BALLETIN DANCE 235 by Balletin Dance

L A R E V I STA A RG E N T I N A D E DA N Z A

FIDIC 4° EDICION Contemporáneos en acción MARCIA HAYDEE Un halo de misticismo ISSN 1850-6275 . Año 21 . Nº 235 . Septiembre 2014 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

MAXIMILIANO GUERRA Arte infantil paraDANCE todos SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN /1

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20 AÑOS 6 2002 NOTA DE TAPA 12 Contemporáneos en acción ACTUALIDAD 18 Amor en Muchas Direcciones 20 Nueva Carrera Universitaria 49 Vuelve Mayumaná Lowland de Roser Lopez Foto: Alfred Mauve

DANZA ÁRABE 22 Ciclo de Danza, Cine y Debate FLAMENCO 24 En Busca de una Identidad Nacional TEATRO MUSICAL 26 Inquieto por Naturaleza

Sumario 235

ENTREVISTAS 32 Los Mojones De la Vida 38 Maximiliano Guerra y el Arte Infantil

IN MEMORIAM 54 ¡Qué Hermoso Sueño Soñé! 57 Iris Scaccheri 58 Elsa Agras 71 Olga Ferri

STAFF

COMENTARIOS 40 De Lo Bueno, Lo Mejor 44 Los Minutos que Preceden al Sueño 50 La Intimidad del Tango 60 Minutos de Estrellas 64 Romántica de Despedida

Diego Llumá Martín Goyburu

BALLETIN DANCE 52 Juntos de Gira 56 Académicos ARGENTINOS EN... 68 Japón. Musicales Gauchos 69 Italia. Danzaterapia en la Pantalla Grande INTERNACIONALES 70 Cuba. “El” Encuentro del Ballet CARTELERA 31/46/67 Espectáculos de la cartelera porteña

Agustina Llumá editores asociados

colaboran en este número Nahuel Aguirre Aurelia Chillemi Eliana Gissara Juan Cruz Guillén Noelia Leiva Laura Lifschitz Pilar Sagasta Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García

BALLETIN INFORMATIVO 72/73/74 Audiciones, becas, convocatorias, concursos y festivales, residencias, venta de estudio, puntos de venta

Septiembre 2014 - Año 21 - Nº 235

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5158544. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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editora general

jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275

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2002

20Años

Estamos celebrando el 20º aniversario de Balletin Dance, un hito en la historia de una revista especializada en danza en la República Argentina. Una vida. Por ello realizamos una revisión histórica, que extracta sintéticamente algunos acontecimientos que pasaron por nuestras páginas en las últimas dos décadas. Cada vez más cercanos, serán cada vez más breves. No queremos dejar de agradecer, al revivir algunas anécdotas, a todos aquellos que nos acompañaron en este recorrido, en todas las áreas que componen a esta empresa, y por supuesto a los auspiciantes, porque ha sido su apoyo incondicional el que ha permitido esta extensa continuidad. Esperamos que disfruten de cada uno de los capítulos tanto como nosotros lo hemos hecho al crearlo y ahora al reeditarlo. En septiembre: el hostil año 2002.

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Balletin Dance transitaba su noveno año de vida en 2002. Una época nefasta para la vida de los argentinos, que también nos tocó de cerca, aunque no logró hundirnos. Nos quedamos con varios Patacones, Lecop y cheques sin fondo con los que nos habían pagado servicios que nunca cobramos. Las papeleras aumentaron sus precios de la noche a la mañana en un cuatrocientos por ciento y solamente entregaban su mercadería con el efectivo “por adelantado”, esta fue una de las razones por las cuales desde octubre la revista cambió su formato ganando unos centímetros más de largo. El caos reinaba en todo sentido en la Argentina, pero la danza de los que no emigraron, continuaba sumamente activa. Y Balletin Dance lo reflejó en cada una de sus ediciones. A la revista impresa se habían sumado ya varios emprendimientos satélites, que incluían una -cada vez más completa- página de internet, una revista especializada en teatro Off & On, cantidad de invitaciones como “medio especializado” para participar en jurados de selección, y para cubrir eventos y espectáculos en nuestras provincias, pero también en Europa y en el resto de América, de instituciones que confiaban en nuestro quehacer. Apoyamos y acompañamos actividades privadas que revalorizaban la danza nacional, y en abril fundamos el primer programa radial en Radio Nacional dedicado exclusivamente a difundir nuestro sector: Danza al Aire. Con emisiones los sábados desde el Auditorio de esa institución, y asistencia de público, que fue producido por Patricia Brañeiro y Balletin Dance, con conducción de Guillermo Chaves y la participación especial de Koki y Pajarín Saavedra. La editorial por nuestro 7º aniversario, en abril, señalaba: “Años atrás escribimos que había que preguntar al arte por las soluciones colectivas. Y no nos equivocamos. Sólo una mentalidad creativa puede recuperarnos del abismo”… “Pasarán las tormentas, porque pasan siempre”, decíamos en el año 2002. “… el rol del arte es fundamental antes que suntuoso, para la salud de las personas y las sociedades”. Sobre fin de ese año asegurábamos que era difícil hacer el balance anual, “de hacerlo, debería ser un entra-

Plata (con codirección de Mario Galizzi) donde repuso tres obras fundamentales de su repertorio: Adagietto, Magnifact y Rapsodia mientras que Mauricio Wainrot estrenaba Las Ocho Estaciones en el Luna Park, y el Ballet del San Martín que dirigía (y dirige) estrenaba La Escuela Holandesa. El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Marta García, reponía la inolvidable Notre Dame de París de Roland Petit, se ofrecía un programa mixto con obras de tres coreógrafos argentinos: Lastra, Stekelman y Trunsky, y Margarita Pollini lanzaba su divertido libro Palco, Cazuela y Paraíso, Las Historias más Insólitas del Teatro Colón. Dos bailarinas de la compañía tuvieron tapa ese año en Balletin Dance: Gabriela Alberti por su inolvi-

dable actuación en El Lago de los Cisnes y Karina Olmedo que posaba con su primer bebé en el estudio de Alicia Sanguinetti antes de estrenar La Bella Durmiente. El año en que Esmeralda Agoglia fue nombrada ciudadana ilustre, Iñaki Urlezaga protagonizaba la Giselle de Lidia Segni y El Lago de los Cisnes en el Argentino, además de conversar con esta revista sobre los inicios del Ballet Concierto con una sesión de fotos frente a la Catedral de La Plata. Ese año también nos dejaron Clotilde Cassaretto, Eduardo Díaz Thevenon, Helda Seró, Mario Giromini Droz, Luisa Grinberg y Vicente Nebrada.

20Años

2002

mado complejo, absurdo por momentos, de hitos económicos, artísticos y políticos humanísimos”. Nos interesaba descubrir que la relación de Balletin Dance con los artistas y los auspiciantes, tenía un fondo de empatía ética. De valores profundos compartidos, por sobre el mero interés contractual. Algunos productores se arriesgaron en 2002 a crear nuevos espectáculos coreográficos, otros se dedicaron a campos fuera del mundo del espectáculo, algunos quebraron, y otros se fueron igual que los artistas, a la Madre Tierra. España, que rechazaba argentinos en el mismo aeropuerto y los enviaba de regreso como si fuéramos portadores de alguna enfermedad contagiosa mortal. Así, se estrenaba Tanguera, con Mora Godoy y María Nieves en el Teatro El Nacional, excusa perfecta para conversar una vez más con la genial María Nieves; y se estrenaba El Violinista Sobre el Tejado con coreografía de Elizabeth de Chapeaurouge protagonizada por Pepe Soriano. El Museo Nacional de Bellas Artes homenajeaba a Annemarie Heinrich el mismo año en que nos dejaba Otto Werberg, a quien ofrecimos un homenaje. Ana María Stekelman celebraba diez años de Tangokinesis, Oscar Araiz estrenaba La Cabalgata Argentina en el Presidente Alvear, Orestes en el Werld Muziek Theater Festival de Holanda cuando era director del Ballet del Teatro Argentino de la

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En el transcurso de estos 20 años el equipo de Balletin Dance se integró por muchísimas personas que colaboraron en las diferentes áreas que hacen posible este múltiple engranaje. Muchos permanecieron con nosotros durante varios años y han sido mencionados en las entregas anteriores. En este difícil 2002 se sumaron Federico Llumá, Jenny March y Mariana Goyburu. Y desde el exterior comenzamos a recibir artículos firmados por Cecilia Scalisi, Rosito Di Carmine, Luciana Jatuf y Karina Frangini.

COLABORADORES

20Años

2002 8 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

A fines de 2002, terminaba la primera edición de la beca Un Año en Buenos Aires que habíamos fundado y de la que pronto nos apartaríamos, y conversamos con los primeros becarios: Mercedes Apugliesse y Germán Marina. Detallamos los primeros subsidios otorgados por el Instituto Prodanza, debutaba la Compañía de Danza Contemporánea del IUNA dirigida por Diana Theocharidis, el mismo año en que María Fux celebraba sus 80 años de vida en danza en el Centro Cultural Recoleta. Entrevistamos a Norma Binaghi al cumplirse el 25º aniversario del Taller del San Martín y Jorge Fama inauguraba su exposición de fotografías Intemporalidades: Donn, Nureyev y Piquín. Los ciclos de flamenco y de danza contemporánea continuaron durante ese año en varias sedes de la ciudad. Sibila presentaba Azabache y Luna, Marisa Cura estrenaba Flamenco Vivo, Alicia Fuiri y Néstor Spada se iban de gira a Japón mientras que Marcela Suez estrenaba Cante Jondo. Cecilia Gesualdo organizaba el Encuentro Danza Infanto Juvenil, una plataforma de lanzamiento para nuevos talentos cuando Danzave de Lía Furiasse celebraba sus diez años y estrenaba Caperucita Roja en La Plata. “La Danza Como Juego y Comunicación de Cerebro a Corazón” una extensa entrevista a Noemí Coelho y Rodolfo Olguín adelantaba su nueva creación, mientras que Alejandra Radano, Alejandra Perlusky y Diego Bros estrenaban Canciones Degeneradas en la librería Gandhi; Ricky Pashkus y Chet Walker creaban la Compañía Internacional de Comedia Musical y Silvia Briem Stamm estrenaba 5 Solos y Un Grupal. Las páginas de Balletin Dance de ese año también incluyeron investigaciones históricas y homenajes, y cantidad de reportajes, de ellos mencionaremos en este recordatorio a unos pocos: Valeria Lynch, Anastasia Maximova, Mahmud Reda, Ton Simons, Emilio Martins, Joaquín Sabaté. Entrevistamos por última vez a Norma y Nydia Viola por la gira que el Ballet Folklórico Nacional realizó por Francia, Suiza y España. Y compartíamos una ge-

nial entrevista a Antonio Gades que hablaba sobre la vida y la muerte. Violeta Janeiro dirigía el Ballet del Sur en Bahía Blanca, Beatriz Schraiber celebraba sus bodas de plata con la danza en Mar del Plata, y viajábamos para cubrir nuevamente los festivales Danzamerica y el Gran Latinoamericano de Danza en Córdoba. Como siguiendo la tendencia anterior, muchos artistas argentinos partieron ese año, pero el éxodo fue mucho más cruel, algunos volvieron en esta última década, otros no. Luciana Croatto era la nueva elegida de Maurice Béjart (quien creaba para ella la Compañía M y la obra Madre Teresa y los Niños del Mundo protagonizada por Marcia Haydée), Joaquín Crespo era el premio revelación en el Concurso Arabesque 2002 de la ciudad de Pern, Rusia y medalla de plata en Prague International Ballet Competition. Silvana Cardell partía a Estados Unidos con una beca de tres años. Francisco Lorenzo dejaba la Argentina para unirse a la compañía de Víctor Ullate en España. Osvaldo Ventriglia continuaba radicado en Berlín desde hacía más de una década. Marianela Nuñez era nombrada Primera Bailarina del Royal Ballet de Londres el mismo año en que Ross Stretton renunciaba a la dirección del elenco. Teresa Marcaida se iba a la Juilliard, María Luciana Ravizzi al Scottish

Ballet de la Universidad UniNorte. Gloria Castro refundaba su compañía de ballet con alumnos de la escuela Incolballet, en Cali, Colombia. En Cuba, Alicia Alonso celebraba los 70 años de su debut escénico. Cubrimos ese año, con enviados especiales, el Festival de Miami (Estados Unidos) acompañando a la delegación argentina integrada por Raquel Rossetti, Silvina Perillo y Alejandro Parente, el Holand Dance Festival (Holanda), el Encuentro Interamericano de Danza en Punta del Este (Uruguay), el 30º aniversario del Prix de Lausanne (Suiza), el Festival de Avignon

(Francia), y el bianual Festival Internacional de Ballet de La Habana (Cuba), con una nueva entrevista exclusiva a Alicia Alonso y fragmentos del discurso inaugural del Comandante en Jefe Fidel Castro. La corresponsalía europea de Balletin Dance continuaba con sede en París, desde donde recibimos cuantiosos y valiosísimos informes, entre ellos dimos cuenta de la recuperación de numerosas esculturas de Auguste Rodin para engrosar el patrimonio del Museo Rodin de París, con cantidad de diseños inspirados en bailarinas. La Opera de París visitaba Brasil, donde cubrimos sus presentaciones. La temporada de ese año incluía quince programas en esa temporada. La nueva estrella nombrada era Laetitia Pujol y Aurelie Dupont obtenía el Premio Benois de la Danse a la mejor bailarina. Baryshnikov anunciaba su retiro de la escena (con el ballet clásico) en París, al presentar The Show (Achilees Heels) junto al travesti multimedia Richard Move, que ofrecieron en gira europea. “Un Siglo Para una Leyenda Viva”: Leni Riefensthal cumplía cien años y estrenaba su último film Imágenes de Vida Submarina.

Balletin Dance, fue desde sus orígenes, en abril de 1994, una publicación mensual de distribución gratuita. Se sustenta gracias al apoyo incondicional de maestros, escuelas y empresas del medio que año a año van sumándose a estas páginas con el doble fin de reconocer nuestra tarea y de promocionar sus actividades. Hemos mencionado en cada una de estas entregas, a quienes se iban incorporando como auspiciantes, y en 2002 ellos fueron: Teatro El Nacional, Producciones Diego Romay, Act & Art de Darío Petruzio, Daniel Miranda, Rosangela Silvestre, Zarabanda Danza, Cuerpomente, Andrea Lefevre, Gabriela Prado, Asociación Cocoa-Datei, Reeducación Postural Global, Encuentro Danza Terapia Egipcia, Escuela Anjali Danza Clásica de la India, Festival Interamericano de Danzas de Río Tercero, El Muererío, Soledad Bustamante, Instituto Argentino de la Danza de Olga Herrero, Radio Nacional, Estudio Danceworkers, Ana Hepner, Khmet, Caly BIelik, Koki y Pajarín Saavedra, Nahir Aram, Danza en Vuelo Santa Fe, Mimí Santapa, Por Ti Tango, Pablo Villarraza y Dana Frígoli, Adina, La Barca de Isis de Myrna Eva, Malvina Stragá, Arte2Mil Centro Cultural, Gladys Molina, Bottonificio, Escuela de Arte Graciela Carpintero, Hurlingdance, Marcelo Monsignori, Mónica Souto, Fundación Esteban Lisa, La Trastienda, Marcela Suez, Estudio Il Balletto, Conservatorio Carafi, Masaje Tradicional Tailandés, L’Thèâtre y Mina Mur.

AUSPICIANTES

20Años

2002

Ballet del Reino Unido, Anabella Lenzu se radicaba en Caserta Italia, y Valeria Garré con Jan Fabre en Colonia, Alemania. De los que viajaban sin expatriarse mencionaremos en este recordatorio a unos pocos: Roxana Grintein que llevaba a su grupo El Escote de gira a Islandia, Margarita Bali ganaba el Premio Onassis a la coreografía en Grecia, Alejandro Parente representaba a la Argentina en Viena junto a Simona Noja, Gustavo Zajac impartía clases por primera vez en la universidad Point Park College de Pittsburg, Estados Unidos. Ale y Ati Castro Videla en Nueva York desarrollaban una serie de actividades artísticas, cuando Locas Margaritas mostraban Kallfu Kalul en Barcelona. Mey-Ling Bisogno estrenaba Cras Test Club junto a las también argentinas Agostina D’Alessandro e Ivana Sparti en la Casa Argentina de París. Inés Sanguinetti y Gustavo Lesgart estrenaban Canalla en Berlín. Cisne Negro Compañía de Danza dirigida por Hulda Bittencourt cumplía sus bodas de plata, y Balletin Dance la entrevistaba en Nueva York. Gustavo Mollajoli, director del Ballet Municipal de Río de Janeiro hacía un “Balance Exitoso: Una Mirada de Reojo al País Vecino” y Débora Colker inauguraba el Festival de Joinville de aquel año con 4 x 4. En Paraguay se creaba el

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✪ “Los artistas estamos llamados en estos momentos a preservar la espiritualidad para darle a la gente el bálsamo de la esperanza y la lucha por la vida” Gloria Castro

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✪ “Cuando uno se enamora de su creación, pierde una buena perspectiva para evaluarla” Noemí Coelho Noemí Colho y Rodolfo Olguín

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✪ “Bailar es hermoso, y la danza es libertad. Pero el ballet exige reglas que tenemos que respetar para poder avanzar” Héctor Zaraspe (1)

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✪ “Mi padre me dejó una herencia maravillosa, que son dos normas: el que no es agradecido no es bien nacido, y en mi hambre mando yo” Antonio Gades (2) ✪ “Mientras en el mundo se escuchan los tambores de la guerra, o se dilapidan recursos para fabricar armas cada vez más sofisticadas y destructivas, en Cuba revolucionamos la educación para multiplicar los conocimientos de las nuevas generaciones (. . .) sin cultura no hay libertad posible” Fidel Castro ✪ “Las nuevas generaciones de bailarines están en la etapa del amor a la técnica y tienen que desarrollar más el amor al qué decir con la técnica” Alicia Alonso (3)

2002

✪ “La danza es una manera de ser-en-el-mundo. Los jóvenes bailarines deberían sentirla de manera esencial” Oscar Araiz

Karina Olmedo y Alejandro Parente Fotos . Alicia Sanguinetti

✪ “Bolshoi: impecable técnicamente. Hong Kong Ballet: profesionalmente. Municipal de Río de Janeiro: alegría contagiante. Juntas serían la producción perfecta! Emilio Martins

20Años

✪ “Siempre, siempre, en la vida hay una lucecita por la cual uno tiene que seguir peleando. Siempre. Y si no se la encuentra hay que buscarla, porque está” Karina Olmedo ✪ “Formar a alguien no es solamente pasarle información en cuanto a un lenguaje de movimientos, necesitamos poder trabajar con la persona, con su sensibilidad, con su ser, porque de ahí va a salir después el artista” Norma Binaghi ✪ “Los europeos no están acostumbrados a tener una danza tan varonil, no estás acostumbrados a ver la fuerza tan rústica, diríamos salvaje, de los nuestros, de las danzas argentinas” Norma Viola

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Negras Inquietudes de Marta Lantermo Foto . gentileza de la producci贸n 12 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Del 16 al 28 de septiembre, se realizarรก el Festival Internacional de Danza Independiente CoCoaDatei (FIDIC), organizado por Coreรณgrafos Contemporรกneos Asociados, Danza Teatro Independiente (CoCoa-Datei), en varias salas de la ciudad de

Contemporรกneos en Acciรณn Buenos Aires

Solos al Baile de Gabriela Prado Foto . Ana Carolina Naranjo Rojo SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 13

En su cuarta edición, el festival incluirá obras locales, regionales e internacionales, proyecciones de videodanza, espacios de reflexión “teórico-performáticos” y se dictarán talleres, en conjunto con el tercer Encuentro Iberoamericano (las mesas de trabajo contarán con participación de docentes del IUNA y se realizarán entrevistas instantáneas). La entrada será libre y gratuita en el setenta por ciento de sus actividades, que se desarrollarán simultáneamente en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (exEsma), el Centro Nacional de la Música y en el Teatro del Abasto, mientras que en las otras sedes las entradas rondarán los $ 80, con descuentos para estudiantes y jubilados. Desde el exterior llegarán a este festival la compañía Danza Común de Colombia dirigida por Bellaluz Gutiérrez de la Torre con Ni Manzanas, ni Peras, ni Caimitos, la Cia. Com Tato de Brasil ofrecerá Lembranzas Recortadas Pa Pa Pa..., Sostener lo Posible de Joel Inzunza Leal desde Chile, y desde España Brushed Noise de Sebastián García Ferro y Lowland con dirección y coreografía de Roser López Espinosa. El FIDIC cuenta con el apoyo del programa Iberescena y de AC/E, Acción Cultural Española, que permitirá continuar un intercambio iberoamericano de creación y gestión en el formato de redes, para potenciar la actividad de la danza no estatal, el auspicio del Ministerio de Cultura del gobierno de la ciudad de Buenos Aires y el apoyo del Instituto Prodanza. Entre los objetivos del encuentro, se cuenta continuar apostando “a una gestión participativa y colectiva como medio para una más efectiva promoción y profesionalización de nuestra actividad”, 14 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Ramos Generales de Mónica Fracchia Foto . gentileza de la producción

según señaló la organización en parte de prensa. “Confiamos en la actividad independiente y nos dirigimos hacia la promoción de un espacio auto-generado que permita la producción y difusión de la danza, llegando a públicos diversos y más masivos”. Las actividades tendrán, además, como sedes al Centro Cultural San Martín, el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT), El Portón de Sánchez, el Instituto de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA-DAM), El Camarín de las Musas, Belisario Club de Cultura y el Teatro Pan y Arte. La asociación civil Cocoa Datei fue fundada en 1998, con la finalidad de fomentar la danza contemporánea no estatal, privada, llamada independiente. El primer FIDIC se realizó en 2008 como celebración del décimo aniversario de la entidad, y desde entonces se ha repetido en forma bianual. El equipo actual del festival está conformado por Carla Berdichevsky, Victoria Keriluk, Nora Moreno, Laura Paolino, Marisa Quintela y Liliana Tasso. PROGRAMACIÓN La ceremonia de apertura será el martes 16, a las 20 hs, en la Casa Nacional de Música y Danza (México 564) con tres performances a cargo de Quio Binetti (Morar), Jesica Josiowicz (Desvío) y Cecilia Molina (Algo de eso Flota).

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Orquideana de Mabel Dai Chee Chang Foto . gentileza de la producción

Los espectáculos incluirán coreografías de Mauro Cacciatore, Mabel Dai Chee Chang, Carla Berdichevsky, Laura Paolino, Vanina Goldstein, Jack Syzard, Roxana Grinstein, Eliana Bonard, Virgina Ravenna, Julieta Brambatti, Gabriela Prado, David Señoran, Giselle Danna, Vivian Luz, María Eugenia Cadús, Jorge Martínez, Caterina Mora, Marta Lantermo, Valeria Pagola, Mónica Fracchia. Desde las provincias argentinas llegará la compañía Diego y Ulises desde Rosario y el grupo Click de Córdoba. Los seminarios correrán por cuenta de Fabiana Capriotti, Jorge Martínez, y Mariah Maloney quien dictará Somatic Based Improvisation con repertorio de la Compañía de Trisha Brown de Estados Unidos y ofrecerá un concierto. Entre las obras de videodanza se cuentan creaciones realizadas en Perú, España, Suecia, Reino Unido, Holanda, Alemania, Bélgica, Italia, Brasil y Argentina firmadas por Alex Pachón, Harm Weistra, Virginia García, Damián Muñoz, Ariel Poggi, Diego Enrique, Wanda Lopez Trelles, Belisa Proença, Lynn Suemitsu, Jasmin Luu, Kaveh Akaber, Andrea Vera, Gabriela Prado, Filomena Rusciano, Dinah Schonhaut, María Salgado Gispert, Fermin Acosta, Carolina Doartero, Quío Binetti, Pedro Paz, Raquel Vidal, Joan Soriano, Lorena Rosales, Simone Ferrrari, Selva Lecot, Flako Rojas, Mozart Albuquerque, Emma Rozanski, Florinda Verrier, Kim Schonewille, Marisol Otero y Jorge Castro Gutierrez. __BD

Apnea, Repletos de Nada de David Señoran Foto . Virginia Cordara 16 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

NDICIONAMIENTO ELONGACION Y ACO ECANICA CORPORAL POR BIOM URQUEL METODO ALFREDO G GACION ELONGACIÓN X ELONr el maestro 70 po Creado desde el año 19 26-2014) (19 el rqu Gu o Alfred

INSTITUTO

A·L·F·R·E·D·O

DANZAS

J · U · A · N · A

GURQUEL LEDERER DANZA CLÁSICA

Recordando al maestro Alfredo Gurquel, sus clases las dicta la maestra Juana Lederer Walkiria Appelhans, Gabriela Nuñez, Florencia Calvino, Lorena Batista, Alberto Retamar, Mariángeles Alé

DANZA CLÁSICA PARA VARONES Princip. e interm.: Rodolfo Romero

PARTENAIRE: Rodolfo Romero ELONGACIÓN: Juana Lederer, Carol del Castillo, Camila Muraki (para niños) BARRA À TERRE: Juana Lederer DANZA JAZZ: Manuel Vallejos (Prof. titular del

IUNA), Carol del Castillo, Juan David Naranjo

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INICIACION A LA TÉCNICA DE PUNTAS

Mariángeles Alé (para niñas), Walkiria Appelhans, Juana Lederer

JUANA LEDERER Técnica clásica y repertorio

DANZA CONTEMPORÁNEA

◗ Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata ◗ Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia ◗ Egresada del Conservatorio Nacional de París

REPERTORIO: Juana Lederer - Rodolfo Romero

Directora del ◗ Estudio GurquelLederer ◗ Grupo LedererGurquel

Gabriel Contreras, Florencia Calvino TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia TÉCNICAS MIXTAS: Ana Zabala (Principiantes, jóvenes y adultos)

PREPARACIÓN FÍSICA: Camila Muraki FRANCÉS APLICADO A LA DANZA

Caroline Vicq. Consutar por clase abierta

YOGA: Graciela Sarachu PREPARACIÓN PARA ACTUACIONES, CONCURSOS, EXÁMENES E INGRESOS Juana Lederer

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SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 17

Amor en Muchas Direcciones Por Noelia Leiva Cecilia Gómez presenta un espectáculo que combina la danza clásica con la contemporánea y la acrobacia. El lenguaje del circo le aporta adrenalina a una historia que convierte al público en espectador de encuentros amorosos que van de lo furtivo y pasional a lo fraterno El amor es piel, es conocimiento, es sobrevolar las emociones para descubrir. Para la escena, Cecilia Gómez ideó una obra donde el afecto pasa por la piel y la idea, en un espectáculo que se propone llevar las técnicas de la danza contemporánea y la clásica al espacio tridimensional de la acrobacia. Proyecto Amor Eterno será la apuesta que podrá verse todos los sábados de septiembre y octubre en El Galpón de Guevara de la ciudad de Buenos Aires. Crear coreografías sobre un sentimiento humano tan primario necesariamente remite -por identificación o negación- a las vivencias de quien compone la pieza. Algo de ese recorrido se podrá ver en la “cama vertical” que será el centro de atracción escenográfica de la apuesta que interpretarán Alejandra San Martín, Guadalupe Mauriño, Juan Pablo Sierra, Rafael Maselli, Benjamín Ruiz, Sabrina Sansone y artistas invitados. Allí sucederán los encuentros amorosos de cada personaje, que representarán a “arquetipos” que se pueden identificar en las relaciones humanas. Uno de ellos es el más fogoso, que se anima a encuentros con varones y mujeres. Otro, representante del amor de Escorpio, busca fomentar el vínculo hasta la muerte, porque nada tiene sentido sino hasta el fin, en un intento constante por dominar su cuerpo y el de sus amantes. Hay amor maternal, que interpreta una bailarina con dominio de técnica clásica. Siempre hay movimiento en escena, sea para contar las historias principales o las secundarias, o para demostrar el dominio de los protagonistas del piso y del espacio aéreo, en base a la improvisación y al contact. Así como la pasión y la fraternidad pueden identificarse con la misma palabra -amor- aunque sean tan disímiles, para Gómez es un sentimiento diferente el que la llevó a la idea. “Estaba haciendo una tesis de graduación (para la Licenciatura en Composición Coreográfica del Instituto Nacional del Arte) y quería hablar de todas las danzas de mi vida: empecé con clásica, pasé a contemporáneo y a trabajar con arneses y elementos de circo. Mientras escribía, me venían muchas imágenes, tenía muchas ganas de bailar. De ahí surgió esta obra, como una forma de representar el amor a todas las danzas”, desarrolló la directora, en diálogo con Balletin Dance. Como metáfora de los vínculos humanos, su afecto por distintos lenguajes corporales le puso en el camino “contradicciones” que tenían que ver con cuál danza priorizar al encarar un proyecto. 18 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

En el concepto general de la obra, se superó esa dicotomía: todo suma. A lo largo de una investigación de cuatro años para su tesis, observó cómo antes se marcaban “dicotomías, pero ahora es cada vez más común elegir un lenguaje integral” que se sustenta con distintas disciplinas. Para lograr el ‘todo’ que hace a Proyecto Amor Eterno, Gómez trabajó con maestros de circo y técnicas de vuelo como Sergio Costa Centeno, Sergio Falcione y Rodolfo Aguirre, y convocó a artistas que conocía como versátiles por haber compartido otras tablas. “Son muchas generaciones que fueron entretejiendo el trabajo”, subrayó. El resultado es “una estética totalmente expuesta” que tiene como eje una “cama gigante que es donde suceden los encuentros amorosos y es a la vez el edén, el arquetipo del encuentro con los otros”, definió. Con música original de Rodrigo Guerra, el espectáculo cuenta con un trabajo de preproducción amplio que se observará en la proyección de videos, editados por Benjamín Passi Amor, mientras sucede la acción. La escenografía es de Matías Olivastri y el arte de la cantante y escritora Ana Moraitis sirvió de inspiración para que esa multiplicidad de amores se convirtiera en un trayecto con principio, nudo y desenlace. COMPLETAR LA HISTORIA Como toda vivencia humana, la querencia no tiene una única interpretación sino, al menos, dos, las de ambos amantes. Igual el arte, que se define con la mirada del espectador o la espectadora. En la obra, la repetición y el lenguaje de circo fueron elegidos para interpretar la adrenalina de los sentimientos que no se pueden detener, mientras la mirada cenital que pretende la puesta en escena de la intimidad de los personajes alimenta el placer del voyeur. Pero la intención no es la de fomentar la pasividad. Las formas del amor “están representadas de manera surrealista, en ningún momento se pretende un realismo”, aclaró la directora. La metaforización de algo tan propio de cada persona permite interpelar. “Me gustaría conmover, que el público pueda interpretar una paleta grande de emociones y, quizás, identificarse con alguna”. Lo sensitivo y lo sensual, más que la intelectualización de lo que pasa, son la base del desafío que podrá compartirse cada sábado a las 23 hs en Guevara 326, Chacarita.__BD

Trabajar el espacio aéreo es el recurso para cargar de adrenalina al amor, a veces violento Foto . Gonzalo Alipaz

SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 19

actualidad

Nueva Carrera Universitaria La Universidad Nacional de San Martín (Unsam) lanzó nuevas carreras universitarias, de grado, gratuitas, en su nueva Unidad Académica de Artes El nuevo Instituto de Artes Mauricio Kagel de la Unsam ofrece desde hoy, dos nuevas carreras de grado y dos diplomaturas. Una de ellas es la licenciatura en Artes Escénicas que cuenta con tres orientaciones posibles: danza, teatro de títeres y objetos, y artes circenses. Oscar Araiz se encuentra al frente del área danza (con coordinación de Inés Vernengo) y a su vez dirige el Grupo de Danza UNSAM (codirigido por Yamil Ostrosky); mientras que Gerardo Hochman encabeza la Compañía de Teatro Acrobático UNSAM y el área circo. “Concebir la formación universitaria en artes supone no sólo educar artistas que sepan de su especificidad, sino consolidar la capacidad de reflexión y proyección de su saber”, afirmó Carlos Almeida, decano del Instituto de Artes Mauricio Kagel. Los objetivos de esta nueva estructura curricular, serán la formación de grado con fuerte soporte académico, “con el núcleo en los elencos”, es decir, sumado a la experiencia escénica en forma paralela. Las

producciones se conciben como el modo de plantear, proyectar y gestionar la creación artística, haciendo posible que pueda concretarse desde la iniciativa y la concepción inaugural. La licenciatura en artes escénicas dura cuatro años, se cursa por la mañana en el Campus Miguelete (sede central) y se ocupará de formar “profesionales con capacidad de reflexión e investigación en la producción y representación de su arte, en diálogo con las otras manifestaciones escénicas. Valores estéticos, el compromiso con la problemática de su comunidad, la disposición al trabajo grupal y la dimensión ética de su praxis, son cualidades y actitudes que se esperan inculcar en esta carrera”. Los egresados estarán capacitados para la creación de una obra escénica con todos sus componentes, comprendiendo y componiendo la ideación, dirección, interpretación y realización del espectáculo. También se brindarán herramientas para la gestión, trabajando en forma asociada, y se fomentará la reflexión, exploración e investigación en artes escénicas y las variantes de su interpretación. La UNSAM es una universidad nacional, pública y gratuita creada en 1992, que ofrece una amplia gama de carreras de grado y posgrado, en Ciencias Humanas y Sociales, Ciencias Exactas y Naturales. Más del 65 % de sus recursos están destinados a ciencia y tecnología, enfocados en asociaciones con instituciones que promueven esas investigaciones en el país y en el exterior. Ubicada en el Partido de General San Martín, al noroeste de la Ciudad de Buenos Aires, el Campus Miguelete fue construido sobre una antigua playa ferroviaria de más de dos hectáreas, uno de los principales atractivos del territorio bonaerense en términos de planeamiento arquitectónico y conservación patrimonial. __BD

Oscar Araiz al frente de la nueva licenciatura Foto . archivo 20 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

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Carmona y Pais proyectarán el documental Balady el 28 de septiembre Foto . Ojodanza

Con el objetivo de indagar el rol de la mujer en la sociedad moderna, Yésica Carmona y María de los Ángeles Pais presentan el 28 de septiembre el documental Balady de la directora de cine egipcia Donia Maher

Por Eliana Gissara

Ciclo de Danza, Cine y Debate

¿Cómo afectan a nuestros cuerpos los estereotipos y expectativas de hombres y mujeres? ¿Cómo se mueven nuestros cuerpos en una sociedad que cambia rápidamente? Éstas son algunas de las preguntas que el documental Balady pone en el tapete para abrir el juego a la reflexión de los profesionales y amateurs de la danza oriental. La proyección del mediometraje, filmado en 2013, se realizará el domingo 28 de septiembre en el Teatro de la Fábula, a las 18 hs. El programa de este ciclo de danza, cine y debate incluye una doble performance de Carmona y Pais, un solo de música instrumental y una charla participativa entre la audiencia luego del film. Rodado en Egipto, España, Túnez y Francia, Balady reflexiona sobre la autonomía de los cuerpos de las mujeres y la libertad de expresión, a partir de talleres de danza oriental y entrevistas a personas que practican o no esta danza. Con dirección de Donia Maher y producción de Emilie Vidal, ambas guionistas con visiones complementarias por su origen oriental y occidental, se unieron en este proyecto que toma como punto de partida los miedos de una mujer, preguntándose si la danza del vientre refleja las contradicciones culturales de sus múltiples identidades. Se trata de una co-producción de Interarts y Hassala Films, que contó con el apoyo de fundaciones internacionales, ONGs y particulares interesados en la investigación de esta disciplina. “Pusimos en marcha este ciclo de debate para cuestionarnos lo que hacemos y ofrecemos como docentes a otras mujeres, lo que podemos generar como bailarinas, lo que buscamos a través de la danza y lo que encontramos en ella. También el espacio y categoría que se le da a este género en relación a otros. Nos parece que todas estas cuestiones se pueden visibilizar, debatir y repensar”, señala Yésica Carmona en la previa al evento.

¿Cómo se acercaron al documental y cuál es la apreciación personal que tienen luego de haberlo visto? Carmona: En un principio comenzamos a trabajar junto con María de los Ángeles en un proyecto de video-danza + danza en vivo con la idea de ofrecer una visión acerca de la danza del vientre que a veces, nos parece, es dejada de lado, como por ejemplo su significado, lo que nos atraviesa como mujeres en general y en especial como occidentales a diferencia de las mujeres orientales, ya que cada mujer cuenta una historia, su historia... y por supuesto, la danza como un arte en sí mismo. Durante este proceso llegamos al documental a través de las redes sociales, y luego de haberlo visto no tuvimos ninguna duda de que era el material indicado y llegado en el momento justo había que mostrarlo. Ambas nos sentimos muy identificadas. Pais: Sí, sentí un alivio profundo al no estar tan lejana a otros trabajos. Me dio confianza en mi propuesta y muchas ganas de difundirlo porque creo que revaloriza lo esencial que muchas veces se pierde. ¿Cómo se plasma su visión sobre la danza como bailarinas argentinas en este material? Pais: creo que va ser una contribución muy rica que deseo pueda repercutir en otras bailarinas. Carmona: Esperamos que toda la comunidad de la danza y el público en general pueda verlo, disfrutarlo y que este espacio generado sea un comienzo que invite a reflexionar. __BD

SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 23

Por Gabriel Vaudagna Arango

En Busca de una Identidad Nacional

O C N E M A L F

Mariana Astuti apuesta por la búsqueda de una identidad de lo flamenco, que mire hacia adentro entre lo propio y lo ajeno a la hora de la creación. Sumado al cruce de los lenguajes que atraviesa la danza y su vinculación con la filosofía, hace unos años inauguró dos ciclos destinados a promover el flamenco experimental Entre la curaduría y la organización del próximo evento la bailaora Mariana Astuti se hizo un tiempo para dialogar con Balletin Dance sobre los dos ciclos: Preludio Flamenco y Nuevo Flamenco. Este último podrá verse todos los viernes de septiembre en el Centro Cultural Sábato de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA).

Espacio para experimentar lo híbrido Foto . Paola Evelina

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“Empecé a ver que había mucha gente que hacía cosas medio raras, pero no había lugar dónde mostrarlo. Alumnas, colegas, de hecho a mí me pasaba desde hace mucho tiempo. No era yo sola, éramos muchas las que teníamos ganas de hacer otra cosa”, aseguró la bailaora al definir el surgimiento de estos ciclos paralelos. “El flamenco es algo tan gigante, y sostiene el dogma de ‘no hay que tocarlo’, que no se incentivaba ese lugar de búsqueda, de cruce de lenguajes, de híbrido, como si fuese una mala palabra. Esa imposibilidad de mostrar algo en otro espacio que no fuera con gente comiendo mientras estás bailando”. El proyecto Nuevo Flamenco en Argentina surgió hace cuatro años simultáneamente con Preludio Flamenco, aunque este último alcanzó mayor popularidad, ambos ciclos se encuadran en la programación de los proyectos de danza teatral contemporánea del Centro Cultural Sábato de la UBA (coordinado por Valeria Martínez proveniente del Instituto Universitario Nacional del Arte). “Son dos partes de una misma cosa, que eran necesarios para expandir nuestro circuito flamenco porteño, incluirnos en los espacios de las artes escénicas y no quedar aislados como disciplina en un par de tablados. Preludio aloja obras cortas o work in progress en fechas compartidas durante la primera mitad del año, mientras que Nuevo Flamenco programa esas mismas obras terminadas -u otras que duren más de 40 minutos-, dándole prioridad a las que se presentan del interior de país, en la segunda mitad del año”.

¿A quienes está dirigido y cómo se convoca a los participantes? La convocatoria es abierta a toda la comunidad. Justamente la idea del proyecto es de apertura y de expansión a todo nivel, para darle espacio a las nuevas generaciones. Se ofrece al artista una plataforma de trabajo, una puesta de teatro, luces, vestuario y un espacio para que muestren su experimentación, que les permita enriquecer sus obras. Trabajamos en equipo con otros artistas y convocamos a diferentes músicos.

¿Cuál es su búsqueda dentro del flamenco? En un momento pensé que el virtuosismo de poder reproducir las coreografías que aprendemos de los españoles, sus cantes, su toque y su vestuario para mostrarlo en un restaurant, no me alcanzaba. Algo de ese ciclo que se repetía, de ir a España o que vengan a pasarnos material y nada más, no me cerraba; más allá de que exista algo tan apasionante que haga que uno no pueda dejar de ir al tablado y de intentar hacerlo. He aquí mi contradicción: haber estudiado Artes Combinadas en Filosofía y Letras [de la UBA] y estar cerca de grandes pensadores, como Susana Tambutti que hace más de diez años delata el problema de la identidad de la danza en Argentina y el concepto de las “ideas fuera de lugar” que usaba Oscar Terán me des-encajó, -risas-. Me interesa la reflexión de mi ambiente flamenco, por ahí va mi búsqueda. Poder seguir incentivando a que los flamencos pensemos no sólo en el trabajo coreográfico y musical propio del lenguaje flamenco, sino en la complejidad significante que implica idear una puesta en escena con todos sus componentes. La apropiación de otra cultura no puede ser lineal e imitativa. Ahí es donde aparece la pregunta por la identidad, de verdad ver lo propio y lo ajeno y decidir qué hacer con todos esos sentidos posibles a la hora de la creación. Tenemos la obligación de gestionarnos nuevos espacios y crecer dentro del campo artístico de la danza de acá. Seguir haciendo cosas que sumen al flamenco. ¿Cree que cambiaron los artistas en nuevas búsquedas o cambió el público en busca de obras multidisciplinares? Somos los mismos, público y artistas, los que vamos a ver otras obras, nos vamos a ver entre nosotros, debemos abrirnos a otros públicos.

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En Buenos Aires no se ven grupos consolidados de flamenco ¿A qué se debe? Es un asunto económico, y por otro lado porque el flamenco viene de una cuestión muy individualista. Acá hay mucho protagonismo y a la vez hay un nivel recontra zarpado de técnica. Yo me copo mucho cuando voy a un tablao en Buenos Aires, por ejemplo al Perro Andaluz, y veo una mesa larga de gente fanatizada que viene a ver a Concha Jareño y todos gritan cuando remata1 o hizo algo con el abaniquito y después todos repiten el abaniquito y la manito, etc… Creo que eso mismo me puede pasar viendo o tomando clases con alguien de acá. Estoy muy cansada de la reproducción de lo que dice España, a mí me hartó. Gastarse un montón de dinero yendo allí o tomando los cursos aquí, cuando alguien local puede orientarme de una manera más orgánica para llegar a todos los momentos de la soleá por bulerías2. El flamenco tiene momentos muy sutiles que tienen que ver con otra búsqueda que la gente pareciera no ver, algo referido a la cuestión artística, a soltar, a la presencia. Pienso que falta conciencia de esa búsqueda. __BD Remate significa una secuencia de pies que realiza la bailaora al finalizar una letra de cante y que suele generar un ‘Ole’ entre los espectadores. 2 Soleá por bulerías, estilo de baile flamenco también llamado palo flamenco.

SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 25

Inquieto por Naturaleza Por Daniel Sousa Antes y después del éxito de El Club del Hit, Alejandro Ibarra ha dado muestras de su talento y de una energía desbordante. Con varias obras en cartel, es uno de los coreógrafos más convocados por los directores de musicales. Extraña subirse al escenario, pero no quiere “volver para hacer cualquier cosa” “Inquieto por naturaleza”, se define Alejandro Ibarra, y no cuesta creerle. Por estos días su nombre destaca en las marquesinas de tres obras teatrales, y una más será repuesta el mes próximo, con coreografías de registros muy diversos pero con un parejo, elevado nivel de creatividad y factura. En el Teatro del Globo sorprenden las secuencias que a instancias del protagonista, Juan Rodó, montó para Phantom, el musical de 1983 creado por Arthur Kopit (libro) y Maury Yeston (música y letras). Se trata de una pieza escrita para ser estrenada en Broadway (cosa que finalmente no aconteció), basada en la novela de Gastón Leroux El Fantasma de la Opera, de la que Andrew Lloyd

Juan Rodó y Eluney Zalazar en Phantom, obra en la que Ibarra volvió a coreografiar danza clásica Foto . archivo del autor

Webber entregó una famosísima versión musical, que se anticipó al debut de la que ahora llega a la Argentina. En el Tabarís, en tanto, la feroz coreografía de Criatura Emocional, obra dirigida por Fernando Dente, también le pertenece. Y la de La Ogresa de Barracas, de Gonzalo Demaría, en Hasta Trilce. Por último, en el Teatro 25 de Mayo se vio hasta hace unos pocos días un trabajo que quizás sea el que más se acerca al musical brillante, en el que Ibarra se ha lucido tanto arriba como abajo del escenario. Si bien Nosotros, los Amantes es un intenso y muy emotivo tributo del autor y director Alejandro Ullúa a sus padres (ya fallecidos), el coreógrafo cordobés supo sacar provecho de los cuadros musicales en los que al ritmo del rock, el vals y el foxtrot se recrean los pasajes centrales de la relación entre los protagonistas. Este espectáculo, con destacadas actuaciones de Christian Giménez, Magalí Sánchez Alleno y Sebastián Holz, volverá a escena en octubre, para una temporada breve. Así anda Alejandro Ibarra, ocupado pero feliz de la vida, encargándose además de sus clases de danza jazz, y empezando a planear lo que será su tercera intervención en Primeras Damas del Musical, en noviembre. “No me gusta estar quieto o haciendo una sola cosa -confía-. Igualmente, tengo mis límites: no soy partidario de hacer miles de cosas al mismo tiempo porque uno no las digiere. Esto es como enamorarse: no me puedo enamorar de ochenta personas al mismo tiempo. Pero con dos o tres está bien”, bromea.

Ibarra es egresado del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, y de la Fundación Julio Bocca Foto . gentileza del artista 26 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

¿Extraña subirse a un escenario? Sin duda, pero no quiero hacer cualquier cosa. Trabajé diez años seguidos en comedia musical (Chicago, Víctor Victoria, Aplausos, Hairspray), televisión y teatro de texto (La Anticrista). Volvería sí, pero con algo que me guste mucho. El Club del Hit fue un gran éxito suyo, en el doble rol de coreógrafo y director, el año pasado. ¿Planea una segunda parte? No creo que vuelva. Siento que la energía hay que ponerla en algo nuevo y seguir avanzando. Haremos una función en Rosario en octubre, con un fin solidario, pero no más. El Club… nos dio muchísimas satisfacciones: siete nominaciones a los Premios Hugo, dos a los ACE. Con mi hermano Matías hace cuatro años que dictamos talleres corales en los que la gente además de cantar, baila. La repercusión fue increíble desde el comienzo y pensamos que debíamos hacer algo más con eso. Estrenamos la obra en agosto de 2013: cuarenta personas, 32 en escena y ocho reemplazos, dos por cada cuerda. Una maquinaria enorme de gente trabajando. Si bien el show choir es un formato que se hizo popular con la serie Glee, nosotros le dimos un sabor nacional.

Ale Ibarra, Johanna Sciar, Mariana Jaccazio y Emanuel González: los Pepper Top Singers versión 2008 Foto . gentileza Duche-Zárate

EL NIÑO MIMADO “Es un honor que me elijan, una alegría”, define Alejandro Ibarra, que por tercer año será el coreógrafo de Primeras Damas del Musical, el espectáculo creado por Pablo Gorlero y Ricky Pashkus. “Es como una gran reunión con mis tías”, agrega sobre los ensayos para la función que tendrá lugar el 13 de noviembre en el teatro Gran Rex. Destaca Ibarra, por sobre todo, la libertad con que le permiten trabajar en este proyecto. Y las anécdotas de antaño, los rituales de las grandes divas, el tratamiento “de nieto” que recibe de parte de glorias como María Concepción César. “Yo respeto un montón a toda esa gente que hizo posible que hoy nosotros estemos acá haciendo lo que nos gusta”, aclara. En esta cuarta edición del espectáculo se anticipa la presencia de, entre otras, Claudia Lapacó, Julia Zenko, Alejandra Radano, Karina K, Laura Esquivel, Mora Godoy, Carmen Barbieri, Cecilia Milone, Sandra Guida, Vicky Buchino, Natalia Cociuffo, Florencia Peña y Susan Ferrer, con puesta en escena de Ana Sanz y la conducción de Luciano Castro.

¿Cómo fue que llegó a Phantom? Hace unos años hice un evento con Juan (Rodó) y nos conocíamos. Pero fue Eluney Zalazar, que personifica a Christine, quien le sugirió que fuera yo el coreógrafo de la obra. Juan se me acerSEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 27

En Nosotros, los Amantes, el coreógrafo ofrece personales versiones de foxtrot, vals y rock & roll Foto . gentileza Furgang Comunicaciones

có con ciertas dudas de si yo podría montar cosas bien clásicas. Y sí... Más allá de que me dediqué a otros ritmos, lo que más he estudiado ha sido clásico. El Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, donde me formé, se puso muy técnico desde el año 2000, más o menos, y todos los días, de lunes a sábados, hacía mis clases de clásico. Me gusta mucho. Incluso, para el Ballet Argentino monté hace un tiempo una obra en puntas, Linda Carter, que fue parte del ciclo Nombre y Apellido. En Phantom no hacía falta recrear piezas de repertorio sino, más que nada, retratar el backstage de la Opera de París. Por cierto, no es mi tipo de musical favorito, a mí me gustan otro tipo de obras, pero me encantó meterme en un mundo tan diferente. A las audiciones convocamos a bailarines clásicos que pudieran cantar, y el nivel de la gente que vino fue excelente. Con ellos pudimos hacer clásico, y también pude pedirles que se mezclen con el resto del elenco en total armonía. Están muy bien en la danza, tanto como en lo actoral y lo vocal. Antes eso no pasaba.

¿A qué atribuye este cambio? El nivel de exigencia creció. Los chicos son cada vez más completos. Y en un muy buen nivel, porque en las tres disciplinas alcanzan un desempeño sobresaliente. A mí me gusta que eso empiece a pasar cada vez más seguido. Lo veo mucho en las audiciones. Yo tuve suerte de empezar a trabajar hace quince años porque en las audiciones de aquella época éramos pocos. Cantar, bailar y actuar decentemente ya era mucho. Pero ahora no: hay que hacer todo, y todo bien. TODO A PULMON Ibarra destaca la entrega y el esfuerzo de Rodó y su compañía, que “del primero al último se ponen la obra al hombro. Eso es muy importante para mí, el teatro cobra otro valor cuando nace

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desde ese lugar. Es lo que yo siempre quise y es lo que aspiro hacer toda mi vida. No sueño con que me paguen millones pero disfruto intensamente de la mancomunión que conseguí, por ejemplo, en El Club del Hit. En trabajos así, si no hay equipo la cosa no funciona. A mí me conmueve lo que pasa en estos grupos de trabajo porque lo contrapongo a lo que veo en la calle, donde todo está tan áspero y tan violento. Cuando la gente se une para hacer algo por amor, el objetivo ya fue alcanzado”.

Phantom no es su primer drama musical… Antes hice la coreografía de Amor sin Barreras en Ecuador. Fue una temporada en el Teatro Sucre, de Quito, en 2012. Una experiencia hermosa, muy enriquecedora. Es otra cultura, otra manera de trabajar. Yo soy muy estricto con los horarios y con todo lo relacionado al trabajo, y allá la gente es mucho más relajada. La experiencia fue buena para ellos y para mí. En Amor sin Barreras tiene mucho que ver la coreografía con lo dramático, con lo que se narra. Y eso a mí me atrae muchísimo. No me gusta limitarme a poner pasos, quiero hacer teatro con el baile. ¿Cuál fue el primer trabajo que lo hizo sentir profesional? Mi primera obra solo fue Perfectamente Inocentes, con los Pepper Top Singers, en la sala Colette de La Plaza. Remo total. ¡La entrada costaba doce pesos con una consumición! (risas). Pero Feliz, con mi grupo Proyecto 2, es la obra que más me representa porque me salió desde el lugar más simple. No supe qué estaba haciendo realmente hasta que la vi. Me encanta todo lo que hago, si no, no lo haría. Trabajo muchísimo para que mi propio trabajo me termine gustando. Siempre tuve una opinión personal de las cosas. Cuando trabajé con otros coreógrafos y directores, hice mi trabajo, lo que me han pedido, pero paralelamente tuve una visión de cómo lo haría yo. Es algo que fui desarrollando y que un día me permitió despegar. ¿Cómo es trabajar con un hermano? Es lo mejor del mundo. Con Matías (director musical, reciente ganador de dos Premios Hugo por El Club del Hit), de chicos jugábamos juntos a esto. Hacíamos shows en el garaje de casa en Almafuerte (Córdoba). Recuerdo que fuimos juntos a comprarnos el casete de Cabaret cuando teníamos unos diez años. Hicimos el mismo camino y me resulta muy fácil interactuar con él: compartimos los mismos gustos, los mismos criterios. En el trabajo sabemos bien quién se encarga de qué. He tenido la suerte más grande del mundo en ese aspecto. Es muy Ingalls lo mío, ¿no? __BD

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APOYAN A ESTE EVENTO:

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Grupo Duggandanza. Dirección y coreografía: Teresa Duggan. OdalaModa y Astas de Terciopelo. Viernes y sábados, 21 hs, domingos 19 hs. Teatro 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444, Tel: 45247997).

Una historia de amor en movimiento. Coreografía y Dirección: Marisa Quintela. Intérpretes: Jesica Josiowicz y Santiago Vercelli Sacaba. Sábados 16 hs. Taller del Ángel (Mario Bravo 1239, Tel: 4963-1571).

Coreografía y dirección: Gustavo Friedenberg. Con Debora Longobardi, Marian Moretti, Lucía Lacabana, Paula Botana, Mariana Ferreiro y Paula Lena. Jueves 21 hs. Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014). Foto: Joana Sanchez

-contemporáneo Duramadre Grupo KM29. Dirección y coreografía: Juan Onofri Barbato. Intérpretes: Amparo González Sola, Andrés Molina, Daniel Leguizamón, Jonathan Da Rosa, Lucas Araujo y Pablo Kun Castro. Viernes 21 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

-teatro y danza Arrastradxs

Cartelera

Ciclo de charlas, debates, proyecciones, homenajes, presentaciones y funciones. Domingo 28, de 13 a 20 hs. La Huella del Arte (Bulnes 892, Tel: 20661153).

Texto, coreografías y dirección: Rosario Rosa. Intérpretes: Amalia Adduci, Lucila Cores, Verónica Giusto, Christian Moersch y Rosario Rosa. Sábados 23 hs. Teatro El Espión (Sarandí 766, Tel: 4943-6516).

-flamenco Bacanal Flamenco Dirección: Eva Iglesias. Viernes de septiembre y octubre, 20 hs. Teatro Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 4862-1758).

-teatro Conozca Usted el Mundo

Domingos de 17 a 22 hs. En danza: La Muerte y la Doncella (Carla Rimola y Laura Figueiras), El Becerro de Oro (Pablo Lugones) y Uno Menos (Carlos Casella), performance: Buenos Aires de Muñecas (Fernando Ocampo). La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979, Tel: 4953-4232).

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-flamenco Antidomingos Flamencos

-obras cortas Festival Permanente

-teatro y danza El Camino del Erizo

-teatro Ficcionario

Dramaturgia y dirección: Elsa Gire Péchayre. Elenco: Lorena Azconovieta, Daniel Blander, Guadalupe Campos, Elena Gowland. Jueves 21:30 hs. El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 4862-0655).

Bagaje De Una Creación. Dirección: Lautaro Metral. Interpretación y dramaturgia: Stella Maris Faggiano. Coreografías: Lucho Cejas. Lunes 21 hs. Teatro La Comedia (Rodríguez Peña 1062, Tel: 4815-5665).

-teatro danza El Ojo del Huracán

-ballet Giselle

El viajero contempla el mundo. Compañía Catapulta. Autor y coreógrafo: Daniel Patiño Aguilar. Intérpretes: Aguilar y Guadalupe Pedraza. Domingos 21 hs. Teatro La Chacarita (Jacinto Ríos 1449, Tel: 4423-1159). Entrada a la gorra.

Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección y coreografía: Lidia Segni. Del 2 al 11 de octubre. Miércoles a sábados 20:30 hs, domingos 17 hs. Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7100).

-humor Gran Carrusel Ballet con Humor. Dirección: Adrián Dellabora. Domingo 14, 20 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

De Lluïsa Cunillé. Dirección: Damian Autorino. Diseño de movimientos: Eleonora Comelli. Actúan: Natalia Cappa, Emilse Diaz, Alejandro Vizzotti y Laura Conde. Domingos 18 hs. Elkafka Espacio Teatral (Lambaré 866, Tel: 48625439).

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Los Mojones De la Vida Por Agustina Llumá Una de las grandes virtudes de la Gala Internacional organizada el mes pasado por el Teatro del Lago de Frutillar, Chile, fue contar con la dirección artística de Marcia Haydée, directora del Ballet Municipal de Santiago y considerada una de las mejores bailarinas del siglo pasado Conversar con Marcia Haydée siempre tiene un halo de misticismo, los personajes se suceden como si fuese una fábula, porque todos ellos -aquellos que marcaron la historia de la danza en su época- cruzaron sus caminos en cierto momento, en algún escenario. En una breve pausa dentro de sus labores en la Patagonia Chilena, quien fuera la musa inspiradora de John Cranko, también aprovechada por Kenneth MacMillan, John Neumeier, Maurice Béjart y tantos otros creadores, dialogó con esta cronista en el Teatro del Lago. En una pequeña oficina armada en la primera fila de butacas de la platea, Marcia Haydée repasó cuantiosas anécdotas y analizó el presente de la danza y la coreografía, con Balletin Dance. Con voz calma, como si fuese una danza que ofrecía a sus palabras en un cuidado castellano y sobre el fondo musical de Frédéric Chopin tocado por la pianista Albena Dobreva que ensayaba para acompañar esa misma noche a Julie Kent con Marcelo Gomes en La Dama de las Camelias, la bailarina nacida en Brasil, de madre argentina, se aprestó a compartir historias y definiciones. A sus 77 años, Haydée tenía mucho que ofrecer en esta experiencia de la gala. Fue ella quien estrenó las composiciones más

Marcia Haydée y Marianela Nuñez después de la función en Frutillar Foto . Patricio Melo 32 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

destacables del siglo pasado que se mostraron allí, en un trabajo mancomunado con los coreógrafos. En Chile, colaboró con cada pareja, para transmitirle aquellos aspectos originales que aún viven en su cuerpo. “Tan solo al escuchar la música… recorre todo mi cuerpo. Yo creé esos ballets, están en mi cuerpo, en mis células. Recuerdo cada detalle, cada día, de cuando fueron creados”, aseguró a esta revista. A cada bailarín le habló en su idioma, portugués, español, inglés se alternaban con suma facilidad y cordialidad. También recayó en sus manos, la dirección de la gala en materia técnica, para repasar las puestas de luces y sonido (única dificultad que hubo) en ambos ensayos. Haydée asegura tener varios hogares, Brasil que la vió nacer y donde están sus hermanos; Buenos Aires donde nació su madre y realizó la audición que la haría ingresar al Ballet del Marques de Cuevas (realizada en el Teatro Colón, ya entonces estaban en el elenco europeo Wasil Tupin, Mercedes Serrano y la gran maestra María Ruanova); Stuttgart donde desarrolló su carrera creativa, y Chile, que “me dio todo” en esta última década, para dirigir la compañía. “En mi vida, he tenido una oportunidad, una invitación, y la he seguido. Como si fueran señales, mojones, que iban marcándome el camino mientras avanzaba”, señaló la directora.

¿Es verdad que le ofrecieron dirigir el Ballet del Teatro Colón? No. No me lo ofrecieron, pero diferentes personas preguntan. Creo que eso causó mi visita a la compañía poco antes del estreno de Rodin. Encuentro que la compañía está en buen estado, en un precioso estado. El Colón es un teatro difícil de manejar, no digo a los bailarines, porque en todas las compañías donde estuve en el mundo siempre supe manejarlos, porque yo fui bailarina, entonces pienso como bailarina, pienso para los bailarines. Tengo una manera de conectarme con ellos que me permitió no tener problemas nunca. Pero no se… los aspectos por afuera del ballet, como la administración,

Marcia Haydée tras el genial lente de Annemarie Heinrich, en una sesión en su estudio de Buenos Aires Foto . gentileza de Alicia Sanguinetti

directora te quieran, te amen, pero tú tienes que amar a los bailarines’. Cuando ellos tienen sus problemas, tienes que tener la paciencia de oírlos, de explicarles el porqué uno hace las cosas. Yo aprendí con Cranko a hacerlo, todos mis bailarines pueden venir a hablar conmigo, tienen las puertas abiertas.

Para el futuro Lo que va a ser el futuro no lo se. Puedo continuar en Chile, también puede ser que ya quiera parar, empecé a bailar a los seis años. Pero estoy abierta, estoy esperando al próximo mojón, para decidir lo que voy a hacer.

el Colón tiene fama de ser complicado. Por otra parte, a mi me gustan las cosas complicadas, porque uno tiene que encontrar nuevos caminos, y me gusta mucho Buenos Aires y me gusta el Colón.

En el Municipal de Santiago Por el momento estoy en Chile. Ya hace diez años que estoy con ellos y tengo contrato hasta 2016. Cada año quiero traer cosas que aún no hicieron, producciones que aún no tuvimos en Chile y empujarlos para mejorar el nivel. Ahora están haciendo muchas cosas contemporáneas también, la temporada de este año incluyó Peer Gynt, Giselle, el Festival de Coreógrafos (Croxatto, Pinto, Béjart, Yedro, Galili, Volpi, Neumeier), Zorba El Griego, El Joven y La Muerte, La Dama y el Bufón y Coppelius el Mago. Estoy muy feliz allí, tengo mucha ayuda del teatro, de todos, ya es como mi casa. Ya conozco mi camino para hacer todo. Cuando llegué a Chile también tenían tantos reglamentos, y ahora después de diez años encontramos una manera de hacer. Todo es cuestión de equilibrio y de comprender la mentalidad de un bailarín. Que siempre puedan hablar, que digan lo que están pensando. Cranko siempre dijo ‘no es importante que a ti como

Usted ha sido una de las musas inspiradoras de uno de los coreógrafos más importantes del siglo ¿Cómo fue ese trabajo diario, cuánto aportó usted a cada personaje y cuánto el coreógrafo? Trabajé con muchos coreógrafos. El primero que en verdad me formó fue Cranko, pero él siempre llevaba a MacMillan a Stuttgart, los dos trabajaban allí y de manera muy diferente. John por ejemplo, sabía lo que quería hacer dramáticamente del ballet que quería crear, como si fuera Onegin, por ejemplo, pero con todos los ballets que creó, Romeo, Onegin, Fierecilla, Carmen, siempre empezó con un paso a dos. Con el paso a dos que para él era el click del ballet, y una vez que empezábamos con eso ahí tomaba su dirección en todo. Llegaba, yo ya estaba en el estudio, ponía la música y decía ‘Marcia, vamos, tú entras por acá haces eso, prueba eso’, yo iba haciendo cosas y él decía ‘ah eso me gusta, vamos a cambiarlo, vamos a hacerlo así’. Él utilizaba mucho al bailarín como instrumento. Con lo que aportaba cada uno Entonces para él era muy importante tener ese vínculo con el bailarín, por eso fue tan fuerte la relación que tuvo conmigo, con Richard Cragun, con Egon Madsen, porque nosotros lo entendíamos. John tenía el campo todo abierto para hacer todo eso con nosotros, él se sentía seguro. A veces para el coreógrafo es difícil: entras, tienes que producir algo y están los bailarines. Si los bailarines no están en una conexión muy fuerte contigo, con el coreógrafo, no vas a poder hacer mucho. MacMillan por ejemplo era diferente, cuando él entraba al salón, ya sabía lo que quería en cuanto a los pasos de la coreografía. Uno iba probando de hacer los pasos que MacMillan quería… ¿Preparaba sus roles a través de la literatura? No. No fui la Julieta de Shakespeare, fui la Julieta de Cranko. En Onegin, no fui la Tatiana de Pushkin, fui la de Cranko. En La Dama de las Camelias, no fui la Margarita de Dumas, fui la de Neumeier. SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 33

Haydée con Luis Ortigoza el mes pasado en Chile Foto . Patricio Melo

la conversación. “Hello, I’m Rudolf Nureyev”. “Oh, it’s a joke” y corté. Vuelve a llamar, “Hello I’m Rudolf Nureyev and this is not a joke”. La invitaba para bailar El Lago de los Cisnes tres días después, en lo que resultó ser su primera actuación en conjunto. “Me pregunté porqué me habría llamado a mi, habiendo tantas bailarinas listas para hacerlo. Creo que fue porque él quería acercarse a Cranko”, dice desde su habitual honestidad.

Era un obsesivo del trabajo ¿cierto? Sí, Pero yo lo era más. Si él pasaba su variación dos veces, yo hacía la mía cuatro.

El proceso creador En su época no había gremios, en ese sentido el proceso creador para ella era mejor antes, cuando se quedaban montando hasta altas horas de la noche. “No se puede crear estando pendiente del reloj por el horario de colación”. Y hablando un poco de la escasez de tiempo, elemento tan preciado hoy, para Haydée un coreógrafo necesita como mínimo seis semanas para montar una creación. Tan importante resulta para el desarrollo artístico de un bailarín, la posibilidad de que el coreógrafo cree sobre su persona, que cuando Haydée puede lo hace. “No soy Cranko, pero le monto al bailarín, así como tuve la oportunidad de que lo hagan conmigo”.

Algunas Anécdotas Muchos fueron los recuerdos que la bailarina trajo a esta conversación, de ellos transcribiremos aquí sólo algunos. Cuando Béjart creó Leda y el Cisne para hacerla junto a Jorge Donn en Quito, o una tarde cuando sonó el teléfono en su casa de Stuttgart: imitando su voz, seca y grave, Haydée narra en idioma original

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Y por esas cuestiones del destino, Cranko no montó para Nureyev ningún ballet, más allá de que haya bailado varias de sus coreografías, incluso en Stuttgart. He aquí la siguiente confesión. “Cuando Cranko ideó Onegin quería hacerlo para Rudolf Nureyev y Margot Fonteyn”, aseguró Haydée. Viajó a Londres para reunirse con el Board of Directors, pero ellos le dijeron que ya existía una ópera fantástica, que no se necesitaba un ballet y que no tendría éxito. “Cuando regresó a Stuttgart dijo ‘bueno, la haremos nosotros’. Hubiese sido muy diferente”. Sin dudas. La conversación vuelve a Londres, allí Maurice Béjart presentaba Nijinsky Clown de Dios protagonizada por Jorge Donn. Al terminar la función a la que Marcia Haydée había asistido como público junto a su marido Richard Cragun, ella que no lo hacía nunca, le dijo ‘vamos a ir a saludarlo a camarines’, por lo impactada que había quedado. Al llegar al camarín estaba Donn y Béjart a un lado, que ni bien la vió sentenció: ‘Ah, la bailarina de Cranko’. Esa misma noche, fueron a comer los cuatro y se quedaron charlando hasta las 5 de la mañana. Fue el primero de numerosos encuentros. El genial coreógrafo creó para ella varias obras, y mientras Haydée dirigió el Ballet de Stuttgart (1976-1996) la compañía tuvo todo su repertorio. “Con Donn había una comunicación especial en el escenario, que incluso había gente que pensaba que éramos pareja. Al morir Cranko el primer telegrama que recibí fue el de Béjart. Decía algo así como, ‘cuando me necesites estoy. Contá conmigo’.

¿Qué le quitó la danza? Para Marcia Haydée la danza durante muchos años (todos los de su vida de bailarina) ocupó el lugar central, al punto de haber postergado e incluso rescindido varias situaciones personales. “Estuve casada con Richard [Cragun] 16 años, que fueron como 32. Desayunábamos juntos, ensayábamos juntos, comíamos juntos, bailábamos juntos, dormíamos juntos. Imposible. Fue mi mejor amigo siempre, hasta su muerte. El mismo día que nos separamos bailamos esa noche y seguimos bailando por años [tres décadas]”. En esa época no hubiese funcionado tener una pareja

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Las más trascendentales obras dramáticas creadas el siglo pasado, viven en las células de Marcia Haydée Foto . Annemarie Heinrich . gentileza Alicia Sanguinetti

por fuera del mundo de la danza, ni atinar a hacer una vida “normal”. En un momento pensó en la posibilidad de tener hijos cuando estaba en Alemania, pero vivía bailando, trabajaba hasta cualquier hora, hacía muchos viajes y “no podía pensar en tener un hijo, dónde lo hubiese dejado, quién lo hubiese criado, no hubiera podido tener una familia normal. Ahora sí, con mi marido tenemos una vida normal, algo que no hubiera funcionado cuando bailaba”. Recordó luego cuando conoció a Luis Ortigoza, con quien entabló una profunda cooperación laboral en Santiago de Chile. “Con ese cuerpo de niño” quisiera que su carrera se extienda lo más posible. “Nunca había visto un bailarín que bailara con esa calidad, con esa perfección técnica, en las preparaciones y en las terminaciones de los pasos”. A él le montó varias coreografías y lo animó a arriesgarse al contemporáneo, “con uno de los coreógrafos más interesantes de la actualidad, el argentino Demis Volpi”. Sí, en esta entrevista Haydée arriesgó a definir a los dos coreógrafos más interesantes del presente, cada uno con su propio lenguaje, en una búsqueda que trae de regreso a la narración, en obras integrales, para ofrecer una sumatoria de forma y contenido: Christian Spuck, director del Zürich Ballet, fue mencionado en primer lugar.

Mientras en el escenario Carolina Munizaga dictaba la clase de la mañana a todos los bailarines de la gala, Haydée remarcaba junto a esta cronista: “mirala a Marianela Nuñez, ella está haciendo tendu, mira como baila con todo su ser”. También sin dudarlo, aseguró que era “la mejor” bailarina del momento. “Es una fiera”. Seguramente 2015 la tenga en el Municipal de Santiago protagonizando La Bella Durmiente.

Consejo para los jóvenes Amar la danza. Realmente debes amarla y atreverte a tomar riesgos. Seguramente si me hubiese quedado en Brasil nunca hubiera conocido a Cranko. No es amar al ballet solamente, sino al teatro. Nos hemos quedado estos días, de 10 a 22 hs en el teatro, no es una vida normal. __BD

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Maximiliano Guerra y el Arte Infantil Por Noelia Leiva Un Circo Danzado, una obra de teatro infantil dirigida por Maximiliano Guerra, coreografiada por Gabriela Pucci, que apuesta a la danza como lenguaje circense, recorrerá espacios abiertos porteños con entrada gratuita, hasta fin de año. Busca ofrecer a los niños una propuesta cultural distinta a la televisiva, a la vez que fomenta la formación de nuevos bailarines Una niña se sentía muy aburrida hasta que algo cambió: aparecieron payasos, un león, una pantera y, sobre todo, la magia. Esa invitación a sonreír es la bisagra para que empiece a rodar Un Circo Danzado: el Regalo, el espectáculo que dirige Maximiliano Guerra junto a Patricia Baca Urquiza en el que bailarines se ponen en la piel de personajes de fantasía. Balletin Dance dialogó con Maximiliano Guerra y Gabriela Pucci sobre el trabajo en el escenario y el objetivo de trascender el formato tradicional del arte para llevar la obra a espacios abiertos de diferentes barrios porteños, con el aval de Mecenazgo, el Régimen de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (una forma de financiar las actividades culturales, basada en un incentivo fiscal para las empresas porteñas que aportan a Ingresos Brutos).

El Ballet del Mercosur y estudiantes de La Fábrica de Arte dan vida a la obra Foto . Carlos Villamayor Guerra y Pucci destacaron la importancia de la formación interdisciplinaria de los bailarines Foto . Guillermo D’Ambrosio 38 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

¿Por qué optaron por un espectáculo infantil? Maximiliano Guerra: El espectáculo surgió en 2007, cuando Patricia se lo encargó a Gabriela. Con situaciones casi irreales, como las de los cuentos, logramos que los grandes se entretengan y que para los chicos sea atractivo, porque son los mismos bailarines los que interpretan al león o a los payasos. Contamos con música creada especialmente, que es muy divertida, y que incluye mucho del repertorio clásico con la idea de dar información: si alguna vez lo vuelven a escuchar, lo podrán reconocer. Es increíble la respuesta de los chicos, para ellos son vacaciones del círculo televisivo, porque no ven en el teatro lo mismo que en la pantalla chica. Gabriela Pucci: Lo que más valoro del espectáculo es que no sólo el público sale lleno sino también quienes están sobre el escenario, que no siempre pasa. La propuesta fue hacer un espectáculo dinámico, con muchos colores, cambios de vestuario y de luces y una historia muy simple para que la puedan entender personas de 0 a 99 años. MG: Nos pasaron cosas mágicas con esta obra, como que niños con autismo tuvieran reacciones de afecto. La danza es bárbara porque no te obliga a entender la palabra. Te sentás y recibís, tu conexión te hace armar tu propia historia. Permite que el público crea, de creer y de crear.

Los colores, las luces y la diversión son claves del espectáculo Foto . Carlos Villamayor

Además de tener esa capacidad creadora, el público infantil es auténtico en sus devoluciones ¿Cómo lo trabajaron con el plantel? MG: A través de la Fundación [que lleva su nombre, Maximiliano Guerra], juntamos a alumnos Premium PBU1 de la Fábrica de Arte con el Ballet del Mercosur, con el objetivo de darles un instrumento más al contactarse con profesionales. Crecen un montón con este espectáculo porque la mayoría de las técnicas que ven en la escuela se puede aplicar al circo, como la danza árabe. Cuando yo era joven, lo clásico estaba de la Avenida Corrientes hacia acá y lo contemporáneo del otro lado, en el San Martín. Pero acá tratamos que no se acostumbren a hacer sólo clásico porque todas las danzas complementan y apoyan un espectáculo. En la obra hay momentos de pleno contacto con el público ¿Subyace un objetivo social en la obra y en ustedes como bailarines? MG: Los ingleses mencionan a los artistas de la mejor manera, los “entretenedores”. Somos eso, consecuencias de un país, una sociedad, una cultura; pero también tenemos nuestras ideas. Creemos que por encima de todas las cosas el arte es sanador y que nuestra función es que la gente se vaya contenta, con una imagen en la memoria, para que vuelva a buscar otra. 1

Los alumnos Premium PBU (Patricia Baca Urquiza) son seleccionados anualmente mediante una audición y obtienen una beca (casi el 70 % del costo de las clases está bonificado) para cursar de lunes s sábados varias disciplinas de la danza, charlas especiales y preparación para concursos.

¿Queda por delante visitar barrios porteños? MG: Sí. Por ejemplo, hace poco dimos una charla con Patricia y un vecino de Parque Centenario pidió que fuéramos a bailar ahí. Así van surgiendo distintos barrios. A mí me encantaría, aunque necesitamos que la Ciudad nos acompañe en la logística. BULGARIA, VERTE OTRA VEZ ¿Cómo fue volver al Concurso Internacional de Ballet de Varna este año, que lo consagró como bailarín y ahora lo convocó como jurado? MG: Es la segunda vez que voy y moviliza muchos lugares, mucha historia. Es fuerte darle la mano a alguien que tiene las mismas ilusiones que tuve yo hace 25 años, encontrarte con referentes de la danza y discutir con ellos sobre cómo se debe ejecutar una pieza. No me gusta ponerle números al arte pero esa fue la metodología para evaluar y traté de contemplar el vestuario, cómo se presentaban en escena, toda la performance. Me dio tristeza no ver representación argentina.

¿Hubo alguien que lo haya sorprendido desde la técnica? MG: La técnica no me sorprende más, que haga piruetas, esté en equilibrio, dé saltos… pero si además de eso te emociona y te hace vibrar, es otra cosa. Por eso es tan difícil encontrar medallas de oro en las competiciones. Los jóvenes creen que lo seguro es la técnica y eso es un error porque puede fallar. Lo que nunca falla es el alma. __BD SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 39

De Lo Bueno, Lo Mejor Por Agustina Llumá Sin duda alguna Rodin de Boris Eifman interpretado por el Ballet Estable del Teatro Colón, fue lo mejor que la compañía pueda ofrecer en esta temporada Traer a nuestro primer coliseo una obra de Boris Eifman fue una apuesta arriesgada de Lidia Segni, directora del Ballet Estable del Teatro Colón. El genial coreógrafo tiene un lenguaje muy particular de movimiento que para nada tiene que ver con lo que los bailarines argentinos están acostumbrados a bailar. Puntualmente, el trabajo fuera de eje, los movimientos de torso, piernas

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en dedans, posturas retorcidas, pies contraídos y nada de zapatillas de puntas. Rodin es un homenaje al famoso escultor Auguste, narrado a través de su relación pasional con su par y discípula, Camille Claudel, varios años menor que él, que se entreteje durante toda

Luana Brunetti y Matías Santos, versión juvenil Foto . Alicia Sanguinetti

Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo, excelentes Foto . Alicia Sanguinetti

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Santos modela una escultura Foto . Máximo Parpagnoli

la pieza con Rose, su amor de siempre. “Convertir un momento tallado en piedra en un flujo imparable, rico y emocionante de movimientos corporales es lo que me propuse al crear esta nueva obra de ballet”, señala el coreógrafo en el programa de mano. “Y, por supuesto, una reflexión sobre aquellos tormentos y misterios del proceso creativo que siempre serán de interés para cualquier artista”. Pareciera que Eifman hubiera vivido como un fantasma en el taller de esculturas de Auguste Rodin, o al menos en el de cualquier escultor, aunque no fuese un genio. El coreógrafo transforma no solamente la constitución de las más bellas esculturas, ya sean talladas, ya sean modeladas en arcilla o cera, sino también, y aquí su mayor virtud, el proceso creador de las bellas artes tridimensionales. Impresiona cómo logra que los bailarines modelen (y moldeen) cuerpos humanos que parecieran crearse a la vista del espectador, el trabajo manual sobre el barro, la presión ejercida, el cuidado de la humedad para que no se seque el material, se unen al recelo del creador, la pasión, el deseo, la obsesión, el egoísmo, el genio. Y todo ello con las más bellas partituras de Ravel, Saint-Saëns, Massenet, Debussy y Satie, coronadas por una excelente escenografía moderna, arquitectónica, móvil, iluminada (con varias fallas del área técnica para sus movimientos). Son tantas las simbologías, los detalles, los numerosos elementos empleados, las reminiscencias a Joos, Fosse, Erman, Ivanov, Ek, al sexo, los gestos, las manos, las formas, las poses, las cualidades, que no alcanza el espacio aquí permitido para enumerarlos. Así como las dos escenas “coloridas” del segundo acto, similares a 42 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

aquellos divertisements que parecieran venir de ningún lado, que en una primera observación parecen fuera de contexto, y que sin embargo al analizarlas en profundidad se aprecia su razón de ser. Y mientras más se profundiza en la pieza, más se concierta con Eifman. Todo el ambiente local del mundo del ballet estuvo presente la noche del estreno y no era para menos, como dijo una maestra ese día, pocas veces se tiene la posibilidad de presenciar una obra que ofrezca forma y contenido, que tenga mucho para decir, y que lo haga de manera ejemplar. Así fue Rodin. Con respecto a los bailarines, la selección del reparto permitió descubrir a muchos artistas del elenco que permanecían ocultos con otros repertorios. Los repositores (ver entrevista en Balletin Dance Nº 234, agosto de 2014) trabajaron incansablemente con los bailarines argentinos para lograr un resultado de primer nivel. ¡Qué diferencia muestran nuestros artistas cuando las obras les son enseñadas con meticulosa eminencia! Cuando cada gesto, cada paso, cada desplazamiento tiene algo que decir. Fueron tres elencos. El estreno estuvo a cargo de Nadia Muzyca (Camille), Juan Pablo Ledo (Rodin), Daiana Ruiz (Rose) y Vagram Ambartsoumian (Claude Debussy). Muzyca y Ledo lograron sobrepasar las complejidades corporales (bien complejas por cierto) para desnudarse de lleno en la historia. La pareja fue la más completa, sólida y rica en su expresividad. Al igual que Ledo, Ruiz mostró claramente la diferencia de edad (al recordar aquella Vendimia) mientras que Ambartsoumian en su brevísima aparición mostró a un atento, posesivo y rígido amante con caballerosidad. Luana Brunetti Mattion y Matías Santos, fueron la versión juvenil de Camille y Auguste. Todavía mucho más concentrados en los pasos, en lograr la fluidez de sus movimientos, en hilvanar enmarañadas y numerosas levantadas en cada pas de deux. Alejandro Parente fue un Debussy mucho más cariñoso y Manuela Rodríguez Echenique se lució con una Rose contundente. Paula Cassano fue la tercera Rose, una mujer madura, fuerte pero mucho más suave y femenina, compartiendo a los protagonistas del segundo reparto. __BD

Las Puertas del Infierno Foto . Máximo Parpagnoli

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Los Minutos que Preceden al Sueño Por Laura Lifschitz Volvió a deleitar la coreógrafa Anabella Tuliano con su grupo Cadabra, quien en agosto presentó en el Centro Cultural Borges No te Duermas Vencido, la nueva propuesta en la que el jazz contemporáneo es el vehículo para la propia invención Fiel a su impronta de potencia física e introspección melancólica, la agrupación cautivó al público, expectante ante tanta destreza, la cual desafiante a cualquier principio de la física, no constituyó un puro artificio, sino que permitió bucear en las profundidades del alma. Sin sinopsis, en el programa consta la dedicatoria al gran investigador de danza Enrique Honorio

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Destaville, al tiempo que Tuliano tampoco olvidó mencionar a Domus, el estudio que la impulsó desde los orígenes, y al maestro de ballet, Alejandro Totto, que esculpe esos cuerpos y genera la excelencia de recursos. Un aparente sueño envuelve la pieza concordantemente musicalizada y acompañada en vivo por la violinista Mariela Trinchero.

Cadabra juega con la estilización del sueño en el mundo real Foto . Alexandra Monges

En este sueño imposible de discernir su primer motor (cualquiera de los bailarines podría ser el cuerpo de sus propias fantasías, aunque se tienda a pensar en la plástica y expresiva Florencia Anca como el faro de los cuadros coreografiados) solos, duetos y tríos recrean fantasmas que irrumpen con su piel la monocromía del rojo que funda el vestuario, al que se agregarán unas eternas faldas vaporosas que permiten un trío excepcional (Romina Magliolo, Florencia Anca y Eva Fernández), reminiscente de las vestales de Isadora Duncan. Los hombres (Guido Bonacossa, Julio Bouhier, Diego Gómez y Claudio Rabinovich) demuestran en este derrotero una fuerza estetizada en juegos corporales que, aún sin saltos, dan la constante impresión del vuelo. Interesante es que lo dramático sea resultado del recurso coreográfico: gracias a la capacidad acrobática en los trabajos de partenaire - el caso de Belén Mazzola, Julio Bouhier y Sharon Ho- el punto de contacto y de apoyo es ínfimo (algo pervive de Infima Constante, también de Tuliano). No obstante, a contraparte de esta sutileza, aparece innegable y como

bofetada, el abrazo en el que se funden las corporalidades. Es así como las instantáneas pictóricas -que los bailarines consiguen al suspenderse- transforman la historia de la cultura. Aparece en este sueño la iconografía de las piedades (símbolo absoluto del amor filial) atravesadas por lo imposible de las poses, la femineidad más clásica (como las vestales del trío), la potencia más deshumanizada (como los movimientos semejantes al butoh de Guido Bonacossa o los breves momentos ralentizados, silenciosos o apenas discordantes, más en sintonía a Merce Cunningham). No te Duermas Vencido demuestra la utilización del máximo potencial físico y la pluralidad de técnicas contemporáneas para abrir el diálogo hacia lo más profundo del ser humano: sus semejantes y los sueños que, ni en vigilia, podrán ser vencidos. Si en letras pudieran traducirse esos movimientos, bien vale la pena transcribir a Jorge Luis Borges: ”Por los minutos que preceden al sueño,/Por el sueño y la muerte, esos dos tesoros ocultos/Por los íntimos dones que no enumero,/Por la música, misteriosa forma del tiempo”. __BD

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-teatro y flamenco Mariana Pineda

-contemporáneo Programa III

Dirección: Cristina Banegas. Coreografía: Sandro Nunziata. Intérpretes: Eladia Córdoba y José Garófalo. Domingos 21 hs. El Excéntrico de la 18 (Lerma 420, Tel: 4772-6092).

Al Aire la Libertad. De Federico García Lorca. Adaptación y dirección: Martha Garavano. Elenco: Marta Villar, Alejandro Guaglianone, Juan Carlos Benz, Miguel E. Finkielsztein, Julia Gana, Mirta García y Lidia Blanco, y músicos. Bailaoras: Magalí Canosa y Daniela Ojeda. Sábados 17 hs. El Tinglado Teatro (Mario Bravo 948, Tel: 48631188).

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Dirección y coreografía: Mauricio Wainrot. Estaciones Porteñas y Anna Frank. Jueves 14:30 hs (entrada popular), viernes y sábados 20:30 hs y domingos 19:30 hs. Sala Martín Coronado (Av. Corrientes 1530, Tel: 43751473).

-teatro La Bestia Rubia

-teatro Las Lágrimas

Cartelera

Texto: Andrés Gallina. Dirección: Tatiana Santana. Coreografía: Mecha Fernández. Elenco: Nelson Rueda, Laura Figueiras, Pedro Frías, Gabriel Del Río y Melisa Noe Pereyra. Jueves a sábados 21 hs y domingos 19 hs (hasta el 21). Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, Sala 3, Tel: 4373-8367).

2/3

-teatro Íntimos

Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco. Coreografía: Carolina Borca. Elenco: Ingrid Pelicori, Violeta Urtizberea, Iride Mockert, Martin Urbaneja y Fabio Aste. Viernes y sábados 22:45 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8000).

-danza y circo Proyecto amor eterno

-contemporáneo Martes de Danza en la Oreja Negra Organiza: Gustavo Soto. Programa compartido, con coreografías de Gustavo Soto, Marcela Chiummiento, Grupo La Comisión. Martes 16 y 23 de septiembre, y 14 de octubre 21 hs. La Oreja Negra (Uriarte 1271, Tel: 20533263). Entrada a la gorra.

-tango Milonga del Patio: Danza solidaria -expresión corporal Madreselva Grupo Expresión de Buenos Aires (IUNA). Dirección y coreografía: Aurelia Chillemi. Sábados 19 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

Primer domingo de cada mes, 17 hs. Casa del Bicentenario (Riobamba 985, Tel: 4813-0301). Entrada: alimento no perecedero para el comedor Corazón del barrio Loma Alegre de la villa 21-24.

-flamenco Nuevo Flamenco Viernes 21 hs. El Sábato Espacio Cultural (FCE UBA: Uriburu 763, subsuelo, Tel: 4370-6195).

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De Cecilia Gómez. Con Alejandra San Martín, Guadalupe Mauriño, Juan Pablo Sierra, Rafael Maselli, Benjamín Ruiz, Sabrina Sansone y artistas invitados. Sábados 23 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

-contemporáneo y teatro Rebeldías Ciclo de unipersonales. Viernes y sábados desde las 20 hs. Centro Cultural Raíces (Agrelo 3045, Tel: 4931-6157).

-danza teatro Resurge Dirección y puesta en escena: Adrián Stratta. Coreografía: Marina Fredes. Intérpretes: Mariana Alonso, Marcos Arriola, Eva Calderone, Marina Fredes, Marcelo Missón, Ailen Paleo y Adrián Stratta. Domingos 19 hs. Espacio Cultural Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862 0209).

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actualidad

Vuelve Mayumaná El mítico conjunto israelí presentará Racconto, 15 años de creación artística, en una celebración llena de ritmo, movimiento, teatro, música, danza y humor, del 22 al 24 de octubre en el Teatro Opera Allianz

Una imagen de Racconto Foto . gentileza Tiff Prensa & Comunicación

Como si la guerra no existiera en su ciudad de origen, el grupo liderado por Eylon Nuphar y Boaz Berman, continúa creando y creciendo. Mayumaná fue fundado en 1996 en Tel Aviv, al nuclear a un pequeño grupo de artistas con talentos extraordinariamente versátiles: los bateristas tenían que danzar, los bailarines tenían que hacer sonar las cajas y actuar, los actores tenían que cantar y los cantantes tenían que ser acróbatas. Hoy la empresa tiene más de cien miembros, de más de veinte nacionalidades distintas, divididos en tres grupos que operan simultáneamente en todo el mundo. Racconto es un espectáculo que reúne los ingredientes que han convertido a la compañía en un referente escénico a nivel mundial, con el que conmemoran sus 15 años artísticos, y más de 7 millones de espectadores alrededor del orbe. Se conoce como racconto a una retrospectiva narrada en pasado, una extensa y detallada continuación de recuerdos cronológicos hasta llegar al momento presente, en que se había iniciado ese recorrido. Por tanto este espectáculo incluirá aquellos hitos de Mayumaná cuya originalidad, frescura y energía lo transformaron en un referente escénico internacional. __BD

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La Intimidad del Tango Por Nahuel Aguirre La noche porteña aloja en el teatro Hasta el Trilce a la compañía Tempo Tango y su obra Taco Teco, un show tanguero que combina eficazmente el lenguaje del 2x4, la danza contemporánea y elementos del lenguaje teatral que satirizan y ponen en evidencia la violencia detrás de bambalinas dentro de una compañía de tango El espeso humo muestra en escena el final de un show de tango de la década del ‘80, sin embargo pronto se hará presente en la puesta algo más que la danza, los vestidos con encaje y la música. El director y coreógrafo Ignacio González Cano refleja en su propuesta, situaciones conflictivas, intimidatorias y crueles, que a veces se hacen presentes en un grupo de danza. “Quería mostrar la violencia de género, la discriminación y la envidia mediante algo propio del grupo que es el tango“, señaló en conversación con Balletin Dance. Luego de una secuencia grupal diseñada de forma simétrica el telón del show baja y en comentarios de conventillos se co-

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mienza a exponer la intimidad del elenco. El primer conflicto trae una escena que pone a la masculinidad en duda, cuando se realiza un juego con zapatos de taco que pone en evidencia la homosexualidad de dos malevos, interpretados por Juan Manuel Firmani y Ariel Almirón, ellos se seducen a la vez de enfrentarse al machismo de sus compañeros, en movimientos (que podrían encajar en La Idea Fija) que mezclan tango, danza contemporánea y la propia sexualidad andrógena de estos dos personajes. Con coreografías prolijas de tango de escenario, el público es trasladado a continuación al camarín de Micaela Spina, que se destaca interpretando a una bailarina acomplejada por su falta de atributos. Frente a un espejo ella se observa y baila violentando su cuer-

po, nuevamente los movimientos apelan a la sexualidad, esta vez de una mujer que posteriormente es llevada a un quirófano en donde consigue las curvas faltantes. En el momento más teatral y cómico de la obra, Spina recién operada, se insinúa e interactúa con el director (colaboración especial de la voz de Silvio Soldán) mostrando que tiene todas las aptitudes para poder subir a las tablas. Esta escena satiriza de forma simple los estereotipos y la imagen que muchas compañías esperan de sus bailarines, según una de las interpretes: “Muchas veces perdemos oportunidades de trabajo por no tener determinado cuerpo, acá exponemos esas situaciones”. Una marcación pre-función evidencia el maltrato de género, cuando el bailarín Nicolas Minoliti discute con su compañera Johanna Aranda, conflicto común entre partenaires, pero aquí la violencia llega a un punto máximo, hasta que la picardía de Pamela Colaneri logra romper la tensión mediante una charla de amigas, dando paso a una escena que juega de manera creativa con el protagonismo que cobra el mate en las reuniones y en los descansos de ensayo. El grupo es llamado a escena y los bailarines enloquecen con una coreografía inspirada en los movimientos de calentamientos y en los gestos comunes de los minutos previos a una función, las flexiones de brazos y saludos al sol, son ejecutados entre corridas por el escenario, junto a los voleos y ganchos bien sincronizados. Se abre el telón y Taco Teco logra junto a una banda en vivo y un excelente diseño de luces, imágenes de postal que cobran vida con las coreografías de Soledad Fernández y el propio director. De forma contraria a lo que se ha visto en la obra, este grupo de bailarines es bastante tranquilo, siendo capaces de crear ambientes de tensión sobre el escenario y resolver con escucha y técnica cada secuencia de movimiento. La compañía ficticia de tango for export está en función, pero sus internas, sexualidad e intimidad han quedado expuestos entre las milongas y tangos ideados por Tempo Tango. __BD

Dos Malevos Fotos . Diego Restrivo

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Juntos de Gira La Exposición de Fotografías de Danza por los 20 años de Balletin Dance, parte de gira junto al Ballet Metropolitano de Buenos Aires, que está celebrando su primera década FOTOGRAFÍAS Hasta el 19 de este mes, la Exposición de Fotografías de Danza acompañará la gira nacional del Ballet Metropolitano que dirige Leonardo Reale, exhibiéndose en los mismos teatros donde se realizarán las actuaciones. Esta muestra organizada con motivo del 20º aniversario de Balletin Dance, está integrada por obras de los más prestigiosos fotógrafos argentinos especializados en la materia: Alicia Sanguinetti, Antonio Fresco, Guillermo Genitti, Máximo Parpagnoli y Carlos Villamayor, y fue inaugurada en febrero de este año en el Centro Cultural Borges de la ciudad de Buenos Aires. Arte inseparable de la danza, la fotografía especializada se ha ocupado de perpetuar el efímero instante en que los bailarines despliegan su danza sobre el escenario. Balletin Dance, ha reunido en esta exposición fotografías de bailarines argentinos, de función, ensayos, clases y estudio. En una tarea en conjunto con la Asociación Arte y Cultura que lidera Juan Lavanga y con la intensión de difundir la tarea artística nacional a través de la lente de estos creadores, la muestra podrá verse en cada teatro donde actúe el Ballet Metropolitano de Buenos Aires en su gira nacional por su 10º aniversario. Paralelamente y hasta fin de mes una exposición simultánea a la

Guillermo Genitti, Alicia Sanguinetti, Máximo Parpagnoli y Carlos Villamayor, posan frente a la exposición 20º Aniversario de Balletin Dance, integrada por sus obras y las de Antonio Fresco 52 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

gira, de los mismos fotógrafos pero con diferentes obras, permanecerá en el Teatro El Círculo de Rosario, celebrando los 20 años de esta revista. EL ESPECTÁCULO Luego de festejar su décimo cumpleaños en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires con una función especial que incluyó a invitados de lujo, el Ballet Metropolitano de Buenos Aires que dirige Leonardo Reale, emprende una gira nacional. La tournée los llevará al Teatro El Círculo de Rosario (Santa Fe, el 3 de septiembre), Teatro Mitre de Jujuy (a través del Mozarteum, el 10), San Martín de Tucumán (en el marco del Septiembre Musical Tucumano, el 12), 25 de Mayo de Santiago del Estero (el día 14), Teatro del Libertador de Córdoba (17) y el Teatro Cooperativa de Almafuerte (Córdoba, el 19).

Una imagen de la exposición en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, que este mes podrá verse en Rosario (Santa Fe), Jujuy, Tucumán, Santiago del Estero, Córdoba y Almafuerte (Córdoba) con entrada gratuita

Los más prestigiosos fotógrafos especializados en danza del país

El elenco integrado por Yanina Toneatto, Victoria Mazari, Nina Zaera, Dominique Crespo Lopes, Matías Gonzalez, Martín Parrinello, Victor Robledo, Milagros Sonsogni, Rodrigo Villaverde y el propio Reale, tendrá a su cargo un espectáculo estructurado en dos actos, con coreografías del propio director y de Margarita Fernández. En la primera parte se verá Suite Clásica sobre música de Piotr Ilich Tchaicovsky, Pañuelos del Viento con partituras de Nestor Garnica y Tangos del Plata con composiciones de los reconocidos Astor Piazzolla, Mariano Mores, Walter Oliverio y Angel Villoldo. La segunda instancia estará integrada por Pampa Universal sobre música de Walter Oliverio, Un Instante, Dos Caminos (de Fernández) con partituras de Marcos Pochi Fernandez y el cierre triunfal con Bastones Dorados que utiliza composiciones de Vivaldi, Duke Ellington, Benny Goodman y Handy. En el Teatro El Círculo de Rosario se verá Valses de Viena con música de Johann Strauss en reemplazo de Bastones Dorados. __BD

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¡Qué Hermoso Sueño Soñé! Por Juan Cruz Guillén El 13 de septiembre se cumplen 20 años de la muerte de Santiago Ayala “El Chúcaro”. Escribir o hablar sobre él es difícil, pues me provoca alegrías y tristezas, ¡Qué Hermoso Sueño Soñé! es el título de una hermosa chacarera de Carlos Carabajal y Pablo Raúl Trullenque, que utilizaré para recordar algunas cosas y por qué no alucinar otras Rememorar, por ejemplo, los lugares donde ensayaba Santiago Ayala. Para ello recurrí al recuerdo de un Primer Bailarín que integró la primera agrupación del maestro en 1953: Alfredo Lucero. Él contaba que ensayaban en el Teatro Maipo a las doce de la noche después de que terminara la función, y también en los jardines del Cabaret Chantecler de la calle Paraná 460. Cuando ingresé al Ballet en 1966 lo hacíamos en los estudios de Canal 13 y luego fuimos recorriendo el subsuelo de Canal 11, el estudio de danzas del Maestro Kotovsky (en un subsuelo de Callao 120), en una de las salas donde funcionaba Radio Libertad (propiedad de Alejandro Romay), en Florida 165. También ensayamos en un restaurant de la calle Azcuénaga 760, en el Teatro Astral y en Michelángelo durante 5 años seguidos. Para la Fiesta de la Vendimia de 1968, la selección de bailarines mendocinos se hizo en la escuela Bombal y los ensayos en un galpón que pertenecía al Canal 7 de Mendoza. Ya formado el Ballet Folklórico Nacional, las clases se realizaban en el Teatro de la Ribera del barrio de La Boca y en el Teatro de las Provincias (hoy Regio). Recién sobre los últimos tiempos del Maestro, nos encontrábamos en la sala y el patio de su casa de la calle Borges 2030 en el barrio de Olivos. Me gustaría tener un sueño con las imágenes que vinieron a mi mente hace poco, una fría mañana en la ciudad de Olavarría. Allí vi a Santiago Ayala crear

Imagen inédita de Santiago Ayala Se trata de una de las fotos que se sumarán en la segunda edición del libro Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, de Juan Cruz Guillén, de próxima aparición 54 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

un espectáculo Latinoamericano junto a Joaquín Pérez Fernández, con Nestor Pérez Fernández como primer bailarín y al gran cantante mexicano y amigo suyo, Jorge Negrete. También lo soñé reponiendo Malón Ranquelino con Nélida Lobato, Dolores Verónica, Mario Machaco, Pedro Ortiz, Jorge “Chupete” Corrales, Carmen Engel “Heidi”, Normita Re, Nydia Viola, Vilma Pérez y por supuesto a su compañera de siempre Norma Viola. En ese delirio maravilloso, lo divisé convocando a Carlos Saavedra como profesor de zapateo, montar nuevamente El Hombre de la Esquina Rosada pero esta vez con Astor Piazzolla tocando en vivo, pedirle al Cuchi Leguizamón que componga otro concierto de campanas, que Ariel Petrocelli cante su Seclanteño, que Ariel Ramirez toque la cueca El Cocherito y para terminar como era originalmente Amanecer Salteño, bailando la López Pereira cantada esta vez por Aldo Saravia, Cocho Zambrano, Dicki Dávalos, José Antonio Saravia Toledo, Franco Sosa, históricos Chalchaleros dirigidos como siempre, pero desde acá1, por el único Juan Carlos Saravia. En esa misma irrealidad, lo imaginé juntándose con su compadre Atahualpa Yupanqui y lucirse con Malambeando Pa´ los Peones. También pude disfrutar de aquellas creaciones que nunca vieron la luz en un escenario, como el Malambo del Hornerito, el cuadro sobre una soprano italiana que fue tomada cautiva por los indios ranqueles cuando se dirigía hacia Chile, que había sido concebido para Titina Di Salvo, el Grito 1

NdR: el autor se refiere a que dentro de este sueño, todas las personalidades ya han muerto, con excepción de Juan Carlos Saravia.

In Memoriam

ESTUDIO DE DANZAS

Silvia Roller Sagrado que ensayamos durante seis meses y que fue prohibido un día antes de estrenarlo, teniendo el vestuario listo, la música, las máscaras y la escenografía. Pero más aún, pude ver a Santiago Ayala cumpliendo su sueño de bailar La Misa Criolla tocada en vivo por Ariel Ramirez y Domingo Cura… En fin, dicen que hay sueños que se hacen realidad. ¡Que bueno sería! __BD

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Poema de Carmen Estelles, para Santiago Ayala El porqué de tu nombre me avasalla y conmueve, es un fustazo esdrújulo, es una llama ardiente. Tus ojos, agrandados de tanto estar buscando descubrieron la esencia y ese fue tu baluarte. Fuiste Chúcaro en todo, en el amor y el arte que es decir en la vida. Potro ansioso y fecundo, con tu potente semen de sueños fantasiosos diste luz a creaciones de inconfundible sello: diste juego a Navarra, bailaste con la luna, entraste en las profundas salamancas temidas. Fuiste un espantapájaros inolvidable y tierno. Despertaste con fuerza de Amanecer Salteño. Inspiraste un idillo de Cardón y Pastora. Convocaste el acecho del Malón Ranquelino. Tantos años de lanzas, cuchillos, boleadoras, de esplendorosas danzas!! Maestro de lo hermoso: una amazona blanca acompañó tu galopar sin freno, y controló de a ratos, tus pisadas de fuego.

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Académicos Miembros del staff de Balletin Dance disertan en congresos académicos Los profesionales que integran este equipo de trabajo, han sido convocados para participar con diferentes ponencias referidas a sus especialidades en diferentes congresos académicos de nuestro país. En agosto, celebrando el Día Internacional del Folklore (viernes 22 de agosto) Juan Cruz Guillén coordinó la mesa de danza del II Congreso Nacional de Folklore “Folklore y Futuro” organizado por la Academia Nacional del Folklore de la República Argentina. Posteriormente, el sábado 30, Eliana Gissara disertó sobre la comunicación desde los medios de difusión, mientras que Alicia Muñoz expuso sobre la renovación de la pedagogía de la danza en el II Congreso de Historia de la Danza y Música Árabe organizado por Estudio Sahar, a cargo de Marina Barrionuevo, en la Universidad Abierta Interamericana. Por otro lado, la reconocida pedagoga ha sido invitada para dictar una conferencia en el marco del VII Congreso Internacional de Danzas Folklóricas-15° Jornadas por la Identidad Cultural “Identificarte 2014”, organizados por la Escuela de Danzas Tradicionales Argentinas “José Hernández” de la ciudad de La Plata, que dirige Analisa Andreoni. Este encuentro se realizará del 8 al 10 de octubre en el Centro Cultural Islas Malvinas de la capital bonaerense y Muñoz se explayará en torno la Evaluación en la Danza en el eje temático “Articulación Pedagógica de los Lenguajes Artísticos en el Sistema Educativo”. Por último, la Escuela Municipal de Danza Norma Fontenla de la ciudad de Mar del Plata, dirigida por Patricia Enciso, organizará por segundo año consecutivo un evento multitudinario por el

Alicia Muñoz, especializada en pedagogía Foto . Alicia Sanguinetti

Día Nacional de la Danza (10 de octubre) en el Centro Cultural Unzué, “un espacio recuperado por la Nación de condiciones increíbles”, aseguró la directora a esta revista. El año pasado se celebraron así los 45 años de la institución, con clases gratuitas para toda la comunidad, de diferentes técnicas, dictadas por docentes de la escuela y figuras invitadas, además de talleres y diferentes proyecciones. “Repetiremos la experiencia en 2014 deseando que quede la fecha instalada como un evento dentro de la ciudad”. En el marco de este mega evento, la Escuela Norma Fontenla hará un reconocimiento a Balletin Dance en sus 20 años de existencia, mientras que Alicia Muñoz presentará su trilogía de libros dedicados a la pedagogía de la danza (Aprendizajes Cognitivos, Planificación y Evaluación). __BD

Eliana Gissara, especialista en medios de comunicación y danzas de Medio Oriente 56 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Iris Scaccheri 16 de octubre de 1949 - 27 de julio de 2014 Por Aurelia Chillemi

Iris Scaccheri Foto . Alicia Sanguinetti

In Memoriam

Iris, la gran creadora, logró abrir zonas, caminos de reflexión, sobre los que fue tejiendo la urdimbre de sus danzas. Esas que comenzaron desde muy pequeña en la Ciudad de La Plata donde las flores de su casa, las telas de la tía, algún ratón que la miraba desde la parra, los retos de su mamá porque nunca se quedaba quieta y “aquel antiguo cedro”, enriquecieron ese maravilloso mundo interno que ella resignificó en arte. Dicen que falleció el domingo 27 de julio. Fue velada en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, como ciudadana ilustre que era, allí estuvieron presentes Teresa Parodi (Ministra de Cultura de la Nación) y Susana Rinaldi (Diputada de la Legislatura porteña), ambas en proyecto conjunto para realizar un póstumo homenaje y traslado de sus restos. Estuve presente, pero igual no lo creo. Seguramente está viajando. Incansable. Ya estuvo en el Festival de Milano Aperto, en el de Maçon, en la Septième Biennale y tantos otros de París, en España, Alemania, Inglaterra, Escocia, Estados Unidos, Polonia, Japón, Austria, Noruega Sigue presente porque tuvo el valor de romper con lo instituido llegando un poco más allá, cuestionando la belleza de la forma, cuando era lisa y no permitía leer las entrelíneas. “¿Qué dice la gente, la gente qué dice?” da señales de su filosofía de la danza “¡No puede ser tanta acrobacia y que no provoque nada!”. Scaccheri nos dice: “La inmensidad se disgrega. Está loca loca loca. Se dobla toda una pierna. Pierna cabeza ¡qué rueda! Y gira toda torcida. La inmensidad del espacio se le acerca la envuelve y la arroja. Es lo nuevo, ha nacido”. Desde pequeña tanto se esmeraba en el estudio de la danza en sus diversas formas, que conseguía volver locos a sus profesores y también a sus padres. Una de sus primeras obras fue concebida a los 9 años: Masa. Entre sus maestros se cuentan Carmen de Toledo, Gino Tesori, Lucía Van Rapp, luego Pedro Martínez, María Ruanova, Michel Borosky y la gran Inx Bayerthal, cuya técnica le dio síntesis a sus saberes previos. También logró confundir a algunos colegas y críticos de arte. ¿Cómo encasillar la transgresión de la creación? Dore Hoyer la eligió como solista en el conjunto de Danza Moderna del Teatro Argentino de La Plata y esa labor trascendió nuestro ámbito, al responder a la invitación que le cursara como etoile, para el estreno mundial de su versión de Fausto en Frankfurt. En la década de los ‘60 estuvo en el Instituto Di Tella, centro de la vanguardia artística de Buenos Aires, con Oye Humanidad que incluía textos propios y de conocidos poetas. Fue rodeada por los artistas de su época con muchos de los cuales trabajó

en diferentes creaciones, poetas, artistas plásticos, fotógrafos, escritores, músicos. Ingrid Pelicori y Cristina Banegas, dos amigas del alma, fueron también protagonistas en las presentaciones de sus libros Brindis a la Danza e Idilios, publicados por la Editorial Leviatán, con el apoyo incondicional de Claudia Schvartz. ¿Quién no la vio bailar en el Teatro General San Martín? ¿y en el Teatro Colón? Fue la única bailarina a la que el público llevó en andas. No podrían mencionarse aquí sus obras, están en los libros y son muchas. Como en toda persona pública, están los de atrás de la escena: su amigo e iluminador Alexander Schächter y su esposa y amiga Irene Marco, Laura Levy, Ricardo Ale con quién también compartió alguna de sus danzas, Jimena Paz y Elena Kruk. Pero el rescoldo que le dio calor, lo encontró siempre en su compañero de toda la vida, Vicente Selim, y en sus amores: Marcelo Augusto, Luis María, Julio Cesar (en viaje con ella), María Roxelana y Sergio Esteban Selim. Con motivo de un homenaje que habían organizado para ella, y al que ya no podía asistir, escribió: “No puedo estar presente pero estoy… de alguna manera estoy… Dice la canción que el tiempo queda y somos las personas las que pasamos. Yo pasé, es cierto, pero no me fui, porque ustedes pudieron mirar hacia atrás y recordar. Muchas gracias por poder ver y recordar”. __BD SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 57

Elsa Agras 20 de junio de 1924 - 9 de agosto de 2014

Como pretendiendo no opacar el estreno de una nueva obra de su compañía, el Ballet 40/90, Elsa Agras falleció el sábado 9 de agosto, un día después del debut del espectáculo Te lo Bailo de Taquito en el Teatro Empire. Había nacido en Buenos Aires, se formó en danza clásica, eutonía, clown, música y teatro, y se consideraba discípula de la gran Pina Bausch. Se la recordará como la coreógrafa que hizo bailar sobre los escenarios a señoras de hasta 90 años, los mismos que ella confesaba con justificado orgullo. En diciembre pasado había aceptado una entrevista con Balletin Dance para compartir sus impresiones sobre la experiencia de la danza en los adultos mayores. Casi sobre el filo de la charla le preguntó a este cronista: “¿Usted conoce al director de cine Manoel de Oliveira? El sigue filmando a los 105 años. Existiendo arquetipos como ese, por qué me voy a fijar en los otros. Siempre que me entrevistan me preguntan por mi trayectoria y la verdad que a mí me interesa más hablar de mis proyectos y no de mi historia. Le escuché decir a Woody Allen que prefiere pensar en cómo resolver el segundo acto de la película que está filmando, y no tanto en qué va a hacer cuando cumpla 90. Yo opino lo mismo”. Su vida tuvo algo de novela. Conoció a Osvaldo, el hombre de su vida, a los catorce años, pero el candidato no obtuvo el visto bueno de sus padres y a ella la mandaron de viaje para que lo olvidara. Terminó casándose años más tarde con otro hombre, que la convirtió en madre de tres hijos (uno de ellos, adoptado). Tras veinte años en pareja se separó e inició terapia. La historia trunca con Osvaldo volvió a la superficie. Un día lo llamó haciéndose pasar por otra vecina del barrio. Osvaldo le confió que seguía prendado de aquella chica a la que sus padres habían mandado al campo “para salvarla”. Se reencontraron ya grandes y disfrutaron durante casi dos décadas de aquel amor postergado, hasta la muerte de él. Elsa, que había dejado la danza durante muchos años, halló en Osvaldo el sostén necesario para llevar a cabo el proyecto del Ballet 40/90, que creó en 1995. Llegó a dirigir hasta medio centenar de mujeres sin formación académica en cada uno de los espectáculos que estrenó: Miusijol, Per Vivire, Te bailo la Justa, Sandunga, A más Hechos, más Pechos, y otros. En 2003,

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In Memoriam

Por Daniel Sousa

Elsa Agras, una vida de novela Foto . Mariano Ureta

la compañía obtuvo el primer premio en el Certamen Sudamericano de Danza Amateur. En 2010, Elsa fue galardonada con el premio Teatro del Mundo y recibió una mención a la trayectoria de parte del Consejo Argentino de la Danza. “Cuando comencé con esto tenía el interés de descubrir si el adulto mayor no estaba interesado en bailar o, en realidad, no conocía esa posibilidad. Finalmente, entendí que la danza era algo que no conocían. Más aún: a muchos lo que más les gusta en la vida es estar sobre un escenario. Lamentablemente, vivimos en una sociedad que nos enseña que después de cierta edad uno debe recluirse, ser discreto, que hay que dedicarse a tejer o asistir a alguna clase de algo, sin tomar ningún compromiso”, contaba en el diálogo con la revista. “La creatividad y la capacidad de moverse y de bailar no tienen límite. Naturalmente, uno sabe que el cuerpo se deteriora. De hecho, yo misma tengo dificultades para caminar (a raíz de un accidente). Pero las neuronas funcionan. Y si funcionan las neuronas, uno al cuerpo lo va llevando hasta el máximo que puede dar. Ese máximo es un asombro cada día. Nadie se imagina realmente hasta dónde puede llegar”. __BD

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Minutos de Estrellas Por Agustina Llumá Y agosto fue una vez más época de galas de ballet en el sur del continente. Los artistas que integran compañías en el hemisferio opuesto, disponen de estas fechas para aceptar invitaciones en otros países Para darle el espacio acertado a cada una de ellas, se ofrecerán reseñas desde el Teatro del Lago de Frutillar (Patagonia chilena) y las realizadas en Buenos Aires: la Gala por los diez años del Ballet Metropolitano de Buenos Aires en el Teatro Nacional Cervantes, la Gala en San Martín, estas dos últimas con entrada gratuita y la organizada en el Teatro Colón, en diferentes ediciones de Balletin Dance. El formato de espectáculo conocido como gala de ballet, incluye la participación de cantidad de bailarines que presentan obras breves, o bien, fragmentos de creaciones integrales. Solían ser duos del repertorio clásico tradicional, que integran el repertorio de compañías de todo el mundo, pero alineándose con los tiempos actuales, la danza contemporánea comienza a cobrar mayor protagonismo en estas propuestas. Es cierto que el progreso y la evolución del ballet, sumados a la designada globalización, va haciendo que año a año las características propias de cada compañía comiencen a desdibujarse desde el punto de vista del estilo (al mostrar obras netamente clásicas). Las identidades se consolidan entonces a partir del repertorio actual, y para ello cada pareja de bailarines selecciona aquello que los torna únicos. Las galas entonces, permiten no solamente comprobar el nivel técnico que han alcanzado los bailarines (este aspecto es el más festejado en la platea por los más jóvenes estudiantes de ballet) sino que permiten descubrir el camino que recorre el mundo de Terpsícore revelando nuevas y antiguas piezas coreográficas (lo más festejado por los balletómanos que llevan en su haber cantidades de espectáculos vistos). La mutación del formato llevó a que hoy en día, las galas deban nuclear el desenfado juvenil casi acrobático junto a consolidados artistas que ofrezcan algo más que virtudes y destrezas técnicas, y todo esto, en menos de una decena de minutos para cada dupla. TEATRO DEL LAGO El Teatro del Lago de Frutillar, sumó a su propuesta, la dirección artística de Marcia Haydée (ver entrevista en esta revista) y un homenaje a Iván Nagy que tanto significó para el ballet chileno, con un documental firmado por Patricio Melo

Julie Kent y Marcelo Gomes, magníficos en La Dama de las Camelias

El mayor acierto de la noche, fue la formidable paleta de creaciones, con coreografías de Kenneth MacMillan, John Cranko, John Neumeier (dramatismo puro), Asaf Messerer, Ivan Nagy (para la hiper romántica Giselle), August Bournonville (típica batería de la escuela danesa en reposición de Mario Galizzi), Ben Stevenson (en un clásico remozado), sin faltar Marius Petipa (para los archiclásicos). Pero también se mostró un estreno de Leonardo Reale, obras de corte contemporáneo firmadas por Rodrigo Pederneiras

Marianela Nuñez y Alejandro Parente, sólida dupla 60 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Inicio de Tangos del Plata de Reale Fotos . Patricio Melo

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Natalia Berrios y Luis Ortigoza, lograron el clima fantasmal

Luiza Lopes y Emmanuel Vázquez, impecable Bournonville

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y la súper actual tendencia de Itzik Galili. Los bailarines encargados de traspasar estas obras a la audiencia contaban con el nivel necesario para encarar semejante compromiso, resultando un espectáculo verdaderamente excelente. Los argentinos nos jactamos muchas veces al decir que en toda compañía de danza o de ballet del mundo se destaca un compatriota. Esta gala colaboró con la fábula. Fueron bailarines argentinos los representantes de Chile, Brasil, México e Inglaterra. Sin lugar a dudas Julie Kent fue la más completa artista sobre el escenario, muy bien acompañada por Marcelo Gomes, en las maravillosas La Dama de las Camelias de Neumeier y Onegin de Cranko. Los bailarines del American Ballet Theatre dejaron a la platea sin aliento junto a Frédéric Chopin interpretado en vivo por Albena Dobreva en su primer pas de deux. La actuación de la argentina Marianela Nuñez, considerada una de las más destacadas bailarinas de la actualidad (Royal Ballet de Inglaterra), por primera vez en suelo chileno, había causado gran revuelo en el país trasandino (la gala agotó sus entradas mucho antes de la fecha de realización, con espectadores provenientes de varias ciudades). Nuñez mostró en Frutillar aquello que la hace completamente diferente, única, en el Adagio de la Rosa de La Bella Durmiente (con Alejandro Parente, Edgardo Trabalón, Martín Parrinelo y Rodrigo Villaverde) y en el Cisne Negro de El Lago de los Cisnes (con Parente). Es como si la danza recorriera sus venas para provocar los gráciles, fluidos y orgánicos movimientos que la desplazan con seguridad y gozo magistral sobre el escenario. Es llamativamente diferente a lo que se está habituado a ver en ballet clásico. Obsesiva del detalle técnico en los ensayos y clases, una vez que comienza la función, parece que estuviese improvisando.

Annete Delgado y Dani Hernández, en Aguas Primaverales

Agustina Galizzi y Roberto Rodrígues en la coreografía de Stevenson Fotos . Patricio Melo

Encantadora resultó Luiza Lopes tanto en la Bachiana de Villa-Lobos con Joca Antunes como con el argentino Emmanuel Vázquez en La Sylphide (impecable el estilo y prolijísima técnica), de la Compañía de Danza de San Pablo de Brasil. Representando al Ballet de Santiago de Chile nuestro compatriota Luis Ortigoza junto a Natalia Berrios encaró el pas de deux del segundo acto de Giselle y el intricado, profundo y dramático Mayerling de MacMillan, dos facetas completamente diferentes. La también argentina Agustina Galizzi con Roberto Rodrígues (Ballet Nacional de México) mostraron La Cenicienta de Stevenson y Mona Lisa de Galili, con un fondo musical de sonidos percusivos (provenientes de una antigua máquina de escribir) la bailarina se descuartiza en escena con ayuda de su compañero, mientras la revolea por doquier. Del Ballet Nacional de Cuba llegaron a Chile -una vez más- Anette Delgado junto a Dani Hernández, para ofrecer La Esmeralda y Aguas Primaverales, con acertada ejecución. El trabajo de la técnica cubana masculina para los pliés siempre es agradable de ver por su gomosidad, además Hernández que no ofreció la mejor actuación de su vida, cuenta con unas piernas increíbles que le permiten entre otras cosas, hacer un passé retiré casi tocando la ingle con la punta de su pie. El programa en Frutillar, abrió con el estreno de Tangos del Plata de Leonardo Reale a cargo del Ballet Metropolitano de Buenos Aires, protagonizada por Natalia Pelayo y Edgardo Trabalón. Una sucesión de cuadros hilvanados argumentalmente a través de una metáfora del poncho argentino y de diversos encuentros amorosos, sobre partituras de Piazzolla, Mores, Oliverio y Villoldo. Reale continúa su búsqueda identitaria que fusiona al ballet (mujeres con puntas) y aquello de autóctono que puede ofrecer el folklore nacional, con interesantes resultados, sobre todo en las escenas masculinas. __BD SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 63

actualidad

Romántica de Despedida Poco antes de protagonizar Giselle, del 2 al 11 de octubre en el Teatro Colón de Buenos Aires Paloma Herrera anunció su retiro de los escenarios a fines de 2015 A través de un e-mail enviado a sus seres queridos, Paloma Herrera comenzó a anunciar hace un par de meses su retiro. Muchos no lo creyeron, dudaron que se tratara efectivamente de un anuncio oficial, de hecho no se trataba de un mensaje formal. Otros se opusieron: “todavía tiene mucho para ofrecer”… Pero realmente es verdad. Tal había sido la confusión despertada en el mundo de la danza internacional, que la propia Herrera resolvió publicar el comunicado en su sitio de internet: www.palomaherrera.com, para evitar cualquier tipo de mal entendido. La historia fue: un mes antes de firmar el contrato con el ABT como hace todos los años (ella nunca quiso comprometerse por mayor duración como deseaba la compañía), tuvo una conversación con el director Kevin McKenzie para expresarle aquello que siempre confesó, su deseo de “dejar el ballet en el momento más alto de mi carrera”. Por eso, la próxima, será su última temporada con el elenco en el que realizó su prolífica carrera profesional desde tempranísima edad. De acuerdo a la información oficial, entonces, las actividades de la bailarina argentina continuarán hasta diciembre de 2015. Por un lado cumplirá con todas las giras programadas del ABT y la Temporada en el Met (Metropolitan Opera House de New York). Luego realizará todas las galas que ya había confirmado en el exterior hasta diciembre del año próximo, incluidas cuatro actuaciones en el Teatro Colón en octubre de 2015 (con las que se despedirá del público argentino). En diciembre concurrirá a su cita anual en la Casa Blanca y a la Gran Gala en la Opera House de Washington, para la ceremonia que preside Barack Obama (presidente de Estados Unidos) de la entrega de premios “Kennedy Award”. En la temporada del ABT que acaba de finalizar (2013/14), nuevamente Paloma Herrera colmó todas sus aspiraciones, bailó prácticamente todos los ballets de la compañía, su imagen (una vez más) fue la elegida para toda la promoción del Met:

64 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Paloma Herrera, último año en el ABT Foto . gentileza de prensa

fue tapa de la Brochure (mayo/julio 2014), fue tapa de los programas de mano, figuró en las carteleras del Met, y cerró ese ciclo de espectáculos al protagonizar la última función, el ballet Coppelia. Aquí en Buenos Aires, el próximo programa del Ballet Estable del Teatro Colón será Giselle en versión de su directora Lidia Segni, que contará con la actuación de Paloma Herrera en cuatro de las siete funciones programadas. La pieza se ofrecerá en reemplazo del anunciado Romeo y Julieta de Kenneth McMillan que no podrá hacerse por problemas referidos a deudas en el pago de derechos de autor, un tema que viene arrastrándose desde hace años en nuestro primer coliseo y que no merece mayor espacio en este artículo. __BD

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-contemporáneo y jazz Towanda Danza Tierra sin Mal, Ménades y Flor Morena. Dirección: Sandro Mattos. Coreografías: Javier Melgarejo y Mattos. Jueves 16, 20:30 hs. Espacio Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640, Tel: 45524229). Entrada a la gorra.

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De David Señorán. Intérpretes: Inés Silvestre, Iván Asborno, Nicolás Baroni, Luciana Brugal, Leandro Bustos, Luciano Cejas, Gastón Gatti, Virginia Rossi, Lucas Minhondo, Agustina Annan, Abril Garay, Matías Tello y Mauro Poledo. Domingos 21 hs. El Kafka (Lambaré 866, Tel: 4862-5439).

3/3

Balletin Dance les desea a todos los maestros felicidades en su día

-contemporáneo Tinkunakuydanza

Ciclo de funciones compartidas. Domingos 20 hs. Espacio Cultural Dinamo (Sarmiento 3096, Tel: 2051-2718).

Cartelera

Grupo Los Algo Nunca Fuimos Nada. Dirección: Elias Miguez. Intérpretes: Lucía Asín, Pamela Campos, Priscila Favre, Carolina Pitetti, Cecilia Slamecka y Miguel Patiño. Sábados 19 hs (hasta el 20). Teatro La Tertulia (Gallo 826, Tel: 4865-0505)

11 de SEPTIEMBRE: DÍA DEL MAESTRO

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Musicales Gauchos El director y coreógrafo argentino Gustavo Zajac se encuentra una vez más en Japón desarrollando una intensa actividad artística Con motivo de cumplirse el centenario de la compañía de teatro musical Takarazuka, Gustavo Zajac fue convocado para coreografiar The Lost Glory, una versión de Otelo de William Shakespeare transportada a los dorados años de 1920 en Nueva York. Takarazuka se compone de cuatrocientas artistas mujeres que interpretan roles masculinos y femeninos, dividida en cinco elencos, que se presentan en forma permanente en sus dos teatros de 2500 localidades cada uno, uno en la ciudad de Takarazuka y el otro en la capital Tokio. El argentino que ya había trabajado con integrantes de esta compañía en el musical Nine y en sus puestas de Bodas de Sangre y Yerma, ha incluido para esta puesta coreografías de jazz, charleston, y tango. Por otro lado, Zajac está a cargo de la creación, dirección y coreografía de Argentango, un espectáculo que engloba a cinco artistas de Takarazuka y cinco bailarines argentinos seleccio-

Posters promocionales de los dos espectáculos que Zajac presenta en simultáneo en Japón

nados especialmente para viajar a Japón y acompañar a las renombradas figuras japonesas que protagonizan esta obra, que se presenta en Tokio y luego realizará una gira por Osaka y Nagoya. “Argentango es un musical de tango ambientado en una milonga”, señaló el coreógrafo a Balletin Dance, inspirado en la película El Baile de Ettore Scola, incluye temas tradicionales, y canciones propias con traducciones al japonés. Esta es la primera vez que se crea en Japón un musical original de tango, interpretado por un elenco argentino-japonés. __BD

68 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

Danzaterapia en la Pantalla Grande El documental Dancing With Maria, sobre la bailarina, coreógrafa y danzaterapeuta argentina María Fux, compitió en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, celebrada del 27 de agosto al 6 de septiembre El documental ha sido dirigido por Ivan Gergolet, en una coproducción entre Italia, Argentina y Eslovenia que se centra en la figura de la nonagenaria artista María Fux, que continua activa en su escuela de Buenos Aires y en Italia. Se trata del primer documental que compite en esta sección del certamen (al cierre de la presente edición aún no había competido) y está producido por Igor Princic, que el año pasado cosechó el León del Futuro por Zoran, My Nephew the Idiot. El final del film incluye el flashmob creado el año pasado en la intersección de las avenidas Corrientes y Callao (a metros de su estudio de danza), en el que participaron cantidades de bailarines y no bailarines, de distintas edades (con y sin discapacidades), ideado en función del diseño de la avenida e inspirado en una obra de Vasili Kandisnky. __BD

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SEPTIEMBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 69

“El” Encuentro del Ballet Del 28 de octubre al 7 de noviembre se realizará la vigésimo cuarta edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana, bajo el lema Por Shakespeare, la Danza, presidido por la prima ballerina assoluta Alicia Alonso, es uno de los eventos más antiguos y prestigiosos del mundo de la danza Las primeras figuras y el afamado cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba protagonizarán los espectáculos presentados en este evento, junto a estrellas invitadas de otros países y compañías de prestigio mundial. Como es habitual en el encuentro bianual, se estrenarán piezas coreográficas creadas especialmente, habrá lugar para los grandes clásicos, fragmentos de piezas de todos los tiempos y se dará a conocer la obra ganadora del IX Certamen Iberoamericano de Coreografía «Alicia Alonso» CIC´2014. Las sedes principales de los espectáculos (dos por día) serán: el Gran Teatro de La Habana, el Teatro Nacional (Salas Avellaneda y Covarrubias), el Teatro Mella y el Teatro Karl Marx (recientemente reinaugurado luego de su puesta en valor). Y en la apretada agenda de actividades paralelas se cuentan el curso de técnica de ballet (para profesionales, maestros y estudiantes de nivel avanzado), exposiciones de artistas plásticos en galerías de arte de la Dani Hernández en Shakespeare y sus Máscaras Foto . Alicia Sanguinetti

70 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

capital, conferencias, presentaciones de libros y ciclos de cine y video. Este Festival constituye un momento único para el intercambio artístico entre bailarines, personalidades, críticos, especialistas, empresarios y espectadores, que debe vivirse al menos una vez en la vida. Ideado de manera tal que ese encuentro se produzca durante todo el día, en clases, ensayos, hoteles, salas de exhibición y teatros. La edición 2014, celebrará los 450 años del natalicio del dramaturgo y poeta inglés William Shakespeare, con la puesta en escena de algunas de sus obras llevadas al lenguaje del ballet, lo que ofrece una ocasión propicia para disfrutar nuevamente de Shakespeare y sus Máscaras, la versión de Alicia Alonso de Romeo y Julieta. Además, de la múltiple oferta de espectáculos, se anunció la reposición de Tula de Alicia Alonso, basada en la vida y obra de la célebre escritora cubana Gertrudis Gómez de Avellaneda, al cumplirse su bicentenario, y Percusión para Seis Hombres y Valsette de Vicente Nebrada, una versión reducida de Nuestros Valses que Zane Wilson y Yanis Pikieris, directores de la Nebrada Arts Initiative, comenzaron a montar el mes pasado al BNC. __BD

Olga Ferri Buenos Aires, 20 de septiembre de 1928 - 15 de septiembre de 2012

Fotos . Annemarie Heinrich

In Memoriam

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A dos años de la desaparición física de Olga Ferri, considerada una de las mejores bailarinas argentinas del siglo pasado, transcribimos algunos fragmentos de escritos publicados en 2012, para homenajearla y recordarla. Para el investigador Enrique Honorio Destaville “Con la desaparición de Olga Ferri culmina una significativa etapa del Ballet del Teatro Colón. Ella quedará como una de las mejores bailarinas argentinas (. . .) tenía a su favor su fina figura física, un rostro atrayente y la capacidad de llegar a la esencia del ballet tanto intuitiva como intelectualmente”. “Desde el exterior se la reclamó en numerosas oportunidades” recordaba Destaville dos años atrás, “ya había dado muestras cabales de ser bailarina versátil desde su ingreso a la compañía que tanto prestigió”. Entre sus memorables roles, el historiador argentino recordaba sus actuaciones en Giselle, La Bella Durmiente del Bosque, el integral El Lago de los Cisnes, El Cascanueces de y con Rudolph Nureyev, Romeo y Julieta, La Cenicienta, entre otros. Miguel Cabrera, historiador del Ballet Nacional de Cuba, recordaba “Alicia Alonso me habló siempre de ella con una enorme admiración y aprendí a conocerla y a valorarla como una de las grandes que Latinoamérica aportó a la danza mundial”. Fue en 1988, en el 11º Festival Internacional de Ballet de La Habana que el estudioso tuvo la dicha de conocer personalmente a Olga Ferri y a Esmeralda Agoglia. De Ferri decía: “Me impresionaron sus maneras, esa cualidad especial con que combinaba su porte aristocrático con un trato muy afable y sencillo, la mirada intensa que salía de sus ojos oscuros (. . .) una de las glorias del ballet latinoamericano”. __BD

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balletin informativo AUDICIONES Bélgica. David Hernandez & Collaborators busca bailarines/as mayores de 27 años para su nueva creación Hullabaloo. Se ofrece contrato de siete semanas de duración entre octubre de 2014 y enero de 2015. El estreno de la pieza será el 22 de enero en Epinal (Francia), y las siguientes funciones ya confirmadas se desarrollarán en Antwerp del 26 al 28 de febrero, y en Leuven (Bélgica) del 13 al 15 de marzo de 2015. Los interesados en audicionar deben tener experiencia escénica, madurez artística, capacidad técnica avanzada y el deseo y la capacidad para colaborar dentro de un vocabulario de movimiento muy específico. Enviar Cv con fotos recientes y link a un video en internet, antes del 22 de septiembre. Los postulantes seleccionados tendrán que participar en un workshop privado la última semana de septiembre de 2014 en Bruselas. Mayores informes: david.hernandez.management@gmail.com.

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España. La productora alemana de espectáculos Ispasions Productions seleccionará a cinco bailarinas (de 1.65 m de estatura mínima) y cinco bailarines (de 1.75 m de altura mínima) de clásico español para integrar el staff artístico de cruceros de lujo este año, en viajes cortos (de una a tres semanas de duración) en diferentes fechas e itinerarios (Europa, Caribe, África, Asia y Australia). Los interesados en audicionar (sólo por invitación) deberán tener experiencia escénica, versatilidad para encarar otros estilos de danza y otros talentos (como acrobacia y/o tela), nivel medio de idioma inglés, pasaporte europeo y ser mayores de 18 años. Enviar Cv con fotos (retrato y cuerpo entero) y link a video, antes del 30 de septiembre, para la selección que se realizará en octubre en Madrid, a: artist@eventuart.de. Informes: http://www.ispasion.com/Tango_and_Flamenco_Show_Entertainment.html. España. La Martz Contemporary Dance Company con sede en IABarelona, seleccionará bailarines/as para su nueva producción. El contrato incluye ensayos y funciones desde el 1º de octubre de 2014 hasta el 1º de enero de 2015 (tres meses, renovable). Podrán postularse bailarines con sólidas técnicas clásica y contemporánea y habilidades para improvisar. Cierre de inscripción: 15 de septiembre de 2014. Enviar Cv, con fotos (retrato y cuerpo entero), datos de contacto, e-mail, y links a videos de internet, a: info@acrodance.es. La audición será solamente por invitación, en pequeños grupos. Mayores informes: www.acrodance.es. Portugal. La Companhia Instável busca cinco bailarines y un aprendiz para su nueva creación, que se estrenará en 2015, junto al coreógrafo invitado Gregory Maqoma. Los interesados deberán tener una sólida preparación en danza contemporánea, con profundo conocimiento de la tradición, y deben estar abiertos a la investigación y la improvisación (poder recitar textos y cantar). Los períodos de trabajo se programarán entre diciembre de 2014 y marzo de 2015 en Portugal. Para audicionar, enviar Cv con foto en vertical, antes del 9 de octubre de 2014. Informes: http://bit.ly/1oaL22z. Reino Unido. Notice Magic Hat Productions seleccionará bailarines para la nueva producción Transition que se presentará del 12 al 15 de noviembre, en el Compass Theatre. La pieza contendrá diferentes estilos celebrando el último siglo de la danza, por lo cual la selección se orienta a bailarines de alto nivel, versátiles, talentosos, capacitados para encarar diferentes estilos y que puedan aprender coreografías rápidamente. Los ensayos comenzarán el 24 de septiembre en Londres. La inscripción para participar de la audición (21 de septiembre) cierra el 17 de este mes. E-mail: general@magichat-productions.com. Uruguay. Audición Internacional Anual del BNS, Ballet Nacional Sodre, que dirige Julio Bocca, para integrar el elenco en la temporada 2015, del 26 de enero al 31 de diciembre. Podrán presentarse bailarinas (de 18 a 26 años, con una estatura mínima de 1.60 cm) y bailarines (de 18 a 31 años, estatura mínima: 1.73 cm), con formación en ballet clásico y buen estado físico. La audición se realizará el sábado 11 de octubre de 2014 y consiste en una clase completa de ballet de carácter eliminatorio en barra, centro, variación clásica y contemporánea (preparadas por el postulante, llevar CD con la música) y ejercicios de pas de deux. Inscripción on-line, hasta el 30 de septiembre de 2014: http://www.balletnacionalsodre.gub.uy/#contenidos/es/audiciones.php. Informes: bns.audiciones@gmail.com. BECAS Festival Ola Danza, Mar del Plata, del 16 al 20 de febrero de 2015. Becas de perfeccionamiento y de seminarios (en Mar del Plata y en Tucumán). Los interesados en acceder a esta beca deben haberse inscripto en al menos uno de los workshops que se ofrecen en el festival y enviar Cv, dos cartas de recomendación, una nota fundamentando el pedido de la beca, a: oladanzafestival@gmail.com. Proyecto PEACE (Project for the European - Latin American Cooperation and Exchange) del programa Erasmus Mundus convoca a estudiantes argentinos de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires (con más de la mitad de la carrera aprobada), para participar en la selección de candidatos/as que deseen desarrollar instancias de formación en universidades europeas. La beca contempla pasajes (aéreos y terrestres, desde Buenos Aires hasta la universidad de destino), estipendio mensual de mil euros, aranceles en la universidad de destino, seguro de vida, gastos de trámites migratorios (visa, pasaporte, etc.). Inscrip-

72 / BALLETIN DANCE // SEPTIEMBRE 2014

balletin informativo ción on-line: http://econsort.ugent.be/regis.asp?frm=814. Informes en internet: www.uu.se/peace/EUpartners. Informes en la UBA: Cecilia Ortmann: e.ortmann@gmail.com. Becas de viaje Step Beyond de la European Cultural Foundation para artistas y gestores culturales. Estas ayudas financian a artistas emergentes y trabajadores culturales que quieran llevar a cabo, a través de la realización de viajes, el intercambio de puntos de vista, habilidades e inspiración. También se apoya a todo tipo de creatividad transfronteriza (música, artes visuales, teatro, danza, cine, documentales, multimedia, diseño, fotografía, moda, etc.). El proceso de selección tarda hasta un mes. Las becas se pueden solicitar en cualquier momento sin fechas límites: www.culturalfoundation.eu/step-beyond. CONCURSOS Y FESTIVALES Alemania. Dance-Solo International Theatre Festival. Del 12 al 15 de marzo de 2015, en Stuttgart. Los candidatos deben ser menores de 30 años, y proponer una pieza (solo) de 9 a 12 minutos de duración, de temática y música libres. La inscripción se realiza enviando un video de la obra que concursa (DVD o link a internet), antes del 11 de noviembre de este año. Los premios parten desde los 3.500 euros (otorgándose un total de 16.000 euros). Informes: http://bit.ly/1tIUsYh. CONVOCATORIAS El Estudio DanzaSur de Burzaco, necesita profesores de bachata y canto, residentes en zona sur. Los interesados deben enviar CV por Email, a: danzasur.danza@gmail.com. Informes, Adriana Gonzalez: 154170-9764. Días, horarios y honorarios a convenir. E. de Burzaco 653 (a dos cuadras de la estación de Burzaco). Festival Ola Danza 2015, Mar del Plata. 5º edición. Del 16 al 20 de febrero de 2015. Organiza: Centro Coreográfico Mar del Plata. Convocatoria para integrar la programación de las muestras coreográficas destinada a grupos, compañías, directores, coreógrafos y bailarines de danza contemporánea, con obras ya estrenadas. Se dará prioridad en la selección a aquellas obras cuyos intérpretes y/o coreógrafos se encuentren participando en cualquiera de los seminarios del Festival. Los interesados deben enviar un E-mail con link a video en internet, a: oladanzafestival@gmail.com, ante del 30 de noviembre. Bulgaria. Black Box Festival Internacional de Teatro y Danza 2015. 9º edición. Organiza: Fundación Black Box en colaboración con la Municipalidad de Plovdiv, el Ministerio de Cultura de la República de Bulgaria, y el Instituto Municipal de Plovdiv Antiguo. Cierre de inscripción: 15 de septiembre. Informes on-line: www.blackbox-fest.com.

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ROSARIO. SANTA FE Koi Ballet, Club Español: Rioja 1052, 2º piso Tel: (0341) 15-691-0232. E-mail: odisiocarina@hotmail.com SALTA Estudio de Danzas Candela García: Urquiza 296 Tel: (0387) 15-479-5286. E-mail: estudio_candeladanzas@hotmail.com SAN MIGUEL DE TUCUMÁN Fundación Bajo Jardín del Tucumán. San Juan 297, Planta Alta Web: www.bajojardin.com.ar SAN MIGUEL DE TUCUMÁN Interludio. Ayacucho 442 Tel: (0381) 424-0038, E-mail: alpapuyo35@hotmail.com.ar VILLA MARÍA. CÓRDOBA Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar

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