BALLETIN DANCE 220

JUDY UN SUEÑO CUMPLIDO // Tributo de Exportación ENZZO ZAGHARID // El Líbano Baila

CONTEMPORANEO X TRES: ANALÍA GONZALEZ// ANABELLA TULIANO//JUAN ONOFRI BARBATO

MAYO 2013 // BALLETIN DANCE / 1

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ISSN 1850-6275 . Año 20 . Nº 220. mayo 2013 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

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NOVIEMBRE 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // MAYO 2013 2009

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NOTA DE TAPA 6 Puertas que se abren ACTUALIDAD 13 Nuevamente Corella 14 Premiados 14 Musicales 16 Nuestro Corsario al Norte 18 Leonardo Reale Embajador de Paz 18 Danza y Música en Belgrano 26 El Tap de Fiesta Analía González, Anabella Tuliano y Juan Onofri Barbato en el Teatro General San Martín Foto: Antonio Fresco

PROVINCIAS 22 Santa Fe. Un Argentino de/en Santa Fe 25 Tucumán. Verona en el Jardín FOLKLORE 31 El Chúcaro en Todo el País TANGO 32 Astormentados

Sumario 220

FLAMENCO 34 La Guapetona TEATRO MUSICAL 36 De San Telmo al ‘off Broadway’ DANZA ARABE 40 El Líbano Baila ENTREVISTA 42 Andrea Servera

BALLETIN DANCE 20 En Más Países 46 Cursos a Distancia COMENTARIOS 44 Doug Varone 50 Pequeña Monstruosidad IN MEMORIAM 52 Norberto Guichenduc 52 Maria Tallchief 53 Hilda Riveros ARGENTINOS EN...

54 Estados Unidos.

Florencia López Boo 54 Letonia. Mauricio Wainrot 56 Alemania. Josefina Guelfi 57 Reino Unido. Marianela Nuñez INTERNACIONALES 58 Alemania. Primavera 60 Estados Unidos. Breves 61 España. En Crisis 62 México. Novedades 68 Italia. Imperdible 68 Paraguay. Nuevos elencos 69 Uruguay. Programación Anhelada CARTELERA 28/49/67 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 70/72/73/74 Subsidios, becas, convocatorias, festivales, premios, residencias

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Carlos Bevilacqua Guillermo Chulak Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Natalia Picorelli Paloma Portnoy Stella Salomon Daniel Sousa Cecilia Werle Pinto corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com comercialización EG Media Brokers Esteban Gallego info@egmediabrokers.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

BALLETIN DANCE REDACCIÓN

Mayo 2013 - Año 20 - Nº 220 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998.

Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 4996656.

Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

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P q Onofri Barbato ya había sido convocado por el San Martín en 2008.

Para Tuliano y González es su primera experiencia con la compañía 6 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

Puertas que se Abren N

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Por Daniel Sousa

Fotos Antonio Fresco

El Ballet Contempor áneo del T eatro San Martín

dedica su primer programa del año a difundir la obra de nuevos coreógrafos de diver sas extracciones.

Analía González, Ana bella Tuliano y J uan Onofri Barbato hablaron con BALLETIN DANCE sobre la génesis de sus trabajos y el desafío de adaptarse al sistema de producción de la compañía oficial

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El año comenzó para el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín con la reposición de una obra de Mauricio Wainrot que recogió excelentes críticas en el cierre de la temporada anterior, Flamma Flamma. El conflicto en la Sala Alberdi, que se trasladó luego a las puertas mismas del San Martín, afectó el normal desarrollo de las funciones previstas, pero no hizo mella en el impulso creador de Wainrot ni en el inclaudicable empeño de la compañía oficial. Es así que el 18 de este mes, el Ballet Contemporáneo estrenará en la sala Martín Coronado su primer programa de 2013, dedicado a difundir el trabajo de jóvenes coreógrafos.

La convocatoria recayó en tres artistas que, aun poseyendo lenguajes corporales distintos, reconocen entre sí varios puntos en común. Se trata de Anabella Tuliano, Analía González y Juan Onofri Barbato, quienes por estos días ensayan a todo vapor con el elenco.

Anabella Tuliano es la directora del grupo de danza contemporánea Cadabra, compañía residente del estudio Domus.

Integró hace algunos años la compañía Utopía, del brasileño Sergio Berto, y se formó en el exterior con Roseli Rodrigues, de la Compañía Raça de San Pablo. Entre sus últimos trabajos como coreógrafa y directora se cuenta el doble programa que presentó el año pasado en el Centro Cultural Borges, compuesto por las obras Domesticame y Cadabra.

Analía González es la laureada coreógrafa de El Choque Urbano, que con el más reciente espectáculo de esa compañía de percusión, Baila!, obtuvo los premios Hugo, Trinidad Guevara y Estrella de Mar. Estudió con Wasil Tupin, Freddy Romero y Adolfo Colque, entre otros maestros; trabajó para Disney y coreografió también para el Ballet Argentino (Egon Schielle, 2011).

Juan Onofri Barbato, en tanto, nació en Neuquén y se formó en el Taller de Danza

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Analía González

Contemporánea del San Martín. Tiene en su haber obras como Tualet, Ocupaciones Breves y Pack. En 2010 creó el grupo Km29, con el que lleva adelante un proyecto de resocialización de jóvenes a través de la danza. Como fruto de esa iniciativa nació Los Posibles, que se estrenó en 2011 en el TACEC del Teatro Argentino de La Plata y acaba de concluir una breve temporada en la sala AB del recuperado Centro Cultural San Martín. A fines de mayo se estrenará en la sala Lugones una película sobre este proyecto, con dirección de Santiago Mitre.

¿Los sorprendió esta convocatoria?

Analía González: Mucho, sobre todo porque yo no vengo del palo del San Martín y esto es algo que no estaba en mis planes.

Me alegró mucho, por otra parte. Me llamaron a fines del año pasado y presenté algo parecido a un proyecto, más bien una idea. Fue algo simple, rápido. Tuve una reunión y no hubo más que coordinar las cuestiones de rutina.

Anabella Tuliano: Yo estuve con Cadabra en la celebración del Día de la Danza, en la que también actuó el Ballet del San Martín. Andrea (Chinetti, codirectora de la compañía) estuvo viendo mi trabajo y evidentemente le gustó la propuesta. Un día me llamó Mauricio y me propuso elaborar un proyecto.

Juan Onofri: Yo debo decir que no me sorprendió la invitación dado que ya me habían convocado en el año 2008 para presentar una obra llamada Ansia, que fue la tesis con la cual egresé del Taller.

En aquel momento Mauricio la vio y me propuso hacerla acá. Formó parte de la programación oficial pero finalmente no se pudo dar porque nosotros decidimos estrenarla en el circuito independiente y era incompatible hacerla en el independiente y en el oficial. Nos inclinamos por el otro camino, finalmente, pero a partir de eso quedó una relación abierta.

¿Reconocen puntos de contacto entre ustedes?

AT: Tenemos lenguajes diferentes pero muchas cosas en común. No trabajamos con un lenguaje contemporáneo puro sino que es producto de nuestra formación, de todo lo que uno ha ido incorporando con los años. En mi caso, tal vez los puntos de contacto sean mayores con Analía que con Juan, dado que las dos estudiamos con Roseli Rodrigues, que es nuestra maestra base. Tal vez compartamos algo de la emotividad y la energía física que ella nos ha inculcado.

JO: En este sentido, es interesante ver cómo los bailarines se adaptan a todos los lenguajes. Es un grupo de gente con mucha voluntad de trabajo y eso es fundamental.

AG: Hay mucha disposición de parte de todos, es cierto. Trabajan muchísimo: en este momento están aprendiendo tres obras nuevas y re-montando otras dos: Las Ocho Estaciones y Consagración de

la Primavera. Es casi un exceso, pero hay en ellos una predisposición absoluta. Son muy trabajadores, muy profesionales. Es admirable su capacidad para retener física e intelectualmente todo. Yo misma a veces no recuerdo cosas que ellos sí.

JO: Tienen una capacidad de fijación del material que es maravillosa. Aunque para mí a veces eso es un poco perjudicial porque se cristalizan cosas que yo preferiría que coreográficamente estén algo más inestables, en bordes más vulnerables. Los chicos tienden a construir formas muy determinadas, que fijan, y es difícil que ese material después se movilice en otra dirección. Esa es la contra de la memoria tan precisa. Aunque eso mismo hace que se sistematice la obra muy rápidamente porque ellos la entienden y la memorizan rápido.

Juan, ¿cómo surge Los Trompos, la obra que va a presentar?

Arranqué con un planteo de lineamiento performático pero se fue adaptando a lo que el ballet resiste como propuesta estética. Resiste, digo, en el sentido de lo que permite pero también de lo que rechaza, utilizo esas dos ideas de resistencia. El trabajo, entonces, se fue amoldando a las posibilidades del espacio y de los bailarines. La obra es un recorrido en torno a un elemento específico de movimiento, que está girando todo el tiempo. Ese elemento está presente constantemente pero es más que nada una alegoría. No estoy interesado en hablar particularmente del giro sino de la producción posible de un estado físico que le permita al bailarín trascender la presencia y complejizar su estado en escena. Es decir, poder conectarse con un estado físico aeróbico mayor, poder entrar en una sintonía de movimiento que no sólo tenga que ver con la coreografía sino con lo que al bailarín le empieza a suceder dentro suyo cuando permanece mucho tiempo en algo.

Anabella Tuliano

Acá, para permanecer mucho tiempo en algo, el elemento elegido es el giro. De cualquier modo, ese giro se fue diluyendo a medida que avanzaban los ensayos y empezamos a encontrar otras maneras de permanecer en el tiempo con un mismo elemento. Esta propuesta intenta radicalizar el estado físico, la manera física de permanecer en el escenario. Trabajo con quince integrantes de la compañía que están prácticamente todo el tiempo en escena. Y asumo esta invitación como la posibilidad de contar con un espacio para experimentar sobre algo nuevo.

¿Se emparenta en algún sentido con Los Posibles?

Muy poco. De hecho, la forma de trabajo que me planteé esta vez es bien distinta.

El proceso de Los Posibles duró un año y trabajamos sobre la presencia de los bailarines en el escenario y el vínculo entre ellos. Eso acá no lo puedo trabajar porque los ensayos son de una hora y me-

dia, cuando mis ensayos de otras obras duran tal vez cuatro horas. Este sistema de producción impide poder profundizar, por eso me está costando mucho y he tenido que negociar mucho la idea que traía. El sistema de ensayos que está pautado, más la cantidad de obras que hacen los chicos y el estado general, dificultan mucho que uno puedo profundizar en algo. A mí me pasa un poco eso, quizás otros coreógrafos lo han podido hacer, pero yo en lo personal siento que el régimen de trabajo no está orientado a que uno pueda calar hondo. Eso es algo que yo sí pude hacer en Los Posibles.

Esta vez no estoy pudiendo llegar a ese nivel de profundidad que a mí tanto me motiva en el trabajo. Estoy en un estado intermedio entre la profundidad y la superficialidad, tratando de llegar un poco más hondo, pero también siento que estoy perdiendo peso en el camino.

Analía, ¿cómo ha sido la experiencia de saltar del circuito comercial a la esfera oficial?

Es muy fuerte la transición. Con Baila! tuve, como Juan, un proceso muy largo de creación. Hace diez años que trabajo con El Choque Urbano a nivel creativo.

Todas las áreas nos movemos por separado pero también en conjunto. Antes de comenzar los ensayos de una obra tenemos meses de reuniones, pruebas, dibujos, ideas. Y cuando empezamos a crear la obra ensayábamos de lunes a sábados entre seis y ocho horas. Esto, durante cuatro a seis meses. E incluso cuatro meses es poco para una obra nueva. Eso te permite profundizar, ver, reconocer, trabajar mucho con el ensayo y error. Con este método que se aplica en el San Martín es bastante difícil. Aunque también lo pone a uno ante un desafío nuevo como creativo, que le permite redescubrirse trabajando de otra manera.

El factor fundamental, la diferencia en el

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Juan Onofri

proceso creativo la da el tiempo y cómo uno puede profundizar en ese tiempo.

Después del Sol es su obra ¿Cómo la define?

Cuando surgió la propuesta me encontré un poco desnuda. En ese momento me sentía muy lejos del San Martín en todo sentido. Entonces, como a mí me gusta mucho partir en el proceso creativo desde una imagen, pensé en una imagen que fuera común a todos, sobre todo porque desconocía la gente con la que iba a trabajar. A los bailarines siempre los vi sobre un escenario, no los conozco. En cambio, yo estoy acostumbrada a trabajar con mi compañía, que son parte de mi familia. Con ellos puedo calar muy profundo. Entonces -decía- me vino la imagen del sol y de un momento del día que a nadie le resulta ajeno, que es el atardecer. Me puse a investigar qué representa el atardecer para las diferentes culturas y religiones, incluso a través del tiempo, y me encontré con muchos significados. Tomando esos diferentes conceptos armé un poco el mío. La obra transcurre en un atardecer real, se proyecta esa imagen en progresión. Mientras muere el sol van surgiendo pequeñas historias

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que vinculan a los catorce bailarines entre sí, y que a la vez, entre todas, dan forma a una misma historia.

Anabella, Infima Constante es su estreno ¿También siente que debió resignar algo de la idea original?

No tanto. Mantengo la misma línea estética que trabajo con Cadabra. Es una estética minimalista, con la presencia sólo de los bailarines. La base de mi trabajo está puesta en los bailarines, la interpretación, y nada más. Necesito que el tiempo se detenga para crear una atmósfera de poesía.

Repito eso también en este caso. ¿Cuál es la ínfima constante a la que alude el título?

Es ese segundo cotidiano en el que uno toma conciencia de su pequeñez, de su mortalidad, de que el momento es ahora y no se repite jamás. Esto abarca la realización, a partir de ese momento, de todos los caminos posibles con plenitud.

Infima… habla del momento pleno, de calma; y de la capacidad de rearmarnos desde las piezas, de renacer de las cenizas. Muchas veces se nos nubla el sentido de la vida, cuando en realidad la magia es poder abrir los ojos cada mañana. A mí me gusta coreografiar sobre sensaciones muy íntimas, y esta obra habla un poco de eso. El gran desafío para mí es qué le pasa al intérprete con lo que yo propongo, porque es algo muy profundo.

Juan, como egresado del Taller del San Martín ¿tiene un valor especial llegar a coreografiar para la compañía mayor?

Sí, está buenísimo. Yo soy casi un adicto al escenario y espero que eso no se cure (risas). Poder estar con una de mis obras en la sala Martín Coronado es fantástico, es un lugar increíble. En ese sentido, la convocatoria fue una alegría. Para mí fue muy difícil hacer el Taller del San Martín, mis docentes lo saben. Yo venía de Neuquén, llegué y me metí en un espacio de estudio que es muy demandante y exigente. Es difícil entrar y más aún, egresar del Taller, y yo hice las dos cosas con un esfuerzo enorme. Después de eso, poder proponer y compartir algo de lo que experimenté luego de salir del Taller, es muy bueno.

AG: Convocatorias como ésta son de esas cosas que van sucediendo sin que las busques, y eso es lo más interesante. Te ubican en un lugar nuevo, desconocido. A mí personalmente me gustan los abismos. Es muy movilizante. __BD

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asoc.arteycultura@gmail.com www.arte-cultura.com.ar Asociación Arte y Cultura Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) Tel: 4866-2671

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Ciudad Cultural KONEX

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Comedia Musical

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mayo 19 de

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MAYO: domingos 19 y 26 JUNIO: domingos 2, 9, 16, 23 y 30 JULIO: domingos 7, 14, 21 y 28

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Corella Nuevamente en Buenos Aires El viernes 7 de junio, Angel Corella se presentará en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, con producción del Grupo Ars

Despedida de Angel Corella del ABT Foto . Rosalie O’Connor

El bailarín español, se presentó el año pasado en el marco de la Gala Internacional de Ballet en el mismo teatro, justo cuando acababa de despedirse del American Ballet Theatre de Nueva York, elenco en el que fue su estrella por más de una década.

Como director artístico y bailarín principal del Barcelona Ballet, elenco con el que se presenta el 7 de junio en Buenos Aires, Corella afirma que “el ballet clásico no está reñido con la modernidad ni está obsoleto, sino que permite incorporar nuevos lenguajes escénicos”, hecho que demostrará con el programa seleccionado para la ocasión.

Se trata de Suspended in Time (había presentado un fragmento de esta pieza el año pasado), diversas coreografías que recorren desde el clasicismo más puro hasta el pop rock, sin olvidar la esencia hispana de su creador. Estructurada en tres actos, con música de la banda británica The Electric Light Orchestra (con temas de los años ‘70 y ’80), el espectáculo promete ser dinámico.

Para Angel Corella, como para otras figuras destacadas españolas, resultaba inaudito que España carezca de una compañía de ballet clásico, por tanto se lanzó a la empresa de producir su propio elenco. Así, en abril de 2008 se creó el Corella Ballet a cargo de la fundación que lleva su nombre, en Castilla y León, subsidiada por ese estado español. Hace un año se instaló en Cataluña rebautizando al grupo como Barcelona Ballet, sin embargo la tremenda crisis por la que atraviesa España intenta “aniquilar a la cultura”.

El mes pasado el bailarín y coreógrafo narró públicamente la situación por la que atraviesa. En entrevista con la agencia de

noticias EFE Corella expresó que “lo más probable” es que tenga que abandonar Barcelona y disolver su compañía, pues sólo ha encontrado obstáculos “incomprensibles”, en aquella ciudad. En realidad él ha presentado un proyecto para convertir a su ballet en elenco residente del Gran Teatro del Liceo barcelonés, “pero España me ha dado la espalda”, sentenció.

Corella aseguró a EFE que la compañía se encuentra stand by y que si el Liceo no le responde pronto dirá a sus bailarines “que busquen contratos fijos fuera de España”. En estas declaraciones confesó haber apostado “mi patrimonio, mi salud y mi tiempo” mientras que en otra entrevista aseguró que “en lo físico, lo mental y lo económico me han derrotado. Tengo un gran sentimiento de frustración […]. Me están echando a patadas de aquí”.

También enumeró en varios medios de difusión todas las propiedades que ha perdido por causa de mantener su ballet y su escuela en su país, “en España el arte no importa, nos han subido el iva y no hay subvenciones…” explicó.

A la vez, en abril, Angel Corella filmó en su academia la publicidad de la película Barbie en la Bailarina Mágica. Allí, el maestro (él) da clases a dos niñas (seleccionadas en un concurso organizado especialmente) y es a Júlia Miró, de 9 años, a quien entrega las zapatillas rosas mágicas. En la película, Barbie se transforma en Kristyn cuando se las pone, una bailarina que es transportada al fantástico mundo de la danza, reflejando que “si se baila con el corazón, los sueños se hacen realidad”. __BD

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Premiados de la Actividad Teatral Como todos los años, la Casa del Teatro entregó los premios a la actividad teatral 2012, en una ceremonia realizada en el Teatro Regina el 22 de abril bajo la conducción de Claribel Medina El organismo no otorga premios relacionados directamente con la tarea coreográfica, sin embargo el teatro musical, ha sido parte importante de esta edición. El jurado estuvo integrado por Miguel Jordán, Carlos Llorens, Luis Mazas, José Miguel Onaindia y Ana Seoane.

Pepe Cibrián Campoy recibió tres premios: a autor nacional y a unipersonal masculino (por Marica) y a mejor musical (por Excalibur).

Jimena Riestra fue considerada la mejor actriz en musical (por Forever Young) y Juan Rodó se hizo acreedor de la estatuilla a mejor actor en musical (por Excalibur).

En el mismo acto, el Instituto Nacional del Teatro (INT) a través de su director, Guillermo Parodi, hizo un aporte especial de doscientos mil pesos para que la Casa del Teatro pueda afrontar algunos gastos de mantenimiento del edificio.

La Casa del Teatro fue fundada en 1938 por la soprano lírica Regina Pacini (esposa de Marcelo Torcuato de Alvear) como albergue de artistas jubilados con necesidades económicas o de vivienda. El establecimiento ocupa un sector importante de un edificio de diez pisos ubicado en la Av. Santa Fe al 1200 de la ciudad de Buenos Aires, que alberga también un museo y biblioteca teatral, además del Teatro Regina. __BD

La Casa del Teatro, reflejo del Art Decó en Buenos Aires

Musicales Mayo es un mes intenso para la actividad musical en Buenos Aires Por un lado, del 16 al 19 de mayo se realizará la octava edición del Congreso Internacional de Musicales y Operas Rock, encarado por Valeria Lynch desde hace poco más de una década.

El evento se realizará una vez más en el Auditorio Buenos Aires (del Buenos Aires Design, Recoleta) y contará como en años anteriores con cantidad de invitados extranjeros y nacionales que dictarán clases prácticas, charlas y conferencias, en canto, danza y actuación. Como novedad, este año se ofrecieron cien becas totales para participar del Congreso, que fueron otorgadas mediante audiciones que se realizaron en todo el país, y además se ofrecerán becas en Estados Unidos para los estudiantes sobresalientes.

Por otro lado, se realizará la entrega de los Premios Hugo al Teatro Musical, distinción que lleva su hombre en honor a Hugo Midón y está encarada por la Asociación Civil Premios Hugo al Teatro Musical creada por Ricky Pashkus y Pablo Gorlero.

El domingo 12 de mayo desde las 14:30 hs la mítica avenida Corrientes se transformará en escenario, para albergar los Musicales al Aire Libre, organizados por la misma asociación y por tercer año consecutivo, del que participarán más de 200 artistas con fragmentos de todos los espectáculos que estuvieron (y están) en cartel durante el último año. __BD Con el Obelisco de fondo, todos los musicales Foto . Ingrid Höhn

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BALLETIN DANCE EDICIONES

Colección SÚLKARY CUBA

Balletin Dance Ediciones

Nacimiento de una escuela en el Siglo XX

Miguel Cabrera

SÐLKARY CUBA

SÐLKARY CUBA

María del Carmen Mena Rodríguez

EL BALLET EN CUBA

Taller Cubano para la Enseñanza de la Composición Coreográoca

EL CUERPO CREATIVO

Bárbara Balbuena Gutiérrez

SÐLKARY CUBA

SALSA Y CASINO

de la cultura popular tradicional cubana

Dirigida por Mercedes Borges Bartutis

Balletin Dance Ediciones

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SALSA Y CASINO

EL CUERPO CREATIVO

EL BALLET EN CUBA

De la cultura popular tradicional cubana

Taller cubano para la enseñanza de la composición coreográoca

Nacimiento de una Escuela en el siglo XX

De María del Carmen Mena Rodriguez Premio Anual de Investigación en el Instituto Superior de Arte de La Habana

De Miguel Cabrera Historiador del Ballet Nacional de Cuba dirigido por Alicia Alonso

De Bárbara Balbuena Gutiérrez Decana de la Facultad de Arte Danzario y coordinadora de la Maestría en Estudios Teóricos de la Danza del Instituto Superior de Arte de La Habana

Conseguilos en las mejores librerías del país y en la Tienda Balletin Dance: www.balletindance.com.ar

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Nuestro Corsario al Norte La producción escenográfica y de vestuario del ballet El Corsario del Teatro Colón, realizada en la temporada 2011, llega este mes a Nueva York de la mano del American Ballet Theatre Esta producción argentina de El Corsario se estrenó en diciembre de 2011 con diseño de escenografía de Christian Prego, diseño lumínico de Roberto Oswald y de vestuario de Aníbal Lápiz, interpretado por el Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Lidia Segni. Las primeras dos noches, fue protagonizado por Paloma Herrera (ABT) y Guillaume Côté (Ballet Nacional de Canadá).

El American Ballet Theatre presentará esta producción para inaugurar su temporada de primavera en la Metropolitan Opera House (13 de mayo) con escenografía de Prego, vestuario de Lápiz (realizado y confeccionado íntegramente en los talleres del Teatro Colón) e iluminación de Brad Fields.

La première de esta versión de El Corsario en Estados Unidos, tuvo lugar el 11 de abril en el Kennedy Center for the Performing Arts de Washington, permanecerá en el Met hasta el 8 de junio y del 12 al 14 de julio se verá en el Music Center Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles.

Por otra parte, también desde la oficina de prensa se confirmó que el Ballet Estable viajará este mes a la ciudad de Omán (Emiratos Arabes), tal como estaba planeado, con un programa mixto programado por su directora. __BD

Mientras tanto

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La Producción de El Corsario en el estreno de 2011 Foto . gentileza oficina de prensa del Teatro Colón

Esta información emitida por la oficina de prensa del Teatro Colón, llegó a Balletin Dance al mismo tiempo que los trabajadores del coliseo iniciaban una serie de medidas y reclamos como consecuencia de un fallo “arbitrario y antisindical” emitido por la Sala X de la Cámara Nacional de Apelaciones, que “pretende desconocer los fueros gremiales de nuestro compañero delegado Pastor Mora, avasallando así las garantías y derechos de los trabajadores consagrados en la Constitución Nacional y en la normativa vigente”.

Los trabajadores repudian, en su comunicado, esta agresiva medida hacia Mora y “procura acallar cualquier reclamo laboral de

cualquier sector, de ahora en más, sentando un nefasto precedente”. Así además denuncian ante la opinión pública “la permanente persecución de los Delegados de ATE y la sistemática criminalización de la actividad gremial que ejerce el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires”.

Por tanto, todos los lunes a las 12 horas, los integrantes de la Junta Interna “Patricia Pérez” Ate - Teatro Colón, realizarán actos itinerantes en puntos emblemáticos de la ciudad, que comenzaron con un concierto realizado en la Plaza del Vaticano (lindera al Teatro) a cargo de casi un centenar de músicos de la Sala.

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Cuerpos Amaestrados VS Cuerpos Inteligentes UN

DESAFÍO

PARA

EL

C Cuerpos Amaestrados A Vs Cuerpos V IInteligentes n DDe Alicia Muñoz

Ca o Caos C Planio P l cación DDee Alicia Muñoz

Cantos y Exploraciones, Caminos de Teatro-Danza De Susana Zimmermann

DOCENTE

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COLECCIÓN HOMENAJE LOS IRREPETIBLES Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola De Juan Cruz Guillén

INVESTIGACIÓN Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H Destaville D

D Danza.

IInvestigación n een Argentina VVicky Olivares M Marcelo Isse Moyano M

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Leonardo Reale Embajador de Paz La Organización Mil Milenios de Paz-Paz, Ecología y Arte, realizó la ceremonia anual de entrega de la Bandera de Paz a representantes de la ciencia y la cultura, el 15 de abril en el salón Manuel Belgrano del Honorable Senado de la Nación

Leonardo Reale junto al Premio Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel Foto . Cristina Posada

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Allí “Habrá paz en el mundo cuando haya paz en el corazón de cada persona” señala el manifiesto de la organización internacional de lucha por la paz. El Pacto Roerich y la Bandera de la Paz fueron creados y promovidos por Nicolas Roerich, con el fin de proteger los tesoros del genio humano, estableciendo que las instituciones educativas, artísticas, científicas y religiosas, así como los lugares de relevancia cultural, debían ser declarados inviolables, y respetados por todas las naciones, tanto en tiempos de guerra como en tiempos de paz. El 15 de abril de 1935, el Pacto Roerich para la protección de los tesoros culturales, fue firmado en la Casa Blanca de Estados Unidos, por representantes de 21 gobiernos de toda América. Su antecedente había sido en 1929, cuando el Pacto de Paz Roerich propuso una Bandera de Paz como símbolo para la protección de todos los tesoros de la Cultura en la ciudad de Brujas (Bélgica).

La organización sentencia que la cultura es el único instrumento para lograr la paz mundial permanente y que por tanto debería ser considerada sagrada e inviolable para la mente y las manos humanas. “A la realización de esta benéfica meta debe abocarse la humanidad”. __BD

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Danza y Música en Belgrano A 20 años de su creación, la Comunidad Amijai del barrio porteño de Belgrano, anunció su temporada cultural 2013, con varios espectáculos de danza y música además de charlas y conferencias, abiertos a la comunidad Amijai es una Comunidad Masortí, igualitaria e inclusiva, que desde agosto de 2004 funciona en su actual sede, un lugar lleno de belleza, música, poesía, de Mitzvot y de espiritualidad.

Además de su actividad religiosa, se destaca por su amplia programación cultural dirigida por Eugenio Scavo, que engloba todas las ramas del arte, ofreciendo una variedad de géneros, a cargo de artistas de reconocida trayectoria y un cuidado repertorio. El beneficio obtenido con la organización de funciones permite a la institución continuar con sus proyectos de acción social y planes educativos, entre otros.

La temporada referida a su 20º aniversario, incluye casi cien propuestas musicales. En materia de danza, podrán verse, Mitos y Verdades del Baile de Tango una conferencia-espectáculo a cargo de Laura Falcoff, y los bailarines Camila Villamil y Julio Bassan (jueves 23 de mayo).

Travelling por la Compañía La Arena dirigida por Gerardo Hochman con coreografía de Lucas Condró (subirá a escena en Amijai el miércoles 19 de junio). En referencia a su obra, el autor señaló a Balletin Dance el año pasado: “es un diálogo entre los universos poéticos de la acrobacia y el video [...] un juego entre los movimientos del cuerpo en vivo y lo filmado”. Por último, Noche de Ronda de Oscar Araiz interpretado por el Grupo de Danza de la UNSAM (miércoles 23 de octubre). __BD 18 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

Travelling el próximo mes en Amijai Foto . gentileza de la producción

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Más Países para Balletin Dance

El mes pasado se realizó en Buenos Aires la segunda edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) a instancias de la Secretaría de Cultura de la Nación El megaevento que cubrió 80.000 metros cuadrados de Tecnopolis, se inauguró el 11 de abril en el espacio Nave de la Ciencia ante la presencia de los ministros y secretarios de los ocho organismos nacionales vinculados directamente con la organización (ver BALLETIN DANCE Nº 219). En la ceremonia de apertura disertaron Carlos Tomada (Trabajo), Jorge Coscia (Cultura), Rodolfo Hamawi (Industrias Culturales) y Amado Boudu (vicepresidente de la Nación), mientras que el Combinado Argentino de Danza a cargo de Andrea Servera, realizó una performance creada ad hoc que reflejó la variedad cultural de la Argentina y dio el puntapié para que los políticos se refirieran desde variadas perspectivas al mundo de la danza y la coreografía. Para finalizar el acto y antes de que comenzaran las charlas, talleres, conferencias y rondas de negocio Alfredo Piro ofreció su particular concepción tanguera.

La danza también estuvo presente a través de una plataforma, que sirvió para que programadores extranjeros de festivales pudiesen ver en vivo diferentes propuestas coreográficas de danza contemporánea, bajo la organización del Fondo Nacional de las 20 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

Artes. Una lástima que no se hayan incluido en esta convocatoria, espectáculos de nuestras danzas folklóricas ni de tango, considerando que muchos elencos de todo el país cuentan con una calidad propicia para el mercado internacional sin contar con los medios que les permitan ingresar al circuito externo. Justamente los medios que ofrecía Mica para entablar contactos.

BALLETIN DANCE EDICIONES fue seleccionada para participar de las rondas de negocios en el campo editorial, cantidades de encuentros fueron organizados con prestancia entre “compradores” invitados y “vendedores” de todas las provincias argentinas. El megaevento destinado a colaborar con los encuentros que posibiliten difundir y exponer la cultura argentina resultó sumamente positivo para esta empresa. Allí nació el inicio de colaboraciones con otros países e incluso se afianzaron lazos con actores vinculados del sector en el resto de la Argentina.

Así, a partir de este mes, los libros editados por BALLETIN DANCE pueden encontrarse en Uruguay y en Puerto Rico, países que se suman a Paraguay, Chile y España.

Por otro lado, y en ocasión de celebrarse el cumpleaños Nº 19 de esta revista, Radio Nacional que se encontraba transmitiendo en vivo desde el Mica, entrevistó a su directora en una agradable conversación coordinada por Patricia Brañeiro. __BD

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Alfredo Gurquel, Juana Lederer Walkiria Appelhans, Geraldine de Crescenzo Sonia Nocera, Gabriela Nuñez Mariángeles Alé, Lorena Batista, Alberto Retamar Florencia Calvino, María Victoria Velasco

Alfredo Gurquel, Juana Lederer, Celia Montini, Carol del Castillo

BARRA A TERRE Clara Ramírez

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Manuel Vallejos (Profesor titular del IUNA) Carol del Castillo, Silvia Briem Stamm Carolina Muiña

Principiantes e intermedios: Rodolfo Romero

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Geraldine de Crescenzo, Romina Mancini Gabriel Contreras, Fernanda Mascaró Florencia Calvino TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

NIÑOS · INICIACION A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

TANGO

Gastón Olguin, Marcelo Odera y Carol del Castillo

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Seminarios intensivos en todo el país MAYO 2013 // BALLETIN DANCE / 21

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Un Argentino de/en Santa Fe Por Román Ghilotti Entre el 18 y 20 de abril se llevó a cabo el 9no. Argentino de Danza, festival organizado por la Universidad Nacional del Litoral (UNL) y auspiciado por el Gobierno de la Ciudad de Santa Fe EL FESTIVAL En el Foro Cultural Universitario (UNL) y el Teatro Municipal 1° de Mayo, y al igual que en las ocho oportunidades anteriores, el festival constó de una serie de trabajos coreográficos de distintas orientaciones estéticas, aunque fundamentalmente enrolados en las nuevas tendencias de la danza. Es de lamentar que, pese a la buena y pareja calidad de la mayoría de las propuestas, sin embargo el evento se limitó sólo a muestras. Faltaron otras actividades, como charlas, seminarios, mesas de debate o de teoría, cosa que sí ocurría en anteriores encuentros. De todos modos resultó interesante la selección, a cargo de Juan Berrón, como también la publicación de un dossier, Apuntes de danza/#2 2013 (idea, entrevistas y edición de Mili López), con aproximaciones teóricas a la danza, fotografías y reportajes a algunos de los creadores participantes del evento. Más allá de ciertos notorios recortes presupuestarios, que posiblemente tornaron más compleja la convocatoria, la excelente disposición de los organizadores creó la pujanza para llevar adelante los tres días del encuentro (además de los citados Berrón y López, la amable y feliz gentileza y el buen trato de Fernanda Aguirre y Analía Batistela, con la responsabilidad de la producción).

vitados: La Gravedad de la Cosa de Edgardo Mercado, Azulnoche de Gustavo Lesgart y Oceánica de Ana Garat.

Las otras cuatro: Mi Cielo (Que ni es Cielo ni es Azul) de Ana Varela (Rosario), Primer Segundo creación colectiva con dirección de Silvina Koss (Tucumán), Tushh Santa Fe del Combinado Argentino de Danza con dirección de Andrea Servera (ver entrevista en esta edición) y Cuerpo Extranjero (ver recuadro).

Con La Gravedad de la Cosa, producción de 2012 de la Compañía de Danza de la UNL, se jugó conceptual y visualmente con aproximaciones libres a caracterizaciones de la gravedad remitidas a tres ilustres físicos: Isaac Newton, Albert Einstein y Stephen Hawking. La coreografía firmada por Mercado, en colaboración con los intérpretes (Mauro Cappadoro, César Carosela, Sergio Coronel y Mariano Dufour) y la asistente (Claudia Correa), presentó tres momentos. De inicio, una especie de conferencia de los intérpretes, quienes, por unos veinte minutos, informaron sobre aspectos de la física y detalles circunstanciales de los físicos teóricos citados. Desde la “fuerza” a los “agujeros negros”, pasando por la “luz” y la “teoría unificada”, se tocaron, para entrar en clima, varios conceptos teóricos y algo así como chismes o anécdotas. Luego, lo visual: oscuridad interrumpida por tenues destellos o haces de luz, zonas pequeñas iluminadas, efectos lumínicos de breves duraciones pero por un largo período (algo más de diez minutos). Y para cierre, lentas secuencias, muchas en canon, de los cuatro bailarines “contra” o “a favor” de la gravedad hasta perderse en “agujeros negros” de desecho (bolsas

LAS OBRAS Siete propuestas, de las que tres fueron creaciones para la Compañía de Danza UNL bajo responsabilidad de tres coreógrafos in-

Azulnoche de Gustavo Lesgart La Gravedad de la Cosa de Edgardo Mercado Fotos . María Magdalena Busaniche 22 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

Mi Cielo, de Ana Varela

Primer Segundo dirigida por Silvina Koss

de residuo enormes). Todo esto sobre una plataforma que, promediando esta parte, comenzó a girar remedando movimientos siderales. En síntesis: un juego, básicamente visual, en pos de una poética gravitacional.

Lesgart apeló a una cita de Tomás Eloy Martínez como ángulo desde el que concebir o pensar su Azulnoche. De Martínez transcribió, en el programa de mano: “Con las mujeres siempre es así… No pierden nada de lo que han vivido. Llevan de un lugar a otro todo lo que les sucede y, cuando acumulan demasiado, lo que les sobra sale a la luz sin que ellas puedan evitarlo. A veces es un vestido o un perfume, otras es una herida…”. Este universo de posible alegría o desgarro, de memoria y emoción, se transmutó en una construcción entre severa, fría y abstracta, en la que seis mujeres (Soledad Caamaño, Virginia Dida, Guadalupe Ferrero, Gabriela Lavagnino, Victoria Roldán y Cecilia Romero Kucharuk) transitaron, sin solución de continuidad, formas y secuencias corporales, recurriendo al canon las más de las veces, sobre una espacialidad básicamente circular, yendo de piso a lo alto, agrupándose y separándose, repitiéndose como variaciones de una misma mujer.

Nuevamente con seis intérpretes (Mariel Barcos, Mauro Cappadoro, María Laura Citta, Pamela Rojas, Florencia Stechina y Varinia Zelko), y también con recurrencias al canon, en Oceánica Garat estructuró un largo tejido kinético en el que los cuerpos, reuniéndose, solapándose, aislándose y volviendo a juntarse remedaban tensiones de masas atraídas desde lo alto y que volvían a un reposo más bajo. La intención de bailar con la metáfora de licuefacción de los movimientos de los cuerpos como un único objeto cambiante, como marea, fue resuelta por la coreógrafa poniendo en escena movimientos, secuencias, dinámicas y formas enmarcadas en sutiles crescendo y decrescendo de tensiones y configuraciones de grupo.

En otra cuerda, el trabajo de los rosarinos, Mi Cielo (Que ni es Cielo ni es Azul), intentó dar una muestra del riesgo del bailarín con su interpretación, de la cual se enamora porque lo ubica en un estado “celeste”. Así: un “cielo” sería bailar pero, como dice Bartolomé o Lupercio de Argensola “Porque ese cielo azul que todos vemos, / ni es cielo ni es azul…”, esto es: no existe esa idealidad perfecta, sólo ilusión. Y en Mi Cielo…, Varela eligió bucear, con base en improvisaciones, en ese límite que hay entre el hacer del bailarín, con su efectividad y poética corporales, y la posibilidad de alcanzar lo sublime, que no sería otra cosa que la plenitud del baile. Este desgajamiento quedó manifiesto en los intentos de acción estilizada, de descripción e instrucción verbalizadas de formas y secuencias, de conformación y disolución de una danza que se mantuvo, siempre eficiente, al borde de desaparecer. Uno a otro, a veces juntos, las más en solitario, se sucedieron los intérpretes (María Lorena Concari, Ulises Fernández, Verónica Mensegues, Paula Valdés Cozzi y Soledad Verdun, acompañados por el músico Alexis Perepelycia) en pos de alcanzar el imposible cielo.

Tushh Santa Fe de Andrea Servera MAYO 2013 // BALLETIN DANCE / 23

Primer Segundo, con elementos folklóricos estilizados, músicos en escena y una dramaturgia trivial y directa, ancló en una anécdota de pueblo, con bebidas, borrachos, engaños y celos, rasgos de un drama de pasiones en el que el movimiento surgía como arranques repentinos, improvisados. Los intérpretes y creadores (Hernán Juárez, Silvina Koss, Roberto López, Valeria Mendoza, Carolina Sánchez y Javier Seco) manejaron con soltura la voz, sonoridades musicales e instrumentales, además de recorrer tramos de actuación y baile.

Yo Soy el Otro Cuando Arthur Rimbaud escribió “Yo soy el otro” abrió el horizonte de perspectivas a un infinito: todo semejante, cualquier semejante. Una ética y una estética del diálogo quedó inaugurada, enlace y vínculo con el otro, con ese cuerpo siempre extranjero, igual que es extranjero el propio cuerpo para todo otro (y también para sí).

Dentro del marco del 9no. Argentino de Danza, la Compañía Móvil ofreció su Cuerpo Extranjero, idea y creación de Inés Armas, Daniela Fiorentino (intérpretes) y Fagner Pavan (dirección), con coreografía de Armas y Gabriel Francisco Hernández.

La simpleza, en múltiples vertientes, transformando lo sencillo en complejo, aunque en modo alguno complicado, fue el eje de construcción para una comunicación directa valiéndose de la danza, el teatro de títeres, la imagen y el sonido.

Lo comunicado: el asunto del cuerpo, eso de entrar y salir de acción, de darse o recibir al otro, de agredir o padecer, de gozar o alelarse.

Armas, bailando, fue títere de Fiorentino. Inerte, dejada a su inercia, rígida, floja, rebelde o sumisa, pasó por innumerables estados corporales y temples anímicos. Fiorentino insistía en el manejo del cuerpo de la otra, proyección de sus decisiones, deseos y caprichos, y hasta tal vez frustraciones. Desarmarla de humana para volverla a armar como humana, llevarla a tránsitos y obediencias, con mucho más rigor que lo que luego hiciera la titiritera con el muñeco, el otro protagonista, en principio el más extranjero de los cuerpos en escena para terminar siendo el protagonista fuerte.

Inés Armas, Cuerpo Extranjero Foto . María Magdalena Busaniche

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Tushh Santa Fe, la versión en esta ciudad del trabajo que hace el Combinado Argentino de Danza (CAD), dirigidos por Servera, reunió a los CAD con una veintena de bailarines locales. La idea se centra, para Tushh, en acoplar la propuesta que trae CAD (hip-hop- contemporáneo, folklore) con aquello que aporta el “combinado” de la localidad del caso. El tono festivo es lo que se busca y, en esta oportunidad, se logró. Humor, juego, destrezas, variaciones de géneros y estilos, con la infaltable invitación al público a sumarse a la danza en el final.

A estas obras hay que agregar Cuerpo Extranjero (ver recuadro), lejos lo más contundente del festival. __BD

Los distintos segmentos del trabajo permitieron la inocencia alegre de observar a uno de los más elementales títeres posibles, el muñeco de trapo, sin rostro ni vestuario, que llegó a ser representación de monstruosidades violentas y hasta de auto aniquilación, como también fue trabajado por tramos en presentaciones de ternura infantil y amatoria.

Por su parte, Armas, recorrió zonas análogas o adyacentes. Su impecable trabajo, con dominio técnico preciso y potente y con un grado de expresividad y plasticidad exquisito para denotar cauces emotivos en un inmenso arco, reafirmaron la notable capacidad de la bailarina como intérprete-creadora.

En Cuerpo Extranjero se asistió al encuentro, cuerpo a cuerpo, de alguien (que, por extensión, es metáfora de cualquiera) con alguien (también, extensiva y metafóricamente, cualquiera, pero incluso uno mismo), sin dejar de lado todo lo ríspido y arduo, lo feliz y simple que pueda ser.

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Remozada versión de Romeo y Julieta

Verona en el Jardín

Romeo y Julieta, en una novedosa versión de Patricia Sabbag, se repone este mes en el Teatro San Martín de Tucumán La recreación del drama de Shakespeare a cargo del Ballet Contemporáneo de Tucumán dirigido por Patricia Sabbag, cuenta con música de Héctor Berlioz y se estrenó a fines del año pasado, con diseño de vestuario de Claudia Flores y escenografía de Daniel Jiménez Alcorta.

La propuesta de la compañía, para este año 2013, es reponer este Romeo y Julieta en diferentes locaciones provinciales y nacionales “para convertirlo en un proyecto federal” según expresó la oficina de prensa del Ente Cultural Tucumán.

Las próximas puestas del espectáculo serán los días 24, 25 y 26 de mayo, en el Teatro San Martín de Tucumán, primer coliseo provincial, lo que marcará una experiencia casi inédita, ya que su escenario habitualmente está reservado para ballet y conciertos de repertorios clásicos. __BD

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El Tap de Fiesta “No hay gente a la que le digas que bailás tap y que no te mire con ternura” comenta Robaglio

Por Cecilia Werle Pinto

El 25 de mayo se celebra el Día Internacional del Tap y en la Argentina sus principales exponentes se preparan para festejarlo del mejor modo: bailando El tap es una de las pocas danzas que se pueden disfrutar hasta con los ojos cerrados, y es esa característica tan especial de generar música y baile al mismo tiempo, lo que la hace tan atractiva como forma de expresión.

La fecha para el festejo se estableció en 1989 en homenaje al gran bailarín de tap Bill “Bojangles” Robinson, quien nació el 25 de mayo de 1878 en Richmond, Estados Unidos. Robinson comenzó su carrera bailando en la calle desde muy pequeño y llegó a conquistar al público de Hollywood y Broadway. Muchos bailarines de tap fueron influenciados por sus célebres películas junto a Shirley Temple.

En la actualidad hay quienes descubren el tap atraídos por el sonido que emana de un salón de clases. Lo que quizás no todos conozcan es el componente de rebelión que tiene en sus orígenes. El tap nace de la fusión de ritmos africanos e irlandeses, producto de la convivencia de los esclavos que trabajaban en Estados Unidos desde el siglo XVII. Cuando las Leyes de Esclavos les prohibieron el uso de tambores y otros instrumentos como

PARA PARTICIPAR DE LOS FESTEJOS En Comodoro Rivadavia: www.tapdanceargentina.com.ar En Buenos Aires: bojanglestapparty@gmail.com 26 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

forma de comunicación, desarrollaron con las manos y los pies nuevos modos de percusión.

Es esa característica de rebelión y lucha, el principal rasgo del tap que sigue vigente hoy en día. Se observa especialmente en las nuevas generaciones, que ponen todas sus energías al zapateo para mantenerlo vivo.

“BOJANGLES TAP PARTY” EN BUENOS AIRES Para festejar el Día del Tap, el bailarín y coreógrafo Leo Robaglio está preparando un megaevento, que se desarrollará los días 25 y 26 de mayo. “La idea es que sea una fiesta, pero que a su vez los chicos se puedan instruir” comenta Robaglio. Por eso el sábado 25 comenzará con una serie de seminarios no solamente de tap, sino también de expresión corporal, house e improvisación, entre otros. “Estarán participando -continúa- grandes maestros como Bebe Labougle, Mónica Povoli, Jimena Olivari; también van a estar las chicas de Chakatá, Compañía Argentina de Tap. Me pareció muy indicado invitarlas, siendo que son las precursoras del lado under del tap. Son las creadoras de las Tap Sessions, un espacio para la improvisación de músicos y bailarines”.

“Luego de los seminarios -explica Robaglio- se va a realizar una suerte de ‘batalla’, que decidimos nombrar ‘cruzada’ de taperos, donde todos muestren lo que hacen, lo propio. Ese espacio va a ser totalmente nuevo en Argentina, y los semifinalistas van a participar del evento del día siguiente, que será en el Teatro IFT”.

Con el entusiasmo que lo caracteriza, Leo Robaglio relata su encuentro con el coreógrafo norteamericano Jason Samuel Smith, en su visita a la Argentina el año pasado. “Tuve el honor de que venga a mi casa y conversando me dijo: ‘La única forma de evo-

lución que tiene el tap es improvisando’. Esa idea me quedó sonando; por eso mi intención es darles el espacio a todos los alumnos, al que recién empieza, al intermedio y al profesional, para que todos en el Día del Tap festejemos bailando”.

PIONEROS EN LA ARGENTINA En nuestro país el tap no sería lo mismo sin Liber Scal y Alicia Batana. No sólo formaron a los maestros de hoy, también desarrollaron un método de enseñanza que destaca la estética y la limpieza del sonido. Como representantes locales de la Asociación Internacional de Zapateo (ITA) colaboran en la promoción de esta danza y es gracias a Liber Scal que Argentina se incorporó a la celebración del Día del Tap. Desde hace más de una década se encuentran radicados en Comodoro Rivadavia, provincia de Chubut. En el mes de junio realizarán un importante evento para festejar el Día Internacional del Zapateo, el cual incluirá un seminario abierto, libre y gratuito, para zapateadores de toda índole y amantes del tap; una muestra con sus alumnos en la cual invitarán a interactuar con instrumentos de percusión; y una presentación gráfica histórica del zapateo americano, con fotos, programas de películas, eventos nacionales e internacionales, etc.

“En Argentina -opina Alicia Batana- hay mucho interés por esta forma de arte, pero aún falta profundizar. De todos modos en la Ciudad de Buenos Aires aumenta el número de seminarios ofrecidos y de espectáculos, incluyendo los encuentros de improvisación. Como el maestro Liber Scal pidió hace muchos años, sería importante que los productores de musicales incluyeran más zapateo americano en sus obras”.

En la Escuela de Arte de Comodoro Rivadavia, Liber Scal y Alicia Batana continúan transmitiendo su pasión por el zapateo. En el último tiempo han abierto la enseñanza del tap a adultos no videntes y actualmente están iniciando el mismo trabajo con niños.

Grupo DesTAPados Fotos . Anita Da Silva

“Sentimos un profundo respeto hacia toda forma de zapateo americano -expresa Batana. E invitamos a todos los zapateadores del país a que se comuniquen con nosotros, para contarnos qué están realizando, tanto en la docencia como en sus espectáculos y así poder difundir, a través de la Asociación Internacional de Zapateo, el crecimiento del tap en Argentina”.

NUEVO IMPULSO Este año el tap vuelve a la calle Corrientes con el estreno de Todo Vale, la versión local del aclamado musical Anything Goes.

Mientras tanto en primicia exclusiva para Balletin Dance, Rosario Ruete adelantó que la Compañía Chakatá está preparando su primer espectáculo, para la segunda mitad del año. Y DesTAPados, el grupo que dirige Robaglio, estará de gira por el interior del país, al tiempo que preparan un nuevo show para las vacaciones de invierno.

Mucha energía y talento reunidos para que Argentina siga bailando al ritmo del tap. __BD

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-teatro, danza, música Alfonsina y los hombres Dramaturgia y Dirección: Mariano Moro. Con Victoria Moréteau. Martes 21 hs. El Extranjero Teatro (Valentín Gómez 3378, Tel: 4862-7400).

Foto: One Boutique Studio

-ballet infantil Cascanueces y Las Princesas Encantadas

-contemporáneo Ensayo sobre el final del invierno

Ballet Metropolitano de Buenos Aires.

Dirección: Leonardo Reale. Sábados 15 hs (hasta el 22 de junio). Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 48643200).

Compañía Nacional de Danza Contemporánea. Coreografía: Emanuel Ludueña. Miércoles y jueves de mayo y junio, 21 hs. Centro Nacional de la Música y la Danza (México 564, Tel: 4300-7384).

Apta para mayores de 18 años. Entrada gratuita.

-teatro físico, danza, música Futuro De Mayra Bonard. Intérpretes: Emanuel Zaldua, Rocío Mercado y Damián Malvacio. Viernes 22 hs (hasta el 17).

Espacio teatral El Kafka (Lambaré 866, Tel: 4862 5439).

-tango Colección Tango -flamenco Almagro Flamenco

Ciclo de danza 2013. Coreografía y dirección: Leonardo Cuello. Jueves 20 hs.

Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

De Clara Giannoni. Sábados de mayo y junio, 21 hs. Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 4862-1758).

-contemporáneo ¿Dónde Mejor que en casa?

Idea, coreografía y dirección: Vivian Luz. Dramaturgia: Laura Ferrari. Sábados 19 hs. Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

-comedia Anoche

-contemporáneo Brumas Infinitas Compañía Novus Corpus. Dirección: Jack Syzard. Jueves 20:30 hs. Teatro Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 48621758).

-comedia Canario Campeón Direccion y texto: Fabricio Rotella. Coreografías: Ignacio Gonzales Cano. Sábados 20:45 hs. Sala Escalada (Remedios Escalada de San Martin 332, Tel: 4856-0277 ).

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Cartelera

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Dramaturgia y Dirección: Paula Manzone. Entrenamiento Corporal: Natalia López. Sábados 23 hs. Club de Teatro Defensores de Bravard (Bravard 1178).

-celtas Gran Festival Celta Exposición, duelos medievales, shows de música y danza: Higland Thistle. Sábado 18, desde las 19:30 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto y Cabildo, Tel: 4783-1783).

-contemporáneo Inmovil Idea y dirección: Emanuel Ludueña.

Jueves 21 hs. Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 49545521).

Foto: Martin Wullich

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Santiago Ayala en Todo el País Por Juan Cruz Guillén En el marco del ciclo de presentaciones del libro editado por Balletin Dance Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, se realizó una nueva experiencia el mes pasado en Colonia Caroya En la Casa de la Historia y la Cultura de Colonia Caroya de la provincia de Córdoba, el lunes 8 de abril se presentó el primer volumen de la colección Los Irrepetibles de Balletin Dance: Antes y Después Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola escrito por Juan Cruz Guillén, este cronista, ante una audiencia integrada por una amplia variedad generacional.

Entre ellos, hubo gente que conocía a los homenajeados, e incluso que los habían visto bailar todas las veces que se presentaron en el Festival de Doma y Folklore de Jesús María (localidad pegada a Colonia Caroya), mientras que también se acercaron

algunos jóvenes que no tuvieron la oportunidad de asistir a los espectáculos de los geniales maestros.

Como es habitual en estas presentaciones realizadas por todo el país, se proyectó el documental sobre sus vidas y se acompañó con una muestra fotográfica de lujo, con entrevistas e imágenes inéditas de la pareja. La organización -de excelente factura- estuvo a cargo de la Directora de la Casa, Ely Martín con la colaboración permanente de Daniel Roggio.

Además, del 8 al 10 de abril, en la misma locación, quien escribe ofreció el taller de danzas folklóricas Todos Sabemos Bailar.

Se trató de la primera actividad ofrecida por la Casa de Historia inaugurada el 15 de marzo de este año y contó con una concurrencia masiva. Al finalizar, se entregaron certificados a todos los asistentes y se organizó una peña libre, regada por el famoso vino patero y los irresistibles salames de la Colonia. __BD

Multitudinaria convocatoria del taller Todos Sabemos Bailar Foto . gentileza Daniel Roggio

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Por Carlos Bevilacqua

Con Piazzolla Como Musa

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El Expresarte Ballet y el Quinteto Astormentados se asociaron para crear Astormentados, un espectáculo que en abril inauguró su segunda temporada ¿Cuántas veces el azar influye en nuestras vidas? Trabajos, amores, vocaciones, gustos. Todo está sujeto a las coincidencias en el espacio-tiempo. Un claro ejemplo es el espectáculo conjunto del Quinteto Astormentados y el Ballet Expresarte que acaba de inaugurar su segunda temporada en el Teatro Empire de Buenos Aires. Wálter Centurión, coordinador general de la compañía de danza, escuchaba desde su lugar de trabajo una música que lo conmovía, sin saber de dónde venía. Un día se encontró en la calle con Adolfo Trepiana, el bandoneonista que como líder del quinteto era el responsable de esos sonidos. De ahí en más, la idea de hacer algo juntos surgió naturalmente y pronto aunaron esfuerzos.

El resultado de la asociación fue Pensando en Ástor, un trabajo de música en vivo y danza basado en obras de

Piazzolla que, que tras su estreno a mediados de 2012, inició el 14 de abril su segunda temporada con la particularidad de que se reeditará una vez por mes hasta agosto. La del repertorio musical fue una elección cantada: el quinteto se dedica a interpretar el repertorio piazzolliano (tal como sugieren desde el nombre) y eran de Ástor aquellas melodías que subyugaron a Wálter mientras cumplía con su rutina. “Es un homenaje tanto a su obra como a su personalidad. Es más: en ciertos pasajes, que son solos de la orquesta, el homenaje es explícito, porque proyectamos fotos de él sobre el fondo del escenario”, cuenta Centurión. En otros pasajes, se escucha la voz del homenajeado fijando postura respecto a la evolución que debe seguir cualquier género musical, por tradicional que sea.

Pero el espectáculo es sobre todo una generosa ración de música y baile. Durante casi 90 minutos, y sin interrupciones, la primera es aportada en su gran mayoría en vivo por Astormentados, un solvente grupo integrado por Juan Esteguy (piano), Emilio Longo (contrabajo), Nicolás Garay (guitarra), Javier Kase (violín) y Adolfo Trepiana (bandoneón). Ellos generan una banda sonora compuesta por logradas versiones de Revirado, Verano Porteño, Milonga del Ángel o Michelángelo 70 y Adiós Nonino, entre otras piezas del genial bandoneonista marplatense.

Ubicados sobre el fondo del escenario, ceden buena parte de la atención del espectador cada vez que alguno de los doce bailarines aparece para decir lo suyo con el cuerpo. La estructura de los cuadros coreográficos está formada por una mayoría de solos de parejas y algunos grupales. Virtudes y defectos se reparten de manera equitativa en casi todos los segmentos. Por un lado, es evidente el grado de elaboración de la puesta, con gran cantidad de coreografías y de diversa índole, creadas por Sebastián Huici, Jorgelina En los cuadros grupales predomina el lenguaje tanguero Fotos . Guillermo Dorfman

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El Quinteto Astormentados aporta la música en vivo

Platania, Juan Manuel Genés y Mariana Gallo, a su vez directora del espectáculo. Por otro, la ejecución mostró -al menos la noche del 14 de abril- algunas falencias técnicas significativas, de esas que opacan el todo, particularmente en las transiciones de una secuencia a otra. Más que un problema de capacidades, parece haber un problema de pretensiones, acaso excesivas. El propio Centurión admite cierta falta de acabado cuando dice: “Hace casi dos años que estamos elaborando este producto. Sentimos que está casi terminado, pero también es verdad que nos faltan cerrar algunas cosas”.

La riqueza del material expuesto también es de lenguajes: con base en el tango, se pueden ver recursos del clásico, del neoclásico y del contemporáneo, por momentos en interacción con los músicos, que en algunos pasajes abandonan el fondo para ocupar, de a uno, la zona media del escenario. “Hacer Piazzolla nos libera de tener que hacer sólo tango porque su música está como abierta a cualquier lenguaje. Lo cual nos viene bien porque dentro de la compañía tenemos muy pocos bailarines específicamente de tango. Somos más del clásico, del neoclásico, otros chicos vienen del folklore, hay quienes están terminando el tercer año del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín...”, había contado Wálter, unos días antes de la función.

Casi como un asunto aparte, el espectáculo incluye la participación de bailarines invitados. La noche del reestreno fueron

Maximiliano Copello y Nadia Johnson, quienes brillaron por su musicalidad y estilo al moverse al compás de Quejas de Bandondeón. “Para junio, julio y agosto, posiblemente tengamos a una gran bailarina clásica llamada Silvina Vaccarelli, solista del Teatro Colón”, adelanta Centurión.

El Expresarte Ballet nació en 2008, por iniciativa de Centurión, como punto de apoyo para los bailarines del interior que se radican en Buenos Aires. Uno de sus objetivos explícitos es dar oportunidades de actuación en público a los miembros del elenco. Así lo justifica el líder de la compañía: “En Buenos Aires hay muchos bailarines y pocas oportunidades de estar sobre un escenario.

Más con la situación actual de los ballets oficiales, que tienen pocas funciones. Pienso que parte importante de la formación se da sobre el escenario. Yo tuve la suerte de que me ayudaran mucho mientras me estaba formando y siento que tengo que retribuir eso, coordinando las acciones necesarias para que los chicos que se están formando tengan rodaje sobre el escenario”.

Hoy, quienes gozan de ese privilegio en el show reseñado son Anabella Chinellato, Christian Herrera, Evelyn Bareille Hösel, Ariel Almirón, Aldana Jiménez, Jennifer Cerrotta, Gabriel Piñeiro, Candela Liss, Juan Manuel Genés, Sabrina Ramos Carrasco, Pablo Flores y el propio Centurión, bailarín de origen formoseño que se formó entre otros con Sara Rzeszotko, Héctor Barriles, Katy Gallo, Raúl Candal y Manuel Vallejos. Sobre las tablas, acredita experiencias en Asunción del Paraguay y Corrientes.

La idea de abrir el juego se extiende al reparto de los segmentos solistas. “En el show hay varias disciplinas también para que todos tengan protagonismo. Armamos muchos dúos. Prácticamente todos tienen su dúo, como para que todos pasen por la experiencia de la exposición en soledad”, explica el ideólogo de Expresarte.

Pensando en Ástor se volverá a ofrecer los domingos 19 de mayo, 16 de junio, 14 de julio y 18 de agosto, siempre a las 20:30 hs, en el Teatro Empire de Buenos Aires. __BD

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¡Flamenco Para Todos!

Por Guillermo Chulak

El bailaor español Iván Carrillo Jiménez cuenta detalles de La Guapetona Peña Flamenca Itinerante El bailaor español Iván Carrillo Jiménez participó en varias compañías españolas en Argentina, hasta que hace dos años fundó La Guapetona Peña Flamenca Itinerante. Para celebrar su segundo cumpleaños, en abril realizaron el Encuentro Flamenco del Río de la Plata, donde se reunieron artistas del baile y la música de las dos orillas en las dos capitales, Buenos Aires y Montevideo.

La fiesta del flamenco se realiza dos o tres veces al mes en distintos sitios de Argentina y Uruguay, y con el tiempo se profundizó, sin perder su espíritu inicial, al punto que el último encuentro, fue un multitudinario evento desestructurado en el Palacio Gurruchaga del barrio de Palermo en Buenos Aires, un espacio creativo ideal para producir obras de arte, cargado de imágenes, música y diseño, al que asistieron 300 personas.

Si bien el arranque de la experiencia, “fue muy bien por ser la primera en Buenos Aires, después fuimos cayendo en convocatoria”, explicó Carrillo Jiménez a Balletin Dance. Por eso agregaron a un presentador (Bronis Scavia) encargado de permanecer con el público toda la noche, divirtiéndolos y haciéndolos reir, y pintura en vivo, a cargo de un artista sevillano “que dibuja un

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cuadro relacionado con el flamenco, mientras estamos bailando y tocando, que al final del evento se sortea entre el público. También, hay comidas típicas y una clase inicial de rumba”.

La finalidad de la peña “es que haya un ambiente festivo y musical”, relata el organizador. “Al final del espectáculo armamos un fin de fiesta, donde invitamos a todo el mundo a subir al tablao.

Que no sea solamente cuando te guiñen el ojo o te hagan un cabezazo, como se dice acá, sino que ya antes de empezar estemos todos juntos ahí en el escenario. El que quiera hacer palmas, que las haga, el que quiera bailar, pues, adelante, el que quiera tocar, lo mismo, lo importante es que estemos todos ahí juntos, participando de la fiesta”.

Con ese cuidado artesanal por preservar lo genuino, Carrillo Jiménez elabora su espectáculo para generar una velada distinta, que intuyó como posible contraoferta a las reglas habituales del género. “Me interesa que la gente entre y sienta que va a pasar una noche diferente, temática, donde se recrea el flamenco que no sea como en otros sitios donde compras una entrada, te sientas, tomas tu vino, ves el show y te vas”.

Por otro lado, Carrillo Jiménez analizó en referencia a las peñas flamencas propias de España, que “era una movida que no estaba en Argentina, aunque sí en el folklore de ustedes. Aquí el flamenco está más en la elite, pareciera que solo está hecho para gente que tiene plata. A mí me gusta el flamenco popular, cuando subo

Iván Carrillo Jiménez, espíritu flamenco

el evento al Facebook, siempre pongo “¡La Guapetona, flamenco para todos!”. Quiero que llegue a todo el mundo y de todas las edades. En España, por ejemplo, hay flamenco para todos los sectores, desde lo más cheto, pero también lo más popular, que allá es lo más común, en realidad”.

DE RELIGIÓN FLAMENCA Nacido en Barcelona, y de padres andaluces, Iván Carrillo Jiménez realizó diferentes estudios con maestros y bailaores de la talla de La Tani, Manuel Núñez, Bartolo, Yolanda Cortés y “la China”, entre otros, complementándolos con danza contemporánea y clásico.

Antes de recalar por estos lares, en su España natal, se nutrió del espíritu errante de los gitanos con cierto apego a una tradición aventurera que transformó en un combo itinerante para recorrer el mundo mostrando cómo vivió el flamenco en su barrio, con todos sus quejidos y alegrías.

Hoy se dedica de lleno a la Guapetona, objeto central de esta entrevista.

Finalmente, observándolo en su baile, es difícil no pensar en Joaquín Grilo. “Admiro muchísimo a Grilo porque entiendo que su arte implica planificación y trabajo. Este es un extenso camino de errores y aciertos que van construyendo y configurando la expresión más cercana de lo que queremos decir y también de lo que somos al bailar”, explica Carrillo Jiménez. Esa labor proyectada, de búsqueda, pasos, descartes de figuras, conjunción y encuentro de la expresión, es la concepción que eligió para darle forma a La Guapetona. Allí traspuso sus límites para mostrar que sin aditamentos tecnológicos ni coreográficos, alejado de la idea del megaevento pop y refractario a cualquier tipo de fusión estilística, se puede lograr flamenco puro, o purista, si se quiere. __BD

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Desde 1983 El público observa el trabajo de diversos artistas Fotos . gentileza del artista

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De San Telmo al ‘off Broadway’ Por Daniel Sousa La adaptación estadounidense de Judy, la obra del argentino Alejandro Ullúa, se estrenó el mes pasado en Nueva York, en una única función para invitados especiales. Este mes viaja a Dublin y en junio regresa a la Gran Manzana. La coreografía es de Gustavo Wons

Ullúa, autor y director, ante el proyecto más importante de su carrera Fotos . gentileza de la producción

El sexteto de cantantes-bailarines estadounidenses, en uno de los ensayos Foto Judy-Ullúa 36 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

En un hecho que no reconoce antecedentes, una obra musical de autor nacional acaba de ser adaptada y representada en Broadway en calidad de preestreno, teniendo previsto su debut oficial para el mes próximo. Se trata de Judy, escrita y dirigida por el santiagueño Alejandro Ullúa, quien la imaginó como un tributo personal a la figura de la recordada actriz de El Mago de Oz, y a través de ella, también a su padre, que tanto la admiraba.

Aquí, la obra se vio en dos temporadas en las salas Moliere y Maipo Kabaret, donde el año pasado la descubrió el que ahora es su impulsor en Estados Unidos y el mundo, Juan Chemes, también argentino, con muchos años de residencia en el país del Norte.

Del equipo original, sólo participaron en esta adaptación el autor y director, Ullúa, y el coreógrafo, Gustavo Wons. Los seis roles masculinos (que en Buenos Aires fueron cubiertos por Juan José Marco, Eliseo Barrionuevo, Pedro Frías, Adrián Scaramella, Sebastián De Lelis y Marcos Rauch) en el traspaso al off Broadway recayeron -audición mediante- en un elenco enteramente local.

Existen escasos precedentes de obras argentinas que hayan llegado a ocupar una marquesina en la meca del teatro musical. Vale mencionar las temporadas de Tango Argentino (del tándem Segovia-Orezzoli) en 1985 y 2000, y Tanguera (de Mora Godoy-Omar Pacheco), en 2009. Pero en esos casos no se trató de adaptaciones sino de propuestas originales llegadas especialmente desde Buenos Aires. De modo que la cruzada que emprendió Chemes ahora posee características únicas.

El argumento de Judy. A Tribute fue adaptado para un público ya familiarizado con la historia personal y artística de Judy Garland (aquí era más ‘didáctico’ en algunos aspectos). El eje se corrió, pues, hacia la relación del autor con su padre, teniendo como marco escenas de películas y canciones popularizadas por la gran actriz y cantante. Adam Wier como traductor y Chemes como dramaturgo asumieron la responsabilidad de amoldar la pieza al gusto local.

El 20 de abril, después de dos intensísimos meses de ensayos, la obra se mostró por primera vez en el Jan Hus Theater, la histórica sala del off Broadway donde Barbra Streisand hizo su debut en la Gran Manzana en 1968. El elenco de esta versión está compuesto por Tony Ponella, Nick DeVito, Corey Thompson, Malcom Armwood, Chris Poeshl y Joshua Mc Kinney. El diseño de luces estuvo a cargo de Mike Herkiaoff y la dirección musical (que en la Argentina fue de Hernán Matorra) corrió por cuenta de Andy Collopi, también pianista en escena. El diseño de vestuario original pertenece a nuestra compatriota Mini Zuccheri.

Pero no sólo en Nueva York conocerán la obra de Ullúa. Judy. A Tribute cruzará el Atlántico para presentarse en Irlanda del 13 al 18 de este mes, luego de haber sido seleccionada para participar como representante de nuestro país (aunque con elenco

Rauch, Marco, Barrionuevo, Scaramella, Frías y De Lelis, el elenco que estrenó la obra en Buenos Aires Foto . Fuentes2Fernández

estadounidense) en el International Dublin Gay Theater Festival.

Silvia Aruj, una ex bailarina argentina radicada en Londres, coproductora junto con Chemes, oficiará de stage manager en esas funciones y se ocupará luego de vender el espectáculo en Europa.

SUEÑO CUMPLIDO El santafesino Chemes (oriundo de Santo Tomé), que el año pasado organizó la visita de la gran Susan Egan (La Bella y la Bestia) a Buenos Aires, aún no domina el entusiasmo que le provoca este sueño cumplido. Desde su casa en Nueva York conversó con Balletin Dance.

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“En tanto productor, he tenido que trabajar mucho más de lo que imaginaba. La cuestión de los derechos en Estados Unidos es algo impresionante ya que cada canción tiene quizás siete ‘dueños’. Conseguir cada canción de la obra ha sido como comprar una casa con siete dueños y lograr que todos se pongan de acuerdo”, comenta. “Por otra parte, acá casi no existe el modelo de gestión en cooperativa. Los bailarines, por ejemplo, están pagos desde el primer ensayo”.

¿Cómo financió la obra?

Armé una campaña en Kickstarter (un website que recibe donaciones para sostener proyectos creativos). En estas plataformas uno informa cuánto dinero necesita para determinado proyecto.

Nosotros pedimos 12.000 dólares para montar el show en Nueva York durante dos semanas. Las donaciones parten desde un dólar.

Entonces vas mostrando el material con que contás para que la gente se entusiasme. En este punto debo agradecerle enormemente al elenco original de Judy, que me permitió utilizar su imagen dado que era lo único que yo tenía para mostrar en el comienzo.

¿Cómo le llega la propuesta de Dublin?

John Pinckard, productor nominado al premio Tony el año pasado, me sugiere anotar la obra en el festival pero ya había pasado el deadline. Igualmente me tomaron la inscripción. Al poco tiempo se cayó una obra de la programación y nos llamaron. De modo que después de la premier estadounidense, a la que convocamos a toda la gente que aportó el dinero, estrenaremos en Dublin el 13 de mayo. Judy, es sabido, es un ícono enorme para la comunidad homosexual.

Otra vez en carrera Silvia Aruj se marchó de la Argentina en 1994 persiguiendo el sueño de trabajar en Broadway.

Aquí se había formado en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, y con Wasil Tupin y Mercedes Serrano. Integró el Modern Jazz Ballet de Noemí Coelho y Rodolfo Olguín, y -ya inclinada hacia el teatro musical- trabajó en las puestas locales de Jesucristo Superstar, Calle 42, Molly Brown (con Susana Giménez, de la que fue una de sus asistentes en televisión) y Cats.

Llegó a Nueva York sin una propuesta laboral concreta y a los tres días ya había sido aceptada en su primera audición. La obra era Evita, pero no en Broadway sino en el Downtown Cabaret Theater de Connecticut. La vida le dio revancha y finalmente llegó a la meca de los musicales con la producción de Cats, en la que trabajó más de tres años. También estuvo en Aída, la creación de Tim Rice y Elton John, donde permaneció hasta 2001, cuando quedó embarazada. Un año más tarde se instaló en Londres y ya no volvió a bailar.

“En marzo del año pasado fui a Buenos Aires a visitar a mi familia y de paso vi Judy, que había coreografiado mi gran amigo Gustavo Wons. La obra me encantó. Después Juan Chemes tuvo la

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La ex bailarina Silvia Aruj coproduce la obra junto con Juan Chemes Foto . gentileza de la producción

idea de llevarla a Nueva York y comenzó la campaña para recaudar fondos.

Me entusiasmó tanto la iniciativa que decidí producirla junto con él. Soy, además, la representante de la obra en Europa”, explica desde la capital británica.

¿Extrañás el escenario?

La verdad es que cuando uno es artista, nunca deja de serlo. Pero mi sueño de actuar profesionalmente ya lo he cumplido. Creo que hay un momento para todo en la vida, y así como antes me encantaba audicionar, ahora me sería muy duro competir con talentos mucho más jóvenes. Por eso, esta oportunidad es única para mí ya que permite volver a vincularme con el teatro.

¿Qué ocurrirá luego con la obra?

En junio, Nueva York celebra el Gay Pride. Se calcula que vendrán unas seis millones de personas a la ciudad desde todo el mundo. Tenemos a Judy, sus canciones, chicos bonitos cantando y bailando: creo que será un éxito. Haremos tres shows al día. Mi idea es que después giremos por el interior de Estados Unidos.

Chemes celebra la posibilidad de haber incluido a un artista negro en el elenco. “Es algo que Judy nunca pudo tener”, dice. “Ella vivió durante la segregación, en la época que refleja el musical Hairspray. Grabó canciones como Loving That Men y Old Man River, que fueron escritas para personajes negros, pero nunca pudo compartir un escenario con un negro.

Recuerdo a Liza (Minnelli, la hija de Judy) siempre muy abrazada a Sammy Davis Jr. Liza sabe que eso es algo que su madre nunca pudo hacer. Entonces esta obra encierra más de un tributo. Me produce una emoción enorme”. __BD

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El Líbano Baila Por Eliana Gissara, desde Beirut Enzzo Zagharid es bailarín y coreógrafo de Molayya Troupe, grupo referente del folklore libanés en el mundo.

En esta entrevista describe los orígenes del dabke, los aportes de cada región y la importancia colectiva de esta danza Se baila en bares. Se baila en la calle. El Líbano baila dabke. Una danza popular que nació desde una práctica necesaria para la supervivencia de la familia: la construcción del hogar. Que se desarrolló en cada pueblo y en los pies de todos. Y años más tarde se trasladó al escenario para mostrarse furiosamente prolija y vistosa.

Sin embargo, nunca abandonó su tradición “desacartonada” que se repite en cada encuentro entre amigos, celebración familiar o simplemente momentos de dispersión. Esta cronista presenció en Jeita, una localidad al norte de Beirut, la danza improvisada de unos estudiantes que, en plena visita escolar, encendieron la radio del bus y organizaron la típica ronda de dabke tomados

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de las manos. El dabke es eso. “En esta danza no es el cuerpo el que baila sino el espíritu”, dice Enzzo Zagharid, uno de los tres coreógrafos de la troupe Molayya.

Con 26 años de antigüedad, el grupo Molayya fue fundado por Ahmad Mokhallati y es actualmente el ballet oficial del gobierno de El Líbano. Luego de bailar junto a la gran cantante Fairuz, Mokhallati se dedicó a difundir este arte popular junto a sus dos hijos y a Enzzo. La troupe está conformada por 22 bailarines, entre hombres y mujeres, más una veintena de asistentes, coreógrafos, escenógrafos y músicos.

“Hacemos siete estilos de dabke: líneas, grupo, turco, forme, triángulo, shaabi y solo. Cada uno de los coreógrafos se espe-

cializa en al menos tres estilos, para hacer un mix y generar una nueva danza. Yo, como nací en el sur del país, soy especialista en turco, triángulo y líneas”, explica Enzzo, quien también es terapista físico y docente.

Los siete estilos son bailados por hombres y mujeres, aunque en algunas zonas del país lo hacen por separado. “Es muy común en las bodas que los invitados hagan dos rondas de dabke según el sexo, en lo que se llama las líneas de competición, porque las energías que manejan ambos sexos son muy distintas”, añade el coreógrafo, que presentará un espectáculo este mes en Alejandría, Egipto.

Promedian los quince minutos de charla, café turco de por medio, y Enzzo me invita a pararme, allí en el bar del hotel, para enseñarme los pasos básicos. Imaginamos un escenario y el público: “La cabeza fija, no pierdas la mirada al frente. El dabke antiguo se baila con el torso bien derecho y la cabeza sujeta adelante. Y siempre con los pies en la tierra, no lo olvides”. Luego de unos “ochos” apenas aprendidos me suelta las manos. “Vamos a hacer el estilo turco”, dice. “Es una mixtura del viejo y el nuevo dabke, se baila separado, sin agarrarse de las manos, que son más volátiles, y hay más libertad para la cabeza. Pero la pierna debe permanecer derecha y firme”.

UN TRABAJO EN EQUIPO Interesa detenerse en los pies. Allí está el origen de todo. Las plantas comienzan a arder de la fuerza con la que golpean el piso: “Piensa que los campesinos sirios y libaneses hacían esto en sus casas, para que el barro se adhiriera con mayor solidez al techo. El dabke es una danza colectiva porque este trabajo era realizado por varias personas a la vez, que se tomaban de las manos para avanzar de forma pareja y evitar las grietas en la superficie”.

En una danza que se caracteriza por la unidad, el sentido del grupo es lo más importante y es el líder quien le confiere su identidad. “A veces sucede que dos o más bailarines se olvidan los pasos mientras estamos en vivo. Yo me debo confundir con ellos. El grupo está ante todo. El líder marca el paso y lo hace con sus compañeros. También puede hacer un solo y sumar más movimientos, incluso en la misma línea, sin dejar de lado la secuencia que le marca a sus compañeros. El líder tiene carácter y maneja la comunicación con los bailarines. Además debe resolver cada problema, tanto en el escenario como fuera de él”, señala el bailarín, mientras toma con sus manos un pequeño rosario.

Se trata del masbaha, un elemento que los musulmanes utilizan para rezar y que en el dabke es empuñado por el líder del grupo.

“Al público le interesa la diversidad. Conoce los estilos de dabke y quiere ver cosas distintas. Los miembros de la troupe vienen de varias provincias y traen el estilo en sus pies. Por ejemplo, en la

En los pies está el origen de todo Foto . gentileza de Molayya Troupe

zona de Baalbeck, donde está el templo romano mejor conservado de Oriente Medio, se bailan dos estilos: líneas y triángulo. Allí están los hombres más fuertes y estos estilos se caracterizan por la fuerza y el vigor”.

En ese templo se realiza desde 1956 el Baalbeck International Festival, un prestigioso evento anual de danza, canto, música y teatro que rescata la tradición libanesa, cuna de intelectuales y artistas.

“En Molayya focalizamos nuestro trabajo en la perfección del movimiento, la coordinación. Más aún cuando bailamos con música en vivo y trabajamos el dabke moderno, donde hay saltos y figuras más “sucias” que traemos de otras manifestaciones como el hip hop. En nuestras obras hay solos instrumentales y también combinaciones de danza y melodía a la vez, con derbakes, nays y rababes. A su vez las obras tienen argumento, actuamos por medio de la danza y así mostramos cada uno de los estilos que se bailan en El Líbano. Son historias de amor, de amistad y de guerra”. Danza popular, danza auténtica. El Líbano baila dabke y con ello no sólo construye su hogar sino también su identidad. __BD

CERTAMEN NACIONAL DE DANZA

Julio Bocca 2013 Inscripción y Participación GRATUITAS Cierre de inscripción: 28 de junio de 2013 Destinado a jóvenes valores argentinos de ambos sexos entre 15 y 18 años cumplidos al 30 de junio 2013 con residencia en Argentina.

Consultar Bases del Certamen en la página web: www.consejoargentinodeladanza.com (Premio Julio Bocca) 1º Premio: Beca de estudio en el ABT de New York 2º Premio: Beca de estudio en el ISA del Teatro Colón 3º Premio: Beca de estudio en el Taller de Danza Contemporánea del TGSM

certamen@consejoargentinodeladanza.com Aprobado por Ley Nº 2.264 - Mecenazgo / Régimen de Promoción Cultural. Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Declarado de “Interés Cultural”

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Por Paloma Portnoy

Una Propuesta Todo Terreno

A T S I V E R T N E

Andrea Servera crea a partir del cruce entre distintos mundos de movimiento y, desde su rol de directora de la compañía Combinado Argentina de Danza, fusiona hip hop, folklore y danza contemporánea para investigar otras maneras de bailar Autodefinida como “artista de danza”, esta bailarina y coreógrafa egresada del Taller de Danza Contemporánea del Teatro General San Martín no se queda quieta sino que continúa relacionando múltiples lenguajes corporales con diferentes contextos sociales. Esta búsqueda que comenzó en el año 2000 cuando trabajó en el Gran Buenos Aires con jóvenes artistas en situación de pobreza en la fundación Crear Vale la Pena, pasó por un taller de danza en la cárcel de mujeres de Ezeiza y llegó hasta las pasarelas del Buenos Aires Fashion Week.

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Piruetas en el Festival PicnicBA en Villa Lugano Foto . gentileza de la artista

En 2005 Servera sufrió un accidente automovilístico que la dejó inmovilizada por un año, tomó esta experiencia y la incorporó a su proceso creativo a través de la obra Como una Niebla. A partir de estas vivencias siguió indagando hasta que en 2011, producto de un video realizado para el primer Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA), surgió el Combinado Argentino de Danza, un grupo de bailarines de hip hop, folklore y danza contemporánea que realiza performances en todo tipo de escenarios, desde la Ciudad Cultural Konex, la villa 21-24 de Barracas, las giras por las provincias en los PreMICA, o la Plaza Garay de la Estación de Tren de Constitución, entre otros.

¿Cómo surge la idea del Combinado Argentino de Danza?

Apareció a partir de algo que venía trabajando y pensando hacía mucho en mis obras: incorporaba chicos que bailaban hip hop o que venían de otro lugar de aprendizaje y también de otro lugar social. Siempre me interesó indagar en la danza en otros contextos y en otro tipo de personas, no sólo trabajar con lo que estoy acostumbrada, sino curiosear en otros mundos, porque me gusta cómo se nutren entre sí. ¿Cuál es la propuesta de este grupo?

Es un equipo de bailarines que está muy entusiasmado en probar diferentes movimientos y locaciones porque el eje está puesto en la improvisación. Tenemos un formato móvil y flexible que siempre está abierto a que se sume gente cuando vamos a dar un taller o seminario. Intentamos trabajar con exigencias mínimas, buscamos generar una danza que se atreva a bailar donde sea.

Nuestro requerimiento básico es que haya sonido para que el dj

Villa Diamante pueda poner la música y micrófono para que Milo (n.d.r: uno de los integrantes del Combinado) pueda hacer su set de beatbox. Después cada uno se cubre y se pone lo que necesita para bancarse el espacio.

¿Cómo sigue el año para ustedes?

En junio presentamos en Rituales de Pasaje del Teatro San Martín algo que, por ahora, se llama Tu Casa. Vamos a hacer cuatro funciones, los viernes y sábados de mitad y fin de mes. Se trata de una idea nueva, estamos experimentando y probando para ver a dónde nos lleva. Para nosotros esto es importante y fuerte porque no es cualquier escenario. Tengo otros planes que no son del equipo propiamente dicho pero en los que todo el elenco es del Combinado. No se me ocurre llamar a otros porque ya son como mi familia, me cuesta correrme de ese cruce de lenguajes que armé. ¿De qué se tratan estos proyectos?

Reestreno Como una Niebla, una obra que reflexiona sobre los días después del accidente, dirigida por mí y en la que bailo junto a cuatro chicos del equipo. La calidad de las luces, los videos y los cuerpos de los bailarines intentan recrear la atmósfera de sensaciones de ese momento. Con esta propuesta nos vamos a Ci-

El escudo del Combinado Argentino de Danza en Ciudad Cultural Konex Foto . Karin Idelson

poletti la primera semana de junio y a Rosario a fines de agosto.

Además durante las vacaciones de invierno presento un espectáculo para chicos, Cielo Stravinski, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón con cinco integrantes del Combinado. Los nenes van a tener que recorrer y circular a través de situaciones muy visuales. Es una relectura del compositor ruso basada en lo que él nos inspira. Mi idea es que se queden con la curiosidad y tengan ganas de preguntar quién fue y qué proponía.

¿Qué distingue al Combinado y sus derivados de otros trabajos que hizo?

Para mí sirve para pensar las relaciones de jerarquía al interior de la danza y esto se refleja en nuestras presentaciones. Intentamos construir algo horizontal, las clases las damos entre todos y el proceso creativo es conjunto. Resulta muy interesante ver dónde queda la división entre el que puede y el que no, el que dice cómo se hace y el que tiene que aceptar. Durante este experimento yo estoy con ellos tratando de crecer y madurar como artista. Intento vivirlo como un aprendizaje enorme para mí. __BD MAYO 2013 // BALLETIN DANCE / 43

Por Laura Lifschitz

Doug Varone Y La Arquitectura Del Movimiento

O I R A T N E M O C

En el marco, del DanceMotion USAsm, producido por la Brooklyn Academy of Music (BAM) de Estados Unidos, se presentó en el Teatro General San Martín Doug Varone and Dancers.

Una experiencia que, en palabras del propio Varone para Balletin Dance, resultó muy enriquecedora Las presentaciones de Doug Varone and Dancers, compañía fundada en Nueva York en 1986, en el Teatro San Martín de Buenos Aires fueron los días 19 y 20 de abril, con un programa integrado por tres obras. Brenda Angiel, la reconocida bailarina y coreógrafa argentina quien ha trabajo con él en el American Dance Festival de Estados Unidos, comentó: “Lo más interesante de Varone es que la dinámica que propone en el escenario, la utilización del espacio y las series es absolutamente contemporánea. Quizás uno de los mayores logros como coreógrafo al montar las obras con tal firmeza de movimiento es que ha sido y es un gran bailarín”.

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La primera muestra fue Lux, estrenada en 2006, obra absolutamente celebratoria, quizás en oposición a Boats Living creada en el mismo año. El vestuario de Liz Prince se basó en una suerte de damero cubista. La partitura de Philip Glass presentó una orquestación y armonía que mostraban ecos de la música culta de la primera mitad del siglo XX. La pieza recrea una idea mítica: la luz de una luna que se desplaza por el espacio y el tiempo. Llevados por ese astro idealizado, los jóvenes intérpretes danzan sin respiro durante los 22 minutos de Lux. Uno de los gestos más aventurados de esa juventud es la agilidad. La desmesura de la ausencia de miedo, lejos de ser considerados apenas estados de ánimo, se traduce en las formas.

Con Home, se retomó a las primeras producciones de Doug Varone. De un tono más intimista, el coreógrafo se vale de una pareja, hombre y mujer, y dos sillas. Movido por las dificultades de ambos, sus desplazamientos recrean la imposibilidad de la comunicación. El trabajo de partenaire exhibe la agudeza de todo vínculo humano: Lawrence Cassella y Erin Owen dieron cuenta de las deslealtades -cuando se deja caer el cuerpo del otro antes sostenido-, los arrepentimientos y el rechazo.

Las creaciones de Varone surgen tanto desde las emociones como de lo visual. Carrugi, de 2012, es el producto de un viaje del coreógrafo por Italia y el descubrimiento de los pasadizos de las ciudades medievales (de ahí el nombre de la pieza).

Musicalizada con una cantata del joven Wolgang A. Mozart, el vestuario conduce tanto a la idea de una comunidad como refiere a esos pasadizos sombríos y húmedos del Medioevo. Son numerosas las secuencias en las que los cuerpos se disponen de modo en que el movimiento sea tan lineal como angosto. El

Lawrence Cassella y Erin Owen en Home Foto . gentileza de la Embajada de Estados Unidos en Buenos Aires

coreógrafo retoma en Carrugi la bandera del heroísmo, la duplicidad y el conflicto, no ajena a ningún interés contemporáneo. La pieza cuenta con escenas de combate y quietud alternadas, tal como el dueto entre Hollis Bartlett y Alex Springer. Se identifica en ella el Estilo Varone: los grand rond de jambes en l’air y los movimientos de brazos extendidos, procedimiento que le permitió a Julia Burrer construir una barrera respecto de las otras tres bailarinas, Xan Burley, Erin Owen y Hsiao-Jou Tang (ovacionada al final por su solo en la pieza). La obra se detiene por momentos en imágenes que, de tan sostenidas en el tiempo, aparentan fortalecer la idea de la épica con estos eventuales frisos clásicos.

Balletin Dance dialogó con Doug Varone, quien afirmó: “Fue maravilloso estar aquí. Pasamos un gran momento durante las funciones”. Antes de continuar su viaje hacia Paraguay y Perú, el creador explicó que le resulta fundamental la idea del intercambio, porque al ser una compañía independiente “las dificultades son las mismas en todo el mundo”. Es por ello que, además de las funciones, la compañía ofrece actividades para bailarines, maestros y público general en cada ciudad que visita, que en Buenos Aires fueron en el Instituto Universitario Nacional del Arte y en la Fundación Julio Bocca. __BD

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B A L L E T I N

D A N C E

D I D Á C T I C O

Cursos a Distancia Una de las acciones del área Balletin Dance Didáctico, es la organización de jornadas presenciales y cursos a distancia, de actualización y reflexión docente, centrados en el proceso de enseñanza-aprendizaje A raíz de la dificultad geográfica y temporal de muchos maestros interesados en actualizarse, el área de capacitación docente de Balletin Dance encabezada por la pedagoga Alicia Muñoz, ideó los primeros cursos a distancia (a través de internet), bajo la modalidad del e-learning (aprendizaje sencillo).

Estos cursos están centrados en la pedagogía, en cómo se enseña y en cómo se aprende (a diferencia de las habituales propuestas de capacitación que desarrollan la didáctica especial, es decir qué enseñar).

Los cursos que se realizarán durante el segundo cuatrimestre de este año, serán: 1º) APRENDIZAJES SIGNIFICATIVOS Libro: Cuerpos Amaestrados vs Cuerpos Inteligentes Duración: 12 semanas Inicio: 29 de agosto de 2013 Precio: $ 900 (o 3 cuotas mensuales de $ 300) Promoción inscripción anticipada: hasta el 30 de junio (20% de descuento): $ 720 (o 3 cuotas mensuales de $ 240) Cierre de inscripción definitiva: jueves 19 de agosto de 2013

2º) PLANIFICAR LOS APRENDIZAJES Libro: Caos o Planificación Duración: 8 semanas Inicio: 7 de septiembre de 2013 Precio: $ 708 (o 3 cuotas mensuales de $ 225) Promoción inscripción anticipada: hasta el 15 de julio (20 % de descuento): $ 566 (o 3 cuotas mensuales de $ 189) Cierre de inscripción definitiva: jueves 27 de agosto de 2013 46 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

La inscripción incluye: • el envío del libro correspondiente a cada curso, por correo postal certificado (impreso, en papel) • tutoría pedagógica y tecnológica durante todo el curso • acceso a la plataforma de e-learning de Balletin Dance durante el período del curso • y quienes lo aprueben obtendrán (también por correo postal) el certificado firmado por las autoridades del área.

Todo el manejo de estos cursos se realiza a través de internet (inscripción, pago, cursado y exámenes), es decir que no es posible tomar estos cursos sin tener acceso a internet.

Los cursos de e-learning son una modalidad de educación a distancia que se basa en el uso de la tecnología para facilitar el aprendizaje.

Por ello: • No importa la ubicación geográfica del participante, quien además puede elegir sus tiempos y horarios para cursar.

• La tecnología (internet en este caso) como herramienta, permite formas de aprendizaje impensables de otra manera, ventanas que se abren, textos que amplían nociones, cuestionarios y formularios que despliegan listas, cronómetro para cada ejercicio, entre otras facilidades. Indices y promedios de calificaciones, tutoriales y coparticipación entre estudiantes.

• Son cursos grupales. Los participantes inscriptos en el curso serán compañeros de clase y deberán sortear juntos algunas consignas.

• Los cursos son teórico-prácticos. Esto significa que el inscripto deberá practicar en sus clases cotidianas (o con su propio cuerpo) los procesos que se plantean en cada lección, para poder continuar avanzando en el cronograma.

• Cada curso y cada participante, contará con la guía de un tutor especializado que se encargará de realizar el seguimiento y de despejar cualquier duda que tenga.

Para recibir información completa, podés escribirnos a info@balletindidactico.com.ar.

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-contemporáneo La Idea Fija

-grotesco Mustafá

-contemporáneo Pensando en Astor

De Pablo Rotemberg. Domingos 19 hs.

El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Foto: Candela Kruup

Puesta en escena y dirección: Hugo Álvarez. Viernes 20 hs, sábados 21 hs.

Teatro Corrientes Azul (Av. Corrientes 5964, Tel: 4854-1048).

Compañía Expresarte Ballet. Director: Walter Eliseo Centurión. Dirección general: Mariana Gallo. Domingos: 19 de mayo, 16 de junio, 14 de julio y 18 de agosto, 20 hs. Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

Foto: Condebaccino

-contemporáneo Las Bestias

-ballet infantil Pinocho y Coppelia en el Mundo Real

-teatro musical Manzi La Vida en Orzai. De Betty Gambartes, Diego Vila y Bernardo Carey. Jueves y viernes 21 hs, sábados 20 y 22:30 hs, domingos 20 hs. Teatro La Comedia (Rodríguez Peña 1062, Tel: 4815-5665).

Cartelera

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Dirección: David Señoran. Sábados 21 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

Foto: Lucía Miranda

-contemporáneo Nexus y Shakti

Ballet Metropolitano de Buenos Aires.

Dirección: Leonardo Reale. Domingos 11 hs (del 19 de mayo al 21 de julio).

Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

DeRose Art Company. Dirección: Adriana Bruer. Domingo 12, 22 hs. Garrick Arte.Cultura (Av. Avellaneda 1359, Tel: 3526-7439).

-musical Objetos Maravillosos De Hugo Midón, Carlos Gianni. Dirección y coreografía: Gabi Goldberg.

Sábados, domingos y feriados 17hs (vacaciones de invierno 15 hs y 17 hs).

Teatro La Comedia (Rodriguez Peña 1062, Tel: 4815-5665).

-contemporáneo Sin Sosten La Movemos Danza. Dirección: Melina Martin. Viernes 10, 20:30 hs. Zafra Espacio (Sarmiento 3096, Tel: 20512718).

-tango Mitos y Verdades del Baile de Tango Conferencia espectáculo de Laura Falcoff. Jueves 23, 20:30 hs. Comunidad Amijai (Arribeños 2355, Tel: 47841243).

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Pequeña Monstruosidad Por Román Ghilotti Si, como dijera Jacques Derrida, el porvenir es necesariamente monstruoso, el intento de resolver cómo enfrentarlo puede resultar en un angustioso intento, vacío y banal

Mercado y un tronco: ¿la aridez del futuro?

Fotos . Robert Bonomo | Alejo Pichot

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En El Kafka, espacio teatral, se ofrece Futuro, espectáculo con concepción y dirección de Mayra Bonard e interpretado por Damián Malvacio, Rocío Mercado y Emanuel Zaldua.

La propuesta temática tiene como eje el cuestionamiento sobre el futuro, con mucho de lo incierto, extraño y dudoso que supone prefigurar su acontecer. En esta línea puede pensarse el trabajo como una inquisitoria, un recurrente preguntar por la imposible certeza de lo por venir.

Para esto, Bonard decidió poner en marcha un trío con apetencias eróticas, tratos de difícil convivencia y devaneos metafísicos, jugando la puesta con humor, ironía y distanciamientos. El humor, transitado especialmente en gestualidades, retruécanos y frases-preguntas dejadas en suspenso. La ironía, en remisiones tangenciales a motivos culturales que enmarcan características de los personajes. Y los distanciamientos, en maneras de relacionarse y dar cuenta tanto entre los actores-bailarines como con significados conceptuales y emocionales.

La pieza desarrolla algunas asociaciones formales o estructurales, con respecto a obras famosas, para el tratamiento de núcleos temáticos tradicionales. Así, por ejemplo, aprovechando la diferencia de tamaños de las figuras de Malvacio y Zaldua, en un tramo se parodian vínculos y diálogos de El Principito, de Antoine de Saint-Exupéry (aquel que se da entre El Principio y La Serpiente), con el mismo tono enigmático en un princi-

Malvacio, su mano: ¿también enigma futuro?

pio, para desarmarlo en una relación de dominador y dominado, casi de cafishio, cliente y prostituta, con la violencia intrínseca del asunto pero estilizando y alejando las acciones esperables. O bien, en otros momentos, se proponen recortes de ese modo de relaciones incompletas, con algo de idealizadas, no correspondidas y circulares, las que parecieran hacer envío a La Ronda, de Arthur Schnitzier (aquel motivo que consiste en que A ama a B quien ama a C quien ama a A, sin ser ninguno retribuido en su sentimiento).

Más allá de estas asociaciones, puestas ex profeso o ¿casuales?, las situaciones de intentar el control, tratar de manipular, an-

helar, esperar, dudar, y otras por el estilo, siempre relativas a lo imposible de lo futuro (de ahí su monstruosidad), y todo esto con dosis de agresión y frialdad, las más de las veces risueñas, arman el tejido de la obra. Planteos de una suerte de metafísica de calle, con preguntas a modo de sinfín, con aporías y soluciones equivocadas, contribuyen a dar elementos de comicidad de lo dramático. Y lo escenográfico (Luciano Stechina), unas tres docenas de trozos de troncos aserrados, aporta la desolación y la abstracción que apuntala eso indescifrable, no identificable, propio del porvenir: el futuro, de algún modo, siempre es una abstracción.

Las buenas prestaciones de los intérpretes (plasticidad y manejo de sutilezas en Mercado, timing y algunas destrezas en los varones) dieron en función un ritmo preciso y una expresividad directa para el relato de la pieza.

Sin pretender ni completar una perspectiva que clausure un posicionamiento u opinión firme sobre qué con lo por venir, y, por esto mismo, haciendo fuerte su aspecto inconcebible, no conocible, Futuro se instala como una imagen variable de lo temido, aún no llegado y que podría ser. __BD

municipalidad de avellaneda Escuela de Danzas Clásicas de Avellaneda Elena de la Serna

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Maria Tallchief Oklahoma, Estados Unidos, 24 de enero de 1925 – Illinois, 11 de abril de 2013

In Memoriam

Nacida como Elizabeth (Betty) Marie Tall Chief fue reconocida mundialmente por ser musa de George Balanchine (casada con él de 1946 a 1952), quien creó para ella infinidad de obras.

Fue la primera bailarina estrella indoamericana, sus orígenes por la rama paterna provenían de los pueblos originarios de Oklahoma (al sur de Estados Unidos) mientras que su madre era irlando-escocesa. Formada por Bronislava Nijinska, David Lichine y Pierre Vladimiroff en Los Ángeles, a los 17 años (1942) comenzó su carrera profesional con el Ballet Ruso de Montecarlo, convirtiéndose pronto en una de las principales solistas.

Allí conoció a George Balanchine (21 años mayor que ella). Con él, fue invitada para bailar en la Ópera de París en 1947 y poco después se instalaron en Estados Unidos, donde el genial coreógrafo se centró en el New York City Ballet, con quienes debutó al año siguiente. Fue con El Pájaro de Fuego que Maria Tallchief alcanzó fama internacional, también para ella Balanchine compuso a Myrta de El Lago de los Cisnes, el Hada de Azúcar en El Cascanueces y a Eurídice en Orfeo.

Además, Tallchief fue invitada especial en el American Ballet Theatre, el Ballet Ruso de Montecarlo y en la Ópera de Hamburgo (donde se retiró del escenario en 1965), mientras continuaba bailando en el NYCB. Junto a su hermana Marjorie, fundó el Chicago City Ballet en 1981, del que fue directora artística durante seis años. __BD

Norberto Guichenduc El miércoles 3 de abril, murió en la ciudad de Buenos Aires el maestro Norberto Guichenduc Había egresado de la Escuela de Danzas como Profesor Nacional de Danzas Clásicas en 1957, el mismo año en que además terminaba la carrera de danza en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

En 1963 fue incorporado en el Ballet de Madrid, en la Compañía de Rosario y Antonio, con ellos inició una gira que abarcó Inglaterra, Estado Unidos y Canadá. Un año más tarde fundó el Buenos Aires Ballet con el que durante seis años trabajó en el Olimpia de París, junto a figuras de la talla de Marlene Dietrich, Sasha Distel, Johny Halliday, Petula Glarck, George Brassens, Mairella Mattieu y Edith Piaff.

En 1981 asumió como director de la Escuela Municipal de Danzas José Neglia de Morón cargo que mantuvo hasta su jubilación, a la vez que inició su labora docente en el Teatro Colón. Un año más tarde fue nombrado director del Ballet Folklórico del Centro de Divulgación Musical del Teatro General San Martín de Buenos Aires, sin haber renunciado al escenario, integró en los años siguientes el espectáculo La Pesada del Tango de Juan Carlos Copes.

Convocado por Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola como maestro, seleccionador y evaluador del Ballet Folklórico Nacional, siguió de cerca el desarrollo del elenco desde su fundación. Nunca se retiró de la danza, en sus últimos años integraba el jurado evaluador de cantidad de concursos y certámenes latinoamericanos.

La Escuela de Danzas de Avellaneda Elena de la Serna, lo homenajeó en septiembre de 2011, al asignar con su nombre a una de las aulas del Centro Cultural Hugo Caruso, donde tiene su sede. __BD

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Hilda Riveros Noviembre de 1936 - 2 de abril de 2013, Santiago de Chile

La coreógrafa chilena Hilda Riveros, falleció en Santiago de Chile, país al que había regresado en 1988. Considerada una de las figuras más relevantes del ballet de Latinoamérica, se había formado en la Escuela de Danza de la Universidad de Chile (Rudolf Pesch, Lola Botka, Sigurd Leedor y Patricio Bunster), fue primera bailarina del Ballet de Santiago y del Ballet Nacional Chileno (la compañía de danza contemporánea). Comenzó a coreografiar a temprana edad en su tierra natal donde realizaba una fructífera carrera, hasta que en 1972, el golpe de Estado que destituyó a Salvador Allende, la obligó a radicarse en Alemania.

Estuvo en la Escuela Gret Palucca de Dresde, antes de regresar a América, donde fue primera bailarina, directora y docente del Ballet de Cámara de Lima (Perú), para radicarse luego en Cuba donde se destacó junto al Ballet Nacional como bailarina y coreógrafa (de 1978 y 1991) acercando los preceptos de la escuela alemana de danza moderna y su expresionismo alemán.

Casada con el compositor Fernando García, Riveros fue una “intérprete enérgica, creativa y exuberante” según palabras de Marcia Haydée -directora del Ballet de Santiago de Chile-.

El Ballet Nacional de Cuba la recordó con especial cuidado, mencionando sus creaciones La Tierra Combatiente (1978), Obsesión, Fandango, Evasión, Pedestal para Nadie (1980), En el Sitio de tu Sombra, Por Vivir, El Original Pecado (1981), Gitana, Liquidación de Sueños, El Mandarín Maravilloso (1982), Enlace, Girasol, DoRe-Mi, El Reto, Sin Embargo Amanece, Novia Fugitiva del Océa-

Hilda Riveros en el ballet Edith

no (1984), Palomas (1985), El Camino Recto (1986), y especialmente diseñado para Alicia Alonso, el ballet Jardín, inspirado en la novela homónima de Dulce María Loynaz (1988).

Hilda Riveros trabajó como docente y coreógrafa en cantidad de compañías, universidades y escuelas de Cuba, Alemania, Nicaragua, Ecuador, Colombia, Perú, Paraguay y Chile. __BD

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Florencia López Boo en Washington La bailarina argentina participó de un proyecto francés realizado en la capital estadounidense

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Mauricio Wainrot una vez más en Riga

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Con coreografía de la francesa Emmanuelle Vo-Dinh y dirección de su compatriota Charlie Windelschmidt Histoires Exquises (Historias Exquisitas) se presentó el mes pasado en el Atlas Performing Arts Center de la ciudad de Washington.

Historias Exquisitas es un proyecto itinerante, cambiante y único de acuerdo a cada ciudad que visita, que llegó a Washington de la mano de la Alianza Francesa, y consistió en dos espectáculos (uno de danza y uno de teatro) a cargo de artistas locales, siendo la bailarina una argentina: Florencia López Boo. A la presentación de las piezas basadas en historias de vida de ciudadanos de la ciudad de Washington, se sumaba la proyección de la historia original de cada personaje.

Vo-Dinh, directora del Centro Nacional Coreográfico Le Phare Le Havre, ha organizado las producciones de este proyecto desde 2011, y ha trabajado con coreógrafos de la talla de Latifa Lâabissi, Salia Sanou, y Thierry Thieu Niang.

Florencia López Boo, por su parte, estudió en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín y obtuvo becas en el American Dance Festival (1999) y en el Tanzwoche International Dance Festival de Viena (2002). Bailó en proyectos de diversos coreógrafos en Argentina, Bélgica (video Blush de Wim Vandekeybus, entre otros) y Reino Unido (Mimking Danza, Nickely Burke y su propio elenco Tiny Hands de 2004-2006).

En Washington donde está radicada, integró la compañía de Malcom Shuttle a la vez de crear sus propias obras. __BD

El 28 de abril se estrenó en la Opera Nacional de Riga, El Mesias, la coreografía de Mauricio Wainrot con escenografía de Carlos Gallardo, sobre el oratorio de Handel El director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, mantiene una apretada agenda en el exterior, con la reposición de sus obras por diferentes compañías de ballet y danza contemporánea.

El Mesías, estrenado en 1996 por el Real Ballet de Bélgica, traduce una profunda espiritualidad optimista y ha sido interpretada además por el Ballet Real de Suecia, Royal Winnipeg Ballet, Ballet de la Opera de Bordeaux, Ballet de la Opera de Niza, Ballet Nacional Chileno, Compañía Nacional de Danza de México y por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín.

En Riga propiamente, Wainrot ha montado obras desde el año 2009 (Estaciones Porteñas y Travesías), en primer lugar uno de sus coreógrafos asociados viaja para realizar el montaje (en este caso fue Andrea Chinetti, co-directora del Ballet Contemporáneo) que luego es ajustado por el propio autor en las instancias previas al estreno.

La puesta de El Mesías ofrecida en la Ópera Nacional de Letonia (construida en 1863 por el conocido arquitecto de San Petersburgo Ludwig Bohnstedt) fue una coproducción entre el Ballet Nacional de Lituania y el Ballet de la Opera de Riga y contó con cantantes solistas, coro y orquesta, locales. __BD

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Realidad de un Sueño no Soñado Por Stella Salomon Allí, en la ciudad de Azul, provincia de Buenos Aires, donde participó del Festival Internacional de Danza Contemporánea, María Josefina Guelfi no podía imaginar que unos meses después estaría en Europa. Participaba del festival con su grupo -Expreso Mudanza Danza Contemporánea- ejecutando Cruel y Zruit, obras dirigidas respectivamente por Leticia Manzur y Paula Rodríguez La protagonista de este sueño relata que Damiano Bigi, Clementine Deluy y Thusnelda Mercy, bailarines de Pina Bausch (Compañía Tanzthearter Wuppertal) dictaron diferentes workshops, en Azul. Fue Deluy quien le aconsejó que perfeccionase su danza en Alemania y prestó apoyo para concretar una beca de perfeccionamiento.

Guelfi, de 28 años, egresó de la Escuela de Danza Clásica de Bahía Blanca con los títulos de Profesora de Artes en Danza con Orientación Expresión Corporal, Tecnicatura Intérprete Bailarín en Danza Contemporánea y Profesorado en Danza Contemporánea. Integró el Ballet de la Escuela de Danza Clásica de 2005 a 2010 y en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Julio Bocca para capacitarse y perfeccionarse en Buenos Aires. Una lista de aproximadamente 30 maestros indica con quiénes tomó clases a lo largo de su carrera. Además, es docente en la Escuela de Comedia Musical de Valeria Lynch y en escuelas primarias y jardines de infantes.

A propósito de esta beca, cuenta con entusiasmo que, aunque todo hubiera terminado el mismo día 5 de marzo, en que arribó a Alemania, estaría igualmente feliz porque lo primero que hizo fue dirigirse al

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Guelfi en Wuppertal: libre Foto . gentileza de la artista

teatro Wuppertal Opernhaus y presenciar el ensayo general de la obra Kontackhof.

“Mi viaje estaba saldado desde el momento en que me recibieron en el Opernhaus… Ver a esos hermosos intérpretes y la magia de Pina respirándose en el aire.”

Con respecto a lo recibido en lo personal y profesional, además de nutrirse de ensayos, puestas de iluminación y especialmente observando el baile de magníficos danzarines, tomó clases de barre a terre con la portuguesa Margerite Boffa. Las exigencias se incrementaron en resistencia, fuerza y repeticiones, durante siete días, en los que las elongaciones estuvieron siempre presentes. A ellos “se les sumaron masajes realizados por medio de pequeñas rotaciones y torsiones con las piernas… Estas rotaciones deben ser imperceptibles.”

Particular impacto le causó ver los ensayos de La Consagración de la Primavera, que finalizaban dividiendo a los bailarines en dos grupos: mujeres y hombres. “Ellas trabajaban su calidez, corporeidad y sutileza. Ellos su precisión, potencia y peso.

Lo que más me impactó es que nunca se corregía a los bailarines indicándoles lo que estaba mal. En cambio, se les potenciaba lo que cada uno había percibido.

Se les hablaba de energía y no de malas posiciones… esto generaba en ellos una necesidad de exploración continua.”

Más adelante, Guelfi señaló que los maestros decían: “Imaginen que es la primera vez que escuchan la música; que es la primera vez que hacen los movimientos.”

Relata, precisamente, que Paula Rodríguez -a quien señala como “una gran maestra”- suele sugerir esto en clase, a la vez de recordar en su formación local a Alejandra Vallebona.

La argentina pasó unos días en Madrid, para tomar clases de técnica Limón con Francesc Bravo, “sutiles y hermosas” y presenció ensayos de la Compañía Nacional de Danza. Pero permanecerá en Alemania hasta los primeros días de mayo.

Aún le esperan clases con Malou Airaudo en la Folkwang Tanz, presenciar ensayos y funciones de obras de Pina Bausch y un festival que se realizará en Café Ada (lugar que visitaba Pina).

“Comencé el viaje con la expectativa de atravesar barreras y descubro que la única barrera que existe es uno mismo. Me encontré y desencontré conmigo… Me veía en las clases… en los ensayos... en el teatro… y en cada ciudad en la que estuve. Me permití ser yo… creer. Me permito permitirme. Y lo que me quiero llevar… es eso. Es la libertad”, expresó María Josefina Guelfi desde Wuppertal a Balletin Dance. __BD

Considerado como el más prestigioso premio de la escena teatral británica, el premio Laurence Olivier se entrega anualmente desde 1976 bajo el nombre de Society Of West End Theatre Awards inicialmente y desde 1984 con el nombre actual.

En un año colmado de distinciones para Marianela Nuñez, este galardón la posiciona una vez más, como a una de las mejores bailarinas del ballet mundial de la actualidad.

Radicada en Londres desde 1998, Nuñez finalizó la escuela del Royal Ballet (después de haber bailado como primera bailarina en giras por Uruguay, España, Italia, Japón y Estados Unidos).

Esa formación inglesa puede verse hoy en su actuación, en la que conjuga un pulido y distinguido estilo británico con el temperamento argentino. Al año siguiente ya integraba las filas de la compañía y en 2002 fue nombrada principal.

El Premio Olivier 2013, recayó en ella por su interpretación de Aeternum, Diana y Acteón y Viscera, junto al Royal Ballet, “se destacó en el último año por su excelente rendimiento en todo el amplio y variado repertorio de la compañía”.

La mejor producción coreográfica en calidad de estreno resultó ser Aeternum de Christopher Wheeldon (también por el Royal Ballet), el mejor musical en calidad de estreno fue para Top Hat (Sombrero de Copa) que recobra la época dorada de Hollywood al evocar el espíritu de Fred Astaire y Ginger Rogers y que también recibió los premios al mejor diseño de vestuario (Jon Morrell) y mejor coreografía (Bill Deamer), y el mejor musical en calidad de reposición fue para Sweeney Todd. __BD

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Marianela recibe el mes pasado el premio Laurence Olivier Foto . Nick Harvey

Marianela Nuñez y un Máximo Reconocimiento

U N I D O R E I N O | E X T E R I O R E L E N A R G E N T I N O S

El 28 de abril Marianela Núñez (Royal Ballet de Londres), recibió el premio Laurence Olivier 2013 “por su extraordinaria contribución a la danza clásica”

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Primavera Berlinesa Sasha Waltz montará La Consagración de la Primavera de Igor Stravinski, en una cooperación con Daniel Barenboim, director de la Staatsoper de Berlín, en octubre. Además juntos preparan una nueva producción de Tannhäuser, ópera de Richard Wagner en el marco de los Festtage, que se realizarán del 11 al 20 de abril de 2014 En la Staatsoper de Berlín, Sasha Waltz estrenará La Consagración de la Primavera en el año de conmemoración de su centenario, y cuando su elenco celebra los 20 años de vida. Se trata de una coproducción entre los teatros Mariinsky, Champs Elysées, la Opera de Berlín y Sasha Waltz & Guests.

El 26 de octubre de 2013, bajo el título de Le Sacre la puesta berlinesa contará con la Staatskapelle Berlin bajo la batuta de Daniel Barenboim.

El gran debut mundial de Le Sacre será en el reinaugurado Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el 13 de mayo, bajo la dirección orquestal de Valery Gergiev; mientras que el 29 de este mismo mes se mostrará en el Théâtre des Champs Elysées de París (donde se estrenó la legendaria y controvertida versión de Vaslav Nijinsy-Igor Stravinsky exactamente cien años atrás, el 29 de mayo de 1913); para realizar otras presentaciones en Bruselas antes de regresar a Alemania.

La Consagración de la Primavera de Nijinsy, en una reposición actual del Ballet del Teatro Mariinksy Foto . Natasha Razina

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Más allá de que Sasha Waltz hubiese declarado que abandonará Berlín con su compañía por la falta de apoyo del gobierno de la ciudad, momentáneamente buscará otras formas de financiamiento como son las coproducciones hasta encontrar una nueva sede. Cooperará con Daniel Bareinbom también el año el próximo, juntos se dedicarán a recrear Tannhäuser, protagonizada por Peter Seiffert, Marina Poplavskaya, René Pape y Peter Mattei, el Coro de la Staatsoper y la Staatskapelle, que se ofrecerá en el marco de los Fesstage, realizados desde 1996 en la Opera de Berlín.

Este festival, incluirá también dos conciertos sinfónicos dirigidos por el propio argentino, uno con la Orquesta Filarmónica de Viena, y el otro con la Staatskapelle, y un recital de piano a cargo de Martha Argerich, ambos tocarán a cuatro manos (en un mismo piano) y en dos pianos separados.

Con Simon Boccanegra de Giuseppe Verdi, con puesta en escena de Federico Tiezzi y dirección musical de Barenboim, protagonizada por Plácido Domingo, Anja Harteros y Fabio Sartori, la Staatsoper Berlin cierra sus homenajes por el bicentenario del nacimiento y el 130º aniversario de la muerte de Wagner, y el centenario del natalicio de Verdi. __BD

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

32 AÑOS FORMANDO BAILARINES EN SAN ISIDRO • Danza Clásica • Stretching con Análisis Biomecánico • Danza Jazz • Danza Contemporánea • Hip Hop New Style

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Breves Noticias del Norte Un pantallazo por la actualidad de la danza en Estados Unidos, revela una sucesión de cambios, cierres y despedidas EL RETIRO DE TRISHA BROWN A los 76 años de edad, Trisha Brown, pionera de la danza posmoderna se retiró del escenario, en la Brooklyn Academy of Music.

El anuncio de Brown de terminar su carrera escénica, se sumó en Estados Unidos, al de la compañía de Merce Cunningham acaecido hace un año y luego de la muerte del coreógrafo, marcando lentamente el final de una corriente estética.

Coreógrafos de vanguardia que continúan vigentes más allá de haber surgido en plenos años ’60 del pasado siglo. Las creaciones de Brown marcaron un quiebre en la concepción que había hasta entonces de la danza, e integran el repertorio de cantidad de compañías clásicas y contemporáneas, despertando aún hoy el interés en el público.

Además de su particular lenguaje corporal, la coreógrafa se destacó por la estructuración de sus obras y por la implementación de las nuevas tecnologías en sus creaciones.

CANCELACIÓN DE CONCURSO Fue cancelada la decimoprimera edición de la prestigiosa competencia New York International Ballet Competition (NYIBC), que tendría lugar en el Lincoln Center del 1º al 23 de junio en su 20º aniversario

Se despidió Trisha Brown Foto . Lourdes Delgado 60 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

El parte de prensa que marca al NYIBC como uno de los encuentros interculturales y formativos más importantes del mundo, por sus tres semanas de entrenamiento y perfeccionamiento focalizado en las acciones de pas de deux. Los participantes recibían becas de estudio, contactos con profesionales, y algunas oportunidades de trabajo.

Las contribuciones privadas que recibía el Concurso y con las cuales se sustentaba, se vieron seriamente disminuidas en los últimos años, pero a esto se suma un factor que al igual que en otras instituciones, organizaciones y eventos es determinante: la muerte de su fundadora, Ilona Copen, ocurrida en 2010. Más allá de los esfuerzos de reestructuración intentados por las nuevas generaciones, lo que “ha demostrado ser un serio desafío”, la suma de los factores anteriores determinaron la suspensión del evento (a pesar de haber tenido récord de inscripciones para esta edición).

Marcia De La Garza, directora ejecutiva del NYIBC, señaló que si bien es su deseo “que el sueño de Ilona Copen e Igor Youskevitch de promocionar al ballet contribuyendo con los jóvenes bailarines” se está analizando la continuidad de la organización.

DANCE MOMS Una curiosa serie televisiva desnuda la realidad de las madres de algunas bailarinas.

Basada en la historia verídica de Abby Lee Miller, una joven emprendedora que a los 14 años comenzó a dictar clases de danza para niñas en Pittsburg, en su Abby Lee Dance Company en 1980.

Allí la pequeña conoció el accionar de las madres de la mayoría de sus alumnitas, cada cual con su historia particular, pero que a la vez tienen similitudes. Aquellas que esperan que sus hijas completen sus propias metas no realizadas, con algunas frustraciones, quienes suponen que sus hijas lograrán el éxito que ellas no pudieron obtener, las que piensan que la danza les aportará mejores herramientas para consolidar sus femineidades, entre otras. “Esas señoras están muy locas; buscan cristalizar sus sueños de fama y fortuna en la vida de sus niñas”, reflexiona Abby Lee Miller.

Dance Moms refleja de manera novelada su experiencia con estas madres. “Nunca me imaginé que iba a tener que lidiar con las extrañas y difíciles personalidades de sus mamás”, reconoce la ex bailarina.

Los capítulos de la serie se pueden encontrar en internet, y lógicamente un abanico inmenso de productos surgidos a su alrededor, desde fotos, música, consejos, un blog de madres de bailarinas, y la posibilidad de conectarse con la propia Abby Lee Miller. __BD

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La Crisis en Europa Luego de 25 años con su propia compañía de ballet clásico en Catalunya, David Campos anunció que cerrará el elenco

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Ya son más de 34.000 seguidores

David Campos, abandona luego de un cuarto de siglo Foto . José Prodenas

http://www.facebook.com/pages/Balletin-Dance/261310792808

La misma historia se repite en todas las ciudades europeas, sin embargo en España, la crisis sumada al proyecto cultural que propone el actual gobierno, ha sido decisiva para el cierre de cantidad de salas teatrales, elencos escénicos y agrupaciones musicales.

David Campos, afirmó a la prensa que ha resuelto terminar con su compañía puesto que “la situación actual es imposible”. Luego de la presentación de La Bella Durmiente en Terrassa, las puertas del elenco se cierran definitivamente, tras esperar un año por una entrevista con Ferran Mascarell, responsable de Cultura en Catalunya.

“De nada vale seguir si no se cambia la manera de gestionar la cultura”, sentenció el director que ante estas políticas asegura que “más que un artista, lo que has de ser es un experto en petición de subvenciones porque cada vez es más complicado”. Su veta catalana no se pierde, al afirmar que “Catalunya es un país importador de danza. Las grandes compañías extranjeras que vienen al Liceu las pagamos con dinero público, dinero de todos”.

El reclamo similar al de Angel Corella (ver la sección actualidad en esta misma edición), difiere en cuanto Campos conserva su ballet en Barcelona desde hace más de dos décadas, con un modelo de giras al exterior que le ha permitido mantenerse en el tiempo.

Pero las condiciones españolas actuales no ayudan, los hacedores de la cultura se encuentran en bancarrota, y la suba del IVA para el sector (al 21%) ha empeorado las cosas, por otro lado, tampoco cuentan con una ley de mecenazgo que facilite el aporte de financiamiento privado. “La compañía me debe un cuarto de millón de euros” confesó Campos, “he sido su principal mecenas pero sin poder desgrabar nada. Al revés, encima he pagado impuestos”. __BD

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Novedades Aztecas En este informe se sintetizan variadas noticias provenientes del país del norte, relacionadas al ballet, el folklore, la gestión cultural especializada en danza y también la investigación y los archivos históricos CND. NUEVA DIRECCIÓN Laura Morelos fue nombrada directora de la Compañía Nacional de Danza (CND) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en sustitución de Sylvie Reynaud.

Ex bailarina del elenco, la joven directora se formó en la Escuela Nacional de Danza de México y se incorporó a la compañía en 1985. Junto a su entonces marido, Cuauhtémoc Nájera obtuvieron el premio como mejor pareja en el Concurso Internacional de Varna, Bulgaria.

Hasta 2007 Morelos se desempeñó como primera bailarina, ensayadora y maestra en el mismo elenco, pero también desarrolló su carrera en la comedia musical al protagonizar El Fantasma de la Opera y Chicago, integró el jurado de ballet en el programa televisivo Ópera de Prima, y fue directora del Sistema Juvenil de Danza de la UNAM en 2012.

A comienzos de año, la Compañía Nacional de Danza, todavía bajo la dirección de Sylvie Reynaud, inició las celebraciones por sus 50 años de vida, con la reposición de Cri-Crí, una coreografía de José Luis González sobre música de Francisco Gabilondo Soler (y arreglos de Eugenio Toussaint), una selección de los temas

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más representativos del genial compositor que otorgó vida al grillito cantor.

La CND se vio envuelta en un escándalo público, cuando se acusó a Reynaud de haber privilegiado a su hija dentro de la compañía y haber comprado zapatillas para toda la compañía a su marido, el bailarín y fabricante de calzado artístico Zygmunt Szostak.

Del 10 al 28 de abril la compañía presentó La Bella Durmiente con coreografía de Jorge Cano (producción de 2012), en el escenario del Alcazar del Castillo de Chapultepec, protagonizada por la argentina Agustina Galizzi, quien recibió una vez más excelentes críticas por su interpretación.

INBA. NUEVA COORDINACIÓN Cuauhtémoc Nájera fue designado como el nuevo Coordinador Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes, en reemplazo de Carmen Bojórquez.

Nájera, bailarín mexicano, maestro de ballet y especialista en gestión cultural, hasta este nombramiento se desempeñaba como Director Nacional de Danza de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Cuauhtémoc Nájera se formó en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana, Cuba y como bailarín integró el Ballet Teatro Por séptimo año consecutivo la CND en el Castillo de Chapultepec

El Ballet Folklórico de México celebra 60 años

Cuauhtémoc Nájera en rueda de prensa

del Espacio (Michel Descombey y Gladiola Orozco) y Utopía (Marco Antonio Silva), hasta que en la década de los ’90 fundó su compañía Danza Vértice. Fue maestro en el Ballet de Monterrey, en elencos de danza contemporánea y director de la Compañía Nacional de Danza.

Entre las primeras gestiones, Nájera organizó los festejos por el Día Internacional de la Danza, para los que convocó a 95 agrupaciones (integradas por profesionales, aficionados y estudiantes), que actuarán con entrada gratuita en nueve sedes (enamorar al público y atraerlo) en una acción conjunta del INBA y la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

60 AÑOS DEL FOLKLÓRICO El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández celebró 60 años de vida con un imponente concierto de Gala en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Considerado como el grupo de danza tradicional mexicana más importante del país, e internacionalmente como una de las mejores agrupaciones folklóricas, está integrado por 600 personas divididas en tres compañías: una dedicada a presentarse en giras por México, otra en giras internacionales y la tercera oficia de suplente, promediando con unas 260 funciones anuales (140 en el exterior).

La función especial por el aniversario, incluyó a 240 artistas en escena representando la diversidad folklórica de México. Se presentó el Huapango de Moncayo con fragmentos de la obra de Amalia Hernández, el danzón Nereidas y Tenochtitlan “un proyecto irrepetible en el mediano plazo por su tamaño” aseguró el director del Ballet, Salvador López López.

El repertorio incluyó danzas clásicas y modernas como La Gran Tenochtitlan, Adelita, Tarima de Tixtla, Jalisco y la esperada Danza del Venado, entre otras.

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Guillermina Bravo, Guillermo Arriaga y Nellie Happee

ARCHIVOS Y MUSEOS A excepción de los pocos países que cuentan con bibliotecas, archivos y/o museos destinados a la danza, cantidad de objetos y documentos invaluables para la historia de cada región se pierden con los herederos de sus creadores.

El Universal de México entrevistó el mes pasado a tres de las figuras vivas más importantes de la danza nacional: Guillermina Bravo, Guillermo Arriaga y Nellie Happee, quienes resguardan sus acervos personales, esperando por un destino cuidado. Más allá de haber donado documentación a diferentes centros que se iban fundando, todos hicieron copias conservando los originales, previendo lo que sucedió: muchos de esos materiales se perdieron.

La misma historia se repite en cada Tierra, fotografías, videos, programas de mano, cartas personales, postales autografiadas, apuntes de trabajo, credenciales, libros, reconocimientos, pinturas y dibujos de artistas nacionales, son custodiados por sus protagonistas.

En entrevista con El Universal, Arriaga y Happee, hablaron sobre la importancia de sus archivos, apilado en cajas de cartón para el primero y sistemática y prolijamente ordenado para la segunda, en sus propios domicilios.

“Guillermo Arriaga -señala la entrevista- mira hacia su librero, pide un tequila y señala la decena de libros que tiene sobre danza: No existe en México una biblioteca tan especializada como esa, es un tesoro, la doné hace casi tres años pero nadie vino a recogerla”. Si bien él había fundado junto a Patricia Aulestia el

Cenidi-Danza José Limón (Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza), en 1983, asegura que si bien cumplió con los objetivos para los que fue creado, también ha tenido enormes yerros, como la pérdida de gran cantidad del material que él mismo había donado. “Conservo mis originales, les di copias porque soy viejo, pero no tonto”, dice.

A Nellie Happee fue su abuela quien le enseñó la importancia de resguardar la memoria de sus pasos, cada documento está identificado y cuidado en sobres plastificados. Ella ha decidido heredarlo a una investigadora del Cenidi-Danza de su absoluta confianza. Aunque ya en 2001, a ese mismo centró donó copias de alrededor de 3500 documentos catalogados en 92 carpetas.

Por otro lado, la entrevista se centró en Orlando Scheker, director del Centro Nacional de Danza Contemporánea en Querétaro, fundado por Guillermina Bravo y que conserva todo su patrimonio. “No sólo protegeremos la memoria de Guillermina Bravo, sino también la del Ballet Nacional, pero no tenemos presupuesto, así que lo estamos haciendo pausadamente”.

NUEVO LIBRO La investigadora ecuatoriana Patricia Aulestia, fundó en México (donde está radicada desde hace décadas) y dirigió durante diez años el Cenidi-Danza, institución que este año celebra 30 años de vida.

Acaba de presentar el libro La danza: Hojas de papel volando. Publicadas en el diario Cine Mundial en los años 1953 a 1963, una investigación que le demandó más de 20 años, y registra “un periodo coyuntural para el desarrollo de la danza en el teatro y en medios de comunicación como la televisión y el cine” según analizó César Delgado.

Aulestia, quien cumplió 70 años en abril, asegura que el CenidiDanza “es el primer centro de investigación más importante de América Latina, su labor ha sido impresionante, contamos con libros teóricos y de documentación que antes no existían”. __BD

Patricia Aulestia en la presentación de su nueva investigación 64 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

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-contemporáneo Solos al Baile

Provincias El Lago de los Cisnes

De Gabriela Prado. Bailarines: Carla Di Grazia, Carla Rímola, Amaray Collet, Alejo Wilkinson Hassler y Esteban Esquivel. Viernes 22:30hs. El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 4862– 0655).

Ballet del Sur. Dirección: Ricardo Alfonso. Con la Orquesta Sinfónica Provincial. Teatro Municipal, Bahía Blanca.

Del 10 al 14, 21 hs.

-danza árabe Sublime

Recibí BALLETIN DANCE en tu casa todos los meses

Gala show de maestros y ballets invitados. Viernes 7 de junio, 20:30 hs. Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

-tango Tríada de un Abrazo De Maximiliano Martino Ávila. Ciclo de danza Colección Tango de Leonardo Cuello. Jueves 20:30 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

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Ciclo Rituales de Pasaje. Un proyecto de Matías Umpierrez. Intérpretes: Flor Dyszel, Denise Groesman, Carolina Martín Ferro, Lalo Rotavería, Claudia Schijman, Martín Soler, Matías Tavolaro y Vivi Vázquez. 5 intervenciones, en 5 puntos de la ciudad, 1 sólo espectador a la vez, 7 performances diarias por locación. Locaciones: una estación del subte D, un departamento privado, el Museo Malba, la Casa de la Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y el Teatro Presidente Alvear. Cada espectador comprará su entrada por internet (www.teatrosolo.com.ar): y allí se le indicará dónde y a qué hora debe acudir, sin acompañantes, a su cita. Sábados y domingos hasta el 2 de junio.

SUSCRIPCIÓN A LA EDICIÓN IMPRESA:

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Imperdible Alessandra Ferri volverá al escenario con The Piano Upstairs, una obra con coreografía propia que se estrenará el 28 de junio, en el Festival de Spoleto de Italia La italiana Alessandra Ferri, quien conformara junto a Julio Bocca una de las más magníficas parejas del ballet mundial, cuando integraban el American Ballet Theatre de Estados Unidos volverá a bailar en una pieza creada en Nueva York donde está radicada.

El Piano de Arriba tiene puesta en escena de Giorgio Ferrara y música de Arvo Pärt, Philip Glass y Fabrizio Ferri (marido de la bailarina), y además de la danza de tres bailarines, la acción dramática correrá por cuenta de Boyd Gaines (ganador de cuatro premios Tony). La historia narra una crisis de pareja que termina cuando ella deja a su marido, sumido en una fábula alejada de la realidad. La Ferri interpretará a la mujer real y a la conciencia del hombre.

Alessandra Ferri se había retirado a los 43 años (en 2006), con La Dama de las Camelias de John Neumeier, junto a su compatriota Roberto Bolle, en actuaciones en el Metropolitan Opera House de Nueva York, en la Scala de Milán y en Bunka Kaukan de Tokio. Desde entonces asegura tomar clase todos los días (excepto durante el primer año del retiro), y dedicada a la maternidad no había pensado volver al escenario, hasta que encontró un proyecto en el que -desvinculándola de las heroínas del repertorio clásico- pudiera plasmar su desarrollo personal. “En The Piano Upstairs, asumiré un personaje adulto, con la madurez que me da la edad”, aseguró a la prensa al anunciar el retorno al baile. __BD

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Alessandra Ferri de regreso Foto . Paolo Bonciani

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Nuevas Agrupaciones A fines de marzo debutaron los nuevos elencos nacionales, dependientes de la Secretaría Nacional de Cultura, al mando de la Ministra Graciela Bartolozzi, son: el Ballet Folclórico Nacional, la Banda Folclórica Nacional y el Teatro Nacional

Si bien aún no se integran al organigrama nacional, el Ballet Folclórico Nacional y la Banda Folklórica Nacional debutaron en el Teatro Municipal Ignacio A. Pane, de Asunción del Paraguay, el domingo 24 de marzo, con entrada libre y gratuita.

Con la dirección de Francisco Carvallo, asumido recientemente, del Ballet Nacional de Paraguay se desprendió la agrupación tradicional (integrada por seis bailarines), también dirigida por él.

El espectáculo de presentación se llamó Nacionales y se trató de un espectáculo multidisciplinario con interpretación de los tres elencos, además de los ballets la Banda Folclórica Nacional bajo las órdenes de Alejandra Velázquez, con canciones paraguayas de diversos autores y danzas tradicionales, para culminar con coreografías clásico-contemporáneas firmadas por la rumana Ruxandra Racovitza y el español Fernando Hurtado.

Al finalizar la función, Bartolozzi dirigió unas palabras a la audiencia y entregó unas menciones a Carvallo, Velázquez y a Ana María Imizcoz (directora de Teatro). El Ballet Nacional contó con el apoyo incondicional de la Fundación Pro Ballet. __BD Bartolozzi y Carvallo

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Programación Anhelada El Ballet Nacional del Sodre que dirige Julio Bocca en Montevideo presenta este mes un programa de lujo con coreografías de Kylián, Forsythe y Araiz La temporada 2013 del Ballet del Sodre comenzó en marzo con La Sylphide de August Bournonville, en reposición de Frank Andersen y producción (escenografía y vestuario) del Royal Swedish Opera, junto a la Orquesta Nacional del Sodre dirigida por Martín García.

Fueron diez funciones y los protagónicos corrieron por cuenta de la uruguaya María Noel Ricetto (ya cien por ciento Sodre al terminar su contrato con el American Ballet Theatre) y el jovencísimo español Ciro Tamayo.

Cuando Julio Bocca realizó la presentación a la prensa de la programación de este año en la sede del auditorio Adela Reta en febrero, aseguró estar “feliz con la evolución del ballet uruguayo”, pues desde que asumió su cargo directivo hace tres años el cambio de mentalidad (y de reglamento) permitió el crecimiento que le permite hoy encarar estos repertorios.

Alrededor del cuarenta porciento de los 65 bailarines que conforman hoy el Ballet Nacional uruguayo, es extranjero, “vienen de distintos países a audicionar, lo que da una imagen de que poco a poco, el Ballet está teniendo un buen nivel”, aseguró su director.

Del 23 de mayo al 2 de junio en su sede de Montevideo, se realizará la cuarta Gala de Ballet, que incluirá Sinfonietta de Jirí Kylián, In The Middle Somewhat Elevated de William Forsythe y La Consagración de la Primavera de Oscar Araiz.

Una semana más tarde el elenco emprende sus primeras giras de 2013 (una nacional y otra al exterior) y si bien no se había

Programa de lujo, este mes en Montevideo

confirmado oficialmente, al cierre de la presente edición se consideraba su actuación en Buenos Aires.

Una nueva producción de El Lago de los Cisnes con coreografía de Raúl Candal tendrá lugar del 8 al 18 de agosto, mientras que las segundas giras (nacional y extranjera) serán del 7 al 14 de octubre, en ciudades aún sin confirmar.

Para finalizar la temporada, la compañía uruguaya presentará Hamlet Ruso de Boris Eifman, subirá a escena en el Auditorio Nacional del Sodre, del 5 al 22 de diciembre. __BD

Cristina Reale Bailarina Profesional · Maestra de Ballet

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balletin informativo AYUDAS ECONÓMICAS Iberescena. El Comité Intergubernamental del Programa Iberescena, reunido en la ciudad de Santiago de Chile, entre los días 2 al 5 de abril, aprobó la reforma y periodos para optar a las ayudas económicas en las diferentes líneas de acción que contempla este Programa de integración e intercambio de las Artes Escénicas Iberoamericanas. La convocatoria estará vigente hasta el 12 de septiembre. Podrán postularse proyectos en las líneas: Ayudas a la coproducción de espectáculos iberoamericanos (hasta 32 mil euros, para coproducciones de teatro, de circo o de danza contemporánea y/o de creación actual, de carácter profesional, que tengan su origen en un Estado integrante del Programa), Ayudas a redes, festivales y espacios escénicos (hasta 32 mil euros, para fomentar la distribución, circulación y promoción de espectáculos iberoamericanos), Ayudas a la creación escénica iberoamericana en residencia (hasta 6 mil euros). Informes completos: www.iberescena.org/es/bases-convocatorias.

BECAS Salta. La Secretaría de Cultura de Salta otorgará Becas de Estudio Culturales, como apoyo a estudiantes y profesionales para su capacitación y perfeccionamiento en carreras culturales (públicas o privadas, terciarias o universitarias) que no se dicten en la provincia. Informes: Casa de la Cultura (Caseros 460, Tel: 0387 4215763), web: www.culturasalta.gov.ar.

CONVOCATORIAS Programa Partido y Compartido. Segundo programa del año. Convoca: Compañía Nacional de Danza Contemporánea. 5º edición. Dirigido a grupos de danza contemporánea independiente (no estatal). Podrán presentarse obras ya estrenadas de 20 minutos de duración máxima (completas o un extracto de esta duración máxima). El grupo seleccionado recibirá seis mil pesos en concepto de viático y participará de las nueve funciones que comprenderán el segundo programa de la Compañía, los miércoles y jueves de agosto, en el Centro Nacional de la Música. Los interesados deberán presentar un DVD junto a una carpeta que contenga una breve descripción de la obra y CV de los integrantes, en el Centro Nacional de la Música (México 564, Ciudad de Buenos Aires, oficina 9, PB) antes del jueves 31 de mayo de 2013.

Informes: cndcdanzacontemporanea@gmail.com.

Blog: companianacionaldedanzacontemporanea.blogspot.com.

Varietté Detonante 2013. Se convoca a artistas que presenten números cortos de magia, improvisación, mimo, clown, acrobacia y cortometrajes para participar de esta edición. Los interesados deberán enviar el número a presentar en video, junto a un breve currículum a: gonzalezmacarena@yahoo.com.ar. México 3694, Tel: 3966-8740, http://teatroeldesguace.blogspot.com Clínica de Investigación Escénica-Trabajos en Proceso. El Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti inaugura una nueva instancia de exhibición para espectáculos (proyectos) de teatro, danza, clown, acrobacia y títeres que se encuentren en una etapa avanzada o próxima a su estreno. La modalidad será la de ensayo abierto con público y se requerirá la presencia de un “Maestro de escena” a elección del elenco, quien ofrecerá una devolución del trabajo observado. La convocatoria permanecerá abierta durante todo el año 2013. Los interesados deberán presentar una carpeta con información de la propuesta, en Mesa de Entrada del Centro Cultural (Av. del Libertador 8151, Buenos Aires). Informes: www.derhuman.jus.gov.ar/conti, E-mail: ccmhconti@jus.gob.ar.

Festival Beckett Buenos Aires. 8º edición. Desde la segunda quincena de noviembre a la primera de diciembre de 2013 en Buenos Aires.

Hasta el 10 de agosto se reciben proyectos de teatro, danza y danza teatro, música y cine, para participar de la programación. Las obras deben haber sido escritas por Samuel Beckett o estar inspiradas en ellas.

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Los interesados deberán enviar un sobre con DVD o CD y una carpeta de presentación de la propuesta. Los grupos seleccionados recibirán un porcentaje por la venta de localidades que se establecerá previamente.

Informes: www.festivalbeckett.com.ar, E-mail: orozco@festivalbeckett.com.ar. Envío de documentación: Santos Dumont 2533, piso 6 “B” (1426) Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

VideoBardo 2013. Archivo y Festival de Videopoesía. Se convoca a artistas, colectivos y gestores culturales a enviar propuestas de ciclos de actividades para realizarse en el Microcine Fabril Oracio Campos de Impa La Fábrica, Ciudad Cultural (Querandies 4290, Tel: 2075-6708, Buenos Aires), durante el año 2013. Las actividades podrán ser presentaciones, muestras y proyecciones, entre otros (quedando excluidos talleres y cursos) de temática libre y cualquier disciplina artística. La convocatoria permanecerá abierta durante todo el año.

Informes: www.videopoesia.com, E-mail: info@videopoesia.com.

Festival de videoarte, videodanza y videopoesía. Sábado 2 de noviembre de 2013, Centro Cultural Ernesto Sabato (Severino Langeri 3162, Buenos Aires). Organizan: Eyelén Giacobbe, Stella Maris Leone.

Podrán presentarse obras de hasta 20 minutos de duración y hasta cuatro trabajos por autor o grupo. Cierre de inscripción: 12 de julio. Enviar un mail a: info@eyelengiacobbe.com, adjuntando link a los trabajos postulados y datos del autor. Participación gratuita y no se cobrara entrada el día del festival.

Informes: http://www.eyelengiacobbe.com/bases2013.html.

Festival Cervantino de Azul 2013. 7º edición. Del 1 al 10 de noviembre de 2013. Los interesados en participar deberán presentar una propuesta que se enmarque en el tópico Creación Colectiva, dentro de las siguientes categorías: artes visuales; académico y literario; música; artes escénicas; talleres de participación comunitaria; cine; gastronomía, turismo y deportes; y educación. Emplazada en la provincia de Buenos Aires, Azul fue nombrada Ciudad Cervantina de la Argentina por el Centro UNESCO Castilla-La Mancha, en virtud del valioso patrimonio cultural que ostenta, especialmente por la colección cervantina que atesora en la Casa Ronco, considerada una de las colecciones privadas más importantes del continente. Recepción de propuestas hasta el viernes 24 de mayo. Informes: www.ciudadcervantina.org.ar, E-mail: festivalcervantinoazul@gmail.com.

Festival El Cruce. 13ª edición. Del 31 de octubre al 10 de noviembre de 2013. Rosario, Santa Fe. Organiza: Cobai. Se convoca a grupos, elencos y artistas (danza y artes del movimiento, teatro danza, expresión corporal y otros lenguajes escénicos contemporáneos) a presentar proyectos para integrar la programación de este año. Podrán postularse grupos y compañías de Rosario con espectáculos para sala e intervenciones urbanas para realizarse en distintos espacios públicos de la ciudad. Cierre de inscripción: 31 de mayo. Las obras seleccionadas recibirán un monto retributivo de $ 500 (quinientos pesos argentinos) por integrante del grupo (hasta un máximo de $ 3500). La selección de los elencos para funciones de Rosario y alrededores estará a cargo de Iván Sánchez Ramírez y Rocío Rivera, directores artísticos del Festival Danza al Borde de Valparaíso (Chile). También podrán presentarse obras de Videodanza (local, nacional e internacional). Informes completos: cobairosario.blogspot.com, E-mail: cobairosario@gmail.com.

Ecuador. Encuentro Internacional de Mimo y Pantonima. 3º edición.

Organiza: Grupo Trompos y Garabatos. Podrán participar elencos nacionales e internacionales, cuyos objetivos sean trabajar por los derechos y el respeto a la vida, la naturaleza y el medio ambiente, así como el conocimiento y preservación del patrimonio cultural. Cierre de inscripción: 20 de mayo del 2013.

Informes: E-mail: laalegriadelsilencio@gmail.com.

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Clases desde los 3 años: Iniciación a la danza Danzas clásicas · Danza jazz · Contemporáneo Arabe · Hip Hop · Tap · Pilates · Yoga Gimnasia con barre à terre Paola Alves, Guiliana Bonacera, Jennifer Cerrotta, Julieta Frascara María Luz Iacono, Claudia Lucena, Micaela Milanesi, Beto Pinto Nina Marcela Ricci, Silvia Roller, Valeria Perez Roux Sofia Sancinetti, Agostina Schiavi, Agustina Vivone

MAYO 2013 // BALLETIN DANCE / 71

balletin informativo España. Festival Ulls 2013, Barcelona Cultura. Danza, teatro, música. 7º edición. Del 2 al 6 de octubre de 2013. Podrán participar profesionales o compañías emergentes que trabajen e investiguen sobre lenguajes o disciplinas escénicas contemporáneas y novedosas, y que tengan la presencia de algún elemento de la cultura latinoamericana, con creaciones para espacios públicos o que se adapten a espacios no convencionales. Cierre de inscripción: 30 de septiembre. Informes: www.ulls.org, E-mail: info@ulls.org.

Plan Nacional de Promoción del Tango. Del 30 de mayo al 1º de junio de 2013. Centro Cultural de la Universidad Nacional de General Sarmiento (Roca 850, San Miguel, provincia de Buenos Aires).

Organiza: Dirección Nacional de Artes de la Secretaría de Cultura de la Nación. Charlas, seminarios y clases magistrales, se puede participar como alumno activo o como oyente. Informes: tango@cultura.gov.ar.

Túnez. Festival Internacional en Túnez. Organiza: Yesmin Llebeili. Del 4 al 8 de julio de 2013. Informes: www.festivaltunez.com.

Suecia. Survival Kit Festival 2014. Del 20 de septiembre al 19 de octubre de 2014. en Umea. Convoca a artistas (en forma de cooperativa o individual) cuyos trabajos estén relacionados con la supervivencia en sus diferentes percepciones. Se buscarán perspectivas nuevas o renovadas, provocadoras y atractivas, utópicas y progresistas. Los seleccionados recibirán 300 euros por exponer sus obras, y la posibilidad de recibir un importe en concepto de gastos de transporte de materiales y/o producción, alojamiento e incluso los costes de producción. El jurado estará integrado por representantes de las organizaciones de acogida y seleccionará aproximadamente a 30 artistas internacionales. Cierre de inscripción: 1º de septiembre 2013. Informes e inscripción on-line: www.survivalkitfestival.se.

PRESENTACIÓN DE LIBRO Viviana Morales (Miss Pole Dance Argentina y Sudamérica 2010) presenta su libro Guía Práctica del Pole Dance, de la Editorial Dunken, el miércoles 15 de mayo, a las 18 hs, en el Salón Editorial (Ayacucho 357, de la ciudad de Buenos Aires). El libro es una excelente herramienta de información y soporte para el conocimiento artístico y desarrollo del Pole Dance, “una nueva y cada vez más popular forma de ejercicio en la que se combina de forma armoniosa la danza y la acrobacia”. Con sugerencias para principiantes y bailarines profesionales, se incluyen recomendaciones de nutricionistas, médicos, coreógrafos y psicólogos. Además una breve reseña histórica, planillas coreográficas y de entrenamiento.

FESTIVALES Y CONGRESOS Congreso de Historia de la Danza y la Música Árabe. 1º edición.

Organiza: Estudio Sahar. Viernes 17, de 10 a 14 hs, en la Biblioteca Nacional. Disertarán los especialistas Marina Barrionuevo, Eliana Gissara, Candela Gutierrez, Oscar Flores, Salome Vega, Emine di Cosmo, Leticia Martin, Alejandro Curtarelli, Belen Manuli, Belen Azar, Paula Lena y Viviana Alioto, de Usal, Flacso, Uba, Estudio Sahar, Balletin Dance, Universidad del Tango, Of Studio, Ads, Lady Blue, Orquesta Mario Kirlis, Puc Minas y Neobaladi. Si bien al cierre de la presente edición, el cupo (con entrada gratuita) estaba cubierto, se aceptaban inscripciones de participantes para confeccionar una lista de espera. Informes: Marina Barrionuevo info@estudiosahar.com.

PREMIOS Premios Fundación Vairoletto a las Artes. 1º edición. Se otorgarán 25 premios de mil dólares estadounidenses, para proyectos artísticos que se exhibirán en la Sala Molinos del Faena Arts Center en julio de 2013. Los proyectos podrán ser de distintas ramas artísticas y/o a proyectos interdisciplinarios (instalaciones, performances, pinturas, esculturas, fotografías, trabajos que incluyan diseño y arquitectura, piezas de cine o video, y todos los híbridos entre las disciplinas citadas). Serán bienvenidos trabajos performáticos o teatrales que impliquen “funciones” siempre y cuando incluyan dispositivos permanentes de exhibición.

Jurado: Belén Romero Gunset, Alejo Ponce de León, Rodolfo Marquéz, Julián Andrade y Franco Vico, coordinado por Lucrecia Palacios.

El ganador del Premio Faena 2012 fue el proyecto “Fundación Vairoletto” del santafesino Franco Darío Vico. Basado en la historia de Juan Bautista Vairoletto, un bandido social de la provincia de Santa Fe durante las primeras décadas del siglo XX, descripto como el “Robin Hood de las Pampas (o Criollo)” por su solidaridad con los más pobres y su actitud anárquica hacia las jerarquías e instituciones oficiales.

El proyecto de Vico, ganador del premio el año pasado, recibirá un total de u$s 75.000, de los cuales u$s 25.000 serán para el artista (que donará la mitad a instituciones benéficas) y u$s 50.000 se destinarán a financiar la producción del nuevo premio (la mitad para los ganadores y la otra para la producción de la inauguración, difusión y realización de un video. Inscripciones hasta el 15 de mayo de 2013. Bases y condiciones en www.fundacionvairoletto.org, E-mail: premios@fundacionvairoletto.org.

Congreso Buenos Aires Zouk Lambada. 3º edición. Del 5 al 8 de septiembre de 2013, Hotel Tribeca. Shows, presentaciones, clases, concurso y fiestas. Informes: www.bsaszoukcongress.com.

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72 / BALLETIN DANCE // MAYO 2013

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Congreso Internacional de Artes en Cruce. 3º edición. Los espacios de la memoria. Memorias del porvenir. Organiza: Departamento de Artes de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Del 6 a 11 de agosto de 2013. Se convoca a participar del panel de trabajo Genealogía de la Danza Multimedia y La/el Videodanza en la Argentina. Cuerpos en movimiento. Tensiones- Relaciones entre cuerpo y la imagen analógica-digital. Envío de resúmenes hasta el 15 de mayo.

Coordinación: Alejandra Ceriani, Claudia Sánchez. Informes: www.antropologiadelcuerpo.com, E-mail: tercercongresoartesencruce@gmail.com.

balletin informativo Premio Argentores a la producción de 2012. La Sociedad General de Autores de la Argentina convoca a autores de teatro, cine, radio y televisión a optar por el premio que se otorgará a los mejores textos de las cuatro disciplinas (incluye rubro coreografía original para obra en la disciplina teatro) estrenada entre el 1º de enero y el 31 de diciembre de 2012, que hayan sido declarados en Argentores. Cada género tendrá su jurado y en el caso de teatro contará con un especialista en música, uno en coreografía y otro en teatro infantil. El premio consiste en una estatuilla y la publicación del texto premiado en la colección Premios Argentores. La ceremonia de entrega de premios se realizará durante la fiesta del Día del Autor. Los coreógrafos interesados en participar deberán enviar un sólo DVD del espectáculo, junto a un sobre con información específica de la obra y el autor, hasta el 16 de mayo de 2013, en la sede de Argentores: J. A. Pacheco de Melo 1820, Ciudad de Buenos Aires. Informes: www.argentores.org.ar.

RESIDENCIAS México. Residencias Artísticas por Intercambio 2013 (RAT). Proyecto transdisciplinario de investigación y exploración estética, que busca generar espacios para el desarrollo de propuestas, la reflexión y el diálogo entre comunidades locales, artistas, curadores, gestores culturales, críticos, investigadores y teóricos del arte, provenientes de México y del extranjero a través de un Programa de Residencias Artísticas, que opera a través del intercambio. Las residencias podrán ser de una a tres semanas de duración, en cualquiera de sus dos sedes: la costa del Estado de Oaxaca y la ciudad de México, y de alguna de las dos modalidades: intercambio de obra por estancia (principalmente dirigida a creadores emergentes e independientes, que donan sus obras concluidas al RAT a cambio de su hospedaje) o

en forma de trueque (intercambio de hospedaje en sus sedes a cambio de hospedaje en las sedes de los participantes, bajo similares condiciones). La inscripción permanece abierta durante todo el año.

Informes: www.r-a-t.com.mx, E-mail: r.a.t.residencias.artísticas@gmail.com.

España. Convocatoria Internacional Residencias 2013. Organiza: Sierra Centro de Arte. Santa Ana La Real, Sierra de Huelva. Se seleccionarán seis proyectos en residencia para el periodo comprendido entre junio y octubre de 2013, al menos dos de ellos serán para las disciplinas del arte, la acción y la investigación sonora. Podrán participar artistas (individuales o en dúo), de cualquier nacionalidad de creación contemporánea. Las residencias serán de 7 a 20 días de duración y cubren estancia, alojamiento y manutención completa. La inscripción cierra el 31 de mayo y se presentan únicamente por e-mail: sierra@sierracentrodearte.com. Informes: www.sierracentrodearte.com.

Marruecos. Programa de residencias artísticas y culturales. 2º edición.

Organiza: Instituto Francés de Marruecos. Las residencias podrán ser en cualquiera de sus once centros durante el año 2014 (Agadir, Casablanca, El Jadida, Fez, Kenitra, Marrakech, Meknes, Oujda, Rabat, Tánger y Tetuán), con el objetivo de apoyar la creación marroquí en todas las disciplinas.

Podrán presentarse artistas de cualquier nacionalidad, pero se dará prioridad a los jóvenes artistas e intelectuales de nacionalidad marroquí, y de otras regiones internacionales de habla francesa. Las residencias incluyen transporte, alojamiento y becas de hasta 200 dirhams diarios (en condiciones muy específicas, podría concederse financiación suplementaria), mientras que el tiempo de duración se establece con cada artista en función del proyecto y de acuerdo a la disponibilidad de la sede solicitada.

Cierre de inscripción: 24 de mayo de 2013. Informes: www.if-maroc.org.

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balletin informativo ¿DÓNDE CONSIGO BALLETIN DANCE? OLGA BESIO CLASES ADULTOS Lunes

20.30 hs.

Martes 20.30 hs.

Sábado 17 hs.

Cel: 15-4149-4413 Mail: olgabesio@yahoo.com.ar

En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, BALLETIN DANCE es de distribución gratuita. La conseguís en los locales de venta de artículos de danza y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs.

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9 DE JULIO (BUENOS AIRES) La esquina Arte y cultura, Verónica Paulucci. Tucumán 1698Tel: (02317) 1541-6523. E-mail: veronica_paulucci@hotmail.com CONCEPCIÓN DEL URUGUAY (ENTRE RÍOS) Carina Caire. Rto Uncal 160 Tel: (03442) 44-9020. E-mail: fulltraining@hotmail.com CÓRDOBA CAPITAL Chita’s. San Martin 165, local 35.

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