BALLETIN DANCE 214

ISSN 1850-6275 . Año 19 . Nº 214 . octubre 2012 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E DA N Z A

FLECHAS DE LA TRIBU Koki y Pajarín Saavedra

PROLIFICA Y ECLECTICA Mecha Fernández

LA ARENA Hochman-Condró Un culto a la creatividad

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NOVIEMBRE 2009 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // OCTUBRE 2012

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NOTA DE TAPA 6 Del Sueño a la Realidad ACTUALIDAD 13 Escultura 13 Brumachon en Buenos Aires 14 De Nuestras Costumbres 14 Los Clásicos del Mes 16 10 Años 18 Más y Más Premios 20 Más Festivales de Danza Gerardo Hochman y Lucas Condró, socios creativos de los últimos espectáculos de La Arena Foto . View Fotografía

PROVINCIAS 22 Buenos Aires. El Lago de los Cisnes 22 Córdoba. Nuevas fechas para Coppelia 24 Festivales. Tres Encuentros FOLKLORE 31 Che Malambo. Enérgico Zapateo 34 Koki y Pajarín Saavedra.

Moldeando la Tradición

Sumario 214

TANGO 32 Un Asunto Rioplatense

ENTREVISTAS 26 Sebastián García Ferro.

Doble Sentido 44 Alicia Fiuri y Néstor Spada. La Importancia de ser Flamenco COMENTARIOS 49 Inolvidable 50 Estelares 54 Danza de Hielo 56 Danza Variopinta, Pensamiento Amplio 58 Condensados 60 Los Colosos 62 Institución Activa IN MEMORIAM 43 José María Barrera 68 Olga Ferri CARTELERA 28/46/64/67 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/74 Audiciones, congresos, convocatorias, puntos de venta

FLAMENCO 36 Carmen Mesa. Nosotros También Vivimos en una Selva TEATRO MUSICAL 40 Mecha Fernández. Una Artista de Largo Aliento

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Carlos Bevilacqua Patricia Casañas Guillermo Chulak Enrique Honorio Destaville Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Natalia Picorelli Daniel Sousa Cecilia Werle Pinto corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 6 TIERRA DEL FUEGO: $ 8 PARAGUAY: 15.000 Gs

BALLETIN DANCE REDACCIÓN

OCTUBRE 2012 - AÑO 19 - Nº 214 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998.

Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 4996656.

Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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Del Sueño a la Realidad Por Carlos Bevilacqua La poética del movimiento que desde hace 14 años distingue a la compañía La Arena tendrá este mes una muestra condensada, cuando se reestrenen en el Centro Cultural San Martín de Buenos Aires dos de sus más recientes obras. Dialogamos con Gerardo Hochman, fundador y director del grupo, junto a Lucas Condró, su actual coreógrafo

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Danza, acrobacia y teatro se amalgaman para crear un lenguaje original que distingue a la compañía La Arena desde su creación, en 1998. Con las variantes propias de cada caso, hubo un mismo afán por transmitir emociones de maneras bellas y amenas en Gala (1998), Bellas Artes (2000), Ronda (2003), Fulanos (2004), Sanos y Salvos (2006), Kamuflash (2008), La Vuelta al Mundo (2008), Travelling (2009) y en los tres espectáculos estrenados el año pasado: Avalancha, Tiempos que Corren y Leonardo Trabajo Práctico Nº 1. Un dato no menor para entender la contundencia narrativa y la fuerte identidad estética de esos trabajos es la escuela que La Arena tiene para formar a sus artistas.

En los últimos 14 años la compañía cautivó no sólo a públicos locales sino también a los de varios países latinoamericanos en diversos festivales. Desde 2009, el grupo pudo expandir sus actividades gracias a un convenio con la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM).

Este mes, La Arena vuelve a ser noticia porque ofrecerá un ciclo de seis funciones semanales con dos de sus más recientes creaciones, Travelling y Leonardo TP Nº 1, en el porteño Centro Cultural San Martín. Todo un desafío para puestas de gran despliegue, tanto corporal como de objetos en escena. Los protagonistas de las impactantes secuencias serán Lucas Bustos, Florencia Montaldo, Paula Basso y Matías Yaber (Travelling), Mariana Zarabozo, En Travelling una cámara aporta nuevos puntos de vista Foto . Gentileza Débora Lachter

Una escena de Leonardo Trabajo Práctico Nº 1 Foto . Gentileza Débora Lachter

Germán Fonzalida, Rodrigo Oses, Silvina Bastías, Manuel Quesada, Flor Valeri (Leonardo TP Nº 1) y Martín Samanna y Pablo Prámparo (en ambas obras). Otro rasgo común de las dos es que llevan coreografías de Lucas Condró, en el primer caso en colaboración con Carolina della Negra.

El ideólogo y líder de tantos logros es Gerardo Hochman, un artista de ecléctica formación que antes de fundar La Arena había dado vida a La Trup, otro grupo que hizo historia como parte de lo que se denominó Nuevo Circo, a principios de los ’90. A propósito de la doble reposición que durante octubre tendrá a su cargo, como director, BALLETIN DANCE conversó con él. ¿Cuáles fueron los principales logros de La Arena en estos 14 años?

Un logro muy importante es habernos consolidado como una factoría especializada en espectáculos para todo público. En la platea de nuestros shows podés ver desde niños hasta personas mayores. Por otro lado, practicamos un culto a la creatividad, teniendo en cuenta que estrenamos diez espectáculos que si bien tienen un sello común, también fueron totalmente diferentes entre sí. Hay una impronta de no dormirse, de no estancarse. O sea de buscar siempre nuevos desafíos, que es algo muy propio del circo.

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LA VISIÓN DEL COREÓGRAFO El aliado que Hochman encontró en los últimos años para llevar sus ideas a movimientos coreográficos es alguien tan inquieto y curioso como él. Bailarín, productor y gestor cultural, Lucas Condró es el coreógrafo de los dos espectáculos que La Arena reestrenará este mes en Buenos Aires. Ingresó a la compañía como docente de la escuela en 2005, a los dos años se sumó al trabajo con el elenco y ya para 2009 se empezó a involucrar en el diseño de las coreografías. Charlamos con él sobre su trabajo en la compañía y sobre su experiencia como estudiante e intérprete en Holanda y Francia. ¿Qué significa para vos La Arena?

En un principio, fue un desafío porque implicaba empezar a trabajar con artistas que no eran bailarines, entender un código que no era el mío, el de gente que podía hacer con el cuerpo cosas diferentes a las que yo estaba acostumbrado. Al mismo tiempo, implicaba un desafío poder darles mis herramientas para que hicieran de la acrobacia algo mucho más bailado.

Conseguir esa combinación me resultó algo muy atractivo.

Siete años después de haber empezado a trabajar en La Arena, siento que la propuesta funcionó, en buena medida porque Gerardo tiene mucho interés en que sus obras tengan mucha danza como parte de algo muy amalgamado. Entonces, hay mucha apertura de su parte para permitirme investigar y proponerles ideas. En general, él trae una idea, a partir de la cual vamos sumando ocurrencias. Así se da un diálogo que va armando las escenas. ¿Cuánto considerás las capacidades y limitaciones de los bailarines al diseñar una coreografía?

Mucho. La ventaja que tenemos es que todo nuestro elenco está compuesto por gente que ya conocemos de antes. Yo doy clases en la escuela de La Arena y muchos de los integrantes del elenco hicieron la formación allí. Durante los tres años, los acróbatas van trabajando en la manera de combinar las disciplinas en un montón de trabajos creativos, pensándolo para la escena. Y la formación termina con un montaje, lo cual para ellos está buenísimo como experiencia. Todo eso genera mucho lenguaje y cuando trabajan en una obra de la compañía ya lo tienen muy incorporado.

¿Cómo llegan esos estudiantes?

Hay una preselección por video y currículum, después hay una audición que dura tres días e incluye clases y la presentación de un solo. De esa manera, tienen una buena muestra de lo que se van a enfrentar si quedan seleccionados. En la última audición se presentaron 150 personas.

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Gerardo Hochman, fundador y director de La Arena Foto . Gentileza Débora Lachter

¿Qué cambios va a tener Travelling en esta temporada?

Cambió el elenco. Ahora son menos artistas y algunos son nuevos. Entonces, algunas coreografías cambiaron un poco, no sólo por los nuevos intérpretes, sino por el nuevo espacio escénico.

Sumamos una escena sobre una relación de poder en torno a una silla de director de cine. Pero el espíritu del espectáculo es el mismo, muy potente, de una energía muy grupal, con la inclusión de la cámara que aporta todo el tiempo un punto de vista muy novedoso al estar en el medio de la acción. ¿Qué es lo más fuerte que te dejó tu estadía en Europa como hombre de la danza?

Yo era muy joven cuando me fui. Tenía 21. Pude ver muchas obras de estilos muy distintos que acá no se pueden ver. Eso fue muy fuerte. Una diversidad de modos de hacer danza. Eso me marcó mucho en mi forma de pensarla, porque empecé a considerarla con bailarines de diferentes formaciones. Desde acá iba con la idea de que el bailarín tenía que ser de un determinado modo para poder destacarse y allá me desarmaron eso. Todavía extraño poder ver cosas tan diferentes.

Acá tenemos la idea de que nuestro panorama artístico es muy diverso, pero tal vez no es tan así en cuanto a danza.

No, en cuanto a danza no es tan variado. Ahora tal vez un poco más, pero no demasiado. Hay una tendencia muy fuerte a generar un estilo o una moda. El resto reproduce y se genera una repetición. Siento que estamos un poco atados a la danza teatro. Eso limita la posibilidad de que cada uno investigue algo particular, lo cual es fundamental al crear una obra de arte. Cuando voy a ver algo, valoro especialmente que el artista tenga su propio estilo.

Además, nos fuimos expandiendo como organización. De tener un solo grupo de artistas pasamos a tener más de un espectáculo funcionando simultáneamente. Somos un equipo más grande. A pesar de ese crecimiento, todos mantienen un lenguaje común, así como una misma filosofía y ética de trabajo. ¿Cuál es ese lenguaje común?

Es un lenguaje que pasa por el instrumento de expresión y comunicación que es el cuerpo. Pasa también por algunas premisas esenciales del circo, que tienen que ver con el arte de lo difícil. Pero esas proezas o esas habilidades están siempre en función de una idea a comunicar o una emoción a transmitir. El lenguaje también se define por una influencia bastante fuerte de la danza contemporánea y por una expresividad que no necesariamente está ligada al teatro de texto, sino a un cuerpo que en un mismo gesto puede hacer una pirueta, de manera bailada y expresar algo.

Las temáticas también son muy originales ¿Qué tienen en cuenta al elegirlas?

Más que de temáticas yo hablaría de situaciones y atmósferas soñadas, ya sea en sueño o vigilia. No sé bien de dónde vienen esas ideas, pero tienen mucho que ver con los deseos. Los nuestros son espectáculos más bien vivenciales o sensoriales. En general, la idea madre la traigo yo. Después me apoyo mucho en el aporte de los artistas porque improvisan mucho sobre esas ideas y componen cosas que después yo me encargo de seleccionar y organizar. De esa manera ellos también se apropian de las ideas.

Puestos a notar recurrencias, aparece un gusto por compartir con el espectador algo del proceso creativo, porque los espectáculos nunca están del todo cerrados. También se repite la intención de crear belleza sobre el escenario. A mí me interesa crear sobre el escenario mundos que no puedan existir en la vida real. ¿Por eso también trabajan con música original?

Sí, hemos trabajado para los diferentes espectáculos con Jorge Polanuer, con Leo Sujatovich, con Omar Giammarco y con Sebastián Verea. En principio, me encanta la idea de desplegar creatividad en ese plano y ofrecer al espectador algo nuevo. Pero además para crear una atmósfera nueva, con algo que no pueda haber escuchado antes en la radio o en un disco. Además, las escenas tienen necesidades muy específicas que las músicas preexistentes en general no pueden satisfacer por sus estructuras y

rítmicas. Nuestras músicas están compuestas muy ajustadas a lo que va pasando en escena. Por eso, para nosotros es primordial que se componga especialmente para los shows. ¿Cómo es la interacción laboral con Lucas Condró?

Lucas se maneja muy bien en el flying low, una técnica de danza que nosotros usamos mucho como eslabón entre la danza y la acrobacia. Es una técnica que trabaja mucho con el suelo y los apoyos para sostenerse, rodar e impulsarse. Por otro lado, es un coreógrafo muy creativo que además está muy imbuido en nuestro lenguaje. Entonces la traducción de las ideas a una forma concreta es bastante rápida. Cuando un coreógrafo trabaja en una compañía de circo, es común que pida lo que los artistas no pueden dar y que no pida lo que sí pueden dar. Lucas, en cambio, sabe muy bien qué pedir para que los acróbatas rindan y brillen.

Travelling suena a viaje ¿En qué consiste el espectáculo?

Es un diálogo entre los universos poéticos de la acrobacia y el video. A lo largo de las escenas de Travelling se da como un juego entre los movimientos del cuerpo en vivo y lo filmado. Hay una, por ejemplo, en la que los mismos acróbatas manejan una cámara, cuyas imágenes se van proyectando en una pantalla gigante. Eso permite ver algo así como una toma subjetiva de los acróbatas cuando están ejecutando un salto mortal. Lo cual es muy atractivo para el público, que se suele preguntar qué ve un acróbata en acción.

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UN GENIO IMPAR La figura de Leonardo Da Vinci es fascinante. Como nadie, conjugó un interés práctico hacia las artes y las ciencias. Sus hallazgos al investigar la mecánica del cuerpo humano, algunas de las maquinarias que inventó y hasta una hilarante lista de los comportamientos que un comensal no debe tener en casa ajena forman la materia prima de Leonardo Trabajo Práctico Nº 1, una de las dos obras que La Arena repondrá este mes en Buenos Aires.

En la puesta de Hochman conviven en inextricable fusión la danza, la acrobacia, el teatro, el juego con objetos diversos, las proyecciones de video y la música en vivo. Todo ocurre en un formato dinámico, ameno y sazonado con abundantes dosis de humor, según pudo comprobar este cronista en una de las últimas presentaciones de la obra en el templo de la Comunidad Amijai, ubicado en el barrio porteño de Belgrano.

Las acciones están basadas en textos del propio Leonardo. En poco más de una hora, los ocho intérpretes van representando con gracia y destreza las nociones que uno de ellos enuncia. La excusa que propone la trama es menor y sirve como puntapié inicial: tras preparar un trabajo práctico sobre el artista toscano, un grupo de estudiantes decide probar cuánto aprendieron ensayando una presentación de los conocimientos. Al ir exponiendo, abarcan todo el escenario, con movimientos de cuidada estética pero plenos de sentido. Las coreografías de Lucas Condró, vitales, frescas, sorprendentes, trazan una línea bien alejada de la tendencia a la introspección, la autorreferencia y el enigma que se observa habitualmente en la danza actual.

Simultáneamente, Leonardo TP N° 1 es una obra didáctica. Nos recuerda o nos transmite por primera vez datos que forman parte del corpus científico desde la época del Renacimiento. Es más: cumple con el objetivo que se plantea en el texto promocional de renovar la curiosidad sobre el personaje evocado.

La banda de sonido arrima coordenadas de tiempo y espacio, ya que articula melodías renacentistas, aunque arregladas hacia formas contemporáneas. Esas músicas son generadas en su mayoría en vivo por la cantante Ana Mancini y los músicos Juan Bellagamba y Sebastián Verea, además autor de todo lo que se escucha.

Más allá de la estructura con diferentes alturas que ocupa el escenario, resultan especialmente llamativas las creaciones del titiritero Tito Lorefice para reproducir algunos inventos de Da Vinci.

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Condró y Hochman, socios creativos de los últimos espectáculos de La Arena Foto . View Fotografía

Entonces, no es un show que se refiera explícitamente a algún viaje en particular. En cierto sentido, podría decirse que el proceso creativo del espectáculo respondió a una idea de viaje porque se fue haciendo muy gradualmente, hubo varias versiones. Entonces, la cámara moviéndose constantemente responde a la manera en que fue creado. ¿Cómo es la asociación con la UNSAM? La UNSAM (Universidad Nacional de San Martín) es una coproductora de nuestras creaciones. Entre sus objetivos, además de ofrecer una formación profesional, está el de generar productos artísticos. Ellos nos dan un lugar para ensayar e investigar. Nosotros ya habíamos tenido apoyo de instituciones oficiales, pero de manera más ocasional. En este caso nos asociamos para desarrollar a lo largo de los años una compañía que investigue, que cruce lenguajes y que se cruce con otras manifestaciones artísticas que se practican en la universidad. El espectáculo Leonardo TP Nº 1, por ejemplo, es una coproducción. Los costos que llevó producirlo y mantenerlo son asumidos en partes iguales por la compañía y por la universidad.

Es un convenio muy interesante también porque abre muchas puertas.

Al ser una universidad nacional, tiene muchas conexiones culturales y educativas con otras instituciones del país y del extranjero. Otro aspecto muy valioso es que nos piden arte. A diferencia de otros coproductores que nos han pedido productos vendibles, la UNSAM nos pide que el resultado de los procesos sea artístico. __BD

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Escultura Antonio Pujia y su hijo Sandro, presentan hasta el 31 de octubre, la exposición Metamorfosis en la Asociación Estímulo de Bellas Artes En el marco de la muestra que expondrá esculturas de pequeño formato y elementos de joyería, hay tres obras dedicadas a la danza, costumbre del escultor Antonio Pujia.

Además el viernes 19 de octubre, dictará una charla sobre la técnica de modelado en cera, y el sábado 27, otra de croquis con modelo vivo. __BD Los Amantes de Verona Foto . Sergio Pujia

Brumachon en Buenos Aires Los directores del Centro Coreográfico Nacional de Nantes, Francia, Claude Brumachon y Benjamin Lamarche presentan un programa de danza contemporánea interpretado por diez bailarines argentinos, en octubre en el Teatro El Cubo El espectáculo está compuesto por tres dúos del repertorio de Brumachon: Adrienne, Les Paranoïaques y Embrasés y el estreno de La Consecuencia, una creación especial realizada en este proyecto, para el grupo de artistas locales (Soledad Alfaro, Alejandro Alonso, Ana Armas, Luciano Cejas, Ramiro Cortez, Luis Deharbe, Federico Fontan, Amalia Gullo, Belén Mosquera y Santiago Palumbo).

“La Consecuencia es una creación para diez bailarines argentinos en torno a nuestros actos. La memoria del cuerpo, lo que permanece en la piel, los nervios, las entrañas, aquello que ha quedado grabado en el profundo secreto de nosotros mismos, aquello que alienta las ilusiones y desilusiones”, explicó el coreógrafo.

“Lo que resulta de las tomas de poder exageradas, lo que da al cuerpo social la rebeldía y las ganas de hacer cambiar las cosas más allá de lo posible, a lo real. El deseo de armonizar algunos estados sociales o corporales”.

Con producción del Centro Coreográfico Nacional de Nantes, y apoyo de L’Institut Français de la Ville de Nantes y de la Embajada de Francia en Argentina, la propuesta podrá verse en el Teatro El Cubo desde el sábado 11 hasta el domingo 21 de octubre. __BD

El Testigo, la propuesta que Brumachon trajo al Centro de Experimentación del Teatro Colón en 2010 Foto . gentileza de la producción OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 13

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De Nuestras Costumbres El Ballet Folklórico Nacional dirigido por Omar Fiordelmondo continúa con una apretada agenda de actuaciones en todo el país, siempre con entrada gratuita Octubre comenzó para el Ballet Folklórico Nacional, el primer día del mes, con una actuación en celebración del 40 º aniversario del Teatro Municipal de la ciudad de Merlo, y a la semana siguiente ya estaban bailando en el 17º Encuentro Nacional e Internacional de Danzas Folklóricas de Coronda, provincia de Santa Fe. A continuación, la compañía co-dirigida por Margarita Fernández, actuará en su sede porteña, el Centro Nacional de la Música y la Danza, los jueves 22 y 29, con un programa que homenajea a Santiago Ayala “El Chúcaro”, integrado por La Vendedora de Pescado y el Tape, Tributo al Maestro Osvaldo Pugliese, Malambeando pa´los Pobres, La Santos Moreno, Plegaria, La Cita y Amanecer Salteño.

Las funciones se repetirán en la capital argentina los jueves 19 y 26 de noviembre. __BD

El Ballet Folklórico Nacional en Buenos Aires Foto . archivo

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Los Clásicos del Mes El Ballet Estable del Teatro Colón estrena este mes el programa triple, bajo el nombre Trilogía Neoclásica II Trilogía Neoclásica II (en referencia a la experiencia realizada el año pasado) está compuesto por tres coreografías de diferentes épocas y estilos.

La dramática Margarita y Armando de Frederick Ashton sobre partituras de Franz Liszt (Sonata en Si menor) extracto de La Dama de las Camelias, Fuga Técnica de Eric Frederic con música de Alexander Balanescu (Possessed) y Before Nightfall de Nils Christe con música de Bohuslav Martinu (Doble concierto para dos orquestas de cuerdas, piano y timbales).

Las funciones se desarrollarán en el primer coliseo, a cargo del Ballet Estable que dirige Lidia Segni, junto a la Orquesta Estable del Teatro Colón dirigida por Carlos Bertazza, desde el domingo 14, hasta el sábado 20. __BD Juan Pablo Ledo y Natalia Pelayo, como Margarita y Armando en 2011

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INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

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GURQUEL LEDERER

PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

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DANZA CLASICA

Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Walkiria Appelhans, Geraldine De Crescenzo, Sonia Nocera, Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé, Lorena Batista, Alberto Retamar, Florencia Calvino

DANZA JAZZ

Manuel Vallejos (Profesor titular del IUNA), Carol del Castillo, Silvia Briem Stamm, Matías Vega

ESTIRAMIENTO

Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Celia Montini, Stella Maris

DANZA CONTEMPORANEA

Geraldine De Crescenzo, Romina Mancini, Gabriel Contreras, Fernanda Mascaró, Jorge Alberto, Florencia Calvino TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

PREPARACIÓN ESPECIAL PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

NIÑOS · INICIACION A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

BABY CLASS

(NIños de 3 a 6 años) Mariángeles Alé

ELONGACION Y ACONDICIONAMIENTO CORPORAL POR BIOMECANICA (Creado desde el año 1970 por el maestro Alfredo Gurquel)

JUANA LEDERER Técnica clásica y repertorio ◗ Ex-bailarina solista del Teatro Argentino de La Plata ◗ Ex-primera bailarina del Ballet Nacional de Francia ◗ Egresada del Conservatorio Nacional de París ◗ Directora del Estudio Gurquel-Lederer ◗ Directora del grupo Lederer-Gurquel ◗ Profesora del Instituto Universitario Nacional del Arte - IUNA

Seminarios intensivos en todo el país OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 15

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10 Años Como celebración de su primera década de vida, la compañía de Danza del IUNA que dirige Roxana Grinstein, estrena este mes en Buenos Aires Catulli Carmina con orquesta y coro en vivo Con propuesta y producción del Ensamble Lírico Orquestal dirigido por Gustavo Codina, la compañía del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte, mostrará en el Teatro del Globo, Catulli Carmina de Carl Orff, con coreografía de Carlos Trunsky. Completando el programa con El Aprendiz de Hechicero.

La obra compuesta especialmente por Trunsky para este elenco, culminó su puesta en marzo de este año, y desde entonces se han ocupado de pulirla y perfeccionarla. SI bien un adelanto fragmentado pudo verse en el Festival de Danza Contemporánea organizado por la Asociación de Coreógrafos Contemporáneos (CoCoA), será en octubre el debut completo, a cargo de los bailarines Leonardo Obdulio Arellano, Ezequiel Barrios, Gastón Martín

Una escena del estreno de Trunsky Foto . Liliana Okretich

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Barroso, Constanza Belgareto, Débora Soledad Britos, Paola Alejandra Castro, Daniela Soledad, Colomer, Arnaldo Federico Díaz, Diego Marcelo Gómez, Samanta Leder, Lucía Llopis, Lucía García Pulles, Ignacio Saraceni, Delfina Thiel, Juliana Ponguta y Leonardo Gatto.

La Compañía de Danza del IUNA está integrada por estudiantes y establece un vínculo entre la formación universitaria, la práctica escénica y la puesta coreográfica. Las obras de su repertorio apuntan a la diversidad escénica y a las búsquedas particulares de los diferentes coreógrafos convocados.

Han realizado numerosas presentaciones en festivales en Argentina y en el exterior, en el marco de intercambios universitarios, actuando en Venezuela, Chile, México, Perú, Mozambique e Italia.

En octubre, además, la Compañía se presentará en el Festival Nuevas Tendencias de la ciudad de Mendoza, mientras preparan una gira por Bolivia y en noviembre actuarán en el marco del Encuentro de Universidades en Villa Ocampo (Buenos Aires), para finalizar este 2012, con un nuevo montaje aún sin anunciar. __BD

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Más y Más Premios Distinciones para todos, el mes pasado, con los Premios Argentores a la producción 2011, y los premios Hugo al teatro musical La Sociedad General de Autores de Argentina, Argentores, entregó el 10 de septiembre los premios correspondientes a la producción 2011, con una ceremonia en el Teatro Maipo, en la que Héctor Olivera recibió el Gran Premio de Honor.

El jurado en el área teatral estuvo integrado por Teresa Gatto, Marcelo Mangone, Andres Binetti, Mónica Berman, Carlos Veiga y Carlos Gianni y en aquellos rubros vinculados a la danza se premió a Apátrida, Doscientos Años y Unos Meses de Rafael Spregelburd en teatro musical y a Laura Roatta por la coreografía de Freddie protagonizada por Hernán Piquín.

Por otro lado, los Premios Hugo al Teatro Musical, una asociación civil creada por Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, contó con un numerosísimo jurado integrado por Alejandra Herren, Ana Padilla, Antonio Alcayaga, Axel Escudero, Carlos Manuel Fernández, Cristian Witte, Darío Martínez, Federico Irazábal, Gabriela Baby, Gustavo Lladós, Héctor Maugeri, Inés Tenewicki, Javier Fabracci, Jimena Olivari, Juan Sagni, Luis Bremer, Juan Garff, Maite Giribaldi, Marcelo Isse Moyano, Marcelo Sycz, Mariana Latamendia, Mariano Demaría, Marisa Rojas, Martín Pacheco, Mónica Berman, Mónica Guilhaumont, Nora Lía Sormani, Norberto Vazquez Freijo, Pablo Gorlero, Pablo Scholz, Pablo Sirvén, Paula Shapiro, Roberto Perinelli, Shula Maiselman y Vivian Urfeig.

Ellos fueron los responsables finales de seleccionar a los ganadores en cada uno de los 38 rubros que se premian, cuyas ceremonias se dividieron en dos sesiones. En salones del Hotel Novotel, el 17 de septiembre se realizó la entrega de diplomas a todos los nominados, con conducción de Georgina Barbarossa,

Premios Hugo 2012 Foto . Russarabian

Julia Zenko, Raúl Lavié y Víctor Laplace; y la entrega de algunos premios, entre ellos a Agustina Seku Faillace por Alicia en Frikiland como mejor coreografía en musical infantil (el mismo 17, con conducción de Noralih Gago, Pablo Gorlero y Ricky Pashkus).

El martes 25 de septiembre, por su parte, fue la gran fiesta, con un show monumental en el Teatro Presidente Alvear transmitido en vivo a través de la web de los Premios, con conducción de Laura Oliva y Ronnie Arias, a través del Twitter y retransmitido el sábado siguiente, por un canal televisivo de noticias.

En materia de danza, algunos de los ganadores fueron, Casi Normales (musical), Flor de Viaje y Delirio Gaucho (music hall), Cachafaz (musical off) y Alicia en Frikiland (musical infantil). Las coreografías de Gustavo Carrizo en Por Amor a Sandro.

Las actuaciones de Alejandro Paker y Laura Conforte por Casi Normales, Noralih Gago por Simplemente Concha y Alejandra Radano por Delirio Gaucho; en el sector off fueron galardonados Claudio Pazos por Cachafaz y Mariana Jaccazio por Perdón por Ser tan Puta; el unipersonal correspondió a Dolores Ocampo en Como Pez Frente al Anzuelo; mientras que para el sector de los infantiles los premios recayeron en Mariel Percossi por Alicia en Frikiland y Facundo Rubiño por La Farolera. Dentro de los actores y actrices de reparto y ensamble, se reconoció la labor de Julián Pucheta, Gimena Riestra, Julián Sierra y Mariela Passeri. Las revelaciones de este año fueron Fernando Samartín y Natalie Pérez. __BD

Laura Roatta premio Argentores 18 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

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Más Festivales de Danza Buenos Aires sigue ofreciendo para todos los interesados en cada núcleo particular de la danza, festivales con paquetes de actividades concentradas AFRO Del 16 al 26 de noviembre, la Manzana de las Luces será sede de las primeras Jornadas de Formación y Difusión de Arte Escénico Africano producidas por Viviana Rodríguez, que contarán con la visita de Gorsy Edú, nacido en Guinea Ecuatorial y radicado en España.

En el encuentro se propone explorar los recursos escénicos del Africa, a través de todas sus expresiones artísticas fusionándolas y complementándolas a la usanza de los artistas africanos. Habrá charlas abiertas, representaciones teatrales y talleres, de danza, percusión y actuación. http://famyamina.wix.com/arteescenicoafricano.

TEATRO Y DANZA El Festival Escena realizará su tercera edición del 13 al 27 de octubre, en más de 20 salas de la ciudad e incluirá espectáculos, con entrada a la gorra; Mapa escena, con entrada gratuita (intervención colectiva interdisciplinaria de cruces escénicos entre todas las sedes del festival, cuya consigna 2012 será El Futuro); charlas gratuitas y talleres con aranceles accesibles, a cargo de referentes de la actividad escénica.

Las sedes nucleadas en Escena (Espacios Escénicos Autónomos) son Abrancancha, Café Müller Club de Danza, Club Cultural Matienzo, Club de Teatro Defensores de Bravard, Crisol, El Brio, El Paraíso, El Temenos, Elefante Club de Teatro, Escalada, Espacio Duncan, Granate, Habitándonos, La Casona Iluminada, La Playita, Machado, Oeste Estudio Teatral, Polonia Teatro, Querida Elena, TBK, Teatro del Perro, Vera Vera y Zafra Estudio. www.escena.cc

Una de las obras que se representarán en el Festival Escena Foto . gentileza de la producción

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Gorsy Edú el próximo mes en Buenos Aires Foto . gentileza de la producción

TANGO QUEER Con organización de Augusto Balizano y Mariana Docampo, el Festival Internacional de Tango Queer será del 19 al 25 de noviembre en los principales salones y escuelas de Buenos Aires. La ciudad de Nueva York será este año la invitada de honor, con la presencia de Walter Pérez, Leonardo Sardella y Sidney Grant, organizadores de eventos de tango queer en Estados Unidos.

El festival propone espectáculos de teatro y danza vinculados a la temática, clases, milongas y prácticas todos los días de la semana, shows, orquestas, performances, con Aurora Lúbiz, Jorge Firpo, Claudio González y Melina Brufman, Soledad Nani, Diego González, Javier Guiraldi, Helen La Vikinga, Lucas de Buenos Aires, Augusto Balizano y Mariana Docampo, entre otros muchos. www.festivaltangoqueer.com.ar

Los niños en la edición 2011 Foto . gentileza de la producción

NIÑOS Cinco teatros porteños albergarán la tercera edición del Festival de Espectáculos Para Gente Chica, del 2 al 4 de noviembre.

Música, teatro, danza, cine y actividades gratuitas para toda la familia.

La programación incluirá shows de Los Auténticos Decadentes, Los Musiqueros, Vení y Estrená (curso-espectáculo de Claudio Hochman), La Colmenita, Caracachumba, Clown Imprevisto, Identikich (la banda de la risa), Mundodanza (estreno de Laura Falcoff), Historias Cantantes y Sonanates, Fiesta de Pueblos, y la presentación en Argentina del Duo Karma (Cuba).

Habrá talleres, seminarios y clases pagas, y además, dentro de las actividades libres y gratuitas, el fin de semana del sábado 3 y el domingo 4 de noviembre, de 15 a 19 hs en la calle peatonal Zelaya del barrio del Abasto, habrá narración, caricaturas, juegos, plástica y cine al aire libre. www.festivalparagentechica.com.

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STAFF DE PROFESORES 2012 Ale Castro Videla - Ati Castro Videla - Soledad Bayona Yamila Embon - Selva Santagada - Leo Robaglio - Pedro Frias Mijail Sosa - Denise Gonzaga - Silvana Biselli - Agustina Vivone Luciana Castro - Caro Mila Prats - Maria Noe Rodriguez Mariana Szuchmacher - Vera Mauer - Ingrid Cataldo Lucila Greco - Xoana Winter - Martina Sucari - Sol Aguiar Johanna Sciarrotta - Natalia Avila - Melisa Freund.

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El Lago de los Cisnes El Ballet del Sur de Bahía Blanca, presenta una versión integral del máximo de Pitr Ilich Tchaikovsky con coreografía de su director, Ricardo Alfonso El clásico por antonomasia del ballet clásico, El Lago de los Cisnes, una fusión perfecta de la composición coreográfica, la música y el vuelo poético del período romántico tardío, podrá verse este mes en el Teatro Municipal de la ciudad austral.

Es sobre todo para el rol femenino protagónico un desafío interpretativo, en su dualidad Odette-Odile, la pureza y bondad de una, contra el erotismo y el desenfreno de la otra. Todo en el marco del más puro academicismo, con sus actos blancos y las escenas de palacio.

Las funciones encaradas por el elenco local, tendrán lugar del 19 al 21 de octubre. __BD El Lago en Bahía Foto . gentileza Ballet del Sur

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Nuevas fechas para Coppelia Se estrena este mes el ballet Coppelia, programado originalmente para el mes de agosto Finalmente, se realizará en octubre el estreno del ballet Coppelia, a cargo del Ballet Oficial de la Provincia dirigido por Alejandro Cervera, junto a la Orquesta Sinfónica de Córdoba bajo la batuta de Federico García Vigil.

La puesta cuenta con coreografía de Leonardo Cuestas sobre las partituras de Léo Delibes y podrá verse en el Teatro del Libertador, del 21 al 28 de este mes. __BD Mariela Ragessi y Noel Rohner Foto . Teatro del LIbertador 22 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

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Tres Encuentros También en las provincias argentinas los festivales especializados están a la orden del día

ROSARIO El Festival El Cruce de la ciudad de Rosario (Santa Fe), se realizará del 25 de octubre al 3 de noviembre. Con la visita de variados artistas europeos que darán seminarios, talleres y ofrecerán sus creaciones escénicas. KiM Lab - Elías Cohen (Berlín, Alemania y Chile) asistido por Se-Rok Park y José Chahín, Compañía La Intrusa dirigida por Virginia García y Damián Muñoz (Barcelona, España), la compañía Mille Plateaux Asocies dirigida por Geisha Fontaine y Pierre Cottreau (Francia) y la argentina Claudia Sánchez. www.festivalelcruce.com.ar

Elias Cohen Foto . gentileza del Festival

CÓRDOBA

De lo Efímero a lo Eterno Foto . gentileza del Festival

El Festival Itinerante de Performance e Intervenciones Urbanas, Nómade, se realizará del 19 al 29 de octubre en Río Ceballos (Córdoba) y en Buenos Aires.

Un encuentro que prioriza el aspecto relacional de los artistas nómades, antes que la obra individual. Es decir, “la interacción, tanto entre los integrantes de cada equipo (performers, fotógrafos y organizadores), como también la de cada persona con cada contexto a transitar y accionar”, señalan en sus estatutos.

En 2012, doce artistas provenientes de ocho países de Latinoamérica fueron invitados para ‘itinerar’ durante diez días entre Buenos Aires y Río Ceballos, dos puntos geográficos y sociales de Argentina bien diversos. En cada uno, realizarán una actuación inédita y específica. http://festivalnomades.blogspot.com.ar

MENDOZA Por su parte, el 10 de octubre finalizó el Festival Nuevas Tendencias de Mendoza.

Coordinado desde hace 17 años por Vilma Rúpolo y Alejandra Peralta, Patricia Baldín en representación de la compañía El Árbol Danza Teatro y CoCoA Mendoza (Coreógrafos Contemporáneos Asociados).

Esta edición contó con las actuaciones de elencos, bailarines y coreógrafos de todo el país. Entre ellos, Cristina Gomez Comini (Córdoba), Ballet Contemporáneo de la Provincia del Chaco, Tania Cometto (San Luis) y de la provincia anfitriona el Ballet Contemporáneo de la Ciudad, Francisco Molina, Colectivo Rojo Libre, Grupo Experimental de Cámara Voces Silenciadas. Desde el exterior llegaron a Mendoza, Wilson Pico (Ecuador) y Joel Inzunza Leal (Chile). www.festivaldanzant.com.ar

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Wilson Pico Foto . gentileza del Festival

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Doble Sentido Por Cecilia Werle Pinto El 20 de octubre la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, estrena en el Teatro Nacional Cervantes, Versus 0.2 con idea, coreografía y música de Sebastián García Ferro, en su programa Partido y Compartido IV Sebastián García Ferro confiesa que la danza llegó a su vida por accidente. Estudió música y artes marciales desde muy joven, pero cuando conoció el Contact Improvisation fue para él una revelación. “Era lo mismo que hacía con la música pero con el cuerpo”, comenta. El coreógrafo argentino reside en España, donde dirige el Barcelona International Dance Exchange (BIDE), una plataforma para el desarrollo de proyectos en formato laboratorio, con una estructura horizontal de creación.

En diálogo con BALLETIN DANCE adelanta cómo será la obra que estrena este mes en Buenos Aires, con la Compañía Nacional de Danza Contemporánea.

“Versus 0.2 está basada en la definición de la palabra ‘versus’ -explica García Ferro- cuya etimología es ‘ir hacia’, pero que en la actualidad remite a ‘confrontación’. El marco teórico de la obra tiene que ver con que el ser humano necesita siempre un desafío o un enemigo para poder evolucionar. Primero fue la naturaleza,

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luego con la aparición de las aldeas el enemigo fue la ciudad contraria. Después, el que está al lado, el vecino y al final termina siendo uno mismo”.

“En la obra hay cinco casas y cinco parejas -comenta-, pero una se cae y la pareja que queda detona un poco todo lo que viene después. Las coreografías están casi todas basadas en El Arte de la Guerra, a partir de lo cual exploramos el hecho de que los juegos en equipo son una simulación de batalla, donde se compite para conquistar un territorio. Lo interesante es que casi todos los juegos son siempre de izquierda a derecha o viceversa, pero no son tridimensionales. Tienen que ver siempre con avanzar”.

“Además, trabajamos sobre una idea de Jean Baudrillard -explica el coreógrafo- que tiene que ver con todo lo cultural que está relacionado con la diferencia. Planteamos que el otro no está para ser conquistado, temido o confrontado; sino para ser reconocido y liberado. Finalmente todos terminan siendo obligados a convivir.

No a coexistir como esta cosa de ‘tengo que aceptar lo diferente’.

No, todos somos diferentes y no sabemos ser de otra manera.”

La Compañía Nacional de Danza Contemporánea fue creada en 2009 Foto . Ramiro Peri

“Siempre quise volver a Argentina para producir cosas” confiesa Sebastián García Ferro Foto . Gentileza García Ferro

para componer, como también de arte marcial, sobre todo el aikido. Todo esto lo tenía pre-armado, como también la música, que la compuse yo pero la traje en un formato menos terminado, para poder ir adaptándola a las piezas que finalmente quedaron.

Para mí es importante que la música no condicione a los bailarines, sino que sea un elemento más que esté con ellos. También me atrae mucho el silencio. Por momentos pasan cosas en el escenario sin el ritmo constante que la música a veces pide. La obra empieza y termina en silencio, y esto genera una carga porque generalmente la ausencia de sonido te pone en el lugar de esperar. En cambio, nosotros proponemos que el silencio es el lugar para estar listo. Y parece mentira pero filosóficamente eso te posiciona distinto, ante la vida, ante todo.

Tratándose de la primer gran producción que realiza en el país ¿cómo fue trabajar con la Compañía Nacional de Danza Contemporánea?

En general nos fue bastante bien. Son bailarines que tienen un nivel bárbaro. Es un grupo muy heterogéneo, hay gente que viene del San Martín, otros del IUNA, de escuelas privadas, gente que viene del folklore, muchos son del interior e incluso hay de otros países. Se comprometen con lo que hacen y le ponen mucho amor, que no es un tema menor, aunque hoy parece algo naif. A mí me gusta trabajar en equipo, no con subalternos. Me encantan los bailarines que sugieren y me gusta escucharlos, abrir ideas, charlarlas.

Durante el primer mes de trabajo estuvimos viendo mucho material fílmico de contact, de flying low, de teatro físico, que uso

Para el próximo año ¿tiene algún proyecto para realizar en el país?

Estamos en tratativas para desarrollar una experiencia como la del BIDE. Yo creo que es interesante que haya un lugar donde convivan la experiencia y la juventud, lo que sabés con lo que no sabés, una persona que vive en Buenos Aires con una que vive en Calamuchita. En Argentina hay mucha diversidad, muchas generaciones y eso es muy bueno. Yo soy fan de los sabios, la gente que ya tiene una historia, un camino recorrido. Hay que aprender de ellos, porque tienen mucho para dar.

Este tipo de experiencias son muy fuertes, como lo fue Versus 0.2 para los chicos de la Compañía. Lo más importante es que les generó cosas, entonces está bueno. Después el trabajo si te gusta o no te gusta es absolutamente una cuestión individual. Pero el asunto es que no te sea indiferente. Nosotros estamos seguros que no lo va a ser. __BD

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-ballet A Toda Danza

-musical Bravo Nino!

-de todo Ciclo de Danza

Organiza: Alba Serra. Más de 20 artistas en escena. Invitados: Ángeles Cataldi y Mario Navarro (Ballet Argentino de la Plata). Sábado 20, 16:30 hs. Teatro El Globo (Marcelo T de Alvear 1155, Tel: 4816-3307).

Dirección y coreografía: Sebastián Codega. Con Alejandro Dambrosio y Anabella Boron. Viernes 20:15 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

-revista América 20Diez

Organiza: Escuela de Danzas Clásicas de La Plata. Coreografías de Raúl Gatto, Clavelina Gómez y Diana Rogovsky, Laura Cucchetti, Manuela Montalto, Clavelina Gómez, Sofia Diotto y Giselle Dana. Pasaje Dardo Rocha de La Plata.

Viernes 20 hs.

Breves Piezas de Autor. Ciclo de solos y duos. Diferido, Corrido del Presente con Ana Borré y María de las Mercedes Osswald. Una de las Veces que me Distraje de Georgina San Cristóbal. El reverso de la Piel de Julieta Castro. Quien Habita de Jorgelina Mongan y Constanza Copello. Lo que no Me Termina de Lila Acuña. El Día que Cayó Rocío Sobre tu Cabeza de Georgina Forconesi. Viernes 12, 21 hs. Galpón Multiespacio (Dean Funes 1267, Tel: 4942-5278).

-contemporáneo Breviario

Libro: Viviana Poltrone Chávez y Belisario Román. Coreografía: Estefanía Amoresano. Dirección: Viviana Poltrone Chávez. Sábados 23 hs. El Bombín Teatro (Calle 59 N° 886 e/ 12 y 13, Tel: 421-2920, La Plata).

-contemporáneo Camino Creación y danza: Mariana de los Ríos y Roxana Galand. Jueves 21:30 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

-contemporáneo Abrázame

Dramaturgia: Jorge Goldenberg. Dirección: Berta Goldenberg. Coreografías: Matilde Campilongo. Sábados 21 hs.

Teatro Anfitrión (Venezuela 3340, Tel: 4931-2124).

-expresión corporal Cuentos de Amor Peripecia danzada a tiempo de tinta.

Grupo multidisciplinario MatacoLaFarsanta. Con Emilia Pujadas, Astrid Gomez Grosschald, Trinidad Padilla y Bárbara Sánchez Olmos, entre otros.

Sábados 21 hs. Espacio Urbano (Acevedo 460, Tel: 15-6752-0757).

-contemporáneo.títeres Cuerpo Extranjero

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Dirección: Fagner Pavan. Con Inés Armas, Daniela Fiorentino. Jueves 22 hs.

Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Cartelera

De Giuliana Rossetti. Con Rosana Zelaschi, Giuliana Rossetti, Teresa Sevilla, María Cecilia Bazán, María Colimodio, Yamila Ramírez, Jimena Visetti, Lara Cuffia, Hernán Nocioni, Alfredo Ribalta, Rodrigo Colomba, Mariano Luraschi, Alexis Ledesma, Federico Santucho y Adrián Vergés. Sábados 20 y 27, 21 hs.

Domingos 4 y 11 de noviembre, 20 hs.

Teatro HastaTrilce (Maza 177, Tel: 156873-2141).

-teatro Citas

-contemporáneo Catulli Carmina

-ópera Bastián y Bastiana De Wolfgang Amadeus Mozart. Orquesta Fundam y Compañía Surdanza.

Jueves 11, Catedral de Lomas de Zamora. Domingo 28, 16 hs, Teatro Roma de Avellaneda. Miércoles 31, Universidad Tecnológica de Medrano y Córdoba.

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De Carl Orff. Ensamble Lírico Orquestal y Compañía de Danza del Departamento de Artes Del Movimiento del IUNA. Dirección: Roxana Grinstein. Coreografía: Carlos Trunsky. Domingos 19 hs (hasta el 4 de noviembre, y sábado 10 de noviembre). Teatro El Globo (Marcelo T de Alvear 1155, Tel: 4816-3307).

-contemporáneo Dejar de Ser Dirección: Nicolás Perez Costa y Luciano Cejas. Compañía de danza Contemporánea del IFA. Viernes 21:30 hs.

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Enérgico Zapateo Por Juan Cruz Guillén Sobre fines de agosto pudo verse el espectáculo Che Malambo en el Teatro Avenida de Buenos Aires La compañía integrada completamente por bailarines argentinos, fue creada en el año 2005 por el francés Gilles Brinas, productor, director y primer bailarín del ballet de Maurice Béjart.

Bajo su dirección y con la ayuda coreográfica de Cristian Vattimo y Fernando Matoso (bailarines de nuestro Ballet Folklórico Nacional) supervisado por Nydia Viola (directora del Ballet hasta su desaparición física), realizaron un espectáculo únicamente de malambo (bombos, boleadoras, norteño y sureño) presentándose en grandes y prestigiosas ciudades de Francia y Suiza.

Con grandes expectativas asistí al espectáculo, la publicidad en vía pública había acrecentado mi interés, pues se lo difícil que es hacer un show únicamente con malambos, aunque incluya distintos estilos. La apertura de Che Malambo fue excelente, por los desplazamientos y movimientos de los bailarines, sumado al colorido de los ponchos, dio la impresión de que se verían cosas distintas en relación a la temática del espectáculo.

En primer lugar hay que destacar que todos los integrantes del elenco son excelentes zapateadores, más allá de haber realiza-

do todos los cuadros con la misma expresión de enojados, que aunque puede ser necesario en algunos momentos (duelos, contrapuntos) en otros hubiera sido preferente que demuestren que eran felices con lo que estaban haciendo. Esto no significa reírse a carcajadas, sino solamente una pequeña sonrisa o como dijo una vez un director “aflojen los rostros” ablanda y hace que el espectador también disfrute.

Por otro lado, el ritmo del bombo permanente llega a saturar, seguramente ha sido la decisión del coreógrafo, pero con una música orquestada, brillante y con lo estupendos bailarines que son, daría un refresco muy saludable al espectáculo. Aire que se logró acertadamente en el cuadro humorístico, con buenas actuaciones de los integrantes.

Los malambos con boleadoras resultaron excesivos, quizás como el show está ideado para mostrarse en el exterior sea una buena selección, sin embargo aquí en nuestro país, es un recurso que venimos viendo desde hace muchos años. Con “Los Diablos de la Danza”, Juan Santillán (El Diablito Santiagueño) inimitable en el año 1967, Juan, Koki y Pajarín Saavedra, Antonio Ferreira y su Malón Ballet, Mario Machaco, El Malón Argentino, y no puede dejarse de mencionar al creador de esta invención: Santiago Ayala “El Chúcaro”. El mismo que con el correr del tiempo se arrepintió de haberlo hecho, porque se había desvirtuado totalmente la esencia que tenía su innovación.

Para sintetizar, se trata de un espectáculo de proyección folklórica, que vale la pena ver. El esfuerzo de producción es muy grande -que contó con programas de mano y desplegables de alta calidad- y siempre se debe apoyar a estos productores que se la juegan por lo nuestro. __BD

Un espectáculo que vale la pena ver Foto . Jacq Roussel OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 31

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Un Asunto Rioplatense Por Carlos Bevilacqua

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Este año la pareja campeona mundial de tango escenario estuvo constituida por un argentino y una uruguaya; en Salón el primer puesto fue para otros dos argentinos Con sus defensores y sus críticos, el Campeonato Mundial de Tango sigue siendo, por lejos, el evento más convocante que tiene la danza típica porteña en su lugar de origen. Decenas de miles de personas toman clases, presencian espectáculos de diversa índole, asisten a charlas, recorren una feria de productos o bien siguen la competencia. Todo de manera gratuita y -desde que el organizador Gobierno de la Ciudad decidió fusionar el Mundial con el Festival de Tango- durante al menos dos semanas.

Fueron en total 352 las parejas de los cinco continentes que compitieron este año en la categoría Salón, una de las dos previstas en el reglamento. La final disputada el 27 de agosto en el Luna Park coronó a una pareja que pocos días antes estaba bailando a la gorra en la esquina de Florida y Lavalle. El cordobés Facundo de la Cruz Gómez Palavecino (26 años) y la chubutense Paola Sanz (29) se impusieron con elegancia, musicalidad y variantes al moverse al compás de los tres tangos que les tocó en suerte. “No hicimos nada extraordinario, bailamos tal como lo hacemos todas las noches en la milonga”, declaró él, ya en camarines. A su lado, asentía ella, responsable de la afición al tango de su compañero, desde que se enamoraron y armaron una pareja también en la vida, hace cinco años.

La categoría Escenario se definió al día siguiente entre veinte binomios finalistas, también en el Luna Park. La espectaculari-

Sciuto y Sosa, los campeones de tango Escenario, la noche de la consagración Foto . Gentileza Festivales de Buenos Aires

dad propia de la modalidad, que admite recursos teatrales y de otras danzas, impregnó de adrenalina el ambiente del estadio.

Para sorpresa de varios, fue coronada una pareja especialmente sobria, concentrada más en la fluidez y precisión de una coreografía bien al piso que en los golpes de efecto. De una técnica impecable, el bonaerense Cristian Sosa y la uruguaya Noel Sciuto (ambos de 25 años), innovaron también con la música que eligieron bailar: una hermosa versión de El Gordo Triste por el Polaco Goyeneche. La estrategia de la pareja, meramente profesional, fue diseñada por Mario Morales, un coreógrafo y docente que ya acredita varios títulos mundiales como coach.

Como premios, cada una de las parejas ganadoras se llevó cuarenta mil pesos y un contrato para actuar en París el año próximo. Los ganadores de Escenario recibieron además una invitación para bailar durante dos meses en Japón.

En ambos casos, los campeones fueron seleccionados por un jurado de expertos, integrado por siete miembros diferentes cada noche. Por primera vez en los diez años de historia del Mundial, los puntajes de cada uno fueron expuestos en una pantalla gigante, una medida que sirve para aventar suspicacias. Otro acierto de esta edición fue ubicar a los jueces de Salón mucho más cerca de las acciones que en años anteriores.

El Mundial también fue pródigo en cuanto a espectáculos coreográficos. Las noches de coronación demostraron su vigencia tanto de Gloria y Eduardo Arquimbau como de María Nieves, en sendos homenajes. Nueve días antes, la compañía Tangokinesis de Ana María Stekelman deslumbró a una multitud al interpretar músicas de Ástor Piazzolla en el Centro Municipal de Exposiciones. El domingo 26, en tanto, hubo allí shows de El Reenganche Tango Ballet, las compañías Tempotango y Tango+Tango, el citado Morales y una Gala de ex-campeones. __BD

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Moldeando la Tradición Por Carlos Bevilacqua La compañía de los hermanos Koki y Pajarín Saavedra estrenará este mes Flechas de la Tribu, una puesta donde prometen volver a seducir como intérpretes, coreógrafos y directores Nuevo Arte Nativo. Así se llama la compañía que en 1994 crearon los hermanos Carlos Orlando “Pajarín” y Jorge Juan “Koki” Saavedra. Pocas veces un nombre es tan elocuente como en este caso. La danza que practican Koki y Pajarín es innovadora pero no deja de abrevar en las raíces; puede ser disfrutada en todo el mundo, pero tiene un sabor criollo que resulta entrañable. A través de Nuevo Arte Nativo, hace ya 18 años que vienen recreando las coreografías folklóricas clásicas en shows de impactante despliegue artístico, destacándose como talentosos intérpretes, coreógrafos y directores.

El asunto de los nombres no es menor para los Saavedra. Aparece apenas se les consulta sobre las líneas generales de Flechas de la Tribu, el espectáculo que presentarán como estreno el 20 y 27 de octubre en el porteño Teatro Sha. “Tribu y flecha son palabras que nos remiten a otro tiempo y simultáneamente suenan actuales, en tanto algo que se lanza y desde un determinado lugar”, arranca Pajarín. “Ese lugar es, en principio, el de los pueblos originarios que tienen mucho más que ver con todos nosotros de lo que imaginamos. Hay estudios que revelan que un 70 % de los argentinos tenemos algún componente aborigen en nuestra sangre”, acota el menor de los hermanos.

Puestos a describir el material del show, hablan de una variedad de ritmos y coreografías. “Como santiagueños que somos sentimos algo que caracteriza a nuestra provincia, que es el gusto por la libertad. Esa libertad nos lleva a tomar riesgos, a ser audaces.

Este espectáculo sigue ese hilo conductor”, explica Pajarín, como prólogo a una revelación sorprendente: la inclusión entre el repertorio musical de un tema de Marcus Miller y de otro de Cindy Lauper que formaron parte del repertorio del trompetista de jazz Miles Davis. Cuenta Koki: “Quisimos homenajearlo. Sabemos que por una pareja que tuvo, disfrutaba mucho del tap, lo cual nos vincula directamente. Sentimos que de él nos separa sólo una distancia geográfica”.

Otro cuadro novedoso será uno basado en el poema Romance de la Vidalita Riojana de Atahualpa Yupanqui. “Es un cuadro inusitadamente largo porque dura alrededor de 25 minutos pero tiene varias proyecciones. Por un lado, evoca a nuestro padre, que solía recitarnos esos versos cuando éramos chicos; por otro, implica un homenaje al autor y después deriva hacia lo que a nosotros nos despierta en cuanto a sensaciones”, adelanta Pajarín sobre una coreografía que por momentos asume formas de chaya y de vidala.

Asimismo, contarán con músicos invitados las dos noches de función. En la primera, recibirán a Luna Monti y Juan Quintero, quienes interpretarán la chacarera doble Mpchiporo, la misma que la pareja había grabado en un videoclip con los Saavedra como artistas invitados. En la segunda, la idea es convocar al amigo de

Koki y Pajarín, hermanos que saben trabajar juntos Foto . Gentileza Karina Nisinman

Koki y Pajarín, protagonistas e ideólogos de Flechas de la Tribu Foto . Gentileza Karina Nisinman

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El de Nuevo Arte Nativo es un numeroso elenco Foto . Gentileza Karina Nisinman

la infancia Peteco Carabajal para que interprete una zamba de su autoría que no forma parte del repertorio habitual del cantautor.

Los dos se sumarán a los dos músicos estables del show: el bandoneonista Emiliano López y el saxofonista Víctor Carrión.

Como en las puestas anteriores, habrá una exaltación del ritmo, no sólo por la cadencia de los movimientos sino también por el rol de percusionistas que asumen los bailarines. Porque otra seña de identidad de Nuevo Arte Nativo obliga a todos los miembros del elenco a ser buenos zapateadores y sugiere incursionar en la interpretación de al menos un instrumento musical. “Sabemos que es un gran desafío para los artistas, pero para nosotros es fundamental que todos desarrollen esas capacidades -explica Koki-. Nadie tiene la varita mágica, para conseguir algunos resultados hay que esforzarse. En ese sentido estamos muy contentos porque notamos un sacrificio muy importante por parte de ellos.

Algunos llevan cinco años y otros unos pocos meses, pero igual se sienten integrados a puro ensayo”. Se refiere a Emilce Marcolongo, Victoria Cuesta, Bárbara Ibarra, Rafael Cabello, Javier Franichevich, Salomé Bejarano, Macarena Masegossa, Tamara Peraire, Florencia Vijnovich, David Ávalos, Pablo Flores, Cecilia Caballero, Rodrigo Quevedo, quienes los acompañarán sobre el escenario del barrio de Once.

Por lo que cuentan, la tendencia a ser bailarines-músicos se acentuará en Flechas de la Tribu. Para Pajarín, esa inclinación “forma parte de lo vivido, de lo aprendido y lo compartido con

mucha otra gente”. Alude así no sólo a la formación que desde chico recibió de su padre, el gran bailarín folklórico Carlos Saavedra, sino también a la que recibieron estudiando y trabajando en Europa durante veinte años, tras aceptar una invitación del tío Juan, otro bailarín profesional de renombre. “Allá tomamos clases de otras disciplinas: danza clásica, jazz, contemporánea y flamenco. Recuerdo cómo llegamos a emocionarnos ante la danza jazz con la misma intensidad que sentíamos al verlo bailar a mi viejo”, asegura.

El tema del zapateo calienta la mesa del bar céntrico donde transcurre la charla. “El golpe contra el piso suministra una teatralidad fabulosa. El zapateo es infinito, los limitados somos nosotros”, señala Koki con humildad. “Sí, es algo tan vasto que el malambo, a partir de su forma histórica, se elevó como zapateo artístico de incalculable proyección”, suscribe su hermano.

“No buscamos transmitir un mensaje específico, sino que vamos más por el lado de lo sensorial. No es nada fácil tocar algunos lugares que están como dormidos en el ser humano, pero la danza da esa posibilidad”, celebra Koki al ser consultado por las temáticas de la reflexión, un concepto que aparece en el texto promocional del nuevo espectáculo. Y Pajarín agrega: “Vemos que en el folklore hay una tendencia a contar una historia. Eso puede ser un condicionante, porque la danza es sobre todo una metáfora. Habla pero no a través de un lenguaje verbal. Apela en todo caso a la reflexión del espectador, lo cual hace que entre todos vayamos completando la creación”. __BD

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Por Guillermo Chulak

Nosotros También Vivimos en una Selva

O C N E M A L F

Carmen Mesa puso todo su arte al servicio de una buena causa, el Flamenqom, solidaridad y toma de conciencia, que si bien comenzó como un sueño, hoy es una realidad concreta A través del flamenco, considerado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco y con un concierto a beneficio del proyecto Flamenqom, el viernes 31 de agosto en el ND Teatro (ex Ateneo) se presentó la bailaora Carmen Mesa junto a Patricia Sosa, Luis Mancini, Stella Diaz, Samuel Acosta y Allba llaleq como artistas invitados, y la colaboración especial de Casimiro y Alex, niños Qom que inspiraron este designio.

“En Argentina vivo un crecimiento importantísimo, tanto personal como artístico”, contó Carmen Mesa en la tarde de ese viernes previo al show, en la entrevista que mantuvo en exclusiva con BALLETIN DANCE en su camarín, donde dejó elocuentes mensajes hechos a la medida de una artista dispuesta a reinventarse.

FUSIÓN DE CULTURAS El encuentro (que tiene mucha mística) con la comunidad Toba nació por azar gracias a la gestión de Patricia Sosa: en 2008 ella recibió un sobre en un recital ofrecido en Córdoba. En un principio, la cantante creyó que la carta estaba escrita en ruso, hasta que se percató que era la mitad en castellano e idioma Qom (de los Tobas que habitan la selva del Impenetrable en la provincia del Chaco).

La misiva fue enviada a Sosa porque por esa época la tribu de unas 350 personas se sintió morir: dos niños fallecieron por desnutrición, un adolescente intentó suicidarse y, además, no tenían alimentos.

Entonces, decidieron hacer el ritual “del fuego”, un Dios muy poderoso al que convocan en última instancia. Mientras un chamán tiraba azúcar al fuego y ellos rezaban pidiendo conocer el camino a

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seguir, pasó un auto del que se emitían las frases: “y te amaré, y te amaré”. Lo tomaron como una señal, pero no sabían quién cantaba, hasta que al día siguiente fueron al pueblo y con la ayuda de un chico que navegó en Internet descubrieron a la intérprete y su próximo recital en Córdoba. Así, juntaron el dinero para el pasaje de ida de una india para que cumpla con el ritual.

Además, otra noble persona se sumó al proyecto, Pepe Cielo, manager de Chambao, una de las bandas de flamenco más importantes de España, que metiéndose de lleno en un emprendimiento ambicioso pero sublime, se fue al Chaco para enseñarles a los Qom a hacer cajones flamencos. Actualmente los indígenas del Impenetrable chaqueño hacen instrumentos de percusión que se venden en todo el mundo y son requeridos por algunos de los mejores cajoneros del mundo.

Casi sin proponérselo, Cielo abrió otro capítulo en la historia cultural del cajón: el primero y considerado auténtico cajón peruano nació hace 200 años, proveniente de la línea afro-peruana a cargo de los negros esclavos que estuvieron en América. El cajón flamenco solo tiene tres décadas, y según rezan, lo descubrió Paco de Lucia en una fiesta de la embajada de Perú en España. Vio el instrumento y le dijo a su percusionista: “súbete ahí y toca”. Cuando lo vieron los gitanos dijeron “ésto es nuestro”, al punto de ser hoy en el flamenco el instrumento más importante, junto a la guitarra.

Curioso resulta tal vez, que ahora en el Impenetrable los Qom bailan y tocan temas de Camarón de la Isla, como Volando Voy, con los primeros cajones del mundo hechos con madera y semillas del Chaco, entre otras melodías españolas.

El proyecto -llevado a cabo por la Fundación Pequeños Gestos Grandes Logros (de Sosa), Voces y la Fundación Flamenco Vuela-, ya lleva dieciocho meses en marcha, con dos talleres funcionando. Los 324 alumnos han fabricado cerca de 150 cajones de los que se vendieron más de cien y por otra parte, un pequeño pueblo (de 400 habitantes) español se hermanó con los Tobas.

CREATIVIDAD E INSPIRACIÓN ¿Por qué el flamenco es tan solidario?

Pepe Cielo: (en un paso fugaz por el camarín) ¿Puedo intervenir?...Para mí el flamenco no es tan solidario. Pero quienes son solidarios, sí son muy solidarios. De hecho, en esta movida la agencia Flamenco para el Desarrollo no ayudó mucho, pero cuando hay gente que sí colabora, lo hace de verdad.

Carmen Mesa: Nosotros estamos muy involucrados en esto.

De hecho fui al Impenetrable también para enseñarles a bailar.

Las personas que hacen al flamenco y quieren apostar por la solidaridad, son las que logran que el género se transforme en una herramienta para -si se quiere- desafiar a la modernidad, en la que estamos muy apurados, y todo tiene que ser ya, ya.

Pareciera que acá también vivimos en una selva. Es bueno que las cosas avancen, la tecnología y demás, pero no hay que olvidarse de lo social, del contacto, de que muchos tengan tanto

Carmen Mesa deja filtrar su mundo interior en escena Foto . gentileza de la producción

y otros ni siquiera para comer. Todo debería ser más sano y simple, y eso, a veces, es muy difícil de lograr. ¿Existe algo en las raíces del género que hace que abra sus manos a este proyecto?

CM. Bueno, sí, algo que también comparte con el tango, por ejemplo. Un talento que pareciera innato, ese arte sin corregir existe una visión del flamenco muy racial, primitiva, casi de barrio un arte muy valioso. En España lo tienes que ir a buscar a los poblaos, a la marginalidad, porque no está ni en las discos, ni en los tablaos, ni en los teatros. El flamenco es un espíritu libre y la libertad es el acceso a la creatividad y a la inspiración, que están siempre en movimiento. Y eso es algo que llevamos muy profundamente en nuestros genes. Siempre estoy preparada a la próxima expedición.

¿Dónde nace su solidaridad?

CM. De contemplar la realidad. Por momentos, con rabia y tristeza porque veo que pasa el tiempo y no cambia absolutamente nada. Por eso, creo que hay que pelear desde donde uno pueda.

Hay cosas que tengo grabadas a fuego por educación familiar: la dictadura del duende y solidaridad con mi pueblo, mi gente.

Y nace también por agradecimiento, cuando era chica le decía a mi madre: “quiero ser artista”. Y ahora poder vivir de lo que una hace es maravilloso. La solidaridad me da sentido como persona y la forma de retribuirle a este país que me dio tantas cosas: alumnos, amigos, carrera. Hay que ayudar, con un poquito de cada uno, que para algunos es demasiado. No es normal que exista gente que muera de hambre. Es muy fuerte, está todo muy mal repartido. Podemos cambiar las cosas.

Como bailaora me encanta compartir vivencias con muchos que aman el flamenco, vivencias que expresamos a través de la danza, como el por qué bailamos o también aprender a escuchar el mensaje de nuestros cuerpos. Por más importante que la técnica OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 37

Una escena del concierto a beneficio del proyecto Flamenqom Foto . gentileza de la producción

sea, también lo es el hecho de sacar afuera la flamencura que sin dudas cada bailarín tiene adentro. Me gusta mucho llegar a los pueblitos, porque son lugares hermosos, de hecho yo me crié en uno pequeño de Andalucía, y allí fue donde aprendí que no tiene precio la alegría de las personas, sobre todo cuando viven la magia del logro. Es bonito ver que cumplen sus sueños, por eso, donde haya público siempre habrá un artista. ¿Qué otros proyectos tiene?

CM. A fines de septiembre me voy por diez días a la isla Mauricio, al sur de África, y a la isla Reunión que es francófona, para dar cursos de baile. También estoy confeccionando mi nuevo espectáculo junto a la actriz Nora Goldberg (también estoy tomando clases de teatro, es muy divertido) y Carlitos Rivero que es de Tucumán. Por otro lado, tengo muchos planes para 2013, que incluyen seminarios y también estoy guionando un documental sociocultural en el cual quiero incluir la danza.

Hay una visión general flamenca para filmar, me gustaría unir a los pueblos a través de la danza, y donde voy sigo encontrando artistas para juntos valorar el arte, apreciando y tolerando las diferencias, ya que el mensaje es el mismo, sin importar de donde uno venga. Emocionamos y traspasamos todo, logrando un sentimiento importante de unión. Quiero concretar este tra38 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

bajo, cuidarlo, amasarlo y lograr un resultado importante. Algo que quede en la piel de la gente.

SOBRE EL TABLAO Carmen Mesa abrió el show en el ND con los pies descalzos y un vestido de faralaes rojo con lunares blancos. Luego, su danza fue un derroche de plasticidad y nervio para hacer una noche pletórica de color y alegría, deleitar también con la dulzura de los acordes de la música flamenca y fuerza de un baile al que ningún espectador puede permanecer indiferente.

El espectáculo tuvo una gran riqueza musical que se fue alternando con otras de carácter sociológico e histórico (en una pantalla antes del comienzo mostraron uno de sus viajes al Impenetrable), y una galería de retratos de indios Tobas estaban sobre la pared de fondo mientras algunos cajones Qom permanecían colgados por hilos sobre el escenario.

Mesa siente el baile flamenco en las vísceras. No hay obstáculo que le impida a esta bailaora andaluza destilar su pasión, garra y corazón flamenco. Premiada en varias oportunidades, construyó su arte con profesores de la talla de Manolo Soler, Javier Latorre, Israel Galván, Javier Baron, entre otros. Joven, simpática, apasionada de su profesión, la bailaora deja filtrar su mundo interior a través del baile sobre tablas. __BD

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Una Artista de Largo Aliento Por Daniel Sousa Mecha Fernández acredita cuatro décadas de una exitosa carrera como coreógrafa, actriz y bailarina. Crea tanto para chicos como con gente de la tercera edad, y se mueve con igual pericia en el Gran Rex o en una sala del off Corrientes. Desarrolló el método de Atención Corporal para ayudar al artista a conectarse con su entorno

“Nunca he sido prejuiciosa, me adapto a todo. Tengo la ciencia de la paz metida en el corazón”, dice Mecha Fernández Foto . gentileza de la artista

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Viene de perder, ayer nomás, en el rubro Mejor Coreografía de los premios ACE, donde estaba nominada por partida doble (por sus trabajos en Cachafaz y en Noche de Reyes, donde compartió el mérito con cuatro colegas). Sin embargo, el sol del mediodía de esta primavera incipiente la tiene contenta y llena de energía. Nominaciones ha recibido muchas Mecha Fernández en casi cuarenta años de carrera artística (ganó el Estrella de Mar en 2010 por Pimpinela, La Familia, entre otros galardones). Por eso, lejos de lamentar el ACE que finalmente fue a manos de Mora Godoy (Chantecler Tango), celebra haberse reencontrado durante la ceremonia con un montón de actores, músicos, cantantes y bailarines amigos a los que hace tiempo no veía.

Prolífica y ecléctica, así es la trayectoria de esta mujer cuya rama familiar paterna ya contaba, antes de su llegada, con escritores, actrices y bailarinas (como Maruja Campos, integrante del Ballet del Teatro Colón). “Creo que por ese antecedente fui muy incentivada de chica. En la calle Gorriti, en Palermo Viejo, había una filial de la Escuela Nacional de Danzas y a los seis años mi mamá ya me llevó a estudiar”, evoca. Tuvo la buena fortuna de que Rina Valver, entonces primera bailarina del Argentino de La Plata, la aceptara entre sus alumnas dilectas y la formara con esmerada dedicación.

No hizo la carrera del Colón, ni terminó la Escuela Nacional de Danzas. Pero, aun por fuera de las instituciones formales, nunca dejó de estudiar. La base de la técnica clásica se la transmitieron maestros como Gloria Kazda, Ricardo Rivas, Angélica Cañas, nada

Una cosa trae la otra y, habiendo estudiado también danza jazz, Mecha no tardó en desembarcar en el teatro musical. Fue de la mano de Rubén Cuello, compañero suyo en el San Martín, que la convocó como su asistente en De Aquí No Me Voy, la obra de Pepito Cibrián. Corría el año 1981. Como bailarina trabajó en Doña Flor y Sus Dos Maridos, y se sumó luego al ensamble de Sweet Charity, obra que protagonizaba Guadalupe, con la particularidad de que a mitad de la temporada Edda Bustamante debió abandonar y Mecha asumió el personaje de Nicky.

Tuvo una etapa como actriz, aunque pronto se dio cuenta que no era lo suyo. “Empecé estudiando con Franklin Caicedo y después en la escuela de Raúl Serrano. Hice televisión y teatro de texto, pero no me llenaba”, confiesa. Entonces se dedicó a aprender los secretos de la dirección de la mano de Juan Carlos Gené y Augusto Fernándes, “un poco porque considero que el coreógrafo es un director y debe saber muchas otras disciplinas además de composición coreográfica. Si te toca trabajar en una comedia musical, por ejemplo, sólo sabiendo dirección podés entender lo que necesita el director general en determinada escena. Va más allá de un paso de baile”, sostiene. ¿Qué recuerdos conserva del día en que decidió bajarse del escenario para dedicarse a coreografiar y dirigir?

Ya había hecho muchos musicales, había estado en Sugar con Susana Giménez, y la verdad es que no me divertía tanto. Me era fácil entrar, no daba au-

HABLA DE SUS OBRAS EN CARTEL

CACHAFAZ (Teatro del Sur) “Es un trabajo divino. Tatiana Santana, la directora, era asistente de dirección de ‘Cocho’ Paolantonio en Titulares, una obra de Bernardo Carey que hicimos en 2009 en el Teatro Alvear. Tiempo después vino con la idea de hacer esta pieza de Copi como musical y me parecido maravillosa. Me enganché enseguida con la propuesta. Y Tatiana ha hecho un laburo fantástico, junto con Emilio Bardi y Claudio Pazos, los actores; con la música de Rony Keselman.

Es un trabajo muy teatral, distinto, muy oscuro, turbio, soez. Una genialidad”.

“Un trabajo divino”, describe la coreógrafa a Cachafaz, la obra que dirige Tatiana Santana Foto . archivo del autor

¿Cuándo fue la primera vez que se sintió bailarina profesional?

En aquella época se trabajaba mucho en grupos independientes de danza contemporánea, que si bien eran amateurs implicaban un gran compromiso profesional. Yo estuve en los grupos de Juan Falzone y de Nora Codina. Eran los tiempos del movimiento Danza Abierta. Incluso terminé el colegio secundario de noche porque los ensayos me impedían cursar durante el día. Fue una época de enorme aprendizaje para mí porque además de bailar nos ocupábamos de todo, se trabajaba a pulmón realmente. Por suerte, siempre tuve el apoyo de mi familia y aún hoy mi madre, con noventa años, sigue yendo a ver mis obras.

MECHA

SIMPLEMENTE CONCHA (Teatro Picadero) “Trabajar con Noralih Gago es uno de los grandes placeres que me he dado en la vida. Tanto en esta obra como en La Última Cena de Graduados (que acaba de bajar de cartel en la sala Siranush). Esa mujer es lo más grande que hay, va a quedar en la historia junto a glorias como Niní Marshall. Es una actriz enorme. Ahí me tocó trabajar con actores que no son bailarines, entonces no les marqué nada, comenzamos a jugar, a ver cómo caminaría tal personaje, y todo surgió solo”.

“Uno de los grandes placeres que me he dado en la vida es trabajar con Noralih Gago”, asegura Foto . archivo del autor

menos... Con la mayoría de edad ingresó al Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Aquella fue, dice ahora, a la distancia, “una decisión de vida”.

JUEGO TANGUEADO (Teatro Del Pasillo) “Ese teatro es como mi segunda casa, y Silvia Copello (la protagonista), una gran amiga. Todos los años hago algo ahí. Esta vez me ocupé de la dirección general. La obra juega con los tangos, les busca nuevas formas en lo musical y en lo coreográfico. Es un espectáculo chiquito, hecho por gente grande, donde se la pasa bárbaro”.

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Casi dos décadas lleva trabajando Mecha Fernández junto a La Galera Encantada Foto . archivo del autor

diciones. Era otra época, el círculo de gente era más acotado y me convocaban de acá o de allá. Se dio todo muy naturalmente.

Mi carrera nunca tuvo grandes picos, soy corredora de larga distancia, no hago piques cortos -bromea-. Soy una persona muy paciente, tengo la ciencia de la paz metida en el corazón, y sé que las cosas finalmente llegan. Afortunadamente, toda mi vida viví de esto, del teatro, de la televisión. Estoy convencida de que nunca me va a faltar nada, que siempre voy a tener algo para hacer.

ATENCIÓN CORPORAL La carrera de Mecha Fernández como docente siguió el mismo derrotero que su faz artística. Primero enseñó clásico, después contemporáneo, más tarde danza jazz. Armó un modelo de clases integradas, con músicos, como preparación para la comedia musical. Y alumbró un método de trabajo al que llamó Atención Corporal, que diferencia la atención de la concentración en el artista. “Llegué a esto mientras trabajaba como coach en Operación Triunfo. Sentía que los chicos, estando encerrados en una casa, iban perdiendo conexión con el entorno. La idea central del método es que cuando un artista sube al escenario no debe estar concentrado sino atento. Porque uno puede concentrar la atención en un solo punto, se estudia concentrado, pero si sobre el escenario la persona está atenta a una sola cosa pierde conexión con todo lo demás. La concentración se relaciona con la unidad, y no es lo que el artista necesita. La persona que sale a escena debe estar abierta a todo: debe mirar si la luz lo toma bien, escuchar el pie que le da la música, atender a una seña que le hacen desde la pata, incluso medir la distancia con el compañero que tiene detrás, al cual no puede ver pero debe sentir. Son tantas las cosas, que uno debe estar contenido en esa atención. Yo juego con la palabra a-tención como sinónimo de no-tensión. Si uno se pone nervioso, no puede estar atento: se le cierran los oídos, 42 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

los ojos, no siente... Debe estar relajado pero atento, como el gato”, postula.

El método, debidamente sistematizado y registrado, desarrolla los sentidos, alienta la creatividad y potencia la capacidad de juego, “porque sin juego no hay escenario posible”, opina Mecha.

Hoy se aplica en la academia de canto de Sebastián Mellino y en seminarios que la coreógrafa dicta por todo el país. A la vez, Fernández es profesora de Composición Coreográfica en la cátedra de Comedia Musical del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). De sus alumnos en esa institución destaca el compromiso y la dedicación. “Son chicos a los que seguramente les va a costar mucho entrar en el círculo de coreógrafos de comedia musical en la Argentina, pero que pese a eso están capacitados para hacer cualquier cosa que se propongan. Uno como maestro es un facilitador en el camino que emprenden. Dios no me dio hijos pero me ha dado bailarines y actores a quienes amo por su mezcla de fortaleza y debilidad maravillosa”.

Lleva casi dos décadas trabajando con el grupo de teatro infantil La Galera Encantada. ¿Implica un desafío especial ese público?

Es algo muy distinto, sí. El trabajo compositivo es bien diferente.

Tiene que ver mucho con la edad de los chicos a los que apunta cada obra. El lenguaje corporal, la repetición del movimiento, no son siempre los mismos. Para chicos muy pequeños no se pueden poner movimientos de cadera, por ejemplo, porque el niño copia todo lo que uno hace y esas nenas no tienen cintura ni cadera todavía, y como no pueden imitar al actor se frustran.

Es algo tan simple como eso. Yo me siento casi una especialista en coreografías para chicos. Hice las dos María Elena, hice Robin Hood, con unos actorazos. El actor lo enriquece a uno. Tuve siempre la buena fortuna de que se me aparezca gente maravillosa al lado. A veces pienso: ¿seré yo? No, en realidad son ellos los que hacen que se vea bien el trabajo de una. Nunca he sido prejuiciosa, me adapto a todo. Paso del Gran Rex con Pimpinela a una sala chiquita del off. Y ahora me voy al escenario mayor de Cosquín a montar un espectáculo con 1.800 abuelos de centros de jubilados de todo el país. Los reunimos el 12 de octubre, por tercer año consecutivo, para que canten y bailen juntos. Va ser una gran fiesta. __BD

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In Memoriam

Por Marta Sol Bendahan El 4 de agosto apenas a la madrugada, José María Barrera, “El Gordo”, apagó la luz de todos los teatros por dónde estuvo. El Argentino de La Plata, que lo llevaba en la piel y resurgía como una rosa humedecida cuando hablaba de él y de su gente, de su Tito Capobianco querido y respetado, de Dore Hoyer, del Teatro San Martín de Buenos Aires y su amada Asociación Amigos de la Danza, cuando iluminaba a figuras que brillaban por sí solas y él acrecentaba esa luz para que llegaran más lejos, tal el caso de Estela Maris, Rodolfo Dantón, Oscar Araiz, Juan Falzone, Renate Schottelius, sólo por nombrar a algunos.

El Teatro Auditorium de Mar del Plata en dónde trabajó con tanta pasión y generosidad, que no hubo un solo artista de esta ciudad que no haya sido beneficiado con la luz con la que lo iluminaba Barrerita, como la Escuela Municipal de Danzas, el Centro Polivalente de Arte, las academias de Beatríz Schraiber, Marilyn Mónaco, el Grupo Taller de Danzas, Anahí Ramos, acompañándola además en su gira por la Antártida Argentina, al Grupo Light, al Grupo Vocal Arsis Nova y a todos los colectivos privados de danza y teatro de la ciudad balnearia, que actuaron en el Centro Provincial de las Artes.

Fue generoso como pocos, incapaz de decir un “no” o un “no se puede”. Muy lejos de la tecnología actual, él inventaba artefactos, estructuras o cualquier elemento que a los artistas se les ocurriera.

Hoy la colonia artística no se encuentra ante la ausencia de luz, porque al “Gordo” sí le cabe eso de “nos estará iluminando desde alguna estrella”. __BD

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La Importancia de ser Flamenco Por Laura Lifschitz Alicia Fiuri y Néstor Spada lograron convertirse en el año 2009 en la primera compañía flamenca argentina en presentar un espectáculo en Japón y este mes estrenan en el Centro Cultural Borges el que llevarán a su nueva gira por tierras niponas. Un diálogo con BALLETIN DANCE sobre el baile, la esencia cíngara y lo argentino

Flamenco. Un término que ineludiblemente se asocia a la pasión. Un modo de vida, una manifestación artística que subyuga a todo el mundo. Un baile que encanta al ritmo del zapateo de sus bailaores.

Desde sus orígenes el baile flamenco ha sido considerado una danza de fusión, aquella que se fue dando a partir de la gran inmigración de los gitanos perseguidos al llegar a la región española de Andalucía hacia el siglo XV. Por eso no es de extrañar que ese carácter múltiple, esa mixtura de tradiciones y culturas, sea la que se hace presente al disfrutar del baile de Alicia Fiuri y Néstor Spada, dos de los mejores exponentes del baile flamenco en Argentina, quienes este mes estrenan su nuevo espectáculo. Tras él, una vez más emprenderán una -de seguro exitosa- gira por Japón, brindando nada menos que 35 funciones en toda la isla. En diálogo con BALLETIN DANCE, con su bonhomía y arte genuino, explicaron los detalles del estreno a la vez de precisar una de las danzas que llegó hace tiempo para transformarse, evolucionar y deleitar al mundo entero. ¿Se puede decir que hay un boom del flamenco?

Néstor Spada: El flamenco va y viene. En España ahora no van muy bien las cosas económicamente. Eso hizo que vengan muchos maestros flamencos acá. No es que hay un boom.

Alicia Fiuri y Néstor Spada despliegan toda su magia flamenca en el escenario Foto . Ohnishi Motoi

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Alicia Fiuri: Son pequeñas explosiones. La gente que ingresa al mundo del flamenco, ya sea como un aficionado al baile o quien disfruta de los espectáculos, se encuentra al margen de una explosión o no explosión.

NS. Obviamente creció el espectador de flamenco. Nosotros somos de la generación de 1990 e hicimos muchísimo para que se conozca más el género. Se cambió la forma de bailar. Antes se pensaba que el flamenco era solo el traje alto, el sombrero con madroños y cantar coplas de Las Cosas del Querer.

Ustedes aseguran que el flamenco que bailan es argentino, y que no es de su interés mimetizarse con lo español AF. Es algo bastante sincero. Nuestra impronta es porteña. El flamenco es un arte universal, declarado patrimonio de la humanidad. También se puede ser flamenco argentino. Es muy importante decirle esto a la gente y no impostar.

NS. Bailamos como somos. Eso a la gente le llega.

AF. Está claro que nosotros hacemos algunos “truquitos” o cosas que sabemos son vistosas. Pero nos interesa más la forma en cómo decimos con nuestro cuerpo el flamenco.

El nuevo espectáculo AF. Son varios cuadros escénicos coreografiados por nosotros.

NS. Es el mismo espectáculo que llevamos a Japón. Estamos acompañados en el cante por Claudia Montoya y tenemos dos guitarras flamencas, Hernán Dieguez y Fernanda de Córdoba.

Fiuri y Spada en Tangos Bien Flamenquitos. Teatro Ota- Kunmin Hall Aprico. Octubre 2010, Tokio/Japón Foto . Ohnishi Motoi

¿Cómo será la gira en Japón?

NS. A partir de noviembre, una semana en Tokio. Primero, en el Teatro Chofu-Shi Tazukuri Kusunoki Hall. Y recorremos todo el país por lugares en que ni nos imaginamos la pasión que genera el flamenco. Vamos allí desde el año 2002. Y desde 2009 con nuestra propia compañía.

AF. Hay una gran cantidad de academias de flamenco en Japón y también vamos a dar clases. Hace unos años que hemos decidido dedicarnos también a la enseñanza y con mucho esfuerzo creamos nuestra academia de danza flamenca. ¿Qué es lo que pervive de la cultura gitana en el baile flamenco como espectáculo?

NS. Uno se puede imaginar una reunión gitana, en España o incluso en Argentina: un grupo enorme de familias, una comida, guitarras y baile. Eso sería la savia, lo concentrado. Cantan bulerías, tangos, rumbas, se divierten.

AF. Hay algo que sigue vivo. No es puramente escénico el flamenco. No es sólo el zapateo, es todo el cuerpo. No son sólo los pies. Es todo lo que vive.

El flamenco vivo, fusionado. Esa genuina forma de bailar y respirar el flamenco desde las orillas del Río de la Plata. Y olé. __BD OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 45

-contemporáneo Dos Mil Horas

-contemporáneo El Puente de la Mariposa

-contemporáneo.instalación Hombre Rebobinado

Dirección y dramaturgia: Ana Alvarado.

Coreografía: Gabriela Entebi. Con Ximena Barrionuevo Cibeira, Luisina Bossel, Maria Forte, Narda Milin, Leandro Montgomery, Juan José Moroni, Irupé Perasso, Andrea Varchavsky y Guillermo Aragones. Sábados 22:30 hs. Espacio No Avestruz (Humboldt 1857, Tel: 4777-6956).

De Teresa Duggan. Con Teresa Duggan, María Laura García, Daniela Velázquez, Marcela Figini y Giancarlo Scrocco. Lunes de octubre y noviembre, 20:30hs.

British Arts Centre (Suipacha 1333, Tel: 4393-6941).

De Margarita Bali. Sábados 21 hs, del 27 de octubre al 8 de diciembre. Sala Loft (Jorge Newbery 3571, primer piso, loft 7, únicamente con reservas: 45534572).

-celtas Megafestival Celta Sábado 27 y domingo 28 desde las 19:30 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348, Tel: 5237-7200).

-folklore Flechas de la Tribu Compañía Nuevo Arte Nativo. Dirección: Koki y Pajarín Saavedra. Sábados 20 y 27, 20:30 hs. Teatro Sha (Sarmiento 1551, Tel: 4953-2914).

-musical El Danzón de Los Amados Espectáculo musical bailable. Viernes y sábados 21 hs. Sala Siranush (Armenia 1353, Tel: 4775-2877).

-musical El Diluvio que Viene Dirección: Manuel González Gil. Con Juan Durán, Natalie Perez, Pablo Nápoli, Juan Bautista Carreras, Teresita del Río y la actuación especial de Adabel Guerrero. De miércoles a sábados 20:30 hs y domingos 20 hs. Teatro Lola Membrives (Av. Corrientes 1280, Tel: 43810076).

2/4 De Viviana Iasparra y Melina Seldes.

Sábados 19 hs (hasta el 20). Espacio Lem (Fitz Roy 2290, Tel: 4775-0857).

-afro El Percusionista Gorsy Edú. Del 16 al 26 de noviembre.

La Manzana de las Luces (Perú 272).

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Ballet Folklórico Nacional. Dirección: Omar Fiordelmondo. Jueves 22 y 29 de octubre, 19 y 26 de noviembre, 20 hs. Centro Nacional de Música y Danza (México 564, Tel: 4362-4874). Entrada gratuita.

-contemporáneo IEES Intersubjetividad en escena simultánea. En simultáneo en Argentina y España vía streaming. Con Liliana Tasso, Laura Figueiras, Luz Lassalle, Margherita Bergamo, Tuixén Benet e Ivana Miño. Jueves 20 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

-jazz fusión Fusiones

Cartelera

-contemporáneo El Mundo Virginia

-folklore Homenaje

Coreografía y dirección: Silvia Briem Stamm. Sábado 20 de octubre, 22 hs y domingo 11 de noviembre, 20:30 hs.

Teatro del Globo (M. T. de Alvear 1155, Tel: 4795-8216).

-danza moderna Historias Compañía de Danza Moderna MAPU. Dirección: Evet Gaiani. Viernes 20:30 hs. Espacio Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640). Entrada gratuita.

-contemporáneo Il Etait Une Fois MVC Compañía de danza. Dirección: Martín Vieyra. Con Martín Vieyra, Noelia Mitelli, Micaela Odriozola Maglie, Analia Serenelli, Estefanía Grippo, Julieta Angeletti, Roció Quintana, Majo Heredia, María Torresetti y Romina Pérez. Domingos de octubre y noviembre 20 hs. Teatro Belisario (Av. Corrientes 1624, Tel: 4373-3465).

-ballet

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arteycultura@arnet.com.ar www.arte-cultura.com.ar SEDE ABASTO Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) 4866-2671 SEDE BARRIO NORTE Niños desde los 5 años Av. Santa Fe 1452

HOMENAJE A

OLGA FERRI ¨Esquema del movimiento infinito¨ La Asociación ARTE y CULTURA a la EXCEPCIONAL Primera Bailarina del Teatro COLON Partió el 15 de septiembre de 2012

Maestros del estudio Clásico

Sara Rzeszotko Héctor Barriles Luis Baldassarre Rina Valver Clásico para Niños

Mónica Revelli Clásico para Adultos

Marcela Otero Contemporáneo para Niños

Paula Safar Comedia Musical

(canto - danza jazz y teatro)

Nora Bender Pilates 48 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

Clases personalizadas Pilates para Bailarines

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Inolvidable Por Agustina Llumá

Homo Ludens Intergaláctico de Margarita Bali Foto . gentileza bienal Kosice

El 6 de septiembre se realizó la presentación de la segunda Bienal Kosice Arte, Ciencia y Tecnología en el Planetario de la ciudad de Buenos Aires. Margarita Bali obtuvo el segundo premio El espacio de arte y productora cultural Objeto A, creador, gestor y productor de la Bienal presentó a los ganadores de este concurso destinado a incentivar el desarrollo y producción de obras científico-artístico-tecnológicas inspiradas en la trayectoria del maestro Gyula Kosice. La muestra se pudo visitar durante septiembre en el Planetario de la ciudad de Buenos Aires Galileo Galilei, que incluyó a las obras premiadas y las menciones especiales, conformó un amplio abanico de arte en nuevos medios, con video instalaciones en tiempo real, esculturas de bio-arte e instalaciones interactivas.

Los postulantes debieron interiorizarse respecto de la Ciudad Hidroespacial de Kosice y de la sede de la exhibición con varias visitas, para visualizar los espacios y preparar los proyectos que presentarían al concurso. Los ganadores contaron con la posibilidad de concretar la realización de las obras que se expusieron.

El jurado presidido por el propio Kosice -que estuvo presente en la ceremonia de inauguración-, estuvo integrado por Graciela Taquini, Rodrigo Alonso y representantes de Objeto A. El Primer Premio recayó en la obra Hidrófono Espacial de Electrones de Damián Espina, una instalación sonora que genera sonido y luz a

través del proceso de electrolisis del agua (energía que motoriza a la Ciudad Hidroespacial en la visión de Kosice). Y Homo Ludens Intergaláctico de Margarita Bali, obtuvo el Segundo Premio, una video-instalación que desarrolla un mundo lúdico en el espacio, representando la libertad a la que el plástico alude en su Ciudad…. La mención especial a la trayectoria e investigación de este año recayó en la escultura cinética Hydrocosmos GK1 de Joaquín Fargas, y además se otorgaron nueve menciones.

La ceremonia de inauguración contó con la actuación performance/instalación Pleyadianos de Fernando Laub, Derretimiendo/Arrepentimiento una extraña entrega sonora a cargo del grupo musical LAE y Homo Ludens Intergaláctico una genial proyección en domo 360° de Margarita Bali.

Con imágenes espaciales otorgadas por la NASA, los bailarines de Bali volaron dentro de la cúpula del observatorio, solos y/o juntos, multiplicados al unísono o en canon, con una exquisita selección sonora y musical, e intensos colores, que durante unos breves minutos permitieron trasladar al espectador a un mundo verdaderamente intergaláctico. Pelotas, pelotitas, globos, asteroides, combinados con las estrellas, la Tierra y el Sol, mutaban su tamaño y ubicación sobrevolando todo el techo semiesférico, para lograr un momento mágico merced a la edición audiovisual.

Grandes expectativas comienzan a desarrollarse, al saber que la coreógrafa planea poder ofrecer pronto una obra de noche completa, manipulando estas imágenes. Imperdible. __BD OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 49

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Estelares Por Agustina Llumá Del 23 al 25 de agosto se realizó en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, la segunda Gala de Ballet, a instancias del grupo Ars, con la brillante actuación de bailarines extranjeros y nacionales La noche abrió con una representación de la Escuela de la Fundación Julio Bocca, en una coreografía del tipo “muestra de clase”, que reflejó la evolución de la enseñanza en los estudiantes desde sus primeros pasos (niños desde 5 años). Un cuadro descolocado en relación al resto de la función.

Inmediatamente después se dio el inicio a la gala propiamente dicha, con Carmen Corella y Dayton Vera (anunciados como integrantes del Barcelona Ballet) en After the Rain de Christopher Wheeldon, uno de los coreógrafos más reconocidos de la actualidad. Continuaron los locales, Silvina Perillo y Edgardo Trabalón (Teatro Colón) impecables con el exigente Grand pas Classique de Victor Gsovsky (por altoparlante se anunció que ella dedicaba su actuación a Mercedes Serrano, fallecida días antes).

Polina Semionova (Opera de Berlín) junto a su hermano Dimitri Semionov, sorprendió con Duet de Jasemine Bigo. Más de un espectador quedó enamorado de ella, por su entrega y por su particular y fibroso cuerpo.

Con el solo The Fall de Russell Ducker sobre música de la Electric Light Orchestra, Angel Corella conquistó a la platea y pronto la

Carmen Corella y Dayton Vera en After the Rain Foto . Alicia Sanguinetti Iana Salenko y Daniil Simkin en La Pluie Foto . Guillermo Genitti Página opuesta, arriba Polina Semionova y Dimitri Semionov en Duet Foto . Antonio Fresco Página opuesta, abajo Silvina Perillo y Edgardo Trabalón en Grand Pas Classique Foto . Guillermo Genitti 50 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

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Marianela Nuñez y Thiago Soares en Cisne Negro Foto . Alicia Sanguinetti Página opuesta, arriba Julieta Paul y Bautista Parada en Carmen Foto . Guillermo Genitti Página opuesta, abajo Carmen y Angel Corella en Solea Foto . Guillermo Genitti

adrenalina sobre el escenario comenzó a sacar chispa, en una tendencia “in crescendo” hasta el final de la noche.

Marianela Nuñez y Thiago Soares (Royal Ballet de Londres) mostraron Winter Dreams de Kenneth MacMillan, un duo difícil para hacer en este tipo de espectáculo -puesto que se luce más a través del dramatismo que de briosos pasos-, en el que ella demostró un acabado rol con la pulcritud y elegancia propias de la técnica inglesa.

Iana Salenko (Opera de Berlín) y Daniil Simkin (American Ballet Theatre) en el pas de deux Llamas de París de Alexei Ratmansky, fueron simplemente estupendos. Además de su perfección técnica, ambos conformaron una dupla unida, homogénea, de perfecto encastre, llenos de mágico encanto.

Con las expectativas del caso, que se habían comenzado a gestar el año pasado con la actuación de Simkin en la Primera Gala, el genial bailarín repitió en la segunda parte de la noche -y fuera de programa- aquel solo que hubiera causado su éxito porteño: Les Bourgeois de Ben Van Cauwenbergh, y una vez más el teatro se “cayó abajo” con aplausos y gritos del público desde todos los pisos.

Perillo y Trabalón retomaron la escena, con el compacto A Buenos Aires de Gustavo Mollajoli, un tango que no pierde vigencia, pleno de sentimiento porteño. Los hermanos Corella hicieron un extenso (para una gala) fragmento de Solea de María Pagés con clima bien logrado, en el que sobresalió él con su especial gracia; mientras que Julieta Paul y Bautista Parada (Teatro Argentino de La Plata) deleitaron con un pasional extracto de la Carmen de Marcia Haydée.

Fue justamente en esta segunda parte, cuando el espectáculo alcanzó su climax, con las actuaciones de los Semionov en un arrobador pas de deux de El Corsario, Salenko y Simkin en un vehemente duo: La Pluie de Annabelle López Ochoa, y Marianela Nuñez (nuevamente con Soares), espléndida en el pas de deux del Cisne Negro.

Fue una electrizante función, con romance, pasión, energía, virtuosismo, destacados estilos de la técnica clásica académica y variados creadores de obras neoclásicas y/o contemporáneas. __BD OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 53

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Danza de Hielo Por Román Ghilotti Tradicionalmente, la danza y lo helado se relacionaban con el patinaje sobre hielo, pero actualmente aparecen nuevas concepciones entre bailar y los espacios congelados Dentro del marco de la IV Conferencia y Festival Internacional de Arte y Cultura Antártica, organizada por la Dirección Nacional del Antártico y con curaduría de Andrea Juan, en el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas se presentaron dos performances, Places of Power (Lugares de Poder) y Body of Ice (Cuerpo de Hielo).

Places of Power, trabajo de Lorena Avallar, cruzó performance, ritual, butoh y proyección fílmica. Con una aproximación más cercana a las intervenciones plásticas, el espacio, iluminado en azul, presentaba un dispositivo escénico semicircular, de tiras de papel colgando desde lo alto (en rigor, papel higiénico), que oficiaba de pantalla sobre la que se proyectaban imágenes en loop de Avallar en la Base Esperanza de la Antártida Argentina.

Las imágenes la mostraban, con acercamientos hasta primerí-

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simos primeros planos, en juegos gestuales y desplazamientos, ataviada del mismo modo en que aparecería luego. El vestuario recreaba sincréticamente la presencia de alguna oficiante aborigen, apelando así a una información vaga, pero culturalmente extensa, sobre lo que podría caracterizarse como chamánico o al menos de sesgo religioso primitivo. Es interesante señalar que el atuendo mezclaba pintura sobre el cuerpo con plástico y texturas varias para un chaleco y una pollera, más elementos urbanos como medias bucaneras a rayas o aros de fantasía.

La performer, tras unos minutos de proyección de las imágenes, apareció y pidió al público que se ubique en semicírculo, completando así el aro donde interpretó. Dispuso unas tiras de tela negra a modo de rosa de los vientos y, ubicada en el centro,

Lorena Avallar (Places of Power) Foto . Diego Demese

Tina Evans (Body of Ice) Foto . Alejandra González

desplegó movimientos que aludían, con igual vaguedad que el vestuario, a lo ritual. En general, el modo de desplegar su cuerpo y las dinámicas que sostenía remitían al butoh. Finalmente, tomando y arrancando los papeles blancos que hacían de pantalla, terminó enrollada, envuelta en estos, como un gran bollo de papel, imagen de bloque de hielo.

Tina Evans (Australia) fue la performer que después presentó Body of Ice. Contrastando con el espectáculo anterior, en escena había una gran tela blanca, de unos dos metros de ancho, colgando desde lo alto y llegando al piso donde se extendía como alfombra. Sobre esta, que podía tomársela icónicamente como glaciar, Evans, de malla blanca y un top y una pollera poco definidos, brillantes “como hielo”, desarrolló su trabajo. Eminentemente construido en el movimiento, con muestras de una notable técnica corporal, desde un inicio quieto, en posición fetal, fue quebrando su estatismo hasta desarrollar movimientos fuertes y articularmente muy acentuados para luego desandar esas secuencias y regresar a la tela. Aunque previsible, la metáfora de estar pegada al hielo, o ser de hielo como indicaba el título de la performance, para separarse de este al que finalmente regresaba para quedar nuevamente helada y quieta, de todos modos, su excelente trabajo corporal logró que se mantenga el atractivo en toda la obra.

Dos performances de hielo, explícitas, visual una, kinética la otra, como aproximaciones a posibilidades de cuerpos y metáforas en y de lo helado. __BD

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Por Román Ghilotti

Danza Variopinta, Pensamiento Amplio

S O I R A T N E M O C

Desde el 10 de septiembre, y durante tres semanas, tuvo lugar el III Festival Internacional de Danza Independiente CoCoa 2012 En nueve sedes, ocho porteñas y una en Caseros (provincia de Buenos Aires), 28 espectáculos en vivo, cuatro de ellos del exterior, un documental más cinco programas de video danza, tres mesas de trabajo, un seminario teórico, la presentación de un libro, reuniones de formación de espectadores y el reconocimiento a cinco creadoras de capital importancia para la historia de CoCoa, constituyeron las actividades del Festival.

A cinco artistas de la danza, que estuvieron desde la primera hora impulsando y gestionando como presidentas o vicepresidentas de CoCoa, les fueron entregados diplomas como Socios Honorarios: Margarita Bali, María José Goldin, Roxana Grinstein, Ana Kamien y Teresa Duggan. Este acto, casi académico o endógeno, sin embargo merece ser destacado. Se trata del reconocimiento a creadoras, la mayoría de las cuales continúan produciendo, que en sus propios derroteros aportan actualizaciones de discursos y nuevas perspectivas en la danza local. Y es que en este sentido de discursos de la danza contemporánea el equipo de producción y gestión del Festival (Carla Berdichevsky, Guadalupe López, Marisa Quintela, Mariela Ruggeri y Liliana Tasso) puso en marcha la propuesta del mismo.

Debana, Grupo La Percha

Por otra parte, estas intenciones de instalar en el escaparate del Festival lo actual y nuevo, se vio reforzada por una expresa búsqueda del abanico estilístico más amplio posible: las curadurías de selección de obras fueron encargadas a jurados por fuera del Festival con la expresa indicación de seguir un criterio de la mayor diversidad posible. Así, el arco de expresiones se enriqueció mostrando desde lo más “tradicional” a lo más “actualizado” en lo que hace a la danza contemporánea local.

Lo contemporáneo de la “danza contemporánea” implica, al menos, dos vertientes. Una, obvia, significa que su contemporaneidad queda dada por el simple hecho de ser la “danza contemporánea” coetánea a nosotros. La otra supone una actualización más radical: hoy, dentro de las “nuevas tendencias” (para todas las artes, no sólo la danza), la reflexión es central. El aspecto teórico constituye un foco de atención primario de las obras, teorización que está en las obras y las trasciende hacia otros campos de reflexión cultural y científica (aunque es pertinente plantearse si las obras no son eso, esto es, el despliegue teórico a partir de su concreción material).

Cuerpo extranjero, Compañía Móvil 56 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

No es que el Festival se haya ubicado en una presentación de conceptualizaciones o se haya plantado como un congreso de discusión académica. Muy al contrario, sin perder de vista la espectacularidad de la danza, su hacerse como algo que se aprecia y que va y aporta a lo sensible, de todos modos, tanto la pluralidad perseguida en las selecciones como los aportes explícitamente teóricos intentaron poner en escena esta faceta, para muchos aún nueva y resistida, de la incumbencia primaria de la reflexión a la hora de apreciar la danza.

Por ejemplo, las mesas de trabajo estuvieron a dos aguas entre lo estético y las condiciones de producción (versaron sobre video danza, profesionalización de la danza independiente y la Ley Nacional de Danza), lo que acercó mayores posibilidades de lecturas relativas a la danza. Otro ejemplo fue la participación de Geisha Fontaine, coreógrafa, bailarina y filósofa francesa, con su obra Les yeux dans les yeux (Mirarse a los Ojos), cuestionamiento respecto de la mirada del público, un seminario teórico, “El tratamiento tiempo en la danza contemporánea” y la presentación de la edición española de su libro Las Danses du Temps.

Entre las obras locales se ofrecieron reposiciones y estrenos que fueron desde la utilización de tecnologías digitales e informáticas a muestras performáticas, tradicionales, de danza teatro, expresión corporal o butoh.

En síntesis, una heterogénea apertura estilística y una posibilidad a la proyección reflexiva fueron las marcas sobresalientes del Festival, decididamente encuadrado en aproximaciones contemporáneas para el ámbito local. __BD

Toay de Mariela Ruggeri Fotos . gentileza CoCoa

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Condensados Por Agustina Llumá La amplia oferta de la actual cartelera porteña en materia de espectáculos escénicos, permite optar por escaparse algunos minutos de la realidad, cualquier día de la semana y en cualquier barrio de la ciudad, con satisfacción asegurada en todos los géneros A CARCAJADAS El Ballet con Humor, dirigido por Adrián Dellabora, volvió al ruedo el mes pasado, con un ciclo de presentaciones en el Centro Cultural Borges y un repertorio totalmente renovado bajo el nombre de Divertimento. La noche del estreno, el 16 de septiembre, un gris domingo otoñal, fue dedicada en memoria de Olga Ferri (ver In Memoriam en esta edición de Balletin Dance).

La compañía cómica integrada por bailarines varones profesionales, se ocupó desde sus inicios a parodiar al mundo del ballet, pero pronto avanzó hacia otros géneros, y en este programa se aventuran con la danza moderna, neoclásica, tango y también española.

Angel Gómez, Armando Schettini, Adrián Seijas, Adrián Dellabora, César Díaz, Darío Lesnik, Daniel Longo, Daniel Negroni, Esteban Schenone, Martín Alvarez, Miguel Moyano y Martín Quintana, fueron quienes lograron que la platea estalle en carcajadas en cada uno de sus sketchs.

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Si bien podría decirse que los chistes se orientan más a quienes transitan el ambiente de la danza y del ballet, no por ello dejan de sonreir aquellos que nada saben de lo que significa ensayar y presentar un espectáculo coreográfico.

Aay Rosita fue la parodia que abrió el show, una suerte de El Espectro de la Rosa que termina con la poda de la planta llena de espinas. No faltó el humor ácido, en el cuadro Isidora que despliega una danza libre, con túnica y echarpe incluido, y su culminación, como la vida de Isadora Duncan, decapitada, con la cabeza rodando por la escena.

Además se mostraron pas de deux, muy similares a la realidad, con algunos aditamentos humorísticos como Aguas Primaverales, Pas D’Esclave (El Corsario), Esmeralda, Tres Melenas (tangos) y La Tonia y la Malena (españolada).

El elenco en Esmeralda Foto . Carlos Villamayor

CONFINADOS Lago, una versión libre de El Lago de los Cisnes de Carlos Aníbal Veiga, pudo verse el mes pasado a modo de work in progress, por la Compañía de Danza del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) dirigida por Roxana Grinstein.

Las funciones se realizaron en el Centro Cultural Haroldo Conti, que fuera en épocas de la dictadura militar un centro clandestino de detención (Esma), y en el marco de un proceso de investigación coreográfica Veiga distribuyó a sus tres personajes protagónicos entre todos los bailarines del elenco.

“La transversalidad en la adjudicación de roles solistas enriqueció muchísimo esta instancia del trabajo”, señaló.

La excelente selección musical de la genial partitura de Piotr Ilich Tchaikovsky, permitió encontrar lo mejor de El Lago de los Cisnes condensado y listo para ser utilizado coreográficamente desde una óptica contemporánea. Con simple ves-

Lago IUNA Veiga Foto . Pablo Lariño

tuario, los alumnos pudieron transmitir el clima propuesto por Veiga, centrado en el confinamiento, y de ellos fue Débora Soledad Britos quien más pudo hacer carne la música en un solo de profunda intensidad.

Arnaldo Federico Díaz, Constanza Belgareto, Daniela Soledad Colomer, Delfina Thiel, Diego Gómez, Ezequiel Barrios, Gastón Martin Barroso, Ignacio Saraceni, Juliana Panguta, Leonardo David Gatto, Leonardo Obdulio Arrellano, Lucia García Pulles, Lucia Llopis, Paola Alejandra Castro y Samanta Leder, son los actuales integrantes del elenco que este mes estrena una nueva obra (ver nota en esta edición).

REVISIONISMO FLAMENCO En el intimista espacio del barrio del Abasto, Mediterránea Café Teatro, Marcela Suez y Cristina Pérsico proponen Raíces del Flamenco, del Sefarad al Cante Jondo. La puesta en escena de Rafael Fernández, contó con la colaboración especial de Rubens Correa y se inicia con el recitado de ambas mujeres para narrar el origen del flamenco, a partir de la convivencia de culturas de judíos sefaradíes, árabes, cristianos y gitanos, antes del descubrimiento de América.

Con textos de Federico García Lorca, León Felipe y Juan Gelman la escena va presentando uno a uno a los actores que habrán de recorrer siglos de cruces de culturas, para finalizar todos en escena con ardientes bulerías.

Al baile acompañó a Suez, Diego Ferreira destacándose en sus zapateos y giros. Con un sensual violín pulsado por Lisandro Pejkovich, guitarras, percusión oriental y flamenca a cargo de Rodrigo González, Luciano de Paula y Manuel Santiago, acompañaron magníficamente el cante sefaradí de Pérsico y el cante flamenco de Manuel Santiago y el siempre emotivo Jeromo Amador.

Raíces del Flamenco, volverá a escena durante el próximo mes de noviembre, un espectáculos de una hora de duración, rico en argumento, entrega artística y puesta en escena. __BD Marcela Suez, bailarina y actriz en Raíces del Flamenco Foto . gentileza de la producción OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 59

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Los Colosos

Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo en La Bayadera Foto . Maximo Parpagnoli

Por Agustina Llumá En septiembre, el Ballet del Teatro Colón presentó una nueva gala de ballet en la ciudad de Buenos Aires, a cargo de artistas invitados, para deleite de los balletómanos

Iana Salenko y Marian Walter en Not Anymore Foto . Maximo Parpagnoli

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conmovedor, en el que demostraron todas sus posibilidades expresivas a través de sus cuerpos, y luego ofrecieron un Onegin de Benvindo Fonseca sin mayor trascendencia.

El inglés Steven Mac Rae sorprendió en el Colón con su simpático solo I’ve Got Rhythm (tap, esta vez sin chapitas) de Johann Koborg, y luego junto a la brasileña Roberta Marques (ambos del Royal Ballet de Londres) hizo la preciosa escena del balcón de Romeo y Julieta de MacMillan (sin balcón) con perfecta técnica, pero sin demasiada profundidad actoral.

La ucraniana Katherina Markowskaja junto al armenio Tigran Mikayelyan (Bavarian Ballet de Munich), de hermosas líneas estéticas, se destacaron con Trascended de Terence Kohler, y luego hicieron el grand pas de Don Quijote con poca fogosidad.

La rusa Iana Salenko (ya conocida en Buenos Aires) y el alemán Marian Walter (Opera de Berlín), tuvieron a su cargo el brillante pas de deux de Esmeralda de Jules Perrot y Not Anymore de Raymondo Rebek, siempre destacándose ella, y sobre todo en esta última creación.

Soraya Bruno y Martin Buczkó en Sonnet XXII Foto . Maximo Parpagnoli

El Teatro Colón, concretó la segunda experiencia de una gala internacional, con invitados provenientes del exterior, que se combinó con la actuación del elenco anfitrión, bajo la dirección de Lidia Segni. Lamentablemente toda la noche se acompañó por música grabada (sin orquesta).

Los invitados -excelentes-, de diversas nacionalidades pero fundamentalmente provenientes desde Alemania, actuaron en una primera parte, con dúos contemporáneos (o neoclásicos) y clásicos.

La magnificencia del escenario de nuestro primer coliseo, permite aún un mayor lucimiento de los artistas, permitiéndoles afrontar grandes desplazamientos que resultan fundamentales a la hora de ejecutar danzas creadas de esa manera. Cada par realizó dos intervenciones, y si bien todos los bailarines resultaron espléndidos, faltó algo de pasión propia de las galas, en las que se supone que en breves minutos se debe conquistar a la platea. Es que los dúos clásicos (que no fueron los más), son fragmentos que deben condensar el espíritu y el estilo de obras integrales, y que por ello requieren mucho más que excelente técnica, mientras que los contemporáneos seleccionados para la función pueden encuadrarse en un mismo estilo, con similares tempos y estéticas.

La argentina Soraya Bruno, junto al ruso Martin Buczkó (Opera de Berlín), fueron sin lugar a dudas lo mejor del programa.

En Sonnet XXII de Tim Plegge se amalgamaron en duo de amor

Katherina Markowskaja y Tigran Mikayelyan en Trascended Foto . Antonio Fresco

Steven Mac Rae en I’ve Got Rhythm Foto . Antonio Fresco

Steven Mac Rae y Roberta Marques en Romeo y Julieta Foto . Maximo Parpagnoli

La segunda parte de la noche fue para el Acto de las Sombras de La Bayadera en una versión firmada por Lidia Segni sobre la original de Marius Petipa. Los protagónicos fueron destinados a Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo, una pareja cada vez más sólida, y más aún en sus individualidades. Seguros técnicamente, con gracia y convincentes en sus actuaciones.

Este acto blanco tiene un impactante atractivo, que casi alcanzó a trasmitir el cuerpo de baile, liderado por las tres solistas: una segura Carla Vincelli, una exquisita Nadia Muzyca y una correcta interpretación de Maricel De Mitri. __BD

El Cuerpo de Baile del Teatro Colón en el Acto de las Sombras Foto . Antonio Fresco

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Institución Activa El Consejo Argentino de la Danza (CAD) ha realizado este año cuantiosas actividades para conmemorar, homenajear y reconocer el trabajo del medio de la danza y del ballet en nuestro país El CAD, presidido por Beatriz Durante, organizó un homenaje a María Ruanova, con motivo de su centenario, a comienzos de este mes, el 4 de octubre en el mítico Café Tortoni de Buenos Aires. Una figura trascendental en la historia del ballet de nuestro país a quien la institución rinde permanente recuerdo. Disertaron Beatriz Durante, Noemí Romero, Didí Carli, Leopoldo Martini Ruanova y Carlos Manso, para pasar luego a la proyección de fragmentos de ballets interpretados por la propia artista.

Por otro lado, ya luego de la salida de esta edición de BALLETIN DANCE de imprenta, el jueves 11, brindarán un acto recordando a los bailarines del Teatro Colón fallecidos en el accidente aéreo en 1971. Cada año es esta institución la encargada de homenajearlos, en Plaza Lavalle, frente a la escultura que los conmemora.

Pero antes, el martes 11 de septiembre, el CAD realizó una gala de ballet que incluyó la entrega de premios del Concurso Julio Bocca, un certamen destinado a colaborar con las carreras de los jóvenes estudiantes argentinos.

El Consejo, miembro del Comité Internacional de la Danza (ITI) UNESCO, realizó las rondas finales del certamen ese mismo día y en la noche los premiados actuaron, en el Teatro Presidente Alvear con entrada gratuita, junto a artistas profesionales.

Nadia Muzyca y Federico Fernández (Ballet del Teatro Colón dirigido por Lidia Segni), Compañía GDB (dirigida por Guido De Benedetti), Ballet Al Andaluz (Sibila), Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (dirigido por Norma Binaghi) y

Los ganadores del Premio Julio Bocca 2012 Foto . Consejo Argentino de la Danza

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el Grupo de Danza UNSAM (Universidad de San Martín dirigido por Oscar Araiz).

El jurado de la primera ronda (a través de video) estuvo integrado por Graciela Piedra, Julio López y Gustavo Mollajoli, mientras que en las segunda y tercera rondas (en vivo), Sara Nieto, Lidia Segni, Mauricio Wainrot y Raúl Candal (en representación de Julio Bocca como Presidente del Jurado) seleccionaron a Luján Bredeston, entrerriana de 16 años, quien obtuvo el primer premio: la estatuilla creada por el artista plástico Antonio Pujia, un diploma y una beca para estudiar en la escuela del American Ballet en Nueva York, Emiliano Torres, también entrerriano de 16 años, con el segundo puesto obtuvo una beca anual para estudiar en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín y Camila Sosa, en tercer lugar, de 18 años procedente de San Luis, obtuvo una beca de estudio en la Escuela Arte XXI de Guido De Benedetti. Además se otorgó una mención especial al cordobés Braian Domínguez, de 16 años.

PREMIO MARÍA RUANOVA En junio el CAD otorgó el Premio María Ruanova, la distinción anual que distingue la carrera de bailarines, coreógrafos, directores de compañía y maestros. Este año correspondió a Andrea Chinetti y Miguel Angel Elías, enmarcado en el rubro de Maestros Repositores que se otorgaba por primera vez, ambos a cargo de ese rol en el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín.

Sibila C

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Mesa redonda realizada en junio Foto . Consejo Argentino de la Danza

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El acto se realizó en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el 6 de junio y culminó con una mesa redonda en la que dialogaron junto a los premiados, Oscar Araiz, Ana Maria Stekelman, Alejandro Cervera, Laura Falcoff y Mauricio Wainrot.

DÍA DE LA DANZA Otra de las habituales y anuales celebraciones del CAD es celebrar el Día Internacional de la Danza, al nuclear en un espectáculo coreográfico con entrada gratuita, a los mayores exponentes de la danza de la ciudad de Buenos Aires, en el Teatro Presidente Alvear. Estos espectáculos permiten que un público no necesariamente habitué disfrute de todas las manifestaciones de la danza, desde el ballet hasta el folklore, en fechas cercanas al 29 de abril. __BD

El Ballet Folklórico Nacional en el Día Internacional de la Danza Foto . Antonio Fresco

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Iván, El Terrible

-musical Insomnio Compañía de Teatro Musical Juvenil.

Dirección: Pashkus, Michael, Monje, Matorra y Astom. Domingos 21 hs.

Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

-ballet Kings of the Dance Ivan Vasiliev, Leonid Sarafanov, Guillaume Côté, Marcelo Gomes y Denis Matvienko. Viernes 9 y sábado 10 de noviembre, 20:30 hs. Teatro Coliseo (M. T. de Alvear 1125, Tel: 4814-3056)

3/4

-musical La Escuela del Mundo Al Revés

-musical Los cuentos de Yoyo

Textos: Eduardo Galeano. Dirección: Silvia Docampo. Música: Hernán Matorra.

Puesta en escena: Pedro Frías. Sábados 21:30 hs. Teatro La Galera Encantada (Humboldt 1591, Tel: 4771-9295).

Dirección musical: Dany Vilá. Puesta en escena y dirección: Flavia Vitale. Coreografías: Bárbara Vieytes. Sábados 15 y 17 hs, domingos 16 hs. Multiespacio Los Ángeles (Av. Corrientes1764, Tel: 5275-0622).

-flamenco La Pepa

-teatro Macbeth

Sara Baras y compañía. Viernes 2 y sábado 3 de noviembre, 21 hs. Teatro Opera Citi (Av. Corrientes 860, Tel: 5237-7200).

De William Shakespeare. Dirección: Javier Daulte. Coreografía: Carlos Casella.

Miércoles a domingos 20:30 hs. Sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530, Tel: 0800-3335254).

Foto: Alicia Rojo

Cartelera

Maximiliano Guerra y el Ballet del Mercosur. Sábado 20, 21:30 hs. Auditorio de Belgrano (Av. Cabildo y Virrey Loreto, Tel: 4783-1783).

Foto: Christian Beliera

-contemporáneo La Idea Fija De Pablo Rotemberg. Con Alfonso Barón, Ezequiel Corbalán, Juan González, Rosaura García, Diego Mauriño y Marina Otero. Y la participación especial (alternándose) de Natalia Cociuffo, Alejandra Perlusky, Karina K y Dolores Ocampo. Domingos 19 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-circo.danza Leonardo TP Nº 1 Compañía La Arena-UNSAM. Dirección: Gerardo Hochman. Viernes 21 hs, sábados 20 hs y domingos 18:30 hs. Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251).

-teatro Mala Fama De Fabian Saad. Direccion: Marcelo Iglesias. Coreografías: Quique Molina.

Domingos 20:30 hs. Teatro El Piccolino (Fitz Roy 2056, Tel: 4779-0353).

-musical Mama Cora -tango Loca por el Tango

-contemporáneo La Consecuencia De Claude Brumachon y Benjamin Lamarche. Con Soledad Alfaro, Alejandro Alonso, Ana Armas, Luciano Cejas, Ramiro Cortez, Luis Deharbe, Federico Fontan, Amalia Gullo, Belén Mosquera y Santiago Palumbo. Jueves 11 y 18, viernes 12 y 19, sábados 13 y 20, 20:30 hs. Domingos 14 y 21, 19 hs. El Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

64 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

Autoría y dirección: Mirta Katz. Dirección: Leandro Rosati. Bailarines: Daniel Cruz y Eliana Mola. Sábados 22:30 hs.

Teatro Pan y Arte (Av. Boedo 876, Tel: 4957-6922).

Compañía Teatral Steps. Dirección y coreografía: Valeria Robles. Domingos 20 hs.

Teatro Corrientes Azul (Av. Corrientes 5965, Tel: 4854-1048).

-flamenco.danza teatro Me Cago En To Tus Muertos De Erica Gigena. Con Daniela Corvalán, Agustina Cantero, Erica Gigena, Sebastián Espeche, Montse Ruano y Fernando Costa. Domingos 20 hs. Teatro G104 (Gascón 104, Tel: 4431-4742).

ESCUELA DE ACTIVIDADES ARTÍSTICAS Chicos, Adolescentes, Adultos

Comedia Musical

Danza Contemporánea

Danza Clásica

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PEDAGOGÍA ALICIA MUÑOZ

Cuerpos Amaestrados VS Cuerpos Inteligentes UN

DESAFÍO

PARA

EL

C Cuerpos A Amaestrados Vs Cuerpos V IInteligentes n DDe Alicia Muñoz

Ca o Caos C P l Planio cación DDee Alicia Muñoz

Cantos y Exploraciones, Caminos de Teatro-Danza De Susana Zimmermann

DOCENTE

....................... b a l l e t i n d a n c e d i d á c t i c o ...................... v o l u m e n 6

COLECCIÓN HOMENAJE LOS IRREPETIBLES Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola De Juan Cruz Guillén

66 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

INVESTIGACIÓN Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H D Destaville

D Danza.

IInvestigación n een Argentina VVicky Olivares Marcelo Isse M Moyano M

-exposición Metamorfosis

-musical Piantados

-ballet Trilogía Neoclásica II

Antonio y Sandro Pujia. Todos los días.

Asociación Estímulo de Bellas Artes (Av. Córdoba 701, Tel: 4314-1211).

Puro Grupo. Dirección y dramaturgia: Pablo Di Felice. Coreografías: Mirna Serra. Domingos 19 hs. Espacio Aguirre (Aguirre 1270, Tel: 4854-1905).

Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección: Lidia Segni. Domingo 14, 17 hs.

Martes 16, miércoles 17, jueves 18, viernes 19 y sábado 20, 20: 30 hs. Teatro Colón (Viamonte y Libertad, Tel: 4378-7109).

-danza árabe Mshaar Organizado por Mayra Castaño, Sabrina Di Gaetano y Valentina Aguirre. Con Cesar Insaurralde. Gala Cena Show.

Domingo 28, 21 hs. Resto Árabe Al Shark (Av. Raúl Scalabrini Ortiz 1424, Tel: 4833-6933).

-contemporáneo.musical Utopía Limited The Flowers of Progress. De W. S. Gilbert y Arthur Sullivan. Grupo Lírica Lado B Asociación Civil y Cultural. Sábados 21 hs. La Manzana de las Luces (Perú 272, Tel: 4343-3260).

-teatro Nosotros, los héroes De Jean-Luc Lagarce. Versión sin el padre. Coreografía: Dalilah Spritz. Domingos 20 hs. Teatro Sha (Sarmiento 2255, Tel: 4953-2914).

-contemporáneo Veré algo más que oscuridad Quío Binetti y Vanina Goldstein. Jueves 21 hs. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 49533556).

-contemporáneo Que Corra el Aire Towanda Grupo de Danza. Dirección: Sandro Mattos. Jueves 21:30 hs (hasta el 1º de noviembre). Teatro Auditorio Cendas (Bulnes 1350, Tel: 4862-3418).

-contemporáneo Versus 0.2 Compañía Nacional de Danza Contemporánea. Coreografía: Sebastián García Ferro. Junto a “Bruma” de Jack Syzard por la Compañía Novus Corpus. Sábados y domingos 15 hs (del 20 de octubre al 11 de noviembre). Teatro Nacional Cervantes (Av. Córdoba 1155, Tel: 4361-9570). Entrada gratuita.

-musical infantil ¿Qué hago?

De Javier Zain. Sábados y domingos 16:30 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

-contemporáneo Sádica De Nicolás y Agustín Perez Costa. Música: Nacho Medina. Viernes 22 hs. Teatro Margarita Xirgu (Chacabuco 875, Tel: 15-6266-4967).

-contemporáneo Tierra y Cemento -varieté lírico Opus Caravana Dirección: Javier Zárate. Dirección musical: Freddy Vaccarezza. Coreografías: Laura Tilve. Con Alejandro Figliolo, Mónica Luque, Guadalupe Maiorino, Leonardo Menna, Jessica Rossillo y Javier Zárate. Domingos 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

De Laura Zapata. Sábados 21 hs (hasta el 24 de noviembre). Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

-circo.danza Travelling Compañía La Arena-UNSAM. Dirección: Gerardo Hochman. Jueves 21 hs, sábados 22 hs y domingos 20:30 hs. Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251/59).

Cartelera

De Juan de la Cruz y Cristian Franco Tuñón. Coreografías: Cristian Ávila. Jueves 20 hs. Café Homero (Cabrera 4946, -4773-2047).

4/4

-musical.cabaret Olvídate de todo

-experimentación Xul Danza Solar Organiza: Sandra Reggiani. Composición grupal dirigida por Gerardo Acosta. Ultimo viernes de cada mes: 26 de octubre y 30 de noviembre, 20 hs. Museo Xul Solar (Laprida 1212, Tel: 4824-3302).

OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 67

Buenos Aires, 20 de septiembre de 1928 15 de septiembre de 2012 El mundo de la danza lloró el mes pasado la muerte de Olga Ferri.

Las redes sociales se llenaron de recuerdos, fotos y mensajes de cariño y respeto hacia la genial bailarina y maestra, como así también para su marido, el bailarín Enrique Lommi de 90 años, su hijo, y su sobrina Marisa, a cargo del estudio Ferri murió un sábado y no se hizo ninguna ceremonia pública.

Cantidad de llamados y escritos llegaron a BALLETIN DANCE, para homenajearla y recordarla. A continuación transcribimos algunos fragmentos de cada autor.

CULMINA

UNA

ETAPA

Por Enrique Honorio Destaville Con la desaparición de Olga Ferri culmina una etapa significativa del Ballet del Teatro Colón y se pierde a la gran maestra.

Con profunda tristeza debo escribir esta nota que da cuenta de la muerte de la gran estrella argentina del ballet: Olga Ferri, a los 84 años de edad, dedicados casi todos al ballet, su gran pasión.

Su notable decisión de enseñar dio como resultado la formación de algunas extraordinarias bailarinas como Paloma Herrera en el American Ballet Theater, Ludmila Pagliero en la Illustre Maison (Opera de Paris) y cierto grupo de correctas exponentes de sus enseñanzas ingresadas a la Compañía del Teatro Colón. Claro está que cuando alguna bailarina necesitó preparar algunos de los papeles claves para su carrera, se dirigía al estudio de Olga, mantenido por años con su marido Enrique Lommi. Allí recibían los detalles que revelaban a una grande del ballet.

Ciertamente, termina también una significativa etapa del Ballet del Teatro Colón. Ella quedará como una de las mejores bailarinas argentinas, en mi opinión, en la cumbre entre 1949 y 1977. Olga Ferri tenía a su favor su fina figura física, un rostro atrayente y la capacidad de llegar a la esencia del ballet tanto intuitiva como intelectualmente. Fue una de las alumnas predilectas de la grande Esmée Bulnes quien sabía que su discípula iba a llegar a la meta propuesta, y como continuadora de la línea estética trabajada por el teórico y maestro napolitano Carlo Blasis en los comienzos del s XIX. Olga Ferri fue una de las más relevantes artistas de aquel ballet argentino, llevando a Europa -sobre todo- lo máximo de lo que podíamos dar, con tan pocas experiencias en tan pocos años desde la creación del llamado “Cuerpo de Baile” del Teatro Colón en 1925. Desde el exterior se la reclamó en numerosas oportunidades, sobre todo desde la renaciente Alemania (Münich y Berlín) y el London Festival.

68 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

In Memoriam

Olga Ferri

Ya había dado muestras cabales de ser bailarina versátil desde su ingreso a la compañía que tanto prestigió, coreógrafos de la jerarquía de Heinz Rosen no dudaron en designarla como protagonista de La Dama y el Unicornio, una difícil obra de fuerte contenido expresionista en la que tuvo gran ingerencia Jean Cocteau.

Pero para ese entonces -1954- ya conocía bien los ballets del repertorio de la sala de Plaza Lavalle.

El Ballet del Teatro Colón, en el despertar de los años ‘60 tenía una deuda con el período romántico. Olga Ferri ya había protagonizado allí, en 1958, la versión de Giselle de la notable estrella cubana Alicia Alonso, donde pudo expresar sus más caros sentimientos y consagrarse como la más romántica del elenco. Cuando la compañía se abrió entonces al romanticismo pero más aún al clásico académico con la contratación de Jack Carter, quien montó La Bella Durmiente del Bosque y el integral El Lago de los Cisnes, fue el triunfo total de la estrella, quien se consagró como Aurora y como Odette, respectivamente.

Más adelante, en 1971, la trilogía de la escuela rusa sustentada por la música de Tchaicovsky se completó con El Cascanueces en la versión psicologizada de Rudolph Nureyev. El éxito acompañó a Ferri quien bailó con el propio coreógrafo, un radiante Nureyev aún joven y brillante. Otras actuaciones se efectuarían fuera del ámbito del Colón, lo que dio lugar a tallar una amistad entre ambos.

Aunque resulta imposible mencionar todas las actuaciones de quien acaba de fallecer, es inolvidable su interpretación de Romeo y Julieta de Skibine, y sobre las proximidades de su retiro el protagónico de La Cenicienta del mismo coreógrafo. Pese a su deseo de interpretar La Sylphide de Pierre Lacotte, su decisión de retirarse estaba tomada, y luego de bailarla con Raúl Candal, Olga ya no insistió. Quedaban otras preocupaciones y otros planes para seguir luchando por el ballet.

No obstante esos triunfos, cómo olvidar sus actuaciones en Las Sílfides de Fokin, en Orfeo del argentino Adolfo Andrade, y en tantos papeles que jerarquizaba con su técnica magnífica y sus intensas intervenciones plenas de dramatismo cuando el ballet lo requería.

DESDE CUBA Por Miguel Cabrera Historiador del Ballet Nacional de Cuba La triste noticia del fallecimiento de Olga Ferri me golpeó hondamente. Su nombre está asociado a los inicios de mis vínculos como miembro del Ballet Nacional de Cuba. Alicia Alonso me habló siempre de ella con una enorme admiración y aprendí a conocerla y a valorarla como una de las grandes que Latinoamérica aportó a la danza mundial.

Investigué su carrera, oí testimonios de alumnos suyos que me hablaron de ella con orgullo. Pero fue una mañana de finales de octubre de 1988 cuando la vida me dio el regalo de conocerla personalmente, junto a otra grande: Esmeralda Agoglia.

Fue extraordinaria la emoción que me provocó el encuentro con ella. Me impresionaron sus maneras, esa cualidad especial con que combinaba su porte aristocrático con un trato muy afable y sencillo.

Alicia me pidió que la atendiera de manera preferente y así lo hice.

He vuelto a mirar su fotografía en mi oficina, y volví a ver la mirada intensa que salía de sus ojos oscuros, y la alegría de compartir con nosotros el 11º Festival Internacional de Ballet de La Habana.

Sé que a Alicia Alonso le dolerá mucho esa pérdida, porque se va, aunque para quedarse, una de las glorias del ballet latinoamericano.

OLGA FERRI Estudió en la Escuela de Danza del Teatro Colón, integró el Ballet Estable como solista y fue primera bailarina desde 1949, interpretando todo el repertorio del elenco, con coreografías de Margarita Wallmann, Leonide Massine, Heinz Rosen, Jack Carter y Rudolf Nureyev, entre otros.

Bailó en toda la Argentina, en Brasil, Francia, Inglaterra y Alemania, y fue solista invitada del Ballet del Marqués de Cuevas y del London Festival Ballet. En 1971 Rudolf Nureyev la eligió para acompañarlo en el estreno de su versión de El Cascanueces en el Teatro Colón.

Se retiró de los escenarios con Coppelia en 1977.

Dirigió el Ballet Estable del Teatro Colón, en dos oportunidades, la última durante la cruda temporada 2008, con el Teatro cerrado por reformas.

Fue reconocida con el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes (1977), la Orden al Mérito de los Caballeros de San Martín de Tours (1984), el Premio Konex de Platino (1989), y el nombramiento como Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires (2008).

Fotos . Annemarie Heinrich

ALGUNOS RECUERDOS Por Patricia Casañas Desde que pisé su Estudio, el 5 de mayo de 1976, nunca olvidaré esa primera clase, cuando me sedujo el Arabesque N° 1 de Debussy que acompañó el primer adagio en el centro, del cual hasta recuerdo la coreografía. Luego comprobé que todas sus alumnas tenemos presente la fecha en que tomamos nuestra primera clase con Olga.

“Soy como Madame Sousatzka”, solía decir, en alusión a la implacable maestra que Shirley Mac Laine caracterizó para el cine. “Muchas de mis alumnas se van, siguen sus propios caminos, pero siempre vienen otras a las que puedo darle todo, una vez más”.

Más de treinta y cinco años de amistad me unieron a ella. Gracias a su influencia, pude ver y entender la danza de otra manera, fuera de toda valoración desmesurada de la pirotecnia, tan vistosa como vana cuando no tiene detrás algo más.

Por su Estudio pasaron grandes bailarines. Recuerdo cuando Fernando Bujones tomó clase con ella (¡y con nosotros!) durante una visita a Buenos Aires. Y también Jorge Donn, y más recientemente Mikhail Baryshnikov. Muchos de sus alumnos bailan hoy día en compañías internacionales, lo cual era su orgullo. Pero sin lugar a dudas, un lugar especial en su corazón estuvo siempre reservado para Paloma Herrera, esa hermosa gema a la cual Olga supo hacer brillar como a nadie. __BD OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 69

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70 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

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AUDICIONES Alemania. Stage Entertainment, busca bailarines/as con amplia gama de habilidades físicas y experiencia en danza contemporánea para la producción de Tarzán. Se ofrece contrato de un año de duración, y solamente se podrá audicionar por invitación. Los interesados deben enviar Cv, foto retrato e información de contacto de acuerdo al lugar donde realizarán la audición. Londres (4 y 5 de noviembre), contactarse con Adam Maskell al: stageentgermany@gmail.com, antes del 21 de octubre. Roma (12 de noviembre) y Milán (13 de noviembre), contactarse con Chiara Cattaneo, a: cattaneocasting@gmail.com, antes del 14 de octubre. Hamburgo (3 y 4 de diciembre), enviar información a Karin Sang: castingtarzan@stage-entertainment.de, antes del 21 de octubre de 2012. Los ensayos comenzarán en abril de 2013.

Bélgica. El Royal Ballet of Flanders dirigido por Assis Carreiro, busca bailarines de sólida técnica clásica y contemporánea para su temporada 2012/13, con coreografías de Christian Spuck, Ashley Page y Cameron McMillan, entre otros. Solamente podrán participar quienes sean invitados, a tomar clases con la compañía en Antwerp. Para postularse, enviar cv, una foto retrato, una foto de cuerpo entero, link a un video en función en internet, y datos de contacto, a: cindybogaert@balletvlaanderen.be.

Italia. El Ballet de la Opera de Roma, seleccionará bailarines (ciudadanos europeos únicamente), mayores de 18 años, para integrar a su cuerpo de baile en la temporada 2013. Las audiciones se realizarán los días 2 y 3 de diciembre. Cierre de inscripción: 31 de octubre. Bases completas de participación, en italiano, en internet: www.operaroma.it/en/complessi_artistici/corpo_di_ballo/audizioni.

Italia. El Balletto di Roma dirigido por Walter Zappolini, realizará audiciones para bailarines con excelente técnica clásica y contemporánea, los días 27 y 28 de octubre. Para postularse, se deberá enviar currículum, incluyendo datos de contacto (número de teléfono, e-mail), y foto, a promozione@ballettodiroma.com, antes del 24 de octubre de 2012.

Italia. El Balletto di Roma, seleccionará solistas de excelente técnica clásica y contemporánea, los días 27 y 28 de octubre. Los interesados en asistir, deben postularse enviando información personal, Cv (síntesis), foto y datos de contacto a: promozione@ballettodiroma.com, antes del 24 de octubre de 2012.

Reino Unido. Dora Frankel Dance seleccionará tres bailarines/as con experiencia, con sólida técnica contemporánea y clásica, y conocimientos de contact, para la nueva creación Borderlands. Los ensayos se realizarán en enero de 2013, en Newcastle. Se ofrece un salario de £400 por semana. La audición a la que solamente podrán asistir los invitados, será el 18 de octubre en Londres. Interesados: enviar currículum y una fotografía, y/o enlace (link) a video de internet (youtube o vimeo) a: Dora Frankel, Artistic Director dora@dorafrankeldance.co.uk.

Reino Unido. El English Youth Ballet que dirige Janet Lewis, contratará a un bailarín y una bailarina principal con experiencia, para su próxima temporada que se inicia en enero de 2013. Los postulantes deberán tener sólida técnica clásica, manejo de partenaire, habilidades dramáticas, su interés en la pedagogía será una ventaja, y deberán poder encarar los protagónicos de Giselle, El Cascanueces, El Lago de los Cisnes, Coppélia y La Bella Durmiente. El elenco regional, contrata bailarines profesionales para acompañar un cuerpo de baile integrado por cien jóvenes locales de cada ciudad que visitan en gira. Comunicarse telefónicamente al (00 44)1689-85-6747, e-mail: misslewis@englishyouthballet.co.uk. Web: www.englishyouthballet.co.uk.

ESTUDIO DE DANZAS

Silvia Roller

INAUGURADO EN 1987

silviaroller20@yahoo.com.ar VIRREY DEL PINO 2352 TEL: 4781-4172

Clases desde los 3 años: Iniciación a la danza Danzas clásicas · Danza jazz · Contemporáneo Arabe · Hip Hop · Tap · Pilates · Yoga Gimnasia con barre à terre Paola Alves, Guiliana Bonacera, Jennifer Cerrotta, Julieta Frascara María Luz Iacono, Claudia Lucena, Micaela Milanesi, Beto Pinto Nina Marcela Ricci, Silvia Roller, Valeria Perez Roux Sofia Sancinetti, Agostina Schiavi, Agustina Vivone

OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 71

balletin informativo Ucrania. La Ópera Nacional y Compañía de Ballet de Kharkiv seleccionará un bailarín solista varón, con experiencia profesional en una compañía clásica (preferentemente con experiencia en El Lago de los Cisnes y Giselle), de 1.80 m de estatura como mínimo. También seleccionará varones para el cuerpo de baile con los mismos requisitos.

Informes: khnatob.jobs@gmail.com.

Uruguay. El Ballet Nacional Sodre de Montevideo dirigido por Julio Bocca, convoca a su audición anual internacional, que se realizará en su sede el 20 de octubre de 2012. Se ofrece contrato de febrero de 2013 a enero de 2014. Para más información e inscripciones: balletnacionaluruguay.blogspot.com.

BECAS La Fundación de AjkunBT, ofrece becas creadas para ayudar y refortalecer a los bailarines emergentes (estudiantes y profesionales), enmarcadas en la Guía de Orientación para el Programa de Becas Educativas y el Programa de Intercambio Internacional, para los años fiscales 2013-2016.

Las becas permitirán continuar su educación en Ajkun Ballet Theatre o en uno de los programas asociados (por ejemplo, Performing in New York, New York Winter Festival, Festival de Danza en Italia, entre otros).

Los solicitantes deberán tener más de 14 años, ser ciudadanos de un país participante (Argentina es uno de ellos) y dominar una técnica sólida de ballet.

Por otro lado, el Programa de Intercambio Internacional otorga suplementos a los fondos propios de un profesional para cubrir los gastos ocasionados por vivir en el extranjero mientras cursan estudios en el repertorio característico de una compañía. Para ser elegibles los solicitantes deben ser: aceptados, pero no empleados, en una compañía profesional reconocida en Europa o Estados Unidos, tener una amplia experiencia profesional documentada en el ámbito, ser mayor de 18 años y haber participado satisfactoriamente en el proceso de audición. Cierre de inscripción: 20 de diciembre de 2012.

Informes: www.ajkunbt.org, E-mail: ajkun@aol.com.

CICLO DE CINE Organizado por la Comisión Nacional de la Manzana de las Luces, este mes se realizará un ciclo de proyecciones de películas de danza bajo el nombre El Ballet en el Cine, con entrada libre y gratuita en esa entidad de la ciudad de Buenos Aires (Perú 272), los lunes a las 19 hs, y media hora antes comenzará un espacio destinado a comentarios de la película que se verá.

El cronograma incluye: 1º de octubre: Momento de Decisión (Turning Point). Estados Unidos, 1977. Dirección: Herbert Ross. 119 minutos. Con Mikhail Barys-

Silvina Rouco Envíos al interior Ventas por mayor y menor

NUEVO TEL: NUEVO 15-3688-5779 15-3688-5715 03488 44-6609 03488

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MUSICA PARA CLASES DE DANZA CLASICA

72 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2012

hnikov, Anne Bancroft, Shirley McLaine. Golden Globe al Director y Mejor Película.

15 de octubre: Sol de Medianoche (White Nights). Estados Unidos, 1985. Dirección: Taylor Hackford. 136 minutos. Con Mikhail Baryshnikov, Gregory Hines, Hellen Mirren. Ganadora de un Oscar a Mejor Tema de Película (Lionel Richie) y Golden Globe a Mejor Tema de Película (Lionel Richie).

22 de octubre: Vivir amando (Dancers). Estados Unidos, 1987. Director: Herbert Ross. 99 minutos. Con Mikhail Baryshnikov, Alessandra Ferri, Leslie Browne. Nominada al Tokyo Grand Jury Prix, a Herbert Ross en los Tokyo International Film Festival.

29 de octubre: Cisne Negro (Black Swan). Estados Unidos, 2010. Director: Darren Aranofsky. 108 minutos. Con Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel. Ganadora del Oscar a la Mejor Actriz Protagónica (Natalie Portman), y como mejor película extranjera ganadora y nominada en Argentina, Japón, Francia, Italia y Holanda.

CONCURSOS New York International Ballet Competition. 30º edición. Dirección: Marica de la Garza. Del 3 al 23 de junio de 2013, en el Lincoln Center. Los postulantes deberán tener de 17 a 23 años (mujeres y de 18 a 24 (varones), y participarán en pareja aunque sean evaluados individualmente.

La inscripción se realiza a través de internet, enviando una serie de documentos (cartas de recomendación, fotos, videos de ensayos o espectáculos de una variación clásica y una secuencia con su partenaire, hasta el 15 de diciembre de 2012: www.nyibc.org.

FESTIVALES Festival Internacional de Folklore Caminos de Tierra. 1º edición. Del 5 al 14 de octubre de 2012, en Santa Fe, Córdoba y Buenos Aires. Organiza: Compañía Internacional de Danzas La Marrupeña (folklore y tango).

Participarán el Grupo de Danzas Populares Andanças, de la Universidad Federal do Rio Grande do Sul (Brasil), que recorre en su repertorio la variedad y riqueza del folklore popular brasileño (Danzas Gaúchas, Frevo, Samba, Forró, Capoeira, Maculelê, Maçariquinho) y veinte grupos locales. Habrá espectáculos en teatros, escenarios públicos, presentaciones para alumnos de escuelas y universidades, desfiles etnográficos y talleres especializados de danzas.

Informes: companialamarrupena@yahoo.com.ar.

INSCRIPCIÓN El Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, dirigido por Norma Binaghi, convoca a bailarinas/es aspirantes a la audición para el Curso Trienal de Perfeccionamiento para Bailarines, del ciclo lectivo 2013.

balletin informativo Los interesados deberán tener de 17 y 20 años (mujeres) y de 17 y 21 (varones), 4 años de estudio continuos de técnica clásica, conocimientos básicos de danza contemporánea, y estudios secundarios completos o en curso.

Inscripción hasta el día 12 de octubre en el Taller: Av. Santa Fe 1440, Galería San Nicolás, 2º subsuelo. Informes: 4811-8936, e-mail: tallerdanzasanmartin@hotmail.com.

JUEGOS CULTURALES EVITA Con organización conjunta entre la Secretaría de Cultura de la Nación, la Secretaría de Deportes y el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, se lanzó la convocatoria de los Juegos Culturales Evita 2012 cuyo objetivo es promover la solidaridad, el trabajo en equipo y el respeto. Destinados a jóvenes de 12 a 17 años, en pintura, danza folklórica, canto solista, conjunto musical, narración y teatro; y para adultos mayores de 60 años en pintura, danzas folklóricas y narración.

Cada provincia realizará sus propias selecciones, para ser representadas en la ronda final nacional, que se llevará a cabo en Mar del Plata, donde los finalistas recibirán talleres de capacitación específica en las disciplinas por las que participan.

Las inscripciones se realizan en cada municipalidad.

SEMINARIOS INTENSIVOS GRATUITOS Escenario Propio Mujer Teatro dirigido por Roxana Randón, Cristina Escofet y Teresa Gatto, organizan el ciclo de seminarios intensivos gratuitos “Un escenario propio: Género, teatro e historia: Un espacio de creatividad y reflexión”, en el Espacio Abierto (Pasaje Carabelas 255, Tel. 4328-1903).

Bajo el título Las Mujeres, la Escena, el Teatro, las próximas actividades serán: La Mujer, La música y La Escena por Sergio Alem, el sábado 17 y domingo 18 de noviembre; Mujeres que Cantan, que Bailan, Que Cuentan por Patricia Balado, el sábado 1º y domingo 2.

ESCUELA DE BAILE C & F LEONARDO CUESTAS – LILA FLORES BAILES DE SALÓN ESTILO INTERNACIONAL SOCIAL Y COMPETICIÓN CLASES GRUPALES E INDIVIDUALES

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