BALLETIN DANCE 213

MAXIMILIANO GUERRA Aquí y Allá

TEATRO COLON Gala Internacional

SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 1

SAIDA Unica en su estilo

L A R E V I STA A RG E N T I N A D E DA N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 19 . Nº 213 . septiembre 2012 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

NOVIEMBRE 2009 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // SEPTIEMBRE 2012

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NOTA DE TAPA 6 Saida: La Gran Señora ACTUALIDAD 13 Por Toda la Ciudad 14 Para los Amantes de España 16 De Alemania lo Mejor 18 Regresan los Ciclos de Guido De Benedetti

Verónica Helou “Saida” Foto: Adrián Fiesta

PROVINCIAS 20 Buenos Aires. Mujeres Peinándose 20 Córdoba. Desde el Norte 21 Buenos Aires. Folklore Contemporáneo ENTREVISTAS 22 Educar a Través del Arte 42 De Regreso, y no Sólo en Buenos Aires DANZAS AFRO 24 La Raíz que no Vemos FOLKLORE 31 Los Nuevos Panza Verde

Sumario 213

TANGO 32 El Musical Que no Fue FLAMENCO 34 Romance Porteño DANZA ÁRABE 36 La Espiritualidad en la Danza

COMENTARIOS 44 Bestial Soledad 50 Una Comedia Cómica Encantadora 52 La Bella Que es Más Bella…

56 De Líneas Neoclásicas 58 La Canción Sigue Siendo la Misma, Aunque…

60 Tango y Folklore sin Artificios 62 Del Bolshoi con Pasión IN MEMORIAM 49 Nigel Charnock 49 Richard Cragun ARGENTINOS EN...

64 Europa. 2 x 4 INTERNACIONALES 68 Cuba. Festival Internacional 70 España. Lo Mejor del Flamenco 70 Rusia. Más Ballet en Televisión BALLETIN DANCE 73 Concurso de Fotografía de Danza CARTELERA 28/46/67 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/74 Audiciones, congresos, convocatorias, puntos de venta

TEATRO MUSICAL 38 No se Puede Parar la Música

SEPTIEMBRE 2012 - AÑO 19 - Nº 213 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998.

Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 4996656.

Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Carlos Bevilacqua Patricia Casañas Guillermo Chulak Enrique Honorio Destaville Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Natalia Picorelli Daniel Sousa Cecilia Werle Pinto corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 6 TIERRA DEL FUEGO: $ 8 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

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Chicos | Adolescentes | Adultos SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 5

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Saida: La Gran Señora Por Eliana Gissara Celebrando 20 años en la danza árabe, la artista argentina habla sobre sus sueños, el pasado y el presente, la maternidad y la docencia. La polémica sobre el estilo.

Su legado en la nueva generación de bailarines

Cierre de show del Ballet Rakkasah en el año 2009 Foto . Yibril

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Decenas de adolescentes empapelaron su habitación con fotos de ella. Otras tantas la inmortalizaron en retratos, dibujos y cuadros. Hasta hay quienes se tatuaron sus iniciales en la piel. Más de 3 millones de visitas recibió un video suyo en Youtube. En pocos meses su danza habrá recorrido ya los cinco continentes, cosechando los aplausos del público y el reconocimiento de sus pares. Saida, el mayor exponente de la danza oriental en Argentina, cumple 20 años de éxito ininterrumpido sobre los escenarios del mundo.

Hija de sirios, Saida -señora en árabe- cambió las zapatillas de punta por los canutillos de la mano de Amir Thaleb, quien sólo al verla la citó para formar parte de su compañía.

A partir de ese encuentro inició una carrera ascendente, en una disciplina que estaba comenzando a desarrollarse a nivel local. De pronto el living de su casa se transformó en una gran sala de ensayo y nació la docente. Llegó a tener cien alumnas allí, en donde también concibió su primera muestra de danzas en el Club Sirio Libanés. ¿Imaginaba que iba a llegar a este lugar?

No, para nada. En los ensayos escuchaba a Amir contar sus experiencias en México y lo veía muy ajeno. Yo soñaba con hacer shows con orquestas en vivo, en ese momento

Saida, el estilo argentino Foto . Adriรกn Fiesta SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 7

EL HOMENAJE El miércoles 12 de septiembre en el Teatro IFT tendrá lugar el Homenaje a Saida, organizado por las alumnas de quinto año de su escuela. Participarán Yamil Annum, el Ballet Rakkasah, la orquesta de Mario Kirlis, Shanan, Ambar, Aaliah y Shahdana, entre otros. La gala promete sorpresas y la presencia de los protagonistas de la escena local. “Me quiero sorprender, quiero ir a disfrutarlo. He bailado en muchos homenajes de bailarines y músicos pero nunca imaginé asistir al mío. Sé que tuve un papel en el desarrollo de la danza árabe. Cuando viajo me doy cuenta de todo lo que hice. En un punto creo que todos son un poco hijos de Amir y míos, y eso está bueno que lo reconozcan”. se usaba bailar en fiestas de la colectividad, nada más. Recién en 2002, diez años después de haber tomado mi primera clase, comenzó mi carrera internacional, casualmente en México, invitada por una psicóloga que había visto mi trabajo a través de la página web. Y de ahí no paré más. Más allá del placer que me da enseñar, es un regalo de la vida conocer lugares a través de la danza. ¿Qué balance hace de estos 20 años de carrera?

Son 20 años de mucho trabajo, pero soy consciente que nunca me propuse inventar nada. Cuando empecé, en Argentina se veía un estilo más bien autóctono y yo era una mezcla rarísima que bailaba en espacios poco tradicionales para el mundo árabe. Al principio lo sufrí porque no entendía qué era lo que pasaba conmigo, aunque a la gente le gustaba… Sí me propuse siempre hacer las cosas bien cuando tomé la responsabilidad de abrir una escuela. Ése es mi orgullo. Academizar el estilo argentino es algo que se fue dando con el tiempo y Amir fue el que inició todo este proceso. ¿Quiénes colaboraron con el nacimiento y la evolución de Saida, la bailarina?

Sin dudas Amir y Mario Kirlis integran esa lista. Aprendí mucho de ellos: Amir me dio la base, Mario me enseñó a bailar con la música. En el medio están los viajes, los aviones, los seminarios.

Todo ese resto lo aprendí sola arriba del escenario. Creo que Saida es el producto de ese triángulo.

El estilo Saida Helou Hoy me encuentro con maestros egipcios que me critican mucho, dicen que destruí la danza oriental. Estas palabras son como un puñal. Creo que al contrario, consciente o inconscientemente construí un estilo que a muchos egipcios les sirve y les da de comer. Si los grandes festivales se llenan de alumnos de Argentina es gracias a nuestro estilo. Y de hecho creo que terminan invitando maestros del estilo argentino y americano porque saben que la gente se los pide y entonces no les queda otra. Por supuesto que también están los otros egipcios, a los que no les 8 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

gusta lo que hago pero lo aceptan y están en todo su derecho, pero la palabra destruir es muy fuerte.

Tanto en Rusia como en Europa aman el estilo argentino y eso nadie lo puede negar. Los egipcios consideran que las rusas tienen “sentimiento” para bailar y las argentinas no, son frías. Yo cuando bailo siento. Por supuesto que puede haber argentinas que sean máquinas, pero no por eso hay que englobar a todos.

Yo no reproduje personas que “no sienten”. Creo que hay que respetar todos los estilos, entenderlos como un aporte. ¿Qué función recuerda, ya sea por su emotividad o por su trascendencia?

La actuación más emocionante fue en mi primera visita a Moscú.

Estar en Rusia es fuerte para cualquier bailarín. Fue en una gira que hice sola. Terminé de bailar Amal Hayati y la gente empezó a aplaudir. Yo saludé y el público seguía. Me fui al camarín, me empecé a cambiar y todavía los escuchaba. Entonces me vino a buscar la organizadora y me dijo: “Tenés que salir de nuevo”. Esa función fue gloriosa. Podía morir tranquila después de vivir eso.

LA RENOVACION Si bien siempre se caracterizó por adoptar líneas estilizadas, las coreografías de Saida fueron variando a lo largo del tiempo. Poco queda de los movimientos de manos y ondulaciones eternas que desplegaba en los nutridos shows de Tierra Santa. O en esos planos cortos que grabó para el videoclip La Ultima Noche de Diego Torres. A lo largo de los años y sobre todo luego de haber integrado el grupo “Bellydance Superstars”, sus pasos se aggiornaron en secuencias vertiginosas y de carácter.

“Cuando escucho New Baladi de Mario Kirlis se me pone la piel de gallina. Me acuerdo cuando lo bailé por primera vez en el Teatro Ópera muy emocionante. Hoy no podría ver ese video.

De hecho no me gusta ver videos míos de hace cinco años para atrás, me da vergüenza”.

Coincidencia numérica mediante, Saida lleva casi cinco años en pareja con su colega Yamil Annum, con quien comparte seminarios y funciones en un tándem artístico consolidado. “Nos divertimos mucho cuando viajamos. Fluctuamos entre momentos de enamoramiento total y odio terrible. Creo que es normal entre dos artistas que hacen lo mismo. Nos encanta viajar juntos, pasear, nos saca de la rutina. Asistimos al seminario del otro y también nos corregimos mutuamente. Si bien no hay celos profesionales, desde hace un año implementamos un código de no mirarnos en los shows, nos ponemos nerviosos. Los artistas de por sí no somos fáciles”.

Saida y Yamil Annum conformaron un dúo sólido en el escenario Foto . Yibril

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El Ballet Rakkasah en el homenaje de este mes Foto . Yibril

¿Cómo transitó el embarazo y la llegada de su primera hija Amani?

Fue difícil. En algún punto me pesó el tema de la imagen en los últimos meses. No sé si pasaría otra vez por lo mismo pero en ese momento tuve la necesidad de tener un hijo con el amor de mi vida. Me gustaba bailar con la panza, me sentía madura, mi EN POCAS PALABRAS Un tema: Fi Oum U Lela. Me emociona escucharlo y bailarlo.

Una cábala: Persignarme y pedirle a mi tía Mani que me ayude.

Un logro: La escuela.

danza había cambiado. Viajé y di seminarios hasta el sexto mes y en la escuela estuve presente hasta su llegada. De hecho a los diez días del nacimiento de Amani fui a dirigir el espectáculo anual de mi escuela. ¿Cómo compatibiliza su carrera con el crecimiento de su hija?

La extraño horrores cuando viajo. A veces la llevo, pero sé que no es su lugar. Si no fuera por la ayuda de mi mamá sería imposible seguir adelante porque nunca bajé el ritmo de trabajo. No soy una mamá de estarle mucho encima; Amani pasea por la escuela, mira las clases, le encanta que sus papás sean bailarines. A veces la miro y no puedo creer que entre los dos hicimos a alguien tan hermoso.

Un hobbie: La decoración.

Una persona en la vida: Mi mamá. Admiro su carácter y paciencia.

Un defecto: La ansiedad. Quiero las cosas ya y no puedo esperar.

Un lugar en el mundo: Buenos Aires. Me da orgullo vivir acá.

Un escenario: El Teatro Ópera. Tiene una magia especial. Me da adrenalina y a su vez me siento como en casa.

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¿Cómo se ve dentro de 10 años? ¡Qué difícil! Por lo pronto ya tengo agenda para 2013 y 2014, pero no me imagino en diez años. Va a llegar un momento en el que no voy a tener nada más que ofrecer Así que prefiero no proyectar nada. Estoy muy orgullosa de la escuela, es un logro muy importante. Acá se generan muchas cosas, personas de países lejanos que vienen a tomar clases y conocen las coreografías de mi querido Ballet Rakkasah que ya lleva once años. No sé cuánto más tiene para crecer Saida, pero la escuela seguro que sí. Quiero que sea un lugar donde se siga formando gente. __BD

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Por Toda la Ciudad

El festival de carácter bienal busca impulsar la producción y creación artística, la investigación, el intercambio y el acompañamiento entre colegas, como así también favorecer la formación de público a través de instancias de reflexión y debate abiertas a la comunidad.

A los espectáculos (nacionales y provenientes de México, Chile, Francia y Perú), seminarios, mesas de trabajo y jornadas de investigación se sumó este año una sección de videodanza y la presentación del libro Les Danses du Temps de Geisha Fontaine en español, editado con un subsidio de la Embajada de Francia. Por otro lado, en el marco de intercambios institucionales, se ofrecerá una colaboración junto al Instituto de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento (IIDAM) del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) y junto al Centro Cultural Rector Ricardo Rojas.

Las cuantiosas actividades se desarrollarán en nueve sedes de la ciudad: Portón de Sánchez (Cuerpo Extranjero de Cia.

Debana del Grupo La Percha en el marco del Festival

Del 10 al 30 de septiembre se desarrolla en Buenos Aires la tercera edición del Festival Internacional organizado por la Asociación Coreógrafos Contemporáneos Asociados y Afines, Danza Teatro Independiente (CoCoADatei)

Móvil). Garrick Arte.Cultura (¿Qué Lugar es Ahí? De Cristina Ana Alvarez), Casa Nacional de Bicentenario (ceremonia de apertura, proyecciones de videodanza, Moi performance de Mille Plateaux Associés). IIDAM-IUNA (Seminario de Geisha Fontaine). La Catedral Club (fiesta de cierre) y la sede Caseros II de la Universidad Tres de Febrero (mesas de trabajo). Belisario Club de Cultura (El Habitante de Cia. Los Celebrantes, Hombre al Cubo de Clan-destino, Consideraciones Acerca de lo Fluido de Victoria Keriluk, Kigo de La Orilla del Laberinto). Centro Cultural de la Cooperación (Intersubjetividad en Escena Simultánea de Liliana Tasso, Toay de Mariela Ruggeri, Les Yeux Dans Les Yeux de Mille Plateaux Associés).

Centro Cultural Ricardo Rojas (Ensayo Para Morir de Jesica Josiowicz, proyecciones de videodanza, Veré Algo Más que Oscuridad de Quio Binetti y Vanina Glodstein, La Trampera de Marisa Quintela, Papalotear de Luciana Fiszman, Toma 3 de Proyecto en Bruto, Elevé de Compañía La Chancha, Ya No Eres Tú de Compañía Vigilia, Unheimlich de Leticia Miramontes y Florencia Guerberof, En Tránsito de Modo Propio, Habla Casandra de Rhea Volij).

Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Muf Mi Última Foto de Esthel Vogrig, Debana de Cia. Grupo La Percha, Linde de Andrea Saltiel, En Construcción de Proyecto en Construcción de Chile, Miles de Pieles de Compañía Cinético, Rastros Senderos de la Memoria de Grupo De La Paternal, indi-BI-sible de Jose Ruiz Subauste). __BD Moi performance de Mille Plateaux Associés Fotos . gentileza de CoCoA SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 13

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Para los Amantes de España Dos importantes espectáculos visitarán Buenos Aires para deleite de los amantes del arte flamenco: Adrián Galia en septiembre y Sara Baras en noviembre

Adrián Galia Gentileza de la producción

En Clave Flamenca es la propuesta que traerá a la Argentina, la Compañía de Flamencos Adrian Galia, un espectáculo estrenado bajo el auspicio del Ministerio de Cultura de España y la Comunidad de Madrid en el Festival Madrid en Danza que se realizó en el Teatro La Abadía y que ya ha sido repuesto en Paris, Tokio, Caracas, Tel Aviv, Fez, Leverkusen y Munich.

Las funciones se realizarán todos los jueves de septiembre en el Teatro El Picadero de Buenos Aires, con dirección del propio Galia, y Héctor Romero en la dirección musical. “Enclave: grupo étnico, político o ideológico inserto en otro y de características diferentes” apunta Adrián Galia al referirse a su espectáculo. “Un enclave artístico, una olla a presión donde se funden las purezas flamencas”, y para rematar recuerda aquella frase que dijera el genial Antonio Gades: “Bailar, bailan todos; caminar, sólo lo hacen los Toreros”.

El elenco se completa con Loli Sabariego en baile (además del director y creador), Héctor Romero en guitarra, Jerómo Amador y Eugenio Romero en cante, Ramiro Rey en contrabajo y Juan Pablo Di Leone para los vientos.

Por su parte, Sara Baras, que recibió este año la Medalla de Oro de las Bellas Artes otorgada por el John F. Kennedy Center (junto a los también españoles Plácido Domingo, Pedro Almodóvar, Tamara Rojo y Paco Peña), presentará La Pepa los días 2 y 3 de noviembre en el Teatro Opera Citi.

El espectáculo que traerá a Buenos Aires, es una dramaturgia flamenca basada en estampas que representan el Cádiz de la Pepa: la Constitución Española que se promulgó en Cádiz y estuvo en vigencia entre los años 1810-1812.

Salpicado de detalles gaditanos que resumen el peculiar carácter de la gente de aquella bendita tierra y que desemboca en una “Pepa” actual, 200 años después de su revelación.

La historia se inicia con la guerra de la independencia de 18081814, destacando la importancia y la belleza del mar que baña las costas de Andalucía, allí en Cádiz, el rincón más antiguo de la Europa Occidental para el comercio marítimo. Se muestra el establecimiento de las cortes de Cádiz y la Asamblea constituyente Isla de León - Cádiz 1810-1812, incluyendo la mítica misa de acción de gracias en la que se toma Juramento de los diputados de las cortes.

No faltará una semblanza del valiente pueblo gaditano, con sus bailes y cantes y la música la promulgación de la Constitución (el 1º texto constitucional con el que contó España).

La música ha sido compuesta para el espectáculo por Keko Baldomero, que a la vez es el director musical de La Pepa. __BD 14 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

Sara Baras Gentileza de la producción

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De Alemania lo Mejor Una nueva gala de ballet en Buenos Aires con invitados del exterior, se ofrecerá este mes, en lo que marca la segunda propuesta organizada por el Teatro Colón El año pasado, el Teatro Colón, organizó una gala de ballet con invitados extranjeros y el elenco local, para conmemorar el 40º aniversario del trágico accidente de aviación que causara la muerte de once primeras figuras del Ballet Estable.

Así se instauró en nuestro país el Día de la Danza en homenaje a José Neglia, Norma Fontenla, Margarita Fernández, Carlos Schiaffino, Rubén Estanga, Martha Raspanti, Carlos Santamarina, Sara Bochkovsky y Antonio Zambrana, quienes perdieron la vida en el Río de la Plata el 10 de octubre de 1971.

Debido al éxito de la gala de 2011, el Teatro Colón resolvió repetir una gala de ballet cada año, es decir, espectáculos de dúos y solos a cargo de diferentes bailarines. Con curaduría y organización de Lidia Segni, directora del Ballet estable, el 12 de septiembre se repetirá la experiencia.

Katherina Markowskaya de la Opera de Munich Fotos . gentileza Teatro Colón

Alessio Carbone de la Opera de París 16 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

El programa se integrará con mayoría de invitados provenientes de Alemania y los mejores pas de deux del repertorio clásico tradicional y algunos contemporáneos. Así podrá verse una interesante gama de estilos: Esmeralda y Not Anymore de Raymondo Rebek, a cargo de Iana Salenco y Marian Walter de la Opera de Berlin; Sonnet XXII de Tim Plegge y Onegin de B. Fonseca por la argentina Soraya Bruno y Martín Buczko de la Opera de Berlín; Three Preludes de Mark Morris y Cinderella de Rudolf Nureyev por Myrian Ould Braham y Alessio Carbone de la Opera de París; Don Quijote y Trascended de Terence Kohler interpretado por Katherina Markowskaya y Tigram Mikayelyan del Ballet de la Opera de Munich.

En un segundo acto se verá una escena de La Bayadera, a cargo del ballet Estable del Teatro Colón, con los roles protagónicos interpretados por Karina Olmedo (Nikya), Juan Pablo Ledo (Solor) y las solistas Carla Vincelli, Nadia Muzyca y Maricel de Mitri. __BD

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Regresan los Ciclos de Guido De Benedetti Con su nueva compañía GDBdanza, integrada por primeras figuras del Teatro Colón y otros bailarines, Guido De Benedetti vuelve a apostar a los ciclos de danza en Buenos Aires, con nueve sábados en el Teatro Astral Desde el sábado 29 de septiembre y hasta el 24 de noviembre, Carla Vincelli, Nadia Muzyca, Karina Olmedo, Juan Pablo Ledo, Federico Fernández, Vagram Ambartsoumian y Edgardo Trabalón, se alternarán en los roles protagónicos para cumplir un versátil y ecléctico programa.

Con coreografías de Guido De Benedetti, podrán verse Danza del Trigo con música de Leo Delibes, Danza Macabra de Camille Saint

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Saëns, Ligado en Vos sobre partituras de Maurice Ravel, K 20-12 X 10 de Wolfgang Amadeus Mozart, Hindo de Ravi Shankar, Tangazzo de Astor Piazzola y Ladislao de Piotr Ilich Tchaicovsky (inspirada en la historia de Camila O’Gormman y su amor prohibido).

Pero esto no es todo, las funciones incluirán además algunos pas de deux del repertorio clásico tradicional, entre los que se adelantaron El Corsario, El Talismán, Diana y Acción y Don Quijote. __BD Danza Macabra en el nuevo ciclo porteño Foto . Antonio Fresco

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Mujeres Peinándose Mercedes Falkenberg se inspiró en la obra pictórica de Edgar Degas para la creación de su Suite para Cinco Mujeres y Un Instante, que podrá verse este mes en La Plata Con producción de Pisando Pliegos, la obra interpretada por Bernarda De Luca, Adriana Falkenberg, Clavelina Gomez, Romina Palmieri y Milagros D’Agostino sobre música de Johann Sebastian Bach, se basa en los cuadros de mujeres peinándose de Degas.

El cabello trae aparejadas varias implicancias, “a lo largo de la historia como foco de la moda, o el rostro visible entre pobres y ricos. Su falta o exuberancia es principalmente en la mujer, sinónimo de pureza, castigo, virginidad, vejez, enfermedad, rebeldía, pertenencia” explica la creadora.

Además, el video y la iluminación juegan un rol preponderante en esta puesta, para complementarse con el trabajo corporal de las bailarinas Las funciones serán los domingos, a las 20 hs en el Centro Cultural El Núcleo. __BD

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El pelo en la mujer, está íntimamente ligado a la femineidad Foto . gentileza de la producción

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Desde el Norte

Foto . Lois Greenfield

Maureen Fleming presentará Aguas de la Inmortalidad, los días jueves 13 y viernes 14 de septiembre en el Teatro Real de la capital cordobesa en el marco de una gira Latinoamericana

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La coreógrafa y bailarina norteamericana nacida en Japón (reconocida por su singular forma de performance multimedia), llegará por primera vez a Córdoba bajo la organización de El Teatro la Cochera y Girart, y además de su espectáculo dictará el taller Bailando el Cuerpo Interior.

Aguas de la Inmortalidad es un “cruce de culturas y formas de arte surrealista, en el que Maureen Fleming explora las aguas inmortales desde varias perspectivas preguntándose: ¿es la inmortalidad un paradigma ilusorio que esperamos o está presente en el aquí y ahora?”, señala la información ofrecida en parte de prensa.

La puesta se apoya además en proyecciones de video en tres dimensiones de Tom Belic, una iluminación brillante de Christopher Odo y música de Philip Glass.

La gira se concretó a través del Programa Performing Americas (PAP) de la National Performance Network y la Red de Promotores Culturales de Latinoamérica y El Caribe y tocará además de Argentina, a Uruguay y Colombia. __BD

Folklore Contemporáneo

S E R I A S O N E U B

Guillermina Merlos presenta Espíritu Nacional, el domingo 23 en el Teatro Colón de la ciudad de Mar del Plata Espíritu Nacional recrea las diferentes melodías de lo mejor de nuestro folklore contemporáneo, con un elenco de veinte bailarines encabezado por Montserrath Oteguí (ganadora del premio Estrella de Mar 2012).

Con coreografías de Guillermina Merlos, Roxana Molinari y Carina Combi sobre música de El Chango Spasiuk, Eduardo Falú, Ariel Ramírez y Mercedes Sosa, los cuadros “expresan la fuerza del malambo, la pasión del chamamé, la intensidad de la pachamama y la alegría del carnavalito” afirmó Merlos a BALLETIN DANCE. Acompaña a los bailarines marplatenses de base clásica y contemporánea (Julia González, Luz Tripiana, Bárbara Tomadoni, Carla Fabiani, Natalia Cerutti, Marisa Salamán, Leonardo Tosoni y Ariel Ledesma) el ballet folklórico Martín Güemes. __BD

Espíritu Nacional Foto . gentileza de la compañía

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Educar a Través del Arte Por Cecilia Werle Pinto

Recientemente nombrada Directora Artística de Mundo Marino, Irina Esquivel nos habla de su experiencia como coreógrafa

Irina Esquivel vive en Buenos Aires, donde dicta clases en su escuela Artemixta, además desde hace 15 años viaja constantemente a San Clemente del Tuyú por su trabajo en el oceanario y por si fuera poco, acaba de coreografiar el musical infantil Cantando Cuentos. Cómo hace rendir su tiempo, siendo además madre de un adolescente es una pregunta que se diluye en la tranquilidad de su hogar, donde ni el reloj la corre, ni pierde la energía y el entusiasmo que la caracterizan. ¿Cómo es coreografiar con animales?

Es muy lindo, porque te dan la posibilidad de incorporarle ingredientes diferentes a las obras. Es como tener un elemento que adorna a la persona o en realidad, una persona que adorna al animal. Hay ciertos tips de cosas que se pueden hacer y cosas que no con los animales. Yo ya sé con qué orden dicen “sí”, con cual levantan la cola o aletean, entonces a esos comportamientos les incorporo la coreografía. Los animales te sorprenden todo el tiempo. Este año incorporamos un show con animales terrestres y por ejemplo, hay una cabrita que camina con los codos, salta y hace poses. Y ahora les están enseñando a los lobos marinos a trabajar en una pileta de aquadance. Uno no se imagina lo inteligentes y afectuosos que son.

En septiembre el parque estrena un nuevo show ¿qué puede adelantar?

El nuevo show de lobos marinos transcurre en una isla, donde vive un magnate que cayó de un avión, y cuando conoció las virtudes de vivir en la naturaleza se quedó ahí y no intentó volver. De repente llega una desarrollista que quiere construir hoteles y piscinas, y se va a encontrar con este hombre y sus amigos los lobos. La temática es un poco esta guerra de llevar la ciudad a todos lados, como si lo citadino fuera lo mejor, que no es cierto en muchos aspectos.

“Me levanto todos los días y agradezco vivir de lo que me gusta” reconoce Esquivel Foto . Gentileza Irina Esquivel

Junto a Fabián Gianola y parte del elenco de Cantando Cuentos Foto . Mariana Fernández López

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Mundo Marino es el Oceanario más grande de América del Sur y tiene la particularidad de que trabaja con comedias musicales, donde los animales son las estrellas. Esquivel se emociona al hablar de esta empresa familiar, que además funciona formando profesionales. “El objetivo artístico es que el parque esté vivo en todos los lugares, todo el tiempo. Que mientras vas al show te encuentres con actores y muñecos, que los recorridos didácticos estén presentados por un personaje, que si bien está enseñando, lo hace desde lo actoral. Esto requiere de un grupo importante de actores y bailarines, pero la mayoría de los espectáculos son interpretados por los mismos entrenadores. Ellos cuidan, alimentan y entrenan a los animales, y luego realizan el show. No es nada fácil porque un entrenador es alguien más cercano a un veterinario que a una persona que se sube a un escenario; sin embargo, a ellos también les surgieron las ganas de que el show mejore desde lo artístico y para mí eso es genial. Este año organicé un taller de locución, porque no es sencillo pararse en los estadios frente a 700 personas y hacer cinco shows por día. Es un fogueo importante para todo artista.”

A la hora de montar un espectáculo ¿qué es lo más importante?

Yo creo que uno educa a través del arte, y tiene que tratar de educar lo mejor posible. Uno le puede dar buen arte a la gente y la gente se queda sorprendida, aprende y cambia su criterio estético. Si yo genero una presentación, el espectáculo es para

Ensayo de El Arca de Noé, el primer show del parque con animales terrestres Foto . Gentileza Irina Esquivel

el público y a mí lo que me importa es respetarlo, no venderle espejitos de colores, sino darle un buen producto.

Esquivel, apasionada por su trabajo se define a si misma como una fascinada del hacer. “La motivación del artista es la pasión, eso que te mueve que es diferente en el que no hace arte. Porque una cosa es estar del lado del espectador y otra del lado del hacer. A mí lo que me gusta de mi laburo es esto de ir a poner el cuerpo. Jugar con el cuerpo es lo que me hizo coreógrafa. Es como estar todo el tiempo en contacto con tu niño.”

Su último trabajo coreográfico, Cantando Cuentos, estará de gira por el interior del país en septiembre y octubre ¿De qué se trata esta propuesta?

Tiene mucho que ver con todo lo que hablamos. Se trata de un infantil con canciones de María Elena Walsh, protagonizado por Fabián Gianola y dirigido por Jorge Mazzini. Es una linda obra, sin intoxicación, que tiene esa frescura del juego. Los chicos del elenco son muy buenos cantantes y clown, y trabajan lo corporal desde lo orgánico, lo cotidiano, llevándolo a la danza.

Creo que hay una cosa natural en el ser humano que disfruta del movimiento. El tema es que después hay que seguirlo, si no terminás comprándote un celular y sacando fotos de la gente que se mueve. __BD SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 23

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La Raíz que no Vemos Por Carlos Bevilacqua El primer Encuentro Nacional de Danzas de Matriz Africana, celebrado el mes pasado en la Biblioteca Nacional, dejó un tendal de valiosa información sobre un componente menospreciado, cuando no negado, de la identidad latinoamericana ¿Quién lo hubiese dicho? Pies descalzos, cinturas que recuperan su máxima flexibilidad, brazos que parecen buscar vuelo, una percusión omnipresente, ritmos que invitan al trance y muchas pieles oscuras llenaron de vitalidad y color el auditorio Jorge Luis Borges (nombre de un artista eurocéntrico si los hay) de la Biblioteca Nacional (edificio que durante décadas simbolizó los efectos paralizantes de la corrupción política).

Ocurrió el 17 y 18 de agosto últimos, durante el I Encuentro Nacional de Danzas de Matriz Africana que organizó la Secretaría de Cultura de la Nación, a través de su Programa Afrodescendientes.

Su coordinador, Javier Ortuño, contó que la flamante dependencia estatal busca “visibilizar los aportes socio-culturales de los afrodescendientes en todo el país a través de apoyos a festivales,

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foros y seminarios, por un lado y de la generación de material de estudio sobre la comunidad, por otro”. El programa ya concretó en abril de este año el primer carnaval negro de Buenos Aires con veintiocho agrupaciones artísticas e inició la realización de un documental audiovisual sobre la historia de los afroargentinos.

Según el último censo, apenas un 0,4 por ciento de la población argentina se autodefine como afrodescendiente. Más allá de que otros estudios elevan la cifra a un 5 %, es sabido que la proporción de negros y mulatos se vio drásticamente reducida durante el siglo XIX, al ser especialmente afectada por las bajas durante las guerras de la independencia, las civiles, la de la Triple Alianza y la epidemia de fiebre amarilla de 1871. Una vulnerabilidad que no fue voluntaria, sino producto de una histórica desigualdad, que se arrastraba desde la época en que los africanos fueron traídos compulsivamente a América como mano de obra esclava.

La escuela de danzas afroperuanas Cañete Negro acercó festejos varios Foto . Ayelén Arruzzo

Con todo, de los diversos aportes culturales afro a la idiosincracia nacional, los de las danzas y las músicas negras probablemente sean los que más perduraron, aunque en general reelaborados.

“El bombo legüero tiene la misma estructura básica y el mismo sistema de armado que el tambor que usan diferentes comunidades afroamericanas, como las de República Dominicana y Colombia. También hay notables parecidos entre el zapateo del malambo y los del joropo venezolano y las danzas afroperuanas.

Y no es raro que la chacarera tenga un ritmo de reminiscencias africanas si tenemos en cuenta que hace 200 años la mitad de la población de Santiago del Estero era negra”, señaló Ortuño, consultado sobre la influencia de la cultura africana en las danzas folklóricas argentinas.

“No hay que olvidar el origen común de la zamba y la cueca chilena en la zamacueca”, agregó luego Andrés Mandros, un afroperuano residente en la Argentina que ofició de presentador durante todo el encuentro con recitados de poesías de su compatriota Nicomedes Santa Cruz y de otras de su propia autoría.

El legado afro llegó incluso al léxico musical y coreográfico nativo. Según coinciden varios estudios, son de origen bantú varias palabras con mb y ng, como zamba, malambo, candombe, bombo, quilombo, rumba, samba, tango, milonga, fandango y conga.

En rigor, el encuentro de la Biblioteca Nacional reunió expresiones coreográficas de toda Latinoamérica, en su mayoría interpretadas por artistas radicados en la Argentina, pero sólo dos de los ocho bloques programados versaban sobre danzas argentinas.

Una aclaración que carece de sentido al aceptarnos como parte de la “patria grande”, concepto que apareció una y otra vez en las presentaciones de Mandros. Lo que sí puede reprocharse con más seguridad es que la difusión del evento haya sido tan poca, con la consecuente escasez de público para una idea de por sí muy valiosa y atractiva.

1ª JORNADA: DEL ATLÁNTICO Y DEL PACÍFICO El viernes 17, los primeros en dar una muestra de danzas de origen afro fueron los representantes de la agrupación uruguaya Candombe Sur. Cinco bailarinas vestidas con ropa de comparsa (una de las cuales era la “vedette” y otra la “mama vieja”) ganaron el escenario junto al gramillero, bailarín mayor que se movía de manera aparatosa, ayudado por un bastón. Todos musicalizados por un trío de percusionistas a cargo de la clásica cuerda de tambores del Uruguay, compuesta por el chico (el más agudo), el repique (medio) y el piano (el más grave). La directora del grupo, Celeste Martínez, contó luego que fueron veinte etnias africanas distintas las que poblaron la Banda Oriental durante la época colonial y aprovechó luego para destacar la fortaleza del candombe afrouruguayo, que no sólo no se extinguió sino que ganó mucho público blanco en las últimas décadas.

A continuación, la docente brasileña Marisa Nascimento optó por invertir la fórmula al empezar con una disertación teórica sobre las danzas de los orishás (divinidades de la mitología yoruba). A pesar de su entusiasmo, el discurso no fue fácil de seguir, en parte por las nociones filosóficas que intentó transmitir y en parte porque usó sólo el portugués. Aun así, logró explicar que en la cosmovisión orishá las coreografías están íntimamente vinculadas a la naturaleza, así como la importancia de que el bailarín sienta el movimiento como algo personal, auténtico y necesario. Las formas que suelen asumir esos conceptos quedaron mucho más claras cuando ella misma (radicada hace catorce años en la Argentina) lideró las acciones de un grupo de cuatro bailarinas, animadas por dos percusionistas. Intercaladas con nuevas demostraciones coreográficas, Nascimento fue sintetizando algunas leyendas que dieron origen a diferentes danzas.

Los vínculos entre las danzas de origen negro fueron quedando cada vez más claros cuando, acto seguido, se presentó Cañete Negro, escuela de danzas afroperuanas con sede en el barrio porteño del Once. Mucho de las contorsiones y las brazadas del

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bloque anterior se repetía en los festejos y landós, forjados del otro lado del Amazonas. Fueron interpretados por catorce bailarinas, todas entre niñas y jóvenes, sensibles a los sonidos de una numerosa banda de percusión. Gracias a las palabras del director de la escuela, Francisco Cama Sánchez, la presentación también permitió aprender sobre diferentes tipos de festejos (identificables además por el tipo de polleras de las bailarinas) y sobre los antecedentes del cajón peruano. Fue un set tan contagioso que las artistas no necesitaron insistir mucho para que los espectadores aceptaran subir al escenario y así coronar todo con un baile colectivo que, claro, incluyó al presentador.

La jornada se cerró con el son cubano que trajo la banda musical Los Sábalos, compuesta por argentinos y especializada en la obra de Miguel Matamoros. Con clásicos y no tan clásicos de la isla ejecutados de manera notable, prolongaron el clima favorable al baile popular que habían dejado los peruanos.

2ª JORNADA: CON Y SIN MESTIZAJE Al día siguiente, la guineana radicada en la Argentina Mafila Koute acercó no ya influencias sino directamente algunas de las raíces aludidas en el nombre del encuentro. Porque las cuatro representantes de su escuela bailaron algunos de los ritos de su país, mechados por explicaciones de Mafila en un castellano La compañía de la guineana Mafila Koute mostró frenéticas danzas rituales Foto . Ayelén Arruzzo

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muy elemental. Siguiendo el ritmo que generaban cuatro percusionistas rosarinos expertos en música africana, las bailarinas mostraron una impactante motricidad fina para coreografías casi siempre frenéticas de tan veloces y enfáticas. Era fácil ver algunos movimientos de la murga porteña en esos brazos que se sacudían alternativamente hacia lo alto y, acaso, algo de los monos en los balanceos de un pie a otro con los torsos encorvados. En varios pasajes de su discurso, Koute destacó el carácter energizante y sanador de movimientos que, paradójicamente, requieren mucho esfuerzo físico.

Los decibeles bajaron con la llegada al escenario de Silvia Módico, quien con una extraña performance que combina danza de malambo, música en vivo, canto y recitados intentó argumentar sobre el origen africano de muchas de nuestras costumbres. No estuvo sola al interpretar sus propios textos: la acompañaron Daniel Fernández en bombo legüero y Jorge Platero en derbake.

Bajo el título de La Voz Negra del Toubal (tambor, en un dialecto del Sahara), lo que ella definió como “rutina afrofolklórica” incluyó también un conmovedor solo instrumental y vocal de Platero.

El devenir del programa deparó luego un segmento muy didáctico protagonizado por Misibamba, una asociación afroargentina con sede en la localidad bonaerense de Merlo. “La porteña es apenas una de las variantes de candombe que hay en el país, hubo y hay otras en lugares tan distantes como Santa Fe, Chascomús, Carmen de Patagones, Corrientes y Resistencia”, aclaró el antropólogo Pablo Cirio, poco después de iniciada la performance coreográfica,

El candombe porteño estuvo representado por el grupo Misibamba Foto . Ayelén Arruzzo

basada en una serie de cantos con respuesta a coro, bailados casi exclusivamente por mujeres de vestidos decimonónicos que tomaban de sus faldas al balancearse. María Elena Lamadrid, intérprete y directora del ballet, dio a su vez varias nociones centrales: “El candombe es un baile de pareja, no tiene una coreografía definida, sino que sigue los sentimientos de cada momento”. Ella misma, acompañada por una cuerda de tambores similar a la típica uruguaya, cantó más tarde una selección de candombes tradicionales.

Minutos después, Carlos Lamadrid, reclamó para la negritud su reconocimiento como uno de los tres grandes pilares de la cultura americana, junto con el aborigen y el europeo. Emocionado, re-

cordó: “Aportamos soldados a todas las guerras de independencia nacionales, madres de leche para los hijos de las familias blancas, artesanos y todo tipo de trabajadores. Por eso, exigimos nuestro lugar en la historia que se enseña en las escuelas”.

Todo culminó como había empezado: con candombe montevideano, esta vez a cargo de un grupo meramente musical llamado Afrocandombe. El baile lo aportó entonces el público, acicateado por el poderoso ritmo de la canónica cuerda de tambores, reforzada por un bombo, una guitarra y un bajo eléctrico. Un final alegre, colectivo y bien corporal, que constituyó una síntesis del espíritu que había imperado durante los dos días. __BD

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-flamenco Aires del Mediterráneo

-ballet Ciclo de ballet

-ballet comedia Divertimento

Ciclo de flamenco, fado, música celta, ritmos griegos, sefaradíes, balcánicos y de medio oriente. Con la participación de Xeito Novo, Fadeiros y Raíces del Flamenco, entre otros. Sábados 21 hs.

Sala Mediterránea (Tucumán 3378, Tel: 4863-715).

Compañía GDBdanza. Dirección: Guido De Benedetti. Sábados 18 hs (desde el 29). Teatro Astral (Av. Corrientes 1639, Tel: 4374-5707).

Ballet con Humor. Parodias del ballet clásico, contemporáneo y algo más.

Domingos 20 hs (desde el 16). Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Dramaturgia: Pamela Monkobodzky.

Puesta en escena: Lorenzo Quinteros.

Entrenamiento corporal: Fabiana Maler Domingos 23 y 30, 21 hs. Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 15-6873-2141).

-comedia Anoche Dirección: Paula Manzone. Entrenamiento Corporal: Natalia López. Sábados 23 hs. Club de Teatro Defensores de Bravard (Bravard 1178, Tel: 1565074348).

-flamenco Apariciones Grupo La Venganza de Auroch. Baile: Natalia Riopedre. Cante: Gonzo. Guitarra Flamenca: Paito. Domingo 16, 20 hs. Mediterránea Espacio de Arte (Tucumán 3378, Tel: 15-5726-3048).

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Cartelera

-música y teatro Algo del Tiempo que Tiembla

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-tango De Buenos Aires a París Dirección artística: Paola Parrondo.

Con María José Mentana, músicos en vivo y pareja de bailarines. Miércoles 21 hs. Maipo Kabaret (Esmeralda 443).

Foto: Binomio Perfecto

-music hall El Astros Está de Fiesta Dirección: Marcos “Bicho” Gómez.

Coreografía: Vivi Wlosko. Con Nacha Guevara, Nito Artaza, Jean Françoise Casanovas e importante cuerpo de baile. Jueves 20 hs, viernes 21 hs, sábados 21:30 hs, domingos 20:30 hs. Teatro Astros (Av. Corrientes 746, Tel: 43259991).

-teatro El Niño con los Pies pintados De Diego Brienza y Laura Fernández.

Coreografía: Maia Menajovsky y Federico Borensztejn. Viernes 23 hs. Abasto Social Club (Yatay 666, Tel: 4862-7205).

Foto: Gabriel Grimaldi

-contemporáneo Dejar De Ser Compañía de Danza Contemporánea del Instituto de Formación Artística.

Dirección: Nicolás Pérez Costa. Coreografía: Luciano Cejas. Viernes 21:30 hs.

Espacio Impa La Fábrica (Querandíes 4290, Tel: 4981-3610).

-contemporáneo Eleni y Nude Grupo Calle 46 Contemporánea Asociación Sarmiento. Dirección: Laura Cucchetti y Liliana Carri. Viernes 21 y 28, 20 hs. Pasaje Dardo Rocha (calle 50 e/6 y 7, 2º piso, La Plata).

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El manual más completo de danza clásica, escrito hasta el momento!!!

Todos los pasos del ballet clásico, explicados detalladamente, con numerosas ilustraciones 400 PÁGINAS En venta en librerías de todo el país y en la Tienda Balletin Dance www.balletindance.com.ar Tel: 4331-0400

Tratado de danza Clásica basada en la Metodología de Elongación por Alfredo Gurquel 30 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

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Los Nuevos Panza Verde Por Juan Cruz Guillén Nuevo elenco folklórico en la provincia de Entre Ríos Luego de muchas conversaciones entre el actual Subsecretario de Políticas Culturales de la provincia de Entre Ríos, Eduardo Viana y el profesor de danzas y director del Ballet Chajarí, Albino “Pocho” Siviero se acaba de crear el Elenco Joven de Danzas Litoraleñas provincial que cuenta con el aval del Ministro de Cultura.

En conversación con BALLETIN DANCE, Siviero señaló que la selección de los bailarines se realizó a todo lo largo de la provincia, para ser bien federal con total inclusión e identidad entrerriana. Se recorrieron así los diecisiete departamentos provinciales haciendo audiciones desde marzo de este año y las cuarenta parejas preseleccionadas (en quince de ellos) se presentaron en Chajarí el 18 de mayo.

A partir de entonces se realizaron los ensayos para definir la nómina de integrantes, que surgieron de acuerdo a una puntuación. Cada jornada, de 9 a 21 hs, finalizaba con la calificación del trabajo para nombrarse las veinte parejas titulares y las veinte suplentes.

Los integrantes tienen entre 18 y 25 años, el director es Pocho Siviero con asistencia de Andrea Sosa, contando con el apoyo del Ballet Chajarí (ganadores de Cosquín ‘96).

La iniciativa provincial es una excelente oportunidad de difusión estatal de las danzas entrerrianas, como la Chamarrita (la del río Uruguay y la del Río Paraná) el Tanguito montielero, El rasguido doble, entre muchos otros.

Esta nueva experiencia que permitirá conservar la esencia de las danzas folklóricas de cada región de Entre Ríos, será un acontecimiento digno de presenciar. El primer ensayo con las veinte parejas titulares se realizaba el 25 de agosto, al cierre de la presente edición. Ellos son (por orden de calificación): Juan Eduardo Godoy (Paraná), Ana Elizabeth Debona (Chajarí), Facundo Ramón Siviero (Chajarí), Ailin Colacello (Paraná), Juan Pablo Harman (Nogoyá), Yanina Pérez (Santa Elena), Abel Ubeda (Federal), María Angélica Stivanello (Chajarí), Sebastián Luque (Santa Elena), Evelyn Luján Colombo (Chajarí), Maximiliano Ott (Concordia), Juliana Carra (Paraná), Horacio Altamirano (Bovril), Nélida Ester Pampillon (Chajarí), Nicolás Ellemergher (Paraná), Tatiana Challiol Velázquez (San Salvador), Martín Sánchez (Urdinarraim), Flavia Gómez Ocampo (Concordia), Andrés Loyola Vargas (Nogoyá), María Natividad Aldanza (San Benito), Jorge Julián Aguirre (Chajarí), Rocío Anabel Tisocco (Chajarí), Sebastián Fiant (Crespo), Ivana Lencina (Gualeguay), Darío Rodríguez (Concordia), Vanesa Luna (Feliciano), Eduardo Cuello (Los Conquistadores), Selene Albornoz (Concordia), Nelson Romero (Concordia), Agostina Centurión (Colón), Lisandro Acevedo (Feliciano), María Laura Paredes (Chajarí), Nicolás Mansilla (Victoria), María Jimena Benavidez (La Paz), Rodrigo Rosembrock (Villa Urquiza), María de los Angeles Gómez (Victoria), Juan Martín Apolinaire (Concordia), Maye Aranzazu de Lucca (Gualeguay), Adrián Gamarra (Bovril), Amira Amarillo (Concepción del Uruguay). __BD

Integrantes del nuevo ballet provincial Foto . Cristian Portela SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 31

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El Musical Que no Fue Por Carlos Bevilacqua

Conviene ser cuidadoso con los anuncios, porque si las expectativas superan ampliamente a los resultados, la decepción termina siendo un bumeran contra la imagen del artista que se pretende promocionar.

María José Mentana es una gran cantante. A pesar de tener poco más de 50 años, acredita cuatro décadas de trayectoria, período en el que grabó una decena de discos, actuó en televisión, fue en muchas ocasiones la voz de la multitudinaria Orquesta del Tango de la Ciudad y, con justicia, participó de los más importantes festivales de tango de la Argentina y del exterior. A principios de julio estrenó en el Maipo Kabaret un espectáculo propio que estará en cartel hasta fines de septiembre. “De Buenos Aires a París, la historia de una muchacha (mesera de un cafetín porteño) que sueña con convertirse en una estrella de tango”, promocionaba la gacetilla de prensa, que agregaba “tango teatral y musical” como anclando la idea en un género.

Son muchos los vínculos entre nuestra metrópoli y la ciudad luz a través del tango, desde artistas que vivieron o viven allá hasta tangos que hacen referencia a ambas capitales, pasando por las “francesitas” que aparecen citadas en tantos versos tangueros o el gusto que históricamente tuvieron los galos por nuestra música ciudadana.

Todo lo cual, sumado a la participación de tres músicos en vivo y dos bailarines, con el nombre de Mentana al frente, daba para entusiasmarse. Sin embargo, el espectáculo no pasa de ser un recital más de María José, como siempre afinada, expresiva y dueña de un caudal de voz impactante.

Los atisbos de teatralidad son demasiado escasos y demasiado pobres como para ser considerados seriamente. Todo lo que consiguieron Mentana y Ricardo García 32 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

En De Buenos Aires a París, la cantante María José Mentana confirma sus extraordinarias condiciones vocales, pero no llega a ofrecer una puesta dramática

Víctor Nieva y Paola Parrondo aportan las cuotas de danza de la obra Foto . Gentileza Binomio Perfecto

Blaya, como autores del guión y de la puesta, fueron unos diálogos muy poco convincentes entre los músicos y ella misma. No hay un planteo dramático, mucho menos un nudo.

Ni una mención de las dificultades que esa muchacha, caracterizada al principio como muy joven en 1958, se infiere debería haber enfrentado para triunfar primero en Buenos Aires y luego en Europa.

Ni siquiera el baile de Paola Parrondo y Víctor Nieva acercan algo de relato a la supuesta historia. En las tres apariciones que tienen (con Taconeando, Danzarín y al final confluyendo en escena con la cantante) se mueven virtuosos y pródigos en recursos, pero por eso mismo se ve con cierta melancolía que no hayan podido volcar su talento en algún sentido narrativo. Cabe aclarar que Parrondo no sólo es intérprete sino también responsable de la dirección artística.

De cualquier modo, a poco de andar el espectador percibe que puede pasarla bien si logra concentrarse en la música. María José cautiva desde el primer tango (Por qué Amo a Buenos Aires de Eladia Blázquez), que se repite al final a manera de bis. Conoce su oficio de sobra, aunque la noche de esta cobertura haya tenido algunos deslices con las letras, particularmente con la de Nieblas del Riachuelo. Elige abordar un repertorio numeroso, que incluye no sólo tangos de diferentes épocas sino también un par de canciones francesas, como Ne Me Quitte Pas y La Vie en Rose. En ese amplio abanico surge inclusive una grata sorpresa: Lunes, un tango escrito por ella misma.

Los instrumentistas no le van en zaga. Bajo la dirección musical de Ramón Maschio, un trío compuesto por Miguel Pereiro (piano), Hernán Reinaudo (guitarra) y Rubén Slonimsky (bandoneón) arma versiones atractivas de tangos clásicos y hasta introduce un hermoso tema instrumental de Maschio llamado El Lucho. Acompañar no es un arte sencillo y ellos logran vincularse con la voz de Mentana sin eclipsarla.

Si la promoción previa -como el programa de mano- hablaran de un recital, poco habría para reprochar. Pero el fallido intento por armar un musical deja un regusto amargo, además interferir en la apreciación de lo que sí tiene el show de valioso. __BD

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

J·U·A·N·A

GURQUEL LEDERER

PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

w w w. l e d e r e r g u r q u e l . c o m DANZA CLASICA

Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Walkiria Appelhans, Geraldine De Crescenzo, Sonia Nocera, Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé, Fernanda Mascaró, Lorena Batista, Alberto Retamar, Florencia Calvino

ESTIRAMIENTO Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Celia Montini

ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO

CORPORAL POR BIOMECANICA

(Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel)

PREPARACIÓN ESPECIAL PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

DANZA CONTEMPORANEA Geraldine De Crescenzo, Romina Mancini, Gabriel Contreras, Fernanda Mascaró, Jorge Alberto, Florencia Calviño TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

DANZA JAZZ Manuel Vallejos (Profesor titular del IUNA), Carol Del Castillo, Silvia Briem Stamm, y Matías Vega.

BARRE À TERRE Lorena Batista

NIÑOS · INICIACION A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

BABY CLASS (Niños de 3 a 6 años) Mariángeles Alé SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 33

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Romance Porteño Por Guillermo Chulak Reynier Marino por primera vez en Argentina. En Boris Club de Jazz, pleno corazón de Palermo Hollywood, el martes 7 de agosto se desarrolló un espectáculo de energía, fuerza y talento

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El gran protagonista de la noche fue el flamenco, una sensible guitarra, bailaores, potente zapateo y lamento sin fin, colmaron el lugar del mejor espíritu andaluz. Fue amor a primera vista. Sentado, apenas pulsó su guitarra flamenca sobre su muslo, Reynier Marino produjo conexión con el público que no se disiparía a lo largo de las dos horas de concierto. “Estoy enamorado de su ciudad, es un honor conocer estas tierras donde nació el ‘Che’”, diría inmediatamente después de un solo de guitarra inspiradísimo, que metería al público de lleno en su universo flamenco.

El show Aire Flamenco no pudo haber tenido mejores protagonistas. Por bulerías, rumbas, tangos y soleás, Marino, secundado por otro guitarrista cubano (radicado en Buenos Aires) Allier Diaz Ferrer y el argentino Maxi Serral en cante y percusión, enamoraron al público porteño en su primera visita a Buenos Aires, enmarcada en una gira que seguirá en Uruguay, para continuar en las Islas Canarias (Las Palmas de Gran Canaria donde reside, Tenerife, Lanzarote y Fuerteventura). “Me fascina el cante argentino”, aseguraba Reynier al elogiar a Serral, su voz reúne la dulzura de melodías con quejío antiguo que entra en empatía perfecta con el gusto de Marino en guitarra.

Pronto se escuchó el primer golpe de taco sobre madera. Era el turno para que entre en escena la bailaora Erica Gigena, quien sin detenerse zapateó e improvisó sonidos

haciendo que sus manos “vuelen” como palomas al compás de su cimbreante cuerpo, en alternación coordinada con el cajón peruano donde estaba sentado Serral (los flamencos llevan treinta años queriendo introducir nuevos instrumentos y ese es el único que pudo colarse de verdad). Además, la argentina le dio vida a poemas andaluces declamados por Cecilia Salerno, entre ellos Romance Sonámbulo de Federico García Lorca.

Cuando artistas de este nivel están inspirados, no hay nada que rompa con ese estado de gracia. Como dicen los gitanos, estaban con el duende esa noche lluviosa de martes y eso se percibió en el diálogo de la danza con el instrumento, revelando maestrías sorprendentes.

PASIÓN POR ARGENTINA El músico siguió su concierto, con recitado y baile del poema Inútil Soy de Alfonsina Storni (1925). Si bien el flamenco se consolidó en Andalucía en 1850, Faustino Núñez, musicólogo español, dice que este género musical “no es gitano sino agitanado”, y arremete: “si fuera gitano, ¿cómo podría explicarse tanto artista flamenco no gitano?”.

Regresando al poema, en torno a esos versos, se describe y surge la negación, en el sentido también de denuncia: ese cuerpo femenino que habla es “inútil, torpe y lento”, precisamente cuando se analiza dentro de otra construcción histórica o cultural que es el rol de la mujer en occidente, tópicos y pasiones de la poetiza.

Al sólido trío, se sumó además de Gigena, la bailaora española Vicky Garcia Arencibia, quien incorporó sonidos del taco negro reventando las tablas del Boris e hipnotizó con el tambaleo frenético de sus piernas, caminar y bailar, imponiendo figuras de raíces andaluzas. Conformaron, una sociedad indestructible, o mejor dicho, un grupo de amigos que desde hace rato que la pasan bien arriba del escenario.

Reynier tiene compás innato para todos los palos, templanza en el toque que combina virtuosismo y expresividad intimista y ese “pellizco” flamenco que lo hace diferente del resto. En grupo, es una auténtica máquina de marcha flamenca, aunque no faltó espacio para el lucimiento individual: incluso se incorporó en un momento del show a una pareja para bailar tango.

Entre sensual y dogmático, Marino no dejó de conquistar a su audiencia. Y para darle más contemporaneidad a la noche deleitó en algunos temas, siguiendo con el plan acústico, frente a un piano de cola, pasando así por su personal relectura del género que, por momentos, fusionó con jazz (hasta “trayendo” el exquisito pianismo de Chick Corea). __BD Allier Diaz Ferrer , Reynier Marino y Maxi Serral Foto . gentileza de la producción SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 35

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La Espiritualidad en la Danza Por Eliana Gissara El auge de la Tannura en el mundo de la danza oriental originó una creciente aproximación a la práctica del giro derviche, actividad vinculada a la búsqueda espiritual a través del movimiento Hace poco más de cinco años comenzó a formar parte del repertorio de los espectáculos de danza árabe lo que se denomina tannura, una performance inspirada en el giro derviche. Generalmente interpretada por hombres, esta danza altamente difundida en Egipto se caracteriza por su atractivo visual. En ella se destacan una o varias personas girando a lo largo de minutos, utilizando una falda bien amplia. En ocasiones los bailarines visten otra sobrefalda, que manipulan y elevan al nivel de la cabeza para formar la figura de un trompo. Hay quienes también le suman luces de colores a sus tannuras, para dar un mayor efecto visual a las faldas y condimentar el show.

También suelen desprenderla del cuerpo, doblar minuciosamente la tela y hacer representaciones con ella, como el arrope de un niño. Todo ello sin dejar de girar… ¿Cómo llega esta práctica del

giro a la danza oriental? ¿Qué representa? ¿Cómo se relaciona con la religión? BALLETIN DANCE dialogó con Nuruddin Ortolá, derviche girador perteneciente a la Orden Naqshbandi que promueve esta actividad hace 17 años en Latinoamérica a través de talleres y muestras abiertas al público. ¿Qué es el giro derviche?

El giro derviche es una actividad netamente emocional. No se trata de una danza folklórica, sino que en realidad la esencia del giro tiene que ver con una búsqueda de conexión con Dios. Las personas que practican el giro son sufis. Podría decirse que el sufismo es la parte mística del Islam, de la religión. Es la religión la que nos presta las llaves para hacer un fuerte trabajo interior de autoconocimiento, que se realiza a través de la iniciación con un maestro. ¿Cómo se relaciona el giro con la religión?

El giro nunca es un fin en sí mismo sino que es un medio. Uno busca a través del giro la realización personal. Por supuesto que requiere Presentación mixta con músicos en vivo en el Centro de Giro Derviche de Buenos Aires Foto . Eliana Gissara

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de un entrenamiento físico y emocional muy fuerte. De a poco, las personas van incorporando conocimientos y movimientos consientes. No hay límite de tiempo, el giro dura lo que el cuerpo aguante.

Uno ve cómo el cuerpo habla, se cansa, se marea, y trasciende muchas instancias hasta que empieza a incorporar los símbolos de la creación. Es un proceso que puede durar toda la vida. ¿Cuál es su origen?

El giro nació en la época del profeta Muhammad, alrededor del año 600. Pero fue Rumi, un poeta y erudito, quien lo incorporó dentro de su tariqa (escuela) como una actividad importante.

Hoy existen discípulos en todo el mundo, pero la base está en Estambul, Turquía. El giro es un movimiento totalmente natural, los átomos giran, la tierra gira, el sistema planetario gira. Lo que pasa es que el giro toma una forma netamente religiosa para el sufismo. Nosotros creemos que la vida es una gran escuela, el objetivo no es vivir acá. Dios nos pone en la Tierra para hacer un trabajo y nos ancla a través del ego, que es nuestra personalidad.

A través del ego, me conozco y conozco a Dios para poder volver a casa. Es un gran círculo. ¿Qué simbología tiene el cuerpo? ¿Qué representan sus partes?

El giro envuelve y connota muchas realidades de la creación, como la Tierra girando alrededor del Sol. Para nosotros, el cuerpo es la Tierra y el Sol es el corazón. En nuestra tariqa lo más importante es el corazón, y en ese sentido el giro es el medio para visualizar el corazón; es la forma de aprender a enfocar la mirada hacia adentro. Todo esto suena bien, pero ¿cómo se hace? El eje con la Tierra es la pierna izquierda y la mano derecha se extiende como para pedir ayuda. Las energías entran por la mano derecha, circunvalan el corazón siete veces y salen por la mano izquierda, retornando a la creación como un acto de servicio. Cuando todo esto sucede alcanzo un vínculo diferente con mi corazón y empieza el proceso. ¿Quiénes pueden practicarlo?

Es una actividad que practican hombres y mujeres, pero lo mejor es que se realice por separado ya que son distintas energías las que manejan. De hecho son más las mujeres las que se acercan con inquietudes. Ellas tienen una ventaja, son más sensibles a la espiritualidad, conectan más rápido. El giro es una forma de acercarse al Islam, pero no es condición ser musulmán para practicar el giro. Las prácticas (sema) se pueden hacer de forma individual o en grupo. En las muestras, los músicos están presentes en el sema aunque no estén girando. Se utiliza el nay, una flauta de sonido áspero, el laúd y alguna percusión. También puede haber recitado de poesía. La música es simple y muy emotiva; los ritmos van variando, al igual que la velocidad del giro. ¿Es compatible la actividad con las muestras abiertas al público?

Sí. Lo importante es desde dónde uno hace las cosas: si es para lucirte, desde el ego, o si es por amor a Dios. __BD SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 37

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No se Puede Parar la Música Por Daniel Sousa La cartelera de teatro musical se renueva con artistas consagrados y jóvenes valores que vienen abriéndose camino en la escena local. Lía Jelín dirige a Omar Calicchio y Lautaro Metral estrena una nueva obra después de la exitosa Cuando Callan los Patos. En 2013 llega Anything Goes No hay chances de aburrirse para los amantes del teatro en Buenos Aires. Tanto más si les atraen las propuestas en clave musical, que encarando la recta final del año siguen creciendo en número y manteniendo un alto nivel de calidad. Entre lo mucho y bueno que ofrece hoy la cartelera porteña, y lo que se anticipa para los próximos meses y para 2013, los seguidores del subgénero estarán de parabienes.

Agosto arrancó con el estreno de El Cabaret de los Hombres Perdidos, un proyecto que la directora Lía Jelín guardó celosamente durante años (se lo había acercado la gran Marilú Marini) y que debutó finalmente en el escenario de la sala Moliere (los lunes y martes). Comedia negra de sabor agridulce, aunque invita a acompañar en un paseo por el infierno a un muchachito sin mayores esperanzas, atenúa la sordidez del ambiente prostibulario

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con ciertos pasajes brillantes que tornan al relato menos hiriente y más digerible.

Dicky (Esteban Masturini) es un joven sin futuro, resignado a transitar la vida sin la esperanza de un mañana. Una noche, escapando de una horda de homofóbicos recalcitrantes, cae en un boliche de mala muerte donde además de un tatuador gay (Diego Mariani) y una drag queen (brillante Roberto Peloni), lo espera el Destino (Omar Calicchio) para ponerle los puntos sobre las íes.

Con las cartas sobre la mesa, el desvalido Dicky debe optar entre el camino corto, el del éxito veloz a cualquier precio, u otro que le garantice la salvación aunque sea mucho menos esplendoroso y amable.

Seres sin sueños, en El Cabaret de los Hombres Perdidos Foto . gentileza Duche-Zárate

Carlos Silveyra es Jerry Lewis, un icono del género cómico Foto . gentileza de la producción

Si bien no tiene nada que ver con ese ambiente denso, Dicky se deja encandilar por las promesas de dinero fácil e influyentes contactos, y elige hacer carrera en el cine condicionado creyendo que ese será el trampolín que le permita alcanzar su verdadero sueño: ser actor. En el transcurso de esa búsqueda infructuosa, la pieza, lúgubre y cargada de intensidad, se aliviana dando paso a otros mundos, a otros escenarios, donde los actores se desdoblan en criaturas francamente desopilantes.

Suceso en el off parisino en los últimos años, la obra escrita por Cristian Simeón y Patrick Laviosa sobre una idea original de Jean-Luc Revol, es un hito muy alto en la actual temporada de teatro musical. Jelín mueve los hilos de la propuesta con mano maestra. Colaboran en sus logros la profundidad del libro (oculta detrás de una pátina de liviandad) y las canciones, varias de las cuales seguramente perdurarán en el tiempo. El cuarteto protagónico, y el pianista en escena, Gaby Goldman, que asume la responsabilidad de interpretar también un personaje, se sacan chispas en favor del resultado final. Seku Faillace aprovecha al máximo las limitaciones del espacio físico y consigue hacer bailar a estos hombres en pugna, a la vez que la iluminación y la precisa marcación de los desplazamientos ayudan a construir los múltiples espacios en los que la obra transcurre.

EL GRAN JERRY También en Moliere (los jueves) se viene dando Jerry Lewis. El Rey de la Comedia, un homenaje al gran actor estadounidense bastoneado por un reconocido valor local, Carlos Silveyra (Yo y Mi Chica, Calle 42, El Violinista en el Tejado). Se trata de un unipersonal escrito por Silveyra y Graciela Dos Santos, que intercala monólogos con canciones y bailes, en una suerte de radiografía de época de los años dorados en los que brilló el actor que es un ícono del género cómico.

Casi como si se tratara de un relato autobiográfico, Silveyra mira la vida desde los ojos de un niño signado por el recuerdo de las “tardes vacías de afecto y de ternura” en las que su único consuelo era encender el televisor y sumergirse en el mundo de morisquetas y humor blanco que proponía Jerry. Repasa así los gags y los personajes que más lo hacían reír: el Profesor Chiflado, el Doctor Amor, la pantomima del director de orquesta y la secuencia de la máquina de escribir, inolvidable, de la película Who’s Minding the Store?, de 1963.

Como un mago que extrae viejas fotografías de la galera, con algo de mimo y de melancólico payaso de circo, Silveyra mixtura emoción y risas durante algo más de una hora. Canta con autoridad (como su recordado Lumiere de La Bella y la Bestia), revela buenas dotes para el stand-up y baila, claro, en un verdadero SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 39

tour de force. La coreografía (de neto corte jazzero), al igual que la dirección general, corresponde a Sebastián Codega, y en el diseño de los segmentos de tap intervino Bebe Labougle, quien junto con Sergio Arroyo (supervisión general) han integrado las grandes ligas del teatro musical vernáculo. Silveyra, un verdadero todoterreno teatral, aprovecha la obra para llamar la atención sobre el mal de la distrofia muscular, causa que el propio Jerry Lewis se ocupó de difundir, con lo que el círculo se cierra con un gesto solidario.

FIN DEL MUNDO Y mientras Sandra Guida y Alejandra Radano, la imbatible dupla de Chicago, se preparan para estrenar este mes en París dos obras a las órdenes de Alfredo Arias, Hermanas Peralta y Cinelandia (esta última con el director también como protagonista), en el Théâtre de Montparnase; la actividad aquí no se detiene.

Lautaro Metral, ganador de los Premios Hugo 2011 al Mejor Musical Off y Mejor Dirección en Musical Off por su obra Cuando Callan los Patos, ultima los detalles de una nueva pieza. El 14 de septiembre debuta con El Hijo del Fin del Mundo, una “absurda fábula musical”, como la llama, que ocupará el escenario del Centro Cultural Ricardo Rojas los viernes a las 21, sólo por once El equipo de Cuando Callan los Patos asume un nuevo desafío Foto . gentileza Lautaro Metral

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semanas. “Matías Umpierrez, el curador del área de Teatro del Rojas, fue a ver mi obra anterior y parece que le gustó mucho -le contó Lautaro a BALLETIN DANCE-. Lo nuestro va por el lado de la investigación teatral-musical que ellos tenían ganas de mostrar.

Entonces me convocaron, al igual que a Valeria Ambrosio, para montar una obra original”. ¿Hay puntos en común entre los trabajos de ambos?

No los hay, excepto por el hecho de que a los dos nos llamaron a raíz de una movida linda de musicales que se ha venido generando en Buenos Aires. La gente del Rojas puso el ojo en ese fenómeno y armó este ciclo. En mi caso, se trata del mismo equipo de trabajo de mi obra anterior: están cuatro de los cinco actores de …Los Patos, más algunos músicos e idéntico equipo creativo.

Más allá del interés puntual del Rojas, hay una búsqueda estética que nosotros venimos desarrollando desde hace un tiempo y que nos interesa seguir profundizando.

Después de dos exitosas temporadas, ¿cuál cree que fue el secreto del éxito de Cuando Callan los Patos?

El hecho de que la obra rompe con los esquemas tradicionales del musical. El género en sí mismo está en un momento en el

que ha decidido quebrar ciertos límites para dejar de ser visto como algo liviano y asumir el compromiso de contar historias, ideas, pensamientos, incluso hablar de política. Cuando Callan los Patos circula por lugares muy experimentales en cuanto a la interpretación y a los textos. Es una búsqueda estética más que de un mero entretenimiento. ¿De qué trata El Hijo del Fin del Mundo?

Gira en torno a un personaje llamado Duilio Vázquez, nacido de las reiteradas profecías agoreras acerca del fin del mundo. Yo venía escuchando hablar mucho del fin de los días que preanunciaba el calendario maya, y a la vez notaba cierto malestar social junto con el rumor de que “acá va a explotar todo en cualquier momento”. Frente a esas dos ideas se me ocurrió fantasear sobre cómo sería un personaje nacido a las 0:01 minuto del 1° de enero de 2012, el año del supuesto fin del mundo. Contradiciendo todos los pronósticos, Duilio es un personaje creativo, inteligente y positivo, que asume el pronóstico del fin del mundo como una bisagra hacia algo mejor. Es así que la obra se desarrolla en un futuro ficticio, en tono de absurdo, con un replanteo muy sólido sobre la vida e incluso sobre la actuación.

Este cordobés de 24 años que llegó a Buenos Aires hace seis para estudiar actuación y alborotó la escena alternativa, reconoce al Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) como el ámbito donde descubrió al teatro musical como un género en sí mismo, y a Pompeyo Audivert y Mauricio Kartún como sus maestros en el arte de la dirección y la dramaturgia.

En lo referido a la coreografía, su nuevo trabajo cuenta con el aporte de Juan Gentile, quien “desde la danza buscó interpretar el lenguaje de los cuerpos. Los actores no tienen una formación muy amplia en baile por lo que Juan, con los movimientos que proponía al elenco, armó una coreografía mechada con algunos pasos sueltos, que terminó siendo interesante de ver”, comen-

Anything Goes, la gran apuesta del teatro musical para 2013 Foto . archivo del autor

ta el director. “Dentro del teatro musical es algo nuevo porque incorpora movimientos espontáneos y ciertas rupturas que la danza en el sentido más conservador seguramente no incluiría”, arriesga.

MÁS PROPUESTAS Otro gran laburante del circuito alternativo es Nicolás Pérez Costa (Juicio a lo Natural, Sádica), que hace días nomás estrenó La Puta Enamorada en el doble rol de protagonista y director general. Junto a él encabezan el elenco Candela Cibrián (después de su paso por Drácula y Excalibur) y Agustín Pérez Costa, hermano del primero. La dirección musical es responsabilidad de Nacho Medina. Con esta obra inspirada en la vida del pintor español Diego Velázquez reabrió sus puertas la sala El Bardo (Cochabamba 743), en San Telmo, lo que es motivo suficiente para celebrar.

En Villa Urquiza, en tanto, volvió a escena este mes Alicia en Frikiland, el suceso musical de las vacaciones de invierno. Los sábados y domingos a las 19 en el teatro 25 de Mayo (Triunvirato 4444) puede verse esta versión (muy) libre de Alicia en el País de las Maravillas, con dirección de Diego Corán Oria, orquesta en vivo y coreografía de Seku Faillace. Produce Random Creativos, el mismo equipo de La Parka, el Musical. Para toda la familia.

Y ya entrando en lo que será la temporada 2013, un anticipo confirmado: Florencia Peña estará al frente del elenco de Anything Goes, el vibrante musical de Cole Porter que aquí producirá el empresario Javier Faroni. Peña, que sorprendió en 2009 con su actuación en Sweet Charity, es el único nombre seguro en este nuevo proyecto que debutará probablemente en abril en Buenos Aires.

Lo dicho: de todo y para todos los gustos. Así de amplio es el teatro musical en la Argentina. __BD SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 41

Por Patricia Casañas

De Regreso, y no Sólo en Buenos Aires

A T S I V E R T N E

Maximiliano Guerra dialogó con BALLETIN DANCE, recién llegado de Varna, Bulgaria, y próximo a partir hacia Stuttgart, Alemania, donde montará su coreografía sobre Don Quijote, que se estrenará el 23 de septiembre El amplio estudio principal de La Fábrica de Arte goza de una impensada paz en medio de la siesta porteña. Afuera, sirenas y bocinas dan cuenta del habitual ritmo vertiginoso a que nos tiene acostumbrados la ciudad y sus angustias.

En cambio, en este espacio donde antes hubo una bailanta, Maximiliano Guerra recibe a esta cronista con una envidiable tranquilidad. Acaba de bajar del avión que lo trajo a Buenos Aires desde París; allí recaló para “recargar el alma”, luego de integrar un jurado compuesto por maestros, laureados y grandes figuras de la danza en la Competición Internacional de Ballet de Varna.

“La última vez que fui a Varna fue en el ‘98, diez años después de ganar el premio.

Era una gala aniversario, donde también participaron Patrick Dupond, Aurelie Dupond, Birgit Keil, era una especie de seleccionado”, recuerda Guerra. “Siempre me invitaron, pero recién este año pude

ir y la pasé bárbaro, con muchas emociones, cariño y respeto. Todo cambió muchísimo, Bulgaria ha crecido luego de la caída del régimen comunista. Y el Concurso también, en mi época la votación era con los típicos papelitos que había que contabilizar luego, ahora hay tableros computarizados de donde surgen los promedios”.

También algo ha cambiado en cuanto a las características de los participantes. “Me llamó la atención que el nivel de los varones sea muy superior al de las chicas, que hubiera muchos concursantes y ganadores asiáticos y que no hubiera latinoamericanos. Creo que se puede explicar por la crisis, pero también porque Latinoamérica se olvidó de lo que es ir a competir, a comparar escuelas, a tomar experiencia y a bailar. El bailarín chino de 15 años que ganó el premio en la categoría junior, por ejemplo, es una maquinita, y podemos discutir si tiene sentimiento o no lo que hace, pero lo cierto es que está preparándose desde los 10 u 11 años para competir en el mundo”.

Esa técnica brillante debería ir unida a una cuidada elaboración de los personajes. Hoy, se extraña esa elaboración e investigación previa: “Hay una parte muy atlética de los bailarines, con gran técnica, que preparan desde que empiezan a bailar. Pero yo creo que no solo en la danza, sino en el mundo en general hay una gran falta de alma, de sentimiento. Uno de los participantes bailaba divinamente la variación de Acteón, con una enorme

Jurado de la 25º Competencia Internacional de Ballet de Varna, presidido por Yuri Grigorovich (Rusia), Peter Loukanov (Bulgaria), Constantin Dutu (Rumania), Xiao Suhua (China), Aurora Bosch (Cuba), Valentin Elizarev (Bielorusia), Viara Natcheva (Bulgaria), Gábor Keveházi (Hungría), Evgeniya Krasteva (Bulgaria), Eldar Aliev (Estados Unidos), Kenichi Soki (Japón), Clotilde Vayer (Francia), Maximiliano Guerra (Argentina), Merih Bahar Çimenciler (Turquía), Sun Hee Kim (Corea), Tursynbek Nurkaliyev (Kazakhstan), Hikmet Mehmedov (Bulgaria).

Foto . gentileza del artista

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sonrisa. Evidentemente, habría que contarle quién era Acteón y qué es lo que le pasaba. Eso tiene que ver con la cultura. Y otros hacían variaciones que no le quedaban para nada bien, y eso tiene que ver con el coach, con el maestro. Para ser artista primero hay que ser un artesano, hay que laburar, investigar, saber, leer, vivir, hay muchas cosas pequeñas que tienen que ver con lo que es la creación de un artista”. ¿Quiere decir que ‘todo tiempo pasado fue mejor’?

“No, todo evoluciona, y no sería bueno que no fuese así. La generación de Nureyev bailaba de una manera; la nuestra, la de Manuel Legris, Julio Bocca, Carlos Acosta, Vladimir Malakhov o yo, copiábamos cosas de los gimnastas o las inventábamos en la sala de ensayo. Hoy día todo eso se transmite con gran velocidad, pero esa evolución técnica, que es buena, no está acompañada por una evolución artística. Vi variaciones del primer acto de Giselle con strass en los trajes, y no una sino varias, es una cuestión de falta de búsqueda del conocimiento. Pero es grave desde nuestra perspectiva, desde el lugar de ellos ni se dan cuenta”. ¿Cuál es su aporte, como referente de la actual generación, para revertir esta falencia?

“Trabajo en eso cuando pongo una obra, mando a los bailarines a investigar sobre el tema y sobre cada personaje. Previamente, hago un trabajo propio con Manuel Callau, que desde hace unos años nos hace todas las direcciones actorales, de donde sale una dramaturgia. Luego, empiezo a poner la coreografía. Trato de que los bailarines piensen cómo traer a su personaje de la situación original a la de hoy, y creo que les abre mucho la cabeza. Somos curiosos, y esto hay que aprovecharlo”.

Toby y la Fábrica Volviendo a su propia formación, son interesantes los comienzos de Guerra en las lides actorales.

“A los 14 años tuve una experiencia maravillosa con Jorge Rocca, régisseur, que para su examen en el Instituto del Colón quiso hacer un acto de la ópera La Medium de Menotti, que tiene un personaje mudo, Toby. Él quería que lo hiciera un bailarín, porque creía que el movimiento sería mucho más estético. Me seleccionó, lo hicimos en el examen, y luego en el Teatro El Vitral. Junto con los cantantes nos reunía y nos ponía a improvisar, y así empecé a trabajar actoralmente, buscando los motores emocionales dentro mío”. ¿Existen esperanzas de volver a ver a Maximiliano Guerra actor?

“Tengo proyectos de teatro y también de volver a hacer cine. Soy muy inquieto y mi cabeza está permanentemente generando ideas nuevas, aportando lo que es lo mío que es la danza”.

Dentro de esos proyectos, la Fábrica de Arte es un emplazamiento en Maza al 400, donde Guerra apuesta a la formación integral de artistas.

PRÓXIMAS FUNCIONES DE CARMEN: 28, 29 y 30 de septiembre: Bolívar, Punta Alta y Tornquist (Prov. de Buenos Aires) 10 de octubre, ND Ateneo, a beneficio de la Fundación AxV (Adolescentes por la Vida) 6 de octubre: Santiago del Estero 13 de octubre: La Plata (Prov. de Buenos Aires) 20 de octubre: Auditorio de Belgrano (Ciudad de Buenos Aires) 27 de octubre: San Martín, al aire libre (Prov. de Buenos Aires) “Tenemos danza clásica, contemporánea, árabe, flamenco, actuación, canto, pintura y escultura. Me interesa que los chicos, más allá de que después vivan o no de esto, tengan creatividad, para poder liberar la imaginación y la emoción, y ponerlas concretamente en algo”.

Yendo del Colón al living ¿Cuál es su opinión sobre el estado de la danza hoy en nuestro país?

“Creo que falta unirse. Hay iniciativas dispersas, el Colón por un lado, La Plata por el otro, y no hay algo que nos una para ir hacia el mismo lugar. Sería bueno tener una dirección, a nivel país, hacia dónde ir. Por otro lado, sabemos que es muy difícil conseguir adhesiones, porque obviamente es más fácil poner el nombre de una firma en una camiseta de fútbol que aportar a la danza. Pero todo se puede: hace 13 años que tengo el Ballet del Mercosur, y siempre hice todo con mi esfuerzo, a veces gané y a veces perdí, pero en todo este tiempo pude formar bailarines. La mitad del Ballet Argentino de la Plata pasó por el Ballet del Mercosur, y en el Colón y en el San Martín también tenemos ex integrantes”.

“Individualmente, no tenemos la exposición que tendríamos que tener, pero tampoco está el deseo por parte de los nuevos artistas. Julio (Bocca) y yo hicimos ese recorrido: buscamos popularizarnos para popularizar la danza. No hay divulgación, por ejemplo, de la cantidad de bailarines argentinos que hay por el mundo, en Alemania, Italia, Francia. Y sin embargo, se conoce más a Iván Vasiliev que a Herman Cornejo”.

Hablando de exposición ¿qué le aportó su participación en el programa televisivo Talento Argentino?

“Estar en la televisión me desasnó de un mundo que yo pensaba que era otra cosa. Además pude ayudar a un montón de gente que ahora están trabajando; también encontré coincidencia con una mentalidad que siempre mantengo que es la de federalizar.

Talento Argentino es un programa que te trae, te muestra, y eso es bárbaro para muchos participantes que he encontrado incluso en mis giras. En particular, el programa me dio eso de entrar al living de la casa de la gente desde otro lugar. Siempre fui conocido, me han saludado los taxistas, los verduleros, pero viéndome como “el bailarín del Colón”; en este caso creo que la pantalla me humanizó, se acortó esa distancia que da el escenario”. __BD SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 43

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Bestial Soledad Por Román Ghilotti Algo inherente a un animal lo constituye su misma presencia como unidad que, desplegando lazos e intercambiando con su medio, de todos modos lo muestra como único y aislable La Compañía David Señorán, que dirige el homónimo, presenta Las Bestias en el Espacio Cultural Pata de Ganso, los sábados a las 21 hs.

En el programa de mano se aclara que la pieza se centra en la “masculinidad desde un punto de vista performativo”, detallando que esto va en la “ficcionalización del cuerpo”. Siguiendo esta premisa, lo performático, o mejor aún, la performatividad pone en juego una visión de la construcción de lo masculino.

Esto es: la insistencia y decisión sobre un enfoque de acción que carga determinado sentido, ese modo de la masculinidad, más que la simple aproximación de las performances usuales que rescatan especialmente el acontecimiento en su mera deriva de sentido, muchas veces sin terminar de tomar partido por algo de esa deriva.

Lo ficcional es, en la pieza, el reconocimiento de aquellos aspectos de fuerza y efectividad elementales como gesto de lo caracterizado como masculino. Pero, en este mismo desarrollo, quedan expuestos los otros aspectos presentes necesariamente en tanto los personajes son hombres, humanos, animales.

En los cuerpos y gestos, las construcciones remiten directa o tangencialmente a rasgos de vigor físico, de fuerza, de improntas agresivas, puestas en las acciones mismas, a la vez que remedan signos culturales feéricos y mitológicos: silenos, faunos, caballos, u otros vínculos corporales con imágenes de potencia animal, concreta o fantástica.

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La emergencia en soledad del cuerpo hacia su construcción como masculino (desnudo: Bartoli; de pie: Farías, Tello, Avendaño Suarez, Gil) Foto . Lucia Miranda

La simpleza del discurso muestra a un hombre desnudo (Alegre Bartoli), imagen de cierta vulnerabilidad, en encuentro con otros vestidos casi socialmente (vestuario: Mariela Iturregui). Cada ser, tanto los agrupados y vestidos, que repiten actos de machismo animal con violentas sacudidas o resoplidos, raptos de acción de mostración de fuerza, pasos de golpes contra el piso, en comportamientos de sesgo feral, como el desnudo, de acciones tímidas y hasta medrosas, se observan mutuamente, sin terminar de presentarse a un intercambio, recelosos unos del otro y viceversa, en definitiva, cada uno de ellos en soledad. Un deseo latente de encuentro y reunión, conjugado con precauciones y sigilos o miedo, hacen que las interacciones se focalicen en lo difícil de efectivizar tales encuentros. El riesgo del otro, no porque destruya sino porque es otro, porque es desconocido, porque podría algo que no se sabe qué pueda ser; ese peligro respecto del otro cierra mucho del vínculo posible, aunque no lo clausura: hay deseo de ese estar en reunión.

En este estado elemental, primitivo y solitario, que aboga por lo gregario sin completarlo, y sin mediaciones de palabras, sin lenguajes y sólo con arremetidas de discursos de las acciones en espacios y tiempos, construyen el modo de una masculinidad que termina por absorber al solitario desnudo como uno más con conductas análogas al grupo: también se torna más feral y hasta feérico, y asimismo sigue denunciando la soledad inmanente a una construcción (una forma de masculinidad que resalta especialmente la fuerza agresiva) que restringe posibilidades de comunión.

Es interesante que Las Bestias, como cierre, repite la ficcionalización original con un nuevo ser que aparece en su desamparo contrapuesto al resto, como indicación de que se debe insistir en la performatividad porque, en definitiva, hay una soledad inherente a cada ser allí presente que podría reclamar otra masculinidad, o incluso, anular esa diferencia de masculinidad en pos de un reconocimiento más pleno, cosa que, quizá, y como metamensaje de la pieza, podría poner en tela de juicio una de las bases de las construcciones culturales: aquello del reagrupamiento (en este caso por género) para ejercicio de poderes.

En función, una muy buena participación, tanto en términos kinéticos como en expresividades, por parte de todos los bailarines (además de Bartoli: Iván Asborno, Leandro Bustos, Oscar Farías, Matías Furio, Martín Gil, Jhonatan Gonzalez, Nahuel Leopoldo Ledesma, Mauro Poledo, Andrés Avendaño Suárez, Matías Tello y Nahuel Valenzuela), dieron a la ficcionalidad de la masculinización un acertado encuadre. __BD SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 45

-flamenco En clave flamenca

-tango Juego Tangueado

-contemporáneo Las Bestias

Dirección: Adrian Galia y Héctor Romero. Jueves 22:30 hs. Teatro El Picadero (Pasaje Santos Discepolo 1857, Tel: 4373-5554).

Coreografías y dirección: Mecha Fernández. Silvia Copello y Jorge Capussotti. Sábados 21 hs. Teatro del Pasillo (Colombres 35, Tel: 4981-5167).

Compañía David Señoran. Sábados 21 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

Foto: Lucia Miranda

-teatro danza La Historia del soldado De Charles Ferdinand Ramuz. Dirección y Puesta en Escena: Mario Martín. Coreografía: Jenifer Ferraro. Música: Igor Stravinsky. Bailarina: Jenifer Ferraro.

Viernes 20 hs. La Scala de San Telmo (Pasaje Giuffra 371, Tel: 4362-1187).

-contemporáneo Festival Buenos Aires Danza Contemporánea

-contemporáneo Festival Magnética Proyecciones, diálogos, seminario, charla, fiesta. Hasta el 14. El Sábato Espacio Cultural (Uriburu 763, Tel: 43744448 int. 6404).

-comedia musical infantil Jack y las semillas mágicas De Federico Herrera. Coreografía: Pablo Nuñez. Sábados 16 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

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-musical Ocatonga

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Música, libro y dirección: Nicolás Barroso. Dirección de Ballet Flamenco: Victoria Matta. Dance Captain: Guido Vater. Miércoles 21:30 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

Cartelera

Del 4 al 8 de octubre. Obras de Carla Di Grazia, Pablo Castronovo y Sebastiao Soares, Villa Arguello, Celia Argüello Rena, Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur, Martín Piliponsky y Elia Mrak, Alina Ruiz Folini, Inés Armas, Marco Sanguinetti, Fagner Pavan y Hernán Bermúdez, Bárbara Hang y Ana Laura Lozza, Fabiana Capriotti, Pablo Lugones, Marta Lantermo, Jazmín Tesone, Natalia Casais, Pilar Shinji, Verónica Ravetta, Luciana Lima y Julia Sbriller, Grupo Los Mismos. Programación completa de salas y fechas en internet: www.buenosairesdanza.gob.ar.

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5 de octubre de 1944, California, Estados Unidos 6 de agosto de 2012, Río de Janeiro, Brasil Uno de los más importantes exponentes del ballet del Siglo XX, vinculado fundamentalmente con John Cranko (desde 1962 en el Stuttgart Ballet) y con Marcia Haydée con quien estrenó Romeo y Julieta, Onegin, La Fierecilla Domada y tantas otras magistrales creaciones. Juntos fueron una de las legendarias parejas de baile de su época, también casados en la vida real durante 16 años.

Continuó en Stuttgart hasta su retiro en 1996, trabajando a la vez de la mano de otros coreógrafos de la talla de Kenneth MacMillan, John Neumeier, Jirí Kylián, William Forsythe, Glen Tetley, Peter Wright, Mats Ek y Maurice Béjart, en su elenco e invitado en las compañías más importantes del planeta.

Dirigió el Ballet de la Opera de Berlín de 1996 a 1999, cuando se radicó en Brasil, donde fundó la compañía de danza DeAnima, un proyecto de inclusión social, junto al coreógrafo Roberto de Oliveira. __BD

In Memoriam

RICHARD CRAGUN

NIGEL CHARNOCK 23 de mayo de 1960, Manchester, Reino Unido 1º de agosto de 2012, Londres Formado en la London School of Contemporary Dance, Nigel Charnock fue uno de los fundadores del grupo DV8 junto a Lloyd Newson en 1986, que abandonó seis años después. En 1995 fundó su propia compañía en la que también bailaba, esquivando siempre el circuito de los mega emprendimientos.

Calificado por la prensa como artista polifacético y excéntrico, estuvo asociado a Wendy Houston, trabajó para la compañía Candoco y fue director artístico de la Compañía de Danza de Helsinki (2002-2005). Una de sus últimas creaciones fue I’m Water, I’m Weightless interpretada por actores discapacitados físicos y sordos, para el Teatro Nacional de Gales.

Cientos de mensajes fueron enviados y publicados en su portal de internet, con motivo de su repentina muerte (se le diagnosticó cáncer en junio de este año), se encontraba realizando una nueva obra, titulada 10 Men. __BD

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Por Enrique Honorio Destaville

Una Comedia Cómica Encantadora

S O I R A T N E M O C

En vacaciones de invierno, el Ballet Estable del Teatro Colón mostró en horarios del mediodía, Baile de Graduados de David Lichine destinado al público infantil Las grandes danseuses rusas que salieron de su patria, muchas de ellas clandestinamente, empobrecidas por la gravísima situación de su país en la Primera Guerra Mundial y la Revolución de 1917, habían sido en su gran mayoría, figuras de relieve en los Teatros Imperiales como el Mariinsky de San Petersburgo o el Bolshoi de Moscú.

Establecidas en París (Francia), no tardaron en abrir sus prometedores estudios donde pasaban el día enseñando con la pasión que siempre les fue propia. Sus discípulos más apreciados fueron -justamente- los hijos de los refugiados rusos, que estaban seguros de las enseñanzas que les impartían maestras como Olga Preobrajenskaia, Lubov Egórova, Matilde Felixovna Tchessinkaya y también el maestro Aleksandr Volinine.

Una cantidad respetable de aquellos discípulos llegaron a ser exitosos: Ludmila Tcherina, Irina Baronova, Nina Tikanova, Oleg y Wasil Tupin, Tamara Toumanova, Vladimir Dokoudovsky, Tamara Grigorieva (nacida Sidorenko), sin olvidar a Tatiana Riabouchinska y a David Lichine1 (nacido de apellido Liechtenstein).

Al morir el famoso creador de Les Ballets Russes -Sergei Diaghilev- en 1929, su elenco se desbandó, pero otras compañías se formaron con los antiguos integrantes y con los jóvenes formados en Francia. El Original Ballet Russe du Colonel de Basil2 al que se integraron Riabouchinska y Lichine, este último cambiado su apellido para hacerlo más fácil de pronunciar.

Con aquella Compañía habían de viajar durante la sangrienta Segunda Guerra, visitando América del Sur y también Australia. Fue allí justamente donde estrenaron esta obra, en la gran ciudad de Sydney. Lichinecoreógrafo intentaba alejarse, por medio del argumento, de la contienda y ponía a prueba sus conocimientos de historia, pues trataba de evocar a Viena (Austria) llamada “la capital del vals” en aquel tiempo de la “belle époque” durante el cual el Imperio de los Habsburgo mantenía aún cierto esplendor.

Es evidente que el coreógrafo intentaba algo nuevo como argumento. Quería hacer reír sanamente al público que los seguía con satisfacción, algo que hasta ese momento no era habitual. Lichine era joven entonces pero ya tenía la experiencia de haber bailado algunas obras de George Balanchine –quien lo estimaba mucho- y también conocía los ballets de la Tradición. Estaba visiblemente preparado, descontando que era su talento artístico el que lo apoyaba en el proyecto creativo, que ya había dado cuenta en varias obras3.

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Nadya Muzyka y Edgardo Trabalón maravillosos en los roles principales Fotos . Alicia Sanguinetti

Ambartsoumian como el General y Daniel Negroni como la Regente

Además, resulta necesario tener bien presente que las diversas partituras de Johann Strauss II obraron muy a favor de la creación de Baile de Graduados, que sustentan el argumento con una exactitud que sorprende. Al escucharlas luego de que el director de orquesta y compositor Antal Dorati tuvo elegidos temas completos de diversos títulos, y para adecuarlas, le agregó breves o brevísimos momentos musicales del llamado rey del vals... entonces su interés por escuchar fue mayor y la obra se amalgamó.

EN EL COLÓN La obra de Lichine fue repuesta en julio para el Ballet del Teatro Colón por Liliana Ivanoff Este ballet se repuso en el Teatro Colón con motivo de las vacaciones de invierno. Se lo representó como único y a hora matinal.

La sala estaba repleta de público que siguió con sumo interés las idas y vueltas de dos personajes que con gestualidad y habilidad supieron mimar y bailar con técnica correcta este ballet ejemplo de Modernismo, y por tanto de las directivas que enseñaba Mikhail Fokin.

Mientras lo preparaba Lichine comprobó que en tanto sobraban los momentos lentos de la obra faltaban aquéllos que permitieran exhibir el virtuosismo técnico. Con notable acierto los introdujo como la muestra de complejidad de la obra, la técnica brillante de dos solistas que intervienen en la llamada “competencia de los fouettés”. Sin embargo fue un pasaje que el día de esta crónica faltó de perfeccionamiento, que seguramente Liliana Ivanoff haya hecho ensayar después hasta lograr la perfección de las dos solistas Candela Rodríguez Echenique y Laura Domingo.

El otro momento dificultoso de la puesta es el toque del Tamborillero, con el rigor de una marcha que efectúa uno de los cadetes mientras debe danzar de frente y girando. Se le asignó al alumno del Instituto Superior de Arte Maximiliano Iglesias, quien respondió con lograda firmeza y concentración, y obtuvo el reconocimiento de la audiencia.

El Cuerpo de baile se movió con la gracia requerida para esta obra chispeante y los solistas afrontaron con ese mismo ánimo el ballet de Lichine. Parte de este mismo se dedicó a animar el conjunto de bailarines intervinientes. Entre los solistas se destacaron la pareja de Silvina Vacarelli y Adrián López que bailó la escena dedicada a evocar a La Sylphide, con sensibilidad y muy buen trabajo técnico.

El argumento concentra la acción en una gran fiesta organizada en la misma institución en la que vivieron y estudiaron las internas a las que se les permitió festejen su graduación con la colaboración de la añosa preceptora, e invite al convite a los cadetes establecidos en una unidad militar próxima, mandados por un alto oficial, con barba y bigote a lo “Francisco José” 1. Los devaneos amorosos del “viejón” hacia la madura celadora y los “sí, nó” de ella, constituyen los momentos más risibles, encarados por la pareja como grotescos personajes que también bailan.

Daniel Negroni y Vagram Ambartsoumian asumieron con gran éxito la caracterización de sus papeles. A este último se le agrega otra responsabilidad en la larga lista de roles que ha ido representando desde que llegó a Buenos Aires procedente de Armenia hace varios años. __BD 1

2 3 4

David Lichine murió aún joven en 1971. Había sido alumno parisino de Aleksandr Volinine “y ojos abiertos y oídos dispuestos a escuchar” de cuanto coreógrafo conociera en ocasión del montaje de algún ballet en el que intervenía. Nacido al costado del gran río Don, en Rostov, era hijo de un militar y junto a su familia salió de Rusia al agudizarse los problemas que condujeron a la revolución de 1917, para radicarse en Francia. Allá conoció a Volinine que lo formó como bailarín e inmediatamente trabajó en la Compañía de Ballet de Ida Rubinstein. Tal como le ocurrió a Sir Frederick Ashton mientras actuó en el mismo elenco, fue impactado por la grandeza de la Rubinstein. Recibió las enseñanzas de la coreógrafa Bronislava Nijinska más tarde con los Ballets Rusos herederos de Diaghilev. Se mantuvo junto a Balanchine en parte de la década de los años ’30. Con la Compañía de Basil bailó en la Argentina habiendo pertenecido al Ballet Estable del Colón unido al anterior por un año. Casó con Tatiana Riabouchinska.

“Colonel” de Basil y no Coronel, pues así se había formado en Francia aquella compañía.

Lichine tenía facilidad de tratar y pasar en sus obras de lo muy triste a lo muy gracioso.

Penúltimo emperador de Austria y de la dinastía Habsburgo que reinó muchos años y fue el marido de la famosa Sissi (la emperatriz), y padre de Rodolfo, heredero del trono, que tronchó su vida suicidándose junto con su amante casi adolescente María Vetsera, muriendo los dos en el Pabellón de Caza de Mayerling. El grande coreógrafo británico Sir Kenneth MacMillan, profundamente interesado en los hechos que llevaron a la muerte de la pareja, creó el ballet Mayerling.

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La Bella Que es Más Bella…

Por Enrique Honorio Destaville El Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Lidia Segni, presentó el mes pasado La Bella Durmiente del Bosque de Marius Petipa en versión de Karl Burnett, sobre partituras de Piotr Ilich Tchaicovsky a cargo de la Orquesta dirigida por Luis Gorelik La nueva versión -que se había montado en julio de 2011 en el primer coliseo- coreografiada por el británico Karl Burnett para el Ballet Estable del Teatro Colón, señala llamativa insistencia sobre la reposición de esta magnífica obra de Marius Petipa, cuyo original se estrenó en 1890 en el legendario Teatro Mariinsky, de San Petersburgo.

La reposición del canevas de Burnett ha aprovechado la creativa actividad de argentinos que se distinguen en esas disciplinas que engrandecen al ballet. Mejor aún cuando se trabaja sin excesivas restricciones al gasto y se puede concretar una brillante nueva puesta diseñada y realizada como en esta oportunidad, a la que concurrieron para ese fin distinguidas personalidades que a ello

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contribuyeron (Aníbal Lápiz, autor del atrayente vestuario, Cristián Prego extraordinariamente inspirado para la escenografía, y de igual tenor la iluminación de Roberto Oswald).

La Bella Durmiente del Bosque es una obra antológica del clasicismo académico, paradigma que en su momento de creación tuvo al gran Tchaicovsky como uno de los que engrandecieron al ballet ruso imperial por la calidad dramática que se desprende de sus creaciones y su valor como música de escena.

Derecha: Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo, una pareja cada día más asjustada Derecha, abajo: Silvina Perillo y Federico Fernández, protagonizaron el segundo reparto Abajo: Un cuento de hadas lleno de princesas Fotos . Alicia Sanguinetti

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Sería favorable la eliminación del pas de deux que Burnett introdujo en el último acto para la fiesta en palacio, totalmente neoclásico, prescindible desde que su estética es absolutamente ajena tanto a Petipa como al contexto del célebre ballet. No obstante, sigue siendo una obra que permite que numerosos integrantes de la Compañía tengan oportunidad de intervenir, y por otra parte, con confusión estilística o sin ella La Bella Durmiente del Bosque, basada en el cuento de Perrault, debe ser grandiosa en su concepción.

En cuanto al Ballet Estable del Teatro Colón su desempeño fue superior al del año anterior desde el punto de vista técnico. La gran falla que presentan aún sus intérpretes, es la falta de matices, el calor que necesitan ciertos personajes que parecen vivir en el frío glacial, la compenetración con el estilo (que con seguridad se les enseñó en el Instituto Superior de Arte). La Bella Aurora, es una princesa, es la nobleza y el señorío, la contención de una mujer noble que no sólo se ha despertado milagrosamente sino que ya se siente llamada a cumplir con sus responsabilidades, pero siempre contenida. Justamente, es lo que le falta a muchas de nuestras bailarinas, no a Silvina Perillo que sabe de su ubicación, y de su gracia, por ejemplo.

En cuanto a los bailarines, Juan Pablo Ledo demostró estar imbuido de lo que se le enseña, y como siempre, muestra que su ideal es Julio Bocca, con una notable técnica que le permite 54 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2012

Edgardo Trabalón y Maricel De Mitri, en el pas de deux del Pájaro Azul Foto . Alicia Sanguinetti

ser un virtuoso, así se lo vio también como partenaire en los poissons (pescados) donde Karina Olmedo sabe brillar y moverse con seguridad. Por otro lado, el partenaire de Perillo (para el otro reparto) fue Federico Fernández, cuyo físico ya lo relaciona con lo noble, que es lo que requiere el personaje principesco, pero aún debe complementarse con las características de aquél.

Dignos de mención actuaron: Igor Gopkalo con su pantomima de lógicos movimientos representativos con los que en aquella época de fines del siglo XIX se trataba de suplantar la danza; la bella y plástica Virginia Licitra en el papel de Hada Carabosse, sinónimo de maleficio y malévola como ninguna; el hada de Silvina Vacarelli que sabe de dónde provienen los extraños movimientos que efectúa; el conjunto de ellas con muy buena actuación con Marta Despérès la conocida Hada Lila; y Vagram Ambartsoumian, como Bota de Siete Leguas, el partenaire de la gatita, extraordinario.

La Orquesta que estuvo dirigida con firmeza por Luis Gorelik, ejecutó con solvencia la partitura creada por Tchaicovsky. __BD

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De Líneas Neoclásicas Por Agustina Llumá El Ballet Concierto de Iñaki Urlezaga se presentó el mes pasado con entrada libre y gratuita en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires La compañía, liderada por el propio Iñaki Urlezaga junto a Lilian Giovine, ofreció dos funciones de Carmen de Alberto Alonso (que fueron transmitidas en directo a través del programa nacional Identidad Cultural) y otras dos de Aires de Tango de Celia Millán, en unas lluviosas y frías noches del 9 al 12 de julio.

En lo que marca la ópera prima de Celia Millán, la obra de noche completa, incluyó una formidable selección musical con partituras de Astor Piazzolla, Oscar Maderna, Sebastián Piana y Cátulo Castillo, entre otros.

Aires de Tango es una combinación de cuadros que se hilvanan con el relato de diferentes anécdotas que suceden a un director de orquesta (Urlezaga) junto a los músicos (elenco masculino) y los instrumentos (elenco femenino). De estos últimos, los protagonistas son el bandoneón (la grácil Eliana Figueroa) y el piano Escena final de Aires de Tango Fotos . gentileza de la producción

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(la precisa y larga Celeste Losa). Ayudada por unos paneles y cubos móviles, con luces de diferentes colores según la melodía, la escenografía cambia a cada instante, de acuerdo al tango que habrán de interpretar.

Las coreografías se basan en lo que Millán más ha bailado en Europa, un estilo neoclásico (con el uso de las zapatillas de puntas para las mujeres), en el que predominan piernas altas, elevaciones y más elevaciones, flexiones de torso de máxima amplitud, y muchísimo trabajo de partenaire en duos, tríos, cuartetos y hasta en quintetos. Las secuencias presentan por tanto, una exigencia técnica a la que los bailarines aún no se han habituado, pero que reflejan agradables y bellas líneas estéticas.

Cada bailarina, además de tener bordado el instrumento que interpreta en su ropa, realiza su mayor actuación coincidente musicalmente con los solos de esos instrumentos, junto a un cuidadoso y sensible cuerpo de baile.

De una duración precisa, y refinado y moderno vestuario, Millán dio una vuelta de tuerca original para salirse de los cánones habituales del espectáculo de tango bailado, en lo que se vislumbra una futura e interesante carrera creativa. __BD

I単aki Urlezaga y Eliana Figueroa

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Una rémora de esa curiosidad, actualizada al siglo XXI, puede apreciarse en el programa recientemente estrenado por la compañía: Ese Lugar, Estereoscópica y La Casa del Diablo, coreografías de Gabriela Prado, Ana Garat y Pablo Rotemberg, respectivamente.

Tres coreógrafos que trabajaron sus coreografías también como coautores-editores de parte del programa de mano, que, definitivamente, completa la posibilidad de significancia de las obras.

Prado aportó textos propios y una edición de fragmentos de La Foto del Momento, poema de Juana Bignozzi. El recorte y la selección de los versos de la poeta abrieron su juego a un instante que da en memoria y fijación de tiempo, detención a “un lugar que amaba”. Además, en sus propias líneas, la coreógrafa puso en sentido la expectación por el sitio de la escena para quien baila, lugar al que se arriba pasando sombras, oscuridades, antes de bailar.

Los bailarines desplegaron Ese Lugar dejando en claro que es el espacio de danza desde varios focos: allí donde hay dinámicas contrapuestas, alegres juegos de formas, y también presencias del cuerpo concretas y fulguraciones oscuras, sombras de los acentos expresivos de alguien que baila. Combinando lo clausurado y lo inacabado, Prado mezcló desarrollos de grupos y pequeños solos con solos en sombra. Agrupados en distintos números, los intérpretes bailaron estableciendo claras secuencias y variaciones, ágiles, divertidas, cerrando filas a lo lúdico como modalidad efectiva de sesgo contemporáneo. Por otra parte, en otros tramos, lo inconcluso se plasmó en que alguien bailaba en soledad delante de una gran pantalla, sobre la que se proyectaban sombras que bailaban en otras soledades y en otros tamaños, ominosas presentaciones de alguna zona que podría tomarse como mental, como figu-

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Theo Yano, falsa geisha

Por Román Ghilotti

La Canción Sigue Siendo la Misma, Aunque…

S O I R A T N E M O C

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín tiene un nombre del que se puede decir que es, por lo menos, curioso, ya que reúne “ballet” y “contemporáneo”, dos lenguajes que, durante el siglo pasado, caracterizaron una fuerte tensión y hasta oposición

ración imaginaria del bailarín respecto del cuerpo que baila, y sólo en sombra, cuerpo o forma de danza aún inacabada.

Ana Garat, en su coreografía, construcción a partir de una idea de ésta junto a Pilar Beamonte, responsable del vestuario, se adentró en lo que perfiló en su porción de texto del programa de mano: “Nada en la naturaleza tiene un contorno definido. Un cuerpo en movimiento (…) produce infinitas imágenes. Al fundirse en el espacio escénico (…) entre la subjetividad de la percepción y la distorsión de los contornos (…) cada mirada construye su propia imagen.”

La calidad de lo estereoscópico da una visión que es resultado de la fusión de dos imágenes relativas a los puntos de vista individuales de cada uno de los ojos de alguien. Lo estereoscópico supone una densidad, profundidad de campo, relieve y textura de lo observado que resulta de la misma construcción estereoscópica (ya sea por medio de un aparato óptico -para ver- o por proyecciones de diversas imágenes reunidas -para mostrar-). Esta duplicidad fusionada fue resuelta, coreográficamente, valiéndose del vestuario y de la organización de los motivos de movimiento. Dualidad de vestimentas: polleras a modo de tutús románticos, enormes

y algo tiesos, pero oscuras y con numerosos lunares grandes, blancos, voluminosos, plásticos; luego, ajustados atuendos que proponían ambigüedades entre vendajes, tiesuras uniformadas, androginia a un tiempo helada y sensual. Dualidad de movimientos: evoluciones en redondo, circulares, lentas y sostenidas; luego, favorecimiento de desplazamientos lineales, recorridos aún básicamente lentos pero sobre corporeidades espigadas, hacia la vertical. Y esto con dos momentos centrales: uno, con polleras, construyendo visiones que podrían caracterizarse de anfibológicas en tanto aunaban el peso a tierra (las amplias faldas rozaban el piso en recorridos lentos) con la ligereza del tenor sostenido y hasta leve en que, como flotados, evolucionaban los cuerpos en un inmenso escenario oscuro. El otro momento: ciertas rigideces con algo de autómatas, secuenciaciones en exactas medidas, ya sin polleras que, quietas, pendían de lo alto. El ejercicio resultante: co-construir, como espectador, de esas abstracciones (la totalidad del discurso en danza parecía sólo rastros de algo mayor) el entramado y la objetividad de lo que se veía bailado.

La elección de Pablo Rotemberg fue August Strindberg. Al programa de mano agregó un fragmento de la nouvelle Infierno.

Una posibilidad de lectura del texto del autor sueco es que su infierno es el estado de estar en el mundo en cuanto hay otros, especialmente femeninos (el texto tiene matices autobiográficos relativos a sus alteraciones mentales y a su segundo matrimonio, puntal de la misoginia del escritor). Esta perspectiva afirmaría que se está (estamos) en el infierno, incluso (o especialmente) estando en casa. Y, como buena imagen de lo infernal, lo aparentemente caótico, violento, disruptivo es su señal, con inclusiones de engaños seductores. El fárrago de disímiles estilos musicales (de Shostakovich a ABBA) acompañó el trabajo del coreógrafo que incluyó imágenes, con preponderancia del rojo, de personajes algo torturados, muy sexuados o asexuados, una falsa geisha, y bailarines que se asumen como personajes bailarines frente a un público. Esto nutrido de estructuraciones espaciales y dinámicas fuertemente marcadas en términos contemporáneos, en cruce con algunos elementos entre teatrales naturalistas o de pantomima. La búsqueda de la sorpresa y el humor resultó efec-

Diego Poblete y una sombra

tiva, sin alcanzar la ironía, en la ausencia aparente de solución de continuidad (pero, ¿qué continuidad sería esperable en los aposentos demoníacos?; sólo la de su señor, que, obviamente, tendría que dejarnos en dificultad de ilaciones).

Aunque aparentemente dispares (pero, en definitiva, todavía -y, quizá, siempre- la sola apariencia, sin la reflexión ulterior, alcanza para funcionar como espectáculo de danza), las tres piezas, impecablemente bailadas y expresadas por el primer elenco de la compañía, mostraron una rigurosa unidad para un “ballet contemporáneo”: expuestas netamente al público, frontalmente, sostenidas en enunciaciones del programa de mano, armadas sobre secuencias claras en pos de precisiones, con contraposiciones de dinámicas mayormente binarias, y con pocos tramos liberados al momento.

Pero, y como un aunque del aunque: la canción sigue siendo la misma: ballet-contemporáneo, alguna continuidad aún del imperio de las formas subsumidas a cuerpos en obediencia, y, a la vez, aunque en esta oportunidad con unas propuestas que juegan en el filo estilístico dentro de una institución con marca estilística (sin llegar aún a una posición de sostener otras afirmaciones, aunque estas no fueran ni críticas, ni irónicas, ni reflexivas). __BD

Las lentas evoluciones redondas Fotos . Carlos Furman SEPTIEMBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 59

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Tango y Folklore sin Artificios Nicole Nau y Luis Pereyra estrenaron en Buenos Aires el espectáculo que hoy presentan en gira por Europa. Una recreación del patio de tierra provinciano y el arrabal porteño, con sus silencios, la música, la poesía, y la danza como expresión máxima de los sentimientos Cuando estas líneas lleguen a manos del lector, Tango Puro Argentino…y Más! habrá iniciado ya una extensa gira europea.

Serán en total 34 funciones en teatros, además de presentaciones en televisión, que arrancaron el 30 de agosto en la ciudad de Colonia y continuarán en Berlín, Hamburgo, Stuttgart, Bonn, Francfort, Düsseldorf, Solingen y Branau, entre otras ciudades de Alemania, Austria, Bélgica y Holanda. Varias de ellas ya se anuncian con localidades agotadas.

Nicole Nau y Luis Pereyra, los directores del espectáculo, son artistas muy conocidos en el viejo continente. Anualmente cumplen con el ritual de una tournée por aquellos lares que, evidentemente, el público fiel espera con ansias. A la vez, la pareja de bailarines y coreógrafos ha convertido en una sana costumbre estrenar en Buenos Aires las propuestas que luego echan a rodar por el mundo. Y ésta no ha sido la excepción. El 5 de agosto pusieron punto final a una serie de ocho funciones en el porteño Centro Cultural Borges, en las que pudo verse en versión completa la obra que hoy aplauden públicos foráneos.

Lejos del vértigo que es denominador común en otras propuestas del estilo, con una sucesión de temas y artistas que compiten por noquear, a cual más duro, al espectador, la aspiración de los crea-

dores ha sido recrear aquí dos atmósferas diferentes pero con varios puntos de conexión: el arrabal porteño y el patio de tierra provinciano. En uno y otro ámbito se valoran los silencios, las medidas intenciones, los vínculos sociales y las manifestaciones populares.

Para bailarines y músicos que han estelarizado ya otros espectáculos de tango y folklore de trascendencia internacional, el reto es supremo. Y aunque el elenco de Tango Puro Argentino… es más bien acotado, cada uno de los intérpretes responde de manera ajustada a los requerimientos de este formato cuasi íntimo en el que la danza emerge como la expresión máxima de los sentimientos.

Hay también espacio para la música y el canto en el programa, y un fluido devenir de una a otra manifestación, algo característico en los trabajos del tándem Nau-Pereyra, siempre preocupado por ligar las diferentes escenas en pos de lograr una unidad conceptual.

Se nutren los directores de una preciada selección de grabaciones, con acento en la obra de Leopoldo Federico, rarezas como El Ingeniero y La Viruta, escasamente transitados; y una joya del Piazzolla de los años ’60. Le suman a este menú especial una serie de conectores musicales (varios de ellos ejecutados en vivo) de los que se sirven para desarmar situaciones y preparar lo que vendrá. Así, el repertorio no abusa de los temas clásicos del tango y el folklore ni resulta monocorde, sino que se permite fluctuaciones anímicas bien elaboradas, que conducen al espectador por los caminos de la emoción, la algarabía y la nostalgia.

El vestuario, relajado en ocasiones y en otras, pleno de brillos, junto con la minuciosa puesta de luces, aportan el marco adecuado para la elaboración de situaciones.

La compañía en pleno, en la escena final Fotos . Máximo Parpagnoli

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La coreografía abreva en la simpleza del baile para develar su esencia

Hablar del desempeño de Luis Pereyra como bailarín, director y coreógrafo es pensar en las grandes compañías que instalaron el dos por cuatro en el mundo, de Tango Argentino a esta parte. Participó de todas ellas, y montó también los espectáculos de casas emblemáticas como El Viejo Almacén y Café de los Angelitos. Nicole Nau, alemana aquerenciada en estas tierras desde hace casi dos décadas, se ha ganado con gran esfuerzo el lugar destacado que hoy ocupa. Apostar a producir ellos mismos una obra de este tipo en gira por el mundo habla de su espíritu arriesgado, así como de su noble afán de generar fuentes de trabajo para sus colegas artistas.

No hay roles secundarios en Tango Puro Argentino…, todos son protagonistas. En la danza, a la par de los directores, se lucen

Alejandra Ledesma e Ivana Fleitas, Mauricio Córdoba y Carlos Morales Rodríguez, tan diestros en el tango danzado como en las chacareras, la zamba y el malambo. El grupo participa también en los segmentos instrumentales cubriendo el rol de percusionistas y acompañando a los dos músicos de la compañía: Diego Reynoso (a la vez violinista, guitarrero y cantor) y Matías Rubino, un virtuoso ejecutante del bandoneón.

Con estos ingredientes, y el buen tino de Nau y Pereyra de no ir detrás del aplauso fácil, el resultado final no podría haber sido más interesante. Regresan al país en noviembre y ya anticipan una nueva serie de presentaciones en alguna sala porteña. A no perdérselo. __BD

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Del Bolshoi con Pasión El Teatro Coliseo de Buenos Aires recibió el mes pasado a estrellas del Ballet Bolshoi de Moscú en una gala que entregó fragmentos de lo mejor del estilo ruso Las siete funciones ofrecidas en Buenos Aires, dirigidas y programadas por Irina Zyrianova, se distribuyeron en dos actos. Para comenzar una voz en off, de un locutor con excelente dicción, relató el argumento del ballet La Bayadera hasta el momento del acto de Las Sombras que inició este espectáculo. La iniciativa pedagógica, no logró del todo su cometido, pues son tantos los personajes de la obra, que era imposible seguir el relato sin conocerla previamente, pero tal vez lo más llamativo fue que el público nunca se enteró cómo continuaba ni cómo terminaba, algo trascendente para comprender el poder de los dioses que al final es lo que importa del argumento.

El cuerpo de baile de esta escena era del Grand Moscow Ballet dirigido por Natalia Kasatkina. Las rusas -algunas más, otras menos parecidas al prototipo la bailarina de ballet-, no cabían en el pequeño escenario del Coliseo. La magnífica entrada (bajando la rampa en arabesque en plié, de las veinticuatro bailarinas de a una) se vio desdibujada al tener que hacer una rampa con curvas, dividida en tres etapas que iban y venían en paralelo al telón de fondo). Más allá de esto, y de algunas modificaciones un tanto extrañas en los fragmentos coreográficos presentados, su actuación fue exacta. Las solistas se destacaron por la exactitud de su realización, la primera pura fibra, la segunda de exactas baterías y la tercera con una fluidez que acaricia el alma. Los protagonistas, Anna Nikulina y Alexander Volchkov, del Teatro Bolshoi, lucieron la estampa de su escuela (precisión en las poses

Evgenia Obraztsova y Vladislav Lantratov, lo mejor del programa

Por Agustina Llumá

y fluidez en sus movimientos), hermosos, en una actuación que prometía que lo mejor llegaría en el siguiente acto.

Efectivamente, fue la hora de los pas de deux a cargo de los integrantes del Bolshoi, lo mejor del espectáculo. La noche del estreno los bailarines se mostraron fatigados, extremadamente, aunque su profesionalismo les permitió -igual- deslumbrar al público. El Corsario con Anzhelina Vorontsova y Pavel Dmitrichenko, sacó chispas y despertó a la audiencia, con una combinación de dulzura femenina y virtuosismo acrobático masculino. Siguió un Una escena del final, con todos los bailarines Fotos . Alicia Sanguinetti

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Khokhlova y Medvedev en Pájaro Azul

CENTRO

trío masculino, con aires autóctonos, Magrittomanía (de Posojov) en el que Alexander Smolyaninov, Denis Medvedev y Ruslan Pronin, lucieron sus tintes actorales con danzas casi contemporáneas, aeróbicas, incasables.

La noche fue levantando su performance hasta estallar sobre el final. El pas de deux de Pájaro Azul del ballet La Bella Durmiente por Daria Khokhlova y Denis Medvedev, logró un nivel propio del Bolshoi, con impecables realizaciones y mayor actuación.

En la misma noche se mostraron dos de los más emocionantes duos de Espartaco como sólo los rusos pueden hacerlo. Más allá de que el cansancio físico no les permitió explotarlo al máximo, Yelena Andrienko y Alexander Volchkov (Aegina y Crassus) y Anna Nikulina y Pavel Dmitrichenko (el adagio de Phrygia y Espartacus) lograron que la identidad propia de la obra estuviese de principio a fin, y junto a la sensible música de Khachaturian, logró conmover a la platea.

Como homenaje a la tierra que los albergaba se mostró un duo sobre Libertango de Astor Piazzolla por Andrienko y Pronin.

Diana y Acteón por Khokhlova y Smolyaninov fue una perla en la noche, con destellos de lo mejor que este dúo puede ofrecer.

Para el final se dejó lo mejor: el Grand Pas de Don Quijote, con variaciones de las amigas. Evgenia Obraztsova con Vladislav Lantratov, frescos y explosivos. Aportaron dosis de espectacularidad a su actuación, él con una prestancia arrolladora impecable con máximos desplazamientos (considerando que el escenario no lo permite) y ella más bien del tipo de bailarina que baila sola, apabulló con la velocidad superlativa en giros. Anastasia Gubanova y Yanina Parienko fueron eficientes en sus variaciones.

A modo de saludo final, una breve coreografía con todos los bailarines luciendo sus diferentes trajes, tan característica de este tipo de galas, permitió el aplauso prolongado de una audiencia feliz. __BD

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2 x 4 En el Viejo Continente Bárbara Wainnright y Mario De Camillis, campeones metropolitanos 2011 de Milonga y Vals, de gira por Alemania, Suiza, Letonia y Rusia Los jóvenes que bailan juntos desde 2009, han desarrollado un estilo que definen “tradicional, por supuesto”, donde se rescata la conexión y el placer en cada movimiento. “El baile al piso, la cadencia, la musicalidad y la atmósfera que sólo se logra con la intimidad de un abrazo profundo fundido en el latir de un solo corazón”. Pero también gozan con la fusión “con la única razón de jugar” y el capricho.

La gira que los lleva a Europa, incluirá el Festival Phantastango, Tango Festival in Oberfranken, Naila, Münster y Berlín (Alemania), Lausanne, St. Gallen y Basel (Suiza), Riga (Letonia) y San Petersburgo (Rusia).

En Basel (Suiza) permanecerán como profesores regulares hasta diciembre de este año. __BD Wainnright y De Camillis Foto . Peter Forret

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Festival Internacional Un nuevo año par, un nuevo megafestival de ballet en la capital cubana, siempre con dirección de Alicia Alonso. El Ballet Nacional de Cuba es un perfecto anfitrión para las figuras extranjeras que llegan a compartir su arte

El Lago de los Cisnes por el BNC

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La 23 º edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana se desarrollará del 28 de octubre al 7 de noviembre, después del paso de los habituales huracanes, que atacan a las ciudades del Mar Caribe.

Alicia Alonso, prima ballerina assoluta y directora general del Ballet Nacional de Cuba, ha creado tres nuevas coreografías para estrenar en esta ocasión. La ópera pastoral Acis y Galatea de Georg Friedrich Handel; en la gala dedicada al escritor cubano Virgilio Piñera, en su centenario, se mostrará el solo La Destrucción del Danzante -inspirado en su poema homónimo-; y el dúo Nosotros con música de Frédéric Chopin.

Como es habitual, a las tres funciones diarias se les suman cantidad de actividades vinculadas con la danza y el ballet, entre ellas se destacan la presentación de las coreografías galardonadas con el premio del octavo Concurso Iberoamericano de Coreografía (CIC), un curso especial de la técnica cubana de ballet para estudiantes y bailarines, varias exposiciones fotográficas (una dedicada al natalicio de Igor Youskevitch) y pictóricas, proyecciones de videos, y las presentaciones de un libro y del sello postal alusivo 2012.

Los ballets completos serán Coppélia, El Lago de los Cisnes, Giselle y La Bella Durmiente; también podrá verse La Leyenda del Agua Grande, Shakespeare y su Máscaras, y muchísimas obras que integran el repertorio de la compañía anfitriona compartiendo función con numerosos pas de deux y obras breves de variados creadores. Los invitados confirmados al momento en que esta revista ingresaba a imprenta eran: Sergio Bernal,

Lola Greco, María Juncal, Esteban Berlanga y Elina Takahashi (English National Ballet), Raphael Coumes-Marquet (Ballet de Dresden), Marianela Nuñez y Thiago Soares (Royal Ballet de Londres), Bianca Fota y Gigel Ungureanu (Opera de Bucarest), Martha Leebolt y Javier Torres (Northen Ballet de Inglaterra), Carla Vincelli y Federico Fernández (Teatro Colón de Buenos Aires), Natalia Berrios y José Manuel Gisho (Ballet de Santiago de Chile) y Luca Giaccio, bailarines de Puerto Rico, obras del Taller Coreográfico de la UNAM de México, aunque la nómina completa se terminará de definir este mes.

Las compañías que llegarán a la isla en 2012 son el Ballet Preljocaj, estrellas del American Ballet Theatre de Estados Unidos (José Manuel Carreño, Herman Cornejo, Joaquín de Luz, Megan Fairchild, Paloma Herrera y Xiomara Reyes), Malandain Ballet Biarritz, Jjo Stromberg Company de Noruega y Tom Gold Dance.

Viengsay Valdes en Giselle Fotos . Alicia Sanguinetti, Festival Internacional de Ballet 2010

Los coreógrafos que montarán expresamente para el festival a los bailarines del Ballet Nacional de Cuba, son Peter Quanz que estrenará este año Luminous y Doble Balance (luego del éxito de la edición anterior con Le Papillon) y Kirk Peterson que creará un pas de deux en homenaje Igor Youskevich. __BD

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Lo Mejor del Flamenco Del 2 al 30 de septiembre se desarrollará la decimoséptima edición de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 en varios escenarios de la ciudad Sara Baras, Manuela Carrasco, Israel Galván, María Pagés, Andrés Marín, Marina Heredia, el Ballet Flamenco de Andalucía y el Ballet Nacional de España, serán algunos de los artistas que ofrecerán su arte en este importante encuentro con el flamenco (danza, música y cante).

La Bienal que expone distintas tendencias del arte flamenco, desde el tradicional hasta la vanguardia, propone este año setenta espectáculos (veinte de los cuales son estrenos) en una ciudad que en esos días “respira flamenco”, en palabras de la directora Rosalía Gómez, al referirse a las actividades colaterales que se ofrecerán como exposiciones, conciertos y espectáculos en la calle. Más allá de que la bienal está dedicada al baile, las otras artes ocupan un lugar fundamental en la grilla.

Este año en lugar de un espectáculo de apertura se ofrece una semana completa de inauguración con noches llenas de magia, es que lo mejor de este arte se reúne en esta cita cada año par. Visitas extranjeras se verán compatibilizadas con la propuesta de nóveles artistas españoles que acaban de formar sus propias compañías, algunas tradicionales y otras fusionando el flamenco con diferentes tendencias entre las que se mencionan hip hop, tap y danza contemporánea. __BD

Manuela Carrasco una de las referentes del flamenco de hoy Foto . Juan Fernando

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Más Ballet en Televisión En Rusia han lanzado el primer concurso televisivo de bailarines profesionales de ballet

El jurado de selección en plena labor televisiva Foto . Alexe Yakovlev

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El programa que ya comenzó a grabarse, se estrenaría el 30 de septiembre, e incluirá a siete parejas de bailarines clásicos de 18 a 29 años, provenientes de las diferentes compañías rusas.

Los espectadores podrán hacer sus votaciones a través de mensajes de teléfonos celulares pero también habrá un jurado de reconocidos artistas: Alla Osipenko, Vladimir Derevianko, Azari Plisetsky, Vladimir Malakhov, Nacho Duato, Adrian Fadeev, Mikhail Tatatarnikov, Maria Agasova y Konstantine Arkadievich, que podrían estar acompañados por algunos invitados especiales, entre los que se llegó a mencionar a Uliana Lopatkina, Natalia Osipova, Ivan Vasiliev.

Las parejas atravesarán varias rondas de selección, mostrando los grandes clásicos del repertorio tradicional más algunos dúos de coreógrafos internacionales de la talla de: Akram Khan, David Dawson, Jorma Elo, Ben Van Kavenberg, Radu Poklitaru, Alla Sigalova, Ivan Perez, Emil Facks, Fernando Hernando Magadan, Patrick de Bana, Vyacheslav Samodurov y Alexei Miroshnichenko.

Los directores de las compañías del Bolshoi, Perm, Kazan, Stanislavsky, Ekaterimburgo y el Mariinsky seleccionaron a sus representantes para intervenir en esta experiencia que une la tecnología del Canal Cultura con el arte del ballet. __BD

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balletin informativo AUDICIONES DEL EXTERIOR Alemania. Lucky Trimmer seleccionará trabajos coreográficos para la próxima edición del festival que se realizará del 4 al 6 de abril de 2013 en el Sophiensaele de Berlín. El evento pretende ofrecer una amplia visión de lo que es la danza contemporánea hoy. Podrán presentarse trabajos de hasta 10 minutos de duración de artistas emergentes o consagrados, antes del 1º de noviembre de 2012. Mayores informes: www.luckytrimmer.com.

Estados Unidos. El Mark Morris Dance Group necesita dos bailarines varones para comenzar a trabajar el 26 de noviembre. Solamente podrán participar de la audición (23 de septiembre) quienes cuenten con invitación, para postularse, deben inscribirse on-line en su web: www.mmdg.org/auditions.

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Francia. Christian Rizzo seleccionará bailarines mayores de 25 años con un buen nivel técnico y físico, y experiencia en improvisación, para participar en su próxima creación basada en danzas populares (sobre todo del Mediterráneo). La audición será únicamente por invitación en Lille y París a finales de septiembre. Los interesados en participar deben enviar Cv + carta de presentación + fotos, por e mail, a: rizzo.audition@gmail.com.

Italia. La Compañía Artemis Danza de Mónica Casadei seleccionará 5 bailarines y 2 bailarinas de excelente técnicas clásica y contemporánea, para su próximo estreno (2013). Se realizará una preselección el 20 de septiembre, a las 10 hs en el Studio Harmonic Paso de París (5 Taillandiers) y la selección final será solamente por invitación del 3 al 7 de octubre en Parma (con viaje y alojamiento cubiertos). Los interesados deben enviar a la brevedad su Cv, con foto y enlace a un video, por e-mail: info@artemisdanza.com, mayores informes: www.artemisdanza.com/newsite/index.html.

Reino Unido. La Mark Bruce Company busca bailarines/as de sólida técnica clásica, contemporánea y habilidades dramáticas, para proyectos a realizarse hasta la temporada 2014.

Las audiciones se realizarán en Londres el 29 de septiembre, para participar se debe enviar Cv con foto por e-mail a: markbruce@tobaccofactorytheatre.com antes del 21 de septiembre.

Informes: www.markbrucecompany.com.

CONGRESO Grecia. El Consejo Internacional de la Danza realizará el Congreso Mundial de Baile de Investigación de este año dedicado al Panorama de la Danza Terapia. 33º edición. Del 21 al 25 de noviembre de 2012 en Atenas. El programa incluye informes (documentos), clases, exposiciones y visitas a lugares de interés cultural, destinado principalmente a profesionales.

Idioma de trabajo: inglés.

Mayores informes en internet: www.cid-portal.org/cdr/athens2012.

CONVOCATORIAS Ciclo Avelladanza 2012 creado por el Secretario de Cultura de Avellaneda, Hugo Caruso y organizado por el Ballet Municipal de Avellaneda. Podrán presentarse compañías e institutos de danza de Capital y Gran Buenos Aires, para presentar sus obras (clásico, contemporáneo y jazz) en el Teatro Roma de Avellaneda, con entrada libre y gratuita, los martes de octubre, a las 20 hs.

Los interesados deberán enviar los datos de la obra a Gisela Comas, vicedirectora del Ballet Municipal, a: gidaju2004@yahoo.com.ar (nombre del grupo o compañía, director, nombre de la obra, género (clásico, contemporáneo o jazz), duración, coreografía, música e intérpretes).

La inscripción cierra en septiembre.

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CLASES MAGISTRALES GRATUITAS A su regreso de Europa, la coreógrafa Susana Zimmermann (pionera del teatro-danza en Argentina) brindará un ciclo de tres Clases Magistrales, con proyecciones audiovisuales y diálogo de intercambio con los asistentes.

Las temáticas de cada encuentro serán:1) Los orígenes del Teatro-Danza: maestros y coreógrafos alemanes, 2) Maestros y Coreógrafos franceses y 3) La Renovación de Pina Bausch.

La cita será los lunes 1, 8 y 15 de octubre, a las 17 hs, en la sede central de Argentores: Montevideo 696. Inscripción previa obligatoria, Tel: 4373-5061 (interno 110).

Mayores informes: www.autores.org.ar/szimmermann.

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CONCURSO DE FOTOGRAFÍA DE DANZA Como celebración del 19º aniversario de Balletin Dance (abril de 2013) la editorial especializada en danza, publicará una serie de fotografías seleccionadas especialmente Con el objetivo de contribuir al desarrollo de la fotografía de danza en la Argentina, Balletin Dance proyecta la publicación de las obras seleccionadas en el Concurso de Fotografía de Danza, de acuerdo a las siguientes bases y condiciones de participación: OBJETIVOS • Promover el desarrollo de la fotografía especializada en danza a nivel nacional • Facilitar la publicación (e impresión) de las obras seleccionadas • Propiciar su difusión a través de los canales propios de Balletin Dance (impresos y electrónicos) FOTÓGRAFOS • Podrán presentarse fotografías relacionadas con la danza en cualquier temática, que no hayan sido publicadas en ningún formato, color o blanco y negro • Podrán participar autores de nacionalidad argentina (nativos o por opción), en forma individual, de cualquier edad y formación académica • Cada autor podrá presentar un solo trabajo

PRESENTACIONES • El envío de la fotografía postulada debe realizarse al e-mail fotografía@balletindance.com.ar antes del 14 de diciembre de 2012, siguiendo el siguiente formato: 1) Archivo jpg adjunto, en alta resolución (20 x 28 cm a 300 dpi), cuyo nombre es el apellido del fotógrafo 2) En el cuerpo del mensaje se debe enviar: Nombre y apellido del fotógrafo, Nº de DNI, Nombre de la obra (fotografía), Nombre de la obra coreográfica (de corresponder), Nombre y apellido de todas las personas que figuran en la fotografía, Ciudad, país y año en que fue tomada la fotografía. Junto a los datos de contacto: domicilio completo, teléfono, e-mail.

3) Manifestación expresa de la aceptación de los términos y condiciones de las bases de participación en el presente Concurso (publicadas en internet) 4) El asunto del mensaje deberá contener el apellido del fotógrafo

SERGIO LICO OSTE OP ATIA · MA SOTER APIA Y TEOP OPA MAS TERAPIA QUIR OPR AXIA QUIROPR OPRAXIA LE SIONE S EN LA D ANZ A LESIONE SIONES DANZ ANZA Hernias de disco, esguinces, contracturas musculares, rodillas, ingles, tobillos, aductores, gemelos, alineación corporal instantánea

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SELECCIÓN Se seleccionarán hasta 20 fotografías, que podrán ser publicadas en Balletin Dance en diferentes formatos impresos y/o electrónicos, para la campaña promocional 2013 que finalizará con motivo del 20º aniversario de BALLETIN DANCE (abril de 2014).

Las bases y requisitos de participación completas se encuentran publicadas en el portal de internet de Balletin Dance: www.balletindance.com.ar

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