BALLETIN DANCE 250

ENTREVISTAS Isa Soares Susana Tambutti José Zartmann

BFN En Cosquín

CNDC Isolda Isolda México 564

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L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 22 . Nº 250. Enero-Febrero 2016 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

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Nota de Tapa 4 La Danza Ministerial 10 Ejemplo Para Todos

S TAFF

Actualidad 14 Poner el Cuerpo a la Calle 16 Completa Propuesta 18 El Musical no Descansa 24 Sana Competencia 56 Unión Latinoamericana 57 Herramientas en Internet

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

Provincias 22 Misiones. En Crecimiento 61 Salta. Creación de la Escuela Oficial

escriben en este número Nahuel Aguirre Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Toni Más Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman En la redacción Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges Bartutis (Cuba) Rosa Carmen Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Folklore 30 Gran Homenaje al Coronel Brandsen 31 Recuerdo

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

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La Compañía Nacional de Danza Contemporánea en Isolda Isolda Foto: Ramiro Peri

Foto Comentario 32 Danzar por la Paz

Internet 59 ¡Disfrutalo!

Comentarios 36 Historias con la Barra 38 De no Llegar al Vuelo 44 De Continuo: lo Último del BCTSM

Internacionales 60 Chile. El Ballet Nacional Chileno de cumpleaños 61 Ecuador. Investigación en Danza Moderna 62 Uruguay. Posicionamiento Latinoamericano 65 España. XX Festival Flamenco de Jerez

Entrevistas 40 José Zartmann 48 Isa Soares 52 Susana Tambutti

en Cartel 29/47

In Memoriam 54 Patricia Stokoe Argentinos en el exterior 58 Estados Unidos. Carmen de Buenos Aires

Balletin informativo 66/67/68/69/70 Audiciones, ayudas financieras, concursos, convocatorias, festivales y congresos, residencias, puntos de venta

Sumario Enero-Febrero 2016 Año 22 Nº 250

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nota de tapa por Agustina Llumรก

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La Danza Ministerial A partir de este mes, la danza ocupa un lugar institucional en el reciente Ministerio de Cultura de la Nación. Además, los nuevos funcionarios anunciaron cambios en las direcciones de los elencos de danza

El 10 de diciembre asumió en la Argentina un nuevo gobierno, surgido de la voluntad popular. Luego de un ballotage, casi la mitad de los argentinos eligió a Mauricio Macri como presidente. Por primera vez, el mismo partido político (el Pro de Macri en alianza con otras fuerzas, bajo el nombre Cambiemos) asume la conducción de la Nación, la Ciudad y la Provincia de Buenos Aires. Al cierre de la presente edición de Balletin Dance, quedaban aún varios nombres y estructuras sin definir, pues muchos fueron los cambios anunciados en el organigrama nacional.

En el Ministerio de Cultura de la Nación, algunas secretarías se fusionaron, desaparecieron subsecretarias y se crearon nuevas direcciones y coordinaciones. El nuevo mapa cultural se dio a conocer el 21 de diciembre en una conferencia de prensa liderara por el nuevo ministro, Pablo Avelluto (ver recuadro). La danza, a través de un área con presupuesto propio (como lo tiene desde el año 2013), ocupará por primera vez un lugar institucional en este organigrama. Su responsable: Mariela Queraltó.

“Yo siempre fui… de uso y costumbre, quien coordinaba danza”, dice a Balletin Dance poco antes de asumir al

La CNDC en Isolda Isolda, que se repone en febrero en el Centro Nacional de Música y Danza Foto . Ramiro Perri

Con una organización más horizontal, la compañía derivó hacia una cosa más experimental Foto . Ramiro Peri

cargo, la funcionaria que acaba de recibir de manos de Teresa Parodi (la ministra saliente) la medalla en reconocimiento a los 30 años de servicio en la cartera de cultura.

En medio de la despedida de los cuerpos artísticos, a última hora del viernes 18 de diciembre, Balletin Dance se reunió en el Centro Nacional de Música y Danza de la calle México del barrio de San Telmo (ex Biblioteca Nacional), con la flamante Coordinadora de Danza de la Nación. Mariela Queraltó tendrá a su cargo dos funciones en el Ministerio: la nueva coordinación de los cuerpos artísticos de danza (Ballet Folklórico Nacional y Compañía Nacional de Danza Contemporánea) y por otro lado, el área danza de todo el país.

“Ayer tuvimos un primer acercamiento formal a los organismos, con Omara Barra que va a ocupar el anterior cargo de Director Nacional de Artes, y con Débora Staiff que estaría en el lugar que ocupaba la Secretaría de Gestión Cultural. Fue una reunión súper distendida con los directores de los diez organismos que tiene el Ministerio; escucharon un pequeño resumen de cuáles son los problemas más urgentes de cada uno. Hicieron notar específicamente la diferencia entre urgente e importante, que me pareció muy criterioso de su parte”, dijo Queraltó.

Todavía quedaban muchas cuestiones por definir, cuando se hizo este artículo, con apenas una semana de asunción del actual gobierno, seguramente los próximos meses estén dedicados a establecer los nuevos lineamientos en la política cultural argentina de

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los próximos cuatro años. “Tenemos que seguir evaluando, nos viene un tiempo de mucho encuentro, de diagnóstico y de mucho trabajo. Otra vez… hace siete años que no me tomo vacaciones”, aseguró Mariela Queraltó a esta cronista. “Específicamente, se agregó la coordinación de los dos organismos de danza, para ser una vía de contacto directa, en feedback, con el futuro director de organismos artísticos [aún sin nombrar], que nos bajará los lineamientos que le interese, con cada uno de los elencos”. ÁREA DANZA Por otro lado, “todo el accionar del área danza, llamado en su momento asistencias artística, técnica y de colaboración con grupos independientes, posiblemente lo trabajemos conjuntamente con una nueva Dirección de Cooperación con el Interior, para no estar pisándonos en las acciones. Se evaluó que el ministerio, y antes la secretaría, estaba trabajando como cajitas cerradas: cada uno hacía lo suyo” y a veces duplicaban tareas.

Los nuevos funcionarios “están muy interesados en la capacitación, en la formación artística y en la creación de públicos en el interior. En mi informe señalé que para la danza contemporánea es un tema importante a desarrollar”. Por otro lado continuarán trabajando con “el doble rol, que los integrantes de los elencos también puedan ser capacitadores”, en cada ciudad en la que se presentan. Para Queraltó es primordial “el contacto directo con la gente, para conocer las carencias y los logros que tienen los estudiantes del interior. Cuando ellos vuelven, tienen que hacer una devolución de lo que vieron, qué hay que fortalecer y qué habría que seguir apoyando. Eso a mí, como responsable de direccionar estas capacitaciones, me resulta súper productivo”.

ACCIONES “Nos están pidiendo que nos acerquen proyectos, como cosas unitarias. Es decir que ya no será que una provincia llame y diga ‘quiero a fulanito o menganito’, sino que sea más organizado. Seguramente continuemos con capacitaciones anuales” (el mismo profesional viaja varias veces), con los talleres de Videodanza, “realmente este año con Ladys González, fue fantástica la tarea (ver Balletin Dance Nº 245, agosto de 2015). Vamos a proponer específicamente un estudio en la localidad de La Leonesa, en Chaco, donde chicos de comunidades de pueblos originarios (Qom) están en contacto por internet con grupos de danza de Corea. Se intercambian coreografías”.

Así, la Coordinadora instó a los lectores de esta revista, para que vayan preparando proyectos, expectantes de los detalles que se anunciarán prontamente. “Que la gente se acerque a presentar proyectos artísticos, de capacitación, proyectos puntuales. Pero que esto tampoco se convierta en que todo el mundo quede defraudado. Yo iría con cautela. En enero vamos a tener un lineamiento mas claro de qué tipo de proyectos vamos a necesitar.

Presentación del Ministerio Era un mediodía muy soleado en los jardines del Museo Nacional de Arte Decorativo, cuando Pablo Avelluto (del sector editorial) presentó a la prensa, funcionarios de cultura de todo el país (como uno de los primeros puntos su tarea será “absolutamente federal”) y embajadores (interesados en el intercambio cultural), la nueva estructura del Ministerio de Cultura de la Nación. En un encuentro muy informal, como aseguró que será la impronta que va a dar a su gestión, aseguró tener conversaciones y asesorías de quienes lo precedieron en el cargo desde 1983 (secretarios o ministros de cultura) “hombres y mujeres de consulta”, la Argentina “nos necesita a todos, con todas nuestras ideas, todos nuestros matices, con todas nuestras diferencias”.

El 21 de diciembre, anunció a su equipo, que “combina la experiencia con el talento, la innovación y la juventud”, para cumplir

Pablo Avelluto (al frente) presentó a su “equipo” de trabajo Foto . Ministerio de Cultura de la Nación

Mientras tanto, que los vayan pensando”. Para consultas pueden llamar telefónicamente al (011) 4362-4874, interno 111, supuestamente habrá más gente y en horario extendido para “poder atender a todas las consultas que se hagan”.

“Ellos quieren mucha planificación, tal vez no hay que entusiasmarnos tanto este año que comienza, en hacer mucho, mucho, mucho, sino, ir de a poco, programando y organizando”, confesó Mariela Querlató que insistirá también con la postergada creación de un Centro de Documentación de la Danza, “por lo menos de todo lo que se ha hecho desde el Ministerio”.

¿Cuál va a ser su equipo para manejar la danza de todo el país?

“Esa es una gran incógnita. Obviamente voy a tener que formar un equipo y tener una computadora más. Se está realizando un reordenamiento de la gente del Ministerio. Voy a necesitar gente de producción y administración. Tengo a María Laura Escobar y a Pablo Donadío que hicieron un trabajo invalorable de prensa para la Compañía Nacional de Danza Contemporánea (CNDC) el año pasado”. Las directivas hasta ahora han sido

con esta “tarea fascinante”, afirmó. Serán tres Secretarías de Estado en su cartera: Enrique Avogadro (Cultura y Creatividad), Américo Castilla (Patrimonio Cultural) e Iván Petrela (Cooperación Cultural). “Ellos tres son la columna vertebral de un equipo más extenso”, dijo el ministro. También anunció entre otros, a Débora Staiff como Subsecretaria de Cultura Ciudadana y a Carolina Biquard, al frente del Fondo Nacional de las Artes.

Para Avogadro, los ejes centrales de su gestión serán “la agenda vinculada a la promoción cultural”, con el foco puesto en la “planificación para cada uno de los sectores dentro de las artes”, que surja del consenso con todos los actores representados, de manera potente entre el sector público y el privado.

En segundo lugar estará el eje de la cultura y la inclusión, porque “la cultura genera ciudadanía y produce derechos”, y no es solo la que produce el Estado sino la que produce la propia sociedad, en tercer lugar “la agenda de la economía creativa”, para estimular las industrias culturales y creativas en todo el país, encabezada por Andrés Gribnicow (Economía Creativa). Tendrá “un equipo de lujo” en Cultura e Inclusión se mencionó a Inés Sanguinetti, en Promoción Cultural a Omara Barra y Juan Urraco, entre otros. El Secretario anunció ese mediodía, la creación de la Dirección de Mecenazgo, a cargo de Juan Manuel Beati, dedicada específicamente a trabajar en la futura Ley, “uno de los ejes de la gestión de Pablo”.

La nueva estructura del ministerio es para Avogadro, “mucho más ágil en términos de ubicación de cada uno de los temas centrales de la agenda y en la relación de todos los organismos desconcentrados y desentralizados”.

que “no sea una gestión pegada al escritorio, sino que viajemos al interior para ver y evaluar los proyectos, personalmente”. Y en cuanto a los organismos estables, Staiff y Barra, aseguraron que los coordinadores deberán estar al igual que ellas, en los ensayos y en las funciones, “es el único modo de que entiendas cuáles son las necesidades, las problemáticas y los aciertos de cada organismo. Vivir junto a los que los integran: directores, artistas, técnicos y administrativos”, afirmó Queraltó.

Poco antes de finalizar, la funcionaria resaltó: “Quiero dejar aclarado que en cuanta gestión que pasé en estos treinta años, si algo no se hizo fue porque presupuestariamente no se pudo hacer o por alguna otra razón, pero nunca, nunca, se me dijo ‘este artista no’, o ‘esto no’. He trabajado con muchísima libertad y muchísimo respeto de las autoridades que he tenido. Acá jamás, jamás, hubo que decir esta persona no va a ser; cosa que sí

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El Ballet Folklórico nacional, en enero en el festival de Cosquín Foto . Mariano Longo

Organismos Nacionales sufrí en carne propia cuando bailaba… el mundo de la danza en muchos momentos fue, con este sí, con este no. Entonces tales personas no podían coreografiar, ni tener grupos”, pero -aclaróeran épocas no democráticas.

EJES DE LA GESTIÓN Las tres patas de mi gestión siempre fueron la pasión (que siempre me movió cuando me bajé del escenario y Susana [Zimmermann] me adelantó: ‘ahora hay que estar en el escritorio’.

Dije: voy a hacer todo lo posible por la danza de nuestro país), la responsabilidad, y tener siempre clarísimo, que cuando uno está en una administración pública, la tarea de uno es un servicio, en mi caso un servicio cultural, obviamente. Siempre hice lo máximo que se podía hacer en cada circunstancia. Ahora me queda luchar porque la danza realmente tenga un lugar importante dentro del Ministerio de Cultura”.

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El BFN comienza el año con un nuevo llamado a concurso para sus cargos directivos, por proyecto, “es más interesante un proyecto que se pueda ir desarrollando, que tomar una persona solamente en función de sus antecedentes y recién después empezar a ver qué es lo que quiere hacer”. La CNDC, se inicia con nueva dirección: “acaba de quedar elegida de una terna que presentó la compañía, por su proyecto, Margarita Fernández como directora, y por primera vez con una subdirectora que es Lorena Merlino, que está de regreso en Buenos Aires. Con lo cual operativamente, también va a tener otra dinámica”. Ambos elencos continuarán trabajando en el Centro Nacional de Música y Danza (ex Biblioteca Nacional), y en el caso de trasladarlos, será “cuando exista un lugar acorde a las necesidades de cada uno”.

El BFN está celebrando sus bodas de plata hasta julio de 2016.

Es muy solicitado y querido en todo el país. “Tiene una actividad mucho más demandante del interior que la Compañía, por eso es tan importante la creación de públicos para la danza contemporánea”.

Mariela Queraltó en tono de aval, confirmó que: “Inés Sanguinetti va a tener un cargo parecido a lo que era la Secretaría de Acción Sociocultural, desde su rol de socióloga y de toda la experiencia que ha hecho en el barrio de La Cava. Esa dirección específicamente va a tener como objetivo la búsqueda de talentos, de cualquier espacio ciudadano, para que el Ministerio los acompañe en su formación”.

CNDC. 2016 “La compañía todavía está buscando su identidad. En realidad fue pensada como un grupo de cámara con la idea de que girara por el interior del país; de a poco fue derivando en un elenco más importante, con una organización más horizontal, que les permite elegir maestros y coreógrafos. Todo eso los llevó hacia una cosa más experimental, de investigación”. Por lo menos el primer semestre de este año está programado: “Los maestros con los que van a comenzar son Lucía Fernández Mouján (yoga), Luciana Glanc (entrenamiento corporal) y seguimos con Inés Armas en técnica, que hace una conjunción entre clásico y contemporáneo re-interesante”.

En el verano vuelven a repetir Isolda Isolda y México 564. Continuarán los proyectos Carta Blanca, Partido y Compartido, “que los grupos independientes no se asusten, que eso no se va a sacar; también siguen las pasantías para que los chicos con muy buen nivel de desarrollo puedan tomar clases con la compañía”. La temporada comenzará con Pierrick Malebranche, con una obra que se va a llamar Material, con dos meses largos de exploración de materiales (plástico, arcilla…). Esto se va a ver reflejado en un montaje coreográfico que tiene un importante complemento en la parte de sonido, son compaginaciones no sólo musicales, sino de ruidos y sonidos ambientales, que se estrenaría a fines o mediados de mayo. Tenemos también la posibilidad de una gira hacia el NOA, porque Tucumán tiene el bicentenario de la Declaración de la Independencia, entonces están organizando una gran cantidad de eventos. Patricia Sabbag, la directora de la Compañía de Danza Contemporánea tucumana, prepara un encuentro de organismos oficiales de danza, además de grupos independientes. No hemos cerrado muchas cosas, por la coyuntura: el cambio de gestión y la llegada de una nueva directora y subdirectora. Es una nueva etapa”. __BD

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También en el maravilloso recinto de la calle México, sede de las dos compañías de danza que pertenecen a la Nación, entre históricos muros laberínticos y hasta altas horas de la noche, Margarita Fernández, flamante directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, dialogó con Balletin Dance

Ejemplo Para Todos

Margarita Fernández, dejará pronto la subdirección del Ballet Folklórico Nacional junto a Omar Fiordelmondo en la dirección. Sus contratos terminaban en estas épocas y ambos cargos se renovarán por concurso abierto en estos meses (ver entrevista a Mariela Queraltó en esta misma revista). Mientras tanto, al cierre de la presente edición, y con apenas una semana de asumido el nuevo gobierno, su nombramiento al frente del elenco contemporáneo, ya era un hecho.

Con cautela, la nueva directora, preferiría continuar hablando del Folklórico Nacional hasta tanto se efectivicen sus nuevas funciones, elenco en el que lleva siete años de gestión, primero como maestra, luego como coordinadora, y los últimos cuatro como subdirectora. Junto a Raúl Marego (producción y programación) anunciaron a Balletin Dance las próximas actividades 10 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

entrevista por Agustina Llumá

El BFN en Malambo de Omar Fiordelmondo, sobre el Himno Nacional Argentino Fotos . Mariano Longo

del folklórico, y enorgullecidos adelantaron sus actuaciones este enero, en el mítico Festival de Cosquín, como supieron hacer en el pasado. En 2016, la compañía fundada por Santiago Ayala y Norma Viola, se presentará durante cinco noches, cinco lunas.

En cada una de ellas abrirá la función con el conocido Himno del festival, que se encarga cada año a un elenco diferente.

Para la ocasión, la obra que dará inicio a cada Aquí Cosquín, será un homenaje encarado por “un integrante de la compañía, que es Alfredo Ribalta y su novia Soledad Diz -explica Fernández-.

Los dos estuvieron trabajando acerca de la figura y las coreografías de los dos maestros, Santiago Ayala y Norma Viola. Recrea

pequeños fragmentos coreográficos de obras fundamentales, o patrimoniales, del Ballet, y va armando un recorrido, dentro de otras músicas. Me llena de orgullo ver la obra de un bailarín joven de la compañía, que entendió el legado, desde una mirada jovial, renovada, con sobriedad. Habrá una sorpresa al principio que no quiero revelar”, dice Fernández a esta cronista, que pudo conocer que el elenco realizaría también otras coreografías en el gran festival, seguramente de sus obras emblemáticas, y tal vez una versión coreográfica de Omar Fiordelmondo, sobre el Himno Nacional Argentino.

BALANCE Esta nota realizada en la oficina del Ballet, como cierre del último día laboral de los bailarines que había sido también de despedida, encontraba a Fernández rodeada de flores y afectuosos mensajes. “Es profundamente emotivo, respetuoso y me llena de orgullo”, dice en relación a esa última jornada. También, “poder sumar sangre nueva este fin de año”, en el concurso abierto realizado en noviembre al que se presentaron 99 bailarines de todo el país, para cubrir solamente dos puestos. Hacía muchos años que no había concurso para incorporar integrantes, porque “todavía no contamos con la jubilación específica, la ley previsional (se está trabajando muchísimo y muy seriamente para eso)”, por lo tanto la única manera de que ingresen nuevos postulantes es porque hubo “bailarines que han tomado otros rumbos”.

PROYECTOS. PLAN 2016 Raúl Marego aventuró que: “todavía no sabemos cómo va a ser el entramado de las distintas áreas, y considerando que se da por primera vez la misma gestión en Nación, Provincia y Ciudad, posiblemente también haya más posibilidades de integrarnos a distintos teatros estatales. Seguimos festejando las Bodas de Plata, hasta el 9 de julio de 2016, que va a coincidir con el cierre del Bicentenario de la Independencia”. Por otro lado, anunció en exclusiva a esta revista, el proyecto de la próxima gira patagónica en el mes de marzo. “Existe esa posibilidad, es una gira que viene trunca de años anteriores que permitiría abarcar esa zona del Sur que hace muchos años no recorremos: Pico Truncado, el Calafate, Comodoro Rivadavia, Esquel, Puerto Madryn y hay una invitación de Futaleufú en Chile.

Fernández adelantó, que se volverá a montar “el Martín Fierro, que repusimos en 2015, y llevamos también al interior del país, en teatros que le dieron el marco acertado a esa obra tan emblemática de los maestros”. Omar Fiordelmondo, ya no necesariamente como director, ha dejado en carpeta como proyecto, “estrenar La Historia Oculta, que es la historia de los castigados pueblos originarios de nuestra Patagonia, tomando un poquito, lo que fue la Campaña del Desierto y sus consecuencias”. En

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El BFN repone este año el Martín Fierro

el año que termina se montaron obras de Ana María Stekelman “que también llevamos al interior”, y Tango Suite de Oscar Araiz “que aún no pudimos estrenar”, pero está planeado para 2016.

CONTEMPORÁNEA “Recibí una invitación de parte de la CNDC para presentar un proyecto de dirección”, porque luego de la renuncia de Cristina Gómez Comini el organismo se encontraba acéfalo y sabían que Fernández tendría disponibilidad al dejar la subdirección del BFN. “Es un contrato de dos años con posibilidad de tres”, explicó.

Los integrantes de la compañía propusieron a las autoridades nacionales, distintos nombres surgidos a través de votaciones internas, que hubieron de preparar propuestas a largo tiempo. “El proyecto que presenté junto a Lorena Merlino, como subdirectora, fue el elegido. En este momento tengo que tener prudencia en hablar de futuro. Me esperan muchos desafíos. Tengo muchísimas ganas de trabajar con la compañía, compuesta por muy buenos artistas”.

Hasta tanto se haya producido contractualmente el cambio de un elenco al otro, Fernández ya está abocada a estas nuevas competencias, “todavía no se cuándo asumo mi función, mientras tanto no puedo hacer nada más que trabajar ad honorem, subir, bajar [por el edificio, de una depenREPERTORIO “Cuando todo se apaga, cuando en mi casa todo está tranquilo, empiezo a trabajar como hice con las obras de los maestros [Ayala y Viola], que era el terror que tenían todos cuando llegué al BFN. Pero el Teatro Colón nos crea en el repertorio, salís formada con la idea de que el repertorio se respeta”

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dencia a la otra], seguir escuchando, viendo las funciones, conociendo a todo el personal.

Estudiando e interiorizándome de todas las necesidades de la compañía, sobre todo el hecho de tener un marco legal en todos los aspectos, y lograr la solidez del trabajo. Es una compañía muy joven”, que debe reforzar las áreas administrativa y técnica, aún definiéndose en el nuevo organigrama de la cartera de cultura. “Tendremos que capacitarnos, y en esto me incluyo, porque si bien son dos compañías de ballet, tienen necesidades e incluso propósitos distintos”.

EL PROYECTO El proyecto ganador, señalaba “poner a la compañía en el escenario, con funciones”, como uno de los primeros puntos. El Ballet Folklórico Nacional viene presentando entre 50 y 70 funciones al año, y Fernández pretende algo similar para la joven contemporánea, “tal vez estoy enviciada”, afirmó. Por otro lado, se buscará “que la compañía tenga un lenguaje propio, que la identifique. Es sumamente dúctil, con ganas de nuevos desafíos y puede encarar distintos lenguajes y propuestas dentro de la danza contemporánea. Ya tienen que empezar a identificarse con determinadas propuestas que les sean propias, que realmente ellos se sientan a gusto en transitarlas, en poner bondadosamente el cuerpo para poder gestar los movimientos”.

Propuse también, el trabajo inter-áreas, es decir, área artística, administrativa y técnica, como amplios conjuntos en cuyo centro está la dirección, chiquita, con la responsabilidad de la unión de conjuntos. Hay que entender que la compañía es un todo, y somos todos, los que vamos a seguir luchando como fue en el BFN. A veces los ejemplos pueden sonar un poco fastidiosos, pero el Ballet Folklórico Nacional es un ejemplo para todas las compañías de danza. Por la responsabilidad del día a día, por el compromiso artístico que tienen en el escenario, y debajo del escenario, por cómo van llevando sus proyectos, que no son egoístas sino inclusivos”.

VERTICAL VS HORIZONTAL Fernández asegura que hoy en día, en todos los grupos humanos se trabaja, en general, desde una mirada más horizontal en relación a los antiguos cánones de compañías tradicionales de ballet. En el Folklórico “también, hemos llegado a tener líneas transversales y verticales de buen diálogo. Es otra forma de trabajo. Incluso el planteo que nos está haciendo el Ministerio de Cultura desde ayer, es distinto, como si fuese una red”. __BD

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ACTUALIDAD

Poner el Cuerpo a la Calle Por Nahuel Aguirre

El escenario es el lugar en donde por lo general se concibe la danza, sin embargo hace ya algunos años, la calle se ha convertido en un espacio de experimentación para el movimiento. El contexto que ofrece la ciudad influye en intervenciones artísticas en donde la danza sirve como canal de comunicación entre lo urbano y los transeúntes.

Balletin Dance tuvo la oportunidad de encontrarse con algunos gestores de la danza en la calle, investigadores y bailarines que ponen el cuerpo dentro del ejido urbano Intervenir la calle en nuestro país, se remonta a la década del ‘80 cuando la recuperación de la democracia y -por ende- de la expresión en espacios públicos, daba origen a grupos alternativos de teatro como La Organización Negra (1984-1992), integrado en ese momento por estudiantes de teatro inspirados en La Fura del Baus y movimientos de la época. Quienes se legitimaron luego de haber intervenido el obelisco y otros espacios más centrales de Buenos Aires, llevando luego la esencia de la calle al escenario de teatros como el San Martin. Estas performances fueron de alguna forma el antecedente de espectáculos como Fuerza Bruta o De la Guarda.

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La docente y actriz, María Laura González, quien centra sus investigaciones en la relación calle-arte analizó las performances del grupo en su reciente libro La Organización Negra. “La Organización Negra comienza su recorrido en performances urbanas. De ellas no hay registro. Sin embargo, gracias a entrevistas y anécdotas pude recuperar algo de ese pasado. Es importante pensar que ellos tenían como motor de estas actuaciones a la ciudad”.

Lo importante de las intervenciones urbanas y de grupos como La Organización Negra, está en su capacidad de poder tomar arquitecturas y situaciones para dar nuevos significados. Este sería un punto clave según explicó González: “Hay algo importante en las intervenciones, pensar que la obra interviene el espacio. ¿Qué dialogo mantiene la obra con el espacio? Esa obra ¿puede ser realizada en cualquier lado o está pensada para ese lugar? ¿Cómo aportarle movimiento desde lo arquitectónico, las geometrías y coordenadas? ¿Cómo ese lugar termina por afectar al cuerpo?”. Si esto es pensado así, cuando la intervención aparece e interrumpe la cotidianeidad deja impresiones estéticas y/o fí-

Componer coreográficamente en base al contexto físico Foto . gentileza ciclo Poner el Cuerpo

sicas en quien la ve. Según las anécdotas plasmadas en su libro, La Organización Negra creaba sensaciones corporales en quien los veía.

El cuerpo termina siendo un vehículo entre la calle y el espectador. Por eso es importante saber leer si a la obra le interesa dialogar con el espacio. Según Malala González, haber visto una performance o haber sido atravesado con este tipo de experiencias efímeras (al igual que al acceder a un espacio histórico), evoca en el cuerpo ciertos recuerdos sensoriales.

Este modus operando es conocido por la publicidad y la performance, dos ramas de la comunicación que generalmente conocen bien el funcionamiento de ese proceso y de cómo elaborar su mensaje para que impacte sobre quien lo reciba. Alejandra Machuca, licenciada de las artes del movimiento de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), en sus investigaciones sobre performance y la danza en la calle, recata que el bailarín debe tener en claro esto si realiza una intervención: “Estrategias para

The Basuras en la Plaza Boedo. Ciudanza 2015 Foto . Adán Jones

poder aplicarlas al contexto calle. Llenarse de la información necesaria para poder trabajar sobre ciertos tejidos urbanos y qué tipos de formatos (en cuanto a técnicas) se necesitan”. Este tipo de herramientas es útil para tener resultados positivos dependiendo de lo que uno quiere comunicar, hacer, reaccionar o provocar.

Por otro lado, la calle sirve de entrenamiento sensorial y colectivo para el bailarín, quien suele tener una formación individualista e introspectiva. Según Machuca, “te lleva a estar todo el tiempo atento porque no hay nada dispuesto para ti. Te dispone a una tensión amplísima, al menos a saber que tu atención debe variar dependiendo del espacio y cómo podes reaccionar ante las cosas que suceden”.

En cuanto a lo colectivo, “esta experiencia directa con la calle, da al bailarín la sensación de que somos un conjunto de personas en movimiento. Políticamente esto también es muy fuerte porque plantea algunas preguntas: ¿Quién sos? ¿Qué lugar ocupa la danza? ¿Qué hace un bailarín en la calle? ¿Qué ofrece y produce? ¿Qué tensiones produce?”.

La ciudad ha cambiado en estos treinta y cinco años, ya no es la misma. Los espacios públicos y la forma de expresión -en ellosmediante artes como la danza, es más libre. Como consecuencia, hoy se cuentan varios festivales al aire libre, en diferentes ciudades de nuestro país, de los que se destaca Ciudanza, organizado anualmente por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires en marzo (con dirección de Brenda Angiel y Silvia Gómez Giusto).

“Teníamos ganas de hacer un encuentro y llevar escenarios a la calle. Llevar más público a la danza, problemática típica del sector”, dice Constanza Copello quien junto a Yanina Rodolico, Iván Haidar, Moira Hidalgo, Jorgelina Mongan, Laura Colagreco y Mariana Saenz organizan Danzafuera en la ciudad de La Plata, desde 2013. Este festival que lleva obras a parques y plazas (en 2015 pudieron añadir intervenciones en la peatonal capitalina), intenta contar con una buena diversidad de propuestas, performáticas o escénicas.

Al igual que las demás entrevistadas, Copello enfatizó la importancia de esta influencia bailarín-calle: “Es muy rica la interacción con el espacio. Generar otro tipo de reacción entre público y artista. La calle da cosas que desafían a lo coreográfico. En un escenario estás protegido. En la calle tienes que estar disponible ya que estás expuesto”.

La bailarina Marcia Medina, trabaja hace un par de años con la improvisación en la calles en Mar del Plata, mediante el ciclo Poner el Cuerpo. Cómo el espacio y los demás cuerpos se atraviesan, en tiempo real, con cuerpos reales y en un contexto cotidiano. De sus experiencias señala algunos aspectos de los gestos cotidianos: “Me llama la atención la presencia física de los transeúntes, pero que no es completa. El cuerpo está en la calle y otra parte de ellos en el celular, por ejemplo. Esto genera ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 15

una relación cabeza-ombligo que las cervicales sienten. Esa configuración corporal es la que predomina. Yo utilizo mi cuerpo para hacer foco a estas cuestiones”.

No está demás decir que las intervenciones acercan el cuerpo como hecho artístico a un público que por lo general no está acostumbrado a ser espectador de otro tipo de información y ruido, como plantea González. “Hoy la publicidad termina saturando los sentidos y tomarse un tiempo para disfrutar otro tipo de acciones efímeras que rompan con lo cotidiano tiene mucho valor”.

Estas intervenciones no son solamente llevar un espectáculo a espacios fuera del teatro, sino que se trata de interactuar con el contexto. Saber apropiarse de la ciudad, de los materiales heterogéneos que cada urbe brinda. Hay poéticas que surgen, como discursos que necesitan salir desde las entrañas mismas de la propia ciudad. Y el cuerpo es el canal para expresarse, para ofrecer estéticas, desafiar, cuestionar. En fin, moverse. __BD

ACTUALIDAD

Las calles de La Plata, intervenidas Foto . gentileza Festival Danzafuera

Completa Propuesta

En febrero comienza la temporada 2016 del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini En diciembre, el Centro Cultural de la Cooperación anunció su temporada 2016, a través de un comunicado de prensa. La propuesta se inicia en febrero, e incluye una variada programación artística con espectáculos (teatro, danza y música), cine, exposiciones, festivales, congresos, seminarios, talleres, proyectos político-culturales, presentaciones de libros; las escuelas de espectadores de teatro y de cine, y cantidad de encuentros organizados por el Area de Investigación en Ciencias del Arte.

En materia de danza se anunciaron sin mayores precisiones, un ciclo los días jueves, con proyectos de artistas consagrados y nó-

veles, muchos de ellos procedentes de las provincias. En mayo se realizará el Festival de Pequeño Formato con la participación de los coreógrafos Lucía Toker, Alba Virgilio, David Señorán, Inés Maas, Roxana Doglio y Bernardi Márquez, entre otros. Y en el marco de la programación anual varios estrenos y reposiciones: Inés! dirigida por Mariela Ruggeri, Peripecia de Oscar Araiz, Santa Buenos Aires de Leonardo Cuello, Tango in Blue de Ollantay Rojas, Upperkut de Valeria Polorena, Donde Están Ahora de Berdichevsky/Paolino y Killing Me Softly de Julieta Rodríguez Grumberg. __BD

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ACTUALIDAD

El Musical no Descansa Por Daniel Sousa

Entre estrenos y reposiciones, la cartelera porteña brinda opciones para todos los gustos y presupuestos. Espectáculos musicales, por supuesto, hay en buena cantidad, confirmando el buen momento que atraviesa el género No sólo la pileta es un consuelo para quienes deben pasar el verano en Buenos Aires. Está también la cartelera teatral, que este año particularmente propone un menú de estrenos y reposiciones con varios platos fuertes para los amantes del género musical.

Clásico entre clásicos, Drácula de Pepe Cibrián Campoy y Angel Mahler, regresó a escena en estos días para celebrar sus bodas de plata. Se anticipan apenas doce semanas de funciones en el teatro Astral, en las que Juan Rodó vuelve a personificar al conde transilvano, que tantas satisfacciones le ha dado desde el estreno en el Luna Park en agosto de 1991.

Pero aunque se trate de una propuesta ya probada, hay varias novedades: quizás la más interesante sea que esta versión fue coreografiada por Mariano Botindari. Y que ingresan al elenco Josefina Scaglione en el rol central de Mina, Nicolás Martinelli (de gran trabajo en España en Los Miserables) como Jonathan Harker, Flor Benitez una vez más en la piel de Lucy, Adriana Rolla (Nani) y Damián Iglesias (Posadero). Se bajaron del proyecto cuando ya habían comenzado los ensayos Graciela Bevacqua (Mireya) y Juan Pablo Skrt (El Fantasma de la Opera).

Otro regreso es el de Hernán Piquín, que alterna Buenos Aires, Mar del Plata, Villa Carlos Paz y Colón (Entre Ríos) en una nueva temporada de su más reciente obra Let it Be, basada en la producción musical de Los Beatles. La novedad aquí es la incorporación de la gran Cecilia Figaredo, junto a un atractivo grupo de bailarines a los que Georgina Tirotta les puso coreografía. Se puede ver en el teatro Astros. ¿Más regresos? El Diluvio que Viene, en la versión que ya se diera en 2012 en El Nacional. Esta vez el musical de los italianos 18 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

Pietro Garinei y Sandro Giovannini llega al Opera con su mensaje de confraternidad y un elenco encabezado por Juan Durán como el Padre Silvestre, Débora Turza, Sabrina Artaza y Juan Bautista Carreras.

Coreografías de Rubén Cuello y dirección general de Manuel González Gil.

Aquí no podemos Hacerlo, revisitado Foto . gentileza de prensa

Juan Rodó nuevamente protagoniza Drácula a 25 años del estreno Foto . gentileza de la producción

Julia Calvo, que hiciera las delicias del público en el rol de Consuelo en la última puesta de El Diluvio…, esta vez la verá desde la vereda de enfrente. Acaba de reponer Manzi, la Vida en Orsai, el multipremiado espectáculo de tangos que dirige Betty Gambartes. Se presenta en la sala mayor del Tabarís, una vez más con Jorge Suárez como gran protagonista. A la sala chica del Tabarís, que felizmente reabre sus puertas, irá en breve otra obra de notable recorrido: Tango Corrupto, que fuera un suceso el año pasado en el subsuelo de Moliére. Siempre con Oscar Lajad, Sandra Guida y Sebastián Colavita (también coreógrafo), más orquesta en vivo y dirección de Julio Panno. Una producción conjunta de Gustavo Yankelevich y Juan Iacoponi.

AQUÍ SÍ PODEMOS Otra de Cibrián Campoy que ocupará un lugar en la cartelera de verano es la histórica Aquí no Podemos Hacerlo, que fue un semillero de grandes figuras (Ricky Pashkus, Sandra Mihanovich, Ana María Cores, Claudia Fontán y otros) cuando se estrenó en 1978 (se repuso en el ‘86 en el teatro Presidente Alvear). Subirá al escenario de El Cubo desde el 23 de enero con dirección de Nicolás Pérez Costa (Juicio a lo Natural) y un elenco encabezado por Manu Perín (Phanton), entre otros.

Si soluciona a tiempo sus problemas con la Justicia paraguaya (al cierre de esta edición permanecía detenida en Asunción), Moria Casán será una maestra de ceremonias de antología en el desembarco en la Argentina de The Hole. La obra, mezcla de circo, music hall y cabaret, con una estética muy trabajada, irá al Maipo desde el 28 de este mes. Llega con el antecedente de un éxito inusitado en España, donde fue estrenada en 2011, y habiendo realizado funciones en Italia, Francia y México.

Otro musical que llega desde España, en este caso en formato de comedia, es El Otro Lado de la Cama, de David Serrano, que protagonizan Nicolás Vázquez, Sofía Pachano, Gimena Accardi y Benjamín

Rojas en el teatro Apolo. Canciones del rock nacional de los ’80 y ’90 se hilvanan en una pieza que anticipan desopilante.

El mes próximo vuelve al histórico Cervantes otro de los muy buenos musicales del 2015, Ni con Perros ni con Chicos, sobre la vida de dos grandes estrellas de Hollywood: Charles Laughton y Elsa Lanchester. Con Omar Calicchio y Laura

Club Capo Cabana, al mejor estilo Caviar Foto . Horacio Carrano

Después del final abrupto del año pasado por problemas de salud de Pinti, volvió a escena Salsa Criolla Foto . gentileza Anita Tomaselli

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Oliva a la cabeza del elenco, secundados por Julieta Nair Calvo y Dennis Smith. Coreografías de Verónica Pecollo y dirección del debutante (en musicales) Javier Daulte.

Con algunos cambios en el ensamble reestrenó ya Salsa Criolla en el Liceo, con los creativos y siempre exigentes diseños coreográficos de Elizabeth de Chapeaurouge. La obra cumple treinta años desde su estreno en esa misma sala. En tanto, el 18 de enero será el debut en La Comedia del nuevo trabajo de Francisco Pesqueira, que por sus antecedentes genera mucha expectativa.

Simple. Las Canciones que Negué Amar, con temas románticos de los años ’60, ’70 y ’80, tendrá coreografía de Gustavo Bertuol y dirección del propio Pesqueira.

En su primer espectáculo desde la muerte de Jean Francois Casanova, el grupo Caviar acaba de estrenar Club Capo Cabana en el Maipo Kabaret. Dirige Walter Soares, un histórico de la compañía, acompañado por Marcelo Iglesias, y Gaby Figueroa, entre otros actores-bailarines.

Y por si todo esto fuera poco, en marzo llegarán la segunda temporada de Tiempos Relativos, con Pepe Cibrián dirigido por Ricky Pashkus; el estreno de Lovemusik, con la gran Elena Ro-

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Cecilia Figaredo (centro) es la nueva gran atracción de Let it Be, en el Astros Foto . gentileza de la producción

ger, Esteban Meloni y Diego Mariani en el Complejo La Plaza; Edipo y Yocasta, con Marisol Otero, Rodolfo Valss y Laura Silva, en el Apolo; y la gran apuesta de Flavio Mendoza, Franciscus, un musical basado en la vida de San Francisco de Asís, con actuaciones de Florencia Otero, Federico Salles, Leticia Brédice, Ana María Picchio y Eliseo Barrionuevo, dirigidos por Norma Aleandro. Para ir reservando. __BD

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PROVINCIAS | MISIONES

En Crecimiento Por Agustina Llumá, desde Posadas

El Ballet del Centro del Conocimiento que dirige Laura de Aira, la compañía provincial de Misiones, presentó el mes pasado la versión de Guido de Benedetti de Espartaco en su sede de Posadas El elenco provincial, con menos de una década de existencia, continúa creciendo año a año con diferentes propuestas creadas especialmente. Sus funciones se realizan en el moderno Centro del Conocimiento de Posadas, con música grabada, y en algunas giras regionales, siempre con entrada gratuita, para acercar de este modo el ballet a toda la ciudadanía.

Desde sus comienzos, el Ballet del Centro del Conocimiento (BCC), ha estado a cargo de Laura de Aira, quien en 2015 sumó a su staff a Franco Cadelago como director artístico. Sus bailarines, de diferentes nacionalidades, se renuevan año a año, e incluyen ya a seis egresados de la escuela fundada junto al ballet, bajo la metodología de la Escuela del Teatro Bolshoi, con quienes han generado un acuerdo formal a través de la Universidad Natalia Nesterova de Moscú.

Esta cronista viajó a la tierra colorada el mes pasado, para cubrir Espartaco (ver Balletin Dance Nº 248, noviembre de 2015). Una versión de Guido de Benedetti, sintetizada en una hora y media sin interrupciones y creada especialmente para el ballet oficial.

Maravillas hicieron Pamela Galián con el diseño de vestuario, y Máximo Muller con Gerardo Aranda en el diseño de escenografía, con prácticamente cero presupuesto para tales fines. Los roles protagónicos fueron encarados esa noche con solvencia por Emiliano Perviú Ortiz (Espartaco), Solange Carames (Frigia), Welton Lucena Costa (Crasus) y Suellen Barboza (Egina).

Justamente por tratarse de una compañía joven, es que faltó la fuerza necesaria para abordar estos tremendos personajes, sobre todo al inicio del espectáculo. Sin embargo, cada uno de ellos, fue incorporando las características específicas a lo largo de la noche, logrando olvidarse (por decirlo de alguna manera) de las cuestiones técnicas y coreográficas, para centrarse en la historia que estaban narrando. Todo permite suponer, que en las siguientes actuaciones continuarán madurando sus roles. Es posible que algunos desaciertos escenográficos (los numerosos cambios debían realizarse prácticamente a la vista del público), contribuyeran a romper el clima, que logró convencer sobre el final de la función.

Con protagonismo masculino, las escenas grupales de complejos saltos, giros y simbologías de fortaleza, el cuerpo de baile se mostró correcto en sus ejecuciones, sobre todo en los últimos cuadros.

Los protagonistas, pusieron todo de sí, para brindar un excelente espectáculo que emocionó a más de uno en la platea. __BD El Ballet del Centro del Conocimiento, en constante crecimiento Foto . Claudia Galián

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ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 23

ACTUALIDAD

Sana Competencia Por Laura Lifschitz

Balletin Dance dialogó con nueve entendidos en certámenes de ballet, una instancia de aprendizaje y proyección, también en Argentina Para los balletómanos, inolvidable fue el año 1985, cuando Julio Bocca y Raquel Rossetti ganaron el Concurso Internacional de Moscú. En la Argentina, instancias como ésa están representadas por la Confederación Iberoamericana de la danza (CIAD), Danzamérica, el Consejo Argentino de la Danza (CAD) y las preselecciones regionales del Prix de Lausanne (Suiza), Youth America Grand Prix (YAGP, Estados Unidos) y la Valentina Kozlova International Ballet Competition (VKIBC, Estados Unidos), entre otros.

Balletin Dance consultó a maestros preparadores, organizadores de competiciones y ganadores de concursos hoy profesionales (ver recuadro con el detalle).

Para organizar un concurso, la finalidad es diversa. Según Cristina Sánchez, “el principal objetivo en Danzamérica es la excelencia; para elevar el nivel técnico y artístico”. Beatriz Durante afirma que “el CAD organiza anualmente el Certamen Nacional de Danza Julio Bocca, en Danza Clásica y Contemporánea, destinado a

estudiantes argentinos no profesionales (nativos o nacionalizados)” y con participación gratuita.

La importancia de cada evento radica en los profesionales evaluadores. Para los postulantes, el mayor interés son los premios, por lo general becas o contratos en importantes instituciones. El Certamen Nacional de Danza Julio Bocca otorga “becas de estudio en el American Ballet Theatre de Nueva York, el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Los premios incluyen viaje, alojamiento y estadía” explicó Durante.

Mientras que Danzamérica ofrece “becas para acceder a escuelas, competencias y/o audiciones internacionales”, según señaló Sánchez.

¿Qué criterios maneja un maestro en la preparación de un bailarín para competir?

Para Raquel Rossetti es fundamental “que el alumno reúna aptitudes físicas adecuadas, musicalidad, coordinación, desempeño escénico e interpretación”, ya que

la exigencia y preparación en el ballet no varía.

Raúl Candal remarca que “hay que identificar la categoría del certamen, la calidad de los jurados, el tipo de premios y conocer las capacidades de cada alumno, sin olvidar una exacta elección de las variaciones”. José Luis Lozano señala que “la elección del repertorio es fundamental, a nivel técnico e interpretativo, acorde a la edad” de los candidatos, mientras que para Lorena Bello puede variar, “pero siempre la base es la responsabilidad, dedicación y perseverancia”.

¿Cuál es la rutina de trabajo para competir?

Más allá de considerar edad y concurso, los entrevistados coinciden. “Hasta los 12 años, una clase de técnica diaria y ensayos de la variación. Entre los 14 y 19 años, es más intenso: dos clases por día y

Izquierda: Lorena Bello del Open Ballet Foto . Gentileza de la maestra Centro: Raúl Candal en conferencia de prensa en el Sodre Foto . Antonio Fresco Arrriba: Raquel Rossetti Foto . Arnaldo Colombaroli 24 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

José Luis Lozano Foto . Danzamérica Beatriz Durante (derecha) en una de las entregas del Premio Julio Bocca (centro) Foto . Consejo Argentino de la Danza

ensayos”, asegura Rossetti. Para Candal, hay que “planificar las estrategias para ir subiendo de nivel progresivamente”. A criterio de Lozano, “no tiene que ver con prepararse para un concurso, sino con la excelencia que demanda el ballet: clases diarias y tres o cuatro clases de repertorio semanales”. Lorena Bello propone “hasta dos (clases de técnica) por día, preparación física y ensayos”.

¿Debe competir todo bailarín aspirante a profesional?

Candal asegura que “quienes tienen condiciones y se presentaron -Julio Bocca, Maximiliano Guerra, los Cornejo, Paloma Herrera- evolucionaron más que quienes no participaron”. Para Rosetti no es obligatorio, “como sí lo es una audición”.

“Es importante, en el mundo globalizado”, dice Lozano, pero reconoce que no es requisito, como tampoco lo es para Bello: “Es una oportunidad más de una beca o contrato. Hoy los chicos ya no buscan la medalla, sino oportunidades, aunque muchas veces no pueden costear el viaje o

la estadía hacia los sitios de la beca” cuando el premio sólo incluye la formación.

Como profesional, Lucas Erni, indica que participar en competencias siempre suma. “Pero si no se siente el deseo de competir, no creo que frene su carrera”.

Las competencias se ofrecen además como una vidriera ante la mirada de directores de compañías, pero esto, según aseguraron los especialistas, nunca reemplazará a las audiciones de ingreso para compañías profesionales.

Cada certamen posee su tabla de puntuación y criterios de evaluación, sin embargo todos contemplan –a su modo-,

Arriba: Nadia Muzyca Foto . Antonio Fresco Centro: Lucas Erni Foto . Arnaldo Colombaroli Derecha: Cristina Sánchez Foto . Charly Soto ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 25

analizar la técnica, musicalidad, expresividad, presencia escénica y capacidad artística. Para Bello “hay tantos criterios como jurados. Hay algo subjetivo: la danza misma”, mientras que Betty Sture confirma que “cada jurado ve las cosas según su criterio, sabiendo que la idoneidad de todos, y cada uno, es enorme”.

Sánchez dilucida la cuestión: “La evaluación del jurado es objetiva, lo subjetivo es la proyección que ese jurado imagina para el bailarín a futuro”.

¿Cuál es el límite entre la exposición técnica y lo interpretativo?

En forma unánime se explayan todos los entrevistados: tal división es una quimera. “No existe -se apresura Rossetti-. En todo caso el límite lo visualiza el maestro de acuerdo a la edad y la variación. He visto muchos casos de alumnos que van de concurso en concurso y en vez de progresar retroceden, porque quitan horas de clases por preparar variaciones”. La danza conjuga por igual técnica e interpretación (arte), por eso resulta inherente “hablar del personaje a encarar, brindar recursos al alumno”, argumenta Candal. “Tiene que ir de la mano, ésa es la excelencia en el ballet”, insiste Lozano; “tiene que ver con el trabajo minucioso de la búsqueda de las variaciones. Cada uno busca el estilo más conveniente. Cada bailarín tiene su fuerte en lo técnico y en lo interpretativo” señaló Nadia Muzyca.

LOS CONSULTADOS MAESTROS

PREPARADORES

Lorena Bello: directora del Estudio Open Ballet (Paraná, Entre Ríos) Raúl Candal: ex director y primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, vice-director del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, integrante de jurado José Luis Lozano: ex bailarín, coreógrafo, ex director del Ballet del Teatro Argentino de La Plata y del Ballet Provincial de Córdoba, integrante de jurado Raquel Rossetti: ex directora y primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, docente de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), integrante de jurado María Elisabeth Sture: directora y docente del Seminario Provincial de Ballet de Santa Fe ORGANIZADORES

Los certámenes contribuyen a elevar el nivel técnico del ballet, por el simple hecho de poder compararse con pares de otras procedencias. Pero si todo se limita al aspecto técnico, aparecen atletas más que artistas. En los últimos concursos realizados en tierra argentina, los mejores exponentes provenían de otros países. “Hay una diferencia entre Brasil y nosotros, que tiene que ver con la capacidad de trabajo, aunque ninguno es mejor que otro. Pero no hay duda: cuanto más trabajes, mejor vas a bailar” dice Lozano, en concordancia con Cristina Sánchez que desde su experiencia afirma que “los maestros cubanos y brasileros poseen la mejor preparación y capacidad para formar bailarines”.

En cuanto a la Argentina, Bello remarca que si bien “antes había mucha diferencia entre el interior y Buenos Aires. Hoy ya no”.

CONSEJOS PARA JÓVENES RR: Que no pierda el tiempo. Ahora va todo muy rápido, hay que tener mucha disciplina. Evitar la ansiedad, el miedo, y el no confiar en sí mismo.

JLL: Se trata de preparar un artista. Lo primero es pensar si con la sensibilidad de ese artista vamos a llegar a un punto nuevo.

Hay que comprender que tal vez uno pueda llegar a fracasar, pero esto sólo quiere decir que no es el momento.

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Beatriz Durante: presidente y organizadora del Concurso Julio Bocca del Consejo Argentino de la Danza (CAD) Cristina Sánchez: presidente de la Organización Danzamérica (2015: XXI edición) GANADORES Lucas Erni: beca en la Escuela del San Francisco Ballet obtenida en el Prix de Laussane, Suiza (2012), bailarín solista del Ballet Nacional de Uruguay, Sodre Nadia Muzyca: primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, ex bailarina del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Medalla de oro en el II Certamen Latinoamericano de Ballet (Brasil) y en el III Certamen Internacional de Ballet y Danza (Asociación Arte y Cultura), nominada a los premios Benois de la Danse, Moscú (2014)

LB: Los concursos son oportunidades pero no más que eso. La carrera depende del bailarín y de su perseverancia.

CS: Primero poner mucha atención a quién le voy a ceder mi formación, y más tarde: ensayo, ensayo y más ensayo. Y en cuanto a los maestros, que sigan capacitándose.

LE: Que escuche su interior. Si realmente quiere avanzar y superarse, entonces que esté dispuesto al sacrificio y compromiso que esto requiere. Errores siempre hay y eso es lo que nos enseña. __BD

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Con el subtítulo La Obrita de Teatro, la comedia “desopilante” que nació en una serie web, en el blog de Julieta Otero, llegó al teatro poco después de pasar por televisión. Se trata de un grupo de padres de niños de jardín de infantes que preparan una obra de teatro para sus hijos. Sus personalidades quedan totalmente expuestas, junto a sus emociones y frustraciones, entre los conflictos alrededor de los preparativos y la sobreexcitación de los ensayos.

Foto . gentileza de prensa

Según Roxi

La obra cuenta la historia de un joven lleno de deseos e imaginación, que ve a un pequeño cuerpo mágico (duende) que le va dando vida a sus sueños (que aparece y desparece). Es un espectáculo circense con música original de Nicolás Diab, lleno de objetos (pintados a mano) que se transforman durante la función: abanicos gigantes, flores multicolores, escaleras que bajan del cielo. Abundan las escenas acrobáticas en tela, trapecio y cintas.

Foto . gentileza de prensa Dirección: Mariana Sanchez y Mariángeles Gagliano Intérpretes: Diego Gomez y Antonella Muruaga Domingos (enero y febrero) a las 20 hs. Club de Trapecistas Estrella del Centenario: Ferrari 252, Tel: 4857-3934

en Cartel.

El Hacedor de Mundos

Escrita por: Azul Lombardía y Julieta Otero Dirección: Azul Lombardía Coreografía: Matías Barki Con Julieta Otero, Ana Garibaldi, Mara Bestelli, María Marull, Mariana Chaud, Juan Martín Zubiri, Matías Scarvaci, Emiliano Ré, Nicolás Villamil.

Viernes y sábados, a las 23:15 hs. Teatro La Comedia: Rodriguez Peña 1062, Tel: 4815-5665

Noches en los Jardines de España En el marco de un ciclo de música y proyecciones, programado por Diego Fischerman, en el emblemático Museo Larreta del barrio de Belgrano, Graciela Ríos Saiz, presenta Federico García Lorca a la Luz del Flamenco, un espectáculo totalmente renovado que invita a disfrutar de noches brillantes de flamenco. Se funde suavemente la sensualidad de la danza con la sala principal del museo, logrando un clima desbordado de sensaciones que envuelven, sin pausa, a cada uno de los asistentes.

Foto . gentileza de la producción Dirección: Graciela Ríos Saiz / Coreografía: Natalia Bonansea Ríos y Graciela Ríos Saiz / Ballet Hispania. Natalia Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido y María Eugenia Seijó (baile), Carlos Soto López ó Clarisa Di Salvo (cante) y José Ismael Sierra Flores ó Agustín Hellín (guitarra) Sábados a las 20:30 hs. Museo de Arte Español Enrique Larreta: Juramento 2291, Tel: 4783-2640 ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 29

Por Juan Cruz Guillén

Gran Homenaje al Coronel Brandsen FOLKLORE

El 27 de noviembre se estrenó El Francés de la Historia, con idea, coreografía, puesta en escena y dirección general de Mabel Pimentel y Oscar Miguel Murillo, fundadores y directores del histórico Ballet Brandsen

Más de doscientas personas involucradas en narrar la historia argentina Foto. Raúl Acuña

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El espectáculo dedicado a la historia del Coronel Carlos Luis Federico de Brandsen (28 de noviembre de 1785, París - 20 de febrero de 1827, Río Grande del Sur), se estrenó en esa misma localidad bonaerense (que lleva su nombre en su honor), situada a 60 km del Obelisco de la ciudad de Buenos Aires. Allí fue invitado este cronista, por Héctor “Pelusa” López, ex bailarín del Ballet Brandsen y actual Secretario del Club Social de ese lugar, entre las múltiples actividades que realiza.

Al decir que el Ballet Brandsen es histórico, se considera todo el sentido de la palabra, no solamente por su larga y reconocida trayectoria, sino porque siempre sus cuadros estuvieron basados en hechos de nuestra historia. El primero de ellos, hace muchos años, fue el inolvidable homenaje a Juana Azurduy.

El espectáculo cuenta con doscientos bailarines, técnicos, modistas, utileros, diseñadoras y realizadoras de tocados y sombreros, realizadores de armas históricas de puño, trabuquete, altimetrías, efectos especiales, entre otros. Un párrafo aparte: el escenario.

El principal, fijo, de doce metros por ocho, aproximadamente, y tres módulos de diferentes tamaños que se armaban durante el espectáculo de acuerdo a las necesidades del mismo. Dichos movimientos eran realizados por maquinistas vestidos igual que los bailarines, por lo tanto, parecían parte de la coreografía y no molestaba para nada la atención del público. Se destaca que en los momentos que estamos pasando, económicamente hablando, se animen a semejante “patriada”, es mucho más valorable.

En los últimos tiempos, salvo excepciones (como este, y el Ballet

Folklórico Nacional, el Ballet Salta, el Ballet de Miguel Angel Saravia, el Ballet de las Trincheras, el Ballet de la UNA, la Compañía Federal de Danzas, el Ballet Folklórico Municipal de Olavarría, el Ballet Camaruco de Comodoro Rivadavia, el grupo de Koki y Pajarín Saavedra, el de Juan Corvalán o el del Polaco Pastorive y seguramente otras agrupaciones del interior del país que quien escribe no haya visto), lamentablemente, las compañías ofrecen todas lo mismo. No abunda la creatividad; son suites de danzas sin ninguna idea argumental, con excesiva velocidad y poca variedad de ritmos, haciendo que no se distinga uno del otro.

Volviendo al Francés de la Historia, menciono una frase del Maestro Santiago Ayala “El Chúcaro”: “...para ser un buen bailarín y coreógrafo, hay que leer mucho, compenetrarse con lo que se quiere hacer...”, y en este caso -como siempre lo han hecho Murillo y Pimentel-, han leído e investigado mucho, sobre los hechos de la historia de las guerras de la independencia hispanoamericana, del vestuario y la utilería de la época, para llegar a lograr un espectáculo integral de esta jerarquía. Solamente quienes estamos involucrados en el medio de la danza, podemos darnos cuenta lo que cuesta montar un espectáculo de esta envergadura.

Entre las escenas más logradas de la noche, se menciona el vals donde aparece Napoleón, otras sucedidas en Chile y en Perú con sus danzas y músicas y un vestuario espectacular. No tan acertado fue el cuadro en Rio Grande Do Sul (la payada fue demasiado larga y el Cielito demasiado estático, teniendo como marco una cantidad importante de bailarines). Y por otro lado, como le dijo una vez Tarragó Ros a su hijo Antonito cuando dejó la verdulera en el piso “... nunca hagas eso, porque por el instrumento pasa el alma del artista”: un músico nunca debe dejar el instrumento en el suelo.

Otro detalle a evaluar es acortar el intervalo, fueron cincuenta minutos que se hicieron demasiado extensos, en los que el público se molestó por la espera, atentando contra la continuidad del espectáculo. La primera parte terminó con una muy bien lograda salida de las tropas vencidas, y el espectador quería seguir viendo lo que ocurriría seguidamente.

Muchísima gente trabajó para que todo tuviera un nivel de excelencia. Además de felicitar a los creadores, hay que elogiar a todos los bailarines, y muy especialmente a Thiago Arribas que con su corta edad permite vislumbrar que tendrá un promisorio futuro. Para hablar en términos futbolísticos, cuando él está en escena, es “el Mascherano” del Ballet. También merecen destacarse los técnicos, vestuaristas, maquinistas y colaboradores de todo tipo; especialmente Carmen Trivillín y Pelusa López por la lealtad, tesón y apoyo que han puesto siempre para con el Ballet Brandsen y sus fundadores. __BD

FOLKLORE

Recuerdo

Como todos los años, aquellos bailarines que han pertenecido en diferentes épocas al ballet folklórico de Santiago Ayala, se reúnen para despedir el año. Distintas generaciones se dan cita para recordarlo y homenajear a los dos maestros: “El Chúcaro” y Norma Viola. A mediados de diciembre pasado, la reunión tuvo lugar en la peña El Pial de la ciudad de Buenos Aires.

Parados: Mabel Sánchez Beiroa, Titina Di Salvo, Susana Dobarganes, Fierro Guillén, Stella Maris Vicente, José Luís Feijoo, Marina Jimenez, Teresa Pillet, Alfredo Lucero, Rubén López, Valentina Valle, Carlos López, Carlos Buceta, Oscar Coronel, Titi Charmiello, Hugo Jimenez, Esteban Rodríguez y Ethel Lynch.

Sentados: Graciela García, Luís Gromas, Osvaldo Ciliento, Victor Zelaya, María del Pilar Calviño, Paola Parrondo, Carlos Rivarola, Natacha Poberaj. __BD

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F O T O C O M E N TA R I O

El 28 de octubre se realizó la segunda edición del encuentro Danzar por la Paz en el Teatro Nacional Cervantes, una gala coreográfica dirigida por Leonardo Reale y Gustavo Castro, para concientizar sobre las posibilidades de un mundo sin violencia

Danzar por la Paz Naranjo en Flor

Este año, a total beneficio de Unicef, estuvieron presentes el ballet, la danza contemporánea y el folklore. Aquí, fotografías de Carlos Villamayor retratan las actuaciones de compañías estatales y grupos privados de nuestro país, pero también de Cecilia Kerche, codirectora del ballet de Río de Janeiro, Brasil, con La Muerte del Cisne. La función se abrió con el recientemente creado Himno a la Paz, a cargo del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón dirigido por Tatiana Fesenko, con una coreografía de Margarita Fernández. Brevísima y brillante fue la participación de Cecilia Figaredo con Hernán Piquín (Naranjo en Flor), también estuvieron los bailarines del Teatro Colón Karina Olmedo y Edgardo Trabalón (Carnaval de Venecia), Nadia Muzyca y Federico Fernández junto al Ballet Metropolitano (explosivos en Bastones Dorados), Julieta Paul, Bautista Parada, Aldana Percivati, Miguel Moyano, Stefanía Vallone y Esteban Schenone del Teatro Argentino de La Plata (en la clásica Suite Taurina de Leonardo Reale). El Ballet de la Unsam dirigido por Oscar Araiz (en el ingenioso Pulsos), el Ballet Martín Fierro liderado por Ariel Sosa (muchos y muy profesionales, en Gente de Agua) y Siendo Compañía de Denise Montiel de la Roche (con energía en I See Fire). __BD La Muerte del Cisne

Gente de Agua

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Saludo Final

Bastones Dorados

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Suite Taurina

Pulsos

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C O M E N TA R I O

Historias con la Barra Por Jessica Zilberman

El Campeonato Argentino y Sudamericano de Pole Dance se celebró del 21 al 23 de noviembre en la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza. Para inaugurarlo, un día antes, los competidores demostraron sus habilidades en las calles de la Ciudad de Buenos Aires Carteles que indican “no estacionar”, relojes, obras en construcción y hasta las vallas que rodean al Obelisco funcionaron como barras de Pole Dance el 20 de noviembre. Los participantes de Argentina y Sudamérica Pole Championship mostraron sus destrezas en pleno centro porteño. Así empezó a palpitarse la octava edición del certamen que coronó a la argentina María Julia Aguiar y al chileno Ricardo Bustos, quienes competirán en el Mundial de China 2016. El torneo, abalado por la International Pole Dance Fitness Association y la Asociación Argentina de Pole Sport, contó con 160 atletas. Hubo representantes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, El Salvador, Perú, Paraguay, México y Venezuela. Hombres y mujeres de distintas edades e incluso, por primera vez, concursaron niños en once categorías.

“Las competencias y los certámenes resultaron muy importantes porque fueron mostrándole a la gente que [el Pole Dance] era otra cosa: una actividad de mucho trabajo, con arte, danza, que incluye acrobacia y que nada tiene que ver con lo que se denomina baile del caño o el imaginario popular”, explicó la orga-

Hombres, mujeres y niños de Sudamérica compitieron en once categorías

36 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

nizadora del evento, Mara Latasa Saloj, directora de Art Dance Studio. Lo cierto es que este modo de expresión se originó en los clubes nocturnos de Londres como un baile erótico pero actualmente está alejado de eso. “Cualquier cuestión sexy en una competencia es descalificatoria”, declaró Latasa Saloj a Balletin Dance. La disciplina abarca técnicas de palo chino, acrobacia y gimnasia artística. De hecho, quienes la promueven, pretenden que sea incluida en los Juegos Olímpicos. En ese sentido, cabe destacar que esta práctica también es denominada Pole Sport.

Según Latasa Saloj, “la actividad que se enseña y que se practica es la misma. Las que son diversas son las competencias”. Por lo tanto, hay algunas “que tienen que ver con un código reglamento, con un puntaje por trucos específicos, donde prácticamente no hay danza ni piso” y otras, como esta, donde “la danza, la expresión y contar una historia es más importante”.

En general, las coreografías que se exhibieron incluyeron danza contemporánea. Sin embargo, el baile del tubo permite fusionar diversas actividades artísticas y eso es lo que enriquece a cada performance. “Vas a encontrar personas con muy alto nivel de habilidades gimnasticas. Hay acrobacia, ballet, una muy fuerte comunidad de danza contemporánea… algunos ex breakdancers”, enumeró la estadounidense Michelle Natoli, miembro del jurado. Según relató a esta revista, el Pole Dance en

Los competidores de los diversos países desplegaron su arte en las calles de la Ciudad de Buenos Aires Fotos . Diego Castillo

Nueva York tiende a atraer a más personas con una fuerte base de danza. “Nos gustan las figuras y los elementos de acrobacia pero ustedes hacen más de eso acá [en Argentina]”, expresó. No obstante, las clases de Pole Dance incluyen una entrada en calor, una parte de técnica, coreografía y también elongación. Para evitar lesiones, en términos de Natoli, es muy importante “saber cuándo descansar” y también realizar otro tipo de entrenamiento de la fuerza. En su caso, tiene un estudio de pilates y ese es su ejercicio complementario.

Como ella, hubo otros miembros del jurado que le dieron su tinte internacional al concurso: Yvonne Smink (Holanda), Shaina Cruea (Estados Unidos), Jorge Lera (Noruega), Ximena Riveros (Perú), Camila Fortunato (Brasil) y Francisca Murillo (Chile).

También lo integraron los argentinos Mercedes Alegre, María Luz Escalante, Manuel Coggiola, Daniela Bazán Flitt, Mónica Avellaneda y Yanina Cohen. La evaluación se dividió en tres. Por un lado, se controló que se cumpliera con todo lo detallado en el reglamento (jurado “controller”). Por otra parte, se consideró el aspecto técnico, ligado a las figuras en la barra, la fuerza, la flexibilidad y los trucos de riesgo. “Hay muy buen nivel técnico, me parece que es el mejor en años que he estado yo acá”, celebró Mercedes Alegre y completó: “es casi imposible diferenciar un amateur de un profesional y de un master”. Finalmente, se valoró la cuestión artística, vinculada a las líneas, al trabajo de piso, a las transiciones, a lo que transmite el bailarín. “El artístico es netamente un buscador de las mismas cosas que ve cualquier juez de danzas: la conexión con el público, la presencia dentro del escenario y que se mantenga una idea coreográfica de principio a fin”, detalló María Luz Escalante.

Así, el evento plasmó el lado creativo del Pole Dance, donde cada participante contó una historia con su cuerpo. Grandes y chicos dejaron atrás cualquier escrúpulo y demostraron sus habilidades bailando con la barra. __BD

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C O M E N TA R I O

De no Llegar al Vuelo Por Román Ghilotti

De lo que varía sin variar, pues se reitera en sus variaciones anulando lo potencial de esos cambios, pareciera estar constituido lo rutinario, lo mecanizado de lo cotidiano En el Galpón de Guevara, el grupo 8T/ElektroBallet presentó Crisálida, trabajo con dirección y dramaturgia de María Clara da Silva y Valentina Pagliere y coreografía de Juan González y Emiliano Falcone.

La compañía conjuga, como aproximación estética, cruces entre lenguaje de danza académica (entre sus integrantes hay bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y del Ballet Argentino de La Plata) y modalidades performáticas que incluyen lo teatral y la danza contemporánea.

En Crisálida, la propuesta se enmarca en un recorrido de formas, abstracciones de actos y situaciones al modo del ballet, surcadas por entradas de movimientos más libres y hasta actuados teatralmente, con apelaciones argumentales más sugeridas que explícitas. En este sentido, el título da una entrada concreta: “crisálida” es un estado de quietud, de expectativa si se quiere extender su significado, de aquellos insectos o personajes (extendiendo el significado) que han de tener gran movimiento en etapas posteriores. El caso paradigmático es la mariposa. Y, en el

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estado de crisálida sabemos que a futuro algo va a pasar, aunque, propiamente, como crisálida todo pareciera sólo letargo, espera, reiteración de un instante con potencial, no efectivo.

El juego coreográfico de Crisálida, muy complejo en la sucesión de cuadros y distanciamientos de personajes, predominantemente focalizado en el código del ballet, ofrece una serie de cuadros que apuntalan la idea de que todo está en ciernes hacia una realización plena.

Lo interesante radica, en términos de relato de obra, en que si bien hay mucho despliegue de movimiento y diferenciaciones estilísticas y de imagen (escenografía y vestuario de Alejandro Baamonde, iluminación de Eduardo Maggiolo), la constante es un redundar en la falta de cambio en la perspectiva de acción: una gran rutina, con muchos detalles de realización, pero que no alcanza a romper una inercia.

Redes y ataduras (Fernández -centro-, Alves, Peredo Aguirre, González) Foto . Paola Evelina

A modo de ejemplo, escenográficamente se observan redes tejidas, enormes, tiras y sogas que atan; en este encuadre, personajes que varían entre manifestaciones que remedan a insectos hasta actos que exponen a personas que, expresivamente, dan muestras de no ser cabalmente dueños de sus actos como deseos y goces puestos en marcha. Un universo que, con apariencias dinámicas, sin embargo, subsumido en repeticiones que vacían salidas diversas, termina por exponer una inmutabilidad más allá de esas mismas repeticiones.

También apuntala este concepto de una rutina que no quiebra su inercia el simple hecho de que, llegados a la sala, unas intérpretes deambulaban como cualquiera en el foyer, aunque con vestuarios “extraños” y, al finalizar el espectáculo en escena, no sólo no hubo saludo al momento de aplauso del público sino que, en la recepción, nuevamente había intérpretes continuando el asunto: una crisálida permanente.

Con muy buenas y efectivas realizaciones en movimiento y acciones, recorriendo en parte maneras del ballet, en parte zonas performáticas que imbrican lo contemporáneo de danza con lo teatral, los intérpretes (Lucila Alves, María Betania Antico, Julio Bouhier, Exequiel Etelechea, Valentín Fernández, Juan González, Victoria Álvarez Mujica, Valentina Pagliere, Aldana Percivati, Emilia Peredo Aguirre, Agostina Sturla y Leticia Taguchi) alcanzaron, en función, una sólida prestación. __BD

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E N T R E V I S TA

“Nada de Dejar Secretos” Por Gabriel Vaudagna Arango

José Zartmann es maestro de baile español, un bailarín talentoso e inquieto que se ha destacado por la inmensa pasión con la que baila. Cuando habla baila, cuando camina baila, pareciera que sus palabras bailan alguna música que sólo él conoce. Sentados en la mesa de un bar porteño, fue contando sus anécdotas mientras sus brazos volaban y su corazón se aceleraba, siendo muy difícil no emocionarse con su relato. Cada anécdota estuvo atravesada por su corazón; cada palabra, cargada de sensaciones José Zartmann es coreógrafo y formador de grandes artistas. Sus trabajos en el Teatro Colón y con la compañía de los Pericet lo han hecho destacarse dentro del ámbito de la danza. Su montaje más conocido fue el Bolero de Ravel que lo ha llevado del Colón a otras grandes instituciones como el Ballet de Salta y el centroamericano Ballet de El Salvador. Su formación académica fue en la escuela de nuestro primer coliseo pero su formación en danzas españolas comenzó con el maestro Justo Vera Ortega quien le enseñó una farruca a piano y luego unas alegrías.

Después pasó a estudiar con los Pericet e integró su compañía durante largas temporadas, incluyendo siete años de residencia en España. Entonces bailaba con su mujer, Gloria Cruz que se

retiró para criar a su hijo. Hace tiempo que su compañera de baile, montajes y reposiciones, es Mabel Espert. En una cálida tarde de verano charlamos con él para Balletin Dance.

Cuéntenos sobre sus comienzos como Antonio de la Cruz.

En un principio cambié José por mi segundo nombre, Antonio; y de la Cruz fue por mi abuela, entonces mi nombre artístico era Antonio de la Cruz. Pero al entrar al Colón retomé a mi apellido paterno (mi padre estaba feliz de que usara su apellido) así que volví a ser José Zartmann.

Empecé a enseñar en una academia de barrio en San Martín, con un año de estudio. Mirá que inconsciente que fui, total -me decía-, yo no voy a dejar de estudiar jamás, entonces mis alumnos tendrían un año menos que yo. Iba enseñando lo que iba aprendiendo, era un poco inconsciente porque podría haber arruinado a cualquiera, pero gracias a Dios no lo hice.

Eso me despertó la vocación de maestro: enseñaba antes de ser profesional en el escenario y me gustaba enseñarlo todo, nunca guardarme nada, lo que aprendía lo daba. Nada de dejar secretos...

Hace ya muchos años usted me dijo en una entrevista, que le apasiona indagar, ver a los grandes. Y que los jóvenes le devuelven mucho. Usó una frase muy asociada al educador brasilero Paulo Freire: enseñando se aprende mucho.

Es verdad. Uno refresca lo que le han enseñado y yo he comprobado que mis alumnos me enseñan cosas, hasta el día de hoy.

Por ejemplo, preparando la muestra del Estudio Arte XXI donde doy clases, que se hizo en diciembre en el Centro Cultural Borges, una alumna que tiene muy poquito tiempo de estudio, al final de un Fandango de Huelva sencillito que había montado, en el que terminaban con los brazos atrás y se iban haciendo mutis, ella me abre los brazos, me hace una mirada y sale. Yo me emocioné. Entonces les dije a todas sus compañeras que miren como tenían que terminar, les dije la verdad porque lo que sentí, ‘es tan bello lo que mis ojos vieron’. Ella me ha dado algo de lo cual yo aprendo. El final de la coreografía es de ella.

Otra anécdota: preparé la danza número II de la Vida Breve [de Manuel de Falla] con un grupo de alumnas grandes, la más joven de espíritu tiene 82 años, y ¡si supieras como lo han bailado!

También buscaba un final especial, marqué: avanzar, dar cuatro pasos y cada una de ellas, una pose. Pero una avanza, da un giro y se queda como suspendida (dice Zartmann mientras hace el

“mi vida es el baile y enseñar lo que sé” 40 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

gesto de abrir los brazos) ¡fue tan bello!. Entonces dije: ese es el final. Y la aplaudieron mucho, y creo que fue por el final más que por la coreografía. Todos somos artistas, pero hay un momento en que uno saca algo, allí, en la danza; en que se produce el arte.

Generalmente los jóvenes que dictan clases suelen pedir a los alumnos que copien todo lo que el docente hace.

Sí, después son todos clonados y ves al profesor a través de ellos.

A mí eso no me gusta, quiero que cada uno saque lo que tiene adentro, eso que es de ellos, que les pertenece y que no es mío. ¿Eso es innato en usted, o lo adquirió con la experiencia?

Siempre. Al principio no creí que los alumnos me pudieran enseñar, creía que yo era el maestro que enseñaba aquello que no era nada. Porque en mi formación primera, yo iba a una maestra de barrio que me daba clases en una galería de esas casas antiguas, no tenía barra y nos daba la clase en el centro. Con el

A José Zartmann no le gusta perder el tiempo, que se va acabando, y hay mucho para recapacitar, aprender y corregir Fotos. Gabriel Vaudagna Arango

tiempo me di cuenta que eso fue muy bueno para mi, porque trabajaba el equilibrio y la colocación, no voy a discutir sobre la barra, pero a mí esas clases me hicieron muy bien. Y luego yo veía a mis alumnos y me preguntaba si estaba bien eso o no, y entendí que mis alumnos me enseñan todo el tiempo.

¿Cómo es su vida en vacaciones?

Lo normal de cualquier ser humano y no dejar de pensar coreografías nuevas. Porque mi vida es el baile y enseñar lo que sé.

Aunque creo que hice mi despedida el otro día en el teatro del Complejo la Plaza: me contrató una academia de Quilmes para ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 41

hacer el personaje del tío mago de El Cascanueces, así que subí otra vez al escenario. Siempre digo que es la última vez, ya estoy como los Chalchaleros que siempre están haciendo su última función. No me voy de vacaciones, porque busco la paz, prefiero quedarme porque disfruto el centro de Buenos Aires vacío, sin gente.

No le gusta la computadora ni nada asociado a la electrónica.

En cambio le gusta sentarse en el patio prender la fuente de agua y escuchando ese sonido se imagina coreografías ¿cómo es?

No me gusta que se me vaya el tiempo. El tiempo se va acabando y lo que me queda ahora es recapacitar mi trayectoria, todo lo que hice, los maestros con los que estudié y ver todo lo que hay que aprender y corregir. Siempre hay algo más para aprender.

Regar las plantas como riego a los alumnos para que no dejen de estudiar y crecer. Cuidando la técnica pero que no se pasen siempre buscando el equilibrio, la técnica son las vías para que el tren pueda circular, andar, pero no hay que entusiasmarse o pasarse.

Buscar el equilibrio en la vida, en la salud, en la alimentación y claro, eso, luego, también en la danza: no amontonar pasos para que nos aplaudan más, el aplauso viene de la calidad, no de la cantidad. En lo que uno hace se ve el respeto que uno tiene a sus maestros. Después, equilibrar todo lo aprendido para que trascienda, poner el corazón, cargarlo de sentimientos y llegar al alumno, o al público (hasta el que está en la última fila), que sienta que algo le toca en la piel.

Yo he trabajado en el Colón con roles de solista o primer bailarín, pero siempre he sido un bailarín de fila, de cuerpo de baile (mi sueldo era de cuerpo de baile), pero mi satisfacción era por ejemplo, que en una de las funciones en que se hacía Giselle, yo era uno de los campesinos y estaba en la escena de la locura y para mí eso estaba pasando de verdad, me emocionaba, no quería que Giselle se muera de amor, y me conmovía de una mane-

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ra… y la satisfacción más grande que tengo, es que una persona del público se acercara a saludarme a la salida y me diga: ‘cómo se nota que en la fila del cuerpo de baile está José Zartmann’, eso me emocionó mucho, que esa pasión se trasmitía al público. Otra vez, cuando hice el Bolero de Ravel que era coreografía mía, se hizo en la puerta del Colón y era una de mis últimas actuaciones porque llegaba mi jubilación del Teatro (aunque Ángel [Pericet] decía siempre que un bailarín nunca se jubila), terminada la función una señora con un chico en silla de ruedas, mirándome, me dice: ‘cuando usted estaba bailando, yo sentí que me levantaba de la silla y salía caminando’. Nunca tendría un elogio mayor que ese.

Alguna vez me dijo ‘estoy haciendo lo que siempre soné: bailar’.¿Hay nuevos desafíos?

Seguir creando. No recreando, sino creando, nuevas coreografías.

En este tiempo que todo está atravesado por la política ¿cuál es el lugar del maestro de baile?

Yo sigo con mis convicciones desde que empecé a bailar hasta ahora y la política la manejo por separado. Tengo mis ideales: que todo gobernante tiene que ser para todos, desde el que menos tiene al que más tiene. Pero la política y el arte no son compatibles. La política es una idea de un momento o de una moda, mientras que el arte es lo que perdura de por vida. La política del arte debe ser que se defienda el arte en todas sus manifestaciones. Como las obras de Gades y las obras de los Pericet, que se sigan haciendo y se defiendan, que se mantengan las obras de repertorio. Lo contemporáneo está bien, pero hay que seguir cuidando una sinfonía de Beethoven o Mozart, o las obras de Petipa. ¿Sigue vinculado al Teatro Colón?

Ya no. Estuve 38 años en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón donde daba clases de repertorio español, una materia que inauguré yo; y 20 años en el Ballet. Ahora hay que dejar espacio a los nuevos. Aunque siempre me gustaría volver. __BD

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Por Román Ghilotti

De Continuo: lo Último del BCTSM C O M E N TA R I O

En su último programa del año, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín presentó tres espectáculos, dos estrenos: Sort Sol y Muta, y la reposición de Cuerpo Sutil Sort Sol, coreografía de Ana Garat y Pilar Beamonte, tal como se expresaba en el programa de mano, es un trabajo que se apoya en las imágenes y las configuraciones que migraciones de miles de estorninos construyen volando en el norte del norte. “Sort Sol”, en danés “sol negro”, es la metáfora utilizada en Dinamarca para expresar, asociadamente, cómo se ven esas reuniones de pájaros. Metáfora de metáfora, Garat-Beamonte trasladan el fenómeno natural a una elaboración de grupo de danza, en la que la imagen y el movimiento de aquellas cambiantes reuniones grupales, sombras de vuelo, muchedumbres que se arman y desaparecen, son transportadas estableciendo, coreográficamente, un gran ejercicio formal para grupo, en el que prevalecen dinámicas y rítmicas desarrolladas en secuencias sin solución de continuidad.

Del coreógrafo Gustavo Lesgart se estrenó Muta, caracterizada como “pieza coral para doce bailarines”. Lesgart cumple con lo que anuncia en el título: la pieza muta, cambia ininterrumpidamente, como una extensa frase de movimiento que no cierra definitivamente nunca. Reagrupando bailarines, encadenándolos en secuencias, desplegándolos o arracimándolos en formas, sin abandonar un continuo de movimiento. Las estructuraciones coreográficas, o la gran estructuración en sus diversas posiciones y desarrollos, sin solución de

Cuerpo Sutil

continuidad, transcurren elaborando una suerte de “acto blanco” contemporáneo. En efecto, el vestuario blanco, evanescente (Pablo Ramírez), hace de eco a lo clásico sin rozar demasiado al ballet en las formas típicas de éste, pero regresando a instancias del tratamiento del grupo como unidad de expresión de un cuerpo de baile.

Finalmente, la reposición de Cuerpo Sutil, de Laura Roatta (especialmente compuesta para el BCTSM y estrenada en abril pasado en el Teatro 25 de Mayo, ver El San Martín en Homenajes, en Balletin Dance Nº 241, mayo de 2015), ofreció la insistencia de un programa en el que la continuidad del fluir de movimiento hizo eje.

Roatta apela, en esta coreografía, a centrar en el giro la expresividad de lo incorpóreo, como metáfora de alabanza, como ejercicio presente y manifiesto en las evoluciones de los cuerpos. En el trabajo los cuerpos giran, varían maneras de hacerlo, establecen configuraciones geometrizadas en las que las incidencias de cambios en las formas, los escorzos y las dinámicas establecen focos de permutaciones sutiles que tanto se acrecientan en sus esfuerzos como se desvanecen hasta sus sombras.

Tres trabajos disímiles, con la formalidad en la imagen de GaratBeamonte, con la variación en el grupo como unidad de Lesgart y con la reiteración cambiante del giro de Roatta. Tres trabajos en propuestas kinéticas que, en su instanciación se dieron sin cierres, sin soluciones de continuidad. Tres trabajos ofrecidos con muy buenas resoluciones técnicas y expresivas, acordes con las exigencias de cada uno de ellos, por parte del Ballet Contemporáneo en función.__BD

Muta Fotos . Carlos Flynn 44 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

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Dos, Lo Que se Disuelve

Espectáculo de danza-teatro de fuerte raíz tanguera, con apertura a otros géneros que contribuyen a la dramaturgia. La potencia coreográfica de los cuadros es la base para que en ellos se anude la palabra, la música y el silencio. El encuentro-desencuentro amoroso, es el laberinto en el que quedan marcados los rastros de las almas heridas y a veces, sanadas. “Así, todos vamos navegando los días en la persistencia del espejo y la fugacidad del otro, como verdadero extranjero de mí”, dice Frigoli, coreógrafa e intérprete del show que lleva textos y dramaturgia de Jorge Huertas.

Foto . Jonny Lambert

en Cartel.

Con veinte artistas en escena, entre bailarines y músicos se presenta esta obra de flamenco y tango, que transcurre en Buenos Aires a comienzos del siglo XX. Los arrabales porteños, los empedrados y conventillos, recibieron una importante inmigratoria europea a causa del hambre provocada por las guerras, y también migraciones del campo a la ciudad. Todo tipo de culturas confluyeron, creando un nuevo grupo, una nueva cultura: el tango, con el malevo y el compadrito. Los gitanos -castigados y juzgados- se hacen ver refloreciendo el flamenco. Todo esto se cruza con una historia de amor, entre una gitana y un porteño.

El elenco se completa con los bailarines Natalia Royo, Mariela Moreno Pazos, Sheila Buchi, Juan Ayala y Cristian Riveros.

Los músicos Baldomero Cádiz y Mónica Poblete (voz), Diego Jara (guitarra), Jordan Migues (percusión), Daniel López (bajo) y Patricio Bonfiglio (bandoneón).

Foto . gentileza de la producción

Pecado Gitano

De Dana Frigoli y Sergio Falcón Compañía DNI Tango. Dana Frigoli, Adrian Ferreyra, Virginia Cutillo, Jonny Lambert, Juan Pablo Canavire, Sara Westin, Raúl Palladino, Mariana Soler, Marcos Celentano y Chiara Beringuer. Segundo elenco: Geronimo Dorkas, Josefina Stellato, Sofia Frigoli, Caroline Mathias, Dulce Lauria, Gonzalo Tolaba, Pio Capucci y Lya Elcagu.

Viernes a las 23 hs y sábados a las 21 hs (enero y febrero). El Galpón de Guevara: Guevara 326, Tel: 4554-9877

Dirección: Marcela Rodríguez, Margarita Fernández Coreografía: Marcela Rodríguez, Laura Roatta Con Marcela Rodríguez, Roberto Rodríguez, Mauro Caizza y elenco.

Enero, febrero y marzo. Teatro Premier: Av. Corrientes 1564, Tel: 4374-2113

ESTUDIO DE DANZAS

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INAUGURADO EN 1987

rollersilvia@gmail.com VIRREY DEL PINO 2352 TEL: 4781-4172

Clases desde los 3 años: Iniciación a la danza Danzas clásicas · Danza jazz · Contemporáneo Arabe · Hip Hop · Tap · Pilates · Yoga Gimnasia con barre à terre Paola Alves, Guiliana Bonacera, Jennifer Cerrotta Claudia Lucena, Micaela Milanesi, Yasmín Hiasche Nina Marcela Ricci, Silvia Roller, Valeria Perez Roux Sofia Sancinetti, Agostina Schiavi, Agustina Vivone

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E N T R E V I S TA

Isa: Un Mundo en 16 Instancias Por Toni Más

Con más de treinta años consagrados a la transmisión de danzas de matriz africana, la profesora y bailarina brasileña María Isabel Soares (Isa), relató a Balletin Dance la novedad de su metodología de enseñanza, que recrea la milenaria cultura Yoruba, de la cual ha sido depositaria, sin ser iniciada, y una transmisora excepcional, a través de la Danza Afro, en Argentina Alabase (aquel que comparte una tarea) es el título que identifica al Instructorado itinerante, basado en el “Xirê de los Orixás”, que, a partir de este 2016 desarrollará Isa Soares. En general, xirê significa rueda, o ronda; Orixás, deidades del panteón de la cultura Yoruba. Más allá del carácter de su ejecución, sea litúrgico-ritual, profano-festivo o como espectáculo artístico, serán, al menos, 16 las deidades que recrearán los elementos específicos

Isa Soares en su habitual aura de paz Foto . Andrés Cuenca

48 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

de su danza. En la propuesta de la maestra, la palabra xirê, reinterpreta el término siré del idioma Iorubá y lo traduce como: juego, práctica de un deporte, o fiesta, en 16 instancias. Y, asimismo, la palabra Orixá: Ori =cabeza, Sha/xa = dueño, guardián. El grafema (x) revaloriza su escritura y fonética a partir del desarrollo de la cultura Yoruba en Brasil, y su idioma portugués.

El dígrafo (ch o sh) se asocia a la evolución en Cuba, el Caribe y algunos países hispanoparlantes de Latinoamérica, aunque en Argentina, Uruguay y Paraguay se manifestará con la influencia afrobrasileña.

La estructura clásica del Xirê nace dentro del Candomble, práctica religiosa que acogen millones de brasileños procedentes de todas las clases sociales y diversas etnias hace, aproximadamente, 400 años. Aunque la cultura Yoruba cuenta con 401 deidades, indisolublemente unidas a los elementos de la naturaleza: agua, fuego, tierra y aire (con sus respectivas analogías), serán 16 las que harán su ronda en el Xiré. A saber: Exu, Ogum, Xango, Omulu, Oxossi, Ossain, Ewa, Oba, Naña, Oxum, Iemanja, Iansa, Oxumare, Iroko, Ifa u Orunmila y Oxanla.

En la Santería Cubana, o Regla de Osha-Ifá, se aprecian semejanzas generales, aunque la esencia es la misma. Entre otras, se señalan la del Toque de Tambor, ya sea de carácter semiritual o festivo (Aberikola) o sagrado y/o de fundamento (Añá), siempre determinado por los tambores Batá1. Igualmente, el culto a los Orishas fue ampliamente difundido, en toda la Isla, por similar cantidad de siglos, aunque la proliferación del culto de Ifá ha sido fundamental desde el siglo XIX. También, a través del sincretismo religioso de estas deidades de la cultura Yoruba con otros cultos provenientes de África y la asimilación del Catolicismo, el Espiritismo (Kardecismo en Brasil), sin olvidar a la Pacha Mama, se implantó una elaborada modalidad o combinación integral originaria de América y con diversas variantes regionales.

Como docente y coordinadora del área de Danzas afroamericanas en el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires, desde 1990 al 2006, Soares tuvo a su cargo eventos y muestras anuales. Allí abrió este espacio académico a 1 Batá: significa familia y hace referencia a la orquesta, batería o juego de tambores. Según Fernando Ortiz, los tambores Batá “son musicalmente los más valiosos” y pertenecen a los Yoruba. Son tres tambores de madera ahuecada y diferente tamaño: Iyá(madre), Itótele(hermano mediano) y Okónkolo(hermano pequeño). Son bimembranófonos, cerrados y ambipercusivos de forma clepsídrica, cuya afinación se realiza por la tensión de sus cueros a los aros de madera flexible presentes a cada lado, apretando sus tiraderas de piel y cruzando las tiraderas longitudinales con las transversales.

las expresiones de danza, de perfil similar. La capacidad de apropiación y transmisión, sostenida en el tiempo, de la milenaria cultura Yoruba, resignificada, por Isa, en función de la docencia en una sociedad celosamente regida por el catolicismo, revela una aguda intuición y un talento pedagógico innato. El hecho de carecer de las diversas iniciaciones esotéricas que sustentan gran parte del arte africano, no fue limitante para ella, quien confiesa que tampoco es “aleyo” especie de practicante laico en Osha-Ifá. Aunque en su quehacer cotidiano, y en soledad, también danza el Xiré de los Orixas.

En el año 2005, durante las Jornadas Afroamericanas organizadas por el Ile Ase Osun Doyo2, en La Manzana de las Luces, alguien pidió dedicar una canción en honor a la memoria de la Iyalorixa Gladys Mallorca, su fundadora. La melódica voz, a capela, inundó el recinto que estalló en aplausos al finalizar la cálida improvisación. “Se llama Isa, Isa Soares y es profesora de danzas afrobrasileñas”, me dijeron. La abordé, porque me habían hablado mucho de su labor docente. Meses más tarde, me sorprendió con su presencia en un curso que impartí en la antigua Fundación Konex. Desde una esquina, absorta en su habitual aura de paz, observó cada movimiento. A fines de 2006, le acerqué una propuesta para impartir juntos un seminario desde las perspectivas afrobrasileñas y afrocubanas, consolidándose allí, mi gran admiración por la singularidad de su tratamiento con 2 Ile Osun Doyo es el Primer Museo Afroargentino e Instituto de Investigación y difusión de las Culturas Negras, fundado en 1986, sito en Húsares 476, Villa Tesei, Hurlingham, provincia de Buenos Aires.

“Estoy muy satisfecha con las obras y piezas coreográficas que elaboran mis ex-alumnos. Salvo en algunas excepciones, donde aprecio un excesivo desborde y cruzamientos desde el ‘desconocimiento’. Para improvisar, antes, se debe conocer en profundidad y así se evitan anacronismos y caracterizaciones grotescas que desvirtúan la esencia del legado afro”.

Foto . Nico Murcia

estas danzas y por su gesto magnánimo, sorprendido al enterarme que, hasta ese momento, jamás había compartido sala con otro docente.

LOS INICIOS “De San Pablo llegué a Bahía Blanca, provincia de Buenos Aires, en 1983, para acompañar a mi esposo en su proyecto laboral. Soy una maestra de primaria que abandonó su profesión y una carrera de Filosofía y Letras, debido a que las mujeres de mi generación seguían a sus parejas, según el mandato familiar de aquella época. En un instituto, en el centro de esa ciudad, comencé a impartir stretching, que estaba de moda, y apliqué algunos elementos de soul, jazz, clásico, contemporáneo y de las danzas afro, que ya había trabajado en Brasil. Así logramos armar un grupo grande de señoras a quienes les encantó la propuesta. Más allá de lo heredado en casa y en mi pueblo, fue mi maestro Wilson Silva quien despertó mi pasión por la técnica de las danzas afro. Esas investigaciones iniciales en mi tierra facilitaron que me aventurara con esta modalidad y resultó algo diferente, ya que aquí rompía con ciertos estereotipos del movimiento que en Brasil son naturales, lo traemos en el cuerpo.

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 49

Wilson era un gran bailarín académico y me fascinó su dominio técnico total, con él comencé mi investigación sobre la africanidad y, posteriormente, fui descubriendo otras vertientes dentro de esta vasta cultura”.

En 1983, culmina el proceso dictatorial en Argentina ¿Por qué, a pesar de las aperturas democráticas de 1988, en Brasil, y las posteriores iniciativas culturales y artísticas, jamás regresó a su país, al menos, a probar suerte?

“Creo que las costumbres de cada región, o país, moldean los cuerpos y la forma de relacionarse de sus ciudadanos. Ciertas características del argentino, en cuanto a su modo de moverse y danzar, atravesaron mi cuerpo. Ese lenguaje extraverbal me decía que yo podía ofrecer algo, quizá no reproducir el modo de moverse del brasileño, pero sí brindar algo, más allá de modas efímeras y convencionalismos oportunos, en cuanto al arte de la danza se refiere. Por eso todavía no retorné definitivamente. De hecho, cuando llegué, ya existían algunos artistas de Brasil que residían acá y se habían ganado un significativo reconocimiento y respeto tanto en la docencia como en el ambiente del entretenimiento. Por ejemplo: Estela Delfino, Joel Vieyra, Serghina Boamorte, Yuyú Dasilva, Teresinha Texeira, entre otros tantos que no logro recordar ahora. La democracia, en general, fue vital para que se iniciara ese lento reconocimiento de la, siempre relegada, cultura y presencia afro, no sólo en Argentina, sino en Latinoamérica; salvo en algunas poblaciones donde resulta imposible negarla, como en mi país, a pesar de la evidente complejidad de los conflictos que, aún hoy, infiere esa convivencia”. ¿Qué opina de la Resolución 68/237 de la Asamblea General de las Naciones Unidas, votada unánimemente en 2013, que proclamó el Decenio Internacional de los Afrodescendientes, que comenzó el 1º de enero de 2015, bajo el lema “Afrodescendientes: reconocimiento, justicia y desarrollo”?

“En buena hora ha llegado. Dictaminaron 10 años para que nosotros trabajemos en aras de despertar una conciencia mundial al respecto y reflexionar, en comunión, desde el respeto a la pluralidad y las diferencias. Es un espaldarazo decisivo para nuestra población y para las nuevas generaciones que se “autoperciben” afrodescendientes, aún siendo de ojos azules y pelo rubio, más o menos rizado. Es sabido el mestizaje profundo que de formas infinitas se suscitó en Latinoamérica, tanto el forzado por las violaciones como por elección personal, durante casi 500 años.

Hay un cambio radical en la estructura de pensamiento de muchos en el mundo que, a través de la asimilación del legado afro, han reorientado su proyección artística en la danza, la música, la plástica y en otras expresiones y disciplinas estéticas. Es decir, le han dado un eje más objetivo a sus vidas. Ojalá que la cosecha trascienda el plazo institucional que, con el citado Decenio In-

“Soy docente y me gusta aprender. El espacio de la enseñanza retroalimenta y es muy diferente al del escenario y sus demandas. Por eso jamás hice una agrupación o una compañía de danza, cosa que me parece fantástica para otros con los que incluso colaboro, sólo como invitada”.

Foto . Nico Murcia

ternacional, ya supondría saldada la deuda histórica que tienen Europa, y la cultura occidental, con África y América”.

¿Considera que existe un verdadero respeto por la cultura afro?

“En lo personal, he recibido mucho amor y respeto desde que inicié esta tarea hace más de tres décadas. El entramado institucional estatal y privado ha entendido poco nuestra labor y esto conlleva a que exista un uso y abuso del legado de quienes somos transmisores directos del mismo. Por lo que se han multiplicado espacios y escenarios, que se suponen de referencia, en los que se ofrece un contenido vacío, con una forma llamativa por lo ruidosa y se denomina danza afro, acto que creo irrespetuoso.

Es algo muy complejo en lo que estamos trabajando, pues si la Universidad Nacional de las Artes se clasifica, por ejemplo, danza, tango y folklore, esto -repito-, creo, imprime cierta jerarquía a danzas foráneas por encima de estos reales baluartes de la propia cultura argentina, incluso de un patrimonio de la cultura universal, en el caso del tango. Criticamos la falta de memoria hacia los desparecidos durante las recientes dictaduras, el holocausto nazi o la trata negrera. Pero ¿qué está sucediendo con nuestro legado aquí y ahora? Lo acontecido hoy dará resultado en la vida del mañana.

La vida es un Xiré y se debe practicar con el debido respeto, para que Olofin3 nos conceda siempre su bendición”. __BD

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50 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

Dentro de la mitología Yoruba, la trinidad Oloddumare, Olofin y Olorun son los máximos responsables de la creación del universo. Olofin es la divinidad omnisciente y omnipotente que rige a los orishas, humanos y todos los seres vivos del planeta.

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E N T R E V I S TA

Pensar la Danza Por Román Ghilotti

La destacada coreógrafa, docente e investigadora Susana Tambutti, habló con Balletin Dance sobre aspectos que hacen a los derroteros y problemáticas de la danza en la actualidad, recién llegada de la FID (Finestra d’Internacionalització de la dansa catalana / Ventana de Internacionalización de la danza catalana) en Barcelona “Asistí a una plataforma que tenía un objetivo distinto al que se logró. La idea era reunir a gestores, programadores, curadores y artistas para tener diálogos, debates, tal vez uno a uno, sobre la problemática de cómo debería ser hoy la relación entre un gestor y un artista. Pero, es muy difícil correrse del lugar del marketing y participar solamente del debate. A la hora de mostrar sus obras el artista quiere meterse en el mercado, lo cual es lógico, es su trabajo. Así, esta relación que diría mercantilista se fagocita la otra buscada, la que va en el debate, que no tendría ningún beneficio económico para ninguna de las partes”, indicó la investigadora al hablar de su reciente encuentro en España.

LA DANZA HOY “Habría que particularizar. Podría decirse que hay una tendencia al conceptualismo en ciertos grupos franceses, ni siquiera en todos. Acabo de venir de España donde vi ocho obras de españoles, muy diferentes entre sí. Lo que podría señalarse como una tendencia es una línea conceptual: el coreógrafo, más que un portador de pasos es un portador de ideas. Esto tiene que ver, al menos en parte, con la irrupción de la enseñanza artística en las universidades. Estas nuevas figuras que se discuten, para mi gusto todavía en germen, no se han profundizado. Palabras como “investigación artística”, “la forma artística como una forma de conocimiento”, en realidad un concepto muy viejo, que ahora aflora fuerte y tiene que ver con la creación de las universidades.

En ese sentido, en Europa, por lo menos, las universidades dedi-

cadas a cuestiones artísticas están en problemas con sus programas, no sólo aquí”.

“El campo de la danza no es ajeno al impacto de determinados cambios en los formatos, en lo que acompaña. La irrupción de la universidad, como te decía: podemos ver a coreógrafos que empiezan a preocuparse por si tienen que hacer una maestría. No digo que no se pueda hacer eso, pero una cosa es: “quisiera hacer una maestría”, y otra, pensarlo como una necesidad. Me parece que los artistas están, peligrosamente, incorporando el impacto de la vida académica, con un cierto sometimiento, cuando en realidad la vida académica debería estar sometida a la praxis, porque, si los artistas no existieran, la universidad no existiría.

Por otro lado, esta danza se va desdefiniendo en su reconocimiento. Décadas atrás, alguien podía reconocer fácilmente si era danza o no era danza. Actualmente, la pregunta o el comentario común es: ”ah, bueno, pero no hace mucha danza”, ¿qué sería hoy la forma de danza? Esto ha creado una capa intermedia, un rol intermediario, de gestores, programadores y curadores, como si el artista necesitara una mediación para llegar al público. Por ahí, sí lo necesitan; me lo estoy planteando. Pero esto tiene que ver con otra cosa mayor: esta danza en donde el artista ya no es el que baila bárbaro, sino que es portador de ideas; entonces, la relación con el espectador también cambió, y aparece la figura del mediador. En otras artes, también la idea de gestión, es algo común. En nuestro medio, hasta mediados del siglo XX, la forma de relacionarse del

SUSANA TAMBUTTI Arquitecta, coreógrafa e investigadora. Fue co-directora de Nucleodanza (1974-1997), Titular de Historia General de la Danza, Directora del Instituto de Investigación y de la carrera de posgrado Nuevas Tendencias Contemporáneas del Departamento Artes del Movimiento de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Titular de Teoría General de la Danza de la carrera de Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA), en la maestría en Educación Corporal de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) y en la maestría de Performance, del Departamento de Artes Dramáticas (UNA). Curadora de la Bienal de Performance 2015. Programadora de la sección Danza del Centro Cultural Kirchner.

“Hoy me interesan más, las obras que tienen algún desafío crítico” Fotos . Román Ghilotti 52 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

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DE PING PONG

¿Tap o cumbia?

Me gustan los dos. Puedo contar una anécdota divertida: mi mamá consideraba que un artista era un artista completo si sabía zapateo americano, ella no decía tap. Se ve que me ha quedado eso. Y la cumbia, bueno, porque es la cumbia… (risas). ¿Étoile femenina o étoile masculino?

Masculino. Por gusto. Me gusta la danza masculina cuando tiene destreza fuera de lo común, no estoy hablando del ballet. Quizá sea por una cuestión residual machista (risas).

Por ahí tengo algo residual de la belleza apolínea masculina, lo que es un cuerpo hermoso. Pero por ahí es un problema atávico de la danza, aquella unión de danza y belleza de la que, por suerte, nos fuimos alejando. ¿Tango/milonga o foxtrot/quickstep?

Tango y milonga sin duda. Milonga sobre todo. ¿Fred Astaire o Gene Kelly?

Son dos estilos muy diferentes. Por una cuestión afectiva, Fred Astaire, porque tuve más contacto con sus películas. ¿Merce Cunningham o Paul Taylor?

Ahí no se puede dar una respuesta directa. Habría que ver qué de Cunningham, los happenings me encantan. Pero los dos tienen aspectos muy diferentes dentro de sus mismas líneas. Acá se encasilló a Cunningham dentro de una cierta cosa. En definitiva, la verdad, ahora que lo pienso, no me interesa ninguno de los dos. Hoy por hoy, el valor de la danza por la danza ya no me está golpeando. Hoy me interesan más, las obras que tienen algún desafío crítico.

artista de la danza con su público, o para conseguir trabajo, no era ir a una plataforma y armar una red, esas figuras no existían.

Después de la Segunda Guerra aparecen otras formas. En nuestro medio no fue tan inmediato. En distintos lugares, especialmente en Estados Unidos o Japón, ya el desarme del contorno de la palabra danza es evidente. El problema de la desdefinición de la danza, lo tenemos con la Judson o con el butoh. Y, obviamente, si hay cambios en los modos de producción, hay que enfrentar los cambios en los modos de recepción.

Por otra parte, está la idea del artista como productor de conceptos o ideas, y esta es una cosa que yo me inventé, no sé si estará bien o no. En casi dos décadas en que se está insistiendo en qué es un cuerpo, en las filosofías sobre el cuerpo, lo que se sostiene detrás es una distancia respecto del cuerpo. Este énfa-

“Si los artistas no existieran, la universidad no existiría”

sis en la idea de somos un cuerpo, justamente acompaña a una danza que está distanciada de lo corporal. Por supuesto que hay excepciones. Pero se apunta a la cosa virtual, al trabajo que tiene que ver con aquellas danzas que tienen que ver con imágenes.

HOY, LA DANZA, AQUÍ En lo local veo que están a tono con cosas que se hacen en otros lugares, pero que no podría hacer un artista que no sea nuestro. Un rasgo, algo nuestro, es cierto humor paródico, que no tiene que ver con lo cómico, que podría venir del grotesco, del circo criollo. Incluso en las técnicas, porque acá se usó hasta no hace mucho el clown, eso hace que las creaciones de las últimas generaciones tengan algo rioplatense. Nosotros somos un país bastante grande y muchas veces entendemos como Argentina lo que pasa en la Capital Federal. Por eso digo rioplatense, donde quizá estamos más en consonancia con cosas que pasan en Montevideo a lo que pasa en nuestras provincias. Y, además, digo con dolor que no tengo tanto contacto con la danza que pasa en las provincias, me gustaría saber más, voy a intentar este año incorporarlas un poco más, voy a ver si me puedo dar una vuelta. __BD

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Equilibrio a partir de la interrelación de fuerzas opuestas

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 53

IN MEMORIAM

Patricia Stokoe

Buenos Aires, 1919 - San Carlos de Bariloche, 1996

El 26 de enero se cumplen 20 años de la muerte de Patricia Stokoe, creadora de la expresión corporal como disciplina artístico-pedagógica de danza. Por este aniversario, Adrián Klas, director de publicaciones del Centro Artístico que lleva su nombre (CAPS), hizo llegar a Balletin Dance, una reseña biográfica que sintetizamos a continuación Hija de inmigrantes ingleses (padre abogado y madre docente), Patricia Stokoe, nació en Buenos Aires y pasó su primera infancia en la Estancia Santa Isabel, en el sudoeste de la provincia de Buenos Aires, de la cual su papá era el administrador. Cursó sus estudios primarios y secundarios en la escuela anglo-argentina de Buenos Aires y al llegar a la mayoría de edad viajó con su familia a Inglaterra para conocer a sus parientes. Se quedó en Londres con su hermana, e inició sus estudios de danza en la Escuela del Royal Ballet, bajo la dirección de Agnes De Mille. Integró varios cuerpos de danza antes de declararse la Segunda Guerra Mundial, que la llevó, integrando uno de ellos, hasta la India y el sudeste asiático en plan de entretenimiento de tropas. Dichos viajes influyeron en su cosmovisión humanista, enriqueciendo su personalidad con saberes culturales del cercano y lejano oriente.

Tras la guerra, abrevó en las nuevas tendencias de danza moderna y contemporánea lideradas por Rudolf Von Laban y Mary Wigman, entre otros, como en otras disciplinas relativas a lo corporal, desarrolladas por Moshé Feldenkrais, Matthías Alexander y la incipiente Eutonía de Gerda Alexander, con quien trabó amistad de por vida.

De regreso en la Argentina conoció al arquitecto y músico Gyogy Kalmar (con quien se casó y tuvo dos hijas: Déborah y Leslie), mentor del Camping Musical Bariloche. Ingresó al cuerpo docente del Collegium Musicum de Buenos Aires, donde inició su propia práctica, que denominó Expresión Corporal. Integró también el cuerpo docente de la Escuela Nacional de Danzas María Ruanova (hoy Universidad de las Artes) cargo que abandonó por haber sido hostigada debido a sus ideas progresistas de izquierda.

Fundó su propio espacio docente, el Primer Estudio de Expresión Corporal-Danza Patricia Stokoe, el Profesorado de

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Foto . Déborah Pruden

Expresión Corporal y el Grupo Aluminé. Fue fundadora del Movimiento Argentino de Educación por el Arte (MAEPA).

Luego de enviudar, se casó con el director teatral franco-rumano Oscar Fessler, de quién recogió substanciales enseñanzas en lo que posteriormente se conoció como danza teatro.

Escribió cantidad de libros referentes a la especialidad, que abarcan desde el jardín de infantes hasta la universidad, en los que desarrolla su concepción de la danza como una actividad creativa inherente a la condición humana y pasible de ser ejercitada por personas de toda edad. Junto a los de su hija y discípula, Déborah (directora del mítico estudio de la calle Monroe, del barrio de Belgrano, hoy Kalmar-Stokoe), conforman bibliografía fundamental de la materia.

Patricia Stokoe fue principal formadora de docentes de expresión corporal, con cursos dictados en nuestro país, Latinoamérica, Europa y Asia. Ha sido y es objeto de estudio de numerosos autores e investigadores. Varios centros de formación docente en la Argentina llevan su nombre. También influyó en el campo musical junto a Violeta Hemsy de Gainza.

La Expresión Corporal Danza de Patricia Stokoe, es una disciplina artística que promueve la salud corporal a través de una actividad que educa física y mentalmente; es vehículo de manifestación cultural y ha servido a infinidad de personas a tomar conciencia de sus potenciales recursos expresivos, ayudándolas a desmitificar preconceptos sobre limitaciones y exclusividades artísticas, propias de élites, excluyentes de las mayorías populares. __BD

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

ENERO Danza Clásica: Leticia Miramontes

Danza Contemporánea: Mariana Montepagano

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ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 55

actualidad

Unión Latinoamericana Del 4 al 6 de diciembre se realizó el séptimo encuentro de la organización Ópera Latinoamericana (OLA) en el Teatro Colón A la cumbre asistieron directores de los teatros que conforman la agrupación dirigida por Alejandra Martí y presidida por Darío Lopérfido (Teatro Colón): Valeria Ambrosio (Teatro Argentino de la Plata), María Jaunarena (Juventus Lyrica de Argentina), Andrés Rodríguez (Teatro Municipal de Santiago de Chile), Carmen Gloria Larenas (Teatro del Lago), Ramiro Osorio (Teatro Mayor Julio Santo Domingo de Colombia), Chía Patiño (Teatro Nacional Sucre de Ecuador), Daniela Bouret (Teatro Solís de Montevideo, Uruguay), Gerardo Grieco (Auditorio SODRE), Thomas Yaksic (Teatro Municipal de San Pablo, Brasil), Luiz Fernando Malheiro (Teatro San Pedro), Joao Guillherme Ripper (Teatro Municipal de Río de Janeiro), Sergio Ramírez Cárdenas (Instituto Nacional de Bellas Artes de México) y por primera vez, estuvieron presentes directivos de las principales casas de ópera de España, Joan Matabosch (Teatro Real de Madrid), José Luis Riveros (AudiJoao Guiherme Ripper y André Cardoso, exponen sobre el Teatro Municipal de Río de Janeiro Foto . Teatro Colón | Máximo Parpagnoli

56 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

torio General de Tenerife), Jorge Juan Culla Bayarri (Teatros El Canal y Auditorio Escorial) y Luisa Molina (Opera de Bilbao), entre otros.

El objetivo de Ola, es lograr intercambio de información, promoción y educación de los nuevos talentos artísticos del continente como así también la realización de cursos, talleres y master classes enfocados al desarrollo integral de los artistas.

En la reunión se resolvieron varios acuerdos de co-producciones y arriendo de títulos (2016 y 2017), que propiciarán la circulación de las óperas en la región, y el fortalecimiento del trabajo en red de los teatros, enfocado en el intercambio de producciones. Además se acordó estudiar la constitución jurídica de Ópera Latinoamérica como fundación u ONG (con sede en Chile), establecer alianzas con Ópera Europa y Ópera América e implementar proyectos audiovisuales, digitales y de contenidos en conjunto, entre otras cosas.

En enero se realizará una reunión de planificación estratégica en el Teatro Municipal de Santiago, cuyos resultados serán analizados en la conferencia anual en México, y en agosto, será la segunda reunión de 2016 en Montevideo, aprovechando la conmemoración de los 160 años del Teatro Solís, que incluirá dentro de sus actividades un seminario sobre nuevas audiencias. __BD

actualidad

Herramientas en Internet El Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la ciudad de Buenos Aires, Prodanza, lanzó el mes pasado la Matriz de Servicios para la Danza y presentó el segundo informe del Estudio de Actualización Ambas opciones están disponibles en internet, a disposición de todos los interesados. Se trata de una serie de herramientas ofrecidas por el gobierno porteño que pueden servir para el desarrollo estratégico de la danza, su sustentabilidad y el de sus protagonistas (creadores, gestores, aficionados, bailarines, compañías y organizaciones). Prodanza ha organizado la información a modo de guía, para que la ciudadanía pueda conocer y utilizar esa diversidad de servicios públicos (canales de apoyo y promoción de la danza). Son setenta fichas de convocatorias (de diversos organismos y programas), con sus datos de contacto y formas para postularse.

Seguramente durante este verano se llame a concurso para postularse para los subsidios que otorga anualmente la institución. Cabe señalar que la convocatoria 2015 del Fondo Metropolitano de las Artes y las Ciencias (y su respectiva área de Fomento para la Danza) no arrojó ningún resultado (no se anunciaron los fallos del jurado) al cierre de la presente edición de Balletin Dance.

Por su parte el Estudio de Actualización (disponible en http:// goo.gl/1jGqW2) versa sobre la escena de la danza independiente en la ciudad (el primer informe había sido en 2009) que permite conocer la composición, dinámicas y tendencias del sector, recabados a través de entrevistas y de un trabajo de campo sociológico. __BD

Foto: Alicia Sanguinetti

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Segunda Jornada

Tercera Jornada

Cuarta Jornada

APRENDIZAJE SIGNIFICATIVO PLANIFICACIÓN

LA EVALUACIÓN

RESOLUCIÓN DE PROBLEMÁTICAS COMUNES

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Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Sábado 13 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Domingo 14 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Lunes 15 de febrero Teórico: 9: 30 a 12:30 hs.

Práctico: 13:30 a 15:30 hs.

Mecanismos del movimiento,

Recursos para optimizar el trabajo en clase, proyectos,

La Evaluación: mucho más que poner una nota, para qué y

Problemáticas planteadas por los participantes, con solucio-

realidad del aula, metas y objetivos, estrategias.

cómo evaluar, tipos de evaluación, autoevaluación, co-evaluación.

nes contextualizadas en un marco teórico referencial.

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ARGENTINOS EN EL EXTERIOR | ESTADOS UNIDOS

Carmen de Buenos Aires

La compañía This Is Tango Now estrenó su reciente producción en Boston, Carmen de Buenos Aires

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La obra está basada en la música original de George Bizet, “pero adaptada o arreglada para tango y flamenco” explicó Fernanda Ghi a Balletin Dance, directora junto a Guillermo Merlo de la compañía This is Tango Now. “El público quiere ver al tango en otro contexto y nuestra compañía se lo está ofreciendo”, aseguró.

“Estamos todos súper orgullosos del proyecto, que nació casi sin querer y fue posible gracias al apoyo de unos genios -continúa la bailarina- como Guillermo Merlo (bailarín y coreógrafo), Alfredo Minetti (pianista y antropólogo), Richard Scofano (compositor de la música completa del show), Alfredo Aníbal Corrado (una puesta de luces súper integrada a la obra), José Galvañ y Rosa Belomonte (bailaores flamencos), Jairelbhi y George Furlon, Mariela Barufaldi y Jeremias Massera (parejas de tango) y Paco Fonta (guitarrista flamenco). Cada uno aportó algo propio a este proyecto”.

Si bien la adaptación del libro de la ópera Carmen y la dirección fue de Fernanda Ghi, Guillermo Merlo, Alfredo Minetti, Anibal Corrado y Richard Scofano, “cada uno de los artistas hizo que esta Carmen de Buenos Aires sea única. Cada noche el público nos despide de pie”.

Para finalizar, un deseo: “Llenamos cuatro teatros la semana pasada acá en Boston. ¡Cómo me gustaría poder presentarla en Argentina. Ojalá se dé!” __BD

JUANA LEDERER Elongación x Elongación, Técnica clásica y repertorio Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia Egresada del Conservatorio Nacional de París

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Fernanda Ghi y Gustavo Merlo Foto . gentileza This is Tango Now

INTERNET

¡Disfrutalo!

“Lleva años de práctica perfeccionar las piruetas. Meses de ensayos para realizar crescendos de la manera correcta. Múltiples historias de luces, rigging y maquinarias para armar el set de la escena. En el mundo de las artes escénicas, artistas, vestuaristas, diseñadores, compositores, directores de escena y escenografía, jefes de salas, y muchos más, se unen para juntos crear el momento perfecto en el escenario. Y ahora tu puedes disfrutarlo”, explicó en parte de prensa la multitudinaria empresa.

A partir de este mes, podrás ver funciones virtuales desde tu computadora, realizadas en el Carnegie Hall (Estados Unidos), la Opera de Berlín (Alemania) o el Teatro Bolshoi de Moscú (Rusia), entre otras sesenta organizaciones de todo el mundo. Ya se encuentran disponibles online funciones de danza, teatro, música y ópera, con filmaciones del escenario y del detrás de escena, con una visión de 360º sobre la acción. Será lo más parecido a estar físicamente sentado entre el público.

Con el mouse señalás hacia dónde querés mirar, y podrás acercarte (tremendamen-

El Instituto Cultural Google presentó el mes pasado su nueva y fascinante propuesta virtual: Step on Stage, Performing Arts

te) o alejarte de tu objetivo, como si fuese en tres dimensiones. Podrás meterte en el foso de la orquesta, mirar hacia la platea, o subir al medio del escenario (en algunos teatros) y bailar entre el cuerpo de baile.

Esta propuesta se suma a las visitas guiadas en 360º que ya ofrecen varios coliseos internacionales, entre los que se cuenta el Teatro Colón: recorrerlo así es realmente impresionante. Se accede en algunos casos a cursos, ensayos, talleres de escenografía y vestuario, siguiendo más de cien breves historias interactivas sobre los espectáculos, los artistas y el mundo detrás de escena. Podés recorrer el teatro a través de Street View primero, para elegir la butaca que ocuparás el día de la función.

El Instituto Cultural Google Cultural se fundó en 2011 para acercarle el mundo a toda persona que posea conexión a internet, asociados primero con un puñado de renombrados museos hoy cuenta con más de 900 instituciones culturales en todo el mundo.

Podés acceder desde el teléfono, una tablet, una laptop o una computadora de escritorio: g.co/performingarts y en la web: www.google.com/culturalinstitute/project/ performing-arts. __BD

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 59

INTERNACIONALES | CHILE

El Ballet Nacional Chileno de cumpleaños Para celebrar sus 70 años de vida, la mítica compañía de danza contemporánea chilena (Banch) ofreció a fines de diciembre, La Mesa Aún es Verde de la británica Caroline Finn, en el Teatro de la Universidad de Chile

Centro Superior de Arte

SYLVIA GULIZIA

Era 1940, cuando Kurt Jooss llegaba a Latinoamérica en una gira internacional, que cambiaría la historia de la danza local. En Chile sobre todo, puesto que allí se quedaron Ernst Uthoff, su esposa Lola Botka y Rudolf Pescht (en medio de la Segunda Guerra Mundial), donde fundaron cinco años más tarde el Ballet Nacional Chileno (Banch). Finalizada la Guerra, Jooss reabrió su escuela y compañía en Essen (Alemania), y regresó a Chile en 1948, donde montó casi todo su repertorio.

En aquella gira mostraron su magnífica La Mesa Verde, pieza que revolucionó a la danza mundial, desde su estreno en 1932 (ganadora del premio de coreografía en el Congreso Internacional de Danza de París), resultando novedosos tanto el discurso político como la utilización de recursos teatrales.

En este aniversario, 75 años después de su estreno en suelo chileno, el Banch presentó La Mesa Aún es Verde, una recreación contemporánea del clásico de Jooss, preparado especialmente por la coreógrafa inglesa Caroline Finn. “La idea central es que no importa la época en que vivamos ni cómo la sociedad ha evolucionado, pues se siguen cometiendo los mismos errores. Estamos más ávidos de dinero y poder, nos tentamos con el consumismo del capitalismo”, explicó Finn a la prensa. Su obra “crea un microcosmos surrealista en el escenario, donde los límites entre el sueño y la realidad son confusos. Vemos gente sencilla en su diario vivir, experimentando la tentación y frustración, intimidad y violencia, satisfacción y vacío, estando vigilados todo el tiempo por la mano grotescamente cómica del destino”. __BD La Mesa Aún es Verde Foto . gentileza de prensa

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INTERNACIONALES | ECUADOR

Investigación en Danza Moderna

Genoveva Mora inició en 2011 una investigación que reflexiona acerca de la danza moderna y contemporánea de su país. Sus resultados, se reflejan en el libro que acaba de lanzar con una gran performance en la que actuaron Wilson Pico, Kléver Viera, Las mujeres del cuarto piso, Pez Dorado y la Compañía Nacional de Danza De un artículo publicado en el diario El Comercio, extraemos algunos fragmentos que dan cuenta de sus investigaciones. Genoveva Mora ha estado involucrada con las artes escénicas toda su vida. Estudió danza durante doce años y desde hace once dirige la revista ecuatoriana El Apuntador, especializada en danza y teatro. El 9 de diciembre presentó su libro Cartografía Crítica de la Danza Moderna y Contemporánea del Ecuador, integrado por dos volúmenes en los que entrevista a cincuenta y siete coreógrafos nacionales, que reflexionan sobre el quehacer de la danza de las últimas cuatro décadas.

“Me interesaba entender el por qué, el cómo y el dónde de la danza moderna y contemporánea en el país”, dice la autora sobre su libro, el primer trabajo sistemático y continuo de recopilación de la escena ecuatoriana. “Este libro y la revista El Apuntador son los espacios que encontré para escribir una memoria en torno a la danza”.

Con el objetivo de hacer un recuento del pasado se les pidió a los coreógrafos que reflexionen sobre el momento en el que empezaron a construir su propio camino en la danza. También “les pedimos que nombren cinco obras que pudieran armar un repertorio nacional”. De las conclusiones, destaca la autora “el quiebre que realizaron algunas mujeres del Frente de Danza In-

Foto: Mateo Cuesta

dependiente”, en el que la danza empezó a liberarse del patriarcado.

Para Mora, la diferencia del movimiento actual de los del pasado, radica en que “este nuevo movimiento dancístico no asume al cuerpo como herramienta para ser entrenada. Para estos jóvenes el cuerpo es quien habla, para ellos el cuerpo no solo da cuenta del sentido narrativo sino de cómo estamos hoy, de qué nos pasa como seres sociales y políticos”.

Por otro lado, el libro traduce la diferencia terminante entre lo oficial y lo privado (o independiente). “Son dos mundos. Si hablamos de instituciones, está el Ballet Ecuatoriano y la Compañía Nacional de Danza, con excelentes bailarines pero con conceptos distintos al mundo independiente. La vanguardia está en la gente que trabaja de manera autónoma”. __BD

P R O V I N C I A S | S A LTA

Creación de la Escuela Oficial El Gobierno de la provincia de Salta anunció a comienzos de diciembre, la creación de la Escuela Oficial del Ballet dependiente del Ministerio de Cultura y Turismo, que comenzará a funcionar este año La Escuela dirigida por Alejandra Cercená se presenta como semillero para la compañía provincial, con una duración de ocho años, divididos en dos ciclos, más un noveno año de perfeccionamiento. Similar estructura a la que presenta la carrera de danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISA). Se ofrecerán diferentes materias de danza en todas sus manifesta-

ciones, con énfasis en la técnica clásica, música y otras vinculadas a la formación cultural.

Cercená es la única docente latinoamericana certificada por la Universidad de Michigan (Estados Unidos), especializada en la metodología italiana para la enseñanza de la danza, creada por Enricco Cecchetti. El lanzamiento oficial de la escuela, realizado el 5 de diciembre en el Teatro Provincial, consistió en un espectáculo coreográfico gratuito, a cargo de los alumnos del ISA dirigidos por Tatiana Fesenko; y al día siguiente una clase abierta al público. __BD ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 61

I N T E R N A C I O N A L E S | U R U G U AY

Posicionamiento Latinoamericano Por Agustina Llumá, desde Montevideo

Como cierre de una imponente temporada 2015, en consonancia con su 80º aniversario, el Ballet del Sodre que dirige Julio Bocca, presentó en el Auditorio Nacional Adela Reta, Romeo y Julieta de Sir Kenneth MacMillan, del 10 al 23 de diciembre Fueron catorce funciones cuyas localidades se agotaron con un mes de anticipación (casi 20.000 entradas vendidas), algo impensable hace apenas un lustro cuando Julio Bocca asumía la dirección del Ballet. Y esto, tampoco, fue magia.

Bocca acaba de ser galardonado con el título de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y con la medalla Delmira Agustini de manos del presidente de Uruguay Tabaré Vázquez, por su aporte a la cultura y las artes. El resto de la temporada 2015 incluyó Coppelia, Giselle, Episodios Nocturnos Coreográficos, la gala por el 80º Aniversario de la compañía, una gira nacional y dos internacionales.

La fascinante historia de William Shakespeare (1594-95), trasladada a la coreografía con el genio de MacMillan (estrenada en Londres en 1965 por Margot Fonteyn

María Noel Riccetto con Francisco Carvalho, sólidos Julieta y Romeo Fotos . Santiago Barreiro 62 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

y Rudolf Nureyev), es una de esas obras que pueden verse en infinitas oportunidades con el mismo placer y emoción de la primera vez, sustentada en las vehementes partituras de Sergei Prokofiev (1938-40).

MacMillan incluye en su narrativa coreográfica de manera muy inglesa pero pasionalmente, todos los ingredientes del texto original. Toda la escena está plagada de detalles minuciosos que dan cuenta del relato, los personajes y sus familias, contextualizado histórica y geográficamente (en Montevideo con escenografía y vestuario de Paul Andrews e iluminación de John Read, confeccionados en los talleres propios). La combinación que ofrece el poder de síntesis, con una estudiada definición gestual (en cada milímetro del escenario mayormente estructurado en dos plantas) la tornan una obra maestra. La coreografía no es sencilla, se requiere un elevado nivel técnico para poder realizarla con soltura y armonía, pero así y todo, esto debe quedar relegado a la hora de bailarlo, para centrarse exclusivamente en la expresividad que permita componer a cada personaje. La preparación de Romeo y Julieta en el Sodre, estuvo a cargo de los repositores oficiales Patricia Ruanne y Gary Harris, quienes lograron extraer de los bailarines lo importante de la cuestión.

Fueron tres repartos los que llevaron a la escena la tragedia de Verona, María Noel Riccetto con Francisco Carvalho, Gabriela Flecha con el ucraniano Denys Nedak y Nina Queiroz con el argentino Lucas Erni (estos últimos en su debut en roles de tal envergadura).

En las dos funciones que vio esta cronista (12 y 13 de diciembre) los bailarines fueron madurando sus personajes en el transcurrir de la función, así, comenzaron tibiamente para desembocar en los roles más profundamente sobre el dramático final. Sobre todo el papel de Julieta requiere mayor poder de actuación, pues debe mostrar a varias mujeres en el transcurrir del espectáculo, desde una preadolescente ingenua, pasando por la jovial y pasional enamorada hasta una mujer consolidada dispuesta a quitarse la vida por el amor de su Romeo muerto.

Riccetto-Carvalho: ella es una bailarina afianzada, sólida técnicamente. Fue convincente en sus emociones aunque seguramente logre transitar esa Julieta con mayor profundidad en las sucesivas actuaciones. El por su parte, cuya contextura física resalta por la robustez de sus muslos, fue un excelente Romeo, sorteando con habilidad las complejidades coreográficas, con buen manejo de esgrima (trascendente en esta puesta).

Queiroz-Erni: en lo que marcó su debut en un rol de tal envergadura, ambos jóvenes se mostraron correctos en su propuesta. Se vislumbra en él un futuro promisorio en el mundo del ballet de excelencia, sobre todo en su interpretación como Mercucio (día 13), en la que se mostró mucho más distendido y entregado.

El Ballet fue acompañado por la Orquesta Sinfónica uruguaya dirigida por Martín García, que consiguió algunos pocos momentos acertados en la función del sábado, performance que superó al día siguiente. El cuerpo de baile se lució en las escenas grupales (con excepción del primer acto del día 12). Se destacaron Gustavo Carvalho entusiasta jefe de mandolinas, Sofía Sajac como Lady Capuleto (la madre de Julieta) edípica al morir su hijo Teobaldo, y Gabriel Galarraga como Lord Capuleto (padre de Julieta) déspota en la escena de la habitación. La compañía se mostró madura, con una actuación digna, posicionándose como una de las mejores de Sudamérica por su profesionalidad y desempeño.

TEMPORADA 2016 El Ballet Nacional de Uruguay, Sodre, anunció su temporada 2016 en conferencia de prensa encabezada por las autoridades, el 11 de diciembre. En febrero comenzará un stage con Fabienne Cerutti (Escuela de la Opera de París), para cubrir de este modo la necesidad de grandes maestros para el progreso de los bailarines, en diferentes líneas estilísticas. Este programa incluyó en 2015 a ella misma, Antonio Chamizo, Astrit Zejnati, Williams Alcalá, Wilhelm Burmann e Irek Mukhamedov.

Detalles minuciosos en la puesta de MacMillan. A la izquierda: Lucas Erni (Mercucio), Guillermo González (Benvolio) y Gustavo Carvalho (Romeo), el futuro del ballet en Uruguay

La temporada comenzará entonces, con El Lago de los Cisnes de Raúl Candal (31 de marzo al 16 de abril) y continuará con la V Gala de Ballet con tres obras: Paquita (Luis Ortigoza-Ludwig Minkus), Petite Mort (Jirí Kylián-Wolfgang Amadeus Mozart) y una creación especial de Graciela Figueroa sobre música de Johann Sebastian Bach (del 2 al 12 de junio).

Luego llegará Carmen de Marcia Haydée (del 11 al 26 de agosto), para finalizar el año con Onegin de John Cranko (del 27 de octubre al 11 de noviembre).

Además, se anunció una gira a España que los llevará a actuar en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y a los Teatros del Canal de Madrid, en diciembre de 2016. __BD

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 63

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64 .. BALLETIN DANCE .. ENERO-FEBRERO 2016

A Apuntes dde Clases, LLa danza eespañola y El baile E pamenco DDe Gabriel VVaudagna AArango

I N T E R N A C I O N A L E S | E S PA Ñ A

XX Festival Flamenco de Jerez Por Gabriel Vaudagna Arango El próximo 19 de febrero y por 16 días corridos, se celebrará en Jerez el vigésimo Festival Flamenco, convertido en el más prestigioso dedicado al baile en todas sus expresiones

Afiche de esta especial edición

Este año incluye en su programación además de clases, cursos y espectáculos una propuesta turística por la ciudad y nuevos programas como el Flamencook y el Tapateando, en los que se recorrerá la ciudad entre bares y tabancos que propondrán una serie de comidas al estilo flamenco. Esta iniciativa busca acercar más los vínculos entre el turismo, el flamenco y la ciudad.

Por otro lado se hará el ciclo Jerez, Ciudad del Flamenco, en el cual 20 artistas actuarán en 20 espacios singulares, con espectáculos de pequeño formato, entre ellos estarán: Rocío Molina, Belén Maya, Rubén Olmo y Olga Pericet.

Dentro de la programación propuesta para esta vigésima edición, el teatro Villamarta dará apertura con un nuevo estreno de Eva Yerbabuena y también estrenarán obras completas Marco Flores, Rafael Estévez, Nani Paños y Manuel Liñan, recientemente galardonado con el premio Flamenco Hoy. También actuarán dentro de la programación los jerezanos Joaquín Grilo, Antonio El Pipa, María del Mar Moreno, Mercedes Ruiz y Andrés Peña, y nuevos montajes de valores emergentes como el trío conformado por Úrsula y Tamara López junto a Leonor Leal. Por primera vez actuará dentro del festival un extranjero, el japonés Shoji Kojima, en un espectáculo que tendrá artistas de primera línea como Miguel Poveda.

La programación se extenderá además a otros escenarios, entre ellos, la Sala Compañía, Sala Paúl y Palacio Villavicencio, y las recientemente recuperadas Bodegas González-Byass donde se ofrecerá un ciclo de cante. Continuará el ciclo gratuito De Peña en Peña que se desarrollará todas las noches en las peñas flamencas del 19 de febrero al 5 de marzo de 2016. __BD

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 65

balletin informativo AUDICIONES Alemania. La compañía de danza contemporánea Tanzmainz del Staatstheater de Mainz dirigida por Honne Dohrmann, seleccionará bailarines con sólida técnica clásica y sobre todo contemporánea, versátiles y con manejo de improvisación, para la próxima temporada 2016-2017. Los interesados en ser invitados a audicionar el 13 de febrero, deben enviar CV, foto, carta de motivación y link a video del tipo showreel, antes del 17 de enero, a Lisa Besser: lbesser@staatstheater-mainz.de. Más información: http://www.staatstheater-mainz.com/web/veranstaltungen/tanzmainz.

Alemania. El Bayerisches Staatsballett dirigido por Igor Zelensky, busca bailarines con excelente técnica clásica para la próxima temporada 2016/2017. Deben tener una altura mínima de 1.65 m las mujeres, y 1.80 m los varones. La inscripción cierra el 25 de enero y se realiza on-line, enviando CV, retrato, foto de cuerpo entero y un link a una variación clásica: www.staatsoper.de/balletaudition. La audición se realizará el 31 de enero en el Nationaltheater de Munich.

Alemania. La Tanzcompagnie Giessen del Stadttheater dirigida por Tarek Assam, seleccionará bailarines/as con experiencia y sólidas técnicas clásica y contemporánea, para su próxima temporada 2016/2017.

La audición, solo por invitación, será el 29 de febrero de 2016, en sus estudios. Los interesados deben enviar un CV, con retrato, a: tanzdramaturgie@stadttheater-giessen.de, antes del 26 de febrero. Informes: www.tanzcompagnie.de.

Alemania. El Ballett Der Staatsoper de Hannover dirigido por Jörg Mannes, seleccionará bailarines/as con excelentes técnicas clásica y contemporánea, para la próxima temporada 2016/2017. Para ser invitado a la audición que se realizará el 7 de febrero, los interesados deben enviar CV con fotos (de 2500 kb como máximo), antes del 1º de febrero, a: auditionballett@staatstheater-hannover.de.

Alemania. El Theater tanzSpeicher busca bailarines/as de buena calidad en performance, danza contemporánea y con habilidades para recitar en escena, para su próxima producción con coreografía de Thomas K. Kopp. La audición será el 7 de febrero, en Berlín, y los interesados en ser invitados para participar deben enviar CV, foto y video, a: tanzspeicher@tanzspeicherwuerzburg.de.

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Bélgica. Anton Lachky seleccionará ocho bailarines varones con experiencia profesional, y fuertes físicos, para su nueva creación Testosterona, que se presentará en octubre de 2016. Los bailarines deberán tener disponibilidad desde agosto para hacer temporadas también en 2017 y 2018. La audición será durante tres días, del 4 al 8 de abril, en Bruselas, Bélgica. Los interesados deben enviar Cv con foto y link a un video, a: audition@seventyseven.be, antes del 30 de enero. Informes: antonlachkycompany.com.

China. El Hong Kong Ballet que dirige Madeleine Onne, busca bailarines con una fuerte técnica clásica y contemporánea (cuerpo de baile, solistas y principales), con experiencia profesional en elencos de ballet de dos años como mínimo, de cualquier nacionalidad y etnia.

Se ofrece contrato de doce meses para la temporada 2016/17, que comienza en julio de 2016. Los interesados en participar de la audición en Nueva York (Estados Unidos), el 20 de marzo, deben enviar un CV (indicando edad, altura y experiencia profesional), con fotografías de danza y un link a una clase y/o actuación reciente, antes del 20 de febrero, a Sasa Chow: sasa_chow@hkballet.com. Informes: www.hkballet.com.

Escocia. El Scottish Dance Theatre que dirige Fleur Darkin, seleccionará bailarines/as creativos y versátiles (ballet, danza contemporánea y contact), con un mínimo de tres años de experiencia. La inscripción cierra el 22 de enero de 2016. La audición será en Londres, el 27 de febrero. Informes: www.scottishdancetheatre.com.

Holanda. La Dutch Don’t Dance Division junto a la productora ALDA Events buscan bailarines profesionales y versátiles para unirse a 5 tiempo # 1 DJ Armin van Buuren en su gira mundial Abrazo, con coreografía de Rinus Sprong y Thom Stuart, y dirección de Jos Thie y Sander Reneman. Los interesados deben tener excelente técnica de ballet clásico y contemporáneo, y preferentemente trabajo de puntas para mujeres, habilidades de asociación, manejo de hip hop y breakdance, nacionalidad holandesa o europea. La gira será de marzo de 2016 a mayo de 2017, en veinte ciudades de todo el mundo. Se ofrece salario de acuerdo a la experiencia profesional. Quienes estén interesados en ser invitados para audicionar en La Haya, el 22 de enero, deben completar el formulario on-line (carta de motivación, CV completo con al menos un retrato y una foto de cuerpo entero, link a video), en:

balletin informativo www.live.cloudformz.com/C-201512051141159423-201512051141158953/, antes del 18 de enero.

Polonia. La Compañía Baltic Dance Theatre realizará una audición abierta para seleccionar bailarines/as profesionales de 18 a 28 años. Los interesados en participar deben enviar CV con fotos (vertical y en movimiento), a Agnieszka Tokarska-Więcek: impresariat@operabaltycka.pl, antes del 22 de enero de 2016. La selección será en Gdansk el 22 de febrero y consistirá en el aprendizaje de una coreografía, presentación de una variación propia de 2 a 3 minutos de duración. Informes: www.baltyckiteatrtanca.pl/pl/index.

Inglaterra. Wayne McGregor Random Dance seleccionará bailarines varones con una fuerte técnica clásica y contemporánea, para el período de marzo y septiembre de 2016.

Los interesados en audicionar, deben enviar CV, fotos actuales, link a video, carta de motivación y confirmación de poseer permiso de trabajo en el Reino Unido o no (es decir, necesitar visa), a: recruitment@randomdance.org, antes del 15 de enero. Las audiciones serán los primeros días de febrero, y solamente por invitación.

Mayores informes: www.randomdance.org.

AYUDAS FINANCIERAS Iberoamérica. Ayudas para visitantes y movilidad PICE (Programa para la Internacionalización de la Cultura Española) para impulsar la presencia española en el exterior, dando prioridad a las propuestas menos consolidadas del sector creativo, se articula en dos líneas de apoyo: para visitantes extranjeros (por ejemplo programadores) de entidades públicas o privadas a España (la solicitud la hace una entidad española) y por otro lado, las ayudas de movilidad, que permite a dichas entidades incorporar artistas, profesionales o creadores españoles, en sus propuestas en el exterior, recibiendo un incentivo económico que se lo facilite (la solicitud la hace una institución extranjera). Ambos tipos de ayudas se conceden en régimen de cofinanciación. La solicitud se realiza on-line, en dos convocatorias al año: del 1 al 31 de enero, y del 1 al 31 de mayo (visitante), o del 1 al 31 de marzo, y del 1 al 30 de septiembre (movilidad). Informes: www.accioncultural.es.

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CONCURSOS Bulgaria. Competición Internacional de Ballet de Varna. 27º edición. Del 15 al 30 de julio de 2016. Uno de los concursos más prestigiosos a nivel mundial. Se realizan tres rondas de selección eliminatorias, en dos categorías: Junior (de 15 a 19 años) y Senior (20 a 26 años). Los interesados en participar deben enviar sus postulaciones, de las cuales se seleccionarán 130 candidatos en esta edición. El ganador del gran premio recibirá además de la medalla, un premio en dinero de 6000 euros. También pueden competir las coreografías de danza contemporánea. Cierre de inscripción: 30 de abril de 2016.

Informes: varnaibc@gmail.com. Informes: www.varna-ibc.org.

Sudáfrica. South African International Ballet Competition. 5ª edición. Organiza: Dirk Badenhorst. Del 22 al 28 de febrero de 2016, Artscape Opera House in Cape Town. Cierre de inscripción: 1º de febrero. Para estudiantes de 12 a 15 años, Juniors de 16 a 20 y Seniors de 21 a 28 años, que podrán competir en forma individual o en parejas. Se realizarán ensayos y clases previos a la competición. Los ganadores se presentarán en una gala final. Se otorgarán premios en dinero (el Gran Prix será de R70 000). El jurado estará integrado por Brigitte Lefèvre (Opera de París), Julio Bocca (Sodre de Montevideo), Judge Hae Shik Kim (Korean National University of Arts School of Dance, directora del Seoul International Dance Competition. Boston International Ballet Competition), Oliver Matz (Opera de Berlín, Zurich Dance Academy in Switzerland), Elizabeth Triegaardt (principal dancer de CAPAB Ballet, directora de UCT School of Dance).

Informes: www.ctibc.com. E-mail: badenhorstdirk.db@gmail.com.

ENERO-FEBRERO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 67

balletin informativo Estados Unidos. Kozlova International Ballet Competition (VKIBC). 6º edición. Del 25 al 30 de abril de 2016, en Symphony Space de Nueva York. Jurado: Andris Liepa, Nina Ananiashvili, Nikolai Tsiskaridze, Sergei Soloviev, Charles Jude, Martine Van Hamel, Septime Webre, Ben Stevenson, Tracy Inman, Yuresha Jelko, Radenko Pavlovich, Peter Stark, Olga Smoak, Margo Sappington. Premios: medallas, dinero, becas de estudio y contratos de trabajo. Participarán los preseleccionados en Posadas, Misiones (Argentina).

Informes: www.vkibc.org.

CONVOCATORIAS Profesores. El Estudio Danzave dirigido por Lía Furiasse seleccionará maestros de todas las áreas de danza, para cubrir vacantes en el año 2016. Los interesados deberán residir en las cercanías, y enviar Cv a: info@institutodanzave.com.ar. Cuenca 2953, 1º piso, Tel: 4501-0947.

Profesores. El Estudio Calas del barrio de Belgrano, busca profesores para 2016, en todas las disciplinas corporales, con formación profesional, experiencia y capacidad para el trabajo en equipo. Los interesados deben enviar CV a: profes@estudiocalas.com.ar, incluyendo en el asunto nombre del postulante y especialización.

Córdoba. El Teatro la Chacarita lanzó una convocatoria abierta para proyectos artísticos, locales, para integrar su programación del segundo semestre de 2016. Cierre de inscripción: 5 de febrero. Informes: Jacinto Ríos 1449, Barrio Pueyrredón. Tel: (0351) 423-1159, E-mail: lachacaritateatro@gmail.com, web: www.lachacaritateatro.wordpress.com.

FESTIVALES Y CONGRESOS Buenos Aires. Festival Cambalache. 11º edición. Organiza: Asociación Civil Cambalache. Del 19 al 27 de marzo de 2016. Para proyectos de danza teatro que fusionan sus creaciones artísticas con el lenguaje del tango en todas sus manifestaciones. Se podrá participar en tres áreas: Danza teatro (espacio escénico de hasta 25 minutos de duración), Performance (espacios alternativos en vía pública, bares, milongas) y Audiovisual (videodanza de tango, ficción, documental).

Cierre de inscripción: 25 de enero de 2016.

Informes: festivalcambalache@gmail.com. Los elencos seleccionados recibirán un porcentaje del subsidio otorgado por Prodanza.

Croacia. Dance-Forms International Choreographers’ Showcase.

71º edición. Del 26 al 31 de mayo de 2016, en el Teatro Nacional de Croacia de Split. Se seleccionarán coreógrafos de todo el mundo para presentar sus trabajos ante una audiencia integrada por productores, directores y artistas. La organización ofrece un paquete que incluye el teatro, permiso para exponer sus obras, iluminación y sonido, asistencia técnica, publicidad, programas de mano, oficina, ensayos pre-generales y alojamiento (desde 1.600 euros). Los interesados deben enviar su postulación por e-mail (Cv condensado, fotos color del espectáculo, link a video en internet).

Informes, Susana B. Williams: danceformspro@aol.com.

Internet: www.dance-formsproductions.com.

Dinamarca. ICE HOT CopenhagenNow 2016. Plataforma de danza contemporánea nórdica, con espectáculos para adultos y jóvenes.

Del 30 de noviembre al 4 de diciembre de 2016. Los artistas interesados en ser considerados para integrar la programación deben completar en inglés un formulario on-line (se recomienda juntar toda la información antes de comenzar), ser artistas profesionales o empresas que residan en los Países Nórdicos (o que reciban apoyo de un residente), con una producción estrenada entre el 1º de enero de 2014 y el 31 de enero de 2016 y una versión completa subida a Vimeo. Incluir descripción del proyecto, requisitos técnicos, posibilidad de viajar (incluso después de diciembre de 2016). Cierre de inscripción: 31 de enero de 2016.

Informes completos, en www.icehotnordicdance.com.

España. V Congreso Internacional de Danza, Investigación y Educación: Danza, Ideología y Poder. 5º edición. Del 19 al 21 de mayo de 2016. Organiza: Universidad de Málaga. Secciones: Historia, Didáctica, Flamenco y Talleres prácticos. Encuentro científico entre pedagogos, profesionales e investigadores. Inscripción hasta el 10 de mayo, on-line, en: http://congresointernacionaldedanza.es/formulario-de-inscripcion/.

Francia. Festival International de Vidéo Danse de Bourgogne. 8º edición. Abril de 2016. Películas, videos e instalaciones en torno a las Danzas Macabras: La muerte y la Imagen en Movimiento. Más allá

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Portugal. Festival Andanças. Del 1º al 7 de agosto de 2016, en el pantano de Póvoa e Meadas, de Castelo de Vide. 20º edición. Organiza: PédeXumbo, Asociación para la Promoción de la Música y la Danza.

Informes: www.andancas.net. Podrán presentarse propuestas artísticas que versen sobre El Desafío, de diferentes áreas (música, danza, teatro, circo, artes visuales, video-arte, cinema, instalaciones artísticas, o actividades de desarrollo personal), que integren valores cooperativos y sostenibles, y presenten formas innovadoras de expresión. Se buscan trabajos que provoquen y sorprendan al público, despertando un mirar creativo sobre arte, tradición, identidad, sociedad y contemporaneidad; que inciten el encuentro con lo diferente, lo tradicional y lo nuevo.

Que del intercambio de experiencias se generen encuentros y de las ideas surjan caminos para la creación de un mundo mejor.

RESIDENCIAS Alemania. Dance/Tech Residency en Lake Studios Berlin “Tecnología, Cuerpo y Coreografía”, julio de 2016. Podrán postularse artistas que utilizan elementos de la tecnología conscientemente para ampliar y profundizar el proceso coreográfico (los componentes tecnológicos no necesariamente deben ser visibles en la obra terminada). Los interesados deben enviar un resumen que defina cómo trabaja con la tecnología, una descripción de lo que le gustaría investigar y desarrollar durante la residencia, Cv, documentación y videos de obras anteriores o actuales, registrarte (en forma gratuita) en www.dance-tech.net. La organización ofrece: habitación privada, acceso a cocina y baño compartidos en el Complejo Lake Studios; 100 horas de salas de ensayo; equipo técnico; presentación pública de la primera etapa de la obra y luego, de la obra terminada en Uferstudios del centro de Berlín, en el marco del festival de danza y tecnología organizado por Mark Coniglio / TroikaTronix; 2 horas de capacitación con Mark Coniglio (creador del

software de programación de vídeo Isadora); 2 horas de entrenamiento a distancia con Marlon Barrios Solano (fundador de dance-tech.net); presentación en dance-tech.net. No incluye transporte ni comidas.

Informes: lakestudiosberlin@gmail.com. La inscripción cierra el 25 de febrero.

Estados Unidos. Programa de residencias de la Island Hill House 2016. Residencia de dos a cuatro semanas en una cabaña en el bosque, cerca de East Jordan, Michigan. Para autores y artistas (artes escénicas, visuales, diseño y letras), que se encuentren en cualquier nivel de su carrera, de cualquier parte del mundo, mayores de 21 años. Se valorará la originalidad, creatividad e integridad del trabajo (este año serán aceptados artistas con hasta tres hijos). La residencia incluye alojamiento, estudio de trabajo y alimentación. La inscripción cierra el 1º de abril (para el período de junio a noviembre) y el 1º de octubre (para el período de diciembre a mayo).

Informes: www.artmeetsearth.org/artist-residency.

Luxemburgo. Casino Luxembourg, Foro de Arte Contemporáneo.

2º edición. Programa internacional de residencias en el espacio público 2017. El proyecto otorga la máxima flexibilidad al artista y ofrece las mejores condiciones para la realización de su trabajo. Destinado a todos los artistas, de manera individual o colectiva, que deseen desarrollar su trabajo artístico en un entorno profesional, que hayan realizado una maestría en artes o haber estado involucrados durante tres años en un proyecto y en exposiciones, con dominio de inglés, francés o alemán.

La estancia tendrá una duración máxima de doce semanas. La organización proporcionará apoyo técnico y financiero de 15.000 euros como máximo, alojamiento en el centro de la ciudad, y una ayuda económica para los gastos de transporte. Además los participantes recibirán una cuota de 2.500 euros que será pagada al final de la estancia. Los seleccionados visitarán Luxemburgo para familiarizarse con ella en el otoño de 2016 y después presentarán un boceto de sus proyectos. Los interesados deben enviar CV, formulario de inscripción completo, fotocopia de pasaporte, portfolio y responder a ‘What should contemporary art in public space be?’ a: residence@casino-luxembourg.lu, antes del 16 de febrero de 2016.

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