BALLETIN DANCE 240

CAMBIO DE DIRECCION Teatro Colón Teatro Argentino de La Plata

RICKY PASHKUS Sindicato de Bailarines

MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 1

BCTSM Poesía al Aire Libre

ISSN 1850-6275 Año 21. Nº 240 Marzo 2015 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

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Nota de Tapa 6 Poesía al Aire Libre

S TAFF

Actualidad 8 Cambios en Vacaciones 16 La Plata 2015... con Cambios 29 Ballet y Tango 52 Festival de la Mujer 2015

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Eliana Gissara Juan Cruz Guillén Natascha Ikonicoff Laura Lago Toni Más Marcos Nápoli Pilar Sagasta Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 10

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Provincias 10 Salta. Despedida de Paloma Herrera 12 Jujuy. Éxodo Jujeño 14 Buenos Aires. Temporada Sureña Tango 16 Nuevos Aires Para el Tango Show Danza Española 18 Retornar Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación.

Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8.

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Danza árabe 22 Saida y Rakkasah en Rosario Comentarios 30 Justo Antes del Suicidio 32 Vértice Danza 34 En el Aire se Respira Fosse 36 Ballet 40-90: Vida y Danza Entrevistas 38 Luisa Pericet. Heredera de una tradición cultural 40 Ricky Pashkus. “El sindicato de bailarines es una guerra ganada”

Travesías de Mauricio Wainrot Foto: Carlos Furman

In Memoriam 49 Eber Lobato 54 Violeta Janeiro Argentinos en...

48 España. Primera Experiencia Europea 57 Estados Unidos.

Beneficiado para Estudiar 58 Europa. Kilómetro 29 59 Italia. Flashmob por María Internacionales 60 Cuba. Los Invitados del Festival 62 Francia. El Moulin Rouge Está de Festejo 64 Austria. Josephs Legende 66 Bélgica. Camino de Reconciliación en Cartel 24/44/47/50/56

Sumario Marzo 2015 Año 21 Nº 240

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Poesía Desde Lejos 4 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

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al Aire Libre Del 6 al 29 de marzo el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dirigido por Mauricio Wainrot se presenta con entrada gratuita en el Anfiteatro Eva Perón, del Parque Centenario

Fotos . Carlos Furman | Complejo Teatral de Buenos Aires MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 5

Travesías

El programa que se presentará a lo largo de este mes en Parque Centenario (gracias a que su sede principal se encuentra en pleno proceso de las obras de puesta en valor, nuevas salas de ensayo y refacciones varias) el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín mostrará con entrada gratuita tres obras de su director: Desde Lejos, Estaciones Porteñas y Travesías. Los viernes, sábados y domingos a las 20 hs (se suspenden por lluvia).

La primera sobre música de Wim Mertens, vestuario de Carlos Gallardo e iluminación de José Luis Fiorruccio, de treinta minutos de duración “tuvo como disparador la experiencia de haber presenciado un ensayo del compositor en la Grand Place de Bruselas -revela Mauricio Wainrot-. De inmediato, su música me inspiró para crear una coreografía, y el resultado fue esta obra de naturaleza onírica; como si fuesen resonancias del pasado donde todo empieza y termina en un mismo punto. Como una ráfaga de viento que arrastra la mirada hacia un horizonte lejano…”.

Desde Lejos (From Far Away) fue estrenada por el Ballet Real de Wallonie (Bélgica) en 1992 y posteriormente presentada por el Ballet Florida y el Richmond Ballet (Estados Unidos) y la Bat Dor Dance Company (Israel). En Argentina fue estrenada en 1998 por Julio Bocca y su Ballet Argentino en el Luna Park, y en 2009 y 2013 fue interpretada por el Ballet Contemporáneo en la Sala Martín Coronado.

Continúa Estaciones Porteñas, un estreno para el Ballet Contemporáneo, también de treinta minutos de duración, sobre siete composiciones de Astor Piazzolla. Es, la segunda de las cuatro obras que Wainrot creó con su música y escenografía de Carlos Gallardo. Dice el coreógrafo: “a mi entender, es la que tiene un diálogo más fuerte entre el mundo femenino y masculino de la mística del tango (…) se reflejan la sensualidad y gestualidad tanguera y la contemporaneidad que Piazzolla le imprimió a nuestra música nacional por excelencia”.

Estaciones Porteñas fue creada y estrenada en 1997 por el Ballet Estable del Teatro Colón, y posteriormente la bailó el Ballet de Santiago (Chile), Ballet Real (Bélgica), Ballet Nacional (Turquía) y Ballet de la Ópera de Riga (Letonia). El año pasado se

Los bailarines del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín son Federico Arabia, Victoria Balanza, Adriel Ballatore Crosa, Lucía Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Facundo Cornejo, Matías De Cruz, Flavia Dilorenzo, Lautaro Dolz, Jean-Blaise Druenne, Paula Ferraris, Darcio González, Laura Higa, Daniela López, Gerardo Marturano, Celia Millán, Alexis Mirenda, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Silvina Pérez, Diego Poblete, Eva Prediger, Rubén Rodríguez, Sol Rourich, Ivana Santaella, Matías Santander, Ana Trejo Játiva, Sabrina Wehner. Margarita Wolf y Erika Zimmermann. Los asistentes coreográficos son Miguel Ángel Elías y Elizabeth Rodríguez y la Directora Asociada es Andrea Chinetti.

estrenó en Moscú protagonizada por una de las más grandes estrellas de la danza de la actualidad, Ulyana Lopatkina, primera bailarina del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, festejando el 90º aniversario del nacimiento de Piazzolla.

Me complace que nuestra compañía tenga desde ahora Estaciones porteñas en su repertorio”.

Como cierre de estas funciones al aire libre, se verá Travesías con vestuario de Carlos Gallardo, sobre partituras de autores anónimos, Nedko Petrov, Chava Alberstein, Mychael Danna, Elis Regina, Tom Jobim y Uña Ramos, de treinta y cinco minutos de duración, que fue estrenada en la Sala Martín Coronado en el año 2004. Wainrot pasó años investigando y ahondando en músicas étnicas de diferentes culturas. Aquellas que “perduran en el tiempo y forman parte de nuestro universal patrimonio cultural (…) Entre las músicas que conforman mi obra, hay religiosas, cantos a la tierra, de arreo de animales, de amor, de pastores tibetanos que deambulan con sus sueños y penumbras por esas vastas tierras, entre muchas otras. Elegí música andina y del Brasil, de Java y Bielorrusia, de Mongolia y en idiomas y dialectos que poco conocemos. Trabajar en esta obra ha sido y es un viaje interno y externo, y haber podido encontrarme con este material me ha suscitado resonancias de un tiempo milenario”, aseguró el autor. __BD

Estaciones Porteñas Sol Rourich, Benjamín Parada y Flavia Di Lorenzo En Estaciones Porteñas de Mauricio Wainrot, Foto: Carlos Furman 6 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

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ACTUALIDAD

Cambios en Vacaciones

Y una vez más, el Teatro Colón eligió épocas de vacaciones, cuando todos los empleados (artistas, técnicos y administrativos) están cumpliendo su asueto anual lejos del coliseo, para realizar importantes cambios. Sus trabajadores se enteraron de la noticia, por los medios de difusión Se rumorea que Pedro Pablo García Caffi habría tenido a fines del año pasado complicaciones de salud, que aceleraron su decisión de abandonar la dirección artística de nuestro primer coliseo. Sin embargo esto no fue confirmado oficialmente, y la verdadera razón de la sorpresiva y veloz determinación seguirá siendo una intriga. Por primera vez desde la fundación de esta revista, el equipo de conducción que se va, deja ordenadísima y programada la temporada que lo sucederá. El resto de los directivos fue presentando su renuncia, como corresponde cuando se conforman ‘equipos’, en la medida en que regresaban de sus vacaciones. Al cierre de la presente edición de BALLETIN DANCE, quedaban aún muchos cargos sin definir, más allá de que los funcionarios salientes aseguraron que continuarán colaborando con el funcionamiento del Teatro, asesorando desde fuera, de ser necesario.

El nuevo director general y artístico es Darío Lopérfido, amigo de García Caffi, que tendrá a su cargo mantener lo programado por la gestión anterior en este año de transición (se rumorea ya el nombre de su sucesor para 2016). Miembro del Grupo Sushi, director del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, creador del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), secretario de cultura de la ciudad de Buenos Aires (1997-99) y de la nación (1999-2001) siguiendo a Fernando De La Rúa como Jefe de Gobierno primero y como Presidente de la Argentina después.

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Pedro Pablo García Caffi, Mauricio Macri (Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires), Darío Lopérfido y Horacio Rodríguez Larreta (jefe de Gabinete) Foto . María Ines Ghiglione | GCBA

Lopérfido se radicó en España luego del infortunado escape en helicóptero del presidente en diciembre de 2001. De regreso en nuestro país, hace casi dos años volvieron a entregarle la dirección del FIBA (también bajo las órbitas del gobierno de la ciudad) que tanto cambió desde sus orígenes. Cargo que conservará este año.

Su gestión será, de acuerdo a las muestras que dio desde que asumió, hiper-mediática.

Lopérfido recorrió miles de medios radiales, gráficos y televisivos para dar cuenta de su nuevo puesto desde la hora cero de su designación (así como fue mediático su casamiento el pasado 6 de diciembre, con Esmeralda Mitre). En entrevistas varias, el nuevo director aseguró que mantendrá la programación anunciada en diciembre y la línea de la gestión anterior (que para el ballet resulta muy interesante). Dos días después de asumir, efectuó un cambio, que contentó a todos, canceló a Katharina Wagner (que tan malas opiniones había causado hace dos años) y en su lugar convocó a Marcelo Lombardero (que tan mal terminó su dirección en el Argentino de La Plata), con la dirección orquestal de Alejo Pérez, para la puesta de Parcifal en diciembre. Además anunció en entrevistas cantidad de acciones, que no fueron confirmadas oficiales desde el propio coliseo.

Curiosamente en esos mismos días, y más allá de encontrarse todo el mundo de vacaciones, la oficina de prensa del Teatro Colón, dejó de enviar comunicados en una especie de confusa incertidumbre, aunque al cierre de la presente edición continuaba el mismo equipo de trabajo bajo las órdenes de Hugo García. Los partes de prensa, de los cambios directivos, fueron posteriores a la asunción formal. Darío Lopérfido lo hizo en un acto realizado en el Palacio Municipal, en el que se entregó una distinción al director saliente, junto al jefe de gobierno y a su jefe de gabinete.

Esteban Gantzer (director de producción artística) fue reemplazado por Guillermo Scarabino que se encontraba al frente del Instituto Superior de Arte, que ha quedado en manos de Claudio Ausuyet.

Maximiliano Guerra y Darío Lopérfido junto al Cuerpo de Baile en la Sala 9 de Julio Foto . genitleza prensa Teatro Colón

EL BALLET El 24 de febrero (cuando esta revista estaba ya imprimiéndose y los bailarines se iban reincorporando al trabajo) Darío Lopérfido anunció al Cuerpo de Baile en su sala de ensayo, a Maximiliano Guerra como su nuevo director (en reemplazo de Lidia Segni), que contará con la asistencia y co-dirección de Myriam Barroso. “La elección de

Maximiliano Guerra tiene que ver con la decisión de darle al Teatro Colón la excelencia y el prestigio internacional que representa su carrera, y por tener ideales y un amor compartido respecto al Teatro Colón”, señaló en ese acto.

Tendrán menos de un mes para preparar el primer programa de la temporada: la cuarta edición de la Trilogía Neoclásica, que se completa con Sinfonía Entrelazada (coreografía de Mauro Bigonzetti sobre música de Wolfgang Amadeus Mozart), Diamante (Éric Frédéric-Béla Bartók) y Rapsodia Sobre Un Tema de Paganini (Mauricio Wainrot-Serguei Rachmaninov). La Orquesta será dirigida por Darío Domínguez Xodo y se realizarán seis funciones del 15 al 21 de marzo. __BD

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P R O V I N C I A S | S A LTA

Despedida de Paloma Herrera

Este es el año de las despedidas de Paloma Herrera de los escenarios, y el primer punto en nuestro país será este mes, en la provincia de Salta junto al Ballet provincial, con organización de la Fundación Alexander Ananiev que preside Melissa Damato El Teatro Provincial de la capital salteña, recibirá los días 21 y 22 de marzo a Paloma Herrera y a Juan Pablo Ledo para protagonizar El Cascanueces, en versión de Lidia Segni, quien estuvo a cargo del montaje. Las funciones se realizarán con entrada gratuita y se podrán retirar por la boletería a partir del miércoles 18.

Damato tuvo a su cargo también la convocatoria del elenco infantil que participará del clásico navideño de Piotr Ilich Tchaicovsky, cuya selección corrió por cuenta de Paula Argüelles, directora del Ballet. También se convocaron seis bailarines profesionales para participar en esta producción, en calidad de practicantes y que fueron seleccionados el mes pasado, mediante una audición.

Aprovechando su estadía en Salta la Linda, Paloma Herrera dictará por segunda vez, Master Classes de técnica clásica y repertorio en la Fundación Alexander Ananiev.

Por otro lado, a través de una colaboradora, Argüelles informó a Balletin Dance, que la temporada 2015 del Ballet de la Provincia incluirá Romeo y Julieta y Puente al Sol, entre otras producciones. __BD

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Paloma Herrera y Juan Pablo Ledo, protagonizarán El Cascanueces. En esta foto, juntos en Tango, en el último Festival Internacional de Ballet de La Habana Foto . Alicia Sanguinetti

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Nacimiento de una escuela en el Siglo XX

Salsa S y Casino D Bárbara De B Balbuena Gutiérrez G

E Ballet en El C Cuba DDe Miguel CCabrera

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EL BALLET EN CUBA

El Cuerpo Creativo De María del Carmen Mena Rodríguez

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Cuerpos Amaestrados VS Cuerpos Inteligentes DESAFÍO

PARA

EL

Ca o Caos C P l Planio cación

ALICIA MUÑOZ

La Evaluación E l i en la Danza

LLa Evaluación eell la Danza

MUCHO MÁS QUE PONER UNA NOTA

DOCENTE

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. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . d a n c e b a l l e t i n d i d á c t i c o . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . v o l u m e n 8

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COLECCIÓN DE AUTOR Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H Destaville D

Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

La danza española y el baile flamenco

UN

C Cuerpos A Amaestrados V Vs Cuerpos IInteligentes n

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y El baile E pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

Colección de Autor

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PROVINCIAS | JUJUY

Éxodo Jujeño Por Nahuel Aguirre

La sociedad jujeña ha dado muestras permanentes de un notorio interés por la danza. Sin embargo, no es el caso de las instituciones oficiales y la aplicación de sus políticas culturales, que tienen en otras disciplinas su mayor foco de atención.

Por tal motivo, numerosos artistas de Terpsícore deciden emigrar en busca de mejores posibilidades. Sin embargo aquellos que no abandonan la provincia junto a quienes retornaron, lograron plasmar un puñado de proyectos y realizaciones Dicen que en Jujuy todos saben bailar, es por eso que quizás se encuentran variadas escuelas y grupos que se dedican a la danza, cada uno de ellos con más diferencias que similitudes, con producciones independientes, muestras institucionales y exhibiciones de estudios privados que sirven de excusa para poner en escena necesidades artísticas. Debido a las pocas políticas culturales que contemplan la danza, es poco lo que se ofrece a nivel escénico.

María Graciela Paz, profesora y bailarina, subrayó: “creo que acá no llegamos a valorar la cultura, por eso no hay políticas importantes. Si pusiéramos un ciclo de obras con entrada gratuita, la cantidad de público no sería cuantitativo”.

Hace años que no hay un proyecto que sea de gran impacto, caso contrario a la situación del teatro que tiene más oportunidades, sea por el Instituto Nacional del Teatro (INT) o por estrategias provinciales. Este es el motivo por el cual muchas propuestas de danza, se adaptan a las necesidades o modalidades del arte dramático para poder subsistir, adquirir subsidios y obtener un espacio en algún ciclo.

Cristina Tula, directora de la Escuela de Comedia Musical Cristina del Valle, cree que las muestras son una excusa para realizar

trabajos artísticos pero, debido a la escasa cantidad de espectadores habituados a la danza es imposible mantener en cartel un espectáculo. “Acá necesitamos educar a un público para que sea consumidor habitual de la danza. No podemos hablar de profesionales porque es imposible ganar dinero de producciones independientes”, señaló.

Paradigmático es el caso de la obra Ni Edith, Ni Piaf, del grupo Danza Libre, que se mantiene hace más de dos años en cartel.

La clave de esta producción puede venir de la mano del teatro y las posibilidades de adaptarse a espacios no convencionales y a escuelas. Belén Calapeña, directora del espectáculo, señaló a Balletin Dance que “la idea de renovar y pensar la obra fue clave. También insistir y presentarse a convocatorias y espacios que nos permitieran llegar a más personas”. En un principio esta pieza contó con desmontajes en donde el público tenía opinión, en un feedback que nutrió la puesta.

Aun así, son pocos casos, por lo que muchos jóvenes buscan su futuro en otras ciudades. Los maestros y docentes en danza intentan brindar múltiples disciplinas a las nuevas generaciones a la espera del retorno y del desarrollo de una carrera en distinto sitio. Los éxodos son inevitables para poder crecer, por eso el objetivo de varios docentes, como el caso de Emilce Scilingo, es brindar una base sólida: “Hay que cumplir las exigencias y nosotros intentamos dar la mayor cantidad de herramientas para que puedan defenderse en otras provincias”.

Por el escaso interés en financiamiento para el desarrollo de propuestas (o de la misma comunidad) muchos deciden emigrar hacia otros centros culturales como Tucumán, Córdoba o la ciudad de Buenos Aires para continuar su formación.

En cuanto a las capacitaciones que se ofrecen en la provincia, nunca llegan de la mano de organismos oficiales, sino que son los institutos privados los que gestionan seminarios y cursos dictados por destacados artistas provenientes de otras latitudes.

Muy pocas veces se ha visto que un maestro de otra ciudad sea invitado por establecimientos como la Escuela de Danza Norma Fontenla, que no se ve muy preocupada por esta situación.

Según una de sus alumnas “hay falta de interés desde la institución, no apoya proyectos que finalmente terminan haciéndose desde afuera”.

Africa, trabajo anual de la Escuela de Danzas Norma Fontenla Foto . Emilio Calderón

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Ni Edith, Ni Piaf, paradigmático caso de una obra que se mantiene en cartel Foto . Ariel Posse Varela

Muchos de los maestros entrevistados para realizar este artículo creen y confían en quienes vuelven a Jujuy para renovar conocimientos y proseguir con la formación de jóvenes, a la espera de cambios a largo plazo en una pequeña ciudad que se mueve mucho. Queda en manos de la Secretaria de Cultura de la provincia ejecutar planes de acción para la danza.

PRODUCCIONES JUJEÑAS A pesar de todas las cuestiones señaladas, en Jujuy se producen espectáculos y obras que surgen a través de diversas necesidades.

Es el caso de La Muestra de la Señorita Emilia, trabajo anual de la Escuela de Danzas Norma Fontenla que en 2014 puso en escena África, dirigida por José Luis Costas, bailarín y docente. El proyecto artístico surgió como una alternativa a la reposición de títulos clásicos de ballet, una concepción original de la escuela que contó con más de cien intérpretes, todos alumnos.

Este año, Costas seguirá a cargo de la entrega final de la escuela y también tiene pensado montar La Casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. “Me encuentro en trabajo de investigación. La misma contará con actrices y bailarinas jujeñas”, dijo.

Matilda fue otra producción/muestra a cargo de la Escuela de Danzas Cristina del Valle. Esta comedia musical, inspirada en el libro y la película, fue un trabajo en conjunto entre alumnos y profesores. En 2015 también presentarán un proyecto final y además continuarán explorando otras propuestas.

Por otra parte, existen grupos independientes como La troupe, dirigido por Javier Medina, quien tiene la intención de producir una obra que aborde diversas técnicas en danza contemporánea, cuyo concepto se inspira en los paisajes de esta provincia y de qué manera los recorre el viento. Según comentó, su intención es “encontrar desafíos y límites físicos. Y por otro lado investigar los sonidos, porque cada lugar tiene su paisaje sonoro”.

Interdisciplinario es el trabajo de otro grupo independiente, Danza Libre, quien continuó con la presentación de Ni Edith, Ni Piaf, una obra que ya cuenta con más de dos años en cartel y que fue dirigida por Belén Calapeña. Con música de Piaf, la pieza recorre los estados emocionales de las mujeres, desde el dramatismo al humor. Este grupo se encuentra en proceso de creación de su próxima producción, cuyo concepto gira en torno al fútbol como pasión popular. La idea es poner en escena una obra que refleje a través de la danza y el teatro, ritos, gestos, tradiciones y costumbres que se generan en los partidos. Según lo citado a este medio, “el proyecto es elaborar una entrega que se pueda montar en espacios no convencionales como las canchas de las escuelas o de barrio”. __BD

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PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Temporada Sureña

El Ballet del Sur, que dirige Ricardo Alfonso, anunció su temporada 2015, que se realizará como es habitual, en el Teatro Municipal de Bahía Blanca El año comienza con la reposición de Gayané, de Nina Anisimova y Vilen Galstian, sobre música de Aram Kachaturian, en versión coreográfica de Ricardo Alfonso, estrenada por el Ballet del Sur hace dieciséis años.

Continuará la programación una noche contemporánea con obras todavía por confirmar para dar lugar, meses después al hiper clásico de Tchaikovsky: El Lago de los Cisnes.

El cierre de temporada estaba oscilando entre Carmina Burana y Cascanueces, definición que se tomará en las semanas venideras.

La novedad del Ballet del Sur para 2015, es que “contaremos con la incorporación de Bernard Courtot de Boutellier como Asistente de Dirección y Maestro, lo que será sin duda un aporte importantísimo para la compañía, teniendo en cuenta su experiencia artística”, señaló Ricardo Alfonso a Balletin Dance.

El currículum de Courtot, es imponente. Nacido en Francia, se formó en el Conservatorio de la Región de Toulouse, en la Academia de Danza Marie-Laure Médova, Conservatorio Superior de Música y Danza de París y en la Escuela del Ballet de San Francisco (Estados Unidos).

Ha tenido una destacada carrera como bailarín, que le valió varias medallas de plata y bronce en los prestigiosos concursos internacionales de Moscú, Jackson, Nueva York y Varna. Integró en diferentes categorías los elencos de la Opera Nacional de París, Royal Ballet de Dinamarca, San Francisco Ballet, English National Ballet, Miami City Ballet, Scottish City Ballet, Alberta Ballet, Ballet de Santiago de Chile, Ballet Nacional de Praga y Bangkok Ballet, Arkansas Ballet, Wisconsin Ballet, Ballet Nacional de Eslovenia y el Ballet du Grand Théatre de Tours, desde 1994. __BD

Cristina Reale Bailarina Profesional Maestra de Ballet

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Bernard Courtot de Boutellier en épocas de bailarín, en La Esmeralda Foto . gentileza de prensa

Como coreógrafo y profesor free lance, trabajó en Francia, Italia, Canadá. Dinamarca, Estados Unidos, Chile, República Checa y Eslovenia entre otros países.

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TA N G O

Nuevos Aires Para el Tango Show Por Daniel Sousa

¿Cómo romper con las reglas que impone el género sin desvirtuarlo? No es tarea sencilla. Jóvenes coreógrafos y directores proponen nuevas miradas, entre lo clásico y la renovación: Ivana Fleitas y Mauricio Córdoba en El Viejo Almacén, y Federico Strumeio en Bien de Tango ¿Cómo sostener y renovar el interés por una propuesta artística a lo largo del tiempo sin poder apartarse demasiado de lo que -se presume- el espectador espera de ella? Esta es una cuestión que atañe a los directores de muchas casas de tango que funcionan en Buenos Aires, y hasta a espectáculos teatrales del mismo género, tanto aquí como en gira por el extranjero. ¿Es posible esquivar las referencias al origen prostibulario o arrabalero, los temas clásicos, Quejas de Bandoneón, El Día que me Quieras, La Cumparsita, o el Piazzolla de Libertango y Adiós Nonino?

El cuadro de apertura del nuevo show de El Viejo Almacén, chispeante y vertiginoso Foto . Fabricio Fleitas

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Hay, al mismo tiempo, otro aspecto hacia adentro del negocio, vinculado con los artistas que animan esos espectáculos. ¿Cómo no cansarse de bailar o cantar todas las noches lo mismo? En la búsqueda denodada por insuflarle nuevos aires a propuestas con varios años en cartel están artistas jóvenes como Ivana Fleitas y Mauricio Córdoba, nuevos directores artísticos de El Viejo Almacén, y Federico Strumeio, artífice de la compañía Bien de Tango.

Esta última, con producción de Omar Fajardo y dirección general de Strumeio, tiene ya quince años de trayectoria y los últimos nueve se la vio de manera ininterrumpida en el Centro Cultural Borges. En este lapso ofrecieron dos espectáculos diferentes aunque con puntos en común, y ya bosquejan un tercero para estrenarlo a lo largo de 2015. La renovación más cercana, buscada sí, pero obligada también por las inevitables giras internacionales que abducen a bailarines y cantantes, fue el casi completo recambio del elenco. Al frente continúan, claro, Silvana Ricutini y Strumeio, siempre correctos y atildados. Entre los recientemente incorporados sobresalen Rocío García Liendo y Juan Pablo Bullich, de gran entrega y pulcritud de movimientos, y Jimena Calarco con Enrique López, aunque algo excedidos de energía.

Es un acierto el regreso de Natalia Turelli a la compañía, esta vez en dupla con Jorge López. La línea de diez bailarines se completa con Celeste Mattia y Rodrigo Verón.

El listado de temas corre por los carriles conocidos pero la renovación obligada del elenco, que alcanza también a los músicos y cantantes (bienvenida la incorporación de Inés Cuello y Diego Hernán), le ha dado una dinámica más fresca y ágil a la propuesta. Como siempre, los aspectos técnicos lucen muy cuidados, especialmente el vestuario (obra de Ricutini, Anabel Caporale y Miguel Mancera) y el diseño de luces, firmado por Omar Fajardo.

UN ALMACEN CON HISTORIA “En un viejo almacén del Paseo Colón…”, al que refiere la letra del tango Sentimiento Gaucho, cada noche salen a escena los duendes de la inolvidable Virginia Luque, Edmundo Rivero, Troilo, Goyeneche, Libertella, Pugliese, y todos los grandes que alguna vez inundaron con su música ese escenario tan pequeño

como lleno de historia. Hoy la posta del espectáculo la han tomado las jóvenes generaciones, aunque el gran Hugo Marcel sigue cautivando al público de todos los confines con su apostura y una garganta que no conoce el paso de los años.

Ivana Fleitas y Mauricio Córdoba trabajaron en la casa, de forma alternada, durante varios años. Hace dos que lo hacen con continuidad, y desde septiembre pasado son sus directores artísticos. Ella es oriunda de Reconquista, en la provincia de Santa Fe; él proviene de Pergamino, en el corazón de la pampa húmeda. Su formación abarca el clásico, el folklore, el contemporáneo y el teatro musical, pero es en el tango donde han hecho carrera tras unirse profesionalmente en 2004. Ponerse al frente del show en una casa con tal renombre fue para la pareja, admiten, “un enorme desafío”. Y mal no lo han hecho. Por el contrario, su propuesta esquiva varios lugares comunes y enriquece el programa con temas que no suelen escucharse a menudo en shows de este tipo.

Valgan como muestra la escena en la que tres parejas bailan una bella versión del tango de Salgán A Fuego Lento, y los solos del notable quinteto que conduce el pianista Daniel Viacava, particularmente Este es el Rey y Loca, al estilo de D’Arienzo. Fleitas y Córdoba despliegan toda su sensualidad en Patético, otra rara avis en las casas de tango.

La escena inicial remite a las primeras décadas del siglo pasado y llama la atención por la fluidez con que se entretejen canciones y bailes, solos y de conjunto, en un espacio de dimensiones estrechas. Suenan Canaro en París, El Choclo, 9 de Julio, Milon-

Bien de Tango renovó casi por completo su línea de bailarines Foto . Gabriel Reig

gueando en el 40. Noelia Pizzo y Facundo Ruíz Díaz tienen su primera gran intervención de la noche con El Huracán, con una coreografía de vertiginosa evolución. Chispeantes, Paula Ballesteros y Leonardo Barri conquistan al público en Felicia’, con un marcado acento en la faz expresiva pero sin dejar de sorprender en la técnica del baile. La cantante Ximena Giménez, reciente incorporación, se acopla al juego de los bailarines con naturalidad. El cuadro se completa con una cuarta pareja, también muy buena, compuesta por Pelín Ercan y Miguel Calvo.

Después de un segmento de música andina a cargo del conjunto Los Lamas, el dos por cuatro recupera un terreno que le es propio, dando un giro hacia lo moderno. Prima el buen gusto en vestidos y trajes, así como la precisión en la operación de luces, lo que consigue subrayar los trucos y finales más arriesgados de los bailarines. Una vez más, Ivana y Mauricio levantan la temperatura cuando, sobre el final, se entregan en cuerpo y alma, y obligan a contener el aliento en Libertango.

Tienen destreza y elegancia para el baile, tanto como ánimo para asumir riesgos y buen tino al momento de dirigir. La prueba ha sido superada. __BD

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D A N Z A E S PA Ñ O L A

Retornar.

Por Gabriel Vaudagna Arango

Lorena Di Prinzio revisa la danza española que la habita, desde su formación clásica y académica hacia los nuevos movimientos contemporáneos de creación escénica que atraviesa el flamenco Su último espectáculo, Evocaciones, que se está presentando los sábados a las 21 hs en el Centro Cultural Borges, cuenta con la participación de Alexis Frank y la propia Di Prinzio al baile, Esteban Gonda (“guitarrista de formación clásica de conservatorio”) y Luciana Colombo (“una cantante lírica”). Allí la danza no busca su auto definición, ni pretende construir un metarelato que separe las disciplinas de las cuatro escuelas de la danza española, sino que combina todos esos saberes que el cuerpo guarda como huella mnémica y que inspirada por un texto de Borges se transforman en movimiento.

¿De qué se trata Evocaciones, Flamenco de Cámara?

Evocaciones trata de una indagación personal de lo que fue mi formación. En los últimos espectáculos venía haciendo flamenco aunque tengo una formación completa en danza española.

Hice la carrera con Sibila, luego estuve muchos años en su ballet y al dejarlo, ya no hice más danzas españolas. En Evocaciones tomamos piezas de concierto de guitarra flamenca que usamos coreográficamente con el lenguaje de la escuela bolera, la jota aragonesa, y fusionamos el flamenco con cosas un poco más modernas. Si bien no hay una soleá por bulerías o cualquier baile “típico”, el lenguaje que usamos es flamenco. Por ejemplo: Hacemos una versión de los Panaderos Flamencos de Esteban de Sanlucar, versionándolo con los Panaderos de la Flamenca, que es una pieza de escuela bolera. ¿A qué se debe esta evocación y esta búsqueda sobre su propia formación?

Principalmente por las ganas que tenía de bailar estas cosas, de hacer escuela bolera... pero la jota igual la bailo con la bata de cola… Esas mismas técnicas que están en mi cuerpo y que yo las sigo aplicando cuando bailo, dándole una vuelta de rosca.

La danza española se está perdiendo dentro del ambiente profesional de los espectáculos que se ven en los teatros, pues la mayoría son sólo de flamenco. ¿Esto influyó en crear un nuevo producto para el mercado o es sólo una búsqueda personal?

No. Para mí es una búsqueda personal, por eso se llama Evocaciones, porque evoco viejas escuelas de la danza española. Fue pensado como algo personal, por eso no vas a ver un baile de escuela bolera, porque todo está pasado por un tamiz diferente.

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¿Por qué cree que no se ven más jotas en los escenarios, que se va perdiendo lo folklórico de lo español?

Creo que son modas y que nosotros los artistas tenemos una responsabilidad de educar al público. Había una audiencia para esto pero creo que ya es mayor o ya no existe. Las nuevas generaciones se dedican más al flamenco, y por eso hay cada vez menos bailarines completos, más preparados en las cuatro escuelas. Sin embargo veo que algunos bailarines nuevos están buscando, se están interesando, están volviendo a utilizar elementos como el abanico, el mantón, la bata de cola y las castañuelas. Yo tuve la suerte de verlo en compañías de España y en el teatro Avenida, aunque era chica, las pude ver, pero hay toda una generación que desconoce eso, que no lo han visto. ¿Por qué se estudian menos estos estilos o las formas de danza más antiguas?

Por un lado, porque hay gente que lo ignora o desconoce, y por otro lado porque hay una comodidad…. para llegar a lograr lo que esas danzas requieren necesitas cierta cantidad de horas de estudio, como en otros tipos de danza que existe una disciplina que se adquiere desde chicos. Con el flamenco hay cierto facilismo que permite acceder al ámbito laboral, a veces toman clases durante un año y luego ya están bailando o dando clases. Hay un mercado que consume eso y gente que contrata eso. Para bailar escuela bolera tenés que tener técnica de danzas, tocar las castañuelas y eso requiere su práctica y su estudio. También hay mucha gente que se acercó al flamenco de grande, porque lo conoció de grande y si quiere estudiar escuela bolera sin una base de danza es difícil.

Lorena Di Prinzio utiliza “las mismas técnicas que están en mi, dándole una vuelta de rosca” Foto . Paola Evelina

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Evocaciones, Flamenco de cámara

Sobre la escena: una mesa, dos sillas y un perchero, en el cual aparecerán algunos elementos de vestuario como un mantón y un saco. Un guitarrista (Esteban Gonda) solo, sentado en un extremo, irá entretejiendo los sonidos de las distintas piezas musicales con una delicada calidad interpretativa. Obras todas que componen el repertorio musical español y que aparecen en un formato diferente, sin violines, sin orquesta, apenas con las seis cuerdas de su guitarra. El sonido de las castañuelas intervendrá en algunas ocasiones para completar la orquestación y la aparición de una cantante lírica (Luciana Colombo) serán el marco de contención para estos dos excelentes bailarines.

Lorena Di Prinzio trasmite dulzura, frescura y gracia, con unas líneas de movimientos claras y definidas que van desde la armadura del ballet -con brazos rígidos- a las curvas contemporáneas que quiebran la línea y desarman lo anterior. Hay en ella un equilibrio y una calidad interpretativa que revelan muchos años en la danza. Cada baile contiene tanta energía como delicadeza y se mantiene a lo largo de toda la obra: cada aparición hace parecer que es la primera danza. El sonido de sus castañuelas es también claro y preciso, y logra atrapar al espectador hacia su mundo.

La obra comienza con un juego -muy contemporáneo- de dos brazos haciendo de manecillas de reloj que pretende transportar al público a otro tiempo (que luego situarán en los albores de siglo XIX) donde el vito, una danza muy popularizada en las tabernas por algunas boleras, era bailado sobre la mesa a la vez que cantado. Aquí Di Prinzio pone el cuerpo y Colombo su bella voz, para recrear una danza bolera moderna. Alexis Frank se acopla en todo momento mostrando una ductilidad y un gran manejo de la danza, su estampa recuerda por momentos, a algunos bailaores antiguos, como en el caso del Zapateado en Re que recupera la imagen de Alejandro Vega, compañero de Pilar López que interpretara sobre la mesa del café cantante su zapateado en la película Duende y Misterio del Flamenco allá por los años ‘50 del pasado siglo, dirigida por Edgar Neville.

Sobre la mesa ambos bailarines componen una escena rítmica, entre el sonido de la mesa y de las castañuelas, por momentos un duelo, por momento un juego del que se desprende la siguiente danza. En un entramado coreográfico y a la vez colorido que muestra también los elementos más representativos de la cultura española, como son las castañuelas, el mantón, la bata de cola y el abanico, completan un maravilloso espectáculo en formato de cámara.

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Di Prinzio y Alexis Frank en formato de cámara Foto . Paola Evelina

¿Qué otros recursos aparte de la música y la danza tiene la obra?

Sobre unos textos de Jorge Luis Borges, del libro Historia de la Eternidad, surge la danza. En ellos él está refutando la teoría sobre el eterno retorno de Nietzsche. Yo no voy por ese lado metafísico, sino que usamos estas danzas antiguas con unos retoques, para revalorizarlas, para darle una nueva mirada y llevarlas así a la escena. El espectáculo arranca con un reloj hacia atrás para hacer viajar al público hacia ese tiempo. ¿Qué diferencias tiene el trabajar en dúo después de haber trabajado en grupos o compañías?

La diferencia fundamental es sobre mi energía como bailarina.

Porque en los grupos de flamenco nosotros autogestionamos:

nunca estás como bailarín, sos además coreógrafo y productor.

Sostener un grupo con tanta gente hace que des mucha energía para los otros, tus bailes terminan siendo los últimos en ser montados, en ser ensayados, el trabajo es más para afuera. Cuando terminé con Crash, me quedé vacía, sentí que era mucho lo que había trabajado, lo que había montado para otros. En cambio en Postales de Ida y Vuelta hice al revés: ya no tenía que enseñar el manejo de elementos, fue diferente, la bata me la puse yo, el mantón lo moví yo, en ese sentido fui aprendiendo de cómo disponer del material humano que uno tiene. En ese sentido en Evocaciones fue sencillo, porque era algo que los dos teníamos, y porque tenemos el mismo código y una formación parecida, las ideas que voy tirando van surgiendo casi por sí mismas. Por eso elegí a Alexis, él toca muy bien las castañuelas, sabe mucho de danza española y es muy sencillo de trabajar porque comprende casi automáticamente… y nos conectamos muy rápido.

No descarto la idea de volver a tener una compañía grande en algún momento pero pensar trabajo para doce personas y moverlos y todo lo que implica la producción no se compara con este espectáculo que además facilita presentarlo en distintos lados. __BD

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DANZA ÁRABE

Saida y Rakkasah en Rosario Por Eliana Gissara

En plena temporada estival, la primera bailarina Saida se presentó en la ciudad santafecina junto a su ballet Rakkasah La principal exponente del bellydance estilo argentino reeditó parte del programa presentado en la gala anual 2014, esta vez en la sala Saulo Benavente de la ciudad de Rosario. El resultado fue más que interesante, ya que cientos de seguidores de danza oriental -algunos por primera vez- disfrutaron de ver la destreza de Saida y su ballet en un teatro, con la frescura que implica una performance en vivo.

Con producción de Georgina Guidacci, también integrante del grupo, el espectáculo se inició con un primer segmento de tres tangos que habían formado parte de la apertura de la gala de diciembre BA - Buenos Aires Bellydance Argentino. Para esta ocasión, la directora eligió Libertango, El Día que me Quieras y La Cumparsita, todos con arreglos del compositor Mario Kirlis. Lo interesante es que no se trató de una fusión tango-árabe, estilo que por cierto tuvo su época de apogeo en la escena local, sino de una integración progresiva de movimientos del bellydance a composiciones clásicas musicales porteñas.

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Así, de menor a mayor, la versión de Libertango de Rakkasah se esgrimió fundamentalmente en el carácter de las bailarinas y la contundencia de la melodía en la secuencia de pasos firmes y desplazamientos. El Día que me Quieras, interpretado por Saida, se tradujo en movimientos suaves, ondulaciones y romance, acercándose más al estilo bolero oriental. Finalizando el bloque temático, La Cumparsita se metió de lleno en el estilo argentino con cortes fuertes, giros, pasos estilizados y figuras coreográficas definidas.

La fuerza del Ballet Rakkasah en un baladi de alto impacto Fotos . Mariano Bocanegra

Saida en el final de El Día que me Quieras

Posteriormente, la primera bailarina mostró toda su técnica en Nacris, un tema musical de Gastón Chaade que parece haber sido diseñado a su medida. Secuencias rítmicas intensas que se suspenden intempestivamente para luego continuar con melodías sinuosas.

En definitiva, un solo equilibrado, cargado de matices, ideal para los movimientos vigorosos de la bailarina. Para culminar su presentación, Saida se volcó a un sonido moderno, mayormente percusivo y de aires caribeños, con Darbuka City. En este caso, su danza adquirió más vuelo y fantasía, con vibraciones intensas, saltos y fouettés.

Por su parte, el ballet Rakkasah llevó al escenario un estilo más romántico con Fakkerny y se lució con la energía del baladi Laha, uno de los cuadros más aplaudidos por el público. Así y todo, su punto más fuerte fue con Zawiah Arabian Min Fikri, un tema original de Mario Kirlis, que las bailarinas lucieron con un vestuario típico de dos piezas color violeta. Es un clásico de todos los años que el ballet de Saida realice una coreografía de un tema tradicional egipcio como Fi Oum u Lela o Daret el Ayam, compuesto por coreografías grupales con pequeños destaques individuales de cada integrante. Por primera vez, Saida utilizó una pista nueva para crear una pieza guardando esta misma estructura. Allí es donde el grupo consolida el estilo argentino de su directora, pero a su vez despegan los nuevos talentos argentinos a modo de semillero.

La función contó también con la participación de otros conjuntos locales como Al Maalimat, profesorado Shahdana en Rosario, Rafik al Din, Ahlam al Ruh, Shams Suria, Al Qadir, Syrianas al Ruh, Al Badawiyah, Sasha y Noury Yamal. __BD MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 23

en Cartel.

La Fiera Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco Interpretación: Iride Mockert Coreografía y diseño de movimientos: Carolina Borca Domingos, 21 hs. El Extranjero Teatro: Valentín Gomez 3378, Tel: 4862-7400

Estrenada en septiembre de 2013, La Fiera viene recorriendo un circuito de salas y festivales en todo el país y Chile, cosechando varios premios a la actividad teatral (Trinidad Guevara, Premios Hugo y Teatro del Mundo). Cuenta con música original interpretada en vivo, y relata la historia de una mujer, en la selva tucumana, que comienza a asesinar hombres. Es una vengadora. Es una mujer tigre. Basada en el mito norteño del hombre tigre, que dice que quien baile sobre el cuero del yaguareté se convertirá en el animal, intenta fundar un territorio mítico.

Foto . prensa

Mundo Amado, Acuérdate de Agustín Lara

Paraíso

Teatro, música, humor y un impactante despliegue escénico son los ingredientes que hacen de Mundo Amado una experiencia inolvidable, que invita al baile y a la diversión, con el amor más acaramelado. Homenaje al músico-poeta mexicano Agustín Lara, quien ha sido para muchos el más importante autor del género. Los Amados, festejan sus 25 años, en los que llevan ganados todos los premios del género en la Argentina (ACE, Estrella de Mar, Florencio Sánchez, Teatro del Mundo, entre otros), justa combinación de lo kitsch, la época dorada del bolero y la música latinoamericana.

Foto . Florencia Downes

Un giro del destino empujará a Ana a exponer su intimidad ante la mirada impúdica de todo el país, cuando las noticias se centran en el intento fallido de lanzar un cohete argentino al espacio. Ella sólo puede verse a sí misma reflejada en la pantalla del televisor, mientras se pregunta qué podría haber hecho para que las cosas fueran diferentes. Paraíso se estrenó en el Festival de Teatro Sub 30 El Porvenir, realizó su primera temporada en La Casona Iluminada y este año se presentará en el Festival de Novísima Dramaturgia Argentina del Centro Cultural de la Cooperación (CCC).

Foto . Alexa Bonetto

De Mariano Rapetti Con Camila Donato, Laureano Lozano y Rubén Parisi Martes 20:30 hs. Ciclo Marte: Artes Escénicas en Club Cultural Matienzo: Performance, teatro, danza y jam de stand up. Pringles 1249, Tel: 6610-1520.

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Idea y dirección general: Alejandro Viola Dirección musical y arreglos: Diego Vila Diseño de movimiento, coreografía: Cecilia Elias Interpretación: Alejandro Viola, Fernando Costa, Rubén Rodríguez, Oscar Duran, Hernan Sánchez, Wilson Ortíz, Dolores Ocampo, Carolina Alberdi, Selva Rodríguez y Lila Feinsilber Viernes y sábados, 20:30 hs. Sala Siranush: Armenia 1353, Tel: 52377200

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actualidad

La Plata 2015… con Cambios

El mes pasado el Teatro Argentino de La Plata anunció su temporada 2015, como otros coliseos argentinos, a través de un comunicado de prensa. A punto de ingresar esta revista a imprenta asumió la nueva directora del ballet El Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires liderado por Jorge Telerman, anunció junto a la temporada de este año de su principal teatro provincial, el lanzamiento de una nueva institución educativa que ofrecerá posgrados para artistas de ballet, ópera (cantantes líricos) y conciertos (músicos de orquesta).

Con poquísima información, y como si fuese un dato menor, el comunicado de prensa, indicaba que la creación de la Academia Integral de las Artes Escénicas Teatro Argentino tendrá como finalidad primordial formar a sus alumnos para que puedan desempeñarse profesionalmente en las diversas actividades artísticas desarrolladas por ese teatro y otras instituciones similares. Las tres carreras de posgrado, a través de los programas Ópera Estudio, Ballet Estudio y Camerata Académica, brindarán clases y espectáculos abiertos al público.

En cuanto a la temporada de este año, se anticiparon cinco óperas: La Traviata dirigida por Willy Landin en marzo, Carmen con reggie de Valeria Ambrosio en mayo/junio, Otello en agosto, la zarzuela La Corte del Faraón montada por Carlos Iaquinta en octubre, y La Bohème con dirección escénica de Ricky Pashkus en diciembre.

El mundo de la comedia musical nacional se acerca a la ópera platense.

Para el Ballet Estable se anunciaron cuatro programas, cada uno de ellos con seis funciones, comenzando en mayo con Don Quijote (coreografía del saliente director Mario Silva con música de Ludwig Minkus) y la Orquesta dirigida por Darío Domínguez Xodo/Luis Belforte.

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En junio/julio se verá La Cenicienta de Vicente Nebrada sobre partituras de Sergei Prokofiev con la batuta de Carlos Calleja. Septiembre será el turno de Interface un estreno de Elizabeth de Chapeaurouge inspirado en composiciones de Charly García y para finalizar el año, en noviembre, El Lago de los Cisnes en versión de Víctor Filimonov y la orquesta por Diego Censabella.

Sabrina Streiff, la nueva directora del Ballet Estable, comenzaba sus funciones el 1º de marzo (antes estaba realizando un montaje en Córdoba) y si bien se estima que se mantendrá esta programación, se sabrá oficialmente en los días venideros.

El primer coliseo provincial, adelantó también en su parte de prensa, diez conciertos en el marco del ciclo anual, y otras actividades en la Sala Astor Piazzolla con espectáculos y conciertos de cámara, coproducciones con los festivales de Jazz (mayo), Tango (agosto) y Teatro Musical (noviembre), una temporada infantil en vacaciones de invierno y un Simposio de Música de Cámara. También se mencionan los habituales conciertos del Coro de Niños y del Grupo de Iniciación al Canto Coral, la sexta edición del Festival de Cine de Universidades Públicas y la décima edición del Festival de Cine Latinoamericano de La Plata. __BD

El Lago de los Cisnes Foto . Guillermo Genitti

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actualidad

Ballet y Tango Por Agustina Llumá

Juan Pablo Ledo, primer bailarín del Teatro Colón, presenta su último espectáculo, Gala de Ballet y Tango junto a su compañía Taco, Punta y Traspié (TPT), los martes a las 20 hs, en el Metropolitan Citi (Av. Corrientes 1343) La temporada de TPT en avenida Corrientes se prolongó durante los meses de enero, febrero y ahora también en marzo, como celebración de los 15 años de carrera internacional de Juan Pablo Ledo. El elenco creado en 2007, viene realizando actuaciones en todo el país, Chile, Brasil, China, Canadá, Italia y España.

Para esta ocasión el primer bailarín invitó a su compañera (en el Teatro Colón), Carla Vincelli, para interpretar juntos el pas de deux de Espartaco, junto a otras coreografías.

Se trata de un espectáculo de tango, bien estructurado, con cinco parejas de bailarines del 2 x4, todos de reconocida trayectoria, y un cantante (Gabriel Domínguez Maggio), que ofrecen diferentes cuadros (y estilos) que se hilvanan ingeniosamente.

En esta celebración, el show comienza con la conducción de un locutor (Carlos Lin) y un audiovisual (firmado por Rodman Testa) proyectado en el telón de fondo, conformado por fotos y algunos fragmentos de video de Ledo -cual fiesta de quince años-, con imágenes suyas cronológicas (desde bebé).

La mayoría, por supuesto, como bailarín, junto a los grandes artistas con los que ha compartido su labor a lo largo de estos tres lustros. Así como Lin narra los logros del bailarín en su carrera artística, que están también en el programa de mano, las fotos no aportan mucho a la velada.

Por otro lado, en el marco de este espectáculo de tango, la bailarina con puntas, queda apartada del resto del elenco, de la misma manera en que lo hace Espartaco al inicio. Ledo en cambio se suma al relato (baila mucho), no solamente por bailar tango propiamente dicho junto a una de las especialistas, sino por el resto de las composiciones de corte contemporáneo que muestran su raíz tanguera.

El espectáculo bien vale por el solo que él realiza con el banquito, Invierno Porteño, donde se compenetra, se desnuda, se abre a su público y emociona; con un estado físico impecable y excelente dominio corporal. Junto a Vincelli, la noche en que asistió esta cronista, lograron momentos de danza plena y goce en Adiós Nonino.

Ledo en Invierno Porteño Foto . gentileza de prensa

La escenografía se sintetiza en proyecciones en el telón de fondo durante toda la noche. A cada escena le corresponde una imagen (un farol, una rosa, la luna, una tormenta…) exceptuando en Invierno Porteño, en la que se repiten demasiadas poses de la coreografía con fotografías tomadas previamente.

Sobre el final, luego de los aplausos, Lin cede la palabra al todavía agitado director, que agradece a Dios y a quienes lo ayudaron a convertirse en el artista que es hoy.

El elenco (que se completa con Mariela Roces, Belén Roces, Natalia Tonelli, Ligeia Moya, Agustina Gómez, Silvana Nuñez, Gatón Robles, César Peral, Francisco de Freitas, Agustín Agnez e Iván Romero) ofreció lo mejor sí, para regocijo de los espectadores. __BD MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 29

Puede considerarse que una cadena de eventos conducen a una decisión, y que esta puede llevar a una realización; pero, entre decisión y realización: ¿qué?

En enero, en Pata de Ganso, se presentó Retiro, de Lucia Guarino (Italia), trabajo en proceso generado dentro del proyecto “Chi cade di Testa si alza in Piedi” (“Quien cae de cabeza se levanta de pie”), residencia en el Espacio Cultural Pata de Ganso auspiciada por el Ministerio de los Bienes y Actividades Culturales y del Turismo (MIBACT, Italia).

Retiro trata de ese momento que va entre decisión y realización pero, particularmente, respecto del suicidio. Así como, según el dicho popular, una cosa es hablar de la muerte y otra morirse, así también, y más allá de las reflexiones clásicas o heterodoxas sobre la auto inmolación, ¿qué puede esperarse como acciones constitutivas de lo inmediatamente previo a quitarse voluntariamente la vida? Podría contestarse: nada, como también: todo, o bien: cualquier cosa.

Dado un contexto, que daría cuenta de aquella cadena de eventos que dan en suicidio, algo podría conjeturarse. Pero Guarino se empeña en sólo tratar con el momento previo: no pone en juego la angustia, digamos anterior (es de suponerse algún tipo de angustia para decidir morir-se), ni tampoco muestra el suicidio propiamente dicho. No: se detiene e insiste en esos momentos, tal vez sin tiempo auténticamente cronometrables. Tiempos mentales, si se quiere. Y lo que construye se sostiene en repetirse, insistente, hasta acercarse a un “ritual inaugural”, porque, de algún modo, tomada ya la decisión, los actos anteriores a quitarse la vida pueden considerarse con un grado de detalle y precisión que bien pueden asociarse a lo ritual. Como sería rito propio (si existe tal), y, encima, no tomado de alguna tradición (ni siquiera 30 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

propia: el suicida se suicida una sola vez), por ello esta categoría de “rito inaugural”, rito como novedad. Y lo de rito vale porque así podría comprendérselo posteriormente por quienes supervivan al suicida: repasando las acciones o hechos o actos de esos instantes previos a la efectiva acción de darse muerte se hablará de su ritual.

Desde esta perspectiva, la aproximación de Guarino, coreográficamente, pasó por tramos de acciones simples, algunas de impronta contemporánea en cruce de lenguajes, otras más cotidianas. Apoyada por una banda sonora compuesta por un mix editado de temas de cumbia villera y cumbia santafecina (DJ Pinchado, en escena), el paralelismo de una continuidad casi anodina de lo que podría representar el resto del mundo (esa música a la que, por lo general, se la ama o se la detesta o, aunque se la tenga más de fondo que como protagonista de la vida, se la registra), dio a sus actos un distanciamiento solitario. Si bien ella, por momentos, se ajustaba con gracia o con desdén a lo que la rítmica daba, no era desde la vitalidad expresiva o desde una afirmación potente desde donde se construían los movimientos y las secuencias. Su personaje se repetía, privadamente; el mundo, mientras, parecía seguir. Y, para completar este distanciamiento, ese mundo propio en el mundo que ya parece no ser significativo para su personaje: una sandía en escena, siempre en presencia de todos, en el piso, y que fue levantada por ella y dejada caer y romperse por el impacto como final (¿preanuncio de la destrucción que vendría?).

Aunque hermético en su misma llaneza (ya que, ¿qué es lo que se hace antes de suicidarse?), Retiro, con buenas efectuaciones kinéticas por parte de Guarino, dio lugar a la reflexión sobre su tema. __BD

Por Román Ghilotti

Justo Antes del Suicidio

C O M E N TA R I O

Guarino y sandía Foto . Román Ghilotti

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C O M E N TA R I O

Vértice Danza Por Román Ghilotti

Aproximación, Síntesis y Yo también se vieron en el ciclo Vértice Danza, plataforma donde convergen propuestas de danza contemporánea independiente El ciclo coordinado por Jesica Josiowicz y Lucía Toker en el Espacio Cultural Dínamo, centró las tres propuestas del 14 de febrero en trabajos de improvisación.

Comenzó Aproximación, una performance de Natali Chino Faloni, de tres momentos. En principio, una sección en que ella giraba al estilo derviche, sobre el sonido de un molinillo de café, vacío, que, a lo largo de toda la pieza (unos 15 minutos) fue accionado constantemente por un asistente. En un segundo tramo, ella en el piso, ojos muy abiertos, quieta, quebrando la detención con algunos espasmos y gritos breves. Final: ella desplegando diversas acciones, sobre tres o cuatro motivos o formas que reiteró. De buen manejo corporal general, el trabajo fue esta aproximación de formas sin más pretensión que ser mostradas.

Luego pasó Síntesis, de y por Janice Iandritsky. Una estructuración más compleja, sustentada en un accionar en que gravitaba el valor del peso corporal, desNatali Chino Faloni

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cargado al piso, y se agregaba, básicamente, el esconder el rostro, como también detalles de las construcciones kinéticas, formadas en tensión sobre torsiones que se incrementaban o disminuían variando dinámicas. Finalmente, llegada a estar de pie, cambió la tónica dominante que pasó más a un juego de equilibrios precarios, inestables. Los atisbos metafóricos en lo expresivo parecieron referir algo de encierro o la dificultad del estar frente a otros como un riesgo.

Esteban Ortiz y Daniel Wendler Fotos . Fátima Sastre

Cerró la velada el único dúo: Yo También, con idea, dirección e interpretación de Esteban Ortiz y Daniel Wendler. Con notas de humor como factor preponderante, zonas teatrales, danzadas y de canto, combinadas, los performers recurrieron a un lenguaje directo con recursos de payaso o varieté. Situaciones de disfrute al sol, sin sol, con una lámpara; con frescura acuática, pulverizándose o rociándose el líquido a mano; frescura de brisa o viento, por medio de un turbo-ventilador, son ejemplos de aquellos recursos. No faltó el cantar un bolero, el interponerse uno delante del otro por el protagonismo, la tensión o pelea estilizada entre ambos, cierta invitación a participar al público, etc. Si bien todo conocido, remanido, previsible, de todos modos, la buena actuación de ambos intérpretes, con adecuados trabajos gestuales y de movimiento, mantuvieron el juego y el humor.

En síntesis: esta aproximación de verano, yo también diría una de las puntas o vértices de danza en el estío porteño, cumplió el cometido básico de entretener. __BD

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C O M E N TA R I O

En el Aire se Respira Fosse Por Natascha Ikonicoff

El bombín cubre parte de su rostro, su cuerpo delgado dibuja posturas algo estrambóticas entre el humo de un cigarrillo que pende de sus labios. En lo sinuoso del movimiento, sus remates marcan con fuerza y precisión los golpes de la música. No hay dos como él, y en esta ocasión es Gustavo Wons quien lo trae de vuelta a las tablas con El Gran Final, tributo a Bob Fosse El 6 de febrero, Balletin Dance asistió al estreno de El Gran Final, la nueva obra de Gustavo Wons, que se exhibirá hasta el 29 de marzo en el Teatro 25 de Mayo del barrio de Villa Urquiza, de viernes a domingo a las 21.30.

Ni bien se apagaron las luces, el elenco del espectáculo contó en un breve video el modo en que cada cual vive el género Fosse, su relación con la figura del maestro y la influencia que ejerció en sus carreras profesionales. Wons explicó también los orígenes del espectáculo, que se remontan a un workshop destinado a experimentar, a buscar y a crear en el marco del Music Hall al mejor estilo All That Jazz. De a poco fue tomando forma el proyecto, una apuesta sin dudas jugada por darles un toque personal a los grandes clásicos de Fosse.

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El Gran Final, para conocedores del género

En la grabación, mientras se sucedían emotivas fotografías como la de Liza Minelli con el mentón apoyado sobre la espalda de Bob Fosse, Wons trajo a colación la historia del bombín: hoy por hoy, pareciera ser el objeto que remite en forma directa al artista; lo curioso es que su uso, lejos de pretender el status de símbolo, sólo respondía a la necesidad de disimular una calvicie inminente. El director argentino supo aprovechar el recurso al plantearlo como hilo conductor del show: el bombín fue lo único que permaneció siempre en escena, a través de los saltos en el tiempo que esbozaron la historia de Fosse.

Una vez que comenzó el baile, la narrativa situó en la fiesta que el mismo Bob Fosse dejó paga para “celebrar” su muerte. Luego, la obra se desarrolló en virtud de cuatro personajes emblemáticos que marcaron al artista: su ex mujer (Verónica Torres), su última novia (Carla Dorto), la Madama con quien tuvo su inicio sexual a temprana

edad (Eugenia Gil Rodríguez) y él mismo a los trece años (Mariano Magnífico). Con ellos se viaja por las distintas etapas de la vida de Fosse -sus comienzos en el mundo de la danza, su casamiento, su agitada vida sexual- así como por sus múltiples facetas (su minuciosidad como coreógrafo y director, su exigencia a la hora de formar bailarines) y en varias oportunidades, él mismo (en la piel de Gustavo Wons) apareció para acompañar en el recorrido y teñir de nostalgia algunas escenas.

Con novedosas versiones de temas célebres como Sing, Sing, Sing, Mr. Bojangles y Life is Just a Bawl of Cherries, tanto a nivel musical como coreográfico, Wons supo darle su toque personal al peculiar estilo Fosse. El director de El Gran Final elaboró un montaje que recoge fragmentos representativos de creaciones originarias del maestro, como The Rich Man’ Frug y Steam Hit, y los entreteje con secuencias coreográficas de su propia autoría. También contribuyó a la magia la propuesta estética, que combinó muy bien el glamour con la oscuridad del bajo mundo del jazz gracias al exquisito vestuario (Julio César y Matías Begni) y a una excelente iluminación (Wons, Panno y Sección Luminotecnia del teatro). Se destacó en particular el número de tap que bailan el joven Fosse y su versión adulta, que recuerdan la performance de Ken Alan en Fosse, The Revue, o también una parte de Dancing Man. Imposible no tener piel de gallina.

Mariano Magnífico, de tan sólo 22 años, fue sin dudas una de las revelaciones de la noche. Demostró tener la suficiente plasticidad, fuerza y precisión que exige el gé-

nero sin dejar de lado la interpretación, en la que tanto hacía hincapié Bob Fosse.

Además, en todo momento transmitió esa placentera sensación que caracteriza la entrega total una vez incorporada la coreografía. Del cuerpo de baile, sobresalió en especial Julia Montiliengo por su gracia y la definición con que marcó cada una de las cadencias. Eugenia Gil Rodríguez no se quedó atrás, con una voz por demás potente y sensual en el tono justo que corresponde a una Madama, brilló por la naturalidad con que interpretó a su personaje. La cantante Verónica Torres también fue capaz de estremecer al público por el magnífico color de su voz.

Marcelo Amante, Vicky Barnfather, Nicolás Chávez, Cecilia Estévez, Pamela Garegnani, Santiago Ibarra, Ariel Juín, Milagros Michael, Mara Moyano, Carla Noval, Rodolfo Santamarina y Nicolás Tadioli, todos integrantes del cuerpo de baile, también dotaron de carnadura esa pasión contenida entre posturas chuecas y detalles de manos que caracteriza el estilo de Bob Fosse. Ideal para conocedores del género, que podrán deleitarse con los grandes clásicos, en esta ocasión presentados bajo un nuevo formato, y para todos aquellos que quieran disfrutar de un buen musical. __BD

Wons tributa a Fosse en su nueva creación Fotos . Sandra Cartasso

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C O M E N TA R I O

Ballet 40-90: Vida y Danza Por Toni Más

Pronto a cumplir 20 años, el Ballet 4090, abrió un nuevo ciclo para agasajar el hecho al estrenar Te la Bailo de Taquito el pasado 8 de agosto. Para esto y paralelamente, su directora y fundadora, Elsa Agras, deleitó e impactó, pues, tras una pirouette existencial decidió eternizarse al día siguiente Por siempre, Elsa Agras festejará sus 90 años, cada 20 de junio, como lo hizo en 2014 con una reverencia ante la ovación que recibió del público. No obstante esta compañía, fundada el 15 de mayo de 1995, tiene solidez suficiente para elevar el espíritu de resistencia que le dio origen.

A saber: a) aplastar el mito de los límites etarios para la realización de determinada actividad, la danza en este caso, y b) desmentir al discurso elitista que delimita el hecho artístico al exclusivismo académico. Pues obvia que el origen del arte es anterior al surgimiento de la historia, como herramienta científica y, por ende, anterior a toda Academia, según la noción que remite a Platón.

CONCEPTO DE ESPECTÁCULO En Te la Bailo de Taquito, desde la bíblica Danza de los Siete Velos, el vestuario es clave para captar al espectador. Hecho logrado en esta puesta que, con economía de recursos, usa ingeniosos diseños en cuanto a textura y coloridos. Sugestivos negro y plateado al inicio y la gradación de paletas, en cada cuadro, subyugan la visión que tendrá su clímax (en el vestuario) en el cuadro identificado como Almodóvar.

También, la cuidadosa selección musical que desde el varieté y el music hall, con una pizca de folklore europeo y latinoa-

Ballet 40-90 a pleno Foto . gentileza de prensa 36 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

mericano (resumidos en Tarantela y Joropo) y picarescos guiños a la música caribeña, sin olvidar al tango, logra un in crescendo que mantendrá en vilo la curva de atención.

COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA Agras volcó su rigor técnico a la medida del vehículo expresivo al que consagró su más experimentado talento: un selecto grupo de mujeres plenas. Hizo acopio del arte naif, el burlesque y el elemento lúdico para lograr dosis exactas de cada uno. En su última creación, la maestra diseña tres cuadros de tap que podrían condensarse en uno más compacto, para incluir en los dos restantes algo del folklore argentino. Aún así, la exquisitez en la apertura y el cierre coreográficos, logra el justo balance basado en la consciencia del trabajo en equipo. Como dijera la propia Agras, en el documental Elsa y su Ballet, del realizador Darío Doria: “cuando se prescinde del Ego se encuentra el ritmo”.

PROPUESTA ESTÉTICA Esta obra atrapa, desde un principio, sin necesidad de contar una historia concreta.

Adolecer de hilo conductor, eje o tema central, no daña el resultado final. Sus veinte cuadros fungen como micromundos autónomos que interactúan entre sí, para, en la sumatoria de sus naturalezas, hacer viajar al espectador por un universo de música, danza y ¿teatro? Esta interrogante tiende, ahora, a plantear una funcionalidad más sustanciosa del pasaje Apretada/Parsimoña, colocado al centro de la obra. El potencial actoral del grupo podría disponer de un libreto más ambicioso, en la misma tesitura.

Y transformar al dueto en una especie de narrador omnisciente que arriesgue a explorar cualidades histriónicas individuales de esta unidad artística que, por el talento, la experiencia y el trabajo sostenido bien podría aspirar a llamarse Ballet-Teatro 40-90.

LO NUEVO Desde el 18 de febrero, Gabi Goldberg es la nueva directora del Ballet 40/90. __BD

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

33 AÑOS FORMANDO BAILARINES EN SAN ISIDRO • Danza Clásica • Stretching con Análisis Biomecánico • Danza Jazz • Danza Contemporánea • Hip Hop New Style

Piso con cámara de aire Clases privadas Clases especiales de puntas Iniciación a la danza para niñas de 3 a 6 años Clases para niños, adolescentes y adultos en todas las disciplinas Preparación para el ingreso a instituciones oficiales

Ituzaingó 407 (1642) San Isidro Tel: 4747-5454 4743-7421 balletceciliadiaz@hotmail.com

2015 LAMBARE 990 (Villa Crespo) * Martes y jueves 10:45 hs * Miércoles y viernes 14.30 hs 16.30 hs

NAZCA 1932 (Villa del Parque) * Sábados

11.30 hs

4554-1820 4566-2380 15-5044-2714 www.laurawinter.com.ar Villa del Parque / Villa Crespo MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 37

Por Gabriel Vaudagna Arango

Heredera de una tradición cultural D A N Z A E S PA Ñ O L A

Nacida en Sevilla, criada en Madrid y radicada en Buenos Aires, Luisa Pericet, repasa su andar, entre bailes y luces de teatro, entre puestas en escena para su hermano y coreografías para el Centro Galicia de Buenos Aires. Hace pocos días fue convocada por el Teatro Astral para montar una serie de coreografías dentro de un espectáculo de músicas y danzas de España -aún sin título-para así rendirle un homenaje a su hermano Ángel Pericet, fallecido en 2011 Luisa ha pasado más tiempo en los teatros y en la academia que cualquier otra persona, empezó desde muy joven, primero acompañando a su padre como asistente y luego de iluminadora y directora de escena en los espectáculos de su hermano Ángel, con tan solo 18 años se vino a la Argentina donde montó la primera academia de danzas junto con su hermana mayor Concepción y en la cual ha impartido clases y sigue enseñando hasta la actualidad. Ha montado espectáculos para Norma Aleandro, Sara Montiel, Miguel de Molina, en la Botica del Ángel y durante más de treinta años para el Centro Galicia de Buenos Aires.

En un encuentro íntimo realizado el mes pasado en su casa, Luisa Pericet, relató a Balletin Dance algunas inquietudes acerca de las danzas boleras y su deseo de que no se pierda ese patrimonio cultural de Andalucía.

HOMENAJE A ÁNGEL PERCIET Ángel Pericet nació el 28 de febrero “y dos días antes falleció hace cuatro años” recuerda su hermana. “Unos días antes me llamó Jorge [Mazzini] diciéndome que iba a poner un espectáculo en el Teatro Astral, con fragmentos de zarzuelas y canciones de Federico García Lorca y quería incluir un homenaje a Ángel Pericet con danzas boleras. Es un teatro en el que Ángel ha trabajado muchas veces y como aquí en Buenos Aires está muy difundida y muy reconocida la escuela bolera, dije que sí. Me gustó la idea. Además aquí hay mucha gente que le gusta y que baila escuela bolera y es difícil que haya producciones de este tipo. Las cuatro coreografías de las danzas boleras -una suite compuesta por sevillanas boleras, el bolero liso, panadero de la flamenca

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Luisa Pericet hoy, junto al retrato de su hermano Ángel Foto . Gabriel Vaudagna

y las seguidillas manchegas- serán el homenaje a Ángel. Son las danzas del siglo XVIII, que es lo que hemos hecho toda la vida en mi familia y que ahora en España es obligatorio enseñarlo en los conservatorios con sus nombres tradicionales.

¿Fue difícil conseguir bailarinas de escuela bolera?

No, porque aquí hay mucha gente que baila clásico, es muy raro que algún bailarín no haga danzas clásicas, pero el aire y el braceo es diferente, y hay que tocar los palillos -castañuelas-. Hay mucho interés en aprender. Hay gente preparada y estudiosa, como Sibila, que baila y enseña. En principio en el espectáculo se iban a tomar sólo cuatro bailarinas pero al final van a ser siete, que están muy bien preparadas. Vivir de esta profesión es muy difícil -tú lo sabes- pero hay chicas que se han preparado mucho y en agradecimiento a su esfuerzo yo he decidido regalarles otra danza, que les montaré sólo a ellas para que no se pierda y es la Petenera Bolera. Es uno de los bailes más antiguos y menos difundidos, que se bailaba con chapines -zapatitos de raso con el tacón carrete-. Si bien no podemos incluirla en el espectáculo porque se pasaba del tiempo, les quedará a ellas para que lo difundan y que de ese modo no se pierda.

Aquí en la Argentina, los bailes regionales siguen vigentes en los centros de españoles (gallegos, asturianos, etc), pero ya no es como antes en las academias, que se bailaban jotas y se difundían el folklore y los bailes boleros. Todo tiene una época y la escuela bolera se está perdiendo un poco.

Es que en este momento, el flamenco, que a todo el mundo le gusta, está más difundido y tiene mayor campo laboral, es muy bonito. Tu sabes que a mí me gusta, yo toco la guitarra y

canturreo un poco, pero lo hago para dictar las clases y para que la gente sepa diferenciar los ritmos, que es lo primero que hay que saber.

En cuanto a la escuela bolera, hay nutridos alumnos, pero producir un espectáculo cuesta mucho trabajo y dinero, y la escuela bolera te exige mucho técnicamente y es sacrificado. Por otro lado hay más lugares donde es más fácil bailar sólo con una guitarra -que a mí me encanta, soy sevillana-, pero quién lleva escuela bolera allí. Antiguamente, en los Café Cantantes compartían escenario el número de bolero y el de flamenco.

En España, actualmente, tampoco lo hay. ¿Qué espectáculo español no se terminaba antes con una jota aragonesa? Ahora se perdió eso ¿por qué?

¿Usted cree que es por el mercado del espectáculo o porque el público ha cambiado?

No, no es el público. Siempre que se hacen bailes boleros el público lo agradece, la gente se asombra cuando lo ve. Como hacían mis hermanos, tú has visto venirse el teatro abajo aplaudiendo, todos agradecidos. El bolero es un baile precioso, que tiene la gracia del sur andaluz, la técnica del clásico y esa frescura mediterránea. Todo tiene una época y todo se pasa, lo malo sería que se pierda la escuela bolera, porque es una joya que hay que cuidar. Mi hermano Eloy sigue dando clases en España, y aquí yo, mientras el cuerpo y la cabeza me den, sigo dando clases.

EN EL TEATRO Yo empecé con mi padre desde los 14 años, es lo que siempre hice, coreografía, iluminación, asistente, co-dirección, y que

empecé montando coreografías para mis compañeras en el colegio, es algo con lo que he vivido siempre. Hoy si puedo hacer las luces es algo que me gusta, pero no me duele no hacerlo, lo hice con mi hermano por todas partes, en tantos teatros. Lo que extraño realmente, es eso de tener que meterme en el teatro 48 horas seguidas, y te encuentras con maquinistas, utileros y técnicos y esa calidez que se siente. En mi época, cuando yo empecé en el Teatro Odeón con Ángel en el año 1959, no era común que una mujer fuera directora o esté en las luces, no es como ahora que hay mujeres en todo lados. Los maquinistas te miraban con recelo y si le demostrabas que sabias te respetaban, era gente mayor de toda la vida en el teatro, con esa sabiduría que da el coliseo y un conocimiento sublime del lugar. Yo agarraba las cosas, ayudaba a montar, hasta ponía los tachos, clavaba, barría, hacía de todo en el teatro.

Extrañaría más no dar clases, es algo con lo que nací, allí en la calle Zurbarán número 3 de Sevilla (ahora hay una galería), donde todos los jueves era el día de repaso (no se aprendía), todos los alumnos se juntaban allí a repasar sevillanas y fandanguillos, y tomaban limonada, y todo se convertía en una gran fiesta.

¿Eso lo organizaba la academia de su padre?

Sí. Él se casó muy joven y montó su academia. Pero enseguida se retiró porque empezó a tener niños…

Y puso a los niños a trabajar (risas…)

No, él siempre decía: primero estudiar y luego trabajar. Ángel hizo toda la carrera de pianista porque iba a ser concertista, entonces primero empezó tocando el piano de acompañante para la clase, pero luego se dedicó a bailar. Mi padre tocaba y Ángel marcaba las coreografías, luego cuando se vino para Argentina yo me quedé en su lugar y mi padre tocando el piano, muchas de las músicas que eran suyas.

LA ARGENTINA Mis padres vinieron en el año ‘26 o ’27. Estaban en la misma pensión donde estaban Gardel y Razzano, que ensayaban allí.

Mi padre siempre hablaba de las luces de la calle Corrientes, le tenían mucho cariño a la Argentina. Cuando vinieron mis hermanos (Ángel y Conchita) a trabajar a Romerías, a mí se me metió en la cabeza que también quería venir y lo hice en el año ’52. Montamos una academia en donde luego fue el Teatro Fray Mocho (Paraná y Cangallo -hoy Perón-) la llevábamos Concepción y yo, y Ángel continuó con su carrera de bailarín en giras por todo el mundo. Al tiempo se vinieron mis padres y ya nos fuimos quedando todos. __BD

Luisa a los 3 años, en la calle de la academia de su padre en Sevilla (inédita) Foto . gentileza de la artista MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 39

E N T R E V I S TA

Ricky Pashkus “El sindicato de bailarines es una guerra ganada” Por Daniel Sousa

Al frente de un proyecto para constituir una organización gremial exclusiva de los artífices de la danza, el coreógrafo y director celebra que se esté dando en el país la discusión sobre las condiciones laborales y de retribución del trabajo de los bailarines. Convoca a un gran foro en la Facultad de Derecho el 29 de abril Lejos de los programas de chimentos, que este verano se nutrieron de la pelea entre sindicatos y productores por el encuadramiento gremial de los bailarines, y muy cerca de las necesidades reales de los artistas, sus colegas, con los que trabaja codo a codo hace décadas, Ricky Pashkus planta bandera. “El sindicato de bailarines ya es una guerra ganada”, se inflama en afirmar. Su proyecto, por el que viene bregando a la par de los impulsores de la Ley Nacional de Danza, tiene nombre propio: Asociación para Bailarines y Coreógrafos Danza Argentina (ABCDA). Y aunque la agrupación gremial aún no está constituida, no hay forma de que pueda hablar de ella si no es en presente. Un antídoto contra la ingenuidad y la ignorancia, a las que considera los males mayores que atentan contra el trabajo de los cultores de la danza.

¿Qué lo llevó a ponerse al frente de esta iniciativa?

Hace tiempo que me atrae el tema, casi desde que empecé a interesarme en la vida de Camila Quiroga, una actriz de la primera MUSICALES DEL ACHIQUE “Los grandes musicales que se hagan acá en un futuro cercano se harán en otras condiciones de las acostumbradas -anticipa Ricky Pashkus en diálogo con Balletin Dance-. Serán con derechos que no obligan a respetar la versión original.

Es decir, yo voy a poder hacer Mary Poppins y que no vuele, o puedo hacerla con sólo tres músicos. No está mal, pero es otra cosa. Por motivos económicos hemos pasado a ser como Perú o Paraguay. Hoy en día te venden los derechos pero no te obligan a nada, lo que hace que se pueda montar un musical de renombre para darlo sólo los días martes. Yo en este momento no tengo ganas de hacer Sweeney Todd, los martes y con apenas tres músicos. Prefiero hacer directamente un musical chico, como Al Final del Arco Iris, que ya están pensados para lo pequeño. Hay musicales que fueron escritos para escuchar los violines y yo quiero escucharlos”.

“Si no conseguimos que se inscriban entre 500 y 800 personas en el inicio, no podremos poner en funcionamiento la mutual que se ocupe de ellas”, advierte Pashkus Foto . gentileza del artista 40 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

mitad del siglo pasado, un ser apasionante. Ella fue una de las fundadoras de la Asociación Argentina de Actores y conociéndola pude interiorizarme de lo que fue el origen de esa entidad.

A la vez, la gota que rebalsó mi deseo fue el problema en Stravaganza. Y en esto no estoy tomando una posición sobre quién tiene razón en el conflicto. Pero escuché decir tantas veces “los bailarines son de Actores”, “los bailarines son de Variedades”.

No señores, los bailarines son de los bailarines. La discusión que se da es por la caja. La caja que producen hoy los bailarines es importante. No siempre fue así, pero hoy lo es. Y los sindicatos se están peleando por la caja, no por otra cosa. Es una pelea lícita, es cierto, pero es por la caja. ¿Qué tiene de bueno nuestro futuro sindicato? Que pelea por una caja que le corresponde, con lo cual nuestra pelea ya está ganada. Naturalmente, habrá quienes no quieran que nos la llevemos, pero la caja es nuestra.

Podrán decirnos que estamos bien protegidos en tal o cual sindicato y yo se los agradezco mucho, pero todos los sectores, los músicos, los cantantes, todos han llegado a tener su propia casa.

Y los bailarines tenemos que tenerla.

¿Cuál fue la reacción de Actores y Variedades?

No recibí reacciones negativas, y no debería haberlas porque es algo que nos corresponde. Lo único que podría ser problemático es que existiera otro sindicato de bailarines. En ese caso primaría el que reuniera más del 24% de los inscriptos. Pero no lo hay. Por ley, constituir un sindicato requiere de un número inicial muy bajo de adherentes, pero no es a lo que aspiro. Si no conseguimos que se inscriban entre 500 y 800 personas en el inicio, no podremos poner en funcionamiento una mutual que se ocupe de sus necesidades de salud, legal, etc.

Con Karina K, en Al Final del Arco Iris Foto . gentileza del artista

¿La conformación del sindicato está atada a la sanción de la Ley Nacional de Danza?

La ley no obliga a que el sindicato se cree. La ley lo prevé, lo propone. Pero el sindicato va por otro carril, e incluso se puede crear antes de que la ley se sancione. Es fácil conformar el sindicato, no hace falta reunir miles de socios. El problema es otro, que no es tampoco la existencia de otros sindicatos. Quizás el problema seamos nosotros mismos. Me cuestiono mucho cómo hacer que tenga una adhesión tan fuerte como para que no quepa duda de que lo necesitamos. El peor obstáculo al que nos podemos enfrentar es la apatía, el desinterés.

mo modo, una persona que baila tres roles de tres minutos en una obra musical gana más que otra que baila una obra entera.

No debe ser así. Clarificar todo esto, darle una lógica, es a favor de los productores. Yo asocio al sindicato con el sentido común, no con el sindicalismo combativo, que a mí me horripila. No veo conspiraciones ni atacantes. Simplemente, veo que no puede no haber un lugar que se ocupe del bailarín.

DAR LA PALABRA Pashkus remite a un pensamiento de Isadora Duncan cuando se le pregunta sobre cierta apatía evidente entre los bailarines. “Si lo pudiera decir en palabras no lo bailaría”, recita. En tal sentido agrega que “hay algo en nuestra propia esencia que nos entrampó. Como el músico o el pintor, los bailarines estamos lejos de la captura de la palabra. Lo que la palabra nombra empieza a morir, pero paradójicamente, si no nombro no me comunico.

El bailarín ha zafado mucho tiempo de la palabra, pudo mantenerse en el mar de lo irresoluto y eso lo hizo grande. Pero a nivel social, estamos obligados a capturar la palabra como cualquier otro. El sindicato tiene que ver con darle palabras al bailarín”.

¿Qué parámetros se aplicarán para definir quién puede entrar al sindicato?

Eso surgirá de una charla que haremos es una mesa grande conformada por gestores de la danza, bailarines, coreógrafos, refe-

Estudio de Danzas

Catalina Ulloa

Para evitar esto, Pashkus considera que el próximo paso obligado es sumar a las grandes figuras. “Los grandes bailarines deben actuar como puntales de información”, se ilusiona. “Hoy en día, no hay movimiento que pueda crearse si no es avalado por quienes ofrecen la fuente de trabajo (aunque no sean ellos quienes ponen la plata). Me refiero a Flavio [Mendoza], Eleonora [Cassano], [Mauricio] Wainrot, Mora Godoy, [Julio] Bocca, Tango Porteño, Maxi Guerra… Si esa gente no está a favor de esto, tengo un grave problema. Esto es también para el bien de ellos, y de los productores”.

¿En qué favorecería a los productores la existencia del sindicato?

Les conviene en muchos sentidos. Por empezar, habría en la mutual, médicos específicos para bailarines, que sabrían entender realmente cuándo el artista puede bailar y cuándo no. Además, les aportaría una visión diferente sobre el trabajo. Porque en el teatro musical, por ejemplo, conviene hoy más ser suplente (understudy) que titular. ¿Por qué razón? Porque un suplente reemplaza varios roles y cobra por ellos. A mi juicio, esto es equívoco porque termina estimulando el deseo de ser segundo. Del mis-

DANZA CLÁSICA niños | adolescentes | adultos DANZA PARA ADULTOS MAYORES YOGA FLOW | DANZA JAZZ

Freire 1073 · 4552-1849 estudiocatalinaulloa@outlook.com Estudiocatalinaulloa Estudio de Danza Catalina Ulloa Catalina Ulloa @danza_estudio MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 41

PROYECTOS POR DOQUIER En una suerte de oficina improvisada en un coqueto bar cercano a su estudio de danzas del barrio de Recoleta, Ricky Pashkus atiende las cuestiones vinculadas a los muchos proyectos que tiene en carpeta para los próximos meses. Aquí, un repaso veloz por algunas de las actividades en su agenda ajustada.

• “Este mes recibo a Chet Walker (ganador del premio Tony por la dirección de Fosse), junto con Jack Gill (campeón mundial de hip hop), Bill Hasting (del elenco original de A Chorus Line) y el argentino Emanuel Abruzzo. Estarán acá tres semanas dando clases. Desde el 15 de abril haremos, junto con la Compañía de Teatro Musical Juvenil, ocho funciones en el teatro 25 de Mayo. Será un espectáculo en el que bailará Gill coreografiado por Walker”.

• “Tendremos el 9 de abril la audición para la beca PashWalk, para jóvenes de 18 a 26 años. Es un viaje al Jacob’s Pillow Dance Festival, con alojamiento, comidas, clases y entradas a espectáculos” (no incluye el pasaje). Inscripción previa, hasta el 20 de marzo, escribiendo a pashwalk.pillow@gmail.com.

• “El 7 de mayo hacemos en el Gran Rex Damas y Señores del Musical, con unas duplas soñadas: Karina K y Alejandro Paker, Juan Rodó y Marisol Otero, Florencia Peña y Nico Scarpino, Griselda Siciliani y Carlos Casella, entre muchos otros. Además, estoy empezando a trabajar en el nuevo musical de Osvaldo Bazán y Ale Sergui, Yiya, con Karina K y Tomás Fonzi”.

• “Voy a hacer la regie de La Bohème en el Teatro Argentino de La Plata, desde el 17 de diciembre. Es la primera vez en mi vida que asumo este desafío, que tiene tanto que ver con mi historia familiar. Me convocó la directora del teatro, Valeria Ambrosio, muy generosamente”.

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El 29 de abril, Pashkus participará de una jornada de puesta en común de las necesidades de los bailarines, en la Facultad de Derecho Foto . Fuentes2Fernández

rentes de las provincias, de la Universidad Nacional de las Artes (UNA, ex IUNA) y de todos los sectores. Esa reunión no puede demorarse más allá de junio o julio. Previo a eso, el 29 de abril (Día Internacional de la Danza), de 8 a 17, haremos una gran jornada de puesta en común de nuestras propuestas y necesidades en el Salón de Conferencias de la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires. No hay duda de que no podrá ser parte del sindicato quien esté fuera del campo de acción de la danza. Quedarían alcanzados los coachs, entrenadores, bailarines, directores de compañías, maestros, toda la gente que con su trabajo genera un dinero. Tal vez esta sea la parte más dura a comunicar: inevitablemente vamos a estar vinculados con el dinero. Un sindicato no puede admitir afiliados que no generen un ingreso.

Hasta tanto se produzcan las dos grandes reuniones constitutivas, no es posible asociarse. Sin embargo, desde la comisión organizadora (de carácter informal) que integran Pashkus y el equipo de gente que impulsa la Ley Nacional de Danza (Mariela Ruggeri, María Noel Sbodio, Eugenia Schvartzman) ya vienen sumando adhesiones de potenciales agremiados, quienes pueden escribir al e-mail as.b.c.d.argentina2015@gmail. com enviando sus datos personales.

Aquellos interesados en participar del foro del 29 de abril, bautizado Bailando Trabajo (que culminará con un gran show artístico en las escalinatas de la Facultad de Derecho), recibirán mayor información escribiendo a forargentinodeladanza@gmail.com.

Una vez que la ABCDA se constituya oficialmente (lo que podría ocurrir en la segunda mitad del año), entonces se votarán las autoridades. ¿CUÁLES SON LOS PRÓXIMOS PASOS? Difundir mucho hacia adentro de la comunidad de la danza, y darle visibilidad al proyecto hacia afuera. La conformación del sindicato es inevitable, ya es una guerra ganada. De ningún modo habrá una obligatoriedad de elegir entre nuestro sindicato y Actores. Y tampoco son tantos los rubros que tendrían que elegir entre uno y otro.

Margarita Bali, Vivian Luz, Silvia Bazilis o Miguel Ángel Elías no tienen ese problema.

Quiero un sindicato que genere, no que frene lo que se genera. En el Colón se matan todos los sindicatos y los bailarines la ven pasar. Se matan, sí, pero porque el piso está roto. ¿A quién no le conviene que alguien lo respalde en su reclamo, que si se cae tenga un médico especialista que lo atienda rápido, o un abogado que comprenda cómo funciona su medio laboral? __BD

MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 43

Con el objetivo de generar conciencia a través de un proyecto de compromiso en acción, donde conviven el arte y el pensamiento como generadores de profundos cambios sociales, el Auditorio Kraft CCNV y Mujeres de Arte Tomar, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Nación, organizaron una variada programación sostenida por dos ejes: el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer y el 24 de marzo, Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia. La cuarta edición de Marzo, Mujer y Memoria, se realizará del 6 al 21.

En materia de danza, el sábado 21, a las 19 hs en el Espacio Café Encuentro del Auditorio Kraft, se verá Variaciones Sobre el libro Derivas de la Luz, Microrrelatos en Artes Combinadas. Con fotos de Uri Gordon, textos de Cintia Zaremsky, narración de María Celina Robles, Diana Marina Gamarnik, Adriana Guzzo y Gabi Goldberg, danza de María Paula Robles y dirección de Gabi Goldberg.

Foto . Mariano Olabarrieta

Esta comedia musical, trata la historia de Lluis Llopis, quien se encuentra en la cúspide de su carrera como actor de musicales. Es la última función de la segunda temporada de la obra que lo convirtió en una estrella local, Dirty Dancing. Horas más tarde partirá a Italia para protagonizar Nine, se encuentra en el umbral de convertirse en una estrella internacional. Pero la llegada de Bernardo Aguirre, fan que logra entrar a su camarín cambiará definitivamente su vida. Algo sale mal. Bernardo pasará del amor al odio tomando rehén a su amado protagonista.

Foto . prensa

Tamorto Romance de Arlequín y la Muerte

Dirección de actores: Alberto Romero. Puesta en escena: Gabriel Corzado y Majo Ragno Dirección Musical: Esteban Rozenszain. Coreografía: Diego Bros y Guido Vater Interpretación: Mariano Zito, Alberto Romero, Verónica Calderón y Mechi Bove Sábados 20:30 hs. Teatro el Piccolino: Fitz Roy 2056, Tel: 4779-0353.

Dirección: Jorge Costa y Roberto Sánchez Ejecución y dirección musical: Fernando Pérez Interpretación: Grupo de Comedia del Arte de Argentina: Emiliano Larea, Jorge Costa, Julia Muzio, Romina Mónaco y Fernando Pérez Viernes 23 hs. Belisario Club de Cultura: Av. Corrientes 1624, Tel: 4373-3465 Función especial: jueves 9 de abril, 21:30 hs. Festival Humoris Causa, Centro Cultural de la Cooperación: Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8077

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Soneto Para una Ultima Función

en Cartel.

Marzo, Mujer y Memoria

Jornadas con entrada gratuita: teatro, música, clown, narración, cine, libros y fotografía Del viernes 6 al sábado 21 de marzo.

Escenario a cielo abierto en Plaza San Martín, Casa de la Cultura Villa 21 24 (Av. Iriarte 3500), Universidad Nacional de General Sarmiento (Polvorines, San Miguel, UNGS) y el Auditorio Kraft (Florida 681)

Enmarcado en la Comedia del Arte, con “mucho bailado y de teatro físico” Tamorto obtuvo Premios Teatro del Mundo, fue seleccionados para participar en la octava edición del Festival Internacional Cervantino y en el Festival Humoris Causa 2015. Cuenta con el apoyo Iberescena a la Creación de Espectáculo.

Arlequín está enfermo. Una adivinadora le predijo que el día que dedicara más tiempo al sueño que a la botella, moriría a las doce de la noche. Su mejor amigo, Pierrot, resuelve retrasar el reloj, dos horas. Colombina, la mujer de Pierrot, tiene una cita furtiva con Arlequín, y su amigo lleno de celos decide vengarse adelantando el reloj. La muerte llega puntual, a las doce de la noche. Las cartas están echadas.

Foto . Yamila Mónaco

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“Una sala. Ocho personas expuestas a la luz, a la mirada del afuera, al reflejo que el espejo les devuelve de sí mismos. El esfuerzo por ser mejores, por tocar lo inalcanzable”, señala la autora de su última creación. Lo Que no Querés Ver propone al espectador espiar por una cerradura para entrar al mundo de estos ocho protagonistas, desde la estética de la danza teatro.

“Exigencias, complejos, obsesiones, la entrega desmedida por alcanzar la perfección. Finalmente las preguntas: ¿Por qué? ¿Para qué? ¿Para quién?”.

Foto . Sabrina Burgos Compañía Danseur. Dirección y coreografía: Victoria Mazari Intérpretes: Christian Sibille, Candelaria Boggino, Paola Alejandra Castro, Marlene Asulay, Candela Baceda, Virginia Quiñones, Nahuel Montiel y Victoria Mazari.

Viernes 21 hs. Espacio Cultural Urbano: Acevedo 460, Tel: 4854-2257.

Desde el 16 de enero Milena Plebs viene presentándose de gira por las provincias argentinas, en el marco del Festival Verano de Emociones, organizado por Presidencia de la Nación. Así, actuó y dictó clases en Las Grutas (Río Negro), San Rafael (Mendoza), ciudad de Buenos Aires (en Viva La Pepa Milonga) y en Mar del Plata. Además intervino en el Festival Menesunda de la misma ciudad balnearia.

Este mes sus actuaciones serán en la capital del país.

Foto . gentileza de la artista

en Cartel.

Lo Que no Querés Ver Las Princesas no Cagan

Milena Plebs

Gira nacional. Junto a Andrés Tanguito Cejas y a Lautaro Cancela Viernes 13. Milonga Parakultural de Omar Viola, Salón Canning: Scalabrini Ortiz 1331, Tel: 4833-3224.

Domingo 22 al sábado 28, Congreso CITA

Dramaturgia y dirección: Walter Velásquez Coreografías: Julieta Cancelli Compañía Internacional de comediantes Sin Pulgares.

Elenco: Elisa López Oroño, Jimena López, Julieta Cancelli, María Cottet y Valeria Stilman Sábados 20:30 hs. Belisario Club de Cultura: Av. Corrientes 1624, Tel. 4373- 3465.

Definida como “una obra musical de realismo mágico” She Smiles narra con versiones de Stevie Wonder cantadas en vivo, las almas escondidas de cinco mujeres que se juntan a la vera del río a lavar sus penas. Trabajan en el call-center del Estado, para mejorar “el estado” de quienes llaman. Ese día sucede algo inesperado, al entrar a la oficina, el alma de una de ellas se desprende de su cuerpo. Soledad, Ausencia, Azafata, Dolores y Alma, subyugadas por un mundo material que sobrevalora los capitales técnicos y laborales por encima de los sentimientos.

Foto . Charly Borja

She Smiles MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 47

A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | E S PA Ñ A

Primera Experiencia Europea Cinco argentinos se encuentran becados en el programa de formación profesional de la Escuela de danza Barcelona Center. Fueron elegidos por Georgina Rigola, directora del Certamen Internacional de Danza Ciutat de Barcelona, que viajó exclusivamente a Danzamérica 2014, para seleccionarlos en Carlos Paz, Córdoba

Se trata de Camila Boca, Luciano Perotto, Gaspar Platini, Tammy Pintos y Joaquina Butto que actualmente están haciendo una formación en el Barcelona Dance Center, desde noviembre de 2014 hasta julio de este año, con la finalidad de iniciar una carrera profesional.

Así los han reconocido los organizadores del certamen Ciutat de Barcelona al elegirlos frente a miles de participantes en el pasado festival Danzamerica de Villa Carlos Paz. El concurso catalán, realizará su quinta edición del 9 al 12 de abril en el Mercat de les Flors, y los argentinos también estarán allí presentes, compitiendo en sus categorías.

Los cinco jóvenes coinciden en señalar que esta beca a Barcelona, que cubre casi la totalidad del estudio, les permitirá acceder a mayores niveles de formación y oportunidades laborales en Europa, “siempre soñé con conocer Europa y al recibir la beca pensé que sería una gran oportunidad” dice Joaquina Butto desde Barcelona. Para Camila Bocca esta beca “supuso una oportunidad para perfeccionarme, para crecer y para poder trabajar de una manera más profesional”, mientras que Luciano Perotto aseguró sentir que con este viaje “se me abrían puertas

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al futuro”, este reconocimiento “fue una gran felicidad para mí -sentencia Tammy Pintos- ya que sabía que iba a poder aprender muchísimo”.

Todos aseguran que la formación que están recibiendo en Barcelona Dance Center supone un paso hacia adelante en sus carreras profesionales, “los profesores son buenísimos y día a día hacen lo posible para que yo mejore” completa Pintos. Y si

Los cinco argentinos en Cataluña Foto . gentileza Barcelona Dance Center

bien les gustaría poder finalizar la formación en ese centro, deberían recibir una nueva beca para ello.” Siento que sus proyectos amplían al máximo mi capacidad artística y cuento con grandes maestros de todas las áreas” dice Perotto.

Por supuesto que a la hora de imaginar su futuro los jovencitos desean integrar una compañía de ballet y girar por todo el mundo. Perotto: “me gustaría quedarme en Europa, entrar a una compañía europea y viajar por el mundo”, Bocca: “quiero poder vivir de lo que me gusta, Pintos: “me gustaría bailar en una compañía de danza contemporánea”, Butto: “crecer y aprender todo lo que pueda y después, alguna otra beca o un contrato sería lo ideal”, Platini: “adquirir muchos conocimientos para poder formarme técnicamente”. __BD

Se Fue un Grande Por Juan Cruz Guillén

IN MEMORIAM

Eber Lobato

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Pigüé, Buenos Aires, Argentina, 28 de marzo de 1931 Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, 25 de diciembre de 2014 Eber Lobato fue actor, director, compositor, coreógrafo, pintor, bailarín, diseñador de vestuario y productor teatral. Virtual inventor de la revista porteña, Lobato intervino en la creación de géneros, en la experimentación de aquellos años, la danza en la televisión, e integró la primera compañía de Santiago Ayala “El Chúcaro”, en 1948 (ver Balletin Dance Nº 160, noviembre de 2007).

De alguna manera, fue el creador de Nélida Lobato, nacida Haydée Nélida Menta (1934-1982) a quien conoció estando en las filas del Ballet de Alfredo Alaria. Se casaron inmediatamente en 1955 y tuvieron un hijo, Adrián Lobato.

Trabajó en cine, televisión, teatros, casinos e incluso en el cabaret más famoso del planeta, el mítico Lido de París, él como coreógrafo y Nélida como principal figura (hazaña que sólo concretó una artista argentina más, la bailarina Laura Lago).

Se radicó en Estados Unidos en la década del 60, donde vivió junto a su segunda mujer Sisí (con quien se casó en 1967) y tuvieron a su hija Eliset. Con ellas estaba celebrando Navidad, en su casa de Las Vegas, cuando nos dejó físicamente por un paro cardíaco, el 25 de diciembre de 2014, a las 22 hs. Se fue un grande. __BD

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Deíctica Es la tercera temporada de Deíctica, una pieza de danza contemporánea estrenada en 2013, cuya construcción se establece bajo la lógica del deíctico, “entendiéndolo como aquellas palabras que requieren remitirse a la instancia de enunciación para que adquieran su sentido pleno. En este juego temporal-espacial, el sentido operará siempre retrospectivamente ofreciéndole al espectador la posibilidad de encontrar por sí el hilo conductor que dará sentido a la obra”.

Foto . gentileza de prensa Idea y direción general: Julieta Rodríguez Grumberg Intérpretes: Alejo Wilkinson, Ana Armas, Federico Moreno, Georgina Forconesi, India Pernigotti, Lia Mazza y Ramiro Cortez Viernes 23 hs. El Camarín de las Musas: Mario Bravo 960, Tel: 4862-0655.

Íntimos

Dirección: Cristina Banegas Dirección coreográfica: Sandro Nunziata Intérpretes: Eladia Córdoba y José Garófalo Domingos 21 hs. El Excéntrico de la 18: Lerma 420, Tel: 4772-6092

La pieza transita un singular espacio entre la danza, el teatro y la poesía, y extiende, más allá de las convenciones y los clichés, las posibilidades narrativas del tango. Un hombre y una mujer, en un juego permanente entre la exhibición y el ocultamiento, y también en la intimidad del espacio escénico frente a la mirada del espectador.

Una investigación que toca “Esos dilemas entre la actuación y la danza” señala Banegas- Íntimos es la secreta, incansable, búsqueda del otro”.

Este es uno de los múltiples proyectos que encarará Cristina Banegas este año, en abril, además, protagonizará el unipersonal Los Caminos de Federico (Teatro Picadero), en mayo re-estrenará como directora La Familia Argentina” y como actriz estrenará El Don en julio (Teatro Nacional Cervantes).

Foto . gentileza de prensa

Un music hall “con temas musicales de la época que le gustaba a Bob Fosse, y algunas canciones de la película All That Jazz, con coreografías propias”, explicó Toyos a esta revista. La obra recrea la esencia de aquellas películas musicales. “El hilo conductor de todos los cuadros es la silla que representa a Fosse. Tiene colgados un bombín, los guantes y un bastón, y en el piso están los zapatos de tap blancos y negros, como él usaba”.

Foto . Antonio Fresco 50 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

Aquí Como a Jazz

en Cartel.

Dirección y coreografía: Bettina Toyos Jazz Unlimited Company. Bailarines: Jhoni Peña, Agustin Dominguez, Santiago Torres, Jorge Alberto, David Romero, Mauricio Reginelli, Pacota Gonzalez, Damian Guzman, Agustina Barrientos, Mayra Monteiro, Sol Cardozo, Yamila Caire, Agustina Witis, Vanina Salomon, Selva Gonzalez Chavez, Isis Becerra Martinez, Erika Miranda Prado y Bettina Toyos. Cantantes: Marisa Ini y Eduardo Marcos.

Miércoles de abril 21 hs. Teatro La Comedia: Rodríguez Peña 1062, Tel: 4815-5665

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MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 51

actualidad

Festival de la Mujer 2015 Obras de teatro y danza. A beneficio de las Asociación Lazo Rosa La Plata Viernes, sábados y domingos, a las 20 y a las 21 hs. Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha: Calle 50 e/6 y 7, 2° piso, La Plata Las obras de danza son: Suite Para Cinco Mujeres y un Instante de Mercedes Falkenberg a cargo del grupo Pisando Pliegos. Intérpretes: Adriana Falkenberg, Clavelina Gomez, Romina Palmieri, María Sofía Diotto, María Luz Iglesias y Milagros D´Agostino. El pelo (cabello) en la mujer, entendido socialmente. “Si los ojos son el espejo del alma el pelo es el espejo del ánimo” (domingo 8).

Flamencas de Ley de Lorena Barrionuevo, trata sobre la valentía y la resistencia de la mujer en la sociedad, reflejada en las bailarinas de flamenco, como máxima expresión de las emociones y los sentimientos, que muestra la esencia de lo humano (domingo 15).

Tarea Cumplida de Lucila Meira, con María Emilia Comínguez, Mariela Salcedo,Ingrid Martin, Lucila Meira y Verónica Trigos. Los trapos se secan al sol. Cuatro mujeres sacan a relucir no solo aquello que brilla, sus obsesiones se plasman en la limpieza y quedan atrapadas en sus objetos cotidianos (Sábado 21).

La Maravilla dirigida por Julia Aprea con coreografía e interpretación de Patricia Dewey, Silvia Habiaga, Adria-

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na Matar, Guillermina Raffo, Leticia Ramos, Mirta Soibelzohn, Renee Turkenich y Karina Yalungo. Ocho mujeres adultas, con diversas experiencias corporales, dialogan y ponen en juego categorías estancadas sobre los límites y posibilidades de la danza, el cuerpo y la belleza (domingo 22).

El Acordeonista (Susurrando el Futuro) de Mercedes Falkenberg, por el grupo Pisando Pliegos. Intérpretes: Alejandro

Suite Para Cinco Mujeres y un Instante de Mercedes Falkenberg Foto . Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha

Lonac, Clavelina Gomez y Malena Saraví Salamanca. Es la historia de amor entre una prostituta (Edith) y un acordeonista (Julián), en París en 1940 (Sábado 28).

Alondra... Alma Profunda de la Vida dirigida por Rosa María González, con composición y diseño corporal de Yoly Blanco y actuación de Paula Rosenfeld.

Desde la tela de una pintura, se desprende una mujer que da su testimonio: son penas muy encimadas. La obra finaliza con un canto hacia el futuro (Domingo 29). __BD

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IN MEMORIAM

Violeta Janeiro

Una Personalidad que Trasciende su Partida

Por Marcos Nápoli El universo de la danza argentina viene de varios golpes certeros. Referentes ineludibles, directores y maestros se fueron y dejaron un lugar difícil de reemplazar. Años de escenario, de primerísimos roles asumidos, de propuestas coreográficas, de conducción al frente de compañías con historia, de horas de formación de nuevos sueños. Desde 2014 ya no están Esmeralda Agoglia, Leonor Baldassari y Alejandro Sinópoli, entre otros. Hace días nomás, Violeta Janeiro.

Demasiado vacío para una insustituible generación de artistas. El Ballet del Teatro Argentino de La Plata la vio nacer a finales de la década del ’50 en sus filas y la recibió muchos años más tarde (1983-1984) en carácter de directora, en duras y críticas épocas para la compañía. Allí imprimió su sello inconfundible, le dio continuidad e ímpetu al grupo y consolidó como figuras a varios integrantes. Un tiempo después regresó en carácter de coreógrafa invitada La trayectoria de Janeiro estuvo unida a las más importantes instituciones argentinas consagradas a la danza y su nombre integra las notables páginas de la historia del ballet nacional. Formada en la disciplina académica bajo la dirección de los maestros Roberto Giachero, María Ruanova y Michel Borowski, se perfeccionó en el Instituto Superior de Arte del Tea-

Programa de mano de 1958. Página del staff del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata, cuando Janeiro iniciaba su carrera Foto . gentileza Archivo Histórico Teatro Argentino de La Plata

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tro Colón, del que egresó con la máxima distinción.

Su carrera cobró rápidamente relieve desde el inicio en el Ballet del Teatro Argentino de La Plata, en el que alcanzó el rango de solista. Posteriormente ingresó por concurso al Ballet Estable del Teatro Colón, donde desplegó su evolución técnica y artística entre 1961 y 1985, en

principio con roles solistas y a partir de 1973 como primera bailarina.

Trabajó bajo la dirección de los más ilustres coreógrafos como Sergei Lifar, George Skibine, Jack Carter, William Dollar, Rudolf Nureyev, Pierre Lacotte, Vittorio Biagi y Zarko Prebil, entre otros, y con los artistas nacionales Ana Itelman y Oscar Araiz.

Dentro de su repertorio se destacaron sus actuaciones en Giselle, El Lago de los Cisnes, Constancia, El Niño Brujo, El Sombrero de Tres Picos, Don Quijote, La Bella Durmiente del Bosque, Carmen, Pulsaciones, El Combate y Don Juan de Zarissa, por citar sólo algunos títulos.

En 1974 encabezó una extensa gira por diversos países de América con el Ballet Estable del Teatro Colón y se presentó en el Festival Internacional de Danza de Pa-

“Violeta fue una de las personas más nobles que he conocido. Tenía la extraña facultad de llenarme de confianza con una o dos palabras, de hacerme sentirme especial, único... seguro. Ella confió en mí antes que yo. Y esa confianza me llevó a no temerle a ningún desafío.

Recuerdo una ocasión en que, siendo directora del Ballet del Sur, me convocó para hacer la coreografía del Concierto para Piano de Mendelssohn especialmente para la compañía. Preparé en forma minuciosa los figurines, la coreografía, estudié la partitura e ideé un ballet de estilo neoclásico. Con todo armado y luego de varios meses de pre-producción, llegó el gran día en que iniciábamos el montaje. En ese mismo momento y con toda la compañía esperando para comenzar el primer ensayo, me dijo: ‘tenemos un problema: el piano no entra en el foso... hay que hacer otro ballet’. ¡Me quedé sin habla! Ella continuó: ‘¿te animás a hacer el de violín?’ a lo que respondí: ‘¡no lo conozco!’. Violeta me observó, con esa mirada picara, cómplice, compradora y me increpó: ‘¿te animás, si o no?’. ‘Sí’. Por primera vez escuché la música y comencé a armar la obra en ese mismo instante, completamente nueva, diferente, neoclásica, pero romántica. Así nació Opus 64 para el Ballet del Sur. Y así era Violeta: atrevida, pujante, desafiante, bella, extraordinaria artista, sensible, actriz nata que vivía sus personajes intensamente para conmover a cualquiera que la mirara. Su ausencia es una pérdida inmensa para la danza argentina. Junto a Marta Steinhebel fuimos su compañía permanente en sus últimos años. No estuvo sola. Se fue en paz, de un sueño a otro. Agradezco la inmensa felicidad de haber compartido gran parte de mi vida con este ser maravilloso que me ‘adoptó’. Siempre estará junto a mi”.

Ricardo Alfonso . Director del Ballet del Sur

rís. Elegida por Nureyev, fue su partenaire en Las Sílfides y Apollon Musagete en Buenos Aires y en Brasil, donde el espectáculo fue transmitido por la televisión internacional. A lo largo de su carrera compartió el escenario con figuras de la talla de Maia Plissetskaia, Rudolf Nureyev y Sergei Radchenko.

Como coreógrafa repositora alcanzó notoriedad con sus trabajos en Carmen, Las Sílfides e innumerables piezas del repertorio clásico en los Teatros Colón y Argentino y en el Ballet de Tucumán.

Asimismo se desempeñó como docente en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (Cátedra de Danza Clásica), en diversos teatros del país y fue maestra preparadora del Ballet Contemporáneo del Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires.

Dirigió y preparó a los ballets del Teatro Argentino de La Plata (1983-1984), de Tucumán (1989), del Sodre de Montevideo (1990-1991) y de Bahía Blanca (Ballet del Sur, 1997-2002). En 2001 la convocó el maestro Zarko Prebil para compartir la dirección del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata para el montaje de Don Quijote, Las Sílfides y Paganini, compañía a la que regresó luego para montar su célebre Carmen.

Posteriormente Maximiliano Guerra le confió el cargo de maestra de baile y asistente del Ballet del Mercosur, como así también realizó la puesta en escena de la versión integral de Carmen en el Teatro del Libertador de Córdoba.

Violeta Janeiro fue una enorme profesional, exigente, trabajadora, talentosa y muy generosa para abrirle las puertas a jóvenes bailarines. Mujer auténtica, frontal y de gran corazón, su personalidad férrea permanecerá presente en la danza argentina como ícono de una generación exquisita de artistas. __BD

Violeta Janeiro y Gustavo Mollajoli en El Prisionero del Caucaso Foto . gentileza Ricardo Alfonso

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Dirección: Graciela Ríos Saiz Coreografía: Natalia Bonansea Ríos y Graciela Ríos Saiz Al Baile: Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido, Eugenia Seijó. Al Cante: Mónica Poblete. Al Toque: Agustín Hellín.

Viernes 19:30 y sábados 20 hs. Jardines del Museo de Arte Español Enrique Larreta, Cuba 2150, Tel: 4784-4040 (días de lluvia ingreso por Mendoza 2250)

A la Luz del Flamenco

en Cartel.

El espectáculo que viene presentándose desde comienzos de enero, ofrece el magnífico marco del Museo de Arte Español Enrique Larreta del barrio de Belgrano. El edificio de 1886 fue convertido en un palacio castellano en 1916, su jardín andaluz de 6.500 m2 -único en el mundo-, donde se presenta A La Luz del Flamenco, ha sido diseñado según la tradición hispano-islámica, como un lugar para la meditación. Cante, toque y baile se funden para generar un clima íntimo de comunión con el espectador. Guajiras, alegrías, seguiriyas, soleares, tientos y tangos transportarán al espectador al corazón de la tierra andaluza.

Foto . Javier Pacheco

Sanskaar, Costumbres Indias Con el objetivo de dar a conocer la milenaria cultura de la India, Manisha Chauhan propone una historia de amor, contada a través de la danza Bollywood y enmarcada en el género de la comedia musical. Sanskaar relata la historia de Mohini, una típica joven india, en edad de casarse. La vida la situará entre dos caminos: el respeto por la familia, Dios y la tradición por un lado, y la generosidad de Aakaash por otro, que la obligarán a descubrir cuál es el verdadero amor.

Foto . GW Fotos

Idea, producción y dirección: Manisha Chauhan Elenco: Manisha Chauhan, María Eugenia Laurenza, Sara Jazmín Ramayo, María Luz Cohen, Vanesa Llanos, María Belén Boesmi, Mónica Dayana Gutiérrez Gómez, Paula Revollo Salamanca, Gabriela Castro, Griselda Regina Chávez, Gisela Rosario Fernandez, Carina Lafon Blon, Myrna Espíritu Nómade, Dina Ferrari, Huvert Varadles, Héctor Santos Rosa y Juan Lange Sábados de abril, mayo y junio, a las 16:30 hs. Centro Cultural Borges: Viamonte 525, Tel: 5555-5359.

La Era de Hielo en Vivo

Dirección: Guy Caron Del jueves 26 al 29 de marzo. Predio de La Rural 56 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

Se trata de un espectáculo de entretenimiento en vivo para toda la familia donde se combina patinaje sobre hielo, artes aéreas, títeres y video. La Era de Hielo en Vivo. Una Aventura Gigantesca, transportará al público a un viaje asombroso basado en el relato de las primeras tres películas homónimas. Dirigida por Guy Caron (Ka y Dralion, Cirque du Soleil), con argumento, música y letras de Ella Louise Allaire y Martin Lord Ferguson (Cirque du Soleil, Holiday on Ice y APM Music). Una coproducción Fenix Entertainment Group y Holiday On Ice. Foto . Manuel Harlan

ARGENTINOS EN EL EXTERIOR | ESTADOS UNIDOS

Beneficiado para Estudiar El misionero Daniel Altamirano ganador de la beca Steps on Broadway Formado en la academia de María Teresa Porfirio del Chaco, Daniel Altamirano fue becado por la fundación Julio Bocca para cursar estudios en su sede de Galerías Pacífico durante el año 2014. En febrero de 2015, luego de los cursos de verano de la propia institución, el joven se hizo acreedor de la Beca Steps on Broadway, que lo llevará con todo pago (pasajes aéreos, alojamiento y clases) al mítico centro de formación en Nueva York, el año entrante.

El bailarín nacido en Misiones continuará radicado en Buenos Aires todo este año, merced a la renovación de la beca anual, para realizar estudios de ballet con Ricardo Rivas y Daniel Negroni y danza contemporánea con David Señoran. __BD Daniel Altamirano Foto . Pablo Tesoriere

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A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | E U R O PA

Kilómetro 29

El grupo KM29 que lidera Juan Onofri Barbato realizará una gira a Holanda y Bélgica con su espectáculo Duramadre “KM29 es un proyecto de investigación y creación escénica, iniciado en 2010, que dialoga con diferentes lenguajes artísticos en pos de la experimentación y el intercambio humano”, señalan sus responsables a la hora de hablar de este colectivo. KM29 es un solicitado paraje en la Ruta Nacional 3, que conecta el oeste de la provincia de Buenos Aires (González Catán) con la Capital Federal. Un área popular de transbordo, una terminal desprotegida, precaria, que de noche se transforma en “zona liberada” para la prostitución y la violencia.

El grupo está integrado por protagonistas que habitan en ambos polos, “ahí caben las experiencias, prejuicios, vulnerabilidades y expectativas del grupo, cuyo trabajo se produce y se sostiene en el cruce de artistas de formaciones heterogéneas provenientes de círculos socio-culturales disímiles”, explican. “KM29 considera al cuerpo como espacio de memoria y conciencia. Los cuerpos de este grupo reflejan experiencias profesionales, técnicas adquiridas y también un cotidiano en el mundo de la marginación, la brutalidad policial, la estigmatización social e institucional y la descalificación laboral -señalan sus responsables: Matías Sendón, Marina Sarmiento y Juan Onofri Barbato-. Los cuerpos menos ‘adiestrados’, aquellos que son desobedientes, rebeldes y

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no conocen especulaciones ni convenciones propias de un intérprete formado, están más cerca de presentar y producir una verdad kinética que puede volverse una coreografía original o una improvisación verosímil”.

El grupo está integrado por Alejandro Alvarenga, Alfonso Barón, Amparo González Sola, Daniel Leguizamón, Jonathan Carrasco, Jonathan Da Rosa, Lucas Araujo y Pablo Kun Castro, mientras que Nicolás Varchausky es además músico e intérprete.

La gira a Europa los llevará a Holanda y Bélgica, con seis funciones, en seis ciudades del 12 al 31 de marzo (Brujas, Amsterdam, Heerlen, Tiburgo, La Haya y Utrecht) en el marco de Festival Get Lost (piérdete). Con curaduría de Frie Leysen, esta tercera edición del festival abarca de octubre de 2014 hasta mayo de 2015, con cuatro invitados de Argentina, Chile, Indonesia e Irán. “He buscado obras de teatro contemporáneo con un lenguaje artístico fuerte, una urgencia palpable y una visión social; actuaciones que siguen siendo pertinentes en un contexto del teatro europeo”, dijo Leysen. __BD Duramadre, pertenecer a un cuerpo común Foto . Sebastián Arpesella

A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | I TA L I A

Flashmob por María

Centro Superior de Arte

SYLVIA GULIZIA

Como proyecto de difusión de la película documental Dancing With María de Ivan Gagolet, referida a la maestra argentina María Fux, creadora de la Danza terapia, se realizaron Flashmobs simultáneos en toda Italia Luego de recibir el premio en el Festival de Venecia, y exponerse en otros eventos cinematográficos entre los que se mencionan el Festival de Zagreb, El Cairo y Mar del Plata, la película que narra las aventuras de María Fux comenzará a presentarse en diferentes ciudades del planeta.

La propia María Fux señala en su libro “Qué es la Danzaterapia”, que no es psicóloga, no hace interpretaciones ni da recetas. “Soy una artista que, a través de un trabajo creativo, ha encontrado un método que logra cambios en la gente, mediante el movimiento. Lo único que hago es estimular las potencialidades que todos tienen. Yo nunca hablo de curar, sino de cambiar. Y cualquiera sea el tipo o gravedad de un problema, siempre habrá algo que se pueda modificar”.

María José Vexenat dijo a Balletin Dance desde Milán, en referencia a las actividades italianas: “Lo maravilloso de todo esto, es que hay algo en común que nos mantiene a todos en movimiento: continuar en este camino, donde cada uno por diversas circunstancias hemos conocido a María Fux, nuestra querida María”.

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Tal es así, que el 25 de febrero se realizaron simultáneamente en distintas ciudades de la península apenina, Flashmobs (como el que se hizo en Buenos Aires) y Vexenat tuvo a su cargo, “la coreografía y organización del flashmob en Milán, que se realizó en la maravillosa galería Vittorio Emanuelle, en el corazón mismo de plaza Duomo”.

Por otra parte, David Mones, encargado de prensa, señaló a esta revista que se encuentran en proceso de pre-producción de una mega muestra retrospectiva de María Fux (acaba de cumplir 93 años, el 2 de enero) que se inauguraría en mayo en un museo de Buenos Aires, con cantidad de fotografías del Estudio HeinrichSanguinetti, entre otros objetos. __BD MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 59

INTERNACIONALES | CUBA

Los Invitados del Festival Por Agustina Llumá / Fotos de Alicia Sanguinetti

Liu Miaomiao y Li Lin, cariño intelectual

Este tercer y último capítulo dedicado al Festival Internacional de Ballet de La Habana, celebrado del 28 de octubre al 7 de noviembre pasados en la capital cubana, se centra en los artistas invitados de todo el mundo

Como se mencionó en las notas anteriores de esta revista referidas a la 24º edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana, las actividades se realizaron en conmemoración del 450º aniversario del natalicio de William Shakespeare, bajo el lema “Por Shakespeare, la danza”. Por ello parte importante de la programación se destinó a la puesta de obras coreográficas que hubiesen sido inspiradas por escritos del genial inglés, al punto de que varias compañías y artistas prepararon coreografías especialmente para la ocasión.

Siempre presidido por la Prima Ballerina Assoluta Alicia Alonso, directora y fundadora del Ballet Nacional de Cuba, la programación acerca a la isla caribeña, compañías y artistas destacados de todo Cayetano Soto, Sombrerísimo de Annael planeta. Este año provenían de más de belle López Ochoa y el inolvidable El veinticinco países y de ellos las entregas Beso de Gustavo Ramírez Sansano. Una más trascendentes (en el maremágnum compañía sólida, de excelentes bailarines, de funciones) fueron: artistas, latinos. La primera, remite a las El Ballet Hispánico de Nueva York, di- migraciones, a la pérdida de la tierra narigido por Eduardo Vilaro, ofreció en tal; el segundo duo denso, oscuro, lleno La Habana un programa embriagador, de destrezas conjuntas habla del destino; integrado por Asuka del propio director la tercera pieza ofrecida en el programa (sobre la voz de Celia Cruz), Sortijas de es de 2013, inspirada en el mundo de

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El Beso, una obra ingeniosísima

René Magritte con imágenes del arte posmoderno mantuvo al elenco lleno de energía; para finalizar El Beso estrenada en 2014. Una obra súper creativa, rara, diferente, amable, amorosa. Las mil posibilidades de un beso, de varios besos, con extraño vestuario, gestos y movimientos.

Preciosos y dulces fueron Liu Miaomiao y Li Lin del Ballet de Hong Kong en In Light and Shadow de Krzystof Pastor, un duo cariñoso e intelectual.

La Compañía Pontus Lidberg Dance de Nueva York también ofreció un programa de noche completo con cuatro propuestas coreográficas de su director/ fundador el sueco Pontus Lidberg. Con una estética especial, propia y diferente, en torno al ciclo, a las curvas, al círculo, con mucho contacto físico entre los bailarines que se pasaban energía unos a otros.

Fluían, rodaban, con una personalísima dinámica, gélida e intrincada.

Alicia Amatriain y Alexander Jones, del Ballet de Sttutgart, mostraron Aus Holbergs Zeit (Holberg pas de deux) de John Cranko con una exquisita actuación jun-

tos, y Mona Lisa de Itzik Galili que fascino a la audiencia, pues ella realmente se descuartiza con sus delgadísimas piernas y algunos gestos de locura.

Desde Dinamarca llegaron Gudrun Bojensen y Jonathan Chmelensky, con el más preciso estilo de August Bournonville, fundador del Real Ballet Danés. Mostraron Festival de las Flores de Genzano y La Silfide, con preciosos vestuarios y cruel coreografía: baterías, velocidad, tours en l’air y esos finales bournonvilleanos que no invitan al aplauso.

Qiu Yunting y Wu Sicong del Ballet Nacional de China hicieron en la gala de clausura Motley una coreografía de Zhang Disha con música de Dou Wei, dos emociones totalmente diferentes. Una nube suave y lenta en la que lograron crear un clima especial, con una conexión amorosa fundida en sus cuerpos y por otro lado una dura piedra, áspera y rígida donde pudieron desplegar el sensacionalismo requerido en las galas.

La Muerte de un Cisne de Michel Descombey, también estuvo en la última noche, a cargo de un Javier Torres (Northen Ballet de Inglaterra) estupendo.

Javier Torres en estupenda interpretación

sobre una interesante partitura de Henry Purcell. Dramática, literal, lenta, clara, larga, profunda, permitió redescubrir al coreógrafo mexicano con buenas interpretaciones.

La compañía Linga de Suiza, liderada por Katarzyna Gdaniec y Marco Cantalupo llevó Concert-O inspirada en Otelo. Los cuatro personajes (Otelo, Desdémona, Yago y Emilia) bailan alrededor de una gran mesa rectangular que es protagonista, pasando de silla en silla, golpeando la mesa, sin detenerse, cada vez más violentos. Recuerdos de La Mesa Verde de Joos resultan inevitables. Una obra violenta y extenuante, cuyo relato dramático se pierde en metáforas. __BD

Eric Vu An, Celine Marcino, César Ruibo Sancho y Verónica Colombo en La Pavana del Moro (Otelo)

Manuela Agata Spera, Joean-Yves Luc-Hang Phuong, Annabelle Lucie Pierrete Vatorne y Pascal Simón Bayant en Concert-O (Otelo)

LOS SHAKESPEARES Además de las compañías mencionadas en las entregas anteriores, que ofrecieron obras inspiradas en escritos de William Shakespeare, Eric Vu An al frente del Ballet de la Opera de Niza llevó al Festival La Pavana del Moro de José Limón MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 61

INTERNACIONALES | FRANCIA

El Moulin Rouge Está de Festejo Por Laura Lago

Bajo las astas rojas, en el corazón del barrio de Pigalle de París, hay un Molino que no deja de girar. La casa del célebre can-can inmortalizado por las pinturas de Toulouse Lautrec festeja en 2015 sus 125 años con una frescura y vigencia insolentes

Adonis, deportista de alta competición Foto . Laura Lago

Els Reuver, desde 2002 solista de Feriée Foto . Laura Lago 62 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2015

Dos shows por noche, 365 días al año para 600.000 espectadores, el Moulin Rouge no conoce la crisis y constituye hoy en día, junto a la Torre Eiffel, el Chateau de Versailles y el Parque Disneylandia uno de los lugares más visitados en París, por los turistas.

Las sesenta bailarinas del Moulin Rouge, llamadas Doriss Girls en memoria de Doris Haug, la gran coreógrafa fallecida el pasado 13 de agosto de 2014, tienen una sólida formación en danza clásica y miden más de 1.75 m. Los veinte hombres, Doriss Boys, deben medir más de 1.85 m. El Molino Rojo está orgulloso de reunir catorce diferentes nacionalidades sobre el escenario cada noche.

Varias veces por año, Miss Janet Pharaoh, “maitresse de ballet” selecciona bailarines en varias partes del mundo: Australia, Canadá, Escandinavia, Inglaterra y Estados Unidos, entre otros. Un promedio de 650 artistas se presentan a esas audiciones sin saber a ciencia cierta, si habrá o no un lugar para ellos.

Contratada como bailarina desde Las Vegas, Estados Unidos, llegué a París en el año 2000, cuando el espectáculo Feriée llevaba en cartel sólo cuatro meses. Quince años después y con ocho millones de euros invertidos, la misma revista sigue de pie convocando multitudes, reimpulsada gracias al film de Baz Luhrmann, Moulin Rouge (2001), protagonizado por Nicole Kidman y Ewan McGregor. ¿El secreto de su éxito? Jean Jacques Clerico lo atribuye a que el célebre cabaret enaltece la historia de la vida parisina en todo su esplendor.

La dificultad se encuentra en hacer el show tan bien como el primer día. ¿Pero cómo hace el artista cada noche para encarar con la misma frescura, el mismo espectáculo una y otra vez? Acompañada de mi cámara de fotos y una grabadora, llegué el mes pasado a mi querido Moulin para encontrarme con dos viejos amigos: Els Reuver y Adonis

Frente del mítico Mouline Rouge Foto . Cormac McElwain | S. Bertrand | Moulin Rouge

tó al Moulin Rouge que lo contrató en 2005 como solista. “Me considero como un deportista de alto nivel. Hago una preparación física o calentamiento de noventa minutos todas las noches antes de salir a escena. La cercanía del público nos ayuda a sentir aún más su contagiosa energía, que sumado a una excelente relación entre nosotros y una música tan llevadera, alimenta mis ganas y me motiva a defender el lugar que ocupo cada noche como si fuera la última”.

En resumen, no hay secretos: trabajar día a día para perfeccionarse técnicamente y dar lo mejor de uno mismo como artista.

Cosecha que da como fruto espectadores sonrientes a la salida. __BD

Kosmadakis, figuras emblemáticas y bailarines solistas con los que tuve el honor de compartir escena.

Els es holandesa y desembarcó en Francia a los 20 años. Estudió danza clásica en su país, danza moderna en New York y Berlín, donde le sugirieron venir a París porque tenía todas las condiciones para trabajar en los grandes cabarets parisinos. Bailó en el Lido, el Paradis Latin y llegó al Moulin Rouge en el año 2002 para ocupar un puesto de solista. “Hace doce años que bailo aquí, el Moulin Rouge es mi segundo hogar.

No importa cómo me sienta en lo personal o los problemas que esté atravesando, cuando paso sus puertas, la alegría me contagia, me siento bien. Me digo que es una posición difícil la que ocupo, que hay mucha competencia, y me siento afortunada de poder probar que la merezco. Cada noche es diferente porque los espectadores son otros, porque yo tampoco soy la misma, si bien mi lugar en el show no cambia, la dificultad está en honrar ese desafío y dar lo mejor de mí misma como artista”. Adonis es griego, llegó a Francia a los 9 años para aprender danza clásica en Marsella, y finalizó el conservatorio de Montpellier. A los 19 años se trasladó a Paris donde trabajó como bailarín, acróbata y contorsionista en la Opera, el Lido y el Paradis Latin. Su solo de can-can inspirado en el creador de dicha danza, Valentin le Desossé, conquis-

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INTERNACIONALES | AUSTRIA

Josephs Legende Por Beatriz Cotello

El Ballet de la Ópera de Viena (Wiener Staatsballett) ofreció como primer reestreno de la temporada, un programa dedicado a la música de ballet de Richard Strauss -el año pasado se cumplió el 150° aniversario de su nacimientocon coreografía de John Neumeier, que incluye Josephs Legende (La Leyenda de José), creada por Strauss para los Ballets Russes (1914) y un conjunto de danzas bajo el título Verklungene Feste, de la serie que el músico compuso sobre piezas para piano de Couperin El Ballet de la Opera de Viena volvió a dar una muestra de que “cada día bailan mejor”, con dominio técnico y de la escena, gracia y expresividad. La gran sorpresa esta vez, fue que John Neumeier eligió a una bailarina del Corps de Ballet para interpretar el rol solista principal de la mujer de Potifar, que según la Biblia, quiso tentar al casto José y lo acusó (pérfidamente) ante su marido, de que quería seducirla.

Rebecca Horner, en quien cayó la elección, integraba el cuerpo de ballet de la Ópera, luego tuvo un bebé y se retiró unos meses y al volver de su licencia fue reasignada a la Volksoper1. Sucedió que en este teatro la sala de ensayo se cerró por unos días y los

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bailarines tuvieron que ir a tomar clase a la Ópera. Ahí la vio Neumeier, y decidió con empeño, elegirla para el papel solista de la seductora esposa. Una elección acertadísima por cuanto Horner aporta, además de las condiciones de una muy buena bailarina, una intensa fuerza expresiva. El personaje es exigente, su alma debe transitar desde la indiferencia a la pasión, pasando por la rabia ante el rechazo del casto joven.

En una entrevista realizada a los medios vieneses la bailarina señaló que la preparación de este papel fue un tour de force importante para ella, no sólo por el esfuerzo físico, y el poco tiempo, sino por su pesada carga emocional.

José estuvo a cargo de Denis Cherevychko, quien responde a la descripción que hacen del personaje tanto la Biblia como el conde Kessler, coautor, junto con von Hofmannsthal del argumento: un joven bien parecido y con aire de pureza. Hofmannsthal

Davide Dato, Liudmila Konovalova, Masayu Kimoto, Kiyoka Hashimoto, Mihail Sosnovschi, Irina Tsymbal, Eszter Ledán, Robert Gabdullin, Maria Yakovleva y Vladimir Shishov en Fin de Fiesta

Rebecca Horner y Denys Cherevychko en La Leyenda de José Fotos . Wiener Staatsballett/Michael Pöhn

insistía con Strauss para que la música lo representara como casto pero no despojado de virilidad y el músico tuvo que hacer varios ensayos hasta dar con el tono justo, si bien a los oídos de hoy resulta una música más bien alegre y pastoril.

A José lo secunda un ángel que lo guía y proteje -Kirill Kourlaev- aunque no lo salva de los facinerosos que lo secuestran y lo llevan enrollado en una alfombra para vendérselo a Potifar.

Según la Biblia, Potifar (Roman Lazik), un funcionario de la corte del Faraón, le habría tomado aprecio a ese joven esclavo, de tal manera de confiarle la administración de su casa y su hacienda.

No contaba con la pasión que el joven iba a despertar en su esposa.

El ballet se inicia con José y el ángel: José se ha quedado dormido y el ángel lo despierta, luego entra un grupo de forajidos y se lo lleva, y a continuación se pasa a una escena de conjunto, una recepción en la casa de Potifar. Se destaca en este cuadro el (exquisito) vestuario diseñado por Albert Kriemler de la casa Akris, las mujeres con vestidos largos ligeramente evasées, con cortes a los costados para permitir el movimiento de las piernas.

Todos modelos distintos como si fuera una fiesta actual, en una elegante armonía de colores.

La historia sigue su curso con su punto culminante en la escena de la seducción, Potifar sorprende a la pareja y llama a sus esbirros para que torturen a José y le den muerte, aparecen plañideras

todas de negro a acompañar su sacrificio, hasta que la seductora, en un gesto de arrepentimiento, le ruega a su marido que lo salve.

José es transportado por su ángel y ella se queda sola de toda soledad.

La coreografía de Neumeier, con su concepto de que el drama bailado debe ser “danza como drama y danza como… danza”, le brinda la mejor representación posible a la música expresionista de Strauss. En su preparación, Neumeier dice haberse inspirado en los bailarines rusos. La música parece haber penetrado en el cuerpo de los bailarines para salir expresada en sus movimientos hasta la más minúscula y externa porción corporal.

Todos los miembros de este conjunto de ballet corporizan cabalmente esta estética con sus cuerpos bien entrenados. Fue un éxito para celebrar con cerrado aplauso que se prolongó durante muchos minutos y terminó en “standing ovation”.

SOBRE LA HISTORIA La gestación de Josephs Legende duró varios años, y pasó por variadas peripecias, desde que el Graf Kessler, fascinado con Vaslav Nijinsky, interesó a von Hofmannsthal para el argumento y a Strauss para la música de un mimodrama dedicado al bailarín.

Por fin fue estrenada poco antes del estallido de la primera guerra mundial, pero el protagonista no fue Nijinsky, quien había

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VERKLUNGENE FESTE “Fin de Fiesta” podría ser una traducción adecuada del título de este ballet que tiene un hilo argumental, pero bien podría considerarse como un divertissement sobre danzas inicialmente de Couperin, que fueron arregladas y orquestadas por Strauss en 1923 y más tarde en 1941.

Se acabó la fiesta y se han retirado los invitados, queda uno perdido en sus pensamientos al lado de una mesa cubierta de copas y botellas vacías.

Una mujer surge lentamente desde abajo de la mesa. Poco a poco van llegando otras parejas y grupos de bailarines que nos llevan al recuerdo de “una vida feliz, radiante de belleza y juventud”.

Para la enumeración de las danzas, Neumeier apela a la original de Couperin (que había sido simplificada por Strauss): La Visionnaire, La Musette de Choissy, La fine Madelon, Les fauvettes plaintives… que son el alimento para su imaginación coreográfica.

Los dieciséis números dan lugar a numerosas combinaciones de solistas y grupos de bailarines. Las mujeres con túnicas cortas y sobrefalda en una gama de rojos y bordeaux, los muchachos de pantalón negro, camisa blanca o sin camisa y chaquetas negras o de sport.

En este artículo se menciona primero Josephs Legende por ser una obra más completa y trascendente, pero en la escena se representó Fin de Fiesta como una entrada preparatoria para el intenso drama posterior.

Con este ballet Neumeier logra una ajustada síntesis entre las antiguas danzas del tiempo de los reyes de Francia: la courante, la sarabande, la gavotte, la allemande, con el lenguaje coreográfico del siglo veinte que le es propio.

El título elegido por Strauss alude seguramente a que ese tiempo en que imperaba la gracia y el bon goût, era una fiesta que había terminado, con más evidencia al finalizar de la trágica guerra después de la que nada fue lo mismo y antes de la que le siguió. También él realiza un trabajo de síntesis entre las danzas originales y la estética de su tiempo en lo que utiliza combinaciones de instrumentos que hubieran sido impensables en el barroco. __BD 1. El Ballet Estable de la Ópera de Viena se denomina en este momento Staatsballett Wien y comprende a las dos casas nacionales de ópera: Staatsoper y Volksoper. Los solistas son comunes a ambos teatros pero cada uno tiene su propio Corps de ballet.

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Camino de Reconciliación

sido repudiado por Diaghilev desde que cometió el subversivo acto de casarse, precisamente, en Buenos Aires. Fue el inicio del declive del genial bailarín, a quien se le diagnosticó esquizofrenia unos años después.

En el estreno absoluto actuó Léonide Massine, fue uno de sus primeros roles en la compañía de Diaghilev, con María Kustensova y coreografía de Michel Fokine. Los vestuarios fueron de León Bakst y se hace mención de que la pelliza revestida por José había sido diseñada por Pierre Benois.

En las versiones modernas, el revestimiento de piel es sustituido por una especie de delantal sujeto por tiritas, que la mujer de Potifar le arranca de un tirón.

En 1977 Neumeier crea una nueva coreografía para el Ballet de Viena, que reinterpretó en 2008 para el de Hamburgo. Esta última versión es la que se presentó en esta temporada.

INTERNACIONALES | BÉLGICA

Josephs Legende

Sidi Larbi Cherkaoui será el nuevo director artístico del Ballet Real de Flandes junto a Tamas Moricz (William Forsythe) como director artístico asociado, a partir del 1 de septiembre de este año, en lo que arcará (una nueva era para la compañía belga A comienzos de febrero, el Consejo de Administración de Kunsthuis Opera Vlaanderen Royal Ballet de Flandes, anunció la llegada a Bélgica de estos dos artistas. Sidi Larbi Cherkaoui (en reemplazo de Assis Carreiro) como director artístico y miembro del Consejo de Administración, junto a Lena de Meerleer (gerente general) y Aviel Cahn (Intendente de la Opera Vlaanderen).

La temporada 2015-2016 será un año de transición, cuya programación y funcionamiento se darán a conocer a fines de abril “Como coreógrafo contemporáneo nacido en Amberes, he seguido el desarrollo del Royal Ballet de Flandes durante veinte años. El talento, virtuosismo técnico, la sensibilidad y la musicalidad de sus bailarines siempre me han inspirado, por eso fue un honor para mí compartir con ellos una pieza de mi propio repertorio en la temporada pasada (Faun), fue un primer paso hacia un cambio de repertorio con la compañía de ballet”, señaló Cherkaoui, tras el anuncio de su nombramiento.

El coreógrafo que viene desarrollando su labor desde hace una década en compañías de ballet clásico (Ballet de Monte Carlo, Le Grand Ballet de l’Opéra de Genève, el Ballet Real de Dinamarca, Het Nationale Ballet en los Países Bajos y la Ópera de París, entre otros), aseguró haber ganado con su experiencia la confianza y energía necesarias para este cargo. “Perseguiré un camino de reconciliación”, dice al refe-

CENTRO COREOGRÁFICO SIBILA Sidi Larbi Cherkaoui Foto . Koen Broos

rirse al creciente “intercambio constante entre las diferentes disciplinas de danza, el ballet clásico y la danza contemporánea cada vez más se complementan entre sí”. Y continuó: “Nuestra dirección respetará su historia al mismo tiempo que abrigará la ambición de abrir nuevos caminos” aunque aseguró que Eastman seguirá siendo su elenco de danza contemporánea.

Tamas Moricz, añadió para que no cunda el pánico que su intención es convertir al Royal Ballet de Flandes en un lugar nuevo e inspirador en el mundo de la danza. “Ambos compartimos el objetivo de mantener la formación clásica sólida de los bailarines y el repertorio clásico, pero a la vez, buscamos traer propuestas contemporáneas. El ballet clásico y la danza contemporánea pueden existir uno al lado del otro, y de hecho es la situación en la actualidad”. __BD

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balletin informativo BECAS NEMA es un programa intensivo de ballet de seis semanas (julio y agosto) en la Escuela de Artes en Movimiento de Burlington Massachussets, Estados Unidos, y estarán en Buenos Aires este mes, tomando audiciones los días 28 y 29, para becar a jóvenes desde los 15 años (Arterdance: Yerbal 79). Informes por teléfono: 4902-8932, E-mail: info@nemadance.com. Participar de la audición tiene un costo de cincuenta pesos argentinos.

Beca #PashWalk. Ricky Pashkus, Chet Walker y el Festival Jacob’s Pillow Dance Festival, convocan a cantantes, actores y bailarines, de 18 a 26 años, para seleccionar un becario que viajará al Festival de Estados Unidos, que se realizará entre julio y agosto de este año. La beca incluye alojamiento, comida, estudios y acceso a todos los espectáculos (no cubre pasaje aéreo). La inscripción cierra el 1 de abril y se realiza por e-mail: pashwalk.pillow@gmail.com.

CLASES ABIERTAS GRATUITAS Flamenco y danzas españolas. Por Hugo Salvatierra. Martes 10 y 17, jueves 12 y 19, 20 hs. Estudio Alas: Sánchez de Bustamante 579, Tel: 4962-6510.

CONVOCATORIAS El Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, busca preceptor/a para este año. Podrán postularse jóvenes de hasta 28 años, con manejo de office, para trabajar de lunes a viernes de 15:30 a 22:30 hs con disponibilidad los días sábados y traslados. Preferentemente deberá tener conocimientos de música y dominio de los softwares Sibelius y Finale.

La inscripción cierra el 16 de marzo.

Informes: isacademiaorquestal@gmail.com.

FIBA. Convocatoria para Obras Nacionales ya estrenadas. El Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires invita a los creadores de artes escénicas que residan en la Argentina para integrar la Programación Nacional del X Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), que se realizará en esta ciudad del 18 de septiembre al 4 de octubre de 2015, a participar de la convocatoria para Obras Nacionales ya estrenadas (teatro, danza y multidisciplinarios). Cada director o grupo sólo podrá participar con una única obra. Podrán participar obras creadas por uno o más autores, aunque en todos los casos la presentación deberá hacerla un solo integrante del grupo. La inscripción cierra el 19 de abril, y se realizará exclusivamente completando un formulario online: http:// buenosaires.gob.ar/festivales. Los resultados se darán a conocer el 10 de junio. La selección de las obras estará a cargo de un jurado integrado por Andrea Servera, Alejandro Ullúa, Carolina Prieto y Darío Lopérfido.

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Danza Sub-30. El Área de Artes Escénicas del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires, convoca a coreógrafos de hasta 30 años, de cualquier nacionalidad, para presentar proyectos de obras coreográficas a estrenar, de 20 minutos de duración como máximo.

Las piezas seleccionadas conformarán el ciclo Danza Sub-30 de este año cuyo inicio está previsto para agosto. El jurado estará conformado por Cecilia Vázquez (directora del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas), Alejandro Cervera (curador del Área de Artes Escénicas del Centro) y los maestros y coreógrafos Cristina Barnils, Ana Garat y Pablo Rotemberg. El Centro Cultural proveerá un monto de quince mil pesos argentinos, para la producción del espectáculo y el 70 % de la recaudación por entradas vendidas (descontados los importes correspondientes a las sociedades argentinas de autores); equipo de producción y técnica; espacio de ensayo; diseño gráfico y prensa del espectáculo. La inscripción cierra el 15 de marzo. Los interesados deberán enviar Cv del coreógrafo, fotocopia de DNI o pasaporte, breve reseña de la obra postulada (de 5 a 10 líneas), link a un video en Internet con ensayos de la obra (u otras obras ya estrenadas), por e-mail, a: rojasdanza2015@gmail.com, con el asunto: Danza Sub-30.

Solos Otra Vez. El Área de Artes Escénicas del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, convoca a coreógrafos argentinos o extranjeros a presentar proyectos de obras coreográficas a estrenar, de un solo intérprete (solos), de quince minutos de duración máxima, para integrar el Ciclo Sub-30 que comenzará en mayo. Los coreógrafos podrán ser los intérpretes de la misma. El Centro proveerá un monto de diez mil pesos argentinos para la producción del espectáculo, el 70 % de la recaudación por entradas vendidas; equipo de producción y técnica; espacio de ensayo; diseño gráfico y prensa. El jurado estará conformado por Cecilia Vázquez, Alejandro Cervera, Cristina Barnils, Ana Garat y Pablo Rotemberg. Los interesados en participar deberán enviar antes del 15 de marzo, Cv del coreógrafo, breve reseña de la obra postulada (de 5 a 10 líneas), link a videos en Internet de ensayos de la obra (o de obras ya estrenadas, a: rojasdanza2015@gmail.com.

ENCUENTROS Y CONGRESOS Encuentro de Arte 15. 7° edición. Del 20 al 25 de abril de 2015.

En Pro Cultura Salta (Mitre 331) y Casa de la Cultura (Caseros 460) de Salta. Coordinación general: Sandra Piccolo. Danza, teatro, música, artes visuales y su relación con las otras artes. Con el objetivo de generar un renovado espacio de interacción y análisis sobre los avances y resultados de la investigación en arte: profundizar en la reflexión en torno al rol del arte en el contexto social, educativo y cultural actual; propiciar un espacio de debate sobre las prácticas educativas innovadoras en la escuela; analizar políticas culturales y educativas vinculadas al arte y propiciar las propuestas tendientes a priorizarlas. El eje temático de este año será: “Los Diferentes Lenguajes Artísticos y los Movimientos Sociales Producidos”.

Se podrá participar ofreciendo una ponencia, seminario, taller, curso,

balletin informativo muestras y funciones y con la exhibición de posters. La inscripción cierra el 20 de marzo. Informes: encuentrodeartesalta@gmail.com.

Danzarium Bariloche 2015, Río Negro. Festejos por el Día Internacional de Danza (29 de abril). Organiza: Mónica Vega. 8° edición.

Del 27 de abril al 3 de mayo, Sala del Centro Cívico. Intervenciones en espacios públicos, escuelas y el hospital, talleres, seminarios, charlas, proyección de video, clases abiertas y festival de cierre.

Informes: creativedancebche@gmail.com.

Congreso Universitario Internacional de Tango Argentino. Organiza: Área Transdepartamental de Folklore de la Universidad Nacional de las Artes. Del 16 al 19 de junio de 2015, en la ciudad de Buenos Aires. Informes e inscripción: folklore.congresotango@iuna.edu.ar.

Tel:4866-1675 Int. 115 (de 12 a 16 hs.)

Cuba. Encuentro Internacional de Academias para la Enseñanza del Ballet. 21° edición, dedicada al centenario del natalicio del maestro Fernando Alonso. Comité Organizador: Ramona de Sa, Ana J. Bermúdez de Castro, Idania Sosa, Patricia Jiménez, Marcia Salgueiro y Celsa Rivera. Del 28 de marzo al 11 de abril de 2015, Escuela Nacional de Ballet (ENB), La Habana. Clases (ballet, repertorio, preparación física, teatro infantil, puntas, composición coreográfica, danzas de salón, danzas de carácter, talleres opcionales (pas de deux, taller coreográfico, técnica de danza, actuación, folklore, música orientada al funcionamiento corporal terapéutico, danza española, maquillaje), actividades para docentes (metodología, crítica), ensayos en el teatro, audición de obras presentadas por las academias participantes (un montaje de seis minutos como máximo).

Concurso internacional (desde 12 años), galas, encuentro con egresados de la ENB. Informes para viajar a Cuba, requisitos de visados y documentación, en la Agencia Paradiso: paradiso@cubarte.cult.cu.

CONCURSO Danza Beta Pública. Apoyo a la creación y a la innovación. 2ª edición. Organiza: Asociación Beta Pública, Pilar Villanueva. Público, coreógrafos, bailarines, programadores culturales, medios y productores participan -física y virtualmente- en los procesos creativos de las piezas de danza contemporánea seleccionadas, dando lugar a nuevas reflexiones y acercando puntos de vista que contribuyan a enriquecer el proceso creativo. La plataforma on-line Talents United (www.talentsunited.com) permite el acceso de artistas de danza de todo el mundo.

Se realizará una muestra coreográfica los días 24 y 25 de abril en el Centro Cultural Paco Rabal de la Comunidad de Madrid con las compañías seleccionadas (que recibirán un pequeño incentivo económico de 200€. La convocatoria estará abierta hasta el 15 de marzo y podrán postularse obras de 10 a 15 minutos de duración.

INSCRIPCIÓN El Instituto Superior de Formación Artística (ISFA) Aída V. Mastrazzi, abrió la inscripción a sus carreras terciarias de Profesorado de Danza con Orientación en Danza Clásica y con Orientación en Danza Contemporánea. La escuela pertenece a la Dirección de Educación Artística del gobierno de la ciudad de Buenos Aires y su educación es pública y gratuita. Informes: isfaamastrazzi@gmail.com, en Internet: profesoradomastrazzi.blogspot.com.ar.

abril. Informes: Centro Nacional de la Música: México 564, Tel: 43619570. E-mail: cndc.danzacontemporanea@gmail.com.

PRÉSTAMOS PERSONALES Fondo Nacional de las Artes (FNA). Nuevos préstamos personales, para artistas y artesanos jóvenes (hasta 35 años), hasta 36 cuotas, con el 9% de interés. Informes: A. Alsina 673, 4º piso (1087) CABA. Tel: 4343-1590 o en las delegaciones del FNA del interior del país. Línea gratuita para residentes del interior del país: 0800-333-4131, int. 122.

En Internet: www.fnartes.gov.ar.

RESIDENCIAS Laboratorio Prodanza 2015. El Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la Ciudad de Buenos Aires (Probanza) junto al Centro Cultural San Martín, convocan a coreógrafos y creadores de diversos géneros de danza, para presentar sus proyectos inéditos y en desarrollo, para participar del nuevo ciclo de residencias.

El Programa brindará acompañamiento para la gestación de nuevos proyectos a partir de una serie de recursos técnicos y profesionales que se pondrán a disposición de aquellos artistas seleccionados (espacios de ensayo y tutorías a cargo de reconocidos coreógrafos y/o directores). El jurado está conformado por el Directorio de Prodanza: Ana Kamien y Valeria Kovadloff (Directoras), junto a Macarena Blasco, Andrea Saltiel y David Señorán (Vocales). Se abrirán distintos llamados a lo largo del año, la primera convocatoria corresponde a las residencias del trimestre abril-junio y cierra el lunes 16 de marzo (los resultados se darán a conocer el 4 de abril). Los interesados deberán descargar de Internet las bases de participación y la ficha de solicitud, para presentarse exclusivamente por mail, a: prodanza_mc@buenosaires.gob.ar.

SUBSIDIOS Prodanza. El Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la Ciudad de Buenos Aires (Probanza) abrió la recepción de proyectos para postularse a los subsidios (apoyo económico) 2015 que entrega la institución. La inscripción cierra el 1 de abril de 2015, podrán presentarse los proyectos que aspiren a recibir apoyo económico por parte de Prodanza. Se priorizarán las propuestas que se destaquen por su singularidad artística y sus estrategias de desarrollo y circulación. La convocatoria está dirigida a cuatro tipos de destinatarios: Compañías o grupos de danza estables; Elencos o coreógrafos con proyectos puntuales; Salas teatrales no oficiales, Espacios no convencionales o experimentales, existentes y/o a crearse; Entidades y Asociaciones Culturales en cuyo objeto esté contemplada la danza en tanto actividad cultural/escénica. Los interesados deberán leer las bases e instructivos en Internet: http://www. buenosaires.gob.ar/prodanza/recursos/subsidios y remitir sus postulaciones, por e-mail a: convocatoriaprodanza@buenosaires.gob.ar.

PASANTÍAS La Compañía Nacional de Danza Contemporánea de la República Argentina, convoca bailarines de danza contemporánea, de 18 a 35 años, en etapa final de su formación para postularse a las pasantías 2015. Quienes resulten seleccionados podrán asistir a todas las clases de entrenamiento y ensayos de la compañía por un período de cuatro meses. Se seleccionarán dos bailarines del interior del país, uno de Latinoamérica residente en Argentina y otro de la ciudad de Buenos Aires.

Las pasantías se dividen en dos períodos, de mayo a julio las primeras, y de agosto a octubre las segundas. La inscripción cierra el miércoles 1 de MARZO 2015 .. BALLETIN DANCE .. 69

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Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar

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