BALLETIN DANCE 227

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 . A帽o 20 . N潞 223 . Diciembre 2013 . Revista mensual de distribuci贸n gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

CRISTINA GOMEZ COMINI Al frente de la CNDC III BIENAL DE FLAMENCO De Buenos Aires

SEBASTIAN SAYAGO Campe贸n Nacional Laborde 2012

NOVIEMBRE 22 / BALLETIN BALLETIN DANCE DANCE // DICIEMBRE 2009 2013

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NOTA DE TAPA 6 Laborde Baila el Malambo ACTUALIDAD 13 Flamenco 14 Teatro Porteño 16 Consultores 16 Desde Lejos 18 Bailarines a Retiro

Sebastián Sayago Foto . Víctor Senestrari

PROVINCIAS 20 Salta. Dos Culturas, Dos Regiones, Dos Coreógrafas BALLETIN DANCE EDICIONES 22 Flamenco 58 Más “Chúcaro” ENTREVISTA 24 Barajar y Dar de Nuevo.

Cristina Gómez Comini en la CNDC

Sumario 227

IN MEMORIAM 31 Karl Musil 46 Guillermina Bravo FOLKLORE 32 20 Años es Mucho FLAMENCO 34 Adrián Galia y La China.

Sangre Flamenca DANZA DE LA INDIA 36 El Encanto de los Cascabeles

COMENTARIOS 38 Una Canción Equívoca 40 Futurismo y Tradición a Partir de un Movimiento Oscilante 42 Contener el Aliento 44 La Construcción 50 Rosas y Circo, Pan y Danza 54 Humor Extranjero 57 Cierre de Temporada ARGENTINOS EN...

60 Chile. Ortigoza, Chileno por Especial Gracia 61 México. Medio Siglo INTERNACIONALES 62 Rusia. Nueva Dirección en la Escuela Vaganova 67 Uruguay. El Sodre al Bolshoi 68 España. Córdoba 69 España. Galardón Mayor 70 España. La Fuerza Creativa del Flamenco CARTELERA 28/49 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 72/73/74 Audiciones, encuentros y festivales, concursos, financiamiento, inscripciones, residencias, venta, búsqueda de periodista, puntos de venta

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Román Ghilotti Eliana Gissara Mathías Goyburu Juan Cruz Guillén Natascha Ikonicoff Laura Lifschitz Carlos Manso Alicia Muñoz Daniel Sousa Cecilia Werle Pinto corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) comercialización EG Media Brokers Esteban Gallego info@egmediabrokers.com diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

BALLETIN DANCE REDACCIÓN

Diciembre 2013 - Año 20 - Nº 227 Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Ascociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5081363. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

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Gimnasio, alimentación y un trabajo técnico minucioso durante todo un año: la fórmula para llegar en buenas condiciones a la competencia Foto . Víctor Senestrari

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Nota de tapa

Laborde Baila el

A MAL MBO La fiesta máxima de los zapateadores tendrá lugar entre el 7 y el 12 de enero en el sur de la provincia de Córdoba. Además de las destrezas de piernas en los estilos norteño y sureño se verán conjuntos de danzas, cuadros históricos y costumbristas, y delegaciones extranjeras. El último campeón, Sebastián Sayago, repasa su camino hasta la consagración

Por Daniel Sousa

“De pie se ha puesto la Argentina, y se abre al mundo fraternal.

Son los hijos de esta tierra, pura selva y raíz, que comienzan a bailar…”. Cuando el próximo 7 de enero el himno escrito por Carlos Yarán vuelva a atronar en el Parque Nacional del Malambo, la ilusión de decenas de zapateadores llegados desde los cuatro puntos cardinales será puesta en juego una vez más. Durante seis días y sus noches, las delegaciones provinciales, siempre numerosas, alterarán el ritmo cansino al que se mueve Laborde, un pueblo de apenas seis mil habitantes en el sur de la provincia de Córdoba, donde se consagra cada año, desde 1966, al malambista más virtuoso del país.

Claro que el festival es más abarcativo y contempla también otros rubros en competencia: pareja y conjunto de danzas, grupo y solista de canto e instrumental, recitador gauchesco. Un menú rico y variado, signado por el estricto respeto de los cánones tradicionalistas por sobre la proyección y las influencias de otros estilos de música y baile. No por nada Laborde se jacta de ser “el más argentino de los festivales”.

Si bien la máxima atracción es siempre el contrapunto entre los aspirantes a Campeón Nacional (que deben superar los 20 años), las categorías arrancan desde los nueve años (Infantil) y contemplan también a los adultos (en el apartado Veterano compiten los mayores de 38). Tal vez sea la competencia en cuarteto, de un vistoso despliegue coreográfico, el rasgo menos ortodoxo de la fiesta grande del malambo.

Para la edición 2014 se anuncian las presentaciones de Facundo Toro, Los Cuatro de Córdoba y La Callejera, entre otros números que, junto con los concursantes, animarán las veladas a cielo abierto. El inicio de las actividades volverá a marcarlo el desfile de todas las representaciones provinciales, con sus trajes típicos, desde la plaza Olmos, por la calle Sarmiento, hasta el Parque del Malambo. Los abonos para las seis noches se consiguen a 300 pesos.

En un lapso de entre dos y cinco minutos (dependiendo de cada categoría), con el único respaldo de sus músicos en vivo, los zapateadores saldrán a dejar el alma en escena después de un año entero de privaciones, sacrificio y esfuerzo. La entrega y la perseverancia de los malambistas, y particularmente la del Campeón Nacional 2012, el pampeano Rodolfo González Alcántara, llamaron la atención de la periodista y escritora Leila Guerriero, que le dedicó un libro a esta singular fiesta popular (Una Historia Sencilla, editorial Anagrama). Lo presentará el sábado 11 de enero en el marco de las actividades culturales y de formación que la comisión organizadora programa en cada edición.

Como ya es costumbre, actuará la academia de danzas del festival, llegarán delegaciones extranjeras, y funcionarán el paseo de los artesanos y el patio de comidas criollas.

provincia y salí segundo en la categoría Infantil. Yo ya bailaba desde los cuatro años. Un tío por parte de mi madre, Juan Ramón Sayago, profesor de danzas, me inculcó todo esto. Siempre que se ponía a practicar yo me sentaba a verlo mientras tocaba un bombito. De a poco, de tanto verlo, me fue llevando. Un día mi tío me dijo que le gustaría presentarme a Pablo Sabalza (campeón 1991) para que me preparara y pudiera llegar al festival algún día. Cuando salí segundo en el Pre-Laborde, Pablo y su padre, Roberto ‘Piri’ Sabalza (campeón 1970), me invitaron a sumarme a la delegación provincial, aunque no pudiera competir. Fue así como conocí esta fiesta”.

TIERRA DE CAMPEONES “La primera vez que viajé a Laborde fue en 1996, cuando tenía once años”, le cuenta a Balletin Dance el santiagueño Sebastián Sayago, ganador de la última edición del festival. “Había participado de uno de los primeros Pre-Laborde que se hicieron en mi

¿Cuándo se dio cuenta que tenía chances reales de llegar a ser Campeón Nacional?

En 2005 fui campeón en Juvenil Especial y al año siguiente ya me presenté para aspirante a Campeón Nacional. Desde ahí nunca dejó de crecer mi ambición de ganar. En 2009 perdí en el Pre-

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Santiago es una provincia con mucha tradición de campeones en Laborde. Ya suman quince…

Siiii... Cuando llegué me sorprendí con la cantidad de santiagueños que figuraban en la galería de campeones. Aquella primera vez mía coincidió con una presentación que se hizo de todos los campeones juntos, desde Miguel Ángel Tapia (el primero, en 1966) hasta ese año. ¡Imaginate! Verlos a todos en persona fue algo fabuloso.

Ahí nacieron mis ganas de llegar a ser como ellos algún día.

Después de aquel viaje iniciático, ¿cómo siguió su relación con Laborde?

Al año siguiente participé en Cuadro Costumbrista, al otro me presenté y perdí en la categoría Juvenil (de 14 a 16 años). Retomé ya en Juvenil Especial (de 17 a 19), como solista y en cuarteto.

En 2002 salimos segundos, en 2003 fuimos terceros y en 2004 ganamos la mención especial. Pero nunca perdí las ganas. Yo soy así: no bajo los brazos, considero que es de un grande aprender a ganar y a perder. ¿El ambiente es tan competitivo como parece?

Y, sí... Ya mientras te estás preparando arrecian los rumores de cómo viene tal o cual aspirante. “Cuidate con aquel que está muy bien…”. Hay favoritismos, comienzan a circular nombres, arranca la competencia aún antes de subir al escenario. Pero como yo ya los conozco a todos y tengo buena relación, no lo sufro. Es más: durante el resto del año mantenemos el contacto. ¿Cómo fue el día en que vio los afiches de la edición 2014 con su imagen?

Estaba tan ansioso, tan impaciente... Le preguntaba a uno y a otro cuándo iban a salir. Estando en Rusia de gira, un día abro Facebook y ahí lo veo. Automáticamente me puse a llorar, es una sensación tan extraña. Era algo que me había imaginado desde chico, una cosa increíble.

Sayago conoci贸 Laborde a los once a帽os.

Hoy tiene 28 y es el Campe贸n Nacional Foto . V铆ctor Senestrari DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 9

“En 2006 me calcé por primera vez la ropa de sureño y me sentía un ser de otro mundo, pero con el tiempo le tomé un amor especial”, confiesa.

Sostén económico de su familia (madre, hermana y abuelo), el bailarín recuerda que muchas veces le han preguntado por qué invertía tanto tiempo y dinero en preparación, y por qué viajaba al menos cuatro meses en el año a trabajar en lujosos cruceros “para después malgastar lo ganado en el malambo”. “Viajo para ahorrar todo lo que puedo. Este año estuve en Estados Unidos y en once países del norte de Europa. Durante mucho tiempo entrené solo en los cruceros, todas las noches entre las once y las tres de la mañana, que era cuando me prestaban el teatro.

Y extrañaba mucho en ese momento: el bombo, la guitarra, la compañía de mi gente…”. Una vez que la gira concluía y Sayago regresaba a su Santiago natal ya no aceptaba otros compromisos laborales. Se dedicaba a ensayar a destajo.

Laborde con Fernando Castro, un medio hermano mío por parte de mi padre. Pero ayudarlo a él a consagrarse como campeón me dio más fuerzas. Mientras me preparaba para el festival de 2012, en el que fui subcampeón, me sentía bien preparado internamente como para llegar lejos.

La relación de los concursantes con los jurados es muy cercana. ¿Qué devolución le hacían?

Siempre me han dicho que el mío era el mejor malambo en cuanto a estructura, que tenía muy buena técnica, pero que me faltaba algo. “Tenés todo pero te falta decirnos algo arriba del escenario”, era el comentario. Era la madurez lo que me falta, ahora lo entiendo. Recuerdo que cuando subí a zapatear en 2011 sentí que volvía a ser la misma persona que se había alejado del festival en 2005. Es que en esos años, por mis viajes al exterior, había ido perdiendo el vínculo con la cultura de mi tierra, se me confundieron las raíces, y tal vez era eso lo que el jurado veía.

La rutina que finalmente lo convirtió en campeón fue creada por Daniel Paladea, la mano derecha de Pablo Sabalza, quien a su vez orientó la preparación física del crédito santiagueño. Fredy Vaca, de Tucumán y vencedor en 1996, completó el equipo que acompañó a Sayago hasta su consagración.

ESTILO SUR Contraviniendo lo que podría suponerse, Sayago dice disfrutar del zapateo sureño, elegante y sutil, tanto como del malambo fuerte que caracteriza a las provincias del norte (los aspirantes a campeón están obligados a presentar rutinas de ambos estilos).

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¿Cómo es la preparación de un malambista de elite?

Es alimentación, es gimnasio... Uno de los gastos que más he tenido ha sido por las lesiones que sufrí desde el año 2010: esguinces, distensión de ligamentos... En 2012, la primera noche, cuando zapateaba el estilo norteño, me lesioné en la penúltima mudanza. Se me produjo un corte en los tendones de la rodilla izquierda. ¡Y todavía me faltaba el sureño! Lo hice con hielo y todo vendado. Fue un dolor terrible, por primera vez no disfruté el malambo. Y aun así salí subcampeón. Me dijeron que debía operarme pero si lo hacía no iba a llegar al próximo festival. Entonces opté por la kinesiología, todos los días del año, mañana y tarde. Fue un sacrificio y un gasto enorme.

La tradición marca que el campeón de Laborde ya no vuelve a competir en otro certamen. ¿Y ahora qué?

Me han llamado para dar charlas y cursos a los chicos. Me gusta contar mi historia, el sacrificio, para que me conozcan, y hacer conocer el malambo. Me piden mucho también ser jurado pero por ahora quiero disfrutar mi título de otra manera. Tal vez más adelante, cuando esté más formado.

No imagina Sayago cómo será la noche de la despedida, cuando en enero deba calzarse las botas y zapatear nuevamente en Laborde para dejar grabado en las retinas de miles de personas su particular estilo, antes de dar paso al nuevo Campeón Nacional.

Sólo sabe que “serán días de sentimientos encontrados, de volver a cruzarme con gente a la que conozco desde hace años y que se ha alegrado tanto con el momento que me toca vivir”. __BD Agradecemos la inestimable colaboración de Cecilia Lorenc Balcarce para la realización de esta nota.

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Balletin Dance Ediciones presenta su nuevo lanzamiento

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Reseña histórica del baile flamenco Una clase de baile flamenco, destinada a alumnos y docentes Anexo con ejercicios para fotocopiar, para exámenes teóricos

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Flamenco Desde el 10 de diciembre se realizará la tercera Bienal de Flamenco “Enrique Morente” de Buenos Aires, a instancias del gobierno de la ciudad de Buenos Aires Esta tercera edición del encuentro bianual, estará dedicada a Federico García Lorca, al cumplirse 80 años desde su primer viaje al Río de la Plata, en Buenos Aires y en Montevideo dirigió varias de sus obras de teatro, impartió conferencias y participó en numerosos encuentros.

La Bienal contará como en las experiencias anteriores, con espectáculos, conferencias, clases magistrales y diversas actividades en los bares notables porteños.

El martes 10 de diciembre, como inauguración, se mostrará El Llanto del granadino Enrique Morente, basado en el poema homónimo, que incluirá a artistas locales, en torno al flamenco y al tango.

Lorca Tango, con dirección de Marijó Álvarez, inspirado en Bodas de Sangre, podrá verse el 12 en la Usina del Arte. Se trata de un montaje coreográfico-musical con idea, coreografía y dramaturgia de la directora junto a Pilar Alvarez y Claudio Hoffmann, que enlaza el espíritu del tango y del flamenco con el drama lorquiano. El amor, las pasiones, los deseos prohibidos, la muerte, el dolor, encarnados a través de doce artistas (músicos y bailarines): Amador Rojas, Sol Cerquides, Claudio Hoffmann, Marijó Alvarez, Cristian Miño, Soledad Rivero, Inma “La Carbonera”, Julio Balmaceda, Daniel Binelli, Cristian Zárate, César Angeleri y Olvido Lanza.

El viernes 13 será el turno de Complicidad, también en la Usina del Arte, que supone un gesto poético surgido del encuentro entre el tango y el flamenco. Una dialéctica del vínculo entre ellos, sin que ninguno se desnaturalice. Será bailado por Amador Rojas, Pilar Alvarez, Claudio Hoffmann junto a la música de Pablo Mainetti, Cesar Angeleri e Inma “La Carbonera”.

La programación del Festival incluirá también a Arcangel que se verá el sábado el 14, y la actuación de la catalana Mayte Martín (el 15), Pastora Galván (16), Virginia Gámez (17) y cerrará el evento Estrella Morente (el 18). __BD

Estreno mundial de Lorca Tango en el Festival Internacional de Tango de Granada, marzo 2013 Fotos . Roberto Durán

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Teatro Porteño La temporada del año próximo del Complejo Teatral de Buenos Aires (que marca los 70 años del Teatro Municipal de Buenos Aires) estará signada por la ejecución del Master Plan (puesta en valor, reparación y refacción del Teatro San Martín y del Teatro Presidente Alvear). El arquitecto del gobierno de la ciudad, responsable por esta obra tuvo en la conferencia de prensa, un espacio protagónico. Mientras que Lombardi explicó que la experiencia del Master Plan Teatro Colón, les permitía ahora -al aprender de sus errores- algunas modificaciones. Se intentará cerrar el menor tiempo posible las salas teatrales afectadas por la remodelación edilicia, lo que implicará un trabajo de aceitada logística para la convivencia entre empleados locales, público y obreros.

Las obras que finalizarán en mayo de 2015, incluyen (entre muchísimas cosas) la construcción de una sala de ensayos para el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín en una de las azoteas del edificio de Avenida Corrientes. Con este nuevo ambiente el Ballet tendrá por primera vez en su historia un ámbito adecuado para su actividad.

Pero como de la teoría a la práctica muchas veces hay un abismo, efectivamente la temporada 2014, será “especial”.

Al momento de la conferencia de Prensa, el Ballet Contemporáneo dirigido por Mauricio Wainrot se encontraba de gira en Colombia. En referencia a este cuerpo artístico (el otro que pertenece al complejo es el Grupo de Titiriteros dirigido por Adelaida Mangani) la información oficial solamente hablaba de dos programas: uno en mayo (El Mesías, Wainrot-Georg Friedrich Handel) y otro en octubre (María de Buenos Aires, Wainrot-Astor Piazzolla).

Consultado acerca de la pobreza de este 14 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

El Mesías de Mauricio Wainrot, regresa a Buenos Aires Foto . archivo

El 6 de noviembre, Hernán Lombardi (Ministro de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires) y Alberto Ligaluppi (Director General del Complejo Teatral de Buenos Aires) anunciaron la temporada 2014 de sus cinco salas teatrales, en la sala Casacuberta, del Teatro San Martín

anuncio, el Ministro de Cultura señaló que había otros programas planificados, pero no confirmados. En conversaciones no oficiales esta revista pudo saber que los programas no anunciados, integrarían obras de coreógrafos extranjeros, que viajarían a Buenos Aires el año entrante para realizar sus montajes. Por otro lado, se esperaba confirmación sobre las presentaciones que en los últimos años el Ballet Contemporáneo realiza en el Anfiteatro al aire libre Eva Perón del Parque Centenario al inicio de la temporada (todavía en verano).

MUSICALES Además de los ciclos de cine, exposiciones de fotografías, celebración por el 70º aniversario del Teatro del Pueblo, presentación de libros, revistas y discos, y cantidad de obras de teatro, se anunciaron para el año 2014 tres musicales. La Rubia Mireya de Pepe Cibrián Campoy con música de Angel Mahler, en tono tanguero, que se mostrará en el Teatro Presidente Alvear en enero, El Perrito Petitero y la Nota Mágica de Luis Borda con dirección y coreografía de Ricky Pashkus, destinado a “toda la familia”, se verá en el Teatro de la Ribera en mayo, y en esa misma sala, en julio, para el público infantil el grupo La Galera Encantada ofrecerá La Arena y el Agua (hay gente que bebe arena, no porque le guste sino porque nunca probó el agua) de Héctor Presa con coreografía de Mecha Fernández y música de Ángel Mahler.

El Combinado Argentino de Danza (CAD) repondrá en La Boca Tu Casa el espectáculo, estrenado en el Hall del San Martín este año, con un trabajo que se realizará con vecinos e instituciones del barrio.

DEL EXTERIOR La programación anunciada, incluirá en 2014 la visita de numerosos elencos extranjeros en coproducciones. En materia de danza enmarcado en el ciclo Rituales de Pasaje, llegará a Buenos Aires la Compañía Blanca Li (Francia) con Robot!, una obra que explora la relación entre los cuerpos y las máquinas, sus límites y sus posibilidades, con humor descabellado, poesía de danza lúdica y una gran potencia visual que fusiona géneros y tendencias, esculturas musicales, robots y bailarines.

Dentro de la Temporada Internacional, se anticipó la visita del grupo 18monkeysdancetheatre de Tailandia, en mayo (“La representación de las formas culturales porteñas en el mundo” pues trabajan basados en el tango) con dirección y coreografía de Jitti Chompee y la actuación de Suwan Klinampon, Anucha Sumaman y Klittin Kiatmetha.

El Teatro Arriaga, Kukai y Tanttaka Teatroa (del País Vasco, España) traerá en agosto Komunikazioa / inkomunikazioa de Mireia Gabilondo y Jon Maya, la coreógrafa invitada Jone San Martin y la interpretación de Aitor Beltran, Miren Gaztañaga, Eneko Gil, Helena Golab, Ibon Huarte, Alain Maya, Urko Mitxelena, Iñaki Telleria y Nerea Vesga Por último y también en agosto, la compañía Kim Bock Hee Dance Company (Corea) traerá La Razón que Hizo Volar Nuevamente a los Pájaros con coreografía de Kim Bock Hee. OTRAS ACTIVIDADES En octubre de 2014, Gestión Latinoamérica y Mercado de Artes Escénicas (CIRCULART) dirigido en Latinoamérica por Silvina Freiberg realizará en el Teatro San Martín (antes de su cierre por las refacciones) un encuentro relacionado a la gestión de las artes para fortalecer vínculos latinoamericanos y propiciar la reflexión en torno a las problemáticas de la región. En este marco habrá, además, un mercado de artes escénicas con más de cincuenta programadores internacionales invitados y un centenar de obras.

HISTORIA Hasta el año 1943, funcionó en Avenida Corrientes 1530 el Teatro del Pueblo, que cuando se decidió construir al actual Teatro San Martín se lo desplazó al subsuelo de Diagonal Norte 943 junto a una parte fundamental del teatro independiente de la ciudad. En 1976, al morir Leónidas Barletta, cesó esa actividad teatral y el espacio pasó a ser un centro de exposiciones plásticas.

En 1987 Carlos Somigliana, Roberto Cossa, Pepe Bove, Rubens Correa, Osvaldo Dragún y Raúl Serrano recuperaron el histórico sótano, bautizándolo con el nombre de Teatro de la Campana, y en 1996, se reabrió con el mismo nombre que conserva hasta la actualidad: Teatro del Pueblo abrió nuevamente sus puertas con el nombre con que se lo conoce hasta hoy.

En homenaje a todo este recorrido, se programaron variadas actividades, entre ellas, se llevará a escena Amarillo de Carlos Somigliana, Vivi Tellas mostrará de junio a noviembre Biodrama San Martín, se recordarán los Clásicos en las Escalinatas de la Facultad de Abogacía (de la década de 1950), se estrenará Un Lugar Adonde Ir (título provisorio) documental sobre el Teatro San Martín, dirigido por Eliseo Subiela, Por primera vez en salas y halles del Teatro San Martín se realizará, en septiembre, el ciclo Teatro x la Identidad, uno de los brazos artísticos de Abuelas de Plaza de Mayo, quienes desde hace más de tres décadas siguen el rastro de cuatrocientos jóvenes que aún tienen su identidad cambiada.

Además de continuar con el trabajo de recuperación y digitalización del archivo histórico del Teatro San Martín, a cargo del Centro de Documentación del CTBA, se realizará el ciclo retrospectivo Del Teatro al Cine - Clásicos Nacionales. Se ofrecerán dos instalaciones de artistas contemporáneos que trabajan con el espacio y su simbolismo: Distorsions del francés Pierre Laurent Cassiers y Breath una relectura de la obra de Samuel Beckett firmada por la brasilera Daniela Thomas. __BD

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Desde Lejos Argentina se ha sumado a la transmisión en cines de óperas y ballets, en directo y en diferido, desde sus lugares de origen

Copos de nieve, en la versión de la Royal Opera House Foto . Johan Persson

Bajo el nombre de The Other Screen los próximos meses se podrá ver en nuestro país las últimas producciones europeas. Este verano además de la ciudad de Buenos Aires, se suman salas de cine de Córdoba, Mendoza y Neuquén. Estas proyecciones tienen la particularidad de replicar el espectáculo escénico (algunas veces con la maravillosa tecnología de las tres dimensiones, 3D) con sus intervalos incluidos, y solamente se transmiten una única fecha.

Las próximas obras será Flamenco hoy 3D (el 9 de diciembre) del genial Carlos Saura, que plantea a través de la luz y de un viaje vital, la evolución de los cantes, bailes y música del flamenco. Con coreografía de Dospormedio y Compañía, los bailarines protagónicos son Nani Paños, Rafael Estévez y Patricia Guerrero, secundados por Álvaro Paños, Rosana Romero, Ana Agraz, Mónica Iglesias, Oscar Manhenzane, Daniel Morillo, Carmen Manzanera y Andoitz Ruibal.

Para fin de mes, el cuento de Navidad infaltable, El Cascanueces (el 23 de diciembre) desde la Royal Opera House de Londres. Con coreografía de Peter Wright (basada en la de Lev Ivanov) y música de Pitr Ilich Tchaicovsky los roles protagónicos estarán encarnados por Laura Morera, Gary Avis, Federico Bonelli, Emma Maguire y Alexander Campbell.

El año 2014 comenzará con la ópera Les Vêpres Siciliennes de Giuseppe Verdi (el 13 de enero) y el 12 de febrero podremos ver en Argentina la transmisión de Giselle desde Londres. __BD

Consultores El proyecto que incluye a siete disciplinas artísticas consiste en ofrecer a un joven en cada área, la guía o tutoría de un destacado artista, durante un año y en forma personalizada. En materia de danza este año será Alexei Ratmansky el nuevo mentor. Coreógrafo residente del American Ballet Theatre, reconocido como uno de los creadores más influyentes y solicitados del momento. Se formó en la Escuela del Ballet Bolshoi y por tanto, sus obras conservan y respetan la forma de los orígenes clásicos, al tiempo que revitalizan e innovan en el argumento.

Los mentores se completan con Alejandro González Iñárritu, Olafur Eliasson, Michael Ondaatje, Kaija Saariaho, Jennifer Tipton y Peter Zumthor, en cine, artes visuales, literatura, música, teatro y arquitectura. “Todos estos artistas son líderes muy respetados en su campo”, señala Rebecca Irvin, jefa de Filantropía de Rolex, y añade: “Estamos agradecidos de que se hayan ofrecido generosamente para nutrir a una nueva generación de artistas. En los once últimos años, vimos nacer notables colaboraciones y amistades duraderas entre mentores y discípulos. Aguardamos con entusiasmo para ver más de ese rico diálogo creativo”.

Tras la elección de los mentores, la Iniciativa Artística Rolex comienza la búsqueda mundial de los nuevos discípulos.

Diversos comités internacionales de nominaciones, integrados por profesionales influyentes de cada disciplina, ya se han reunido para encontrar e invitar a jóvenes talentos a presentar sus candidaturas. Una vez finalizado este proceso, cada comité recomendará a tres finalistas y será el mentor quien elija a su discípulo. A mediados de 2014, se anunciarán los nombres de los jóvenes y comenzará el nuevo ciclo de mentoría, cuya estructura se establece puntualmente entre ambos.

Cada discípulo recibe 25.000 francos suizos para apoyar su participación en el programa y, una vez terminado el año tiene derecho a una cifra igual para crear una nueva obra. __BD 16 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Alexei Ratmansky, nuevo mentor Danza Foto . gentileza Rolex

La Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos anunció en Venecia a los artistas que guiarán a jóvenes talentos durante 2014/2015

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Bailarines a Retiro El mes pasado circularon en los medios de comunicación variadas versiones en referencia a la oferta que el gobierno de la ciudad de Buenos Aire ofreció a los empleados de todas sus dependencias para optar por un retiro opcional anticipado Mientras que Hernán Lombardi, Ministro de Cultura porteño, se dedicó en los últimos meses a presentar y anunciar diferentes propuestas que encarará su área, los trabajadores de la cultura continuaron protestando en referencia a su accionar.

Distraídamente, o no, esta gestión de gobierno de la ciudad de Buenos Aires, con Mauricio Macri a la cabeza, ha demostrado en estos ocho años de gestión que la cultura no es una de sus prioridades. Así como en todos los gobiernos anteriores, la mayor problemática de esta cartera radica en el Teatro Colón, una institución que requiere de ingeniosas estrategias para actualizar su funcionamiento preservando su valor histórico y simbólico. Las obras de infraestructura edilicia enmarcadas en el Master Plan sumadas a la creación del Ente Autárquico Teatro Colón, permitieron algunas violaciones sobre los derechos de los empleados que se legitimaron a través de maniobras jurídicas, pero a la vez, los trabajadores consiguieron conservar algunos privilegios resguardados en un reglamento interno más sólido de lo que el gobierno había pensado en sus inicios.

Con idas y vueltas, al día de hoy, las cosas parecen no haber cambiado demasiado.

Uno de los principales problemas en referencia al Ballet Estable se centra en que los bailarines no pueden jubilarse a una edad acorde con sus funciones, es decir dejar de trabajar, retirarse, cobrando una mensualidad. Es que aquella jubilación (que en otras jurisdicciones del país continúa vigente) de retirarse a los 40 años de edad con 20 años de aportes jubilatorios dejó de existir hace casi dos décadas y desde entonces, los bailarines deben esperar a los 60 años (como cualquier empleado de nuestro país) para obtener su jubilación. Con sólo leerlo cualquier lector puede darse cuenta que es imposible imaginarse a un grupo de bailarines de la tercera edad interpretando El Lago de los Cisnes.

Las razones por las que se llegó a esta instancia son demasiado extensas como para describirlas en estas páginas, pero lo cierto es que aquellos danzarines cuyos cuerpos ya no pueden interpretar roles del ballet de repertorio clásico (generalmente se trata de los que han dejado de entrenar por su propia voluntad y quienes han cumplido una edad que les impide ciertas proezas técnicas) dejan de trabajar de hecho, aunque continúan cobrando sus haberes igual que los que sí están en actividad. Esto se ha prolongado demasiado, a la espera de una solución para obtener, 18 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Los muertos vivos intentan ingresar al Teatro Colón

según reclaman, una jubilación digna acorde a artistas de elite, que han dado sus vidas por el primer coliseo argentino.

Siempre hay dos caras para relatar una realidad, y tantas verdades como personas que las vivan. Estos bailarines (los que no trabajan pero sí cobran) llegan hoy en día a ser unos 50 integrantes aproximadamente, medio centenar de personas que ocupan un puesto estable estatal, en una planta fija, y que por tal razón impiden la incorporación de nuevos valores. El mes pasado, entre variados reclamos, se lanzaron a los medios de comunicación señalando que el gobierno porteño los estaba obligando a pasar a retiro y por ello presentaron un recurso de amparo.

Extraoficialmente, Balletin Dance pudo saber que la propuesta que han recibido todos los empleados del gobierno de la ciudad (administrativos, técnicos, artistas, médicos, maestros, personal de maestranza, etc) consiste en percibir el mismo salario que corresponda a su categoría durante cinco años (sin aguinaldos y a modo de un dinero no remunerativo pagadero en cuotas) con los aumentos que sucedieran durante ese lustro y luego el aporte jubilatorio que corresponda a los aportes realizados durante toda su vida, opción que ya han aceptado varios empleados en toda la ciudad. Para los bailarines que estaban disconformes con esta propuesta “el retiro voluntario es por un monto irrisorio” mucho menor al que les corresponde por los años de servicio y aducían haber sido obligados a tomar esa determinación “o ser trasladados compulsivamente a cualquier dependencia gubernamental” (como realizaron en 2009, que finalmente se vio frustrado por orden judicial).

La Resolución Nº 1/2013, dictada en forma conjunta por el ministro de modernización Andrés Ibarra y el director del Teatro

Ataque Prombie en el hall del Teatro San Martín

Colón Pedro Pablo García Caffi establece “un régimen de retiro voluntario específico para el personal de planta permanente del Ballet Estable del Ente Autárquico Teatro Colón, el cual contempla la percepción de una indemnización compensatoria por única vez para quienes reúnan los requisitos establecidos en la Ordenanza N° 29.604 y su modificatoria N° 31.708.”

Este grupo de bailarines, también señaló que aunque muchos estuvieran todavía en condiciones de afrontar dignamente algunos roles en los ballets que se montaron este año, la Dirección (Lidia Segni) no le asigna tareas. Lo cierto es que los coreógrafos repositores (la mayoría llegados del exterior) son los encargados de seleccionar a los bailarines que participarán en cada espectáculo, en función de su actuación en clases y/o funciones, y seguramente también en función del concepto que de cada uno de ellos posean sus directivos. Si no son convocados para bailar y como las clases de danza no son obligatorias, no tiene sentido ni siquiera que se presenten en el Teatro, por ello, desde hace años, ellos deben acercarse a su puesto de trabajo, con mayor o menor frecuencia (la mayoría lo hacía una vez a la semana), para firmar asistencia. Hoy, se les exige que lo hagan todos los días y algunos de ellos ni siquiera viven en la ciudad de Buenos Aires.

Esta situación que en Balletin Dance se viene publicando desde hace casi dos décadas, sigue sin solución, las autoridades se pasan la responsabilidad de ministerio en ministerio, de gobierno en gobierno. En otras provincias de la misma Argentina este tema de conflicto no existe, y en otros países del mundo tampoco, con diferentes variables: ya sea que el Estado pague un salario mensual de por vida, a personas que se jubilan a los 40 años, o bien a través de la reconversión laboral, que les permite seguir vivos y activos con otras actividades, vinculadas o no a su arte.

Claro, siempre hablando de bailarines que han logrado acceder a cargos en el estado (nacional, provincial o municipal), pero para la gran mayoría de los bailarines que han trabajado en forma autónoma (por su propia cuenta) esta posibilidad simplemente no existe, como cualquier otro trabajador se jubilará a los 60/65 años y hasta entonces, deberá sostenerse a través de su trabajo (que a propósito: desde la más tierna infancia sabe que su cuerpo no podrá hacer a los 65 lo que hacía a los 20).

Más allá de todas estas especulaciones, es cierto que el gobierno actual no ha iniciado su gestión con actitudes respetuosas hacia los artistas, baste recordar que en la primera conferencia de prensa que se realizó al reabrir el Teatro Colón se aclaró que el coliseo ya no sería un alojamiento de ociosos trabajadores, además de ejercer conductas persecutorias, castigos y vejación de derechos laborales. Se trata de un accionar en el que los bailarines se han reforzado más en su condición de empleado público que en su vocación artística, mientras que el gobierno se ha empecinado en encontrar una manera de expulsarlos sin importar justamente, su condición de artistas. Pero lindo y digno sería que quienes no bailan más, dejaran sus puestos de trabajo a las nuevas generaciones, permitiendo que los jóvenes valores argentinos se queden en nuestro país, y que aquellos que se “retiran del escenario” accedan a una jubilación, que seguramente (y como han logrado la gran mayoría de los anteriores bailarines a través de instancias judiciales) puedan corresponder a sus servicios ofrecidos dentro del Teatro Colón.

A esta situación de los retiros se suma que no existan concursos para incorporar a nuevos bailarines (no hay cupo) ni para ascender de categorías. Lo sorprendente es que la judicialización de los últimos tiempos (justa o no), ha llegado al punto de que han sido jueces los que determinaron que a tal o cual bailarín le corresponde el cargo de “primer bailarín” (o de “bailarín solista”) en vistas de sus antecedentes (por la cantidad de funciones en las que ejercieron roles más elevados a los que les atribuye su puesto), por lo que pasan a cobrar un sueldo más alto y en el futuro un mayor importe jubilatorio. O que tal o cual bailarín contratado como empleado autónomo, consecutivamente para varias producciones, le correspondiera un cargo estable, o bien que obligara a las autoridades del teatro a renovar sus contratos (aunque no tuvieran la capacidad para continuar) e incluso a darles algún rol por dictamen del juez.

OTROS RECLAMOS Por otro lado, y como reclamo por la baja calidad de gestión del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires, se creó el colectivo artístico Fin de Un Mundo, que manifiesta en la vía pública con personas disfrazadas como zombies.

Llamados los zombies Pro (por el partido político que gobierna la ciudad) protestan sin alinearse a una ideología política, por el vaciamiento cultural del macrismo, en diferentes acciones Prombie (otro juego de palabras), vestidos como muertos en vida, pues así entienden a esta gestión. Cualquiera puede sumarse a esta iniciativa para salir a protestar a la calle, las convocatorias se realizan a través de las redes sociales y los e-mails. El grupo sintetiza su trabajo en cuatro palabras: crítica, humor, ironía y experimentación, y profesa “No a la xenofobia, No a la represión, No al individualismo, No al miedo instaurado”. __BD DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 19

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Dos Culturas, Dos Regiones, Dos Coreógrafas Por Alicia Muñoz

Del 15 al 25 de octubre se realizó el segundo encuentro del proyecto Tierras Hospitalarias, creado por la bailarina argentina radicada en Francia, Marilén Iglesias Breuker, cuyo objetivo es el cruzamiento de expresiones genuinas de las ciudades de Reims (Francia) y Salta (Argentina) Si bien en sus inicios el proyecto Tierras Hospitalarias fue pensado para la danza, a partir del encuentro del año 2012 se concretó la propuesta Cuerpo Voz con un artista referente de cada ciudad.

En octubre, en Salta ellos fueron Damien Guillemin (por Reims), bailarín que mezcla la palabra con el movimiento para exponer culturas urbanas y la cantante y antropóloga Silvia Barrios (por Salta) cuya reactualización de los cantos Wichis resultó ser muy interesante y original para los franceses.

Este trabajo se realiza bajo la instancia de dos coreógrafas: Marilén Iglesias Beuker (Reims) y Ana Deutsch (Buenos Aires), a tal fin esta última viajará a Francia del 12 al 24 de mayo de 2014, para estrenar Cuerpo Voz el 22 de mayo en el Centro Nacional 20 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Guillemin en la comunidad del cacique Tiluk Foto . gentileza de la organización

de Creación Musical de aquella ciudad francesa, en el marco del festival Hors les Murs! producido por el Laboratorio Coreográfico de Reims.

Paralelo al trabajo coreográfico Iglesias Breuker dictó en Salta el Taller de Composición para Creaciones Espontáneas, organizado por Ana María Alcázar Prat y Candela Schwarcz, del que participaron bailarines del Ballet Clásico de la provincia, del Ballet Folklórico, estudiantes y docentes del Instituto Superior del Profesorado de Arte, y de diferentes escuelas privadas. En tanto que Damien Guillemin, por medio de la organización Argentina Indígena, dictó talleres de danza urbana y realizó una performance en la comunidad del cacique Tiluk en Santa Victoria, Salta.

Toda esta tarea sería imposible de llevar a cabo sin los auspicios de la Secretaría de Cultura de la Nación, la Secretaría de Cultura de la provincia de Salta, la Región de Champagne Ardenne y de la Universidad de Reims. __BD

DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 21

B A L L E T I N

D A N C E

E D I C I O N E S

Flamenco Gabriel Vaudagna Arango presentará su libro Apuntes de Clases, La danza española y El baile flamenco, editado por Balletin Dance, el martes 17 a las 19:30 hs, en el tablao Cantares Apuntes de Clases es la primera entrega de la Colección de Autor, una serie ideada en el formato de coproducciones entre los autores y este sello editorial, que permitirá redescubrir investigaciones argentinas especializadas en danza.

El libro que se presenta este mes, en concordancia con la Bienal de Flamenco de Buenos Aires, está estructurado en tres partes. La primera, extrae una reseña histórica del baile flamenco, desde su gestación a principios de 1800, su desarrollo en los cafés cantantes y su re-direccionamiento escénico en los años ’70 del siglo pasado -momento en el cual, en las artes se produjeron distintas rupturas en los modos de producción y de recepción-.

En esta trayectoria se asume que el baile flamenco, en particular, ha sido creado por profesionales y puesto sobre un escenario para su exhibición y su consumo, y que muy pocas veces es analizado desde un concepto global enmarcado en el contexto de desarrollo de todas las artes. Gabriel Vaudagna Arango propone un recorrido capaz de producir una reflexión sobre lo que entendemos por flamenco y cuáles son los lineamientos y relatos que lo sostienen.

En el segundo capítulo del libro, destinado a alumnos y docentes, se desarrolla una clase de baile flamenco de nivel inicial, que pone en valor el lugar que ocupa el cuerpo del intérprete que se acerca a esta danza, más que su herencia cultural. Hoy en día se puede bailar flamenco en cualquier ciudad del mundo, sólo es necesario saber de qué se trata para lograrlo.

Gabriel Vaudagna Arango Nacido en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe (Argentina), Gabriel Vaudagna Arango se trasladó a Buenos Aires y luego se radicó en Madrid (España), para perfeccionarse en el estudio del flamenco y de las cuatro escuelas de la danza española.

Como bailarín integró el elenco de importantes compañías nacionales y extranjeras, a la vez de desarrollar una carrera coreográfica al frente de su propia compañía, con la que ha recorrido gran parte del mundo, también al baile. Varias de sus producciones coreográficas estrenadas fuera de nuestro país, han recibido diferentes subsidios.

Como docente de danzas españolas, realiza talleres en todo el territorio nacional, además de Buenos Aires, e integra el jurado de festivales de danza.

Cursa la Licenciatura en Composición Coreográfica del Instituto Universitario Nacional del Arte de Buenos Aires (IUNA), institución en la que ejerció la docencia años atrás.

Por otra parte, ha dirigido durante diez años la Revista de Flamenco Contratiempo, editada en la Argentina, que recibió importantes reconocimientos, mientras que en la actualidad está abocado a la investigación sobre el desarrollo del baile flamenco en Buenos Aires.

En 2005 la Embajada de España en Buenos Aires le otorgó un reconocimiento a la labor de difusión cultural de la cultura española en Buenos Aires. Ha sido galardonado con una Beca de Estímulo Académico en 2012, en el IUNA, y con varias becas de estudios en universidades de Cádiz y Sevilla, para realizar estudios teóricos sobre el flamenco, en 2013.

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INVITACIÓN La presentación del libro Apuntes de Clases, La danza española y El baile flamenco, tendrá lugar el martes 17 de diciembre, a las 19:30 hs, en el tablao Cantares (Rivadavia 1180, ciudad de Buenos Aires). Participarán además de Gabriel Vaudagna Arango, Agustina Llumá y Carlos Manso.

Al finalizar se ofrecerá un brindis y el autor firmará ejemplares dedicados.

Por último, un anexo con ejercicios para exámenes teóricos para fotocopiar, elaborados sobre el material desarrollado en el libro y organizados de acuerdo al nivel de los alumnos.

Carlos Manso, a cargo del prólogo de este título, señaló: “Éste es un compendio didáctico, elaborado inteligentemente, con claridad pedagógica, de útil enseñanza porque no escatima nada para el que quiera entrar en el baile flamenco; descubrir la Escuela Bolera -la auténtica- que proviene de la dinastía sevillana de los Pericet; o aprender el difícil arte del manejo de las castañuelas.

El autor se explaya y se brinda en todo, y lo hace fácil.

Sus ejemplos gráficos corroboran sus explicaciones, sus conceptos, dándole mayor sabor a la lectura.” __BD

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Barajar y Dar de Nuevo Por Daniel Sousa Por primera vez en su historia, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea tiene director artístico. La responsabilidad recayó en la cordobesa Cristina Gómez Comini, que estará al frente del elenco durante los próximos dos años. Obras de Diana Szeinblum y Lisi Estaras, entre los proyectos para 2014

Cristina Gómez Comini, se dedicará por entero a la dirección de la CNDC el año próximo Foto . Sol Pérez

24 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

A principios de octubre, la comunidad de la danza local se desayunó con una novedad llamativa. La Compañía Nacional de Danza Contemporánea (CNDC), un elenco oficial que siempre se enorgulleció del trabajo mancomunado de sus miembros sin la necesidad de contar con un director designado, se encontraba en la búsqueda de una persona que tomara las riendas del proyecto.

En sus casi cinco años de vida, el ballet ha pasado por diferentes instancias. Al comienzo hubo una conducción interna organizada de forma horizontal. Los bailarines integraban grupos de a tres personas para dirigir, e iban rotando. “Primero se los llamó directores y más adelante coordinadores”, recuerda Cristian Setién, uno de los miembros del grupo.

“Este modelo es controversial y tiene varios puntos de análisis. Hubo momentos muy felices y otros en los que la cosa se complicó y se hizo difícil. Con el paso del tiempo, el grupo fue creciendo en cantidad de bailarines. De los seis integrantes originales pasamos a ser veintidós. Y en un grupo tan grande ya no era tan sencillo autodeterminarse, encontrar consensos y deseos en común”, reconoce.

¿Ya no compartían los mismos intereses?

El grupo es muy heterogéneo, venimos de pasados, escuelas y experiencias muy diferentes. Pensamos la danza y nuestro trabajo de múltiples formas, es un grupo amplio y diverso. Necesitábamos un director que tuviese la sensibilidad, la inteligencia y la experiencia para poder encauzar lo que ya existía en el grupo y potenciarlo.

El origen de la CNDC se remonta a una situación de crisis: a fines de 2007, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dependiente del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, dejó cesante a un grupo de integrantes del elenco que encabezaban un reclamo por sus derechos laborales. Lejos de replegarse, los artistas crearon un grupo de danza independiente llamado Nuevos Rumbos, cuyo trabajo llamó la atención de la Secretaria de Cultura de la Nación, que decidió cobijarlos dando inicio a la Compañía Nacional de Danza Contemporánea.

“El armado fue famoso, todos nos enteramos de las circunstancias en que sucedió -confirma Cristina Gómez Comini, directora de la compañía Danza Viva, de Córdoba-. Debe ser uno de los pocos organismos que se crearon desde abajo hacia arriba, por un deseo muy fuerte de sus miembros. Generalmente, las cosas suceden al revés: se decide crear una compañía y recién después comienzan las audiciones. En este caso, la fuerza de este grupo desde el origen mismo es la que marca la diferencia respecto de otros elencos”.

Gómez Comini, formada en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y en el Taller de Danza Contemporánea del San Martín, acaba de ser designada para dirigir la CNDC durante los próximos dos años. “Es un desafío que asumo con mucha energía y mucho deseo, a pesar de que en mi vida ha generado un cambio enorme -le contó a Balletin Dance en un alto de los ensayos-. Desde que volví de Europa me instalé en Córdoba con mi marido e hijos, y desde ahí fui irradiando mi trabajo al resto del país. Cuando surgió la posibilidad de ser elegida para la CNDC empecé a plantearme cómo sería esto y enseguida tuve el apoyo de mi familia. Es así que ya alquilé un departamento acá, aunque hasta fin de año voy a estar yendo y viniendo para cerrar algunas cuestiones.

El año que viene me voy a dedicar sólo a esto, aunque mi escuela en Córdoba seguirá funcionando con gente de mi confianza”, explica.

Un humor corrosivo recorre toda la obra de Diego Martín Franco Foto . Ramiro Peri

¿Qué le atrajo de la propuesta?

Esta compañía tiene características únicas y sin precedentes. El hecho de que los propios bailarines me hayan postulado para la dirección es un aliciente muy grande. Lo primero que hice fue agradecerles porque lo siento como un reconocimiento. ¿Qué idea tenía del grupo viéndolo desde afuera?

Estando en el mundo de la danza, naturalmente uno se va enterando de la evolución. Además, alguna vez vine a ver obras de la compañía. En febrero de este año me invitaron a participar como miembro externo en una audición para la elección de un nuevo bailarín. Ahí tuve un conocimiento más profundo del grupo. Es una compañía muy mirada por el resto del país a pesar de que quizás no tiene la difusión que merece. En eso quiero trabajar: deseo que tenga más visibilidad y pueda apreciarse todo su potencial, que es enorme.

CORDOBESES “Por primera y única vez”, remarca Setién, la Secretaría de Cultura le permitió al elenco conformar una terna de candidatos a la dirección, “dado que estos cargos se cubren generalmente por convocatoria pública”. Primero se seleccionó a siete personas a las que se les pidió que presentaran proyectos artísticos y de gestión. De ahí surgió una terna y la Secretaría finalmente eligió al director. Llegaron a la instancia final tres coreógrafos oriundos de Córdoba: Lisi Estaras, Walter Cammertoni y Gómez Comini.

“Es insólito pero nos puso muy contentos”, dice la flamante directora, que trabajó catorce años en Europa, varios de ellos a las órdenes de Maurice Béjart en su compañía Ballet del Siglo XX.

Cristian Setién, ¿qué perfil de director era el que buscaban?

Al ser un grupo tan heterogéneo, cada uno aportó nombres desde su deseo y parecer. Así se confeccionó la primera lista. Era un abanico bastante amplio de gente que podía ir en direcciones muy diferentes. En lo que coincidimos todos es en que hacía falta una persona que tuviese experiencia en lo institucional, no sólo en lo artístico. El nombre de Compañía Nacional remite a algo muy grande, pero en verdad hasta hace poco ni siquiera teníamos un presupuesto propio. Todo está por gestionarse y requiere de una cabeza de grupo muy activa.

El sentimiento generalizado entre los bailarines es que “los temas de gestión y las cuestiones administrativas nos excedían -reconoce Setién-. En un momento nos encontramos ante una disyuntiva: o bailábamos o gestionábamos la compañía. La decisión fue madurando de a poco”.1 Victoria Viberti, otra de las integrantes del elenco, comparte su experiencia en primera persona. “Al haber integrado uno de los tríos de dirección viví desde adentro lo que es gestionar proyectos que, aun siendo muy buenos, costaba mucho llevarlos a la práctica. Era algo muy desgastante porque al no tener un director que se plantara, cualquier pedido que hacíamos a las autoridades se iba dilatando”.

Gómez Comini, no obstante, atempera el reproche: “Hay que entender también que tal vez podía resultar algo confuso para ellos tratar con tanta gente. Pero desde el momento en que apareció la 1

Nota de la editorial: La CNDC funcionó en estos años bajo la gestión de Mariela Queraltó a modo de productora ejecutiva, en representación de la Secretaria de Cultura de la Nación.

DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 25

La Patriótica, de Eduardo Rodríguez Arguibel, se estrenó en mayo de 2012 y el mes pasado se repuso en el Teatro Nacional Cervantes Foto . Ramiro Peri

figura del director la Secretaria de Cultura ha demostrado la mayor disponibilidad. Hasta se sintieron relajados de poder conversar con una única persona en nombre de toda la compañía››.

EL MILAGRO Para Angélica Berdini, reciente asistente de dirección de la CNDC, la subsistencia del elenco todos estos años reviste un carácter “milagroso. Es notable como se han manejado como compañía independiente, tomando decisiones y resolviendo cuestiones dentro de una institución pública, y cómo han podido coexistir con esa incongruencia de lo oficial y lo independiente al mismo tiempo”, destaca.

Cristina Gómez Comini, ¿cuáles son los pilares de su proyecto?

Hay muchas cuestiones que los bailarines han institucionalizado, proyectos como Partido y Compartido u otros nuevos como Carta Blanca. Yo adhiero a ese proceso y mi idea es encauzar lo que ya está y conducir desde un lugar criterioso artísticamente, en el que los bailarines tengan participación en las decisiones cruciales. El perfil de la compañía se está forjando, todavía no sabemos bien cuál será definitivamente. Hoy puede hacer obras como La Patriótica y otras de un perfil más performático como Isolda Isolda. El espectro es muy amplio y considero que no hay que perderlo, es algo muy valioso. Además, queremos hacer muchas más funciones en todo el país.

El mes pasado, la CNDC repuso La Patriótica, con coreografía de Jorge Amarante y dirección de Eduardo Rodríguez Arguibel, en el teatro Nacional Cervantes, y reestrenó también Río conmigo, de Diego Martín Franco (integrante del elenco), en el Centro Nacional de la Música. “Nos interesa el intercambio, ir al interior con las funciones, pero mantener también las clases y seminarios, 26 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

que es algo que venimos haciendo en todas las giras”, agrega Viberti. Este año la compañía llevó su arte a la cárcel de Ezeiza, lo que la bailarina describe como “una experiencia conmovedora”.

Berdini menciona la intensión de la nueva conducción de “abrir el juego hacia otros espacios que puedan servir de inspiración a los coreógrafos”, tal como ocurrió con Isolda Isolda, la creación de Setién, que se ofreció en el hall de la antigua Biblioteca Nacional, donde el elenco tiene su sede.

LOS PROYECTOS Entre los proyectos para 2014 se cuenta la apertura de audiciones para pasantías federales, de manera tal que bailarines del interior puedan venir a trabajar con la compañía, tomar sus clases y presenciar ensayos.

El primer programa previsto para el próximo año estará a cargo de Diana Szeinblum, que este mes comienza los ensayos con miras a estrenar a fines de abril. En la segunda mitad del año la compañía trabajará en una obra de Lisi Estaras. Gómez Comini se ilusiona con la posibilidad de una gira a Brasil, al Foro Internacional de la Danza, que sería la primera presentación de la compañía oficial fuera del territorio argentino.

Setién reconoce que “el grupo llegó muy tensionado a esta instancia. La aparición de Cristina es un alivio inmenso y es, a la vez, un voto de confianza muy grande porque estamos expectantes de que muchas cosas empiecen a funcionar”.

Para la nueva directora “el mayor desafío es que esta compañía no tomó una forma ya conocida. Todos los que estamos dentro tenemos deseos de participación, somos creativamente activos y por eso nos sentimos atraídos por el proyecto. Esa es la gran fuerza del grupo, que va generando una identidad casi residual.

No queremos que al formalizarse, la CNDC se parezca a otro elenco. El desafío es principalmente interno››. __BD

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DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 27

-musical Bulebú

-ballet El Lago de los Cisnes

-contemporáneo Imperfecto

De Diego Reinhold. Con Ivanna Rossi y Sebastián Codega. Dirección musical: Nicolás Sorín. Viernes 21 hs. Sala Siranush (Armenia 1353, Tel: 48994101).

Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección: Lidia Segni. Coreografía: Peter Wright y Galina Samsova. Música: Piotr Ilich Tchaikovsky. Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Director: Hadrian Avila Arzuza. Del 17 al 28, a las 20:30 hs, domingo 22, 17 hs. Teatro Colón (Cerrito 628).

Dirección: Valeria Primost. Con Valeria Martinez, Carmen Pereiro Numer, Paula Zacharias, Virgina Barcelona, Violeta Zubialde, Michel Capelleti y Laura Tabachnik. Jueves 19, 21 hs. Cafe Müller Club de Danza (Lavalleja 1116, Tel: 4775-5697).

-contemporáneo Inagotable / Inevitable Dirección e interpretación: Valeria Pagola. Sábado 14, 21 hs. Oeste Estudio Teatral (Del Barco Centenera 143, Timbre A (escalera), Tel: 4901-3111).

-contemporáneo Intervenciones -contemporáneo El Ocaso de la Causa

-teatro El Deseo en el Espejo De William Prociuk. Con Valentino Alonso, William Prociuk. Bailarinas: Débora Zanolli, Margarita Molfino. Sábados 21 hs (hasta el 14). Teatro el Grito (Costa Rica 5459, Tel: 15-4989-2620).

Foto: Solabadi1

28 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Cartelera

Baires Sur Novus Ballet. Dirección: María Luján Costa. Domingo 22, 16 hs. Teatro del Municipio de Lomas de Zamora (Manuel Castro 262). Entrada libre y gratuita.

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-ballet Cascanueces

Dirección: Caterina Mora. Alina Marinellii, Chris Hadfield y Victoria Castelvetri con Fede Cabral, Guadalupe Soria y Julián Gándara. Jueves 12, 21:30 hs, viernes 13, 23 hs. Café Müller Club de Danza (Lavalleja 1116, timbre PB, Tel: 4775-5697).

Curaduría: Diana Theocharidis. Coreografías: Emanuel Ludueña, Iván Haidar y Fabián Gandini. Sábados 16 hs. Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes (Rufino de Elizalde 2831, Tel: 4808-0553) Entrada gratuita.

-contemporáneo Los Minitos -contemporáneo Enlazador Dirección y coreografía: Gabriel Contreras. Con Jonathan Bogado, Daniel López Álvarez, Gastón Gatti, Juliana Ponguta, Maria Taglioni, Liza Taylor y Gabriel Contreras. Jueves 12, 21 hs.

Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

-musical Forever Young De Eric Gedeon. Dirección: Daniel Casablanca. Dirección Musical: Gaby Goldman. Coreografías: Elizabeth de Chapeaurouge. Con Wally Canella, Christian Gimenez, Melania Lenoir, German Tripel, Mariela Passeri, Andrea Lovera, Pablo Bronzini y elenco.

Miércoles, jueves y domingos 21 hs, viernes y sábados 21:30 hs (desde el 1º de enero). Teatro Metropolitan Citi (Av. Corrientes 1343, Tel: 6320-5346).

Compañía Piso Arriba. Dirección: Santiago Tomás Andrada y Gaby Saenz.

Jueves 21:30 hs (hasta el 19). Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209)

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C Cuerpos A Amaestrados V Vs Cuerpos IInteligentes n DDe Alicia Muñoz

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Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

La danza española y el baile flamenco

ALICIA MUÑOZ

DOCENTE

....................... b a l l e t i n d a n c e d i d á c t i c o ...................... v o l u m e n 6

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y E El baile pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

Colección de Autor

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COLECCIÓN HOMENAJE LOS IRREPETIBLES Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola De Juan Cruz Guillén

INVESTIGACIÓN Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H Destaville D

D Danza.

IInvestigación n een Argentina VVicky Olivares Marcelo Isse M Moyano M

Karl Musil Viena, 3 de noviembre de 1939 - Viena, 14 de octubre de 2013

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Miércoles de Ceniza de los Artistas, tradicional celebración en la Iglesia de San Miguel, de Viena.

De 1977 a 1999, fue coreógrafo del Festival anual de la Iglesia Jesuita de la Universidad. Por entonces, también fue profesor en la Escuela de Ballet de la Ópera y Director de la Sección Ballet del Conservatorio Nacional.

El 6 de agosto de 1981, su nombre recorrió el mundo al ser víctima de un accidente en su quinta de Grub, junto con Irina y sus pequeños hijos Janina y Christian (más tarde Bailarín Solista de la Ópera). Un avión a reacción Saab105 Ö del Ejército Federal tripulado por dos pilotos, mientras realizaba un vuelo rasante, en una errada maniobra, chocó con la casa incendiándola y estrellándose luego en los bosques de Viena. Si bien salvaron sus vidas y los niños resultaron ilesos, Karl sufrió quemaduras en sus pies, mientras que las de Irina, mucho más graves, la obligaron a permanecer hospitalizada durante un año.

En 1983, en la despedida de su carrera artística, Karl Musil volvió al escenario de la Ópera como El Ángel de La Leyenda de José. Ese mismo año recibió la Cruz de Honor para Ciencias y Arte de la República de Austria, otorgada por su Presidente. También poseía la Medalla al Mérito de la República de Austria, y era Presidente del Consejo Internacional de la Danza (UNESCO) en su país. En 2010, publicó sus Memorias.

Sus restos, despedidos por su nieto Philippe, descansan en el Cementerio Neustiff Am Walde de Viena.

Que Dios le dé paz. __BD

In Memoriam

Karl Musil ingresó a los ocho años a la Escuela de Baile de la Ópera Estatal de Viena. Fueron sus maestros Nora Kiss, Andrew Hardie, Errol Addison y Edgard Caton, entre otros.

En 1953 integró el Cuerpo de Baile de la Ópera de Viena, cinco años después accedió por concurso al rango de Solista y en 1965 al de Primer Bailarín, compartiendo escenario con su hermano, el bailarín Solista Ludwig M. Musil. Asimismo realizó profundos estudios de violín, piano, canto y teatro.

Como Primer Bailarín, Karl Musil fue protagonista de los ballets Cascanueces, El Lago de los Cisnes, Giselle, El Hijo Pródigo, Romeo y Julieta, La Noche de Walpurgis, La Leyenda de José, La Sylphide, Paquita, Divertimento Para Cuerdas, entre muchos más.

Filmó para el cine -como actor o bailarín- Medusa, Hotel Sacher, Coppelia, Francesca de Rímini y La Leyenda de José.

Fue partenaire de las Primeras Bailarinas Margot Fonteyn, Svetlana Beriosova, Beryl Grey, Janine Charrat, Marcia Haydée, Cynthia Gregory, Galina Samtsova, Genia Melikova, Claude Bessy, Doris Laine y Evelyn Téri, entre muchas más.

En 1963, el coreógrafo ruso Vaslav Orlikowsky, contratado por el London’s Festival Ballet para montar su Peer Gynt de Grieg, en relación a los saltos difíciles dijo: “Traeré a Kart Musil para que baile el papel principal” 1. Así fue como John Gilpin y Musil compartieron el reparto de este ballet en Mónaco, junto a las Primeras Bailarinas argentinas Olga Ferri e Irina Borowska, con quien contrajo matrimonio en 1966. La boda se realizó en la Iglesia de San Carlos Borromeo de Viena y tuvo como testigo al gran amigo de ambos, Rudolf Nureyev.

En 1968, llegó a Buenos Aires como primera figura, en calidad de invitado por el Ballet de la Ópera Nacional de Finlandia, para encarnar al Príncipe Sigfrido de El Lago de los Cisnes, en su versión integral en el Teatro Colón, donde obtuvo gran suceso.

También fue invitado del Royal Ballet en el Covent Garden, del London’s Festival Ballet, del Ballet de Francia, de la Opernhaus de Niza-Monte Carlo, de la Chicago Opera Ballet, del Harkness Ballet de Nueva York y del Stuttgarter Ballett, actuando además en Barcelona y Venecia entre otras ciudades.

Desde 1973 se integró como coreógrafo a la Ópera de Graz y desde 1975 colaboró anualmente en la coreografía del

Karl Musil e Irina Borowska en Peer Gynt.

London’s Festival Ballet, 1963

Por Carlos Manso

Braunsweg, Julián. El ballet. Memorias de un empresario. (Buenos Aires: Editorial Víctor Lerú, 1980), p.299.

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20 Años es Mucho Por Juan Cruz Guillén El Ballet Folklórico Municipal de Olavarría, provincia de Buenos Aires, celebró sus dos décadas de existencia con un acto conmemorativo y un espectáculo en la principal sala de la localidad Posiblemente haya elegido este mismo título en notas anteriores.

Sin embargo vuelvo a repetirlo porque en la vida de un elenco de ballet veinte años significa mucho más que en otras actividades, considerando la cantidad de horas de ensayo que requiere, de lectura, de selección y compaginación musical, y de realización de vestuario, entre tantas otras tareas, que sumadas, la transforman en una de las más sacrificadas y exigentes disciplinas del arte.

En este caso el Ballet Folklórico Municipal de Olavaria fue el que llegó a cumplir dos décadas de actividad, en forma consecutiva desde su formación, en el año 1993, por una iniciativa del Intendente Helios Eseverri, la Dirección de Cultura de Juan Waldelmar Wally y la Dirección y coreografía de Sabina Di Salvo.

Sabina Di Salvo, es profesora de danzas españolas, clásicas y folklóricas. Integró los Ballets de Victor Ferrari, Adelco Lanza, Héctor Estévez, Amilcar, Antoinette San Martín, Betty Eleta, Victor Ayos, Celia Queiró, Néstor Pérez Fernández; y las Compañías Baguala en 1967 y Cumpleaños de la Tortuga en 1968. Ese mismo año ingresó como bailarina al Ballet Folklórico Argentino de Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola y desde el año siguiente era además, repositora y asistente coreográfica. Por otro

Vigésimo aniversario del Ballet Municipal de Olavarría, reconocimientos y espectáculo Fotos . gentileza del elenco 32 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

lado, integró la delegación artística oficial que viajó al Mundial de Futbol de Alemania en 1974 con la dirección del maestro Ariel Ramírez y también formó parte de la Compañía Esperanza en 1975 y Malambo en 1977 del propio Ramírez. Fue Sub Directora, repositora, bailarina y asistente de coreografía del Ballet Folklórico Nacional desde su formación en 1990 hasta mayo de 1993, fecha en que pasó a dirigir el Ballet Folklórico Municipal de Olavaria. Todo esto, para decir que el elenco comunal está en buenas manos y en buenos “pies”.

Previo al espectáculo de aniversario presentado el mes pasado en Olavarría, se realizó un emotivo acto en el hall del Teatro Municipal (único en la provincia de Buenos Aires por su capacidad y estado de conservación) donde se descubrió una placa de agradecimiento a los directores, personal y técnicos que los cobijaron durante estos 20 años, firmada por el Ballet. Estuvieron presentes Eduardo Rodríguez (Secretario de Desarrollo Social), Diego Lurbe (Sub Secretario de Cultura, Educación y Turismo), Karina Ostertag (Directora del Teatro), y los integrantes del elenco coreográfico (incluida la agrupación de adultos de reciente creación) junto al profesor Wally y la Directora.

El espectáculo de celebración, se conformó con fragmentos de distintos cuadros del Ballet Municipal, seleccionados entre sus 50 propuestas: Huella y Pampa, Melodía Callada, Vendimiadoras, Estibadores, Homenaje a Atahualpa Yupanqui, Batalla del Movimiento, Para ti Santiagueña. También participó el Ballet de Adultos y el conjunto musical La Clave Santiagueña.

Promediando la función, las autoridades municipales ofrecieron una plaqueta en reconocimiento a Sabina Di Salvo, y Eduardo Rodríguez destacó la actuación y trayectoria de la compañía, ale-

BALLET FOLKLÓRICO MUNICIPAL Adriana Rebasti, Silvia Todesco, Estela Peralta, Nisela Bravo, Fabiana Carimatti, Gabriela Unsaga, Juan José Rivas, Matías Gini, Imanol Galeano, Santiago Corridoni, Jeremías Irigoyen y Pedro Orlando. Asistente de coreografía: Silvia Todesco. Secretaria: Adriana Rebasti. Dirección y coreografía: Prof. Sabina Di Salvo.

gando que son un orgullo para la ciudad y la cultura de Olavaria, así reafirmó la política del Gobierno Municipal de “apoyar y apostar a su cultura, principalmente sosteniendo los orígenes y nuestras raíces”.

Di Salvo, por su parte, entregó cuatro ponchos de la amistad a Adriana Rebasti y Juan José Rivas, bailarines que permanecen en el elenco desde su fundación, a Silvia Todesco por ser la asistente de coreografía y a Estela Peralta en su despedida del Ballet.

Fue un espectáculo de altísima calidad, donde los más de mil asistentes pudieron disfrutar de un variado recorrido por el repertorio del Ballet, cuyos bailarines son considerados profesionales por la gobernación, recibiendo un sueldo mensual con cobertura médica. __BD

BALLET FOLKLÓRICO MUNICIPAL DE ADULTOS Marta Resia, Mirtha Linares, Analía Melo, Ester Castañares, Ana María Manssur, Delma Martín, Nora Vivarelli, Lidia Palliero, Marta Ubieta, Omar Liébana, Roberto Martinez, Orlando Mailharro, Alberto Macarini, Roberto Domínguez, Juan Carlos Van Dick, Walter Peralta, Mario Motta y Carlos Striebeck.

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Por Cecilia Werle Pinto

Sangre Flamenca

O C N E M A L F

Adrián Galia estrenó su nueva obra Gigantes del Flamenco que se presentó los días 5 y 6 de noviembre en el teatro Astral de Buenos Aires. Un emotivo homenaje en vida a su madre, Olga María Marcioni, “La China” Tres generaciones de magníficos bailaores se reunieron bajo la dirección y coreografía de Adrián Galia, para rendir tributo a La China, maestra de maestros. Y al hacerlo homenajearon a toda una cultura, demostrando que el flamenco se canta, se baila y se recita. Se siente y se respira. Se aplaude y vitorea. Porque el flamenco se vive y se lleva en las entrañas.

Adrián Galia es uno de los más grandes bailarines de flamenco de su generación. Se destacó por interpretar los roles que el gran Antonio Gades creó para sí mismo y compartió escenario con grandes figuras de la talla de Cristina Hoyos, Maia Plisetskaya, Vladimir Vasiliev y Julio Bocca, entre otros.

En Gigantes del Flamenco expuso todo su potencial. Interpretó con maestría una farruca, en la que junto a su guitarrista y amigo Diego Franco mostraron complicidad a la hora de hacer vibrar al público con cada nota y cada paso. Con Loli Sabariego, su compañera en el escenario y en la vida, dieron forma a un taranto apasionado, fusión de flamenco y poesía en cada movimien-

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to, en cada mirada. Como director y coreógrafo brindó un show inigualable en calidad y emoción a un público que lo recibió con entusiasmo. Prometió una noche de poesía danzada y cumplió.

La actríz Julieta Díaz fue invitada a recitar dos poemas de Federico García Lorca: La Guitarra y Baile. Este último fue interpretado por La China, con delicadeza y encanto. A continuación, le cedió el paso a su hija, Cristina Martos, quien hizo un despliegue de virtuosismo, zapateando a una velocidad que sólo puede palpitarse. Martos viajó desde España especialmente para la ocasión, que reunió sobre el escenario a los hermanos y a su madre luego de diez años. Ambas fueron ovacionadas, al igual que la formidable Loli Sabariego que deslumbró interpretando cantíñaz de Cádiz con gran sensualidad y destreza.

El espectáculo contó con el talento de los argentinos Cecilia Maldonado, Néstor Spada, Guadalupe Aramburu, Juan Ayala, Lorena Di Prinzio, Roberto Rodríguez, Macarena Castaño, Cristian De Jesús y Flor Pereira. La compañía interpretó fandango, bulería y tangos flamencos con pura energía y una sincronía perfecta. En la granaína Preciosa y el Aire, con una estupenda actuación de Lorena Di Prinzio, se logró una muy sentida interpretación de la fuerza, pasión y tragedia de los versos del poeta gitano.

En el cante estuvieron acompañados por Maximiliano Serral y los españoles Juan Carrasco “Juañarito” y la increíble Chelo Pantoja

Loli Sabariego y Adrián Galia en Encélado (exhortación) - Taranto Fotos . gentileza de la producción

que hizo estremecer y vibrar con el sentimiento del cante jondo. La música del espectáculo estuvo a cargo de Diego Franco y su guitarra, acompañado por Ramiro Obedman en vientos.

Un vestuario impecable y muy cuidado en cada detalle le dio color al espectáculo, con toques modernos y aire tradicional. El mismo fue diseñado por Loli Sabariego y la vestuarista japonesa Yoshida Manami.

El público que llenó la sala disfrutó del talento argentino y extranjero, y agradeció acompañando con palmas y olés. Podría decirse que quien más disfrutó del espectáculo fue La China. Con deleite observó a discípulos y amigos brillar en el escenario y se la notó profundamente emocionada al ver bailar a sus hijos, Cristina y Adrián; especialmente cuando cerca del final los tres se abrazaron y dejaron correr las lágrimas. __BD

Gigantes del Flamenco también se presentó en Mendoza los días 9 y 10 de noviembre

E j e r c i ta c i ón

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SABRINA VILL ALBA Certificada en Método Pilates por Michel Miller Pilates School. USA. Bailarina Egresada del Teatro Municipal General San Martín Maestra Nacional de Danzas

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El Encanto de los Cascabeles Por Eliana Gissara El V Festival de la India en Buenos Aires exhibió una propuesta variada en estilos de danza clásica y popular hindú, con figuras del ámbito internacional y cultores locales Con una impecable organización a cargo de la Embajada de la India en Argentina, la nueva edición del festival contó con una nutrida participación de público que, a lo largo de diez días, se trasladó a los antiguos templos asiáticos a través de la música y la danza. De la misma forma, se ofrecieron seminarios de teatro y yoga, se proyectaron películas y se realizó una muestra fotográfica en la sede principal del evento, el Centro Cultural Borges.

El espectáculo central contó con la dirección artística de Myrta Barvié, la principal promotora de las danzas clásicas de la India en el país. Para acercarse a la raíz de esta disciplina se hace necesario pensar en cómo se fue desarrollando el pueblo hindú a través de los años. La India es el segundo país más poblado del mundo y está compuesto por diferentes etnias, agrupadas en diferentes regiones y que hablan diferentes lenguas. Allí radica todo: la comunión en la diferencia.

En esta ocasión, Barvié presentó tres estilos: Bharatanatyam, Odissi y Kuchipudi. “Los tres son diferentes pero tienen cosas en común. Sus componentes son la técnica y la expresión pero hay variaciones en la interpretación”, señaló la directora al comienzo del evento.

En Bharatanatyam, se destacó la bailarina Natalia Salgado en danzas dedicadas a la deidad Krishna, con ágiles dinámicas como solista y en dúo. También sorprendió la participación de Ramiro Ventura en una danza que, en la escena local, se caracteriza por la presencia de figuras femeninas. Ventura imprimió carácter y personalidad en cada postura.

La danza Odissi, típica del este de la India, fue representada por Anindita Nanda. Total control de ritmo y espacio para las piezas basadas en poemas escritos en sánscrito. Sobresalió su técnica asentada en el movimiento de los ojos y mudras. Anindita también se presentó como solista en otro espectáculo del festival, esta vez con fusiones de baile contemporáneo. Finalmente, la danza Kuchipudi mostró pantomimas con expresiones seductoras, miradas rápidas y fugaces emociones.

Anindita Nanda se especializa en danza Odissi Fotos . Eliana Gissara

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Culto a las deidades en la danza Bharatanatyam

Clases y Cursos Instructorados Seminarios ADRIÁN MUÑOZ DANZA Y BAILE Abel Muñoz Salsa y Bachata Alicia Sampayo Ballrom Alejandra Milano Ana Hannan Salomé Mayo Arabe Analía Gómez Modern Jazz Cristian Fines Hip Hop - Reggaeton Graciela Saad Sabrina Cejas Danza Jazz Liz Paredes Estilo y Gestualidad Mayra Airola Axé Nahuel Duarte Bachata

Otro de los atractivos del V Festival de la India fue la tarde dedicada al bollywood, esta vez en un escenario abierto en los bosques de Palermo. Curiosos y seguidores de este género siguieron al rayo del sol los pasos de los cincuenta bailarines de las escuelas de Manisha Chauhan, Laksmi Devi, Karina Amado y Romina Casanova.

El evento coincidió con el centenario de la primera proyección de una película de bollywood, que fue estrenada en blanco y negro en la ciudad de Mumbai.

Con gran cantidad de adeptos en Argentina, el bollywood proliferó rápidamente en toda la región, es una danza energética, con mucho ritmo y color. Esta expansión acaba de dar su primer paso en la esfera audiovisual, con el montaje del primer videoclip filmado en Buenos Aires por Romina Casanova. El clip fue emitido también en el marco del festival.

Además, formaron parte de la semana de la India los shows de la Compañía Kalabhum de Leonora Bonetto; la Compañía Rasamrit de Anandini Dasi; la Compañía Durga Ma de Silvia Rissi; el dúo Purnashree Raut y Lucky Mohanty, que representan el vigor masculino y femenino de las parejas mitológicas del hinduismo “Shiva-Parvati”, “Rama-Sita” y “Krishna-Radha”; y el grupo India n’ Beatles, una propuesta que fusiona el arte clásico de la India con melodías que Los Beatles compusieron inspirados en los viajes a ese país. __BD

Paola Sopranzi Bollywood Roberto Rodríguez Flamenco Roberto Soares House Dance Vanina Viscovich Danza Clásica

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Una Canción Equívoca Por Román Ghilotti La ambigüedad supone confusión, esa fusión de lo diverso con inexactitudes que a la vez que pone las cosas imprecisas las multiplica en sentidos One Love Song / Una Canción de Amor, un trabajo coreográfico con idea y dirección de Martín Piliponsky, uno de sus cinco intérpretes (lo acompañaron: Magalí del Hoyo, Elia Mrak, Matthieu Perpoint y Juan Velázquez Cardona), fue presentado en el Teatro La Carpintería.

El trabajo se constituyó como un largo ejercicio de vinculaciones, preferentemente espaciales y otras kinéticas, entre los intérpretes. Solos, dúos y desarrollos de conjunto se sucedieron sin solución de continuidad. Entramados los distintos momentos sobre motivos individuales, algunas veces compartidos, presentados en variaciones pequeñas que podían comprenderse en su mismo despliegue de las formas propuestas. Simplezas en lo bailado, mezcladas con sutiles construcciones corporales que rozaban aspectos de lo virtuoso, pasando por modulaciones de esfuerzos en dinámicas cambiantes. En general: un copioso y rico material siempre simple, directo en su muestra, sin más (ni menos) que proponer formas corporales eslabonando secuencias.

Esto con música de fondo. En gran parte incidental, sólo clima sonoro, de áspera audición hasta que, hacia el final, la utilización de Georgia in my Mind (Georgia en mi Mente), en la versión de Ray Charles (tal vez la más famosa), trajo la reclamada canción de amor del título. Aunque, canción de amor ambigua: originalmente, compuesta para una mujer (Georgia Carmichael, hermana de uno de sus autores) ha llegado a constituirse en el himno oficial del Estado de Georgia (Estados Unidos). Amor por una mujer que se traslada a amor por la patria. Encima, en general se cree que Charles es el autor aunque la canción es de Hoagy Carmichael (música) y Stuart Gorrell (letra), cosa que suma ambigüedad ya que el texto es de un amigo del hermano de la amada quien musicaliza el arrebato del compañero. Muchos amores o uno ambigüísimo.

Algo de esto (sólo algo, como en toda ambigüedad) estuvo presente en el trabajo coreográfico. Un interesante equívoco se dio al presenciar a bailarines interactuando en sus relaciones espaciales pero con individualísimos trayectos en sus construcciones corporales y, todo esto, con la aproximación a un estado de rondar lo amatorio, aquello que viene aparejado en la canción con amor por tema. No expusieron netamente acciones que puedan remedar situaciones de amor pero, en las individualidades, en los dúos y en el conjunto, por efecto del título (y la expectativa asociada) y, en el cierre, por saturación por la canción en la voz de Charles, vinculaciones entre los movimientos (y, por ende, las emociones, los afectos posibles) y lo amoroso/amatorio quedaron sugeridas, o al menos habilitadas, dando lugar y posibilidad a una actividad imaginativa que apunte a la clausura de sentidos por parte del espectador.

En el equívoco, bien logrado por las interpretaciones y el contexto temático, One Love Song rozó algo más que el ejercicio kinético y espacial con que se presentó. __BD

Un momento grupal de One Love Song Foto . Lucila y Carlos Paturzo 38 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

DANZA CLASICA

Alfredo Gurquel, Juana Lederer Walkiria Appelhans, Gabriela Nuñez Geraldine de Crescenzo, Lorena Batista Florencia Calvino, Alberto Retamar Mariángeles Alé, Mª Victoria Velasco

DANZA CLASICA PARA VARONES Princip. e interm.: Rodolfo Romero

ESTIRAMIENTO

Alfredo Gurquel, Juana Lederer Celia Montini, Carol del Castillo

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Manuel Vallejos (Prof. titular del IUNA) Carol del Castillo, Javier Conejero

DANZA CONTEMPORANEA

Romina Mancini, Gabriel Contreras Geraldine de Crescenzo Fernanda Mascaró Florencia Calvino TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia FLYING LOW: Mariela Salcedo

TANGO

Gastón Olguin Marcelo Odera y Carol del Castillo

DANZA MODELADORA Romina Passadore

BABY CLASS

(NIños de 3 a 6 años) Mariángeles Alé

NIÑOS · INICIACION A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé

INICIACION A LA TÉCNICA DE PUNTAS (para niñas) Mariángeles Alé

PREPARACIÓN PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXAMENES E INGRESOS Juana Lederer

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Muestra del estudio Gurquel Lederer miércoles 18 de diciembre, Teatro Empire

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Del miércoles 15 al viernes 31 de enero de 2014 lunes, miércoles y viernes de 19 a 21 hs.

FEBRERO: Elongación y Estiramiento Alfredo Gurquel y Juana Lederer

Receso por vacaciones

El estudio permanecerá cerrado del 18 de diciembre de 2013 al 13 de enero de 2014

JUANA LEDERER ◗ Ex-bailarina solista del Teatro Argentino de La Plata ◗ Ex-primera bailarina del Ballet Nacional de Francia ◗ Egresada del Conservatorio Nacional de París Directora del ◗ Estudio Gurquel-Lederer ◗ Grupo Lederer-Gurquel

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Futurismo y Tradición a Partir de un Movimiento Oscilante Por Laura Lifschitz El pasado noviembre, los bailarines Quío Binetti y Daniel Vulliez estrenaron El Péndulo, producto de un trabajo de investigación realizado con el apoyo de ProDanza.

Un diálogo entre la tradición, la experimentación, el Este y el Oeste

Un desenlace revelador: el continuo fluir Foto . Matheo Hanaman

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La obra, dirigida por Vulliez, fue ejecutada en una amplia sala del barrio de Almagro, lo que posibilitó el desarrollo de los efectos sonoros y lumínicos tan peculiares de la obra, además de contar con la presencia ineludible de un péndulo de grandes dimensiones cuyo oscilar marcó de principio a fin el eje alrededor del cual bailar.

Dividida en tres etapas claras (pese a la penumbra ostensible de la pieza), Binetti y Vulliez explotaron la música original de José Binetti, con un vestuario sutil, a cargo de Silvia Zavaglia.

En principio, se piensa en la obra como un gran esfuerzo por el detalle. Provenientes de caminos diversos (Binetti es una referente de la danza butoh local, mientras que Vulliez es un avezado bailarín contemporáneo), hay un cruce coincidente: ella resultó más dinámica y moderna, mientras que a él se lo vio mucho más oriental, minimalista, contracturado hasta la última célula de los dedos, siempre jugando con la desarticulación y ruptura de las líneas de movimiento.

En su primer momento, la obra juega con un dispositivo lumínico en el frente de él que lo ubica en la atmósfera de lo fantasmal y de las ficciones bio-tecnológicas más

crudas que se hayan pensado. Al tiempo, Binetti se convierte en el primer motor inmóvil de ese péndulo (y ahí uno piensa en Aristóteles), con el cual se mimetiza durante los minutos iniciales de la obra, a partir de un vaivén mínimo que requiere de la más alta concentración.

Si bien una de las asociaciones sencillas de la obra resulta la de la danza en su vertiente oriental, la más ligada a la consideración del hombre en relación con una unidad en la que no queda lugar para el binomio mente-espíritu, es ineludible pensarla también respecto de Occidente. Durante esta primera etapa, en la que la pareja adopta una suerte de mímesisrechazo de los movimientos que el péndulo propone, Vulliez adquiere poses que lo acercan, a su modo, a las vanguardias del siglo XX. Imposible no ver por momentos la imagen registrada de Vaslav NIjinsky en Preludio a la Siesta de un Fauno, aquella de perfil, demi-plie en cuarta posición cerrada, brazos quebrados al frente.

Al segundo momento, cual revolución copernicana, él descubre el péndulo, como si con esa mirada penetrante y fluorescente por el maquillaje, dijera “eppur si muove”. Pocos momentos hay en que la exhalación es una herramienta, lo que ocurre en esta etapa, en que ambos danzan un dúo, uno por sobre el otro, como un Shiva de cuatro brazos, apenas comunicados por el contacto de sus dedos índices, en clara sintonía con formas no occidentales, principalmente la danza tradicional de la isla de Bali.

El vestuario, por su parte, remite, en esta mixtura entre futurismo, tradición, oriente y occidente, a una versión renacentista: mallas enterizas al muslo con un preciso emballenado, con reminiscencias del creado para Petite Mort del checo Jirí Kylián.

Al llegar el tercer momento, la música minimalista comienza a tecnologizarse, y con ella los movimientos. Mucho más acelerados y disociados, parecen por momentos cooptar algunos gestos de la destreza de las danzas urbanas de este siglo.

En todo momento, Vulliez y Binetti se encuentran y desencuentran en la medida en que el péndulo (que no deja de oscilar con una mayor o menor amplitud) se los permite. Y allí al fin logran encontrarse, señalándose con el índice como huraños, a la vez que retratan la imagen pictórica universal de la creación del mundo inmortalizada por Miguel Ángel. La música se vuelve más dramática, mucho más épica y con una orquestación académica. Moviéndose a la par, guardando unos centímetros entre dedo y dedo, el tema musical comienza a iterarse, y es en ese gesto repetitivo cuando todo vuelve a ser fantasmal y sumamente contemporáneo. Se señalan, caminando de espaldas, se repliegan, se desconfían.

Y hacia el final, ambos, con esa ahistoricidad lograda por la mixtura y la interrogación constantes de épocas, tradiciones y movimientos, dirigen el péndulo, uno a cada lado, a la distancia, con sus índices, en cuclillas, pareciendo dar a entender la correspondencia infinita entre el uno y el universo. __BD DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 41

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Contener el Aliento Por Natascha Ikonicoff

Interpretada por la compañía David Señoran, formada en el año 2009, y con música en vivo de la mano del cellista Leandro Rudak y del guitarrista Alejandro Catarino, Apnea gira en torno a una problemática concreta: la sensación de malestar de los jóvenes ante la incertidumbre de lo que les depara la vida adulta.

En el reducido espacio de una sala a media luz, decorada sólo con tiras de papel celofán colgadas del techo, un grupo de bailarines vestidos con ropa de calle (remeras, shorts, calzas, vestidos, zapatillas…) encarna la etapa de transición a la adultez, con sus miedos, dudas y sinsentidos, mediante recursos de la danza contemporánea pero también de la actuación.

Sin dejar en ningún instante el escenario, los intérpretes recrearon momentos de la infancia a través de estrepitosas carcajadas y lúdicas situaciones, para luego adentrarse en la emocionalidad que aflora al crecer. A través de secuencias grupales, dúos y tríos, incluso algunos solos, surgieron distintos matices de las relaciones interpersonales, el amor, la amistad, la complicidad, también la soledad y el dolor.

A lo largo de la obra, los tonos bajos del cello generaron un clima cada vez más inquietante.

La nostalgia de lo ingenuo y lo simple cobró entidad con la voz de Virginia Rossi y el relato de sus ya lejanas creencias pueriles. Predominó un lenguaje coreográfico expresivo que enfatizó la particularidad del movimiento y del tiempo de cada bailarín por sobre la técnica.

Si bien primó la cohesión grupal, Luciana Brugal y Matías Furio se destacaron en el manejo del cuerpo y las energías. De todos modos, Julieta Albornoz, Iván Asborno, Nicolás Baroni, Alegre Bártoli, Leandro Bustos, Luciano Cejas, Daniela Conti, Oscar Farias, Patricia Ferraro, Gastón Gatti, Eliana Lion, Belén Ortiz, Nahuel Valenzuela y Vanessa Worsnop se mostraron entregados al sentimiento, dejando finalmente en el aire la pesadez de la angustia. __BD 42 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Los sábados de octubre y noviembre, el coreógrafo y director David Señoran presentó en el espacio cultural Pata de Ganso una nueva temporada de su más reciente obra de danza contemporánea, Apnea, Repletos de Nada, estrenada en agosto de este año

La angustia de crecer Foto . Virginia Cordara

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La Construcción Por Román Ghilotti Una obra artística es una construcción que, básicamente, despliega un mundo y unas reglas para dar presencia a su forma/contenido, raíz de la emoción estética El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dirigido por Mauricio Wainrot, ofreció, en la sala Martín Coronado, un nuevo programa con trabajos de su director: Desde Lejos (reposición) y La Canción de la Tierra (estreno).

Desde Lejos, que abrió el programa, es una coreografía sustentada en el tópico de tema y variaciones: diversos motivos kinéticos puestos en juego con repeticiones y transformaciones, siguiendo desarrollos análogos en la música (Wim Mertens), aunque sin esclavizarse sino construyendo diálogo y contrapunto. Un tono jovial en los bailarines, que renuevan las mismas formas una y otra vez generando apariciones y fugas de los efectos de movimiento. Un trabajo coral, ágil y ligero.

La construcción firme y austera en La Canción de la Tierra Foto . Carlos Furman

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El plato fuerte lo constituyó el estreno: La Canción de la Tierra, sobre la partitura homónima de Gustav Mahler. El músico compuso esta sinfonía enmascarada en seis canciones, todas ellas de sombría perspectiva en el tratamiento de sus asuntos: el vino, sólo como consuelo; la juventud, sólo reflejo; la belleza, anhelo inalcanzable; el otoño, sólo perdura; la primavera, sólo un sueño; y la despedida, única realidad. Más allá de las circunstancias de Mahler al momento de componer la obra (reciente muerte de su hija mayor, primeros estragos de su salud), y de las que da a conocer Wainrot en el programa de mano (ciertas pérdidas afectivas importantes), la afirmación del coreógrafo, también en el programa de mano (“Ausencias que hicieron de mí un hombre diferente al que fui, un ser entristecido y taciturno a quien, como a Mahler, lo salvó la creación”…, cosa que esperamos sea una amable confesión más que una austera realidad), lo oscuro y apagado, la ausencia de vitalidad que se proponen como eje temático (tanto en la música de Mahler como en la obra coreográfica), ha sido llevada a término sobre una impor-

tante construcción que abreva en sutilezas y despliegues fortísimos, rodeando tránsitos potentes combinados con detalles que sostienen un halo de esperanza en medio de lo amargo.

Esto se explica, en lo coreográfico, por la labor medida, cuantificada, dosificada, que apela al grupo completo y a diferentes dúos, con arduas configuraciones pero sin excesos virtuosos; esto es, apelaciones a una totalidad expresiva que propone un contexto de movimiento firme y austero, y a los dúos que, desde el mismo material, hacen detalles de matices emocionales sobre lo oscuro y sombrío. En función, la excelencia de los intérpretes, tanto en grupo como en los dúos (especialmente Ivana Santaella y Gerardo Marturano), dio cabal cauce a la expresión de esta tristeza sosegada y este abandonarse a la despedida que tiñe la obra.

Sin golpes bajos, con la solvencia de tomar de lleno el tema solitario, La Canción de la Tierra revela la búsqueda y consecución de la forma/contenido como construcción en la misma construcción de su danza. __BD

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Guillermina Bravo 13 de noviembre de 1920, Chacaltianguis, Veracruz

In Memoriam

Querétaro, 8 de noviembre de 2013 Guillermina Bravo fue considerada la decana de la danza contemporánea en México, su trayectoria estuvo marcada por su perseverancia y tenacidad. Se formó en el Conservatorio Nacional de Música y en la Escuela Nacional de Danza antes de perfeccionarse en la Escuela de Martha Graham de Nueva York. Debutó en el escenario a los 20 años, en el Palacio de Bellas Artes bajo la dirección de la bailarina estadounidense Waldeen Von Falkenstein (1913-1993), con quien continuó hasta 1945. Creó el grupo de danza moderna Ballet Waldeen con Ana Mérida y en 1947, también con Mérida, creó la Academia de la Danza Mexicana.

En 1949 fundó el Ballet Nacional de México, considerado el grupo de danza contemporánea más importante del país por haber marcado una pauta estética para la danza moderna. Se retiró como bailarina en 1960 para dedicarse exclusivamente a la creación coreográfica, con obras que abarcaron temáticas sociales, nacionales y también indigenistas, profesionalizando a la danza de su país. De ellas se destacan: El Paraíso de los Ahogados (1960), Danzas de Hechicería (1961), Juego de Pelota (1968), Visión de Muerte (1980), Sobre la Violencia (1989) y Entre Dioses y Hombres (1991).

En 2006 anunció la desaparición del Ballet Nacional de México y pasó a dedicarse por entero a fortalecer el Colegio del Centro Nacional de Danza Contemporánea, que había fun-

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dado en 1991 en Querétaro, donde además se imparte el bachillerato en humanidades y la licenciatura con cinco especialidades (ejecutante de danza, docencia, coreografía, investigación y producción escénica).

Su trabajo fue reconocido con el Premio Nacional en Ciencias y Artes (otorgado por primera vez a una mujer en 1979), recibió el premio a la Mejor Coreografía para teatro, otorgado por la Asociación de Críticos y Cronistas de Teatro (1975), fue miembro emérito del Sistema Nacional de Creadores de Arte, fue homenajeada a nivel nacional a sus 90 años con el estreno de la coreografía Memoria Ciega de Claudia Lavista (2011). __BD

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JORNADAS DE ACTUALIZACIÓN DOCENTE Foto: Alicia Sanguinetti

EN EL MARCO DEL

WORKSHOP DE BALLET Y DANZA FEBRERO 2014 - BUENOS AIRES DE LA ASOCIACION ARTE Y CULTURA: Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) · Tel: 4866-2671

ALICIA MUÑOZ Dirigidas a maestros y alumnos de danza, y toda persona que trabaje con el movimiento corporal.

APRENDIZAJE - PLANIFICACIÓN - EVALUACIÓN RESOLUCIÓN DE PROBLEMATIVAS COMUNES

Primera Jornada

Segunda Jornada

Tercera Jornada

Cuarta Jornada

APRENDIZAJE SIGNIFICATIVO

PLANIFICACIÓN

EVALUACIÓN

RESOLUCIÓN DE PROBLEMÁTICAS COMUNES

Viernes 14 de febrero Teórico: 11 a 14 hs.

Práctico: 18:30 a 20:30 hs.

Sábado 15 de febrero Teórico: 11 a 14 hs.

Práctico: 16 a 18 hs.

Domingo 16 de febrero Teórico: 11 a 14 hs.

Práctico: 16 a 18 hs.

Se establecerán cuáles son los mecanismos que realiza el alumno para aprender un movimiento, que permitirá guiarlo eficientemente a partir de los recursos que se brindarán en la jornada.

Se expondrá acerca de la Planificación como medio para mejorar las prácticas docentes:

La Evaluación es mucho más que poner una nota.

Los temas a tratar son: La Transmisión del Conocimiento (teorías de aprendizaje, aprendizajes significativos); Las inteligencias múltiples; El rol docente a partir de las teorías cognitivas (La formación de profesionales reflexivos); El exhibicionismo del que enseña; La Expresión como Fin, el Cuerpo como Instrumento (las teorías cognitivas y su aplicación en la danza); La conciencia corporal como base de la expresión.

En la clase práctica se desarrollará el uso de la energía como motor del movimiento para lograr cuerpos cada vez más conscientes. Se trabajarán los centros de energía: pies y cabeza. Su uso como motor del movimiento.

Componentes básicos de una planificación, por qué y para qué planificar; Conceptos ligados a la planificación; Perspectivas pedagógicas (tradicional-centrada en la investigación); La terminología y sus alcances (plan, programa, proyecto, actividad, tarea); Cómo definir metas, objetivos, organizar los contenidos, y establecer estrategias; El diseño de los proyectos en la investigación; El diseño de los proyectos extracurriculares.

Por la tarde, se seguirán desarrollando los centros ya vistos, y se trabajará sobre la energía de las manos; su uso como motor del movimiento y su aplicación en la ejecución de secuencias pautadas, para lograr cuerpos cada vez más conscientes.

Inscripción: Enviar nombre y apellido, Nº de DNI y ciudad de procedencia a: inscripciones@balletindance.com.ar Entrega de certificados. Contra presentación de DNI. 48 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

Para qué y cómo evaluar, significados ocultos de la evaluación; La evaluación tradicional; La subjetividad de la evaluación; La evaluación un Boomerang que apunta al docente; El concepto de evaluación a partir de las prácticas reflexivas (La autoevaluación y co-evaluación del alumno); Evaluación diagnóstica, formativa y final; Jerarquización de la mirada; La autoevaluación del docente.

En la práctica se seguirá desarrollando la energía en: pies, cabeza y manos, y se trabajará sobre la energía de la pelvis como motor del movimiento y la aplicación de estos centros en ejercicios pautados.

Lunes 17 de febrero Teórico: 11 a 14 hs.

Práctico: 18:30 a 20:30 hs.

En esta jornada los participantes expondrán las problemáticas que surgen en su actividad para plantear soluciones a la luz de las prácticas reflexivas, contextualizadas en un marco teórico referencial.

Entre los temas más comunes que podrían plantearse: ¿Qué hacer? Ante un exceso de peso en los alumnos; Para despertar el interés de los alumnos en las clases; Para fomentar el compromiso a la tarea y a los proyectos; Para aumentar el compromiso de los padres en la actividad de sus hijos; Para aumentar y/o sostener una matrícula y cualquier otro tema planteado por los participantes.

En el taller práctico se trabajarán los centros ya vistos como motores del movimiento, y la utilización de la energía para la realización de secuencias pautadas.

Nota: Clases teóricas: llevar material para tomar notas (lápiz y papel). Para las prácticas se recomienda ropa muy cómoda y zapatillas blandas o medias.

-contemporáneo Orquideana

PROVINCIAS

De Mabel Dai Chee Chang. Con Denise Comba, Cecilia Martinese, Catalina Rey y Mabel Dai Chee Chang. Domingo 15, 19 hs. Domingo 22, 21 hs. Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460, Tel. 48542257).

Córdoba Seminario de Danza Clásica Nora Irinova. Dirección: María Esther Triviño. Sábado 14, 21:30 hs y domingo 15, 20:30 hs. Sala Mayor del Teatro del Libertador de Córdoba.

-musical Stress

Resistencia, Chaco Ciclo metropolitano de danzas Attach.

El Cascanueces. Dirección: Teresa Porfirio. Domingo 15, 21 hs. Complejo Cultural Provincial Guido Miranda (Colón 164).

Dirección y coreografía: Eliana García Fischer. Guión y dirección actores: Eugenio Romero. Arte y diseño de escenografía: Christian Javier Rolla. Edición musical: Juan J. Rondinoni. Domingo 8, 19:30 hs, sábados 14 y 21, 19 hs, sábado 21, 21:30 hs. Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185).

Bahía Blanca, Buenos Aires Los Musicales Según Pasan los Años.

Centro Creativo de Danza L´Atelier.

Dirección: Pamela Lenzu. Miércoles 18, 21 hs. Teatro Municipal (Alsina 425).

MUESTRAS y FESTIVALES de FIN DE AÑO Estudio La Danse & More Dirección: Christine Versé. Zapping.

Jueves 19, 20 hs. Teatro Marín (Avenida Libertador, 17115, San Isidro, Tel: 5488-1334).

Dirección: Luis Marcelo Correa y Galho Martins. Con Marcelo Correa, Ariel Maida, Alicia Feregotto, Laura Parra, Pablo Miranda, Maximiliano More y Mariano Pucheta. Viernes y sábados a las 00:30 hs. Teatro Moulin Bleu (Rodríguez Peña 411, Tel: 4371-8672).

Dirección. Juana Lederer, Alfredo Gurquel. Muestra de fin de año. Miércoles 18. Teatro Empire (H. Yrigoyen 1934, Tel: 4951-9189).

Centro Cultural Sibila Dirección: Sibila. Junto al Ballet AlAndalus. Temple y Pureza. Sábado 14, 22:30 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 500, Tel: 4865-5500).

Cartelera

-musical Sublime

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Estudio Gurquel-Lederer

Estudio de Danzas Silvia Roller Dirección: Silvia Roller. Festival Fin de Año. Lunes 16 de diciembre, 20 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348, Tel: 4781-4172).

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Rosas y Circo, Pan y Danza Por Natascha Ikonicoff Del 9 al 11 y del 15 al 17 de noviembre, bajo las carpas de Polo Circo (Av. Juan de Garay y Combate de los Pozos), tuvo lugar la segunda edición del ciclo Circo en Danza, un espacio en el que se promueve el intercambio entre los lenguajes corporales y las técnicas de ambas disciplinas Circo en Danza, presentado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, transcurrió en el espacio Polo Circo, un amplio parque en el que están montadas tres carpas cuya ambientación evoca épocas en que grandes circos, como el de Moscú, recorrían el mundo. El evento nació de una propuesta pensada y gestionada por Gabriela Ricardes, de Polo Circo, y las directoras de ProDanza, Valeria Kovadloff y Silvia Pritz, en función de la creencia compartida de que ambas disciplinas se enriquecen mutuamente, motivo por el que es necesario propiciar su encuentro.

El ciclo constó de números breves, piezas y espectáculos, siempre basados en alguna técnica de circo y coreografiados. Cada obra fue seleccionada en una convocatoria abierta que tuvo lugar este año. La forma en que se fusionaron el circo y la danza resultó muy variada; en algunos casos la danza y su expresividad constituyó el eje central, en otros, se puso el énfasis en la demostración de las habilidades corporales, hiladas entre sí por la coreografía. Una novedad introducida en esta segunda experiencia fue la realización de dos talleres, uno a cargo de David Señorán y otro bajo la tutela de Gustavo Lesgart, cuyas muestras se exhibieron durante el festival.

Las actividades fueron gratuitas y se dividieron en dos o tres bloques por día. Previo al comienzo de cada uno, se invitó al público a esperar en la carpa de recepción, donde se vendían panchos y pochoclos, y se podían ver fotos del evento en dos pantallas LED. Mientras que los viernes por la noche hubo poca gente, los domingos fueron los días de mayor concurrencia, una mezcla de jóvenes, familias y vecinos de la zona con niños pequeños, todos sentados en gradas posicionadas a modo de anfiteatro.

De entre los números breves, se destacaron La Juerga de Colectivo Caracol y A Solas con el Mundo de Lucila Prestach y María José Goldín. La primera obra, que evocó varias facetas del circo (juego de naipes, malabares, magia), se caracterizó por su hilarante humor y la mezcla de estilos de personajes, todo en pos de exponer una idea metafísica: las banalidades de las que se ocupa el hombre a lo largo de su vida constituyen el sentido mismo de su existencia. La carismática Agustina Castro se llevó

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Maximiliano Cargnello en Sin Despertar de El Grupo Foto . Daniel Harper

todas las miradas. La bailarina fusionó de manera impecable el charleston con el ula ula al mejor estilo clown y se lució al hacer tela con la fuerza de una sola pierna para parodiar las extrañas posturas de los contorsionistas con una pata de palo atada a su otra extremidad.

En la segunda obra, inspirada en la literatura de Bukowsky, Lucila Prestach y Leandro Quiroga dieron forma a un perturbador juego de poder en el que un cuerpo subyuga a otro hasta arrebatarle la totalidad de su existencia mediante un lenguaje coreográfico abstracto fusionado con la técnica del palo chino y una música disonante que concluye con un grito ensordecedor.

Sin Despertar de El Grupo, dirigido por J. C. Berecoechea, fue uno de los espectáculos de mayor duración. Con música de Low, Air y God is an Astronaut, Lucrecia Galarza, Sol Perez Gallardo, Maximiliano Cargnello, Federico Mansilla, Aldana Jimenez y Marcos Miño entretejieron algunos de los fuertes vínculos que se establecen en la niñez tanto en el plano concreto como en el onírico para encontrarse una y otra vez a través del juego. Una obra risueña que de manera inevitable despertó una alegría casi infantil en el público. En especial la tierna y talentosa contorsionista Lucrecia Galarza, la prolija y grácil bailarina Aldana Jimenez y Maximiliano Cargnello con sus intrépidas piruetas sobre una carretilla cautivaron la atención de los espectadores.

Amaive Silvestre y Juan Manuel Cisneros crearon e interpretaron Rutina, de la compañía El Levante, número en el que representaron las idas y vueltas de una pareja en estado de convivencia mediante una serie de acrobacias. Abrazame de Me Matarás, dotó de carnadura la historia de amor entre un hombre, interpretado por Pablo Pramparo, y su elemento de circo, la clava, a través de una coreografía en la que se desplegaron expresiones de la pasión y del rechazo, finalizando en un desencanto absoluto. El Círculo de Alex Gretto y Vuelve en Julio, también giró en torno a la clava pero sin narrativa concreta: se trató de un recorrido por los distintos movimientos corporales y las diferentes formas geométricas que posibilita el uso de este elemento, realizados por Lucas Carattoli.

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Agustina Castro en La Juerga de Colectivo Caracol Foto . Daniel Harper

Dos por Tres de la compañía Le Cardage, apeló a la percepción del espectador con una estética minimalista y un lenguaje simbólico. Apta sólo para adultos, Orquideana, de Árnica, se basó en los textos de la escritora uruguaya Marosa Di Giorgo hilvanando una trama de contrastes entre un plano metafísico y el de la realidad cotidiana. Por último, Vecinas de la compañía La Caravana, representó a través del humor y las acrobacias la historia de una relación muy particular entre dos vecinas.

Ya se encuentra abierta la convocatoria para el tercer ciclo de este evento, programado para fines del año 2014. __BD

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Humor Extranjero Por Agustina Llumá El Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Lidia Segni, estrenó el mes pasado La Cenicienta de Renato Zanella, una puesta que combina el humor con el mundo de la moda El montaje coreográfico fue realizado en el Teatro Colón, por Benito Marcelino, asistente y colega en el Ballet de Stuttgart de Renato Zanella que llegó a Buenos Aires, sobre la fecha del estreno para dar las últimas indicaciones y pulir su obra.

Zanella descubrió las partituras de esta Cenicienta, único ballet compuesto por Johann Strauss II, cuando se encontraba trabajando en el Ballet de la Opera de Viena, donde fue estrenada (en 1999) y se celebraba el centenario de la muerte del compositor.

El argumento replica la concepción musical. Strauss murió antes de concluir este ballet (finalizado por un discípulo suyo y estre-

Nadia Muzyca y Federico Fernández en el pas de deux del sueño Foto . Alicia Sanguinetti

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nado más tarde, en Berlín, en 1902), un encargo que había recibido y que debía contener un tema de la actualidad. Se trata de una novela de intrigas ambientada en la Viena de aquella época, que comenzaba a recibir a las casas de moda francesas de alta costura. En la boutique de madame Léontine (la madrastra), donde Greta (Cenicienta) es una modista no reconocida (con muy poco del Danubio Azul en su versión original).

Renato Zanella, director del Ballet de la Opera Nacional de Grecia desde 2011, había bailado en el Teatro Colón en 1987 con el Ballet de Stuttgart de John Cranko, en unas funciones que resultaron inolvidables para el público local que desbordó la capacidad del coliseo. Nacido en Verona (Italia) integró como bailarín varias compañías europeas, dirigió otras tantas y comenzó a coreografiar en 1989. En sus propias palabras, es un producto del Stuttgart Ballet de la década de los ’80. En sus puestas en escena toma de la ópera (para la que realiza una coreografía al año) algunos aspectos dramatúrgicos que enriquecen su labor, centrándose en ballets narrativos (con muchos personajes) y un lenguaje coreográfico con aportes neoclásicos y/o contemporáneos.

Excelentes Igor Gopkalo, como la Madastra, Paula Cassano y Daiana Ruiz como las Hermanastras Foto . Alicia Sanguinetti

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Para esta Cenicienta el coreógrafo agregó la prueba del zapatito de cristal, y a modo de hada, el propio Strauss que regresa a la Opera de Viena como un espectro, montado en una nube (que reemplaza a la calabaza y que más parecía un asteroide), para concluir su obra. El diseño de vestuario (firmado por Aníbal Lapiz) es uno de los protagonistas de la obra, que transcurre en el taller de costura de Léontine, donde se preparan los trajes para la fiesta de Año Nuevo que tendrá lugar en la casa de Monsieur Arnaud. Allí Gustav (un prestigioso diseñador, sobrino de Arnaud) deberá enamorarse de Greta (siempre secundada por los títeres/pajaritos).

El segundo acto, sobre todo, está dedicado por entero al diseño de indumentaria. Tiene lugar la fiesta de Año Nuevo (en la que se da la bienvenida a 2014), con varias escenas grupales, se realizan cuatro cuadros (dedicados a las estaciones del año) y para finalizar un desfile de imponentes trajes de novia (uno por cada mes).

Solamente dos pas de deux, se presentan para regocijo de los balletómanos en toda la puesta, a cargo de dos parejas distintas.

Con personificaciones caricaturescas (de muchísimos personajes) bordeando lo grotesco, todo se expresa desde un humor que a los argentinos nos resulta extranjero [extraño]. Por ello fueron recién las últimas funciones en las que el cuerpo de baile logró apropiarse de los gags para aunar todas esas insólitas piezas, que

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Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo en la escena final del desfile de modas Foto . Máximo Parpagnoli

en las primeras presentaciones se vieron como una sumatoria de sinsentidos, desordenados y, honestamente, muy poco graciosos.

Fueron tres repartos los encargados de llevar a la acción La Cenicienta, y cada uno de los bailarines aportó su creatividad a la hora de magnificar las particularidades de sus roles.

Karina Olmedo, Nadia Muzyca y Natalia Pelayo (Greta), Juan Pablo Ledo, Federico Fernández y Edgardo Trabalón (Gustav), Alejandro Parente y Matías Santos (Strauss), Paula Cassano, Larisa Hominal, Daiana Ruiz y Manuela Rodriguez Echenique (Hermanastras), Igor Gopkalo (Madrastra), Carla Vincelli, Luana Brunetti y Maricel de Mitri (la Signorina Cerini, primera bailarina de la Ópera). Millones de niñitas de la escuela de danza del Teatro Colón (Instituto Superior de Arte, ISA) aparecen en escena, causando el efecto deseado.

Muzyca-Fernández lograron aunarse en los pas de deux, al sortear las dificultades de los intrincados portés y ofrecieron una danza de encantadora armonía. Parente por su parte se destacó en la elaboración de su personaje, un caballeroso hechicero venido del más allá. Vagram Ambartsoumian sorprendió con su entrega del Invierno y Leonardo Reale con su ágil simpatía como Piccolo.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por el suizo Emmanuel Siffert, consiguió interpretar los valses vieneses con dignidad recién en las últimas funciones. __BD

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Cierre de Temporada Por Agustina Llumá El Ballet del Teatro Argentino de La Plata dirigido por Mario Silva, cerró su complicada temporada 2013 con un programa compartido, junto a la compañía Ballet Concierto de Iñaki Urlezaga El principal ballet bonaerense ofreció el mes pasado en la Sala Ginastera del Teatro Argentino de La Plata un programa variado. Para comenzar duos y tríos del repertorio clásico a cargo de jóvenes integrantes del elenco, una suite con el grand pas de deux de Don Quijote (con Urlezaga) y El Guía (la versión de El Bolero de Ravel de Silva). En otro acto el Ballet Concierto regaló Birthday Offering de Frederick Ashton.

El hecho de incluir a los más jóvenes bailarines del elenco en estas breves apariciones solistas (una forma de foguearlos, de lanzarlos a un ascenso en sus carreras) marcó un cambio notable en la línea que adoptó la nueva dirección al frente del ballet. Es que en el programa anterior había optado por una clase de inclusión (algo así como “bailan todos”) que no había resultado provechosa para el resultado final obtenido.

Tres repartos se eligieron para este fin de año, esta cronista asistió a la función del domingo 10 de noviembre, que es la que se relata a continuación. Con excelente ensayo se mostró un espectáculo prolijo, de logrados unísonos, con definidos estilos que auguran un buen futuro para estos bailarines que aún tienen mucho por descubrir.

Aldana Percivati, Natalia Mujtar y Bautista Parada trajeron la sangre española al pas de trois de Paquita, en una adaptación coreográfica del propio director, con cuidada exposición. Continuó María Belén

Carou en La Muerte del Cisne, un solo pretensioso pues está destinado en realidad a bailarinas con una carrera más desarrollada, que la joven sorteó con buen trabajo de preparación. Aguas Primaverales a cargo de Mariela Milano y Esteban Schenone fue contundente, mientras que la aparición de Iñaki Urlezaga con Celeste Losa (de su elenco) junto a Sol Infer y Julieta Raglia (de la compañía local), en un Don Quijote algo más elaborado que el pas de deux despojado, aportó una elegante y vibrante oblación.

El Guía, que se había mostrado también en el programa anterior, estuvo en noviembre más armonizado holísticamente. Silva se inspiró en la frase de Françoise Fénelon “El hombre se mueve, Dios lo guía” para reflejar con la mayor exactitud posible la impactante partitura de Maurice Ravel en su Bolero: “sumar a los bailarines paulatinamente al movimiento, hasta finalizar con los treinta y cuatro intérpretes en escena” según expresó el coreógrafo. En ese sentido y también por algunas referencias puntuales (aunque su estructura no tenga mucho que ver), puede decirse que se trata de un homenaje a la versión del genial Maurice Béjart.

Por último, Birthday Offering, el gran regalo de cumpleaños de Frederick Ashton al Royal Ballet de Inglaterra, en ocasión de su 25º aniversario (en 1956), con reposición coreográfica de Margaret Barbieri y vestuario original de André Levasseur. El Ballet Concierto realizó aquí un trabajo magnífico, al aunar la extremadamente difícil coreografía con el estilo tan inglés, de los buenos modales y la vida en la corte, sin un atisbo de exabruptos. La pieza creada sobre música de Alexander Galzunov, funciona básicamente para el lucimiento de las mujeres, que, una a una, despliegan proezas técnicas de intrincadas resoluciones, y un gran pas de deux (estrenado por Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev).

Sofía Carmona, Anahí Araujo, Cecilia Esteban, Manuela Bruno, Eugenia Berreta, Celeste Losa, Eliana Figueroa, Lucía Valencia, Iñaki Urlezaga, David Gómez, Sergio Acosta, Gonzalo Fernández, Antonio Padrón, Marcos Becerra, Gastón Cabrera y Brian Montes, se alternaron en las tres funciones. __BD

Alejandra Baldoni y elenco en El Guía, de Mario Silva Foto . Guillermo Genitti DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 57

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Más “Chúcaro” En el marco de la gira que Juan Cruz Guillén realiza por todo el país, el libro Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola editado por Balletin Dance, fue presentado en nuevas ciudades A comienzos de noviembre Juan Cruz Guillén realizó su ya tradicional presentación en Pehuajó (provincia de Buenos Aires), con organización de la Secretaría de Cultura de la ciudad, encabezada por Andrea Mallaviabarrena y con dirección de María Laura Adriel. Además de la proyección del documental realizado ad hoc, se expuso una exposición fotográfica, y el propio autor relató recuerdos y testimonios de su vida junto a Ayala y Viola. Por otra parte, en el marco del programa Y Volverán a ser Arboles Juan Cruz Guillén plantó un árbol en el Paseo de las Letras, que llevará el nombre “El Chúcaro” y junto a Sabina Di Salvo dictó un seminario de danzas folklóricas abierto a la comunidad.

El conjunto de actividades permite, acercar a los asistentes a una época trascendente en la historia de las danzas tradicionales argentinas llevadas a la escena y adentrarse en las personalidades de los dos artistas.

Esta actividad se realizó también en Villa General Belgrano, partido de Calamuchita, provincia de Córdoba. __BD

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El árbol “El Chúcaro” en el Paseo de las Letras de Pehuajó Foto . gentileza Secretaría de Cultura

Aniversario

En la foto, Luis y Ana María Gromaz, Alfredo Lucero, Ethel Lynch, Rodolfo Poggini, Mario Bustos, Susana Dobarganes, Titi Charmiello, Viviana Fortino, Oscar Coronel, Juan Rodríguez, Esteban Rodríguez, Rubén Lopez, Paola Parrondo, Valentina Valle, José Luís Feijoo, Stella Maris Vicente, Edith y Gabriel Vera, Hector Canteros, Fernando Jiménez, Osvaldo Ciliento, Sabina “Titina” Di Salvo y Juan Cruz “Fierro” Guillén.

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Un grupo de ex bailarines del Ballet del Chúcaro se reunieron en la Peña La Paila de la ciudad de Buenos Aires, el 16 de octubre, fecha en la que el maestro Santiago Ayala “El Chúcaro” hubiera cumplido 95 años (murió el 13 de septiembre de 1994).

“Nos encontramos bailarines de cuatro generaciones y tuvimos la suerte de poder contar con la presencia de cuatro que integraron el primer ballet, en el año 1953: Alfredo Lucero, Ethel Lynch, Luis y Ana María Gromaz”, explicó Juan Cruz Guillén a Balletin Dance.

Presentación del libro en Villa General Belgrano Foto . gentileza Miguel Valente DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 59

Ortigoza, Chileno por Especial Gracia

E L I H C | R O I R E T X E L E N E S O N I T N E G R A

Desde el 21 de noviembre, Luis Ortigoza ostenta la ciudadanía chilena de gracia, otorgada por la Cámara de Diputados de Chile por unanimidad en mérito a su dedicación al frente del Ballet de Santiago de Chile y por los 25 años dedicados al arte y la cultura chilena.

Esta especial declaración no lo obliga a renunciar a otras ciudadanías (como la argentina por ejemplo), y lo habilita para ejercer derechos como todo ciudadano chileno. Es posible aventurar cargos públicos en un futuro no muy lejano. __BD Luis Ortigoza, ciudadano chileno

INCENDIO Días más tarde el Teatro Municipal de Santiago ardía en llamas.

Un feroz incendio, que pudo ser controlado al menor tiempo imaginado, destruyó parte de sus instalaciones, entre las que se encontraba la sala de baile, vestuarios y escenografías.

Mientras el equipo del Municipal está haciendo un importante esfuerzo por retomar sus espectáculos y comenzar la reconstrucción, los tres últimos conciertos de la Temporada 2013 fueron reubicados en el Teatro Caupolicán de la capital trasandina.

“A pesar del difícil momento que estamos viviendo, hemos contado con la colaboración de muchos actores que han hecho de esta campaña un proyecto común que tiene como fin último que abramos nuestras puertas los más pronto posible”, señaló Andrés Rodríguez, Director General del Teatro Municipal de Santiago.

El último fin de semana de noviembre, el Parque Araucano recibió el Carmina Burana de La Fura dels Baus en dos imperdibles jornadas, una que el Banco Bci quiso regalarle a la comunidad (sábado 23) y otra que bautizaron “Juntos por el Municipal” (domingo 24), en la que los asistentes pudieron hacer donaciones para la reconstrucción de las áreas del Municipal dañadas por el incendio de este lunes.

“Toda colaboración proveniente tanto del mundo público como del privado es muy bienvenida en estos momentos”, comenta Andrés Rodríguez.

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Imágenes del incendio, y daños en la sala de baile

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Medio Siglo La Compañía Nacional de Danza de México celebró sus 50 años de vida, con una Noche de Gala en el Palacio de Bellas Artes, los días 24, 26 y 28 de noviembre y el 1º de diciembre

Medio Siglo de la Compañía Nacional de Danza de México

Acompañados por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes dirigida por Sbra Dinic, el programa se conformó en dos actos, para comenzar con tres estrenos de danza neoclásica y contemporánea, El Pájaro de Fuego de Maurice Béjart con música de Igor Stravinski, Mono Lisa del israelí Itzik Galili y Allemande de Joshua Beamish.

La segunda parte estuvo dedicada a los grandes clásicos, con pas de deuxs de El Lago de los Cisnes, La Esmeralda, La Bella Durmiente, El Cascanueces, La Bayadera, Vivaldi para 13 Bailarines, Baile de Graduados, Don Quijote y Raymonda.

Erick Rodríguez, primer bailarín de la compañía con diez años de pertenencia, expresó su gratitud por interpretar piezas contemporáneas y neoclásicas, sin perder el repertorio clásico, como en el resto de las compañías de ballet a nivel mundial. “Tenemos una de las mejores compañías de América Latina”, aseguró, a la vez de afirmar su sentimiento de orgullo por “ser miembro de la CND y aportar un granito de arena en estos 50 años”.

Para la primera bailarina Agustina Galizzi, también con una década en el elenco, una de las cualidades para formar parte de esta compañía es el talento. Consideró además, que todos los latinos tienen en común la pasión. “Somos muy diferentes a los europeos, cuando uno se sienta del otro lado, como espectador, te transmite algo que en otros lugares no percibes. Hacemos que el público se meta con nosotros en nuestro quehacer artístico”. __BD

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Nueva Dirección en la Escuela Vaganova

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Nikolai Tsiskaridze y Ulyana Lopatkina son los nuevos directivos de la mítica Academia Vaganova de San Petersburgo, en reemplazo de Vera Dorofeeva y Altynai Asylmuratova Anunciado por el Ministro de Cultura ruso Vladimir Medinsky, en la misma sede de la Academia Vaganova (reunión a la que Lopatkina no acudió, tal vez para distanciarse del escándalo), la noticia en realidad encierra una avalancha de situaciones. El director del Teatro Valery Gergiev había acusado a la Academia de no cumplir correctamente con sus objetivos, pero a la vez aboga por un proyecto de unificación de varias instituciones culturales en una sola, bajo su dirección. A comienzos de septiembre, habría

La importancia de la fragilidad de los niños, en toda escuela de ballet

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pedido formalmente la creación de un Centro Nacional Académico de Arte Teatral y Coreográfico, en la tradición de los Teatros Imperiales que anexara el Conservatorio Rimsky Korsakov, la Academia Vaganova y el Instituto de Arte al Teatro Mariinsky.

El georgiano Tsiskaridze ha estado involucrado con el “caso Filin” del Teatro Bolshoi, nombrado por Le Figaro como “el ángel negro”, posee influencias que van mucho más allá del mundo artístico. El ministerio de cultura le había ofrecido el puesto de director del Ballet del Kremlim, una pequeña compañía moscovita dedicada básicamente a galas, que rechazó inmediatamente.

Los estatutos de la Academia Vaganova no permiten un director artístico que no se hubiera formado en ella, por tanto Tsiskaridze se quedó con el cargo de rector (tradicionalmente administrativo), y si bien ofrecieron la dirección artística a Irina Kolpakova (maestra en el American Ballet Theater, maestra personal de Paloma Herrera, y estudiante directa de Agripina Vaganova) a sus ochenta años prefirió quedarse en Estados Unidos. Por su parte, Ulyana Lopatkina que no tiene realmente experiencia docente, ha declarado que tampoco tiene intención de renunciar a los escenarios.

Vera Dorofeeva, que pasará rápidamente a integrar el staff del Teatro Mikhailovsky, señaló a la prensa que: “En este momento es la escuela o yo. Debo de irme para que la Academia siga siendo lo que es”. También explicó que en realidad Gergiev -como instigador del asunto-, quiere “apropiarse del edificio de la Academia para convertirlo en un espacio de ensayos para el Mariinsky” lo que sería extraño al considerar la reciente inauguración del Mariinsky 2.

Ulyana Lopatkina anunci贸 que seguir谩 bailando. En esta foto, inigualable en Sheherezade DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 63

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Las redes sociales han sido una vez más, las elegidas para manifestarse en este asunto. Se ha creado en facebook un grupo denominado Preservemos y Protejamos la Academia Vaganova, ¡Juntos!, en el que pueden encontrarse cantidad de mensajes de profesionales en rechazo de esta nueva designación.

Por su parte, la bailarina Diana Vishneva, sentenció a través de facebook: “La Academia Vaganova significa mucho para el mundo del ballet y para mi personalmente. Es altamente decepcionante que esta nueva dirección haya sido una simple moneda de cambio en unas negociaciones que no tienen nada que ver con la escuela en sí. Estoy igualmente indignada con la falta de gracia con la que se ha realizado este cambio. Este sentimiento es compartido por todos los que aprecian la tradición de la escuela de ballet, los que enseñan ahí y los que representan a la escuela en el escenario y difunden el amor por el ballet que fue implantado en ellos durante la escuela”.

“Nunca hubo razones reales para el cambio en la dirección de la escuela, ni un diálogo con los profesionales del ballet en San Petersburgo. Simplemente y como característica mínina, uno tiene que tener las suficientes credenciales académicas para ser el Rector de la Academia Vaganova.

Y, sobre todo, implica tocar la fragilidad de los niños, por lo que su líder debe de ser moralmente irreprochable. Me gustaría mucho creer que este no es el final de la gran escuela”.

William Forsythe, le respondió: “Diana, tus comentarios sobre la Academia Vaganova fueron muy poderosos. Te agradezco el hablar tan honestamente y sin miedo. Con gran respeto, Bill Forsythe” Ilya Kuznetsov, solista del Mariinsky, aseguró a la prensa que más allá de tener relaciones amistosas con Tsiskaridze “ser un buen hombre no es una capacitación profesional.

Para ser nombrado al puesto de rector hay que tener una preparación real, como la de un general militar. Ulyana Lopatkina, también es una profesional, pero no estará a la altura […]. “En el Teatro Mariinsky hay sólo dos salas de ballet y veinte restaurantes. Simplemente no hay donde bailar. ¿A dónde irán los bailarines cuando se cierre el teatro principal por reformas? A Vaganova [...] A pesar de todo, el ballet es el único que devuelve al 100% la inversión. Gergiev viene aquí sólo dos veces al año, y cuando se le habla de los problemas, no los cree.”

Alexei Ratmansky, desde Nueva York, publicó su sorpresa porque nadie haya reparado en “el despido ilegal y humillante de Altynai Asylmuratova. No había terminado su contrato, está ampliamente lejos de la retirada, y es amada y respetada. ¿Por qué entonces despedirla a mitad del año académico?.” __BD

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El Sodre al Bolshoi El Ballet Nacional Sodre de Uruguay, dirigido por Julio Bocca, estrena este mes Hamlet Ruso de Boris Eifman, y planean en la próxima temporada actuar en el Teatro Bolshoi de Moscú La compañía se presentará del 5 al 17 de diciembre en el Auditorio Adela Reta de la capital oriental, para cerrar la temporada 2013. Hamlet Ruso se estrenó en 1999 el Teatro Mariinsky de San Petersburgo (y al año siguiente en el Bolshoi ) y para la puesta uruguaya viajaron desde San Petersburgo Elena Kuzmina y Sergei Zimin para su reposición, quienes además actuarán junto a Ivan Zaitcev en las dos primeras funciones.

La obra está ambientada a mediados del siglo XVIII, y fusiona la historia real del Zar Pedro III, Catalina La Grande (su mujer) y Pablo (su hijo) con el libro de Hamlet de William Shakespeare, sobre música de Gustav Mahler y Ludwig Van Beethoven.

El otro bailarín invitado para este programa es el argentino Ariel Caramés. Mientras que del elenco local, María Noel Ricetto (primera bailarina de la compañía) será la zarina, y Ciro Tamayo, Guillermo González y Damián Torio alternarán en el rol de Pablo. Francisco Carámbula, por su parte, encarnará al favorito de Catalina, en la última obra de su carrera, ya que se retira para dedicarse a la arquitectura.

Julio Bocca explicó en rueda de prensa que si bien la coreografía “tiene una base clásica, es totalmente descontracturada” como una mezcla entre William Forsythe y Kenneth MacMillan, aseguró.

Por otra parte, se hicieron algunos anuncios sobre la temporada 2014, que volverá a marcar la historia del ballet uruguayo (este año el hito fue la presentación en el Teatro Colón) en el marco de una actividad promocional, junto al Instituto Nacional de Carnes (INAC), el Ballet del Sodre actuará en el Teatro Bolshoi de Moscú. Y también ese año recorrerán Chile, Tailandia, China, Israel y Corea del Sur, en sus giras internacionales. En cuanto a las ya habituales tournées nacionales, las del año entrante serán de menor envergadura que las planificadas para 2015 (80º aniversario del Ballet).

Las obras programadas para la próxima temporada son El Corsario, El Mesías y Don Quijote (con nuevas producciones de escenografía y vestuario realizados en los talleres del Sodre) y La Bayadera. __BD

Ensayo de Hamlet Ruso en el Sodre de Montevideo

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Córdoba Del 10 al 30 de noviembre, se realizó la vigésima edición del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba El evento de carácter trienal, nació en 1956 promovido hasta hoy, por el Ayuntamiento de Córdoba, con el deseo de rescatar el cante con la pureza tradicional del viejo Cante Jondo y de preservar aquel certamen celebrado en Granada en 1922, impulsado por Manuel de Falla y Federico García Lorca.

Desde entonces ha contribuido a dignificar la consideración artística y profesional del flamenco y de sus intérpretes, en un rico y exhaustivo panorama de las diversas manifestaciones artísticas del género. De valor documental, ha hecho posible registrar el estado y la evolución del cante, del baile y del toque.

De la importancia del Concurso Nacional de Córdoba, da cuenta la revelación de jóvenes valores, al proyectar a figuras emergentes y al consagrar a los grandes artistas, siendo hoy uno de los principales referentes de los certámenes flamencos, y el único que puede dar el título de Premio Nacional. El jurado de esta edición especial contó con la presidencia de Juan Miguel Moreno

Calderón (Teniente de Alcalde de Cultura y Presidente del IMAE) y la vicepresidencia de Marcelino Ferrero Márquez. En baile seleccionaron a los candidatos José Antonio Ruiz (José Antonio), Mercedes Rodríguez Gamero (Merche Esmeralda) y Francisco Javier Álvarez Rico (Javier Barón).

Además de la competición, se desarrollaron exposiciones fotográficas, espectáculos profesionales y el ciclo Matinales Flamencas 2013.

Los premiados de esta edición fueron (en materia de baile) Mercedes de Córdoba (primer premio y diez mil euros), Jesús Carmona (segundo premio y cuatro mil euros), Ana-Calí y Emilio Ramírez El Duende (finalistas, diploma y dos mil euros cada uno).

Con el objetivo de promocionarlos, se estableció un convenio con la Diputación de Córdoba para concertar cinco actuaciones en la provincia, para todos los artistas ganadores. __BD Jurado de la 20º edición del Concurso Nacional

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Galardón Mayor Isabel Bayón y Marcos Morau, Premios Nacionales de Danza 2013 La bailaora sevillana Isabel Bayón (interpretación) y el coreógrafo valenciano Marcos Morau (creación), fueron los acreedores de este año del Premio Nacional de Danza que concede anualmente el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte del gobierno español, dotados con treinta mil euros cada uno.

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El dictamen del jurado señaló que el premio para Isabel Bayón responde a “la calidad y pureza de su baile, y la puesta en valor del flamenco de raíz, junto con su valentía para interpretar los lenguajes más arriesgados del flamenco actual, ampliando constantemente sus registros habituales”.

En el caso de Morau, el jurado premió “su capacidad de acuñar con la compañía La Veronal un sello coreográfico propio que, con sus distintos trabajos inspirados en diferentes geografías humanas, definen un proyecto reconocido ya internacionalmente”. La Veronal es un colectivo multidisciplinario caracterizado por la búsqueda de nuevos soportes expresivos, cuyas creaciones han triunfado en certámenes nacionales e internacionales como Hannover, Copenhague y Madrid. __BD

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La Fuerza Creativa del Flamenco Del 21 de febrero al 8 de marzo se realizará la 28º edición del Festival de Jerez, signada por la fuerza creativa del flamenco La alcaldesa María José García Pelayo destacó que el “motor principal de la programación” de 2014, es “la creación” pues incluye estrenos y presentaciones de discos en más de 40 espectáculos que ofrecerá en sus diferentes ciclos. García Pelayo que es a su vez presidenta de la Fundación Teatro Villamarta, entidad organizadora del evento, presentó la nueva edición en rueda de prensa, junto a Antonio Montero (concejal del Plan Especial de Promociones Culturales), Cristina Saucedo (delegada territorial de Educación, Cultura y Deporte de la Administración autonómica) e Isamay Benavente (directora del certamen; así como representantes de organismos y empresas colaboradoras).

“El Festival de Jerez es un evento internacional y plenamente consolidado”, dijo la alcaldesa, basado “en una de nuestras señas de identidad, el flamenco, por la que Jerez es conocida en el mundo”. A la vez, anunció que el Congreso de los Diputados ha solicitado por unanimidad la declaración del Día del Flamenco, al 16 de noviembre.

Otras notas distintivas del encuentro que se avecina, son “la ausencia de fronteras” (con la presencia de “un flamenco japonés como el señor Kojima”), “los reconocimientos contrastados de los artistas” y “el empuje” de los artistas locales, continuó García Pelayo, además de destacar el hecho de que Ballet Flamenco de Andalucía

Belén Maya estrenará Los Invitados Fotos . Javier Fergo 70 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

“vuelva a tener el protagonismo que merece” en su nueva etapa con dirección de Rafaela Carrasco, que presentará en Jerez 1922 Concurso de Cante Jondo.

Además de Fatum! de Kojima y Latorre Ballet Flamenco que inaugurará el festival, se estrenarán seis espectáculos en el escenario principal: Los Invitados de Belén Maya, El Baile Canta de Domingo Ortega, Pisada de Olga Pericet, Órdago de lo Grande de Andrés Peña, Nómada de Manuel Liñán y Cositas Mías de Joaquín Grilo. Presentarán sus discos David Lagos, Antonio Rey y Paco Serrano.

Actuarán los artistas locales, Carmen Herrera, Felipa del Moreno, Ana de los Reyes, Andrés de Jerez y Manuel de la Fragua. “Ojalá contribuyamos a impulsar sus respectivas carreras y que sus propuestas tengan la mayor difusión”, indicó.

El Festival de Jerez ofrece una amplia diversidad de perspectivas, representadas por la forma de expresión de cada uno de los artistas que se presenta, la programación se completa con lo mejor del género: Eva Yerbabuena llevará su obra Ay!, Antonio Canales, Carlos Rodríguez, Karime Amaya y Jesús Carmona integran la Gala Flamenca bajo la dirección de Ángel Rojas, junto a Marco Flores, Alicia Márquez, Ramón Martínez y Ángel Muñoz. La guitarra estará presente con el sexteto liderado por Tomatito, que estará acompañado por la bailaora Paloma Fantova.

En la Sala Compañía se mostrará el ciclo Solos en Compañía con la actuación de Carlos Carbonell, Alberto Sellés, Daniel Doña, Sara Calero, David Coria y Alfonso Losa y en el ciclo Solos en Compañía Muy Flamencos Soraya Clavijo, Lidón Patiño y Carmen Herrera.

El Palacio Villavicencio será sede para el cante y el ciclo Conciertos de Palacio, en la Sala Paúl tendrá lugar la serie De la Frontera con propuestas musicales más vanguardistas y la guitarra contará con las propuestas Toca Toque y Jóvenes Talentos.

Por otro lado, habrá 43 cursos y talleres de enseñanza, cuyas vacantes ya se encontraban cubiertas en un ochenta por ciento cuando esta revista ingresaba a imprenta. Las peñas de Jerez continuarán como en años anteriores durante la noche y las actividades complementarias incluyen conferencias y coloquios en Las Tertulias de la Bodega. __BD

balletin informativo AUDICIONES DEL EXTERIOR Alemania. El Theater Regensburg Tanz dirigido por Yuki Mori seleccionará bailarines para su temporada 2014/15 con excelentes técnicas clásica y contemporánea y alto nivel interpretativo. La audición será únicamente por invitación el 12 de enero de 2014, y los interesados en participar deben enviar Cv con foto de cuerpo entero (de danza) y retrato, al mail: tanz@theaterregensburg.de.

Alemania. Stage Entertainment seleccionará bailarines con sólida técnicas clásica y contemporánea para su producción de El Rey León (de Disney) que se montará en Hamburgo. Correrán con ventaja quienes además canten y posean conocimientos acrobáticos. Las audiciones comenzarán en enero de 2014, y las instancias finales serán en febrero. Los ensayos serán en mayo y el contrato correrá hasta octubre de 2015. Los interesados deben enviar sus postulaciones únicamente en formato pdf que incluya un Cv, con foto, antes del 14 de diciembre, a: Tanja Maria Boyd, Casting Associate castingderkoenigderloewen@stage-entertainment.de.

Alemania. El Staatstheater Nürnberg Ballett dirigido por Goyo Montero seleccionará bailarinas solistas para su próxima temporada, el 8 de febrero de 2014, en su sede. Las interesadas en participar deberán contar con un excelente nivel en técnica clásica y experiencia en danza contemporánea. Para registrarse se debe enviar Cv, fotos de danza y retrato, al mail: ballett@staatstheater.nuernberg.de, antes del 27 de enero de 2014.

Alemania. El Ballett Magdeburg dirigido por Gonzalo Galguera, seleccionará bailarinas para su próxima temporada 2014/2015, con excelente técnica clásica para solista y cuerpo de baile. El trabajo de la compañía está basado en un estilo (neo)clásico con cercanía a la danza contemporánea. La audición (solamente por invitación) se realizará el 26 de enero y quienes deseen participar deberán registrarse enviando un Cv impreso con dos fotos, a: Martina Soltschik, Theater Magdeburg, Universitätsplatz 9, 39104 Magdeburg, o por e-mail: martina.soltschik@theater.magdeburg.de, antes del 16 de enero de 2014.

Alemania. El Staatstheater Tanz Braunschweig dirigido por Jan Pusch seleccionará bailarines para la temporada 2014/2015, con excelente técnica contemporánea, buena base de danza clásica, facilidad ac-

toral y experiencia profesional escénica. Los interesados en ser invitados para audicionar deben enviar Cv, con una foto de rostro y link a videos en internet, a: audition@staatstheater-braunschweig.de, antes del 15 de diciembre de 2013.

Alemania. El Tanz Theater Münster dirigido por Hans Henning, busca bailarines para su temporada 2014/2015, con sólidas técnicas clásica y contemporánea, y experiencia escénica. La audición se realizará el 9 de febrero de 2014, en la sede del ballet Münster. Para participar deberán enviar Cv con fotos a: tanztheater@stadt-muenster.de.

Alemania. La nueva compañía de danza contemporánea de la Staatstheater Mainz, Tanzmainz, dirigida por Honne Dohrmann, requiere bailarinas con sólida formación en danza clásica, y especialmente en técnicas de danza contemporánea, con manejo de improvisaciones y experiencia profesional. La audición (solamente por invitación) se realizará los días 4 y 5 de enero de 2014, en Oldenburg. Las interesadas deben enviar Cv y dos fotos (como máximo) a Lisa Besser: tanzmainz@gmail.com, antes del 15 de diciembre.

Alemania. El Leipziger Ballett dirigido por Mario Schröder busca bailarines para su próxima temporada 2014/2015 con sólidas técnicas clásica y contemporánea. La inscripción se realiza on-line, http://operleipzig.de/leipziger-ballett/audition/. La audición tendrá lugar el 26 de enero de 2014, en su sede: Oper Leipzig, Augustusplatz 12, 04109 Leipzig.

Alemania. El Ballett de la Staatsoper Hannover seleccionará bailarines para su próxima temporada, con sólidas técnicas clásica y moderna.

Solamente se podrá audicionar con invitación, los interesados deben enviar Cv con foto a: auditionballett@staatstheater-hannover.de.

China. El Hong Kong Ballet dirigido por Madeleine Onne seleccionará bailarines (cuerpo de baile, solistas y principals) de sólidas técnicas clásica y contemporánea de cualquier nacionalidad y raza. Se ofrece contrato de doce meses a partir de julio de 2014. Para mayores informes visitar su sitio web: www.hkballet.com.

España. Victor Ullate Ballet de la Comunidad de Madrid seleccionará solistas, mayores de 20 años, el 11 de enero de 2014 en los Teatros del Canal. Los interesados en participar deben enviar Cv, con links a videos y fotos, a: info@victorullateballet.com.

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balletin informativo Estados Unidos. El Boston Ballet que dirige Mikko Nissinen tomará audiciones para incorporar bailarines al elenco y al Boston Ballet II, el 2 de febrero de 2014 en su sede, y el 4 de febrero en Nueva York. Los interesados en participar deben registrarse on-line: www.bostonballet.org/audition.

la solicitud por e-mail, a: audition@cullbergbaletten.se, antes del 31 de diciembre.

Estados Unidos. El Ajkun Ballet Theatre realizará audiciones en Londres (22 de febrero de 2014), Milán (1º de marzo) y Nueva York donde tiene su sede (1º de marzo), entre otras ciudades. Se ofrecen contratos a tiempo completo (48 semanas al año) o parciales (23 a 26 semanas anuales), desde los 14 años (aprendiz de verano) o desde los 16 (artista de la compañía). También se puede audicionar a través de DVD. Informes completos en su sitio de internet: www.ajkunbt.org.

Ciudanza 2014. 7º edición. Del 14 al 16 de marzo de 2014.Encuentro de Danza en Paisajes Urbanos de Buenos Aires, integrante de la red internacional de festivales Ciudades que Danzan. Dirección: Brenda Angiel. Organiza: Festivales del gobierno de la ciudad de Buenos Aires.

Podrán presentarse coreógrafos y bailarines con proyectos destinados a interpretarse en la Plaza del Vaticano de noche (Obelisco), en Costanera Sur de día, o en el Parque Los Andes de día que produzcan un cambio significativo en el modo de generar acciones creadoras de valor en el patrimonio paisajístico y arquitectónico de nuestra ciudad. Los artistas seleccionados recibirán a modo de cachet un monto que oscila entre los $ 3.400 y los $ 12.000 de acuerdo a la cantidad de bailarines. Inscripción hasta el 20 de diciembre en Av. de Mayo 575, Oficina 301 de Gestión Cultural. Informes: ciudanza@festivales.gob.ar.

Holanda. El Scapino Ballet Rotterdam incorporará a sus filas, a bailarines con excelente técnica clásica y contemporánea, de personalidad creativa dispuestos a intervenir en el proceso de creación de las coreografías. La audición se realizará el 25 de enero. Para mayores informes visitar su página en internet: www.scapinoballet.nl.

Holanda. El Ballet Nacional de Holanda dirigido por Ted Brandsen tomará audiciones para incorporar bailarines a su Junior Company el 18 de enero de 2014, en el Het Muziektheater Amsterdam. Podrán participar jóvenes graduados este año (o el año anterior) con sólido entrenamiento clásico, las mujeres de una estatura mínima de 1.65 m y los varones de 1.80 m. La inscripción se realiza on-line, desde la página de la compañía: www.het-ballet.nl/audition, antes del 15 de diciembre de 2013.

Noruega. La compañía Carte Blanche realizará audiciones para contratar a nuevos bailarines para su temporada 2014/15, los días 1º y 2 de febrero de 2014, en su sede del Studio Bergen, Nøstegaten 119, Bergen. Los interesados en participar deben enviar su Cv con fotos a: audition@ncb.no.

Reino Unido. El Northern Ballet que dirige David Nixon seleccionará bailarines con sólida técnica clásica, fuertes puntas para mujeres, habilidad para el trabajo de partenaire y fuerza, además deberán ser creativos e imaginativos. La audición será cerrada, y podrán asistir solamente quienes hayan sido invitados. Los interesados en participar deben enviar sus solicitudes antes del 9 de febrero de 2014, con un Cv, que incluya altura y peso, fecha de nacimiento y nacionalidad, foto actual de ballet de cuerpo entero y un link a un video (o DVD) de una clase de danza clásica en puntas, con malla de danza, en la que se vean saltos, adagio, piruettes y coda, al e-mail: diane.tabern@northernballet.com o por correo a David Nixon OBE, Northern Ballet, Quarry Hill, Leeds LS2 7PA, antes del 15 de enero de 2014.

Suecia. El Skånes Dansteater de Malmö busca bailarines con sólida técnica de danza contemporánea y buena base de entrenamiento en danza clásica. Para participar de la audición que se realizará los días 25 y 26 de enero de 2014, los interesados deben enviar Cv con foto, antes del 15 de diciembre a: audition@skanesdansteater.se.

Suecia. El Cullberg Ballet de Estocolmo, busca bailarines de danza contemporánea que posean una fuerte práctica en improvisación.

La audición se realizará los días 8 y 9 de febrero de 2014, en su sede, y solamente podrán participar quienes hayan sido invitados. Enviar 72 / BALLETIN DANCE // DICIEMBRE 2013

ENCUENTROS Y FESTIVALES

Cuba. Habana Vieja, Ciudad en Movimiento. Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos. 19º edición. Organiza: Danza Teatro Retazos y la Oficina del Historiador de la ciudad de La Habana. Del 9 al 13 de abril de 2014. Intercambio de ideas y experiencias artísticas entre individuos y compañías de todo el mundo. Encuentros, exposiciones, conferencias, proyección de video-danza, pasacalles, intervenciones, clases magistrales, espectáculos y talleres. Podrán presentarse obras de hasta 15 minutos de duración, que deberán enviarse junto a una sinopsis y reseña de trabajo del artista y/o compañía. Informes: Las Carolinas, sede de la compañía Danza-Teatro Retazos, Amargura # 61 e/ Mercaderes y San Ignacio, Habana Vieja, Ciudad de La Habana, Cuba. Tel/fax: (00 537) 204-9986, E-mail: lascarolinas@cubarte.cult.cu.

Chile. Naturalmente Urbano. Festival Internacional de Danza y Teatro en Pequeño Formato. 5º edición. Enero 2014. Espacios no convencionales, en escenarios naturales, la cuidad de Iquique se verá intervenida por artistas con obras que permitan escasez de recursos técnicos y escenográficos en el desarrollo de sus montajes y un carácter minimalista en el número de intérpretes y en el uso de espacios. Informes: pequenoformatoiquique@gmail.com, dazatarapaca@gmail.com.

Bolivia. Festival Internacional de Teatro y Danza Fintdaz. 8º edición.

Organiza: Compañía de Teatro Antifaz. Del 14 al 23 de noviembre de 2014. Podrán postularse agrupaciones de teatro y danza, de nivel profesional y comprobada trayectoria, sin importar su naturaleza, etnia o idioma. Cierre de inscripción: 30 de diciembre de 2013.

Informes: http://bit.ly/17gX72p.

CONCURSOS Bienal Kosice. 3º edición. Organiza: Espacio de Arte Multidisciplinario y Productora Cultural Objeto a. Septiembre de 2014, Centro Cultural Borges. Bajo el nombre “Utopias Kosiceanas” se establecen como ejes rectores los conceptos fundacionales “invención-creación” y el “pensamiento porvenirista” que caracteriza la trayectoria de Gyula Kosice.

Podrán presentarse artistas latinoamericanos, mayores de 18 años, en forma individual o colectiva, con proyectos artísticos que trabajen en

balletin informativo la confluencia de arte, ciencia y tecnología, teniendo como principal fuente de inspiración la obra del artista. El proyecto ganador recibirá $ 30.000 para su realización y exhibición, mientras que el segundo premio contará con $ 10.000. Inscripción hasta el 15 de marzo de 2014, en Niceto Vega 5181 (1414) Buenos Aires, Argentina, E-mail: bienalkosice@ objeto-a.com.ar. Informes: www.bienalkosice.com.

FINANCIAMIENTO El Centro Cultural del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) lanzó la convocatoria para proyectos culturales 2014, destinada a emprendedores culturales y artísticos (instituciones artísticas y culturales de la sociedad civil), con el fin de financiar parcialmente proyectos de desarrollo cultural en la región. Las solicitudes de financiamiento a las que podrán acceder instituciones de los 26 países miembros prestatarios del BID en América Latina y el Caribe, deberán enviarse a través de la nueva plataforma electrónica, antes del 28 de febrero de 2014. De esta manera se acelerará y facilitará el proceso de solicitud. Los subsidios oscilan entre tres y siete mil dólares estadounidenses y están destinados a proyectos educativos siguiendo el modelo de formador de formadores, se tiene en cuenta el uso efectivo de recursos, la capacidad de movilizar recursos financieros adicionales y su impacto a largo plazo en la comunidad. Informes: http://idbdocs.iadb.org/wsdocs/getdocument.aspx?docnum=38233741.

INSCRIPCIONES Escuela de Danza Aída V. Mastrazzi, del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Inscripción para el ciclo lectivo 2014, para las carreras de Intérprete en danza clásica y contemporánea; e Intérprete en danzas folklóricas argentinas y tango. Turnos mañana y tarde, con la posibilidad de cursar el bachillerato en el mismo establecimiento. Títulos oficiales.

Enseñanza gratuita. También se ofrecen cursos de pre iniciación a la danza y cursos vocacionales en distintos barrios de la ciudad, para niños, adolescentes y adultos. Informes: Esmeralda 285, Tel: 4326-2942, E-mail: mastrazzi@yahoo.com.ar.

RESIDENCIAS España. Programa Artistas en Residencia. Organiza: La Casa Encendida y el Centro de Arte 2 de Mayo. Para apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo, se ofrece a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas. La duración máxima de cada residencia será de ocho semanas en las instalaciones de LCE y del CA2M. Se seleccionarán ocho residencias al año, y los artistas seleccionados recibirán un monto de € 2.000 (dos mil euros) por cada período, en concepto de honorarios. Inscripciones on-line, en www.lacasaencendida.es, o en www.ca2m.org. Se deberá adjuntar un currículum (de tres páginas como máximo) y el proyecto a desarrollar (de tres páginas como máximo). Cierre de inscripción: 16 de diciembre de 2013. Informes: casaencendida@cajamadrid.es.

VENTA Se vende estudio de danza en funcionamiento, en la zona de Pilar del Gran Buenos Aires, a metros de Panamericana. Local alquilado, habilitado, coqueto y en excelente estado, con dos salones totalmente equipados y acondicionados, otro más pequeño, vestidor y una amplia recepción. Posibilidad de recontratación de staff de profesores, alumnado activo y base de datos, a $ 75.000. Informes: 15 5042-5703, e-mail: karinresi@hotmail.com.

BÚSQUEDA DE PERIODISTA Holanda. La revista Dance Europe busca corresponsal con sede en Amsterdam para escribir crónicas de la ciudad. Los interesados deben tener sólidos conocimientos de ballet, preferentemente ex bailarines profesionales. Los interesados en postularse deben enviar su Cv con un modelo de crítica escrita, de un espectáculo reciente de un máximo de 250 palabras, a: edit@danceeurope.net.

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DICIEMBRE 2013 // BALLETIN DANCE / 73

balletin informativo ¿DÓNDE CONSIGO BALLETIN DANCE? En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, BALLETIN DANCE es de distribución gratuita. La conseguís en los locales de venta de artículos de danza y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4º piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs.

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