BALLETIN DANCE 236

ISSN 1850-6275 . Año 21. Nº 236 . Octubre u bre 20 2014 014 Revista mensual de distribuciónn grat gratuita uii ta ta en Capital Federal y Gran Buenos Buennnos os Aires AAir irre s

L A R E V I STA A RG E N T I N A D E DA N Z A

ALESSANDRA FERRI Un regreso esperado

BRENDA ANGIEL Celebra dos décadas DEBORAH COLKER Es Tatyana CRISTINA HOYOS El lado femenino del Flamenco

OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 1

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20 AÑOS 6 2003 NOTA DE TAPA 15 Alessandra Ferri. Un tiempo de plenitud DANZA ÁRABE 34 De Danza y Vampiros FOLKLORE 36 Congreso Nacional de Folklore Alessandra Ferri y Herman Cornejo Foto: Joan Marcus

ENTREVISTAS 38 Despacito y a Compás.

Cristina Hoyos 42 Pionera de los Aires 58 Galas, Aniversario y Más PROVINCIAS 20 Buenos Aires. Baila, Baila

Sumario 236

IN MEMORIAM 28 Alejandro Sinópoli

COMENTARIOS 46 De Posibles Experimentaciones 50 Sosteniendo Estilo 52 Viaje Vasco 54 Talentos en Fragmentos 60 Momentos Irrepetibles ARGENTINOS EN...

68 América. Tango al Mundo INTERNACIONALES 69 Alemania. William Forsythe anunció su retiro 70 Cuba. Carlos Acosta: entre Londres y La Habana 72 Estados Unidos. Corella nuevamente en América CARTELERA 13/49/67 Espectáculos de la cartelera porteña BALLETIN INFORMATIVO 73/74 Audiciones, convocatorias, festivales y congresos, inscripción, residencia, puntos de venta

Octubre 2014 - Año 21 - Nº 236

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5158544. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

4 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Eliana Gissara Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Pilar Sagasta Stella Salomón Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 8

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 5

En 2014 Balletin Dance, celebra su 20º aniversario. Es la primera vez que una revista especializada cumple dos décadas de vida en nuestro país. Una vida. Por ello realizamos un racconto, que comenzó en abril de este año, con algunos de los acontecimientos que pasaron por nuestras páginas, y que al ser cada vez más cercanos, serán cada mes más breves.

No queremos dejar de agradecer, en cada una de estas entregas, a todos aquellos que nos acompañaron en este recorrido, y por supuesto a los auspiciantes, porque ha sido su apoyo incondicional el que ha permitido esta extensa continuidad. Esperamos que disfruten de cada uno de los capítulos tanto como nosotros lo hemos hecho al crearlo y ahora al reeditarlo. En octubre: el año 2003.

2003 20Años

Balletin Dance celebraba su 9º aniversario con una extraordinaria función integrada por las diversas manifestaciones de la danza -fiel reflejo de nuestra publicación- el 10 de abril en el Teatro ND Ateneo. Regresaban a escena especialmente para la ocasión Silvia Bazilis, Raúl Candal y Miguel Angel Elías.

Recibíamos en 2003 un nuevo reconocimiento, como mejor revista, otorgado por la Confederación Interamericana de Danza. A pesar de las ruinas en las que habíamos quedado los argentinos con la última crisis, esta revista continuó su tarea de difusión y comunicación pero además organizamos y colaboramos en algunas actividades que permitieron encauzar las carreras de jóvenes talentos. Así llevamos a cabo audiciones en Buenos Aires para contratar por un año a cinco bailarines que integrarían el Ballet Contemporáneo de Caracas, en Venezuela, dirigido por María Eugenia Barrios, que celebraba ese año su primera década. Ellos fueron Jorge Gabriel Martínez, María Soledad Buss, Jacob Aaron

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Ernesto Cuellar (Colombia), Francisco Otarola (Chile-Paraguay) y Clara Solorzano (Venezuela), pero también quedaron en contacto para futuras incorporaciones Adrián Andrés Herrero y Julio Andrés Escudero.

Por otro lado convocamos a grupos y coreógrafos para participar del ciclo Arte y Cultura por la Identidad, junto a la Asociación Arte y Cultura y las Abuelas de Plaza de Mayo. Mientras que Pedro Frías (Paraná, Entre Ríos), Mariana Basualdo (Bahía Blanca, Buenos Aires) y María Julia de la Silva (Tucumán), recibían la beca Un Año en Buenos Aires a través del Proyecto Intercambio que organizaba esta revista con la Fundación Julio Bocca.

2003 fue “ossoniano”, pues Paulina Ossona -pionera de la danza moderna argentina- recibía cantidad de reconocimientos en vida y sobre fin de año presentaba su libro Tratado de Composición Coreográfica. Los homenajes continuaron siendo de especial interés para esta publicación, Esmeralda Agoglia cumplía 80 años y se organizó una función sorpresa en el Teatro Maipo organizada por Lidia Segni, recordamos también los diez años de la muerte

te; Andrea Chinetti cumplía 25 años en el Teatro San Martín, Marta Lantermo creaba Carne y Piedra en el Espacio Callejón.

Se conformaba un nuevo grupo integrado por bailarines del Teatro Colón (Maricel De Mitri, Gabriela Alberti, Mariana Crespo, Vagram Ambartsoumian, Leonardo Reale y Alejandro Parente, que debutaron en el Teatro Coliseo de Lomas de Zamora, y sirvieron de inspiración a los jóvenes de la actualidad. Por su parte la Fundación de nuestro primer coliseo cumplía 25 años, que celebraba con una función protagonizada por Paloma Herrera, y entrevista-

20Años

2003

de Rudolf Nureyev y de Kenneth MacMillan (en Londres entrevistamos a Deborah MacMillan, su viuda).

Entre las muchas entrevistas que realizamos ese año, citamos aquí unas pocas, a Herman Cornejo, Gonzalo Galguera, Michele Assaf, Eugene Fleming, Douglas Rosenberg organizador del Encuentro de los Ballets Russes realizado en Nueva York, Estados Unidos.

El mismo año en que asumía Néstor Kirchner como presidente de la Nación, volvía Maurice Béjart a la Argentina con Madre Teresa y los Niños del Mundo protagonizada por Marcia Haydée y Luciana Croatto. En una riquísima entrevista a Béjart en su sede de Lausanne antes de la gira por Sudamérica, el genial coreógrafo señalaba que “el espíritu latinoamericano tiene esa fuerza que Jorge Donn expresaba en el escenario”. También llegaban a nuestro país en 2003, Maguy Marin (Centro de Experimentación del Teatro Colón, donde más tarde debutaba Instantáneas un proyecto de residencias de coreógrafos y músicos) y Eva La Yerbabuena en su primera actuación argentina presentaba 5 Mujeres 5 (Teatro Avenida).

Se realizaba en Buenos Aires el primer ciclo A la Una a las Dos y a las Tres, organizado por la Fundación Hasper en el Teatro Hebraica de Buenos Aires, Elizabeth de Chapeaurouge estrenaba Jazz, Swing, Tap con producción de Alejandro Romay en el Teatro Broadway que incluía a treinta bailarines y cantantes en escena, siendo un trampolín para las nuevas generaciones, y la compañía Ballet con Humor hacía el ciclo Vamos al Ballet de la Fundación Konex.

El programa Arte y Organización Social de la Fundación Crear Vale la Pena dirigido por Inés Sanguinetti presentaba Interior Americano en el Centro Cultural de la Cooperación.

El Modern Jazz Ballet estrenaba Agua y presentaba varios espectáculos en el Centro Cultural Borges, Pepe Cibrián Campoy reponía Drácula en el Teatro Opera, el musical que en la década de los ‘90 revolucionó el género en la Argentina. Sibila y Adolfo Colque (quien murió ese año) fusionaban flamenco y jazz en un nuevo camino de investigación, mientras que Karina Roldán con su grupo Vis-à-Vis ofrecía durante varios meses Luces en el Alma, el mismo año en que Susana Zimmermann celebraba su 40º aniversario con la Danza-Teatro con una monumental Retrospectiva en el Centro Cultural Recoleta.

Las reposiciones obligaron a gestar una sección especial, por fin las obras de danza del circuito no comercial se repetían durante varias funciones e incluso durante varios meses. En 2003 se realizó el Primer Encuentro encarado por Prodanza, la compañía del IUNA actuaba en el Teatro Colón en una ópera con coreografía de Oscar Araiz y Amir Thaleb cumplía 40 años con una función extraordinaria en el Teatro Avenida. Margarita Fernánez, Laura Roatta y David Señorán estrenaron ese año De Erotismo, Locura y Muer-

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20Años

2003 8 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

COLABORADORES

Muchísimas fueron las personas que integraron el equipo de Balletin Dance en el transcurso de estos 20 años, en las diferentes áreas que hacen posible este múltiple engranaje. Muchos permanecieron con nosotros durante varios años y han sido mencionados en las entregas anteriores. En 2003 se sumaron Maxi Bartfield, Ana Hepner, José Antonio Blasco, Analía Melgar, Lucía Lucero, Ali Mahbouda y Tito Barbón.

mos a la presidenta de la institución Teresa Aguirre Lanari de Bulgheroni. Rubén Gallardo, Carlos Trunsky y Jorge Amarante: “Creatividad Renovada” para estos coreógrafos surgidos en el Taller Coreográfico del Teatro Colón.

Nacía la Compañía Ensamble con coreografías de Sergio Berto, Nora Díaz de Gottelli y Natalia Farías, cuando CoCoA organizaba en Buenos Aires el Festival Tendencias y el Consejo Argentino de la Danza (CAD) cumplía sus bodas de plata. Mayoral y Elsa María eran declarados Ciudadanos Ilustres por la Legislatura de la ciudad de Buenos Aires, Diana Avellaneda continuaba organizando el Día Internacional del Tap y Rafael Amargo presentaba Poeta en Nueva York en el Teatro Opera.

Las provincias argentinas no estuvieron ausentes ese año, recordamos aquí, que en Tucumán, Alejandro Totto reponía un programa mixto al Ballet de la provincia dirigido por Rodolfo Rodriguez y Elba Castría era homenajeada al cumplirse 41 años de la creación del Grupo Universitario de Danza Moderna de la Universidad Nacional de Tucumán.

Bien al sur, la Municipalidad de Río Grande de Tierra del Fuego realizaba el Encuentro Provincial Arte del Movimiento, se cumplía el 20º Aniversario del Ballet de Río Negro dirigido por Marcio Chinetti, la compañía Posdanza estrenaba Retrato de un Hombre con Sombrero Hongo, mientras que en Mendoza una megaproducción de Carmina Burana era interpretada por cantidad de elencos de la provincia con dirección de Ligia Amadio, puesta en escena de Vilma Rúpolo y coordinación general de José Loyero. Con un dossier especial comunicamos los 45 años del Ballet Oficial de Córdoba, cubrimos el Gran Latinoamericano de Danza de Piva Pérez y Danzamérica de Cristina Sánchez. Comenzaba Noches Merlinas Un Encuentro Cultural en Villa de Merlo dirigido por Laura Veiga El éxodo de Argentinos, contratados en el exterior (ya fuese para regresar o no en ese año), impuso la incorporación de una sección fija en Balletin Dance, y que en varias ediciones de aquel año fueron informes especiales de varias páginas. En 2003 Alicia Fiuri y Néstor Spada partían de gira rumbo a Japón y esta revista los entrevistaba con una sesión de fotos en el Jardín Japonés. Alejandra Radano estrenaba Concha Bonita de Alfredo Arias en París (que ese año recibía el Premio Moliere, el más alto galardón del teatro en Francia), Natalia Bonansea seguía en España, Gustavo Zajac era coreógrafo asociado en Nine protagonizada por Antonio Banderas y Chita Rivera en Broadway.

Marianela Nuñez era reconocida como la mejor bailarina 2002 por los Premios Nacionales de Danza que distribuye el Círculo de Críticos de Gran Bretaña, en una ceremonia realizada en el Sadlers Wells, el mismo año en que protagonizaba junto a Iñaki Urlezaga La Bella Durmiente en el Covent Garden. Paula Lena dictó seminarios en Madrid, Girona y Barcelona; mientras que muchos argentinos presentaban espectáculos en el extranje-

ro, como Pilar Alvarez, Claudio Hoffmann y Daniel Binelli que llevaron Tango Metropolis por toda Francia, Susana Szperling a Alemania, Julia Berón y Gaetano Carlos Parello a Suecia, Nahir Aram a Portugal, César Coelho en la Gran Manzana y Patricio Zabala recorría los siete mares a bordo de los cruceros turísticos. Margarita Bali estrenaba Ojo al Zoom en Wisconsin, Estados Unidos. María Betania Antico se integraba al Berlin Ensamble de la Komische Oper de Berlín, en Alemania; Silvana Grill fue invitada al Festival de Tango de París y Secreto y Malibú de Diana Szeinblum, Leticia Mazur e Inés Rampoldi se mostraba en el Festival Puerta de las Américas en México. Miguel Angel Zotto partía de gira a España, Francia e Italia “Más Criollo que Mate Amargo”. Laura Lago se internaba en el Cirque du Soleil para cubrir las funciones de Mystère y O en Las Vegas en exclusiva para Balletin Dance el mismo año en que ascendía a Nudes y era el reemplazo del rol protagónico en el nuevo espectáculo Bonheur del Lido de París. Cintia Decastelli era premiada en concursos en Luxemburgo y Biarritz. Erica Cornejo era promovida a bailarina solista en el ABT y Ana María Scheller ingresaba a la compañía joven del American, mientras que Gustavo Mollajoli integraba el jurado del Concurso Internacional de Ballet de Nueva York, por tercera vez, cuando Ludmila Pagliero ganaba medalla de plata y un contrato de un año en el American Ballet que rechazó para incorporarse al Ballet de la Opera de París. Walter Zaga en Mayumana, Sibila coreografiaba en Italia Carmen de los Corrales del director de orquesta Daniel Pachitti, con Eduardo Casullo como regisseur y la actuación de Koki y Pajarín Saavedra. Lorena Sabena era invitada al Festival de Danza de Belén do Pará en Brasil, cuando Gustavo Lesgart radicado en España estrenaba Marica en el Portón de Sánchez, Elizaberth Guerrero y Maximiliano Avila llevaban los bailes de salón a Bogotá, y María Marta Colusi bailaba con Sasha Waltz.

Tuvimos ese año informes desde Chile, Venezuela y Cuba y noticias del resto de Sudamérica. Ricardo Bustamante renunciaba al Ballet de Santiago de Chile y Margaret Graham recibía el Premio Nacional de Danza en Uruguay. El año en que morían Natalia

AUSPICIANTES

20Años

2003

Balletin Dance nació en 1994 con la firme convicción de su gratuidad. Esto es, que “debía” entregarse en forma gratuita para que todos contaran con acceso a la información. El sistema de logística que se actualiza cada mes hasta el día de hoy, era primordial para lograr este objetivo. Esta revista se sustenta gracias al apoyo incondicional de maestros, escuelas y empresas del medio que año a año van sumándose con el doble fin de reconocer nuestra tarea y de promocionar sus actividades.

Hemos mencionado en cada una de estas entregas, a quienes se iban incorporando como auspiciantes cada año, y en 2003 ellos fueron: Pablo Villaraza y Dana Friogli, L’Théâtre, Sandra Gatti, Escuela Argentina de Tango de Andy Maroglio, Mónica Hidalgo, Hannan, Leticia Marin, Mariam Al Kamar, Silvia Cwi, Córdoba Danza, Laura Winter, Elite de Margarita Gelman, Marisol Tiscornia, Festival Arabe Dance, Jor Coiffeur, Sindicato Argentino de Músicos (Sadem), Cie Argentina, Academia Superior de Danzas, Mónica Veitz, El Mundo de la Danza, Asociación Argentina de Baile Deportivo, Mónica Perrusi, Fundación Teatro Colón, Carolina Medici, Sala Las Manos, Claudine Etcheves, Estudio de Artes Escénicas Hanna, Ana E. Villafañe, Olga Besio, Ricardo Gatti, Candelaria Audi, Fundación Heinz Bosl, Instituto Tango Elite Argentino, Ballet Concierto de Iñaki Urlezaga, Estudio de Danza Eizer, Elizabeth Guerrero, Michel Marcu, Castañuelas Prieto, Ratisalil de Gramon, Edgardo Destefano, Sabrina Villalba, Quantum, Carlinhos da Silva, P & P Equipamiento para Método Pilates, Gustavo Tuny, P-equipe, Sugestión Medias, Vera Flehner, Conjunto Folklórico Croata Zrinski, Carlos Serra, Buenos Aires Ballet de Roberto Dimitrievich, Asociación Cooperadora del Instituto Superior de Arte el Teatro Colón, Jazzercise, Instituto Nacional del Teatro, Inés Armas y Tiempo de Gitanos.

Dudinsakaya en San Petersburgo, Mirta Plá en Cuba y Diana Gould en Londres, se disolvía el elenco original del NDT 3 en La Haya. Una vez más cubríamos el Mónaco Dance Forum y la entrega de los Premios Nijinsky, en los que Sidi Larbi Cherkaoui recibía el premio como coreógrafo revelación y agotaba ese mismo año las localidades del Theatre de la Ville de París (y lo tuvimos aquí en el Festival Internacional de Buenos Aires 2003). También informamos sobre la 31º edición del Prix de Lausanne desde Suiza.

El Ballet de la Opera de Viena homenajeaba a Fanny Elssler a los 197 años de su nacimiento, cuando los “intermitentes del espectáculo” cancelaban Festivales de verano en Francia. La Fundación HeinzBosl en Alemania (dedicada a otorgar becas de estudios para talentos en ballet) cumplía 25 años, cubríamos el festival de danza moderna más importante de Europa: el Dance Umbrella, y Mercedes Borges Bartutis, nuevamente en Europa, enviaba crónicas desde el Viejo Continente.

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(1)

✪ “El artista tiene que ser ambicioso y querer más, ese es un motor para formarse, y para trabajar, si no uno se queda donde está y no progresa” Gustavo Zajac (1) ✪ “Ser feliz en lo que sea que se haga” Herman Cornejo ✪ “Kenneth MacMillan significó un refuerzo del poder del ballet clásico y de su lenguaje, rescatándolo de una perfección cristalizada, para poder decir con él todo tipo de cosas” Deborah MacMillan

(2)

✪ Consejo: “Crean en las personas a las cuales se entregan, sus maestros. Esta es una generación incrédula. Les cuesta mucho aceptar las correcciones” Silvia Bazilis (2) ✪ “Realmente en el escenario uno se desnuda, no hay otra posibilidad, está ahí el alma de esa persona. Y estar arriba de un escenario tratando de dar todo lo mejor tuyo, da una sensación de libertad que en ningún lugar se vive. Uno se siente tan pleno en la parte físico-emocional, que es muy difícil de describir” Raúl Candal (3)

(3) (4)

✪ “Es fundamental aprender a improvisar, abrazar a la mujer que baila adentro de los brazos del hombre. Acariciar el piso para bailar, no se vayan de la esencia” Miguel Angel Zotto

2003

✪ “En el momento en que no haya por lo menos la sombra de lo sagrado en el arte, no habrá más arte” Maurice Béjart (4)

(5)

20Años

✪ “No hay que desanimarse, en momentos de crisis es cuando la persona saca lo más verdadero que tiene dentro, y eso hay que saber aprovecharlo para crear” María Rovira (5)

10 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

✪ “Soy muy pichoncita todavía, me falta un montón, si bien en estos cinco años aprendí muchas cosas y me di cuenta de otras, recién empiezo. Todavía no hice coreografías de MacMillan, que es lo que más me interesa. Pero para hacer ese tipo de roles uno tiene que estar súper maduro” Marianela Nuñez (6) ✪ “La confianza en uno mismo es primordial en esta carrera, sin confianza no vas a ningún lado por más talento escondido que seas” Lorena O’Neill

(6)

Balletin Dance Ediciones presenta su nuevo lanzamiento

Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco d e G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

Reseña histórica del baile flamenco Una clase de baile flamenco, destinada a alumnos y docentes Anexo con ejercicios para fotocopiar, para exámenes teóricos

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OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 11

encuentro

DANZAR PAZ por la

BALLET ESTABLE TEATRO COLON BALLET TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA CÍA. NACIONAL DE DANZA CONTEMPORANEA FRANCO CADELAGO

BALLET FOLKLÓRICO NACIONAL IÑAKI URLEZAGA & ELIANA FIGUEROA BALLET METROPOLITANO DE BUENOS AIRES CÍA. DE DANZA PIES DESNUDOS

29 DE OCTUBRE ::: 20:30 HS TEATRO NACIONAL CERVANTES Idea & Dirección General : LEONARDO REALE

ENTRADA LIBRE & GRATUITA retirar a partir del 15 de Octubre En ARTE & CULTURA ::: Guardia Vieja 3783 : Lunes a Viernes de 9 a 12 hs.

Novedades y Testimonios en

www.encuentrodanzarporlapaz.com © guillermo genitti | teatro argentino

INVITAN:

APOYAN A ESTE EVENTO:

Negras Inquietudes de Marta Lantermo Foto . gentileza de la producción 12 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014 Declarado de INTERÉS NACIONAL por PRESIDENCIA DE LA NACION en el marco del Proyecto “Construyendo un Mundo Mejor”

-musical Aquí y a jazz

-contemporáneo El Otro

-ballet Giselle

Jazz Unlimited Company. Coreografía y dirección: Bettina Toyos. Domingos 12 y 19 de octubre y 16 y 23 de noviembre, 20 hs. Velma café (Gorriti 5520/30, Tel: 4772-4690).

Coreografía y dirección: Gustavo Friedenberg. Con Debora Longobardi, Marian Moretti, Lucía Lacabana, Paula Botana, Mariana Ferreiro y Paula Lena.

Jueves 21 hs. Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección y coreografía: Lidia Segni. Invitada: Paloma Herrera. Hasta el sábado 11, 20:30 hs. Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7100).

Exposición de los vestuarios de Enaguas, instalación coreográfica de Andrea Castelli. Diseñadores: Darío Arbina, Francisco Ayala, Pablo Battaglia, Emilse Benítez, Claudio Cosano, Verónica de la Canal, Maureene Dinar, Gabriel Lage, Paula Ledesma, Susana Ortíz, Marcelo Péndola Roberto Piazza, Catalina Rautenberg y Marcelo Senra. Martes a domingos de 15 a 19 hs.

Museo Nacional de la Historia del Traje (Chile 832).

Intérprete: Lourdes Bianchi. En el marco de la noche de los museos, sábado 15 de noviembre 21 hs. Teatro Cervantes (Córdoba 1199, Tel: 4815-8883).

-infantil El tango del duende Compañía Kiukkarainen (Finlandia).

Guión y coreografía: Marjo Kiukaanniemi & Timo Hakkarainen. Sábado 8 y domingo 9 de noviembre, 16 hs. Teatro El Picadero (Pje. Enrique Santos Discépolo 1857, Tel: 5199-5793).

Cartelera

-ballet y tango Danza con Lourdes

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-teatro y danza Chéri Coreografía y dirección: Martha Clarke.

Intérpretes: Alessandra Ferri, Herman Cornejo, Norma Aleandro. Martes a viernes 20:30 hs, sábados y domingos 19 hs. Teatro Maipo (Esmeralda 443, Tel: 5352-8383).

-tango Enaguas

-folklore Flechas de la Tribu

Koki & Pajarín Saavedra. Compañía Nuevo Arte Nativo. Invitados: Peteco Carabajal y Laura Ros. Viernes 24, 21hs.

ND Teatro (Paraguay 918, Tel: 43282888).

Foto: Pablo y Ariel Grinberg

-infantil Juanito (una aventura en cohete) De Celeste Antenucci. Dirección: Jimena López. Coreografía: Paula Mesonero.

Sábados 11 y 25, 15 hs. Centro Cultural Adán Buenos Ayres (Avenida Asamblea 1200/Av. Eva Perón 1400, Tel: 49235876).

-ballet infantil El Cascanueces

-performance Kinjiki

y el Rey de los Ratones con las Princesas Encantadas. Ballet Metropolitano de Buenos Aires. Domingos 12 y 26 de octubre y 2 de noviembre, 11 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3151, Tel: 4864-3200).

Idea, diseño espacial y lumínico: Daniel Merlo. Performer, dirección general y diseño de movimiento: Federico Moreno. Viernes 22 hs. Mediterránea Teatro (Tucumán 3378, Tel: 2065-2644).

OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 13

Alessandra y Herman, Lea y Chéri en la ficción, transitan del apasionamiento al dolor más intenso

14 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

La gran bailarina italiana volverá a presentarse en Buenos Aires a siete años del inicio de un retiro que, por fortuna, no fue definitivo. Protagonizará Cheri, una obra de danza-teatro en la que comparte el escenario con Herman Cornejo y Norma Aleandro.

Con Balletin Dance habló de su necesidad interior de volver a crear, del arte sin fecha de vencimiento y de sus proyectos con John

FERRI Alessandra Neumeier y en el Royal Ballet

Un tiempo de plenitud Nota de Tapa Por Daniel Sousa Fotos: Joan Marcos

OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 15

El respaldo del sofá enorme amenaza con devorarla en un santiamén. Parece tan frágil, tan vulnerable en esa imagen que ofrece a la distancia, que dan ganas de correr a abrazarla. Sin embargo, su verba guarda la intensidad que supo tener también su danza, una firmeza y profundidad que recuerdan algunos de los roles que encarnó en el Royal Ballet o en el American de Nueva York, sus “dos casas”, o junto a Julio Bocca en las muchas veces que visitó la Argentina.

Conversa y cose, Alessandra Ferri. Se lleva el extremo del carretel de hilo a la boca, lo humedece, enhebra con clase, y decidida se entrega a la faena. Cose una zapatilla de punta (¡qué menos!) sin decir agua va, pero no resigna la charla.

Desde el 5 de noviembre y por dos semanas protagonizará en el teatro Maipo una obra de danza-teatro que estrenó en diciembre último en el Pershing Square Signature Center de Nueva York, donde cosechó encendidos elogios. Esta pieza marca el regreso de Alessandra a los escenarios porteños a siete años del inicio de un retiro que finalmente no fue definitivo. Se había despedido de la danza en junio de 2007 con La Dama de las Camelias, de John Neumeier, en el Met de Nueva York. Poco antes había dado el adiós en Buenos Aires, en el Teatro Opera, interpretando Manón, de MacMillan, junto a Bocca y el Ballet de Santiago, en octubre de 2006.

¿Qué representa para usted este regreso a la Argentina?

Es muy emocionante. Como sabrás, para mí Buenos Aires es como una segunda casa, me siento muy cercana a la ciudad y a su gente.

Y estoy contenta de tener la oportunidad de regresar con Chéri, una obra tan especial, que me ha dado tantas satisfacciones.

La génesis de este proyecto se remonta a un encuentro casual de Alessandra con la directora estadounidense Martha Clarke. “Después de casi seis años sin bailar profesionalmente, Martha me propuso trabajar juntas en una idea que me interesó mucho porque el rol que me tocaría interpretar me representa ahora mismo, en esta etapa de la vida. Lea, mi personaje, es una mujer de mi misma edad, no tengo que actuar a una Julieta de quince años. Es una mujer con una gran experiencia de vida y que emocionalmente está muy cerca de mí. Por eso me pareció interesante volver a estar sobre el escenario siendo yo misma ahora”, explica.

En la obra, Lea es el motivo de desvelo de Chéri, un mozuelo de veintitantos años que inicia una relación amorosa con esta mujer mucho mayor que él, íntima amiga de su madre. Se trata de una versión libre de las novelas Chéri y El Fin de Chéri, de la audaz escritora francesa Colette. El personaje masculino lo interpretará aquí, como en el estreno en Estados Unidos, nuestro compatriota Herman Cornejo, y el elenco se completa con la gran Norma Aleandro como la madre de Chéri, a cargo de cuatro monólogos que encausan el relato, y la pianista Polly Ferman, quien ejecutará piezas de Ravel, Francis Poulenc, Richard Wagner y otros compositores. Los textos de Tina Howe fueron adaptados al castellano por Elio Marchi. La dirección y coreografía corresponden a Martha Clarke.

¿Cómo describe el proceso creativo?

Trabajamos juntos, Martha, Herman y yo, alrededor de un año.

Fue un trabajo muy minucioso, íntimo, con gran detalle. Pulimos mucho la cosa pequeña, una mirada, un gesto. En esta obra todo el movimiento debe ser muy natural, muy vero, nada teatral. Martha es una regista más que una coreógrafa. Así fue que trabajamos como si se tratara de un filme, no un baile. Normalmente, en la danza, el movimiento se crea primero y luego se le da emoción a ese movimiento. Nosotros, en cambio, hicimos lo contrario. Tomábamos una escena y nos preguntábamos ‘cuál es el sentimiento aquí presente’. Podía ser tristeza, entusiasmo, melancolía. Recién entonces buscábamos un movimiento que pudiera representar ese sentimiento. Ha sido un trabajo más actoral que dancístico.

“Durante el proceso de creación he estado muy atenta mentalmente a cosas que hasta ahora desconocía” 16 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

“Descubrí que todavía conservo la energía necesaria para seguir adelante”, explica la bailarina, que en mayo regresa al Royal Ballet de Londres

¿Qué sensaciones le provocó el encuentro con Herman?

Ha sido muy intenso para los dos. Fue un año entero de mucho trabajo. Anteriormente habíamos coincidido en distintos ballets siendo yo Julieta y él Mercucio, o yo como Manón y él como Lescaut, pero nunca antes habíamos bailado juntos como pareja.

Herman ha sido siempre un bailarín excepcional en la técnica pero tal vez sea éste su momento más rico como artista. Tiene una gran profundidad de interpretación, se ha convertido en un gran actor también. Para mí fue un verdadero descubrimiento.

Ha tenido un gran coraje para, en el pináculo de su carrera, disponerse a actuar una obra que no tiene nada de aquello por lo cual él es famoso. Es muy inteligente de su parte.

Y usted, ¿qué riesgos asume con esta obra?

Lo verdaderamente interesante para mí era hacer algo que no hubiera hecho nunca antes. Estoy en otra etapa de mi vida y de mi carrera, y no podría interpretar a la bailarina clásica más tradicional. En este sentido, Chéri me abre un camino en una nueva dirección. Durante el proceso he estado muy atenta mentalmente a cosas que hasta ahora desconocía. Puede ser éste, por qué no, un primer paso para hacer obras más teatrales.

¿Encuentra rasgos comunes entre Herman y Bocca?

Son hombres muy diferentes, aunque se trata de dos bailarines excepcionales, sin duda. Bailé con Julio más de veinte años y nos conocemos mucho. Con Herman es todo nuevo, y tenemos además una diferencia de edad más notoria. Con esto me refiero también a una experiencia artística y de vida diferente. Con Julio me sentía más cercana en ese sentido. No obstante, destaco la gran profundidad de ambos. Un rasgo común de los tres es que para nosotros bailar no es una carrera, no es meramente un trabajo, es una necesidad interior. ¿Fue esa necesidad la que la devolvió a los escenarios?

Sin duda. No me sentía completa. Comprendí que yo tengo que bailar, que la danza es la fuerza que me impulsa. Sin bailar me sentía como una luz que pierde fuerza y se apaga lentamente. ¿Lo sintió desde el momento mismo del retiro?

No, al principio me sentía muy bien. Después de dos años empecé a sufrir muchos dolores en el cuerpo, estaba mal. Retomé mis clases, hice pilates, una serie de actividades para tratar de estar bien físicamente. Transcurrido un año ya me sentía bien de nuevo, y estaba en buena forma. Me sentía feliz con mis hijas, con mi entorno, pero me faltaba algo muy vital. Un día encontré

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Cambiar epígrafe por ete: Estrenada en diciembre pasado en Nueva York, Chéri es el fruto de “un trabajo íntimo, muy minucioso”, del trío que conforman Alessandra, Herman Cornejo y la directora Martha Clarke

del Royal Ballet, voy a bailar una pieza creada para mí por un coreógrafo contemporáneo inglés, Wayne McGregor. Se trata de su visión de Virginia Woolf, basada en diferentes textos de la escritora. Y después de eso, Neumeier hará para mí una obra sobre Eleonora Duse, la primera actriz moderna italiana. Se trata de dos personajes fantásticos”, anticipa.

a Martha en la calle y me preguntó si me gustaría que trabajáramos juntas. Yo ya sabía que si un día volvía, no sería con Julieta o algún personaje del repertorio clásico, y esto que me proponía Martha era algo nuevo, un estímulo que me obligaba a exprimirme como artista. Descubrí que todavía conservaba la energía para poder seguir adelante. Es una condición interior la mía. Para mí no era importante volver a trabajar sino volver a crear.

AYER, HOY Y MAÑANA Aún antes de Chéri, hubo otra pieza que devolvió a Alessandra a los escenarios. Fue The Piano Upstairs, basada en una idea propia y en la que debutó como coreógrafa. La montó para el Festival di Spoleto, en Italia, en junio de 2013. “Esta obra narra el final de un matrimonio. Tenía ya la idea y hablé con John Weidman, un escritor americano, que fue quien escribió el guión para ser interpretado por un actor de Broadway, Boyd Gaines, y por mí.

Lo curioso del caso es que al mismo tiempo que trabajaba en esta obra mi propio matrimonio (con el fotógrafo Fabrizio Ferri) terminó. Fue una experiencia muy intensa, desgarradora”, describe.

Imbuida de un entusiasmo casi adolescente, que la lleva a saltar del castellano al inglés y al italiano casi sin respiro, la ballerina nacida en Milán celebra que tiene ya agendados otros dos proyectos que la colman de ilusiones. “En mayo, en la temporada

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¿Cuál es su visión sobre la danza actual?

Tengo la impresión de que en los últimos quince años la danza devino en algo muy físico, muy gimnástico, sin profundidad. Es interesante de analizar porque coincide, justamente, con la gran explosión de la tecnología. Hoy todo es inmediato, es rápido, hay que ser famoso inmediatamente. La carrera del bailarín es muy breve. ‘¿Treinta y cinco años? Estás terminado’. Un bailarín joven no tiene tiempo suficiente para madurar artísticamente. Es apenas un bailarín fantástico por sus piruetas o sus saltos, nada más. Cuando veo Don Quijote, por ejemplo, nunca encuentro la historia que hay detrás. Todos ofrecen la misma interpretación, sin mostrar que Kitri y Basilio viven una historia de amor. Nada de eso se ve en el escenario, es todo muy superficial, siempre.

De cualquier modo, algo ha venido cambiando últimamente. Hay bailarines que ya se están atreviendo a probar una dimensión más artística, sin perder la conquista técnica de los últimos quince años. El gran desafío ahora es combinar esos elementos.

Radicada en Nueva York, Alessandra reparte su tiempo entre el cuidado de sus dos hijas, Matilde y Emma (que no han heredado su pasión por la danza, por cierto), y los ensayos y clases que la ayudan a mantenerse en forma. “No me atrae la docencia pero sí me resulta interesante hacer el coaching de algún personaje cada tanto. Tal vez me gustaría ser directora de una compañía, desarrollar una programación artística, como lo hice en Spoletto”.

“A mis cincuenta años, soy feliz de bailar y afortunadamente tengo mucho trabajo. Aspiro a que el mío sea un ejemplo para los bailarines y los coreógrafos de que el arte no es finito. Es cierto que ya no puedo saltar como alguna vez, pero la danza es una expresión artística y un artista no termina nunca de serlo. Nadie podría pensar que Picasso algún día, por cumplir sesenta años, dejó de ser un artista. Es cierto que el cuerpo no es un instrumento eterno pero miro a Baryshnikov y lo siento una gran inspiración. Tiene sesenta y cinco años y es verdaderamente emocionante verlo bailar. Es un artista enorme, y muy inteligente al elegir los roles que interpreta. Es capaz de explorar nuevas dimensiones. Y todos podemos hacerlo”. __BD

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Baila, Baila Por Stella Maris Salomón Ciclo de encuentros y conferencias, una interesante iniciativa de la Escuela de Danza Clásica de Bahía Blanca, con el auspicio del Instituto Cultural Natalia Martirena, vicedirectora de la Escuela de Danza Clásica municipal, refirió que Baila Baila es un ciclo de encuentros con la danza bahiense, a través de entrevistas y actuación danzada, en vivo. La encargada de coordinarlo es ella misma. Además la propuesta pretende conformar un archivo y un mapa de referencia, que intentará dar cuenta de todos los espacios donde la danza tiene lugar en la ciudad, que culminará con una publicación que registre las entrevistas junto a la cartografía.

La investigación no solamente mencionará los espacios donde se practica danza sino que también, indagará sobre quiénes bailan allí, a qué grupo social y etario pertenecen, y qué lenguaje corporal despliegan (salsa, tango, clásico, disco, hip hop, folklore, contemporáneo, etc).

El ambicioso proyecto busca convertirse en 2015, en un ciclo de investigación escénica inclusivo, de las diferentes danzas que se practican en la ciudad, tomando como eje las dos grandes inmigraciones locales, que abarca danzas italianas, españolas y sirio libanesas, en la primera de ellas, y la segunda inmigración contempla las culturas: peruanas, bolivianas y chilenas Estos encuentros que comenzaron el año pasado, incluyeron exposiciones en la Escuela de Danza y en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, de Zamba (Sergio Barriga), Pas de Deux (Carolina Basualdo y Manuel Martínez), Hip Hop (grupo Funky Saiyans), Tango y el Abrazo (Natalia Gastaminza y Gustavo Rodríguez), Flamenco (Charito de Madrid), Grupo América Morena (organización de danza boliviana). Para este mes está proyectado un encuentro sobre Danza Contemporánea (Grupo Cuatro y Cuarto, de Paz Romero y Alejandra Vallebona) y para noviembre Salsa (Ana la Cubana). __BD

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Tratado de danza Clásica basada en la Metodología de Elongación por Alfredo Gurquel 20 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

NDICIONAMIENTO ELONGACION Y ACO ECANICA CORPORAL POR BIOM URQUEL METODO ALFREDO G NGACION ELONGACIÓN X ELO 70 por el maestro Creado desde el año 19 -2014) Alfredo Gurquel (1926

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ELONGACIÓN: Juana Lederer, Carol del Castillo, Camila Muraki (para niños)

BARRA À TERRE: Juana Lederer DANZA JAZZ: Manuel Vallejos (Prof. titular del IUNA), Carol del Castillo, Enrique Sapia, Juan David Naranjo

BABY CLASS: (de 3 a 6 años) Mariángeles Alé NIÑOS · INICIACIÓN A LA DANZA Gabriela Nuñez, Mariángeles Alé, Ana Zabala

INICIACION A LA TÉCNICA DE PUNTAS Mariángeles Alé (para niñas), Walkiria Appelhans, Juana Lederer

DANZA CONTEMPORÁNEA Gabriel Contreras, Florencia Calvino TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia TÉCNICAS MIXTAS: Ana Zabala (Principiantes, jóvenes y adultos)

REPERTORIO: Juana Lederer - Rodolfo Romero PREPARACIÓN FÍSICA: Camila Muraki

EL ESTUDIO PERMANECERÁ ABIERTO TODO EL VERANO (enero y febrero)

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actualidad

Cuentos de Ballet Liliana Belfiore presenta La Cenicienta en versión infantil, todos los domingos en el Centro Cultural Borges Es la octava temporada en que la compañía Cuentos de Ballet, creada por Liliana Belfiore, presenta La Cenicienta en el Centro Cultural Borges, uno de los cuentos más populares de la historia. Esta versión especialmente pensada para la platea infantil, intercala fragmentos del ballet homónimo de Sergei Prokofiev, actuaciones y canciones recreadas de los escritos de los hermanos Grimm de 1812.

El espectáculo se presenta todos los domingos, desde hace cinco meses, a las 16:30 hs, y está protagonizado por Samanta Vibart, Jimena Saud, Franco Arquiza y Marcos Herrera, acompañados por Eliana Anabel de Bártolis, Alejandra Jennifer Cerrotta, Candela Ciaramellano, Paola Diosquez, Camila Desiree Gomez, Betania Meglio, Nelda Sofia Pavanello, Diana Scagnetti, Ana Viale, Melody Yaquino, Sebastian Acuña, Gonzalo Burgoa y Javier Conejero. __BD

Música y Baile Koki & Pajarín Saavedra presentan este mes su espectáculo Flechas de la Tribu junto al lanzamiento de su primer disco, con la compañía Nuevo Arte Nativo y los invitados Peteco Carabajal y Laura Ros

Lanzamiento discográfico y espectáculo teatral Foto . Pablo y Ariel Grinberg

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El viernes 24 de octubre Koki y Pajarín Saavedra realizarán su cita anual en el ND Teatro (ex Ateneo).

Considerados como referentes y renovadores de la danza folklórica de nuestro país, se presentan con su compañía Nuevo Arte Nativo, Víctor Carrión en vientos, Emiliano López en bandoneón y los músicos Peteco Carabajal y Laura Ros como artistas invitados.

Se trata de dos propuestas separadas que coinciden en un mismo tiempo, ya que los Saavedra interpretarán temas de su flamante disco Cuando Canto y Bailo, conformado por composiciones de autoría propia. Koki toca la guitarra, Pajarín la percusión y los dos cantan, acompañados por piano, flauta traversa, saxo, violín, guitarra, bajo eléctrico, bandoneón y armónica. __BD

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actualidad

Indagación Heterogénea Sibila regresa al escenario (luego de su maternidad) con Perfiles, junto a su Ballet AlÁndalus y músicos invitados, los domingos de octubre en el Centro Cultural Borges Perfiles es un espectáculo de búsqueda, encuentros, cambios y renovación, donde predomina el flamenco, enriquecido con todas las formas de la danza española, en un lenguaje personal que nuclea diferentes estilos y miradas del género.

Un desfile de sentimientos en corazones de hombres y mujeres, donde la danza sabe dibujar a través de perfiles flamencos una mirada diferente. Cada prototipo de lo español será la motivación de su propia búsqueda, en una exploración de las energías de los opuestos, y en el quiebre y unión, entre cuerpo y alma. “Ese interiorismo que separa y une a ese yin-yang se pone de manifiesto en forma constante en cada baile flamenco, como parte natural

Sibila Foto . Carlos Villamayor

de una composición de diferentes texturas, velocidades, energías, intensidades y matices, tanto en el cante, como en la guitarra y en el baile”.

Con coreografías de Sibila, Alejandra García, Natalia Meiriño, Chela Fernández Belli, Roberto Rodriguez y Luciana Garoni, y música en vivo de Moisés Oblitas, Alejandro Benitez, Adrián Barrionuevo y Pato Contreras. __BD

Nueva Apuesta Fosse Debuta la Jazz Unlimited Company, dirigido por Bettina Toyos con Aquí y a Jazz Recientemente formada y en el preámbulo de su futura historia la Jazz Unlimited Company conservará el estilo del genial Bob Fosse, conservado a través de su directora Bettina Toyos, quien estudió con el coreógrafo en Estados Unidos en cantidad de viajes desde que tenía apenas

9 años de edad, y luego de su partida, continuó perfeccionándose con su sucesora Ann Reinking.

Aquí y a Jazz es un espectáculo de music hall con cuadros coreográficos y cantantes invitados que se verá los domingos 12 y 19 de octubre y 16 y 23 de noviembre, a las 20 hs, en Velma Café. El elenco fue seleccionado a través de audiciones y está integrado por dieciocho bailarines: Jhoni Peña, David Romero, Jorge Alberto, Paco González, Agustin Domínguez, Damián Guzman, Santiago Torres, Mauricio Reginelli, Agustina Barrientos, Vanina Sálomon, Mayra Monteiro, Sol Cardozo, Erika Miranda Prado, Isis Becerra, Yamila Caire, Agustina Witis, Selva González Chavez, encabezados por la propia Toyos; y cuatro cantantes invitados: Marisa Ini, Eduardo Marcos, Silvia Serchi y Gerónimo Seib. __BD

Estilo Fosse con renovadas coreografías Foto . gentileza de la producción 24 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

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actualidad

Desde México Del 29 de octubre al 2 de noviembre, en siete funciones, el prestigiosos Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, actuará en el Teatro Coliseo de Buenos Aires El reconocido elenco, que recogió elogios del mundo de la danza y el ballet alrededor del planeta, se presentará en el Teatro Coliseo de Buenos Aires en el marco de una gira sudamericana que incluye también Perú, Colombia y Chile, con su espectáculo Así te Envuelve México.

Creado por la célebre bailarina y coreógrafa Amalia Hernández en 1952, el elenco que desde entonces actuó en los cinco continentes, hoy está conformado por treinta y tres bailarines y dieciséis músicos, cuenta con su propia escuela y es sinónimo de la más auténtica cultura mexicana. Dirigido en la actualidad por Salvador López, nieto de la fundadora que había encabezado al Ballet Folklórico hasta su muerte (en el año 2000), la dirección artística recae en manos de Norma López Hernández y Viviana Basanta Hernández.

Así te Envuelve México se conforma con diez cuadros que revelan diferentes regiones, épocas y culturas,

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La más auténtica cultura mexicana Foto . gentileza del Ballet

desde el mundo precolombino de mayas o zapotecas a las reelaboraciones sinfónicas de José Moncayo; de las canciones de la Revolución a las fiestas populares; del mariachi y los ritmos indo-hispanos al rítmico mestizaje afro caribeño; o de la Bamba a Agustín Lara; además de la sorprendente danza del venado, que aún hoy, en la región de Sonora, el pueblo yaqui conserva y practica al margen de la colonización y la modernidad. __BD

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La danza española y el baile flamenco G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

La danza española y el baile flamenco

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C Cuerpos A Amaestrados V Vs Cuerpos IInteligentes n

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y El baile E pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

Colección de Autor

Balletin Dance EDICIONES

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Alejandro Sinópoli

In Memoriam

Por Marcos Nápoli

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Imposible no recordarlo. Querible como pocos, gente de la buena sin dudas. Alejandro supo regalar su afecto desde el vamos. Hizo culto del respeto y fue fiel a sus ideales humanos y artísticos. Siempre estuvo dispuesto a la palabra justa, con tono suave y pausado.

En las épocas itinerantes, complejas y desalentadoras para el Ballet Estable de un Teatro Argentino sin casa propia, sin presupuesto acorde y con rumbos aún no definidos, aparecía su notable capacidad mediadora entre los bailarines y la intensa personalidad de la directora de la compañía, Esmeralda Agoglia. Muchos años fue asistente de la notable maestra, es más, hicieron un equipo de trabajo sólido, indisoluble, que marcó una década desde finales de los ’80.

Sinópoli conoció la rigurosidad de la carrera de bailarín cuando promediando la década de 1960 ingresó al Ballet Estable del Argentino, luego de prepararse bajo la guía de Ángela Cañas, el maestro Michel Borowski y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISATC) con el perfeccionamiento en las clases de Wasil Tupin, Tamara Grigorieva y Edda Aizemberg.

En 1968 se unió al Cuerpo de Baile del Colón, al que llegó cuatro años más tarde a la categoría de solista.

De la gran cantidad de títulos interpretados, se destacaron Romeo y Julieta, Suite en Blanc, La Cenicienta, El Prisionero del Cáucaso, Petrouschka, Poema de Valses, El Lago de los Cisnes, Giselle, Capricho Español e Interplay. Ya retirado de la actividad, durante 1992 se desempeñó también como maestro de baile en el ISATC. Alejandro Sinópoli dejó un maravilloso recuerdo para quienes día a día disfrutamos de su calidad humana y su gran compromiso profesional con la danza. Lo vamos a extrañar, y mucho. __BD

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Un gran 谩rbol de metal es centro de la narraci贸n Foto . Leo Aversa

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Tatyana La Compañía de Danza Deborah Colker vuelve a la Argentina después de una década, para ofrecer Tatyana, un ballet en dos actos basado en la novela Eugene Onegin de Aleksander Pushkin, estrenada en 2011 e invitada para la apertura del Festival de Danza de Edimburgo de 2012 Luego de un éxito rotundo a fines de septiembre en el Sodre de Montevideo, donde la Compañía de Deborah Colker mostró Belle -su más reciente creación-, inspirada en el romance Belle du Jour del escritor francés Joseph Kessel, que Luis Buñuel adaptara al cine; las actuaciones del elenco carioca en Buenos Aires, serán los días 15 y 16 de octubre, en el Teatro Opera Allianz.

En Tatyana, el espectáculo de danza contemporánea que llega a nuestro país y que marca la décima producción de la Compañía de Danza Deborah Colker, la brasilera pone en escena al propio Pushkin y su relato en verso, interactuando con las acciones, deseos, pensamientos y transformaciones psicológicas de los cuatro protagonistas de su obra maestra, “más interesada en traducir sentimientos que en desarrollar una narrativa”.

Para expresar la fuerza poética y la magia de Pushkin, Colker se vale una vez más del cruce de lenguajes, estéticas y referencias,

por ello no se identifica una época ni una localización específica (como sucede en la novela): la escenografía es un gran árbol metálico en torno del cual y en cuyas ramas el escritor y sus personajes desenvuelven sus sueños, angustias y amores, y a su vez el vestuario mezcla elementos actuales y “de época”.

La propia Colker firma la creación, dirección y coreografía de Tatyana, mientras que Joao Elias es el director ejecutivo, Gringo Cardia tiene a su cargo la dirección de arte y escenografía, Berna Ceppas es el director musical, la moderna iluminación corre por cuenta de Jorginho de Carvalho y el vestuario es de Fabia Bercsek.

La música que incluye partituras de Rachmaninov, Tchaikovsky, Stravinsky y Prokofiev remixadas por Berna Cappas (con algunos collages contemporáneos), conduce este viaje al corazón de una historia atemporal de duelo, desacuerdos, pasiones y decepciones, que ya se ha presentado en cantidad de ciudades de todo el mundo, desde su estreno hace tres años.

La propia Colker encabeza el elenco Foto . Walter Carvalho

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La fuerza poética de Pushkin expresada en danza Foto . Walter Carvalho

EUGENE ONEGIN Escrita entre 1799 y 1837 Onegin fue fuente de inspiración para diversas creaciones: la célebre ópera de Tchaikovsky (1879), el film con Ralph Finnes (1999) y el magistral ballet de John Cranko.

El protagonista es un joven rico y cosmopolita que abandona la gran ciudad para refugiarse en una finca rural heredada de su tío. Allí conoce al joven poeta Lenski, novio de Olga Lárina quien le presenta a su hermana mayor Tatyana.

Tatyana se enamora de Onegin a quien le declara su amor. Eugene la rechaza y seduce a Olga provocando un duelo fatal entre los amigos. Años más tarde se producirá el reencuentro de Onegin con Tatyana, luego de que el paso de los años operó en ellos transformaciones profundas y decisivas.

COMPAÑÍA DE DANZA DEBORAH COLKER Fundada en 1993 en Río de Janiero, la Compañía de Danza Deborah Colker viene construyendo con ahínco un lenguaje que sor-

prendió desde sus inicios por insertar elementos escénicos nunca antes utilizados en la danza, reafirmando su contemporaneidad, al fusionar diferentes técnicas de trabajo corporal.

El elenco ha actuado en giras por Brasil, y además en Inglaterra, Escocia, País de Gales, Francia, Alemania, Austria, Chile, Colombia, Portugal, Argentina, Canadá, Estados Unidos, Holanda, Singapur, Nueva Zelanda, Hong Kong, Macao e Irlanda, en los que ha cosechado innumerables premios, entre ellos el Laurence Olivier Awards (Gran Bretaña, 2001) Su repertorio está conformado además por las obras Vulcao (1994), Velox (1995), Mix (1996) montado a pedido de la Bienal de Danza de Lyon, Rota (1997), Casa (1999), 4 por 4 (2002), Nò (2005) estrenado en Wolfsburg, Alemania junto con Autostadt, Dínamo (2006).

En 2009 Deborah Colker creó y dirigió el espectáculo Ovo (huevo en portugués), para el Cirque Du Soleil, que le tomó tres años de trabajo, tras lo cual viajó por el mundo entero. __BD

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De Danza y Vampiros Por Eliana Gissara Con producción de Iman Najla, se estrenó en Buenos Aires una versión de la mítica obra Nosferatu en clave gótica, con las bailarinas Ariellah y Lady Fred en los roles centrales La presentación tuvo lugar en el marco del festival Rara Avis - Gothla AR, evento internacional dedicado a la conjunción de estilos gothic bellydance, dark fusión, dark arts y a la sub cultura gótica en sus diferentes expresiones artísticas: danza, música, literatura, moda, plástica.

Basada en la película muda de 1922, esta versión de Nosferatu se mostró sólida tanto en su línea argumental como en la puesta en escena, donde se destacó el maquillaje de los protagonistas, la iluminación y la escenografía utilizada en los distintos actos.

Asimismo, el relato de la voz en off en la introducción de cada cuadro, lejos de ser reiterativo resultó un apoyo importante para acompañar el clímax de la obra.

Así, se logró recrear la atmósfera del pueblo alemán donde transcurre la historia, con una impecable interpretación de Ariellah Temeraria gestualidad del vampiro con Thomas

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como el vampiro Nosferatu. La corporalidad de esta bailarina inglesa de descendencia marroquí se conjugó en una mixtura de intensidad plasmada en sus gestos (sobre todo las manos) y el vigor de sus movimientos en el temible vampiro. En tanto, el personaje de Ellen como figura femenina se acercó más al patrón de la danza tribal fusión en sus intervenciones, con armonía en sus ondulaciones y distinguida técnica de torso. La apuesta fue total para Lady Fred, quien además de ponerle el cuerpo a Ellen fue la artífice de esta experiencia teatral denominada Silent Sirens Theatre.

Según cuenta la bailarina estadounidense, Silent Sirens Theatre es “una combinación única de lo antiguo y bizarro, el teatro avant garde y el bellydance. Posee una historia y se inspira en la era del Grand Guignol y del cine mudo; es oscuro, pero hermoso”.

Y agrega: Silent Sirens Theatre se mantiene fiel a la pantalla en blanco y negro y al estilo vintage, que transporta al espectador hacia una experiencia surrealista. Está lleno de vampiresas profesionales con un talento y estilo personal bien logrado”.

El beso prohibido entre Nosferatu y Ellen Fotos . Alejandro Jandri

Bajo este concepto, Lady Fred presentó esta versión local de Nosferatu, con la participación de Iman Najla como Knock y Oscar Flores en el rol de Thomas, entre otros invitados especiales.

Otra de las atracciones del festival Rara Avis - Gothla AR fue el estreno de Festus Nox: From the Belly of the Horror, con los esti-

los dark & gothic fusion bellydance bajo la temática especial de películas de terror. “Entendemos que además de ser un evento de suma importancia para la danza y específicamente para el estilo gothic bellydance, también es un evento de gran interés para la escena gótica local argentina”, señaló Iman Najla en los días previos al festival. El público local acompañó en su convocatoria, con seminarios especiales en cada estilo. En suma, en su tercera edición, el encuentro se convirtió en uno de los eventos más importantes y de mayor calidad de la cultura gótica en la región. __BD

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Congreso Nacional de Folklore Por Juan Cruz Guillén En el marco del Tercer Congreso Nacional de Folklore, organizado por la flamante Academia Nacional de Folklore, realizado en el Centro Cultural Recoleta del 20 al 23 de agosto, se presentó el Panel Las Danzas Folklóricas, que tuve el placer y el honor de moderar La actividad fue dedicada muy especialmente al Maestro Don Santiago Ayala, “El Chúcaro”, de quien se cumplían 20 años desde su partida al escenario mayor del Padre Eterno de las alturas, el 13 de septiembre. El primer invitado en exponer fue Hugo Morales, desde el departamento de Tunuyán de la provincia de Mendoza donde dirige al Ballet Municipal, quien destacó las fiestas que se realizan en su provincia confluyendo luego en la Fiesta Nacional de la Vendimia. En la charla enfatizó la participación de más de cien bailarines en cada una de ellas, de los cuales el noventa por ciento participa en dicha fiesta.

Morales señaló que en Mendoza existen tres asociaciones de danza que regulan los distintos aspectos que permiten que los bailarines se nucleen para luchar por sus derechos. También se refirió al Festival Nacional de la Tonada que se realiza anualmente en el Manzano Histórico y su labor para incluir la participación de la danza en el mismo.

Seguidamente hizo uso de la palabra, Margarita Fernández, Sub Directora del Ballet Folklórico Nacional, quien se explayó sobre su encuentro con las obras emblemáticas de Santiago Ayala y Norma Viola, que sostienen el trabajo del elenco, cuidando y difundiendo su repertorio único.

Luego fue el turno de Carlos Ernesto Luna (“Lito” Luna), Director General del Ballet Provincial de Salta, que expuso sobre las distintas visiones de la danza según sea el lugar del país en el cual se desarrolla y también se refirió a la diversidad cultural en referencia al intercambio que se está produciendo con los países limítrofes.

Insistió en la formación técnica, profesional e intelectual de los bailarines, porque cada uno de ellos debe ser un referente cultural, que favorezca la integración y el servicio a la sociedad. Mencionó también la necesidad de incluir el tango (al folklore), al igual que a los adultos mayores en esta actividad, afirmando que es un eje psicológico, movilizador e integrador para ellos. Así lo entiende el Instituto Nacional de Servicios Sociales para Jubilados y Pensionados (PAMI) incluye en sus programas encuentros anuales de danzas folklóricas argentinas a los que asisten miles de participantes. Por último se refirió a la renovación de los bailarines cada dos años, a través de una audición, en el Ballet que dirige.

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Lugar Centro Cultural Recoleta De izquierda a derecha: Juan Cruz Guillén, Hugo Morales (Director del Ballet Folklórico de Tunuyán, Mendoza), Lito Luna (Director del Ballet Folklórico Provincial de Salta), Omar Fiordelmondo (Director del Ballet Folklórico Nacional), Hector Aricó (Profesor del Area Transdepartamental de Folklore del Instituto Universitario Nacional del Arte, IUNA).

El cuarto lugar le correspondió a María del Carmen Tormo, Coordinadora de Danzas en la localidad de Ituzaingó de la provincia de Buenos Aires, quien se refirió a su trabajo de investigadora de las fuentes documentales, definiéndose como una defensora de la preservación de nuestras danzas. Criticó la estilización en demasía de algunos espectáculos que pierden la raíz identitaria de estas danzas, recomendando la preservación de formas y figuras, que si bien pueden adornarse con detalles técnicos, de ninguna manera pueden perder de vista la cuestión original y auténtica. Aseguró que nuestras danzas no necesitan agregados de ninguna índole por la riqueza que poseen, y que deben ser conservadas a lo largo del tiempo. La Compañía de Danzas Argentinas es su creación, llevando al escenario las coreografías en su forma original.

Llegó el turno de Héctor Aricó con una indescriptible trayectoria imposible de sintetizar, quien comenzó su exposición refiriéndose a su participación como bailarín en el Ballet de Waldo Belloso, y como actor interpretando al cartero en la famosa serie televisiva Margarito Tereré. Él considera un orgullo haber conocido e interactuado con personalidades que hoy en día ya son historia del

folklore, lo que le permite una transmisión única a sus jóvenes alumnos de las cátedras del Instituto Universitario del Arte (IUNA). Entre ellos mencionó a Antonio Ricardo Barceló, Néstor Pérez Fernández, Beatriz Durante, el Chúcaro y Norma Viola, Mabel Pimentel y Oscar Murillo, Marina y Hugo Jiménez, Fierro Guillén y Sabina Di Salvo [Por mi parte, agrego el nombre de Miguel Ángel Tapia, primer ganador del Festival Nacional de Malambo en Laborde, Córdoba]. Por último insistió en encausar el proyecto que pregona la enseñanza del folklore en las escuelas, sugiriendo se comience por una correcta preparación de los docentes.

El cierre del panel le correspondió a Omar Fiordelmondo, Director del Instituto del Cimarrón y actual Director del Ballet Folklórico Nacional, quien se definió como docente, decente y respetuoso, con un compromiso muy fuerte en referencia a las coreografías propias de cada una de las danzas. Para él es fundamental conservar las tradiciones. Se refirió también al hecho de haber logrado que en el Festival de Cosquín 2014, todas las noches haya habido una presentación del Ballet Folklórico Nacional, otorgándole un prestigio que había perdido.

En el mismo lugar que ocupó durante muchos años el Ballet de Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola en esos inolvidables e irrepetibles cuadros argumentados Medianoche en Cosquín. Por otro lado afirmó que la danza tiene un movimiento muy silencioso y que sería deseable que cada una de las provincias tuvieran su propia compañía: “la geografía hace a la postura”, frase que no está escrita en los libros, pero que es uno de los aspectos que se transmiten en forma oral. En su charla rememoró aspectos de su vida, su formación y algunas anécdotas. Para finalizar aseguró sentirse agradecido a la vida por permitirle ocupar el lugar que ocupa hoy, respetuoso absoluto de lo auténtico y tradicional, y como despedida señaló que el ícono de la danza es el Chúcaro: “fue un adelantado”.

Como cierre de la jornada, se proyectó Triunfo Chaqueño con Pañuelo filmada como trabajo de campo en la localidad El Galpón de la provincia de Salta, nacimiento de Eduardo Falú, cuya foto presidió este panel y que fue aportado por Lito Luna. __BD

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Despacito y a Compás

Cristina Hoyos, Las Mujeres y el Baile Flamenco Por Gabriel Vaudagna Arango

Invitada por el Ministerio de Cultura de la Nación, Cristina Hoyos llegará a Buenos Aires para inaugurar una muestra fotográfica de Antonio Gades y brindará una conferencia ilustrada, en la que también bailará, con entrada gratuita Cristina Hoyos ha preparado especialmente para esta ocasión, la conferencia ilustrada Mis Antecesoras, El Lado Femenino del Baile Flamenco que tendrá lugar el lunes 20 de octubre en el Teatro Margarita Xirgu. Si bien al cierre de la presente edición de esta revista todavía no se había definido la manera en que serían entregadas las entradas, la información será publicada inmediatamente en el sitio de internet y en la fan page de Facebook de Balletin Dance.

Asimismo se expondrá la muestra fotográfica Flamenco en Argentina con obras de Oscar Balducci -fotógrafo de Antonio Gades- que se ofrecerá por un mes desde el 22 de octubre en la casa del Bicentenario de la ciudad de Buenos Aires, antes de partir con rumbo a Sevilla, pues han sido donadas en su totalidad al Museo de Baile Flamenco que dirige la propia Hoyos.

Foto . Prieto 38 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

En diálogo exclusivo con Balletin Dance (ver recuadro) la genial bailarina, que conserva la tradición del baile flamenco dignificándolo constantemente con su hacer, actualizado, sin ofrecerlo como a una pieza antigua, se explayó en torno a la coyuntura del género.

Antiguamente las bailaoras cantaban y tocaban los palillos, como las míticas Carmen Amaya o Antonia Mercé “La Argentina” ¿por qué se perdió esta tradición?

Si, así es. La verdad, no lo sé por qué se ha perdido, todas estas bailaoras -Antonia Mercé, Encarnación López, Pilar López- empezaban bailando clásico español, donde es habitual tocar los palillos y después adaptaban el flamenco en sus espectáculos e introducían la castañuela, como estaba más valorado el cante, luego cantaban un poquito para tener algo más y engrandecer sus repertorios.

¿Es cierto que en la actualidad las bailaoras sólo quieren ser catalogadas como bailaoras y no como bailarinas con una preparación en otras danzas?

Sí, bueno, hoy en día las bailaoras están muy preparadas también, pero no tienen la base extremadamente clásica, ni tampoco la que tenían las bailaoras que hemos nombrado anteriormente, ésas eran bailarinas que adaptaban en sus espectáculos el baile flamenco. Pero hoy en día, la bailaora empieza a bailar flamenco de muy pequeñita sin hacer clásico español. Se suelen preparar,

Con Antonio Gades en 1969 Foto . archivo

porque técnicamente todo ha ido avanzando y hay que estar habilitada, entrenar el cuerpo y saber otras cosas. Algunas sí desarrollan las castañuelas. Pero hoy en día se le dice bailaoras a las que comienzan a bailar flamenco.

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¿Qué diferencias encuentra entre la forma de baile flamenco de su generación y la de ahora?

El flamenco ha ido evolucionando, como decía antes, las bailaoras están muy preparadas y se hace mucha más técnica.

Quitando a Carmen Amaya que era especialista en zapateo, las bailaoras de entonces zapateaban muy poco y puedo decir que estaban menos preparadas en ese sentido, hoy en cambio se acercan mucho más a la forma de bailar de los hombres, zapatean más, hacen más vueltas, hay más virtuosismo que antes. ¿Qué es lo más importante a la hora de bailar?

Lo más importante es que el baile para ti sea lo principal, que ames el baile por encima de todo y hagas del baile tu forma de vida. Y entonces a partir de allí, lo más importante es bailar y bailar flamenco y allí viene un camino, bailar, ensayar mucho, trabajar mucho y adquirir tu propia forma de bailar tu propio estilo. Y allí puedes destacarte por encima de otros, porque has elegido y encuentras esa forma de bailar que te dará algo especial. ¿Cómo se vive el vacío del escenario, ahora que está bailando menos?

Lógicamente tengo una edad y bailo menos, estoy casi retirada aunque no del todo, porque yo dije que me voy a retirar como he llegado: despacito y a compás.

Entonces si hay un espectáculo con un argumento en donde pueda desarrollar un baile más pausado, más de acuerdo a mis años, lo bailaré, pero no voy a ponerme a medirme con una jovencita que baila con otra fuerza. Así que lo que hago es ayudar a los jóvenes, montar algún espectáculo, dirigirlo, hacer la coreografía, hacer algunos cursillos especiales y entonces sigo vinculada al baile. ¿Qué es lo que echa de menos de bailar?

Lo que más echo de menos serán los nervios que se pasan cuando uno sube al escenario, esos nervios de tener un debut, 40 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

de hacer ciertas cosas. Eso se echa de menos. Por lo demás no, porque estoy vinculada al baile y sigo haciendo cosas.

Reviendo su carrera ¿tiene una mirada crítica sobre su trabajo, o es dura consigo misma?

Yo creo que en mi vida profesional he hecho cosas muy bonitas, que he tratado de dignificar el baile flamenco. Todos los espectáculos que he hecho tienen una dignidad grande y he tenido la suerte de que casi todo ha gustado muchísimo. Siempre llevamos buenos bailaores y bailaoras en mi ballet, muy buenos cantaores y guitarristas. Mi carrera ha estado bastante repleta de muchas cosas y de éxitos, ha sido una carrera que me resulta buena y bonita. ¿Cuál ha sido su búsqueda en el baile flamenco?

Mi búsqueda ha sido que todo fuera de calidad, siempre hacerlo bien y a la hora de salir a bailar que sea la mejor noche de todas. He tratado de hacer cosas lo mejor posible, que todo fuera estupendo, y que el espectador se emocionara mucho en su butaca.

Porque hay que transmitir emoción con el flamenco, que el público salga contento y emocionado.

“El baile me ha dado todo”. Aquí junto a su marido, Juan Antonio Jiménez Foto . Prieto

¿Usted baila para usted o para el público?

Cuando salgo a bailar para el público, lo hago para el público. Pero siempre, indiscutiblemente, la primera que tiene que estar emocionada y contenta soy yo, para poder trasmitirlo. Eso es lo que hay que hacer, una tiene que ser la primera emocionada y contenta, es decir, una se tiene que decir: voy a salir a bailar, voy a disfrutar, voy ha hacerlo muy bien. Eso tiene que ser cada vez que se sube a un escenario. ¿Usted es consciente de que es parte de la construcción histórica del baile flamenco?

Bueno yo he tratado… He puesto el Museo para elevar el flamenco a ese ámbito. Ese ha sido siempre mi objetivo, dignificar el baile flamenco al máximo y darle la categoría que tiene que tener. Es una manera de devolverle al baile lo que el baile me ha dado a mi. A mí el baile me ha dado todo, me ha dado lo máximo, el poder desarrollarme, el estar en un escenario, recorrer todos los países. El baile me ha dado a mí hasta el amor, porque he conocido a mi pareja a través del baile, y también grandes amigos. Lo que puedo hacer por el baile para elevarlo al máximo es justamente poner un Museo, podría haber creado una escuela, pues sí, pero hay muchas escuelas. ¿El Museo de Baile Flamenco es su legado?

Bueno legado es el Museo y también dejo mi forma de bailar. Creo que he sido una bailaora que trató de ir con el tiempo a la vez de ir evolucionando. Tengo una forma de bailar propia, de cuerpo, de brazos. Hay muchas bailaoras que han tratado de seguir mi forma de bailar, eso es ir evolucionando con el tiempo.

Usted presentará en Buenos Aires una conferencia sobre sus antecesoras, pero ¿quiénes serán sus herederas dentro del baile flamenco?

Ahora hay un abanico de gente joven que baila muy bien. Heredera no se, porque yo creo que cada persona que ha triunfado o ha tenido un ballet como yo, tienen su forma de bailar. Una trata de continuar, para que las demás sigan teniendo esa escuela, pero por supuesto que no se puede decir ‘aquella chica baila muy bien, es de la escuela de Cristina Hoyos’. Porque para llegar a ser alguien importante yo creo que hay que decir ‘se parece, pero tiene otra forma, se parece...’ Cada uno tiene que coger su manera y su forma para ser distinta. __BD

Testimonial Por Gabriel Vaudagna Arango Cuando la redacción de Balletin Dance me comunicó que entrevistaría telefónicamente a Cristina Hoyos porque vendrá este mes a Buenos Aires para realizar una serie de eventos, respiré profundo. Para mi Cristina Hoyos no es sólo una gran bailaora y artista, sino una mujer increíble.

Acto seguido Pablo Enriquez, productor del evento junto a Cecilia Rosseto (quien donó las fotografías), se comunicó conmigo para darme toda la información sobre los acontecimientos, que incluyen la muestra de fotografías y la conferencia sobre el baile flamenco.

Recuerdo que la primera vez que vi a Cristina Hoyos, fue al cruzarme con ella por la calle en Montevideo, donde presentaba Arza y Toma, allá por el año 1999. La veo del brazo de su compañero y bailaor de toda la vida, Juan Antonio, caminando por la Calle 18 de Julio del centro de la capital uruguaya, y le digo: ‘perdone, usted es Cristina Hoyos’. Cuando lo confirmó, le expliqué que había viajado desde Buenos Aires para verla actuar y que quería hacerle una entrevista para una revista. Inmediatamente me preguntó si ya tenía mi entrada para esa noche, puso su mano en el bolsillo: ‘toma este ticket’. Quedé paralizado en medio de la plaza, me citó a las cinco de la tarde para la entrevista, y siguió camino a su hotel donde descansaría hasta entonces.

Pasó el tiempo, vi su espectáculo, me enamoré de varias de sus obras que presencié luego en Montevideo, en Buenos Aires y en Sevilla.

Años después, en 2007, caminaba por la calle Sierpes de Sevilla con una colega bailaora hablando del espectáculo Romancero Gitano que la Compañía del Ballet Flamenco de Andalucía con dirección de Cristina Hoyos, había estrenado la noche anterior en el Teatro Maestranza. En medio de la peatonal atiborrada de gente, casi al punto de chocarnos frente a frente, estaba ella, con un pañuelo en la cabeza y un manto color crema que cruzaba su espalda, caminando del brazo de una amiga. Una vez más le dije ‘Cristina, soy de Buenos Aires, he venido a verte, anoche asistí al estreno de tu obra’. Otra vez el destino la revelaba ante mi, en su cotidianeidad, despojada y simple. Mi amiga nos tomó una fotografía, la saludé y cada uno continuó con su andar.

Varias veces más me la he cruzado, y el azar contribuyó a que pueda verla actuar en variadas ocasiones. Cristina Hoyos es de esas bailaoras que dan amor en el escenario, que no busca el efecto, que hace que uno quiera seguir bailando, quiera seguir viéndola, disfrutando y emocionándose a cada instante por su flamenco.

Al contraer la responsabilidad de entrevistarla el mes pasado, comencé a temblar, debo confesar que estaba más nervioso que si hubiera estrenado una obra. Era un mediodía soleado en Buenos Aires y desde mi casa, con mi ordenador [computadora] encendido, volví a hablar con ella, quien en un cálido día de verano, desde su Sevilla, se hizo un tiempo para contarme coloquialmente, sobre su baile, sus ideas, y opiniones. __BD

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Pionera de los Aires Por Laura Lifschitz Brenda Angiel celebra las dos décadas de su compañía con el estreno de Pasó Volando. 20 Años de Danza Aérea, una retrospectiva para su nueva sala teatral. En diálogo con Balletin Dance, Angiel recordó sus inicios y las razones que la han convertido en una pionera de esta disciplina en todo el mundo

¿Qué generó la inquietud de explorar con la danza en suspensión en 1994?

Preparaba un espectáculo en un espacio de tres frentes. La idea era colgar a tres bailarinas en cada uno de los frentes, lo que iba a ser un móvil para no dirigirse a ningún lugar en particular. Ahí me di cuenta que había un lenguaje de movimiento inexplorado.

Estrenamos Tres Partes y Una Pared (1995) en el Centro Cultural Ricardo Rojas mediante un proceso de casi dos años. Así surgió el principio.

Un concepto a contrapelo de lo tradicional. ¿Hay cierta mutación de las nociones de tiempo y espacio, respecto del trabajo de piso? ¿Cómo manejó el uso de las técnicas para esos espacios?

Todo fue evolucionando. La primera obra era en una pared al filo del escenario y tocando el piso. A partir de ahí fui encontrando diferentes instancias del movimiento. Cuando hablamos de un nuevo lenguaje hablamos de que los elementos de la danza tradicional como tiempo, espacio y energía, se presentan de modo distinto.

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No es una traslación de una coreografía.

No, claro. Hay otras reglas, como vivir en diferentes naturalezas (la selva, el desierto y la montaña). Es otra naturaleza de movimiento, aunque obviamente yo cruzo esa situación de piso con aire. En Bilingua (2013), creada con Doug Varone para el Next Wave Festival (BAM), quise jugar con la imitación del bailarín de piso haciendo los movimientos de quienes están en el aire. Pero es infinita la relación entre las técnicas.

En A Vertical Hip Hop de Air Condition (2005) y en 8Cho (2010) es ineludible la relación con las danzas urbanas y el tango. Sin embargo, no se evidencia la idea de artificio como efecto de shock para el espectador No busco que el artificio esté por encima de la coreografía.

Apunto más a una búsqueda por el movimiento en sí mismo. En general son diferentes escenas, muy visuales. Excepcionalmente hay alguna pequeña historia. El movimiento en sí mismo expresa, sin la necesidad de una historia dramática por detrás. Pero eso no significa que mis coreografías sean abstractas o frías.

La escuela de Brenda Angiel, Aérea, se inaugura el 4 de octubre como sala teatral con una retrospectiva que incluye obras inéditas y un documental. Es como la idea de las cajas chinas, al considerar que además, la coreógrafa se abrió muy tempranamente a la investigación sobre lo multimedial en la danza.

¿Cómo resultó esta experiencia?

El documental que presentaremos este mes fue muy interesante de realizar. Incluye entrevistas a bailarines, músicos y riggers [NdR: los especialistas encargados en técnicas de altura], e imágenes del grupo desde los comienzos. Tiene diferentes capítulos por temáticas. Entre ellas, el tema de las paredes, porque pasamos por infinidad de soportes. Estuvimos en paredes de edificios muy simbólicos como la Cervecería Munich en Buenos Aires o la fachada del edificio Municipal de Medellín en Colombia. En rea-

8Cho (2010), nueva mirada sobre lo rioplatense que trasciende el espacio tradicional Foto . Nicolás Foong

lidad se verá un recorte para la obra que estrenamos, porque se intercala con el vivo, pero luego el documental va a convertirse en largo, lo cual va a ser interesante como archivo y en relación al género de los documentales de danza en Argentina.

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Vuelos Aires (2004), la trilogía que dejó en claro la poderosa libertad de estar sujetado Foto . Marcelo Aquilio

¿Cuál es la preparación de un bailarín de danza área, en términos interpretativos, técnicos y de entrenamiento?

No hay una regla establecida para saber quién va a funcionar.

Pero te tiene que gustar ser lanzado en ese movimiento. Animarse a lanzarse a otro mundo. Muchos bailarines muy buenos se interesan pero no todos pueden traspasar cierta barrera. No es cómodo de por sí tener un arnés. ¿Cuáles son las diferentes técnicas para generar los desplazamientos?

El movimiento no sólo se genera por el propio impulso sino que hay generadores de esas cuerdas. Como si bailáramos con un partenaire imaginario que es la soga, que puede estar fija en una altura o que debe ser modificada al realizar determinado movimiento. Esa conexión es parte del trabajo. Está el partenaire visible y el virtual, que trabaja sobre las cuerdas. De todos modos, mi técnica es bastante sencilla en cuanto a la operatividad de la soga. Es algo que estudiamos mucho tiempo, no hay motores ni mecánicas complicadas. No es algo que yo copié, aunque después otros la tomaron.

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La gran repercusión que tuvo en el exterior le permitió desarrollarse a nivel nacional ¿Sin ese soporte le hubieran faltado los medios para establecerse en Argentina?

Sí, yo siento que estoy más instalada afuera. Es muy difícil encontrar espacios acá. No sé si tiene que ver con una idea errada de lo comercial y lo llamado “off”, pero yo estoy en el umbral entre esos dos conceptos. El hecho de abrir la sala también tiene que ver con esto. Pero por otro lado yo no me quedo con nada, no hago mis obras pensando en proyectarme hacia lo comercial o permanecer en una etiqueta que no considero precisa, como la idea de “under” o la necesidad de pertenecer al teatro oficial. ¿Cuál es el camino que se abre a partir de ahora?

Sigo con la idea de las giras, los viajes. Después de estos festejos tengo muchas ideas pensadas para crear. Pretendo lograr temporadas realmente largas como en su momento pudimos hacer en el Centro Cultural Rojas y en el Konex. No quiero olvidarme de agradecer a todos los que participaron en estos veinte años: los bailarines, el diseñador de luces Marcelo Alvarez que ya no está, los técnicos, los músicos, y mi marido Dany Becker que me impulsó a terminar de armar esta sala. Tengo muchos proyectos y programación para hacer más festejos por otros tantos veinte años. __BD

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De Posibles Experimentaciones Por Román Ghilotti Con la propuesta de ofrecer un espacio a expresiones de danza que transiten un corrimiento experimental, se realizó el Festival Pata Experimental del 23 al 31 de agosto, en la sala Pata de Ganso Con la coordinación general y curaduría de Quío Binetti y María José Goldín, el Festival contó con diecisiete espectáculos, diversos seminarios y un amable encuentro con Ana Kamien para escuchar sus experiencias en el Di Tella, en ronda y tomando un té.

En la apertura se realizaron dos performances callejeras: Vislumbres Pasajeras de Gustavo Lecce, trabajo sobre aspectos relacionados a la contact-improvisation, por el GEAM (IUNA) y Chaku, Asalto al Estar con dirección de Rhea Volij e interpretación de performers-butoh. Dos aproximaciones con cierto grado de libertad kinética y expresiva, de dos corrientes reconocibles.

También la apertura, como corresponde a una ocasión semejante, contó con un brindis tras lo cual se ofrecieron: Un Principio (con dirección de Vivian Luz) y Una Constante (dirigido por Jesús Guiraldi).

Con Un Principio, Luz puso en juego una concepción de simultaneidad de tiempos que, desde una mirada simple, parecieran contradictorios. La performer, Carolina Stéfano, de muy buenos desarrollos en formas y expresiones, simplemente recorrió una serie de cambios yuxtapuestos en las variaciones de movimiento. Partiendo de la quietud, distintas fugas de direccio-

Lo simultáneo en un presente con pasado y futuro Foto . gentileza Vivian Luz 46 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

nes, diversas calidades de esfuerzos, tejieron el desarrollo de un desplegarse, afirmarse y presentarse de su cuerpo en baile. La temporalidad, aunque resultó de un continuo cronometrable, a la vez ofrecía disrupciones al discurso: aparecían, en los primeros juegos balbuceantes, rasgos que anunciaban dominios y formas que sólo se alcanzaron hacia el cierre. Y esto estaba atravesado por repeticiones de otras formas, sobrepuestas a las anteriores, que en su insistencia iban agregando novedades de detalle en el cuerpo de la bailarina. Un principio, un inicio de lo movente, tal como se da en su construcción desde la presencia que hace dinámicas y muestra en movimiento, sin más que eso pero, justamente, con todo eso de lo que resulta inaugural para bailar.

Luego, Una Constante, como antípoda expresiva. Guiraldi propuso, citando a Heráclito, el cambio como constante, esto es, sin principio ni fin. Del presocrático trajo uno de sus fragmentos más famosos: “Todo está en movimiento, todo cambia de una forma constante, lo que es en este momento nunca más lo volverá a ser y lo que fue en su momento, nunca más lo será.” La intención manifiesta, tanto en la cita como en la pauta de construcción kinética, se centró en aquello de mostrar la constancia del cambio, un hacerse y desvanecerse que redundó en variaciones de veinte performers quienes pasaban de aparentes pausas, nunca del todo fijas, a frenéticos desarrollos orientados al hip-hop y otras expresiones cercanas, que pueden englobarse como street dance. El trabajo, sólido en sus bases, pasó sin mayores novedades, ya que, a pesar del cambio continuo, de algún modo, todo movimiento era esperable como soluciones estilísticas.

La inauguración del Festival dio entrada a estas experimentaciones que constituyeron la tónica y el espíritu del evento: dar cabida a algunos reconocidos creadores como también oportunidades a otros nóveles, en búsquedas que se instan como factor experimental. __BD

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-ballet La Cenicienta

-infantil Mundodanza

-flamenco Perfiles

Cuentos de Ballet. Dirección: Liliana Belfiore. Intérpretes: Samanta Vibart (Cenicienta), Jimena Saud (Hada Madrina), Franco Arquiza (Príncipe), Marcos Herrera (Madrastra) y elenco. Domingos 16:30 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Coreografía y dirección: Laura Falcoff.

Intérpretes: Denise Comba, Nelson Leiva, Damián Malvacio, Gerardo Merldo, Maximiliano Navarro, Katia Pazanin y Sofía Sciaratta. Domingos 12 y 19 y sábado 18, 18 hs. Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715, Tel: 4808-9479).

Foto: Carlos Flynn

Sibila y el Ballet Al-Ándalus. Coreografía: Sibila, Alejandra García, Natalia Meiriño, Chela Fernández Belli, Roberto Rodriguez y Luciana Garoni. Domingos 19 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Foto: Carlos Villamayor

-danza y circo Proyecto amor eterno

Creación e interpretación: Quío Binetti y Vanina Goldstein. Sábados 21 hs. Teatro Pata de Ganso (Pasaje Zelaya 3122, Tel: 4862-0209).

-musical Las tres caras de Judas Compañía Codanz. Dirección general y producción: Juan Cruz Argento. Coreografía: Soledad Mauricci. Intérpretes: Christian Giménez, Eugenia Speroni, Florencia Hornus, Romina Alaniz y elenco. Sábados 22 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

Cartelera

-danza-teatro Las Hermanas Diamante

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Idea y dirección: Cecilia Gómez. Con: Alejandra San Martín, Guadalupe Mauriño, Juan Pablo Sierra, Rafael Maselli, Benjamín Ruiz, Sabrina Sansone y artistas invitados. Sábados 23 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

-danza aérea Pasó volando, 20 años con la danza aérea

Compañía de danza aérea Brenda Angiel. Coreografía: Brenda Angiel. Bailarines: Brenda Angiel, Lucas Coria, Mauro Dann, Viviana Finkelstein, Juan Iglesias, María Luján Minguez, Silvana Rossi, Carolina Tironi, Cristina Tziouras.

Sábados y domingos 20:30 hs. Aérea (Bartolomé Mitre 4272, Tel: 49836980).

- infantil Perdidos en la Biblioteca

De Florencia Rodríguez Zorrilla y María Laura Biondi. Dirección: María Laura Biondi. Coreografía: Agustina Ferreiro.

Sábados 16 hs. Teatro Gargantúa (Jorge Newbery 3563, Tel: 4555-5596).

-danza y percusión Racconto Mayumana. Miércoles 22 al viernes 24, 21 hs. Teatro Ópera Allianz (Av. Corrientes 860, Tel: 4326-1335).

-teatro Romeo y Julieta De William Shakespeare. Dirección: Virginia Lago. Coreografía: Sebastián Codega. Intérpretes: Juan Pablo Galimberti, Mariana Giovine, Irene Almus y elenco. Jueves a sábados 20 hs, domingos 19 hs. Teatro Regio (Córdoba 6056, Tel: 4772-3350). Foto: Carlos Flynn

-teatro Medea De Euripides. Compañia Codanz. Coreografía: Soledad Mauricci / Juan Cruz Argento. Viernes 22 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

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Sosteniendo Estilo Por Román Ghilotti El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín repuso, en brevísima temporada, del 11 al 14 de septiembre, dos obras que confirman la impronta de su director, Mauricio Wainrot Se trató de Estaciones Porteñas (1997) y Anne Frank (1984), coreografías que volverán a presentarse, en la Sala Martín Coronado, del 10 al 26 de este mes.

Estaciones Porteñas, con música de Astor Piazzolla, constituye un recorrido tanguístico moderno, tanto por el sesgo que imprimió al tango el compositor marplatense como por el juego transversal en rítmicas y formas que Mauricio Wainrot dispuso, cruzando elementos de tango con otros de contemporáneo y hasta algo de jazz. En esta obra, el coreógrafo eligió privilegiar el contraste masculino-femenino, no sólo por las varias apariciones de grupos de varones o de mujeres separadamente sino también por la marcada diferenciación de una sensualidad general, asociable al tango bailado, pero discriminada en detalles potentes y certeros en formas para unos y otras. El sello que Wainrot ha creado para su danza, aquello de los encadenamientos de secuencias en que se combinan trabajos amplios y veloces de piernas y contrastados sostenes para brazos, pausas súbitas y súbitos arranques, más quiebres y torsiones de torso, junto a las reagrupaciones de diversos números de integrantes, desde dúos a octetos, ya presentaba, en esta obra (han pasado diecisiete años desde su estreno), la notable característica de multiplicar

El universo de Anne (Anne Frank) 50 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

Tango contemporáneo en Estaciones Porteñas Fotos . Carlos Furman

diálogos. Entran en coloquio bailarines entre sí, y lo bailado conversa con los diseños en el espacio, con el dispositivo escénico y el vestuario (Carlos Gallardo) y, especialmente, con lo musical, donde se destacan ajustes parciales que crean momentos en los que pareciera que es la música quien sigue los designios del coreógrafo.

Con Anne Frank, basada en el famoso diario que escribiera la adolescente en su encierro de dos años, durante la Segunda Guerra Mundial, en Ámsterdam, y sobre la exquisita y sombría Música para Cuerdas, Percusión y Celesta (Béla Bartók), Wainrot buceó en su otra vertiente: la dramatización danzada sobre argumentación social. Si bien las anécdotas y peripecias de esas ocho personas reunidas a la fuerza en un espacio muy reducido son conocidas por muchos, es de destacarse que con recursos de movimientos danzados, algunas acciones de tono naturalista, algunos flashback y escenografía y vestuario (Gallardo), Wainrot da cuenta detallada del relato sin caer en lo melodramático simplista ni en un forzado juego de pantomima para ser explícito. Domina lo danzado, con ello se crean personajes, con marcadas características individuales, y se crea un ambiente de opresión y reacomodación en la convivencia forzada. 30 años después, Anne Frank mantiene vigente su potencia expresiva.

Tanto en Anne Frank (donde se destacaron, especialmente, Ivana Santaella -Anne Franky Carolina Capriati -Señora Van Daam) como en Estaciones Porteñas, la compañía mostró destreza técnica y rigor expresivo en un programa que, como muestra del repertorio, ofreció dos obras que ejemplifican el estilo Wainrot. __BD

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Viaje Vasco Por Nahuel Aguirre

Kukai Dantza pasó por Buenos Aires, la compañía del país vasco dirigida por Jon Maia presentó en el Teatro Sarmiento, KomunikazioaInkomunikazioa, una obra inspirada en los escritos de Mikel Laboa, danzas vascas y situaciones que parten de la comunicación entre las personas Ecléctica y eficaz, así fue Komunikazioa Inkomunikazioa del grupo Kukai Dantza, dirigida por Jon Maia y Mireia Gabilondo. Horas antes de la función su director aseguró a Balletin Dance: “Es un espectáculo súper variado, con amor, desamor,

Desamores incomunicados

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encuentros y desencuentros a partir del idioma”. Así fue esta obra que transitó por los conflictos en la comunicación interpersonal, acompañados e inspirados por la música y los escritos del cantautor vasco, Mikel Laboa.

Luego de una coreografía de gestos sutiles ejecutada por todo el elenco, la actriz Helena Goban, inició un monologo en polaco, comprensible gracias a los movimientos que realizaba. Este personaje cómico que fue recurrente a lo largo de la obra, introdujo al espectador en el espectáculo y dio pie al concepto, una mezcla de lenguajes generadores de conflictos en donde el cuerpo fue protagonista.

Los intérpretes compartieron con el público una energía que se sostuvo a lo largo de este viaje propuesto por los directores. La música vasca en vivo, acompañó escenas que trataban los problemas de la comunicación, un ejemplo de esto fue el de Goban bailando junto a uno de los bailarines, que merced a su tamaño podía manipularla mientras ella coqueteaba y trataba de hacerse entender por su compañero.

La pieza de danza teatro en un principio se sostuvo en el folklore vasco fusionado con técnica contemporánea, pero a medida que fue desarrollándose presentó quiebres de teatro e improvisación, brindando humor y logrando que una simple llamada telefónica fuera toda una escena. De la misma forma se recitó y bailó un texto de Hamlet, en inglés, español y euskera (lengua tradicional vasca). Nuevamente, surgían en escena múltiples idiomas, pero se comunicaba mediante el cuerpo.

No todo fue humor, sensaciones de nostalgia se despertaron cuando las luces y una proyección trasladaron la narración a una noche de lluvia, en la que una pareja se amaba y otra buscaba expresar sin éxito sus sentimientos mediante la palabra, mientras en el fondo del escenario, un dúo lograba relacionarse mediante la interacción física y gestual.

Una nueva proyección, dio pie a una fiesta, un zapateo al que se sumaron todos los intérpretes en escena, y mientras en el escenario los bailarines saltaban y percutían con sus pies, la audiencia animaba con palmas esta especie de celebración que predecía el termino de la función. Finalmente la “polaca” empezó un monologo similar al del inicio, esta vez para terminar diciendo fin en español.

En colaboración con Tanttaka Teatroa y la coreógrafa Jon San Martin, Kukai Dantza llevó a los espectadores por sensaciones de risa, nostalgia y tristeza, gracias a una obra que combinó teatro, danza, música en vivo, proyecciones y textos. __BD

Kukai Dantza, eclécticos y eficaces Fotos . Gorka Bravo

El viaje de este grupo creado en 2002, continuó por Jujuy, Salta, Tucumán y Corrientes, en donde presentaron un espectáculo callejero llamado Gelajauziak, dentro del marco del 9° Circuito Nacional del Teatro, organizado por el INT.

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Talentos en Fragmentos Por Agustina Llumá El sábado 16 de agosto, el Ballet Estable del Teatro Colón ofreció una nueva edición de la Gala Internacional con invitados provenientes del exterior Europa y Estados Unidos Bajo la dirección de Lidia Segni, en la Gala Internacional de este año prevalecieron coreografías modernas, contemporáneas, actuales, con o sin puntas, que los invitados trajeron a Buenos Aires, ofreciendo excelentes muestras de su labor cotidiana. En contrapartida, y aquí la mayor virtud de la programación, el Ballet Estable -como elenco anfitrión- se lució con Nuestros Valses de Vicente Nebrada, que repuso especialmente Yanis Pikieris.

De más está expresar en este artículo el avance técnico que han alcanzado los bailarines en el mundo, que les permite desarrollar movimientos físicos a un extremo antes impensado. Esta fue, una agradable función, con mucho para descubrir.

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Desde el Teatro Municipal de Rio de Janeiro, Marcia Jaqueline Araujo y Moacir Emanoel (un jovencísimo talento, de prolijo y glamoroso fluir y cuerpo escultural), abrieron la función con La Esmeralda y volvieron a aparecer en escena poco después con Precipitación (Éric Frédéric-Philip Glass) contemporáneo efectista con el uso de zapatillas de punta y algún mensaje vinculado a la guerra.

Jurgita Dronina (Het National Ballet) y Valentino Zucchetti (Royal Ballet de Londres) hicieron juntos Coppelia, el pas de deux más clásico de la noche y luego ofrecieron dos solos, coreografía de Juanjo Arques para ella, y de Leonid Jacobson para él, una humorada que resolvió con buena gestualidad y un final brillante para una diagonal de grand jetés con desplazamiento.

Iván Rutkauskas, Macarena Giménez y Juan Pablo Ledo en Nuestros Valses Foto . Alicia Sanguinetti

Hélène Bouchet y Carsten Jung en The Bench Foto . Alicia Sanguinetti

Jurgita Dronina y Valentino Zucchetti en Coppelia Foto . Máximo Parpagnoli

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Linda Celeste Sims y Kirven DouthitBoyd en Unfold Foto . Máximo Parpagnoli

Llegó el turno de Alvin Ailey con Linda Celeste Sims y Kirven Douthit-Boyd, quienes mostraron Pas de Duke una coreografía hecha a la medida exacta de la música (Duke Ellington) y poco después la excelente Unfold de Robert Battle un precioso dúo del director del elenco.

Desde el Hamburg Ballet, Hélène Bouchet y Carsten Jung, trajeron al Teatro Colón dos obras del genial John Neumeier, Tercera Sinfonía (Mahler) de intrincadas levantadas y The Bench clásico/contemporáneo de etilo naif.

La segunda parte de la noche fue para el Ballet Estable con aquella coreografía de Vicente Nebrada sobre partituras al piano (en vivo a cargo de Iván Rutkauskas) de Teresa Carreño, que nunca envejecerá: Nuestros Valses. Cinco parejas, en distintas etapas de su amor, con una nutritiva diferencia generacional, se intercalan ingeniosamente al ritmo del vals. Se destacó Carla Vincelli por su frescura y rapidez, liviandad y seguridad, y la pareja conformada por Macarena Giménez y Juan Pablo Ledo, conectados en su interpretación.

Ellos, junto a Nadia Muzyca, Federico Fernandez, Luciana Barrirero, Edgardo Trabalón, Natalia Pelayo, Maximiliano Iglesias y Emiliano Falcone brindaron un espectáculo de gran calidad. __BD Marcia Jaqueline Araujo y Moacir Emanoel en Precipitación Foto . Máximo Parpagnoli

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Galas, Aniversario y Más Por Agustina Llumá Leonardo Reale, es desde hace diez años el director del Ballet Metropolitano de Buenos Aires, y además embajador de Paz representando a la entidad Mil Milenios de Paz y Paz, Ecología y Arte Horas después de finalizada la tercera gala sudamericana de Marianela Nuñez en la localidad de San Martín, con dirección de Leonardo Reale, Balletin Dance dialogó con él sobre sus próximas actividades. Fue la municipalidad de San Martín la que resolvió ofrecer un espectáculo gratuito para miles de personas, con la actuación de su hija dilecta, Marianela Nuñez. Es que en esa localidad bonaerense nació y vive toda su familia, incluida su pequeñita sobrina que le sigue los pasos en la danza, en una demostración de talento hereditario.

El extenso programa presentado en San Martín con entrada gratuita, difirió de las galas anteriores en las que la bailarina argentina, etoile del Royal Ballet de Londres, realizó en el hemisferio Sur. “Empezamos con las alumnas de la Escuela Municipal que hicieron una suite de La Bella Durmiente que incorporaba el Adagio de la Rosa con Marianela Nuñez, y los príncipes Christian Pérez, Miguel Angel Klug, Martín Parrinelo y Alejandro Parente. Siguió Pañuelos del Viento, una obra folkórica de mi autoría que bailé con Alejandra Baldoni, participó Maricel De Mitri con Matías Santos con el adagio de Carmen, luego hicimos una versión reducida de Bastones Dorados, protagonizada por Julieta Paul y Bautista Parada, siguió A Buenos Aires

Marianela Nuñez y Alejandro Parente en A Buenos Aires Foto . Máximo Parpagnoli 58 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

con Marianela y Alejandro, la coreografía mítica de Mollajoli. Luego Pampa Universal que hizo el Ballet Metropolitano, el Cisne Negro con Marianela y Alejandro, y cerró con el saludo final coreografiado por Marcia Haydée, en el que participan todos los bailarines que actuaron esa noche”, explicó Reale en esta conversación.

Para el director fue un honor volver a trabajar con Marianela Nuñez “una grande de la danza”. Cuatro mil personas ingresaron al estadio de la Sociedad Alemana de Gimnasia de Villa Ballester, en lo que “fue una fiesta increíble -continúa-, el público estaba muy entusiasta. Había dos pantallas a los costados del escenario y otra afuera para la gente que no pudo entrar”. Quienes quedaron fuera pudieron disfrutar de la función a través de una pantalla en la que se transmitió el evento en directo.

El Ballet Metropolitano con la Bandera de Paz, en el Teatro del Libertador de Córdoba, en el marco de la gira 2014 Foto . gentileza de la producción

DANZAR POR LA PAZ El miércoles 29 de octubre, a las 20:30 hs se realizará un espectáculo coreográfico en el Teatro Nacional Cervantes, con entrada gratuita (se podrán retirar a partir del 15 de octubre en el Estudio Arte y Cultura: Guardia Vieja 3783, de lunes a viernes de 9 a 12 hs), bajo el nombre Encuentro Danzar por la Paz, con la organización del propio Reale.

Su principal objetivo es “lograr el encuentro, es llevar un mensaje de paz y no violencia a través del arte, como manifestación sublime de los humanos” explicó el bailarín en esta conversación.

En esta primera edición “ya existe una comunión entre todos los artistas que participarán, que nos permite una manifestación de júbilo, como es la danza, para el logro de un objetivo en el futuro. Sería muy idealista detenernos sólo en la imagen de la paz, ¿Quién no quiere la paz?. Lo importante es contar con elementos que permitan llegar a ese estado, o manejarnos cotidianamente sin agresiones, ni violencias y a la vez luchar por la concreción de diversas campañas que se promulgan internacionalmente”, aclaró Reale.

“Cuando en el año 2008 recibí la designación de Embajador de Paz por parte de Mil Milenios de Paz y Paz, Ecología y Arte, me comprometí a llevar la Bandera de la Paz a cada una de las presentaciones del Ballet Metropolitano de Buenos Aires (también designado Embajador de la Paz), una entelequia que debe tornarse una realidad. El emblema fue diseñado por Nikolai Roerich, tan ligado a la danza a través de los Ballets Russes de Serge Diaghilev en los que trabajó en varias obras”, continuó.

Esa insignia tiene tres círculos, sobre fondo blanco, que simbolizan “religión, arte y ciencia”. Además de agradecer a la dirección del Teatro Nacional Cervantes por brindar la sala para este espectáculo, el director confió que se trata de un proyecto que había ideado hace muchos años.

Participan de este primer encuentro: el Ballet Estable del Teatro Colón (dirección: Lidia Segni), Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata (dirección: Mario Silva), Compañía Nacional de Danza Contemporánea (dirección: Cristina Gómez Comini), Ballet Folklórico Nacional (dirección: Omar Fiordelmondo), Ballet Danza por la Inclusión (dirección: Iñaki Urlezaga), Compañía de Danza Pies Desnudos (dirección: Laura Roatta), Franco Cadelago, y el Ballet Metropolitano de Buenos Aires.

“Llevar la cultura de la paz al pueblo es una tarea muy grande y espero que a partir de este evento todos estemos involucrados en tener una conciencia de paz. Cuando hablo de paz hablo de respeto, de buen trato. En la fan page de facebook se pueden ver testimonios de grandes artistas, productores, bailarines y directores de todo el mundo, que hablan de la paz”.

Los sueños a futuro del embajador de paz incluyen lograr la continuidad de estos encuentros, por lo que ya se encuentra en tratativas con varias regiones del interior del país. “La idea es que en cada ciudad, bailen los elencos locales. La función se inicia con una coreografía mía muy breve, con música de Walter Oliverio, que se llama Vuelos de Paz, y a partir de ahí los ballets locales, estatales o privados, conforman el resto del programa. Así Danzar por la Paz será itinerante y ojalá que no tenga fronteras y llegue también al exterior”.

EN OCTUBRE Para finalizar esta entrevista, Reale anticipó el estreno de Suite Taurina por el Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata, que se verá este mes, en un programa mixto en el gran coliseo de la provincia de Buenos Aires.

Y la reposición del éxito para niños, El Cascanueces y el Rey de los Ratones con las Princesas Encantadas que el Ballet Metropolitano presenta los domingos a las 11 hs, en la Ciudad Cultural Konex. __BD OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 59

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Momentos Irrepetibles Por Agustina Llumá

El Ballet Metropolitano de Buenos Aires que dirige Leonardo Reale con producción de la Asociación Arte y Cultura, celebró sus diez años de vida con una función a beneficio de la Fundación del Hospital Garrahan, en el Teatro Nacional Cervantes Hay funciones que se recordarán por siempre. Más allá del análisis intelectual que pueda hacerse de las interpretaciones en escena, ciertos mágicos misterios se despliegan en algunas contadas excepciones, y el teatro todo, desde el escenario a los palcos, se envuelve en una comunión difícil de explicar en palabras. Así fue la noche del décimo aniversario del Ballet Metropolitano.

Ciertos condimentos permitieron este hechizo. Bailarines argentinos radicados hace años en el exterior, bailaban en su país, satisfaciendo un anhelo recurrente de quienes parten de estas tierras en busca de su desarrollo profesional. Casi a modo de homenaje, de reconocimiento, ellos sintieron su argentinidad a flor de piel. Además, en clases y ensayos previos a la función, se conformó una cuadrilla afectiva de cooperación que colaboró para crear la misteriosa atmósfera del miércoles 13 de agosto en pleno centro porteño.

Agustina Galizzi y Erick Rodríguez en Mona Lisa Foto . Máximo Parpagnoli 60 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

El Adagio de la Rosa de La Bella Durmiente abrió la función, para saborear los encantos de Marianela Nuñez y esos port de bras increíblemente dulces. Fue secundada por Alejandro Parente, Edgardo Trabalón, Martín Parrinello y Rodrigo Villaverde (ellos con extraño vestuario).

Karina Olmedo junto a Nahuel Prozzi, dieron lo mejor de sí mismos, en el pas de deux de Espartaco sobre la desgarradora música de Aram Khachaturian. También conmovedora fue la música de Wolfgang Amadeus Mozart que Victor Plotinkovg coreografió para Sergio Neglia y Silvina Vaccarelli en From The Earth en lenguaje contemporáneo, de quiebres articulares en un entorno intimista. Aún más moderno fue Mona Lisa de Itzik Galili en el que Agustina Galizzi junto a Erick Rodríguez se enredaron y descuartizaron, percusivamente, de manera ágil y minimalista a la vez.

Luego de un intervalo llegó Kenneth MacMillan en los pies de Natalia Berrios y Luis Ortigoza, que dieron vida a Mayerling, transformando las rebuscadas secuencias en claras expresiones humanas. En tal solo unos minutos, se expone la lujuria, el deseo, la traición, la debilidad, el rencor y la venganza: solamente para artistas consolidados.

Regresó a escena Marianela Nuñez para ofrecer una versión personalísima de A Buenos Aires, el inspirado dúo de Gustavo Mollajoli, muy bien acompañada por Alejandro Pa-

rente. Juntos mantuvieron un vínculo verosímil, fuera de todo cliché. Ella fue apacible y bravía alternadamente, sin exageraciones, con aportes interpretativos que no hicieron más que sumar talento artístico a lo que de por sí mismo es una obra de arte.

Y como cierre de oro el Ballet Metropolitano a pleno, con Julieta Paul y Edgardo Trabalón en los protagónicos, desplegó toda su adrenalina en Bastones Dorados de Leonardo Reale, una com-

Marianela Nuñez, honesto saludo de una gran artista Foto . Alicia Sanguinetti

binación de cuadros efectistas, basados en partituras de Antonio Vivaldi, Duke Ellington, Benny Goodman, y William Christopher Handy, que logró encandilar a toda la platea. __BD OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 61

Ballet Metropolitano en Bastones Dorados Foto . Máximo Parpagnoli Silvina Vaccarelli y Sergio Neglia en From The Earth Foto . Máximo Parpagnoli

En página opuesta Arriba izquierda Marianela Nuñez y Alejandro Parente en A Buenos Aires Foto . Máximo Parpagnoli Abajo Natalia Berrios y Luis Ortigoza en Mayerling Foto . Máximo Parpagnoli Arriba derecha Karina Olmedo y Nahuel Prozzi en Espartaco Foto . Alicia Sanguinetti 62 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

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Clausuras por Doquier El mes pasado, la Revista Emprende Cultura preparó un informe que da cuenta del estado de alerta despertado en el sector, debido al cierre masivo de espacios culturales en la ciudad de Buenos Aires El miércoles 13 de agosto, frente al Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires en la mítica Avenida de Mayo, se realizó una manifestación bajo la consigna La Cultura No Se Clausura. La seguidilla de clausuras realizadas en todos los barrios porteños (centro culturales, de exposiciones, milongas, peñas), demostró una vez más, la necesidad de contar con una legislación que contemple la diversidad, características e importancia de los cientos de espacios culturales que habitan Buenos Aires.

Luego del trágico incendio en la discoteca Cromagnón en diciembre de 2004 (que causó la muerte de al menos doscientos jóvenes y más de mil quinientos heridos) se abrió el debate en relación a los requisitos que deben tener estos espacios para la seguridad de los que allí se reúnen, es decir para conseguir su habilitación municipal. La cuestión sigue sin resolverse al día de hoy, en que estos pequeños centros culturales privados, deben cumplir con las mismas reglamentaciones que sitios que mueven números considerablemente mayores de asistentes. Muchas de las clausuras de estos últimos meses se debieron al propio retraso burocrático municipal, por su intrincado sistema de implementación, con cambios constantes y nuevos requisitos. “La falta de reglas claras también facilitaría la solicitud de diezmos, que es un secreto a voces que nadie quiso repetir frente al grabador”, sentenció Diego Braude al inicio del informe en la revista.

Los protagonistas de la edición Nº 5 de Emprende Cultura, oscilan entre la épica personal y la colectiva, cuyos comunes denominadores son el trabajo en equipo (sea formando un colectivo o delegando tareas), la amistad y la confianza mutua, la idea del encuentro como fiesta, también el permanente desafío de la supervivencia o el cómo conseguir vivir de lo que a uno le gusta hacer. El informe da cuenta de la situación real por la que están atravesando los espacios culturales de Buenos Aires y de la necesidad imperiosa de contar con un estudio profundo de esos centros y las metodologías a seguir. Ante la falta de números, la revista junto a El Quetzal y al Observatorio de Industrias Culturales del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, iniciaron la coordinación para poder generar ese relevamiento. __BD

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Priscila, la más premiada Foto . gentileza de la producción

actualidad

Premiados Escénicos El mes pasado la Asociación de Cronistas del Espectáculo de la Argentina, entregó los Premios Ace a la actividad teatral 2012/13 en una ceremonia realizada en el Teatro El Nacional, transmitida en vivo por la TV Pública El máximo reconocimiento, la estatuilla de Oro, correspondió este año a Marilú Marini, quien lo recibió de manos de Agustín Alezzo (ganador anterior). El espectáculo Priscilla, La Reina del Desierto fue el que más premios obtuvo: como Mejor Music Hall, Dirección Musical (Valeria Ambrosio), Coreografía (Elizabeth de Chapeaurouge), Actuación Masculina Musical (Pepe Cibrián Campoy), Revelación Femenina (Sabrina Artaza), Producción (Gabriel García y Daniel Vercelli) y Vestuario (René Diviú). De entre los múltiples rubros que se laurean, se menciona también la Actuación Femenina en Musical, que correspondió a Karina K (Al Final del Arco Iris). __BD

Más Mercados Para conmemorar los 70 años de Teatro Municipal, el Complejo Teatral de Buenos Aires realizó Escena 70 – Mercado de Artes Escénicas de Buenos Aires, del 6 al 8 de octubre en las instalaciones de dicho teatro porteño Sobre fines del mes pasado el jurado de la organización conformado por Mariana Percovich, Gabriela Ricardes, Lisi Estaras, Darío Lopérfido y Carlos Pacheco, dio a conocer los resultados de la convocatoria para participar de Escena 70, una plataforma exportadora para las artes escénicas de Buenos Aires que brindó a la danza un espacio fundamental. Los seleccionados participaron en dos categorías, por un lado ciento ocho grupos/ artistas participaron de rondas de negocios, y otros treinta y cinco mostraron sus espectáculos en vivo a productores y programadores de diferentes países. __BD

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APRENDIZAJE - PLANIFICACIÓN - EVALUACIÓN RESOLUCIÓN DE PROBLEMATIVAS COMUNES

Primera Jornada

Segunda Jornada

Tercera Jornada

Cuarta Jornada

APRENDIZAJE SIGNIFICATIVO

PLANIFICAR LAS PRÁCTICAS DOCENTES

LA EVALUACIÓN

RESOLUCIÓN DE PROBLEMÁTICAS COMUNES

Viernes 13 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Se establecerán cuáles son los mecanismos que realiza el alumno para aprender un movimiento, esto nos permitirá guiarlo eficientemente a partir de los recursos que se brindarán en la jornada.

La transmisión del conocimiento (Teorías de aprendizajes, aprendizajes significativos); Las inteligencias múltiples; El rol docente a partir de las teorías cognitivas (La formación de profesionales reflexivos); El exhibicionismo del que enseña; La expresión como fin, el cuerpo como instrumento (las teorías cognitivas y su aplicación en la danza); La conciencia corporal como base de la expresión.

Clase práctica. Se desarrollará el uso de la energía como motor del movimiento para lograr cuerpos cada vez más conscientes.

Se trabajarán los centros de energía pies, cabeza.

Sábado 14 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Las planificaciones como medio para optimizar el trabajo en el aula.

Componentes básicos de una planificación; El por qué y el para qué de los proyectos; Que aspectos tener en cuenta para establecer la realidad del aula; Cómo definir metas y objetivos a partir de esa realidad; Cómo establecer las estrategias y las actividades para lograr aprendizajes significativos; Diseño de proyectos tradicionales y aquellos basados en la investigación; Diseño de proyectos extracurriculares.

Clase práctica. Continuación del trabajo de la clase anterior.

Energía de las manos, su uso como motor del movimiento y su aplicación en la ejecución de movimientos pautados, para desarrollar cuerpos cada vez más conscientes.

Inscripción: Enviar nombre y apellido, Nº de DNI y ciudad de procedencia, a: info@balletindance.com.ar Entrega de certificados. Contra presentación de DNI.

Domingo 15 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

La Evaluación es mucho más que poner una nota.

Para qué y cómo evaluar, significados ocultos de la evaluación; La evaluación tradicional; La subjetividad de la evaluación; La evaluación un Boomerang que apunta al docente; El concepto de evaluación a partir de las prácticas reflexivas (La autoevaluación y co-Evaluación del alumno); Evaluación diagnóstica, formativa y final: Jerarquización de la mirada; La autoevaluación del docente.

Clase práctica: se seguirá desarrollando la energía en pies, cabeza, manos y se trabajará sobre la energía de la pelvis como motor del movimiento y la aplicación de estos centros en movimientos pautados.

Lunes 16 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

En esta jornada los participantes expondrán las problemáticas que surgen en su actividad para plantear soluciones a la luz de las prácticas reflexivas, contextualizadas en un marco teórico referencial.

Entre los temas más comunes que podrían plantearse, se cuentan: ¿Qué hacer?: Ante un exceso de peso en los alumnos; Para despertar el interés de los alumnos en las clases; Para fomentar en los alumnos el compromiso a la tarea y a los proyectos; Para aumentar el compromiso de los padres en la actividad de sus hijos; Para aumentar y/o sostener una matrícula.

Clase práctica: se afianzarán las prácticas de las clases anteriores.

Cada Jornada: $ 350. Solamente práctico de c/u: $ 250 Curso Completo: $ 1200. 3 cuotas sin interés para las inscripciones on-line (con tarjeta de crédito).

Nota: Teórico: llevar material para tomar notas (lápiz y papel). Práctico: ropa muy cómoda y zapatillas blandas o medias.

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-contemporáneo Vértigo

-contemporáneo Visiones

Dirección: Gabriela Prado. Intérpretes: Carla Di Grazia, Carla Rímola, Amaray Collet, Alejo Wilkinson Hassler, Luis Monroy Grandon, Luisa Gerala, Matías Nicolas Ramírez, Sofía Rypka, Bernardita Dirazar, Malena Buchsbaum, Sofía Fornaresio y María Beatriz Greco.

Domingos 19 hs. Casa Nacional del Bicentenario (Riobamba 985, Tel: 4813 0679). Entrada gratuita.

De David Señorán. Intérpretes: Inés Silvestre, Iván Asborno, Nicolás Baroni, Luciana Brugal, Leandro Bustos, Luciano Cejas, Gastón Gatti, Virginia Rossi, Lucas Minhondo, Agustina Annan, Abril Garay, Matías Tello y Mauro Poledo. Domingos 21 hs. El Kafka (Lambaré 866, Tel: 4862-5439).

Compañía de Danza Moderna MAPU. Dirección y coreografía: Evet Gaiani.

Sábado 11, 21 hs. Espacio Cultural Julián Centeya (Av. San Juan 3255, Tel: 4931-9667). Sábado 25, 21 hs y viernes 14 de noviembre, 20:30 hs. Espacio Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640, Tel: 4552-4229). Entrada gratuita.

Compañía de Danza Deborah Colker.

Creación, dirección y coreografía: Deborah Colker. Miércoles 15 y jueves 16, 20:30 hs. Teatro Opera Allianz (Corrientes 860, Tel: 4326-1335).

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Coreografía y dirección: Pepe Marquez. Intérpretes: Rodolfo Romero, Pedro De Simone, Natalia Ayzemberg, Mauricio Guzmán, Jhon Agust, Oscar Rousset, Agostina Venturelli y Renata Venturelli.

Domingos 20 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

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68 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

Olga Besio y Ariadna Naveira en Baltimore Foto . gentileza de la artista

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La profesora Olga Besio, reconocida por su labor tango con niños, entre otras enseñanzas, participó este año en el Festival Tango Elements de Baltimore, donde dictó clases para adultos. Allí, una de las noches de evento, se caracteriza por presentar una sorpresa, “La sorpresa de esta edición consistió en que yo bailara con mi hija, Ariadna Naveira (que obviamente, fue alumna mía toda su vida, como mi hijo, Federico Naveira)”, relató la docente a Balletin Dance.

Poco antes, “estuve como jurado y dictando clases en Bogotá, Colombia, durante la Preliminar del Campeonato Mundial de Tango de Buenos Aires. Y en agosto integré una vez más el jurado en la Final de Tango de Pista que se realizó en el Luna Park de Buenos Aires”. __BD

William Forsythe anunció su retiro

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Recién cumplidos sus 65 años, William Forsythe anunció su retiro de la dirección de la compañía que lleva su nombre, asentada en la ciudad de Dresden En su lugar, desde septiembre de 2015 y por diez años, estará el italiano Jacopo Godani, bailarín y leal colaborador de Forsythe, quien permanecerá como consultor artístico hasta 2018 (en estos meses se terminará de debatir la prórroga de su contrato con la ciudad). De esta manera, el genial coreógrafo norteamericano se “asegura” la continuación de su labor, así como John Neumeier, lo hizo al designar como heredero del Hamburg Ballet a Lloyd Riggins.

Pero antes de ello, el Festival de Otoño de París, en Francia, estará dedicado a la figura de William Forsythe, con la reposición de seis programas diferentes con obras de su autoría. Este año, el encuentro se extenderá a cuarenta y tres salas en París, desde septiembre a diciembre, con más de cincuenta propuestas provenientes de quince países.

Yorgos Loukos, director del Ballet de Danza de Lyon, que trabaja con él desde hace treinta años y presentará obras en este encuentro, asegura que “Forsythe es único”, y considerado el más europeo de los coreógrafos estadounidenses es también un “niño mimado de París”. __BD

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Por Mercedes Borges Bartutis

Carlos Acosta: entre Londres y La Habana

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Carlos Acosta no sólo pertenece al ballet cubano, ni a la cultura cubana. Este “mulato de oro” es la inspiración de cientos de niños de la Isla grande del Caribe, que sueñan con ser bailarines, pero ser bailarines como Carlos Acosta. Así que cuando se conoció la noticia del próximo retiro de la danza clásica al final de la temporada 2015-2016, de este descomunal intérprete, muchos en Cuba se pusieron tristes y con razón

Carlos Acosta se radicará en La Habana Foto . archivo

70 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

Junior, sobrenombre que todavía la gente le dice, nunca se ha dejado confundir por la fama, nunca ha dejado de vincularse con su país; incluso cuando muchos intentaron convertirlo en un “artista independiente” del Ministerio de Cultura cubano, Acosta insistió en demostrar que le interesaba su país. Para ello volvió siempre que pudo a las ediciones del Festival Internacional de Ballet de La Habana.

Entre sus acciones más rotundas, de los últimos años, están su gira nacional con un espectáculo hermoso por toda la Isla, y traer a La Habana al Royal Ballet del Londres en pleno, con funciones en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana y el Teatro Karl Marx, un coliseo de unas cinco mil capacidades, en una de las mayores demostraciones de amor por su patria.

Su proyecto más reciente fue el espectáculo Cubanía, un intento de llevar la cultura cubana al Covent Garden. La crítica lo recibió dividida. Para algunos fue demasiado organizado, demasiado limpio, con un perfeccionismo que no hace a la pieza de ningún favor, dicen que le falta la espontaneidad, algo que define la vida callejera. Para otros fue un gran divertimento.

Acosta confesó públicamente: “El espectáculo cumplió su objetivo: es divertido, popular, es un show de verano para que la gente lo disfrute”, declaró el bailarín, y agregó que “al final terminamos con la conga usual de Tocororo, que es lo que se quería para atrapar a gente más joven, con otra visión y romper un poco con el estilo del clasicismo de ese teatro”. Con esos argumentos llegó este agosto a La Habana. Defendiendo su espectáculo de la mirada incisiva de la crítica londinense.

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Foto: Juan Agusti

En este verano, considerado uno de los más agresivos de los últimos años, Carlos Acosta decidió casarse en La Habana. La boda fue “discreta” en cuanto a número de asistentes. Solo los amigos, que llegaron de muchas partes del mundo, y para algunos invitados necesarios. Carlos se cuida mucho de las miradas indiscretas, anda por La Habana con un bajo perfil, y después de los festejos del matrimonio, se fue a Varadero de luna de miel.

Acosta siempre tiene planes y Cuba permanece incluida en ellos. Algunos se han malogrado y otros se mantienen latentes hasta que puedan alcanzar su consolidación. Tras dejar a un lado el proyecto de crear una academia en el espacio de lo que hubiera sido la escuela de ballet, perteneciente al complejo de escuelas de arte de Cubanacán, Carlos se ha concentrado en organizar su retiro. Lo hará con una versión de Carmen para el Royal Ballet de Londres, compañía donde es bailarín principal invitado desde hace once años.

En declaraciones exclusivas al diario Granma, órgano oficial del Partido Comunista de Cuba, Acosta comentó: “con Carmen voy a despedirme de los escenarios del mundo en el repertorio clásico, pienso girar por Nueva York, presentarme en el Metropolitan Opera House, y en algunos escenarios de Londres, por supuesto, y en otros donde he bailado en varias ocasiones, como el Bolshoi. Toda esa temporada sería como decir adiós al repertorio clásico y entonces espero en ese momento tener mi compañía creada”.

Una compañía de ballet con un repertorio de corte neoclásico y contemporáneo, con bailarines cubanos, y asentada en La Habana, donde piensa radicarse. La idea es genial y estimularía el desarrollo del ballet en Cuba.

Sin embargo, tiene el peligro de encontrar muchos tropiezos. En La Habana sólo ha vivido y vive el Ballet Nacional de Cuba. Los otros intentos de consolidar alguna compañía clásica en la capital de la Isla han fracasado. Pero crucemos los dedos para que los planes de Carlos Acosta se den, pues sería un estímulo grande para los jóvenes que se gradúan de la Escuela Nacional de Ballet y que no miran el ballet clásico como la única opción, en el desarrollo de sus carreras. Sería, además, una puerta diferente en el abanico de estéticas de danza que conviven en el país.

Cargando a sus espaldas un abultado equipaje de premios y condecoraciones, en muchas partes del mundo, Acosta tiene colaboradores dentro de Cuba, decididos a apoyarlo plenamente en sus proyectos. Pero se ha cuidado de expresar a través del periódico más importante, que desea tener su compañía en La Habana y quedarse a vivir en Cuba. Son declaraciones de gran peso, cuando generalmente los artistas de la Isla son protagonistas de un éxodo permanente.

Dividido entre Londres y La Habana, Carlos Acosta con 41 años, está pensando dedicarle a Cuba todos los años de ausencia, está pensando dedicarse el tiempo que no ha podido compartir y disfrutar con los suyos. Ya no volverá a Los Pinos, el humilde barrio de donde su padre lo sacó para que estudiara ballet. Ahora, una casa enorme acogerá el torrente de ideas y proyectos que rondan su cabeza. Ha trabajado duro, lo ha hecho bien, le ha salido espectacular. Atrás quedarán las operaciones de tobillo, terapias, lastimaduras, recuperaciones y cientos de dolencias. Hoy, es la inspiración de muchos bailarines jóvenes que sueñan tener una carrera similar a la suya. Sólo que Carlos Acosta hay uno solo: ese despampanante mulato de oro, que por más de veinte años ha dejado con su arte, un poco de Cuba en todas partes. __BD

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OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 71

72 / BALLETIN DANCE // OCTUBRE 2014

Corella nuevamente en América

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El bailarín español Angel Corella, que fuera estrella del American Ballet Theatre de Nueva York, asumió a fines de agosto como director del Pennsylvania Ballet Luego de resolver disolver su compañía en España, con manifestaciones a la prensa en relación a la incultura y abandono peninsular, Angel Corella se incorporó al elenco estadounidense (al que considera la quinta compañía del país) a fines de agosto, en reemplazo de Roy Kaiser. Con cincuenta integrantes y un presupuesto de doce millones de dólares anuales, el madrileño señaló su deseo de expandirla “y lanzarla a lo más alto”. Será a partir de enero cuando entre en acción completamente como director artístico. Con su enojo explícito hacia la imposibilidad de haber continuado su labor en su tierra natal, Corella sentenció que en España “después del fútbol, la envidia es el deporte nacional”. __BD Foto . archivo

balletin informativo AUDICIONES DEL EXTERIOR Alemania. La Compañía de Nanine Linning busca un bailarín con sólida técnica y bailarinas con experiencia, para integrarse en la temporada 2015-2016 en Heidelberg, a partir del 7 de septiembre de 2015.

Se realizarán audiciones el 8 de noviembre, 14 y 28 de febrero. Elenco de trabajo interdisciplinar planea realizar tres nuevas producciones y más de cincuenta funciones el próximo año. Los interesados deben ser virtuosos y rápidos en el aprendizaje de coreografías, personas creativas que aporten en el proceso de creación como co-creadores, capaces de tomar riesgos y responsables. Formulario de inscripción on-line: http://www.danza.es/descargas/audition_form_2015.pdf, una vez completo debe enviarse a: audition@theater.heidelberg.de con un enlace a un video de internet (donde se lo vea bailar, evite obras conceptuales) y un máximo de 3 fotos.

Alemania. El Ballet de la Ópera de Leipzig dirigido por Mario Schröder, convoca audiciones para bailarines/as, para la Temporada 2015/16 (coreografías del director, Ohad Naharin, Silvana Schröder y Uwe Scholz). La selección se realizará el 7 de diciembre de 2014, en su sede.

Podrán postularse bailarines con técnicas clásica, neoclásica y contemporánea. Los interesados deberán completar el formulario on-line, antes del 1º de diciembre: http://www.oper-leipzig.de/en/audition.

Alemania. El Ballett Kiel que dirige Yaroslav Ivanenko busca un bailarín profesional varón, para la actual temporada. Se requiere sólida técnica clásica, y también dominio de contemporáneo con facilidad para la improvisación. Los postulantes deben preparar una variación clásica y una contemporánea. Y enviar su CV con fotos antes del 31 de octubre, a: Theater Kiel, Ballett Kiel, Rathausplatz 4, 24103 Kiel.

E-mail: audition@ballett.theater-kiel.de.

Italia. La Francesca Selva Dance Company está buscando jóvenes bailarines/as profesionales (de 18 a 25 años) para futuras producciones. Los interesados deberán poseer sólidas técnicas de danza clásica y contemporánea, habilidades para la improvisación. Las audiciones serán el sábado 25 de octubre en Siena, Italia. Enviar CV y fotografía (y video opcional) a: promozione.francescaselva@gmail.com, antes del 15 de octubre de 2014.

Suecia. La Göteborgs Operans Danskompani realizará audiciones en La Haya, Hamburgo y Gothenburg a fin de año, para encontrar bailarines/as de alto nivel con experiencia, y facilidad para intervenir en procesos creativos. Se ofrecen contratos de 6 a 12 meses de duración, comenzando en julio de 2015. La audición será únicamente por invitación, y los interesados deben postularse exclusivamente a través de MyNetwork: https://opera.mynetworkglobal.com/

Alemania. El Ballet des Staatstheaters Am Gärtnerplatz dirigido por Karl Alfred Schreiner, seleccionará bailarines/as con excelentes técnicas clásica y contemporánea, el 16 de noviembre. Cierre de inscripción: 7 de noviembre. Enviar CV y retrato, a: Ballett des Staatstheaters am Gärtnerplatz, Ballettdirektion, Postfach 14 05 69, 80455 München. E-mail: bewerbung@gaertnerplatztheater.de.

Reino Unido. La Escuela del Ballet Rambert seleccionará Director y Director Artístico, en reemplazo de Ross McKim, para ejercer en sus funciones desde julio de 2015. Se requiere capacidad de líder, que pueda conservar su carácter único y su patrimonio, a la vez de otorgar nueva información artística y educativa con ocupación full time. Los interesados en concursar deberán completar el formulario antes del 27 de octubre, en: www.rambertschool.org.uk/about-us/personal/vacantes-2/ Reino Unido. La institución Dancers’ Career Development (DCD) seleccionará a su nuevo Presidente. Fundada en 1973, su misión es apoyar a bailarines profesionales en el Reino Unido para transitar con éxito el camino a la vida profesional. Los interesados deben contactar a Jennifer Curry, antes del 20 de octubre, E-mail: jennifer@thedcd.org.uk. Web: www.thedcd.org.uk.

CONVOCATORIAS Maestro/a de danza contemporánea, técnicas varias, para dictar clases a jovencitas y adultos en el interior de la provincia de Córdoba (Argentina). Los interesados podrán comunicarse al mail: graly2@ yahoo.com.ar, Tel: (02302) 15-52-9196.

Coreógrafo/a. La compañía de danza 360, creada con el sistema de autogestión (cooperativa), a comienzos de este año en las instalaciones del Estudio InDance de Buenos Aires, recibe propuestas de coreógrafos interesados en trabajar con el grupo para ampliar su repertorio. Conformada por bailarines de fuerte base clásica, con manejo de diversas técnicas de danza contemporánea, tango y jazz: Victoria Lanestosa, Federico Carrizo, Candela Zapata, Inés Torres Cappiello, Alexander Gamboa Mariño y Guillermo Fabricio Pérez, cuenta con la colaboración del maestro y ensayista Iván Rogoski. Informes en internet: http://360danza.wix. com/360danza. Tel: 15-3105-2524.

Alemania. La Palucca Hochschule für Tanz Dresden seleccionará profesor de danza clásica y coreografía para el semestre de invierno 2015/2016). Los candidatos deberán enviar un retrato, CV completo, antes del 15 de noviembre. A: Palucca Hochschule für Tanz Dresden Human Resources, Mrs. Christine Gölker, Basteiplatz 4, 01277 Dresden, Germany. Tel: +49 (0)351/2590618 email: c.goelker@palucca.eu.

INSCRIPCIÓN El Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín, dirigido por Norma Binaghi, convoca a bailarinas/es a participar de la audición para el Curso Trienal de Perfeccionamiento del ciclo lectivo 2015. Los interesados deberán tener de 17 a 20 años (mujeres) y de 17 y 21 (varones), poseer un nivel intermedio (4 años) de estudios continuos de técnica clásica y conocimientos básicos de danza contemporánea, reconocidos por instituciones oficiales y/o particulares. Deberán también poseer estudios secundarios completos o en curso. La inscripción se realizará hasta el 17 de octubre, de martes a viernes de 10 a 18 hs y los sábados de 11 a 15 hs, en la sede del Taller: Av. Santa Fe 1440, Galería San Nicolás, 2º subsuelo (CP 1060), Buenos Aires. Informes: 4811-8936, e-mail: tallerdanzasanmartin@hotmail.com.

FESTIVALES Y CONGRESOS Festival Bailemos Tango. 10º edición. Del 27 al 30 de noviembre, Buenos Aires. Dirección: Johana Copes. Maestros: Johana Copes y Joaquín Besga, Javier Rodríguez y Noelia Barsi, Roxana Suarez y Sebastián Achaval, Roberto Zuccarino y Magdalena Valdez. También habrá milongas con exhibiciones y música en vivo. Informes: www.ladystango.com, Tel: 4947-0599.

Festival Internacional de Folklore Caminos de Tierra. 3º edición.

Del 10 al 19 de octubre, en distintas localidades de las provincias de Santa Fe, Córdoba y Buenos Aires. Organiza: Compañía de Danzas La Marrupeña (Folklore y Tango), dirigida por Ernesto Sunde. Participa el Ballet Teocalli, de la Ciudad de Guadalajara, México, dirigido por Francisco García Velázquez. La programación incluye espectáculos en teatros, escenarios públicos, presentaciones para alumnos de escuelas y universidades, conferencias, desfiles etnográficos y talleres especializados de danzas. La apertura del Festival será en el Área Transdepartamental de Folklore del Instituto Universitario Nacional del Arte, en el marco del Congreso Latinoamericano de Folklore. Informes: E- Mail: companialamarrupena@yahoo.com.ar, Tel: (03462) 15-31-2855.

España. Festival Internacional de Videodanza Experimental de La Rioja, Fiver. 3º edición. Del 2 al 5 de enero del 2015 en Logroño. Más de 3.000 euros en premios, patrocinados por el Gobierno de La Rioja. Cierre de inscripción: 7 de noviembre de 2014: http://www.festivalfiver.com/

RESIDENCIA México. Residencias Artísticas por Intercambio RAT, convoca a artistas de todas las disciplinas, curadores, críticos, gestores culturales y teóricos que deseen desarrollar proyectos en la Ciudad de México durante 2O15. Los interesados en presentar proyectos pueden solicitar las bases de participación por E-mail, a: r.a.t.residencias.artisticas@gmail.com.

OCTUBRE 2014 // BALLETIN DANCE / 73

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