BALLETIN DANCE 249 by Balletin Dance

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 - Año 22 Nº 249. Diciembre 2015 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

FESTIVALES ASENTADOS Argentino de Artes Escénicas Pulso Urbano CARLOS ACOSTA Despedida del Ballet Clásico

NADIA MUZYCA Y FEDERICO FERNANDEZ En el Viejo Continente DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 1

Nota de Tapa 4 Bailar por el Mundo Actualidad 10 En el Torrente Sanguíneo 52 Compleja Situación del Complejo

Staff editora general Agustina Llumá

Provincias 12 Santa Fe. Una Propuesta de Gran Calidad y Brillo Propio 16 Córdoba. Danza Urbana, Pulso Creativo

editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Laura Lifschitz Toni Más Marcos Nápoli Pablo Scoufalos Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango En la redacción Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oﬁcina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275 2 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Flamenco 18 Fabiana Pouso Folklore 20 Custodios del Legado

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5220027. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

Comentarios 29 Reﬂejo Invertido 30 Tiempos Modernos: Alienación de la Máquina Comunicativa 32 Complicidad en Red 34 Cómo Entrarle al Baile 36 El Eterno Ascenso 38 El Ogro Más Bueno 40 Salsa Criolla Enero al Teatro Liceo 40 Más Allá del Show Entrevistas 42 Ana Botafogo 48 Isabel Bustos In memoriam 47 Cipe Lincovsky 47 Teresita del Río 50 Annemarie Hoth Balletin Dance 24 Exposición Fotográﬁca

Nadya Muzyca y Federico Fernández en Seven Sins Tango Foto: Antonio Fresco

Internacionales 51 España. Público y Ciencia 54 Cuba. Diva de Cumpleaños 56 Colombia. Un Mundo Para la Danza 62 Reino Unido. Carlos Acosta se Despidió del Ballet Clásico 66 Rusia. Makhar Vaziev regresa a Rusia Televisión 61 Tenebrosa Concepción en Cartel 26/53 Balletin informativo 67/68/69/70 Audiciones, concursos, inscripciones, encuentros y festivales, muestras y festivales de ﬁn de año, puntos de venta

Sumario Diciembre 2015 Año 22 Nº 249

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DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 3

Nota de Tapa 4 Bailar por el Mundo Actualidad 10 En el Torrente Sanguíneo 52 Compleja Situación del Complejo

Staff editora general Agustina Llumá

Provincias 12 Santa Fe. Una Propuesta de Gran Calidad y Brillo Propio 16 Córdoba. Danza Urbana, Pulso Creativo

Flamenco 18 Fabiana Pouso Folklore 20 Custodios del Legado

Nadya Muzyca y Federico Fernández en Seven Sins Tango Foto: Antonio Fresco

Sumario Diciembre 2015 Año 22 Nº 249

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Bailar XEL Mundo nota de tapa

por Agustina Llumá

Nadia Muzyca y Federico Fernández, primeros bailarines del Teatro Colón, encabezan sus propios grupos privados, juntos o separados, para bailar en galas y festivales alrededor del mundo. De esa manera la cantidad de actuaciones sobre un escenario se asemeja a lo que el desarrollo de una carrera profesional en danza amerita

4 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Nadia Muzyca y Federico Fernández, en la última versión de Romeo y Julieta Foto . Máximo Parpagnoli

Bailar XEL Mundo nota de tapa

por Agustina Llumá

4 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Nadia Muzyca y Federico Fernández, en la última versión de Romeo y Julieta Foto . Máximo Parpagnoli

En una confortable tarde de noviembre, poco antes de que Nadia Muzyca y Federico Fernández partieran hacia Montevideo, para actuar en la Gala del 80º Aniversario del Ballet del Sodre, que dirige Julio Bocca, Balletin Dance dialogó con ellos en un pintoresco bar de las inmediaciones de nuestro primer coliseo, entre ensayo y ensayo. Cantidad de actuaciones realizaron juntos este último año, en galas y festivales a lo largo del continente, algunas de ellas como emisarios del Teatro Colón y otras, por proyectos personales privados. “Es un gran orgullo salir a mostrar lo que tanto nos gusta hacer, y que nos consideren tanto”, dice la bailarina que encabeza la tournée que los llevará a Grecia, Egipto y Austria este enero. Hace poco más de un año, recibió la invitación de una manager para hacer giras al exterior y entonces comenzó a delinear el programa y los bailarines que la acompañarán. “No se puede llevar mucha gente porque es muy costoso y es nuestra primera gira al exterior”, explica al mencionar a los siete artistas que integran la comitiva: “está Federico que es fundamental, voy acompañada de súper buenos bailarines: Edgardo Trabalón, Daiana Ruiz, Macarena Giménez, Magdalena Cortés y Julián Galvan que además hace la coreografía de tangos. Todos son

La pareja en Margarita y Armando de Frederick Ashton en 2012 Foto . Máximo Parpagnoli

bailarines del Ballet [del Teatro Colón] que para nosotros es mas fácil coordinar los ensayos, porque estamos bajo la temporada del teatro y esto es algo extra”. Actuarán en el Thessaloniki Concert Hall de Thessaloniki (Grecia, 29 enero) con Don Quijote, Corsario, fragmentos de Seven Sins Tango, Buenos Aires y en la segunda parte Carmen completo según Azari Plisetsky. Luego bailarán en el Odeón Theatre de Viena (Austria, 1º, 2, 3 y 4 de febrero), en la Opera del Cairo (Egipto, 9, 10, 11 y 12 de febrero) y en la Opera de Alejandría (Egipto, 15 y 16 de febrero) con Seven Sins… completo. El estreno Julián Galván “se ha preparado mucho en tango” explica Fernández a la hora de detallar la creación de su compañero, que permitirá cumplir con una propuesta de noche completa. Dice la bailarina: “se llama Seven Sins Tango (Siete Pecados Capitales), Buenos Aires. Somos los siete pecados capitales”, lujuria, gula, avaricia/codicia, pereza, ira, envidia y soberbia/orgullo. Sobre música del genial Astor Piazzolla, cada uno de ellos tendrá su propia personalidad, trajes, e incluso colores. “Es un proyecto muy bueno, la gente de afuera se súper entusiasmó. Yo estoy fascinada, porque es un emprendimiento muy grande, muy ambicioso”.

Este año, en el estreno de Sylvia de Ashton Foto . Máximo Parpagnoli

Galas de pas de deux “Es parte de nuestra vida” explica Fernández que ya cuenta con más de una década bailando junto a Nadia Muzyca en este tipo de espectáculos, “cada año fue un poco más, hasta resultar ser muy constante en estos dos últimos años. Disfrutamos mucho bailando juntos, tenemos una complicidad escénica que pocas personas tienen, hemos logrado algo que trasciende un poco, nos entendemos con solo mirarnos”. Y ella remarca: “tenemos esa química, que es fundamental”. Para Fernández, particularmente, todas estas funciones que realizan como invitados en las provincias argentinas y en el exterior del país, “el hecho de poder bailar constantemente afuera, me da 6 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

seguridad después, a la hora de subir al escenario”. Para Muzyca actuar en tantas galas, es sinónimo de “estar vigente, no sólo en el Teatro Colón”. Cuando las actuaciones son en representación del Teatro Colón los duos son escogidos por el director del cuerpo de baile, mientras que cuando son producto de una gestión personal, la selección del repertorio es propia. Para la preparación de cada pas de deux, la pareja se ha valido de maestros del propio Teatro Colón. Saben que una persona al frente de los ensayos es primordial, pero no tienen a un profesional fijo ocupado de ellos. Entre otros nombres, a lo largo de esta conversación señalaron a Leandro Regueiro, Raquel Rosetti, Néstor Assaf y Martín Mi-

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La pareja en Margarita y Armando de Frederick Ashton en 2012 Foto . Máximo Parpagnoli

Este año, en el estreno de Sylvia de Ashton Foto . Máximo Parpagnoli

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¿Qué se puede mejorar en el Teatro Colón? “Todo -dice Fernández-. Siempre se puede mejorar todo. Hay que ver cuándo se puede y cuándo no, cuándo están dadas las condiciones para que suceda”. ¿Cuál es su sueño? ¿Qué les gustaría que suceda antes de que se retiren? “Cien funciones al año, sería una cosa maravillosa. Imaginate que podríamos bailar nosotros (los que estamos ahora representado al Teatro), los que están viniendo (que se tienen que empezar a formar) y los que lamentablemente y por cuestiones de la vida se están yendo (que al final son los que menos oportunidades van teniendo, porque faltan funciones). Estaríamos todos felices, todos tendrían su lugar”. Para ella, su sueño es “poder seguir trabajando con ballets como cuando hicimos Manon, con coreógrafos actuales como Boris Eiffman, poder hacer obras de Cranko o MacMillan”. Los dos exclaman su deseo de poder realizar algún día El Joven y la Muerte. Diciembre Mientras preparan El Cascanueces en el Teatro Colón, actuarán como protagonistas de la misma obra en versión escolar en Bahía Blanca, “nos gusta hacer eso también, interactuar con los chicos”, dice Fernández, a la vez de anticipar sus actuaciones

Temporada 2016 del Teatro Colón “Nos gustaría que hubiera más funciones. Poder salir más veces al escenario” dice Muzyca tímidamente. Fernández amplía la idea, al referirse a que cada año tienen menos actuaciones programadas en su propia casa. “Verdaderamente, son muy pocas las funciones el año que viene. Deseamos que se pueda revertir esto de forma urgente. El cuerpo de baile en general baila todas las funciones de la temporada, pero un primer bailarín sale muy poco al escenario”. Para explicarlo mejor, Muzyca señala: “una primera figura se hace arriba del escenario, es un trabajo continuo, de todos los días, desde la sala de ensayo, hasta hacer funciones, foguearse”. 8 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

A pesar de que el Ballet Estable del Teatro Colón, se ha caracterizado en las últimas décadas por ofrecer muy pocas funciones a la comunidad, y en los últimos años en particular, contadas obras de calidad; Nadia Muzyca y Federico Fernández, como el centenar de integrantes del elenco, han decidido permanecer en el coliseo que los vio nacer, el más prestigioso del país en materia de ópera y ballet. De diferentes maneras los dos probaron suerte en el exterior. Federico Fernández, se fue dos veces del país. “Nunca me fui con la idea de irme para siempre, fue en un momento en que creí que era mejor estar afuera, porque no fui valorado. Me sentí mal y me fui. Necesitaba estar arriba de un escenario. Sabía que mi lugar era este, siempre quise quedarme acá”. Por su parte, Nadia Muzyca siempre soñó con llegar a ser primera bailarina del Teatro Colón, desde cuando comenzó a bailar a los 9 años, además “amo Argentina. No me veo viviendo en otro lado, sí yendo de giras, e incluso me podría ir unos cuantos meses, pero sabiendo que siempre tengo mi casa. Mi casa es el Teatro Colón. Las paredes que me sostienen es el Teatro Colón”. Cuando tenía 20 años, la bailarina viajó al exterior, siguiendo el mandato balletómano, “probé, tuve trabajo, no lo acepté y me volví con la convicción de saber que quería estar acá. Lo disfruto, lo defiendo y lo valoro”. Por otro lado, “para una bailarina o un bailarín es fundamental tener el apoyo de una institución. Yo en todos lados, me presento como Primera Bailarina del Teatro Colón, y eso me llena de orgullo”.

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randa. Como en general en las galas se realizan dos intervenciones (una hiper clásica y otra más contemporánea), pensando en la necesidad de comenzar a actualizarse, Fernández y Muzyca estuvieron preparando este año un dúo con Anabella Tuliano (grupo Cadabra), pero no alcanzaron a finalizarlo debido a sus fervorosas actividades. “Anabella es una genia, una persona espectacular, y la obra esta buenísima” asegura ella, “queremos terminarlo y seguramente lo hagamos el año que viene”, dice él.

Verano Federico Fernández está organizando una Gala de Ballet Latinoamericana, que se presentaría en el Teatro Colón de Mar del Plata los primeros días de enero con bailarines argentinos, chilenos, uruguayos y brasileros (aunque aún no había confirmaciones al momento de ingresar esta revista a imprenta), y/o en marzo en Londres (Inglaterra), “pero no nos terminan las visas, porque tardan tres meses”. Fernández cuenta con su propia manager y “un sponsor que pone los pasajes para argentina y el exterior, eso facilita muchísimo”. Nadia Muzyca está a su vez, intentando llevar el estreno de tango a La Feliz, también la primera semana de enero, para viajar al Viejo Continente con el espectáculo ya estrenado. Y a partir del 29 de marzo El Lago de los Cisnes en el Luna Park. __BD

Decidir quedarse

TIEND AB ALLETIN D ANCE TIENDA BALLETIN DANCE

Muzyca y Fernández rumbo a Egipto, Grecia y Austria Foto . Antonio Fresco

junto a Claudia Motta (primera bailarina del Teatro Municipal de Río de Janiero) en la Gala Clásica Priscila Yokoy, del Teatro Municipal de San Pablo, el 12 de diciembre, con el pas de deux de Raymonda. Su vínculo con Brasil continúa muy estrecho, de hecho acaba de regresar de encabezar Coppelia completo en Curitiba, que preparó aquí con Martín Miranda.

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ACTUALIDAD

En el Torrente Sanguíneo

Se estrenó oﬁcialmente el documental Our Last Tango, sobre la vida de la genial María Nieves en la legendaria pareja junto a Juan Carlos Copes Se trata de una coproducción germano-argentina producida por Wim Wenders, con dirección de Germán Kral, cineasta argentino radicado en Alemania basado en el libro de María Oliva María Nieves Soy Tango. El largometraje se estrenó ya en cantidad de festivales de cine con elogios de público y crítica, tuvo su lugar en la reciente edición del Festival Internacional de Mar del Plata y llegó a los cines comerciales de toda la Argentina, el 5 de diciembre. Contado por sus propios protagonistas, el documental narra -al estilo Wenders-, la historia de amor entre María Nieves y Juan Carlos Copes, la pareja que revolucionó la escena mundial con su particular forma de bailar. Si bien la idea inicial había sido centrarse en la pareja, Copes nunca había querido hablar de este pasado, por lo que dudoso recién regresó al set de filmaciones con la confirmación de la producción de Wenders (Buena Vista Social Club y Pina, entre otros cientos de largos y cortometrajes). María Nieves, con 81 años, ha decidido no bailar más y no mos-

María Nieves en sus años mozos Foto . archivo

trarse mucho públicamente, sin embargo hizo unas tomas para este documental: bailó junto a Junior Cervila, Patético de Osvaldo Pugliese, uno de sus preferidos. En la película ella rememora la pobreza de su infancia, su primer baile con Copes, cuando tenía 13 años, recuerda que su vida fue vivida intensamente, y que extraña el escenario y el calor de los aplausos. Espectáculos, concursos, premios, hasta sus primeras giras al exterior y el reconocimiento en todo el planeta. Sus últimas actuaciones fueron en Tango, La Danza del Fuego y en Tanguera. Hoy dice que para disfrutar el tango hay que dejarlo entrar por las venas hasta que llegue al corazón. __BD

María Nieves, reconocida en el Mundial de Tango de Buenos Aires, en agosto de 2011 Foto . Tadeo Jones 10 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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ACTUALIDAD

En el Torrente Sanguíneo

María Nieves en sus años mozos Foto . archivo

María Nieves, reconocida en el Mundial de Tango de Buenos Aires, en agosto de 2011 Foto . Tadeo Jones 10 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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P R O V I N C I A S | S A N TA F E

Una Propuesta de Gran Calidad y Brillo Propio Por Marcos Nápoli / Enviado especial de Balletin Dance Con más de una década de realización consecutiva, la ciudad de Santa Fe ofreció su clásica celebración artística organizada por la Universidad Nacional del Litoral, el Argentino de Artes Escénicas. Del 7 al 14 de noviembre, compañías de varias ciudades del país pusieron de relieve diferentes temáticas en nada menos que diecisiete espectáculos. Este encuentro anual ya garantiza una impronta de prestigio para el universo del teatro y la danza argentinos “Después de una década de la creación de estos espacios, el campo de lo escénico nos presenta una nueva mirada. Las estrategias y los signos se han amalgamado para construir otro discurso escénico. Hoy los montajes son justamente eso, montajes, uniones. Los límites que separan los diferentes lenguajes artísticos son muy difíciles de distinguir en una trama escénica. Estas separaciones, estas distinciones entre las artes ‘puras’, se han superado para dar lugar al diálogo y las múltiples alianzas, a diferentes identidades que se referencian entre sí, a lenguajes que se cruzan. En esas resignificaciones se produce un nuevo orden,

una nueva visibilidad y una nueva sensibilidad, que ya no separa las expresiones sino que las cruza para potenciar los resultados. Otros signos requieren otros códigos de lectura. Y también otro ‘Argentino’. Nuevas estrategias en el campo, requieren nuevas políticas que las contemplen. Este encuentro borra la preponderancia de la disciplina e intenta ampliar la mirada para poder reunir en su programación las múltiples formas de sensibilización sobre los temas, las problemáticas, los sentimientos, los intereses y las reflexiones que nos identifican y nos interpelan como ciudadanos”. Así, Analía Batistela, Coordinadora de Gestión Cultural y Marilyn García, Directora del Foro Cultural de la Universidad Nacional del Litoral dejaron planteada la edición 2015 del Argentino de las Artes Escénicas. Conceptos claros, proyecto ambicioso y un desafío por demás interesante. Sin dudas que la puesta en marcha de un acontecimiento de tales características requiere, inicialmente, de un agudo criterio artístico al tiempo de convocar a las propuestas que subirán a escena. Paso siguiente, un gran despliegue de producción y prensa

para asegurar eficacia en tamaña carrera que ostenta en tan sólo una semana un intenso desarrollo. Por último, detalle no menor: las salas. Un espléndido Teatro Municipal, con sus salas mayor, de estilo en herradura según modelo peninsular y la Marechal, tan funcional en su cercanía a los protagonistas; la amplitud del escenario del Centro Cultural Provincial y la excelente plataforma escénica de la Sala Maggi del Foro Cultural de la UNL. ¿Los resultados? Magníficos. Una importante presencia de espectadores acompañó la iniciativa. Con localidades a un valor casi simbólico, una herramienta indispensable para la formación de nuevos públicos y para el desarrollo de políticas culturales inclusivas desplegadas desde una universidad estatal, la concurrencia de una platea ecléctica certificó con su importante asistencia el notable esfuerzo realizado por los organizadores. Hubo debates e intercambios de conceptos muy interesantes en las filas que se formaban para ingresar al espectáculo. Allí, muchos jóvenes y aquellos con un recorrido en la vida un poco más extenso, sacaron a relucir preferencias y criterios del acontecer diario del Argentino. A esta idea de amalgamar el teatro, la danza y la música, la grilla fue equilibrada en cada una de las jornadas (ver cuadro). Tarea compleja y extensa para una revista principalmente focalizada en la danza es abordar en detalle las diecisiete producciones ofrecidas. En la edición

El Señuelo…. en el Umbral de la Noche, un trabajo estéticamente bello Fotos . Magdalena Busaniche - Prensa Cultura UNL 12 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

De Cómo Estar con Otros, técnica y plasticidad de movimientos

2015 subieron a escena elencos pertenecientes a las provincias de Santa Fe, Córdoba, Buenos Aires, Mendoza y Neuquén. Desde Córdoba llegó una producción de la Compañía Danza Viva, con idea y dirección de Cristina Gómez Comini. El Señuelo…. en el Umbral de la Noche, trajo consigo una búsqueda incesante por explorar espacios, ahondar texturas y silencios. Los cuerpos de las protagonistas y los simples pero esenciales objetos cilíndricos sustentaron un trabajo coreográfico preciso, estéticamente bello. La música, del georgiano Giya Kancheli y de Johann Sebastian Bach, resultó un disparador decisivo para la creación, que encontró como aliado el sugerente diseño lumínico de Simón Garita-Onandía. Del director Pablo Rotemberg subió a escena La Wagner, una impactante e irresistible puesta que arrojó sobre el tapete una mirada intensa sobre los estereotipos y prejuicios asociados a la femineidad. Obra de tinte provocativo pero introspectivo, de una estética extraordinaria, condujo a un auténtico “tour de force” de Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rímola, quienes dejaron a flor de piel una temática abordada en varios cuadros de la mano de una coreografía excepcional, desplegada nada menos que con las arrolladoras y cautivantes partituras de Parsifal, Die Walküre, Siegfried, Lohengrin y Tristan und Isolde del genial Richard Wagner. Capolavoro. DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 13

P R O V I N C I A S | S A N TA F E

El Señuelo…. en el Umbral de la Noche, un trabajo estéticamente bello Fotos . Magdalena Busaniche - Prensa Cultura UNL 12 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

De Cómo Estar con Otros, técnica y plasticidad de movimientos

Dentro de la variada e interesante programación ofrecida, lograron performances destacadas la musicalidad impecable de Babooshka y Crol (argumentalmente original), la composición de personajes y el abordaje narrativo de Boquitas Pintadas, la versatilidad en el lenguaje italiano y el anclaje en la identidad y el desarraigo de Macchina Napoli; la profundidad de Constanza Muere, la sordidez y el retrato promiscuo de Viejo, Solo y Puto; la ingenuidad y el camino desesperado hacia el afecto en La Mujer Puerca (una Valeria Lois fantástica) y la técnica y plasticidad de movimientos en De Cómo Estar con Otros. Esta edición del Argentino de las Artes Escénicas entusiasmó y generó un público que esperará nuevas propuestas para 2016. Seguramente, desde la Universidad Nacional del Litoral, proseguirán en el camino de avanzar en la excelencia de un encuentro que ya tiene sello y brillo propio. Así se desarrolló: Sala Maggi del Foro Cultural UNL (*) / Teatro Municipal - Sala Marechal (**) y Mayor (***) / Centro Cultural Provincial (****) Sábado 7

Apertura - Sala Saer del Foro Cultural UNL - presentación del libro de Federico Irazábal Teatro Anaurático. Actriz invitada: Maricel Álvarez. (*) Comedia UNL (Santa Fe), Boquitas Pintadas de Manuel Puig. Versión y dirección: Juan Parodi. Elenco: Carolina Cano, Nidia Casís, Selma López, Florencia Minen, Jaquelina Abrigo, Stella Maris Curi, Lucas Ranzani, Daniel Quiñonez y Maximiliano Andrés Jenkins. La Wagner, impactante e irresistible

(***) Babooshka! Canciones de Mujer de Carlos Casella. Cantantes: Carlos Casella y Alejandra Radano / Músicos: Jaqui Barra, Pedro Onetto, Nicolás Rainone y Alejandro Terán / Dirección musical: Alejandro Terán. Buenos Aires. Domingo 8

(**) Constanza Muere de Ariel Farace (su director). Elenco: Analía Couceyro, Matías Vértiz y Florencia Sgandurra. Buenos Aires. (***) Crol, idea y dirección de Verónica Schneck. Elenco: Andrés Fayó, Lautaro Pane, Gonzalo Pastrana, Verónica Schneck e Iván Tkachuk. Dirección musical: Gustavo Gamallo. Buenos Aires.

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Lunes 9

(*) El Señuelo...en el Umbral de la Noche. Dirección: Cristina Gómez Comini. Elenco: Natalia Bazán, Mariana Pirra, Laura Fonseca y Candela Fanin. Compañía Danza Viva. Córdoba. (****) Tiempos de Paz, con adaptación de texto y dramaturgia de José Kemelmajer y Gustavo Torres. Puesta en escena y dirección: Daniel Posada. Protagonistas: Gustavo Torres y José Kemelmajer. Mendoza. Martes 10

(****) Macchina Napoli, con dramaturgia y dirección de Aldo El-Jatib Amato. Elenco: Sebastián Arriete Trivisonno, Ada Cottu Saraniti, Exequiel Orteu Tapiz, María de los Ángeles Oliver Marziali y Catalina Balbi Lorenzatti. Rosario. (**) Viejo, Solo y Puto con idea y dirección de Sergio Boris. Elenco: Patricio Aramburu, Marcelo Ferrari, Darío Guersenzvaig, Federico Liss y David Rubinstein. Buenos Aires. Miércoles 11

(*) La Mujer Puerca, con dramaturgia de Santiago Loza y dirección de Lisandro Rodríguez. Protagonista: Valeria Lois. Buenos Aires.

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(**) Boy Scout, con idea y dirección de Dennis Smith. Elenco: Dennis Smith, Pablo Kusnetzoff, Agustín Buquete y Fernando Losada. Músicos: Agustín Buquete y Fernando Losada. Buenos Aires. Jueves 12

(**) De Cómo Estar con Otros, con idea y dirección de Cecilia Argüello Rena. Protagonistas: Andrés Molina, Pablo Castronovo y Cecilia Argüello Rena. Buenos Aires. (***) Ser o No Ser Hamlet, con dirección de Eugenia Hadandoniou. Elenco: Martín Gaetán, Santiago San Paulo, Rodrigo Gagliardino y Nadir Medina. Córdoba. Viernes 13

(*) Cinco, Ficción Física, con dirección de Marcelo Díaz y Alejandra Anselmo. Elenco: Ulises Abel Fernández, Diego Gabriel Stocco, Mauro Cappadoro, Carlos Fiocatti y Juan Orol. Rosario. (**) Irma, con dirección de Marina Carrasco, Grupo Manzana 44. Intérprete y texto: Mariela Roa. Músico en vivo: Gustavo Romero. Neuquén. Sábado 14

Plazoleta Fragata Sarmiento, Teatro Municipal. Eco, el Lugar en Que Acontece…, intervención coreográfica dirigida por Yanina Bileisis con idea y dramaturgia de Rojo Cardumen (ganadora de la Convocatoria UNL El Cuerpo Todo. Santa Fe a través de Saer). Intérpretes: Julieta Fort Villa, Viviana Quaranta, Julieta Soledad Morbidoni, María Pía Bautista, María Candela Fernández, María Emilia Espíndola, Maximiliano Onetto y Nicolás Obregón. Vestuario, música original e interpretación en vivo: Candela Fernández. Santa Fe. (*) Povnia, creación de Lila Monti, Cristina Martí y Guillermo Angelelli, con dirección de Cristina Martí y Guillermo Angelelli. Protagonista: Lila Monti. Música: Guillermo Rey y Agustín Flores Muñoz. Buenos Aires. (***) La Wagner, dirección de Pablo Rotemberg. Protagonistas: Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rímola. Buenos Aires. __BD 14 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Seminarios intensivos en todo el país Nueva página web: www.juanalederer.com DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 15

PROVINCIAS | CÓRDOBA

El dúo brasilero de la Virtual Companhia de Dança abrió el festival con una coreografía del coreano Jae Duk Kim

Danza Urbana, Pulso Creativo Por Pablo Scoufalos / Enviado especial de Balletin Dance

A lo largo de cuatro días, miles de personas disfrutaron en la ciudad de Córdoba de una nueva edición de Pulso Urbano, un festival de danza contemporánea poco convencional que juega con el paisaje citadino e invita a la gente a involucrarse. Reconocidos bailarines y coreógrafos de España, Brasil y Argentina dieron espectáculos, además de talleres y charlas gratuitas abiertas a todo el público La danza contemporánea avanza rompiendo esquemas. Toma técnicas de aquí y de allá, fusiona estilos y no se ata a ninguna estructura. Los espacios de representación varían y los espectadores también pueden ser protagonistas. Ese es el espíritu de la danza contemporánea. Eso es Pulso Urbano. Después de seis ediciones, este festival se ha instalado en la agenda cultural cordobesa incorporando año a año nuevos espacios y nuevos lenguajes expresivos. Del 18 al 21 de noviembre se llevó adelante Pulso Urbano 2015. Doce compañías bailaron en seis puntos de la ciudad de Córdoba. Miles de personas se acercaron, se mostraron interesadas con estas intervenciones que rompen cierta rutina de los espacios públicos (abiertos y cerrados) a través de la danza. “Es maravilloso llegar al público que no va al teatro. Muchos van por la plaza y se quedan mirando, algo les llama la atención. Son cautivados por un momento, un momento poético. No hace falta necesariamente que entiendan todo lo que ven”, sostiene Emilia Montagnoli, direc-

El espectáculo Cumbia de la compañia cordobesa La Mengana en Plaza Rivadavia Fotos . gentileza área prensa | Agencia Córdoba Cultura 16 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

tora del Festival y titular del Área de Danza Contemporánea de la Agencia Córdoba Cultura de la provincia. Al aire libre (Parque de las Tejas, Paseo del Buen Pastor, Plaza Rivadavia y la explanada del Centro Cultural Córdoba) se pusieron obras como Para las Ramas (de un Durazno), ¡Fu! y Pulsos en las Plazas (esta última bajo la coordinación de Walter Cammertoni, quien fue responsable del primer Pulso Urbano en el año 2008), representadas por jóvenes bailarines cordobeses que convocaron al público con sus propuestas enérgicas y desfachatadas, utilizando objetos del entorno con mayor o menor precisión. Otro espacio interesante elegido por el festival fue el Hospital de Niños, con obras dinámicas e interactivas para potenciar la imaginación de los chicos. Reconquistar el espacio Además de las funciones en estos ámbitos, se utilizó el grandioso Teatro del Libertador San Martín como uno de los puntos estratégicos del festival. Después de más de 15 años y por primera vez en este festival, se programó danza contemporánea en la sala mayor del coliseo. “Es de alguna manera una reconquista de este espacio. Es interesante poder ver propuestas experimentales de danza contemporánea en un lugar donde estamos acostumbrados a ver al ballet oficial”, señala Montagnoli. En el Teatro San Martín se vieron propuestas bastante disímiles. La función inaugural la dio la compañía brasilera Virtual Companhia de Dança con dos obras: Diálogos con Nijinsky (una gran puesta en escena con un juego de luces que destaca la animalidad de los cuerpos) y Tempo Singular (una coreografía potente de Jae Duk Kim, que expone la tracción de fuerzas, la calma y el empuje, el respirar y la falta de aire). También se vieron obras más conceptuales como La Noche Cae en Okinawa y La Lengua de los Pozos (de las compañías cordobesas Grupo Blick y La Comisura) que mezclan algunos movimientos interesantes (sobre todo en La noche... gracias a sus vir-

tuosos bailarines) con una clara falla en la construcción de la teatralidad. Imágenes superpuestas que terminan saturándose, diluyendo cualquier espesor dramático. Fue interesante la elección del antebar del teatro para una brevísima y concisa obra representada por los alumnos del Seminario de Danza Clásica Nora Irinova, bajo la dirección de Darío Martín Rodríguez. El extraordinario Solo de Gustavo Lesgart y el espectáculo de contact Je Te Haime de Candelaria Antelo y Arthuir Bernard Bazin (una destreza y una gracia enorme de estos jóvenes de la compañía española HURyCAN) fueron otros dos puntos altos de la programación en el teatro. Mirar y ser mirado Un plato fuerte y muy comentado en la programación del festival fue Teresa, obra de la reconocida artista Cristina Gómez Comini (Compañía Danza Viva), la cual se pudo ver en tres ocasiones en el Centro Cultural Córdoba. Durante quince minutos la exquisita bailarina Teresa Marcaida representa esta obra que busca deconstruir la acción de “mirar”. Tres personas elegidas entre el público leen una serie de escritos vinculados a la propia experiencia de la bailarina y la posibilidad de “ser mirada” en distintas situaciones (por su hermana, por su novio, por Pina Bausch, por policías del sur de Italia), mientras Teresa va componiendo y descomponiendo este proceso.

En este mismo espacio, con el sol filtrándose por los ventanales del centro cultural, se representó la obra Te Koré del grupo cordobés Inter Canario. Inspirado en un poema anónimo de la cultura Maorí se construye un diálogo entre un músico, un actor y los espectadores, reivindicando “la potencia del vacío” con movimientos originales, gritos libertarios y frases escritas en papelitos. Talleres y debates abiertos El festival también contó con espacios de reflexión y práctica a través de la realización de charlas abiertas al público y talleres de danza completamente gratuitos.

Durante una de las charlas, la coreógrafa y directora de la compañía de danza de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), Roxana Grinstein, destacó que “antes los jóvenes dependían de que algún coreógrafo los llame, de algo externo a ellos, y ahora se ve mucha autogestión”. Por su parte, el bailarín, coreógrafo y titular de Virtual Companhia de Dança, Marcelo Zamora, sostuvo que “en Brasil hoy se ven cientos de iniciativas y festivales, y no únicamente en la región rica del sudeste del país”. Y añadió que “la gran transformación de la danza en estos últimos años tiene más que ver con la gestión que con la creatividad; el crecimiento de la producción práctica y teórica es muy visible, y de alguna manera la creatividad siempre fluye”. A su vez, en el Salón de Usos Culturales de la ciudad, los bailarines y coreógrafos del festival brindaron talleres prácticos: Maykol Cruz (bailarín de la obra Tempo Singular) dio una clase maestra de danza contemporánea, los integrantes de la Compañía HURyCAN de Madrid armaron una sobre contact y la utilización del peso en la danza, y Gustavo Lesgart montó un laboratorio de danza con jóvenes cordobeses que culminó con una bella presentación grupal en el último día del festival. __BD

En la explanada del Centro Cultural Córdoba la gente se acercó a la propuesta de Para las Ramas (de un Durazno)

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PROVINCIAS | CÓRDOBA

El dúo brasilero de la Virtual Companhia de Dança abrió el festival con una coreografía del coreano Jae Duk Kim

Danza Urbana, Pulso Creativo Por Pablo Scoufalos / Enviado especial de Balletin Dance

El espectáculo Cumbia de la compañia cordobesa La Mengana en Plaza Rivadavia Fotos . gentileza área prensa | Agencia Córdoba Cultura 16 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

En la explanada del Centro Cultural Córdoba la gente se acercó a la propuesta de Para las Ramas (de un Durazno)

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FLAMENCO

Una Danza que te Lleva la Vida Por Gabriel Vaudagna Arango

El flamenco en Buenos Aires ha crecido notablemente en los últimos dos años, en cuanto a la preparación técnica de los bailarines. Muchas prestigiosas figuras de la danza española llegan a esta ciudad para dictar cursillos y realizar espectáculos. Este tiempo actual, se asienta sobre un cambio cultural de mediados de los años noventa, que modificó radicalmente la manera de producir y de bailar, permutando Las Cosas del Querer por un flamenco jondo por seguiriyas

Involucrada fervientemente en este proceso de cambio y componiendo un colectivo de bailaoras casi de la misma generación, Fabiana Pouso apuesta a la danza con amor y vocación, para establecer las bases de un flamenco moderno que simultáneamente se estaba gestando en España. “Aprendíamos unos de otros -recuerda la directora-, antes no había información. No se podía viajar a España, y cuando alguien llegaba desde allí, quedaba su material dando vueltas durante dos años hasta que entendíamos de qué se trataba. No había un trabajo sobre los palos o la rítmica. En ese momento acá se empezó a gestar esta concepción, pero llevó tiempo… el flamenco, es una danza que te lleva la vida”. Constante en su trabajo y convertida en una bailaora profesional, vuelve a poner en escena una nueva obra que combina lo flamenco con el mundo contemporáneo, la danza teatro y lo multimedia. No Dejes de Mirarme se estrenó en noviembre en el Centro Cultural Recoleta y en el Haroldo Conti y continuará en otra sala (aún a confirmar) durante el verano. La integran Tarek Riahi (video, escenografía, fotografía y luces) “un colega marroquí, que se encuentra haciendo un posgrado en Buenos Aires sobre performance, su aporte fue muy importante, es un artista muy creativo”, dice Pouso. Las intérpretes “hermosas y entregadas totalmente al trabajo, son Alejandra Zapata, Pia Buyiyasqui y Verónica Gallo” y los músicos, Esteban Gonda (guitarra), Mónica Poblette (cante) y Pato Contreras (percusión). En una entrevista exclusiva para Balletin Dance la coreógrafa se refirió a este estreno.

¿De qué trata la obra? El mundo femenino, la intimidad, los secretos, la complicidad, la amistad, el mundo interior, los vínculos con los otros y la mirada. ¿Cómo se inserta el ﬂamenco en este mundo femenino? El flamenco es muy del mundo femenino. Grandes artistas, cantaoras y bailaoras, han hecho crecer este lenguaje y han aportado su femineidad a este código, o lenguaje, flamenco. En esta obra se transita más lo sutil, lo luminoso y los lugares del agua, como una simbología de lo femenino. La puesta fue creciendo en los ensayos y apareciendo en la medida que investigábamos y nos metíamos en el trabajo. Así se construyó el lenguaje, los sonidos, los motivos y los vínculos entre las intérpretes. Hay una tendencia en sus trabajos por generar una narrativa más allá del discurso del ﬂamenco. Sí, pero trato de que surja de la investigación. Trabajo intuitivamente, tengo imágenes, sensaciones, motivos, que voy pensando, que están allí y reaparecen, incluso las escribo. Muchas veces los creadores reincidimos en las ideas, o en las preguntas y solemos trabajar sobre cosas que nos persiguen, que encaramos de distintas formas, pero vuelven a aparecer. A la hora de trabajar dejo que el trabajo me lleve, que las bailarinas me lleven, me sorprendan y me digan por dónde ir.

Alejandra Zapata, Pia Buyiyasqui, Verónica Gallo y Fabiana Pouso 18 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

No Dejes de Mirarme se presenta como danza-teatro-ﬂamenco. Sus trabajos anteriores, como Caracola o Hebras, decían “laboratorio ﬂamenco” ¿por qué? Sigue siendo un laboratorio, porque hay propuestas de búsqueda en todos ellos. Se

plantean un corrimiento: salir del formato tradicional que propone el flamenco, de los cuadros según sus palos. Como originalmente vengo de la danza contemporánea, trabajar con otras imágenes y desde lo sensorial, correrse del esquema tradicional y probar desde otro lado, desde lo teatral, me es natural. Hay danza, hay teatro, buscamos lo dramático del espacio escénico y tratamos de incorporar algunos elementos dentro de las posibilidades del flamenco, no todos, porque uno sigue viendo flamenco. Tratamos de romper lo esperable, intervenirlo con otras ideas, jugar y dialogar con otras posibilidades. En los trabajos anteriores surgió la necesidad de contar algo, fueron proceso sin fecha de finalización, de hecho algunos no se terminaron. En el caso de No Dejes de Mirarme, apareció la idea y la fecha para estrenarlo en tres meses. Aún está en proceso de maduración, porque lleva un tiempo que los intérpretes se apropien del material de la obra, de probar, etc. Teníamos en el horizonte un tiempo para mostrarla, que te determina, te condiciona, y a la vez te obliga a trabajar más intensamente.

Utilizan escenografías, que no está asociado al mundo ﬂamenco actual. Bueno, a principios de siglo XX se trabajaba con escenografía, incluso estaba Pablo Picasso y otros grandes artistas preparando decorados para las obras, gente de mucho prestigio. Pero lamentablemente se fue perdiendo, los flamencos no saben lo que se pierden por la riqueza que da. Este es un intento de ir integrando lo que tiene la danza teatro, siempre en un espacio muy experimental.

El mundo femenino con sutilezas Fotos . Tarek Riahi

¿Cómo ve el ﬂamenco hoy? Súper alimentado, con generaciones súper preparadas, con mucho criterio, con mucho arte, muy bien armados, orientados… Se ha instalado Buenos Aires como un lugar del flamenco, al cual muchos españoles quieren venir. Lástima que sigue siendo un lenguaje de los bordes, aunque ya sea universal (a pesar de haber nacido en una región en particular). Pero no es tan masivo. Con mi generación hicimos muchos trabajos, propuestas y siempre por amor y vocación, quizás estaría bueno que pasaran otras cosas, no seguir remando después de tantos años. __BD DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 19

FLAMENCO

Una Danza que te Lleva la Vida Por Gabriel Vaudagna Arango

Alejandra Zapata, Pia Buyiyasqui, Verónica Gallo y Fabiana Pouso 18 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

El mundo femenino con sutilezas Fotos . Tarek Riahi

FOLKLORE

Custodios del Legado

Oscar Rosales y Alejandra Ledesma cumplen este año sus bodas de plata como integrantes del Ballet Folklórico Nacional y el Ballet Salta, respectivamente. Una Asociación de Amigos reúne a medio centenar de ex miembros del Ballet Brandsen En estos tiempos de traiciones y prebendas, la lealtad es un don que cotiza en alza. Tanto más cuando esa lealtad se ejerce hacia un proyecto artístico, que requiere del cuidado y el respeto de quienes en él participan para cobrar vuelo y sostenerse en el tiempo. Oscar Rosales y Alejandra Ledesma saben de eso: cumplen este año sus bodas de plata como integrantes del Ballet Folklórico Nacional (BFN) y el Ballet Salta, respectivamente. Junto con los fundadores y directores, son ellos la ‘cara visible’ de estos elencos numerosos por los que han pasado decenas de bailarines a lo largo de su historia. Como los casi cincuenta que alguna vez estuvieron enrolados en el Ballet Brandsen y hoy conforman una Asociación de Amigos que vela por su continuidad y la preservación de su obra. Rosales conoció a Santiago Ayala «El Chúcaro», a los veintidós años. Se había iniciado en la danza folklórica en la escuela primaria, en su Grand Bourg natal, pero el puente hacia la profesionalización lo atravesó de la mano de Jorge Oliva «Olaf», y Silvia Gysin, miembros del entonces Ballet Popular Argentino, quienes lo acercaron a «El Chúcaro». “El sueño de todo bailarín es poder bailar un día con los grandes, y estar al lado del Maestro era lo máximo a lo que uno podía aspirar”, confiesa en diálogo con Balletin Dance. “Conocí al «Chúcaro» en un ensayo del cuadro Juegos Pampeanos. Estaba sentadito a un costado, calladito. De pronto se paró y me dio la sensación de que medía 80 metros de altura, era imponente. Se acercó y nos enseñó una caminata, nos tomó unos zapateos y alguna secuencia coreográfica. ‘Dígale al de pantalón bordó que siga viniendo’, le indicó a «Olaf», y a mí se me salía el corazón del pecho. «El Chúcaro» en persona me había elegido”, recuerda. En el Ballet Popular Argentino, Rosales conoció a su esposa, Mariela Ermocida, y juntos sortearon las audiciones cuando en 1990 se anunció la constitución del Ballet Folklórico Nacional, bajo la dirección del propio Ayala. Sin embargo, una gira a Europa con otra compañía impidió que ambos bailaran en el debut del elenco oficial, el 9 de julio de aquel año en el Teatro Colón. “Tanto el Maestro como Norma [Viola] fueron muy generosos con nosotros en esa ocasión. ‘Hagan lo que más les conviene y

“Veinticinco años es mucho tiempo, pero no me pesan; tengo muchas ganas de seguir adelante”, confía Alejandra Ledesma Foto . gentileza Nau-Pereyra El Sonido de mi Tierra 20 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

sepan que tienen las puertas abiertas para volver cuando quieran’, nos dijeron. Esa, y otra presentación en Mar del Plata, a la semana siguiente, fueron las únicas dos en las que estuve ausente a lo largo de estos veinticinco años”, cuenta el artista. Rosales es el único bailarín en actividad en el BFN que formó parte del primer elenco (Ermocida se retiró en 2009 por problemas físicos). Admite que a lo largo de un cuarto de siglo fueron muchos los momentos de zozobra sobre el futuro de la compañía: “Cuando no estuvo más el Maestro temíamos porque el proyecto aún no estaba fuerte, cuando faltó Norma dudábamos de la continuidad porque ya no estaban los fundadores. Pero desde adentro hicimos mucha fuerza para salir adelante: pedimos audiciones de ingreso más estrictas, maestros de otras disciplinas”. Rosales llegó a ser durante varios años asistente de dirección del BFN, pero la burocracia estatal lo decidió a volver a la fila de bailarines.

Hoy, con cincuenta años de edad, aunque admite que “cada vez me cuesta más estar a la par de los chicos jóvenes”, sigue luciéndose al interpretar roles como el de La Vendedora de Pescado y el Tape. “Es que los tuve al «Chúcaro» y a Norma trabajando conmigo en cada detalle”, reconoce. Merced a aquella relación de trabajo tan estrecha es que ha repuesto para la compañía obras como En el Monte Santiagueño, de la que no existían registros fílmicos. En Cuerpo y Alma Oriunda de San Miguel, también Alejandra Ledesma conoció las danzas folklóricas en la escuela primaria. Siguió su formación de la mano de la profesora Norma Ingrassia, hasta que en el verano de 1989, en los tradicionales Carnavales Provincianos

Histriónico, Oscar Rosales en La Vendedora de Pescado y el Tape Foto . Mariano Longo

de La Rural, se cruzó con Marina y Hugo Jiménez, a quienes ya admiraba “de verlos en televisión”. Ingresó a su academia en Buenos Aires y un año más tarde pasó a formar parte del Ballet Salta, que en aquel tiempo giraba con dos elencos paralelos debido al caudal de trabajo que tenía. Al voto de confianza que significó su incorporación al Ballet, Ledesma respondió con esfuerzo y dedicación. Bajó de peso, comenzó a tomar clases de técnica, danza jazz, teatro musical; y asumió nuevas responsabilidades. Y aunque no resignó otros proyectos artísticos personales que la llevaron a recorrer Europa DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 21

FOLKLORE

Custodios del Legado

Histriónico, Oscar Rosales en La Vendedora de Pescado y el Tape Foto . Mariano Longo

FEBRERO 2016 asoc.arteycultura@gmail.com Asociación Arte y Cultura

WORKSHOP de Verano 8 al 20 de Febrero

Guardia Vieja 3783 (y Bulnes) Tel: 4866-2671

Cada año, los ex integrantes del Ballet Brandsen se reúnen en una gran comida con los directores Foto . gentileza Héctor López

22 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Memoria Viva “En 43 años pasaron por el Ballet Brandsen infinidad de bailarines y apenas cuatro o cinco personas se fueron mal. Con el resto conformamos una gran familia”, responde Mabel Pimentel, dando a entender que le cuesta señalar a un solo integrante que haya resultado clave en el sostenimiento de su proyecto artístico. Tan es así que casi medio centenar de ex y actuales bailarines conforman hoy la Asociación Amigos del Ballet Brandsen, que preside Héctor «Pelusa» López, miembro del grupo fundacional. López y su esposa Carmen Trivillín se conocieron entre clases y ensayos. Durante once años trabajaron a las órdenes de Pimentel y Oscar Murillo. Cuando el Brandsen cumplió sus primeras dos décadas de vida hubo una gran reunión de ex bailarines y fue entonces que constituyeron la asociación. ¿De qué se ocupan concretamente? Becan a los bailarines nuevos, realizan utilería, escenografía y vestuario cuando la compañía lo requiere, y asisten a los directores en cada una de las presentaciones. “Somos ex bailarines pero no ex integrantes”, aclara López, con un orgullo evidente. “Cuando uno es joven se cree inmortal, pero a medida que crece se da cuenta que no es así y entiende que el trabajo realizado, las obras, hay que registrarlas para que perduren. Por eso, desde hace un tiempo venimos filmando y fotografiando todo para poder conservarlo”, explica. “De chico yo era tambero en Altamirano y a los catorce años me crucé con Mabel y Oscar, que me mostraron otro mundo. Ese otro mundo me dio una familia, me dio amigos, y el orgullo de perpetuar el legado artístico del Ballet Brandsen”, concluye. __BD

Foto: Carlos Villamayor

(junto a Nicole Nau y Luis Pereyra) y Latinoamérica (con diversos shows de tango), siempre se mantuvo fiel a la compañía que le dio sus mayores satisfacciones. Con el Ballet Salta giró por Israel y Estados Unidos, por España, Brasil, Ecuador y Chile. Pisó los mejores escenarios, y hasta llegó a presentarse el mes pasado en el ansiado Teatro Colón. “Por el Ballet Salta han pasado muchos bailarines que hoy están por el mundo trabajando con la danza que nosotros les inculcamos. Pero pocos se han puesto la camiseta como lo hizo Alejandra”, se enorgullece en decir Marina Jiménez. “Está a nuestro lado desde muy jovencita y deja cuerpo y alma en cada presentación, además de que aporta sus conocimientos a las chicas que recién comienzan y les marca el camino, sin egoísmo. Es un comportamiento que suma y que no resta, por eso con Hugo estamos tan contentos de que alguien como ella siga nuestra línea”, sostiene. Ni la maternidad impidió que Ledesma siguiera ligada a la danza y al Ballet Salta. Trabajó hasta el quinto mes de embarazo (en giras a Miami y Quito), y a los cinco meses de dar a luz a Nicolás Martín ya estaba nuevamente sobre el escenario y ejerciendo la docencia. “Veinticinco años es mucho tiempo pero no los he sentido como una carga”, admite. “Por el contrario: se me pasaron muy rápido. Atesoro infinidad de recuerdos y conservo las ganas de seguir adelante, que es lo más importante. Seguramente me alejaré del Ballet Salta cuando Marina y Hugo se retiren, pero no dejaré de bailar; me siento con mucho para dar aún”.

MAESTROS: MAESTROS: Intermedios -- Avanzados Avanzados Intermedios Repertorio yy Repertorio ALEJANDRO PARENTE ALEJANDRO PARENTE LUIS BALDASSARRE BALDASSARRE LUIS JULIETA PAUL PAUL JULIETA Principiantes ee Iniciación Iniciación aa las las Puntas Puntas Principiantes RINA VALVER RINA VALVER yy SARA RZESZOTKO RZESZOTKO SARA Jornadas Pedagógicas: Pedagógicas: Jornadas ALICIA MUÑOZ MUÑOZ ALICIA

ENERO 2016 Dictarán clases los Mtros. HECTOR BARRILES LUIS BALDASSARRE YANINA TONEATTO NINA ZAERA y Clases de Pilates

Se otorgarán TRES BECAS DE ESTUDIO para el ciclo 2016 entre los estudiantes que tomen JORNADA COMPLETA del workshop de febrero DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 23

FEBRERO 2016 asoc.arteycultura@gmail.com Asociación Arte y Cultura

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Cada año, los ex integrantes del Ballet Brandsen se reúnen en una gran comida con los directores Foto . gentileza Héctor López

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Foto: Carlos Villamayor

ENERO 2016 Dictarán clases los Mtros. HECTOR BARRILES LUIS BALDASSARRE YANINA TONEATTO NINA ZAERA y Clases de Pilates

Se otorgarán TRES BECAS DE ESTUDIO para el ciclo 2016 entre los estudiantes que tomen JORNADA COMPLETA del workshop de febrero DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 23

BALLETIN DANCE

Exposición Fotográﬁca

La Exposición de Fotografías de Danza de Balletin Dance, se puede ver en el Hall de exposiciones del Palacio Municipal de Laprida, hasta el viernes 8 de enero de 2016, con entrada gratuita Con motivo de las celebraciones por el 20º aniversario de Balletin Dance, esta revista organizó una muestra que reunió a los más destacados especialistas en fotografía de danza de nuestro país. Más de medio centenar de obras de Alicia Sanguinetti, Antonio Fresco, Guillermo Genitti, Máximo Parpagnoli y Carlos Villamayor, integran esta exposición que cuenta con los auspicios institucionales del Ministerio de Cultura de la Nación, del gobierno de la ciudad de Buenos Aires y de la Municipalidad de Laprida (provincia de Buenos Aires). La inauguración realizada el mes pasado, contó con destacadas personalidades de la cultura local. Guillermo Genitti en representación de todos los fotógrafos realizó una charla que dio cuenta de la especialización, el arte de capturar el movimiento danzado en un instante de inspiración eterna. Con el auspicio del Gobierno Municipal, bajo la coordinación de la Dirección de Cultura que lidera Alejandra Casemayor, también se realizarán visitas guiadas para la escuela de danzas del Complejo Municipal de las Artes, colegios, jardines de infantes y grupos de adultos mayores. __BD

Algunos momentos de la inauguración Fotos . Mauro Arias

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BALLETIN DANCE

Exposición Fotográﬁca

Algunos momentos de la inauguración Fotos . Mauro Arias

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El Cascanueces

El Ballet del Teatro Colón, finaliza su temporada 2015 con una nueva versión coreográfica de El Cascanueces, con la misma producción (escenografía y vestuario) del estreno del año pasado. La historia navideña sobre música de Piotr Ilich Tchaicovsky, basada en el cuento de Hoffmann El Cascanueces y el Rey de los Ratones, adaptado por Alejandro Dumas. Junto a la orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por Emmanuel Siffert. El Cascanueces en 2014 / Foto . Arnaldo Colombaroli

Bailando Tango 26 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Con el IV Programa 2015, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín cierra su temporada anual. Una función integrada por tres obras: la reposición de Cuerpo Sutil de Laura Roatta sobre partituras de Meredith Monk, Aikyo, David Lang, Max Richter y Bryce Dessner, y vestuario de Catalina Rautemberg. Y los estrenos de Sort Sol de Ana Garat y Pilar Beamonte con música de Jorge Grela, Nor Elle y Paul Kalkbrenner y video de Mariano Ramis, para finalizar el programa con Muta de Gustavo Lesgart sobre partituras de Diego Vainer y vestuario de Pablo Ramírez. Sort Sol / Foto . Carlos Furman

Dirección: Mauricio Wainrot Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín Coreografías: Laura Roatta, Ana Garat, Pilar Beamonte y Gustavo Lesgart Jueves a las 14:30 hs, viernes y sábados a las 20:30, domingos a las 19 hs (hasta mediados de mes). Sala Martín Coronado del Teatro San Martín: Av. Corrientes 1530, Tel: 800-333-5254

Programa IV

en Cartel.

Coreografía y dirección: Maximiliano Guerra Ballet Estable del Teatro Colón Domingos 20 y 27 a las 17 hs, martes 22, miércoles 23 y sábado 26 a las 20 hs. Teatro Colón: Cerrito 628, Tel: 4378-7100

Junto a su compañía, Mora Godoy Tango Company, la bailarina realizará temporada en la ciudad balnearia por primera vez con una nueva versión del espectáculo Bailando Tango, que estrenó en agosto de este año, en el Teatro Astral de Buenos Aires. Habrá nuevos números musicales con tango electrónico, un Dj en vivo y la actuación de artistas invitados. Saludo final de Bailando Tango Foto . Federico Hamilton

Mora Godoy, Gabo Usandivaras y elenco Desde el 5 de enero. Teatro Colón de Mar del Plata: Hipólito Yrigoyen 1665, Tel: 0223-499-6555 DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 27

El Cascanueces

Bailando Tango 26 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Programa IV

en Cartel.

Mora Godoy, Gabo Usandivaras y elenco Desde el 5 de enero. Teatro Colón de Mar del Plata: Hipólito Yrigoyen 1665, Tel: 0223-499-6555 DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 27

C O M E N TA R I O

Reﬂejo Invertido Por Román Ghilotti

El encuentro de una persona con otra supone un acercamiento que no solo involucra a la presencia de ambas sino también a desdoblamientos de las dos Otra Misma, obra de expresión corporal con idea y dirección de Verónica Rodríguez y Luciana Segall De Rosa, interpretada por Victoria Matta y Belén Pérez Altamira, se ofreció en la sala La Lunares. Una doble perspectiva de presentación de acciones, discursos y personajes constituye un eje de construcción de la pieza: alternativamente, en la mayor parte del desarrollo, una mujer propone apariencias directas, simples, con alusiones a la cotidianeidad en sus gestos y acciones mientras otra mujer pone en marcha aspectos de movimientos en los que se destacan formas y secuencias de carácter más abstractas. Las apariciones de estas abstracciones bien pueden comprenderse como fragmentaciones de estados, emociones, temples de ánimo o actitudes que exponen, metáfora de movimiento mediante, la interioridad de la mujer que las realiza. Esto, especialmente, se despliega en tanto, por el mismo hecho de la presencia de dos mujeres de algún modo interactuando, aquellas abstracciones se asocian, necesariamente, a respuestas de quien las hace a la otra. Por ejemplo, una habla, cuenta anécdotas triviales, varía en sus modos de acercamiento directo a la otra, de quien espera réplicas, mientras que la segunda queda determinada en sí, no completa una interacción con la primera, se recorta de entablar cualquier tipo de diálogo, verbal o corporal.

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Altamira y Matta en abrazo Foto . Florencia Rovlich

Alterando esperables asociaciones a tiempos de intercambio entra ambas mujeres, aquello de que una dice y otra contesta, la coreografía trastorna temporalidades y, frente a un discurso sencillo (por ejemplo, un personaje detalla cómo preparar mayonesa intentando atraer la atención de la otra), en lugar de darse lo mediato o inmediato en gestos o palabras como respuesta, lo que aparece redunda en una extendida reiteración de cortes en actitudes y dinámicas que sólo indican el estado de quien los hace, estado que a las claras muestra la imposibilidad o negativa de tomar el discurrir ajeno. Así, el personaje en estas abstracciones termina por dar una perspectiva de interioridad que no puede terminar de ser comunicada. Promediando el trabajo se construye una inversión de estos aspectos, triviales y abstractos a la vez, con lo que hacia el final los roles resultan aparentemente invertidos. Por esto, en este cambio o transición entre las dos mujeres, en lo que se podría considerar el centro de la obra, hay un tramo en que la simple insistencia de un abrazo por parte de las dos se muestra como flanco de encuentro que es a la vez, ambiguamente, anhelado como distorsionado. En concepto puede comprenderse Otra Misma como la ambivalencia implícita en los modos de darse y ser recibido, la coexistencia de factores deseados y otros indeseables en las relaciones: a la vez que nos damos nos retaceamos. La rica expresividad por parte de las intérpretes dio lugar a un sostén de la propuesta, con todo lo simple y complejo que conlleva un encuentro entre dos personas, con aquello de una reflexión de cada uno frente a otro en cualquier encuentro. __BD DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 29

C O M E N TA R I O

Reﬂejo Invertido Por Román Ghilotti

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Altamira y Matta en abrazo Foto . Florencia Rovlich

C O M E N TA R I O

Tiempos Modernos: la Alienación de la Máquina Comunicativa Por Laura Lifschitz La Compañía Danseur, dirigida por Victoria Mazari, estrenó en el Espacio Cultural Urbano, el pasado noviembre su tercera obra de danza teatro, Placebo, en la que los pequeños dramas cotidianos disparan toda forma de alienación contemporánea

Placebo se presenta como una puesta multimedial (a cargo de Carolina Matsumoto), en donde el relato construido a través de la proyección en pantalla (muy afín a La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick) pone de manifiesto la compleja telaraña de la sociedad actual, presa del contacto casi obligado con el otro a través de las nuevas formas de comunicación. La obra es tan vertiginosa como la velocidad de la danza de los siete personajes que representan un catálogo de las patologías sociales. El vestuario acompaña la normativización con una escala cromática y un despojo que aparentan cierta “manicomización” en el mundo del horror cotidiano. Hay una relación constante entre los cuerpos y la sociabilidad como procedimiento de consumo alienante y adictivo. Los intérpretes (también creadores de la obra) portan leitmotivs coreográficos que los identifican. Y en ese tránsito por las sociopatías aparecen los roles del varón y de la mujer. La virilidad, por un lado anulada en el personaje de Christian Sibille -tomado por un grado agudo de trastorno obsesivo compulsivo (que en su versión femenina tiene a Candela Baceda y su adicción a los psicofármacos)-

se enfrenta a la fachada del hombre proveedor, encarnada por Facundo Aguirre. La mujer exitosa que está soltera (Candelaria Boggino), la que idealiza el espanto de la vida en matrimonio (Marlene Asulay), la fóbica y su conflicto con el tiempo (Victoria Mazari) y la clara simbología del cabello, ya aparecida en anteriores obras de la compañía, como juego de sujeción-liberación en el personaje de la bailarina (María Clara Segura) completan el muestrario. Como efecto de ello, aparece la incomodidad entre aquello que los personajes “hablan” y el movimiento corporal. Por ello aparece la parodia, la farsa y la ironía, trabajadas para descomprimir la angustia que produce la recepción de la obra. A nivel técnico hay un gran avance de la Compañía Danseur. Aunque la idea de lo desagradable recorre la obra, es de destacar el sólo de Mazari en que su espalda “baila”, se metamorfosea, es “tomada” por una sinuosidad monstruosa y siniestra. Los cuerpos crean climas, como el tamborilear de los dedos sobre la falda para dar cuenta de la locura de los hombres frente a sus máquinas como autómatas, una idea propia de las inquietudes del avance de la sociedad industrializada ya desde la primera mitad del siglo XIX. Todos estos personajes buscan en este mundo moderno -donde las formas de libertad parecen ser ilimitadas- aquellas grietas que hablan de ciertas fantasmagorías, cierto decadentismo: buscar placebos, falsos remedios para los dolores del alma. Hacia el final de la obra, el leitmotiv grupal reaparece, ahora resignificado por la construcción de los personajes. Pareciera que en la naturalidad de los movimientos de esos cuerpos hay algo sobre lo que el lenguaje verbal no puede responder, por hallarse la conciencia atada y mediatizada por imágenes, lugares comunes, preconceptos y prejuicios acordes con la sociedad y cultura en las que están inscriptos. Esta circularidad plantea una mirada diferente, un retorno a los ciclos de la naturaleza. Quizá allí resida el modo de escapar de los placebos para buscar la propia sanación, escapar de la vorágine monótona de la vida contemporánea para buscarse en otros ciclos que vuelven sobre sí mismos, como los leitmotivs coreográficos. Así, el drama cotidiano de los personajes parecería resolverse en una instancia más natural y esencial, que se expresa a través de la materialidad de los cuerpos, ineludibles presencias de ese otro deseo que está allí con toda la intensidad de lo vital. __BD

VACACIONES DE VERANO

CURSOS INTENSIVOS ENERO - FEBRERO

Clásico · Elongación · Contemporáneo Jazz · Montaje y ensayos Además Además: Se otorgarán becas y medias becas Cuenca 2953, 1º piso, Capital Federal Tel: 4501-0947 · info@institutodanzave.com.ar

Alienación y aislamiento como forma de comunicación contemporánea Fotos . Sabrina Burgos 30 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 31

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VACACIONES DE VERANO

CURSOS INTENSIVOS ENERO - FEBRERO

Alienación y aislamiento como forma de comunicación contemporánea Fotos . Sabrina Burgos 30 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Complicidad en Red Por Nahuel Aguirre

Del 7 al 28 de octubre se llevó adelante la primera edición de Cena Complicidades en la Argentina, un festival que invitó a los artistas a reﬂexionar sobre la danza en actividades pedagógicas y a la comunidad a disfrutar obras internacionales El Festival Cena Complicidades (Escena en Complicidad en español), fue concebido en las ciudades brasileras de Recife y Ollinda (Pernambuco, al noreste del coloso país vecino, sobre la costa atlántica), e intenta abrir un espacio de debate sobre el arte independiente. “Nuestro fin es el intercambio y la reflexión sobre el arte”, señaló Sebastião Soares, productor local, a Balletin Dance. Bajo esta consigna Complicidades buscó expandirse a otros sitios, otras ciudades y otros países, con propuestas independientes. “Logramos armar una red, primero con Joao Pessoa (Paraíba, la ciudad más oriental del continente americano) y este año añadimos con éxito a Buenos Aires“, expresó Soares. Según el productor, siempre se tuvo en cuenta a la capital porteña, debido a la gran cartelera que ofrece y a la forma en que las obras logran solventarse, más allá de contar, o no, con subsidios o auspicios, privados o estatales. “Aquí los artistas ponen en marcha

proyectos desde cero, a veces sin que los respalden económicamente. Esta es una particularidad positiva en los proyectos independientes argentinos”. Fueron varias charlas las que necesitó para convencer al productor general del festival, comprometiéndolo para que viniese a comprobar personalmente la movida cultural de Buenos Aires. Y así, luego del viaje y con la ayuda de Petrobras (principal sponsor de Cena Complicidades), resolvió sumarla como cuarta sede del festival. Aquí, los debates y charlas se desarrollaron en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y a las mismas concurrieron hacedores de la danza independiente e interesados en el movimiento. Entre los docentes que participaron estuvieron Magdalena Casanova y Javier Schargodsky a cargo del taller de Filokinésis en Escena. Por otro lado Cecilia Levantesi y Susana Temperley dictaron el seminario Una Aproximación a la Interacción con Objetos en las Artes del Movimiento. Todas las actividades tuvieron el objetivo de intercambiar ideas y/o reflexiones, con grupos, estudiantes, instituciones e incluso el público, así fue como la compañía suiza Iona Mandafounis/ Mamaza dio una charla luego de presentar su obra ApersonA.

Masculinidad expuesta en N(ow)ow Foto . Sinae Choi

Las obras Las obras internacionales que participaron en esta primera edición porteña, fueron ApersonA de Suiza, N(ow)ow y Alone: Traces + Chaosmos de Corea. Si bien las tres compartían una estética algo oscura y conceptos complejos, para alivio del público, todas abordaban sus respectivas temáticas desde una mirada cómica y/o absurda. ApersonA de la Compañía suiza Ioannis Mandafounis/Mamaza, puso en escena la dualidad del ser, su relación con el espacio, la exploración del cuerpo y los sentidos. Los intérpretes, Elena Giannotti y Ioannis Mandafounis, estuvieron involucrados al máximo en esta propuesta cuyo proceso de creación los involucró durante dos años. “Abordamos diferentes pautas de improvisación hasta llegar a lo que deseábamos contar”, mencionó el bailarín Mandafounis al público en una charla post función. En ese lapso de tiempo, ambos bailarines tuvieron la oportunidad de explorar fiscalidades en diferentes focos de atención (pelvis, pecho y cabeza) y adentrarse en conceptos filosóficos (persona).

La mínima audiencia presente, reflejó gran aceptación de la propuesta, que se divirtió con el absurdo y la musicalidad ofrecida por los intérpretes mediante la improvisación. Por su parte la obra coreana N(ow)ow llevó a escena la intimidad del hombre. De forma abstracta, y a veces con una literalidad evidente, ocho bailarines se enfrentaron, jugaron y parodiaron la masculinidad, exponiéndose frente a un público que se reía y que por momentos se concentraba en los movimientos sutiles o en la gestualidad de los intérpretes. Quien se destacó fue el director Hyoseung Ye, debido a su nivel de energía en escena. Hyoseung Ye también presentó dos solos, improvisaciones de quince minutos, el último día del festival. Alone: Traces + Chaosmos, reflejaron la vida cotidiana del trabajador en la urbe. Ye mostró sus grandes habilidades como intérprete y director en ambas propuestas, puesto que en menos de quince minutos logró resumir y abordar desde movimientos sutiles, casi imperceptibles, estados extraños y umbríos, con una fiscalidad que perturbaba a quien lo observaba, que logró explotar en el escenario. Con la asistencia de espectadores exigentes, pero conformes, Cena Complicidades cerró con éxito su primera edición en nuestro país, por lo que no resultará extraño contarlos entre las propuestas del año entrante. __BD

Comicidad y sonoridad en ApersonA Foto . gentileza de prensa 32 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Complicidad en Red Por Nahuel Aguirre

Masculinidad expuesta en N(ow)ow Foto . Sinae Choi

Comicidad y sonoridad en ApersonA Foto . gentileza de prensa 32 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Cómo Entrarle al Baile Por Román Ghilotti

Las disímiles maneras de acotarse en escena desde la danza, en la actualidad, aﬁrman para este discurso artístico instancias de libertad expresiva En la sala Apacheta se presentó Abortar la Danza, trabajo coreográfico de expresión corporal con dirección de Elías Miquez, por el grupo Los Algo. A modo de suite, con segmentaciones definidas entre cada uno de los momentos, la obra introduce una aparente inmediatez entre intérpretes y público en la presentación de su devenir. Al llegar a la sala, y lo que ya es constitutivo del trabajo, los intérpretes realizan ejercicios de calentamiento o similares. Así, puestos en escena como performers, en rigor lo que se propone es una serie de personajes que hacen de performers. La misma obra da signos de posibles lecturas de cruce entre lo inmediato, actual de ese momento, improvisado, hasta se diría cotidiano (aquello que pueda ser llamado así al bailar), signos que intentan acentuar lo presente. La danza redundaría, en esta perspectiva, en las sucesivas actualizaciones de lo que se hace, con un sesgo que, además, trata de dar cuenta de cierto azar operando. Por un lado, como en todo acto de escena, hay algo que resulta del momento, improvisado en su solución sobre lo que haya sido pautado. Pero, por otro lado, la organización en suite, los momentos claramente definidos y organizados, expresan decididamente la intencionalidad y el orden coreográfico subyacente. Por ejemplo, el recurso ya tradicional de nombrar por su nombre a alguien que está en escena, si bien da un indicio de cercanía con la persona, si bien recuerda que se trata de ese alguien ahí, por ser escena siempre esto redunda en tratarse de una representación y, con esto, de un modo de presentación que se adscribe a un personaje. Esta distancia entre lo cotidiano de las personas y su darse en acto artístico es nodal: de no ser así se asistiría por intromisión a la privacidad. Esto, por definición, es imposible en escena: toda escena artística es pública. Este es el juego que propone Abortar la Danza. Sobre una aparente inmediatez transparente, en rigor, se ofrecen artilugios de un artefacto que simula y pretende aquella transparencia. Así las cosas, a lo largo de la coreografía, se suceden diversas maneras de hacer danza, algunas con sesgos relativamente académicos, otras con tomas de movimientos de baile social, algunas más puestas en acciones teatralizadas, otras en expresividades más hieráticas o toscas, con contenidos fácilmente asociables a relatos. Se baila, no se baila, se compite, se somete, se padece, se disfruta, entre otras perspectivas de poner el cuerpo.

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Momento de acción “violenta” (Pérez y Favre) Foto . Nicolás Tesauri

Los intérpretes (Pamela Campos, Priscila Favre, Natalia Mansueto, Miguel Patiño, Ana Pérez y Francisca Rosso), con muy buenos recursos expresivos, dieron en función improntas ágiles y frescas las que, además de dar continuidad y sostener las construcciones y juegos escénicos, también dejaban a las claras la distancia y la dualidad de la apariencia de algo de “real” en los cuerpos y pasiones, siendo que lo transitado fue la ficción construida, abortando cada manera propuesta como una suite que insistía en que cada modo de hacer “danza” expone lo que hoy es danza. __BD DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 35

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Cómo Entrarle al Baile Por Román Ghilotti

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Momento de acción “violenta” (Pérez y Favre) Foto . Nicolás Tesauri

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El Eterno Ascenso Por Toni Más

Del miércoles 21 al sábado 24 de octubre, pudo apreciarse El Ascenso, de Luis Garay, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Música y sonido, junto a escenografía y tecnología digital, se dieron cita para transgredir no sólo el límite de la danza, sino del espectáculo Máquinas de humo, computadoras, proyectores de rayos láser, una consola de 32 canales, un tímpani, un piano de cola, un violoncello y un contrabajo, armonizaron, mediante instrumentistas luctuosamente ataviados, las rutinas clásicas de “12 discípulos”, promesas masculinas del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, y de un único bailarín del elenco estable de dicha institución, Fabrizio Coppo . Ellos danzaron con música original y diseño sonoro de Ismael Pinkler, conjuntamente a La Catedral Sumergida de Claude Debussy, cual parábola entre Ángeles Caídos y La Última Cena, (cuatro grupos de tres) por la cifra de ejecutantes, más la intervención cuasi mesiánica y, paralelamente, de Anunciación que realiza Coppo, el único que danzará en todo el espacio. En casos como estos, se agradece la carga anfibológica que ofrece la escena y emana una imprescindible cuota de humildad ante la, por lo general, inconfesable capacidad real, para captar la totalidad del mensaje implícito en una determinada obra, dada su cualidad polisémica. En esencia, se disfruta plenamente la propuesta, a la cual, sin remedio, el espectador ya está entregado debido al eficiente “elemento sorpresa” que atrapa desde el principio. Al descender a la locación ya se es parte de un ritual, donde se husmea dentro de una penumbra que se conmina a

recorrer, pues no hay butacas, para la contemplación pasiva, y la totalidad del subterráneo mundo que propone Luis Garay, está preñado por su ingenio y, también, el del elenco que será determinante en esta sugestiva creación colectiva. El Ascenso logra “hilvanar” discursos aparentemente distantes y colocarlos en un ámbito donde el protagonismo conceptual lo imprime el espacio mismo. La danza es un feliz recurso, un pretexto medular, pero podrían ni estar los bailarines. Igualmente, se experimentaría una particular noción de atmósfera opresiva, dantesca y finalmente esperanzada en el ascenso que, a la manera de Ícaro o cualquier querubín extraviado de la creación, pretende alcanzar la luz, a riesgo de quemarse las alas, lo que, a esta “altura”, es sinónimo de muerte y resurrección eterna. Con toda esa carga de sensaciones se obtuvo, para Balletin Dance, el testimonio de Garay, que con una sonrisa, entre piadosa y satisfecha, aprueba la particular interpretación, pero aclara: “la inspiración no es esa, es sólo una idea conceptual, un mecanismo. El arte contemporáneo siempre intenta poner lo mínimo, o lo que no tiene importancia, en el lugar que lo tiene. Yo quise hacer bajar al Centro de Experimentación del Colón, ubicado en el sótano del teatro, a estos artistas adolescentes que, supuestamente, son joyas. El procedimiento conceptual fue no tratar de hacer algo contemporáneo en el espacio destinado para dicho fin, sino bajar a este lugar a quienes se sacrifican para ser lo más refinado del arte de la danza clásica en Argentina. Los cuerpos están en un lugar de éxtasis y de tortura.” Bailarines: Aquino Nadir Derkach, Felipe Ruiz Gamboa, Cristian González, Leonel Cirelli, Santiago Vercelli Sacaba, Juan Barboza Sanabria, Benjamín Aseretto, Bruno Quiñónez, Rodrigo San Sebastián, Sebastián Gabriel Bustos, Nahuel Sudrot y Rodrigo Fredes. Instrumentistas: Lucas Nahuel Velásquez (contrabajo), Gerardo Gabriel Garvizú (violonchelo), Eloy Vicario Malich (percusión), María Fernanda González (piano), Dirección general: Luis Garay. Coreografía: los bailarines y Luis Garay. Dirección de arte: Vanina Scolavino. Música original y diseño sonoro: Ismael Pinkler. Montaje de luces: Alfredo Morelli. Asistente de iluminación: Natalia Bianchi. Puesta láser: Fausto Nutkiewicz Bosch. Artefactos de proyección: Federico Ranserberg y Darío Tarasewicz. Elevación de estructuras: Guido Spinella, Patricio Lanusse, Federico Cantini y Laura Bedoian. Producción general: Bárbara Scotto.

“Con la iluminación quería buscar que se mirase hacia arriba, para que tomaran conciencia de que estaban debajo de este fastuoso teatro, en su sótano”, dice Luis Garay Fotos . Máximo Parpagnoli

Garay, posee un sello distintivo dentro de la danza contemporánea y es fácil acceder, en números anteriores de esta misma edición y de otras, a la significativa crítica positiva que goza el conjunto de su obra, desde sus inicios, y los premios que la acompañan. En su tránsito por Europa integró agrupaciones y talleres que depuraron su estilo y nutrieron su caudal creativo en función de búsquedas conceptuales cada vez más osadas. El camino recorrido por este artista colombiano ha sido decisivo, aunque plantea que todo fue origen de la casualidad. Y cuenta: “yo me fui de mi casa a los 15 años y viajé a Finlandia, llegué a Argentina a la edad de 18 años. Fue una casualidad, pues viajaba por Suramérica, de mochilero, y

así recorrí Ecuador, Perú, Chile. Pasé por Buenos Aires para seguir a Brasil, pero audicioné para el Teatro San Martín y a los 21 años tuve posibilidad de realizar obras propias. Así me fui quedando y ya pasaron 16 años. De a poco, me alejo de la danza como arte escénico y busco en el movimiento más puro, indago sobre el performance y la instalación con cuerpos. Pero ha sido fantástico trabajar con estos jóvenes que dan su vida, en pleno siglo XXI, por un sueño originado en el siglo XVII, como lo es el ballet. Y es bellísimo ver cómo, con 15 años, se devoran el tiempo y toman cuatro clases al día, para lograr la perfección. Parecería un absurdo, pero eso los hace diferente al resto”. __BD

Una neblina azul, similar al azufre cuando arde, subió lenta, e imperceptiblemente, mientras tragaba centímetro a milímetro, primero los cuerpos, y, luego los port de bras de los estatuarios bailarines-performers. O, más bien, los transportaba desde el averno al cielo y, quizá, viceversa 36 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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El Eterno Ascenso Por Toni Más

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El Ogro Más Bueno

Shrek El Musical, inicia en enero su temporada de verano en el Teatro Luxor de Villa Carlos Paz (Córdoba), luego de haberse destacado durante medio año en la cartelera porteña El musical de la famosa película Shrek, de Broadway (2008), llegó a mediados de año al Teatro Maipo de Buenos Aires. Cuenta con libro original de David Lindsay-Abaire y música de Jeanine Tesori, adaptado al castellano por Marcelo Kotliar y Carla Calabrese. La dirección argentina es de Carla Calabrese, con dirección musical de Gaby Goldman (músicos en vivo) y coreografías de Alejandra Rappazzini. La impecable actuación de todos los artistas, perfectamente caracterizados, sumado a una ampulosa producción, dan por

Una escena del genial musical Foto . Alejandro Palacios

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resultado una de las propuestas más atractivas de la cartelera; ágil, divertida e ingeniosa. Los protagonistas son Pablo Sultani (Shrek), Mela Lenoir (Fiona), Roberto Peloni (Lord Farquaad), Talo Silveyra (Burro), Andrés Bagg (Pinocho) y Mariú Fernández (Galletita Gingy), todos con interesantes trayectorias en el mundo del teatro musical. La creativa puesta, traduce el film en el escenario. Tiene varias escenas coreográficas, incluido un número de tap, en el que el telón a medio subir descubre únicamente las piernas del cuerpo de baile, cuyos zapatos son unas simpáticas ratitas. Esta puesta obtuvo seis premios Hugo, al Mejor musical, Premio Hugo de Oro y Actuación de Reparto para Roberto Peloni, Producción, Actuación protagónica para Pablo Sultani y Premio revelación para Talo Silveyra. __BD

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Salsa Criolla Regresa en Enero al Teatro Liceo

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Se trata de una nueva versión, modernizada, del espectáculo que Enrique Pinti estrenó hace 30 años en Buenos Aires, con coreografía de Elizabeth de Chapeaurouge y música original de Gregorio Vatenberg Considerado uno de los espectáculos más vistos de nuestro país (se calculan casi dos millones de espectadores), la obra narra la historia argentina (desde el Descubrimiento de América), a través de la creativa mirada de Enrique Pinti. Si bien se han manteniendo los segmentos originales que hacen a la historia del país, se actualizó el estado político y social hasta nuestros días. Sus perspicaces monólogos, a velocidades siderales, se entrelazan con la cuidada intervención del cuerpo de baile, que transita con solvencia danzas de todo tipo, de acuerdo al relato. El propio Pinti encabeza el elenco, resolviendo con habilidad una tarea sin pausa, secundado por Martín Salazar y Martín SipickI, y los bailarines Micaela Barber Clas, Julia Montillengo, Mara Moyano, Silvina

LAMBARE 990 (Villa Crespo) * Martes y jueves 10:45 hs * Miércoles y viernes 14.30 hs 16.30 hs

J. B. JUSTO 6139 (Floresta) * Sábados Solventes bailarines enmarcan a Enrique Pinti Foto . gentileza de prensa

Tordente, Ariel Juin, Pablo Juin, Ignacio Pérez Cortés y Esteban Segovia; con dirección coral de Ana Carfi, ingeniosa escenografía de Oria Pupo y estridente vestuario de Renata Schusseheim. “Todo ha cambiado ¿si? ¿O permanece igual pero con otros discursos?” dice Pinti. Como cierre de la noche, se presenta el recordado cuadro Quedan los Artistas, que señala que aunque muchas cosas, personas y gobiernos, pasan temporalmente por esta historia, siempre permanecen los artistas. __BD

12.00 hs

4554-1820 4566-2380 15-5044-2714 www.laurawinter.com.ar Villa Crespo / Floresta

Balletin Dance Ediciones presenta su nuevo lanzamiento

Apuntes de Clases

La danza española y el baile flamenco

C O M E N TA R I O

Más Allá del Show

Nora Robles y Pedro Calveyra Foto . gentileza de la producción 40 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

de Ana María Stekelman, presentó el mes pasado en el Maipo Kabaret, Pequeño Show Nocturno, un espectáculo intimista que homenajea tiempos pasados La extremada delicadeza de Nora Robles, junto a la tosca masculinidad de Pedro Calveyra y a la plasticidad contemporánea de Alexis Ledesma (que se alternó en algunas funciones con Facundo Mercado), hicieron de esta noche de show, un momento lleno de matices. Wolfang Amadeus Mozart dio inicio y final, a aquellas canciones que Stekelman conjugó en una sucesión de duos, solos y brevísimos tríos, casi sin desplazamientos (la estrechez del espacio escénico no hubiesen permitido otra manera de crear). Tres artistas consumados, expresaron los sentimientos recibidos a través de las voces de Jacques Brel, Agustín Lara, Josephine Baker, Lola Flores y Edith Piaf, entre otros. __BD

Gabriel

Va u d a g n a

Arango

Reseña histórica del baile ﬂamenco Una clase de baile ﬂamenco, destinada a alumnos y docentes Anexo con ejercicios para fotocopiar, para exámenes teóricos

Conseguilo en las mejores librerías del país y en la Tienda Balletin Dance: www.balletindance.com.ar DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 41

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Salsa Criolla Regresa en Enero al Teatro Liceo

2015

LAMBARE 990 (Villa Crespo) * Martes y jueves 10:45 hs * Miércoles y viernes 14.30 hs 16.30 hs

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La danza española y el baile flamenco

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Nuevos Desafíos Profesionales

En su despedida de los grandes clásicos, hace dos años Foto . Henrique Pontual

Por Agustina Llumá Ana Botafogo y Cecilia Kerche, conformaron en agosto la dupla directiva del Ballet del Teatro Municipal de Río de Janeiro, la de mayor trayectoria en Brasil Luego de un inicio de año convulsionado, con la compañía de ballet acéfala, la asunción de la dupla “fue un poco de sorpresa, porque al principio no queríamos, ni yo, ni Cecilia”, confiesa en un español casi perfecto Ana Botafogo, la reconocida bailarina brasilera, en una lluviosa tarde porteña. En un viaje relámpago para integrar el jurado del Certamen Julio Bocca, organizado por el Consejo Argentino de la Danza, Balletin Dance tuvo la oportunidad de profundizar sobre la actualidad de la compañía del coloso país vecino. “Las dos teníamos compromisos fuera. Era un momento muy difícil, el ballet estaba hacía un mes sin dirección. Nosotras somos parte de la compañía, las dos estamos siempre ahí. Yo tomo clase con ellos todos los días, Cecilia luego de tomar clase con su marido, llega al teatro para trabajar con los bailarines. La compañía no podía quedarse así”. “El nuevo presidente de la Fundación Teatro Municipal de Río de Janeiro, João Guilherme Ripper, que nos llamaba todo

el tiempo, un día dijo: ‘tienen que ser ustedes dos. Las necesitamos’. Nunca habíamos pensado en esa posibilidad”, asegura francamente. “Al principio pensamos, que podíamos ayudar por unos meses… Pero para decir la verdad, estamos gostando mucho, es muy poco tiempo todavía, pero ya conseguimos arreglar esta temporada”. Es la primera vez en décadas que los profesionales de la casa son considerados con preferencia en una gestión. “El presidente de la Fundación quiere priorizar a los artistas del teatro, él se preocupa por el Coro, la Orquesta y el Ballet, y luego de tener esta programación, entonces se abrió al alquiler del teatro. Antes era siempre lo contrario: nosotros nos quedábamos con las fechas que restaban. Es un cambio muy grande, él también es un artista (músico), igual que nuestro director artístico, André Cardoso”. Soluciones Urgentes Al asumir en sus cargos, la primera medida fue mantener a los bailarines trabajando, marcar un rumbo y ofrecer cierta sensación esperanzadora. “En el primer momento, llevamos la compañía a Campos, una ciudad cercana a Río, con el mismo programa del primer semestre, para que los bailarines se quedasen trabajando hasta que llegaran los repositores de los dos nuevos ballets”, que estrenaron el 8 de octubre. Un programa atractivo, que lograron resolver en menos de 30 días, La Séptima Sinfonía de Beethoven de Uwe Scholz y Age of Inocence de Edwaard Liang. La semana del 29 de agosto, bailaron fragmentos y pas de deux: “La Sylphide que fue repuesta por Tatiana Lescova, una leyenda del ballet en Brasil, con 92 años, tiene un vigor y una energía increíbles, y ha hecho mucho bien al cuerpo de baile, Raymonda y czardas del tercer acto de El Lago de los Cisnes, con todos los bailarines trabajando”. El 17 de diciembre estrenarán El Mesias de Mauricio Wainrot, serán nueve funciones. “Es una posibilidad de terminar el año con Coro, Orquesta y Ballet, un gran espectáculo, una gran conmemoración”.

2016 Tendremos cinco espectáculos el año próximo, con 38 funciones en el Teatro. También haremos pequeños viajes cerca de Río. Tenemos la posibilidad de tener más espectáculos, más temporada. Empezamos el año en marzo, que es novedoso, con Apoteose da Dança el mismo espectáculo que hicimos en octubre”, serán 8 funciones, del 12 al 24 de marzo. La Sylphide de Pierre Lacotte, serán 7 funciones del 10 al 18 de junio. Continúa Trilogia Amazônica sobre partituras de Heitor Villa-Lobos, con Erosão de Luiz Fernando Bongiovanni Martins, Uirapuru de Daniela Cardim y Amazonas E Alvorada Na Floresta Tropical de Rodrigo

Pederneiras (5 funciones, del 3 al 13 de agosto) y El Cascanueces de Dalal Achcar (13 funciones del 14 al 30 de diciembre). Habrá también un programa compartido con ópera y ballet sobre música de Nikolai Rimsky-Korsakov que incluye Mozart & Salieri con dirección de movimiento de Márcia Rubin y Sheherazade con coreografía de Michel Fokine (5 funciones del 28 de septiembre al 2 de octubre). Solamente a modo informativo, se menciona aquí, que el abono para asistir a los cuatro ballets, cuesta 280 reales en platea (unos 725 pesos argentinos, es decir $ 181 por función).

Ana Botafogo, multifacética Foto . gentileza de la artista 42 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Nuevos Desafíos Profesionales

En su despedida de los grandes clásicos, hace dos años Foto . Henrique Pontual

Ana Botafogo, multifacética Foto . gentileza de la artista 42 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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Jubilaciones “Precisamos más contratos, más bailarines jóvenes”, repite así, Ana Botafogo, una historia conocida por los argentinos, que ellos resolvieron con contratos por producción. “Somos cien, pero bailan entre 35 y 40. El año próximo queremos hacer audición”. Algunos tienen estabilidad, pero no se pueden jubilar porque les faltan años de aportes, otros pueden jubilarse pero esperan hasta la compulsory que es a los 70 años. Muchos de ellos están ejerciendo diferentes funciones en el Ballet, tareas administrativas, responsables de vestuario, calzado “y desde hace dos años hemos comenzado a incluirlos como maestros y ensayadores”. El futuro La compañía siempre primó por las coreografías clásicas, si bien siempre hubo contemporáneo, su fuerte son los grandes clásicos. Ahora tenemos que -sin olvidarlos-, hacer creaciones contemporáneas, que es un desafío para esta nueva generación, que tiene mucha técnica, muchas ganas, y están listos antes, más temprano que nosotras”. Artista Multifascética “A veces encaro otros desafíos. Yo quería dejar de bailar realmente, el año pasado dije mucho no, no quiero más. Me quedé así por seis meses. En el segundo semestre, iban a inaugurar un teatro en San Pablo y querían que yo estuviera, a pesar de haberles dicho que iba a asistir sentada en primera fila, acabé bailando. Fui con Esto es Brasil un espectáculo con bailarines de danza popular, con música brasilera, que hice muchas veces. Después de eso fue difícil decir ‘yo no bailo más’. Entonces, Flavia Bittencourt, una cantante del norte de Brasil, que tenía un proyecto para realizar conmigo desde hace tiempo, me llamó el año pasado y le dije: ‘Flavia, no bailo más’... Estrenamos Mujer a fines de julio en Río de Janeiro, es un espectáculo

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Reconocida y homenajeada en todo Brasil Foto . gentileza de la artista

que habla de dieciocho mujeres que fueron importantes en la historia de Brasil, con coreografía de Eric Frédéric”. “También doy muchas charlas para alumnas de danza, para estimularlas, en las que les cuento cómo es la vida de una profesional. Y bailo algunos solos, en distintos festivales. El 16 de noviembre, participé en un festival en Salvador de Bahía sobre Isadora Duncan, un gran homenaje, al que llegaron incluso las discípulas de Estados Unidos”. Colaboración latinoamericana Con la puesta de Mauricio Wainrot, este mes, se establece el primer contacto con Buenos Aires. La fantasía de lograr coproducciones entre Río de Janeiro, Santiago de Chile, Buenos Aires y Montevideo,

El Ballet del San Martín Miré un ensayo del cuerpo de baile del San Martín y estoy encantada, boquiabierta, nunca la había visto, es muy buena compañía. Quiero llevarla a Río. Los bailarines, en buena forma, con lindos físicos, todas ellas podrían ser bailarinas clásicas. Asistí a un ensayo en el que Mauricio estaba montando La Novena Sinfonía de Beethoven.

ronda los deseos de esta gestión. “Sería tan bueno para nuestros teatros. Quiero que Julio [Bocca] vaya a Río, porque él llegó a una compañía chiquita, muerta y la hizo renacer. Es muy importante que él vaya para contar un poco cómo se hace todo eso”. __BD DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 45

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Reconocida y homenajeada en todo Brasil Foto . gentileza de la artista

IN MEMORIAM

Cipe Lincovsky

IN MEMORIAM

Teresita del Río

Buenos Aires, 21 de septiembre de 1929 31 de agosto de 2015

Cipe Lincovsky, para el estreno de Che, Quijote y Bandoneón, junto a Octavio Stanley de la Roza y Maurice Béjart

Cecilia Lincovsky fue una de las actrices más destacadas de la Argentina, residió y trabajó en España, Venezuela, Alemania y Francia y colaboró en diversas disciplinas con figuras de la talla de Jorge Donn con quien la unía una entrañable amistad, Lindsay Kemp, Maurice Béjart, Liv Ullmann y Vittorio Gassman. Debutó en 1953 y fue reconocida por innumerables actuaciones. En 1991 realizó una gira por Europa y Japón con Nijinsky, Clown de Dios (junto a Jorge Donn) y en 1999-2000 Che, Quijote Bandoneón, ambas de Béjart. Recibió cantidad de galardones entre los que se destacan en Argentina el Premio ACE (1993), María Guerrero y Florencio Sánchez (1994), Konex (1991 y 2001). En 2007 fue nombrada Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable de la Asociación Argentina de Actores (2003) y el Senado de la Nación. Ya desmejorada de salud, el 7 de julio se la vio por última vez públicamente, en la sede de la Asociación Argentina de Actores (AAA), cuando el ministro de Defensa, Agustín Rossi, entregó las listas negras de la última dictadura cívico-militar a la entidad gremial, en las que estaba ella. Sus restos fueron velados en el Teatro Nacional Cervantes y descansan en el panteón de la AAA del Cementerio de la Chacarita. __BD

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El 13 de septiembre falleció en Buenos Aires, a los 52 años, María Teresa del Río, conocida como Teresita del Río. Se desempeñó como actriz, cantante, coreógrafa y bailarina en nuestro país, Estados Unidos y Europa Egresó del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón donde integró el Ballet Estable. Se había formado con Estela Deporte, Liliana Belfiore, Wasil Tupin, Noemí Coelho y Freddy Romero antes de partir a Estados Unidos, para estudiar en la escuela del American Ballet y en la Harenes School of Dance. Se perfeccionó en Europa, con Alain Ponle, Andre Glegowsky, Jean Pierre Franchetti, Erve Diasnas, Maguy Marin y Meter Gost, e integró el Ballet Classique du Paris y el Ballet Contemporáneo de Francia Herve Diasnas (en Francia). En Suiza estudió en la Ecole Rudra de Lausanne participando en el ballet de Maurice Béjart. De regreso en la Argentina, actuó en comedias musicales y obras de teatro, entre las que se mencionan Por las Calles de Madrid, Hello Dolly, Grease, El Diluvio que Viene, New York New York, Hotel Berlin 1933 y Los Arboles Mueren de Pie. Entre sus últimos trabajos se cuenta Blancanieves y la Casa del Arbol”, que dirigió, escribió y protagonizó. __BD

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IN MEMORIAM

Cipe Lincovsky

IN MEMORIAM

Teresita del Río

Buenos Aires, 21 de septiembre de 1929 31 de agosto de 2015

Cipe Lincovsky, para el estreno de Che, Quijote y Bandoneón, junto a Octavio Stanley de la Roza y Maurice Béjart

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E N T R E V I S TA

Creatividad Por Agustina Llumá

Aprovechando sus actuaciones en el Teatro Solís de Montevideo, Isabel Bustos, directora de la compañía de Danza Teatro Retazos, de Cuba, se cruzó a Buenos Aires para impartir clases magistrales de su personal método de entrenamiento corporal Los días 7 y 8 de octubre, Retazos se presentaba por primera vez en Uruguay, con las obras Momentos y Posible Imposible, una coproducción con el grupo sueco Memory Wax; y ante la cercanía de Buenos Aires y su impacto cultural, Isabel Bustos su fundadora, Eugenio Chavez Pérez, productor, y dos bailarines cruzaron el Río de La Plata, para dictar dos clases magistrales. Una en forma privada y la otra gratuita en el Centro Cultural Kirchner. Balletin Dance dialogó con la coreógrafa, en su visita relámpago, sobre sus actividades, que incluyen las actuaciones del grupo Retazos, intercambios internacionales, trabajo social con la comunidad para niños y jóvenes de distintas facturas económicas (“Si bien la educación convencional es imprescindible, está demostrado que un desarrollo integral, ayuda al niño a potenciar sus múltiples capacidades. Las familias se unen, porque el niño baila” afirma la coreógrafa), y la organización de cuatro festivales anuales. Retazos se define como un proyecto sociocultural de danza con experiencia coreográfica y docente, un agente cultural sin fines de lucro, un escenario para la creación, el intercambio, la investigación, el desarrollo artístico de jóvenes talentos, desde un enfoque transformador.

Momentos Foto . gentileza de prensa 48 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Bustos fundó Retazos en la ciudad de la Habana en 1987, grupo con el que ha desarrollado un lenguaje lírico e intimista que busca reflejar las disimiles contradicciones de su tiempo, desde el lugar de la vanguardia creativa. Sus obras “representan una contundente crónica de la espiritualidad latinoamericana en una danza reflexiva, impredecible, legítima y sobre todo vital”. La coreógrafa se formó en ballet en la capital cubana e integró las compañías nacionales de Ecuador y de Cuba. Como docente se desempeñó en la Escuela Nacional de Danza Moderna y en la facultad de Artes Escénicas del Instituto Superior de Arte en Cuba y dictó seminarios y clases magistrales en su país, Ecuador, México, Inglaterra, Francia y Estados Unidos. Recibió el Premio nacional de Danza en 2012. La clase que dictó en Buenos Aires, sintetizó su método de entrenamiento físico, basado en el uso consciente de la energía, con especial importancia en los pesos, apoyos y contrapesos. También hay “un trabajo espacial bastante grande,

Posible Imposible Foto . gentileza de prensa

interesante”, detalló Isabel Bustos a esta cronista. Los diferentes apoyos corporales, permiten tener al cuerpo completo en contacto con el piso, lo que ofrece “un control diferente. Esto sumado al trabajo en el espacio y con otras personas, permite que quien practique esta técnica, al año y medio, o dos años, ya pueda bailar. Y nunca se lastima nadie”, aseguró. Predominan los movimientos circulares, en contacto con el suelo, con una cadencia singular. Todo el cuerpo está involucrado en estos ejercicios, que no por ser de entrenamiento olvidan la musicalidad de una coreografía creativa. Luego, con los desplazamientos en el espacio, amplios, inmensos, los ejercicios se fueron hilvanando, sumándose uno tras otro, hasta convertirse en una danza completa. Movimientos orgánicos, acompañados por una correcta respiración, armoniosos, agradables de ver y de hacer, que ofrecen una preparación corporal completa para

enfrentarse a heterogéneas creaciones. Bustos además, consintió en ofrecer un consejo para las jóvenes generaciones, que contempla la importancia de la clase del día a día, perseverar, y tomar conciencia de que todos podemos hacer un mundo mejor, con amor, de paz, en esta época en que el mundo está tan convulsionado, con guerras en diferentes continentes. Los festivales Cuatro son los festivales que organiza esta agrupación. Habana Vieja Ciudad en Movimiento, que en 2016 volverá a contener al DvDanza Habana: Movimiento y Ciudad. “Vienen miles de personas de lugares de lo más recónditos, con encuentros e intercambios muy interesantes”. El XXI Encuentro Internacional de Danza en Paisajes Urbanos, Habana Vieja: Ciudad en Movimiento, se realizará del 6 al 10 de abril de 2016, con organización de Danza Teatro Retazos y La Oficina del Historiador de Ciudad de La Habana. La histórica capital, Patrimonio de la Humanidad envuelve en su vitalidad, ritmo y movimiento a creado-

Isabel Bustos Romeloroux, chilena, de nacionalidad ecuatoriana y cubana por adopción Foto . Francoise Romeo y Elio Miniello

res, transeúntes y público en general para participar de este acontecimiento. Se trata del primer puerto, refugio de corsarios y piratas en el pasado, que en los días del festival se convierte en un escenario singular. La programación comprende encuentros, exposiciones, conferencias, pasacalles, clases magistrales, espectáculos y talleres. Las bases de participación pueden descargarse del sitio de internet: www.danzateatroretazos.cu. El Festival Impulsos que este año se realizó del 4 al 6 de diciembre, en su sede habanera, la Sala Teatro Las Carolinas, porque en noviembre la compañía se dividió en dos, una parte viajó a Suecia y la otra permaneció con funciones en La Habana. Este proyecto busca incentivar la creatividad de jóvenes coreógrafos, con ideas y movimientos en búsqueda de su identidad personal, a partir de su sensibilidad. “Las nuevas generaciones, formadas en el espíritu del cuerpo y sus expre-

siones más puras, pueden y tienen mucho que enseñarnos”, dice Bustos. Y por último, las Jornadas de Intercambio con Artistas Escandinavos, TránsitosHabana, que sucede todos los abriles, en coproducción de Danza Teatro Retazos y Memory Wax, a partir de los resultados de un trabajo en conjunto que vienen desarrollando desde hace más de siete años. Al programa se une la entidad Oikos, con reconocida experticia en la gestión de proyectos con fondos de cooperación internacional, en específico de la Unión Europea. Artistas de ambas regiones realizan giras e intercambios para compartir experiencias y presentar sus obras. __BD

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E N T R E V I S TA

Creatividad Por Agustina Llumá

Momentos Foto . gentileza de prensa 48 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

Posible Imposible Foto . gentileza de prensa

Isabel Bustos Romeloroux, chilena, de nacionalidad ecuatoriana y cubana por adopción Foto . Francoise Romeo y Elio Miniello

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IN MEMORIAM

Annemarie Hoth Annemarie Gesa Emilie Hoth, nació en Banfield, provincia de Buenos Aires. Comenzó sus estudios de danza clásica con la extraordinaria Esmée Bulnes, quien luego de un período de preparación, la convocó para integrar el cuerpo de baile del Teatro Argentino de La Plata, por entonces en formación. Allí continuarían sus clases con ella, al tiempo que coreógrafos como Yurek Shavelevsky, Michel Borovsky, Tamara Grigorieva, Aurell Millos y otros de no menor jerarquía, pusieran su mirada en Hoth otorgándole roles de solista y de primera bailarina. En 1958 se incorporó al Ballet de Santiago Ayala “El Chúcaro”, desempeñándose en el folklore con la misma calidad y maestría que lo hiciera en el ballet clásico. El maestro creó para ella el cuadro llamado América, en donde ella era la única figura femenina (América) secundada por todos los bailarines que interpretaban a los distintos países de este continente, en épocas de la emancipación. En 1960, luego de una corta gira por Chile, Venezuela y Colombia ya desvinculada del Ballet de “El Chúcaro”, formó una pareja de baile con Luis Groma, uno de sus integrantes que además fue su marido, y bajo el nombre de “Los Groma” comenzaron sus actuaciones en los shows más importantes de Latinoamérica y el Caribe. Pronto partieron hacia Europa, radicándose en Alemania donde luego de dos años de trabajo continuo integraron a un tercer miembro, se trató del gran bailarín Hugo Travers, con quien continuaron las giras por Europa y Medio Oriente. En 1973 de regreso en Argentina formaron un sexteto con la incorporación de Roberto Díaz, Annemarie continuaría siendo el alma mater del grupo con el cual triunfaron nuevamente en el exterior, en Estados Unidos y el Caribe, al punto de recibir en 1975 el premio al mejor espectáculo latino del año en la ciudad de Nueva York. En nuestro país, fue convocada por el compositor Mariano Mores para participar de

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I N T E R N A C I O N A L E S | E S PA Ñ A

Buenos Aires, 7 de marzo de 1931 - 15 de octubre de 2015

Público y Ciencia Una investigación realizada por cientíﬁcos de la Universidad de Granada, demuestra los beneﬁcios provocados a la salud física y emocional, de quienes presencian un espectáculo de música y danza Belén Rueda y Carlos López, son los investigadores de la Universidad de Granada que en colaboración con la compañía de circo contemporáneo Zen del Sur, analizaron desde el punto de vista científico, por primera vez, el impacto emocional y fisiológico que ejerce una representación de artes escénicas sobre los espectadores. Los autores diseñaron un programa de intervención que consistió en la observación de varios espectáculos de danza-circo con música en directo, y una serie de ejercicios relacionados con la identificación de recursos expresivos coreográficos y musicales. Las emociones y sensaciones más experimentadas por los participantes tras finalizar la actuación fueron alegría, tranquilidad, relajación y motivación. Las mediciones se realizaron a través de pulsómetros (frecuencia cardíaca), y diferentes cuestionarios (estado de ánimo) en el transcurso de las funciones. El estudio revela el estrecho vínculo entre estado de ánimo y la frecuencia cardíaca, y los autores sostienen que incluir las artes escénicas como un hábito de vida sería muy beneficioso para la salud, “como una herramienta que contribuye al bienestar y a la gestión emocional, a diferencia de otras actividades como el ocio digital”, explican López Aragón y Rueda Villén. “Es posible modificar el estado de ánimo del espectador mediante la danza y la música. Este es un recurso que se debe aprovechar para elaborar programas de intervención que ayuden a mejorar la calidad de vida de las personas”, apuntan. __BD Belén Rueda y Carlos López Foto . Jaime Linares

Annemarie Hoth en sus épocas de ballet Foto . Annemarie Heinrich

una gira por México, Puerto Rico, Venezuela y Estados Unidos, con quien permanecieron nuevamente como trío, durante cuatro años. Posteriormente, integró el espectáculo de Libertad Lamarque en carácter de coreógrafa y primera bailarina. A raíz de un accidente cerebro vascular (ACV) en 1985, se vio obligada a interrumpir su carrera, cuando fue convocada nuevamente por Mores para realizar una gira por Japón. “El 15 de octubre de 2015 partió de este mundo luego de una penosa agonía. Annemarie Hoth fue dueña de un carisma sin igual y un ángel que atrapaba a través de la danza, como lo pudieron comprobar públicos de más de cincuenta países por ella recorridos en su exitosa trayectoria. Annemarie hoy descansa en Paz”, señaló Groma a Balletin Dance, a quien agradecemos la información brindada, junto a la gentileza de la maestra Ethel Lynch. __BD DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 51

IN MEMORIAM

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Buenos Aires, 7 de marzo de 1931 - 15 de octubre de 2015

Annemarie Hoth en sus épocas de ballet Foto . Annemarie Heinrich

actualidad ACTUALIDAD

Compleja SituaciĂłn del Complejo

en Cartel.

Estudio de Danzas

Catalina Ulloa

Los dĂas 30 y 31 de octubre, se presentĂł el Informe SM (San MartĂn) en el ciclo Mis Documentos, que la escritora y directora Lola Arias organiza desde hace cuatro aĂąos en el Centro Cultural San MartĂn Durante una hora, jĂłvenes artistas de danza y teatro, y tĂŠcnicos de las salas porteĂąas, disertaron sobre su investigaciĂłn que da cuenta de la situaciĂłn del Teatro General San MartĂn y del Complejo Teatral del que forma parte. Al finalizar, dieron vuelta a la manzana, para realizar una performance en la puerta del teatro. Sus reclamos se centran en la programaciĂłn, las condiciones de trabajo, las coproducciones, la precariedad de las instalaciones (que hace dos aĂąos estĂĄn conviviendo con las obras de refacciĂłn edilicias). Ciertamente no se puede permanecer indiferente a la hora de asistir al teatro, un ejemplo arquitectĂłnico inaugurado en 1960, emplazado sobre avenida Corrientes, que pareciera haber sido vĂctima de un bombardeo (imagen propia de toda acciĂłn de esta envergadura). Las cifras no son menores. SegĂşn el Informe SM, en 2004 se concretaron 125 producciones, y una dĂŠcada despuĂŠs, en 2014, fueron tan solo 44. Se terminaron las propuestas que sumaban a artistas y elencos â&#x20AC;&#x2DC;independientesâ&#x20AC;&#x2122;, y comenzaron a multiplicarse aquellas en asociaciĂłn con empresarios del sector privado (e incluso alquileres). MĂĄs allĂĄ de que varias salas hayan permanecido cerradas con supuestas obras de restauraciĂłn edilicia (estaban verdaderamente muy deteriorados), a la vista del ciudadano comĂşn, poco se ha

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DANZA CLĂ SICA niĂąos | adolescentes | adultos

En BĂşsqueda de la Felicidad

El monumental ediďŹ cio del Teatro (sobre Corrientes) del estudio del arquitecto Mario Roberto Ă lvarez, unido con el Centro Cultural (desde 1970, sobre Sarmiento), parecerĂĄ haber sido vĂctima de un bombardeo hasta tanto ďŹ nalicen las obras de su â&#x20AC;&#x153;puesta en valorâ&#x20AC;?

avanzado con el Teatro Presidente Alvear y el de la Ribera (aunque la Ăşltima informaciĂłn oficial, seĂąalaba que se podrĂan reabrir en marzo del aĂąo prĂłximo). El Master Plan El plan de refacciones del histĂłrico edificio del Teatro San MartĂn, se habĂa anunciado entusiastamente, diferente al del ColĂłn, que tan cuestionado fue durante cinco aĂąos. Ahora, se pretendĂan realizar las obras de profundidad, sin cerrar el teatro. A fines de 2012, se pusieron a la venta 17 inmuebles pertenecientes al patrimonio de la ciudad, con el objetivo de financiar â&#x20AC;&#x153;las obras de infraestructura, puesta en valor y equipamiento del Teatro General San MartĂn, del Centro Cultural General San MartĂn, del Complejo Ciudad de la MĂşsica y del Museo de Arte Moderno de Buenos Airesâ&#x20AC;?. El plazo para culminar las obras era de 18 meses. Mientras tanto, se ha avanzado, aunque actualmente los baĂąos estĂŠn clausurados, el hall de planta baja tapeado, y los ascensores no funcionan, baste mencionar la inauguraciĂłn de las salas de ensayo del Ballet ContemporĂĄneo que por primera vez en su historia cuenta con un ĂĄmbito laboral acorde a sus necesidades. En julio de este aĂąo, se presentĂł un nuevo proyecto de ley en la Legislatura PorteĂąa, que impulsa la venta de mĂĄs inmuebles, aquellos remanentes de los expropiados para ensanchar la avenida Constituyentes y que no se vieron afectados. SerĂĄn otros 17 y el dinero recaudado se usarĂa para finalizar las obras. __BD

Al celebrarse su primera dĂŠcada de vida, la compaĂąĂa de danza teatroÂ Anabella Lenzu, DanceDrama AL/DD, de Nueva York, se presentarĂĄ por primera vez en Argentina, con este espectĂĄculo de danza-teatro multimedia, â&#x20AC;&#x153;que es un viaje a la memoria diaria para recordar y honrar a Antonio Lenzuâ&#x20AC;?. Para ello toma como punto de partida un texto de Eduardo Galeano: â&#x20AC;&#x153;Quiero una felicidad (â&#x20AC;Ś) que proviene de la memoria y de la experiencia (â&#x20AC;Ś) No es la memoria como ancla, sino la memoria como catapulta, no la memoria como puerto de llegada, sino como puerto de partidaâ&#x20AC;?. AdemĂĄs la argentina radicada en Estados Unidos, Anabella Lenzu, presentarĂĄ su libro bilingĂźe Revelando Movimiento y EmociĂłnÂ (de 2013) que da cuenta de la importancia de la danza, la comunidad, la composiciĂłn coreogrĂĄfica, la metodologĂa y la pedagogĂa, al conmemorar sus bodas de plata como docente.Â El acto integrarĂĄ lecturas, demostraciĂłnes, performance y proyecciones de fotografĂas y videos. El texto que recibiĂł unaÂ MenciĂłnÂ Honorable en laÂ categorĂa Mejor Libro de Arte BilingĂźeÂ por TheÂ International Latino Book Awards,Â de Estados Unidos, â&#x20AC;&#x153;aspira a ser inspiraciĂłn para las futuras generaciones de bailarines y maestrosâ&#x20AC;?, dice la autora. Foto . Todd Carroll

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DirecciĂłn: Daniel Pettrow CoreografĂa: Anabella Lenzu Bailarines: Lauren Ohmer y Anabella Lenzu Domingo 20, 19 hs. Sala Norah Borges,Â Centro Cultural BorgesÂ (Viamonte 525, esquina San Martin), Tel: 5555-5359 DICIEMBRE 2015 .. BALLETIN DANCE .. 53

actualidad ACTUALIDAD

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en Cartel.

Estudio de Danzas

Catalina Ulloa

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DANZA CLĂ SICA niĂąos | adolescentes | adultos

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El 21 de diciembre, Alicia Alonso cumplirá 95 años, y para festejarlo, se preparan diversas celebraciones en Cuba El viernes 27 de noviembre, se inauguró en el Museo Nacional de la Danza del barrio El Vedado de La Habana, la exposición de cerámica Seda y Acero, del artista Jesús Lara Sotelo, en homenaje al cumpleaños 95 de la prima ballerina assoluta Alicia Alonso. La serie está integrada por 12 obras en barro esmaltado y técnicas mixtas, que se aproximan a la sensualidad y erotismo de las formas, con calidad estética y estructural. La apertura contó con la participación de la escritora Lina de Feria y de los artistas Johana Simón, el pianista Yanner Rascón, y la actuación de Yudalmis Hernández Moreno. El Ballet Nacional de Cuba, que fundaran en 1948 Alicia, Alberto y Fernando Alonso, continúa con una actividad superlativa, mostrando su particular Escuela en los cinco continentes. Se trata de un elenco vivo, actualizado e incansable. Solamente en los últimos meses realizaron una tournée por Oman y España, del 16 de septiembre al 7 de noviembre, mientras sus principales figuras los representan en cantidad de galas internacionales, y simultáneamente, actúan en Cuba. Sus actuaciones nacionales, incluyeron en 2015 los Teatros Marx, Nacional, Mella y Martí de La Habana, el Teatro Tomás Terry de Cienfuegos, el Teatro Heredia de Santiago de Cuba, y espectáculos al aire libre. Como todos los años, la primera función del año 2016, será el 1º de enero, de regreso en la Sala García Lorca del recientemente restaurado Gran Teatro de La Habana rebautizado “Alicia Alonso”, con Giselle, que repetirán hasta el 10, para continuar en su sala tradicional en febrero con La Bella Durmiente, del 6 al 14. __BD

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INTERNACIONALES | COLOMBIA

Un Mundo Para la Danza Por Mercedes Borges desde Cali

La danza es efímera, ya lo sabemos. Sin embargo, ¡seduce tanto! La danza embriaga, enamora, mueve los sentidos, abraza; a veces traiciona, pero siempre está viva. Justo en esa vitalidad, la danza puede producir sucesos que movilicen grandes públicos como lo hace en Colombia, con la Bienal Internacional de Danza de Cali, un mega evento joven que apuesta por la danza en sus más diversas expresiones Cali es una ciudad llena de danza y de gente súper atenta, que ofreció la segunda edición de la Bienal de Danza de Cali, organizada por una unión de instituciones (Ministerio de Cultura, Alcaldía de Santiago de Cali, Secretaría de Cultura y Turismo de Santiago de Cali, Proartes, Fundación Delirio Comfandi y Alianza Francesa de Cali), con dirección artística de Juan Pablo López Otero. Fueron 800 artistas, 26 compañías nacionales y 12 internacionales, reunidos para mostrar su talento en nueve días de danza, del 6 al 14 de noviembre. El encuentro inicial fue con una exposición de fotografías fabulosa, con crédito de Carlos Mario Lema, sin dudas, un cronista en imágenes de la danza colombiana y de muchas compañías internacionales que han pasado por ese país. Bajo el título de Crónicas del Cuerpo, la

retrospectiva acerca al público a bailarines, piezas emblemáticas, coreógrafos, todos atrapados en la agilidad y ternura de un lente que ha vivido para la danza. Eso se respira en esta colección que ocupa tres salones de la Casa Proartes, y que continuará abierta al público hasta el 15 de diciembre. En las tardes y en ese mismo espacio, la Programación Académica de la Bienal que lleva Ana Avila, puso sobre el tapete varios tópicos, que paralelamente a las funciones movilizaban el pensamiento y dinamizaban el propio festival, para que no se convierta en una sucesión de funciones. El espacio lo inauguraron expertas de procedencias diversas que analizaron uno de los grandes problemas que ha tenido la danza durante toda su histo-

Adrien M. Claire B. Foto . Romain Etienne

Incolballet Foto . Aymer Alvarez

ria: la documentación y la memoria. Con la guía moderadora de Ana Carolina Ávila, una de las coordinadoras del Congreso de Investigación en Danza de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, se hicieron visibles tres experiencias diferentes pero con puntos comunes. La primera, procedente de México y de la mano de Elizabeth Cámara, directora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza José Limón, institución de larga experiencia y amplio catálogo de publicaciones; la segunda fue presentada por la investigadora colombiana, Nubia Flores, quien mostró el trabajo de un grupo de colaboradores con el Potro Azul, Red de Entidades Documentales de Danza, que intenta activar la memoria desde una experiencia sensible para contar historias no contadas; la tercera llegó de la mano de Mónica Torres con el Centro de Documentación de la Danza para Cali, un proyecto en construcción que ambiciona conformar los fondos para conservar la memoria de la Bienal, además de realizar acciones como la formación de públicos y el proyecto “Así Bailo Yo”, una iniciativa que recopiló más de mil quinientas fotografías de las que participó la gente de la ciudad y que quisieron compartir sus archivos privados y hacerlos públicos. Todo ello con la colaboración de entidades como la Fundación Carvajal y la Red de Bibliotecas Públicas de Cali. Estos proyectos demostraron que siempre, donde nace un movimiento de danza, alguien se convierte en un guardián de la memoria. 56 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

La agenda de funciones que mostró Cali puso sobre el escenario propuestas extranjeras y nacionales con buen balance en su calidad. Frente a espectáculos más habituales como el Elenco Nacional de Folklore del Perú, la Compañía Periferia de Cartagena, o Incolballet de Cali, aparecieron propuestas experimentales como Rite of Spring / Extended de los daneses Granhø Dans, un colectivo que juega con la obstrucción del movimiento, o el espectáculo Hakanai de los franceses Adrien M. / Claire B., la gran atracción del programa que mostró las tantas posibilidades que ha ido descubriendo la danza en las nuevas tecnologías. La propuesta Calle de la Danza llevó al escenario ubicado en el Boulevar del Río un grupo de compañías con gran impacto popular, área ésta que no debe ni puede ser descuidada por la Bienal de Cali, que sigue apostando por llevar la danza a grandes públicos. En paralelo, la programación gratuita ofreció talleres, clases maestras, presentaciones de libros, debates y conferencias, que completaron un programa envidiable para cualquier ciudad que ame la danza en sus más diversas expresiones. Sin embargo, la Bienal de Cali puede todavía ajustar algunos resortes que harían más distinguida su propuesta. Con el público fabuloso que tiene la ciudad, programar más de una función para algunos espectáculos sería un elemento a tener en cuenta. En el área académica todavía se pueden cautivar otras audiencias, con conferencias demostrativas donde los interesados puedan descubrir las interioridades y la historia de la danza, con

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INTERNACIONALES | COLOMBIA

Un Mundo Para la Danza Por Mercedes Borges desde Cali

Adrien M. Claire B. Foto . Romain Etienne

Incolballet Foto . Aymer Alvarez

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DR. MARCELO GHIOLDI SALUD EN LAS ARTES ESCÉNICAS Médico consultor del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón

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recursos que les permita disfrutarla más. Aunque para muchos, algunos precios elevados de las entradas resultaba un obstáculo para el acceso masivo a las funciones, la Bienal ha seguido apostando por una programación gratuita que no deja de ser bien interesante. Aplausos aparte merece la muestra colombiana, que aún con algunos puntos deslucidos, mostró un panorama bastante completo para quienes se acercan por primera vez a un país donde

Colectivo Periferia Foto . Leonardo Mercado

el amor por la danza tiene proporciones inmensas. Cuidar ese amor y hacerlo crecer fuerte, debe ser una prioridad para los organizadores y también para las autoridades de una ciudad que respira movimiento por todas partes. __BD

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El mes pasado se lanzó Flesh and Bone, una nueva serie televisiva, que también puede verse en internet, que describe el universo del ballet, desde una mirada algo sombría Creada en Estados Unidos por Moira Walley-Beckett (también en la producción junto a Lawrence Bender, Kevin Brown y John Melfi), cuenta con coreografía de Ethan Stiefel quien además es el consultor de la narración y fue dirigida por David Michôd, Joshua Marston, Nelson McCormick y Stefan Schwartz. La serie se lanzó con una primera temporada integrada por diez episodios, centrados en la historia de Claire Robbins (Sarah Hay), una talentosa bailarina (con algunos problemas emocionales) que se une a una prestigiosa compañía de ballet en Nueva York. Allí se encontrará inmersa en un “mundo difícil y feroz” del ballet profesional, según la mirada de los creadores. Los otros personajes son Bryan (Josh Helman), un joven que acaba de regresar a casa después de combatir en el extranjero (con un estado post traumático), Romeo (Damon Herriman), un indigente que vive en el techo de su edificio y Paul Grayson (Ben Daniels), el volátil (bipolar) pero brillante director artístico de la compañía, entre otros. Los baila-

Sarah Hay como Claire, protagonista de la serie Carne y Hueso Foto . Patrick Harbron

rines profesionales que participan en la serie son Sascha Radetsky (American Ballet Theatre), Raychel Diane Weiner (Ballet Arizona), Emily Tyra (Boardwalk Empire) e Irina Dvorovenko (ex American Ballet Theatre). Con ciertas semejanzas con la película Cisne Negro dirigida por Darren Aronofsky, al menos en el tráiler de lanzamiento que resulta espeluznante, Claire deberá enfrentarse a las artimañas de Grayson que le tenderá trampas en su camino al éxito. Los creadores de la serie, aseguran que pretenden contar este universo de una manera realista, y como no podía ser de otra forma, ya antes del estreno oficial y como fue con el largometraje, muchas figuras de la danza clásica han expresado sus quejas y reclamos al no verse reflejados en los estereotipos que muestra esta ficción. __BD

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Por Fátima Nollén desde Londres

Carlos Acosta se Despidió del Ballet Clásico

INTERNACIONALES | REINO UNIDO

Ya lo había anunciado durante el Festival Hay de Literatura 2014, en Inglaterra. El bailarín cubano Carlos Acosta conﬁrmó entonces que esta temporada 2015-2016 sería su última en el ballet clásico y como bailarín principal del Royal Ballet. Artista multifacético y multitalentoso, presentaba entonces su segundo libro: Pig’ s Foot (pie de cerdo) En esa oportunidad, el año pasado, Acosta dijo al diario The Telegraph que “su cuerpo después de haber cumplido 40 años estaba ya muy dolorido y que necesitaba reducir sus exigencias”. En otra ocasión reveló su intención de desarrollar su propia compañía de Danza Contemporánea en Cuba cuyos atisbos ya han sido vistos en el Sadlers Wells (Tocororo) y en la Royal Opera House (Cubanía) previamente. Así, Acosta, comenzaba su despedida, que en el escenario se tradujo en la puesta en escena del ballet Carmen, entre octubre y noviembre, una obra que atrajo siempre a coreógrafos y público por igual. Aspectos conceptuales y técnicos Carmen es la segunda producción del cubano para el Royal Ballet, luego del exitosísimo Don Quijote de 2013. Es evidente que la Royal Opera House le permitió a Acosta usar todos sus recursos artísticos (orquesta, coro operístico, guitarras flamencas, tambores cubanos, un tenor y una mezzosoprano) y cuanto recurso técnico este teatro tiene a disposición, para su obra de una hora de duración, que se presentó al público inglés como culminación de un programa mixto. De alguna manera, esta casa, debía agradecerle 17 años de salas llenas, al bailarín que muchos consideran uno de los mayores exponentes de la danza masculina de las últimas dos décadas. Carismático, virtuoso, de gran técnica y generoso con sus partenaires, Acosta, atrajo a miles de fanáticos de la danza a cada espectáculo en el que intervino, con un repertorio amplísimo en variedad y riqueza histórico-

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coreográfica. De Petipa, a Balanchine y Christopher Wheeldon, pasando por Ashton, MacMillan y Liam Scarlett, el bailarín hizo un éxito de todo. Y ese seguimiento tiene traducción en la taquilla. Para esta Carmen, Acosta usó la conocida música de Georges Bizet, reorquestada por Martin Yates que jugó con un criss-cross rítmico, pero en el que la música continuó siendo reconocible (si bien agregó castañuelas, guitarras y percusión). También hizo traducir al español la letra de arias tales como Toreador, aunque a veces el largo de las palabras en español superara al de la música, como en el caso de la frase “...y las cartas despiadadas repetirán: muerte”. Su Carmen no se desarrolla en la fábrica de cigarros, ni en un mercado. Ni tampoco puede establecerse un tiempo o época en el que tiene lugar la historia. La escenografía y diseños de Tim Hatley con un gran círculo iluminado en el fondo, en donde el destino, con cuernos de toro está siempre presente, ciertamente reconoce la influencia de la Suite de Carmen de su compatriota Alberto Alonso (creada en 1967 para Maya Plisetskaya) por su forma redonda como la plaza de toros, y que es más popular en Argentina que las versiones de Roland Petit (1949) o John Cranko (1971), si se quiere usarlo como referencia. En sí, el vestuario contemporáneo favorece jeans, fardas, camisas, encajes sugestivos y viste al cuerpo de baile femenino para la escena de la taberna con el típico atuendo masculino de un bailaor, que revelará luego corpiños de encaje para un juego con sillas rodantes. Antes, un strip-tease a lo chippendales deja a los ocho bailarines semidesnudos y a Carmen, posteriormente, en lingerie. La iluminación de Peter Mumford creó atmósferas por turnos de algarabía, de trama criminal o de sensualidad, aunque en general abunda un concepto oscuro. El estreno Pero, vamos a la danza.

La noche del estreno mundial, el 26 de octubre, al que Balletin Dance fue especialmente invitada, Carlos Acosta asumió el papel de Don José (en sucesivas funciones alternaría con Escamillo) y eligió a la argentina Marianela Nuñez, amiga y compañera del Royal, para crear su Carmen. Desde el comienzo, el coreógrafo establece qué tipo de mujer es Carmen: según sus palabras, “una comehombres”, proponiendo una danza con ocho bailarines que quieren su atención. Demás está decir que Nuñez es capaz de transformar cualquier coreografía en una obra magistral de danza y actuación. Su aplomo, convicción y depurada técnica dieron base al personaje conflictivo, seductor y liberal de esta mujer que se deja llevar por sus instintos y emociones. Nuñez creó una Carmen sin escrúpulos

y persuasiva. Bella en líneas, giros y saltos. Su participación fue impecable y zalerosa. Dramática y sexy, desde los pliés en segunda en puntas hasta los apasionados besos a su conquista de turno, y osados ademanes de provocación y placer. Sin embargo, cuando el trabajo era sin puntas, o de planta en el suelo, ciertos movimientos parecían incómodos o faltos de definición coreográfica. Da la impresión que la coreografía, con exceso de uso del piso, en un lenguaje mixto con mucho de contemporáneo, y con ángulos y poses que definitivamente no son los favoritos de un bailarín clásico, como el propio creador

Carmen y Escamillo, Nuñez y Bonelli, talento y pasión Foto . ROH | Tristram Kenton

reconoce en el programa de mano, no resultó suficientemente sólida en general. Y por momentos pecó por exceso de uso de elementos. El pas de deux de Carmen y Don José es una muestra de ello. El uso de cadenas y barras invocando una prisión, es más un juego de caminadas y enredos que una secuencia pura de danza. Sin CLASES REGULARES | TALLERES | SEMINARIOS DANZA AFRO Rotación bimestral por cada técnica: • Afrocontemporánea • Africana • Afrocolombiana • Afrocubana

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Por Fátima Nollén desde Londres

Carlos Acosta se Despidió del Ballet Clásico

INTERNACIONALES | REINO UNIDO

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Carmen y Escamillo, Nuñez y Bonelli, talento y pasión Foto . ROH | Tristram Kenton

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Marianela Nuñez y Carlos Acosta, en un complicado pas de deux, con chispas sorpresivas de humor Foto . ROH | Tristram Kenton

El cuerpo de baile del Royal Ballet nunca decepciona. Aportó solidez técnica y ambiente, ejecutando las varias escenas de conjunto con toques flamencos y por momentos con cuadros casi cinematográficos, aunque de a ratos su presencia resultara excesiva. Carlos Acosta explica, también por escrito, que quería hacer algo único para el Royal Ballet, que permitiera al ensemble mostrar aspectos inéditos de su arte y por ello combinó estilos diferentes, incluidas danzas cubanas, que son parte de su ser, y el flamenco. Como final, el gran círculo cuya iluminación fue cambiando del rojo al naranja y los azules para los distintos sucesos, desciende, nuevamente rojo sangre, hacia el escenario, rodeando a Carmen muerta y revelando un campo de flores rojas de gran efecto. El Destino, se la lleva en brazos. El público respondió con un sostenido y caluroso aplauso mientras que una montaña de flores fue depositada a los pies de Marianela Nuñez.

embargo, es ingenioso debido al final inteligente en que el pobre Don José termina encadenado y Carmen libre. Aunque sea difícil de poder repetirse independientemente de la obra completa. Así y todo, tuvo chispas sorpresivas de humor, bienvenidas por el público. Por su parte, Acosta lució un tanto cansado en el estreno. Crear, dirigir y bailar al mismo tiempo pasaron la factura. Su Don José es un personaje meditabundo, torturado, sufriente, que cae bajo en la vida, víctima de la seducción de Carmen. Como contracara, se puede pensar que tal vez Acosta se haya lucido más en las funciones en las que hizo de torero, personaje ganador, que definitivamente combina mejor con su personalidad. ESTUDIO DE DANZAS

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Mucho más feliz es el pas de deux de Carmen con Escamillo, el torero, interpretado con gran desparpajo escénico y fina técnica por el italiano Federico Bonelli. Aquí la danza fluyó más pura y ofreció bellas formas coreográficas, luciéndose, Nuñez y Bonelli, con real talento y pasión, y dejando en claro el por qué del drama de celos y traición de esta novela original de Prospére Merimée. Otro momento a resaltar es el breve dúo del Destino (Matthew Golding) y Carmen, en el que los largos cuernos actúan como brazos rodeando a la protagonista en poses de impacto visual, recordándole la cercanía de la muerte. Por lo demás, el Destino fue relegado a una mera figura presencial.

De cara al futuro Carmen es en sí un espectáculo rico, vistoso, seguramente caro y claramente ambicioso. Acosta ciertamente consiguió darle un aspecto moderno y romper con las formas, como era su intención. Pero, ¿va a ser llevado a escena nuevamente? ¿Se convertirá en un clásico del repertorio del Royal Ballet o de otra gran compañía? ¿O quedará así como una despedida? Sin lugar a dudas, y como con muchos ballets, hay espacio para ser repensado y modificado. Sólo el tiempo actuará de juez. La despedida del gran Carlos Acosta incluyó también la aparición en noviembre de un libro que recoge 150 fotos de sus 17 años de carrera con el Royal Ballet desde 1998 hasta hoy, y una gala en el London Coliseum este mes de diciembre, con grandes estrellas incluidos varios compañeros del Royal. Y en enero, en el intimista Linbury Studio Theatre actuará por última vez con Zenaida Yanowsky. Consejo Final En su última función, Acosta agradeció los veinte minutos de ovación y a “sus” bailarinas Marianela Nuñez y Tamara Rojo (hoy directora del English National Ballet) entre otras. Cerró con un consejo para las nuevas generaciones de bailarines: “permítanse cometer errores; nada es correcto o incorrecto; el fracaso no existe porque la vida es un proceso de aprendizaje. Sean curiosos y disfruten, porque en un abrir y cerrar de ojos verán que pasaron 70 años”. Su ausencia de la escena clásica se hará sentir, pero hay claras señales de que con su increíble deseo de comunicar arte se hará presente de muchas otras formas, durante mucho tiempo más. __BD

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INTERNACIONALES | RUSIA

balletin informativo

Será el nuevo director del Ballet del Teatro Bolshoi de Moscú

La Compañía 360, con sede en la ciudad de Buenos Aires, convoca a bailarines profesionales varones con técnica clásica, contemporánea y tango para incorporarse a su elenco. Se requiere disponibilidad para ensayos los martes y jueves de 13 a 16:30 hs, a partir del 2 de febrero de 2016. Los interesados deben enviar Cv, fotos y/o video a: cia360danza@gmail.com. Suiza. El Ballett Zürich que dirige Christian Spuck contratará un maestro/a para su temporada 2016/17. Sus tareas contemplan el dictado de la clase diaria a los bailarines de la compañía, encabezar ensayos de obras de repertorio, asistir a coreógrafos en el montaje de nuevas creaciones, colaborar cercanamente con el quipo directivo, y realizar las giras con el elenco. Los postulantes deberán tener experiencia en cargos similares, con destacada trayectoria en el mundo del ballet, el neoclásico y la danza contemporánea y excelente capacidad de comunicación. El repertorio de la compañía incluye obras de George Balanchine, Patrice Bart, Edward Clug, Mats Ek, William Forsythe, Marco Goecke, Jiří Kylián, Douglas Lee, Sol León, Paul Lightfoot, Wayne McGregor, Ohad Naharin, Alexei Ratmansky, Martin Schläpfer, Christian Spuck y Hans van Manen. Los interesados deben enviar sus antecedentes, a: balletmaster-application@opernhaus.ch. Mundo. El Cirque du Soleil convoca a bailarines que deseen ser considerados para un papel en particular, o para participar en una audición. Los interesados deben ser mayores de 18 años, profesionales con sólida experiencia escénica, técnica básica en una amplia gama de estilos, talento para improvisar y excelente condición física. Para ser analizado, deben cargar sus datos en internet, junto a una demostración en video. www.cirquedusoleil.com/es/jobs/casting/home.aspx. Alemania. El Thüringer Staatsballett que dirige Silvana Schröder, busca un bailarín varón, con excelentes técnicas clásica y contemporánea, para la temporada 2016 / 2017. Los interesados en participar de una audición que se realizará en el Teatro Gera deben enviar una solicitud, con Cv y foto (retrato y cuerpo entero) antes del 31 de enero de 2016, a: karin.schneider@tpthueringen.de. Informes: www.tpthueringen.de. Alemania. El Ballett Theater Pforzheim dirigido por Guido Markowitz seleccionará bailarines/as profesionales para la temporada 2016/ 2017, con sólida técnica clásica, conocimientos de contemporáneo y capacidad para improvisar, y experiencia profesional (preferen-

Makhar Vaziev regresa a Rusia

Poco antes de celebrarse Ave Maya, una gala conmemorativa por el 90º aniversario de Maya Plisetskaya en el Teatro Bolshoi de Moscú, con organización de Andris Liepa (tal como la genial bailarina la soñó), se dio a conocer públicamente que Makhar Vaziev se incorpora a la dirección del ballet, a partir de marzo de 2016. Para ello, abandona la conducción del cuerpo de baile del Teatro Alla Scala de Milán en Italia, que conservó los últimos siete años. Su decisión ocasionó grandes repercusiones en Italia, pues si bien su nombre se había analizado para continuar a Sergei Filin (quien había recibido un ataque con ácido en su cara que lo dejó casi ciego), había quedado descartado el 3 de septiembre de este año, cuando firmó la renovación de su cargo hasta julio de 2018. Vaziev dirigió el Ballet del Teatro Mariinsky durante trece años, en aquella época estuvo en Buenos Aires en las inolvidables actuaciones que aquel elenco completo, realizó en el Teatro Colón

Vaziev regresa a Rusia Foto . gentileza de prensa

y en el Luna Park, junto a la orquesta dirigida por el argentino Gustavo Plis Sterenberg. La Scala emitió un comunicado que indicaba que se había enterado de la partida del ruso, por la información publicada por el Bolshoi… y se ratificó que se mantendrán todos los títulos anunciados para esta temporada. Ahora la danza de nombres desfilan para asumir la dirección del primer coliseo italiano, entre ellos se mencionaron el suizo Heinz Spoerli y tres estrellas de la casa: Alessandra Ferri, Massimo Murro y Roberto Bolle. __BD

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66 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2015

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temente). La audición será únicamente por invitación en la sede del ballet, en enero. Para postularse, deben enviar Cv con fotos, antes del 1º de enero, a: ballett.theater@stadt-pforzheim.de. Alemania. El Theater Kiel dirigido por Yaroslav Ivanenko busca una bailarina profesional como suplente de una licencia por maternidad a partir de agosto de 2016. Además busca un bailarín varón profesional, con una altura mínima de 1.80 m, para incorporarse en la temporada 2016/17. Se requiere solvencia en técnicas clásica y contemporánea, y habilidad para improvisar. Los interesados deben preparar una variación clásica y otra contemporánea, y enviar Cv, con fotos a: audition@ ballett.theater-kiel.de (mujeres antes del 15 de diciembre, varones hasta el 5 de enero). Aquellos seleccionados recibirán un mail de invitación. Alemania. El Anhaltisches Theater Dessau que dirige Tomasz Kajdanski seleccionará bailarines/as de alto nivel en ambas técnicas (clásica y contemporánea), para su próxima temporada 2016/2017. Los interesados en participar de la audición el 31 de enero de 2016, deben enviar, Cv con foto, a: auditiondessau@yahoo.de. Informes: Anhaltisches Theater Dessau, Personalabteilung, Friedensplatz 1ª, 06844, Dessau-Roßlau. Alemania. La Dance Company Theater Osnabrück dirigida por Mauro de Candia busca bailarines/as experimentados, con dominio de técnicas clásica y contemporánea, para su temporada 2016/2017. Las solicitudes para audicionar deben contener Cv, fotos y links a videos en internet con breves secuencias coreográficas, y debe ser enviado antes del 12 de diciembre, a: dancecompany@theater.osnabrueck.de. Info: www.theater-osnabrueck.de. Alemania. El Ballett Augsburg con un repertorio neoclásico/contemporáneo internacional, busca bailarines de una altura mínima de 1,62 (ellas) y 1,78 (ellos) para incorporarse en la próxima temporada. Los interesados deben enviar Cv con fotos (no videos) a: ballettassistenz.theater@augsburg.de. Informes: www.theater-augsburg.de. Alemania. El TanzTheaterMünster dirigido por Hans Henning Paar, seleccionará bailarines/as para la temporada 2016/2017, de una altura mínima de 1.60 m (ellas) y 1.70 m (ellos), con excelente técnicas clásica y contemporánea, y experiencia escénica. La audición será solamente por invitación en su sede, el 31 de enero de 2016. Los interesados deben enviar sus postulaciones (Cv y foto) antes del 15 de enero, a: tanztheater@stadt-muenster.de. Informes: www.theater-muenster.com.

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balletin informativo

balletin informativo Alemania. El NRW Juniorballett y el Ballett Dortmund dirigidos por Xin Peng Wang seleccionará solistas (una mujer y un varón) para la compañía principal y 10 jóvenes bailarines/as de 18 a 21 años para la compañía junior. Los interesados en ser invitados para audicionar deben enviar Cv y fotos a: ballettdortmund@theaterdo.de. Informes: www.theaterdo.de, www.nrw-juniorballett.de. Bélgica. El Royal Ballet de Flanders que dirigen Sidi Larbi Cherkaoui y Tamas Moricz, seleccionará tres bailarinas de cuerpo de baile, con excelente técnica clásica (buen trabajo de puntas), dos años de experiencia profesional, ciudadanía europea y seguro de salud, mayores de 18 años, de 1.62 a 1.70 m de altura. El contrato es para participar en La Bella Durmiente de Marcia Haydée, del 22 de febrero al 18 de abril de 2016, con actuaciones en el Stadsschouwburg en Amberes y la Opera Gante. La inscripción cierra el 15 de diciembre de 2015. Las interesadas deben enviar Cv con fotos (retrato y cuerpo entero -una frontal y otra en attitude o arabesque-) y un enlace a un video en internet de una variación clásica en puntas. La audición será solamente por invitación, en la sede del elenco. Informes: balletaudities@operaballet.be. España. El Ballet Victor Ullate, seleccionará solistas de ballet (dos mujeres y dos varones), mayores de 20 años en una audición el 9 de enero de 2016, en los Teatros del Canal (Madrid). Los interesados en participar deben enviar Cv, video y foto antes del 31 de diciembre, a: info@victorullateballet.com. Informes: www.victorullateballet.com. Francia. El Ballet Nacional de Marsella dirigido por Emio Greco y Pieter Scholten, realizará audiciones privadas, para incorporar bailarines/as profesionales con técnica clásica excelente (puntas para mujeres), danza contemporánea, fuerte personalidad y capacidad para improvisar, a partir de agosto de 2016. Las audiciones comenzarán en enero y quienes deseen ser considerados, deben enviar Cv y foto a: audition@ballet-de-marseille.com. Noruega. El Ballet Nacional de Noruega, que dirige Ingrid Lorentzen contratará bailarines/as de sólida técnica clásica, para su próxima temporada 2016/2017 en Oslo (sólo por invitación). El repertorio de NNB contempla a los grandes clásicos, y coreografías de Balanchine, Duato, Elo, Ekman, Forsythe, Kylián, León y Lightfoot, Strømgren, Spuck, Tetley y Wheeldon. La inscripción se realiza on-line, incluyendo Cv, retrato, foto de cuerpo entero y enlaces a video, hasta el 11 de diciembre, en: www. operaen.no. Las audiciones serán entre el 18 y el 25 de enero de 2016.

República Checa. El Ballet del National Theatre Brno dirigido por Mário Radačovský, seleccionará solistas y cuerpo de baile, mujeres y varones con experiencia profesional, de sólidas técnicas clásica y contemporánea, para la temporada 2016/2017. Los interesados en ser invitados para audicionar (el 6 de febrero), deben enviar Cv con fotos (retrato y cuerpo entero), antes del 22 de enero, a: ndbaudition@gmail.com. Suiza. La Tanzcompagnie Konzert Teatro Berna seleccionará bailarines/as fijos, invitados y aprendices para la temporada 2016-17, con experiencia profesional de tres años como mínimo (excepto los aprendices), sólida formación (ballet y contemporáneo), habilidades teatrales y amplia experiencia en la improvisación. La altura mínima para los hombres es de 1.75 m. Los interesados deben enviar, antes del 16 de enero de 2016, Cv en inglés, retrato, foto de danza, link a video y datos personales (edad, nacionalidad, altura y peso), a: tanz@konzerttheaterbern.ch. Informes: www.konzerttheaterbern.ch/tanz. Suiza. La Cinevox Junior Company, se propone como un proyecto anual educativo de traspaso al mundo profesional, destinado a jóvenes bailarines con fuerte formación en danzas clásica y contemporánea, de 18 a 22 años. El contrato comienza el 1º de septiembre de 2016 y la audición será en Neuhausen, el 23 de enero de 2016, sólo por invitación. Los interesados en ser admitidos, deben enviar Cv, con fotos, antes del 18 de enero, a: cinevox@artco.ch. Suiza. El Ballet del Theater St.Gallen dirigido por Beate Vollack, busca bailarinas/es con base clásica, musicalidad y apertura a nuevos estilos y géneros coreográficos, con experiencia profesional, para incorporarse al elenco a partir de agosto de 2016. Los interesados en participar de la audición el 17 de enero, deben escribir a la oficina de operaciones del Teatro de St.Gallen antes del 20 de diciembre de 2015, detallando Cv (en forma de tabla con educación, experiencia laboral, producciones), datos personales (edad, altura, nacionalidad e idiomas) y fotos actuales (retrato y cuerpo entero de baile), a: kbb@theatersg.ch. Turquía. Arte Event Group seleccionará bailarines (ballet, neoclásico, contemporáneo, moderno, dance theater y jazz) de 20 a 30 años, de 1.68 m a 1.85 m. Se ofrece contrato de siete meses en Antalya, Turquía, para realizar un show por noche entre marzo y octubre de 2016, con un sueldo mensual de 600 a 1000 euros, permiso de trabajo, pasajes aéreos de ida y vuelta, hospedaje en hotel y seguro de salud. Los interesados deben enviar sus postulaciones, antes del 10 de febrero de 2016, a: hrartevent@gmail.com.

Concursos Certamen Nacional de Danza Julio Bocca 2016. 7º edición. Organiza: Consejo Argentino de la Danza. Dos modalidades: danza clásica (de 15 a 18 años) y danza contemporánea (17 a 20 mujeres y 17 a 21 varones). Destinado a estudiantes avanzados de danza (no profesionales) argentinos nativos o nacionalizados. Preselección de marzo a mayo de 2016 en distintas regiones de la Argentina. A través de video del 27 de junio al 1º de julio. Bases y cronograma de ciudades, actualizadas en internet: www.consejoargentinodeladanza.com. Informes: consejoargentinodeladanza@gmail.com.

Inscripciones

Del 22 de febrero al 25 de marzo, se realizará el segundo tramo de inscripción para estudiar en la Escuela de Danzas Tradicionales Argentinas José Hernández (EDTA) de La Plata, dependiente de la Dirección General de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires. La oferta educativa contempla las carreras de Profesorado de Danza con Orientación en Danzas Folklóricas, Tecnicatura en Danzas Folklóricas y Tecnicatura Superior en Interpretación y Coreografía de Tango. Títulos con validez nacional. Enseñanza gratuita. Sede Institucional Calle 17 N° 434 (40 y 41) La Plata. Tel: 0221-4242940.

Encuentros y Festivales Panamá. Prisma Danza 2015: Festival Internacional de Danza Contemporánea. 5º edición. Organiza: Fundación Prisma, Analida Galindo, Ximena Eleta de Sierra y José Alexander Morales Carvajal. Del 10 al 16 de octubre de 2016, ciudad de Panamá. Las compañías, grupos de baile y bailarines independientes interesados en participar, deberán enviar sus propuestas artísticas para salas convencionales, y espacios alternativos, de 20 a 60 minutos de duración, antes del 31 de diciembre de 2015 (link a video en internet, reseña, ficha técnica, Cv, fotos, propuesta de taller). Solamente se evaluarán las primeras quinientas propuestas recibidas. Además: Programa Pedagógico de talleres y clases maestras gratuitas, y un espacio de reflexión, Laboratorio del Espectador, con talleres, mesas redondas, conversatorios, proyecciones de danza/videodanza y un “blog” colectivo. Envío de información: festival.prisma@gmail.com. El Festival cubrirá honorarios profesionales, hospedaje, viáticos (no cubre pasajes aéreos). Informes en internet: www.festivalprisma.com.

Cuba. Habana Vieja: Ciudad en Movimiento. XXI Encuentro Internacional de Danza en Paisajes Urbanos. Organiza: Compañía Danza-Teatro Retazos, Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana, Centro de Teatro de La Habana, Ministerio de Cultura. Del 6 al 10 de abril de 2016. Encuentros, exposiciones, conferencias, pasacalles, clases magistrales, espectáculos y talleres. Inscripción, hasta el 12 de marzo de 2016. Informes: Eugenio Chávez Pérez (coordinador), E-mail: eugenio@bellasartes.co.cu. Cuba. Encuentro de Academias de Ballet en La Habana, Concurso Internacional de Interpretación y Concurso Coreográfico Internacional. Organiza: Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso. Dirección: Ramona de Saá. Del 19 de marzo al 2 de abril de 2016. Galas, clases magistrales teóricas y prácticas (ballet, punta, repertorio, composición, coreografía, danzas de salón, preparación física, dúo clásico y teatro infantil), talleres (técnica de la danza, actuación, danzas folklóricas populares y afrocubanas, danzas españolas, maquillaje y preparación física), conferencias e intercambios con instituciones culturales. Informes: Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso (Prado e/ Colón y Trocadero, La Habana Vieja, Cuba), Tel: (+53) 7861-6629. También a través del email: eventoscneart@gmail.com.

Festivales/muestras de fin de año Koi Ballet. Dirige: Carina Odisio. El Cascanueces. Con Carla Vincelli, Franco Cadelago, Donatella Nano, Lucas Morganti y elenco. Sábado 5, Auditorio Fundación Astengo, Rosario, Santa Fe. Estudio Margarita Fernández. Dirige: Margarita Fernández. Andanzas 2015. Lunes 21, a las 20:30 hs, Teatro del Globo: Marcelo T. de Alvear 1155. Bailahora. Dirige: Mirta Alonso. IV Muestra de Alumnos. Jueves 17, 20:30 hs. Teatro Empire: Hipólito Yrigoyen 1934. Pei Mei. Festival de Coreógrafos. Participan: uQbar, Siendo Compañía, Pei Mei Compañía, CEM, Pucara, Una Constante y otros. Jueves 10, 20:45 hs. Teatro Metropolitan Citi: Av. Corrientes 1343. Centro Creativo de Danza L’Atelier. Dirige: Pamela Lenzu. Abracadabra, basado en La Escuela de las Hadas de Conrado Nale Roxlo. Viernes 18, 21 hs. Teatro Rossini: Mitre 225, Bahía Blanca, Buenos Aires.

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