BALLETIN DANCE 241

ISSN 1850-6275 2755 Año 22 . Nº 241 Abril 2015 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

TAMALYN DALLAL Maestra de Maestras MARCELA CARTA Nueva Directora del Ballet Oficial de Córdoba

ARGENTINA Primera Bienal deABRIL Performance 2015 .. BALLETIN DANCE .. 1

2 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Nota de Tapa 4 Bienal Performática

Staff

Actualidad 10 Más Performance 14 Un Primer Paso Importante 16 Un Oscuro Esplendor Refunda a Buenos Aires 18 La Corporalidad de Occidente en los Zapatos del Oriente 22 Con Altas Apuestas

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu colaboran en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Eliana Gissara Luisa Heredia Natascha Ikonicoff Toni Más Pilar Sagasta Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman corresponsales en el exterior Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 10

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Provincias 24 Córdoba. Nuevos Bríos para el Ballet Oficial

VI Sesión en el Parlamento de Osías Zanov

Danza Arabe 32 Tamalyn Dallal: De Aquí, de Allá, de Todas Partes

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5220027. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848.

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Danza Española 36 Danza y Música de España Comentarios 38 La Ciudad Danzante 40 Uno de a Dos 42 Para Abandonar una Vida Performática Entrevista 56 La Lupi. Retornar a una Bailaora de Antaño Balletin Dance 12 Un Nuevo Año Comienza

Internacionales 58 Austria. Programa Argentino en la Ópera de Graz 62 Austria. Marianela Nuñez como Odette/Odile en la Ópera de Viena 65 Austria. Keersmaeker Honrada 66 China.Bienvenida la Cabra 67 Francia. Se Retira Sylvie Guillem en Cartel 26/44/47/48/50/55/64/68 Balletin Informativo 69/70 Becas, convocatorias, financiamiento, premios, residencias, aclaración,puntos de venta

Sumario Abril 2015 Año 22 Nº 241

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ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 3

Bienal Performรกtica Desde Lejos 4 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Foto . gentileza de Osías Yanov

nota de tapa / por Nahuel Aguirre

Del 27 de abril al 7 de junio, un centenar de artistas dedicados a la performance se presentará en las ciudades de Buenos Aires, La Plata, Mar del Plata, San Juan y Neuquén -incluidas Marina Abramovic y Laurie Anderson-, en el marco de lo que será la primera Bienal de Performance, dirigida por Graciela Casabé, con todas sus actividades gratuitas

Fotos . Carlos Furman | Complejo Teatral de Buenos Aires ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 5

Cinco serán (hasta el momento) las ciudades que alojarán a la primera Bienal de Performance que se realizará en la República Argentina, y que contará entre sus invitados con Laurie Anderson, Marta Minujín, Sophie Calle, Tania Bruguera, Jorge Macchi, Amalia Pica y la madre de la performance, la yugoslava, Marina Abramovic. Según comentaron los organizadores del evento (más de tres decenas de personas integran el equipo), el objetivo es dar cuenta del accionar político y artístico de la performance a nivel regional e internacional, con amplia tradición en la Argentina, donde alcanzó niveles de popularidad en las décadas de los ‘60 y ‘70, y que aún conserva plena vigencia.

Compleja de definir por su carácter multidisciplinario y huidizo, la performance suele ser relacionada con la representación teatral, la danza o el happening. Y es en esa indeterminación, en esa fusión de diferentes lenguajes, donde radica todo su potencial. Cualquiera sea la concepción elegida para abordar el término, es sencillo llegar a una misma conclusión: performance es una serie de prácticas artísticas centradas en el uso del cuerpo.

La performance nunca pasa desapercibida -asegura el equipo organizador de la Bienal- provoca aceptación o rechazo, reflexión o negación. Transita desde siempre los umbrales de la ambigüedad y la contradicción, tratando de dinamitar década tras década oposiciones binarias entre lo vivo y lo mediado, lo espontáneo y lo escenificado, lo auténtico y lo planificado. Sin embargo, en la actualidad, son otras las problemáticas a nivel mundial que interfieren en su dilucidación. En plena época donde la vida está tan mediatizada por los avances científicos y tecnológicos,

Desde Nueva York llegará Abramovic, pionera de la performance como arte visual Foto . Marco Anelli

¿sigue siendo la presencia del artista un hecho tan poderoso y desestabilizador? ¿Puede una performance ser representada por otro cuerpo que no sea el del propio artista que la imaginó?

Durante cuarenta y dos días los museos de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Nacional de Bellas Artes (MNBA), la Fundación PROA, la Casa Nacional del Bicentenario y el Parque de la Memoria, serán algunos de los veinte escenarios, que albergarán diferentes tipos de presentaciones en vivo de esta corriente artística que toma prestados elementos del teatro, la música y la danza. Es por esto que también habrá representantes del arte coreográfico específicamente, entre los que se mencionan a Diana Szeinblum y Juan Onofri, entre tantos otros, que ofrecerán puestas y actuaciones.

A su vez habrá un área educativa, en coproducción con cantidad de universidades argentinas y extranjeras, a cargo de Susana Tambutti, cuyo objetivo es impulsar reflexiones sobre el arte y la sociedad contemporánea, a través de seminarios, workshops y charlas que tendrán cinco ejes temáticos: la interdisciplinariedad de la performance, el cuerpo como vehículo de concepciones artísticas, la valoración de lo efímero ante lo estable y el happening.

Si bien todas las actividades y presentaciones de la bienal serán gratuitas, las reservas deben hacerse a través de la web (http:// bp15.org), mientras que la performance de Laurie Anderson, The Language of the Future (8 de mayo en el Teatro Opera Allianz de Buenos Aires), tendrá un costo de $ 800 a $ 350 por entrada.

The Language of the Future Foto . Tim Knox

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VI Sesi贸n en el Parlamento Foto . gentileza de Os铆as Yanov ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 7

VI Sesión en el Parlamento La performance dirigida por el argentino Osías Yanov, tendrá lugar los jueves a las 19 hs, en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), con curaduría de Laeticia Mello. Esta exposición se inserta en las investigaciones recientes del artista sobre el lenguaje de acción, a partir de la potencia de la escultura como objeto y su diálogo con el cuerpo. Podría recordarse en la historia nacional las experiencias de Susana Zimmermann en base a esculturas de León Ferrari realizadas hace ya varias décadas, aunque en esta ocasión el coreógrafo es a la vez el escultor.

El año pasado el Malba seleccionó en una convocatoria de performances especialmente pensadas para el museo, el proyecto de Mello (Buenos Aires, 1983) con Yanov (Buenos Aires, 1980), “…que evoluciona a partir de una investigación de operaciones gestuales tomadas de la maquinaria cultural argentina y procesadas en una nueva imagen que se ubica en los límites de lo sexuado como postura disidente”, explicó la curadora.

Si existiera la posibilidad de que una serie de movimientos sea suficiente para establecer una ley: ¿cómo sería un parlamento de cuerpos donde se sesione a partir de coreografías? Mediante prácticas performáticas en relación a elementos escultóricos, esta obra explora al individuo como generador de cambios mediante su reverberación física.

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Foto . gentileza de Osías Yanov

Osías Yanov concibe al cuerpo como reservorio infinito de significados. Esto se traduce en su obra como un espacio de comunicación que trasciende las estrategias de un lenguaje meramente visual y se presenta como discurso de acción más allá de la norma.

“En su producción el performer y la escultura se unen en un nuevo código gestual arraigado en una dinámica de movimiento entre cuerpo, objeto y espectador presente, desafiando los límites de la representación de la performance y las artes visuales”, analiza Mello.

Cuatro núcleos de acción ocurren en simultáneo en las distintas plantas del Malba.

Diez intérpretes ejecutan una coreografía utilizando esculturas de hierro, realizadas por el artista como partitura de composición, que dialogan desde lo formal con los intérpretes seleccionados ad hoc. Se proponen cuatro abordajes: “límite, penetración, sujeción y sintetización, a través de los cuales los ejecutantes dialogan con las estructuras y la arquitectura del museo”.

Uno de los recursos que complementan la modificación conceptual del cuerpo planteada por Osías Yanov es el uso de catsuits, trajes realizados en materiales artificiales, plásticos brillantes y texturas metalizadas que “aluden a un tecno performance donde el cuerpo borra su identificación y desafía los conceptos de género en un deseo por vincularse con los aspectos más profundos de su condición”, reflexiona la curadora.

Acompaña la exposición un libro especialmente editado para la ocasión, con la documentación de la obra, una introducción de Agustín Pérez Rubio (Director Artístico del MALBA) y el ensayo curatorial de Laeticia Mello “Osías Yanov: Enunciación del cuerpo”.

Intérpretes: Nacho Arias, Gabriel Bergonzi, Maurox García, Nacho García Lizziero, Joinner Hoyos, Franco La Pietra, Gastón Ledezma Foster, Gastón Osiris, Jair Jesus Toledo y Max Vanns. __BD

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TÉCNICAS DE TRABAJO CORPORAL de Alfredo Gurquel Elongación x Elongación Método de estiramientos basado en la biomecánica De Alfredo Gurquel

Tratado de Danza Clásica basada en la Metodología de Elongación A l f r e d o

G u r q u e l

Tratado de Danza Clásica Basada en la Metodología de Elongación De Alfredo Gurquel

D de clase DVD E Elongación x Elongación E 2 clases een 1 disco DDe Alfredo GGurquel

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COLECCIÓN SÚLKARY CUBA dirigida por Mercedes Borges Bartutis Miguel Cabrera

Nacimiento de una escuela en el Siglo XX

Salsa S y Casino D Bárbara De B Balbuena Gutiérrez G

E Ballet en El C Cuba DDe Miguel CCabrera

SÐLKARY CUBA

EL BALLET EN CUBA

El Cuerpo Creativo De María del Carmen Mena Rodríguez

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COLECCIÓN BALLETIN DANCE DIDÁCTICO (PEDAGOGÍA) de Alicia Muñoz ALICIA MUÑOZ

Cuerpos Amaestrados VS Cuerpos Inteligentes DESAFÍO

PARA

EL

Ca o Caos C P l Planio cación

ALICIA MUÑOZ

La Evaluación E l i en la Danza

LLa Evaluación eell la Danza

MUCHO MÁS QUE PONER UNA NOTA

DOCENTE

....................... b a l l e t i n d a n c e d i d á c t i c o ...................... v o l u m e n 6

. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . d a n c e b a l l e t i n d i d á c t i c o . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . v o l u m e n 8

COLECCIÓN HOMENAJE LOS IRREPETIBLES Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola De Juan Cruz Guillén

COLECCIÓN DE AUTOR Esmée E Bulnes Maestra M Incansable In De D Enrique Honorio H Destaville D

Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o

La danza española y el baile flamenco

UN

C Cuerpos A Amaestrados V Vs Cuerpos IInteligentes n

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y El baile E pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

Colección de Autor

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ACTUALIDAD

Más Performance

En el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) se está desarrollando el proyecto Experiencia Infinita, con curaduría de su director artístico, Agustín Pérez Rubio Experiencia Infinita es una exposición de obras en vivo que invita a reflexionar sobre los modos de vida y de aproximación al arte y al museo que puede visitarse los días miércoles. Es un acontecimiento inédito en el marco de un museo latinoamericano, que contempla que todas las obras (situaciones construidas, instalaciones en vivo, representaciones y coreografías), hayan sido creadas en los primeros años del siglo XXI. Se exhiben a lo largo del año piezas de ocho artistas nacionales e internacionales que en su mayoría debutan en la Argentina: Jennifer Allora (Estados Unidos) & Guillermo Calzadilla (Cuba), Diego Bianchi (Argentina), Michael Elmgreen (Dinamarca) & Ingar Dragset (Noruega), Dora García (España), Pierre Huyghe (Francia), Roman Ondák (Eslovaquia), Tino Sehgal (Reino Unido) y Judi Werthein (Argentina). ¿Puede existir un museo viviente, donde las piezas actúen, hablen, se muevan y vivan eternamente? Para Agustín Pérez Ru-

La obra de Pierre Huyghe que podrá verse en el Malba Foto . gentileza de prensa

bio “las obras de Experiencia Infinita tienen especialmente en cuenta la idea de lo vivo, que no sólo se distribuyen en el tiempo, sino también en el espacio: la experiencia es como un viaje; las diferentes situaciones se suceden unas a otras”, explica.

La reflexión sobre la relación tiempo / trabajo está implícita en toda la muestra. Las obras seleccionadas reflejan sus modos históricos de visualización en un loop, en un reloj, en una narración interminable, en percepciones parapsicológicas, en una

letanía de cantos y posturas con contenido político, o en la propia historia del arte que nos han contado y nunca hemos visto.

El proceso cobra igual o mayor importancia que el resultado de la obra, que en el caso de estas piezas consiste en la materialización de una acción, cuya duración coincide con la del tiempo de la exposición. “El tiempo y sus procesos realizan la obra, son la obra, junto a las reacciones del público, sus preguntas y sus acciones”, destaca Pérez Rubio. “Experiencia Infinita es una plataforma de exploración, un territorio fértil para nuevas preguntas, posiblemente infinitas”. __BD

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BALLETIN DANCE

Un Nuevo Año Comienza

Esta edición marca el 21º aniversario de Balletin Dance.

Veintiún años han pasado desde su fundación en abril de 1994. Es un hecho histórico en nuestro país. La continuidad de un emprendimiento privado durante tantos meses ininterrumpidos “no fue magia” Una conjunción de habilidades, conocimientos y voluntad, junto a algunas dosis de intuición combinada con favorable azar, sumado a una férrea convicción e indudable tenacidad (y por qué no decirlo, también, coraje), y por supuesto todo ello sustentado en una reflexión constante sobre la tarea realizada, lograron que Balletin Dance perdure veintiún años.

No fueron los nuestros, años de mantenerse, sino de superación, de evolución, de responder a las necesidades de los lectores y de los auspiciantes, de los creadores y de los intérpretes, de los maestros y de los alumnos, del público y de los productores. Nos abocamos a cubrir algunos vacíos existentes en el ambiente de la danza, ofreciendo información, difusión y comunicación.

Nuestra labor ha sido reconocida, año a año, por diferentes instituciones estatales y privadas. Esta revista es un medio de comunicación específico para la danza, sostenido por el mismo sector estimulado por Terpsícore. Es nuestro, es de todos. Por eso, una vez más, a todos ustedes les decimos gracias.

Balletin Dance es una herramienta de consulta en todo el mundo. Todas sus ediciones están indexadas en las bases de datos más

prestigiosas del mundo de la investigación académica, integra bibliotecas de centros especializados de diferentes lenguas y de escuelas de danza de niveles medios, terciarios y universitarios.

Esta vidriera que se ofrece a quienes comparten sus páginas, nos llena de orgullo. Es que la danza en la República Argentina es cuantiosa, sólida, emocionante, visceral y casi siempre honesta.

DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA La Revista Argentina de Danza nació en abril, en concordancia con el Día Internacional de la Danza, que se impuso mundialmente en 1982 (por una iniciativa del Comité de Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI), pronto adoptada por el resto de los organismos internacionales) en homenaje al revolucionario Jean Georges Noverre, el día de su natalicio, 29 de abril (1727-1810).

Todos los años el ITI encarga un mensaje a una personalidad del mundo de la danza, para ser esparcido por todo el planeta. En 2015, el turno fue de Israel Galván. Extractamos de su misiva algunos fragmentos: “Carmen Amaya, Valeska Gert, Suzushi Hanayagi, Michael Jackson... Yo no podría descifrar sus estilos de baile... los veo

Israel Galvan Foto . gentileza del artista

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como turbinas generadoras de energía y esto me hace pensar en la importancia de la coreografía sobre esa misma energía del que baila. Seguramente lo importante no es la coreografía, sino precisamente esa energía, el torbellino que provoca. Imagino una bobina tesla atrayéndolos a todos, emitiendo un rayo sanador y provocando una metamorfosis en los cuerpos: Pina Bausch como mantis religiosa, Raimund Hoghe convertido en escarabajo pelotero, Vicente Escudero en insecto palo y hasta Bruce Lee en escolopendra”.

Galván sintetiza su vida, señalando que de pequeño no le gustaba el baile, lo hacía instintivamente, pero con el tiempo descubrió que su práctica curaba “me hacía efecto, casi medicinal” para transformarse luego en una obsesión “que consume mis horas y que hace que baile hasta cuando me quedo quieto”. Y poco después asegura que “¡los que no bailan no tienen suerte, están muertos, ni sienten ni padecen!”.

“Me gusta la palabra fusión. No como palabra de marketing: confusión para vender un determinado estilo, una marca. Mejor fisión, una mezcla atómica: una coctelera con los pies clavados en el suelo de Juan Belmonte, los brazos aéreos de Isadora Duncan y el medio cimbreo de barriga de Jeff Cohen en Los Goonies.

Y con todos estos ingredientes hacer una bebida agradable e intensa, que esté rica o amarga, o se te suba a la cabeza. Nuestra tradición también es esa mezcla, venimos de un coctel y los ortodoxos quieren esconder su fórmula secreta”.

Israel Galván recuerda un antiguo proverbio chino que dice: “el aleteo de las alas de una mariposa se puede sentir al otro lado del mundo. Cuando una mosca levanta el vuelo en Japón, un tifón sacude las aguas del Caribe. Pedro G. Romero, después de un aplastante baile por sevillanas, dice: el mismo día que cayó la bomba en Hiroshima, Nijinsky repitió su gran salto en un bosque de Austria.

Y yo sigo imaginando: un latigazo de Savion Glover hace girar a Mikhail Baryshnikov. En ese momento, Kazuo Ono se queda quieto y provoca una cierta electricidad en María Muñoz que

piensa en Vonrad Veidt y obliga a que Akram Khan provoque un terremoto en su camerino: se mueven sus cascabeles y el suelo se tiñe con las gotas cansadas de su sudor”.

Para finalizar, un deseo: “bailemos todos, como lo hacía Béjart, bailemos a lo grande, bailemos el Bolero de Ravel, bailémoslo juntos”.

Por otro lado, El Consejo Internacional de la Danza (CID) emitió un comunicado de su propio presidente, Alkis Raftis. Extractamos también del suyo, algunos fragmentos: “Hace un siglo, Sergei Diaghilev revolucionó el ballet, invitando a los pintores y músicos de mayor talento de su tiempo a contribuir en sus producciones. Tengo la impresión de que hoy en día los coreógrafos descuidan las otras artes y no sienten la necesidad de presentar sus creaciones junto a sus iguales en otros campos”.

En su seguridad con respecto a que el público agradecería la inclusión de otras artes en los espectáculos de danza (pintura, escultura, teatro, música, poesía, arquitectura), redobla su creencia al sugerir “otras expresiones artísticas más modernas como la fotografía, el cine, diseño multimedia, de iluminación, de sonido, etc. Incluso permítanme ir más allá proponiendo enriquecer la coreografía con las humanidades (historia, literatura, filosofía y lingüística). Personalmente me gustaría sobre todo disfrutar de la narración de cuentos, artes marciales, y -lo digo muy en serio- artes culinarias”.

Así, el CID unió sus fuerzas con una organización hermana para celebrar el Día de la Danza 2015: la Asociación Internacional del Arte IAA/AIAP, una organización no gubernamental cuyas oficinas se encuentran junto a las del CID, en el edificio de la UNESCO de París. __BD

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ACTUALIDAD

Un Primer Paso Importante Por Daniel Sousa / Fotos: Alicia Sanguinetti

El proyecto de creación del Sindicato de Trabajadores de la Danza tuvo su presentación oficial. En ese marco, se anunció también la constitución del Foro Argentino de la Danza, cuya primera actividad será una jornada de debate sobre las necesidades más urgentes de los bailarines, el próximo 29 de abril en la Facultad de Derecho Con una reunión pública a la que asistieron referentes de distintas ramas de la actividad y prensa especializada, fue presentado formalmente el proyecto de creación del Sindicato de Trabajadores de la Danza, un órgano gremial cuya constitución avanza en paralelo con la Ley Nacional de Danza, que aún espera su aprobación en el Congreso de la Nación.

Al frente de la iniciativa se encuentra una mesa coordinadora compuesta por las coreógrafas y docentes Mariela Ruggeri, Eugenia Schvartzman y María Noel Sbodio, a la que recientemente se incorporó Ricky Pashkus, dispuesto a colaborar en darle empuje y visibilidad al nuevo encuadramiento sindical.

“La Ley Nacional de Danza permanece en la Comisión de Cultura del Senado. No hay un dato fehaciente de cuándo podrá ser tratada. Apelamos a que pueda darse la media sanción en este año, aun sabiendo que es un año electoral, complejo. La primera instancia es el Senado, luego pasaría a Diputados, y después debería volver al Senado y reglamentarse. En paralelo con la ley, estamos propiciando ahora la creación del Sindicato de Trabajadores de la Danza”, le contó Schvartzman a Balletin Dance en la previa del encuentro.

A la convocatoria en un hotel céntrico asistieron representantes del interior del país y dos decenas de figuras populares dentro de la actividad, que -al decir de Pashkus- serán las “encargadas de bajar la información al resto de los bailarines” alcanzados por esta iniciativa. Allí estuvieron, entre otros, Eleonora Cassano, Juan Carlos Copes, Alejandro Ibarra, Vivian Luz, David Señorán, Mora Godoy, Gustavo Bertuol, Mecha Fernández, Pedro

Velázquez, Manuel Vallejos, Ana Padilla, Facundo Mazzei, Federico Fernández, Pablo Juin, Milagros Michael, Marcos Ayala, Daniela Fernández, Isa Soares, Gabriel Usandivaras, Jimena Olivari y Carlos Casella.

“Estamos hablando de la unión de muchas voluntades. Los bailarines movemos mucho dinero y debemos tomar conciencia de eso. Por esta razón, nadie puede discutir por nosotros sino nosotros mismos. Hablamos de la danza como un trabajo, todos acá somos trabajadores y no hay clásicos contra modernos o contra comedia musical. Esta diversidad de gente que hemos reunido es mi mayor felicidad”, resumió Pashkus al hablar ante el auditorio.

Como “instancia superadora”, Ruggeri anticipó a esta revista la creación del Foro Argentino de Danza, “que es la herramienta institucional mediante la cual pensamos llevar adelante el debate y la resolución de temas como el laboral, y otros que atañen a los bailarines. El Foro va a nacer formalmente el próximo 29 de abril con una reunión en la Facultad de Derecho, en la que habrá mesas de trabajo sobre el tema número 1 de nuestra agenda, que es precisamente la creación del Sindicato”. (Más información: leynacionaldedanza@gmail.com).

Viniendo de lugares tan distintos, ¿cómo coincidieron con Pashkus en esta cruzada?

Mariela Schvartzman: Básicamente, porque existe un problema que es insoslayable. La problemática laboral en la danza es uno de los grandes temas de la actividad. En algún momento se dio un quiebre que hizo que Ricky entendiera que había que ocuparse de este asunto, y nosotras ya veníamos trabajando en esto.

Fue llamarnos y ponernos a trabajar a la par. No nos sirve la individualidad. ¿Qué tiempos prevén para la constitución del sindicato?

Esto se tiene que dar enseguida. Es más: para el 29 de abril ya vamos a tener un número de legajo otorgado por el Ministerio de Trabajo. La concreción es inminente. Nos urge hacerlo y además éste es un momento histórico para conseguirlo. En agosto se van a cumplir ocho años desde que empezamos a trabajar en el proyecto de ley. Siempre supimos que iba a ser un trabajo muy arduo, hay muchos intereses en juego más allá de la voluntad que cada uno de nosotros tenga; aunque recalco que la voluntad es lo principal.

María Noel Sbodio, Ricky Pashkus y Mariela Ruggeri describieron ante los presentes los lineamientos generales del futuro encuadramiento gremial 14 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Para entender de qué se trata ¿Por qué es necesario un Sindicato de Trabajadores de la Danza?

Comparado con el régimen laboral convencional, el trabajo del artista de la danza posee características únicas, absolutamente atípicas. Un sindicato general nunca podría contemplarlas, y tampoco un sindicato especifico de otra rama del arte. La genuina defensa de los derechos de los artistas de la danza sólo se logrará con un sindicato específico de trabajadores de la danza, que contemple a bailarines, coreógrafos y maestros de todas las disciplinas. ¿En qué medida cree que va a afectar al proyecto el proceso electoral que se avecina?

A título personal considero que el año electoral tiene que ver muy poco con la aprobación de la ley. Lo que debe primar es la voluntad política. Del mismo modo en que en una persona física prima su voluntad para conseguir algo, en el ámbito político debe primar la voluntad política. Si no existe esa voluntad, la ley no va a salir, sea o no sea éste un año electoral.

Participaron recientemente de un encuentro con un colectivo de bailarines en la provincia de Santa Fe. ¿Las demandas del interior son similares a las de la Capital?

Sí, se repiten cada vez con más énfasis. El NOA está trabajando en el armado de un gran evento de cara a estas cuestiones. Yo soy pampeana e históricamente la mía no ha sido una provincia interesada en visibilizarse en estos temas. Sin embargo, viene trabajando muchísimo para tratar de darle solución a los problemas de los bailarines. Las cosas van decantando. Antes que artista, uno es trabajador. Si no aclaramos esto, nada va a ser realmente claro de ahí en adelante. Por otra parte, la Ley Nacional de Danza es una ley de marco y fomento de la actividad. Si no logramos tener un espacio donde enmarcar la actividad de acuerdo con las necesidades reales de este momento, no podemos pensar en que tenga un desarrollo sustentable. Los temas que nos preocupan están complemente presentes, están por debajo del grand plié, diría. Sólo hay que poner manos a la obra para resolverlos. ¿Cuáles son las prioridades?

El problema del trabajo sin cobertura de ART, la edad jubilatoria, la ausencia de legislación laboral, la problemática fiscal, el marco regulatorio de los espacios donde se realiza la actividad, la mutualidad, etc. Por otro lado, no hay que olvidarse del carácter de bien inmaterial de la danza. No se puede poner en el mismo nivel un bien cultural material con otro que no lo es. Dentro de los bienes culturales inmateriales, la danza tiene sus propias particularidades, sus atipicidades, que a todas luces piden que se las contemple. __BD

¿Cuántos son los trabajadores de la danza en la Argentina?

Sin dar una cifra taxativa, es posible arriesgar que suman más de 10.000 personas. ¿Cuáles son las necesidades específicas de los trabajadores de la danza?

El cuerpo del bailarín es su única y fundamental herramienta de trabajo. Esta sola cuestión determina la realidad laboral.

Su cuerpo, su herramienta, es sometido desde temprana edad a una sobreexigencia, que se extiende también a la etapa profesional. Por esta razón, cuestiones sensibles para cualquier trabajador cobran para el caso de los bailarines especial dimensión: el trabajo sin cobertura de ART, la edad jubilatoria, la ausencia de legislación laboral, fiscal y de seguridad social específica, son temas que necesitan urgente atención. ¿Qué propone el Sindicato de Trabajadores de la Danza?

Propone reconocer los derechos de los trabajadores y hacer que sean respetados: obtener remuneraciones justas y con sus correspondientes aportes, tener reglas de trabajo claras, y específicas para la actividad. Contar con una mutual propia, con espacios que brinden posibilidades de desarrollo (ensayos, clases, muestras), gozar de una jubilación, entre otros beneficios. Al artista se le debe respetar su arte tanto como sus derechos de trabajador de la cultura. ¿Qué tiene que ver esto con la Ley Nacional de Danza?

El proyecto de ley reconoce el estatus de trabajador a bailarines, coreógrafos, maestros, ensayistas, investigadores, gestores, etc. Sin embargo, no se trata de un proyecto de legislación laboral sino que pretende ser una ley marco y de fomento de la actividad. La realidad laboral de los hacedores de la danza debe ser abordada a partir de la creación de un sindicato y de legislación laboral ad hoc. Ambos proyectos son necesarios para que se pueda pensar la actividad desde una integralidad.

Fuente: Foro Argentino de la Danza ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 15

Danzas Afro: la Eterna Reivindicación del Arte Africano

Por Toni Más

Un Oscuro Esplendor Refunda a Buenos Aires

ACTUALIDAD

Con abril llega a Buenos Aires la segunda edición de Ciclo 4 x 4, Colectivo de Coreógrafos de Danzas de Matriz Africana, en el que cuatro directores cruzarán sus materiales en funciones compartidas, en pares alternados, los domingos a las 20:30 hs, en el Teatro El Popular (Chile 2080) Las temáticas de las obras de esta segunda edición, sostienen claro compromiso con un área muy específica, aún en estudio, de los pueblos africanos y es el de la religión. Es sabido el prejuicio que, aparejado a las diversas formas de discriminación, han soportado estos pueblos. Con sustanciales diferencias, pero con relativa similitud a la llegada del cristianismo al mundo occidental, las culturas Yoruba, Bantú y Carabalí, con mayor o menor grado de pureza unas que otras, conservan estructuras teocráticas de clara incidencia en la vida civil e institucional.

Esto da particular riqueza al lenguaje corporal emanante de estos corpus filosóficos, pues la vida misma pasa por

Un legado milenario de África, más allá del tiempo y el color de la piel

16 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

la expresión más visible de su arte, que es la danza. Aunque en estado más puro, con una función más social y colectiva, sin el afán de registro autoral individual que caracteriza a la sociedad de consumo. Los asentamientos más notables de estos focos culturales que conservaron su desarrollo religioso fueron, fundamentalmente, Cuba (como referencia en el Caribe), Brasil y, en menor medida, Uruguay (en Suramérica). Lugares donde de generación en generación y por transmisión oral, las tradiciones culturales y artísticas, han permanecido casi intactas, aunque adecuadas, dialécticamente, a las contingencias de la vida cotidiana.

Desde estos puntos llegaron a la Argentina y de a poco se infiltraron, a partir de los años noventa aproximadamente, en diversos espacios académicos como el Centro Cultural Ricardo Rojas y el Danzario Americano, por citar sólo dos. Es imposible relacionar aquí a los protagonistas que hicieron un gran aporte a lo largo de más de 20 años, de forma estable, y de quienes dejaron su impronta y regresaron a su país o tomaron otro rumbo. Sería tema de otra nota.

En todo este tiempo han ocurrido sucesos pocos divulgados. En el orden religioso el Sistema de Adivinación de IFÁ fue añadido por la UNESCO en el año 2005, a la lista de “Piezas maestras de la herencia oral e intangible de la humanidad”. Este sistema abarca a la Regla de Osha, muy popularizada como Santería y Candomblé, cuyos centros son Ife y Hoyo en Nigeria. También abarcará a la Regla del Palo originario de la cuenca del Congo.

En el orden político y social, la Asamblea General de Naciones Unidas (ONU) dictaminó por consenso, una resolución que establece la celebración del Decenio Internacional de los Afrodescendientes desde el 1º de enero de 2015 al 31 de diciembre de 2024. Y en Argentina, el 8 de noviembre fue decretado día del afrodescendiente argentino, desde el año 2013.

La primera edición de este ciclo de danza 4 x 4 sesionó del 6 de abril al 11 de mayo del año pasado. En el mismo Teatro El Popular, cada domingo, pudo verse Santo y Pagano de Cecilia Benavides y Marcos Remolgado, Kairos Otro Tiempo de Ezequiel Barrios, Entranse de Julieta Eskenazi y Mujeres de Barro de Sandra Medina. Salvar esa memoria del ayer reciente es recobrar el aliento que la ha impulsado y que fragua, desde un anonimato de apenas 500 años, una existencia para la posteridad condensada en el folklore “afrolatinoamericano”.

Un legado imposible de “invisibilizar” que subyace y se reinventa como dignificante arte tradicional y de resistencia.

Los datos anteriores evidencian la plausible valía que, desde Argentina y con esta segunda edición de Danzas de Matriz Africana, logran sostener y rescatar un nutrido grupo de artistas de la danza formados en ballet clásico, expresión corporal, danza contemporánea y otras disciplinas y estilos supuestamente alejados de la milenaria cultura afro. __BD

Cada movimiento es un ritual que oculta un mito y cuenta una leyenda Fotos . gentileza Escuela Proyecto Mestizo

AGENDA Domingo 12 de abril: Ominira de Gaby Fabro y Océano de Melissa Hermo.

Domingo 19: IÉ de Ezequiel Barrios y Tres Cuerpos Rituales de Cecilia Benavides.

Domingo 26: Ominira e IÉ.

Domingo 3 de mayo: Océano y Tres Cuerpos Rituales.

Domingo 10: Ominira y Tres Cuerpos Rituales.

Domingo 17: IÉ y Océano.

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ACTUALIDAD

La Corporalidad de Occidente en los Zapatos del Oriente Por Natascha Ikonicoff Con nueva dirección, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, presentó Tensión Espacial, una obra del coreógrafo y compositor coreano Kim Jae Duk, del 20 al 22 de marzo en el Centro Nacional de la Música, en el marco del festejo por el 50° aniversario de la inmigración coreana en la Argentina Tras la renuncia de Cristina Gómez Comini en diciembre del 2014, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea (CNDC) inició la temporada 2015 bajo la dirección de Eduardo Rodríguez Arguibel (Director de Música y Danza de la Nación) con la codirección de Gustavo Maris (Asesor de Danza), quienes asumirán la responsabilidad del grupo hasta que se llame a concurso para ocupar el puesto, lo cual no pareciera estar previsto para este año. Balletin Dance se comunicó con Maris, quien hizo hincapié en la necesidad de la existencia de un director, ya que la modalidad de gestión democrática parece factible sólo en grupos reducidos, lo cual ya no es el caso de la CNDC: “Ahora el trabajo será acostumbrarlos a que haya un ordenador, porque ellos tienen la costumbre de decidir todo”, sostuvo el codirector.

Así, una de las primeras medidas que tomó Maris fue introducir una disciplina de entrenamiento que, si bien sigue una línea determinada (por ejemplo, exige preparación en clásico), busca ser permeable a los aportes que deseen realizar los bailarines, siempre y cuando sume a la propuesta de base. “Hubo alguna resistencia, afirmó Maris, pero por algo uno tiene estos trabajos cuando es grande y no cuando es jovencito. Soy mucho más grande que ellos, tengo experiencia y hay muchas cosas que puedo manejar. Todos ellos son buena gente y trabajan mucho”.

El asesor de danza señaló que suspendieron las audiciones que estaban llevando a cabo por causas de fuerza mayor, pero que dentro de poco tiempo se retomará la convocatoria para no perder el puesto disponible (un bailarín varón). Maris agregó que en el caso de continuar con la dirección, apuntaría a lograr realmente un buen número de integrantes ya que “es una fuente de trabajo muy importante para los chicos, y también para los de afuera”.

Por otro lado, también explicó que el Ministerio de Cultura no permite cuentas de mail o de sitios sociales que no estén institucionalmente autorizados, por lo que tuvieron que dar de baja usuarios ya existentes en internet (redes sociales inclui-

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das), adoptando en cambio una fan page de facebook llamada “Amigos de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea” que cumple la función de brindar información respecto de la CNDC sin representarla de forma oficial.

Las nuevas autoridades tienen previsto un ajetreado calendario para este año: Maris confió a Balletin Dance que ya tienen programados nuevos montajes, reposiciones de ballets que en su momento gozaron de bastante éxito y giras por las provincias de Chaco y Salta en abril, y Tucumán y Córdoba en septiembre, entre otras actividades. “Si bien el primer semestre ya está armado, faltan confirmar algunas cosas del segundo, además de dosificar un poco la cantidad de actividades. No porque trabajen mucho, hay que excederlos en lo físico” afirmó en referencia al intenso trabajo que conllevaron los meses de febrero y marzo.

En efecto, al comienzo del año, la compañía no solo trabajó con Kim Jae Duk, sino que además Carlos Trunsky estuvo montando otra coreografía que se estrenaría la segunda quincena de julio.

LA OBRA La CNDC presentó a fines del mes pasado Tensión Espacial, una obra de Kim Jae Duk, en una actividad organizada por la Dirección de Música y Danza (de la Dirección Nacional de Artes del Ministerio de Cultura de la Nación) y el Centro Cultural Coreano, con producción del Servicio Coreano de Administración de Artes (KAMS, sus siglas en inglés) dentro del programa NEXT. Cuenta también con el apoyo del Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo de la República de Corea, en el marco de las celebraciones del cincuenta aniversario de la inmigración coreana en Argentina.

Dividida en tres partes, la obra comenzó con un montaje grupal que, entre tiempos y contratiempos musicales, combinó movimientos secos y precisos con otros que encarnaron más bien la disrupción caótica de las vibraciones, tensiones y fuerzas antagónicas del cuerpo vivo y en acción. Esta primera parte se caracterizó por el crescendo de la intensidad tanto a nivel musical como a nivel energético, que mantuvo al público en un estado de adrenalínica expectativa.

En un segundo momento, la coreografía se centró en el examen de las distintas velocidades del movimiento vital en situación de confrontación corporal. De este modo, durante una suerte de tango-lucha, una pareja de bailarines volvió visible una gama de matices afectivos, que luego se siguieron explicitando, de manera fraccionada, a través de una multiplicidad de secuencias breves interpretadas por diferentes subgrupos.

La tercera parte, acompañada por la voz de Seung Joon Jeong, descansó en el concepto de la introspección: se recrearon escenas de meditación, seguidas de puestas en escena del contraste entre el cuerpo inmerso en prácticas físicamente exigentes, como por ejemplo correr, y el cuerpo en estado de relajación, con respiraciones sostenidas y pausas. La obra finalizó con un bailarín que realizaba movimientos cotidianos pero de forma cada vez más frenética, ubicado en el centro del escenario, rodeado de los demás integrantes, que caían abruptamente al piso y se reincorporaban nuevamente, una y otra, y otra vez.

Lo más llamativo de Tensión Espacial fueron los dibujos que trazaron los cuerpos, que aludían indudablemente al lenguaje corporal oriental, así como las repeticiones de las secuencias que dotaron de carnadura la idea oriental del movimiento automatizado, como medio para alcanzar el estado de máxima concentración interior que requiere la meditación.

El vestuario se destacó por su simplicidad: las bailarinas Magalí del Hoyo, Julieta Gros, María Kuhmichel, Virginia Viberti, María del Mar Codazzi y Yésica Alonso usaron ropa cotidiana color negro mientras que los bailarines Diego Franco, Ernesto Chacón Oribe, Rafael Peralta, Enrique Martín Gil y Nelson Nahuel Leiva iban de traje. A partir del segundo segmento, los hombres dejaron de lado los sacos, creando un contraste entre el negro inicial y el blanco de sus camisas. La iluminación, a tono

El saludo final de Kim Jae Duk, siempre sonriente, al frente de la CNDC Fotos . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación

con la vestimenta, se compuso de claros y oscuros que realzaron algunas escenas pero principalmente guiaron la mirada del espectador.

LOS ARTISTAS Kim Jae Duk, director de la Modern Table Dance Company y coreógrafo invitado permanente desde 2010 en T.H.E. Dance Company, Singapur, es un enérgico y multifacético artista coreano (es coreógrafo pero también compone la música que utiliza en sus obras y recientemente lanzó su propio álbum digital solista) con un peculiar interés en Latinoamérica. Empezó a desarrollar su curiosidad y talento por la música y la danza en la escuela secundaria, motivado por su madre, cantante de jazz y gospel, e influenciado por el artista coreano recientemente fallecido Shin Hae Chul. También estudió filosofía y reconoce en sus obras el legado de Wittgenstein, particularmente del Tractatus Logico-Philosophicus (1921).

Kim Jae Duk comenzó a trabajar con Seung en 2014. El cantante de tan sólo 23 años se especializa en pansori (canto narrativo tradicional coreano) desde hace ya diez años, y es quien aporta ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 19

los elementos tradicionales que luego el compositor coreográfico/musical adapta a sus creaciones contemporáneas. Aquellos que se dedican al pansori lo hacen desde muy chicos, en función de esto, Seung empezó tarde, pero según él es gracias a eso que pudo encajar en un proyecto que traza puentes entre lo tradicional y lo contemporáneo. En diálogo con esta cronista, Seung señaló que se dedicó a la música por influencia de su media hermana mayor, a pesar de la ferviente oposición de sus padres.

Tales fueron las repercusiones de la participación de Modern Table Dance Company en la gala de apertura del Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires (octubre de 2014, Teatro San Martín) que fue posible que Kim Jae Duk regresara a Buenos Aires para sumergirse en un trabajo intenso durante tres semanas con la CNDC. Balletin Dance robó unos minutos de un ensayo para poder conversar con él. A lo largo de la charla, el creador demostró ser un apasionado del trabajo con el cuerpo y con la música, y en ningún momento lo abandonó su sonrisa.

¿Cómo fue que decidió trabajar con bailarines argentinos?

Me interesa toda Latinoamérica. Hace tres o cuatro años estuve en Brasil y en Colombia para el Festival Cena de Danza Contemporánea (Brasil) y Manizales Festival (Colombia), y había una red de diferentes festivales en Latinoamérica. Allí conocí al presidente de una de las asociaciones de la red, Marcelo Zamora, y el año pasado fui coreógrafo de su compañía. Cuando quise 20 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Movimiento vibrante de los cuerpos vivos. Tensión y descarga en simultáneo Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación

venir a Buenos Aires, lo busqué a él y él organizó todo para que viniera. Claro que la concreción del proyecto fue posible gracias a KAMS y al Centro Cultural Coreano.

¿Cómo pensó esta obra?

El diseño siempre va primero. En el momento en que compuse la música, diseñé el sonido en función de un sabor coreano y argentino (está inspirado en cuestiones abstractas del tango y de la música tradicional coreana), pero después en la práctica con la compañía eso lo fui modificando. Fui componiendo a medida que avanzó el trabajo con los bailarines. Las expectativas no siempre son necesarias para la creación. Yo busco el movimiento vital del cuerpo, el valor del movimiento del cuerpo vivo, la intensidad, el poder, lo relajado. Sentir la fuerza muscular.

Luego busco textos para interpretar. Mis temas fueron a veces sociales, pero ahora me estoy focalizando en lo introspectivo, interno, por eso la obra se llama Tensión Espacial, porque quiero que realmente aparezca el poder de la relajación, el poder de la velocidad, el poder del sentir, el poder de la inspiración. Si el cuerpo del humano no se mueve, el mundo no se mueve, y por eso la danza tiene tanto valor. El valor del movimiento del cuerpo vivo.

¿Cómo trabaja ‘lo interno’ con los bailarines?

No tenemos mucho tiempo para explicar de qué se trata lo interno, ellos aprenden el cómo se hace de lo que yo les marco. Busco interpretar de manera sencilla mis movimientos.

De hecho los coreógrafos quieren interpretar, decir acerca de un cierto objeto, de una cierta situación, pero yo lo siento de otro modo. Mi propuesta es: en lugar de decir acerca del movimiento, mostrar. Eso es lo que hace vibrar. ¿Qué puede decirnos acerca de combinar lo contemporáneo con la tradición?

Elijo el pansori porque eso me hace ser, por eso existo, soy coreano. Y por otro lado, el pansori no es ritmo, es tempo.

El ritmo es así, 1 2 3 4 5 6, seguimos el ritmo. La gente hace danza con música, pero generalmente la música está de fondo, y la danza es velocidad: lento, rápido, lento, rápido.

Pansori es sólo tempo, casi no hay ritmo. Eso es lo que tanto me gusta del mundo de Dios: todo lo que podemos ver es el mundo, pero es nuestro mundo. Podemos interpretar cualquier cosa con los números; consistencia, frecuencia, podemos ver eso, contar eso, pero el tempo, eso no lo podemos contar. El pansori es lo que me hace dar cuenta de la existencia. A veces es demasiado picante, como muy condimentado, por eso en esta pieza lo quise probar bien suave. La parte del pansori es la de la interpretación con el alma, el cantar solo, el aparecer del sabor de Corea, sólo eso. ¿Cómo es una jornada de ensayo?

Aprendí sobre los ensayos a nivel profesional en Singapur.

Aprendí sobre el progreso, el cronograma… Incluyendo pausa para el almuerzo, allá trabajamos de diez de la mañana a siete de la noche. Los bailarines son muy disciplinados, están muy concentrados todo el tiempo. Pero eso, para los bailarines de acá es demasiado; ya cuatro horas es una gran cantidad de tiempo. Entonces, con la CNDC trabajamos cinco horas, pero eso incluye varios breaks y además vamos a un ritmo bastante tranquilo.

Imagino que Ud. es muy exigente…

Cuando alguno pregunta por qué algo se hace así y no de otra forma, yo pregunto si le gusta lo que está haciendo. Si responde que no, le pido que se retire; y si no, si dice que le gusta, le pido que haga; pero no, no explico. También acepto las opiniones de cada bailarín, porque a pesar de que haya quejas o encuentren dificultades, todos ellos se quedaron, y eso es porque tienen ganas, entonces intento realmente comunicar, adoptar y cambiar las cosas -también- según sus opiniones. La manera de dialogar con los bailarines y de mostrar al máximo los movimientos es a través del amor, hay que decir con mucho cariño y mucho amor. __BD

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ACTUALIDAD

Con Altas Apuestas Por Nahuel Aguirre Dos artistas emergentes, dos propuestas y un ciclo de danza que se desarrollará en abril en el Teatro El Cubo. En esta entrevista, los bailarines Mauro Cacciatore y Jesús Guiraldi, comentaron cómo surgió el proyecto, cómo lo abordarán y qué esperan de él

En 2014, Jesús Guiraldi decidió poner en marcha un festival llamado Una Constante en el Teatro El Cubo. Para sumar propuestas decidió llamar al coreógrafo Mauro Cacciatore, quien se encontraba trabajando en un proceso denominado hoy, Timba.

La buena recepción del festival llevó a estos colegas a colaborar en el ciclo Tomá Mate. Entusiasmados con lo que se empezó a gestar, Cacciatore y Guiraldi comentaron a Balletin Dance de qué se trata y opinaron sobre algunos temas relacionados a la danza.

¿Cómo surgió este proyecto?

Jesús Guiraldi. Lo que nos unió fue laburar en el Festival Constante de diciembre del año pasado, además ambos estamos en un momento en que tenemos claro lo que estamos haciendo. Nos prestamos a generar cosas, abrir espacios, mostrar nuestro trabajo afuera, a que lo vean. ¿Qué esperan del ciclo?

JG. Que participe un público ajeno a la danza, ellos pueden ver otras cosas. No me interesa que sólo vengan bailarines.

Mauro Cacciatore. A mí, particularmente, las devoluciones que más me han aportado son las de la gente que no pertenece a la danza. Relatan desde lo que vivieron al acercase al movimiento. Son más participes y no están condicionados por el lenguaje técnico.

Multiplicidad de lenguajes en Metadiégesis Foto . Paola Evelina 22 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Muchas veces directores y coreógrafos, temen arriesgarse con sus propuestas y presentarse a un público general. “No van a entender o se van a aburrir”, son las excusas habituales. Incluso Cacciatore tenía dudas y afirmó que subestimaba la apreciación de la audiencia.

MC. Al principio puse muchos “peros”. El material que trabajo no se ve mucho acá, por eso tenía miedo que a la gente común no le guste, sin embargo lo que pasó en diciembre en El Cubo fue muy loco, se veía a personas disfrutando vernos bailar.

JG. Yo también sentí eso. Estaban entregados a ver danza. Se sumergieron en el imaginario. Hay algo importante del festival del año pasado, hubo gente que nunca en su vida pensó que iba a ver lo que hace Mauro. Muchos no saben que es la técnica de Merce Cunningham.

Con ganas de mostrar otra forma de hacer danza a un público masivo, estos jóvenes se animaron a poner en marcha este ciclo, que pondrá en escena dos propuestas diferentes, pero con un mismo objetivo: abrir espacios y compartir nuevos imaginarios con el espectador.

¿Cómo describen sus propuestas?

JG. Las obras tienen que ver con el azar y lo indeterminado; entonces el espectador va a presenciar siempre algo nuevo porque es una investigación que va mutando. Por otro lado, son laburos que tienen muchas personas que aportan a un trabajo en común.

MC. Mi proyecto no está cerrado en su totalidad. Generamos un marco común donde la

Inspirados en Cunningham Foto . Camila Florines

idea no es ni que la música, ni que el movimiento condicione lo que se vea, ni que haga asociaciones a lugares conocidos. En realidad es un espacio para investigar de ambas partes.

Tomá Mate se desarrollará los domingos de abril y tendrá como protagonistas las obras Metadiégesis y Timba.

METADIÉGESIS Escoge elementos propios del hip-hop y el parkour, que intentan conjugarse con la danza contemporánea. Improvisando con las posibilidades espaciales, este grupo multidisciplinario interactúa y se desplaza para intentar convivir en escena, para crear un mismo lenguaje.

JG. Investigamos e improvisamos sobre lo que trae cada intérprete para un material en común. Hay momentos coreográficos pero es conclusión del aporte de todos. En abril voy a presentar el primer resultado, de lo que llamo El Proceso Uno de esta investigación que es larga y que va a terminar en noviembre de este año. En ese entonces quizás ya esté cerrada como obra.

TIMBA Los bailarines de Proyecto Even(t), crean un ambiente similar al de un bar en el que ofrecen movimientos de la técnica Cunningham, mientras los músicos de Desamble componen en base a líneas, puntos y densidades. En escena, ninguno depende del otro, ambos se complementan en un juego inspirado en el azar.

MC. Tomo los naipes como una herramienta de composición. En los ensayos además de entrenar técnica, nos concentramos en lo que llamo problemáticas coreográficas: creamos a partir de dificultades de movimiento y se analiza cómo resolverlos. Cada dificultad se plantea desde el resultado de tirar los naipes, mientras los músicos complementan la pieza desde sus improvisaciones.

Por un lado efectista y shockeante, por el otro técnico y experimental, estos jóvenes apuestan mucho en este ciclo que tiene como objetivo lograr que el público se sumerja en el imaginario y la danza. Cuando decidieron el nombre del ciclo los entrevistados determinaron que “igual que con el mate, las buenas cosas se comparten”. __BD

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PROVINCIAS | CÓRDOBA

Nuevos Bríos para el Ballet Oficial Por Luisa Heredia

Marcela Carta, ex bailarina y coreógrafa de la casa, se hizo cargo de la dirección del elenco provincial este año. Ella conoce desde adentro a la compañía y disfruta de este rol que marca un nuevo desafío en su larga trayectoria artística Marcela Carta asumió a principios de marzo la dirección del Ballet Oficial de la Provincia de Córdoba y está feliz con esta convocatoria que marca el inicio de un nuevo ciclo artístico tanto para el elenco como para ella. Carta es un producto del Teatro del Libertador San Martín, se formó en su escuela -el Seminario de Danzas Clásicas Nora Irinova- y fue primera bailarina durante muchos años hasta su retiro en 2008. También en su escenario fue donde mostró sus dotes como maestra repositora y ensayista, y exhibió sus creaciones coreográficas.

En diálogo con Balletin Dance, la flamante directora se mostró feliz por su designación y por los logros que ha ido consiguiendo desde que se oficializó su nombramiento, con sólido apoyo de la dirección del Teatro provincial a cargo de Marcela Reartes.

Para ejemplificarlos, señala que habían sido planificadas cuatro

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funciones de El Lago de los Cisnes (versión de Mario Galizzi y reposición coreográfica de Sabrina Streiff), “pero pedí dos más a la dirección y me las dieron” [que se realizaron a partir del 26 de marzo], explicó. El coliseo también fue concediendo escenografía, vestuario y todo lo inherente a una puesta de esta envergadura. “Tuvimos todos los ensayos de Lago… en el escenario, una situación que pocas veces se daba para el Ballet… y contaremos con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, a cargo de Adrián Hávila Arzuza”.

Marcela Carta arranca sus tareas con una programación planificada en 2014 en la que ella no participó personalmente, pero está más que satisfecha porque “además de Lago…, vendrá Mauricio Wainrot con Ocho Estaciones y a fin de año haremos El Cascanueces. En total serán veinte funciones aproximadamente”.

El objetivo de su gestión, será “que el Ballet de lo mejor de sí” expresa ilusionada la maestra. “Es una compañía con gente de muchísima experiencia y también con bailarines muy jóvenes,

Marcela Carta es además psicomotricista, profesión que le brindó una mirada diferente para sacar a la luz lo mejor de cada bailarín. “Con los pacientitos hay que comenzar desde lo que pueden hacer, para lograr aquello que parece imposible. En la danza, con los bailarines, pasa lo mismo. Si el bailarín solamente escucha ‘está mal’ no puede mejorar, necesita confianza para luego poder brillar en el escenario”.

abiertos y muy receptivos a aprender”. Por la normativa que rige este elenco, el cuerpo estable tiene 56 bailarines, mitad hombres y mitad mujeres. “Sin embargo, en este momento muchos están por jubilarse o hay carpetas médicas y el elenco cuenta con menos artistas en actividad. Para esta puesta contratamos refuerzos, para completar 30 bailarines en escena, que ofrece un impacto visual muy importante para el público”, explicó.

Ser de la casa, como suele decirse en el ambiente teatral, brinda varios puntos a favor para la directora. Su relación con todos los cuerpos artísticos, técnicos y administrativos, es un vínculo de pares, y para ella esto es una ventaja. “Me conocen y hasta ahora las cosas fluyen muy bien”, destacó.

Con respecto a su gestión, Marcela Carta asegura que la danza en el mundo ha cambiado. “Ahora los bailarines saben bailar, actuar, cantar, hacen de todo. No se quedan solamente con lo clásico sino que incursionan en diferentes lenguajes coreográficos”. En ese sentido destacó la importancia que reviste para los bailarines tener contacto con los otros cuerpos estables del Teatro del Libertador (Orquestas y Coros) porque “además de crecer artísticamente, es muy estimulante el apoyo mutuo entre los distintos elencos”.

En este diálogo la directora también destacó la importancia que tuvo en su carrera la formación que recibió en los dos años que vivió en Buenos Aires y en las clases de perfeccionamiento constantes que ofrece esa ciudad. “Con Martín [Cippollone, su marido] cada peso que teníamos lo invertíamos en viajes a Buenos Aires para tomar clases”. Por aquellas épocas, la generosidad de Liliana Belfiore para con ellos, desde lo artístico y también desde lo económico, fue trascendental.

“El año pasado, por iniciativa de Alejandro Cervera [entonces director del Ballet Oficial] viajamos a ver clases en el Teatro Colón de Buenos Aires. Experiencias muy importantes y enriquecedoras porque ves otra forma de trabajar, otra dinámica para las clases, que te permiten aprender muchísimo. Me gustaría que nuestros bailarines también puedan ir al Colón o al Argentino de La Plata a tomar clases, para tener esas vivencias”, agregó. Por otro lado, uno de sus mayores anhelos, es que el Ballet Oficial viaje y salga de las fronteras de Córdoba, “lo que sería una experiencia importante”. __BD El Ballet Oficial de la provincia en El Lago de los Cisnes Foto . gentileza Teatro del Libertador ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 25

La Noche Transfigurada fue creada sobre partituras de Arnold Schöenberg (Opus 4) y será interpretada por Candela Rodríguez y Germán Farías. Según palabras del propio Schöenberg, esta música “no ilustra ninguna acción o drama, sino que se limita a ‘pintar’ la naturaleza y a transmitir sentimientos humanos. Parecería que gracias a esta actitud mi composición ha ganado cualidades que pueden satisfacer también a los que no conocen lo que ella ilustra, es decir la posibilidad de ser apreciada como música ‘pura’ (. . .) La conclusión que cierra ésta partitura glorifica los milagros de la naturaleza que ‘transforma’ una noche trágica en una noche transfigurada.

Para hablar de Pléyades, creación sobre música de Frank Martin, Oscar Araiz utiliza palabras de Gastón Bachelard: “Y cuando, en el cielo anónimo, nos fijamos en una estrella, resplandece para nosotros, su fuego se rodea de un poco de llanto, una vida aérea viene a mitigar las penas de la tierra”.

Noche Transfigurada / Foto . Serge Buffat

Noche Transfigurada + Pléyades

Coreografía y dirección: Oscar Araiz / Director asociado: Yamil Ostrovsky Grupo de Danza de la Universidad Nacional de San Martín (Unsam). Magali Brey, Rocío Castagnasso, Romina Castillo, Sofía Crespo, Manuela Diez, Candela Rodríguez, Corina Tate, Antonella Zanutto, Nicolás Baroni, Oscar Farias, Germán Farías, Martín Machín, Matías Mancilla, Gerardo Merlo, Juan Carlos Ojeda y Bernardo Villafañe.

Sábados 18 y 25 de abril, 21 hs. El Galpón de Guevara: Guevara 326, Tel: 4554-9877 (Pléyades en versión masculina) Jueves 23 y 30 de abril, 7 de mayo, 21 hs. Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini: Corrientes 1543 (Pléyades en versión femenina)

Documentos de Identidad

en Cartel. “… La historia del hombre es un largo rodeo alrededor de su casa… y el hombre lejos de su casa se convierte en una llamada sin respuesta”, palabras del escritor jujeño Héctor Tizón elegidas por Ana Deutsch para hablar de su pieza, “porque aluden en parte a lo que me conmueve y es una de las motivaciones de este proyecto”.

“Tomo como punto de partida la relación cuerpo-movimiento-espacio –explica la coreógrafa-, como una nueva indagación sobre la subjetividad. Surgen así breves escenas que hacen visibles los momentos de intimidad y soledad entendida como demandas lúdicas, de silencio y monólogo interior. La memoria, los sonidos y objetos de uso cotidiano como acceso para una construcción poética”.

Carla Di Grazia / Foto . Gentileza de la producción Idea y dirección coreográfica: Ana Deutsch / Intérprete: Carla Di Grazia Domingos 21 hs (hasta el 3 de mayo), 18 hs (del 10 al 31 de mayo).

Espacio Teatral ElKafka: Lambaré 866, Tel: 4861-5439

A La Luz del Flamenco El espectáculo de Graciela Ríos Saiz, que ya lleva tres meses en cartel, se presentará a partir de este mes con nueva música, nuevo vestuario, nueva sala y nuevos horarios. “Una nueva puesta. Saetas, además de seguiriyas, guajiras, tientos, tangos, alegrías y bulerías, se podrán escuchar en este espectáculo” explicó la directora a esta revista.

Foto . gentileza de la producción Coreografía y dirección: Graciela Ríos Saiz Ballet Hispania: Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido, Eugenia Seijó (baile), José Ismael Sierra Flores (guitarra), Mónica Poblete y Paula Suárez (voz) Sábados 20:30 hs. Teatro del Museo Larreta: Mendoza 2250, Tel: 4784-4040 26 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

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actualidad

Una Gran Fiesta Solidaria Por Daniel Sousa La danza dirá presente una vez más en la tradicional Caravana y Mega Festival Solidario a beneficio del Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez, que este año se realizará el domingo 10 de mayo Junto con actores, deportistas, músicos, periodistas, empresarios y dirigentes políticos, figuras de renombre en el ámbito del baile participarán de la vigésimo segunda edición del evento que organiza la Asociación Mutual Conductores de Automotores (AMCA) con motivo de celebrarse el Día Internacional del Taxista.

El festival tiene como meta recolectar donaciones para proveer de instrumental y equipamiento médico al nosocomio. Este año, en el que el Hospital celebra su 140º aniversario, buena parte del dinero recaudado se destinará a la construcción de un laboratorio de estudios complejos.

La fiesta solidaria comenzará a las 9:30 hs. en la puerta de la casa central de AMCA (Boedo 150). Desde allí partirá

Mora Godoy ya dejó la huella de su mano en el Hospital de Niños Foto . gentileza de la organización

una caravana de taxis, remises y vehículos repletos de juguetes y obsequios.

Recorrerá las principales avenidas de la ciudad y culminará en la puerta del Hospital de Niños (Gallo 1330). Allí se desarrollará un gran festival artístico durante toda la tarde.

En ediciones anteriores actuaron Maximiliano Guerra, Violetta, Palito Ortega, Patricia Sosa, La Mosca, Axel, Agapornis, Mora Godoy, Carlitos Balá, Casi Ángeles, David Bolzoni, Antonio Birabent, Panam, Topa y muchos otros artistas. Este año, los organizadores prometen aún más sorpresas. Junto con los artistas que ocupen el escenario, cientos de otros famosos dejarán marcada la huella de su mano en un mural como signo de colaboración y apoyo a los chicos internados en el Hospital.

La acción solidaria de AMCA se extiende al resto del año traccionando nuevas donaciones y aportando al sostenimiento general de la institución. Para colaborar: Asociación Cooperadora del Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez, Gallo 1360. Tel.: (011) 49627739/2587. __BD

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actualidad

Ley Federal de las Culturas Hasta el 20 de abril hay tiempo para sumarse al proceso de construcción participativa de la Ley Federal de las Culturas. La convocatoria está abierta a ciudadanos de todo el país, quienes pueden acercar sus iniciativas en forma digital (por e-mail) o impresa (por correo o personalmente). La danza está presente Mientras que el proyecto de la Ley de Danza impulsada por los propios hacedores del sector continúa sin tratarse en el Senado, el país entero está diseñando la nueva Ley Federal de las Culturas (como ley marco) que reúne 21 núcleos temáticos que regularán la actividad cultural… incluida la danza.

La importancia fundamental de la cultura para el desarrollo humano y

como patrimonio de la identidad nacional, patrimonio tangible e intangible, la cultura como derecho, los sujetos, las disciplinas y los espacios culturales, pueblos indígenas, el rol del Estado, límites éticos y legales, federalismo, políticas públicas y presupuesto nacional, la producción, la cultura como trabajo, los derechos de los trabajadores, gestión y formación, entre otros, son los temas que regulará esta ley.

Para participar los interesados deben descargar un formulario de internet. Informes: leyfederal@cultura.gob.ar, Dirección Nacional de Acción Federal, Secretaría de Políticas Socioculturales del Ministerio de Cultura (Adolfo Alsina 1169, CP 1088, Buenos Aires).

La elaboración participativa de normas, establecida en el Decreto 1172 de 2003, es un mecanismo creado en el marco de la Ley de Acceso a la Información Pública que permite y fomenta la participación de cualquier persona, física o jurídica, en la elaboración de una ley. A través de estas propuestas de la ciudadanía se busca construir de forma colectiva el anteproyecto de la Ley Federal de las Culturas, concebida como ley marco que incluya y exprese la gran diversidad cultural de la Argentina. Con el mismo fin, el Ministerio de Cultura de la Nación y el Frente de Artistas y Trabajadores de las Culturas vienen realizando encuentros a lo largo del país El borrador del anteproyecto propone una ley de y para todas las culturas, en la que el federalismo sea razón de Estado, y que consagre el acceso irrestricto a los derechos culturales de los 40 millones de argentinos. Establece como sujetos culturales a todas las personas que habitan el territorio nacional, y establece que los artistas, técnicos-profesionales, hacedores y gestores culturales sean definidos por su condición de trabajadores de las culturas. También plantea la necesidad de crear un consejo asesor artístico y cultural para lograr la participación de los colectivos de artistas y trabajadores de las culturas. __BD Reunión en La Plata para debatir el anteproyecto de la Ley Foto . Augusto Starita | Ministerio de Cultura de la Nación

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DANZA ARABE

Tamalyn Dallal: De Aquí, de Allá, de Todas Partes Por Eliana Gissara De visita en Argentina, la bailarina e investigadora Tamalyn Dallal analiza la escena de la danza oriental en el mundo.

Además reivindica la multiplicidad de estilos y destaca la importancia de aprehender danzas a través de las vivencias populares Pionera del grupo Bellydance Superstars allá en 2003 en Estados Unidos, Tamalyn Dallal es considerada dentro del circuito internacional de la danza oriental como una maestra de maestras.

Con un estilo llano e informal, ha formado referentes a lo largo de más de 35 años de carrera. Vivió en aldeas, se codeó con reyes y artistas, escribió tres libros y filmó otros tantos documentales.

Una suerte de propaladora de historias mundanas.

Hoy regresa a la Argentina, país que eligió para vivir entre 1985 y 1986, junto a su amigo Ryan Yanguchao, también bailarín y oriundo de Beijing. “Él me comentó que uno de sus sueños era visitar Argentina. Decidimos entonces venir juntos, me gusta compartir los varios mundos en los que vivo, con amigos de otros mundos”, dice Tamalyn a su regreso del seminario que brindó el mes pasado en Córdoba.

Como referente e historiadora, ¿cómo ve el escenario de la danza oriental en el mundo?

Ha crecido muchísimo. Hay mucha variedad en puntos de vista.

Es importante esta variedad: que no todos pensamos igual. No todos bailamos igual. Así es un mundo interesante.

Lo importante es estar abierto al crecimiento personal en el baile. A través del baile aprendemos sobre la vida interior y sobre el mundo. Hay quienes quieren copiar un estilo; creo que algún día van a cambiar y lograrán ser más individuales y únicos. Hay otros que se interesan por los temas culturales y étnicos; es importante buscar y entender más de la cultura. Pero si separan la cultura del pueblo, sin respetar al pueblo, estamos en problemas.

Por ejemplo, analicemos la forma que se ha popularizado el baile Iraqui-Kawliya. Las bailarinas rusas vieron a las gitanas iraquíes, que eran refugiadas, huyendo a otros países para salvar su vida y subsistiendo gracias a este baile. Hoy ya es moda en todo el mundo, olvidando de quién viene. Sería un sueño ver gitanas iraquíes bailando y enseñándonos su baile.

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¿Cómo afecta la expansión y el choque de culturas un mismo baile?

Hay festivales de baile árabe muy grandes en todas partes del mundo. Es interesante y es bello que surjan amistades entre bailarinas y bailarines de tantos países. A veces hay competencia y celos, pero usualmente es a nivel local, entre bailarinas de la misma región, no al nivel internacional. Nuestro baile comenzó como baile de celebración, así que no es necesaria la negatividad en nosotros. Hay espacio para todo el mundo.

En algunos países, adoran el baile pero tratan de quitar lo que es árabe usando música americana o música china -por mencionar alguna-, recurriendo a temáticas como halloween, vestidos de vampiros u otras cosas innecesarias. Yo creo que primero hay que aprender de la cultura, y después si se quiere variar, se puede. Pero tienen que ser claros cuando lo enseñan y explicar de dónde viene este baile. En este momento hay mucho prejuicio contra la cultura musulmana, a través de los medios de comunicación y de la política. Tenemos que superar los prejuicios. No formar parte de ellos. ¿Está de acuerdo con la categorización de estilos según países, como por ejemplo estilo egipcio, argentino, ruso o americano?

Es interesante cómo han surgido estilos nuevos: “ruso y argentino”. Cuando bailo en Asia, hay gente que sólo quiere saber del ruso o sólo del argentino. Otros que no quieren saber de ellos.

Tienen que entender que los nuevos estilos son bellos, pero son estilos que empezaron en forma personal algunas bailarinas o bailarines muy talentosos. El estilo que ahora llaman “egipcio” es nuevo. Hace 20 años las egipcias bailaban diferente. Hace 40 años, más diferente aún. Nuestro baile pertenece a un mundo grande y bello para descubrir, que no se debe limitar a un estilo. ¿Cómo ha influido en su forma de bailar haber visitado comunidades árabes en el mundo?

Antes de viajar y convivir en países árabes y otros lugares que practican nuestro baile en sus celebraciones y forman parte de su vida desde hace siglos, yo hacía más bien gimnasia y usaba elementos. A los 45 años, empecé a conocer el baile más íntimo de los pueblos. Era un buen momento para cambiar mi estilo y hacer algo más interno, trabajar con energía, no gimnásticamente. Todo lo que hice antes estaba muy bien porque bailé

Tamalyn Dallal vive la danza desde cada cultura Foto . Denise Marino ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 33

Bailarina, historiadora y directora, introdujo el uso de los elementos en la danza oriental en Argentina Foto . Denise Marino

comercialmente. Ahora disfruto de una manera diferente. Me da satisfacción porque no trato de parecer joven o competir con la juventud. Ya no me preocupo por lo que piensan los demás o si me comparan con otras porque mi baile es mío, soy la dueña de lo que hago y lo que siento. Es una madurez que vino con estas experiencias entre culturas.

Sentí las tierras diferentes en mi cuerpo. África con energía terrenal y Asia con energía del cielo. El Medio Oriente está en el cruce de los dos continentes. Uso esta sabiduría en mi baile.

¿Puede citar alguna experiencia que le haya modificado la forma de experimentar la danza?

En un viaje a África en 2007, estaba con beduinos en el oasis de Farafra en Egipto. Eran puros hombres que comenzaron a tocar música. Un hombre estaba bailando sobre una música que era muy rápida, pero él bailaba lento, con una forma muy diferente y extraña para nosotras. A su vez, tenía un palo grande que usaba para apoyar su cuerpo. Había gente a la que eso no le gustaba, no tenía la estética que acostumbramos. Para mí era fascinante por la forma que él expresó la música en cámara lenta pero bailando dentro de la música.

Después, en el mismo viaje, fui a Kenya. En la costa de Kenya está la cultura Swahili, con influencias árabes y de la India. Las mujeres bailaban tres formas de arte: Swahili, hindú y árabe.

Ellas eran muy terrenales con el árabe, también hacían movimientos más lentos que la música. Otra vez, me quedé fascinada.

Cuando volví a El Cairo, Egipto, estaba en una discoteca e intenté bailar lento con música rápida, usando mucha energía terrenal. Lo importante es usar la energía porque si simplemente bailás lento con música rápida se pierde el encanto. Una mujer egipcia me dijo: “No sé lo que estás haciendo, pero por favor enséñamelo. Me gusta mucho”.

verdad y la gente les cree porque no han viajado para investigar con sus propios ojos.

Ya es mucho más que falta de comunicación. Es manipulación para que continúen las guerras con fines económicos y no humanitarios. Es muy peligroso. Está llegando al punto que este año han matado árabes vestidos con sus ropas tradicionales sólo por gusto. Los medios tienen mucha responsabilidad, porque mucha gente no viaja fuera de su país y sus ideas dependen de lo que dicen en las noticias.

En la última entrevista que realizamos para Balletin Dance (año 2007), usted había afirmado que “la falta de comunicación entre oriente y occidente es la razón principal de las guerras que estamos sufriendo”. ¿Sigue estando de acuerdo con esta frase? ¿Ha cambiado algo desde esa época?

No ha cambiado, pero siento esta frase más fuerte ahora. En Estados Unidos y muchos otros países hay más y más prejuicio y mal entendimiento. Eso viene de los periódicos, radio, televisión e Internet, donde hablan del extremismo como si todos los musulmanes fueran extremistas, o como si eso fuera el Islam.

Y manipulan al público con la forma en que hacen reportajes.

Hasta he oído en radio que los musulmanes no han contribuido en nada a la civilización. Olvidan que Ziryab trajo civilización a Europa cuando no había tal expansión. Dicen cosas que no son

Por último, ¿cree que las nuevas tecnologías y el auge de las redes sociales han modificado en algún aspecto la forma en que bailamos y vemos bailar?

Hay tanta información… Cualquier baile que queremos ver está en Youtube. Bailarinas de todas las épocas, hasta de 1930, están por Youtube. Es increíble el acceso que tenemos a través de medios electrónicos. Tenemos grandes oportunidades de aprender y educarnos. También, manejar nuestras carreras como bailarinas o bailarines de una forma distinta. Podemos acceder al mundo entero en minutos. Podemos arreglar seminarios, recibir contratos y boletos de avión en minutos. Si uno es inteligente, los medios electrónicos cambian la vida y abren las puertas al mundo entero.

Antes no viajábamos tanto. Pocas bailarinas tuvieron oportunidad de ir a Egipto. Menos a estudiar con artistas famosos. Ha cambiado todo y para bien. __BD

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D A N Z A E S PA Ñ O L A

Danza y Música de España Por Gabriel Vaudagna Arango

El mes pasado se estrenó en el Teatro Astral de Buenos Aires el espectáculo Hispania, una pieza que combina músicas de conocidas zarzuelas y bailes de la escuela bolera Con una puesta muy austera, el director de Hispania, Jorge Mazzini recupera esas canciones que el público quiere escuchar -y que quizás por la envergadura que lleva montar una zarzuela y la escasa producción local no se ven- en un formato de cámara, con cuatro músicos (con destacada participación del cantante Fermín Prieto) y cuatro excelentes cantantes. Aquello de La Maja y el Ruiseñor, o la Habanera, La Mazurca de las Sombrillas o la Violetera… canciones que muchos de los espectadores susurraban y que acompañaban con un entusiasmado aplauso en cada intervención.

Elenco completo de Hispania Foto . gentileza de la producción

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Como acto central de la obra se realizó un Homenaje al Gran Maestro Ángel Pericet con una serie de piezas de la escuela bolera coreografiados por su hermana Luisa e interpretadas con gran precisión por el Ballet Sevilla. No se equivocó Luisa Pericet en la entrevista que concediera a Balletin Dance publicada en la edición de marzo (Nº 240) cuando decía: “Siempre que se hacen bailes boleros el público lo agradece…”. Tanto en las Sevillanas Boleras como en los Panaderos de la Flamenca, el Bolero Liso o las Seguidillas Manchegas; el público ovacionó de pie.

Las bailarinas con una notable entrega, frescura y gran manejo de las danzas boleras lograron emocionar y traer el recuerdo de los espectáculos realizados por la familia Pericet allá por los años ‘80 y ’90 del pasado siglo. Unas danzas que se hacen presente para mostrar la gracia del sur andaluz, como diría Luisa, la técnica del clásico y esa desenvoltura Mediterránea.

Hispania continuará presentándose durante el mes de abril en el Teatro Astral de Buenos Aires, con producción de Ricardo Gallo, coreografías de Luisa Pericet y dirección general de Jorge Mazzini. __BD

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C O M E N TA R I O

La Ciudad Danzante Por Jessica Zilberman

El festival Ciudanza se desarrolló del 12 al 15 de marzo en tres escenarios urbanos de la Ciudad de Buenos Aires con actividades gratuitas. Las obras exhibidas surgieron de una convocatoria en la que se presentaron más de cien proyectos y de los talleres a cargo de profesionales invitados La octava edición de Ciudanza contó con trece obras que intervinieron coreográficamente tres espacios públicos: la Plaza Manuel Belgrano (Belgrano), en la Usina del Arte (La Boca) y en la Plaza Mariano Boedo (Boedo). El Festival de Danza en Paisajes Urbanos fue organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y pertenece al circuito Ciudades que Danzan, existente en Europa y América.

Los espectáculos contaron con la presencia de un público muy heterogéneo que incluyó bailarines y transeúntes de todas las edades que participaron de manera espontánea (según fuentes oficiales llegaron a ocho mil). “La gente es ordenada y muy respetuosa. Antes, todos se amontonaban para ver pero ahora se logra un civismo, una armonía y mucha tranquilidad que permite que la comunicación sea más fluida”, opinó el catalán Juan Eduardo López, creador de la red Ciudades que Danzan, en una entrevista con Balletin Dance. Asimismo, agregó que “cada ciudad tiene un lenguaje en el espacio público, una idiosincrasia en sus bailarines y eso hace que cada festival sea diferente, pero la esencia es la misma: crear un encuentro entre la comunidad y los artistas en un espacio que es de todos”.

Silvia Gómez Giusto, co-directora artística y encargada de la curaduría del evento, destacó que al seleccionar los proyectos, junto a su par Brenda Angiel, tomaron en cuenta el compromiso emocional de los creadores en el ambiente. Más aún, afirmó que la propuesta es que el lugar sea el que le provoque a los coreógrafos su composición.

En esta línea, Memorias en la Plaza Manuel Belgrano, dirigida por Susana Szperling, inauguró la velada. Lo interesante es que fue concebida partiendo de una foto de cuando ella estaba en cuarto grado de la escuela primaria, establecimiento que señaló durante los primeros instantes de la performance, también contó que de chica se trepaba en la escultura de Las Tres Gracias que se encuentra en la plaza y precisó algunos cambios estructurales, como la inclusión de las rejas en el sitio. En el medio de su danza contemporánea y de las secuencias coordinadas de las seis intérpretes, el relato fue cobrando vida. Según Szperling, su creación se transformó en una suerte de danza documental.

Susana Szperling relató sus vivencias en la Plaza Manuel Belgrano Fotos . Gentileza Festivales GCBA 38 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Reiteradas veces, las jóvenes representaron la típica foto escolar, formando con su vestimenta una pantalla blanca donde se proyectó la imagen disparadora de la obra. Además, la protagonista involucró a los espectadores físicamente en la historia cuando les repartió marcadores para que firmasen su guardapolvo (según la costumbre de los egresados).

Los faroles y la oscuridad de la noche transportaron al espectador a una auténtica pelea de pandillas al ritmo de Breaking Tango, una fusión de break dance y tango, dos estilos que comparten su origen callejero. También se presentó Una de Vampiros de Josefina Gorostiza, en la misma plaza.

Por otro lado, se expuso allí, en el barrio porteño de Belgrano, el trabajo resultante del taller montaje de Eleonora Comelli, coreógrafa convocada por Ciudanza. “Al principio había 30 minutos de observación en los que los chicos miraban los vínculos de la gente, sus ropas, qué hacían, el espacio, la arquitectura de la plaza, los sonidos, los materiales del piso, el pasto, el cemento”, detalló Comelli a esta cronista.

Del mismo modo, fue citado el coreógrafo Gustavo Lesgart que diseñó la actividad especialmente para la ocasión. En su caso, intervino coreográficamente el hall de entrada de la Usina del Arte. Entonces, las escaleras funcionaron como grandes palcos.

Los integrantes del conjunto se escondieron debajo de ellas, se treparon a las columnas y recorrieron el espacio, todos unidos, construyendo una red humana. “Pensamos el cuerpo como una pieza de arquitectura”, señaló Lesgart a Balletin Dance. Finalmente, se produjo un giro con el cambio de la música que culminó con los artistas saltando e invitando al público a integrar esa construcción colectiva.

Además se exhibieron en la Usina Selección Natural de Mayra Bonard, Solo Para Nosotros de Martín Piliponsky y Pro(xy)mo de Jésica Josiowicz.

Una de las novedades de esta edición fue la inclusión de los pequeños talentos con Ping Pong dirigida por Marta Lantermo.

Se trata de un trabajo del grupo Miniartistas, conformado por niños de 7 a 12 años. Si bien respetaron una estructura coreográfica, improvisaron con movimientos de danza contemporánea y acrobacia.

El Fin del Mundo no Existe dirigida por Iván Haidar, fue la obra que contó con la mayor cantidad de intérpretes en escena. Setenta bailarines, como si fuera por arte de magia, aparecían y desaparecían corriendo y gritando entre la naturaleza de la Plaza Mariano Boedo. “Quisimos usar todo el espacio, porque tiene muchos desniveles y pensamos en aprovechar los escondites”, manifestó Haidar.

El cuerpo como una “pieza de arquitectura”, según Gustavo Lesgart

Por otra parte, Ciudanza organizó un convenio que consistió en invitar a una coreógrafa (Eugenia Estévez) para crear una pieza (En el Séptimo Cielo) para la Compañía de Danza de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), dirigida por Roxana Grinstein. También participó en Boedo el grupo Pleimóvil con Estación Carnevaile y, para cerrar, tocó la banda The Basuras.

Así fue como el arte recorrió Buenos Aires y permitió redescubrir la ciudad y, a su vez, vivir la danza de una manera única. __BD

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C O M E N TA R I O

Uno de a Dos Por Román Ghilotti

Otro modo de hacer tango Foto . Sofía Stead

Del tango, entre tantas cosas, puede decirse que busca una característica de unión inefable, a veces lograda En El excéntrico de la 18 se reestrenó Íntimos, con dirección de Cristina Banegas, coreografía de Sandro Nunziata, interpretación de Eladia Córdoba y José Garófalo.

El espectáculo, apelando al cruce de lo danzado con lo teatral y con la poesía, centrado en una construcción desde el tango, despliega una narrativa que pasea por zonas de lo tanguero con una óptica prismática. El tema o motivo básico de la pareja que baila tango, que supone ese encuentro entre erótico y kinético de esa danza, y que suele meterse en despliegues que relatan relaciones, en la pieza, si bien hace centro al que se regresa una y otra vez, se propone desarticulado de una única línea argumental.

A lo largo del trabajo se dan diversas maneras de esos encuentros de la pareja que baila, llegando a quebrar expectativas de lo femenino-masculino y de la forma tango, y que estructuran modos de vincularse por afectos cambiantes. Sin alejarse de lo que hace al tango, sin embargo, recién al final aparece la danzatango expuesta en su forma típica como un broche que cierra el fragmentado discurso anterior.

Aquella unión inefable indicada más arriba, incluso a riesgo de tratar de poner en palabras esa inefabilidad, en distintas entradas casi a modo de suite, recortando las perspectivas de esa relación de la pareja, en la obra presenta rechazos, maltratos, secuencias amorosas, sexuales, nostalgias, soledad y compañía. Aunque se 40 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

ofrecen breves solos, mayormente el desarrollo es del dúo sin que esto sea sólo acompañamiento mutuo: hay tramos en que los dos son distancias recíprocas con ausencias recíprocas, como también hay momentos en los que la unión es indisoluble.

Lo que es lo bailado encuentra, en la propuesta de Nunziata, ricas variaciones y rupturas respecto del tango hibridadas con movimientos, secuencias y formas que toman de otras maneras de danzar. Igual ocurre con las entradas más directamente teatralizadas, en ocasiones apoyadas por poemas de autores rioplatenses recitados en off (voces: Banegas y Nunziata), que implican una múltiple lectura del fenómeno que se observa: las palabras cuentan situaciones y estados que se reconstruyen en actos y emociones manifiestas, no siempre ilustrativas, como en paralelo, por los intérpretes.

En función, las muy buenas aportaciones de Córdoba, con notable solvencia de movimientos y eficacia gestual, y de Garófalo, fuerte en sus expresiones a la vez que sutil en detalles, exhibieron la continuidad de las fracturas discursivas que decidió Banegas, quien puso en marcha un juego de pareja que mientras sostiene la unión de hecho de ser dos ahí, en escena, al tiempo construyó desplazamientos de sentidos multiplicando los enlaces, tanto de formas como de significaciones entre dos personajes. Íntimos, prismáticamente, reúne a dos, en tango, rescatando las distancias, acercando la unión del baile, de la emoción y de los vínculos, haciendo uno de dos. __BD

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Por Romรกn Ghilotti

Para Abandonar una Vida Performรกtica

C O M E N TA R I O

La imposibilidad de una biografía queda manifiesta en que aquello que se cuenta o muestra, biográfico, deja el gusto de que sólo es una versión, nunca biografía definitiva Los viernes de marzo, en el Club Cultural Matienzo, se presentó Recordar 30 años para vivir 65 minutos, un trabajo de performance creado e interpretado por Marina Otero, con dirección de Juan Pablo Gómez.

Otero, de 30 años de edad (meses más, meses menos), ofreció en la pieza a Otero-personaje (30 años, aproximadamente) en fragmentos de su biografía. Particularmente se apoyó en exponer una lectura, a la vez descriptiva y crítica, de la construcción del espectáculo que se sostenía en dar cuenta de otro espectáculo creado por ella, aunque, quizá, podría decirse otros espectáculos.

Su performance consistió en narrar y mostrar cómo fue Andrea, aquel espectáculo anterior de su autoría. Andrea, obra que Otero señaló como creada para dar cuenta de sí, distanciada de sí, y elaborada a partir de tomar un personaje de una novela que, de algún modo, representaba parte de lo existencial de la propia Otero, abortó su breve temporada de ocho funciones: la última no se cumplió. Circunstancias de la vorágine de la vida de Otero, como contó en escena, impidieron esto. Pero, el personaje Andrea, alter ego de la intérprete, impelió en sueños a Otero a que construya Recordar 30 años… para dar cuenta de Andrea-personaje. Otero, en la pieza, rescató el mandato del sueño y dio rienda a la narración escenificada y documentada del personaje Andrea, en definitiva también Otero, y, además, mezcló diversos otros documentos y relatos y actos reactuali-

Otero en acto de dancing Foto . Andrés Manrrique

zados de su vida, ofrecidos casi como otras piezas estéticas: videos caseros de niña y adolescente, fotografías, objetos, cartas, armaron una puesta un tanto caótica, por el solapamiento de épocas, instancias y anécdotas, como ordenada, por una continuidad rigurosa del recorrido y las variaciones de su temple anímico y las mutaciones y reconocimientos descriptivos de aspectos de la personalidad (al menos supuesta) de Otero y sus vaivenes emocionales.

Por otra parte, con una entrega de estos aspectos, formas, elementos y actos, Otero parecía insistir en una clausura, casi un cierre a modo de despedida de todo lo que Andrea-personajeOtero-biografiada exponía pero, con un sesgo ambivalente de ternura y autocrítica hacia los sucesos, también parecía insistir en que, al menos por cariño a la obra o las obras o a sí misma, la historia no acababa, continuará.

En el desarrollo, la performer mostró ductilidad en las teatralizaciones, bailes, cantos, recorriendo distintas maneras de presentarse en diversos personajes de sí, en las que jugó confesiones, puntos de vista, valoraciones, todo esto sin abandonar una perspectiva estética dominante: la espectacularidad en comunicación directa a público. Y esto espectacular resultó ricamente acompañado por las aportaciones de Gastón Exequiel Sánchez (visual y montaje de video) y Lucio Bazzalo (cámara en vivo).

Performance que, con una modalidad meta-performática (performance que se comenta a sí), y a la vez documento de construcciones anteriores, Recordar 30 años…, con la muy sólida interpretación de Otero, dio lugar a una comprensión, desde zonas que podrían considerarse privadas (si es que es la vida de Otero lo expuesto) de aquello humano, existencial si se quiere, que con variables cambiantes, de todos modos nos acerca como versiones biográficas de cada quien. __BD

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Aquí Como a Jazz

El homenaje a Bob Fosse ideado por Bettina Toyos, recrea la esencia de las películas musicales donde se bailaba con bombines, guantes blancos, bastones y sillas. El elenco está integrado por diecisiete bailarines con formación clásica y musical seleccionados mediante audiciones abiertas.

“Es un magnífico recorrido por la esencia del estilo del maestro Bob Fosse” asegura la directora.

Toyos interpreta la obertura del espectáculo Foto . gentileza de la producción

Soy Flamenco

en Cartel.

Lo que no Querés Ver, Las Princesas no Cagan “Imperfecto. Imperfecta la forma. Imperfecta la estética. Imperfecto y no alcanza. Presos de la mirada del afuera. Somos y no somos lo que debemos ser” analiza Mazari en referencia a su próximo estreno. Con varias analogías hacia el mundo del bailarín, desde la estética de la danza teatro, la obra muestra a ocho personajes y su esfuerzo por ser mejores, “exigencias, complejos, obsesiones, la entrega desmedida por alcanzar la perfección. Finalmente las preguntas: ¿Por qué? ¿Para qué? ¿Para quién?”.

Foto . Sabrina Burgos

Tomatito regresa a la Argentina en el marco del Mestiza Música Festival cuya primera edición se desarrollará del 22 al 25 de abril, reuniendo a importantes figuras (un artista local y uno extranjero cada noche) de diferentes géneros musicales.

En la apertura, Tomatito compartirá la noche con el armonicista Franco Luciani. La segunda velada será el turno de Kevin Johansen + The Nada y el cantautor uruguayo Fernando Cabrera. El viernes 24 será un trío: el brasileño Egberto Gismonti, el uruguayo Hugo Fattoruso y el argentino Carlos “Negro” Aguirre. El cierre del festival tendrá el toque femenino de la portuguesa Dulce Pontes y la argentina Lidia Borda.

José Fernández Torres (Tomatito) es considerado uno de los mejores guitarristas del mundo de la generación del Nuevo Flamenco, con cinco premios Grammy en su haber y un Latin Grammy, se muestra en Soy Flamenco como músico elegante y maduro, en la plenitud de su arte.

Dice de su espectáculo: “En Aguadulce, donde vivo, en la costa sureste de Andalucía, el cielo de la noche de verano es un espectáculo en sí mismo. Las estrellas son más brillantes y abundantes que en cualquier lugar que haya visitado”.

En el afán de recrear la banda sonora de esos crepúsculos “pretendo compartir con aquellos que vienen a escuchar, la intimidad y profundidad de nuestras noches de verano. Traigo a mi gente, mi constelación familiar, para que me acompañe. Celebraremos el universo en constante expansión que es mi casa”.

David Paniagua este mes en Buenos Aires / Foto . Celina Yeyén

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Dirección: Victoria Mazari Compañía Danseur: Candelaria Boggino, Christian Sibille, Paola A. Castro, Candela Baceda, Marlene Asulay, Matías Viera, Elián Farías y Victoria Mazari.

Viernes 21 hs. Espacio Cultural Urbano: Acevedo 460, Tel: 4854-2257

Dirección y coreografía: Bettina Toyos Jazz Unlimited Company: Jhoni Peña, Ricky Sabbattini, Jorge Alberto, Agustín Domínguez, Santiago Torres, Nicolás Iturbide, Pacota González, Gonzalo Caballero, Marinel Morin, Vanina Salomón, Agustina Barrientos, Agustina Wittis, Isis Becerra, Luli Muiño, Sol Cardozo, Yamila Caire, Mayra Monteiro y Bettina Toyos.

Cantantes: Marisa Ini y Maia Contreras, Pacota González y Renzzo Rodríguez Martinich.

Miércoles de abril y mayo, 21 hs. Teatro La Comedia: Rodríguez Pena 1062, Tel: 4815-5665

Tomatito & Family: Tomatito, José Israel Fernández (“Tomatito hijo”) y El Cristi (sobrino) en guitarras, Mari Ángeles Fernández (hija) y Kiki Cortiñas (yerno) en las voces, El Piraña en percusión y el baile de David Paniagua.

Miércoles 22, 21 hs. Teatro Coliseo; Marcelo T. de Alvear 1125, Tel: 4814.3056

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Autoría y dirección: Ciela Asad Entrenadora en Danza Butoh: Carina Do Brito Actrices: Sofía Saraniti y Ciela Asad Jueves 21 hs. Tadrón Teatro: Niceto Vega 4802, Tel: 4777-7976

Definido como un trabajo de teatro performático trans-dramático, Belleza y Escándalo aborda el tema del abuso, la violencia del patriarcado sobre el cuerpo y la psiquis femenina. Y cómo la solidaridad de género funciona como un puente en la búsqueda de la belleza y la felicidad. Con una combinación de lenguajes (teatro, plástica, literatura, danza butoh y música en vivo) se relata la historia de dos mujeres, de distinta generación (o una sola en dos momentos de su vida), en un viaje reparador. “Una noche, senté a la belleza en mis rodillas y la encontré … amarga, y la injurié” son palabras de Arthur Rimbaud, mencionadas para hablar de la puesta.

Foto . Gustavo Spalleti | Rocío Pérez

Ciclo de Danza

Belleza y Escándalo

CRISTAL Dirección: Pablo Cordonet / Coreografía: Nicolás Riomayor Compañía Otro Mundo: Intérpretes: Nicolás Riomayor, Sabrina Attwell, Norma Bianco, Florencia Lolli, Lara Schellemberg, Camila Spala, Maylen Pillado Vázquez, Yamila Palopoli, Rosario Colangiuli, Jimena Martel,Nadina Hernández, Luciana Mareque, Celeste Soledad Acosta, Silvina Vásquez y Luciano Gionco Domingos 8, 15 y 22, 18 hs. Sala Principal.

Un hombre refugiado en sus recuerdos; un universo trágico y oscuro enmarcado en una atmósfera tanguera.

DECISO Dirección y coreografía: Nicolás Riomayor Compañía Otro Mundo: Lara Soloaga, Norma Bianco, Celeste Acosta, Florencia Lolli y Nicolás Riomayor Domingos 19 y 26 de abril y 3 de mayo, 20 hs. Espacio alternativo. ...transitan un mundo urbano, gris, buscan un cambio... surge la pregunta...

Foto . gentileza de la producción

Complejo Cultural Banfield Teatro Ensamble: Larrea 350, Lomas de Zamora, Tel: 4392-2011.

Violetta Live Tras presentarse en nueve países europeos, la Gira Despedida de la argentina Martina Stoessel como Violetta, llega a Latinoamérica. Luego de realizar cinco funciones el fin de semana del 17 al 19 de abril, recorrerá la Argentina (Bahía Blanca, Chaco, Mendoza, Córdoba y Salta), para continuar luego a Uruguay, Chile, Brasil, Colombia, Ecuador y México.

La despedida de Violetta de los escenarios latinoamericanos contará con la emoción y alegría de los protagonistas de la telenovela teen de Disney Channel, quienes interpretarán un amplio repertorio que incluye los hits de la artista. “La acompañan ocho enérgicos bailarines, músicos en vivo, renovado set con gran diseño de iluminación, coreografía de alto impacto, vestuario asombroso y una gran puesta en escena tecnológica (videos, pirotecnia, efectos visuales de fuego).

Enérgicos bailarines / Foto . Nacho Gaffuri

en Cartel.

Viernes 17 (19 hs), sábado 18 (14:30 y 19 hs), domingo 19 (12 y 16:30 hs).

Estadio cubierto de Tecnópolis. Entradas desde $ 300.

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Deshonrada

en Cartel.

Se trata del tercer espectáculo del grupo de investigación teatral El Ensamble Orgánico, formado en 2003, que se caracteriza por experimentar con diferentes disciplinas (arte plástico, música, danza) logrando un trabajo de lenguaje poético combinado con mucho humor, sensibilidad y excelentes actuaciones. Cactus Orquídea trata la historia de un hombre que pierde a su mujer… otra mujer le regala una semilla que al plantarla hace volver a la persona que uno perdió.

Cinco historias hilvanadas para un encuentro entre lo cotidiano y lo mágico, en esta segunda temporada.

Foto . Prensa

Dramaturgia y Dirección: Cecilia Meijide Entrenamiento físico: Damiana Poggi Grupo Orgánico: Lucas Avigliano, Ignacio Bozzolo, Laila Duschatzky, María Estanciero y Gastón Filgueira Sábados 20:30 hs. Teatro Anfitrión: Venezuela 3340, Tel: 4931-2124

Cactus Orquídea

Deshonrada fue escrita para ser interpretada por Radano y Montes, es un drama para y sobre actores. También sobre el dolor de ser argentinos. Es el diálogo entre una maldita y un loco. En una única escena, como el vértigo de la situación lo pide, refleja un drama bien argentino: el del blanco o negro, el de la facción y la eterna revancha.

Por eso no importa saber quién fue Fanny Navarro o el Capitán Gandhi, ni siquiera quienes fueron Perón y Evita o la Libertadora. Se trata de personajes casi arquetípicos de nuestra mitología nacional.

Foto . Gustavo Di Mario

Algo Sangra La madre y sus dos hijas conviven con el psicólogo cama adentro, el cual propone la cura de esta familia a través de un novedoso método terapéutico. La tensión entre estas mujeres se ve reforzada por la llegada inesperada del primo huérfano del chaco, que desata el caos dando un vuelco en el orden familiar. El living de la casa, que por momentos se convierte en una suerte de whiskeria, es el lugar en donde la ficción se tiñe del espíritu de lo nocturno, lo erótico y lo decadente.

Foto . Ariel Smania Texto y dirección: Melisa Martyniuk Coreografía: Virginia Brauchli Actúan: Federico De Battista, Franco Pisano, Julia Tarditti, Mayra Sánchez y Virginia Brauchli Viernes 22 hs. CET: San Juan 842, Rosario, Santa Fe

48 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Autor: Gonzalo Demaría Director: Alfredo Arias Elenco: Alejandra Radano, Marcos Montes Miércoles, jueves y sábados, 20:30 hs. Sala AB, Centro Cultural San Martín: Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251 al 59

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz

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ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 49

Camping I

Dirección y puesta en escena: Martín Alomar Asesoramiento coreográfico: Nicolás Bolivar Elenco: Nahuel Mutti, Umbra Colombo, Lucas Crespi, Virginia Garófalo y Santiago Giralt.

Jueves 22 hs. Teatro El Tinglado: Mario Bravo 948, Tel: 4863-1188

Pensada para dar a conocer la milenaria cultura de la India, Sanskarr es un espectáculo coreográfico (bollywood) para toda la familia. Narra una historia de amor, que enfrenta a la protagonista (Mohini) para tomar una decisión entre el respeto por la familia, Dios y la tradición, o el amor verdadero y la generosidad que le ofrece Aakaash. Nacida en la India, Manisha Chauhan, reside en la Argentina desde el año 2003.

Foto . GW Fotos

Dirección: Manisha Chauhan Cuerpo de baile de Manisha Chauhan: Manisha Chauhan, María Eugenia Laurenza, Sara Jazmín Ramayo, María Luz Cohen, Vanesa Llanos, María Belén Boesmi, Mónica Dayana Gutiérrez Gómez, Paula Revollo Salamanca, Gabriela Castro, Griselda Regina Chávez, Gisela Rosario Fernandez, Carina Lafon Blon, Myrna Espíritu Nómade, Dina Ferrari, Huvert Vhardhalez, Héctor Santos Rosa y Juan Langeç Sábados de abril, mayo y junio, 16:30 hs. Centro Cultural Borges: Viamonte 525, Tel: 5555-5359

Sanskaar, Costumbres Indias

en Cartel.

La primera obra de una trilogía escrita por Santiago Giralt que indaga sobre las relaciones entre el hombre y la naturaleza. Para Camping I, Mirar Atrás sin Volverse, el tema desarrollado es la amistad y los vínculos puestos a prueba un fin de semana de campamento (las siguientes versan sobre el amor y la familia, todas en campamentos).

“Nunca mires atrás, a no ser que quieras ir en esa dirección”, dice Henry David Thoreau y se sintetiza en esta puesta revisando la honestidad, la hipocresía, el compromiso, los afectos, las frustraciones, los ideales y el crecimiento.

Foto . Alejandro Chaskielberg

Rosas en el Mar En su segunda temporada y con un elenco secreto que no puede mencionarse en la gacetilla, Rosas en el Mar rompe con estructuras teatrales, desde la diversión y el sarcasmo, y musicaliza las desventuras de las relaciones posmodernas. “…todo en la vida es como una canción…” dicen sus autores. El teatro contemporáneo se enfrenta a nuevas preguntas que cuestionan fronteras: espacio escénico/platea, tarea del actor/rol del espectador, entre otros.

Foto . gentileza de la producción Dirección y puesta en escena: Emiliano Samar Diseño coreográfico: Gabriel Arango Domingos 21 hs. Teatro NoAvestruz Espacio de Cultura; Humboldt 1857, Tel. 4777-6956 50 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

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en Cartel.

“En Las Bestias -dice Señorán- el hombre domado obedece a su domador, para luego mirar impávido y ajeno a la otra bestia, aquella encerrada muy adentro en su interior, que atiza para liberarse, pero que ya no es escuchada, perdida en la memoria del ADN como aquella otra fracción del cuerpo que fue amputada.

Esa otra mitad cercenada, la que conectaba el alma con la tierra, desprovista de pantalones que cubrieran su sexo, caminaba descalza sobre los pastizales, danzaba junto a las ninfas del bosque, y era libre de atavíos y pautas sociales”.

Foto . Lucia Miranda

Las Bestias Coreografía y dirección: David Señoran.

Compañía David Señorán: Nicolas Baroni, Luciano Cejas, Matias Tello, Alegre Bartoli, Gastón Gatti, Nahuel Valenzuela, Oscar Farías, Rodrigo Jesús Colomba, Matias Furio, Mauro Poledo, Alexis Bogado, Joaquín Toloza, Martin Gómez Sastre, Matias Goldín, Gonzalo Leiva, Jhonatan González y Jonás Grassi.

Jueves 21 hs (abril y mayo). Centro Nacional de la Música: México 564, Tel: 4300-7384. Entrada gratuita

Las Mutaciones Sobre textos de Valeria Correa y una propuesta espacial inspirada libremente en la obra de la artista minimalista Charlotte Posenenske cuestiona aquellas decisiones tomadas en el pasado. “Alguien dijo que el amor es un lugar por donde pasamos -dice la directora-. Esta obra muestra las veces que nos encontramos, y otros momentos en los que no pudimos. Volver a mirar, como para saber qué hicimos mal y preguntarnos ‘dónde me equivoqué’.

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Dirección: Lorena Ballestrero Entrenamiento corporal y coreografía: Verónica Litvak Actúan: Lorena Vega - Leonardo Murúa Jueves 21 hs. Teatro del Abasto: Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014

Ciclo Matienzo Artes Escénicas: Performance, teatro y danza.

Club Cultural Matienzo: Pringles 1249, Tel: 6610-1520

ELISABETH Performance de Paula Herrera Nóbile Domingo 19, 20 hs.

en Cartel.

Marte

Estudio de Danzas

Catalina Ulloa Coralia Ulloa

Documento vivo -fantasía encarnada- performance de una relación con una persona virtual durante cinco años. “Elisabeth fue durante cinco años mi diario íntimo y mi espejo. Cuestionó el arte en mí, lo bello en mí, el amor en mí” LIEBESZAUBER. AMOR BRUJO Performance de Gael Policano Rossi Viernes 24, 18 hs; sábado 25, 17 hs y domingo 26, 18 hs.

Conferencia sobre amor e internet. Un video-diario que inicia en abril de 2012 sobre un amor exagerado y tiene como escenarios Twitter, Facebook, Instagram y Tumblr.

WILDERLING. PERSONA DESPRECIABLE Performance de Gael Policano Rossi Viernes 24, 20 hs; sábado 25, 18 hs y domingo 26, 20 hs.

Conferencia sobre el amor y la autoestima. Un diario que llevé adelante durante tres meses. Enseño cómo transformé mis malos hábitos, intenté sanar mi vida y traté de empezar a dejar de ser una persona despreciable.

HERMANAS DIAMANTE Obra de danza teatro de Quio Binetti Martes 7 y 21, 20:30 hs.

El tedio, la torpeza, la vida cotidiana convocan lo poético a través de la especularidad de las Hermanas Diamante. Una hermandad que alude a lo gemelar, al doble, a la antropofagia. El punto de partida de la obra es el estrago de lo cotidiano que deviene erótico/ bizarro.

Hermanas Diamante / Foto . prensa

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Julio Bocca 2015 Inscripción y Participación GRATUITAS Inscripción: 29 de abril al 30 de junio de 2015 Destinado a jóvenes argentinos de ambos sexos, entre 15 y 18 años cumplidos al 30 de junio 2015 con residencia en Argentina.

Consultar Bases del Certamen y ficha de inscripción, en la página web: www.consejoargentinodeladanza.com (Premio Julio Bocca) 1º Premio: Danza Clásica: Beca de estudio en el ABT de New York 2º Premio: Beca de estudio en el ISA del Teatro Colón 1º Premio: Danza Contemporánea: Beca de estudio en el Taller de Danza Contemporánea del TGSM

certamen@consejoargentinodeladanza.com Aprobado por Ley Nº 2.264 - Mecenazgo / Régimen de Promoción Cultural. Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Declarado de “Interés Cultural”

ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 53

BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de capacitación docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muñoz, presenta los próximos cursos de

PEDAGOGIA DE LA DANZA Para maestros (y futuros maestros) de danza

CURS OS A DIS URSO DISTTANCIA Se cursan totalmente por internet, bajo la modalidad del e-learning.

Cada docente puede manejar los horarios en función de sus ocupaciones, respetando las consignas estructuradas semanalmente.

Se trata de cursos grupales, en los que cada participante puede interactuar con compañeros de diferentes ciudades del mundo. La inscripción incluye el libro impreso, su envío por correo postal certificado, acceso a la plataforma durante todo el curso, tutor pedagógico, tutor tecnológico y en caso de aprobar, el certificado impreso firmado por los responsables del área (enviado también por correo).

Planificar los Aprendizajes

La Evaluación de los Aprendizajes

Inicia: 14 de julio

Inicia: 22 de septiembre

Descuento por inscripción anticipada hasta el 09/06/15 Cierre de inscripción: 30/06/15

Descuento por inscripción anticipada hasta el 18/08/15 Cierre de inscripción: 08/09/15

in tindidactic inffo@balle o@balletindidactic tindidacticoo.com.ar

JORNAD AS PRE SENCIALE Avanz ado JORNADA PRESENCIALE SENCIALESS ((A anzado ado)) VACACIONE CIONESS DE INVIERNO EN BUENO BUENOSS AIRE AIRESS Para quienes ya hayan tomado los cursos con Alicia Muñoz (presenciales o a distancia)

La Ener gía ccomo omo RRec ec ur edagógic ar pr endiz aje Signif ic ativ Energía ecur ursso PPedagógic edagógicoo ppar araa un AApr prendiz endizaje Signific icativ ativoo El objetivo de este encuentro será revisar la correcta aplicación de las herramientas brindadas por la pedagoga en los cursos anteriores, para el logro de aprendizajes significativos.

Entrega de certificados. Contra presentación de DNI. 1) Se evaluarán los proyectos de cada docente para proponer ajustes en función de los propósitos de logros planteados.

2) Partiendo de la realidad de cada grupo, se analizarán los recursos y estrategias que están utilizando los docentes para determinar su optimización.

3) Los participantes plantearán las dudas que hubieran surgido como resultado de la práctica, para lograr soluciones en base al marco teórico referencial.

4) Se seguirá desarrollando el uso de la energía como herramienta principal para desarrollar la conciencia corporal.

Fecha echa: Domingo 19 y lunes 20 de julio | Teoría: 9:30 a 12:30 hs | Práctica: 13:30 a 15:30 hs Pr ecio Precio ecio: $ 350 | Lugar ugar: Asociación Arte y Cultura: Guardia Vieja 3783 (barrio del Abasto).

Ins cripción Inscripción cripción: Enviar nombre y apellido, Nº de DNI, ciudad de procedencia y cuándo realizó los cursos (si fueron presenciales o a distancia, mes y año), a: info@balletindidactico.com.ar Formas de ppago ago ago:: • Anticip ado Anticipado ado: Por internet desde Balletin Dance: www.balletindance.com.ar Depósito o transferencia bancaria, giro postal, Pago Mis Cuentas, Tarjeta de crédito (Visa o Mastercard) en 3 cuotas sin interés. Rapi Pago, Pago Fácil (y redes asociadas).

• El día de inicio del ccur ur ursso: en la sede de la Asociación Arte y Cultura, en efectivo.

No Notta: Teórico: llevar material para tomar notas (lápiz y papel). Práctico: ropa muy cómoda y zapatillas blandas o medias.

54 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

Nube Negra Se trata del segundo trabajo de Florencia Gleizer, en el que junto a Fluxlian (grupo de iluminadores no convencionales, arquitectos, videastas, músicos y artistas plásticos) son los cuatro performers de Nube Negra. Con baja tecnología, basura tecnológica y construcciones artesanales se generaron los recursos estéticos y técnicos, que interrogan sobre lo digital/analógico y el “hacer uno mismo”, el exceso de flujo de información del mundo contemporáneo y su repercusión en el hombre.

Foto . prensa

Lejos Lejos se inició a partir de una investigación conjunta entre una actriz (Florencia Bergallo, 1978), una fotógrafa (Mariana Roveda, 1979) y una coreógrafa/directora (Marina Sarmiento, 1979).

“Es una búsqueda artística en la que el pasado, como conjunto de legados personales y generacionales, se presenta como un ruido.

Se desarrolla de acuerdo a una relación temporal no lineal entre pasado/presente que pone en tensión el vínculo cuerpo, memoria y representación”, señalaron las autoras en parte de prensa.

Foto . Mariana Roveda

en Cartel.

Dirección/Danza/Performer: Florencia Gleizer Iluminación no convencional/Dispositivos/Performers: Fluxlian Sábados 20:30 hs. Espacio Café Müller: Lavalleja 1116, Tel: 4775-5697

Coreografía y dirección: Marina Sarmiento Dramaturgia escénica: Florencia Bergallo, Marina Sarmiento Intérprete: Florencia Bergallo Jueves 21:30 hs. Beckett Teatro: Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185

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E N T R E V I S TA

Retornar a una Bailaora de Antaño Por Gabriel Vaudagna Arango La bailaora Susana Lupiañez Pintos, granadina, conocida como La Lupi, regresa a Buenos Aires. Esta vez con Retorno, una producción propia, que se verá el 22 de mayo en el Teatro del Globo, acompañada por Curro de María en guitarra y los cantaores locales Maxi Serral y Eugenio Romero.

Además dictará una serie de talleres para profesionales del flamenco

La Lupi que se encuentra ensayando un montaje como coreógrafa invitada del Ballet Nacional de España -bajo la dirección de Antonio Najarro (próximo a estrenarse)- dice que ha sido convocada por su frescura, “mi flamenco es muy orgánico, está hecho de una naturaleza interior…” declara en una entrevista que promociona el propio Ballet Nacional.

Hace unos años, el público porteño tuvo oportunidad de conocerla en vivo, había venido como bailaora invitada del cantaor Miguel Poveda cuando presentó su espectáculo en el Teatro Gran Rex, pero en esta oportunidad, presentará en solitario, Retorno.

Retorno es un espectáculo de baile muy fresco Foto . Paco Sánchez

¿De qué se trata el espectáculo?

Retorno es un espectáculo de baile muy fresco, no lleva dramaturgia ni nada y tiene una fluidez diferente. El nombre remite a varios motivos: es retornar, reciclar todo lo que uno va dejando por el camino pensando en otras búsquedas, retornar al pasado y a esas bailaoras de antaño.

Esta vez sólo iremos a Buenos Aires, pero espero poder organizar en 2016 una gira por toda Argentina, porque me escribe mucha gente de distintas ciudades. También bailaré en Brasil.

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Centro Superior de Arte

SYLVIA GULIZIA

La Lupi: “Se baila como se vive” Foto . Juan Conca

En referencia a su montaje para el Ballet Nacional de España usted señaló en una entrevista, que ‘Se baila como se vive’ ¿Cómo vive usted?

Yo vivo por y para el flamenco. Mi vida está dedicada al flamenco y a la danza y eso se ve cuando bailo, se ve la pasión por el baile.

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La mayoría de los artistas españoles suelen llegar a Buenos Aires con una gran producción, o como invitados de otros artistas (como en su visita anterior).

Bueno yo llevo ya 30 años en este mundo. Con la compañía 20 y decidí que ya no quería más. Llevo unos 13 años en solitario haciendo producciones por toda Europa, pero nunca había dado el salto hacia Buenos Aires, es la primera vez.

¿Existe un flamenco contemporáneo?

Hay un flamenco contemporáneo o una contemporánea que baila flamenco, puede ser de las dos maneras. Hay gente alternativa que busca por necesidades personales o artísticas utilizar otras modalidades. Yo fui una de las pioneras en la movida de los años ‘90, me fui a Madrid con Juan Maya Marote -guitarrista de Carmen Amaya y hermano de Manolete- que formó la Compañía de Flamenco Contemporáneo, con el cruce con otras modalidades de danzas como el neo-clásico y el contemporáneo. Yo estuve en esa etapa, fue maravillosa y de mucho aprendizaje. Pero hace trece años cuando empecé sola con la compañía, decidí hacer otras cosas, escarbar en ese pasado del que mucho me queda por aprender. __BD

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Por Beatriz Cotello

Se trató de un espectáculo ambicioso y exigente para los artistas, integrado por Tangata una coreografía del brasileño Ricardo Fernando (director del Ballet de Hagen) con música de Astor Piazzolla, Fado, Ritual y Sombras del portugués Vasco Wellenkamp con acompañamiento de canto y guitarras y Estancia del dominiqués Darrel Toulon (director del Ballet de Graz) sobre la partitura de Alberto Ginastera.

Tangata incluye tres piezas de Piazzolla: Tres Tangos para Bandoneón y Orquesta, Concierto del Ángel y Tres Minutos con la Realidad.

Fernando expresa en movimiento ese “sentimiento triste que se baila” según alguna antigua definición del 2 x 4. La danza se

Martina de Dominicis y Szabolcs Pataki, en Malambo Fotos: Werner Kmetitsch

INTERNACIONALES | AUSTRIA

Programa Argentino en la Ópera de Graz

Bajo el título de Malambo!, se presentó el mes pasado la gran premiére de la temporada de ballet del Teatro de la Ópera de Graz, con tango, fado y malambo, una combinación que evoca aspectos de nuestra cultura, producto exótico para el público de Austria

58 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

desenvuelve en medio de cuatro elementos unidos entre sí por un gran barral, que de frente parecen un ideograma chino y de perfil son como un enorme triángulo con la hipotenusa curva.

De entre estos elementos avanza un trío de hombres que evoluciona junto con una bailarina, luego una pareja, luego los elementos son impulsados por el escenario rodante hasta ponerse de espaldas al público. Tienen por detrás unas aberturas, y en cada una de ellas una mujer, que sale a bailar al ser solicitada o bien permanece encerrada en su soledad, como evocando la época en que Leopoldo Lugones llamaba al tango “reptil del lupanar”. Canalla y reo.

Se destacó en Tangata la argentina Lorena Sabena, en una coreografía casi ‘clásica’ de tango (con zapatillas de punta), de fuerte intensidad expresiva, que le permitió revelar sus dotes, con acorde tono muscular y una particular prestancia callejera. Invitada a integrarse a la compañía del Teatro de Graz el año pasado, donde continuará por lo menos una temporada más.

La orquesta del Teatro bajo la batuta del argentino radicado en Holanda José Miguel Esandi fue excelente en sus actuaciones, con una fiel interpretación Piazzolliana, recibiendo fervorosos aplausos los solistas de violín, bandoneón y clarinete.

Continuó el programa, la obra de Wellenkamp quien viajó a Graz para ocuparse personalmente del montaje y los ensayos. La pieza transcurre en un local de fado en Portugal, con un conjunto de guitarras situado en una plataforma a media altura, y una cantante que comienza allí su actuación para descender luego al escenario.

Miki Wakabayashi, Dylan Hoskins y Lorena Sabena, en Tangata

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Dylan Hoskins, Alberto Cissello, Dianne Gray y Michal Zabavík, en Fado Fotos: Werner Kmetitsch

El fado tiene varios puntos de contacto con el tango, ambas formas son expresión de la nostalgia. De los inmigrantes en el Río de la Plata por la tierra de origen lejana, por la mujer perdida o traicionera, y de los marineros o pescadores portugueses que se internaban en el mar sin saber si podrían regresar. Así como ocurre con el tango, no hace falta entender la letra para sentir la vibración de la nostalgia (saudade) en esa música y en esa voz (preciosa) de la cantante Carla Pires.

Fado es una creación muy hermosa en su conjunto. La danza interpreta el sentimiento trágico de la vida (el nombre ‘fado’ se refiere al destino) con desgarradas escenas envueltas en sillas, mesas y un banco que transmutan todo el tiempo en movimiento.

De las múltiples teorías sobre el origen del género, Wellenkamp prefirió la que lo hace nacer sobre la cubierta de un barco en alta mar. No podría ser de otra manera ya que su nombre es muy parecido a lo que en alemán sería ‘la lucha contra las olas’.

El broche final del espectáculo fue Estancia, en una interesante y complicada coreografía del director. Su interpretación de nuestra conocida obra refleja cómo cada receptor, en este caso el coreógrafo, decodifica las imágenes del músico de acuerdo con sus propios contenidos, su contexto cultural y su propia fantasía.

Es decir, Toulon toma la idea del gaucho solitario en medio de la pampa infinita, como analogía del sentimiento del creador que se enfrenta con la escena vacía.

Esto fue representado en el escenario con una pila de telas blancas, arrugadas, de la que surge un hombre (¿la inspiración que se ha despertado?) luego van apareciendo

60 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

diferentes elementos que podrían ser una alegoría sobre la historia del ballet (desde sus albores en la corte de Francia hasta las expresiones más modernas). Tres figuras femeninas (Kana Mabuchi, Miki Wakabayashi y Sabena) desplazándose sobre las puntas como flotantes fantasmas e inmensas polleras con miriñaque, un enorme marco blanco, efectos lumínicos de color, paneles corredizos que esconden a personajes de diferentes épocas, coloridos, blancos, negros, estilo rococó, tres bailarines que vuelan literalmente (acrobacia) sobre un trío de bailarinas…

Aunque es cierto que el lenguaje musical de Ginastera no es el de la Pastoral de Beethoven y dista mucho del original folklórico, el alma nostalgiosa esperaba algo más parecido a las figuras que propone el compositor musical: “los trabajadores agrícolas”, “danza del trigo”, “los peones de hacienda”… El Malambo final sí fue una reproducción fiel del tema aludido. Es que ese ritmo es inequívoco y se deja oír claramente, Toulon lo reconoce como propio (es común con otros países de América y las islas del Caribe) y es bailado por toda la compañía en rítmico y preciso conjunto.

La imaginación de los coreógrafos no dio respiro casi en ningún momento y el ballet respondió con creces a sus exigencias, reflejando una excelente preparación y entrega hacia el trabajo, que el público respondió clamoroso. __BD

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Por Beatriz Cotello

Marianela Nuñez como Odette/Odile en la Ópera de Viena

INTERNACIONALES | AUSTRIA

Esta temporada ha tenido la sorpresa de que el Staatsballet Wien ofreciera El Lago de Los Cisnes con artistas protagónicos que no pertenecen a la casa: la argentina Marianela Nuñez como OdetteOdile y Stéphane Bullion, danseur étoile de la Ópera de París, para asumir el rol de Sigfrido en reemplazo del local Vladimir Shishov, que sufrió una lesión ¿Qué escribir sobre la Odette/Odile de Marianela Nuñez que no haya sido señalado en tantas oportunidades? Sublime en su encarnación de la princesa-cisne, altanera y triunfante en su aparición como cisne negro.

Si bien quien firma estas líneas nunca la había visto en escena, lo que más deslumbró fue su levedad en el cisne blanco, cuando pareciera no apoyarse sobre las tablas y su expresión de abandono en los brazos del príncipe.

Y todavía quedaba por verla en el rol de bravura: los fouettés desataron tal tormenta de aplausos y bravos capaces de atentar contra los revestimientos de yeso de los palcos. Si bien no es necesario apreciar esas piruetas para comprobar su maestría técnica, su arte se evidencia en cada paso.

Bullion la acompañó con mucha eficacia, es un gran bailarín acorde a su categoría de danseur étoile, que recibió en 2010 luego de una actuación en La Bayadère (de la misma forma en que más tarde la recibió nuestra compatriota Ludmila Pagliero).

El Staatsballett Wien -también la ópera de París- recurre a la coreografía que, basada en Petipa-Ivanov, creara RuFinalizada la función, un grupo de personas (en su mayoría rusos) más los infaltables coleccionistas de autógrafos esperaba a los bailarines en las inmediaciones. Algunos firmaban medio a regañadientes, otros con amabilidad. Bullion salió sin mucha ceremonia, en la vereda lo aguardaba una admiradora fiel que había venido desde París para verlo. Marianela Nuñez se mostró de buen humor y sonriente como es habitual, firmó autógrafos y posó para las fotos.

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dolf Nureyev en 1964 para estrenar en Viena. Sin la voluminosa escenografía y vestuarios que concibió Georgiadis en su momento, se utiliza actualmente la de Luisa Spinatelli pensando en su funcionalidad, muy elegantemente italiana por cierto, en tonos pastel, salvo el ayo del príncipe, que luce un traje colorado intenso y el brujo Rotbart, en rojo, negro y violeta, firmada por Jordi Roig.

Nureyev procuró darle más protagonismo al rol masculino, pero no hay duda de que Odette/Odile tienen más oportunidades de lucimiento. En el podio actuó Alexander Ingram, un especialista del repertorio coreográfico. En la obertura descargó todo su ímpetu, mientras que durante la danza el tono fue más medido.

Aunque no haya que cuidarse de no tapar la voz de los cantantes, como en la ópera, una orquesta demasiado estruendosa tampoco conviene al trabajo de los bailarines.

Al cierre del espectáculo, se redoblaron los merecidos aplausos y bravos, de un público entendido en estas cuestiones, tal el espectador “habitué” de El Lago de los Cisnes, compuesto en gran parte por turistas rusos que aman el ballet y que seguramente han visto producciones e intérpretes notables.

Con estas invitaciones, y las de maestros y coreógrafos, Legris está poniendo al Staatsballett a la altura de las compañías de los grandes teatros de Europa. El elenco vienés había sido dejado un poco de lado por la administración anterior, que consideraba que la capital no era una ciudad de ballet sino de ópera. Tuvieron que arribar dos franceses: el director del teatro Dominique Meyer y Manuel Légris, para elevar su nivel de prestigio, sin que por ello decayera el de las óperas, por supuesto. __BD

Marianela Nuñez: deslumbrante levedad en el cisne blanco

Junto a StĂŠphane Bullion, altanera y triunfante como Odile Fotos . Michael Poehn

ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 63

Surmenage “Para mi forma de ver este trabajo -señala Fernando Tur- Surmenage es una elipsis musical, coreográfica y cinematográfica, que suprime acontecimientos de la linealidad temporal del relato, pero, sin embargo, hay historia. Hay tiempo.” La subjetiva perspectiva de una mujer en estado de surmenage (síndrome de fatiga crónica): reflexiona, revive, recuerda, supone, sueña, acompañada por una banda musical en vivo.

Foto . prensa

Sexo De-Vil

Una propuesta provocativa, un relato coreográfico que evoca el universo femenino a partir del sentido común. La problemática acerca del dolor, la felicidad y el placer son abordadas desde los personajes sin ningún reparo moral o ético. El erotismo, la sensualidad y la violencia son los hilos conductores para posibilitar la reflexión acerca del sexo corporal de las mujeres y su posterior construcción cultural, política y social.

Foto . Giselle Otero | Fotolucida Dirección: Elias Miguez Intérpretes: Pamela Campos, Priscila Favre, Sonia Isola, Carolina Pitetti, Cecilia Slamecka y Miguel Patiño.

Sábados 21 hs. Teatro La Tertulia: Gallo 826, Tel: 4865-0303

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Salto es una comedia trágica que cuenta el naufragio de Rita, una reconocida cantante del crucero Splendid quien se ha arrojado al mar a bordo de un bote salvavidas en busca de una vida menos superflua y más real. … quiso trascender, dar un salto.

Como clown de Varekai, el espectáculo del Cirque du Soleil, Anita Gutiérrez, realizó las giras de la compañía por Europa, Asia y Sudamérica de 2010 a 2013.

Foto . prensa

Dramaturgia: Mercedes Hernández, Luisina Di Chenna y María Florencia Alvarez Dirección: Luisina Di Chenna y María Florencia Alvarez Coreografía: Anita Gutiérrez Intérprete: Mercedes Hernández Sábados 21 hs. Teatro El Excéntrico de la 18: Lerma 420, Tel: 4778-6092

Salto, Comedia Trágica en Alta Mar

en Cartel.

Dirección: Fernando Tur Intérpretes: Milagros Almeida, Yanina Ferraro, Malena Zuelgaray, Maia Prieto, Hernán Sánchez, Gonzalo Alvarez, Rifle Penney, Julian Mekler y Omar Possemato Martes 21 hs. Patio de Actores: Lerma 568, Tel: 4772-9732

INTERNACIONALES | AUSTRIA

Keersmaeker Honrada

La coreógrafa belga, Anne Teresa De Keersmaeker recibió el 18 de febrero, la Cruz de Honor para la Ciencia y el Arte, uno de los más altos honores otorgados por la República de Austria por los logros científicos o artísticos En una ceremonia celebrada en la Sala de Teatro Castillo de Cerro Negro en Viena, Anne Teresa De Keersmaeker recibió de manos del ministro de cultura Josef Ostermayer, la Cruz de Honor de Austria para la Ciencia y el Arte ante trescientos invitados. Además mostró un fragmento de su Noche Transfigurada sobre música de Arnold Schoenberg y un poema de Richard Dehmel, a cargo de su compañía Rosas.

Ostermayer anunció los méritos de Keersmaeker a la hora de entregarle tal distinción: “Su capacidad de innovación y sus altos estándares artísticos expresados de forma permanente”. Además, que sea una preocupación importante en su haber, la formación de jóvenes para la escena internacional “que merece todo mi respeto y agradecimiento”. Y por supuesto encontró la vinculación de la coreógrafa con Austria “ella ha estado durante mucho tiempo profundamente conectada a Austria (…) cuenta con veintiocho producciones solamente en el Festival

Anne Teresa De Keersmaeker Foto . Anne Van Aerschot

ImpulsTanz”, asegurando que efectivamente “una gran parte de la carrera de Anne Teresa De Keersmaeker está vinculado con Austria y sobre todo con Viena”.

Su obra comprende más de cincuenta coreografías, desde 1980. Fundó Rosas, su propia compañía en 1983 instaurando hitos en el panorama de la danza contemporánea internacional, “signada por un gran amor por la música, una ligereza lúdica y una estructuración matemática”.

Anne Teresa De Keersmaeker estará nuevamente este año en Austria, con su obra Vortex Temporum, el estreno oficial de Noche Transfigurada, ambos este verano en el ImpulsTanz, y también en el Theater an der Wien de Salzburgo y un nuevo trabajo que se mostrará en la Opera de Graz. __BD

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ABRIL 2015 .. BALLETIN DANCE .. 65

INTERNACIONALES | CHINA

Bienvenida la Cabra

A fines de febrero se realizo la ceremonia china para dar la bienvenida al nuevo Año de la Cabra, con la Danza del León como protagonista “Mitología y modernidad se fusionan en la legendaria Danza del León, un espectáculo que combina las artes marciales y el baile y que, un año más, desfiló por las calles del gigante asiático para ‘ahuyentar’ a los malos espíritus que amenacen la prosperidad y buena suerte del pueblo chino, al dar paso al nuevo año de la cabra”, dice Sara Díaz para la agencia de noticias EFE. El tradicional Festival de la Primavera tuvo lugar del 19 al 24 de febrero, y su misión fue despedir al Año del Caballo para adentrarse en el de la Cabra, signo del horóscopo chino que marcará los próximos doce meses. En la Danza del León, de carácter mitológico, dos bailarines simulan a este animal, bajo un enorme disfraz, con ondulaciones felinas, a través de complicados movimientos de Kung fu (el arte marcial más conocido de China). Esta milenaria danza se originó

La Danza del León: buena suerte para el pueblo chino

en la sureña provincia de Cantón, donde expandió su importancia y tradición a las regiones vecinas de Hong Kong y Macao.

“Durante la celebración del festival, varios leones recorren las calles para ‘traer fortuna’ y entretener a los espectadores mientras que un hombre vestido con una túnica y máscara (apodado el Buda Sonriente) intentará ‘provocar’ al león con un abanico para hacerle saltar, rodar y tumbarse” detalla Díaz. “El acto finaliza con un mensaje de buena suerte que cae de la boca del león, en medio de una explosión de fuegos artificiales para terminar de espantar a los seres malignos”, además del espejo colocado en su frente, el león puede gesticular a través de unos mecanismos ubicados en el interior de su cabeza (mueve ojos, orejas y boca). Los colores más usados -rojo, verde y oro- tienen un significado especial y representan la valentía, amistad y vitalidad, respectivamente”.

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INTERNACIONALES | FRANCIA

Se Retira Sylvie Guillem

A los 50 años, la bailarina francesa se retira de los escenarios con la gira internacional Life in Progress, que incluye coreografías de Akram Khan, Mats Ek y Russell Maliphant La gira despedida de Sylvie Guillem terminará en Tokio en diciembre de este año.

“He amado cada momento en estos 39 años y todavía sigo amándolo de la misma manera” señaló Guillem a la prensa a fines de febrero. “Quiero terminar mientras todavía soy feliz haciendo lo que hago, con orgullo y pasión”.

Guillem ha sido considerada por muchos, la mejor bailarina de su tiempo. En 1988 dejó la Ópera de París para unirse al Royal Ballet de Londres en calidad de invitada (estuvo en Buenos Aires cuando llegó el elenco completo) y en forma paralela bailó en las principales compañías de todo el mundo. Los más destacados coreógrafos crearon piezas para ella y compartió la escena con los grandes bailarines del momento.

Para finalizar la genial bailarina, reflexionó en torno al ballet clásico de hoy: “Hoy en día hay una preocupación excesiva por la técnica, y se olvida que en el ballet es importante la expresión. Cuando se cuenta una historia, tan necesario es hacer bien los pasos como proyectar emociones y vida. Y eso no lo enseñan muchas veces los maestros”. __BD Guillem en Ajö de Mats Ek Foto . Lesley Leslie-Spinks

Sara Díaz investigó sobre el origen de esta tradición, recabando que existen numerosas leyendas que giran a su alrededor.

“La más popular entre el pueblo chino es la del Rey León, un monarca que gastó una broma pesada al Emperador de Jade al fingir estar herido y saltar gruñendo como si fuera un león. El Emperador de Jade, ofendido, ordenó su decapitación”.

La increíble complejidad de este espectáculo no se refleja en el popular espectáculo callejero del Festival de la Primavera, sino en las academias y competiciones. Un especialista, explicó que “Los dos temas más populares son la danza del “león tradicional” y la del “león saltarín”, este último es el que más elogios y aplausos recibe del público debido a su increíble complejidad. Al ritmo de la música, el león salta con gran habilidad sobre unas pequeñas tarimas situadas sobre postes de gran altura y con diferente separación, lo que implica una gran sincronización entre los dos bailarines”.

Para poder interpretar esta danza se requiere un estudio profundo de los movimientos del animal, estar en buena forma y pasar los intensos ejercicios de entrenamiento, por lo menos durante dos intensos años. Los mejores alumnos de la Danza del León participan en competiciones internacionales, en países asiáticos, y también en otros como Turquía o Canadá. __BD

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De: Marco Antonio de la Parra Dirección: André Carreira Con: Amalia Kassai en Bremen (Alemania), Juan Lepore en Buenos Aires y Milena Moraes en Florianópolis (Brasil) Viernes 20 hs. CELCIT: Moreno 431, Tel: 4342-1026

En su tercera temporada y con nueva puesta, de la comedia sórdida al drama amoroso, Trópico del Plata aborda la historia de Aimé. Con mínimos recursos escenográficos, la puesta está centrada en la actuación como potencia escénica (los dos personajes son relatados por la misma actriz). “…un recurso dramático que hoy constituye el lenguaje de la puesta en escena”, apunta Rubén Sabadini acerca de la pieza.

Foto . prensa

Trópico del Plata

Odiseo.com

en Cartel.

Se trata de una experiencia performática que sucede en tiempo real, en tres espacios/ciudades simultáneos, en una coproducción del CELCIT en Buenos Aires y Experiência Subterrânea (Brasil). Utiliza la tecnología digital de comunicación interpersonal para discutir sobre estas prácticas mediadas de relacionarse. “Nos hemos acostumbrado a creer que las redes sociales y las plataformas de comunicación pueden sustituir los contactos personales”, explica el director, pero “hasta qué punto no son más que instrumentos que nos mantienen lejos de las personas, justamente, porque nos dan la sensación de cercanía”.

Foto . Otten Severonoe (Florianópolis)

Texto y dirección: Rubén Sabadini Entrenamiento Corporal: Lucas Cánepa Actúa: Laura Nevole Sábados 22:30 hs. La Carpintería Teatro: Jean Jaurés 858, Tel: 4961-5092.

Gayané

Las funciones de Gayané estarán dedicadas a la memoria de Violeta Janeiro, ex directora del Ballet del Sur. La obra transcurre en dos actos, entre aldeanos y pastores armenios. Es una historia de amor entre Gayané y Armén (no retribuido a Guikó), que conducirá a que los campesinos carguen con la responsabilidad de no haber comprendido a tiempo lo que el desprecio y la marginación pueden producir en el alma de aquellos que no encuentran la felicidad.

Foto . Raúl Lázaro Coreografía: Ricardo Alfonso según el original de Anisimova-Vilen Galstian Ballet del Sur de Bahía Blanca Música: Aram I. Kachaturian Director Musical: Federico Víctor Sardella Viernes 24 y sábado 25, 21 hs, domingo 26, 20 hs. Teatro Municipal de Bahía Blanca, Buenos Aires

68 .. BALLETIN DANCE .. ABRIL 2015

balletin informativo Becas Rusia. Se ofrecen medias becas para realizar Dos semanas de formación práctica intensiva en el Teatro Estatal de Repertorio de Rusia, del 14 al 28 de junio de 2015. Este programa está recomendado para artistas profesionales de diversas técnicas, actores, bailarines, coreógrafos, dirección del movimiento y teatro físico. La organización ofrece alojamiento durante el programa y facilidades para tramitar la Visa. Se seleccionará a los postulantes según antecedentes.

Informes: https://twitter.com/iugte_art.

Convocatorias Festival Beckett Buenos Aires 2015. 10º edición, segunda quincena de noviembre.. Se recibirán propuestas de teatro, danza, música y cine, escritas por Samuel Beckett o inspiradas en su obra. Inscripción hasta el 16 de octubre de 2015. Mail: info@festivalbeckett.com.ar. Internet: www.festivalbeckett.com.ar.

Semana de la Danza en Pilar. 2º edición. Artistas Organizados del Partido de Pilar. Primera semana de mayo de 2015. Podrán presentarse propuestas de talleres, charlas, videos, performances, espectáculos, entre otros. Las actividades serán a la gorra. Inscripción hasta el 15 de abril. Informes: Tel: 15-5602-7262, E-mail: artistasorganizadospilar@gmail.com.

Financiamiento Ciudad de Buenos Aires. Mecenazgo, Régimen de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires. A través de este programa de incentivo fiscal, los contribuyentes que tributan en el impuesto sobre los Ingresos Brutos, pueden destinar parte de ese pago a los Proyectos Culturales seleccionados, Los interesados en postularse deben proponer proyectos sin fines de lucro relacionados con la investigación, capacitación, difusión, creación o producción. Podrán solicitar hasta $ 250.000 (personas físicas) o un importe ilimitado (personas jurídicas).

La inscripción para danza (teatro, circo y otros) cierra el 24 de abril de 2015. Informes: Tel: 4323-9400 int. 2845. Descargar instructivo para la formulación de formularios on-line: www.buenosaires.gob.ar, áreas, cultura, mecenazgo.

Premios Premios Argentores - Teatro 2014. Serán cinco rubros entre los que se cuenta Coreografía original para obra estrenada. Solamente podrán concursar obras que hayan sido declaradas en Argentores. Para coreografía se deberá entregar un DVD del espectáculo, junto a una carpeta con información del participante. La inscripción cierra el 17 de abril. Informes: J. A. Pacheco de Melo 1820, Buenos Aires (1126).

E-mail: info@argentores.org.ar.

Residencias Brasil. El Instituto Sacatar de Salvador de Bahía, seleccionará entre 20 y 25 artistas para cumplir residencias de dos meses en su institución ubicada en la Isla de Itaparica, de octubre de 2015 a diciembre de 2016. Podrán postularse artistas de todas las disciplinas, nacionalidades y edades. La beca incluye el reembolso del pasaje aéreo, hospedaje en habitación privada, estudio independiente, alimentación y apoyo logístico. Las inscripciones se realizarán on-line, hasta el 15 de abril: www.sacatar.slideroom.com. Mayores informes en internet: www.sacatar.org.

Italia. Arts Oasis, residencia internacional de artes escénicas, del 1º al 6 de junio en Toscana, bajo la dirección de Sergei Ostrenko. Abierta a artistas de todas las disciplinas, apasionados e inspirados por el movimiento, la danza y el teatro físico, interesados en la investigación práctica de la performance contemporánea junto a colegas de todo el mundo. El programa se llevará a cabo en el Monasterio Santa Croce del siglo XII, famoso por ser el lugar de reclusión de Dante Alighieri, situado en un parque natural en la costa del Mar Mediterráneo (con playa privada), rodeado por los Alpes Apuanos. Incluye espacio de creación, alojamiento y pensión completa. El programa completo y las fichas de inscripción se encuentran on-line: www.iugte.com/artsoasis.

Aclaración En un mensaje enviado a esta redacción a través de su asistente, Jorge Fama informó a Balletin Dance que la fotografía de Violeta Janeiro y Gustavo Mollajoli en El Prisionero del Cáucaso, publicada el mes pasado en página 56, es de su autoría.

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