BALLETIN DANCE 225

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E DA N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 20 Nº 225 - Octubre 2013 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

ADRIAN GALIA Un gigante del pamenco

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NOTA DE TAPA 6 Flamenco en las venas ACTUALIDAD 13 Pensamiento y Reflexión 14 Teatro y Danza 15 Bailarinas Tras el Lente 16 Musicales Premiados 18 Privadamente PROVINCIAS 20 Córdoba. Cualidad Pasional 20 Misiones. Anticipio Adrián Galia homenajea a su madre Foto . gentileza del artista

DANZA ÁRABE 22 Danza Sin Prejuicios FLAMENCO 26 La Bailaora de lo Incierto

Sumario 225

ENTREVISTAS 32 Brenda Angiel. Bailar Volando 36 Morales-Ponce. La Danza es Nuestra Vida 38 Tamara Rojo. La Belleza en la Debilidad Humana 54 Sergei Polunin. Revelde BALLETIN DANCE 30 Primer Concurso de Fotografía de Danza IN MEMORIAM 62 Yellé Bittencourt

COMENTARIOS 42 Iris Ríe 44 Ahí lo Tenés a Borges: si lo Querés, Usalo 49 Don Quijote y el Adiós de Perillo 52 Ballet y Más Ballet 52 Gala de Ballet de Buenos Aires 56 El Arte del Ballet Consumado 58 Belleza y Elegancia en la Gala Internacional 60 Generosa Diversidad 60 La Cruda Nostalgia 60 Jazz Experimental 61 Aprendices ARGENTINOS EN...

67 Mundo. Mario Galizzi 68 España. Francisco Lorenzo 70 Cuba. Marcela Suez 70 Europa. Milena Plebs INTERNACIONALES 71 Italia. Mentores CARTELERA 31/46/64 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/73/74 Audiciones, clase abierta, concursos, convocatorias, residencias

HOMENAJE 63 Olga Ferri

Octubre 2013 - Año 20 - Nº 225 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Ascociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5081363. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Guillermo Chulak Román Ghilotti Eliana Gissara Fernanda Natalia Gómez Mathías Goyburu Natascha Ikonicoff Laura Lifschitz Margarita Pollini Daniel Sousa corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) comercialización EG Media Brokers Esteban Gallego info@egmediabrokers.com diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com

INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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Flamenco en las Nota de Tapa por Daniel Sousa

Venas Consagrado como uno de los grandes bailarines

de flamenco de la generación intermedia, Adrián Galia está de regreso en el país que lo vio nacer.

El 5 y 6 de noviembre estrena una obra en el teatro Astral, junto a su madre, La China, a quien le rendirá tributo. El que fuera compañero de la gran Cristina Hoyos e interpretó los roles que

Antonio Gades creó para sí mismo, confiesa que al flamenco “le está faltando una Mora Godoy”

“Esto me pone feliz de la vida, para mí es un orgullo, un honor, es una satisfacción enorme de poder bailar con mis dos hijos”, confesó La China Foto . gentileza de la producción

“No en vano lo quería Antonio (Gades). A mí me lo pedía siempre. ‘¿Qué está haciendo tu hijo?’, me decía. Y yo le respondía: ‘Está con la Señora (Cristina Hoyos)’. ‘Pues mientras esté con la Señora no lo toco’. Ya le veía él la línea, el estilo, y lo quería en el escenario interpretando sus roles. Como me hubiera gustado que lo viese en vida”.

Contiene la emoción, La China, y acaricia con la mirada a Adrián Galia, su hijo, con el que volverá a subirse a los escenarios en unas pocas semanas. Su orgullo de madre no es del todo desmedido, por cierto. Galia, que nació en Buenos Aires, es uno de los bailarines de flamenco más destacados de la generación intermedia,

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Flamen

integró las principales compañías de danza de España y ha compartido galas con figuras de la talla de Maia Plisetskaya, Vladimir Vasiliev, Sylvie Guillem, Julio Bocca y Natalia Makarova.

En 2012 viajó de visita a la Argentina y echó el ancla. “Encontré mucho material humano aquí pero no existen los medios -dice en referencia a los bailarines locales-. Están necesitando alguien que tire del carro porque hay una gran camada de artistas que está indefensa y pide ayuda a gritos. Al flamenco le falta una Mora Godoy, alguien que lo impulse. Me gustaría quedarme para darles una mano”.

¿Qué lo trajo de regreso al país?

Quería ver qué prometía la tierra de mis orígenes. En noviembre llegué para presentar En Clave Flamenca, un espectáculo de pequeño formato, en el Teatro Picadero. Sebastián Blutrach (dueño de la sala) es un amigo de la infancia. El y su madre, Ana Jelín, toda una institución del teatro español, me apoyaron cuando armé mi primera compañía en solitario al salir de la de Cristina Hoyos, de quien fui compañero de baile y coreógrafo de su elenco. Una vez aquí estuve sondeando el nivel artístico que hay en Buenos Aires y quedé muy bien impresionado. Es así que desde hace un año estoy generando una cantera de bailarines con una serie de talleres en los que intento profundizar en el flamenco, no sólo a nivel físico sino también intelectual. Es que el flamenco es una cultura y no lo podemos abordar como un deporte. Demanda profundizar en ciertos aspectos de su origen y evolución.

En Gigantes del Flamenco, la obra que Galia estrenará el 5 y 6 de noviembre en el Teatro Astral y que luego llevará a la sala Independencia de Mendoza (el 9 y 10), el elenco se reparte entre españoles y argentinos por partes iguales. “Quiero brindar la mano a muchos valores que he ido descubriendo en este tiempo, varios de ellos ex-alumnos de La Maestra (su madre, La China), a quien esta obra homenajea”. Olga María Marcioni, la aludida, lo escucha y observa con devoción. “El flamenco en la Argentina fue otra cosa a partir de ella, es un referente muy importante aquí y hay que valorarlo. Y más allá de que sea mi madre, siempre he pensado que los homenajes hay que darlos en vida y no esperar a que la persona se vaya para otorgarle el sitio que merece”.

¿Cómo recibe este tributo, China?

Pues, imagínate. Empecé a conocer la danza de muy niña, profesionalmente llevo 55 años de carrera. Esto me pone feliz de la vida, para mí es un orgullo, un honor, es una satisfacción enorme de poder bailar con mis dos hijos.

“Hoy mismo sigo creciendo a través de mis alumnos”, asegura La China Foto. gentileza de la producción

Es que además de Galia, de su esposa Loli Sabariego (cordobesa de Andalucía), cinco músicos y el cuerpo de baile, el espectáculo contará con la presencia de Cristina Martos, la otra gran debilidad de La China, que viajará especialmente desde España para estas funciones. “Seremos tres generaciones de artistas en escena con rasgos muy diferenciados”, anticipa el coreógrafo y director. Sobre el hilo argumental de la obra comenta que “Lorca siempre está presente en el flamenco, y ésta no será la excepción.

Lo encuentras en la música, en las letras… No es mi punto de partida pero sí un referente hacia donde miro para construir. No habrá alusiones a la vida de Lorca, pero en el flamenco él siempre está. Incluí Preciosa y el Aire, uno de sus mejores poemas, y La Casada Infiel, aquel de “…y yo me la llevé al río creyendo que era mozuela, pero tenía marido”. Lorca aparece por los resquicios, rellenando las grietas y redondeando la obra”.

¿Qué características tiene su estilo de baile?

Yo no soy ni recto ni curvo, ni largo ni corto. Soy yo. He llegado a un punto donde me identifico con la danza a través del flamenco, que es la herramienta con la que esculpo la piedra. Dediqué muchos años al ballet clásico, esa es mi formación. Pero mi núcleo es el flamenco y un día debí tomar una decisión. La maestra de ballet me pedía que me cuide las piernas, que no zapateara tanto.

Y por el otro lado, mi madre: “¿Qué haces Adrián dando tantos saltos?”. Me decidí a salir por el medio. Es por allí por donde mi generación le abrió otra ventana al flamenco. Me he interesado mucho por Martha Graham, Alvin Ailey, Pina Bausch…Todos registros que me interesan. Con ese bagaje pude identificar que desde el punto de vista de la danza, en el flamenco se podían hacer muchas cosas. Gades nos dejó un camino muy claro en ese sentido, nos enseñó que el texto se podía bailar y que existía un público para eso. Los flamencos más ortodoxos dicen de mí que no soy tan puro, y los bailarines más bailarines creen que no soy tan bailarín. Así soy, pues.

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¿Por qué es que usted, China, no quería que Adrián se dedicara a la danza? ¿Quién te ha contado eso? (risas) Es cierto, yo le decía “estudia Adrián, que es eso lo que te voy a dejar”. Quería que tuviera una carrera porque conocía lo que es la lucha. Yo he sido una bailaora flamenca cerrada, de tablado. Teatros, poquísimos. Y en el tablado tienes que ser flamenco o duras dos días. En los años ´70 esto era durísimo, si uno se mantenía era porque verdaderamente notaban que tenía algo que alguna vez podría desarrollar. Lo que yo quería era que mis hijos sufrieran lo menos posible, porque en esto he llegado a sufrir mucho por estar y mejorar. Hoy mismo

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sigo creciendo a través de mis alumnos. Quizás del que está en el fondo, detrás de todos. El no lo sabe pero, vamos, hasta de ese alumno se aprende.

En este punto, La China, mujer de belleza perenne y conversación encendida, recuerda una anécdota que la conmueve. “Me enteré que Adrián tomaba clases de flamenco a través de mi madre. El estaba en España, yo trabajando en Venezuela, y mi madre desde la Argentina me escribió una carta. “No le digas a Adriancito que te he contado”, me suplicaba”. De la mano de La China, Galia llegó a Europa a los doce y dos años más

VIAJERO INCANSABLE Desde el año 2003 que Adrián Galia no comparte un escenario con su madre, La China, y con su hermana Cristina Martos. Fue en Tokio, en una de sus muchas visitas a esa tierra que ha acogido al flamenco con pasión inusitada. “Japón tiene un tablado llamado El Flamenco, que lleva cuarenta años de inaugurado.

Todos los grandes han pasado por ahí.

Cuando todavía no existía Internet, los japoneses ya llevaban los grandes espectáculos flamencos a ese escenario. Más allá del poder económico que tienen para viajar y aprender en España, ellos siempre estuvieron muy actualizados. Existe una movida muy interesante, sobre todo en el baile y la guitarra. En el cante van rezagados por la cuestión idiomática. Lo bueno es que han empezado a trabajar al flamenco desde su propia cultura, lo utilizan como una herramienta artística.

Han comprendido que no pueden pensar ni sentir como alguien de Sevilla o de Córdoba. Lo mismo ocurre acá, y en Brasil, adonde acabo de estar. El flamenco se está metiendo en la cultura de otros países, lo mismo que sucedió con el jazz, con el blues, con el tango”.

Desde 1990 Galia viaja una vez al año a Japón a dictar sus clases. Montó el primer centro coreográfico de flamenco en Tokio y lo dirigió durante un lustro. Hoy colabora con el Estudio Sol, del cual su madre es profesora titular.

Una enciclopedia audiovisual de 21 capítulos sobre el arte flamenco, que el artista editó hace un tiempo, promete abrirle también las puertas de Latinoamérica. Publicada originalmente por Salvat, será relanzada en breve por El País a nivel regional. Mientras tanto, Galia sigue adelante con sus talleres en el estudio de Alicia Fiuri y Néstor Spada, en el barrio de Almagro. “Tengo una pierna de cada lado, una aquí y otra en España. Me encantaría poder quedarme”, se ilusiona.

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tarde ingresó en la Escuela del Ballet Nacional de España. “La sociedad, el mundo en general, estaba anclado en ese tiempo en una prehistoria donde la mujer era un bulto sospechoso que debía estar en la cocina. Por eso esta mujer fue pionera en muchos aspectos”, la elogia Adrián. “Si no eras gitano, era complicado entrar al flamenco, y más si eras argentino”.

Las ansias de crecer hicieron que La China abriera su propio tablado en Venezuela y eso, entiende su hijo, “fue clave para que los flamencos finalmente la aceptaran”. Galia hacía los deberes escolares en un rincón del tablado, mientras su madre ensayaba.

La Escuela del Ballet Nacional lo alejó en parte de ese mundo tan particular, aunque siempre mantuvo el vínculo con el que considera “un espacio sagrado”. A los diecisiete, cuando había conseguido un lugar en “la mejor compañía de esa época, el Ballet Español de Madrid”, al lado de artistas como José Antonio, Luisa Aranda, Emilio de Diego (compositor de Bodas de Sangre) y Merche Esmeralda, problemas con su pasaporte lo devolvieron de prepo a Buenos Aires. Un año tardó en poder regresar, justo cuando la compañía de Gades había convocado a audiciones.

Resultó uno de los dos elegidos entre doscientos postulantes.

Y otra vez el pasaporte: “Entro a la oficina para firmar mi contrato, extiendo mi pasaporte y…“lo sentimos pero en España hay mucha gente sin trabajo y no podemos aceptarlo”. Muchos años después, en 2004, tras la muerte de Gades, volvieron a llamarme, no sólo para entrar en la compañía sino para interpretar los roles que él había creado para sí mismo. Fue una satisfacción enorme”.

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Galia y su máxima pasión: “El flamenco me puso en línea con la vida” Fotos. gentileza de la producción

¿Nunca se frustró?

Mi pasión estaba por encima de todo. A mí el baile me sacó de muchas cosas, me puso en línea con la vida. En esa época, los años ´80, era muy fácil terminar en las drogas, la juventud en España caía como moscas, algo tremendo. Cantaores, bailaores, guitarristas, no se salvaba nadie. Y yo gracias a la danza estoy vivo. Todas las mañanas a las nueve tenía clase de ballet, cuántas noches crees que podía trasnochar en esos juegos. ¿Qué rasgos heredó de su padre Jorge Luis, a quien muchos recordamos por el espectáculo Por las Calles de Madrid?

Así como mi madre es bailaora y mi padre era bailarín. En él encontré un gran referente masculino, físicamente me parezco mucho. Verlo bailar fue una confirmación de que eso era lo que quería para mí. Desde los cinco años mi padre se formó con los Pericet, debutó aquí en la Argentina con ellos, en Canal 13. Era la mano derecha de Luisa y fue el único niño que aceptaron en su escuela, en la que sólo formaban a adultos. He absorbido mucho de mis padres, como de Paco de Lucía, que me abrió un mundo musical fantástico que me permite ser más bailarín. Y de José Granero, otro argentino olvidado. Y de Gades, por cierto. Era imposible no mirarlo e intentar llegar a ser como él. __BD

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Pensamiento y Reflexión Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza expone en encuentros específicos de los medios de comunicación y las artes escénicas en Buenos Aires Por un lado, el área Comunicación y Artes Escénicas de la Faculta de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires, coordinada por Mónica Berman, Florencia Levy y Maximiliano de la Puente, organizó la segunda experiencia de jornadas abiertas al público, el sábado 28 de septiembre, en la sede de Santiago del Estero de la institución. Allí, Román Ghilotti expuso en representación de Balletin Dance, en la Mesa de Revistas de Artes Escénicas y Cine: Hacia un estado de la cuestión.

Al finalizar, se realizó el 1º Encuentro de Críticos y Periodistas Culturales quienes intercambiaron experiencias y conocimientos propios de la profesión.

El comité organizativo estuvo a cargo de Mónica Berman, Natalia Gauna, Ivanna Soto, Marisol Cambre, Daniel Gaguine, Constanza Tagliaferri, Mauro Batisttini, Gustavo Gaona, Mónica Ogando y Florencia Levy.

Por otro lado, Balletin Dance, participará del II Foro Social de Revistas Culturales Independientes, que se realizará del 11 al 13 de octubre en la Manzana de las Luces (Perú 272) de esta ciudad.

Con actividades abiertas al público, y entrada gratuita, el foro incluirá talleres, presentaciones, exposiciones, proyecciones, debates y recitales desde las 12 hasta las 19 hs.

Bajo la organización de la Asociación de Revistas Culturales

Independientes de Argentina (Arecia), La Revista Argentina de Danza, representada por Agustina Llumá, brindará su testimonio como uno de los medios de mayor antigüedad en el país, en un Taller de Intercambio y Reflexiones, el sábado 12, a las 12 hs.

Conformada en abril de 2011, la asociación que nuclea a las revistas autogestionadas, ha logrado conformar una red activa que abarca a todo el país y que trabaja para lograr el fortalecimiento de la edición independiente, la defensa de sus derechos y la creación de políticas públicas que la reconozcan y respeten.

Entre sus acciones se cuentan la realización del primer Informe del Sector con contenido fundamental para reconocer el alcance que adquieren estos medios y la confección del proyecto de Ley de Fomento de Revistas Culturales, presentada en la Cámara de Diputados por el diputado Jorge Rivas (del Frente para la Victoria), con el respaldo de sus compañeros de bloque Agustín Rossi, Héctor Recalde, Mara Brawer, Adriana Puiggrós, Liliana Ríos, Remo Carlotto, Juan Carlos Junio, Carlos Heller, María del Carmen Bianchi, Silvina García Larraburu, Edgardo Depetri y Omar Plaini. La iniciativa cuenta con el respaldo de las carreras de Comunicación Social de la Universidad de Buenos Aires (UBA), la Universidad Nacional de Quilmes (UNQUI) y la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (UNLZ). __BD

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Teatro y Danza Del 4 al 20 de octubre se realizará la novena edición del Festival Internacional de Buenos Aire (Fiba) organizado por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires. Más de 50 espectáculos nacionales e internacionales, además de workshops, un ciclo de cine, charlas con artistas y presentaciones de libros El emblemático encuentro dedicado al arte escénico contemporáneo, con dirección artística de Darío Lopérfido (su fundador que retoma este año este cargo), programó para esta edición, menos danza que anteriormente. Esto fue motivo de reclamos por parte de las organizaciones que nuclean a los hacedores de la danza contemporánea, quienes emitieron varios comunicados y se reunieron con los directivos del Fiba, con un resultado favorable, pues se consiguieron así nuevos espacios de debate y reflexión.

Este año el festival tendrá su centro en el Salón Real (Sarmiento 1272), Punto de Encuentro y sede de numerosas actividades que permitirán el intercambio constante entre los artistas invitados, los programadores extranjeros, los periodistas y el público. A esto se suman, veintisiete salas esparcidas en todos los barrios de la ciudad de Buenos Aires, y localidades a precios promocionales, donde además de los espectáculos se ofrecerán actividades gratuitas.

El Ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi sostuvo: “Es muy atractivo hacer un festival de artes escénicas en una ciudad de teatro como es Buenos Aires, con una inmensa oferta teatral tanto oficial, comercial e independiente”. Por su parte, Darío Lopérfido, expresó: “Este año el Festival se presenta renovado, con más secciones y un número record de espectáculos internacionales y actividades. Estamos muy conformes con el trabajo realizado. El público de Buenos Aires es muy exigente,

nos esforzamos por complacerlo brindando una oferta múltiple en términos de estéticas”.

La programación internacional contará con veinte espectáculos de directores y compañías de Alemania, Australia, Bélgica, Chile, Congo, Francia, Italia, México, Polonia, Reino Unido y Uruguay. En esta edición se destaca la presencia del director alemán Thomas Ostermeier, el belga Jan Fabre, el italiano Romeo Castellucci, el británico Matthew Lenton, el uruguayo Roberto Suárez y la chilena Manuela Infante, entre otros. Mientras que la oferta argentina incluye treinta y seis espectáculos (dieciséis de ellos elegidos a partir de una convocatoria para obras ya estrenadas).

La apertura con entrada libre y gratuita, presentó el viernes 4 de octubre, un espectáculo de gran formato (por primera vez) en el Dique 2 de Puerto Madero, Fous de Bassin por la compañía francesa ilotopie, sobre el agua.

DENTRO DEL FESTIVAL Habrá varios intro-festivales dentro del Fiba. Las Películas (más de treinta proyecciones con entrada gratuita, en colaboración con el BAFICI), un acuerdo con el Festival EÑE de España dedicado a la literatura dramática ( también con entrada gratuita, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires), se presentarán dos libros (el Premio de Nueva Dramaturgia Germán Rozenmacher y una flamante edición a cargo del FIBA del libro Corpus Jan Fabre. Observaciones de un Proceso Creativo de Luk Van den Dries, que presentará el propio Fabre), habrá encuentros post-función en todos los espectáculos extranjeros (workshops y charlas entre el público y los directores), una selección de obras (Interiors, Traición, Sonata de Otoño y Delirio Gaucho) viajará a Santiago de Chile a través de un acuerdo con la Fundación Internacional Teatro a Mil (FITAM), un Mercado para estimular la exportación de obras locales que será ofrecida a los casi cincuenta programadores extranjeros invitados, habrá también una exposición de diseños escenográficos, y el programa TransARTE que se realiza por primera vez en nuestro país (iniciada por el Institut français para favorecer la circulación y el desarrollo de propuestas artísticas, con cruces de disciplinas entre Francia, Alemania, Turquía y Argentina).

La programación completa puede encontrarse en internet, en el sitio del festival: buenosaires.gob.ar/festivales. __BD

The Power of Theatrical Madness de Fabre, este mes en Buenos Aires Foto . gentileza Fiba 14 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

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Bailarinas Tras el Lente Sandro Pujia presenta la exposición fotográfica Cruz y Ficciones, con actrices y bailarinas de modelo En una muestra casi escenográfica, Sandro Pujia, expone 21 fotografías inéditas, resultado de un trabajo de más de tres años, en el que fotografió a actrices y bailarinas con una estética pictórica que remite al clasicismo.

Nacido en una familia de artistas, Pujia se dedica a la fotografía y a la iluminación teatral desde su juventud. La muestra podrá verse hasta el 21 de octubre, con entrada libre y gratuita, en el Espacio Fotográfico Marcelo Gurruchaga (Bartolome Mitre 2380, puerta gris) de lunes a viernes de 15 a 19 hs. __BD

Dos de las obras que se exponen este mes Fotos . Sandro Pujia

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A partir del 1° de octubre un nuevo lugar en microcentro, bien cerca tuyo…

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Musicales Premiados Los Premios Hugo al Teatro Musical celebraron su cuarta edición el 9 de septiembre, con un espectáculo en el Teatro Astral, que incluyó intervenciones artísticas de los nominados, entre las entregas de estatuillas a lo mejor del género del último año Ya el lunes 26 de agosto se había realizado una ceremonia preparatoria, en el Novotel, con la entrega de diplomas a todos los nominados y además los premios de nueve de los casi cuarenta rubros incluidos en los Premios Hugo al Teatro Musical, correspondientes a la temporada 2012/2013. Encabezado por los mentores de los galardones, Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, el acto fue conducido por Karina K y Melania Lenoir.

En el Astral, los Premios Hugo, convocaron a todos los hacedores del teatro musical argentino, de hoy y de siempre.

La ceremonia del 9 de septiembre (transmitida en vivo por internet y por radio, con seguimiento en las redes sociales y con una emisión el siguiente sábado por el canal televisivo TN), fue conducida por Laura Oliva y Nicolás Scarpino.

La apertura del evento incluyó una coreografía de Alejandro Ibarra a cargo de un cuerpo de baile seleccionado ad hoc, y la actuación de María Rosa Fugazot, Sandra Guida, Cecilia Milone y Mariela Passeri, entre otros. Además de los premios a los rubros anunciados se entregaron reconocimientos a la trayectoria, se recordó a aquellos que murieron este año y se realizó una exposición de fotografías de las obras nominadas.

El premio al Mejor Musical fue para Manzi, la Vida en Orsai, mientras que El Cabaret de los Hombres Perdidos resultó

Elizabeth de Chapeaurouge premio a la mejor corografía Foto . Antonio Fresco

ganador de los premios Mejor Musical del circuito Off y además Lo Mejor de la Temporada, por su parte Tanguito Mio fue el Mejor Musical Infantil.

Elizabeth de Chapeaurouge fue galardonada por Más de Cien Mentiras (Mejor Coreografía) y Gastón Marioni por Tanguito Mío (Mejor Coreografía en Musical Infantil y/o Juvenil). __BD

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Privadamente Desde el origen de los tiempos, los bailarines del Teatro Colón, han integrado pequeñas agrupaciones para poder así mostrar su arte a otros públicos, y a la vez encarar otros repertorios Juan Pablo Ledo al frente de su espectáculo Taco, Punta y Traspié, y Federico Fernández liderando Ballet en Gala, son dos de los actuales componentes del Ballet Estable del Teatro Colón, que con sus propios grupos recorren la Argentina y ahora también el exterior.

Luego de una temporada de funciones en septiembre, en el Teatro Alvear de Buenos Aires, Taco, Punta y Traspié, emprende giras a Brasil y China. La propuesta dirigida por Juan Pablo Ledo, cuenta con coreografías propias y de Hugo Mastrolorenzo y música en vivo a cargo del dúo Fuertes-Varnerin.

Este espectáculo, con 12 artistas en escena entre bailarines (al propio Ledo lo acompañan Candela Echenique, Mariela Roces, Albano Jiménez, Belén Roces, Maximiliano Gómez, Camila Alegre, Juan Del Greco, María Caballero y Juan Cabral) y músicos en vivo, es una combinación de distintos estilos coreográficos: tango salón, tango escenario y danza contemporánea.

Ledo viene presentando este show, con algunas variantes de cuadros y artistas, desde hace poco más de un año, por lo que ya muchos espectadores pudieron verlo en diferentes salas de esta ciudad, en Mar del Plata y en Temuco (Chile).

Taco Punta y Traspié, el espectáculo de Juan Pablo Ledo, viaja a Brasil y China Foto . gentileza de la producción

Por su parte, Federico Fernández, será invitado especial en el show Saravá Vinicius de la cantante Josi Díaz, que se realizará el

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Federico Fernández y Karina Olmedo en Manon Foto . Máximo Parpagnoli

12 de octubre en Buenos Aires. Allí bailará junto a Larisa Hominal Insensatez del genial poeta brasileño.

Y cinco días más tarde, partirá con su grupo Ballet en Gala para participar de la vigésima edición del Festival Internacional de Ballet del Amazonas en el norte de Brasil junto a Karina Olmedo y Julieta Paul como primeras bailarinas, además de Paula Cassano, Gerardo Wyss, Luciana Barrirero y Nahuel Prozzi.

En el exterior la agrupación liderada por Fernández presentará tres galas diferentes, conformadas por diversos pas de deux del repertorio clásico de los ballets Don Quijote, Raymonda, Coppelia, La Bella Durmiente, Espartaco y Carmen, Cassano realizará La Muerte del Cisne y para el final también habrá tangos con una coreografía grupal de Julián Galván. Esta será la sexta ocasión en la que este argentino participa del festival norteño (dos de ellas junto a Ana Botafogo).

Por otra parte, el 26 de octubre junto a Julieta Paul, Federico Fernández bailará en la Gala Internacional Priscilla Yokoi de Sao Paulo AQUEL 10 DE OCTUBRE Un grupo de bailarines del Teatro Colón encabezado por Norma Fontenla y José Neglia, junto a Margarita Fernández, Carlos Schiaffino, Rubén Estanga, Martha Raspanti, Carlos Santamarina, Sara Bochkovsky y Antonio Zambrana, partía el 10 de octubre de 1971 del aeropuerto metropolitano de Buenos Aires para bailar en Trelew. Se trató de una de las peores tragedias aéreas de la historia del país que causó la muerte de los nueve bailarines y de los pilotos.

“La muerte de los nueve bailarines del Colón fue para la inmensa masa popular el cruel enfrentamiento con una verdad que no había previsto. Fue la desaparición de lo que era hermoso y que,

por ello, no debía morir. Fue la destrucción de esos seres humanos que habían aprendido a amar en contacto cálido y directo” diría Angel Fumagalli en Balletin Dance en 1998, recordando este acontecimiento en cuya fecha hoy se conmemora el Día Nacional de la Danza.

“El agua acompaña su recuerdo cerca del Teatro de sus afanas y de sus triunfos. Una fuente monumental (“La fuente de los bailarines” como la ha bautizado el lenguaje popular), es el lugar que convoca en cada aniversario a estudiantes, bailarines, espectadores, familiares y amigos, personalidades ilustres y seres anónimos que no olvidan. Unos y otros depositan allí sus flores (similares a las que acompañaban sus noches de triunfo) y dejan depositados una oración o un pensamiento entrañable. Sin el peso inerte de bronces y mármoles que no les pertenecen, sino con el estallido dinámico de la imaginación, la fantasía y el unánime fervor a la danza que a todos hermana”. __BD

La Fuente de los Bailarines, frente al Teatro Colón Foto . archivo Balletin Dance

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Cualidad Pasional Un grupo multidisciplinar estrenó el mes pasado Orgías del Té, Danza de lo Imperfecto en la capital mediterránea La agrupación Mudanzas Escénicas Clap! Junto al Proyecto [red] Ensamble, estrenó el mes pasado un proyecto multidisciplinar, que se repetirá los viernes de octubre en el Espacio 351 (Félix Robin Ferreyra 2932, del barrio Alto Alberdi de Córdoba Capital).

Se trata de una obra de danza contemporánea con doce bailarinas (Ana Linder, Elisa Vallania, Erika Lipcen, Georgina Tello, María Laura Cordero, María José Guzmán, Milagros Zárate, Romina Martelotto, Roxana Martín, Sandra Carina Sanchez, Sofía Puente y Xilenia Carreras) y cinco músicos en escena, más un equipo de producción audiovisual de siete integrantes, una artista plástica, dos iluminadoras, dos asistentes de dirección y una guionistadirectora (Ariana Andreoli).

El proyecto surgió a fines del año pasado desde un proceso de búsqueda “en lo que llamamos mapa corporal, mapa grupal y mapa territorial. Así llegamos a la conjunción de un binomio fantástico: la raíz de orgía y las hierbas serranas más una temática el deseo” señalaron sus creadores.

“Orgía etimológicamente del griego Öpyia derivada de öpyn (orgi: agitación, pasión) y el sufijo ía (cualidad). En la Grecia Antigua

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Orgías del Té, este mes en Córdoba Foto . Lucía Rubiolo

originalmente las orgías eran ritos de mujeres que se reunían a bailar sensual y frenéticamente en los bosques en honor a Dioniso y Pan. Posteriormente comenzaron a sumarse los hombres...

Como mucho de nuestro lenguaje actual el término fue tomando otras significaciones” explicaron. __BD

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Birthday Offering en el Royal Ballet Foto . gentileza del Centro del Conocimiento 20 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

Iñaki Urlezaga y su Ballet Concierto presentarán el jueves 24 de octubre Birthday Offering en el Teatro Lírico del Centro del Conocimiento de Posadas A poco más de dos años de su primera visita a Posadas, con motivo de la inauguración del Teatro Lírico, Iñaki Urlezaga regresa a la provincia de Misiones, con Birthday Offering, la coreografía que Frederick Ashton creó en 1956 para Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev, con motivo del 25º aniversario del Royal Ballet (Londres).

Con esta pieza el Ballet Concierto codirigido por Lilian Giovine, viene presentándose en gira por las provincias argentinas desde marzo de este año, y en el exterior de la Argentina, con funciones en Tailandia y Egipto a comienzos de octubre. Además, estaría programada para que el Teatro Argentino de La Plata cierre su complicada temporada 2013, el mes próximo, en la capital bonaerense. __BD

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Danza Sin Prejuicios Por Eliana Gissara Erika González presenta Desdanza, un nuevo espectáculo que combina danza experimental, tribal fusión y bellydance. A pocos meses de ser madre, la bailarina dialogó con Balletin Dance sobre su nueva inspiración y la construcción de su identidad como artista Cultora de la audacia a la hora de la creación, su danza carece de límites definidos. Movimientos de hip hop se mezclan con ondulaciones y quiebres de cintura. Una alianza indivisible con los sonidos, a veces melódicos, a veces bucólicos, conforman una idea que se inscribe en no más de cinco minutos, cada vez. Erika construye una danza que roza lo híbrido, y que más bien está librada a la interpretación del que la ve.

“Es un lugar raro porque desde el mundo de la danza tribal consideran que no soy bailarina de tribal, desde el mundo de la danza árabe consideran que no soy bailarina árabe porque soy tribal.

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Otros consideran que soy experimental pero desde lo experimental dicen que soy muy oriental. Me divierte poder compartir diferentes espacios. Siempre digo que no pertenezco a ningún lado, sin embargo puedo estar en todos”, comenta Erika, a poco de presentar su nuevo espectáculo, Desdanza, los días 5, 19 y 26 de octubre en el Espacio La Clac.

¿Y usted cómo se considera?

Me considero bailarina árabe fusionista. Es difícil de comprender, más aún si no pertenecen al mundo del árabe, porque la gente tiene una idea formada sobre la danza oriental vinculada a la sensualidad. Pero sin duda mis tres pilares son oriental, hip hop y butoh.

Danza experimental y tribal fusión con la impronta de Erika González Foto . Santiago Nuñez Bonifacino

Hace poco tuve una conversación con Sharon Kihara, exponente de tribal fusión, y me decía que era genial esto de no pertenecer a ningún lado. Que era lo mejor que me podía pasar. Yo le comentaba que el American Tribal Style (ATS) no me divertía; me gusta verlo pero no bailarlo. Con el butoh me pasa algo similar.

Me pregunto por qué el cuerpo deforme, por qué no hacer butoh con un cuerpo esbelto o erguido. Quizás tengo la costumbre de romper con cada estructura que se me aparece.

Fusión es un término muy discutido dentro de la danza. ¿Existe una relación con la construcción de un movimiento nuevo? ¿Se podría hablar de un híbrido?

Yo creo que algo híbrido es experimental y en ese caso no puede definirse con un nombre específico. Después existen muchos estilos de fusión. Es difícil llegar a un híbrido, es imprescindible tener información de cada género en particular y a partir de ahí conectar esos puntos para que lo que salga de eso sea realmente híbrido. Aun así, siempre les digo a mis alumnas que por más que fusionemos nuestra columna vertebral es el bellydance, somos bailarinas orientales, sólo que somos fusionistas; pero es imposible fusionar si no sabemos nuestra danza madre. Y cuando hablo de bellydance me refiero al estilo argentino, al de mis referentes Amir Thaleb y Saida.

¿Qué relación mantiene con los referentes de la danza oriental?

Tengo un diálogo constante con quienes siento son mis referentes. Soy de preguntar mucho, no dar por sentado nada. Qué mejor escuchar de tu maestro o de tus colegas la visión que tienen sobre tu obra. Si bien hace mucho que no me pongo un traje de odalisca, traté de no dejar las clases de bellydance. ¿Cómo nace Desdanza?

Surge en un contexto de poco desarrollo en la danza fusión.

Siento que hay mucha dispersión, algunos están muy perdidos y otros están totalmente centrados en una idea. Desdanza rompe con esta dicotomía y quita la responsabilidad de delimitar la danza. Es como sacarse de encima el peso de definir qué danza es, hasta dónde llega una y hasta dónde llega aquélla, qué está permitido y qué no... Me parece perfecto que cada danza guarde ciertos parámetros y que a partir de allí surjan las escuelas pero, a título personal, soy demasiado experimental y me fascina mezclar, estar todo el tiempo fusionando y eso hace ruido en algunos casos. Por eso la idea es “desdanzarse”, sacarse de encima esos prejuicios. __BD

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

32 AÑOS FORMANDO BAILARINES EN SAN ISIDRO • Danza Clásica • Stretching con Análisis Biomecánico • Danza Jazz • Danza Contemporánea • Hip Hop New Style

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¿Cómo se desarrolló el proyecto y quiénes participan?

Me acompaña la troupe Danzarama y también vamos a tener invitados especiales, siempre bajo este concepto de la fusión. El 5 de octubre bailará bollywood Leandro Ferreyra, el 19 nos visita Julia Berón y Gaetano Parello para hacer tango fusión y el 26 vendrá Diana Bogado, ex integrante del Grupo Huma, para hacer bellydance fusión. También tendremos músicos experimentales invitados. Vamos a hacer un lindo show, en una sala chica, para que la gente pueda relajarse, tomar algo y disfrutar de la danza.

También marca su vuelta al escenario luego del nacimiento de su hija La realidad es que con el nacimiento de Nina había decidido dedicarme sólo a ella. Pero cuando ella cumplió los tres meses sentí la necesidad de volver a bailar. Por eso acordamos volver a juntarnos con las chicas de Danzarama y ahí surgió la idea de hacer algo nuevo. Armamos las coreografías, diseñamos los vestuarios y montamos la obra de acuerdo a estos tiempos. Y la llamo obra porque a mi entender son composiciones, es como una escultura que se inicia con una idea y luego va tomando forma real.

En Desdanza hay composiciones muy diversas entre sí porque las bases musicales también lo son. Hay candombe, folklore rajastaní, cantantes japoneses, tango fusión, estilos góticos, algunas danzas más relacionadas con lo contemporáneo y un vínculo con lo teatral más intenso a partir de la interpretación de personajes, ácidos y freaks.

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Las proyecciones son características de González y su compañia Danzarama Foto . Santiago Nuñez Bonifacino

¿Cómo vivió su embarazo y los cambios?

Es lo más lindo del mundo, complicado físicamente hablando por el tiempo que lleva de quietud. De todos modos bailé hasta los ocho meses. Nina está presente en los ensayos. Hubo un tiempo de adaptación a nivel físico, ya que nuestra danza se baila mostrando la panza, la parte que más cambia con el embarazo. La exposición es diferente, cuesta mostrarse. Pero más que nada siento que Nina es una inspiración, cambió el orden de las cosas.

Por ejemplo, antes pensaba que los vestuarios tenían que ser una superproducción, pero después de haber pasado por estados diferentes del cuerpo me di cuenta que hay que poner la lupa en el movimiento y no tanto en el vestuario. En la danza árabe el brillo y el glamour es todo; en la danza tribal también, la cantidad de adornos que las bailarinas usan… Pero como nuestra danza es fusionada me da la posibilidad de despojarme de eso.

La vuelta viene recargada…

Sí, de hecho ya estoy preparando lo que será el espectáculo del año que viene, una producción muy grande con proyecciones y uso de tecnología. Se trata de componer una danza a partir de la aplicación de la tecnología. Una idea bien moderna y futurista que llevará su tiempo armar y que vamos a plasmar en un espacio no convencional. __BD

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La Bailaora de lo Incierto

Carmen La Talegona: “Mi objetivo es incentivar la experimentación” Foto . Pepe H

Por Guillermo Chulak

“Con mi baile y la música encontré la alegría y la belleza de la vida”, dice la apasionada andaluza, Carmen La Talegona, en su segunda visita a Buenos Aires

La cordobesa perteneciente a la estirpe flamenca de “Los Talegotes” se presentó dos veces en agosto de este año en el Centro Cultural Borges, junto a los artistas de esta ciudad: Maximiliano Serral, Eugenio Romero y José Pájaro Auxina en cante, Carito Echegaray y Laura Manzella como bailaoras, Mariano Manzella y Rodrigo González en guitarra flamenca, y Alejo Alessandro y Juan Romero Cádiz en caja.

¿Qué es lo más difícil que intenta trasmitir en Argentina?

El flamenco auténtico que siento en mis carnes, porque es lo único que puedo intentar transmitir. No es muy difícil al final, porque es lo que hago independientemente si la gente me entiende o no. Es lo que sé hacer y punto.

Hay muchos estilos y gustos en el flamenco, entonces no trato de demostrar que un estilo es mejor que otro, sino cómo es el mío. Entonces, lo que busco es compartir mi autenticidad y pureza.

Creo que pureza y autenticidad van en caminos paralelos. Cuando digo “mi pureza,” es lo que llevo dentro que sale cuando bailo flamenco. La pureza está en uno mismo y si uno está en contacto con su pureza, con su verdad, pues salen cosas más auténticas porque lo hace suyo, a su manera, que es la única forma verdadera. Se puede aprender de alguien, porque nadie nace sabiendo, pero lo interesante es hacerlo tuyo. Todo vale si tiene autenticidad. Después, te puede gustar, más o menos, pero por lo menos lo 26 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

ves bien hecho. Eso es lo que siempre intento a compartir con mi público: flamenco auténtico y puro que sale de dentro. Por eso, mis movimientos siempre son inciertos. Me encanta improvisar.

¿Cómo es la propuesta que trajo a Buenos Aires?

Talegonear… Lo pensé como forma de homenajear a mi familia por diferentes palos del flamenco. El espectáculo es todo un sentimiento, homenaje y tributo a mi saga, familia, pasión y vida entera. ¿Qué recuerdos se lleva de Argentina?

“Amor, cariño y respeto de todas las personas maravillosas de este país que adoro”, dice Carmen apasionada en el decir, pero serena en las formas. Muy lejos de la intensidad que demuestra sobre los tablaos. “Cuando subo al escenario ya no soy la misma.

Me transformo, me salen cosas que no parecen mías... Me libero.

Si bien ya no soy tan tímida como cuando era niña, soy más normalita en la vida que en escena”, reconoce a horas de continuar su gira por Brasil. Más adelante también visitará Uruguay y México. Antes de arribar a nuestras tierras participó en el Festival Flamenco de Japón Cinco Bailaores y Cinco Bailaoras junto a Farruquito, Farruco, La Moneta, Juan de Juan y Karime Amaya, entre otros. En la actualidad además compagina su trabajo de docencia con diferentes colaboraciones y actuaciones en compañías y en distintos tablaos de España y otros países. Hoy está instalada en Madrid desde hace 18 años, aunque eso de instalada pareciera una forma de decir: la bailaora gitana, sobrina de la reconocida saetera María “La Talegona” y del célebre cantaor Talegón de Córdoba, lleva sus andaduras en su sangre ancestral. ¿Qué ciudades o países tienen más afición al flamenco?

Si una afición flamenca foránea salta a la vista, esa es la japonesa. Los quince mil kilómetros que separan al país nipón de tierras andaluzas, no suponen impedimento alguno para los miles de

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japoneses enamorados del arte jondo. Pasito a pasito, el flamenco en Japón forjó su propia historia. Lo cierto es que muy pocos artistas flamencos no conocieron Japón. En estos últimos quince años hubo decenas de actuaciones de artistas españoles: Paco de Lucía, Ballet Nacional de España, Cristina Hoyos, Joaquín Cortés, Sara Baras, María Pagés, Manuela Carrasco, Vicente Amigo... son algunas de las primeras figuras que van constantemente. Hay ciudades donde el flamenco es tan popular que hay academias e incluso mucho, pero muchísmo trabajo en el flamenco. También es muy popular en todo California, Nuevo México y Nueva York.

Después, hay sitios donde el flamenco no existe, por ejemplo, Alabama. Los japoneses, estadounidenses y brasileños, son los turistas más aficionados al flamenco. El flamenco, como parte de la cultura española, es un atractivo indiscutible del país de cara al turismo exterior. Los turistas que llegan a Madrid no restan de su presupuesto del viaje la asistencia a un tablao flamenco, a pesar de la crisis que afecta a todo el mundo. Japón también un refugio... os vais temporadas largas. Yo no estoy demasiado tiempo, pero sí que van muchos a trabajar allí. Se trabaja muy bien y muchísimo… sobre todo con las clases, son muy exigentes.

No esta Japón como hace 20 años, pero hay mucha afición y un núcleo muy importante donde cada vez hay más españoles. Y es importante que te conozcan, hacerse un nombre ahí.

¿Se siente una abanderada del flamenco?

Pues, no se si tanto, pero mi objetivo es incentivar la experimentación y producción desde el arte flamenco hacia nuevos posibles formatos por fuera del tablado tradicional andaluz. Me gusta dar relevancia a la reflexión, proceso creativo, intercambio con los espectadores y con el propio medio, y a su vez a la integración del flamenco en el campo actual de la danza contemporánea y, si se quiere, del teatro independiente. __BD

Física

Especializada

SABRINA VILL ALBA Certificada en Método Pilates por Michel Miller Pilates School. USA. Bailarina Egresada del Teatro Municipal General San Martín Maestra Nacional de Danzas

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INFORMES: ejercitacionespecializada@gmail.com Sabrina Villalba OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 27

-contemporáneo Alrededor de la Mesa

-contemporáneo Apnea

Grupo La Galera, celebra su 35º aniversario. Dirección: Héctor Presa. Espectáculos y sorpresas. Domingo 3 de noviembre, 14 y 18 hs. Teatro La Galera (Humboldt 1591, Tel: 4771-9295). Entrada gratuita.

Entorno a los gestos. Edición Buenos Aires 2013. Equipo artístico local: Marie Bardet, Cristian Bonaudi, Victoria D’Hers, Alejandro Karasik, Agustín Valle y Agustín Vásquez. Equipo artístico internacional: Jen Bonn, Camille Louis, Loic Touzé. Además, conferencias, talleres y presentaciones de trabajos.

Consultar programación detallada en www.espacioeclectico.org. Del 10 al 14 de octubre. Espacio Ecléctico (Humberto Primo 730, Tel: 4307-1966). Entrada gratuita.

Foto: Mathieu Bouvier

De David Señoran. Con: Belen Ortiz, Alegre Bartoli, Oscar Farias, Luciano Cejas, Julieta Albornoz, Luciana Brugal, Gastón Gatti, Nicolás Baroni, Daniela Conti, Virginia Rossi, Matías Furio, Iván Asborno, Eliana Lion, Vanessa Worsnop, Nahuel Valenzuela, Leandro Bustos, Patricia Ferraro y Andrés Avendaño. Sábados 21 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

-mixtura A Más Hechos más Pechos

-danza y teatro Amanecer

Ballet 40/90. Dirección: Elsa Agras.

Viernes 21 hs. Proyección del documental Elsa y su ballet. Miércoles 16 de octubre y 13 de noviembre, 20:30 hs.

Teatro Garrick (Av. Avellaneda 1359, Tel: 3526-7439).

Dirección: Micaela Daniela Suarez. Coreografía: Yamila Cruz Valla, Micaela Daniela Suarez. Sábados 21 hs. La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979, Tel: 4953-4232).

-contemporáneo A Talk With Myself Una charla conmigo mismo. Junto a la obra Toay de Mariela Ruggeri. Jueves 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8000).

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Cartelera

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-infantil 35 años

-música y danza Beautiful Grupo de percusión Beautiful Trash.

Danza: Vibra y Movimiento dirigido por Ana Azcurra, con Maia Roldán Aconetani, Pamela Garegani, Ayelén Ramire y Denise de la Roche. Viernes 18, 21 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3125, Tel: 4864-3200).

-musical Antonio y Cleopatra

-musical Bulebú

De William Shakespeare. Dirección: Patricio Orozco. Con Christian Sancho y Cristina Pérez. Coreografía: Vanesa García Millán. Sábados y domingos 20 hs. Teatro itinerante Shakespeare (Av. Juan B. Justo 8500, esquina Irigoyen). Entrada gratuita. Reservas en: www.antonioycleopatra.com.ar.

De Diego Reinhold. Con Ivanna Rossi y Sebastián Codega. Bailarín y coreógrafo: Alejandro Zucchi. Arreglos vocales: Gaby Goldman. Sábados 20:30 hs (hasta el 15). Sala Siranush (Armenia 1353, Tel: 4899-4101).

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Leap, La Plata, Argentina, 2012 (Lisandro Ezequiel Rosales) Foto . Elías Alejandro Gadan

Carmina Burana DM, Buenos Aires, 2012 (Micaela Araceli Almirón, María Luján Burgos, Fiorella Federico y Paola Diosquez en Carmina Burana) Foto . Julián Aguirre

Violencia, Buenos Aires, 2012 (Javier Coronel y Mariel Naumazev en Helele) Foto . Celeste Ailén Cibello

Pasiones, Buenos Aires, 2012 (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en La Consagración de la Primavera de Mauricio Wainrot) Foto . Liliana T Veronesi

Primer Concurso de Fotografía de Danza

Como celebración del 19º aniversario de Balletin Dance, durante 2013, la editorial

El jurado presidido por Alicia Sanguinetti, e integrado por Antonio Fresco, Guillermo

especializada en danza, publicará una se-

Genitti, Máximo Parpagnoli y Agustina Llumá, se reunió la calurosa tarde del sábado 9

rie de fotografías seleccionadas por los

de febrero, en el mítico estudio Heinrich-Sanguinetti de la ciudad de Buenos Aires, para

profesionales en la materia

seleccionar a los ganadores del Primer Concurso de Fotografía especializada en danza organizado por Balletin Dance.

Las obras ganadoras serán publicadas cada mes en esta revista, a la vez de pasar a formar parte de los canales de difusión, impresos y digitales, de esta editorial.

La alta calidad de las fotos que llegaron a la instancia final, que acompañan estas líneas, provocó la extensión de la jornada para definir cuáles serían las premiadas.

Luego de un exhaustivo análisis, de cada obra, y por unanimidad, el jurado resolvió otorgar tres premios y dos menciones iguales.

1º Premio / Obra: Egocelula / Buenos Aires. 2012 Fotógrafa: Carla Rabuffetti / Bailarina: Ailén Cafiso

2º Premio / Obra: Urban Dancer Buenos Aires. 2012 / Fotógrafo: Hernán Conde Bailarina: Nira Bravo

3º Premio / Obra: Sin título / Buenos Aires.

2012 / Fotógrafa: María Baumler Bailarines: Nicolas Quieta, Jenny Micó, Victoria Alcala, Maria José Papalardo y Roberta Davagnino; en Volare

Mención / Obra: Requiem del Fuego / Buenos Aires. 2012 Fotógrafa: Guillermina Bruschi / Bailarines: Victoria Balanza y Nicolas Berrueta; en Flamma Flamma de Mauricio Wainrot

Tranformación, Buenos Aires, 2009 (Autorretrato) Foto . María Martha Labella Esteva Saenz

Gala Contemporánea, Buenos Aires, 2009 (Nora Robles en Happy Hours de Ana María Stekelman) / Foto . Alejandro Zambrano

Mención / Obra: Latidos / Mar del Plata. 2011 Fotógrafa: Laura Mercedes de Palma Bailarina: Monthserrat Otegui; en Espíritu Nacional

Esencia, Buenos Aires, 2011 (Rocio S Rodriguez) Foto . Maria Eugenia Pascariello OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 31

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Bailar Volando Por Natascha Ikonicoff La compañía de Danza Aérea de Brenda Angiel, fundada en 1994, presenta una nueva obra creada en conjunto con el reconocido coreógrafo estadounidense Doug Varone en el Next Wave Festival, que tendrá lugar en la Brooklyn Academy of Music del 10 al 13 de octubre

Air Condition en julio de este año en el American Dance Festival Foto . Grant Halverson

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Un día antes de su viaje a Estados Unidos, Brenda Angiel recibió a Balletin Dance en su casa, un lugar impregnado del aroma a creatividad. Ella, cómoda pero elegante, transmite serenidad con su mirada afable y una sonrisa que nunca la abandona, aunque también deja entrever un entusiasmo contenido.

¿Cómo surgió este proyecto con Doug Varone?

Conocí a Doug Varone en el American Dance Festival, y luego nos cruzamos en varias oportunidades. En junio, cuando vino a la Argentina, me dijo que quería hacer un workshop conmigo. Su compañía había sido seleccionada por Dance USA, un programa de Estados Unidos que cada año elije a dos elencos para que viajen uno por Sudamérica y otro por Asia, y a modo de cierre de sus giras, cada uno elige una compañía local para elaborar un espectáculo nuevo en conjunto. ¿Cómo es el espacio físico en el que se realizarán la performance?

El escenario del teatro de Brooklyn es un espacio no convencional que tiene tres frentes, la gente puede ver desde tres lugares distintos. Es bastante largo así que vamos a

Brenda Angiel en un ensayo con Doug Varone en Buenos Aires Foto . gentileza de la producción

usar la profundidad del espacio llegando a la pared. El teatro en sí es chico, entran unas 300 personas. ¡Va a ser exclusivo! Yo lo conozco sólo por fotos y eso también es un desafío. Generalmente ensayo mis obras en mi espacio, donde tengo la escuela, y cuando hacemos funciones reproducimos en el teatro, el lugar donde ensayamos.

¿Cuál es el contexto de la presentación?

Todo esto está dentro de un festival que se llama Next Wave Festival, que forma parte del BAM. Es muy interesante porque se promueven todas las nuevas tendencias de danza, música, teatro y multimedia. Yo lo conozco desde que fui a Nueva York como estudiante en 1988. Nunca participé pero siempre quise hacerlo, así que estoy feliz. ¿Qué objetivo se plantearon?

Nos interesa encontrar alguna conjunción real entre su danza y la mía, para lo cual el resultado será una nueva danza, algo único, realmente una creación, algo diferente. El espectáculo está compuesto por tres bloques, una obra de Varone, otro de 8cho y al final el bloque de lo nuevo.

Si bien va a ser una obra muy de movimiento, tiene una cierta cosa abstracta, que conserva algo bastante humano: tiene algo

TRANSMISIÓN Son cinco las funciones programadas en Nueva York, y una de ellas será transmitida en vivo en el Centro Cultural San Martín de Buenos Aires. “La función del viernes 11, a las 20:30 (hora argentina) se va a transmitir en vivo por internet en el Centro Cultural San Martin, con una post performance discussion, una charla con los artistas, en la que el público argentino va a poder hacernos preguntas en directo”, explicó Brenda Angiel.

Angiel y Varone en los inicios de la creación en Buenos Aires Foto . gentileza de la producción

de las relaciones, de los cuerpos. Yo siempre juego a estar dentro de la danza. Si bien mi elemento me permite hacer cosas que normalmente no podés hacer, cuando voy a coreografiar no pienso en que los bailarines están flotando, pienso en que voy a hacer una coreografía. Trato de incorporar casi todos los elementos que para mi tienen que ver con armar una obra.

¿Cómo se relacionó su lenguaje coreográfico con el de Doug Varone? Él piensa muy parecido. Maneja muy bien el grupo de personas, la música, la velocidad, la interrelación entre los bailarines, el sentido que tiene del espacio, que no tiene sentido y de repente tiene un sentido y de golpe deja de tenerlo. Muy predecible pero muy complejo, es decir, que está pensado, no es así nomás. Yo tengo más libertad en el movimiento porque no tengo un estilo, me permito diferentes búsquedas más internas del movimiento.

Obviamente debe haber algo que me caracterice, siempre la búsqueda de una forma, pero no sigo una corriente de danza.

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8cho este mes en Brookling Foto . Mauro Mann

¿Cómo armaron el proyecto?

Fuimos trabajando el proyecto por Internet, Skype, mail… Hace poco, Varone vino una semana a Buenos Aires y trabajamos con él. Según el programa, vamos a estar en residencia en una Universidad que está en el Up Stage New York con un schedule de ensayos súper intenso, durante tres semanas para terminar de crear la obra. Y después nos vamos a Brooklyn porque la última semana es para la puesta en el teatro. ¿Qué música eligieron?

El eligió música de Steve Reich, que es muy contemporáneo, y para mi es un desafío, porque es muy difícil, es imposible de contar y por momentos tiene mucha velocidad… Hacer 30 segundos de algo de mucha velocidad no es lo mismo que 30 segundos de “me quedé quieta mirando el infinito”. Pero me parece que va a funcionar bien. ¿Cómo repercute esta experiencia en su compañía?

Hay aspectos muy positivos para mis bailarines con esta posibilidad de bailar con otros bailarines que tienen muy buena formación y a la vez manejan un lenguaje de movimiento muy particular. Es confrontarse a una experiencia profesional que rara vez te pasa. Y eso se contagia en todo, se refleja también en la coreografía. Y claro, toda la logística: estar viviendo en una universidad, trabajar en un teatro, ensayar exclusivamente para eso. Es una concentración ¡un retiro dancístico! __BD

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“La Danza es Nuestra Vida” Por Fernanda Natalia Gómez Analía Morales y Gabriel Ponce son pareja de vida y bailan juntos desde hace 14 años. Son asistentes coreográficos del Ballet Folklórico Nacional, trabajan en la compañía de Tango x Dos y realizan la asistencia coreográfica y del show del local Señor Tango. Su próxima parada: Canadá, junto al reconocido Santaolalla donde presentarán Arrabal, un espectáculo de danza acompañado de la música de Bajofondo, dirigidos por Serio Trujillo Integraban el Ballet Folklórico Nacional bajo la dirección de Norma Viola, cuando se conocieron. Gabriel Ponce debía aprender a bailar tango y Analía Morales comenzó a ayudarlo. “A los seis meses nos pusimos de novios” recuerda ella. “Hace 10 años hubo una audición para ingresar a la compañía Tango x Dos de Miguel Ángel Zotto, en la cual quedamos y nos fuimos del Ballet. Ese fue nuestro comienzo como pareja de tango y el momento en el cual dedicamos nuestras vidas por completo a la danza”.

En escena tienen un estilo propio, en el que priorizan las líneas y la elegancia. “Para lograrlo, estamos todos los días de 10 de la mañana a las 2 de la mañana fuera de casa. Tomamos clases de clásico con Alejandro Totto que es nuestro maestro y ensayista.

Para nosotros es muy importante la preparación y el ensayo”, detalló Morales.

“Solamente hacemos tango salón en milongas y entre amigos” explicó Ponce. “En lo profesional, nos dedicamos exclusivamente al tango escenario. Intentamos exaltarlo y darle categoría mediante una limpieza y una postura que venga de la danza clásica, sin perder lo que es la esencia del tango”.

La idea de hacer un espectáculo propio, quedará para el futuro.

“Hoy en día, si bien no somos muy jóvenes (Morales 36 y Ponce 37 años), tratamos de hacer lo que más nos gusta: bailar, bailar y bailar” aseguró ella llena de entusiasmo.

¿Qué es la danza para ustedes?

Analía Morales: Mi vida. No sabría vivir de otra forma (risas), este es mi trabajo. Me dio la posibilidad de conocer lugares y gente hermosa, de tener amigos. De contar hoy con los bailarines del Ballet Folklórico Nacional que todos los días me dan tanto cariño (mientras lo relata, sus ojos se llenan de lágrimas). Lo que más rescato es el cariño que ganamos de las personas con las cuales trabajamos. Para mí un abrazo de un compañero, de un alumno o mismo de alguien que viene a ver un espectáculo es lo mejor que tiene esto”.

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¿Qué sacrificios debieron pasar por dedicarse a la danza?

“Hace 10 años que no tomamos vacaciones. A veces te agota mucho porque no hay descanso y como la carrera del bailarín es muy corta, uno quiere explotar al máximo el tiempo que nos queda. El cuerpo empieza a tener sus limitaciones, empieza a pasar pequeñas facturas o grandes (enfatiza con risas). En lo personal -confiesa Morales- está postergado el tema de la maternidad. Tengo muchas ganas de ser mamá, de hecho perdí dos embarazos, quizás después del proyecto en Canadá lo intentemos. ¿Y cuáles son sus gratificaciones?

Al unísono ambos concuerdan: “El aplauso”. Para Gabriel Ponce lo más gratificante de su carrera como bailarín, es “que después de horas de ensayo las cosas salgan bien. En el escenario se vive un doble desafío: el disfrutarlo uno y que lo disfrute el público, y cuando eso pasa siento que gané”. ¿Cómo fue trabajar con Julio Bocca?

GP: “Entramos en el Ballet Argentino mediante una audición.

Cuando Julio fue nombrado embajador del vino de Wines of Argentina, nos dijo que le gustaba lo que hacíamos y que quería que lo acompañáramos por el exterior. Estuvimos en New York, Canadá y Londres, entre otros. Trabajar con él fue un placer, es una persona súper humilde”. ¿Qué esperan del proyecto que van a realizar con Santaolalla?

AM: Para nosotros es un proyecto muy importante. Es una obra muy fuerte, muy exigida. En noviembre comenzamos con los ensayos de lunes a sábado de 10 de la mañana a 6 de la tarde. A mediados de enero se va a estar estrenando en Toronto, Canadá, y permanecerá en cartel durante cuatro meses. Es una obra de tango con música de Bajo Fondo. Está dirigido por Sergio Trujillo, quien tiene cinco obras en Broadway y coreografiado por Julio Zurita. __BD

Estética personal expresada por Analía Morales y Gabriel Ponce Foto . gentileza de los artistas

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Conversar con Tamara Rojo es, sin dudas, una delicia. Culta y delicada, con un léxico poco frecuente entre los amantes de Terpsícore, conversó atentamente con esta cronista en su breve paso por la ciudad de Buenos Aires.

Nacida en Canadá en 1974, y formada en la escuela de Víctor Ullate, Tamara Rojo, partió de su tierra a temprana edad para desempeñarse en Gran Bretaña. A partir de entonces, vivió una de las carreras más fecundas con las que puede soñar una bailarina, que hoy la ubica como directora artística de una de las compañías emblemáticas del Reino Unido.

Más allá de los destacados premios recibidos a lo largo de su vida, de los teatros donde bailó, los coreógrafos y bailarines con los que trabajó, para ella los puntos más trascendentes personalmente han sido varios. “Uno: cierto repertorio. Algunos ballets que siempre quise bailar, los de Kenneth MacMillan por supuesto, Mayerling, Manon, Romeo y Julieta, porque me

Foto . Alicia Sanguinetti

Por Agustina Llumá

La Belleza en la Debilidad Humana

A T S I V E R T N E

Tamara Rojo volvió a presentarse en Buenos Aires, esta vez en el marco de la Gala Internacional del Teatro Colón. Balletin Dance dialogó con ella acerca de las obras que presentó y de su gestión como directora del English National Ballet del Reino Unido

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dieron una forma de expresarme que para mi era natural… el estilo de MacMillan nunca busca el compromiso (el compromiso del estilo inglés), nunca busca el término medio, nunca busca lo que es bonito nada más. Busca la belleza en la debilidad humana. Que es lo que a mi más me atraía, el buscar lo bello de la parte oscura del ser humano. Sobre todo en caracteres como Mary Vetsera de Mayerling, o Manon que al fin y al cabo es una prostituta. Él no quiere que olvides nunca que al fin y al cabo eres una prostituta, ni que pidas perdón por ser lo que eres, sino que realmente lo hagas con el orgullo de ser la mejor prostituta de París. Ese repertorio significó mucho para mi”.

Otros coreógrafos marcaron significativamente el arte de Tamara Rojo. “También bailar el repertorio de Roland Petit y el repertorio de Mats Ek. Hice las dos Cármenes: la de Roland Petit y la de Mats Ek, entonces tuve la oportunidad de entenderlos a los dos que son tan diferentes. Pero sobre todo bailando la Carmen de Mats Ek, fueron los momentos más felices que tuve sobre el escenario en toda mi carrera”.

Por otro lado, la bailarina asegura que fueron sus compañeros, parte importante de su trayectoria: “Julio [Bocca] que tuvo la generosidad de incluirme en su despedida acá en Buenos Aires, Carlos Acosta, Jonathan Hope, Sergei Polunin, he tenido grandes partenaires en mi carrera y los sigo teniendo. Luego algunos teatros, algunas ciudades, he tenido mucha suerte he bailado mucho en La Habana, he bailado aquí en Buenos Aires, por supuesto Londres donde se ha desarrollado toda mi carrera, en Japón, China. La verdad es que tengo muchos momentos que han sido importantes para mi”, aseguró siempre con pausa, cierta calma y muchísimas expresiones de su rostro y manos.

Dejar de bailar “Yo no me he retirado, todavía sigo bailando. Sí es verdad que se me ve menos en Londres que es donde bailaba muy a menudo, y que no viajo tanto, sino en muy pocas ocasiones. Pero bueno, tiene que suceder alguna vez. La danza es mi primer amor, yo no entré a la danza para ser directora, entré para bailar, pero también llega un momento en que no es que ya hayas hecho todo, pero has hecho suficiente. Suficiente para que si realmente se acabara mañana, no fuera un trauma, sobre todo si tienes otros intereses. Sobre todo si el siguiente paso, como me sucede a mi, es tan, tan, interesante, que te hace olvidar la pérdida”.

Dirección En septiembre de 2012, Tamara Rojo asumió como directora artística del English National Ballet y no fue por casualidad. Siendo una de las directoras más jóvenes de esa clase de elencos, comenzó a prepararse para ejercer un rol de estas dimensiones mucho antes de dejar las tablas. “En un momento, la historia me empujaba hacia ello. En España, por mi carrera, siempre ha habido una expectativa de que algún día, a lo mejor fuese mi responsabilidad llevar una

Tamara Rojo en Buenos Aires.

“Casi todas las bailarinas hemos tenido un momento obsesivo de Isadora Duncan” Foto . Máximo Parpagnoli

compañía”. La presidencia de gobierno en Madrid la convocó para dirigir un elenco, sin embargo, “para mi era demasiado temprano, no tenía la experiencia, no estaba formada, tenía muchos años que bailar todavía, y dije: no es el momento”, recuerda en esta conversación la bailarina. “Pero después pensé que si en algún momento, más adelante, volviese a ocurrir, tenía que estar preparada para no echar a perder una oportunidad como esta, porque históricamente estas oportunidades no vienen cada cinco minutos, y a veces no vuelven nunca más. Entonces dije bueno, si esto vuelve a ocurrir, si de alguna forma una organización quiere poner en mis hombros la responsabilidad de sacarla adelante, o de crear una nueva vida,

de crearlo de cero, tengo que saber lo que estoy haciendo. Luego, tengo unos padres que siempre me han ayudado mucho, y que no vienen del mundo de la danza, entonces son muy pragmáticos, ven las cosas con la cabeza fría, y siempre me han aconsejado muy bien con respecto a los pasos que hay que dar para prepararse para cualquier profesión. Ha sido una combinación de las dos cosas”.

Así fue como la española realizó el Doctorado de Danza y Coreografía en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, a distancia, viajando, con el objetivo de “volver a acostumbrarme a estudiar.

Porque hacía mucho tiempo que no me tenía que sentar a estudiar y examinarme”. Luego hice los Rural Retreats de la orgaOCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 39

Identidad La primera acción al frente de la dirección, fue “traer a un equipo artístico nuevo, liderado por Loipa Araujo que ha sido mi mano derecha en mis años de bailarina en el Royal Ballet y que accedió a ser mi directora asociada. Estoy muy agradecida, porque es un equipo artístico fantástico, y ya se puede leer en los comentarios de todo el mundo, que el nivel de los bailarines se ha levantado.

Luego me puse en contacto con coreógrafos que admiro y que quería que vinieran a trabajar con nosotros. El año pasado tuvimos a Jirí Kylián volvimos a traer obras de Roland Petit, el año que viene vamos a trabajar con Russell Maliphant, Akram Khan, Liam Scarlett, estoy en conversaciones con Mats [Ek], con [William] Forsythe. Mucha gente de una categoría incuestionable, pero que nunca han trabajado con el English National Ballet, y con ninguna compañía en el Reino Unido”.

“Ahora en otoño estrenamos El Corsario, un ballet clásico que nadie ha bailado nunca en el Reino Unido. Entonces, estoy intentando darle a la compañía una personalidad propia, un repertorio propio, con bailarines de una formación fuerte”.

No menos importante fue que Vivianne Westwood [destacada diseñadora de indumentaria] “accedió a hacer nuestra campaña de promoción. Intentado ser una organización atractiva, joven, y distinta a las demás. Hay que reconocer que en el Reino Unido hay cuatro compañías de ballet y es un país pequeño, entonces si quieres sobrevivir tienes que tener algo que ofrecer, que sea diferente”.

En Buenos Aires Tamara Rojo, se presentó en la Gala Internacional en el Teatro Colón (ver comentario en esta edición de Balletin Dance). Allí bailó el pas de deux de Raymonda de Rudolf Nureyev “que acabamos de hacer al final de la temporada pasada en julio en Londres y Cinco Valses al Estilo de Isadora Duncan.

Escucharla hablar de esta coreografía, coincide con lo que se vio en escena. “Para mi esa pieza tiene muchísimo significado desde muchos puntos de vista. Desde el punto de vista personal, porque yo como adolescente me obsesioné con Isadora Duncan, con la vida de Isadora. Casi todas las bailarinas hemos tenido un momen40 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

Sus momentos más felices sobre el escenario, fueron bailando Carmen de Mats Ek Foto . Alicia Sanguinetti

nización Dance East, que cada año crea un campamento para directores -o para gente que quiera ser director-. Eso para mi fue una experiencia impresionante, aprendí muchísimo”. De los treinta participantes de ese año, cuatro fueron elegidos para ser las sombras (shadow) de un director artístico y una de ellas fue la entrevistada. “Nos ofrecieron esta scholarship [beca], así que fui al Ballet Nacional de Canadá, y Karen Kain, la directora artística, fue muy generosa conmigo. Tuve la oportunidad de aprender de todos los departamentos de administración, artísticos y de producción: marketing, development, tickets, sales… tuve la oportunidad de entrevistar a todo el mundo, de sentarme en los consejos directivos, de estar en las clases y ensayos, aunque esa parte ya la conocía más. Poco a poco seguí aprendiendo hasta que llegó la oportunidad del English National Ballet”.

to obsesivo de Isadora Duncan. Me encanta la literatura, me encanta la investigación histórica, me encanta leer mucho, entonces busqué todos los libros que pude, estudié muchísimo y pensé que nunca lo iba a usar. Luego entré al Royal Ballet, y tuve el privilegio de bailar dos Isadoras: la Isadora de Kenneth MacMillan para la que estuve trabajando con Lynn Seymour y la Isadora de Ashton que también se la creó a ella, con la que trabajamos muchísimo, muchísimo y es la que traigo aquí. La diferencia es que ésta, es realmente un homenaje que él quiso hacer porque la vio bailar cuando era muy joven. Ashton vivía en Uruguay, y la vio bailar en una gira, como a Ana Pavlova. Siempre dijo que esas dos bailarinas fueron las que más lo influenciaron como persona, y su concepto de coreografía, y su concepto de lo que es la danza. Yo lo veo como un homenaje muy cariñoso y una forma de intentar rescatar lo que hubiese sido ver a Isadora viva si estuviese en escena”.

Cada uno de los cinco valses de Brahms, tiene un significado específico, que Rojo deja ver en el escenario claramente. “Para eso me ayuda mucho el haber hecho toda esa investigación, porque entiendo los momentos, entiendo cada canción, y cada vals tiene un significado diferente. El primero es como si te despertaras en la playa después de haber hecho el amor toda la noche. Hay que recordar que Isadora cuando perdió a sus hijos lo primero que hizo fue irse al mar y acostarse con un pescador para quedarse embarazada otra vez. La segunda es la tristeza, la tristeza de la pérdida y ella tuvo pérdida toda su vida, pérdida profunda. Pero

de ahí siempre salía adelante, entonces en el tercer vals, cuando toma el fulard [pañuelo de gasa], el fulard que finalmente la mataría, es… de alegría, de esperanza, de que las cosas pueden salir bien. El cuarto, es el vals de la revolución rusa, ella fue a Rusia y se enamoró de un poeta, y creía en la revolución, y creía en el método de Stanislavsky. Creía en todas esas nuevas formas de ver el mundo, que eran todas utópicas, pero que en ese momento daban una esperanza diferente, una esperanza de justicia y de revolución. Y finalmente la quinta, que para mi es la más importante, que es la ofrenda a su público y a la danza, que es la Danza de los Pétalos y que para mi es el momento en el que le das las gracias al público, por seguirte. Isadora hacía eso siempre.

Ese pozo de conocimiento de su vida me ayuda a ponerme en esa situación e intentar canalizar a esa mujer, con todo respeto…”

Dice sonrojándose y entre risas.

Consejo para jóvenes bailarines Primero que estudien mucho, y cuando digo estudiar no me refiero solamente a tomar clase que es muy importante y a tomar los ensayos y todo eso, sino a aprender la cultura de la profesión a la que van a entrar. Los estilos, de dónde nacen las cosas, cuál es la diferencia entre un Bournonville y un Balanchine y un Vaganova style. Cuáles son las diferencias, cuáles son las cabezas y los brazos, la musicalidad y el carácter de los diferentes estilos de danza.

“Una de las cosas que más me gusta de Buenos Aires, son las librerías que hay y los libreros. Porque en Europa se ha perdido el oficio del librero, aquí puedo ir a la librería y decirle ¿me aconseja? Y salgo con dieciocho libros…” relata contando lo que había sucedido ese mismo día.

Que se hagan bailarines completos porque les dará mucha más oportunidad de tener una carrera internacional. Manejar distintos estilos y tener una técnica lo más completa posible. Las dos cosas.

Y que cuando se preparen para audicionar, que realmente piensen en qué compañía quieren trabajar, para quién y con quién.

Una de las cosas que yo encuentro cuando vienen bailarines a trabajar, es que cuando me siento con ellos y les pregunto ‘por qué quieres entrar en el English National Ballet’, en el fondo no saben qué es ENB, no saben las características de la compañía, el repertorio que bailamos, con quién trabajamos ni las giras que hacemos. No todos los bailarines tienen la personalidad adecuada para una compañía así. Por eso, aquellos que vienen sabiendo a lo que vienen, y que realmente quieren estar en una compañía de estas características, van a tener mucha más oportunidad de éxito y adaptación”. __BD

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Iris Ríe Por Román Ghilotti

Savloff, hacia el final sin fin Foto . Sebastián Arpesella 42 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

Hacer expresión nueva sobre la base de alguien enorme es adentrarse en terreno desconocido, allí donde se ha de poner algo sobre lo inmenso anterior En la Sala Multipropósito del Centro Cultural San Martín se presentó Eir, un trabajo de Marina Sarmiento y Lucía Savloff. Ambas en la creación coreográfica y de dibujos, la primera dirigiendo, la última interpretando.

Se trata de un espectáculo estrenado en 2012 en el Teatro Argentino Centro de Experimentación y Creación (TACEC) del Teatro Argentino de La Plata. La obra fue solicitada a Sarmiento como un homenaje a Iris Scaccheri, le extraordinaria bailarina y coreógrafa platense.

Existe un trasfondo casi mítico en torno a la Scaccheri, artista creadora de un antes y un después en estas tierras.

Bailó en el Di Tella, el Argentino, el Colón, el San Martín y en Europa. Reconocida y admirada en todas partes, fundamentalmente por su diferencia: vanguardia potente a su modo.

Lo rico de Eir radica en que, en lugar de retomar fragmentos de las creaciones de aquella, el intento se focalizó en crear desde lo que comprendieron sus artífices como empuje y halo, como énfasis y marca de esa “voz”.

En tres grandes momentos puede sintetizarse el trabajo: dibujo en tránsito, presencia encarnada-descarna y danza final-inacabada.

Savloff, de notoria entrega y capacidad técnica, primero se abocó a trazar diseños, dibujos, bocetos, sobre un friso blanco en el fondo. Poco a poco fue dando dinamismo plástico a los trazos, en los que se conjugaron figuras danzantes con simplezas lineales, hasta infantiles, que, además, dejaban de ser tales borroneadas por la intérprete. Luego, desnuda, se dispuso a recorridos y construcciones gestuales con fuertes improntas de exaltaciones, límites de dolores, angustias, maneras de trabajar el cuerpo, sus esfuerzos, con cargas expresivas intensas: cuerpo en anhelo de paz sin terminar de estar en ella. Y por fin, con pollera roja, amplia, enorme, y tras ver imágenes de Scaccheri (con el libro fotográfico que le hiciera Susana Thénon en sus manos), una instancia de larga duración en un bailar sobre lo que flotaba (inevitable ver de reojo esas imágenes de Scaccheri y luego ver a Savloff tomada por esas improntas, sin solución de continuidad y sin clausura).

Eir, que da título al trabajo, es el nombre de una divinidad nórdica. Puede traducirse por “paz”. Y también, “eir” es la inversión de “ríe”: una risa invertida no es tristeza ni seriedad; la risa es expansión que se ve; su inversión, expansión también, interiorizada y que, como quería Iris Scaccheri para la danza, se ve (ella decía para la danza: “aquello que está mucho más adentro, cuando el movimiento exacto es sólo aparente”).

En Eir se vio algo que podría decirse como efluvios posibles de la Scaccheri en danza. __BD OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 43

Por Román Ghilotti

Ahí lo Tenés a Borges: si lo Querés, Usalo

O I R A T N E M O C

De las maneras del amor, el cruce de la homosexualidad con la fraternidad constituye una perspectiva temática poco transitada en las expresiones del arte En el Centro Cultural Ricardo Rojas se ofreció La Intrusa, con coreografía y dirección general de Víctor González, basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges.

El tema trata de dos hermanos que desean y se sirven de la carnalidad de una mujer hasta que la eliminan para poder continuar con su vida de hermanos.

Pueden hacerse diversas exégesis del relato borgeano pero, además de que en sus sucintas tres carillas no hay expresa alusión a lo carnal más que como utilización cosificada para satisfacción del impulso sexual (“Ahí la tenés a la Juliana: si la querés, usala.”, Borges hace decir a uno al otro), sin embargo, el epígrafe que el autor da a su ficción (Borges indica, erróneamente, “2 Reyes, I, 26”, texto bíblico que no existe pero que, a todas luces, debería indicarse, según el crítico literario Emir Rodríguez Monegal como: “2 Samuel, I, 26”, donde se lee: “Angustia tengo por ti, hermano mío Jonatán, que me fuiste muy dulce; más maravilloso me fue tu amor, que el amor de las mujeres”, dicho por David exaltando el amor por su hermano Jonatán), es un fuerte señuelo para dar interés a la narración como transtextualidad (bastante explícita).

La elección de González para su trabajo coreográfico, en lo que hace a lo temático, se apoya en una linealidad simple respecto de la obra literaria: se recorren algunos momentos de la trama, casi de modo anecdótico, rozando sólo la superficie de las relaciones y sin connotaciones extra.

Con un lenguaje de corte netamente moderno más elementos del orden de lo folklórico, los tres intérpretes (Gabriela Ponce de León, Hernán Nocioni y Damián Roezgas), de buenas performances, presentaron en sus secuencias (solos, dúos, trío) momentos o episodios de la relación. Musicalmente apoyados por tres violonchelos (Juan Manuel Costa, María Emilia Natali y Rafael Delgado), con buenos ajustes y asociaciones danza-sonido, el espectáculo sólo dejó la impronta de algo de la narración literaria que, además, llegaba a comprenderse si se conocía el relato; de no ser así: dos hermanos desean y usan a la misma mujer y después la desaparecen, y la vida continua. __BD

Los hermanos enfrentados, ella pasiva; delante: los músicos Foto . gentileza Centro Cultural Rojas

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OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 45

-danza-teatro Hembra

De Laura Kalauz y Martin Schick. Intérpretes: Laura Kalauz e Ignacio Sánchez Mestre. Jueves 20:30 hs. Club Cultural Matienzo (Pringles 1249, Tel: 66101520). Foto: Carolina Castro

De Ana Azcurra. Con Cleria Zangari, Julieta Sciancalepore, Luciana Larocca, María Mercedes Speroni, Jorgelina Balerdi, Pilar de Santadina e Yvonne Jaureguialzo. Viernes 21 hs. Teatro El Cubo (Zelaya 3053 Cubo (Zelaya 3053, Tel: 4963-2568).

Cristina Reale

Compañía Teatral Farolito. Dirección: Rodrigo Cárdenas. Bailaora y Coreógrafa: Gabriela Moreno. Domingos 19 hs. Teatro Payró (San Martín 766, Tel: 4312-5922).

Cartelera

-teatro Doña Rosita y el Don Juan

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-performance Cmmn Sns Prjct

-music hall Kermesse Libro: Belisario Román. Coreografías: Estefanía Amoresano. Domingos 13 y 20, 20:30 hs. El Bombín Teatro (Calle 59, N° 886 e/ 12 y 13, La Plata, Tel: 0221 4212920).

-teatro La Fiera Dirección: Mariano Tenconi Blanco. Coreografía: Carolina Borca. Actúa: Iride Mockert. Musica en vivo: Ian Shifres y Sonia Álvarez. Martes a las 21 hs. El Extranjero Teatro (Valentín Gomez 3378, Tel: 4862-7400).

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En danza: Maximiliano Guerra y el Ballet del Mercosur presentan Argentino.

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De Pablo Rotemberg. Domingos 20 hs.

El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

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Arriba: Lluvia de pétalos sobre Silvina Perillo

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Carisma, picardía y coquetería en su Kitri Fotos . Máximo Parpagnoli

Por Margarita Pollini

Don Quijote y el Adiós de Perillo: Lágrimas y Sonrisas

O I R A T N E M O C

La temporada del Ballet Estable del Teatro Colón tuvo un punto alto en el Don Quijote con el que la primera bailarina Silvina Perillo dijo adiós al escenario de la calle Libertad. Tras una sucesión de elencos, la estrella argentina cerró la producción con tres partenaires en una función plena de emociones Entre los títulos más conocidos del repertorio Don Quijote ocupa un lugar único y relevante. Indudablemente la estadía de Marius Petipa en España fue determinante en su elección de un episodio del Don Quijote cervantino, más precisamente el de las bodas de Camacho, como tema de esta bellísima creación, estrenada en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1869. La partitura de Aloysius Ludwig Minkus (llamado en Rusia León Fyodorovich Minkus), que constituyó su primer suceso como compositor de ballets en ese país, es una de las más chispeantes e inspiradas que puedan imaginarse, y en ella reside otra clave del éxito

Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo: gran frescura y desenvoltura técnica

y la popularidad de la pieza, que, aunque presenta una visión netamente romántica de la obra maestra de Cervantes, combina irresistiblemente el virtuosismo, la teatralidad, el humor, el ensueño y el colorido de esa España que tanto atrajo al siglo XIX. En coincidencia con la despedida de Silvina Perillo, Don Quijote volvió al Teatro Colón, en una seguidilla (permítase el juego de palabras) de seis funciones. Poca justificación en lo objetivo encuentra la decisión de Lidia Segni de dejar de lado la versión de Zarko Prebil que constituía ya un sello en el repertorio de la compañía y elaborar una con su propia firma, que resta mucho más de lo que suma. Especialmente lamentable es la supresión de escenas importantes en el hilo argumental como la de la taberna, sin la cual no tiene explicación que la fuga de la pareja protagónica desemboque directamente en la boda, amén de quitar parte de ese colorido popular que distingue a Don Quijote.

Aceptada ya la imposición de esta versión, es deber reconocer que tuvo una realización de muy buen nivel y que mostró una compañía en óptimas condiciones. Un factor determinante en el brillo de la producción fue la escenografía de Enrique Bordolini, la ambientación de Eduardo Caldirola y la iluminación de Rubén Conde.

El nivel de las parejas protagónicas fue en todos los casos excelente, y como es de esperar los más experimentados se movieron con algo más de soltura, como la dupla integrada por Alejandro Parente y Karina Olmedo, o Silvina Perillo y sus tres Basilios en la función que se comenta aparte. Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo protagonizaron el estreno con gran frescura y desenvoltura técnica; por su parte, Carla Vincelli continuó asombrando con su virtuosismo en la función del 4 de septiembre, junto al siempre ascendente Federico Fernández.

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Tercer acto: Perillo-Fernández

Maricel De Mitri exhibió seducción y solidez como la Mujer de la Calle junto al espectacular Torero de Vagram Ambartsoumian; en los mismos roles Cecilia Lucero y Fabrizio Coppo mostraron encanto y “feeling”. Martín Miranda (Don Quijote), Igor Gopkalo (Camacho) Julián Galván/Néstor Asaff (Padre de Kitri) y Marcelo Antelo (Sancho Panza) cumplieron muy bien con sus roles. Las parejas de amigas de Kitri integradas por Natalia Pelayo y Luciana Barrirero y por Macarena Giménez y Luana Brunetti fueron impecables.

Las Gitanas de Graciela Bertotti y Marta Desperés sumaron fuego al cuadro en el campamento, junto a los briosos gitanos de Igor Vallone y Vagram Ambartsoumian. En el muy despoblado acto de las Dríades, Gabriela Alberti reafirmó la pureza de su estilo como la Reina, mientras que Paula Cassano y Natacha Bernabei cumplieron también adecuadamente con el rol, y Emilia Peredo Aguirre y Silvina Vacarelli se alternaron como exquisitos Cupidos. Finalmente merecen especial mención las ejecutantes de las variaciones insertas en el pas de deux final: en orden de mérito, Natalia Pelayo, Larisa Hominal, Macarena Giménez y Ayelén Sánchez.

Segundo acto: Perillo-Trabalón Primer acto: Perillo-Parente Fotos . Máximo Parpagnoli 50 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

Exhibiendo maestría en ese difícil arte que es la dirección orquestal de ballet, Javier Logioia Orbe condujo con garra a una Orquesta Estable que le respondió adecuadamente.

SILVINA PERILLO: DESPEDIDA POR TODO LO ALTO La última función se había reservado al adiós al escenario del Colón de Silvina Perillo, quien además de haber sido (y ser aún, como quedó demostrado en su desempeño) una de las más fascinantes figuras de la danza argentina, encarnó siempre a Kitri como pocas, con carisma, picardía y coquetería, cualidades que comparte con la heroína de Petipa.

El clima vivido el domingo 8 fue de auténtica fiesta, dentro y fuera del escenario (incluyendo presencias estelares como la de Paloma Herrera), al margen de cierta comprensible melancolía que flotaba en el ambiente. La función fue impecable, y la alegría y el orgullo de cada uno de los bailarines que intervinieron por estar participando de este acontecimiento se pudieron percibir con facilidad. La ovación que saludó a Perillo desde su entrada en el primer acto se repitió en cada una de sus intervenciones, llegando a una esperada apoteosis en el pas de deux, donde la bailarina derrochó virtuosismo, equilibrio y elegancia.

Hubo tres Basilios para esta excepcional Kitri: Alejandro Parente en el primer acto, Edgardo Trabalón en el segundo y Federico Fernández en el tercero. Los tres, siempre sólidos en técnica y carácter, mostraron una tierna complicidad con la estrella que el auditorio agradeció. El elenco y el cuerpo en líneas generales (no sólo por la circunstancia sino por la lógica consolidación de la última función) parecieron dar un “plus” a lo ofrecido en funciones anteriores.

Una instancia en el saludo final quedará grabada a fuego en la memoria del Colón: sobre el escenario vacío, Perillo quedó sola frente al público, y una lluvia de aplausos y de pétalos se desplomó sobre ella. Después más flores ofrecidas por sus compañeros del elenco y algunas lágrimas dentro y fuera del escenario coronaron una tarde antológica para el ballet argentino y fueron el mejor cierre imaginable para esta producción. __BD

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Ballet y Más Ballet Por Agustina Llumá En agosto y septiembre una explosión de galas de ballet con artistas extranjeros inundó Buenos Aires. El Teatro Coliseo (de alrededor de 1700 localidades) se ha transformado en sede para estas exposiciones, organizadas por diferentes productores, con precios unificados bastante abultados

Aquel formato de espectáculo que nuclea en una sola noche a múltiples coreografías (generalmente fragmentos de obras integrales), a cargo de variadas figuras destacadas, que en breves minutos revelan sus capacidades y virtudes, como las de los creadores, pareciera haberse instalado en nuestra ciudad. Son estos meses cuando el hemisferio norte tiene sus vacaciones, tal vez por ello todo se haya condensado en tan poco tiempo, haciendo en muchos casos que se deba elegir entre una u otra propuesta.

Así, a la gala de ballet ofrecida por los bailarines de la Opera de París (ver Balletin Dance Nº 224, septiembre de 2013) siguió -semanalmente- la Gala Internacional de Buenos Aires y luego las Estrellas Rusas de Ballet. Mientras que unos días más tarde el Teatro Colón proporcionaba similar invitación y sobre fines de septiembre la compañía de Alvin Ailey brindaba cinco funciones en el Coliseo.

Es decir que se trató de cinco espectáculos extranjeros de excelso nivel (para regocijo local), con cantidad de piezas que se veían por primera vez en nuestro país y cada uno de ellos, demostró sus propias características.

Gala de Ballet de Buenos Aires La tercera edición de la ya consolidada Gala Internacional de Ballet de Buenos Aires, a instancias del Grupo Ars, fue una propuesta de esas que sacan chispa Tradición y modernidad se amalgamaron con representantes de variadas escuelas del mundo, que más allá del cliché de la globalización siguen mostrando sus pequeñas/grandes diferencias. Las funciones fueron dedicadas a Alicia Alonso por conmemorarse los 70 años de su debut en Giselle.

La noche abrió con el final de Trigger Happy del joven Joeri Dubbe (ver Balletin Dance Nº 223, agosto de 2013) en el que Carolina Mancuso mostró lo más actual de la danza holandesa, en un solo intimista, oscuro e impredecible. Con un espléndido dominio físico que le permitió destacar desde la sutileza de la composición, una atmósfera futurista, reuniéndose a su término con Pablo Fermani, también de breve pero contundente intervención.

Uno de los más esperados de la noche (seguramente por su historia de vida, ver recuadro), Sergei Polunin mostró la variación de la coda del pas de deux de Coppelia y cerró la función con el imbatible Diana y Acteón junto a Luciana Barrirero. El ucraniano certifica que existen cuerpos nacidos para el ballet, pues su actuación solista fue impecable, sin embargo su ego opacó aquello que podría haber entregado. Junto a la argentina, se mostró como un partenaire descuidado (función del 29 de agosto), acción que ella supo sortear con altura en una demostración de coraje y valía (cerrar este espectáculo era solo para valientes).

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Ekaterina Krysanova y Vladislav Lantratov en La Hija del Faraón

Genial fue la sorpresa con la que arrancó el segundo acto, con proyecciones de videos que pueden verse en youtube pero que para la mayoría de la audiencia eran novedosos, y que anunciaron a modo de primicia la temporada 2014 del Grupo Ars: además de la Gala Internacional, el regreso de Kings of the Dance (con nuevo programa) y un espectáculo completo de Daniil Simkin (que ya tiene fans en la Argentina). Luego de mostrar Dance in the City (un excepcional audiovisual que lleva a Simkin desde

Viengsay Valdés y Víctor Estéves, uno de los destaques de la noche Fotos . Alicia Sanguinetti

su cama hasta el Metropolitan Opera House de Nueva York, vestido y actuando como Basilio en su casamiento) el propio bailarín se presentó en vivo (fuera de programa y para asombro de todos), con dos variaciones: como Sigfrido en el Cisne Negro y acto seguido (otro video de por medio, de Guillaume Côté, para cambiarse) en Stars and Stripes de Balanchine. El teatro lo ovacionó.

Del Bolshoi Ballet llegó lo más completo de la noche (en unión de técnica perfecta, estilo y escuela, con expresividad) a cargo de Ekaterina Krysanova y Vladislav Lantratov con dos novedades para Buenos Aires, el precioso y difícil dúo de La Hija del Faraón en versión de Pierre Lacotte (repuesta en Moscú en 2012) y el simpático The Bright Stream de Alexei Ratmansky (de 2003).

Viengsay Valdés fue uno de los destaques de la noche, sólida y expresiva, junto al aún joven Víctor Estéves del Ballet Nacional de Cuba. Ellos mostraron el sanguíneo pas de deux de Don Quijote y El Talismán, con fluida comunicación entre ellos, giros, saltos y equilibrios por doquier, reflejo de la técnica cubana de ballet.

Del Stuttgart Ballet, Jason Relly ofreció con solvencia y comicidad el ingenioso 101 Steps de Eric Gauthier, que relata la composición de la técnica del ballet y junto a Anna Osadcenko la Fanfare XL de Douglas Lee, que enfatizó el virtuosismo y los efectos de hiper-flexibilidad de ella.

Desde Suiza llegaron Katerina Shalkina y Oscar Chacón, del Béjart Ballet Lausanne quienes entregaron dos piezas del genial creador, Parsifal (1980) y Quand on n’a que l’amour (Cuando Sólo Tenemos Amor, 2001). Las creaciones de Maurice Béjart dicen mucho más de lo que se puede apreciar en un dúo dentro de una gala de virtuosos, pero más allá de eso el mensaje llegó a aquellos espectadores dispuestos a recibir sentimientos. __BD

Izquierda, de arriba a abajo: Sergei Polunin en Diana y Acteón Katerina Shalkina y Oscar Chacón en Parsifal de Béjart Anna Osadcenko y Jason Relly en Fanfare XL OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 53

Sergei Polunin Conversar con Sergei Polunin encerraba una cuota de misterio. Cuánto de los escándalos ingleses sería real, cuánto era una construcción mediática y cuánto de honestidad había en sus últimas decisiones de vida Recién aterrizado en Buenos Aires, Balletin Dance lo entrevistó en el lujoso Palacio Duhau del barrio de Recoleta, donde estaba alojado. Descontracturado, algo cansado por el viaje, sin mediar demasiado entre lo que debía decir y lo que se le ocurría, mostró una postura de niño rebelde, que sin embargo tiene grabada en sus entrañas la educación de la escuela inglesa que supo impartirle el Royal Ballet del Reino Unido.

Sin demasiado interés por contar las razones por las cuales hace poco más de un año y medio renunció al elenco Real, ocasionando comentarios variopintos en la sociedad balletómana, expresó: “Ufff, fue un poco por esa sensación tirante, trabajar en un ambiente tan tenso para integrar una compañía, te desgasta. Para un artista es lindo tener la posibilidad de ser libre, creo que esa fue mi principal necesidad: ser libre. Estaba en Inglaterra constantemente, y no podía viajar, no podía hacer muchas cosas. Y eventualmente, es como que en un momento explotás y querés salir… expandirte al mundo, que es un lugar grande. Y eso es lo que hice”.

Inmediatamente presentada su renuncia, recibió ofertas de todo tipo, que no aceptó, para participar en musicales, en películas de cine y hasta para iniciar una carrera como modelo publicitario.

“Sabía que iba a venir una oportunidad acorde a mi. Me di cuenta que tenés que mantenerte en aquello en lo que sabes que sos bueno, para a partir de allí hacer otras cosas. Si bien pensé que si encontraba algo más interesante podría renunciar a la danza, me di cuenta que esa no era la opción”, aseguró.

Y la oportunidad llegó de manos de Igor Zelensky, al frente del Ballet del Teatro Stanislavsky de Moscú, quien resultó ser su nuevo protector ofreciéndole un contrato en su compañía. Ahora sí, Polunin puede “pertenecer” y a la vez ser libre, su combinación ideal. “Definitivamente. Y en eso tiene mucho que ver Igor, mi director. Yo puedo decirle ‘quiero ir allí, allí, allí’, él me deja ir y además me asesora o me sugiere, si hacerlo o no. Lo principal es sentirte libre”, argumentó. Él había señalado que no le gustaba ensayar sino estar en escena, y poder construir sus personajes en las repeticiones. “En Rusia ensayan mucho menos que en el oeste. En el Royal Ballet ensayan dos meses para un ballet, mientras que en Rusia pueden llegar a ensayar dos o tres días y el resultado es exactamente el mismo para ser honesto” asegura el jovencísimo bailarín omitiendo la cuestión de que aquellos bailarines ya están preparados para encarar esas coreografías. Para él, la perfección “sólo está

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“Ser libre fue mi principal necesidad” asegura Polunin

en tu cabeza. Así que limité mi tiempo de ensayo lo más posible y no hay ningún daño verdadero”, confesó.

A los 4 años, en su Ucrania natal, comenzó a estudiar gimnasia y desde los 8 danza. Asegura que no fue una decisión de vida, sino que fue su madre quien resolvió por él. La vida le permitió formarse desde los 13 años, en una de las escuelas más importantes del mundo, cuidado y mimado pues prometía una carrera deslumbrante, al punto de haberse convertido en el Primer Bailarín más joven de ese elenco. Promesa que además, todavía tiene mucho tiempo para cumplir.

Bailar le brinda la gratificación de intercambiar energía con el público. “Me gusta la conexión con la audiencia, das algo positivo y recibís a cambio algo positivo. Sobre todo me gustan las segundas partes de los espectáculos, son mis favoritas, porque ya estás inmerso en la atmósfera, ya entraste en calor. La preparación antes de empezar no es linda, porque siempre estás nervioso”.

El jovencito amante de los tatoos que asegura tener en todo el cuerpo, prefiere el clima frío para poder trabajar su cuerpo. “En lugares calurosos no haría nada -dice risueñamente-. Por eso me encontré bien en Inglaterra, es grandioso en invierno, siempre llueve o nieva y te mantiene motivado, no tenés distracciones”.

En cuanto al cuidado que guarda hacia su cuerpo, explicó que no es más que hacer “clase todos los días. Hago mi propia clase, no con el resto de la gente. Que es igual. La misma rutina que realizo desde hace cinco años, para calentar el cuerpo, sin música (es un poco aburrido), pero tenés que hacerlo”.

Poco a poco va descubriendo que la vida tiene mucho más para ofrecerle. “Prefiero las obras clásicas, que es para lo que me formé durante nueve años. Aunque a los 17 años era más ignorante

y pensaba que nunca bailaría moderno, ahora estoy más abierto.

Hace un par de semanas empecé a trabajar con Rusell Maliphant en proyectos documentales y disfruté hacerlo, creando la pieza y mostrándole a la audiencia en 3D, cómo fue hecho. Es un gran tipo, me gusta la forma en que explica, es muy relajado y tranquilo”.

También a fines de agosto, el cineasta Jem Goulding realizó un documental de menos de diez minutos de duración, The Fragile Balance, siguiendo a Polunin durante siete días en Moscú, con entrevistas e imágenes fuera y dentro del escenario (que puede verse en youtube). Aquí expresa públicamente aspectos desconocidos de su vida, habla del “juego con los periodistas” y de cómo siente a Zelensky como si fuera un padre.

Y para que no falte la oportunidad de demostrar que apenas está comenzando a vivir, aseguró que no hace planes a un futuro lejano, porque saber lo que va a suceder dentro de más de dos meses, lo aburre terriblemente.

Más allá de eso, en sus primeras experiencias de trabajar a la par con un coreógrafo una creación montada sobre su cuerpo, Polunin relató su próxima agenda: “Estamos pensando en nuevas

“…pensé que si encontraba algo más interesante podría renunciar a la danza y me di cuenta que esa no era la opción…”

creaciones para este año, por ejemplo una nueva versión de Igor, de El Cascanueces que va a ser algo grande y se estrenará en Siberia. Johan Kobborg está llegando a Moscú para hacer Romeo y Julieta, y me gustaría poder trabajar con él (si hay tiempo) en la creación de una nueva obra -breve- suya. En octubre Gerard De Pardieu va a hacer un evento para ayudar a los animales, y yo estaré bailando La Siesta de un Fauno, de nueve minutos, que todavía no decidí quién hará la coreografía y debo hacerlo en estos días. Es con música a dos pianos, como la original de Diaghilev”.

Finalmente la charla se detuvo en Buenos Aires, ciudad a la que seguramente no hubiese llegado si no fuera porque venía a bailar. Conoció a Luciana Barrirero una hora después de haber tenido esta conversación y eso le resultaba emocionante. No importaba demasiado que solamente tuvieran dos ensayos para bailar Diana y Acteón “son pas de deux, cualquiera puede hacerlo con una hora de ensayo o dos”.

Con respecto a la variación de Coppelia, el ucaraniano explicó que fue el ballet que le dio fama en Moscú, el primero que realizó al llegar en versión integral. “No es el tradicional que están acostumbrados a ver, sino que es una versión de Roland Petit, clásico pero algo más moderno. Yo haré la variación de la coda que es lo mejor del ballet”, explicó. __BD

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El Arte del Ballet Consumado Por Agustina Llumá Para los amantes del ballet clásico, la gala de Estrellas del Ballet Clásico Ruso encabezada por Yulia Makhalina, el 31 de agosto en el Teatro Coliseo, fue la más perfecta Un pequeño grupo de primeros bailarines de los teatros Bolshoi, Mariinsky y Mikhailovsky ofrecieron una única función en nuestro país, en el marco de una gira sudamericana, que mostró la perfección del ballet: la sumatoria que produce una sólida y cada día más exigente técnica y la precisión del estilo preciso de cada composición, puesto al servicio de la más cuidadosa expresión del alma.

El exquisito programa incluyó piezas realmente especiales, desde los más conocidos e infaltables pas de deux para este tipo de espectáculo (Don Quijote), hasta algunas infrecuentes joyas propias del historial ruso (Sheherezade).

Lo más sorprendente del espectáculo, fue la capacidad de transformación dramática de los bailarines, que envolvieron cada una de las obras transportando al espectador de un estilo al otro, de una historia a otra, paseando por París, España, Ucrania, Persia, India, Alemania.

Makhalina, que ya no es una niña (asumió como primera bailarina del Mariinksy en 1989), pudo plasmar en apenas tres breves apariciones escénicas, la historia bicentenaria del ballet ruso. Abrió la función junto a Mikhail Venshchikov con el pas de deux de Odete de El Lago de los Cisnes, en una demostración del puro estilo Petipa-Ivanov. De una sensibilidad extrema, su espíritu se amalgamó con la música de Tchaikovsky en un genuino encuentro amoroso.

De arriba a abajo: Natalia Ledovskaya y Venshchikov en Chopiniana Kristina Andreeva y Oleg Ivenko en Harlequinade Yulia Makhalina y Mikhail Venshchikov en El Lago de los Cisnes 56 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

De arriba a abajo: Marina Veznavets y Konstantine Zverev en Carmen Makhalina y Venshchikov en Sheherezade Anastasia Lomachenkova y Victor Lebedev en El Corsario Fotos . Alicia Sanguinetti

La misma pareja hechizó luego con Sheherezade de Fokine (1910), la reina persa de Las Mil y Una Noches, al ritmo de Rimsky Korsakov. La coreografía reconstruida por Andris Liepa en 1993, fue reintegrada al repertorio del Mariinsky al año siguiente, e incluso pudo verse en Buenos Aires interpretada por él junto a su hermana Ilse en aquellos tiempos.

Por último, Yulia Makhalina se lució con preciosos port de bras en La Muerte del Cisne sobre música de Saint-Saens, en una versión personalísima, para extrañeza de muchos conocedores, finalizando con un impactante cambré en arrière que la dejó muerta, “plegada” sobre el suelo escénico.

Natalia Ledovskaya dio una clase magistral del período romántico, junto a Venshchikov en Chopiniana (Les Sylphides) y con Victor Lebedev en el segundo acto de Giselle.

Kristina Andreeva y Oleg Ivenko, frescos e histriónicos, tuvieron a su cargo dúos más briosos y joviales: Harlequinade (Petipa-Drigo) en el primer acto y Don Quijote (Petipa-Minkus) para cerrar la función.

Viktor Ishchuk, se destacó en el solo Gopak del ballet Taras Bulba (Zakharov-Soloviev Sedoy), en el que pareció volar mostrando su hombría de cosaco zaporogo, y luego junto a Anastasia Lomachenkova mostró Llamas de París (RotmanskyAsafyev) con enérgica actuación.

Lomachenkova también bailó el pas d’action del segundo acto de El Corsario (en versión dúo) con Lebedev, otro de los momentos de destrezas técnicas adorado por los balletómanos.

Mientras que Marina Veznavets y Konstantine Zverev descollaron como Solor y Gamzatti en el inmenso grand pas de La Bayadere y en Carmen de Alberto Alonso (versión montada para Maya Plisetskaya), donde él encarnó a un torero de extremada sensualidad para beneplácito de la audiencia femenina. __BD OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 57

Belleza y Elegancia en la Gala Internacional Por Laura Lifschitz Un programa prolijo y correcto fue el que ofreció el Teatro Colón el pasado 11 de septiembre. La gala, bajo la dirección de Lidia Segni, contó con la presencia de primeros bailarines extranjeros junto al Ballet Estable del primer coliseo argentino Uno de los hallazgos más festejados por el público fue la obra del norteamericano Alonzo King, director del Lines Ballet de San Francisco. Meredith Webster y Keelan Whitmore sorprendieron con el dúo de Migration (2006) –subtitulado The Hierarchical Migration of Birds and Mammals- , un collage abstracto con formas centrífugas sostenidas por la proyección de las manos, plenas de trabajo sobre líneas llevadas al límite por los bailarines. El trabajo sobre la flexibilidad fue demostrado en la pieza neoclásica a través de los penchés y developpés en arriére de Webster, trabajados desde la hiperarticulación. Spoza son Disprezzata de Constellation (2012) también entusiasmó, en parte por la fuerza de la música de Vivaldi, que al piano (grabado) y con mezzosoprano envolvió la segunda pieza de King.

La argentina Ana Sophia Scheller, del New York City Ballet y Davit Karapetyan, del San Francisco Ballet, abrieron su participación con el pas de deux Rubíes de George Balanchine (Jewels, 1967). Rigurosamente aprobado por The George Balanchine Trust, los bailarines tradujeron en movimiento la música de Igor Stravinsky, a través de los rápidos movimientos de la escuela neoyorkina -rusa pero previa a la era Vaganova- a partir de la cual se profundizan las líneas y se imprimen las modificaciones de cadera necesarias para lograr los altos arabesques. Tras ello, ambos bailarines ejecutaron con carisma el gran pas de deux de Don Quijote (1871). Se disfrutó durante la entrée, la versión en la que el partenaire sostiene con una mano en alto a Scheller en passé arabesque. Los solos fueron correctos, no muy estridentes.

En esta versión, Karapetyan ejecutó con corrección los triples tours en l’air.

La dupla rusa fue todo lo que se esperaba. Anna Nikulina, de larguísimas piernas, y el cortés Semyon Chudin, ambos del Bolshoi Ballet, abrieron su participación con La Bella Durmiente (1890).

Ella, más frágil que fresca y juvenil. Él, perfecto en sus saltos, sin dudar sus bajadas e importante ballon. Como segunda presentación, descollaron en Cisne Negro (1895). Nikulina utilizó su cuello tal y como un cisne, proyectando su plumaje hasta los dedos, sutiles y volátiles. Chudin fue un príncipe soñador y etéreo en cada paso, en cada caminata. Ambos dieron cuenta de la excelencia de la escuela rusa en los port de bras. Festejadísima fue la coda.

La gran mimada de la gala fue Tamara Rojo. Dueña de una ma58 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

De arriba a abajo: Ana Sophia Scheller y Davit Karapetyan en Rubíes Tamara Rojo es Isadora Fotos . Maximo Parpagnoli

durez que la hace exquisita tanto técnica como interpretativamente, brilló con Raymonda (1898) de Glazunov, una pieza de tiempo muy suave a la vez que marcial. Sin ser opacada por la conocida versión de Maya Plisetskaya, la directora artística del English National Ballet demostró junto a su partenaire, Fernando Bufala, la solidez, precisión y carácter que requiere la obra.

Además, la gracia y facilidad de Rojo para las piruetas innumerables y los déboulés chainés a velocidades inconcebibles lograron arrancar una ovación furiosa entre el público. Como fin de la primera parte de la gala, Rojo emocionó con Isadora (1976), sobre la base de cinco piezas de piano de Brahms y la coreografía de Sir Frederick Ashton. En palabras de la propia Rojo (ver entrevista en esta edición de Balletin Dance), “es una forma de intentar rescatar lo que hubiese sido ver a Isadora viva si estuviese en escena”.

Durante los cinco temas, Rojo atraviesa los hitos de la bailarina, acompañada en escena por el piano de Iván Rutkauskas: la pérdida de sus hijos, la tristeza, el foulard como compañía y muerte, la utopía de la revolución rusa, y la ofrenda a su público y a la danza (una monumental danza de los pétalos).

La segunda parte de la gala fue íntegramente dedicada al Ballet Estable del Teatro Colón. Con la coreografía de su directora, Lidia Segni, y la asistencia de Julián Galván, Tango, con música de Astor Piazzolla, fue muy bien recibida. Con interpretaciones sólidas y plenas de carácter -característica de los bailarines locales- el manejo técnico no fue opacado en ningún momento. Muy aplaudida fue la pareja de Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo. Federico Fernández, exultante, infinito en sus saltos de gran efecto visual junto con Carla Vincelli, precedieron el quinteto de Maricel De Mitri, Vagram Ambartsoumian, Edgardo Trabalón, Matías Santos, Igor Vallone. Con Magdalena Cortés y Julián Galván, Segni se dio el lujo de incluir un tango de salón bailado con sus correspondientes zapatos. Trabalón demostró solidez y rigurosidad para acompañar a Candela Rodríguez Echenique, Ayelén Sánchez y Silvia Grün. Un final a puro tango y pasión, a la altura de un programa internacional ordenado, variado y de buena recepción por parte del público. __BD De arriba a abajo: Meredith Webster y Keelan Whitmore en Migration Anna Nikulina y Semyon Chudin en Cisne Negro El Ballet Estable del Teatro Colón en Tangos

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Generosa Diversidad Por Agustina Llumá Buenos Aires ofrece un cuantioso espectro de propuestas artísticas de excelente calidad, para disfrutar desde mega producciones hasta unipersonales autogestionados, para complacer los gustos de un público que paulatinamente se especializa y exige desde esa pluralidad

La Cruda Nostalgia Los domingos de septiembre, Rodolfo Olguín presentó Lisboa, Nunca te Conocí, Siempre te Amé, una obra integral con danza, actuación y audiovisual, en el Centro Cultural Borges de esta ciudad Si de impactar en lo más profundo del espectador se trata, Lisboa, Nunca te Conocí Siempre te Amé, se lleva todas las de ganar. Rodolfo Olguín, compuso esta historia (autor de los textos, la coreografía y la dirección general) centrada en las vivencias de un inmigrante que llega a Buenos Aires desde Portugal a comienzos del siglo pasado. Sin embargo ello no es más que la excusa para exponer aquella añoranza de lo que fue, y más aún, la cruel melancolía de lo que podría haber sido pero nunca fue.

Pablo Sánchez tiene a su cargo el rol del relator en la pieza que se repondrá en estos meses en la misma sala, y es quien va narrando las acciones que se traducen en sentimientos. Es quien permite que la audiencia se interne en una historia de vida que en Buenos Aires, toca a todos (más o menos cercanamente). Es que la mayoría de los porteños hemos podido vivir la nostalgia de un familiar o amigo, que procedente de tierras lejanas se radicó en estos pagos.

Las escenas muy bien logradas de Sánchez, se entremezclan con cuadros de baile, a cargo del Modern Jazz Ballet encabezado por Miriam Coelho (como Joaquina) y Gustavo Carvalho (el inmigrante), y con proyecciones audiovisuales del Estudio Droner. Todo ello compone una obra integral, equilibradamente conformada, sin pretensiones, y que deja una huella emocional que perdura mucho más allá de la finalización de la puesta.

Sobre fados y algún que otro tango, Florencia Díaz, Anabel Manzueto, Nicole Peterle, Geraldina Paladino, Belen Padilla, Tomas Chidichimo, Facundo Massuco, Nahuel Montiel y Oscar Rea, bailaron desde el interior de su ser, dejando mucho más que pasos sobre el escenario. __BD

Modern Jazz Ballet Foto . gentileza de la producción 60 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

Laura Monge Foto . Ana Hirthe

Jazz Experimental La reconocida pianista Paula Shocron presentó su nuevo ensamble de jazz, que incluye también a la danza El sábado 7 de septiembre, en el recientemente inaugurado Onyx Club del barrio de Recoleta, Paula Shocron mostró su nuevo proyecto (que se repetirá una vez al mes en diferentes ámbitos de la ciudad de Buenos Aires) con la actuación de Laura Monge en danza contemporánea.

Se trata de un proyecto que pretende acercar diferentes aspectos dentro del jazz, “no sólo respecto de la composición y arreglos, sino también en cuanto a las texturas, la heterogeneidad de las voces, con la improvisación como elemento primordial”, expresó la directora.

Son pocas las oportunidades en las que se incluye la actuación de una bailarina dentro de una propuesta musical, y cuando sucede, esta participación coreográfica suele no estar a la altura del conjunto. No fue así en el caso de Monge, que supo amalgamarse con el proyecto como elemento fundamental del show.

La bailarina, con una base de improvisación pautada, mostró un excelente dominio corporal compenetrado con los climas que se fueron su-

cediendo durante el breve recital. Con mínimos desplazamientos, delante de los músicos y también algunas intervenciones “sobre” ellos, Monge sintetizó en sus apariciones, todas las cualidades que permite el movimiento humano, en una danza intelectual y a la vez física.

El ensamble de excelentes músicos, está conformado además de la bailarina, por la propia Shocron en piano, composición y dirección musical, Ingrid Feniger en saxo alto, Pablo Moser en saxo barítono, Damián Poots en guitarra, Alfonso Santini en contrabajo, Damián Alegretti en batería y Pablo Díaz en batería y percusión. __BD

Aprendices El martes 3 de septiembre, se realizó la gala final de la cuarta edición del Certamen Nacional de Danza Julio Bocca, en el Teatro Alvear, organizado por el Consejo Argentino de la Danza

Agostina Mocibob

Presidido por Beatriz Durante, el CAD cumple con este certamen, con uno de sus objetivos institucionales, al becar a jóvenes bailarines de todo el país, para continuar sus estudios pre-profesionales. En la primera ronda de la competencia el jurado estuvo integrado por Norma Binaghi, Julio López y Gustavo Mollajoli, mientras que en las siguientes dos instancias fueron Binaghi, Ana Botafogo, Raquel Rossetti y Lidia Segni, los encargados de seleccionar a los galardonados.

La noche del Alvear, se inició con la conducción de Rolando Alvar quien leyó una misiva enviada por Julio Bocca (que estaba de

Ingrid Molea

Amparo Vázquez Fotos . Antonio Fresco

gira con el Ballet Nacional de Uruguay Sodre que dirige), e incluyó la actuación de los premiados de este año: Amparo Vázquez de Córdoba (1º premio, beca en el curso de verano del American Ballet Theatre de Nueva York), Agostina Mocibob de Córdoba (2º premio, beca en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) e Ingrid Molea de la provincia Buenos Aires (3º premio, beca en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín).

Luego se presentaron alumnos de tres instituciones educativas nacionales: el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, dirigido por Norma Binaghi, el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, liderado por Tatiana Fesenko y el grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín a cargo de Oscar Araiz, junto a los bailarines profesionales Agustina Verde y Rodrigo Colomba en una coreografía de Leonardo Reale. __BD

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Yellé Bittencourt

In Memoriam

Río de Janeiro, Brasil, 30 de diciembre de 1932 - Río de Janeiro, 9 de agosto de 2013 Yellé Bittencourt se había formado en su ciudad natal, con Vaslav Veltchek, en el Conjunto Coreográfico Brasilero y debutó profesionalmente en el Teatro Municipal de Río de Janeiro en 1952 (dirigido entonces por Tatiana Leskova). De 1953 a 1955 integró el Ballet del Sodre de Montevideo, Uruguay (dirigido por Vaslav Veltchek y luego por Roges Fenonjois), y en 1956 se radicó en Francia, al ser contratado por Fenonjois para integrar el Grand Theatre de Bordeaux que comenzaba a dirigir. Desde 1958 a 1961, bailó con la compañía del Marqués de Cuevas lo que fue el puntapié para integrar en los años siguientes los Ballets Russes de Montecarlo.

Ya en Estados Unidos, integró las filas de diversas agrupaciones, entre las que se mencionan, el Ballet de George Balanchine, Ballet Romantique de Igor Youskevitch, Bihari de Istvan Rabowsky, Joffrey Ballet y el Harlem Ballet Theatre de Arthur Mitchell. A la vez de participar en espectáculos del OffBroadway y musicales del Radio City Music Hall (bajo la dirección de Leon Leonidov y Marc Platt).

El prolífico artista, además había estudiado violín, piano, composición y dirección musical. Retornó a Brasil, contratado para bailar en el Teatro Municipal de São Paulo, y comenzó su trabajo como profesor y coreógrafo para la TV Cultura de esa ciudad, simultáneamente continuaba bailando en las compañías de Halina Biernaka, Kitti Bodenheim, Carla Perotti y Verónica Coutinho, amén del propio Teatro Municipal.

La vida lo llevó nuevamente a Europa, en 1981, para integrar las filas del Grand Theatre de Ginebra en Suiza (dirigido entonces por Oscar Araiz), al año siguiente al Teatro Nuovo Torino de Italia y se desempeñó como maestro invitado del Ballet del siglo XX de Maurice Béjart en Bélgica en 1983. Bittencourt se desempeñó como maestro y coreógrafo, en Alemania, en la Opera de Berlín (1985), de Wiesbaden (1987), de Bern, Suiza (1988), en el Ballet del Sur de la Argentina (1999) y en el Municipal de Río de Janeiro (en 1991 y en 1998).

Trabajó en Brasil incansablemente hasta 2012, y solía decir entre bromas “Brasil, es una trampa” por haberse radicado definitivamente en su tierra. Se jactaba también de haber sido el maestro “descubridor” y formador de Thiago Soares a quien le dedicó largas horas de trabajo antes de que fuera contratado en el Royal Ballet de Inglaterra, y a partir del año 2000 se instaló en la Academia Spinelli, trabajando como maestro y jurado de concursos en todo el país.

Murió el 9 de agosto a causa de un cáncer y lo sobreviven su hijo Yannick (solista del Ballet de la Opera de París), y su viuda Rosa Bustelo, ex bailarina del Ballet Nacional de Cuba. __BD

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Olga Ferri Con motivo de cumplirse un año de la muerte de Olga Ferri, su marido Enrique Lommi y su sobrina Marisa Ferri organizaron un encuentro para homenajearla el 13 de septiembre, en su mítico estudio

Enrique Lommi, Olga Ferri en bronce y Antonio Pujia

Para este homenaje, Enrique Lommi, decidió hacer pública una obra escultórica que conservaba en su casa, una cabeza de Olga Ferri que el genial Antonio Pujia había realizado cuando dirigía el taller de escultura escenográfica del Teatro Colón. La presentación de esta obra que quedará en el salón principal del Ballet Estudio, no fue más que la excusa para reunir a amigos, alumnos, compañeros y admiradores de la bailarina argentina, en una tarde que vivió muchas sinceras emociones. Uno a uno, quienes estaban en la mesa, dispusieron su relato: Lommi, Pujia, Pascual Montecalvo, Paloma Herrera, María José Lavandera y Carmen Iriondo.

Organizado por Marisa Ferri, el acto fue prolija y elegantemente dispuesto. Con personal de seguridad para custodiar los trajes y tocados de Olga Ferri que se exhibieron esa tarde. La ceremonia fue conducida de manera amena y distendida por la periodista Silvina Chediek.

Lommi aseguró que “Olguita estaría muy contenta” refiriéndose a los seres queridos que se encontraban presentes y Pujia remarcó que se trataba de una “emoción demasiado profunda para mí y para todos los que estamos acá”. Aunque Paloma Herrera dijo que no tenía mucho para decir, señaló: “está mi mamá acá presente, y puedo decir que Olga fue como una madre para mi. Siento que está conmigo todos los días, que no se fue. Yo soy yo, por Olga. Con mis cosas buenas y con las malas, con todo”.

Además dieron su testimonio sus ex alumnas Marisa Ferri, Patricia Casañas y Analía Sosa Guerrero, y el fotógrafo Jorge Fama. Lavandera leyó su biografía mientras se proyectaba una serie de fotografías y artículos periodísticos que daban cuenta de la carrera de la maestra.

Lucía, una alumna de Ferri, ingresó a la sala en puntas de pie siguiendo la melodía de Camille Saint Saëns, se dirigió bailando hasta el pedestal, y fue la encargada de retirar el velo para descubrir la escultura. Acto seguido el cura de la parroquia de San Nicolás de Bari ubicada a la vuelta del estudio, se ocupó de bendecir la ceremonia en homenaje a Olga Ferri y a ella misma por la huella que ha dejado en cantidad de personas. Para finalizar, el maestro acompañante de clases del estudio Leonardo Bedetti tocó el Concierto Nº 1 de Tchaikovsky que Olga solía usar en sus clases, para leer mensajes de alumnas que residen en el exterior. __BD

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-contemporáneo La Lengua

Compañía Codanz. Dirección: Juan Cruz Argento. Coreografía: Soledad Mauricci. Sábados de octubre y noviembre, 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 500, Tel: 5555-5450).

-español Lo Mejor de la Copla Dirección: Jorge Mazzini. Producción: Ricardo Gallo. Con Gloria Montes, Ana Acosta y elenco. Sábados y domingos 18 hs, miércoles 20 hs. Teatro Astral.

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Ya son más de 45.000 seguidores 64 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

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-musical Madagascar Live Jueves 24, 20 hs, viernes 25, 19.30 hs y sábado 26, 16 hs y 20 hs. Estadio Luna Park (Av. Corrientes y Bouchard, Tel: 5353-0606).

-contemporáneo Unos Días Afuera De y con Eugenia Estévez y Ciro Zorzoli.

Domingos, 17 hs. Sala Apacheta (Pasco 623, Tel: 4941-5669).

Cartelera

-danza-teatro Las Tres Caras de Judas

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De Leticia Mazur. Viernes 22 hs. Espacio Callejón (Humahuaca 3759, Tel: 48621167).

arteycultura@arnet.com.ar www.arte-cultura.com.ar Asociación Arte y Cultura Guardia Vieja 3783 (y Bulnes)Tel: 4866-2671

STAFF DE MAESTROS Clásico: Sara Rzeszotko, Rina Valver, Luis Baldassarre, Héctor Barriles Clásico para Niños: Mónica Revelli / Clásico para Adultos: Yanina Toneatto Contemporáneo para Niños: Paula Safar / Comedia Musical (canto - danza jazz y teatro): Nora Bender Pilates - Clases personalizadas - Pilates para Bailarines

SEMINARIO

FACUNDO BUSTAMANTE Danza Contemporánea Técnicas Combinadas Técnica GAGA (creada por la Cía. BATSHEVA) Desde 17/10 al 19/12 – Lunes y Jueves de 16 a 18 hs.

En el marco del CONVENIO realizado entre NEGLIA CONSERVATORY of BALLET (EEUU) y ASOCIACION ARTE y CULTURA (Argentina), anunciamos el:

WORKSHOP INTERNACIONAL de BALLET 10 al 22 de Febrero 2014 Maestro Internacional Invitado

SERGIO NEGLIA Se otorgarán 5 BECAS de ESTUDIO (*) para el Curso de Verano (Junio 30 al 1ro. de Agosto) en NEGLIA CONSERVATORY of BALLET SUMMER INTENSIVE PROGRAM. (Buffalo - NY - EEUU) STAFF MAESTROS NEGLIA CONSERVATORY Maestros y Directores: SERGIO NEGLIA y HEIDI HALT Maestros Invitados: CARLOS MOLINA (Boston Ballet), VILIA PITRUS y MINDUAGAS BAUZYS (Lituania), VIKTOR PLOTNIKOV (Ucrania) (**). (*) Las BECAS cubren solo ESTUDIO - serán a cargo del Becario Viaje y Estadía (**) Los Maestros pueden variar según el Curso

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CLASE MAGISTRAL ALFREDO GURQUEL Sexta Edición del Libro ELONGACIONXELONGACION Método de trabajo corporal de estiramientos, basado en el estudio de la biomecánica, desarrollado por el maestro Alfredo Gurquel durante más de 40 años.

CLASE MAGISTRAL

SABADO 16 DE NOVIEMBRE a las 16 hs PASTEUR 170, BUENOS AIRES

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Si ya tenés el libro y el DVD del maestro, no te pierdas esta oportunidad única de tomar una clase con Alfredo Gurquel en persona.

Aprenderás a comprender mejor las nociones vertidas en el libro, que luego te servirá como un ayuda memoria, mientras disfrutás al practicarlo con tu propio cuerpo.

Además, al finalizar la clase, el maestro firmará ejemplares para todos los interesados y habrá un momento extra para aclarar dudas puntuales con todos los presentes.

INSCRIPCION: Hasta el viernes 8 de noviembre o hasta completar la capacidad del evento (lo que suceda primero).

Enviar un e-mail a: elongacion@balletindance.com.ar con: nombre, apellido y DNI

CUPOS LIMITADOS

Modelo: Lorena Sabena

El creador del método «Elongación x Elongación» Alfredo Gurquel con la colaboración especial de la maestra Juana Lederer dictará una clase magistral en su estudio de la ciudad de Buenos Aires, destinada a profundizar algunos aspectos fundamentales de sus investigaciones.

• Presentación del método. Breve exposición teórica con proyecciones ilustrativas • Clase práctica de elongación • Preguntas puntuales personalizadas • Venta y firma de libros y DVD «Elongación x Elongación» • Entrega de certificados • Se otorgarán dos becas de estudio

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Mario Galizzi Incansable Buenos Aires, La Plata, Córdoba, Brasil, Uruguay, Estados Unidos y Sudáfrica en la agenda próxima del maestro, repositor y coreógrafo Mario Galizzi Luego de que Mario Galizzi hubiera renunciado a la dirección del Ballet del Teatro Argentino de La Plata en noviembre del año pasado, su carrera se repartió entre Buenos Aires y el exterior.

Aquella última temporada platense de 2012 “fue de intensa actividad”, expresó el director a esta revista. Incluyó cinco títulos en el teatro bonaerense y actuaciones en el Coliseo Podestá (también de La Plata), en Buenos Aires (Luna Park y Teatro Nacional Cervantes) y Rosario. “Sabiendo que este año no sería similar, por las cuestiones ampliamente conocidas, decidí renunciar, así como también hicieron otros directores”.

2013 lo encuentra más atareado que nunca. Comenzó como maestro invitado en la Compañía de Danza de San Pablo (Brasil) durante enero y febrero, a la vez de ensayar con ellos algunos pas de deux del repertorio clásico. En marzo montó su versión integral de Giselle en Buffalo, Nueva York, Estados Unidos, para el Neglia Ballets Artists, que se realizó en el Shea´s Theather junto a la Buffalo Philarmonic Orchestra (protagonizada por Silvina Vacarelli y Sergio Neglia).

De abril a junio, respondió a una invitación de Mauricio Wainrot para dictar clases al Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires, y también al Taller de Danzas dirigido por Norma Binaghi, mientras simultáneamente el Teatro Argentino de La Plata, presentaba su coreografía de El Lago de los Cisnes.

En septiembre fue el maestro de clase de los bailarines que integraron la 3º Gala Internacional de Ballet en Buenos Aires, organizada por el Grupo Ars en el Teatro Coliseo e inmediatamente después, se reincorporó en calidad de maestro invitado a la Compañía de Danza de San Pablo para la tournée que realizaron por provincias argentinas y en el Teatro Sodre de Montevideo, hasta el 22 de septiembre.

La Compañía de Danza de San Pablo. Galizzi en el centro Fotos . gentileza del artista

Luego de desempeñarse como coaching y maestro de los jóvenes que participaron de la preselección en Latinoamérica del Prix de Lausanne, encarada por la Organización Danzamérica en Villa Carlos Paz, Córdoba (del 28 de septiembre hasta el 5 de octubre) regresó a San Pablo el 8 de este mes, donde permanecerá hasta fines de noviembre. Además de las clases, Galizzi tendrá a su cargo la preparación artística de los bailarines, para una nueva creación neoclásica de Romeo y Julieta del coreógrafo italiano Giovanni di Palma.

“Breve descanso en diciembre, sobre todo por las fiestas, pero aquí viene lo mejor”, aseguró Mario Galizzi a Balletin Dance. Enero y febrero de 2014, comenzará nuevamente con el elenco brasilero, para montar La Sylphide (la misma que puso en el Teatro Colón en 2006) que se estrenará en Brasil los primeros días de junio.

De allí, a Sudáfrica “este año no podré ser jurado de la Competición Internacional de Johanesburgo, porque se realiza en febrero”, pero poco después comenzará a trabajar el montaje de La Bayadera, en versión completa para la Compañía de Ballet de aquella ciudad (que había creado en Caracas hace unos años) que se estrenará en septiembre, en el magnífico teatro sudafricano. __BD

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Bicentenario de Verdi Francisco Lorenzo estrena nueva coreografía en Málaga, en conmemoración al bicentenario de Giuseppe Verdi

Verdi Foto . Pedro Ariza

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Verdi que te Quiero V.E.R.D.I. es el título de la obra con la que Francisco Lorenzo y la Compañía R.E.A Danza, rinden su particular homenaje a Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, el compositor más notable e influyente de la ópera italiana, nacido en Busseto (Italia), el 10 de octubre de 1813.

El espectáculo lleno de contrastes, conjuga danza contemporánea (con coreografías de Francisco Lorenzo), danza vertical (o aérea, firmadas por Diego Arias) y video (a cargo de Jupa Arias) y relata la vida del compositor con diez bailarines en escena.

“Verdi creía que toda renovación debía buscar su razón en el pasado. No todo fueron aplausos y triunfos en su vida, sus ochenta y siete años estuvieron salpicados de momentos tristes y angustiosos, tal vez por esto el músico destinó toda su fortuna para la construcción de un hogar para músicos jubilados y sin medios: la Casa Verdi”, explicó Lorenzo a Balletin Dance.

“Su nombre se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica y política por la unificación del país, aunque él mismo declaró que era un humilde campesino y que lo sería toda su vida. Su testamento es una página de amor que refleja la integridad moral de este hombre: ...Quiero un entierro modesto, sin música ni canto, al amanecer, para que nadie asista...”, completó.

En referencia al título de su novena creación, el argentino señaló: “El haber escrito V.E.R.D.I. tiene una connotación política e histórica. Durante el período de protestas por la reunificación del pueblo italiano, que en ese momento estaba dominado por austrias, las siglas del apellido Verdi, fueron utilizadas como reclamo para que volviera Vitorio

Francisco Lorenzo en Walking Mad de Johan Inger, con la que estuvo de gira este año Foto . Sara Fernandez

Emanuelle Rey De Italia, que se encontraba en el exilio. De esa manera escribir o realizar pintadas con V.E.R.D.I. les eximía de persecuciones, ya que podían aludir que se referían al entonces muy popular compositor”.

La producción corre por cuenta de la compañía malagueña Rea Danza que dirige Diego Arias, un elenco fundado en Argentina hace más de 20 años, dedicado fundamentalmente a la danza vertical en muros, fachadas de edificios, con arneces y bunges.

En colaboración con el Conservatorio Superior de Málaga, el Teatro Cánovas y la Compañía Nacional de Danza de España. Verdi se estrenará el 19 de octubre, y se presentará viernes, sábados y domingos, hasta el 15 de diciembre, en la Sala Gades de les Teatro Cánovas.

Por otro lado, Francisco Lorenzo continúa bailando en la Compañía Nacional de Danza de España dirigida por José Carlos Martínez, pero “no de una manera tan activa como hace unos años, ya que me estoy metiendo de lleno en esto de coreografiar”, aseguró. “Este año estrenaré una obra de Itzik Galili, Casi Casa de Mats Ek, tengo algunas funciones con Herman Sherman de William Forsythe, Petit Mort de Jirí Kylián y algunas otras obras que se están por confirmar”.

Por último, un día antes del estreno de Verdi en Málaga, “debuto en la coreografía Ball and Chain, para la inauguración del Teatro Guerra en Lorca, el 18 de octubre, bailada por la CND”. __BD OCTUBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 69

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Flamenco Argentino en La Habana Raíces del Flamenco, del Sefarad al Cante Jondo, este mes en el Festival Internacional de Teatro de La Habana El espectáculo concebido por Marcela Suez y Cristina Pérsico es un viaje musical hacia los orígenes de la cultura gitana, desde sus raíces moras, judías y gitanas, a través de textos poéticos de Federico García Lorca, León Felipe y Juan Gelman.

Estrenado en Mediterránea Café de Buenos Aires el año pasado (con reposición a fines de septiembre de 2013), en Raíces del Flamenco bailan la propia Suez con Diego Ferreira, canta y recita Cristina Pérsico, acompañados por los músicos Jesule de Utrera, Eugenio Romero, Rodrigo González, Lisandro Pejkovich y Juan Romero Cádiz, con guión narrativo de Rubens Correa y puesta en escena de Rafael Fernández.

En el Festival Internacional de Teatro de La Habana, que se realizará del 25 de octubre al 3 de noviembre, actuarán en el Teatro Raquel Revuelta, del barrio de El Vedado. __BD Raíces del Flamenco, síntesis histórica Foto . Virginia Conde

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Del Mejor Tango Milena Plebs, de gira por Europa durante los meses de septiembre y octubre Luego de su actuación especial en el ciclo de funciones de Chaucito, Historias de Milongas (de Ramiro Gigliotti), su habitual baile en milongas porteñas de toda la ciudad y su participación en el Mundial de Tango de en Buenos Aires, Suiza, Holanda e Italia son los países que Milena Plebs recorrió en esta nueva gira europea.

Allí, como es tradición para la los argentinos que se dedican al tango, dictó clases grupales e individuales además de presentar el espectáculo coreográfico junto a Demián García, Pablo Verón-Alejandra Gutty y Gisela NatoliGustavo Rosas.

La tournée comenzó en Zurich el 19 de septiembre, siguió en Utrecht y La Haya (Holanda) y finalizó el 6 de octubre en el Festival San Remo de Italia. __BD Mielna Plebs, una vez más en el Viejo Continente Foto . gentileza de la producción 70 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

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Mentores El fin de semana del 19 y 20 de octubre, Rolex celebra la culminación del Programa de Mentores y Discípulos de este año, en Venecia

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Eduardo Fukushima en Taipei, al presentar a la prensa el inicio de su creación

Los discípulos que trabajaron a lo largo de todo un año con sus mentores, en cada una de las siete disciplinas artísticas que contempla este programa, participarán con espectáculos, conciertos, lecturas, eventos y exposiciones, en la Fundación Giorgio Cini, ubicada en la isla de San Giorgio Maggiore, frente a la Piazza San Marco y el Palazzo Ducale.

En materia de danza, el bailarín y coreógrafo brasileño Eduardo Fukushima, estrenará en el Refectorio Palladiano de la fundación, Crooked Man, creada bajo la tutela de Lin Hwai-Min. Fukushima se trasladó a Taiwán y participó activamente junto a su mentor en Cloud Gate Dance Theatre y en un viaje de gira por varias ciudades asiáticas. Para el brasilero este año ha sido de extremo crecimiento no solamente en la danza, sino como experiencia de vida, pues sintió a Hwai-Min como mentor y figura paterna. A jóvenes bailarines les diría: “es importante ser capaz de siempre tener el coraje para cuestionar tu propia motivación y progreso”. Mientras que el tutor señaló que su intensión en este proceso, no fue crear un pequeño Lin Hwan-Min, sino estimular a Eduardo para que en el futuro “sea capaz de crear su propio pedazo de cielo”. __BD

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AUDICIONES El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, que dirige Mauricio Wainrot, realizará una audición para bailarines profesionales varones, el miércoles 20 de noviembre de 2013, desde las 10 hs en su sede del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530, Capital Federal). Los aspirantes deberán tener de 19 a 27 años, muy buena técnica clásica y contemporánea, acreditar experiencia profesional mínima de tres años.

Inscripción: personalmente o por mail a: audicionballet@complejoteatral.gob.ar, incluyendo Cv con estudios realizados, fotografías, DVD o VHS, estatura y peso, notas periodísticas, críticas y programas de las obras que den cuenta de su trayectoria.

La audición consistirá en una clase de danza clásica, de danza contemporánea, frases coreográficas del repertorio de la compañía y trabajo de partenaire. Los finalistas deberán presentar una variación de dos minutos como máximo. Los extranjeros podrán presentarse acreditando su condición de residentes en Argentina.

Noruega. Carte Blanche, Compañía Nacional Noruega de Danza Contemporánea. Audición anual para la temporada 2014/15. 1º y 2 de febrero de 2014 en su sede: Studio Bergen, Nøstegaten 119 (5011) Bergen, Noruega. Los interesados en participar deberán enviar una solicitud, con Cv y fotos a: audition@ncb.no. Mayores informes en internet: http://www.carteblanche.no.

CLASE ABIERTA GRATUITA Técnica clásica, nivel intermedio, por Alicia Bozzi. Martes 14 hs y jueves 9:30 hs. Ensayo Estudio de Danza (Carlos Casares 1159, Castelar Norte, Tel: 4628-7500).

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CONCURSOS Preselección en Buenos Aires para el Youth America Grand Prix.

1º edición. Organiza: Grupo Ars. Como lanzamiento del programa en nuestro país, se realizarán clases magistrales el viernes 18 y el sábado 19 de octubre, para seleccionar a posibles candidatos para concursar directamente en la final de Nueva York (abril de 2014) con todos los gastos pagos (pasajes, alojamiento e inscripción). Para ello, llegarán a nuestro país Larissa Saveliev, Gennadi Saveliev y Luca Masala. Informes y pre-inscripción: www.yagp.com.ar.

Contar 1. Organiza: Asociación Argentina de Autores (Argentores) junto a la Asociación Argentina de Actores (AAA) y la Asociación de Productores Teatrales (ADET). Objetivo: estimular la llegada de obras de autores argentinos (o extranjeros con cinco años de residencia acreditada en el país) contemporáneos al circuito comercial. Se seleccionarán hasta diez obras teatrales para ser mostradas en una sala céntrica, a los productores, mediante el sistema de Semimontado en la Primera Feria Teatral de Buenos Aires Contar 1, de abril a septiembre de 2014. Los autores de estas obras recibirán cada uno un monto de $ 2500. Los interesados de todo el país, podrán postular textos inéditos de 70 minutos de duración mínima y deberán inscribirse antes del 13 de diciembre, en el Anexo de Argentores (Montevideo 696, Buenos Aires), con la presentación de dos carpetas (una con seudónimo).

Informes: www.argentores.org.ar.

Premio Itaú Cultural de Artes Visuales 2013/14. Premio adquisición destinado a artistas argentinos (o extranjeros radicados en el país) emergentes de 18 a 40 años. Podrán participar todas las expresiones de artes visuales incluido video arte, video instalación y/o arte digital de cinco minutos como máximo (excepto performances, happenings u otras de carácter efímero), deberán ser obras inéditas realizadas después del 1º de enero de 2008. Las obras premiadas serán

balletin informativo expuestas y adquiridas, por una suma de $ 35.000 para el primer premio, $ 25.000 para el segundo y $ 20.000 para el tercero. El jurado está constituído por Moacir dos Anjos, Alberto Petrina, Fabián Lebenglik y Diana Aisenberg. Cierre de inscripción: 17 de octubre de 2013.

Informes: www.premioitau.com.ar.

CONVOCATORIAS Territorio Abierto, Festival de Experimentación Urbana. 2º edición.

Del 28 de noviembre al 1º de diciembre de 2013, en el barrio de Almagro de la ciudad de Buenos Aires. Organiza: Flor Firvida y Alejandra Machuca. Podrán postularse artistas de todas las disciplinas hasta el 20 de octubre. Cada grupo recibirá por su presentación un cachet de $ 500.

Los resultados se anunciarán el 30 de octubre.

Informes: territorioabiertofestival@gmail.com.

Web: www.territorioabierto.com.ar Cine Experimental y Videograbación.1º edición. Organiza: Angular Films. Dirigida a cineastas y videocreadores de cualquier procedencia.

Los trabajos seleccionados serán editados en una colección de DVD que se comercializarán a través de la página web organizadora. Podrán presentarse trabajos realizados a partir de enero de 2011, de cualquier formato de producción, de veinte minutos como máximo. Inscripción hasta el 1º de noviembre de 2013. Los interesados en participar deberán escribir a info@angularfilms.com con el asunto “Inscripción”, incluyendo ficha técnica, fotos y enlace a Vimeo. Informes: http://angularfilms.com.

Medi Terraneum Festival Internacional Simultáneo de Videoarte.

4º edición. Del 28 al 30 de noviembre de 2013. Festival Internacional Simultáneo de Videoarte, en Argentina, Uruguay, Colombia, España, Italia y Grecia. Se seleccionarán hasta seis obras de cada país. La jornada de clausura en Madrid, incluye una sesión de Vj y Dj será transmitida en directo por streaming, y en las distintas sedes organizadoras. Podrán presentarse artistas de cualquiera de los países organizadores, sin límite de edad, de manera individual o colectiva, antes del 5 de noviembre.

Más información: www.inmediterraneum.com.

ESTUDIO DE DANZAS

Silvia Roller

INAUGURADO EN 1987

rollersilvia@gmail.com VIRREY DEL PINO 2352 TEL: 4781-4172

Clases desde los 3 años: Iniciación a la danza Danzas clásicas · Danza jazz · Contemporáneo Arabe · Hip Hop · Tap · Pilates · Yoga Gimnasia con barre à terre Paola Alves, Guiliana Bonacera, Jennifer Cerrotta, Julieta Frascara María Luz Iacono, Claudia Lucena, Micaela Milanesi, Beto Pinto Nina Marcela Ricci, Silvia Roller, Valeria Perez Roux Sofia Sancinetti, Agostina Schiavi, Agustina Vivone

Segunda En Encuentros de Danza. Encuentros que toman como eje el Videodanza, entendido como campo posible de discusión, análisis y construcción de conocimiento. Podrán presentarse realizadores argentinos, con obras de temática y duración libres, durante el resto del año.

Informes: info@cuadernosdedanza.com.ar.

Rosario. Tardes de Butoh en el jardín. Domingo 1º de diciembre, 17 hs, Parque Urquiza, Rosario, Santa Fe. Organizan: Analía Rodríguez y Alejandro Barone. Se podrán postular obras escénicas de butoh o inspiradas por este lenguaje, que se adapten a espacio abierto no convencional, solos o grupales de veinte minutos de duración máxima. Los interesados en participar, deben enviar un mail a: nalysoka@hotmail.com, indicando duración de la obra, número de bailarines, síntesis estética, necesidades técnicas específicas, Cv del coreógrafo o director, foto de obra, link de obra en internet, o de obra anterior del director o coreógrafo. Más información en internet: www.tardesynochesdebutoh.blogspot.com.ar.

RESIDENCIAS Uruguay. Programa Artistas en Residencia (PAR). Destinadas a artistas extranjeros para la realización de residencias de investigación y creación escénica contemporánea, de una a cuatro semanas de duración, en el Taller de danza y creación Casarrodante de la ciudad de Montevideo. Informes: pardifusion@gmail.com (indicar en el asunto del mensaje: llamado internacional).

Internet: residenciasartisticaspar.blogspot.com.

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balletin informativo ¿DÓNDE CONSIGO BALLETIN DANCE? En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, BALLETIN DANCE es de distribución gratuita. La conseguís en los locales de venta de artículos de danza y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs.

En el interior de la Argentina, podés comprar BALLETIN DANCE, LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA en tu propio estudio y en los siguientes locales, a $ 8.

AZUL. BUENOS AIRES Instituto de Danzas Terpsícore de María Amalia Caldentey. Puan 971 Tel: 2281468075. E-mail: marii.caldentey@gmail.com

Colección

Súlkary Cuba dirigida por Mercedes Borges Bartutis

El Cuerpo Creativo Taller Para la Enseñanza de la Composición Coreográfica María del Carmen Mena www.balletindance.com.ar

CONCEPCIÓN DEL URUGUAY. ENTRE RÍOS Estudio de Danza Carina Caire. Rto Uncal 160 Tel: (03442) 44-9020. E-mail: fulltraining@hotmail.com CÓRDOBA Artedanza. Liliana Carreño. Diagonal Garzón 470, Local 3 Tel: (0351) 424-5336. E-mail: artedanza@arnet.com.ar GUALEGUAYCHÚ. ENTRE RÍOS Ysis Instituto de Danzas. Silvana Ferrari. Calle 3 de Febrero 273 Tel: (03446) 15-596410, E-mail: ysisferrari@hotmail.com FIRMAT. SANTA FE Estudio de Danza Marcela Arrieta: Miguel de Azcuénaga 1799 Tel: (3465) 49-2457, E-mail: maraarrieta@hotmail.com FORMOSA Estudio de Danzas e Indumentaria para bailarines Ballare. Padre Patiño 264 Tel.: (0370)-4426518. E-mail: ballareformosa@gmail.com MENDOZA Talleres de Danza de la UNCuyo. Calle Buenos Aires 402 Tel: (0261) 655-4958. E-mail: alcides_sutil@hotmail.com.ar ROSARIO. SANTA FE Koi Ballet, Carina Odisio, Club Español: Rioja 1052 E-mail: odisiocarina@hotmail.com SALTA Estudio de Danzas Candela García: Urquiza 296.

Tel: (0387) 15-479-5286. E-mail: estudio_candeladanzas@hotmail.com SAN MIGUEL DE TUCUMÁN Bajo Jardín. Alejandra María Dezza. Crisótomo Alvarez 3095 Web: www.bajojardin.galeon.com VILLA MARÍA. CÓRDOBA Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar EN PARAGUAY, A 15.000 GS Huerta Librería. Asunción.

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Martes 20.30 hs.

Sábado 17 hs.

Cel: 15-4149-4413 Mail: olgabesio@yahoo.com.ar 74 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2013

SUSCRIPCIÓN También podés recibir la revista todos los meses en tu casa (en todo el mundo). A través del sistema de suscripción, pagás solamente los gastos de envío que en Argentina son $ 11 por revista.

Y contás con la suscripción grupal. Para un estudio, un local o un grupo de amigos que quieran recibir todos juntos los ejemplares mensuales de La Revista Argentina de Danza, a solo $ 4 cada una. + info: www.balletindance.com.ar, E-mail: suscripciones@balletindance.com.ar

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