro Colón actuaron y bailaron esa tarde de domingo con discreción. La Orquesta Estable, dirigida por Gorelik, tuvo una actuación irregular con sus instrumentos de viento demostrativos de desafinaciones y otros errores.

Faltó insuflar dramatismo al ballet.

Además si la música arreglada por Gorelik hubiese sido inferior a la hora y media aproximada sin corte de intervalo, y se corrigieran partes endebles, el resultado podría haber sido superior. Resulta dudosa la mezcla de las danzas boleras de España con el resto de esta Carmen. __BD

Con las cartas en la mano, el Destino (Vincelli) anuncia la muerte de Carmen (Muzyca)

Luego de algunas representaciones, la obra como entidad holística fue tomando cuerpo, por lo que en las últimas funciones pudo disfrutarse mucho más la narración. Los vientos orquestales mejoraron también un poco y las proyecciones en la pantalla circular, consiguieron una simbología más acabada con la acción escénica.

Las coreografías de Wainrot imprimen una exigencia física a los bailarines de magnitud, Carmen por ejemplo, prácticamente no sale del escenario en la hora y veinte de duración, en la que baila casi sin parar. Muzyca pudo resolver junto a Trabalón esta característica además de imprimirle ambos una particularidad a cada uno de sus personajes. Ella fue una gitana muy jovial, enamoradiza y desprejuiciada pero que supo también mostrar un hálito de compresión y responsabilidad a la hora de anticipársele el trágico final (aunque por ello no cambió su forma de ser). Trabalón por su parte, se mostró entregado a su deseo pero siempre dentro de los cánones de la buena conducta, como si una voz interior le dijera constantemente el mal que estaba haciendo (esto se pudo ver en el cuadro del asalto por ejemplo).

El Destino de Vincelli fue una entidad mucho más complacida de compartir esos momentos terrenales, disfrutando incluso de muchos de ellos con maliciosa alegría. Fernández encarnó satisfactoriamente a un torero de difícil resolución, pues como en el torero de Don Quijote debe otorgarle impronta con pocos firuletes coreográficos (con una secuencia de revoleo de capa y todo) y finalmente Pelayo fue una tierna criatura exenta por completo de las pasionales contradicciones que devenían en su amado. __BD

Don José (Trabalón), su madre (Graciela Bertotti) y su novia (Pelayo) Fotos . Máximo Parpagnoli

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Debut Por Agustina Llumá La apertura de la temporada 2012 del Teatro Coliseo de Lomas de Zamora, estuvo dedicado a homenajear el Día Internacional de la Danza, con el debut de la compañía GDB dirigida por Guido De Benedetti El domingo 15 de abril, el flamante elenco GDB debutó en el escenario del pintoresco teatro de Lomas de Zamora con la actuación de primeros bailarines del Teatro Colón que encabezan la compañía.

Así, se mostraron en tres actos, algunos pas de deux de alto impacto del repertorio tradicional junto a creaciones de Guido de Benedetti en un abanico compositivo que incluía tanto a Piotr Ilich Tchaicovsky como a Astor Piazzolla.

Abrió la función una suite de la Danza del Trigo del primer acto de Coppelia encabezada por Nadia Muzyca y Edgardo Trabalón.

Ella con su encanto habitual, de largas líneas y delicados gestos estuvo bien acompañada por un partenaire cada vez más sólido, que siempre refleja sus maneras dignas. Ambos fueron acompañados por un cuerpo de baile conformado hace apenas un mes,

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por audición abierta, con una actuación que permite sospechar un futuro prometedor.

Continuó el pas de deux de El Corsario, brillante, enérgico, de demostraciones técnicas y acrobáticas, muy bien resuelto en tan poco espacio (para estos bailarines el escenario es chico) por Carla Vincelli y Juan Pablo Ledo. Ella es una bailarina segura, de esas en las que la técnica nunca cobra importancia, pues salen airosas de cualquier exigencia. Siempre sonriente transmite placer por su danza. Así fue esa noche en Lomas de Zamora, junto a un bailarín que se va acercando al máximo de su profesión, con una técnica cada vez más prolija comienza a desarrollar su faceta interpretativa, cada vez más lograda.

Luego fue el turno de Hindo, un duo hindú, de Guido de Benedetti a cargo de Muzyca junto a Vagram Ambartsoumian. Un dúo largo, de encuentro amoroso, que concilia la armonía de ella con Elenco completo en Ladislao Fotos . Antonio Fresco

el vigor de él. Se entrelazan estéticamente piernas y brazos al ritmo de la música, con vuelos y arrastres, momentos de solos, unísonos conectados y disociados.

Danza Macabra fue otra de las entregas de la velada, también creación del director, que permitió el lucimiento de Ledo acompañado por Graciela Bertotti (como maestra de danza) y Sofía Gavito (con un violín en sus manos, cual la musa). Con una barra de danza, el protagonista se prepara para la acción, la salida al

Ambartsoumian y Muzyca en Hindo

mundo del ballet, a la profesionalización. La docente le infunde temor, uno patológico, mientras la musa en superposición de imágenes lo enamora. La historia, no es más que una escusa para realizar diferentes pasos de danza, en la barra y en el centro, con cuantiosos giros de todo tipo y saltos magnificentes, para finalmente calzarse la chaqueta para salir a escena.

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Continuó Tangazo, un tango de De Benedetti sobre música de Piazzolla, muy bien logrado compositivamente. Vincelli y Trabalón dejaron sobre el escenario el alma ciudadana con alto contenido identitario.

Para finalizar Ladislao, el plato fuerte del espectáculo, basado en la verídica y trágica historia de amor de Camila O’Gorman (Vin-

Vincelli y Ledao en El Corsario

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Muzyca y Trabalón en Coppelia Fotos . Antonio Fresco

celli) con el párroco de su familia (Ambartsoumian). Creada por De Benedetti hace unos años, la pieza relata breve y claramente la historia que vivieron estos jóvenes a mediados del siglo XIX en nuestro país. Aquí cada bailarín cumple un rol específico en el relato, con mucho de dramaturgia, que resultó concluyente para imaginar el futuro de esta nueva compañía. __BD

Representante Marcela Schiliro – Atención Personalizada Pedidos e informes al ( 00 54911) 4938 -8240 s E-mail: puntasballet@hotmail.com MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 47 fotografía: carlos villamayor/arte ©2012 gaynor minden, inc.

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-opereta Joyas de la Opereta

-teatro Mujeres en el aire

Compañía Argentina de Opereta y Afines. Dirección: Santiago Chotsourian y Alejandro Cervera. Martes 21 hs, durante todo el año. En mayo: La Vie Parisienne. Teatro Maipo (Esmeralda 443, Tel: 5352-8384).

De Mariela Asensio. Coreografía: Barbara Hang. Actúan: Valentina Bassi, Érica García, José María Muscari, Pamela Rodríguez, Débora Zanolli y Valeria Alonso. Viernes y sábados 23 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200). Foto: Sol Levinas Asensio.

-milonga La Mondonguito

Compañía Nacional de Danza Contemporánea. Coreografía: Jorge Amarante.

Coordinación Artística: Victoria Hidalgo, Ramiro Soñez, Victoria Viberti.

Miércoles y jueves, 20 hs (del 23 de mayo al 23 de junio). Dirección Nacional de Música y Danza (México 564, Tel: 4300-7384). Entrada gratuita.

-teatro La suplente De Mariano Moro. Asesor en movimiento: Miguel Ángel Elías. Con María Rosa Frega. Sábados 20:30 hs. Molière Teatro Concert (Balcarce 682, Tel: 4343-0777).

Cartelera

-contemporáneo La Patriótica

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Unicamente Tango Salón y Milonguero. Organiza Silvia Dopacio. Musicaliza Carlos Rey. Miércoles de 19 a 0:30 hs.

Plaza Bohemia (Alsina 2540, Tel: 155845-5029).

-contemporáneo Onda Gravitacional Dirección: María José Goldín. Interpretación: Rhea Volij. Sábados 21 hs.

Espacio Cultural Pata de Ganso (Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

-contemporáneo Piezas Dirección: Andrés Molina y Alba Virgilio. Con Agustina Albanessi, Eva Harvez, Soledad Azzati, Jésica Saud, Mar Tosas, Natalia Serratto, Ana Ruiz, Romina Padoan, Florencia Cagnone, Josefina Perés, Florencia de la Fuente.

Sábados 12 y 19, 21 hs. Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185).

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SUSANA AGÜERO

SUSANA AGÜERO FUE ARTISTA DESTACADA EN EL

BALLET

DEL

TEATRO COLÓN

Por Enrique Honorio Destaville Su vida se apagó luego de años de lucha contra la enfermedad El 26 de marzo tuvimos la mala nueva de la desaparición de Susana Agüero quien -por años- fue una de las principales bailarinas solistas del elenco del Teatro Colón. Justamente, capacitada como estaba para encarnar un primer papel, se le encomendaron algunos provenientes de la tradición clásico académica a los que ella supo dar luz propia. Niña aún había ingresado al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, lugar en el que se formó bajo la observación, enseñanza y entrenamiento de un grupo de profesionales argentinos.

En ese conjunto de formadores estaba Gema Castillo, la maestra que preparaba para realizar los más grandes esfuerzos en el ballet. Michel Borowsky quien por mucho tiempo fue el bailarín-caballero venido a la Argentina después de haber sido formado en Polonia y bailado por corto lapso en la última etapa de Les Ballets Russes de Serge Diaghilev y radicado en Buenos Aires e ingresado al Colón supo preparar a tantos adolescentes como fue Susana Agüero. No podía estar ausente en la preparación de la bailarina la notable maestra que fue María Ruanova, la primera que mostró en el exterior el prestigio del ballet en la Argentina y que supo ser auténtica bailarina estrella.

En ese conjunto de selectos maestros también estaba Adolfo Andrade un bailarín e intelectual distinguido, con carrera argentina continuada en Francia. A ese país quiso ir Susana, para actuar en obras netamente neoclásicas y contemporáneas concebidas por coreógrafos con metas renovadoras, como lo fue en aquellos años Vittorio Biagi, bailarín y discípulo de Maurice Béjart que conmovió con sus creaciones el panorama del ballet en el Teatro Colón (Pulsaciones, por ejemplo). Entre sus admiradoras estaba Susana Agüero que viajó a Lyon, donde Biagi la contrató como Primera Solista, para asumir nuevos papeles en la Compañía de Ballet de la Ópera de la segunda ciudad de Francia. Ciertamente, Biagi intervino en su perfeccionamiento dentro del estilo que predicaba. Y Agüero no dejó de perfeccionarse en lo estrictamente clásico que en aquél lugar le enseñó el recordado bailarín ruso-francés Serge Golovine, estrella del Ballet del Marqués Jorge de Cuevas.

Entre tanto, a los coreógrafos y maestros que pasaban por el Ballet del Teatro Colón y al que ella pertenecía, su figura no dejó de interesarles, como ocurrió cuando Serge Lifar vino a montar su bellísima y exigente Suite-en-Blanc con música de Edouard Lalo. La recordamos en aquel pas de trois donde era la única mujer con dos compañeros en una línea de danza exigente. Creemos que su momento más recordado fue cuando debió encarnar a la joven Princesa Odette en El Lago de los Cisnes de la versión de Jack Carter, en ocasión de una reposición, también se destacó en el Hada Lila de La Bella Durmiente del Bosque.

Y en papeles de obras contemporáneas, como las que bailó de Oscar Araiz y de Ana Itelman. Nunca dejaba de reconocer la tarea del periodista crítico: Durante varios años me hacía llegar su saludo cordial en el Día del Periodista.

Hoy ya no está y sólo deseamos que en Paz descanses querida Susana. __BD

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Susana Agüero había estudiado música, piano, lo que le resultaba una tortura pues “había que estar sentada”, señaló oportunamente en entrevista con Omar Berengeno. Fue en 1968 cuando actuó en una coreografía que Biagi montó para Los Cuentos de Hoffman en el Colón y terminó con un contrato para integrar el Ballet de la Opera de Lyon que él comenzaba a dirigir. Permaneció en la compañía perfeccionando la danza contemporánea por lo largo de seis años, y regresó a la Argentina por un problema en la vista que se iba profundizando.

“Tenía treinta años y mi problema visual no tenía solución, veía como una persona de 70” aseguró Agüero en aquella entrevista.

Luego de un año sin bailar tratando de recuperar la vista (que logró bastante) regresó al Ballet Estable mientras abordaba las comedias musicales de la mano de los grandes, sus mentores en la década del ochenta fueron Bergara Leumann (a quien frecuentaba cuando vivía en París) y Alejandro Romay. También bailó coreografías de Oscar Araiz y de Ana Itelman en aquel momento, y actuó en televisión en el recordado Botica de Tango de Leumann.

Al retirarse de los escenarios como bailarina se dedicó de lleno al yoga, que impartía en su casa-estudio del barrio de Palermo.

In Memoriam

CAMILA DE REBOLLO 6 de diciembre de 1922, Salta 4 de abril de 2012, Jujuy Referente de la danza en la provincia de Jujuy donde fundó el taller de Danzas Nativas Huayra Muyoj

La maestra salteña Camila Acela Soria de Rebollo, murió a los noventa años de edad. Llegó a Jujuy, desde su Salta natal, con sus cinco hijos (Héctor Hugo “Pila”, Margarita “Chiqui”, Francisco “Cacho”, Víctor “Tito” y Rodolfo) y demostró ser una gran emprendedora. Todos sus hijos varones son profesores de danza, y todos colaboraron en Huayra Muyoj, fundado en 1968, que actualmente funciona como una empresa familiar, Rodolfo es hoy el director del Ballet y de la escuela, su mujer Gabriela Saavedra es la secretaria, y los nietos de Camila, son profesores.

La institución reivindica los valores del arte y los de la vida, como enseñanza de Camila, que con sus nueve décadas, recorría las instalaciones de la escuela y estaba presente en cada presentación del Huayra Muyoj, con el mismo entusiasmo del primer día.

La energía y el tesón de Camila hicieron que en el año 1985 se concretara la primera gira a Europa del Ballet (ya llevan doce), para actuar en festivales de danzas folklóricas.

Rebollo será recordada como una de las pioneras en la enseñanza de la danza en Jujuy, que además mantuvo el nivel, la seriedad, y la responsabilidad de formar gran cantidad de profesores y artistas en la provincia. __BD

Fundado en 1981

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz

31 años formando bailarines en San Isidro • Danza clásica • Stretching con análisis biomecánico • Pilates • Barre à terre • Danza jazz • Danza contemporánea • Hip Hop new style

Clases privadas Clases especiales de puntas Iniciación a la danza para niñas de 3 a 6 años Clases para niños, adolescentes y adultos en todas las disciplinas Preparación para el ingreso a instituciones oficiales

Ituzaingó 407 (1642) San Isidro Tel: 4747-5454 4743-7421 balletceciliadiaz@hotmail.com

Piso con cámara de aire

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Brenda Angiel de Broadway a Tel Aviv

R O I R E T X E L E N E S O N I T N E G R A

La Compañía de Danza Aérea de Brenda Angiel, realizará una temporada en Nueva York (Broadway) del 3 al 20 de mayo. La coreógrafa, pionera en esta disciplina, se había formado en aquella ciudad donde había montado sus primeras creaciones Esta vez mostrará el espectáculo de tango aéreo 8cho, en el 42 ND New Victory Theatre, situado en el área más teatral de la ciudad, en calle 42 y Broadway. Se trata de un espacio recuperado en estos últimos años, una suerte de “isla cultural” dentro del distrito de teatros y musicales más comerciales de Nueva York.

Meses más tarde, la actividad internacional de La Compañía Aérea continuará en julio de este año, con cinco funciones de su consagrada obra Air Condition en el Tel Aviv Performing Arts Center (TAPAC), el centro de artes escénicas más importante de la principal ciudad israelí, en lo que marca el debut del elenco en Israel.

Dice Brenda Angiel sobre su regreso a Nueva York: “Me produce mucha emoción volver, por tanto tiempo y de esta manera: con un espectáculo tan armado y con identidad argentina. Es un gran reconocimiento a mu-

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chos años de esfuerzo y trabajo, estoy emocionada y agradecida. Para la compañía es un lanzamiento muy importante y una oportunidad única de ser vistos en la Gran Manzana. Como dice la vieja canción inmortalizada por Frank Sinatra: if I can make it there I´ll make it anywhere (si puedo triunfar allí, entonces puedo hacerlo en cualquier lado, siguiendo la lógica de la canción)”.

Angiel creó su original elenco, en el que los bailarines están volando colgados de arneses, hace dieciocho años en Buenos Aires, y con sus diferentes espectáculos ha recorrido los centros más importantes de la danza mundial. Entre ellos se mencionan, el Holland Dance Festival (Holanda), Kennedy Center for the Performing Arts y American Dance Festival (Estados Unidos), Festival Iberoamericano de Bogotá (Colombia), Lucens Dans Theatre de Amsterdam, Spoleto Festival (Italia), Teatro Municipal Castro Alves de Salvador de Bahía (Brasil). __BD Lucas Coria, Juan Iglesias, Lujan Minguez y Cristina Tziouras en 8cho Tango Aéreo Foto . Mauro Dann

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Volij en Onda Gravitacional

ENCUENTRO BUTOH

Rhea Volij en el Primer Encuentro Latinoamericano de Danza Butoh en la Mitad del Mundo del 22 al 29 de abril Representantes de la danza butoh de México, Chile, Argentina, Brasil, Colombia, Ecuador y Japón se presentaron en el encuentro de Quito, desarrollado en la Carpa de la Paz, del colonial barrio San Marcos y en la Plaza de la Independencia, a fines del mes pasado.

Con organización de Moti Deren y Susana Reyes, directoras de la Casa de la Danza, el festival abrió con la actuación de Roberto Souza (Brasil), considerado por muchos el máximo representante del butoh latinoamericano.

Además de la argentina, Rhea Volij, participaron Lobsang Palacios y Pepe Kintún de la compañía Sacroficio (Chile), el grupo Fuchein, José Bravo, Tania Galindo y Alfonsina Río Santos (México), Manusdea Arte Escénico (Colombia). Todos realizaron también talleres, conferencias y exposiciones.

“En el butoh latinoamericano convergen principios cosmogónicos japoneses y andinos” señaló Susana Reyes, al iniciar este primer encuentro. Gestora de experiencia, es la misma que desde hace una década impulsa el Festival Mujeres en la Danza.

Para la directora en la danza butoh “el bailarín hace una introspección en su cuerpo y abre el camino hacia la recuperación del cuerpo primigenio”. __BD

Twins Tap Dance Center

24º ANIVERSARIO

Tap Dance - Jazz - Lyrical Jazz - Contemporary Jazz Theater Dance - Clásico - Hip Hop - Street Jazz - Reggaeton - Ritmos Latinos - Taller de Coreografía - Acrobacia - Iniciación al Movimiento - Mommy and Me - Taller de Canto GLEE - Comedia Musical

STAFF DE PROFESORES 2012 Ale Castro Videla - Ati Castro Videla - Soledad Bayona Yamila Embon - Selva Santagada - Leo Robaglio - Pedro Frias Mijail Sosa - Denise Gonzaga - Silvana Biselli - Agustina Vivone Luciana Castro - Caro Mila Prats - Maria Noe Rodriguez Mariana Szuchmacher - Vera Mauer - Ingrid Cataldo Lucila Greco - Xoana Winter - Martina Sucari - Sol Aguiar Johanna Sciarrotta - Natalia Avila - Melisa Freund.

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Nuevos Lanzamientos BALLETIN DANCE DIDÁCTICO, es el área de BALLETIN DANCE destinada a la capacitación docente, bajo la dirección de la pedagoga Alicia Muñoz EDITORIAL Entendiendo al maestro como agente multiplicador, es que Balletin Dance se encaminó hace poco más de cinco años, a desarrollar una serie de contribuciones para docentes de danza en todas sus posibilidades de manifestación (ballet, danza contemporánea, árabe, folklore, jazz, tap y otras actividades corporales).

Desde la Editorial este mes se presenta el séptimo volumen de la colección Balletin Dance Didáctico. Se trata del libro Caos o Planificación, Estrategias para el Docente de Alicia Muñoz, que continúa los conceptos teóricos vertidos en el anterior Cuerpos Amaestrados vs Cuerpos Inteligentes (teorías cognitivas).

De manera clara, sintética y amena, ambos libros desarrollan las teorías de cada temática en palabras de los diferentes estudiosos y se trasladan puntualmente al campo de la clase de danza (o actividades físicas).

Una de las necesidades fundamentales para el docente de danza se centra en la planificación y en la evaluación de los contenidos a enseñar.

Ya sea en instituciones educativas oficiales o privadas, ya sea en el dictado de sus clases particulares, el docente debe partir de estos conceptos a la hora de bosquejar su enseñanza.

Las teorías de la planificación en la enseñanza también han sufrido modificaciones y actualizaciones con el correr del tiempo, por eso en este texto Muñoz describirá los progresos suscitados en el área para luego plasmarlos con ejemplos concretos en una clase de danza. Esto permite que el lector pueda utilizarlo inmediatamente en sus clases cotidianas.

En este libro se describe sintéticamente lo que significa la programación y confección de proyectos educativos evitando el caos -que en caso de faltar- se reflejará en sus aulas tarde o temprano.

Reflexionar sobre la tarea cotidiana de cada uno, para encontrar mejores prácticas docentes, es uno de los objetivos centrales de la propuesta de esta colección, con el fin de facilitar y contribuir a la profesionalidad del maestro de danza.

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>1º CURSO: APRENDIZAJES SIGNIFICATIVOS Libro: Cuerpos Amaestrados vs Cuerpos Inteligentes Tutor: Marcio Chinetti Duración: 16 semanas Inicio: 9 de agosto de 2012 Precio: $ 1000 (mil pesos argentinos) Promoción inscripción anticipada: $ 800, hasta el 9 de junio Cierre de inscripción definitiva: jueves 2 de agosto de 2012 >2º CURSO: PLANIFICAR LOS APRENDIZAJES Libro: Caos o Planificación Tutor: Alicia Muñoz Duración: 8 semanas Inicio: 2 de agosto de 2012 Precio: $ 600 (seiscientos pesos argentinos) Promoción inscripción anticipada: $ 480, hasta el 9 de junio Cierre de inscripción definitiva: jueves 26 de julio de 2012

Ilustraciones de Germán Guzik

E-LEARNING Otra de las misiones del área de capacitación docente de Balletin Dance, es la organización de las jornadas presenciales de actualización, que reúnen a maestros de variadas disciplinas para reflexionar juntos alrededor de los diferentes descubrimientos que van dando luz al proceso de enseñanza-aprendizaje.

En este marco, y a raíz de la dificultad geográfica y temporal de muchos maestros interesados, nacieron el año pasado los cursos a distancia, que se dictan a través de internet, bajo la modalidad del e-learning (aprendizaje sencillo).

Este mes se abre la inscripción para los dos primeros cursos del segundo cuatrimestre que comenzarán en agosto de 2012, y como es habitual quienes se inscriban en forma anticipada obtendrán un descuento del 20 % en el pago de su matrícula.

La inscripción incluye el envío del libro correspondiente por correo postal certificado (impreso, en papel), tutoría pedagógica y tecnológica durante todo el curso, acceso a la plataforma de e-learning de Balletin Dance durante el período del curso y quienes aprueben el curso obtendrán (también por correo postal) el certificado firmado por las autoridades del área.

El pago de cada curso, se realiza on-line (igual que los cursos), a través de la Tienda Balletin Dance, con la posibilidad de hacerlo en cuotas con tarjeta de crédito. __BD INFORMES www.2012.balletindidactico.com.ar info@balletindidactico.com.ar

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Empieza con la obra La Consagración de la Primavera Foto . Guy Delahaye

Por Martín Goyburu

Saarbrücken se Tiñe de Perspectivas

A I N A M E L A | S E L A N O I C A N R E T N I

En la 35ª edición del Festival Perspectivas, que se realizará del 24 de mayo al 2 de junio, se podrá apreciar un variado programa de obras contemporáneas en las categorías de danza, circo, teatro y teatro callejero

Perspectivas es el nombre del único festival franco-alemán de artes escénicas que tiene lugar anualmente en Saarbrücken, Alemania, y en la región de Mosela, norte de Francia. Originalmente diseñado para mostrar la producción francesa a una audiencia alemana en Alemania, desde 2002 mantiene el formato franco-alemán tanto por su programación como por su financiamiento.

Reconocidos directores y coreógrafos de ambos países presentan sus innovadores trabajos a lo largo de diez días de festival, esfumando las fronteras entre Alemania, Francia y Luxemburgo, para compartir las diferentes propuestas artísticas, incluidas algunas de las bandas francesas más recientes de la zona.

Este año, la danza estará representada por el consumado coreógrafo francés Jean-Claude Gallotta, quien presentará Le Sacre du Printemps. Una visión en la que el coreógrafo renuncia a la idea de la existencia de una única mujer elegida (en un primer momento glorificada y luego sacrificada), para otorgarle a cada una de las bailarinas su momento de “resistencia a la fuerza oscura de la arbitrariedad de Dios”.

El bailarín y coreógrafo Josef Nadj hechizará a la audiencia alemana como lo ha hecho en otras geografías, con su poco convencional pieza de Les Corbeaux (Los Cuervos), apelando a todos y cada uno de los sentidos de los espectadores. El multipremiado Nadj, nacido en la antigua Yugoslavia, trabaja principalmente en Francia y ha sido invitado a los festivales más importantes europeos con esta obra, entre los que se mencionan la Bienal de Venecia (Italia) y el Festival d’Avignon (Francia). En Les Corbeaux, trabaja junto al saxofonista y multiinstrumentista Akosh Szelevényi cuya música, estridente y amortiguada, murmurando y siempre goteando, revela los paisajes más musicales.

La Compañía Ultimo Minuto en Micro Foto . Pierre Grosbois

Otro de los invitados será el coreógrafo y bailarin francés Pierre Rigal que ha diseñado su última creación Micro, como un concierto de rock que combina magistralmente la danza, música en vivo y teatro. Su actuación innovadora brilla tanto con su poder como por su poesía. El ex atleta trabaja con tres músicos del grupo Moon Pallas y la bailarina Mélanie Chartreux, para lograr

que sus artistas interpreten lúdicamente de forma romántica, con temor y enojo, la música de rock. Los cuerpos encuentran un sinfín de maneras de interactuar con la música y los instrumentos en el escenario. La intensidad física de esta danza parece proyectar electricidad al público. __BD

Nadj (embarrado) y Szelevényi (instrumentista) en Los Cuervos Foto . Remi Angeli MAYO 2012 // BALLETIN DANCE / 57

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Caravana de Artes Escénicas El 2 de mayo comenzó en Nayarit La Caravana del Elefante Polar, liderada por Emiliano Cárdenas La propuesta es una iniciativa de la compañía Ardentía (Centro Promotor de Danza Arden S.C.) que promueve el arte escénico para niños y niñas en lugares con poca infraestructura teatral y regiones alejadas de las grandes ciudades. La caravana se integra por un grupo de 47 personas, entre bailarines, actores, músicos y técnicos, que recorrerán gran parte del territorio mexicano con un tráiler que al llegar a cada pequeño municipio se transforma en escenario con tecnología de punta.

Para el periodista César Delgado Martínez, encargado de la coordinación de la función inaugural, esta experiencia revolucionará a las artes escénicas en México. En unas cuantas horas desde el arribo al lugar, cuatro grupos artísticos presentarán espectáculos para niños: Triciclo Rojo (fusión de danza, clown y artes plásticas), Ardentía (ballet clásico con una función didáctica), Cabaret

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Misterio (teatro) y Johanna Juhola (música). También se ofrecerá un Taller Infantil y Juvenil de Literatura y se prevé la actuación de niños locales, cuando los hubiera.

El debut de la caravana, del 2 de mayo, en la plaza principal de Rosamorada fue una función maratónica de trescientos minutos de duración. Para partir luego hacia Ruiz, Jala, Ahuacatlán, Ixtlán del Río y Amatlán de Cañas.

El escenario móvil, llamado Elefante Polar, cuenta con una plataforma hidráulica y una concha inflable con capacidad para colgar su propio equipo de audio e iluminación, brindando calidez y soporte técnico. Además de viajar con los técnicos especializados para lograr que todo esto funcione en apenas unas horas. __BD El Elefante Polar en pleno despliegue Foto . Sofía Arredondo | Emiliano Cárdenas

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LIBROS RECIBIDOS Las Palabras y Los Pasos Etnografías de la danza en la ciudad Coordinadora: María Julia Carozzi / Editorial: Gorla

Trabajos de investigación enmarcados en la antropología de la danza, centrados en la relación entre palabra y movimiento de los bailes populares: el folklore, el tango, el entrenamiento corporal, la salsa y los bailes electrónicos. “las prácticas de investigación en antropología de la danza parecen no terminar de superar la disposición a separar la palabra del movimiento, la división entre mentes que hablan (los investigadores) y cuerpos que se mueven (los bailarines).

Así, se agrupan seis investigadores del Instituto de Altos Estudios Sociales y Núcleo de Estudios Antropológicos sobre Danza, Movimiento y Sociedad de la Universidad Nacional de San Martín (Idaes-Unsam), del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (Conicet), y Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, para ofrecer cada uno, una particular mirada antropológica, sobre aquellos hechos cotidianos en la vida de quienes elijen la danza como medio de expresión.

Ntonaxac - Danza en el Viento Memoria y resistencia Qom De Graciela Elizabeth Bergallo / Editorial: Librería de la Paz

Profundo ensayo (antropología social) que expone las características del movimiento indígena qom (toba) originado a mediados del siglo XIX en el este de la región chaqueña.

Se detallan los significados de las ceremonias indígenas (en las que la danza ocupa un papel primordial), las luchas por el reconocimiento de sus derechos y su histórico cuestionamiento desde la sociedad colonial con el choque de intereses.

Se incluye como anexo y de la misma autora, Las memorias de Napalp’í, la masacre producida el 19 de julio de 1924 en el Lote 38, donde fuerzas oficiales aniquilaron a más de doscientos indígenas de la provincia del Chaco, concentrados para defender sus derechos.

El Milagro al Borde del Estado Discursividades políticas en cuerpos de danza Incluye DVD / Coordinación: Román Ghilotti / Editorial: Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini

El libro es el resultado de un proceso de investigación realizado por el programa de Danza y Políticas coordinado por Gabily Anadón en el Centro Cultural de la Cooperación desde hace seis años. Se describen los procesos de creación de las tres obras que lo integran: El Borde Silencioso de las Cosas de Lucía Russo, El Milagro de Gabily Anadón y Estado de Gracia de Mariela Ruggeri.

Con textos de sus propios creadores, asistentes, colaboradores y colegas, se teoriza sobre las tres experiencias de creación que dan cuenta explícitamente de diferentes contingencias políticas.

Quién es Quién y Quién fue Quién En el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín Recopilación de Carlos Alberto Fradkin

Todas las personas, alumnos, músicos, docentes, directores que pasaron por la escuela de danza contemporánea del Teatro San Martín fueron convocados por Fradkin para enviarle sus testimonios. De esta manera el libro de 304 páginas se presenta totalmente escrito en primera persona.

El recopilador es músico acompañante de la institución desde hace veinticinco años, y hace tres comenzó esta investigación, cuando obtuvo el subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias del gobierno de la ciudad de Buenos Aires.

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Nina Novak El Ballet, mi Vida, mi Pasión...

Memorias de Nina Novak, escritas por Luisa Himiob / Venezuela

La vida completa de Nina Novak volcada a la palabra, a través de la pluma de una escritora, una asociación que resulta frecuente en los últimos años en materia de ofrecer una adaptación de lo que en realidad sería una autobiografía.

El libro repasa (desde el nacimiento hasta 2011) una vida dedicada por completo a la danza, si bien no faltan amores, familia y algunas intimidades, la propia Novak exigió centrarse en el ballet.

Estructurado en tres partes el libro comienza en su Polonia natal, la Guerra y la partida, la fama cosechada en Estados Unidos, y la pedagogía desarrollada en Venezuela donde vive y trabaja desde 1964.

Primas Hermanas Proyecto de investigación en danza moderna y contemporánea Orientador: Diego Carrera / Uruguay

Elisa Pérez Buchelli y Pablo Muñoz Ponzo son los iniciadores de este proyecto surgido en la Comisión Sectorial de Investigación Científica de la Universidad de la República de Uruguay. Mucha es la historia de la danza moderna y contemporánea en el país vecino pero casi nula su conceptualización y en este texto se intenta estudiar el origen nacional de estas “primas hermanas”.

El trabajo pretende aportar insumos a los espectadores, sin abordar directamente el problema de definiciones de lo artístico como tema. Cuenta con fragmentos de entrevistas a Hebe Rosa, Florencia Varela y Graciela Figueroa como referentes de la materia.

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ELENA ROGER Y RICKY MARTIN EN BROADWAY El 5 de abril se repuso Evita en el Marquis Theater de Broadway, luego de tres décadas de ausencia, protagonizado por la argentina Elena Roger junto a Ricky Martin, dirigida por el inglés Michael Grandage Roger debutó en Broadway con el mismo papel que le mereció una nominación al premio Olivier como mejor actriz en Londres, mientras que Martin regresaba a la escena neoyorkina había sido Marius de Los Miserables en 1996.

Luego del estreno se realizó una conferencia de prensa en la que ambos artistas alagaron el trabajo mutuo.

El musical creado en 1978 por Andrew Lloyd Weber y Tim Rice, relata de una manera peculiar aquella historia argentina, en la que conviven Evita (Eva Duarte), Perón (Juan Domingo) y el Che (Guevara). Esa misma visión, fue llevada al cine en 1996 protagonizada por Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce. El musical se apoya con proyecciones documentales de la época, excelente escenografía y cuidado vestuario.

Ricky Martin aseguró luego del debut, que fue precedido por ocho semanas de preestrenos, “Espero que esto sea sólo el comienzo de una vida en las tablas de Broadway”. Mientras que

Roger y Martin en el saludo final

Elena Roger, que impactó con Dont Cry for me Argentina (No llores por mí Argentina) esa noche, señaló que el estreno de hoy fue “maravilloso, emocionante. El público estuvo siempre con nosotros”. __BD

CHITA RIVERA VUELVE A BROADWAY La eximia Chita Rivera, una de las primeras damas de Broadway, volverá a las tablas de Nueva York a fines de este año, cuando encabece el elenco de El Misterio de Edwin Drood en Studio 54

Chita Rivera ha cosechado a lo largo de su carrera cantidad de reconocimientos por su actuación en musicales, entre ellos los Premios Tony por El Beso de la Mujer Araña y The Rink, siendo inolvidables sus interpretaciones en Amor sin Barreras, Chicago y Bye Bye Birdie.

Ahora, a los 79 años, encarnará la adaptación escénica de la última novela escrita por Charles Dickens, inconclusa, centrada en la investigación de la desaparición de Edwin Drood. __BD Chita Rivera como Nickie en la versión cinematográfica de Chicago (2002)

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-tango Obsesión Tango

-teatro - clown Top Top Top!

Grupo Turuleca. Dirección: Ana González Seligra. Bailarinas: Carolina Fontenla, Diana Vignolles, Daniela Yamashita Unzain, Sabrina Coclita. Viernes de mayo y junio, 21 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 48643200).

De Tamara Bisceglia. Jueves y domingos 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Todos Tenemos Una Familia o Algo Por El Estilo. Dirección: Hernán Carbón. Coreografía: Diego Bross. Viernes 22:45 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

Y Quién fue quién, en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín.

De Carlos A. Fradkin. Disertarán Norma Binaghi, Laura Falcoff y el autor. Martes 22, 19 hs. Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530).

Cartelera

-presentación de libro Quién es quién

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-danza teatro Qué Las Parió De Las Patas

-teatro físico Rapaz Dirección: Sol Titiunik. Asistencia corporal: Jazmín Titiunik. Elenco: Lucrecia Bava, Juan Karlic, Georgina Michele, Rodrigo Pagano y Lorena Yapura. Viernes 23 hs. Sportivo teatral (Thames 1426, Tel: 4833-3585).

-teatro Salomé de Chacra De Mauricio Kartun. Supervisión de movimientos: Luciana Acuña. Elenco: Manuel Vicente, Osqui Guzmán, Stella Galazzi, Lorena Vega. Viernes 21 hs, sábados y domingos 20 hs. Teatro del Pueblo (Roque Sáenz Peña 943, Tel: 4326-3606).

-contemporáneo Zeppelin Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Zeppelin de Carlos Casella y Gustavo Lesgart. La Consagración de la Primavera de Mauricio Wainrot. Jueves 14 hs (matinée entrada $ 20), viernes y sábados 20:30 hs, domingos 17 hs.

Sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530, Tel: 0800333-5254).

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BIOGRAFÍA

PEDAGOGÍA ALICIA MUÑOZ

Cuerpos Amaestrados VS Cuerpos Inteligentes UN

DESAFÍO

PARA

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C Cuerpos Amaestrados A Vs Cuerpos V IInteligentes n DDe Alicia Muñoz

Ca o Caos C Planio P l cación DDee Alicia Muñoz

Cantos y Exploraciones, Caminos de Teatro-Danza De Susana Zimmermann

DOCENTE

....................... b a l l e t i n d a n c e d i d á c t i c o ...................... v o l u m e n 6

COLECCIÓN HOMENAJE LOS IRREPETIBLES Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola De Juan Cruz Guillén

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INVESTIGACIÓN Esmée E Bulnes M Maestra Incansable In D Enrique De Honorio H Destaville D

D Danza.

IInvestigación n een Argentina VVicky Olivares Marcelo Isse M Moyano M

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Maria Riccetto y Blaine Hoven en Siete Sonatas Foto . Rosalie O’Connor

Riccetto regresa al Sodre

Desde agosto de este año, la uruguaya María Riccetto, solista del American Ballet Theatre volverá a Montevideo para unirse a la compañía Nacional que dirige Julio Bocca Con un contrato de un año de duración María Riccetto será primera bailarina invitada del Sodre. Julio Bocca señaló a la prensa al hacer el anuncio oficial, que tomó en cuenta “su excelencia artística y profesional, y su fuerte compromiso con el desarrollo de la danza en Uruguay”. Pasado ese año, Riccetto volvería a incorporarse al ABT de Nueva York, en la que revista como bailarina desde 1999. __BD

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TAMARA ROJO NUEVA DIRECTORA DEL ENGLISH NATIONAL BALLET La brillante bailarina española, primera figura del Royal Ballet de Inglaterra, será la nueva directora de la compañía nacional británica desde el 1º de septiembre Con 38 años cumplidos a comienzos de mayo de 2012, Tamara Rojo comenzó a preparar la transición de su carrera de bailarina hace unos años, para lo que obtuvo una licenciatura de arte, se interiorizó en aspectos administrativos de la compañía que integra hace más de una década y pasó un mes codo a codo con Karen Kain (directora del Ballet Nacional de Canadá) observando su tarea.

Con los diplomas a cuestas se postuló para el cargo vacante de dirección del English National Ballet (al igual que varios bailarines de su generación), y en abril fue notificada de su nombramiento, con una duración de cinco años. Si bien inicialmente la Rojo (que está programada para cerrar la temporada de Ballet del Teatro Argentino de La Plata 2012) aseguró que no se retiraría de las tablas, unas semanas después anunció públicamente su retiro para poder dedicarse cien por ciento al nuevo cargo.

Rojo se hará cargo del ballet y de la escuela de danza en un momento crítico del English National Ballet, con un recorte presupuestario del 15% y un repertorio limitado y caduco, “los desafíos crean oportunidades. Te hacen cuestionar el cómo se hacen las cosas, te fuerzan a hacer un cambio”, aseguró. __BD

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UN NUEVO CENTRO En el coletazo de la tremenda crisis que azota a España, la cultura no se hizo esperar, y la danza tampoco

La Compañía Aída Gómez, nuevo Centro Coreográfico

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En reglas generales los subsidios que daba el gobierno español comenzaron a bajar hace unos pocos años, cuando en 2008 comenzaba la crisis mundial de los países desarrollados, baste recordar que España es actualmente el país con mayor desempleo de la Unión Europea. Y las cosas no parecen encontrar un futuro prometedor.

Así, este año se acabó el financiamiento para la compañía de Angel Corella, y el mes pasado el Concurso Ciutat de Barcelona anunciaba la cancelación de la edición planeada para este año. “Hoy debo anunciaros con gran tristeza que en estos momentos tan difíciles para todos y ante la falta del suficiente apoyo institucional, y la falta de apoyo de la propia danza nos vemos en la obligación de cancelar el III Certamen Internacional de Dansa Ciutat de Barcelona”, expresó su directora, Georgina Rigola.

Sin embargo, la Comunidad de Madrid informó que se abre un nuevo Centro de Creación en Pozuelo de Alarcón, encabezado por Aída Gómez y su compañía residente. El proyecto se suma al programa del gobierno regional en conjunto con los ayuntamientos para fomentar la creación y promocionar el arte coreográfico en la Comunidad de Madrid, integrado por ocho elencos: Losdedae (en Alcalá de Henares), Larumbe Danza (Coslada), Malucos Danza (Galapagar), Compañía Antonio Gades (Getafe), Rojas y Rodríguez (Móstoles), Ibérica de Danza (Las Rozas) y la Compañía Antonio Márquez (Villaviciosa de Odón). __BD

Bailes de Salón de Competición

CésarOlguín y Alicia Sampayo CAMPEONES NACIONALES Y SUDAMERICANOS DE BALLROOM 2011 REPRESENTANTES DE ARGENTINA EN EL MUNDIAL SENIOR 1 BÉLGICA 2011

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Estudio de Danza

CURSOS REGULARES VERANO-INVIERNO - CLASICO LILIANA CEPEDA (Docente, coreógrafa y directora del Festival ENDANZA) WALKIRIA APPELHANS (Docente del IUNA) - REPERTORIO CLASICO LILIANA CEPEDA - JAZZ MICHELLE KADISON (Coreógrafa de USA) GUSTAVO MORO (Coreografo, actor y couch televisivo) NATALIA MUSSIO

- ESTIRAMIENTO BARRA A TERRE LILIANA CEPEDA - DANZAS FOLKLÓRICAS GABRIELA AYALA - ENTRENAMIENTO FÍSICO DEBI ULNIK - CONTEMPORANEO RAMIRO SOÑEZ (Coreógrafo y docente del IUNA) MARCELA ROBBIO (Docente de danza) CARLA RIMOLA (Docente de danza) ROXANA GRINSTEIN y MARIA KUMICHEL - TANGO MAXIMILIANO AVILA (Bailarín y docente)

CLASES PARA NIÑOS Y PREADOLESCENTES - INTRODUCCION A LA DANZA, JUEGOS CORPORALES: MARCELA ROBBIO

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Extraña Renuncia A comienzos de año, el ucraniano Sergei Polunin renunció al Royal Ballet de Londres donde era primer bailarín, sorprendiendo a balletómanos ingleses, una semana antes del estreno de la temporada Sergei Polunin, era un pequeño con muchas habilidades corporales, siempre obtenía algún trofeo en los campeonatos escolares allá en Kherson -un pueblo perdido de Ucrania- donde se crió. Procedente de una familia pobre, fue impulsado por su madre para estudiar ballet, con la ilusión de lograr un futuro mejor. Y así, a los 13 obtuvo una beca para estudiar en la Escuela del Royal Ballet de Londres.

Fue el Primer Bailarín más joven nombrado por el elenco británico, a sus 19 años. Y a los 21, este año, decidió renunciar dejando boquiabierto a público, crítica y pares. Es que había sido comparado con Rudolf Nureyev y con Mikhail Baryshnikov por los conocedores del ballet. Luego de muchas habladurías, el propio Polunin señaló sus razones en una extensa entrevista con el diario The Guardian.

Si bien inicialmente iba a dejar de bailar por completo, una vez “libre” decidió que continuaría bailando hasta los 26 años porque “a partir de los 24 comienza a deteriorarse, todo empieza a doler más”. Sin embargo solamente bailará en aquellos proyectos que le permitan “disfrutar. No quiero sentir la danza como un trabajo”. El jovencísimo bailarín, aseguró que estaba

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Sergei Polunin en La Bella Durmiente Foto . Johan Persson

aburrido y cansado de tantos ensayos, trabajar un mes para hacer unas pocas funciones no le interesa. Es sobre el escenario donde él quiere estar y poder participar “en un espectáculo que se repita 30 funciones”.

Para explicar el tipo de exigencia al que se veía sometido en el Royal Ballet Ballet, Polunin señaló “quiero una vida normal. Donde pueda bailar y además tener siete horas para dormir y hacer mi vida”.

Poco antes de su renuncia, el ucraniano había twitteado un comentario que no gustó a las autoridades de la institución, y que él mismo explicó que había sido tan sólo una broma “de hecho todavía está en twitter”. Además de ser copropietario de una tienda de tatuajes en Londres y de extrañar los encuentros entre amigos, donde se puede fumar y beber libremente, Polunin hizo alguna mención a la presión que significaba para él que su permiso de residencia en Inglaterra estuviera condicionado a su contrato en la Royal Opera House, “fue una presión muy grande”.

Finalmente y en enero mismo, Polunin se presentó en Men in Motion, junto a su amigo y compañero Ivan Putrov, Igor Kolb (Mariinsky Ballet), Daniel Proietto, Elena Glurdjize (English National Ballet) y Aaron Sillis, en el Sadler’s Wells, con una coreografía propia, con una sala repleta de curiosos. __BD

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balletin informativo AUDICIÓN La apertura de la entrega de Premios Hugo a la comedia musical en la Argentina, será un espectáculo coreografiado por Elizabeth de Chapeaurouge. Se realizará una audición para seleccionar al/la protagonista en Buenos Aires. Los interesados en participar deben comunicarse antes del 18 de mayo con Sandra Paradiso, al E-mail: sandra.paradiso@premioshugo.com.ar.

CLASES ABIERTAS Y GRATUITAS Taller de psicotango, La Danza del Tango como Terapia. Práctica y teoría del método. Por Mónica Peri e Ignacio Lavalle Cobo (Grupo Dinzel). Jueves de 19 a 21 hs. Universidad del Tango (Agrello 3231, Tel: 4867-5793).

La Escuela de Artes y Ciencias del Teatro de la Universidad Kennedy ofrece cursos y talleres libres y gratuitos de teatro, maquillaje artístico y dramaturgia de objetos. Por Gastón Olivera y Daniel Martínez.

Informes: Colegio Claret (Piedras 645, Tel: 4343-8617).

CONCURSO Certamen Iberoamericano de Coreografía “Alicia Alonso” (CIC 2012).

8º edición. Organiza: Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y el Ballet Nacional de Cuba (BNC). Cierre de inscripción: 15 de junio de 2012 http://danza.es/descargas/basescic2012.pdf.

CONVOCATORIAS El Teatro General San Martín del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, recibe proyectos para la programación de la temporada 2013, hasta el 15 de mayo. Las propuestas deben contener el texto de la obra y su concepto, elenco tentativo y esquema de escenografía. Las carpetas deben entregarse en el mismo teatro: Av. Corrientes 1530, Recepción del 5º Piso, de lunes a viernes de 10 a 18 hs.

Rondas de negocios del PreMICA región Centro. El Mercado de Industrias Culturales Argentinas, convoca a interesados en participar de las rondas de negocios en el encuentro que se realizará en la ciudad de Córdoba del 5 al 7 de julio de 2012. La inscripción se realiza on-line: http://centro.mica.gob.ar, hasta el 8 de junio.

Nuevas miradas del Japón. Con el objeto de fomentar la creación artística y la investigación de la cultura japonesa, el Centro Cultural de la Embajada del Japón convoca a investigadores y artistas que deseen exponer sus obras o realizar conferencias en su sede. Se recibirán solicitudes (exposiciones y conferencias) hasta el 15 de junio.

Informes: centro-info@bn.mofa.go.jp.

ENCUENTROS Y FESTIVALES Encuentro con los Grandes Maestros de las Danzas Folklóricas Argentinas. Homenaje a Santiago Ayala “El Chúcaro”. 6º edición. Organiza: Omar Ocampo y Mónica Romero. Del 6 al 9 de septiembre. Talleres, muestras, peñas, exhibiciones y espectáculos. Con Marina y Hugo Jimenez (Ballet Salta), Mabel Pimentel y Oscar Murillo (Ballet Brandsen), Fernando Montivero (Ballet Nehuen), Omar Ocampo, Juan Saavedra y Teresa Barretto, entre otros. Informes: www.encuentrodemaestros.com.ar, encuentrosconlosmaestros@yahoo.com.ar.

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Uruguay. Encuentro/Festival de Danza Contemporánea de niños y adolescentes. 6ª edición. Del 22 al 28 de octubre de 2012 en Montevideo, Florida y Maldonado. Se abrieron tres líneas de presentación: para espectáculos nacionales, docentes para el dictado de talleres (y para espectáculos extranjeros ya cerrado). Cierre de inscripción: 31 de julio de 2012. Informes: E-Mail: encuentrofestival@gmail.com, www.encuentrofestival.blogspot.com.

Colombia. Muestra Internacional de Artes Escénicas “Movimiento Continuo” (Bogotá al Borde de la Danza). 3ª edición. Del 1º al 11 de noviembre de 2012. Organiza: Corporación Cultural de Danza Teatro “Sueño Mestizo”. Podrán presentarse agrupaciones de teatro y danza. Cierre de inscripción: 15 de mayo. Informes: (00 57) 289-0231, E-Mail: cocusuenomestizo@gmail.com.

Laboratorio Teatral Internacional. Entrenamiento, creación, dramaturgias y espectáculos. Organiza: El Baldío Teatro. Del 22 al 30 de julio de 2012. Informes: laboratorio@elbaldio.org. Boulevard Finca 6577 (1684) Ciudad Jardín, El Palomar, Buenos Aires, Argentina. www.elbaldio.org.

FONDOS Y SUBVENCIONES Programa Juventud en Acción de la Unión Europea. Con el objetivo de apoyar proyectos que promuevan la cooperación en el ámbito de la juventud entre diferentes países, se otorgan subvenciones a organizaciones estatales o privadas sin fines de lucro. La subvención máxima no excederá los 100.000 euros por proyecto. Cierre de inscripción: 15 de mayo de 2012. Bases completas: http://eur-lex.europa.eu/LexUriServ/ LexUriServ.do?uri=OJ:C:2012:075:0006:0009:ES:PDF. Iberescena. Ayudas financieras a las artes escénicas. Con cuatro líneas (coproducción de espectáculos, encuentros y congresos, redes y festivales, y creación en residencia). Cierre de inscripción: 13 de julio de 2012. Bases completas en internet: www.iberescena.org.

Uruguay. Fondo Concursable para la Cultura, del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay. Se asignarán $ 18.000.000 (dieciocho millones de pesos uruguayos) para financiar proyectos artísticos y culturales en todo el territorio Nacional. Cierre de presentación de proyectos: 4 de junio de 2012. Informes: http://www.mec.gub.uy/innovaportal/v/15232/2/ mecweb/convocatoria_2012.

Chile. Línea Apoyo a Artistas y Proyectos Chilenos a Desarrollarse en el Extranjero. Pueden postularse proyectos y artistas chilenos para asistir a conferencias, seminarios, eventos, festivales, encuentros y muestras. Sin cierre de inscripción. Informes: FONDART, www.fondosdecultura.gob.cl/ portal/site/CNCA/premioscnca/ RESIDENCIAS Interacciones Urbano Rural (segunda edición), convoca a artistas de todos los países, a participar de este programa de residencias vinculado a las relaciones entre lo urbano y lo rural, en Argentina (Centro Rural de Arte), Colombia (Residencia en la Tierra) y Brasil (Terra Una).

En este año se suma Chile (Crac Valparaíso) para coordinar la investigación sobre los procesos de trabajo que sucedan en estos contextos en relación a los procesos urbanos y donde se realizará el encuentro de los tres procesos desarrollados. Se otorgarán nueve becas completas y doce becas parciales para asistir a estos centros entre agosto y noviembre de este año. Cierre de inscripción: 16 de mayo. Informes: interaccionesenred@gmail.com, www.terrauna.org.br/urbanorural2012.

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balletin informativo ¿DÓNDE CONSIGO BALLETIN DANCE? En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, BALLETIN DANCE es de distribución gratuita. La conseguís en los locales de venta de artículos de danza y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs.

En el interior de la Argentina, podés comprar BALLETIN DANCE, LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA en tu propio estudio y en los siguientes locales, a $ 6.

CONCEPCIÓN DEL URUGUAY (ENTRE RÍOS) Carina Caire. Rto Uncal 160 Tel: (03442) 44-9020. E-mail: fulltraining@hotmail.com CÓRDOBA CAPITAL Artedanza. Liliana Carreño. Diagonal Garzón 470, Local 3 Tel: (0351) 424-5336. E-mail: artedanza@arnet.com.ar CHUBUT Laura Matosin. Los patagónicos, Bº Azcuénaga 1876 Tel: (0297) 15-411-7376. E-mail: lauramatosin@hotmail.com FORMOSA Natalia Elizabeth Carabajal. Belgrano 1260 Tel: (03717) 426252. E-mail: nataliaec_15@hotmail.com FIRMAT (SANTA FE) Estudio de Danza Marcela Arrieta. Miguel de Azcuénaga 1799 Tel: (3465) 49-2457. E-mail: maraarrieta@hotmail.com MAR DEL PLATA (BUENOS AIRES) Escuela Municipal de Danzas Norma Fontenla México 1742. Tel: (0223) 473-1016 Centro Superior de Arte

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SUSCRIPCIÓN También podés recibir la revista todos los meses en tu casa (en todo el mundo). A través del sistema de suscripción, pagás solamente los gastos de envío que en Argentina son $ 9 por revista.

Y contás con la suscripción grupal. Para un estudio, un local o un grupo de amigos que quieran recibir todos juntos los ejemplares mensuales de La Revista Argentina de Danza, a solo $ 4 cada una. + info: www.balletindance.com.ar E-mail: suscripciones@balletindance.com.ar

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