BALLETIN DANCE 239

LA REVISTA ARGENTINA DE DANZA

ISSN 1850-6275 Año 21. Nº 239 Enero-Febrero 2015 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

BNC Bajo la Lupa JULIO BOCCA Feliz y Verborrágico

CECILLIA FIGAREDO

Por los Caminos del Tango ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE /1

2 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 3

NOTA DE TAPA 6 Cecilia Figaredo. Por los Caminos del Tango

Cecilia Figaredo Foto: Alicia Sanguinetti y Carlos Villamayor

ACTUALIDAD 14 ¿Cuánto Ganan los Bailarines?

20 Balletin Dance y un Nuevo Reconocimiento 22 Centros Culturales con Nueva Ley 24 Temporadas 29 Fantasmas Teatrales 42 Espíritu Iluminado 44 De Nuestra Tierra PROVINCIAS 30 Salta. Y la Historia se Repite 32 Tucumán. Celebración Contemporánea 34 Córdoba. Heroínas de Ficción FLAMENCO 36 Eternidad TANGO 47 Verano Porteño

ENTREVISTAS 38 Julio Bocca en La Habana 48 Ballet para el Desarrollo de la Sociedad COMENTARIOS 52 La Otra Identidad 54 Reflexionar para Accionar y Bailar 56 Ese Pequeño Gradiente Emocional ARGENTINOS EN...

58 China. A través del 2 x 4 INTERNACIONALES 59 Cuba. El Ballet Bajo la Lupa 64 Francia. El Final de Bonheur BALLETIN INFORMATIVO 66/67/68/69/70 Audiciones, becas, concursos, convocatorias, inscripciones, residencias, subsidios, puntos de venta

STAFF editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Laura Lago Pilar Sagasta Daniel Sousa corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García

Sumario 239

jorgeg.dg@gmail.com

Enero-Febrero 2015 - Año 21 - Nº 239

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires.

Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5158544. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

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Vacaciones Balletin Dance reinicia sus actividades el lunes 2 de febrero de 2015 INTERIOR DEL PAÍS: $ 10

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

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TÉCNICAS DE TRABAJO CORPORAL de Alfredo Gurquel Elongación x Elongación Método de estiramientos basado en la biomecánica De Alfredo Gurquel

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COLECCIÓN SÚLKARY CUBA dirigida por Mercedes Borges Bartutis Miguel Cabrera

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Ca o Caos C P l Planio cación

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La Evaluación E l i en la Danza

LLa Evaluación eell la Danza

MUCHO MÁS QUE PONER UNA NOTA

DOCENTE

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. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . d a n c e b a l l e t i n d i d á c t i c o . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . v o l u m e n 8

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Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

La danza española y el baile flamenco

UN

C Cuerpos A Amaestrados V Vs Cuerpos IInteligentes n

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y El baile E pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

Colección de Autor

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Foto . Alicia Sanguinetti y Carlos Villamayor Vestidos . Francisco Ayala 6 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

Cecilia

FIGAREDO Tiene más de veinticinco años

Por los Caminos del Tango

de exitosa carrera. Bailó en los más grandes escenarios. Fue compañera inseparable de Julio Bocca y en los últimos años se lució en pareja con Hernán Piquín. Fue la subcampeona de Bailando por un Sueño y este mes llevará su espectáculo Boulevard Tango a Montevideo.

Cecilia Figaredo se reinventa.

Dueño del mundo, rey sin corona, el pequeño Mauro, con su año y medio de vida, se despereza y sonríe, cómodo en su sillita con pinta de trono, mientras Mamá Cecilia recoge los juguetes y prepara el ámbito propicio para la charla.

En el contacto directo, ella, Cecilia Figaredo, parece aún más delgada y fibrosa que la imagen que entregaron de sí las cámaras de televisión durante un 2014 que atravesó a ritmo de vértigo. Ahora que las luces se apagaron, consagrada subcampeona del certamen de baile de Tinelli, desensilla y disfruta de la pausa, hasta entrar en un nuevo torbellino.

Los días 29, 30 y 31 de enero, Figaredo ofrecerá en el Auditorio Nacional del Sodre, en Montevideo, Uruguay, Boulevard Tango, un espectáculo de música y danza que estrenó en Rosario en el año 2012, en el que por primera vez se atreve a ocupar el rol protagónico absoluto. “Boulevard Tango es la primera obra soñada y creada por Andrés (Serafini, su marido) y por mí”, cuenta la otrora partenaire de Julio Bocca. “La parte coreográfica la armamos en unos cuatro meses, aunque el proyecto ya estaba en nuestras cabezas desde mucho antes. Sólo tuvimos que esperar la oportunidad para poder llevarlo a cabo”.

Nota de tapa Por Daniel Sousa ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 7

El espectáculo consta de cuatro partes. La primera suite se llama Guardia Vieja y es una evocación de los personajes fundacionales del tango. Reúne temas de la primera época del género: Felicia, El Amanecer, El Choclo, Loca y Derecho Viejo, entre otros.

Es la parte más teatral del show y la coreografía pertenece a Alejandro Cervera. En segundo término se ofrece la suite Boulevard Tango, con música de Serafini creada especialmente para esta obra. El diseño coreográfico es obra de Laura Roatta, en un lenguaje enteramente contemporáneo. Es el segmento preferido de Cecilia por su acentuada intensidad emotiva.

Ya en la segunda mitad del programa llega la Suite Gardel, una creación colectiva de la compañía, basada en cuatro versiones del tango Volver interpretadas por el armonicista Hugo Díaz, la cantante española Estrella Morente, Andrés Calamaro y el propio Zorzal criollo. Como cierre se ofrecen las Cuatro Estaciones Porteñas, de Piazzolla, otra coreografía de Roatta, ya sin una línea argumental, dedicada exclusivamente a exaltar el movimiento.

“Vamos de Gardel a Piazzolla, de lo más antiguo a lo más moderno”, resume Cecilia. Interviene entonces Andrés, contrabajista y director musical de la compañía, para aclarar que los arreglos de las Cuatro Estaciones… son los originales escritos por Piazzolla para su formación de quinteto. “Esa fue una idea fundacional de la obra: ya que vamos a tocar a Piazzolla, llevémoslo a un estado clásico, dejémoslo en su estado original. En alguna medida invertimos el sentido de lo clásico y lo moderno. No consideramos a Piazzolla como lo más moderno ya que su obra fue vanguardia hace cincuenta años, sino que lo más moderno que mostramos en el espectáculo es la suite Boulevard Tango, tanto en la música como en la danza”.

DOBLE VIA ¿Qué idea quisieron plasmar dándole ese título al espectáculo?

Es Andrés quien nuevamente toma la palabra. “En principio, es un concepto muy urbano. Remite a las primeras avenidas de París y a una idea que luego se trajo a Buenos Aires, la de la doble mano. En lugar de existir una línea cronológica directa, como suelen mostrar otros espectáculos de tango, acá plasmamos una doble vía de ida y vuelta constante”.

“Es que Boulevard… no es realmente un espectáculo de tango”, aclara la prima ballerina. “Es un espectáculo de danza, con música de tango. Yo interpreto el tango desde mi lugar de bailarina clásica y contemporánea”.

Andrés, ¿qué exigencias particulares tiene la creación de una partitura para ser plasmada por bailarines?

A mí me gusta mucho la interacción con el bailarín, sobre todo cuando se trabaja con música original. Para el espectador es mucho más grato, en esta era de lo visual, recibir estímulos musi-

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“Recién ahora me animo a tener mi propio espectáculo. Ya en 2009, Julio (Bocca) me había impulsado a hacerlo”, reconoce la bailarina Foto . Alicia Sanguinetti y Carlos Villamayor Vestidos . Francisco Ayala

cales acompañados de otro tipo de incentivos. De no ser así, se pone muy dura la cosa. En espectáculos de este tipo me enfrento a una hoja en blanco que se proyecta hacia varias dimensiones.

La composición de la música original fue crucial en este proyecto. Tiene una duración de once minutos y me llevó un año entero de trabajo. A Laura Roatta le entregamos la música ya cerrada y sobre esa partitura ella creo los movimientos. Esa es una diferencia muy grande con los espectáculos de tango más difundidos: a menudo se le pregunta al bailarín ‘¿vos qué bailás?’, y se le trae la música para hacerlo. En el caso de la suite Boulevard Tango, trabajamos exactamente al revés. Lo primero fue la música. Y en el caso de Piazzolla, lo mismo. No editamos ni cortamos su música, la dejamos con su extensión original en todos los casos. De este modo, más que un espectáculo de tango conseguimos algo más parecido a lo que es un verdadero espectáculo de danza.

Padre atento e interlocutor entusiasta, Andrés -que supo tocar con Martirio, Miguel Poveda, Amelita Baltar, Tata Cedrón y Raúl Lavié, entre otros- añade que “de lo que se trataba era de aprovechar las posibilidades concretas de Cecilia. No llevarla al territorio del tango sino todo lo contrario: tomar del tango lo que nos interesa para que Ceci y los bailarines que ella eligió puedan mostrar lo suyo”.

En lo creativo, este es el primer proyecto en el que Cecilia y Andrés trabajan juntos, aunque en verdad se conocieron en otra obra dedicada al género porteño: la siempre recordada Boccatango. La línea de bailarines de Boulevard Tango está compuesta por Valeria Celurso, Andrés Baigorria, Soledad Buss, Hernán Nocioni, Yanina Rodolico, Federico Luna y César Peral. En cada uno de los segmentos, Cecilia baila con un varón distinto.

En el quinteto de músicos forman el pianista Hernán Possetti, la violinista Brigitta Danko, el guitarrista Hernán Martínez, la bandoneonista Eva Wolff, y Serafini en el contrabajo y la dirección musical. El diseño de iluminación corrió por cuenta de Leandro Calonge y el de vestuario es obra de Carlos Kerr, Richard Pintos y Walter Delgado.

¿Con qué criterio seleccionó a los bailarines, Cecilia?

Busqué, sobre todo, las aptitudes artísticas de cada uno de ellos.

Que no fueran sólo bailarines técnicos sino que tuvieran una gran ductilidad. Dos de ellos fueron integrantes del Ballet Folklórico Nacional, hay bailarinas contemporáneas, con una fuerte preparación en jazz. Hay también un bailarín de tango. Quería que tuvieran, además de la base clásica, otros recursos, sobre todo en la faz expresiva, que es lo que a mí más me interesa mostrar en escena. Cada uno tiene una personalidad muy definida y son diferentes entre ellos.

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Con más de 25 años de carrera, ¿por qué recién ahora le llega este rol protagónico?

Porque recién ahora me animé. En esto tuvo que ver Andrés, quien me insistió con que éste era el momento de atreverme a hacer algo propio. También Julio (Bocca) me impulsó. Ya en 2009, después que protagonicé Felicitas con el Ballet Argentino, me dijo “vos el año que viene tenés que hacer algo tuyo”. En mi cabeza empezó a rondar esta idea de Boulevard…, que con la ayuda de Andrés terminó cerrando.

Chile y unas cuantas provincias argentinas (San Juan, Córdoba, Tucumán, Catamarca, Santiago del Estero) tuvieron la primicia. ¿Por qué es que todavía no presentó esta obra en Buenos Aires?

Es una cuenta pendiente. Gracias a Dios he estado bastante ocupada y no tuve tiempo de dedicarme por completo al espectáculo. Nosotros trabajamos de forma independiente, la obra es nuestra y somos quienes nos ocupamos de moverla. Esa es una gran tarea extra, que insume mucho tiempo.

DE PRIMERA Lejos de lo que podría suponerse, no fue Bocca, director del Ballet Nacional del Sodre, quien allanó el camino para las presentaciones de este mes en Montevideo, sino la productora argentina Lorena Merlino. “Voy muy entusiasmada y muy tranquila porque

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Figaredo y su compañía se presentarán los días 29, 30 y 31 de enero en el Auditorio Nacional del Sodre de Montevideo Fotos . Patricio Melo

Julio me ha contado lo bien que se trabaja en ese teatro, que la gente es de primera”, celebra Cecilia. Estas funciones serán la antesala de un merecido receso vacacional en familia, después de un año muy intenso de trabajo.

¿Qué balance hace de 2014 a la luz de la explosión mediática que significó su paso por el programa televisivo Bailando por un Sueño?

Fue un año diferente, muy positivo. Yo nunca me fijo grandes objetivos, soy más del día a día, y en este sentido me siento satisfecha. Fue un año atípico y muy intenso. El de la televisión es un mundo completamente diferente al del teatro y al de la danza, en el que me crié. Creo que le saqué un buen partido. Si bien no tenía un preconcepto en contra del formato, lo tuve que pensar bastante antes de aceptar. Sabía que me iba a demandar mucho tiempo, siendo yo una mamá con un bebé chiquito. Y además quería cuidar mi trayectoria en la danza. No estaba dispuesta a hacer nada que me pusiera en ridículo o al borde del papelón.

Fue un gran aliciente enterarme que también estarían Eleonora (Cassano) y Maxi (Maximiliano Guerra), que vienen del mismo lugar que yo. Y por supuesto, saber que iba a bailar con Hernán

(Piquín). De no haber estado él, seguramente no lo hubiera aceptado. Finalmente, fue animarme a hacer algo nuevo, pero con un compañero de toda la vida.

¿Cómo es su relación con la docencia?

Es algo que me encanta, ojalá pudiera dedicarle más tiempo del que ya le dedico. El día que me retire como bailarina voy a poder hacerlo con más esmero. Por ahora doy clases en un estudio en Caballito y tengo también alumnas particulares. Y doy muchos seminarios en el interior del país, donde las chicas me esperan con muchas ansias y son muy agradecidas. Creo que me gusta tanto la docencia porque es una manera de devolverle a la danza lo que ella me dio. Me siento muy orgullosa y agradecida con la vida y la carrera que construí, y por la suerte que tuve, que siempre influye, más allá del esfuerzo que uno le ponga.

Por el momento no se ha puesto a correr el reloj que marcará el retiro de Cecilia de los escenarios. “Lo que sí sé es que ya no bailaré más ballet clásico porque requiere de un entrenamiento físico muy estricto. Si no estás diez puntos quedás expuesto enseguida, y eso no me gustaría que me pase. A esta edad, ya me inclino más por lo contemporáneo o lo moderno, estilos en los que la madurez ayuda mucho, más allá de la técnica”, comenta Cecilia.

Boulevard Tango se estrenó en Rosario, recorrió varias provincias argentinas y viajó a Chile. “No es un espectáculo de tango sino de danza, con música de tango”, aclara Figaredo

El ballet clásico en la Argentina ya no da a luz figuras con cierta popularidad y con un nivel de excelencia tan alto como el suyo, el de Piquín o Paloma Herrera. ¿A qué lo atribuye?

Quizás tenga que ver con cómo ha cambiado la forma de estudiar.

Yo recuerdo que de chica iba al Colón a la mañana, a la escuela a la tarde, y después hacia al menos dos clases con mi maestra Lidia Segni. Me parece que ahora los chicos ya no estudian con esa intensidad. También es cierto que los jóvenes de ahora no se especializan sólo en la danza clásica sino que abordan también otras disciplinas. Como todo, tiene pros y contras. Personalmente, me parece muy productivo incorporar distintos estilos de danza, pero a la vez eso te resta tiempo para abocarte de lleno a algo en particular. Tal vez Herman (Cornejo), Lucianita París y Marianela (Núñez) hayan sido de la última generación más parecida a la mía. Después, es cierto, se produjo un bache. En la Argentina hay mucha gente con talento, pero hay que inculcarle la disciplina del trabajo, no hay otra manera. Intensidad en el estudio, compromiso y seriedad son conceptos clave. No basta sólo con el talento.

Habiendo tenido la posibilidad de radicarse en el exterior, usted decidió hacer su carrera en la Argentina. ¿Alguna vez se arrepintió de esa elección?

No hubiera podido quedarme a vivir afuera. Nunca se me cruzó por la cabeza pensar hasta dónde hubiera llegado si me iba del país. La necesidad de conocer cosas nuevas la cubrí con la cantidad enorme de giras que hice con Julio por todo el munENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 11

do. Pasábamos seis meses del año en el exterior, pero siempre elegí volver. Y siempre elegí al Ballet Argentino, aun teniendo oportunidades laborales muy interesantes. Fui muy feliz durante mis veinte años dentro del Ballet Argentino y lo volvería a elegir.

Ahora que finalmente llegó a tener una compañía propia, ¿cuál es su próxima meta?

Me han dado ganas de ser ensayista, de trasmitir todo lo que sé, no sólo en una clase sino también en una puesta, en una coreografía. Creo que podría ser una buena asistente de dirección. Me interesa pero todavía no he podido dedicarme de lleno.

“No estaba dispuesta a hacer nada que me pusiera en ridículo”, reconoce la subcampeona de Bailando por un Sueño Foto . gentileza Ideas del Sur | Jorge Luengo

La compañía me va a servir para experimentar en este terreno, seguramente.

Por último, ¿cómo conviven en usted la bailarina y la mamá?

Lo llevo como puedo, me esfuerzo mucho por salir adelante con las dos cosas. Me ha ayudado mucho el carácter de Mauro, que es bueno y se porta muy bien. Con cinco o seis meses ya ha venido de gira con nosotros. Convive de cerca y desde muy chico con las cosas que nos pasan. También él hace vida de artista. __BD

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¿Cuánto Ganan los Bailarines?

Por Daniel Sousa A partir de la pelea entre los sindicatos de Actores y Artistas de Variedades por el encuadramiento gremial del elenco de Stravaganza, se plantea un interrogante más general: quiénes fijan las escalas salariales de los bailarines de teatro y televisión. ¿Qué ocurre en las casas de tango? ¿Y con las compañías en gira en el extranjero?

El conflicto no es nuevo y parece estar lejos de dirimirse. La puja entre la Asociación Argentina de Actores (AAA), la Unión Argentina de Artistas de Variedades (Uadav) y la productora Diwan Fucci, responsable de la exitosa saga Stravaganza, por el encuadramiento gremial de los bailarines plantea un gran interrogante sobre las remuneraciones y las condiciones laborales de esta numerosa rama de trabajadores. Más aún: si se observa la cuestión con una mirada más amplia, el caso actúa como un disparador para preguntarse cuánto ganan hoy los bailarines, quiénes fijan las escalas salariales y en qué medida se respetan sus derechos adquiridos.

Detrás del pleito por Stravaganza asoma un enfrentamiento de muy larga data, que resurgió luego de que en 2012 Artistas de

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Variedades levantara la quiebra que había sufrido en 1995. En aquel momento, Actores había absorbido al grupo de bailarines que quedó sin representación.

La personería gremial de Actores data de 1947 y la de Variedades, de 1953. Desde entonces, la historia política del país ha atravesado el conflicto. En el ’47, la personería gremial de Actores, además de actores, directores, apuntadores, escenógrafos, etc., incluía también a “cuerpos de baile”. Cuando en el ’53, el peronismo le otorga la personería a la Uadav, el choque no tarda en llegar. En 1973, Actores consigue su primer convenio colectivo de trabajo, que incluía -naturalmente- a los bailarines. Variedades lo obtiene dos años después. La disputa sobre quién representaba a los bailarines, una vez más, recrudeció.

“En un primer momento se entendió que Variedades representaba a los bailarines de los circos, las casas de tango y los varieté.

Actores, en cambio, abarcaba a los bailarines de las comedias musicales y los espectáculos teatrales con bailarines. En el caso de los bailarines de revista, eran un constante motivo de disputa”, recuerda Alejandra Rincón, secretaria gremial de la AAA.

NO INNOVAR A pesar de ser actualmente un colectivo de unas 500 personas sólo en Capital Federal, “a nivel gremial, los bailarines han sido siempre bastante relegados”, admite la dirigente. Cuando en 2012 Variedades levantó la quiebra gracias al apoyo del Sindicato de Gastronómicos, volvió a la carga para recuperar a esta rama de trabajadores. Envió cartas a los productores, a los teatros, al Ministerio de Trabajo.

En junio de 2014, la cartera laboral accedió a un pedido de paritarias y homologó una escala salarial con la que Variedades reanudó la embestida. “Pero el Ministerio no ha dicho que ellos son los únicos representantes de este colectivo -se enoja Rincón-, no dijo que los bailarines deban regirse únicamente por ese sindicato”. En medio de este escenario ciertamente confuso es que Ariel Diwan decide dar el salto y encuadrar a Stravaganza dentro de la Unión Argentina de Artistas de Variedades.

“Fue el único productor que lo hizo. Anteriormente, desde el estreno del primer Stravaganza, su relación había sido con Actores”, explica la secretaria gremial de la AAA. “Incluso, con él habíamos alcanzado un acuerdo especial porque no podíamos ubicar a los artistas de Stravaganza dentro del rango de ‘bailarines de conjunto’, la escala salarial más baja, que era lo que ellos pretendían. Nosotros consideramos que son artistas integrales ya que conjugan la danza con la acrobacia y otras disciplinas.

Entonces, hicimos un convenio específico para llevarlos de la categoría más baja (la E, con $ 10.563 mensuales de ingreso) a la categoría C ($ 12.569 mensuales)”.

En Actores dicen que el productor de Stravaganza incumple una sentencia judicial. Son tres compañías afectadas, en Buenos Aires, Mar del Plata y Villa Carlos Paz Foto . gentileza Anita Tomaselli | Nicolas Liuzzi

Luis Pereyra es productor de sus propios espectáculos de tango y folklore. Prefiere la independencia a “la corrupción de la noche” Foto . gentileza Luis Pereyra

Sin una orden judicial en contrario, entienden en Actores que Diwan debió haber mantenido el statu quo. Y señalan al mismo tiempo, a modo de ejemplo, un dato singular: Fátima Florez, miembro de la comisión directiva de Artistas de Variedades, sigue encuadrando a los bailarines de sus espectáculos a través de la AAA. Actores solicitó una medida cautelar de no innovar, que en noviembre pasado fue avalada por la jueza Beatriz Ferdman, del Juzgado Nacional de Primera Instancia Nº 53. Sin embargo, hasta el momento, desde la productora Diwan Fucci (con tres versiones de Stravaganza actualmente en cartel en Buenos Aires, Mar del Plata y Villa Carlos Paz) no han dado señales de acercamiento.

¿En qué medida puede haber pesado en la decisión de pasarse a Variedades el hecho de que Flavio Mendoza, factótum de Stravaganza, es un artista de extracción circense?

Si realmente ellos consideran que Stravaganza es un espectáculo de circo, debieran hacerlo en una carpa y no en un teatro. Todo lo que hacen tiene las características de un espectáculo teatral.

Si fuera un circo, Mendoza se hubiera quedado en el puerto de Mar del Plata, como cuando comenzó. En todo caso, repite el mismo esquema de la revista: es un ensamble de baile, música, cuadros cómicos. La única diferencia es que tiene acrobacia, lo que les hace decir que es circo. Ni siquiera El Zorro, que es un espectáculo con animales y que se ofrece en una carpa, se encuadró dentro de Variedades. Lo hizo en el Sindicato de Actores.

Lamentablemente, desde la Unión Argentina de Artistas de Variedades, donde la voz cantante la lleva el secretario adjunto Hugo ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 15

del Carril (hijo del recordado actor y cineasta), no hubo respuesta favorable a los insistentes pedidos de entrevista efectuados por Balletin Dance.

ESCALAS SALARIALES Aunque se avanzó mucho en los últimos años, la situación laboral de los bailarines ha estado signada históricamente por la dispersión de los ingresos y los abusos por parte de los empleadores.

Junto con el salario, las horas extra han sido motivo constante de controversias. “Nunca hubo un control sobre cuánto tiempo antes se citaba a los bailarines para una función de teatro. En ocasiones tenían que estar hasta tres horas antes”, comenta Rincón. “El convenio establece que al bailarín se lo puede citar una hora antes del comienzo. Si los requerimientos de maquillaje y calentamiento corporal demandan que el artista empiece a prepararse con dos horas de antelación, esa hora extra el empresario la tiene que pagar”.

Otro tema: la multiplicidad de funciones. “En las comedias musicales y las revistas, sobre todo, se habían tomado la costumbre de usar al bailarín como comodín, bailaba, actuaba, hacía covers.

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En ShowMatch, los bailarines cobran por bolo, más allá de la regularidad con que trabajan Foto . gentileza Ideas del Sur | Jorge Luengo

No es así la cosa. El bailarín tiene que bailar, y si quieren que ocupe algún otro rol deben pagárselo aparte. A menudo, en este tipo de espectáculos los bailarines son los que más trabajan y los que menos ganan”.

Desde el año 2007, y en acuerdo con la Asociación de Empresas Teatrales (Aadet), Actores definió dos escalas salariales para las salas de más y de menos de doscientas localidades. En el caso de una sala grande, el bailarín de conjunto cobra actualmente $ 10.563 mensuales, y $ 9.057 por mes el de las salas más chicas. Cuando se trata de un bailarín solista el salario asciende a $ 11.566 y $ 9.638 en cada caso. Estos montos corresponden a dos funciones diarias en días hábiles y hasta tres funciones los sábados, domingos y feriados, siempre que la obra no exceda las dos horas diez minutos de duración (catorce funciones semanales, con un día de descanso).

En cuanto a los viáticos en temporada de verano, el acuerdo alcanzado no fija un monto exacto sino que exige que se garantice el hospedaje del bailarín en un hotel no inferior a tres estrellas o departamento de un ambiente por persona, además del traslado y cuatro comidas diarias (almuerzo y cena con menú de tres platos: entrada, principal y postre).

Los ensayos, siempre remunerados, no pueden exceder las seis horas, seis días a la semana. Se pagan $ 10.563 mensuales por los ensayos de las producciones de mayor envergadura, y $ 9.057 por mes en los espectáculos más modestos. Si hicieran falta más horas de ensayo deberán abonarse como horas extra. En el caso de las obras que trabajan con el formato de cooperativa no existe un patrón tan definido. El rol que ejerce la AAA es el de mediar en los conflictos entre compañeros.

Los coreógrafos, piezas fundamentales en el trabajo de los bailarines, no están comprendidos en los convenios de la Asociación de Actores sino que pertenecen a la Uadav.

Bailando por un sueldo La contratación de bailarines en programas de televisión no escapa a la confusión general que reina en el medio teatral. La Asociación Argentina de Actores ha tenido cruces con la producción de Susana Giménez, que les pagaba a sus artistas a través del Sindicato Argentino de Músicos (Sadem). Lo mismo que en años recientes hicieron Gracias por Venir, el programa de Gerardo Rozín en Telefé; Ecos de mi Tierra, que conduce Soledad Pastorutti en la TV Pública, y algunos otros.

En televisión existen dos formas de contratación: mensual (con un contrato mínimo de tres meses) o por bolo (jornada de trabajo de nueve horas, con una de almuerzo). Un programa como ShowMatch, dice Alejandra Rincón, debería pagar por mensualidad dado que tiene a disposición a los bailarines muchas horas, de lunes a viernes. Sin embargo, “pagan por bolo, una de las muchas trampas en las que incurren”.

El contrato mínimo para un bailarín (al igual que para un actor de tira) es de $ 25.697 por mes. El bolo grupal se paga $ 665, y el bolo de protagonista, $ 1.333. En cine, el bolo de bailarín profesional se ubica en $ 2.136, siempre según las escalas salariales de la AAA. En el caso de ShowMatch, agrega la dirigente gremial, “citan a los bailarines para ensayos los fines de semana sin pagar horas extras.

De cualquier modo, entendemos la situación: son muy pocos los bailarines que acceden a esa empresa, la fuente laboral es acotada y los bailarines disponibles son muchos, con lo cual los chicos aceptan muchas cosas turbias por miedo a perder el trabajo”.

También en México la mano de obra barata genera una competencia desleal, admite el argentino Alejandro González Assen Foto . gentileza del artista.

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Extraño caso el de Fátima Florez: siendo miembro de la comisión directiva de Artistas de Variedades, encuadra a sus bailarines a través de la Asociación Argentina de Actores Foto . Christian Heit

CASAS DE TANGO Después de la quiebra de Variedades, el Sindicato Argentino de Músicos (Sadem) absorbió a los bailarines de las casas de tango.

Un par de años atrás, el propio Sadem pidió que los bailarines pasaran a Actores pero sobrevino un cambio de autoridades y el acuerdo naufragó. No obstante, la AAA comenzó a actuar de oficio en ese rubro. Ya consiguió sumar a sus filas a casas como Señor Tango, Madero Tango y Rojo Tango, entre otras.

“Las casas de tango viven una situación muy anárquica”, admite un bailarín de primera línea que prefiere mantenerse en el anonimato. “Cada uno arregla su cachet. Por lo general, los bailarines son monotributistas, esa es una estrategia que tienen las casas para no blanquear a sus empleados. No pagan cargas sociales, hay lugares donde no tenés franco, no te pagan por enfermedad, no tenés una ART. Incluso en algunas casas el bailarín invierte en su propio vestuario. Se cobra por semana o por quincena, facturando. Los cachet van desde 80 a 300 pesos diarios por persona, según el espectáculo y la categoría del bailarín”.

En este punto, Luis Pereyra, coreógrafo, bailarín y director de espectáculos como los de El Viejo Almacén y el Café de los Angelitos, llama la atención sobre una situación de abuso reiterado.

“Los dobles shows no se pagan doble. Es decir, los bailarines hacen dos shows y les pagan uno y medio, mientras que los dueños cobran en dólares, euros y reales. Esto lo inventó Alfredo Mander, el dueño de Casa Blanca. En los años ’70 y ’80 siempre se cobraban los dobles shows completos, hasta que apareció Mander con esta idea corrupta que yo no acepté pero el que vino detrás de mí sí, y se hizo costumbre”.

Pereyra, que viene llevando a cabo una gira de seis meses por Alemania, Suiza, Austria y los Países Bajos con su espectáculo de folklore y tango Vida, considera que al bailarín no sólo le “roba” el dueño o el productor, sino también sus propios colegas, “que se regalan cobrando $ 10 por lo que vale $ 50. Así es imposible que al bailarín se lo respete”, opina.

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Alejandro González Assen, ex integrante del Ballet Folklórico Nacional, radicado ahora en Cancún y convertido en empresario del espectáculo, ofrece un punto de comparación con la situación argentina. “Acá la mayoría de los shows en hoteles son de ritmos latinos, circo e internacional. Duran 45 minutos y el bailarín debe presentarse 40 minutos antes de la función.

Se pagan 40 dólares por show, aunque hay quienes emplean mucha mano de obra barata, mayormente cubanos, a los que les pagan u$s 20. Por eventos privados, para una jornada de ocho horas entre ensayos y presentación se pueden cobrar hasta u$s 350”.

En el Distrito Federal mexicano reinan las comedias musicales.

Los sueldos varían de 1.000 a 2.500 dólares por mes, hay que presentarse una hora y media antes del inicio, y las funciones de los fines de semana arrancan a las 11 de la mañana. En el circuito de boliches de Cancún los números en altura, con telas o aros, son los más demandados. Los acróbatas cobran por ellos u$s 1.200 por una jornada laboral de tres horas y media, y los bailarines que acompañan embolsan u$s 900.

DE GIRA En cuanto a las giras internacionales, en la Argentina se cierra mayormente un cachet general por contrato. Antes se pagaba en dólares pero en la actualidad muchos de los acuerdos se firman en pesos (de $ 3.000 a $ 5.000 semanales por persona en algunos casos). Tratándose de compañías importantes, aún se mantiene el pago en moneda extranjera: unos 4.000 dólares mensuales por pareja. El seguro médico es una condición indispensable para los bailarines on tour y se respeta. En cambio, ya casi no se pagan viáticos.

En su faceta de productor, Luis Pereyra dice que se estira “hasta 3.000 dólares mensuales por pareja. No puedo más que eso porque de mi bolsillo salen los pasajes aéreos, hotel, catering, seguro médico, impuestos en el extranjero, publicidad, prensa, producción, y voy a riesgo con los teatros. Sé que no es mucho pero me la juego: prefiero esta independencia al yugo de la corrupción de la noche”. __BD

NDICIONAMIENTO ELONGACION Y ACO ECANICA CORPORAL POR BIOM URQUEL METODO ALFREDO G GACION ELONGACIÓN X ELON estro 70 por el ma Creado desde el año 19 -2014) Alfredo Gurquel (1926

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

J · U · A · N · A

GURQUEL LEDERER ¡El estudio les desea Feliz 2015!

A todos los maestros y alumnos, les agradecemos por compartir con nosotros este nuevo año

DANZA CLÁSICA

Recordando al maestro Alfredo Gurquel, sus clases las dicta la maestra Juana Lederer Walkiria Appelhans, Gabriela Nuñez, Lorena Batista, Alberto Retamar

ELONGACIÓN: Juana Lederer BARRA À TERRE: Juana Lederer DANZA JAZZ:

Manuel Vallejos (Prof. titular del IUNA), Juan David Naranjo

BABY CLASS: (de 3 a 6 años) NIÑOS · INICIACIÓN A LA DANZA Gabriela Nuñez, Ana Zabala

INICIACION A LA TÉCNICA DE PUNTAS Juana Lederer

DANZA CONTEMPORÁNEA

Gabriel Contreras, TÉCNICA MÜLLER: Mónica Fracchia TÉCNICAS MIXTAS: Ana Zabala (Principiantes, jóvenes y adultos)

REPERTORIO: Juana Lederer PREPARACIÓN FÍSICA: Camila Muraki FRANCÉS APLICADO A LA DANZA Caroline Vicq

YOGA: Graciela Sarachu

PASTEUR 170, 1º PISO (1028) TEL. 4951-9189 CEL. 15-6620-2035

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WORKSHOPS INTENSIVOS DE VERANO ENERO - FEBRERO 2015 • Elongación • Capacitación para maestros para impartir el método Gurquel «Elongación X Elongación» • Técnica clásica: preparación para rendir exámenes

JUANA LEDERER Elongación x Elongación, Técnica clásica y repertorio Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia Egresada del Conservatorio Nacional de París Directora del Estudio Gurquel-Lederer Grupo Lederer-Gurquel

Seminarios intensivos en todo el país Nueva página web: www.juanalederer.com ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 19

actualidad

Balletin Dance y un Nuevo Reconocimiento El 28 de noviembre se realizó la XVII entrega de los Premios Teatro del Mundo 2014 a la actividad teatral, en el Centro Cultural Rojas El Premio Teatro del Mundo es una distinción que otorga el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires (UBA) desde 1998. En su decimoséptima edición, integraron el Jurado setenta y tres investigadores y críticos teatrales que trabajan en la UBA y especialistas invitados. El objetivo de esta distinción es destacar la excelencia en diferentes áreas de la actividad teatral argentina e internacional en el período de octubre a septiembre inclusive.

Cada uno de sus diecinueve rubros cuenta con “trabajos destacados” y fue en Revistas donde Balletin Dance volvió a ser reconocida. En coreografía y dirección coreográfica Pablo Rotemberg se llevó el premio mayor por La Wagner. Entre otras secciones premiadas se cuentan dirección, dramaturgia, adaptación, actores, instituciones, iluminación, escenografía, espectáculos extranjeros, traducción, ensayística, labor en edición, fotografía teatral, diseño de títeres, objetos, accesorios y mecanismos escénicos y teatro para niños. También se otorgaron Premios Especiales de la actividad en diferentes provincias y en diferentes rubros (Tandil, Bahía Blanca, San Juan y Entre Ríos) y Menciones especiales (Teatro Alberdi de Tucumán, Festival Bahía Teatro y el Teatro Municipal de Gualeguaychú por su centenario), el Premio a la Trayectoria recayó en Juan Tríbulo (Tucumán) y el Premio Homenaje fue para Alejandro Urdapilleta (1954-2013). __BD

20 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

JORNADAS DE ACTUALIZACIÓN DOCENTE Foto: Alicia Sanguinetti

EN EL MARCO DEL

WORKSHOP DE BALLET Y DANZA FEBRERO 2015 - BUENOS AIRES DE LA ASOCIACION ARTE Y CULTURA: Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) · Tel: 4866-2671

ALICIA MUÑOZ Dirigidas a maestros, bailarines, alumnos avanzados, y toda persona que trabaje con el cuerpo y el movimiento.

APRENDIZAJE - PLANIFICACIÓN - EVALUACIÓN RESOLUCIÓN DE PROBLEMATICAS COMUNES

Primera Jornada

Segunda Jornada

Tercera Jornada

Cuarta Jornada

APRENDIZAJE SIGNIFICATIVO

PLANIFICAR LAS PRÁCTICAS DOCENTES

LA EVALUACIÓN

RESOLUCIÓN DE PROBLEMÁTICAS COMUNES

Viernes 13 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Se establecerán cuáles son los mecanismos que realiza el alumno para aprender un movimiento, esto nos permitirá guiarlo eficientemente a partir de los recursos que se brindarán en la jornada.

La transmisión del conocimiento (Teorías de aprendizajes, aprendizajes significativos); Las inteligencias múltiples; El rol docente a partir de las teorías cognitivas (La formación de profesionales reflexivos); El exhibicionismo del que enseña; La expresión como fin, el cuerpo como instrumento (las teorías cognitivas y su aplicación en la danza); La conciencia corporal como base de la expresión.

Clase práctica. Se desarrollará el uso de la energía como motor del movimiento para lograr cuerpos cada vez más conscientes.

Se trabajarán los centros de energía pies, cabeza.

Sábado 14 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Las planificaciones como medio para optimizar el trabajo en el aula.

Componentes básicos de una planificación; El por qué y el para qué de los proyectos; Que aspectos tener en cuenta para establecer la realidad del aula; Cómo definir metas y objetivos a partir de esa realidad; Cómo establecer las estrategias y las actividades para lograr aprendizajes significativos; Diseño de proyectos tradicionales y aquellos basados en la investigación; Diseño de proyectos extracurriculares.

Clase práctica. Continuación del trabajo de la clase anterior.

Energía de las manos, su uso como motor del movimiento y su aplicación en la ejecución de movimientos pautados, para desarrollar cuerpos cada vez más conscientes.

Inscripción: Enviar nombre y apellido, Nº de DNI y ciudad de procedencia, a: info@balletindidactico.com.ar Entrega de certificados. Contra presentación de DNI.

Domingo 15 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

La Evaluación es mucho más que poner una nota.

Para qué y cómo evaluar, significados ocultos de la evaluación; La evaluación tradicional; La subjetividad de la evaluación; La evaluación un Boomerang que apunta al docente; El concepto de evaluación a partir de las prácticas reflexivas (La autoevaluación y co-Evaluación del alumno); Evaluación diagnóstica, formativa y final: Jerarquización de la mirada; La autoevaluación del docente.

Clase práctica: se seguirá desarrollando la energía en pies, cabeza, manos y se trabajará sobre la energía de la pelvis como motor del movimiento y la aplicación de estos centros en movimientos pautados.

Lunes 16 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

En esta jornada los participantes expondrán las problemáticas que surgen en su actividad para plantear soluciones a la luz de las prácticas reflexivas, contextualizadas en un marco teórico referencial.

Entre los temas más comunes que podrían plantearse, se cuentan: ¿Qué hacer?: Ante un exceso de peso en los alumnos; Para despertar el interés de los alumnos en las clases; Para fomentar en los alumnos el compromiso a la tarea y a los proyectos; Para aumentar el compromiso de los padres en la actividad de sus hijos; Para aumentar y/o sostener una matrícula.

Clase práctica: se afianzarán las prácticas de las clases anteriores.

Cada Jornada: $ 350. Solamente práctico de c/u: $ 250 Curso Completo: $ 1200. 3 cuotas sin interés para las inscripciones on-line (con tarjeta de crédito).

Nota: Teórico: llevar material para tomar notas (lápiz y papel). Práctico: ropa muy cómoda y zapatillas blandas o medias.

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actualidad

Centros Culturales con Nueva Ley Luego de seis años de trabajo, los centros culturales privados consiguieron la votación de la nueva ley que regulará su actividad en la ciudad de Buenos Aires La Legislatura había comenzado a debatir en agosto el proyecto presentado por el Frente para la Victoria, en base a documentos creados por el Movimiento de Espacios Culturales y Artísticos (MECA), que agrupa a más de veinte centros culturales, que se veían afectados por reiteradas clausuras del órgano de control del gobierno de la ciudad de Buenos Aires (hubo más de sesenta clausuras en ocho meses).

SEGÚN SU CAPACIDAD DE ASISTENTES Clase A: hasta 150 personas Clase B: de 151 a 300 personas Clase C: de 301 a 500 personas Clase D: más de 500

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La elección de los legisladores se dio por unanimidad (con 56 votos a favor), a pesar de algunas objeciones que el PRO había señalado y que vaticinaban una discusión eterna, desde el 11 de diciembre los centros culturales ya tienen nueva ley que regula su tarea. Ese caluroso día de verano, cantidad de artistas manifestaban en las puertas de la legislatura para expresar su rechazo hacia ciertas modificaciones sugeridas al proyecto. Los organizadores hablaron de siete mil personas (muchas convocadas a través de las redes sociales) bajo la consigna “La cultura no se clausura”. Es que estos locales habían quedado fuera de regulación favoreciendo clausuras, como repuesta al incendio de la discoteca Cromañón años atrás. El centro cultural, aquel espacio no convencional y multifuncional, que puede recibir exposiciones, espectáculos, festivales, cursos y talleres, e incluso bailes, no es una discoteca, ni un cine, ni un teatro, ni un establecimiento educativo.

Allí se convoca a la interacción comunitaria, se logra la descentralización (están en todos los barrios) y se difunde la cultura nacional. Sin ánimos de lucro, estos locales promueven la participación ciudadana.

A partir de esta ley, los centros culturales serán clasificados según su superficie, la capacidad de asistentes, deberán estar registrados (Registro de Usos Culturales, de la Subdirección de Regímenes de Promoción Cultural de la Dirección General Técnica Administrativa y Legal del Ministerio de Cultura), presentar un informe anual de sus actividades, contar con medidas de seguridad e higiene, y a la vez podrán vender libros, discos, bebidas y alimentos.

El año que viene se deberá analizar en qué zonas de la ciudad podrán habilitarse nuevos centros culturales, es decir que se plantea una modificación al Código de Planeamiento Urbano, para la que se propuso realizar audiencias públicas. Serán los propios vecinos quienes expresen su voluntad (o no) de permitir un centro cultural en su barrio.__BD

ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 23

actualidad

Temporadas Al cierre de la presente edición de Balletin Dance, solamente el Teatro Colón había anunciado su temporada 2015, a través de un comunicado digital enviado a los medios de prensa El Teatro Argentino de La Plata postergó la conferencia de prensa prevista para inicios de diciembre, con nueva fecha incierta y el Teatro General San Martín informó que anunciaría su próxima temporada anual, en los meses venideros.

Nuestro primer coliseo, preparó un completo documento en pdf, que hizo llegar por e-mail a los medios de difusión, con toda la actividad planificada, que se integra con “diversas vertientes”, tradición, vanguardia, clásico y popular, que “vertebran la actividad de nuestra casa: la ópera, el ballet, la música sinfónica y de cámara”. Se trata de una temporada especial, pues “estamos celebrando el quinto aniversario de la reapertura del Teatro, y esto merece una propuesta que esté a la altura del acontecimiento”.

El Ballet Estable bajo la dirección de Lidia Segni, ofrecerá siete interesantes programas (muy Tchaikovskys) incluyendo la gala celebratoria desde la reapertura del coliseo y la despedida de

los escenarios de dos bailarinas, siempre acompañados por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por Emmanuel Siffert. Seguramente además, y aunque no se hayan anunciado, se concreten en 2015 -igual que en 2014-, giras al interior del país.

El año comienza para ellos en marzo, con la cuarta edición de la Trilogía Neoclásica, integrada por Sinfonía Entrelazada (coreografía de Mauro Bigonzetti sobre música de Wolfgang Amadeus Mozart), Diamante (Éric Frédéric-Béla Bartók) y Rapsodia Sobre Un Tema de Paganini (Mauricio Wainrot-Serguei Rachmaninov). La Orquesta será dirigida en esta ocasión por Darío Domínguez Xodo y se realizarán seis funciones del 15 al 21 de marzo.

En mayo llega al Teatro Colón El Lago de los Cisnes (Peter Wright y Galina Samsova-Piotr Ilich Tchaikovsky) con funciones de promoción del ballet a precios populares en celebración del quinto aniversario de la reapertura del Teatro. “Clásico de los clásicos, vuelve el ballet más sinfónico de Tchaikovsky a poblar de cisnes el escenario del Colón, en la producción estrenada en 2013”, señala la información oficial. Serán cinco noches del 26 al 30 de mayo.

Maricel De Mitri y Alejandro Parente en la puesta de Onegin de 2013 Foto . Alicia Sanguinetti

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Yulia Manjeles y Denis Klimuk en Anna Karenina, la pieza de Eifman que se verá este año en el Teatro Colón Foto . Jack Devant

Entre estas últimas funciones, el domingo 24 de mayo, se celebrará el quinto aniversario de la reapertura del Teatro Colón, y de esta gestión, motivo por el cual se realizará una Gala Celebratoria con la reposición de Fuga Técnica (Éric FrédéricAlexander Balanescu) y Tango (Lidia Segni-Astor Piazzolla).

“Moderno y dinámico, con el frenesí como característica, tiene el atractivo de contar con los músicos en escena interpretando la partitura minimalista; mientras que Tango con coreografía de la directora del elenco, dará el toque nacional al programa”.

El domingo 16 de agosto será la despedida oficial de Maricel De Mitri en el marco de la Gala Internacional. Participarán representantes del Ballet Nacional del Sodre de Montevideo (Uruguay), Royal Ballet de Londres (Reino Unido) y del Royal Ballet de Flandes (Bélgica). La bailarina dirá su último adiós con el maravilloso Adagietto de Oscar Araiz sobre música de Gustav Mahler, y con el pas de deux final de Onegin (Cranko) junto a Alejandro Parente. En la segunda parte de la función, se mostrará Sinfonía Entrelazada (Bigonzetti-Mozart).

El siguiente programa traerá al país Sylvia de Frederick Ashton, sobre partituras de Léo Delibes y la bailarina invitada Alicia Amatriain (Ballet de Stuttgart). “El arribo de esta obra al reper-

torio del Ballet del Colón es un memorable acontecimiento que retomará el contacto con el refinado estilo de Ashton, luego de que subiera a escena su Margarita y Armando en 2011”. Serán seis repeticiones del 23 al 29 de agosto.

Otro memorable título llegará en octubre. Onegin de John Cranko con música de Piotr Ilich Tchaikovsky que marcará el adiós de Paloma Herrera para el público argentino. “Luego de despedirse del American Ballet Theatre, Paloma Herrera hará lo propio en su país y en su teatro con una de las obras más logradas del siglo XX ( ) en su debut en el rol de Tatyana”, asegura la carpeta de prensa y difusión del Teatro Colón. El espectáculo podrá verse en seis fechas del 11 al 17 de octubre.

Fin de año traerá otro fascinante estreno nacional. Anna Karenina de Boris Eifman con música de Tchaikovsky. “A diez años de su estreno en San Petersburgo, la trágica historia de la heroína de Tolstoi cobrará vida a través de la visión del talentoso Boris Eifman. El coreógrafo de Rodin propone una obra con grandes movimientos grupales combinados con íntimos momentos, utilizando un lenguaje que contiene elementos de técnica clásica y contemporánea”. Habrá cinco oportunidades para verlo, del 20 al 27 de diciembre.

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actualidad CENTROS CULTURALES El complejo de la ciudad de Buenos Aires dirigido por Gabriela Ricardes, con su nuevo nombre “El Cultural San Martín”, anunció su programación 2015, dando cuenta de una gestión organizada.

Entre las múltiples actividades de música y teatro, y propuestas que cruzan las diversas artes, habrá tres estrenos de danza y algunas reposiciones.

En abril Alfredo Arias junto a Alejandra Radano encarnarán dos dúos, Deshonrada de Gonzalo Demaría y Comedia Repostera inspirado en las recetas de Doña Petrona C. de Gandulfo. En danza la temporada arranca con la reposición de Africa (2012) de Luis Biasotto que se presentó en noviembre y diciembre de 2014, seguido por Un Monstruo y la Chúcara de Gerardo Litvak. En junio, el coreógrafo francés Pierre Rigal mostrará Bataille y Christian Rizzo X3.

Por su parte, el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, anunció (también a través de un comunicado) su ciclo anual que comenzará luego de marzo, pues los tres primeros meses del año se encontrarán en periodo de

mantenimiento y sin espectáculos. Y anticipó el Primer Festival de Danza “con una selección de nuevas propuestas coreográficas y nuevos directores”, en el mes de mayo. bailarina argentina Luciana Acuña y el músico y compositor estadounidense Nick Hallett, en coproducción con el Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires (FIBA) y Bard College (Estados Unidos).

Del 21 al 24 de octubre será el turno de Luis Garay que estrenará Still Life, una nueva creación por encargo del CETC, que indaga sobre preguntas alrededor de la imagen digital y las posibilidades sobre ficcionalizar su presente y futuro. __BD El Lago de los Cisnes, nuevamente en el primer coliseo Foto . gentileza oficina de prensa

Por su parte, el Centro de Experimentación del Teatro Colón que dirige Miguel Galperín, ofrecerá en 2015 varias propuestas con danza. Del 14 al 17 de mayo se verá Breve Sueño, un díptico multidisciplinario compuesto por Más Allá, ganadora del Premio Ibermúsicas/Iberescena, de la compositora Patricia Martínez en colaboración con la coreógrafa Melanie Alfie, junto a una nueva pieza encargada expresamente por el CETC. Del 24 al 27 de septiembre debutará el proyecto de residencias de Fernando Rubio, del que participarán la coreógrafa y

Africa de Luis Biasotto en el San Martín Foto . gentileza de prensa

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ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 27

asoc.arteycultura@gmail.com www.arte-cultura.com.ar Asociación Arte y Cultura

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MARICEL DE MITRI

LUIS BALDASSARRE

Técnica Clásica

Técnica y Repertorio

Técnica Clásica

Intermedios - Avanzados

SARA RZESZOTKO RINA VALVER Principiantes - Intermedios - Iniciación a las Puntas 28 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

ALICIA MUÑOZ Pedagogía

actualidad

Fantasmas Teatrales Nuevos Ayres Musicales presenta una impactante producción internacional protagonizada por Juan Rodó: Phantom, El Musical, El Hombre Detrás de la Máscara, basado en la novela de Gastón Leroux El Fantasma de la Opera

Juan Rodó protagoniza a Erik

Phantom promete ser una gran producción, con veinticinco artistas en escena, más de cien cambios de vestuario y una novedosa estética de proyecciones y mapping. El relato cuenta la historia de Erik, que vive escondido en las catacumbas de la Opera de París (con ayuda de su padre Gérard Carrière que es despedido de su cargo como gerente del teatro), con una máscara que tapa una deformidad en su rostro. Melómano por excelencia, conoce a Christine Daae, una bella y talentosa cantante, que adopta como musa y a quien le ofrece ayuda para obtener un trabajo en el coliseo.

Esta versión de El Fantasma de la Opera que se verá en Buenos Aires, fue escrita en 1983 por Arthur Kopit con canciones de Maury Yeston, y es bien diferente a la reconocida de Andrews Lloyd-Webber. En 1991 se estrenó en el Theater Under the Stars de Huston (Texas) para continuar con más de mil representaciones en Estados Unidos, Australia y Estonia.

Revisionado fue presentado también en Japón y Alemania. Su última presentación fue en mayo de 2013 en el Ye Olde Rose and Crown Theatre Pub de Londres (Reino Unido).

Con dirección general de Sergio Lombardo, coreografía de Alejandro Ibarra y dirección musical de Juan Rodó, quien encabeza el elenco junto a Eluney Zalazar, Phantom se completa en Buenos Aires con la actuación de Enrique Raúl Cragnolino, Manuela Perín, Guido Napp, Gonzalo Beron Muñoz, Mauro Murcia, María Betania Antico, Iñaki Iparraguirre, Julio Omar Irigoyen, Julián Andrés Molinero, Jorge Maselli, Mariano Díaz, Jennifer Andrea Schomberger, Sofía Rangone, Belén Buconic y Santiago Forrester. El ensamble está integrado por Mariano Clavero, Sabrina Traini, Tali Lubieniecki, Camila Muraki, Melisa Costadoni, Valentina Macri y Franco Pagliotto.

Serán solamente catorce funciones a partir del 16 de enero, los viernes y sábados a las 21 hs, en el Teatro del Globo. __BD

Una imagen de cuerpo de baile de Phantom Fotos . gentileza de la producción

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Y la Historia se Repite Desde que se fundó el Ballet Provincial de Salta en el año 2007, se han elevado varias denuncias relacionadas con irregularidades y gestiones dudosas del Instituto de Música y Danza del que depende y sobre el accionar de sus diferentes directores Así lo ha relatado en sucesivos artículos Romina Chávez Díaz, publicados en su propio portal de noticias Salta 21. Y en diciembre el tono de sus informes subió al extremo, al anunciar una nueva dirección en el Ballet de la Provincia.

Si bien su nota comienza señalando simplemente que no se ha seguido el Reglamento, pues la designación de Paula Valeria Argüelles fue por decreto (obviando el concurso reglamentario), finaliza con cantidad de denuncias de gestiones ineficientes e ilegales. “Esta vez el Consejo del Instituto de Música y Danza [de la Secretaría de Cultura provincial] llegó lejos, sin embargo, para males: designó a Argüelles como Directora del Ballet Provincial de

Paula Verónica Argüelles Fotos . Secretaría de Cultura de Salta

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Salta mediante decreto y sin concurso. Pueden, sin lugar a dudas, esgrimir todo tipo de argumentaciones, pero obviaron el Reglamento. No es que se dude de la capacidad de la invitada, por el contrario; las sospechas recaen sobre el IMD”, así prepara al lector Chávez Díaz, para continuar con detalles de las diferentes gestiones.

Para la periodista, “las decisiones que tomaron hasta la fecha, no han sido las mejores.

La temible dupla Ivanoff-Regueiro echó por la borda todo tipo de probabilidades de dejar sentados buenos precedentes sobre las tomas de decisiones para el Ballet: denuncias de maltrato fueron por años las comidillas del grupo, ignoradas por el Instituto de Música y Danza, como fue el sonado caso de la bailarina Andrea Martínez que Salta 21 denunció oportunamente. Esto llegó a su fin cuando casi termina muerta otra bailarina [Constanza González Brie, a comienzos de julio]. Y no es para nada exagerado: la joven que cayó al foso del Teatro Provincial [3 metros de altura sobre Carolina Pineda Andrade (violonchelo) y Sabrina Liendro (violín) con fisuras en dos vértebras lumbares], se restableció, pero no puede bailar nuevamente, no por ahora. Su carrera de bailarina quedó cercenada por negligencia bajo la responsabilidad de Leandro Regueiro, Liliana Ivanoff, y del coreógrafo Jorge Amarante que presenciaba el ensayo. La reubicaron en un cargo administrativo”. Ese fue el puntapié de la renuncia de los directores.

El Concurso para asumir el cargo de director que siguió, tuvo varios cuestionamientos pues las bases se prepararon para la ocasión e imposibilitaron que cualquier ciudadano salteño se presentara. Liliana Belfiore fue directora durante un año y medio, y en palabras de la periodista “según afirman sus más cercanos observadores, tenía sus kioscos armados que facturaba ‘aparte’. Lo que se dice ‘una avivada’ de aquellas, pero con tutú”.

Chávez Díaz objeta que se deba contratar a profesionales que llegan desde la ciudad de Buenos Aires como si en Salta no existieran capacitados e idóneos. Paula Valeria Argüelles con la asistencia de Leandro Xavier Ferreira Morais, fueron invitados para el montaje de Coppelia, “finalmente lograron quedarse al menos por un año, hasta que se abra el concurso que disponga reglamentariamente, quien quedará al frente del BPS desde el año 2016. La invitada terminó por convertirse en la nueva directora del Ballet”.

El 25 de septiembre, el delegado gremial del BPS envió al Ministro Mariano Ovejero una nota en la que destaca las cualidades de la coreógrafa y de su asistente, que se presume fue decisiva para la toma de decisiones del Consejo. Esta misiva se viralizó en las Redes Sociales la primera semana de diciembre con la leyenda “El Ballet de la provincia de Salta apoya la gestión de la bailarina/coreógrafa y maestra Paula Argüelles y su asistente Leandro Ferreira Morais y agradece a las autoridades”.

Por último la periodista cuestiona que sean los propios bailarines quienes “fomenten las decisiones que se toman por fuera de lo establecido (. . .) No conozco las internas actuales del Ballet, pero creo que no están entendiendo las dimensiones de lo que avalan”.

En otro artículo publicado el 11 de diciembre, en el mismo portal: “De advenedizos, excluidos y opas. Ballet Provincial de Salta: ¿la historia se repite?” la misma periodista eleva el tono aún más. “Existe un triunvirato que gobierna el Ballet encabezado por un funcionario de alto rango en Cultura, uno relacionado al IMD y uno de adentro del Ballet. El clima comenzó a ponerse denso, hay discriminación de bailarines (mujeres y varones) que determina casi un 50 % del total del Ballet, que son los que quedan en el banco de suplentes (. . .) los que se quejan, se oponen a decisiones o exigen ‘normalidad’, no bailan”.

Ballet Provincial de Salta

“Investigando en profundidad los hechos -dice Romina Chávez Díaz-, Salta 21 pudo constatar que ya comenzaron a suscitarse varios serios inconvenientes en el cuerpo del Ballet de la Provincia de Salta”.

“La invitada y su asistente no son los buenos de la película como se los pintó en la nota que el delegado del BPS elevó al Ministro Mariano Ovejero. No era la Biblia su palabra, sino todo lo contrario. El delegado está cuidando su lugar, nada más. Salta 21 pudo averiguar, que Argüelles solicitó traer a su familia a Salta, ello significa que su estadía viene para largo. El marido de la coreógrafa es músico y aparentemente, ya le dieron un cargo de asistente de producción, con lo cual a la invitada le cierra por completo el círculo (. . .) Si Belfiore era buena para hacer negocios, esta bailarina hasta aquí, ya le ganó por lejos”, asegura Chávez Díaz.

“Pero esto no es todo lo que está pasando. Entre paréntesis, ya hay una carpeta psiquiátrica en la gestión de la invitada. Todo esto tiene un nombre concreto: mediocridad. La misma que parece reinar en varios asuntos. Esa mediocridad se transforma en ambición y la ambición, en poder”.

Para finalizar la periodista sentencia: “Una sola cuestión no entiendo: ¿qué tienen en contra de los salteños, si aquí hay talento y podemos darles trabajo a nuestros profesionales? ¿No evitaría ello el requerimiento de una bailarina, de traer a su familia y pedir cargos, lo que engrosa la larga lista de irregularidades y designaciones a dedo? Parece que los porteños encontraron aquí la casa de los opas. Opas que les dan cargos, opas que corren a su propia gente para poner la gente de los avivados, opas que garpan, opas que crean cargos para la parentela, opas que permiten que los subestimen a los que ponen el cuerpo en el escenario, opas célebres que se dejan usar. Yo creo sinceramente que aquí hay un entuerto de cancanes”. __BD

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Celebración Contemporánea Patricia Sabbag celebró la primera década al frente del Ballet Contemporáneo de Tucumán, con un acto organizado por el Ente Cultural de la provincia, encabezado por su presidente Mauricio Guzmán En 2004, el Ente Cultural de la provincia de Tucumán, convocó a Patricia Sabbag para trabajar junto al Grupo de Danza Contemporánea (en ese entonces independiente), al año siguiente se organizó una audición -multitudinaria- y quedó conformado un grupo de veinte integrantes bajo su propia dirección. En 2006, por resolución provincial, se creó el actual Ballet Contemporáneo.

El mes pasado, al cumplirse la primera década de esta gestión, el Ballet Contemporáneo de Tucumán interpretó El Mar con música de Claude Debussy, la fotógrafa Marga Fuentes inauguró una muestra de obras que recorre la trayectoria del elenco desde los inicios hasta la actualidad y paras finalizar se ofreció un vino de honor.

Oriunda de Tucumán, Sabbag egresó de la Carrera Universitaria de Danza Contemporánea de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán (UNT), para perfeccionarse luego en Londres, Reino Unido, donde obtuvo el diploma profesional en Dance Studies de la escuela Laban Centre y una maestría con distinción en la Universidad Essex. Además integró la compañía de la región del este de Inglaterra I.D.Dance.

“Haber desarrollado un ballet de danza contemporánea en Tucumán, me genera una gran satisfacción” señaló la directora, maestra y gestora a Balletin Dance. “El público ha crecido. Hemos incorporado temáticas y experiencias vinculadas a la inclusión social y eso se ha manifestado en el público también. El ballet es hoy más abierto, convocante y receptivo a los estímulos de la sociedad. Hemos logrado sacar a la danza contemporánea de un círculo reducido”, aseguró orgullosa. Han realizado giras por el interior de la provincia e incluso fuera de Tucumán.

“Al mismo tiempo hemos logrado niveles técnicos y de ejecución del más alto nivel artístico”, para ello trabajaron con maestros destacados, en técnicas que no existían en la provincia “y me alegra que ahora los mismos bailarines puedan volcar lo aprendido con sus propios alumnos”.

Los nuevos desafíos a futuro, añaden el trabajar el vínculo profundo y constitutivo entre cultura, salud y educación. Los bailarines son María Aguilera, Adrián Albano, Ana Andole, Zulema Asis, Karina Avalos, Melisa Bellagamba, Damián Caravajal, Mónica Castro Lorca, Walter Ferreira, Gastón Gutiérrez, Gabriel Gómez Sastre, Martin Machin, Alejandra Martínez, Marta Diez, José Pintos, Noelia Robles, Alfredo Salomón y Rafael Segovia. __BD Romeo y Julieta, la moderna puesta presentada en 2014 por el Ballet Contemporáneo de Tucumán Foto . gentileza de la compañía

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Heroínas de Ficción Con dirección de Daniel Casablanca y Alberto Negrin, y coreografías de Vanesa García Millán y Rodrigo Cristófaro, Florencia Peña presentará Casi Diva en Villa Carlos Paz Acompañada por el músico y actor uruguayo Sebastián Almada, Florencia Peña desembarcó a fines de diciembre en el Teatro del Sol de Villa Carlos Paz con Casi Diva, un show que abarca danza, canto y el humor característico de la actriz.

Ambientado en un típico cabaret de los años ‘30 y ‘40, cuando surgieron aquellas divas de todas las épocas.

Completan el elenco Noralih Gago, Leo Bosio, Seku Faillace y Mariela Rosso. __BD

Florencia Peña, es casi una diva Foto . gentileza de prensa

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Retomamos el 16 de FEBRERO

LAMBARE 990 Villa Crespo * Martes y jueves 10:45 hs * Miércoles y viernes 14.30 hs 16.30 hs

NAZCA 1932 Villa del Parque * Sábados

11.30 hs

4554-1820 4566-2380 15-5044-2714 www.laurawinter.com.ar Villa del Parque / Villa Crespo ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 35

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Eternidad Los sábados de febrero y marzo Lorena Di Prinzio presentará Evocaciones. Flamenco de Cámara en el Centro Cultural Borges “ ¿no hemos coincidido ya en el pasado? ¿y no recurriremos otra vez en el largo camino, en ese largo tembloroso camino, no recurriremos eternamente?... Recuerda que todas las cosas giran y vuelven a girar por las mismas órbitas y que para el espectador es igual verlas un siglo o dos o infinitamente”, son las palabras que Lorena Di Prinzio eligió de la Historia de la Eternidad de Jorge Luis Borges, para su nueva creación.

“Evocaciones nace de la búsqueda, de la indagación en las raíces más profundas de la música y el baile español, de la tradición popular y las piezas flamencas de concierto. Propone un recorrido

a través del acervo musical y coreográfico hispano, en el que se funden tradición y modernismo. El ritmo, el baile, la danza y la música crean un ambiente español con aire popular, junto a la elegancia de las danzas de salón y las líneas modernas del baile flamenco”, explicó la creadora.

Con idea y dirección general de Lorena Di Prinzio, quien también firma las coreografías junto a Alexis Frank (ambos al baile en este espectáculo), la dirección musical corre por cuenta de Esteban Gonda (también en guitarra) y Luciana Colombo (canto lírico) completan el escenario en Evocaciones. __BD

Di Prinzio, recurrir eternamente Foto . Paola Evelina

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iniciación a la danza danzas clásicas modern jazz tap dance Áamenco hip hop yoga

Desde 1983

presentaciones profesorados

Camargo 350 · Capital · Tel: 4854-5599 www.marinaconfalonieri.com.ar info@marinaconfalonieri.com.ar

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

33 AÑOS FORMANDO BAILARINES EN SAN ISIDRO • Danza Clásica • Stretching con Análisis Biomecánico • Danza Jazz • Danza Contemporánea • Hip Hop New Style

Piso con cámara de aire Clases privadas Clases especiales de puntas Iniciación a la danza para niñas de 3 a 6 años Clases para niños, adolescentes y adultos en todas las disciplinas Preparación para el ingreso a instituciones oficiales

Ituzaingó 407 (1642) San Isidro Tel: 4747-5454 4743-7421 balletceciliadiaz@hotmail.com ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 37

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Julio Bocca en La Habana Por Agustina Llumá Desde que llegó a Cuba por primera vez, allá en 1986, Julio Bocca logró ganarse el corazón de todos los cubanos.

Imposible sería una visita suya a la Isla sin una colmada conferencia de prensa, y el último Festival Internacional de Ballet de La Habana no fue la excepción Como se mencionó anteriormente en Balletin Dance, Julio Bocca está feliz y verborrágico, como nunca. Su conferencia de prensa duró más de una hora en la que habló sin descanso, orgulloso por su labor en ésta que llama su nueva vida, como director. La conversación giró por todas las áreas, desde su vida privada, cotidiana, su trabajo al frente del Ballet Nacional de Uruguay como él prefiere llamar al Sodre de Montevideo, los cambios realizados en sus cuatro años de gestión, y los logros, que por cierto, son muchos. Todo lo cual no hace más que confirmar que cuando hay voluntades conjuntas y capacidad de gestión las cosas pueden realizarse así sea en nuestros sureños países, y en materia de ballet clásico. Sabido es que para que una compañía pueda evolucionar se requiere capacidad de gestión que permita aunar buenas propuestas (es decir buenas coreografías), gran cantidad de presentaciones para el desarrollo de los bailarines, y una administración económica que otorgue los recursos necesarios.

Se extractan en esta nota algunos de los aspectos más relevantes de la gestión y quedarán para unos pocos los detalles de su vida privada, el reciente accidente automovilístico del que se salvó por milagro y que lo hizo tomar conciencia de la necesidad imperiosa del cuidado de la salud, los atardeceres que vive a diario mirando el Río de la Plata en la intimidad de su hogar, con una

copa de vino, junto a su pareja y su perra Manón; placeres que recién en esta nueva vida puede disfrutar.

Si existe un país en el que Julio Bocca es amado, ese es Cuba. El lo sabe. Y por ello tiene siempre la presión autoimpuesta de llevar lo mejor de sí, en su época de bailarín antes y ahora como director y maestro. En medio de su gira a España, no dudó en cruzar el Atlántico para dictar la primera de las clases magistrales que se organizaron como Homenaje a Fernando Alonso en la Escuela Nacional de Ballet para partir nuevamente al Viejo Continente al día siguiente, mientras sus dos primeros bailarines permanecieron en representación del Sodre.

“Disculpen la demora, estaba haciendo clase con el maestro Lázaro Carreño, moviéndome un poco” dice Julio Bocca mientras bebe un sorbo de agua fresca en los inicios del otoño caribeño.

“Siempre es un placer estar acá, tengo muchos y muy lindos recuerdos, no sólo bailando sino de gente muy querida que siempre me ha abierto los brazos, desde un comienzo, y me los siguen abriendo”.

A partir de ese momento no fue necesario escuchar preguntas, durante más de media hora hizo un pormenorizado análisis de su actividad, de las características de la compañía, de la escuela, el financiamiento, de los programas concretados, del país y de las próximas actividades, ameno, fresco, imparable y con algunos aportes de cómplice humorada, festejada por todos los presentes, que colmaban la sala de prensa instalada en la Casa del Ballet Nacional.

Esta segunda carrera que Julio Bocca comenzó hace cuatro años como director, “siendo joven todavía (esboza una sonrisa), es un aprendizaje muy intenso, en el cual estoy muy contento”. Por un lado dirigir a 65 bailarines, por otro que sea una compañía del Estado pues él siempre había trabajado en forma privada “con otro sistema de trabajo”, pero también que “la gente joven de esta época es bastante diferente a la de mi generación”, tanto es así, que “dentro de los cambios que hice en la compañía fue contratar una coaching -como le dicen ahora-, que nos dio unas clases a los maestros de cómo relacionarse con la gente joven.

Para mi es todo un aprendizaje porque estoy acostumbrado a que el maestro decía y uno hacía. Ya esa visión del maestro no

Julio Bocca trabaja para lograr “que haya otro lugar donde los bailarines latinos tengan un espacio para trabajar y vivir de lo que les gusta” Foto . Alicia Sanguinetti 38 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

está tan presente en esta época, y uno tiene que acomodarse a las nuevas generaciones”. Otro aspecto que difiere generacionalmente, es que los jóvenes “vienen con todo servido, ellos están acostumbrados a tener piso flotante, tapete de goma, ya tienen camarines, empiezan a vivir de esa forma y por supuesto quieren más. Pero como uno está acostumbrado a otra cosa, trato de que aprecien lo mucho que tienen (lo que tenemos es mucho), porque sabemos que dentro de nuestros países, siempre hablando del sur, es muy difícil tener el apoyo sobre todo en la danza y tener estas condiciones de trabajo”.

GESTIÓN Tenemos el apoyo del gobierno, es una compañía que ha cambiado… yo tengo total libertad para manejarme en todo lo que es la programación, ya terminé de programar el 2016 y empiezo a programar el 2017. Hacemos cuatro espectáculos por año, tres de repertorio clásico. La compañía es clásica y quiero mantenerla como son sus orígenes.

Me han dejado hacer una gestión privada, esto es: el Estado nos da el sueldo de los bailarines y el mantenimiento del edificio, luego todo lo que es producciones y giras tenemos que sacarlo por sponsors o la recaudación de entradas. Cuando empecé, iba a todas las empresas, a golpear las puertas, me sentaba, esperaba, volvía. No tenía problema en ir a buscar plata. Hoy tenemos cinco sponsors, tres de empresas públicas y dos privadas, es la primera vez que el Estado lo permite. El ballet es una pequeña isla que se va generando.

“Ahora el bailarín tiene que ser muy completo, muy versátil, tiene que tener una base contemporánea” Foto . Alicia Sanguinetti

ANIVERSARIO En 2015 la compañía rioplatense cumple 80 años, “junto con la del Colón son las más antiguas de la región”. Para celebrarlo Bocca planificó una temporada que comenzará con Coppelia de Enrique Martínez, “luego remontamos Giselle que fue la primera obra que hicimos de Sara Nieto, luego hacemos el programa mixto (tres coreografías de los uruguayos Martín Inthamoussu y Andrea Salazar, y una creación del argentino Demis Volpi), luego haremos una gala aniversario con parejas invitadas el 24 de noviembre, que fue la primera función que hizo el Sodre como compañía y cerramos con Romeo y Julieta de MacMillan. Más la gira nacional y otras por Israel, Tailandia, Colombia, Guatemala, se está cerrando una a Italia y algunas ciudades de Francia”.

FUNCIONAMIENTO Los contratos de los bailarines son anuales, se les paga los doce meses, más aguinaldo que es un mes más, más vacacional. En el primer año tienen tres meses de prueba y siete de superación. Y al otro año si se renueva, ya pasan a la planta de cuerpo de baile, a partir de ahí se va computarizando, si no se le renueva al año o a los dos años, se hace una devolución.

El 50 por ciento son bailarines uruguayos, el resto tengo bailarines de Venezuela, Perú, Paraguay, Brasil, Argentina, Australia, Japón y dos de España. Hago audiciones todos los años internacionales.

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SEMILLERO El año pasado se hizo un gran cambio en la Escuela Nacional, que había pasado por un período muy dejado, por lo que se han perdido generaciones. Estamos trabajando en eso, para tener más bailarines uruguayos dentro de la compañía, que puedan pasar automáticamente de la escuela a la compañía, no va a suceder ahora en lo inmediato, pero estamos trabajando en eso. La Escuela del American Ballet [Nueva York] está haciendo una experiencia en diferentes ciudades de Latinoamérica, que es la que vamos a usar, te permite tomarla como base con la libertad de acomodar ciertos aspectos a tus necesidades. Quiero mantener esa variedad característica de los latinos, eso que le da algo diferente y rico.

NUEVOS PÚBLICOS Seguimos gestionando para que la danza se siga respetando y manteniendo en su alto nivel, con los cambios necesarios que lleva la nueva época: como hacer versiones con tiempos más reducidos sin perder el estilo, ni la calidad, ni el argumento, pero sí hacer que el público se siente y no

empiece con el celular o que se vaya. Para que el público que venga, vuelva.

También, en el marco de las giras nacionales, los bailarines van a las escuelas rurales o escuelas primarias del interior, a mostrar lo que es una zapatilla, a charlar con ellos y a bailar un poco. Es maravilloso ver la gratitud de la gente, el público está feliz y es importante que los bailarines conozcan todo eso. Vivimos gracias a los impuestos de la gente.

Pero además, tenemos siempre invitados en el Auditorio, de escuelas de arte y de escuelas rurales. No solamente para integrar al niño en el ballet, sino para darle la posibilidad de que sueñe con lo que quisiera ser, podría ser bailarín, músico, puede ser un arquitecto por la escenografía que vio, o un iluminador, o un diseñador de moda por el vestuario, un espectáculo de ballet te da una gama completa.

En este momento en Uruguay, la compañía es muy apreciada por la gente, muy respetada, ya es parte de sus espectáculos cotidianos. Está bueno, sobre todo en Uruguay donde hay tan pocas personas, en Montevideo son un millón cien mil

LOS MAYORES LOGROS “Hemos pasado de tener 15 o 20 personas en el público a 21 mil personas por espectáculo”.

“Llegamos a hacer 90 funciones al año, entre lo que es el Auditorio Nacional y en giras nacionales e internacionales”.

“El próximo proceso es llevar a la compañía al exterior, que poco a poco se la reconozca, que tenga un nivel internacional y que en el futuro se pueda comparar con las grandes compañías, que talento hay”.

Se crearon los talleres de escenografía y vestuario. “Ya se hicieron las producciones de Corsario, Quijote, Lago, Cascanueces y Un Tranvía Llamado Deseo de Mauricio Wainrot”.

“Contrato a diseñadores e iluminadores de Uruguay para que la compañía tenga su propia personalidad”.

Equipo. El área administrativa del ballet está integrada por seis personas incluyendo al director y su mano derecha, y en el aspecto artístico cuenta con cinco maestros de baile.

Clases de teatro. “Organizamos pequeños grupos y en esta primera etapa se centraron en trabajar sobre la continuidad del personaje. Mantener el personaje durante la obra, que a veces es bastante difícil”.

“Estamos en tratativas de coproducción con el Ballet de Washington. En Houston nos pidieron la producción de El Corsario para alquilarla. Estamos empezando a hacer una base, pero todo lleva su tiempo”.

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personas nada más, y en todo Uruguay serán tres millones doscientas mil aproximadamente, y tampoco hay turismo como en otras grandes ciudades. Por eso tenemos que mantener al público siempre con novedades y frescura.

NUTRICIÓN Ahora también tenemos kinesiología dentro del teatro, y estamos en contacto con la Universidad Católica para hacer una tabla de nutrición, no sólo para los bailarines sino para la escuela, porque en eso hay muchos problemas y no existe una tabla específica, sí para el deportista, pero el bailarín tiene otras necesidades de figura y líneas que hace a su profesión.

FINANCIAMIENTO Con los talleres propios, sin necesidad de alquilar las producciones en el exterior (vestuario y escenografía) “los costos bajaron muchísimo, y el dinero se mantiene dentro del país. Si repetís una obra como hicimos con Corsario, con la venta de entradas y los sponors cubrimos los gastos.

No damos perdida. El apoyo del público es fundamental y lo seguimos teniendo.

También en este aspecto hicimos un gran cambio de mentalidad, porque antes el uruguayo iba a último momento a comprar la entrada, y ahora cuando estrenamos una obra, ese mismo día ya ponemos a la venta el próximo espectáculo, y la primera semana ya se venden cinco mil entradas, después baja, pero tienen dos o tres meses hasta el nuevo programa. Y no gastamos tanto en publicidad porque se va generando automáticamente.

JUBILACIÓN Año tras año, los bailarines más antiguos se van retirando y entra gente nueva. Se generó un cambio interesante. Estamos estudiando posibilidades con respecto al retiro, que es siempre un tema. Ver de qué manera podemos ayudarlos, luego de retirarse, a que emprendan otro trabajo, para que se incorporen a hacer otra cosa, porque después de los 40 o 42 años la vida sigue y se puede hacer mucho. Doy libertad para que terminen la secundaria,

“Llega un punto en la vida de un bailarín en que tiene que elegir el maestro con el que se siente cómodo. Encontrar ese maestro que sepa guiarte y entender tus necesidades físicas, más en mi caso que he tenido muchos años de 200 funciones al año, levantarte, ensayos, viajar, yo necesitaba esa mano dura como la de Willy [Wilhelm] Burmann, y esas clases de rapidez que al terminar parecía que las piernas bailaban solas.

Depende del bailarín”.

Foto . Nancy Reyes

para que rindan los exámenes. Entender que esta carrera es corta y después tienen que hacer algo, que estén preparados para lo otro, que no esperen al momento de llegar y se encuentren con que no saben qué hacer.

JÓVENES COREÓGRAFOS Tengo dentro del repertorio una coreografía de Martín Inthamoussu, que trabaja mucho en Alemania y en Venezuela (y está preparando otra obra para el año que viene) y de Andrea Salazar, bailarina de la compañía. Este año hicimos por primera vez los talleres coreográficos con bailarines de la compañía, se presentaron ocho y seleccioné tres, que se presentaron en la sala más pequeña del Teatro (para 200 espectadores). Tuvieron que trabajar como cualquier coreógrafo independiente, fuera de horario, preocuparse por la música, el vestuario, los derechos, todo lo que lleva una producción. Hicieron un lindo trabajo, una de las obras se va a incorporar al repertorio de la compañía.

LA REGIÓN Seguimos con la idea de trabajar en conjunto con los teatros de la región, me junto con el director del Ballet Municipal de Río y también estamos hablando con Marcia Haydée del Municipal de Santiago, pero no es tan fácil como parece. Pensé que iba a ser mucho más sencilla la unión para generar y coordinar.

BRASILEROS, LOS MEJORES Julio Bocca aseguró que en este momento, los mejores bailarines de Sudamérica son formados en Brasil. “Me baso en lo que me pasa en la compañía con los bailarines brasileros, que tienen una predisposición al trabajo mucho más abierta. Y también yendo a concursos internacionales: son los que están ganando más premios, tienen una base más sólida, y son cantidad, son muchos millones dentro de Brasil, y tienen muchas escuelas. Son buenos, tienen buena técnica, buena base y esa cosa de más, se entregan.

Hay una concentración mayor en la tarea diaria, que hace nuestro trabajo mucho más fácil, en disciplina, en conducta de trabajo.

EL RETIRO “No extraño el escenario. Estoy feliz con lo que estoy haciendo, sigo amando la danza y la seguiré amando. Cuando veo una función, como ayer en Giselle y me recordaba de cuando lo bailaba con Alexandra [Ferri], me acordaba del Quijote con Ofelia… y los piecitos se me van. Pero no tengo esa necesidad. Estoy muy conforme con toda mi carrera, con todas las decisiones que tomé y con esta nueva vida, intento disfrutarla más”. __BD ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 41

actualidad

Espíritu Iluminado “El cante, el toque y el baile se funden con la poesía para generar un clima íntimo de comunión, donde los artistas revelan su verdad más profunda. Alegrías, seguiriyas, soleares, tientos, tangos nos transportarán al corazón de la tierra” explica Ríos Saiz sobre su última creación.

Y agrega: “Flamenco, ‘una quemadura interior, un fuego’, manifestación artística con la que expresas toda tu verdad, lo que sientes en tus entrañas, en tu corazón y te permite compartir desde la alegría hasta el dolor o la pasión, sin más complementos que tu alma”.

Con coreografía de Natalia Bonansea Ríos y Graciela Ríos Saiz, bailan Bonansea, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido y Eugenia Seijó, acompañados por músicos en vivo, A la Luz del Flamenco permanecerá toda la temporada de verano 2015, de enero a marzo, viernes 19:30 hs y sábados a las 20 hs. Los días de lluvia se ingresa por Mendoza 2250. __BD

Graciela Ríos Saiz vuelve a ofrecer su espectáculo A la Luz del Flamenco inmerso en la belleza de los Jardines del Museo Larreta del barrio de Belgrano

Flamenco en los Jardines Foto . Osvaldo Betti

Balletin Dance Ediciones presenta su nuevo lanzamiento

Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco d e G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

Reseña histórica del baile flamenco Una clase de baile flamenco, destinada a alumnos y docentes Anexo con ejercicios para fotocopiar, para exámenes teóricos

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actualidad

De Nuestra Tierra

La Compañía de Danza de Néstor Pastorive se presenta en febrero en Hasta Trilce antes de su gira a Europa

Argentina Baila, de Buenos Aires a Italia Foto . gentileza de la producción

Argentina Baila, Cuando el Paisaje se Vuelve Danza es la propuesta de Néstor “Polaco” Pastorive, en la que se funden el poncho, las boleadoras y el zapateo ancestral, junto a la destreza del gaucho en un diálogo eterno con la tierra.

Se trata de un viaje por el país a través de nuestras danzas y nuestra música.

Como preámbulo de la gira internacional que realizarán a partir de marzo, esta compañía de bailarines carismáticos y de impecable técnica acompañados por músicos en vivo se presentará en Buenos Aires del 19 al 21 de febrero en Hasta Trilce.

En Italia, donde ya han ganado prestigio y fama hace dos años, el elenco, representará a nuestro país en el Teatro Politeama de Génova (6 y 7 de marzo) y en el Teatro Olímpico de Roma (10 al 22 de marzo) en el marco del Festival Internacional de la Danza 2015 de la Academia Filarmónica Romana. __BD

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El manual más completo de danza clásica, escrito hasta el momento!!!

Todos los pasos del ballet clásico, explicados detalladamente, con numerosas ilustraciones 400 PÁGINAS En venta en librerías de todo el país y en la Tienda Balletin Dance www.balletindance.com.ar Tel: 4331-0400

Tratado de danza Clásica basada en la Metodología de Elongación p o r A l f re d o G u r q u e l ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 45

[Presente y Futuro del Espectáculo] 2º EDICIÓN - 24 y 25 de febrero de 2015

Auspician:

MIEMBROS DEL COMITÉ ACADÉMICO Oscar Araiz s Sebastián Blutrach s Héctor Calmet s Luis Cano s Gonzalo Córdova s Alejandra Darin s Javier Daulte s Betty Gambartes s Jorge Ferrari s Luciana Gutman s Mauricio Kartun s Willy Landin s Marcelo Lombardero s Carlos Pacheco s Ricky Pashkus s Arturo Puig s Eduardo Rovner s Carlos Rottemberg s Héctor Schargorodsky s Gustavo Schraier s Luciano Suardi s Diego Vainer s Mauricio Wainrot s Eugenio Zanetti s Mini Zuccheri.

Más Información: escenadc@palermo.edu +54 11 5199 4500 int. 1512 Mario Bravo 1050, Buenos Aires, Argentina

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TeatroyespectaculoDC @teatrodc

Informes e inscripción gratuita: www.palermo.edu/escenadc

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Verano Porteño El Centro Cultural Borges será una vez más sede indiscutida para la oferta de espectáculos de tango durante toda la temporada estival. Tango que he visto bailar... Tango que fuiste y serás, dice Jorge Luis Borges y ninguna frase mejor para anunciar los shows de tango que el Borges ha programado para este verano.

Buenos Aires Pasión de Tango

Alicia Orlando y Claudio Barneix proponen para el primer mes del año una nueva versión de Concierto Tango, “tres historias de amor en 3D. Mitos, leyendas, fantasías y sueño, con nuevas imágenes y sonido 5.1”. En este espectáculo, “la danza, el teatro, el video y la música, se fusionan para contar historias de personajes entrañables, cuyo único objetivo es encontrar el amor, transitando la ternura, la pasión y el humor, a través de un lenguaje urbano, tanguero y universal”.

Podrá verse el lunes 19 y todos los martes de enero a las 20 hs.

Concierto Tango Bien Bailado y Bien Porteño

Con dirección artística de Federico Strumeio y dirección musical del bandoneonista Gabriel Merlino, la compañía Bien de Tango presenta su nuevo show Bien Bailado y Bien Porteño “Un mágico viaje a los años dorados del tango”, con dieciséis artistas en escena y orquesta en vivo. “Un show que te llena de emoción. ¡Vení y viví de cerca la danza más sensual que conquistó al mundo entero!” señaló a Balletin Dance su producción.

En su cuarta temporada consecutiva en el céntrico centro cultural, la compañía ofrecerá este verano una renovada propuesta escénica que realza y expone los elementos clásicos del baile y la música ciudadana, combinando desde la época dorada del tango hasta la moderna vertiginosidad del 2x4, “con matices clásicos pero a la vez de vanguardia”. El elenco está integrado por los bailarines Federico Strumeio-Silvana Ricutini, Matias CasaliNatalia Turelli, Héctor Fernández-Eliana De Bartolis, Facundo Karazey CebeyraMirisol Karazey Cebeyra, Lucas López-Lida Mantovani y Enrique López-Jimena Calarco. Los músicos Gabriel Merlino (bandoneón), Pablo Schiaffino (piano), Carlos Morbidoni (violín), María Inés Rojas (contrabajo) y los cantantes Maximiliano Bayo y Vanina Tagini. Bien Bailado y Bien Porteño, podrá verse los viernes y sábados de enero a las 20 hs.

Por último, Tango Bistró, es el espectáculo que propone Tatiana Kotzarew al frente de la dirección. “Un espacio de intimidad creado para el disfrute del tango instrumental, cantado y bailado. El espectáculo recorrerá desde los tangos tradicionales hasta los contemporáneos”.

Con coordinación musical y canto de Fabián Russo, acompañado por Carlos Filipo (guitarra), Luis Vázquez (bandoneón) y Roberto Amerise (contrabajo), los bailarines son Micaela Minervino, Iván Romero, Gisela Estigarribia, Alejandro Segovia y se sumarán diferentes artistas invitados.

Este espectáculo podrá verse los domingos y jueves de enero a las 19:30 hs. __BD

Fabián Russo en Tango Bristó Fotos. gentileza oficina de prensa

Con dirección coreográfica de Agustín Camino y dirección musical de Adolfo Gómez, Buenos Aires Pasión de Tango revela a esta ciudad, con sus luces y sombras, sus paisajes nostálgicos y sus contrastes urbanos. “Tan genuino como el tango mismo -señalan sus autores-, en él se fusionan romance, pasión, elegancia y picardía. Con orquesta en vivo, fastuoso vestuario, y variedad y sensibilidad en cada uno de sus cuadros”.

Luego de un año de permanencia en cartel, el show podrá verse los lunes y miércoles de enero a las 20 hs (excepto el lunes 19).

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Por Agustina Llumá

Ballet para el Desarrollo de la Sociedad

A T S I V E R T N E

Sudáfrica, tierra que acunó el Apartheid hasta hace apenas veinte años legalmente, continúa sufriendo el racismo en su vida cotidiana. Dirk Badenhorst al frente de la compañía clásica Joburg Ballet, pretende elevar el nivel del elenco, trascender las fronteras de su patria y fundamentalmente, sumar valor a la sociedad

Balletin Dance dialogó con Dirk Badenhorst en el último Festival Internacional de Ballet de La Habana. Por primera vez y luego de seis años de cooperación bilateral entre Sudáfrica y Cuba, su compañía Joburg Ballet se presentaba en el encuentro caribeño. Allí llevaron tres dúos de diferente factura, coreografiados por su director artístico, Iain MacDonald, para dar cuenta del proceso realizado hasta el día de hoy.

Fue en 2008 cuando Badenhorst llegó a la isla del Caribe por primera vez, fanático (o seguidor) del ballet cubano desde hacía muchos años, estaba particularmente interesado “en el gran apoyo que recibía el ballet de parte del entonces presidente Fidel Castro”.

Septime Webre, director del Washington Ballet (que había llevado a su compañía completa en una edición anterior), le presentó a Ismael Albelo, acérrimo colaborador del festival “y desde entonces siempre me han recibido con los brazos abiertos.

Desde mi primera visita fui muy afortunado al poder reunirme con la directora de la Escuela Nacional de Ballet (ENB) Ramona de Sáa y también con uno de los súper héroes del Ballet, que fue Fernando Alonso”.

Iniciar un proyecto de cooperación entre Cuba y Sudáfrica no era tarea fácil, ni desde el punto de vista político ni desde las posibilidades logísticas, como le anticipó todo el mundo a Badenhorst. Sin embargo, gracias al “apoyo de la escuela primero y luego de la compañía, en 2009 tuvimos la posibilidad de recibir al primer grupo de cubanos en Johannesburgo. Quince estudiantes y cinco profesores ofrecieron una experiencia que inyectó al ballet clásico sudafricano una nueva perspectiva, una nueva vida”.

Es necesario hacer aquí un paréntesis para remontarse a la historia. El ballet en la República de Sudáfrica comenzó a desarrollarse a comienzos de 1900, cuando era una colonia de Inglaterra. “En tiempos de la Segunda Guerra Mundial, al finalizarla, un tercio del Royal Ballet de Londres estaba integrado por bailarines sudafricanos. Pero aunque teníamos maravillosos bailarines en nuestro país y en el exterior (Mónica Mason sería el caso más famoso, que llegó a ser directora de la compañía británica), el apoyo que recibíamos del gobierno nacional fue disminuyendo, hasta que a principios del año 2000 se detuvo completamente” recuerda el director. “En 2001 junto a otros cinco bailarines formamos el Joburg Ballet totalmente autofinanciado. Desde entonces me convertí en un mendigo, porque mi trabajo ha sido tratar de recolectar dinero para la compañía. Poco después comencé la International Ballet Competition en Ciudad del Cabo, en forma bianual, con prestigiosos jurados internacionales. El argentino Mario Galizzi ha estado ya dos veces”.

Retomando el proyecto de cooperación bilateral, Badenhorst enfatiza que es fundamental destacar que en Sudáfrica, “país que ha sobrevivido y ha convivido con el Apartheid, un país donde especialmente las personas negras no han tenido acceso al ballet clásico, la llegada de la bravura y el estilo cubano, significó un mundo totalmente novedoso. Y por primera vez debido a las relaciones políticas entre Cuba y Sudáfrica el gobierno comenzó a escucharnos y a entender que cada gran ciudad -en cualquier lugar del mundoasí como tiene una bolsa de valores debe tener una compañía de ballet. Como país

Dirk Badenhorst: “estamos trabajando mucho para poder crear un ballet puramente sudafricano” 48 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

Lindé Wessels y Jonathan Rodrigues en La Cenicienta Fotos . Alicia Sanguinetti

miembro del bloque de los BRICS (que también integran Brasil, Rusia, India y China), nuestro gobierno espera que elevemos el nivel y la capacidad del ballet clásico para satisfacer estas expectativas”.

Así fue como la relación con Cuba y con el ballet cubano, “ha tenido el mayor valor e impacto en nuestro país. Con la asistencia de la ENB hemos tenido profesores de la escuela enseñando

CRUZAR LA FRONTERA “Estamos trabajando muy duro para que el ballet sudafricano llegue a los escenarios internacionales. Este año vamos a tener bailarines actuando en Dinamarca, Islandia, Rusia, Latvia, Cuba, Estados Unidos y volveremos a China una vez que regresemos de Cuba”.

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Burnise Silvius y Jonathan Rodrigues en Romeo y Julieta Foto . Alicia Sanguinetti

a nuestra compañía constantemente, trabajando con nosotros en programas educativos para más de 500 niños, y también ayudando a formar profesores con la metodología cubana. Hemos tenido la visita de primeros bailarines del BNC que nos han mostrado lo que se puede lograr cuando tienes el apoyo de tu gobierno. Y en 2013 vi uno de mis sueños finalmente hecho realidad: cuando la señora Alicia Alonso visitó Sudáfrica y nuestro gobierno le rindió homenaje por la gran contribución que hizo al ballet clásico en todo el mundo”.

BLANCOS, NEGROS Y EXTRANJEROS “Actualmente tenemos siete bailarines cubanos en el Joburg Ballet y uno de Brasil. De los veintiocho que integran la compañía, doce son de color. Ha sido un gran reto para mi poder integrarlos plenamente. Políticamente, en la primera reacción, la idea era eliminar a todos los blancos y sustituirlos por negros, sin embar-

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go le hice saber al gobierno que en la compañía de ballet íbamos a retener a los blancos y que íbamos a aumentar el número de integrantes para que al final haya una distribución equitativa”.

ESCUELA “Tenemos una academia para niños a partir de los cinco años, con diferentes profesores en el mismo teatro donde reside la compañía con la metodología cubana. Pero además tenemos cinco diferentes locaciones en ciudades de los alrededores de Johannesburgo (“Joburg”), donde enseñamos ballet, en lugares similares a las favelas de Brasil.

Para mi es importante que los chicos puedan ir a la escuela, jugar fútbol o visitar a sus amigos, que también estudien ballet y que vayan a la casa, que se convierta en parte de su vida cotidiana, de su cultura diaria. Estamos trabajando mucho para poder crear “Estamos muy emocionados por ver qué podremos crear en los próximos cinco a diez años con la combinación de la metodología cubana y el estilo y la pasión de nuestro país. Con todos los sudafricanos habilitados para acceder al ballet, para que tengamos una compañía clásica que sea cincuenta por ciento blanca y cincuenta por ciento negra”.

un ballet sudafricano, puramente sudafricano, también queremos enseñar historias locales a través del ballet clásico. Por ejemplo, acabamos de presentar El Cascanueces, como yo estaba cansado de fingir que era invierno afuera cuando en realidad en diciembre tenemos un verano muy cálido, en lugar de crear un escenario con nieve lo ambientamos en un terreno arenoso, en un desierto y las pinturas rupestres tradicionales sudafricanas toman vida y bailan con nosotros. En el segundo acto incorporamos danzas sudafricanas de bamboo con flores tradicionales de nuestro país y funcionó increíblemente bien, haciendo sentir a todos partícipes.

Como por primera vez este año contamos con financiamiento de la ciudad, hemos iniciado un programa que nos permite llevar a la compañía a las escuelas. Allí bailamos sobre el polvo, o en pisos de mosaico o cemento, pero más de cuarenta mil niños vieron ballet por primera vez en su vida. Lo sorprendente de ver en esta experiencia fue que el programa comenzaba con una bailarina negra haciendo La Muerte del Cisne, y luego había otras piezas clásicas, pero la mayoría de los niños, apreciaron sobretodo ésta, argumentando que les había hecho sentir algo que nunca habían sentido. Sabemos que el valor que estamos añadiendo a la sociedad sudafricana es realmente bien apreciado”.

INCLUSIÓN “Recientemente tuvimos una experiencia única. Invitamos a una joven bailarina nacida en Sierra Leona, cuyos padres fueron asesinados y ella fue adoptada por una familia norteamericana. Estudió en la escuela del American Ballet Theatre e hizo su primer protagónico en Johannesburgo. Ella encontró en Sudáfrica, que fue más aceptada que en ningún otro lugar, incluso que en Norteamérica, porque ya habíamos creado un entorno de inclusión en todo el mundo del ballet. Lo mismo sucede con el público: en etapa tan próxima como es el año 2001, los niveles de racismo estaban bastante elevados, pero ahora ya se encuentra aceptado completamente el tener un ballet clásico integrado, eso es -nuevamente- el valor que estamos añadiendo a la sociedad. Mientras más bailarines negros tengamos en el escenario, mayor audiencia negra tendremos, porque ofrece un sentido de conectividad, de comunicación e integración. En esto, la relación con Cuba ha sido trascendental, que hayamos traído bailarines negros de la Isla que se han convertido en un modelo a seguir en Sudáfrica”. __BD ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 51

Que la identidad sea una construcción, en tanto que es un discurso, no se discute: no hay absoluto ni esencia identitarios ya dados sino que se construye identidad. Que tal construcción discursiva, entonces también metáfora, sea ficción, va de suyo: la metáfora nombra con lo que no es. Ejemplo simple, canónico y petrificado: el sol no es rey y por eso es identificable también como el astro rey. “Astro rey” viene a decir una jerarquía, una manera de organizar, en el fondo invoca hegemonías ideológicas que, como tales, a la vez, quedan en cuestión porque muestran todo lo que falsean. Y al mismo tiempo muestran, prepotentes, lo que niegan, todo lo otro que también es.

Una mujer, la mujer, su identidad, una persona mujer. ¿Qué es eso?

Muchas cosas e interpretaciones, muchas posibilidades, que van

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Por Román Ghilotti

La Otra Identidad

O I R A T N E M O C En toda identidad, que no es más que un recorte impuesto, o al menos propuesto por otro, se implica un orden que se exige que sea aceptado. En Pata de Ganso, Luciana Arias presentó su trabajo de expresión corporal, Lo que Sigue no Siendo, con producción de Emily Kate Boyd (ARCA Records)

desde un objeto reproductor de la especie y cuidador del hogar (objeto en diversas perspectivas nombrado “madre”) a la persona liberándose en acción socio-individual e intersubjetiva, en goces y padecimientos si cuadran, por ello sin género y multigenérica (persona en diversas perspectivas nombrable “persona humana”).

Variando posicionamientos en ese extendido arco de identidades, que va de aquel objeto “madre” a la mayor expresión libre y no imposible “persona humana”, Arias desplegó su creación.

Por un lado, construye los desplazamientos de encuadre que estructuran las variaciones que propone en su discurso. Como intérprete es quien realiza sobre sí, sobre su cuerpo, los actos que modifican el encuadre. Autoinflingiéndose cada nuevo desplazamiento, la identidad “mujer” revisa situaciones impuestas que, elaboradas por la misma Arias sobre sí, también denuncian esa naturalización que las víctimas hacen de lo que se les impone al punto de colaborar, enajenadas, en su mismo sometimiento.

Violencias sobre ella, sobre la mujer, sobre su modo de estar en sociedad o como es vista y tratada, la monstruosidad que “debe” encarnar “caída en la identidad” que se le da tradicionalmente.

Por otro lado, la artista construye el personaje (quizá cabría es-

Arias rumbo a la monstruosidad como caída de identidad Foto . Zum Luz & Lolo

cribir: “las personajes” que, más que error de concordancia del idioma dice más exactamente la incordancia y ambigüedad de lo real): personaje, una mujer. Llega, observa al público reconociendo su presencia, se desviste, se calza zapatos de taco alto y una máscara de gas, se exhibe. Esto es sólo el principio en donde ya juegan lecturas y relecturas, discursos yuxtapuestos, envíos a valoraciones e interpretaciones directas, con sólo un poco de atención, transparentes, hasta incluso populares: un cuerpo femenino desnudo, para mejor con tacos, epítome que señala desde las pinups o botineras a uno de los signos más rotundos de lo que sea objeto de deseo, ícono de publicidades y propagandas, políticas y mercados de por medio, como indicación de la posible felicidad que se entrega para ser disfrutada por otrxs. Pero, “la” personaje desnuda y de tacos, lleva máscara de gas: por un lado, se priva la cara, la mueca, se anonima la mujer; por otro, pone en marcha la imperiosa necesidad básica de armarse de defensas, y realmente de las más básicas, las necesarias para respirar, para existir en el modo en que aparece. ¿Qué elección sería la de una mujer que optara este exhibicionismo a público en donde se hace necesaria la máscara de gas? ¿El aire está enrarecido para ella y no para el público? Son muchas las preguntas que se encadenan abriendo el contexto más y más, vertiendo ambiguaciones, contradicciones concretas y aparentes, valoraciones que se erigen y derrumban, posicionamientos éticos y estéticos cambiantes, yuxtapuestos, fragmentados. En el fondo todo redunda en la mujer, en la identidad mujer. Porque luego sigue, siendo y no siendo. Movimientos a veces pequeños, lentos, continuos contrapuestos a otros violentos, fugaces, quebrados. El cuerpo de “la” personaje cubierto de rojo, pintado estilizando sangre, violencia infligida y sufrida, obscenidad, herida. Hay un parto de tripas, literalmente de tripas.

Hay actos de erotismo y pornografía como también de pereza, indolencia, soledad, abandono, castigo, ternura, amor, tramitados en el cuerpo, en construcciones (¿identidades?) de esa mujer. Y luego, el cuerpo pintado de negro, exhibido nuevamente en una oscura laceración, mutilado de su piel como piel, tapada en sombra pero vista. Hasta que se llega a otra ausencia del rostro: como gesto performativo plástico, arcilla en la cabeza desfigura, “monstrua” las facciones, rigidiza una mueca que hace síntesis de tiempo-vejez, de padecimiento-protagonizado, de negación-de-identidaden-la-misma-identidad. Para concluir yendo a una luz que nada da, sólo muestra más crudamente esa contradicción, aparente, de cuerpo terso, joven, manchado y presente, rostro viejo, monstruo ya en muerte, presente pero ya sin cambiar en su rigidez escultóri-

ca. ¿La misma rigidez escultórica de la mujer del comienzo, la que llegó y quieta miró a público, o la que se exhibió de tacos y con máscara de gas? En todos esos cambios la mujer, esa mujer, siguió siendo la misma, hacia esa otra identidad, ella allí.

Luciana Arias, de notable solvencia en el manejo de esfuerzos y construcciones kinéticas y gestuales, y también potente en la expresividad de estados emocionales, en función, con Lo que Sigue no Siendo un complejo, por sus alcances interpretativos, y simple, por lo directo de sus recursos, construyó un dispositivo que puso en juego, como obra, lo que de la identidad de lo femenino hay de feo, ajeno, malo, u otros adjetivos negativos con que se definen, obstruyen, manipulan, objetivan y fuerzan esas identidades, y que, cotidianamente, aparecen como naturalizaciones que se invisibilizan. Lo seriamente invisible que Arias pone en jaque, porque es acción, acto particular, sujeto en lo efectivo del mundo, la otra identidad ahí, patente, siempre exhibida, casi siempre negada, en suma, es la mujer, la persona mujer. __BD

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Reflexionar para Accionar y Bailar Por Nahuel Aguirre Del 7 al 12 de diciembre se desarrolló en el teatro La Fábrica Escénica, el I Encuentro internacional de Danza Contemporánea y Performance Arqueologías del Futuro, un espacio que aunó obras y trabajos en proceso, abiertos a una investigación compartida mediante seminarios y reflexiones En medio del calor porteño, pero a sala llena, el 7 diciembre comenzó el I Encuentro Internacional de Danza Contemporánea Arqueologías del Futuro con dos trabajos performáticos de corta duración. Vertebral de Chile, un proceso de investigación (en etapa de construcción y ensayo), en el que la bailarina y directora, Macarena Campbell, improvisaba bajo los estímulos (textos y sondios) del co-director Rolando Jara. Luego de un intervalo, Alina Folini, una de las organizadoras del encuentro, presentó Supervivencia, pieza performática que hizo uso de la repetición Florencia Bergallo con múltiples personalidades Alina Folini sobreviviendo al espacio Fotos . gentileza de la producción

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y el desgaste físico, en un intento permanente de permanecer en el espacio. Las caídas y las respiraciones fueron cerradas en secuencias de movimientos que parecían coreografiadas. La intérprete y directora logró entrar en un estado agobiante, pero al cual volvía acudir, en busca de una libre interpretación del público.

Este tipo de trabajos en proceso y de corta duración continuaron presentándose a lo largo del encuentro, con Eso Que es la Cosa de Bárbara Hang y Ana Laura Lozza y la obra brasileña Repito, de Bernardo Stumpf.

El segundo día, se presentó y resaltó Lejos dirigida por Marina Sarmiento, que hizo uso de múltiples herramientas visuales para su composición, a cargo de la actriz Florencia Bergallo, que abordaba a nivel físico, y con la respiración como motor, múltiples identidades y el dolor que esto conlleva. Sarmiento explicó a Balletin Dance, por qué no eligió a una bailarina: “Me interesaba trabajar el registro físico del dolor y la identidad. Convoqué una actriz para la interpretación por el trabajo emocional del actor, que jugaba a favor de mi propuesta”. Para esta ocasión Lejos,

dejó de lado elementos de la puesta escénica (planta de luces y escenografía), para adaptarse al formato del encuentro. Más allá de estos detalles, el trabajo se destacó por su prolijidad e investigación bien lograda que se refulgió en escena, ofreciendo deseos de verlo con todo su montaje.

Algunos Mitos sobre el Cuerpo y otras Siutikerias de los chilenos Ignacio Vargas, Luis Moreno y Javier Muñoz, jugó con los contextos y los significados. El director e intérprete Moreno, elaboró discursos en escena en conjunto con proyecciones, textos y música, cambiando los significados constantemente, así, un partido de fútbol se convertía en poesía o en danza. Satirizó a la danza contemporánea, enfatizando mediante audios el no significado de sus movimientos: utilizó un pañuelo rojo por mero capricho, mantuvo al público activo inflando globos, explicando que esto transformaba su propuesta en una más contemporánea. Luego de un cambio en la música hizo que sus movimientos y secuencias pasaran del humor al drama. A nivel físico, el intérprete caía y luchaba contra la gravedad, se lanzaba y jugaba con su peso, pero todo ello quedaba en segundo plano debido al juego de contextos que fue sumamente efectivo y mantuvo atentos a los espectadores.

UN ENCUENTRO CERRADO Arqueologías del Futuro reunió a bailarines, performers y artistas de Chile, Uruguay, México, Brasil y Argentina, en busca de profundizar los procesos de pensamiento y creación en la danza contemporánea, desde una mirada estético-política, para crear y accionar.

Este encuentro nació de una necesidad colectiva por contar con un espacio para investigar. Alina Folini y Gimena Lescano, organizadoras del evento, comentaron a Balletin Dance “Hay un grupo de artistas que nos alineamos en búsquedas de espacios para compartir procesos de pensamiento, investigaciones y dudas”. Si bien existen ámbitos de reflexión en la ciudad, Arqueologías del Futuro propuso seminarios en los que estas investigaciones y procesos de creación individuales fueron compartidos con los participantes: “Fue un acto excavativo, para pensar y ver hacia dónde vamos”.

Es por esto, que el encuentro se presentó puertas adentro para la comunidad de la danza. No fue pensado como un espacio para exponer las obras al público, si no como un espacio para quienes tuviesen necesidades en común sobre investigación y accionar de la danza. Aun así las performances y seminarios tuvieron una convocatoria amplia, con la participación de estudiantes, artistas y no artistas. El encuentro auto-gestionado, demostró capacidad de organización para un festival con una mirada diferente al resto, que pretende crear redes de comunicación y acción, con consecuencias materiales e intensiones de repetirlo anualmente.

Es de esperar que en el futuro abra sus puertas a toda la comunidad para compartir procesos, experiencias, obras y acciones.__BD

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Por Román Ghilotti

Ese Pequeño Gradiente Emocional

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La emoción, que a veces gobierna y otras desgobierna opciones y decisiones, es el empuje más importante para actos y acciones, que terminan siendo casi siempre resultado o efecto de lo emocional En El Portón de Sánchez terminó su temporada 2014 La Wagner, espectáculo dirigido por Pablo Rotemberg e interpretado por Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rimola.

“La fórmula de Wagner es la de un drama que no se basa en acciones, sino en reacciones. Sus personajes sólo son sujetos respecto al sentimiento; respecto a la acción, siempre son objetos”, es la cita del filósofo inglés Bryan Magee que se incluía en el programa de mano. Esta cita brinda no sólo un marco sólido para recibir La Wagner sino que, además, puede tomarse como tesis que se afirma en el espectáculo mismo.

Magee recalca el aspecto central en las óperas de Richard Wagner en lo que hace a su manera de presentar el decurso por medio de sus personajes: no se trata tanto de sus peripecias, contenidas en argumentos de fuerte impronta mítica, sino de ofrecer estados y variaciones de éstos en términos de respuesta o reacciones a los acontecimientos, respuestas y reacciones eminentemente emocionales. El asesinato, la venganza, el miedo, el deseo, el goce, el sexo, factores con mucho de

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tanático, erótico y violento, son los ingredientes que acontecen a los personajes, quienes los padecen entre disfrutes y pecados, entre glorias y caídas.

Rotemberg seleccionó algunos momentos musicales del alemán, sin canto, y, micrófono mediante, directamente a público, hizo introducir por las intérpretes de qué parte de qué obra, luego, de qué héroe, se trataba en cada caso. Así se sucedieron, en función, momentos de Parsifal, Sigfrido, Lohengrin, Tristán e Isolda, La Walkiria, matizados por un par de tramos pop. El primero para que entren a escena las intérpretes, desde detrás de las butacas, con vestuario sintético: borceguíes, rodilleras, vendajes en brazos o muñecas o piernas. Y después, con las partes que se sucedieron, con Wagner como propuesta sonora, las acciones, o, más exactamente, y como se sugería desde el programa de mano, las reacciones desde sesgos emotivos, pequeños, sólo aspectos pero insistidos.

Fundamentalmente, actos de fuerza, pequeñas secuencias de movimientos, dinámicas que llegaban a lo frenético, repeticiones extendidas, rítmicas marcadas y pertinaces, caídas, golpes, crescendo potentes, todo de un fisicalismo dominante.

La obstinación de lo repetitivo en La Wagner, especialmente marca y enmarca construcciones corporales que aluden o remiten a efectos de presencia y poder a la manera de dar cuenta de lo guerrero (después, o antes, de todo, los personajes heroicos de Wagner asumen su heroicidad por la lucha y la muerte). Pero, un distanciamiento que puede caracterizarse de irónico, sin por esto humorista, respecto del universo wagneriano,

insta a comprender una relectura crítica, que actualiza el mecanismo: los motivos que se repiten se presentan, indistintamente, en las cuatro intérpretes, a veces en todas, a veces en tres o dos o una. A la inversa del leitmotiv wagneriano, que introduce una característica de un personaje, aquí estos motivos introducen una zona de reacción, una respuesta corporal, que en la misma desnudez expuesta pareciera volverse andrógina. Hasta, incluso, da lugar a pensar el trabajo como un dispositivo o una maquinaria que expone estas reacciones: pasos por la furia, la ira, el miedo, la angustia, el placer, la lujuria, el arrebato. En esta tesitura irónica, el momento de mayor distanciamiento lo constituye en bautizado La violación de Carla Rimola que, como es obvio, no es algo tomado de Wagner.

En esta “violación” se ponen en juego múltiples aspectos de esa máquina de reacciones emocionales, en principio sí tomada de Wagner, pero también, como síntesis de cierta manera de considerar las relaciones humanas recíprocas (muchas hoy aún no tan distintas de las del compositor y su época). El otro, la otra: objeto que redunda en parte de mi reacción sobre la emoción que me acontece. La “violación” tiene todos los ingredientes de una violación, esa usurpación absoluta de alguien. De usurpaciones tales trataba Wagner (por ello tan fácilmente utilizable por fascismos).

Además de esto, el final de la obra intenta una limpieza hacia la pureza, entendida como simple presentación de quiénes están ahí, personajes-personas en su inmediatez: simplemente las bailarinas se desnudan y avanzan lento, muy lento, hacia el frente.

La Wagner, con cuatro intérpretes de excelentes desarrollos en movimiento, asumiendo riesgos kinéticos arduos que sostuvieron sin errores ni maltratos (siendo que el maltrato aparente es lo dominante en la ficcionalidad del espectáculo), y con una concepción y dirección clara, sólida y que, con pocos elementos y recursos buceó hacia lo profundo de su sentido, dejó nítidamente expuesto lo que comunicó: la ausencia de todo otro rasgo salvo una marca emotiva, dominante, en alguno o todos los actos que se hagan nos pone en términos de objetos a los unos con los otros o, lo que es equivalente, los horizontes de intercambio se cierran y niegan sumidos en lo emocional, lo que es frecuente. __BD

Rumbo a la pureza-desnudez final Foto . José Miguel Carrasco ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 57

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A través del 2 x 4

Fernanda Ghi y Alfredo Minetti presentan Identidad, en gira, durante dos meses en China “Pasaron tantas cosas increíbles en estos años... -asegura a Balletin Dance Fernanda Ghi desde China, donde la conexión a internet no es nada sencilla “especialmente no funciona Google ni Facebook”. Una de esas maravillas, ha sido la creación de “este hermoso proyecto que es This Is Tango Now, una propuesta en colaboración con el músico y antropólogo Alfredo Minetti y con el que nos presentaremos por dos meses en China, con la producción que llamamos Identidad”.

La compañía se creó en 2011 de manera experimental y de investigación “y hace dos años que realmente comenzó a funcionar.

Ahora está empezando a abrir un mercado diferente. La propuesta es utilizar el tango como medio de expresión pero sin hablar del tango, ni de los estereotipos tradicionales que suelen verse en los espectáculos de tango”. Integrada por los bailarines Fer-

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Fernanda Ghi y Guillermo Merlo en Identidad Foto . gentileza de la producción

nanda Ghi y Guillermo Merlo, Tomás Galván y Gimena Herrera, George y Jairelbhi Furlong, junto a los músicos que conforman un cuarteto bajo la dirección de Alfredo Minetti, con algunas músicas exclusivas de Ricahar Scofano (bandoneón), Victoria Moreira (violín) y Mark Sonksen (bajo). “Un grupo excelente y súper variado, que crea un color único en este espectáculo” asegura la bailarina y directora. “Estaremos en más de treinta ciudades, los teatros... son todos gigantes y sorprendentemente nuevos. La mayoría fueron construidos por el gobierno. Y tenemos planes de regresar con un nuevo espectáculo el año próximo”.

Para finalizar el intercambio de mensajes, Ghi envió un mensaje personal a esta revista: “gracias por estar siempre apoyando a los artistas, son uno de los pocos medios de difusión que lo hacen.

Gracias y feliz año”. __BD

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El Ballet Bajo la Lupa Por Agustina Llumá Fotos de Alicia Sanguinetti En esta segunda entrega de la vigésimo cuarta edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana, celebrada del 28 de octubre al 7 de noviembre, los grandes clásicos del repertorio del Ballet Nacional de Cuba Ofrecido en conmemoración del 450º aniversario del natalicio de William Shakespeare, bajo el lema “Por Shakespeare, la danza”, este festival incluyó -como es habitual- propuestas para todos los gustos. Desde los hiper-clásicos ballets del repertorio tradicional en reposición de Alicia Alonso (léase: completos, cuasi originales, sin las modificaciones de síntesis y extracción a las que se ven sometidos en la actualidad) hasta creaciones realizadas para ser estrenadas en esos días caribeños (ver la primera entrega de esta crónica, publicada en Balletin Dance Nº238, diciembre de 2014).

Más de veinticinco países fueron representados en el Festival Internacional de Ballet de La Habana en 2014, junto al anfitrión: el Ballet Nacional de Cuba.

LOS CLÁSICOS DE BNC El Ballet Nacional de Cuba dio cuenta, nuevamente, del detallista trabajo de sus repositores, que se descubre en el cuidado especial para conservar el etilo particular de cada uno de los clásicos, en las versiones de su directora, la Prima Ballerina Alicia Alonso. Versiones integrales, sin cortes, en los que coreografía y música han sido creados simultáneamente, con cantidad de gestualidades en escenas pantomímicas que han desaparecido en las puestas actuales y que sin embargo ofrecen (y mucho) a las narraciones. Es tan agradable recordar aquello de que a cada nota musical corresponde un ademán en particular…

Jamás se ve un port de bras o una cabeza de El Lago de los Cisnes en La Bella Durmiente, ni de Giselle en Les Sylphides. Myrta no se escapa por segundos en El Cascanueces, ni Espartaco coquetea con Kitri. Las escenas de conjunto son precisas, las formaciones se mantienen simétricas, con exactas diagonales, filas y líneas, con cada bailarina separada a la misma distancia una de otra, como si hubiesen sido colocadas en el escenario con un mágico medidor invisible. Esa unificación en poses, pausas y movimientos, las transforman en calcos salidos del mismo molde, como esparcidos a través de un fractal (aunque cuenten con diferencias físicas entre ellas).

En todos los casos los bailarines cubanos actúan. La técnica va más allá de cualquier comentario, son prolijos, marcan claramente los comienzos y finales de cada paso, giran (en cantidad, con diferentes velocidades y “accesorios”), saltan (se suspenden en el aire con esponjosos demi-pliés), elevan las piernas (cada generación un poco más), estiran los pies (mientras más jóvenes más), utilizan las manos expresivamente. Pero lo mejor, es que encarnan a los personajes haciéndolos propios, únicos, diferentes, los mantienen durante toda la obra, se “creen” el personaje (y lo transmiten a la audiencia), interactúan entre ellos en un juego dramático envidiable, se divierten.

El Ballet Nacional de Cuba mostró en este festival El Lago de los Cisnes (con excelente vestuario de Francis Montesinos) encarnado por diferentes bailarines en un colmado Teatro Karl Marx (el mayor de la isla, con capacidad para más de 5500 espectadores).

Mal acompañados por la orquesta Sinfónica Nacional, indomable, bajo la batuta del experimentado Giovanni Duarte.

Viengsay Valdés con el ucraniano Iván Putrov fueron el primer reparto. Él con excelente phisique du rol para el príncipe Sigfrido, elegante, de intervenciones solistas súper interesantes, logró interactuar amenamente con el cuerpo de baile y con su compañera, aunque sin manejarla correctamente. Ella conservó la atención del público en toda la noche, con esa seguridad que la caracteriza luego de una extensa carrera profesional. Valdés hizo alarde de sus giros y equilibrios sin exageraciones, con aquella irónica variación de Cisne Negro (tradicional cubana) que tan bien le sienta. Se destacaron Serafín Castro como bufón, con buena caracterización y formidables saltos, en el primer acto también se lucieron Dayesi Torriente, Estheysis Menéndez y Luis

Cuerpo de baile del BNC: impecable ENERO-FEBRERO 2015 // BALLETIN DANCE / 59

Viengsay Valdés hipnotiza a Iván Putrov en Cisne Negro

Valle en el pas de trois, en el segundo acto los cuatro pequeños cisnes (que se repitieron en todas las funciones) con pareja exactitud: Amanda Fuentes, Mercedes Piedra, Massiel Alonso y Mayrel Martínez, y en el tercer acto Grettel Morejón encantó con su danza española junto a Camilo Ramos.

Yolanda Correa con Joel Carreño tuvieron a su cargo la segunda noche de El Lago… cubanos con años de residencia en el Ballet Nacional de Noruega, ambos descollaron en el pas de deux del segundo acto. Etérea y delicada ella, caballero y con buen porte, él fue un Sigfrido más sumiso. Esta noche los seis cisnes solistas impresionaron con altísimos arabesques, encabezados por Aymara Vasallo e Ivis Díaz. Julio Blanes como bufón mostró cabalmente lo que la técnica cubana es capaz de lograr: saltos y giros sin igual.

La última función de El Lago… estuvo protagonizada por Sadaise Arencibia (de regreso en el escenario luego de una lesión) y José Losada. De excelente técnica esta pareja fue la menos angelada, ella realizó ciertas muecas con la boca que deslucen la interpretación (que estuvieron “de moda” hace un tiempo, y se realizan al finalizar un paso complicado, por ejemplo). Odile estuvo a cargo de Amaya Rodríguez, quien junto a Losada se lucieron en el pas de deux del Cisne Negro, ambos con variaciones impecables.

El pas de trois del primer acto encarnado por Lissi Báez, Ginett Moncho y Arián Molina, fue magnífico, nuevas generaciones con más condiciones (aún) y técnica desbordante.

La Bella Durmiente del Bosque se realizó en la helada Sala Avellaneda del Teatro Nacional (con capacidad para más de 2200 personas) protagonizada por Viengasy Valdés y Víctor Estévez la primera noche, y Yanela Piñera con Arián Molina la segunda.

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Giovanni Duarte dirigió a la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de la Habana con mejor resultado.

Con su larguísimo prólogo y sus tres actos, esta versión completa tiene algo más de sentido y significado. Son siete hadas,

Yolanda Correa se deslizó sobre la escena junto a Joel Carreño

Amaya Rodríguez y José Losada, impecables variaciones de Cisne Negro

todas con nombres de flores, más Carabosse, cada una con su variación al momento de ofrecer sus atributos a la beba Aurora.

Todas ellas de impecable performance las dos noches (Menéndez angelical, Báez de bellos port de bras, Torriente con altos saltos en puntas, Jessie Dominguez con seguridad, Regina Hernández con magnífico arabesque final; en el segundo reparto Ginett Moncho prolijísima, Menéndez con lindos pas de bourée couru). El Hada de las Lilas, fue agradablemente encarnada por

Menéndez y Torriente alternadamente, la primera de suave armonía, la segunda de larguísimas líneas.

Valdés se destacó con el Adagio de la Rosa que fue impresionante (con su equilibrio se puede dar ciertos lujos) y la experiencia escénica, mientras que a Piñera con mayores condiciones físicas, pero aún en el inicio de su carrera, la faltó consolidar algunos aspectos del personaje.

Giselle. No podía faltar al menos una representación de Giselle a cargo del Ballet Nacional de Cuba con aquella versión que tanto los identifica. Los roles protagónicos estuvieron a cargo de Anette Delgado y Dani Hernández, dos prototipos para el ballet romántico. También en la Sala Avellaneda, la orquesta Sinfónica del Gran Teatro fue dirigida por Duarte.

El primer acto antecede argumentalmente en forma completa lo que sucederá después, las escenas grupales son sumamente precisas, con unísonos sorprendentes. La vendimia, el relato de la madre, la llegada de la corte para la cacería, los aldeanos, Hilarión. Delgado fue terrenal e ingenua en el primer acto, su variación estuvo preciosa, manteniendo siempre el personaje. En la escena de la locura, larga por cierto, va in crescendo, desequilibrándose más paso a paso, con mezcla de recuerdos, de leyendas y de futuro, acompañada muy de cerca (casi tocándola) por el cuerpo de baile, como si se tratara de una masa corpórea, que ya comprendió lo inevitable.

Viengsay Valdés, impresionante en el Adagio de la Rosa

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Anette Delgado y Dani Hernánez, románticos Anette Delgado y Dani Hernánez, Julieta y Romeo

En el segundo acto, el blanco, con luciérnagas que anteceden la llegada de las willis (que tienen ciertos detalles fluorecentes en su tutús), esos espectros malévolos que logran impresionar a cualquier audiencia. Y esa noche fueron de temer. Realmente impacta este acto interpretado por el BNC. Amaya Rodríguez fue una contundente Myrta, bien secundada por Moyna (Menéndez) y Zulma (Torriente). Saltos en gran altura y energía sin salirse del etilo romántico, altas posiciones de piernas y torsos fuera de eje manteniendo las curvaturas de brazos en círculos casi perfectos, las baterías de cruce y de choque como si de colibríes se tratara. Las maravillas de la técnica actual al servicio del período romántico, las willis no caminan, flotan en el aire (magníficos pas de bourées courus).

Hernández por su parte encarnó dignamente al Duque de Silesia con sus doce entrechat six en cámara lenta y altísimos.

También hubo lugar para la versión de Romeo y Julieta de Alicia Alonso, que se presentó en la Gala de apertura en concordancia con el leimotiv de la edición 2014 del Festival. Luego del desfile inaugural (miles de futuros bailarines) que contó con la presencia de Miguel Mario Díaz-Canel Bermúdez -vicepresidente de la República-, Homero Acosta -Secretario del Consejo de Estado- y el poeta Miguel Barnet Laza - presidente de la Unión de Escritores-, Rubier García -presidente de la Asociación Hermanos Saiz, que nuclea a los más jóvenes escritores y artistas del país- ofreció las palabras de bienvenida el mismo día en que el BNC celebraba sus 66 años de fundado (28/10/48).

Shakespeare y sus Máscaras, con el magistral vestuario de Pedro Moreno, e interesante escenografía de Ricardo Reymena (que permite la diferenciación de cada escena), se mostró en el Marx con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Giovanni Duarte (partituras de Charles Gounod con adaptaciones de Juan Piñera).

Protagonizado por Anette Delgado y Dani Hernández, caluro-

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sos amantes adolescentes, el sigue linealmente el texto original.

Con excelentes interpretaciones de todos los solistas/protagonistas. El propio Shakespeare (Arián Molina), es el maestro de ceremonia, un vendedor de sueños veneciano respaldado por sus máscaras, símbolos de valores y pasiones, que en todo momento anticipará la tragedia. Serafín Castro fue Mercucio, Alfredo Ibáñez fue Benvolio, Jessie Domínguez fue una convincente nodriza.

Tula se ofreció en conmemoración del bicentenario del natalicio de Gertrudis Gómez de Avellaneda, “como escritora y como ser humano, es una de las más subyugantes personalidades femeninas del siglo XIX y constituye una gloria que compartimos los cubanos, y los españoles” señala Alicia Alonso con respecto a su obra homenaje.

La coreografía de 1988, recorre la vida de la propia “Tula Avellaneda” a través de los personajes de sus textos teatrales, con todo aquello que los cubanos aman ver: giros, saltos, baterías, elevación de piernas. Todo es una buena excusa para que cada pareja despliegue proezas técnicas sobre el escenario, sobre la base de creativas partituras de Juan Piñera.

Se recupera el drama, la comedia y la tragedia, desde su debut hasta su consagración. La sucesión de cuadros ambientados en diversas épocas y geografías (que incluye a Baltasar en Babilonia), parece inconexa. Cada escena es una historia en sí misma, que se hilvana por la irrupción de Amaya Rodríguez (Tula) junto a Víctor Estevez, con destaque de cantidad de solistas en ascenso.

Por último el BNC ofreció La Magia de la Danza, un compilado con lo mejor de los clásicos, que unidos confirman un programa ideal para el amante de las galas, revelan el etilo de cada obra y sintetizan su espíritu con extractos de cuerpo de baile que ofician de presentación antecediendo a los pas de deux más brillantes. Se hicieron dos funciones con diferente elenco en el Marx.

Esta cronista asistió el 31 de octubre, función que se ofreció en homenaje a Iván Tenorio, fallecido la noche anterior. Giselle fue encarnado por Sadaise Arencibia y Víctor Estevez, con escenas del segundo acto, ella extremadamente sólida y él correcto, en

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perfecto etilo. Siguió La Bella Durmiente, con Anette Delgado y Javier Torres (cubano residente del Northen Ballet del Reino Unido) un excelente partenaire para el lucimiento de la bailarina. Juntos hicieron arriesgados “trucos” como alcanzar una velocidad descomunal en las piruetas de cintura. El con sólida ejecución, sostenido, cuidado, tranquilo y extremadamente musical.

Cascanueces fue encarado por Lissi Baez y Ginett Moncho en el Vals de las Flores con Amaya Rodríguez (Hada Garrapiñada) y José Losada (como su caballero), ella encandiló con sus piruetas, si bien faltó conexión entre ambos, el dúo finalizó explosivamente, con un tremendo manege masculino junto a las pirouettes femeninas.

Luego de un intervalo llegó el turno de Coppelia, a cargo de Grettel Morejón y Rodrigo Almarales (Ballet de Cincinatti) junto a veinte bailarines de cuerpo de baile. Representantes de la nueva generación que va superando a las anteriores en capacidades físicas, técnica e interpretación artística. A pesar de enfrentarse con algunas dificultades en el trabajo de partenaire, fueron una dupla musical, fresca y jovial. En sus saltos, él voló quedándose suspendido en el aire, mientras que ella alcanzó una velocidad impactante en la última diagonal de balloté en relevé. Fue una estupenda pareja.

Don Quijote fue protagonizada por Valdés y Brooklyn Mack (del Washington Ballet) con hermoso telón de Frank Alvarez. Con una buena presentación de los toreros, la pareja coqueteó en escena. Él, de un negro profundo, giró descomunalmente (gran velocidad, subiendo y bajando el talón, con cantidad de giros en cada impulso, con momentos de intencionados torsos fuera de eje), con buen salto, extraños maneges y atractivo arabesque. Ella, por su parte, se divirtió, jugó a seducir al público que le respondió en cada ademán creando un intercambio lleno de energía. Su equilibrio es realmente llamativo, puro, lo que le permite también jugotear con los fouettes de la coda (rápidos, prolijos, triples, simples)… la audiencia fascinada.

Siguió El Lago de los Cisnes por cuenta de Estheysis Menéndez y Dani Hernández, con la particularidad del movimiento de manos empleado en esta obra por la escuela cubana de ballet, él se vio algo desganado mientras que ella tiene aún mucho por aprender. Para el cierre de la noche, un saludo coreografiado, en el que aparecen los treinta y dos bailarines de cuerpo de baile en escena, junto a los solistas y primeros bailarines, breve y contundente. __BD

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El Final de Bonheur Por Laura Lago El Lido de París, célebre cabaret parisino del que formé parte por más de una década, cierra sus puertas para dedicarse a la creación de su nuevo espectáculo. Épocas de grandes cambios se aproximan, la nueva revista será creada por Franco Dragone, director de los primeros diez espectáculos del Cirque du Soleil, antes de formar su propia compañía en el año 2000 Algunos quisieran que Bonheur no terminara nunca y otros están ansiosos por el avenir. Ánimos encontrados entre mis amigos, colegas bailarines, técnicos y diseñadores del Lido de París por los cambios que se avecinan. Hoy se viven sus últimos instantes, mezcla rara de tristeza y excitación. Hoy, 2 de diciembre, Bonheur baja su telón por última vez.

Digna representante de la revista parisina, bailarina solista y meneuse de revue hasta 2011, el Lido sigue siendo mi casa y así fui recibida por todos, con el mismo calor de siempre y mucho más amor aún para concretar la misión de capturar a través de

la lente, los últimos instantes de aquel espectáculo. Estas fotos reflejan la complicidad y confianza de los artistas, la cercanía y la experiencia vivida años atrás, se hizo presente nuevamente como por arte de magia.

La revista Bonheur fue concebida por Pierre Rambert, digno sucesor de Miss Bluebelle en la responsabilidad de la dirección artística desde 1999. “Una mujer alada llega sobre una nube de plumas a un lugar donde la felicidad (bonheur) no existe. Ella la descubrirá a través de cuatro universos: la mujer, Paris, India y el cine. Felicidad de ser una mujer fatal, una seductora, una romántica, una enamorada, una mujer flor... La felicidad de ser parte de París, la felicidad lejana en India, la felicidad en el mágico mundo del cine”.

La música está firmada por el compositor Jean-Claude Petit, setenta músicos, coristas y cien horas de estudio fueron necesarias para las grabaciones. La escenografía cuenta con veintitrés decorados diferentes (desde una pista de hielo, una escalera de 5 metros, hasta una cortina de lluvia). El vestuario (seiscientos trajes) costó tres millones de euros y fue creado por Edwin Piekny, ex bailarín del Lido con realización de la legendaria Minie Barral Vergès, especialmente concebido para envolver a cada artista en el lujo y el glamour.

Cuarenta y ocho bailarinas (Bluebelles), dieciocho bailarines, una bailarina solista, una cantante meneuse de revue, cuatro atracciones, dos patinadores de hielo, un caballo y sus dos jinetes, veinticinco vestidoras, cuarenta y dos técnicos maquinistas... En resumen: cuatrocientas personas en total trabajaron cada día para dar vida y alma a las 7303 representaciones durante once años.

Para el nuevo espectáculo habrá que esperar hasta abril de 2015.

Todo es un gran misterio, hasta el nombre que llevará. Por el momento se refieren a ella como R27 (es el espectáculo número 27).

Sin embargo quien escribe pudo averiguar que una nueva “Bluebelle girl” se anuncia de la mano de la nueva dirección, que promete jugar con las nuevas tecnologías, respetando los códigos del prestigioso cabaret, sus plumas y vestuarios de excepción.

Los nuevos propietarios del Lido, el grupo Sodexo invertirá 25 millones de euros en su próxima creación. Cuatrocientos artistas han audicionado en París, Londres, Berlín y Amsterdan, incluidos

Laura Lago, hace unos años, a punto de salir a escena Foto . Yann Buisson 64 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

El vestuario de Edwin Piekny costó tres millones de euros En la última función de Bonheur, los artistas se desataron, con cierta anarquía festiva sobre el escenario Fotos . Laura Lago

Cristina Reale quienes integraban Bonheur. Al término de difíciles pruebas y una larga espera se han dado a conocer los nombres de aquellos que continuarán la aventura, los que se ven obligados a cambiar de rumbo y también los que se despiden para siempre del escenario.

La coreografía estará a cargo de Benoit Swan Pouffer, nominado a los premio Fred Astaire 2011, el vestuario será firmado por Nicolas Vaudelet, la escenografía es de Jean Rabasse y la música compuesta por Yvan Casar.

Cuatro meses de espera en los que el Lido cierra sus puertas para embellecerse, crear y volver a deslumbrar a los más de dos mil espectadores que llenan cada noche su sala. __BD

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66 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

AUDICIONES Alemania. El Ballett im Revier Gelsenkirchen dirigido por Bridget Breiner busca bailarines/as con experiencia y solida técnica clásica para su próxima temporada. Se requiere una altura mínima de 160 m para mujeres, y de 1.78 para varones. La audición (solamente por invitación) se realizará el 25 de enero de 2015 y la inscripción cierra el 16 de enero.

Los interesados deberán enviar Cv, retrato y un link a un video en internet, a: audition@ballett-im-revier.de.

Alemania. Tanztheater Wuppertal de Pina Bausch. Seleccionará bailarines/as con experiencia, para la temporada 2015/2016. La audición consistirá en una clase de ballet y movimientos coreográficos del repertorio de la compañía, los días viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de marzo (deben estar los tres días). Cierre de inscripción: 31 de enero de 2015. Enviar solicitud completa (Cv, retrato, nombre y apellido, fecha de nacimiento, sexo, estudios de danza y experiencia profesional, dirección postal, teléfono y dirección de correo electrónico. No incluir videos), a: Tanztheater Wuppertal Pina Bausch GmbH , Re AUDITION, Kurt-Drees Straße 4, 42283, Wuppertal, Germany. Se entregará certificado de asistencia. http://www.pina-bausch.de/start.php.

Alemania. La Delattre Dance Company dirigida por Stéphen Delattre busca bailarines/as profesionales motivados y dedicados, con sólidas técnicas clásica (puntas para mujeres), contemporánea, experiencia escénica y facilidad para la improvisación para integrar su elenco en la temporada 2015/2016. Los interesados en participar de la audición (el 7 de marzo en Mainz) deberán enviar ante del 15 de febrero, Cv, con foto de cuerpo entero (de baile) y links a videos en internet, a: audition@delattredance.com. Informes en internet: delattredance.com.

Alemania. El Ballet Magdeburg dirigido por Gonzalo Galguera, seleccionará bailarines/as solistas y cuerpo de baile, para la temporada 2015/2016 con excelente técnica clásica. El elenco trabaja un lenguaje neoclásico fusionado con danza contemporánea. La audición (sólo por invitación) será el 8 de febrero. La inscripción se realiza enviando Cv con dos fotos a: martina.soltschik@theater.magdeburg.de, antes del 13 de enero.

Alemania. El Bavarian State Ballet I y II (compañía Junior) bajo la dirección de Ivan Liska, seleccionará bailarines de sólida técnica clásica.

Los postulantes deberán tener una altura mínima de 1.65 m las mujeres, y 1.80 m los varones. Enviar Cv indicando altura, fecha de nacimiento, con una foto de cuerpo entero (con malla de danza) y un retrato, a: Nationaltheater Stage Entrance Maximilianstrasse, München. Contacto: Bettina Kräutler, E-mail: audition@staatsoper.de. La audición se realizará el 22 de febrero y será solamente por invitación.

Alemania. El Ballett Hagen dirigido por Ricardo Fernando busca bailarines/as profesionales para la próxima temporada 2015/2016, con sólidas técnicas clásica y contemporánea y facilidades para la improvisación. La audición será únicamente por invitación y quienes quieran participar deberán enviar Cv, fotos y links a videos en internet , a: auditionricardofernando@aol.com, antes del 31 de enero de 2015.

Alemania. El Semperoper Ballett dirigido por Aaron S. Watkin seleccionará bailarines para su temporada 2015/16: solistas masculinos altos (1.85 de altura mínima), mujeres para cuerpo de baile y ambos sexos como aprendices. La clase de la audición será únicamente por invitación entre enero y marzo de 2015. Cierre de inscripción: 20 de enero. Enviar Cv resumido, con fotos (cuerpo entero y retrato), a: Christina Zimmermann, christina.zimmermann@semperoper.de.

Alemania. El ballet del Teatro de Eisenach busca bailarines/as con fuerte técnicas clásica y contemporánea para la temporada 2015/2016.

Los interesados en participar de la audición el 9 de febrero deberán enviar sus solicitudes a Ballet Teatro Plaza 4.7, 99817 Eisenach, E-mail: aplucis@theater-eisenach.de.

Escocia. El Scottish Dance Theatre dirigido por Fleur Darkin seleccionará bailarines/as creativos y versátiles con tres años de experiencia profesional. Los candidatos deberán poseer sólida técnica en ballet,

balletin informativo contemporáneo, improvisación y trabajo de contact sumado a una alta calidad escénica. Se ofrecen contratos full time desde el verano de 2015.

La inscripción se realiza on-line, hasta el 21 de febrero: www.scottishdancetheatre.com/opportunities.

España. Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid seleccionará bailarines/as solistas mayores de 20 años, el próximo 28 de febrero en los Teatros del Canal de Madrid (C/Cea Bermúdez, 1). Los interesados deben enviar Cv, fotos y video a: info@victorullateballet.com.

Estados Unidos. El Washington Ballet seleccionará bailarines para sus dos compañías (Washington Ballet y The Washington Ballet Studio Company), para su próxima temporada que incluye coreografías de repertorio del siglo XIX y obras de Balanchine, Tharp, Wheeldon, Duato, McIntyre, Kylián y Van Manen, entre otros. Se realizarán diferentes audiciones en la sede de la compañía (15 de febrero y 29 de marzo): The Washington Ballet Studios, 3515 Wisconsin Ave, NW Washington, DC 20016, USA. Y en Nueva York, (15 de marzo) en la School of American Ballet, 70 Lincoln Center Plaza, New York, NY 10023.

Estados Unidos. El San Francisco Ballet dirigido por Helgi Tomasson seleccionará primeros bailarines varones con experiencia profesional y entrenamiento clásico. Los interesados deberán medir 1.82 m como mínimo. Enviar Cv, fotos y video a: Auditions@sfballet.org.

Portugal. El Kayzer Ballet de Covilhã dirigido por Ricardo Runa seleccionará bailarines/as de 17 a 26 años, para la temporada 2015 / 2016, con sólidas técnicas clásica y contemporánea. Cierre de inscripción: 14 de febrero de 2015. Informes: kayzerballet@gmail.com.

Reino Unido. El New English Ballet Theatre tomará audiciones (sólo por invitación) para bailarines/as de 18 a 28 años, con sólida técnica clásica y habilidades para trabajo de partenaire, el 8 de marzo de 2015.

Los contratos serán del 20 de abril al 31 de julio de 2015, con posibilidades de prórroga. La inscripción se realiza on-line en: www.nebt.co.uk, hasta el 31 de enero. Los postulantes deberán tener permiso de trabajo y residencia en el Reino Unido.

Reino Unido. El Northern Ballet dirigido por David Nixon seleccionará bailarines/as de mente abierta, creativos e imaginativos, con sólida técnica clásica (puntas para mujeres), buen trabajo de partenaire. Se realizarán audiciones privadas el 8 de febrero en Leeds. Para participar deberán enviar Cv completo (que incluya altura, peso, fecha de nacimiento y nacionalidad), fotos recientes de danza clásica y un DVD con trabajo de centro (puntas) en malla de baile (sin vestuarios), que muestre saltos, adage, pirouette y travelling combo, a: David Nixon OBE, Northern Ballet, Quarry Hill, Leeds LS2 7PA, antes del 24 de enero de 2015.

Info: info@northernballet.com.

Sibila

Reino Unido. Akram Khan Company seleccionará dos bailarines varones originarios de Asia del Sur para su espectáculo Chotto Desh, una adaptación de Desh de Akram Khan para público infantil. La audición se realizará en Londres del 11 al 13 de febrero y la inscripción cierra el 16 de enero de 2015. Contacto y postulaciones: auditions@akct.org.uk.

Informes: www.akct.org.uk.

República Checa. El Ballet of the National Theatre de Brno dirigido por Mário Radacovsky, seleccionará bailarines/as solistas y cuerpo de baile, para la temporada 2015/2016. Se requiere dominio de técnicas clásica y contemporánea y experiencia profesional. Cierre de inscripción: 23 de enero de 2015. E-mail: ndbaudition@email.cz.

Suiza. El Ballett Zürich busca bailarines solistas y principales para su próxima temporada. Se realizarán audiciones privadas solamente por invitación. Los interesados en participar deben enviar Cv con un retrato a: audition@opernhaus.ch.

Suiza. Los coreógrafos Laurence Yadi y Nicolas Cantillon buscan tres bailarines varones profesionales de danza contemporánea, con alto nivel de entrenamiento en ballet y danza contemporánea, y dos años de experiencia profesional como mínimo. El trabajo comenzará el 16 de marzo de 2015, con una gira programada a partir del 26 de marzo. La audición será los días 5 y 6 de febrero en Ginebra. Para postularse se debe enviar Cv, con fotos y videos, antes del 23 de enero de 2015, a: cv@cie7273.com.

BECAS Fondo Nacional de las Artes. Becas Nacionales. Dirigidas a artistas argentinos (o residentes en el país) para apoyar y promover programas de creación, investigación y perfeccionamiento. Se otorgarán hasta 84 becas de hasta $ 18.000. Las becas no contemplan la etapa de publicación de libros, CD, DVD ni videos. Cierre de inscripción: 31 de marzo de 2015. Formularios de inscripción on-line: http://fnartes.gov.ar.

España. Fundación Carolina. Programa de Formación: facilitar y promover la ampliación de estudios de licenciados universitarios, especialización y actualización de conocimientos de postgraduados, profesores, investigadores, artistas y profesionales procedentes de los países de América Latina miembros de la Comunidad Iberoamericana de Naciones y Portugal. Son seis modalidades de becas y en la convocatoria 20152016 se otorgarán 540 en total (323 becas de postgrado, 93 de doctorado y estancias cortas postdoctorales (cofinanciación), 29 de Movilidad de Profesores Brasileños, 15 becas de emprendimiento para licenciados con currículums sobresalientes, 50 para la Escuela Complutense de Verano para licenciados y 30 becas de Estudios institucionales en el área de la Política de Seguridad y Defensa). La solicitud de las becas se realiza on-line, excepto para las becas de doctorado, estancias cortas y de estudios institucionales puesto que las instituciones dan de alta a sus candidatos. Para acceder a nuestra convocatoria actual, entre en el siguiente enlace: www.fundacioncarolina.es.

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Italia. Dancewoods Festival 2015, Modena del 22 de junio al 5 de julio. Residencia y beca. Destinada a coreógrafos jóvenes, que estén trabajando en un nuevo proyecto. Se ofrecen dos semanas de monitoreo y entrenamiento para finalizarlo y estrenarlo en el marco del Festival. Cierre de inscripción: 1º de marzo. Para mayores informes escribir a info@dancewoodsfestival.com, o visitar el sitio de internet: http://www.dancewoodsfestival.com/call-for-DRaS2015.php.

CONCURSOS Certamen Nacional de Danza Julio Bocca 2015. 6º edición. Organiza: Consejo Argentino de la Danza (CAD). Nuevo: se dividirán las categorías en danza clásica y danza contemporánea. Destinado a jóvenes de 15 a 18 años, residentes en el país que podrán postularse en cualquiera de las dos modalidades o en ambas, con cuatro variaciones de cada una. Inscripción y participación gratuita. 1º ronda a través de videos (se deben enviar antes del 30 de junio), 2ª y 3ª Ronda: en vivo en el mes de septiembre en Capital Federal. Además habrá preselecciones en todo el país con una clase de técnica clásica y/o contemporánea que habilitará a los seleccionados a participar de la 2º ronda directamente.

El cronograma se irá actualizando en el sitio web del CAD donde además se encuentra el formulario de inscripción: www.consejoargentinodeladanza.com. Los premios incluyen diploma y estatuilla realizada por Antonio Pujia, beca de estudio en el American Ballet Theatre de Nueva York (pasaje aéreo, clases, alojamiento y estadía), beca de estudio por un año en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (alojamiento gratuito para premiados del interior del país), beca de estudio por un año en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (con alojamiento gratuito). Cronograma de preselección en las provincias: Bahía Blanca (sábado 21 de marzo), Rosario, Santa Fe (sábado 28), Mar del Plata (sábado 28), Tucumán (sábado 4 de abril), Salta (domingo 5), Resistencia, Chaco (sábado 11), Villa Carlos Paz, Córdoba (sábado 11), Mendoza (sábado 25), Neuquén (sábado 25).

Bienal Nacional de Arte 2015. Bahía Blanca, Argentina. Del 14 de agosto al 4 de octubre de 2015. Se seleccionarán cinco proyectos no adquisición, que serán financiados con $12.000 y conformarán los Premios de Selección de la BNA2015. La selección se realizará de forma mixta entre el jurado (Marcelo Marzoni, Virginia Agote, Diego Figueroa) y el público. Podrán concursar artistas con dos años de residencia en el territorio de la República Argentina, sin límite de edad, con proyectos de autoría individual o colectiva. Se aceptarán proyectos que incluyan uno o múltiples medios de representación de las más variadas disciplinas (dibujo, escultura, pintura, objeto, video, video- instalación, arte sonoro, instalación, obras interactivas, escénicas y performáticas o aquellos proyectos que resulten del cruce de las mismas). Inscripción hasta el 19 de marzo de 2015, en MBA-MAC de Bahía Blanca, Sarmiento 450, E-mail: info@bna2015.com.ar. Bases y requisitos de participación en: http://bienaldearte.bahiablanca.gov.ar.

Internet. 60secondsdance Online Competition. Concurso internacional de videodanza en internet de los Países Nórdicos. Organizan: ScreenMoves / Dansehallerne (Copenhague, Dinamarca), en colaboración con el Festival Nórdico Loikka Dance Film (FI) y el Festival ScreenDance (SE). La inscripción es gratuita y cierra el 1º de febrero. Informes: www.60secondsdance.com/competition.

Internet. Festival de Danza on-line SideBySide-net. Podrán presentarse coreógrafos profesionales, bailarines y artistas de video. La inscripción se realiza on-line, con un link a video en internet (youtube o vimeo) de cuatro minutos de duración máxima. Cierre de inscripción: 28 de febrero de 2015. Los artistas que reciban más votos del público recibirán una suma de 3.000 euros y serán invitados (y están obligados) a realizar un espectáculo completo en Düsseldorf (Alemania) en el verano de 2015. La organización reembolsará una suma de 1500 euros para gastos de viaje. Se encarece leer con atención las bases de participación en su sitio de internet: www.side-by-side.net.

CONVOCATORIAS El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas dirigido por Cecilia Vázquez, anuncia dos convocatorias para obras coreográficas. Los proyectos seleccionados (óperas primas o con puestas anteriores) formarán parte de la programación 2015, y recibirán un monto de dinero para producción. Sub 30 Danza: dirigido a coreógrafos menores de 30 años, podrán presentar dúos, tríos o grupales de hasta 15 minutos de duración. Solos Otra Vez: podrán participar coreógrafos/as sin límite de edad, con solos de hasta 10 minutos de duración. Las bases y condiciones se encontrarán disponibles a partir de febrero de 2015 en www.rojas.uba.ar.

Bienal de Arte Joven Buenos Aires. Para artistas de 18 a 32 años residentes en la Argentina.

Son ocho convocatorias en cuatro disciplinas (artes escénicas, artes visuales, artes audiovisuales y música). La inscripción se realiza del 1° de febrero al 8 de marzo, pero las bases completas y formularios de inscripción ya están disponibles en internet, en: http://buenosaires.gob.ar/labienal. Se podrá participar con producciones terminadas (estrenadas o no) o proyectos a desarrollar (teatro, danza, multidisciplinarias, y duplas dramaturgo-compositor para comedia musical, este último finaliza la inscripción el 18 de enero). Premios: para obras terminadas serán becas de formación que cubren la matrícula de la residencia, pasaje, alojamiento y viáticos (para los directores: Programa intensivo de formación para directores Directors Lab del Lincoln Center Theater de Nueva York

68 / BALLETIN DANCE // ENERO-FEBRERO 2015

balletin informativo 2016, para los dramaturgos: Seminario Internacional de dramaturgia Panorama Sur de Buenos Aires 2016, para los bailarines/coreógrafos: ImPulsTanz de Viena 2016). Para proyectos a desarrollar, los seleccionados accederán a financiación (hasta $ 80.000 para artes escénicas y hasta $ 120.000 para comedia musical), tutorías con Ana Alvarado, Alejandro Catalán, Andrea Garrote, Federico León, Gustavo Lesgart y/o Nelson Valente que acompañarán el proceso de creación (de mayo a agosto) y espacios donde ensayar y exhibir sus creaciones (estrenos programados en la Bienal del 8 al 13 de septiembre con una temporada de doce funciones hasta diciembre). El jurado de selección para artes escénicas estará integrado por Mariana Chaud, Roxana Grinstein, Federico Irazábal, Marcelo Mininno y Matías Feldman (selección de obra terminada, hasta 20 postulantes), Ana Frenkel y Daniel Veronese (premiación de obra terminada), Andrea Garrote, Nelson Valente, Alejandro Catalán, Federico León, Gustavo Lesgart y Ana Alvarado (selección de proyectos, hasta seis proyectos), Pablo Gorlero, Joaquín Bonet y Alejandro Casavalle (selección de comedia musical, hasta 10 duplas). Además todos los artistas seleccionados en la primera inscripción accederán al Campus Bienal en julio (programa de formación con diferentes creadores). Informes: labienal@buenosaires.gob.ar, Tel: 4344-5244.

Estados Unidos. Dance Camera West (DCW). 14º edición, mayo de 2015. Festival de videodanza de Los Ángeles. Mayo de 2015 en The Music Center, REDCAT, MOCA, The Getty Museum, LACMA, Hammer Museum y Grand Park. Podrán presentarse obras en cualquier estilo o género, este año se suma espectáculos en vivo, inscripción on-line, animación y el 2º CalArts Emerging Artists Competition @ Dance Camera West. Cierre de inscripción: 16 de enero de 2015. Informes en internet: www.dancecamerawest.org. Informes: festival@dancecamerawest.org.

INSCRIPCIONES La Escuela de Danzas Aída Victoria Mastrazzi del gobierno de la ciudad de Buenos Aires reanudará a partir del 18 de febrero, la inscripción a sus carreras de nivel medio, en turnos mañana y tarde. Enseñanza gratuita. Títulos oficiales. Las carreras son: Intérprete en danza clásica y contemporánea, e Intérprete en danzas folklóricas argentinas y tango.

Se puede cursar el bachillerato en el mismo establecimiento. Además, la Escuela cuenta con un Ballet Institucional, cursos de pre-iniciación a la danza para niños desde los 9 años de edad y cursos vocacionales en distintos barrios de la Ciudad de Buenos Aires, para niños, adolescentes y adultos. Informes: Esmeralda 285 (a 2 cuadras del Obelisco), Tel: 43262942/5478, E-mail: mastrazzi@yahoo.com.ar.

RESIDENCIAS Uruguay. Casarrodante, atelier de danza y creación de Montevideo convoca a jóvenes artistas del mundo de la danza, para crear y producir cinco piezas de danza contemporánea (3 solos y 2 grupales). Cierre de inscripción: 17 de febrero. Los proyectos seleccionados contarán con 60 horas de ensayos en las instalaciones de Casarodante, apoyo técnico, ensayos abiertos, espacios de exhibición, equipo de producción para el período de creación, difusión y clases de entrenamiento técnico. Los interesados en postularse deberán enviar un mail a: danzaycreacion@casarrodante.com, con el asunto “Convocatoria Jóvenes Creadores”.

Francia. Becas para residencias de la Fundación Camargo de Cassis, para artistas de todas las disciplinas (incluye coreografía y artes escénicas). Las residencias podrán ser en el otoño de 2015 o en la primavera de 2016, por un lapso de cuatro a once semanas. La beca incluye alojamiento en departamentos privados con concina en el Campus de la Fundación (frente al mar y al puerto de Cassis), U$S 600 por mes, cobertura de los gastos de viaje básicas hacia y desde Cassis (cónyuges y niños mayores de seis años son bienvenidos). Se requiere dominio del idioma inglés. Para postularse y recibir mayores informes se recomienda consultar el sitio de internet: www.camargofoundation.org/toapply.asp, E-mail: apply@camargofoundation.org.

Suecia. Residencia Gotland Film Lab, diseñado para que escritores profesionales, guionistas, directores, documentalistas, compositores, ingenieros de sonido, fotógrafos y artistas puedan crear un laboratorio en el que colaboren y realicen proyectos interdisciplinarios con el fin de explorar un lenguaje común. Organizado en colaboración con Baltic Art Center, el Centro Báltico de Escritores y Traductores, el Estate Bergamn de Fårö, Film en Gotlan, el Estudio Cinematográfico de Kustateljén en Fårösund y el Visby International Centre de compositores. La residencia incluye una estancia de dos semanas en la isla sueca de Gotland, una beca de 20.000 coronas suecas (U$S 2100) para artistas individuales y 40.000 coronas suecas para proyectos colectivos, además de los gastos de transportes, manutención y materiales. Cierre de inscripción: 15 de enero de 2015. Informes: www.balticartcenter.com.

SUBSIDIOS Nueva Guía del Financiamiento Público para la Cultura y las Artes. La publicación incluye todos los préstamos, concursos, subsidios, premios, becas y ayudas que otorga el Ministerio de Cultura de la Nación (Argentina). Descargala en forma gratuita de internet: http://www.cultura.gob. ar/noticias/nueva-guia-del-financiamiento-publico-para-la-cultura-ylas-artes/descargar/167.

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