BALLETIN DANCE 254

L A R E V I S TA ARGENTINA DE DANZA

CONSTANZA MACRAS Bosque de Espejos en el Teatro Colon

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 254. Junio 2016 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

ENTREVISTAS EXCLUSIVAS Mario Galizzi Sharon Fridman Pierrick Malebranche Tamia Guayasamin Gabriel Katopodis JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 1

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Nota de Tapa 4 Constanza Macras, Elogio de la Adultez

Staff

Actualidad 10/13 Noticias Breves

editora general Agustina Llumá

Provincias 8 Natalia Martirena en Bahía Blanca

editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Beatriz Cotello Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Toni Más Stella Salomón Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Flamenco 14 Peña La Guapetona Folklore 16 Ballet Martín Güemes Entrevistas 28 Sharon Fridman 32 Gabriel Katopodis 34 Mario Galizzi 42 Tamia Guayasamin 44 Pierrick Malebranche Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

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Comentarios 18 El Instante Permanente 20 Doppelgänger 23 Una Visita Bailada 24 Danza Independiente en Convivencia 26 Buen Inicio 46/47 Breves Aniversario 54 Orfilia Pérez Román 54 Alfredo Gurquel

Constanza Macras en el Salón Dorado del Teatro Colón Foto: Máximo Parpagnoli | Teatro Colón

Argentinos en el exterior 48 Talento por Doquier 51 Celeste Losa en Milan 53 Manuela Lavalle en Nashville Internacionales 52 Austria. El Corsario en la Ópera de Viena Cartelera 38/41 Espectáculos Balletin informativo 55/56/57/58 Audiciones, becas, clases gratuitas, congreso, convocatorias,premios, residencias, taller, puntos de venta

Sumario Junio 2016 Año 23 Nº 254

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Constanza Macras

Nota de tapa

Elogio de la Adultez La coreógrafa argentina radicada en Berlín regresa al país para estrenar Bosque de Espejos, como parte del programa Noche Contemporánea que el Ballet del Teatro Colón ofrecerá desde el 21 de este mes.

Las escenas de muertes del repertorio clásico, recreadas por los bailarines de mayor edad dentro de la compañía, anticipan una experiencia singular

“La creación es un misterio para todos, incluso para mí, aunque sepa lo que estoy haciendo”, confía la coreógrafa radicada en Alemania desde 1995 Fotos . Máximo Parpagnoli Teatro Colón

Por Daniel Sousa

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Cuando Constanza Macras presentó en septiembre pasado, en la apertura del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires (FIBA 2015), su obra The Past en el Teatro San Martín, a Darío Lopérfido, entonces director general y artístico del Colón, le atrajo la elección de la coreógrafa argentina radicada en Berlín, de incluir en su compañía a bailarines de más de sesenta años. No era la primera vez de Macras en el FIBA (ya había montado Big in Bombay en 2007) pero resultó definitoria para que el actual ministro de Cultura porteño le ofreciera trabajar para el Ballet Estable de nuestro primer coliseo.

Es así que el 21 de junio Macras estrenará su creación Bosque de Espejos como parte del programa denominado Noche Contemporánea, que realizará funciones hasta el sábado 25. El menú se completa con otras tres piezas, una de ellas también en calidad de estreno. Se trata de Amar, Temer, Partir, un trabajo del cordobés Walter Cammertoni que contará con vestuario de Renata Schussheim, iluminación de Roberto Traferri y escenografía de Santiago Pérez.

Entre las reposiciones figuran In the Middle, Somewhat Elevated, del célebre William Forsythe sobre música de Thom Willens, que por estos días está montando aquí la australiana Kathryn Bennets; y Por Vos Muero, coreografía de Nacho

Duato basada en una partitura de Jordi Savall, con textos de Garcilaso de la Vega, diseño de vestuario del propio Duato e Ismael Aznar, y la voz de Miguel Bosé. A la espera de Duato, que llegará para el debut porteño, trabajan en la reposición el argentino Carlos Iturrioz y Catherine Habasque, de Francia, colaboradores habituales del español.

“La propuesta vino de Lopérfido cuando vio que tengo gente mayor en mi compañía (DorkyPark)”, comenta Macras en diálogo con Balletin Dance. “Me preguntó si me gustaría hacer algo con los bailarines de mayor edad de la compañía del Colón, y en general ese tipo de ofrecimientos me interesa mucho porque me gusta ahondar en todos los espectros de la danza. Trabajar con integrantes que hace años que no bailan, que actúan como figurantes, pero que tienen posibilidades dentro de la danza porque siguen entrenando y haciendo clases”.

¿Qué obra imaginó para ellos?

Se me ocurrió trabajar sobre la muerte en la danza clásica pensando que en los ballets románticos siempre mueren los personajes principales. Le ocurre a Giselle, al Cisne, a Romeo y Julieta. Son muertes de transformación, como Giselle que se convierte en espíritu, o bien ligadas al romanticismo puro, a la idea de encontrarse más allá de la muerte. De modo que elegí tomar sólo esas escenas de las muertes y trabajar sobre ellas, junto con un fragmento de un texto de Michel Foucault llamado El Cuerpo Utópico, que habla de la finitud del cuerpo, que es todo lo contrario a una utopía. Foucault se refiere allí al cuerpo del bailarín, al enmascaramiento del cuerpo con tatuajes, a los rituales de la muerte. Relaciono algunas de sus partes con el ballet clásico y las utopías del cuerpo. Concluye el autor que cuando todas esas utopías cobran mayor dimensión es en el momento del amor, cuando el cuerpo propio se desvanece en el cuerpo del otro.

Por elección, Macras no creó sobre las músicas originales de los ballets clásicos sino sobre piezas de Alban Berg y Anton Webern, junto a dos partituras barrocas de Henry Purcell y Johann S. Bach. “Siempre trabajo con textos y con música en vivo -explica-.

De hecho, en Bosque de Espejos los bailarines van a hablar, y la música que elegí será interpretada por una cantante, un pianista y un pequeño coro”.

¿Cómo reaccionaron los bailarines mayores ante una propuesta tan singular?

Creo que los descolocó. Las muertes en el ballet clásico siempre le corresponden al bailarín principal. Los bailarines mayores trabajaron casi toda su vida haciendo de la madre o el amigo de los protagonistas. Justamente, a mí me interesaba que pudieran bailar todos esos años de no haberlo hecho, porque eso tiene una carga emocional en sí misma, de ellos mismos no de los personajes. A partir de esta explicación creo que entraron en sintonía y noté su entusiasmo. Estoy muy sorprendida con todo el ‘cast’, con los mayores, pero también con los jóvenes. La gente con la que estoy trabajando es entrañable. ¿Cuál es su método de trabajo?

Trabajo mucho con la improvisación, algo muy experimental, dejo muchas puntas abiertas hasta el final, para ir probando. En ese proceso, mucha gente se siente perdida.

Pero yo les digo que no tiene sentido preocuparse. En definitiva, queremos hacer algo que no sabemos qué es; una creación es un misterio para todos, incluso para mí, aun-

“Me interesa mucho ahondar en todos los espectros de la danza”, admite Macras sobre su predilección por bailarines de todas las edades Fotos . Máximo Parpagnoli |Teatro Colón 6 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

que sepa lo que estoy haciendo. Siempre hay algo mágico en el proceso, que me sorprende. Dejar espacios abiertos lleva a la obra a lugares inesperados e incluso mejores de los que uno podía esperar.

¿Enfrentarse a una compañía clásica la obliga a cambiar su forma de trabajo?

En parte, sí. Esta vez vine ‘muy montada’ a Buenos Aires. Pero, por ejemplo, recién ensayábamos la muerte de Giselle.

Si bien yo estudié mucho clásico, incluso puntas, nunca lo bailé y mucho menos ese personaje. De chica he sido balletómana, gracias a mi madre, y vi muchas veces la obra, pero me costaba recrear la escena. Entonces apareció Alejandro Parente y se puso a encarnar a Giselle y el resto comenzó a aportar los detalles de la interpretación. En ese momento sentí que todos ellos estaban contentos de que yo estuviera ahí y nos unía una onda muy saludable. Ese grado de colaboración me interesa mucho.

Usted ya había trabajado con una compañía clásica en Suecia el año pasado Siento mucho respeto cuando llego a una compañía que no es la mía, es como meterse en la casa del otro. Pero la experiencia en Suecia con la Göteborgs Danskompani fue bastante difícil. Es gente técnicamente increíble, que trabaja siempre con coreógrafos contemporáneos invitados. Y si bien son muy abiertos, estaban un poco aterrorizados conmigo.

Sufrieron mucho, hasta el final. Después del estreno el comentario fue que el trabajo estaba buenísimo y lo disfrutaron mucho, pero tuvieron que esperar a que el público se los dijera. En mi caso al no estar sobre el escenario, disfruto más el proceso que los resultados. Pero en los bailarines hay mucho de autolimitación: si algo no lo conozco, creo que no lo puedo hacer. La gente se autoimpone trabas.

formado con Ana María Stekelman, Susana Tambutti, en el estudio de Margarita Bali, pero recuerda a Roberto Dimitrievich como la persona que le transmitió “el entusiasmo y la tenacidad que hacen falta en esta profesión; también el buen humor”. El la preparó para el examen de ingreso al Nederland Dance Theatre, pero la compañía no la tomó. De todos modos, Macras permaneció en Ámsterdam por casi tres años y después se mudó a Alemania, donde formó una familia y aún reside.

“Me costó mucho abrirme un espacio allá. Al principio, las clases eran geniales, muy modernas, con una técnica que me sirvió mucho. Pero encontrar trabajo fue dificilísimo. Incluso en las compañías en las que fui bailarina, no estuve muy a gusto. Por eso, a los 27 años decidí dejar de bailar. Y no extraño nada el escenario”, avisa.

¿Cómo define su lenguaje coreográfico?

Ningún elemento de una obra es menos que otro, hago un trabajo muy integral. La música no acompaña a la danza, existe por sí misma, tiene su independencia. Como la danza tampoco está para servir a la música. Me preocupo porque todo tenga la misma intensidad e importancia. Trabajo mucho con conceptos, no hay personajes en mis obras sino representaciones de personajes. Es un lenguaje teatral deconstruído, que vuelve a acercarse a la danza, que es más abstracta. En suma, siento que estoy en un territorio intermedio entre la danza y el teatro. ¿Pero usted se siente coreógrafa o directora teatral?

Yo creo danza, pienso coreográficamente, pero no desarrollo narrativas de personajes.

El movimiento es la forma en que ciertas temáticas llegan a expresarse, aunque no literalmente. No siempre tiene que haber explicaciones para todo, y si existen, no tienen palabras. La danza es un lenguaje más, junto con la música y el texto. A quien está acostumbrado a expresar únicamente por el movimiento esto lo obliga a pensar de otra manera. __BD

Macras barrió con ciertos límites cuando en 1992 decidió partir a Europa en busca de nuevas experiencias. Aquí se había JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 7

PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Novedosa Propuesta Por Stella Salomón

Cielos Lejanos Desde la Ventana (De Aquí 40.000 Años) surgió a propósito de un hecho que tuvo lugar en 1977: el científico Carl Sagan envío al cosmos un disco de oro portando variado material de la humanidad. Básicamente es la escenificación de la reacción y actitudes de los posibles receptores del disco en otro tiempo y otro espacio El mes pasado Cielos Lejanos subió a escena en Factor C de la ciudad de Bahía Blanca. Araceli Márquez, Elena Fuster, Alexis Mondelo, Pablo Whol y Sebastián Saez al mando de Natalia Martirena, se encargaron de teatralizar las ideas, con sonido e iluminación a cargo de Eugenio Tramontana. La puesta resultó muy ecléctica: mímica y pantomima, expresión corporal, rasgos de danza contemporánea, baile popular de salón y hasta destreza. El exiguo espacio de la escena no fue obstáculo, dado el lenguaje empleado y la labor de adaptación coreográfica.

“Había dos ejes fundamentales para esta puesta: el deseo de bailar de los bailarines, y mi propio desafío de volver a crear una coreografía”, indicó Natalia Martirena a Balletin Dance.

Sobre Cielos Lejanos, la directora señaló: “Una obra es una imagen, un deseo, un recuerdo, una necesidad; una usina de ganas.

Es también un proceso: investigación, acumulación de materiales, ensayos y por último la presentación. Finalmente, una obra es lo que ve el público con toda la complejidad que ello implica.

El tema es intentar creer que nada es conocido, familiar, normal, y así, la obra se pregunta: ¿qué es ser humano?”.

La puesta en escena incluyó diferentes lenguajes artísticos, para dialogar “con un presente espacial y temporal que tienen un adentro y un afuera. El adentro son restos de imágenes y sonidos del disco de oro, bombardeos, respiraciones, cantos de pájaros, fragmentos de voces. Todo eso viene del pasado. El afuera es nuestro potencial, hacia donde salimos tomando lo que hoy está a nuestro alcance.”

Sobre los Proyectos Martirena adelantó algunas particulares de la creación coreográfica en Bahía Blanca. “En nuestra ciudad ya hay una cultura particular en torno a la danza contemporánea. De la formación a la producción, y a la gestión, aprendimos todos a la vez, docentes y alumnos. Y eso es una marca registrada por acá”.

Con su compañía lleva 25 años de “trabajar intensamente” pero todavía queda el deseo sin concretarse de poder actuar en diferentes latitudes, “nos gustaría ir a festivales, salir de la ciudad”.

Para finalizar, la directora reflexionó en torno al trabajo en con-

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Cielos Lejanos: una usinas de ganas Fotos . Nicolás Tramontana

junto: “Tenemos que pensar que todo lo que nos pasa es una construcción colectiva, los bailarines tenemos que aprender a trabajar en comunidad”.

Ilusiones y optimismo: Los deseos y oportunidades se van concretando, en la medida en que este colectivo de artistas desarrolla el pensamiento. “Por suerte hay mucha gente que piensa”, dijo Martinera al referirse a los grupos propios del medio de la danza, que se han reunido para redactar el proyecto de la Ley Nacional de Danza, o que se encuentran en festivales, al que se suma “el trabajo continuo institucional de formación estatal y gratuita, o en espacios independientes, brillantes”. __BD

BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muño Muñozz, presenta los próximos cursos de

PEDAGOGIA DE LA DANZA E-LEARNING (POR INTERNET) Dir ec ción: Alicia Muñoz Direc ección:

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Compartí con colegas de diferentes países, esta experiencia enriquecedora, sin moverte de tu casa JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 9

brevesactualidad

Laboratorio

Nación - Elencos

El mes pasado el Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza No Oficial de la ciudad de Buenos Aires, anunció los proyectos seleccionados para participar de la primera edición de Laboratorio Prodanza 2016. De las veintisiete propuestas recibidas, cuatro fueron las elegidas, que contarán con espacios para ensayar y un tutor cada una: Rastros de Ana Armas y Cintia Sola (Gerardo Litvak), The Academia de Milva Leonardi, Marta Salinas y Brenda Carlini (Edgardo Mercado), Ire de Quío Binetti (Gustavo Lesgart) y Alineaciones Ambiguas de Pablo Emilio Bidegain (Eleonora Comelli).

Hubo nuevos anuncios el mes pasado en el Ministerio de Cultura de la Nación que lidera Pablo Avelluto. En una íntima reunión en su sede de la Av. Alvear, el funcionario presentó a la prensa la temporada 2016 de los Organismos Estables de la Argentina. Un brevísimo documental con testimonios de algunos artistas, sorprendió a quienes no conocen lo que significa poner el cuerpo en el escenario y la cantidad de horas de ensayos que demanda hacer una presentación del nivel de nuestras agrupaciones. Avelluto viene del mundo editorial, de los libros y los escritores. “…queremos darle relieve a todo ese tesoro”, dijo el ministro, secundado por la subsecretaria de Cultura Ciudadana, Débora Staiff, y la directora nacional de Gestión y Programación, Omara Barra (Enrique Avogadro se excusó pues estaba naciendo su hijo en ese momento).

“Tenemos mucho por hacer” aseguró Avelluto, y aunque no detallaron qué acciones serán las que proyectan desde su gestión, explicó que comenzaron a planificar “con ellos una política para hacerlos crecer y reinventarlos”, pues se sentía orgulloso de que el Estado los financie, destacando su importancia y valor cultural.

Los nueve cuerpos estables que dependen del Ministerio de Cultura de la Nación, no tienen sede física para realizar sus actuaciones (teatros), por ello, y por entenderlos en un marco federal, sus presentaciones han sido históricamente en todo el país. Claro, que esto no es una tarea fácil ni económica. Avelluto dijo que así como se hace en otras partes del mundo, estudiarán la posibilidad de transmitir sus conciertos y espectáculos a través de internet, por ejemplo, que sería mucho sencillo…. pero el Ministro no debe saber, que nada se compara a presenciar un espectáculo artístico en vivo. El funcionario también estaba sorprendido por ser el único país en el mundo que tiene su Banda Sinfónica de Ciegos (1939).

A la hora de los números y estadísticas, contentos, los funcionarios anunciaron para este 2016, un total de 150 presentaciones en diferentes puntos del país entre los nueve organismos (“aumentando en un 50% las presentaciones de los elencos”): sin embargo esta cifra está muy por debajo de lo habitual, solo baste decir que el BFN realizó en los últimos años un promedio de 75 funciones anuales.

Ese mediodía, muchas más cosas se dijeron en la tradicional Sala Cané del Ministerio, pero ninguna se pudo sostener desde una propuesta de acción concreta. Se habló de posicionar a los cuerpos internacionalmente, de traer invitados (se mencionaron a Stefan Lano, Francisco Rettig, Zhang Guoyong, Pierrick Malebranche -ver entrevista en esta misma revista-, Günter Neuhold, Krzysztof Penderecki, Mariano Chiacchirini, Facundo Agudín, Christian Baldini, Fabián Panisello, Leo Sujatovich, Nahuel Pennisi y Carlos López Puccio), de abrirse al público, de organizar intercambios internacionales, de alianzas con el Programa Ibermúsicas (nada se dijo de Iberescenas) y así, casi sin que se note, aseguraron que se concursarán todos los cargos directivos entre julio y agosto de este año, exceptuando los que acaban de asumir: Margarita Fernández en la Compañía Nacional de Danza Contemporánea y Luis Gorelik en la Orquesta Nacional de Música Argentina.

Apagón Cultural Los espacios culturales de la Ciudad de Buenos Aires nucleados en Cultura Unida (una unión de diversas organizaciones) lanzaron el mes pasado la campaña Emergencia Cultural: una serie de acciones para visibilizar el estado en el que se encuentran las salas a partir de los aumentos desmedidos en los servicios públicos (electricidad, agua, gas e impuesto municipal) que los mantiene en riesgo de cierre. El sábado 21 de mayo tuvo lugar el Apagón Cultural: teatros, centros culturales, clubes de música, peñas y milongas, apagaron la electricidad durante un minuto.

“No tenemos una rentabilidad extraordinaria, ni financiera, ni especulamos con el acceso al arte. Somos artistas y trabajadores de la cultura, que percibimos salarios de trabajadores”, aseguraron desde Cultura Unida. El pedido elevado al estado nacional y al municipal es “que se trabaje en la implementación de una tarifa federal diferenciada para todo el sector cultural”.

En respuesta, Darío Lopérfido, ministro de cultura porteño, anunció que otorgará un subsidio extra de $ 50.000 anual, a través de Proteatro (Instituto para la Protección y Fomento de la Actividad Teatral No Oficial de la ciudad), a aquellas salas que ya son subsidiadas este año, para “contribuir con las necesidades actuales que atraviesan”. Es interesante considerar que la Sala Timbre 4, por dar un ejemplo, pasó a recibir facturas de electricidad de $ 25.000 mensuales.

Teatro Colón El Teatro Colón lanzó varias nuevas propuestas en lo que va del año. Una editorial de libros, el ciclo de charlas previas a las funciones Entre Bambalinas, el programa el Colón va a los Barrios con entrada gratuita (en los teatros Gran Rivadavia, 25 de Mayo y la Usina), el abono Vamos al Colón para niños, otro abono familiar, exposiciones en el hall central, además de ofrecer en el coliseo espectáculos de variados géneros. El Ballet Estable, por su parte, continúa con poca actividad dentro del Teatro y ninguna función anunciada aún, en giras o fuera de sede.

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brevesactualidad

Contemporáneos

A fines del mes pasado se confirmaron las nuevas autoridades en el Ballet de Danza Contemporánea del Teatro General San Martín. El elenco continuará con los lineamientos de la gestión de Mauricio Wainrot que llevaba poco más de doce años encabezándolo. Andrea Chinetti será la nueva directora (de hecho estaba ejerciendo esas funciones desde comienzos de este nuevo gobierno) junto a Miguel Angel Elías, como codirector. Los asistentes coreográficos serán Elizabeth Rodríguez y se suma al equipo Diego Poblete.

Si bien faltaban algunas definiciones al entrar esta revista a imprenta, Balletin Dance pudo saber que el próximo programa será en el Teatro 25 de Mayo a partir del 10 de junio, con obras de Silvina Grinberg, Ana María Stekelman y Anabella Tuliano. Continuarán en julio con actuaciones en una carpa itinerante que el gobierno municipal, del que dependen, instalará en Parque Patricios. En agosto, en sala a confirmar, mostrarán coreografías de Carlos Casella, Elizabeth de Chapeaurouge y Mauricio Wainrot.

Por otro lado, Sol Rourich y Rubén Rodríguez bailarines del BCTSM se presentaron en la Gala de los premios Benois de la Danse, el 18 de mayo en el Teatro Bolshoi de Moscú, mientras que ella recibía a comienzos de junio el Premio María Ruanova del Consejo Argentino de la Danza.

Concesiones en la ciudad La Legislatura Porteña aprobó el mes pasado la concesión del nuevo Centro de Exposiciones Municipal por quince años.

Es decir, autoriza a otorgar el uso y la explotación del predio donde se construyó el nuevo Centro de Exposiciones y Convenciones de la Ciudad en el barrio de Recoleta (400 millones de pesos invertidos por la ciudad), a una empresa privada. Una decisión lamentable para los vecinos de Buenos Aires, pues sólo quedarán 45 días anuales de uso para la realización de actividades encaradas por el gobierno porteño.

Pero además, la Legislatura votó una ley que permitirá concesionar los subsuelos de Plaza Houssay (en Facultad de Medicina), para construir un centro cultural, un polo gastronómico y una playa de estacionamiento, con uso y explotación durante 30 años (sí, 30 años). No se puede dejar de pensar en tanta inversión, en simultáneo con los teatros de la ciudad cerrados por falta de obras.

Por último, también el mes pasado, la legislatura aprobó el endeudamiento (160 millones de dólares) para la construcción de la Villa Olímpica, con motivo de los Juegos Olímpicos de la Juventud 2018, que se realizarán del 1 al 12 de octubre de ese año. La obra se construirá en parte de lo que fuera el Parque de la Ciudad (en Villa Lugano), hospedará alrededor de ocho mil atletas y entrenadores, y concentrará un elevado porcentaje de las disciplinas deportivas.

Nación - nuevas propuestas para la danza También el mes pasado el Ministerio de Cultura de la Nación hizo saber a Balletin Dance, la creación del área de Artes Escénicas, cuya asesora es Marina de Luca. Aunque recién el mes próximo se informará sobre su desempeño, actividades y acciones “abarca un poco más que la danza” explicó el encargado de prensa. Resulta algo extraño existiendo en nuestro país el Instituto Nacional del Teatro ocupado exclusivamente de las artes escénicas y sus cruces entre el teatro y la danza. Por otro lado, informaron la creación dentro de la Dirección Nacional de Gestión y Programación, del ciclo Martes de Danza, que se realizará hasta fin de año en el Centro Nacional de Música y Danza, con entrada gratuita y curaduría de Luciano Garbuio.

Esta nueva propuesta podría señalarse como recuperación de los Martes de Danza, de mediados de los ’80 en el Teatro Nacional Cervantes, creados por Susana Zimmermann (que luego se trasladó a diferentes salas). El área danza de la DNdeGyP, “ofrece a la multiplicidad de compañías independientes de danza de todo el país, la posibilidad de mostrar su arte en escenarios del ámbito de la cultura estatal”, dice el parte de prensa, sin embargo hasta aquí, no anunciaron grupos de las provincias, ni actuaciones en las provincias. Durante junio será el turno de la Universidad Pública (Universidad Nacional de las Artes) con tres de sus elencos (tango, contemporáneo y experimentación). En julio estará Mónica Fracchia y Alexis Mirenda, en agosto los grupos de Fabián Carrizo y Analía González, en septiembre el propio Luciano Garbuio (programador del ciclo) y en octubre, Mario Martínez.

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FLAMENCO

Itinerantes: Del Tablao a la Peña Por Gabriel Vaudagna Arango

La peña es un lugar de encuentro entre público y artistas y ese es el espíritu que sostiene La Guapetona creada por Iván Carrillo al llegar a Buenos Aires hace cinco años y con réplicas en Montevideo y en Barcelona Es en la peña, un pequeño local donde se encuentran aficionados al flamenco para conformar una especie de tertulia, en la cual mientras unos cantan, otros tocan y algunos beben para discutir acerca de lo que se está cantando. Sucede en España en muchos sitios, sobre todo en Andalucía, entre las más conocidas se mencionan la Peña el Niño de la Alfalfa en Sevilla o Torres Macarena, pero también han llegado al Río de la Plata.

La Guapetona se encuentra celebrando su quinto aniversario, y mientras se preparan para los festejos que sucederán entre junio y julio esta peña itinerante de flamenco sorprende al público con clases de baile, performance de artistas y pintura en vivo en distintos espacios de la ciudad.

En mayo la bailaora Sevillana Manuela Ríos fue una de sus invitadas entre otros muchos artistas locales. En una entrevista exclusiva para Balletin Dance su creador Iván Carrillo relata los avatares de su organización.

“Acababa de llegar de Barcelona y un amigo me propuso hacer unas fechas de música en vivo y una en particular de flamenco, mientras que otros amigos me sugirieron hacer una peña como las de España. El primer cartel de promoción salió sin nombre pues todavía no sabía cómo llamarla, fue tan precipitado. Barcelona es una ciudad muy moderna, con el arte muy fusionado, allí el flamenco está por fuera de lo que son los circuitos de los tablaos y aquí no encontraba ese ámbito.”

Carrillo se explayó un poco más: “ir a cualquier lugar y de repente encontrarte

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con el flamenco. Que no tengas que ir a buscarlo, sino que el flamenco aparezca, en circuitos más alternativos. Y hacerlos para que fuera popular, ya que el precio de los tablaos suelen ser elevados”.

Iván Carrillo Jiménez Foto . Paola Evelina

¿La Guapetona se transformó en un movimiento de jóvenes estudiantes de flamenco?

“Puede ser, nunca me lo había planteado así. Creo que se convirtió en un movimiento y punto de encuentro entre gente del flamenco y no flamencos, gente que le gusta una movida fresca con un buen espectáculo y que pueda participar de una clase. Un punto de encuentro, sin prejuicios”.

Para elegir los espectáculos, el organizador intenta convocar a quienes aún no han actuado en su peña, “creo que no queda ningún músico que no haya pasado” porque son pocos, afirmó, pero “sí las bailaoras y bailaores. La gente ya está muy predispuesta a participar al punto que ya casi nadie lo hace por el dinero sino por estar. Esto no es mío, es de todos”.

Antes de llegar a Buenos Aires Iván Carrillo, bailaba en Barcelona “en una compañía de Zarzuelas, daba clases de flamenco, trabajaba con niños discapacitados y armé un grupito de flamenco que se llama Nuevos Aires Flamenco”. ¿Cuál es la mirada catalana sobre el flamenco? “Soy catalán por cuestiones de la vida, pero toda mi familia es andaluza, nací en un barrio de inmigrantes andaluces y gitanos de Barcelona porque en los años ’60 hubo una inmigración muy grande.

Pero como los catalanes no los querían, armaron guetos entre andaluces y gitanos que tampoco querían a los otros. Hay muchos barrios así. Por eso mi mirada del flamenco es mucho más cercana a un andaluz que a la de un catalán: creo que está en un punto en el que está creciendo mucho, la crisis que hubo en España empujó a los artistas a tener que salir de España, hacer más giras… Aquí lo he notado mucho, ahora cada mes hay dos o tres artistas reconocidos del ambiente visitando Buenos Aires. Está en un punto de expansión muy grande y sigue evolucionando, el baile está vivo y se está fusionando.

Música y danza, pintura, teatro y otras performances La Guapetona es una fusión de artes con el flamenco como hilo conductor, la música y la danza como un típico tablao, con un presentador que va conduciendo el evento (tratando de arrancar alguna sonrisa para que no sea todo tan serio) y un pintor que durante todo el evento va pintando su mirada del flamenco, y la peña es itinerante, cada mes se realiza en distintos sitios o en distintas ciudades. La próxima del mes de junio será en Montevideo y el 15 de julio en Buenos Aires en el espacio Mandril, siguiendo los festejos del 5° aniversario. __BD

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

J · U · A · N · A

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JUANA LEDERER Elongación x Elongación, Técnica clásica y repertorio Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia Egresada del Conservatorio Nacional de París

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FOLKLORE

Mucho Más Que Playa y Alfajores Por Juan Cruz Guillén

Mar del Plata, llamada también La Feliz, en algunos momentos no lo es tanto. Como ocurrió en el mes de marzo que hubo que realizar una marcha a favor de la cultura, por algunas medidas oficiales, que por suerte tuvo mucho éxito Además de alfajores, playas y turistas permanentes, la ciudad de Mar del Plata tiene una actividad cultural muy importante, un Teatro Auditorium envidiable, el Museo del Mar, la estatua a Astor Piazzolla, una Orquesta Sinfónica dirigida por el gran maestro olavarriense Diego Lurbe, grupos de teatro, artistas plásticos, fotógrafos, cantantes, músicos y una gran cantidad de bailarines de todas las ramas de la danza.

Entre ellos, el Ballet Martín Güemes de danza folklórica, viajará por primera vez a Shangai (China), como único conjunto argentino invitado especialmente por la Secretaría de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Shangai, para participar en el Festival que tendrá lugar del 9 al 14 de septiembre. La agrupación formada el 7 de abril de 1973 (Día Nacional de la Zamba, nacimiento del gran percusionista santiagueño Domingo Cura, y registro de la hermosa zamba por Andrés Chazarreta en 1916). El conjunto lleva ese nombre porque se fundó en el Club Social, Deportivo y Cultural Güemes, cuyo primer presidente fue Héctor Horacio Mouriño y desde el año 2000, Felisa Hernández.

Su directora es Alejandra Marcela Mouriño, egresada de la Escuela Municipal de Danzas Norma Fontenla de Mar del Plata, quien trabajó como solista bajo la dirección de Marilyn Mónaco, Raúl Gatto y Rubén Chayán, en los ballets Giselle, Sílfides, Paquita, Silvia e Interplay, entre otros. Paralelamente, alternó su carrera con la danza contemporánea bajo las órdenes de Marta Sol Benda16 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

La asociación marplatense rumbo a China Foto . gentileza de la producción

ham, Roxana Doglio y Roxana Molinari, mientras que en la disciplina folklórica se formó en la Agrupación Tradicionalista El Ceibo, ingresó como bailarina al Ballet Martín Güemes en 1973 y en 1998 se hizo cargo de la dirección.

En sus 43 años de vida, el Ballet Martín Güemes, ha participado en certámenes municipales, provinciales, nacionales e internacionales, obteniendo premios en distintas categorías. Y ha realizado giras al exterior, a México, Cuba, Panamá, España, Portugal e Italia. Integrado por cincuenta bailarines de 15 a 70 años, actualmente realiza funciones mensuales en el Teatro Municipal Colón de su ciudad con obras de su repertorio, entre las que se destacan Querencia, Paisaje de mi Tierra y La Raíz de mi Raza.

La agrupación ha lanzado una campaña que les permita financiar el viaje a China.

Efectivamente, no solo el rock y las fiestas electrónicas venden, el folklore también. Encuestas muy serias han demostrado que la música que más se consume en nuestro país, es la tradicional. Debe ser un orgullo para todo marplatense, que un grupo coterráneo de estas características pueda representar a la Argentina. Por ello se hace un llamado a los organismos oficiales, a la Cámara de Comercio y a las empresas locales, para que consideren su colaboración. __BD

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C O M E N TA R I O

El Instante Permanente Por Román Ghilotti

Hay canciones que una vez tomadas acompañan toda la vida y hay vidas que se cuentan en canciones Al Ver Verás, de Antonella Suco, se presenta los sábados en Ciudad Cultural Konex.

La pieza, una construcción narrativa, lineal, se apoya en canciones de Luis Alberto Spinetta. De hecho, el título de la propuesta es homónimo del de una canción de aquel, en la que se repite “Todo dura un instante, para toda la vida”. Este concepto de memoria y duración ronda el desarrollo del trabajo.

A lo largo de la obra se despliegan diversos momentos de Luis, su personaje central: infancia, adolescencia, adultez, tamizados por las relaciones que se le van presentando en las distintas épocas. Algunas vicisitudes trágicas marcan al protagonista quien, por fin, al modo de una Bildungsroman (novela de aprendizaje), termina por acomodarse en el mundo reconociendo y asumiendo su origen.

La concepción, que arrastra algo del desvío de los objetivos de la propia vida y su retorno a las líneas fundantes de sí, casi con resonancias tangueras (cosa no extraña a la lírica de Spinetta), deja transcurrir el relato en y por los versos de las canciones. A veces con una lectura simplista, casi literal, otras con interpretaciones un tanto libres o arbitrarias. Una virtud de este tipo de operatoria discursiva: para quienes conocen Spinetta, quid pro quo, los temas musicales y lo que de ellos se canta (aunque más no sea

mentalmente por parte del espectador) llevan el juego creativo, juego que termina por ser ilustrado por las escenas.

Otra cosa resultaría para quienes no estén familiarizados con Spinetta. Puede ser extraño o difícil (él mismo decía de sí, que a veces era muy caprichoso), pero este trabajo al menos introduce a un músico y poeta fundamental, uno que definitivamente hay que sumar entre aquellos de los que nos cuentan.

En lo que hace a lo escénico, con tramos teatralizados de un modo simplista, esquemático, y otros con danza recorriendo variaciones de estilos entre algo neoclásico y algo contemporáneo, los intérpretes (Iván Ulloa, Yago Roth, Eugenia Rodriguez Mirás, Ivana Mrozek, Alejandra Carla Salinas, Gisela Fernandez, Guadalupe Stivala, Georgina Laserre, Melina Aldeco, Ricardo Michel, Ayelen Pelegrini, Luz Yarber, Natalia Rodriguez y Matías Casariego) sostuvieron en función la linealidad de la historia.

Dos aspectos a destacar, entonces: la idea central de la duración de los instantes relevantes de las historias de vida (todo dura un instante, para toda la vida), instantes permanentes que duran asociados a canciones que los expresan (al menos para quien recuerda y tiene presente esos momentos); y que el trabajo también resulta una introducción u homenaje, según para quien, a la obra de Spinetta. __BD

Un momento de infancia que perdura Forto . Eva Luna

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C O M E N TA R I O

Doppelgänger Por Román Ghilotti

La reduplicación de alguien, ese doble espectral que va junto a una persona (Doppelgänger en alemán), es un tópico temático de lo siniestro que aparece numerosas veces en el arte. Paraje das Unheimlich, coreografía e interpretación de Josefina Gorostiza y Jimena Pérez Salerno, se presenta los jueves en el Espacio Callejón El título de la obra mezcla español (paraje) y alemán (das Unheimlich, que puede traducirse como lo inquietante, misterioso y hasta siniestro). El dispositivo escénico presenta un sillón curvo, de madera, grande y detrás una ancha columna de madera que fuga en la vertical.

Las intérpretes visten igual, llevan el pelo igual, son notablemente iguales.

Escondiéndose o desocultándose, ya sea merced a la columna, el sillón o la iluminación, alternativamente surge una u otra, continuando movimientos que desaparecen en los ocultamientos, sin que se pueda distinguir, al comienzo, si son dos, una, o cuál asoma. Un continuo de quien emerge, un continuo del sí mismo del personaje. Y llega el momento en que están las dos, simétricas, asimétricas.

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Lo especular de ambas es lo que da centro al trabajo: movimientos simples, caminatas, gestos, variaciones formales y de esfuerzos, breves secuencias. La renovación es constante, más de matices que de contrastes decididos, y pocas veces rompen la mutua reflexión y establecen alguna corta interacción o intercambio. Este oleaje de movimientos repetidos lado a lado finalmente se desagarra en sucesiones en que se enfrentan, todavía con acciones a espejo.

Lo siniestro del trabajo quedó manifiesto en función por la sutil y notable interpretación de las bailarinas: recorridos de diversos temples anímicos, sesgos de humor muy acotado, ajustes de rítmicas, gestualidades a veces hieráticas y otras densas de sentidos emocionales mostraron a las creadoras como expertas en su asunto. Esta doble figuración, no exenta también de violencia como de delicadeza, aportaba a la temática del doble su potencia aciaga.

Entre el virtuosismo del detalle y la exactitud y el juego sobre la metáfora de la duplicidad, más o menos ominosa para cada quien, mostraron en Paraje das Unheimlich una versión sólida y pesadillesca del Doppelgänger. __BD Gorostiza o Pérez, cabeza asomando tras el sillón Foto . Estrella Herrera

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C O M E N TA R I O

Una Visita Bailada Por Jessica Zilberman

La imponente Bailarina Sentada, en acero coloreado, estará en la explanada del MALBA hasta principios de septiembre Foto . Ivana Slipakoff

La compañía Decilo Bailando celebró a través de la danza la llegada de la escultura Bailarina Sentada (Seated Ballerina) del artista estadounidense Jeff Koons, en el marco del ciclo Esto no es una Visita Guiada Algunos edificios, el cielo, las nubes y los árboles se vieron reflejados en el cuerpo de la imponente danzarina ubicada en la explanada del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Se trata de la escultura Bailarina Sentada (Seated Ballerina) del estadounidense Jeff Koons, el artista contemporáneo mejor cotizado. La delicada y al mismo tiempo rígida bailarina clásica de acero inoxidable pulido fue el punto de inspiración para la “visita bailada”, que organizó MALBA Joven. En ese contexto, el 7 de mayo, la compañía Decilo Bailando dialogó con la figura a través del movimiento.

El grupo que fue elegido para festejar la primera obra de gran tamaño de Koons que se exhibe en el espacio público en Argentina, nació hace tres años en una escuela de arte que lleva su mismo nombre. “La escultura, nos despierta las ganas de bailar y de celebrar que la obra de Jeff está acá en el país”, explicó a Balletin Dance la directora del elenco, Matilde Barceló. Eso se vio plasmado en la sonrisa que los protagonistas mantuvieron a lo largo de toda la performance, que fue ideada especialmente para la ocasión (al igual que la música).

La coreografía, “fue un proceso creativo desde cero, que es lo que más nos gusta a nosotros: trabajar desde ese lugar”, detalló la directora, más conocida como Tini. Asimismo, comentó que los integrantes del conjunto trabajaron viendo las imágenes y leyendo acerca de la obra de Koons. De ahí que el baile incluyó elementos que están presentes en otras de sus invenciones, como las pelotas de básquet o algún paso de Michael Jackson. Entonces, si bien una de las intérpretes representó a la bailarina clásica, ese no fue el eje central de la performance. Más aún, los estilos urbanos fueron los que primaron.

Como en un flashmob, la “visita bailada” atrajo transeúntes ocasionales además de los que concurrieron especialmente. Lo cierto es que el público presente se ubicó alrededor de la entrada y también en la calle Figueroa Alcorta, dejando libre el mayor espacio posible para el relámpago artístico. “Koons es un artista pop y lo pop es como que se aparece de repente: es corto, intenso, breve”, dijo la coordinadora general de MALBA Joven, Tatiana Becco a quien escribe. Por eso, el evento duró unos pocos minutos. No obstante, quienes no asistieron, podrán apreciar la escultura hasta el 7 de septiembre.

En fin, mediante esa danza fugaz, jugando con el maquillaje de los bailarines a tono con la escultura y con globos en las barandas del museo haciendo alusión a las otras creaciones de Koons, el MALBA logró romper el esquema tradicional de sus visitas. __BD JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 23

El Festival Internacional de Danza Emergente Buenos Aires 2016, se ofrece como un espacio cuya meta es visibilizar a la danza independiente de la ciudad capital y afianzar lazos con otros sitios de producción, especialmente con las provincias. La segunda etapa, reunió diferentes propuestas y experiencias escénicas tanto locales como internacionales.

Jimena García Blaya, directora del FIDEBA, mencionó a Balletin Dance que el objetivo no sólo es mostrar obras, sino también compartir estrategias de gestión, organización y experiencias. “Queremos que el festival sea un espacio de reflexión, que brinde herramientas y abra puentes entre las diferentes formas de llevar a cabo una puesta en escena o gestionar una obra.”

Por Nahuel Aguirre

C O M E N TA R I O

Danza Independiente en Convivencia

Del 23 de abril al 1º de mayo se realizó la segunda etapa del Festival Internacional de Danza Emergente Buenos Aires 2016 (FIDEBA). A lo largo de una semana se expusieron obras nacionales y extranjeras. En su mayoría procesos y puestas experimentales que brindaron un paneo general sobre el estado actual de la danza autogestionada

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Se presentaron unos 78 trabajos para formar parte de la programación de este encuentro, y de ellos fueron seleccionados ocho para este período (la primera fase del festival tuvo lugar en febrero y la tercera se realizará en la ciudad de Merlo, San Luis en septiembre).

La mayoría de las puestas fueron de Capital Federal, Córdoba, Rosario y provincia de Buenos Aires. Como la intención del festival es ser federal fue llamativa la ausencia de obras provenientes del norte y/o del sur del país, García Blaya, consciente de esta falta, sostuvo que quizás este es un aspecto a rever dentro de las convocatorias: Hubo “una falta de voz de nuestra parte para poder convocar obras de danza de estas regiones. Además es importante contar con el imaginario de estas zonas para dialogar y saber la situación de todo el país”.

Bosque, de Bahía Blanca, fue la obra que dio pie a esta segunda etapa, y uno de los trabajos que se destacó a lo largo del festival.

Otra propuesta nacional fue la rosarina La Distancia Animal, que experimentó con movimientos de cisnes y la oscuridad de la danza butoh. El grupo Caldo fue seleccionado para presentar ¿Por qué no me llevaste a mí? un trabajo en proceso creado e interpretado por Luciana Pedroni, Facundo Monasterio, Juan De Rosa, Manuela Piqué. Esta propuesta física, humorista y por momentos absurda dividió la opinión de los presentes. Sin embargo no se puede negar la presencia y el humor de Monasterio que pudo despertar una sonrisa en más de una persona.

De las propuestas internacionales llegó desde Uruguay Pardo, de Vera Garat, Leticia Skrycky y Santiago Turenne, que jugó con la

Pardo y un juego en penumbras Fotos . gentileza de prensa

penumbra del escenario y los movimientos que producían las sombras y linternas. Mientras que el mexicano Javier Contreras presentó Trilogía Coreográfica una puesta que cuestionó la masculinidad y su historicidad. Este último aprovechó el momento para opinar sobre la danza independiente de nuestro país, a la que percibió como un ambiente muy libre: “Veo una gran apertura a la experimentación.

Mucho énfasis en la composición, las energías y la fiscalidad. Vi obras conceptuales, que eludían sentidos y son más conceptuales.

Cosas que suceden en México pero no con el mismo peso y libertad que aquí”.

Por su parte Diana Szeimblum y Silvio Lang fueron los encargados de dirigir a Celia Argüello en Bocetados. Ambos directores montaron dos trabajos muy bien recibidos por el público, aprovechando el Centro Experimental de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM) y de las capacidades interpretativas de Argüello. Lang experimentó con la espacialidad y Szeimblum optó por jugar con elementos y materialidades en una propuesta más sutil.

Lucas Condro cerró el festival con la presentación de su libro Asymetrical Motion, acompañada por lecturas e improvisaciones en base a esta técnica desarrollada por el propio bailarín.

Fideba está claramente dirigido a personas acérrimas de la danza. Fue raro ver que se acercase a alguna de las funciones alguien externo a la escena artística, aunque las entradas se agotaron, los organizadores aún tienen la intención de ampliar la convocatoria de público. “En esta edición arriesgamos a salas más grandes, a convocar estudiantes y jóvenes. Por otro lado las entradas son no aranceladas y que vengan en masa es señal de que la gente tiene interés.” El broche de oro para el cierre del encuentro fue una jam improvisation entre todos los asistentes, quienes compartieron su danza y experimentaron con el movimiento junto a DJ`s invitados. __BD

Ensayo de Bocetados en el Centro Experimental que la Unsam tiene en la ciudad de Buenos Aires JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 25

C O M E N TA R I O

Buen Inicio Por Agustina Llumá

El Ballet del Teatro Argentino de La Plata inició su temporada anual bajo la dirección de Maricel De Mitri, con Giselle en versión coreográfica de Martín Miranda Fueron ocho funciones del 1º al 9 de abril, en las que alternaron los roles protagónicos tres repartos. En la noche a la que asistió esta cronista Julieta Paul fue Giselle y Miguel Angel Klug, Albretch. Lisandro Casco interpretó a un convincente Hilarión (con estudiada y coherente mímica) y Mariela Bidondo fue una estupenda Myrta (con magistrales pas de bourrée couru que la hicieron levitar sobre la escena).

La orquesta dirigida por Diego Censabella Farré, consiguió momentos de honda emoción, que contribuyeron a conformar el clima propicio para Giselle, fiel representante del romanticismo.

La adaptación coreográfica fue en un todo congruente (excepto por algunas brevísimas entradas especiales para aplausos, sin música, que cortaron un poco el relato), y las presentaciones demostraron un cuidado especial en las preparaciones previas a las funciones. El ensayo, bien dirigido, siempre da como resultado una propuesta prolija. Así fue en este caso, en donde el cuerpo de baile pudo lucirse como una unidad amalgamada (perfectas las diagonales del segundo acto), que supo disimular diferencias individuales. El paso de los paisanos del primer acto, fue enérgico con Agustina Verde y Esteban Schenone, quienes disfrutaron su jovial actuación.

El fusionado cuerpo de baile ofreció el marco ideal para el lucimiento de Julieta Paul y Miguel Angel Klug Foto . Guillermo Genitti

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Julieta Paul, bailarina con trayectoria, ofreció correctamente la doble interpretación de su personaje (primer acto: joven aldeana enamorada, versus segundo acto: espíritu fantasmal), sin tomar riesgos técnicos innecesarios (con dificultades para bajar suavemente de las puntas, en el segundo acto) y buena batería de cruce.

Estuvo muy bien acompañada por Miguel Angel Klug, con ajustado physique du rol sobre todo en el segundo acto. Caballero de buen porte y preciosas manos (que usó poco), fueron convincentes sus baterías de cruce, aunque por momentos hubo extraños movimientos de cabeza.

Próximas actuaciones Del 10 al 19 de junio, el Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata presentará Don Quijote, en su sede. Como es habitual habrá micros desde y hacia la ciudad de Buenos Aires el día del estreno.

El siguiente programa informado a Balletin Dance, se presentará en septiembre fuera de sede, bajo el título Tríptico, compuesto por el Pas de Action de La Bayadera en reposición de Martín Miranda, Estancia de Carlos Trunsky (sobre música de Alberto Ginastera) y Bésame de Ana María Stekelman.

Un cuarto programa en 2016 se estaba por confirmar cuando esta revista ingresaba a imprenta, y podría realizarse en la ciudad de Buenos Aires. __BD

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Por Agustina Llumá

La Limitación para Encontrar la Libertad E N T R E V I S TA

El coreógrafo israelí, Sharon Fridman, estará este mes en Buenos Aires. A poco de saberlo, Balletin Dance organizó con él una entrevista vía skype, para anticipar su llegada Desde su hogar de Madrid donde se radicó en 2006, y en un español casi perfecto, Sharon Fridman dialogó con esta revista como si estuviera físicamente presente. Inquieto y expresivo, con sus ojos azules clavados sobre la cámara, todo su cuerpo expresaba sus ideas, sus cuestionamientos y su filosofía de vida.

Encontrar un momento de tranquilidad en su cotidianeidad, no fue fácil. Además de que la compañía que dirige, y que lleva su nombre, se presenta en giras constantemente, él está montando versiones de sus obras para diferentes elencos. Solo en 2016 actuarán en diferentes ciudades de España, además de Francia, Bélgica, Austria, Alemania, Suiza, Países Bajos, Luxembrugo, Italia y Argentina.

Sharon Fridman bailó en todas las compañías de danza de su país antes de coreografiar y ser coordinador artístico de Mayumaná, elenco con el que estuvo en Buenos Aires hace doce años a donde regresa, luego de montar una versión de Caída Libre (Free Fall) en el Ballet Nacional de Paraguay. “Vuelvo principalmente para dar un taller, para compartir mi búsqueda o más bien mi punto de interés y de pasión. Una línea de investigación que estoy desarrollando dentro del Contact Improvisation. Finalmente presentaremos el duo Hasta Dónde en versión femenina”, explicó el director.

Para el coreógrafo, su trabajo parte del cuestionamiento de nosotros como sociedad: “nos vemos como bichos que están andando, en dos piernas, llevando su centro hacia adelante y parece que el cuerpo va cada vez más hacia adentro, y los mundos realmente interesantes se desarrollan dentro de cada uno. Desde este pensamiento, me pregunto cómo sería si empezamos a investigar más maneras de trabajar con nuestro cuerpo a través de compartir el peso, la gravedad, intentando construir un bicho que de alguna forma está limitado pero

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Sharon Fridman, en búsqueda de la libertad Foto . Krunoslav Marinac

de otra forma es también más amplio, porque lo deja llegar a unos puntos en los cuales el cuerpo de uno solo, no puede”. Esta nueva alimaña, no está conformada solamente por dos personas: “dos, tres, cuatro o cien” aseguró Fridman, que ya ha realizado experiencias con esa cantidad. “Ahora no hay límites, aquí está mi locura también. Qué pasa con este bicho cuando trabajo con seis, qué posibilidades tiene, a qué velocidad y altura puede llegar y -además- cuánta libertad puede tener uno dentro de esta limitación. La libertad es un reflejo del nudo social donde vivimos, porque al fin de todo, tenemos nuestros códigos, nuestros acuerdos no hablados, nuestras máscaras”. ¿Cuán libre puedo ser dentro de una limitación que permite un avance diferente?

“Estamos queriendo buscar la libertad de cada uno de nosotros y ser aprovechados y encontrados al máximo”, explicó.

Dentro de su trabajo personal, el israelí asegura tener una pasión más: la velocidad. “Hasta dónde se puede llegar con complicaciones, qué pasa después de sacar afuera todo lo que puedes, qué le pasa a tu presencia y cómo lo transmites. Para mí, cada obra comienza con ‘vamos a agotarnos’. Ahora vamos a empezar a comunicar. La pregunta hasta dónde [título de la obra que se mostrará el 24 de junio en Buenos Aires] es en todos los sentidos: hasta dónde luchar, hasta dónde recibir, hasta dónde ir rápido, y cómo quedamos después de esta carrera. En otras de mis obras también se puede ver este elemento siempre volviendo, como en Caída Libre que creé en 2014 (ganadora al premio Max al mejor espectáculo de danza), empieza con una carrera de un individuo en la oscuridad, que trae a veintiséis individuos en una carrera en oscuro durante un tiempo, para agotarse, para poder empezar a comunicar -sin máscaras- la necesidad de compartir el peso.

Lo que me lleva a la siguiente pregunta: ¿por qué? Por qué contactarnos, qué pasa en mí que tengo esa necesidad de un apoyo, de un apoyo al otro y al mismo tiempo a mí mismo, buscando paredes vivas, estructuras vivas”.

¿Qué características debe tener un bailarín para poder hacer sus obras?

“Los bailarines dicen que soy una explosión de fuerza, que tengo una cantidad de fuerza muy condensada, que emerjo, consigo romper paredes, empujar, crecer desde el empujar. Pero es verdad que también tengo en mi compañía bailarines muy frágiles, muy finos, porque cualquiera puede entrar a este lenguaje y encontrar su libertad dentro de este nudo que propongo. Hoy después de años de trabajo entiendo que tienen que ser personas con necesidad, que necesiten justo lo que estoy proponiendo.

No es un trabajo para bailarines, sino para personas con habilidades físicas, con mucha pasión y una necesidad de enfrentar

Maite Larrañeta y Melania Olcina, en Hasta Dónde, este mes en Buenos Aires Foto . Jesus Robisco

esta fuerza. Por un lado tiene que ser gente responsable con cierta experiencia y por otro lado tener una fuerza de emerger, juvenil”.

¿Por qué se radicó en España?

“Por dos razones principales. Una, el amor, y en paralelo, tenía la necesidad de investigar, de encontrar mi lenguaje. Salí de Israel en un viaje largo que terminó en Madrid, estaba planeando

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Realidad “Mis obras están relacionadas directamente conmigo, con nuestra vida y con lo que estamos viviendo”, con la sociedad. “Es de lo que se trata crear, ¿no? Lo que estamos haciendo todos los artistas ¿de qué están hablando?: las cosas que nos preocupan, las cosas con las que estamos a favor y en contra, las cosas que pensamos que hay que seguir, analizar. Esas son nuestras fuentes de inspiración”

volver, me enamoré, decidí quedarme un poquito más, creé mi primer trabajo que se llamó Carlos en Mi, lo presenté en un certamen coreográfico como coreógrafo joven en Madrid y recibió cinco premios, que abrieron muchas pistas, de laboratorios de investigación y residencias en diferentes lugares, presentar mi trabajo en muchos festivales. Así empezó mi camino, una cosa trajo la otra y aquí estoy”.

¿Cómo es vivir en un Estado que está en guerra constante?

“Cuando vives ahí, naces ahí, comes, sueñas, haces el ejército, te conviertes en un bicho de ahí, con filosofías que están coherentes ahí. Pero cuando sales, abres tus ojos, entiendes otras culturas, y el mundo. De repente tienes transferencias, entiendes dónde estuviste y cuál es la distancia entre ese sitio y lo que eres tú de verdad. La salida de Israel me dejó ver, conocerme mejor. Vamos a decir que si estuviera en Israel daría mi vida, sería muy activista y tendría otra realidad totalmente distinta.

No podría darle la oportunidad a la coreografía como se lo he

dado en España. Es muy importante para mí lo que pasa allí, toda mi vida formé parte de él, pero me siento mas útil estando aquí, trabajándolo. La realidad es tan distinta, la gente alrededor de ti, los más cercanos, no pueden entender cosas que aquí no cuesta mucho decir. Ahí no ven la locura de su situación, están viviendo en una burbuja, no saben lo que ocurre. Prefieren no saberlo de hecho, porque si supieran deberían hacer algo. Hay un tipo de ignorancia brutal y violenta. Estoy seguro que mirando atrás dentro de 50 años, diremos ¡qué locura!.

Siento que de alguna forma no me puedo permitir rendirme ahí, tengo que trabajarlo donde haya un lugar que me permita hacerlo”.

En Madrid Si bien en los últimos años Fridman ha estado muy poco tiempo en su casa, arriesgó a decir que en Madrid “todavía hay que trabajar muchísimo para crear las vías para desarrollar la danza contemporánea, estamos creándolo de la nada.

En España y en Madrid en concreto, el flamenco y el ballet español es la piedra principal, la que toma la mayoría de las fuentes económicas de la cultura. De la danza contemporánea todavía se preguntan qué es, para qué, no lo entiendo. Estamos todavía en ese nivel”.

El tango Me encanta Argentina, estoy encantado de ir. El tango está tan conectado a lo que estoy haciendo… todavía estoy esperando el momento de crear mi primer tango: ojalá sea con una artista argentina. Últimamente, no sé exactamente por qué razón, me contactan muchísimos bailarines argentinos, que vienen a Europa en verano. Pero de verdad muchísimos.

Y yo voy allá”. __BD

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E N T R E V I S TA

La Danza Primero Por Agustina Llumá

La Municipalidad de General San Martín en el Gran Buenos Aires, un partido lindero a la capital de la República, considera a la cultura como política de Estado y la danza, en particular, ocupa un lugar fundamental. Tan fuera de lo habitual resulta este tratamiento, que Balletin Dance conversó con su intendente Gabriel Katopodis, para conocer los lineamientos de su gobierno “Estamos convencidos de que la producción, la distribución y la revalorización de bienes culturales es una política reparadora y democratizadora” afirmó Gabriel Katopodis a esta revista. “Desde el inicio de nuestra gestión [hace más de cuatro años], la cultura ha sido un pilar muy importante”. Desde esa cartera, “trabajamos para desarrollar una intensa agenda de actividades integradoras para todas las edades, con exposiciones, conciertos, festivales y talleres gratuitos, orientadas a fomentar el arte local y a recuperar el espacio público como ámbito de participación social. Además, estamos ampliando y acondicionado los espacios culturales para que todos los vecinos de San Martín [unas treinta mil personas] puedan disfrutar de eventos gratuitos y de primer nivel en sus barrios”.

En cuanto a la danza específicamente, “ha tenido un lugar preponderante” aseguró el intendente. Uno de los objetivos fue facilitar el acceso a la misma, que resultó en un aumento considerable en la matrícula de alumnos en la Escuela Municipal de Danza: más de 700 hoy, con muchos interesados en lista de espera. También se esmeraron en “elevar su calidad educativa. Para ello se nombraron nuevos docentes, reestructuramos sus planes de estudio y se puso en valor el edificio”. Y

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Marianela Nuñez regresa a la Argentina en gira nacional, junto a Alejandro Parente Foto . Máximo Parpagnoli

para responder a la demanda local, la municipalidad está “en proceso de construir otra sede en José León Suárez”, aseguró el jefe de gobierno municipal.

Si bien todas las disciplinas son tenidas en cuenta, “al ser tan fuerte la impronta de Marianela Nuñez en nuestra Escuela y en los vecinos en general, hay una tendencia casi natural a que haya un mayor desarrollo de la danza clásica y contemporánea”.

Marianela Marianela Nuñez, es considerada una de las artistas más exquisitas del mundo del ballet de la actualidad. Oriunda de San Martín, mantiene un cariñoso vínculo con sus raíces.

Tal vez esto haya contribuido a que la danza en la localidad esté considerada como política de estado. “Marianela nació y vivió en San Martín hasta su partida a Londres, y aún hoy, luego de tantos años fuera del país, sigue en contacto permanente con su lugar de origen”, confesó Katopodis. Allí inició sus estudios con Adriana Stork, actual directora de la Escuela Municipal.

El Municipio se interesó por su historia, “tuvimos la oportunidad de conocerla personalmente en 2013 y la nombramos ciudadana ilustre del partido”, además aceptó de buen agrado ser la madrina de la escuela reinaugurada, que visita frecuentemente para

maravilla de las pequeñas alumnas, “nos llena de orgullo su gran compromiso social y su cariño por su ciudad natal”.

En 2014, La Municipalidad de San Martín realizó una gala benéfica, “con una respuesta arrolladora de público”, recordó el funcionario. La experiencia se repitió en 2015, y tendrá lugar nuevamente este año, en una noche patriótica el mismo 9 de julio y como en las anteriores ocasiones, con entrada gratuita.

Educación artística San Martín también se ha destacado en aumentar la oferta educativa a nivel artístico, por toda la ciudad. “Hemos trabajado intensamente en el fomento del desarrollo de capacidades, expresiones y nuevos talentos en todo el distrito, (…) hemos descentralizado la Escuela Municipal de Música (cuyo padrino es Axel) inaugurando una nueva sede, y vamos por el mismo camino en la Escuela Municipal de Danzas”.

La reinauguración del edificio de la Escuela de Danza, “era una deuda con los vecinos de San Martín”. La real demanda que existe para estudiar danza, “en definitiva es lo que nos llevó a poner en valor la institución, ampliar la matrícula e impulsar esta gran actividad artística en la ciudad”. Dentro de la institución, el año pasado se creó un ballet infantil, y paralelamente, aquellos alumnos que demuestran un significativo potencial, especial interés y dedicación en su capacitación cuentan con un “taller de formación intensiva”.

Gabriel Katopodis confirmó que continúan trabajando “en el proyecto de crear una tecnicatura de bailarín intérprete de danza clásica y contemporánea, que nos permita profesionalizar aún más la enseñanza y otorgar mayores herramientas para que el egresado pueda tener un mayor campo de acción e inserción a nivel artístico y laboral”.

Universidad Nacional Si bien la ciudad cuenta con una Universidad Nacional pública (Unsam) que contempla una carrera de danza y un grupo de danza contemporánea (dirigida por Oscar Araiz), al no depender del municipio (sino de la Nación), juntos trabajan de manera articulada, “se prestan colaboración mutua”.

Elencos Nueve cuerpos artísticos trabajan bajo la órbita municipal, uno de ellos es el Ballet Folklórico Municipal que dirige Héctor Anchava. Además de ser embajadores culturales del Municipio, “se trata de una apuesta a la promoción de la cultura, integrando la agenda cultural municipal de manera permanente con sus intervenciones”. __BD

Para Gabriel Katopodis la producción, la distribución y la revalorización de bienes culturales es una política reparadora y democratizadora Foto . gentileza MSM

Agenda Gira Marianela Nuñez se presentará una vez más en gira por todo el país, durante el mes de julio. Algunas funciones serán con el elenco local, mientras que otras son galas en las que participarán Alejandro Parente, Julieta Paul, Matías Iaconniani, Carla Vincelli, Lucas Erni, Yanina Toneato, Gerardo Marturano y Miguel Klug, dirigidos por Analía Domizzi. Las fechas confirmadas de sus actuaciones son: 9 de julio: Sociedad Alemana de Gimnasia de Villa Ballester, San Martín 12 y 13 de julio: Teatro El Círculo de Rosario 16 y 17 de julio: Teatro Municipal de Bahía Blanca 20 y 21: Teatro Provincial de Salta 23: Teatro Coliseo de Buenos Aires 29 y 30: Teatro del Lago de Frutillar (Chile)

Adriana Stork, Gabriel Katopodis, Milagros Nuñez y su tía Marianela, en la Escuela Municipal de Danzas Foto . gentileza MSM JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 33

E N T R E V I S TA

Profeta en el Exterior Por Agustina Llumá

Uruguay, Brasil, Paraguay y México, demandan el trabajo del argentino Mario Galizzi, en este 2016, como maestro, ensayista y director de compañía. Apenas pocos instantes estuvo en Buenos Aires, fundamentalmente para organizar su próximo viaje, que lo distanciará por un tiempo. Acaba de ser nombrado director artístico de la Compañía Nacional de Danza de México Casi parecía imposible encontrar un espacio en su agenda para coincidir físicamente, pero una lluviosa tarde porteña, Mario Galizzi recibió a quien escribe en su casa de la ciudad de Buenos Aires, entre trámites, mails y los empaques que demanda un largo viaje. La charla se extendió por muchas horas y la temática resultó de lo más variada. Es que el maestro siente que transita el momento en que debe decir todo: “son muchos años de hacer esto, en montones de compañías. He observado cómo se manejan, sobre todo las latinoamericanas que son las más complejas, por una razón presupuestaria, entre otras cosas. No decir ciertas cosas no tiene mucho sentido. Porque para algo vos vivís y tenés experiencias. Si no… ¿para qué estás?”.

A partir de allí, Galizzi habló sin descanso. Defensor acérrimo de la estabilidad en las compañías de ballet de repertorio, fun-

34 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

damentalmente porque “los bailarines estables mayores” son imprescindibles para cubrir roles específicos en todos los grandes ballets, “tienen esa capacidad de vivencia que te da la vida”, que raramente se ve en un artista joven. “Ahora veo compañías lindas, con chicos jóvenes que carecen de esto. Tampoco pueden aprenden de los mayores la tradición vivida durante tantos años con todos los coreógrafos que han venido a las compañías”. Por supuesto habla de la experiencia personal, “no podés entenderlo a través de un video”.

Con la Compañía Nacional de México La CNDM, es un ballet clásico que depende del INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes), una institución “enorme”. Funciona en forma “estable como compañía, pero no así los bailarines”, explicó Galizzi a esta cronista. El sistema, similar al de Chile, ofrece un retiro para los bailarines alrededor de los 40 años de

Mario Galizzi en su oficina mexicana, a poco de asumir Foto . Fabian Cruz | Compañía Nacional de Danza

edad, “que no es una jubilación, pero te dan tanto dinero, y una gran despida. Hay cierta estabilidad porque la gente se mantiene durante años. Hay una protección para el bailarín que es un trabajador igual que cualquiera”.

Derechos de autor El maestro ha trabajado con esta agrupación en numerosas oportunidades, con diferentes directivos, por tanto conoce lo que han bailado y lo que tienen en repertorio, “ahora me estoy interiorizando con respecto a los derechos de autor, qué está pago y qué no, qué hay que reanudar. Me interesan mucho las tres grandes obras de John Cranko que tienen: La Fierecilla Domada, Romeo y Julieta, Eugene Onegin, títulos que no hace cualquier compañía (eso te da la pauta de lo qué es el elenco).

Son grandes ballets de nuestra contemporaneidad y me encantan, quiero traer Manon de Kenneth MacMillan (si pudo hacer Cranko puede hacer MacMillan)”, aseguró orgulloso. Paralelamente, admitió que en el caso de que no se pudiera hacer por razones presupuestarias, “no tiene mucho sentido que yo me quede; hay que ver la manera de que si no es este año se pueda programar para el otro. Tienen también La Cenicienta de Ben Stevenson que es una de las mejores versiones que hay. Cuando llegué allá, la compañía hace La Sylphide (que no monté yo) en el Palacio de Bellas Artes, con orquesta; después cierra esta parte de la temporada (allá tienen vacaciones a mitad de año) en el Teatro de la Ciudad con Chopiniana y tercer acto completo de Raymonda que puso Fernando Bujones y cedió los derechos a la compañía, que está muy bien puesto y quiero conservarlo; con algún pas de deux entre medio. Además, hay galas por diferentes lugares, Cascanueces de Nina Novak en el Teatro Nacional, que está muy bien. Veré lo de El Lago de los Cisnes en Chapultepec, que es un extracto, una obra que lleva 40 temporadas en la isla, que es un gran gran éxito. Pero tengo que ver si ya cumplió un ciclo. Considero que la compañía tiene que tener un Lago… completo en su casa, con su orquesta; que no tiene, porque tiene el otro. Hay otras opciones para hacer al aire libre, como el acto de las sombras de La Bayadera”.

¿Contemporáneo?

“Hay mucho contemporáneo en México, bastante bueno. Está como fijo un atelier de coreógrafos mexicanos, que por supuesto es importantísimo. No me atrevo a decir los nombres de los contemporáneos…” dijo Galizzi, pero no pudo contenerse: “yo soy un fanático de Jirí Kylián por ejemplo, pero generalmente las obras que te dan él o Nacho Duato, son para poca gente.

Me encantaría poner Petit Mort, una joya coreográfica, pero se queda una parte importante de la compañía sin bailar. Me encantaría Angelin Preljiocaj, y los Balanchine, que amo. Pero de todas maneras, preferiría que hagan una obra completa más grande”. En síntesis: en una compañía de este tipo no pueden faltar “los tres Tchaicovsky, la danza madre es: Lago…, Bella… y Cascanueces, son permanentes, tienen que estar, es la base, lo que mantiene a una compañía en la cosa académica, física y en estado. Después Cranko y MacMillan que ha venido a posterior, y Balanchine que es la danza por la danza misma. Voy a intentar que vaya Sinfonía en C…”. Nuevamente el maestro dejó saber que si no pueden ir esas obras, regresaría a su “casa”.

Devolver lo recibido Como Bujones, Galizzi donó los derechos de autor de sus puestas al Teatro Colón para siempre. “Doné los derechos de El Lago de los Cisnes, pero gastan dinero en diferentes puestas: después de la mía hubo dos más. También doné los de La Bella Durmiente y La Sylphide. Yo hice tantos años en el Teatro, fui bailarín, maestro, director, me pareció muy válido devolver un poco al Teatro lo que el Teatro me había dado -aunque suene feo- hasta en la cosa económica. La estabilidad, a mí y a mi ex esposa, nos permitió vivir, mandar a nuestros hijos al colegio privado, vacaciones, aguinaldos. En algún momento uno tiene que retribuir esto, creo que cobré bastante durante muchos años y además ahora tengo una jubilación. Pero nadie hizo caso, las versiones que vinieron después -lo digo así, abiertamente-, no fueron mejores que la mía. Es una realidad”.

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“No decir ciertas cosas no tiene mucho sentido. Porque para algo vos vivís y tenés experiencias. Si no… ¿para qué estás?”, aseguró Galizzi en la extensa conversación Foto . Fabian Cruz | Compañía Nacional de Danza

nea, pero a un nivel altísimo (pienso que es la mejor compañía que hay en Brasil en ese aspecto) y están haciendo un clásico por año. Marcia Haydée puso un Don Quijote ahora.”

Agenda “Acabo de llegar de Paraguay donde estoy haciendo una Bella Durmiente más acotada, para un escenario más pequeño, con el Ballet Municipal de Asunción. Mi relación con el Ballet de San Pablo es fantástica, hace mucho que voy, cada año un poco más; la última propuesta fue la de director de ensayos, además de clases por supuesto. Somos dos, porque no podemos estar todo el año, el otro es Giovanni di Palma, italiano, que trabaja mucho en Europa. Con ellos voy a poner El Lago de los Cisnes completo, el mismo que hice acá. La compañía es totalmente contemporá-

Las raíces Yo tengo que venir periódicamente a Buenos Aires, porque aquí está mi casa, aquí está parte de mi familia, que está dividida, porque mi otra hija y nieta están en México [Agustina Galizzi, primera bailarina de la Compañía Nacional de Danza]. Vamos a ser honestos: esto me fascina y todo. Viví siete años en Europa y después me radiqué acá, mis raíces están acá. Y me gustaría seguir trabajando acá.

36 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

Maestro de corazón Galizzi asegura que dar clases, es lo que más le gusta “es lo que me da realmente placer, eso no lo quiero dejar”. Cuando volvió de Alemania, en la mitad de los setentas, de hacer entre 130 y 150 funciones al año en la Opera de Frankfurt, pasó a 30 espectáculos anuales en el Teatro Colón. Sin aquella actividad terrible, decidió que debía empezar a dictar clases. En Europa había tomado muchísimas clases con diferentes maestros de diversas escuelas. “Viajé a Dinamarca muchas veces, viajaba a París a la noche un día que tenía libre para hacer clase y volver.

Creo que ahora me doy cuenta, que asimilaba cosas para un futuro… no era para bailar yo. Me nutrí para enseñarlo después”.

Escuela rusa en Düsseldorf, la primera compañía que integró allá, los últimos tres años en Frankfurt con maestros del New York City Ballet (cuando John Neumeier se fue a Hamburgo), “mis clases son un compendio de lo que me parece mejor de cada escuela, pero no es un popurrí: estudié realmente los elementos de cada una: los port de bras y ecartés de los rusos son indiscutibles, la velocidad de los pies de los americanos y de los daneses también”. Y reiteró: “dar clases es lo que más me gusta hacer. A parte que los logros están a la vista”, se refirió así a sus discípulos, Denis Volpi que estrena el 10 de junio Salome con el Ballet de Stuttgart donde es coreógrafo residente, Luis Ortigoza, Emmanuel Vázquez y tantos otros.

En Argentina “Acá soy un poco… ¿cómo explicarte? un desocupado. A veces pienso que puede ser que no quieran invitar a un ex director, porque no he recibido propuestas. De los ballets de las provincias tampoco, he ido en otra época al Ballet de Córdoba, a Bahía Blanca hace años que no voy, una compañía lindísima, fui mucho cuando dirigía Alejandro Cervera; hice La Sylphide, hace muchos muchos años, creo que fue la primera vez porque incluso hice traer las partituras de Dinamarca, Cinthia Labaronne y Luis Ortigoza fueron como invitados y Violeta Janeiro hizo la Madge que fue para mi… el lujo más grande, fue genial.

Yo soy de Rosario, estudie ahí, nunca tuve una invitación de mi ciudad. __BD

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Viernes 3 y 10, 23 hs: Horse, Equino Salvaje + Devenir de Mariposa | Viernes 17 y 24, 20:30 hs: Esta de Soledad Pérez Tranmar | Viernes 17 y 24, 23 hs: Vacías de Flor Dorado | Sábados 20:30 hs: Los Perros Semihundidos de Julia de la Torre | Sábados 23 hs: J. A. Blemias de Federico Moreno | Domingos 5 y 12, 16 hs: Plataforma 360, Siento a Cristo y es Mujer. (Lavalleja 1116, Tel: 4775-5697).

Erro

Sasha Waltz este mes en Buenos Aires Foto . Andre Rival

Café Müller

De Gustavo Gorosito. Compañia Cuarto Intermedio Danza Experimental. Dirección: Luis Miguel Zuñiga.

Intérpretes: Alejandra Sabella, Giselle Pezoa, Maria Belén Loiza, Denisse Ramos, Bety Pujol Cajal, Jimena Valdivieso, Malena Feliziani, Josefína García, Milena Loguercio, Maximina Gobet, Nuria Hortiguera, Rodrigo Gatica, Luis Miguel Zuñiga, e invitados. Sábados 2 y 9 de julio 20:30 hs.

Café Müller Club de Danza (Lavalleja 1116, Tel: 4775 5697).

Caipirinha

Cupido.net Dirección: Sandy Gutkowski. Dramaturgia: Ariel Barchilón. Asistencia coreográfica: Cecilia Gruner. Elenco: Mariela Barcos, Alfredo Sánchez y Lailén Álvarez. Viernes 20:30 hs. Espacio NoAvestruz (Humboldt 1857, Tel: 4777-6956).

Danza en Morón En junio: Fata Morgana Compañía de Danza de Liliana Cepeda, Compañía Inspira Circo dirigida por Rodrigo Garro Velázquez y Facundo Pennesi y Arrabal Salvaje de Andrea Castelli.

Domingos 20 hs. Teatro Municipal Gregorio De Laferrere (Brown y San Martin, Morón, Tel: 4483-1412). Entrada gratuita.

Doña Rosita la Soltera De Federico García Lorca. Adaptación: Graciela Dufau y Hugo Urquijo.

Asesoramiento coreográfico de Cecilia Elías. De jueves a sábados 20 hs y domingos 19 hs. Teatro Regio (Avenida Córdoba 6056, Tel: 4343-5356).

El lago de los Cisnes Y las Princesas Encantadas. Versión Infantil. Ballet Metropolitano de Buenos Aires. Dirección: Leonardo Reale. Domingos 11 hs, Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

Festival Lodo

Dido y Eneas De Henry Purcell en vesrión de la coreógrafa Sasha Waltz. Dirección musical: Christopher Moulds, por la Orquesta Akademie Für Alte Musik y Coro Vocalconsort (Berlín). Martes 7, miércoles 8, viernes 10 y sábado 11 de junio, 20 hs y domingo 12, 17 hs.

Teatro Colón (Tucumán 1171, Tel: 4378-7109).

En el Aire Compañía aRiesgo. Dirección: Juan Cruz Berecoechea. Asistencia Coreográfica: Santiago Palavecino. Con Victoria Aldatz, Patricio Ardissone, Andrés Bollati, Max Cargnello, Lucrecia Galarza, Elina Marchini Solaligue, Marcos Miño, Ricardo Pallonari, Antonella Pereyra, M. Sol Perez Gallardo, Juan Francisco Rodriguez y Pablo Cordero Jaure. Domingos 19 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

cartelera

Dirección: Victoria Castelvetri. Intérpretes: Ana Inés García, Caterina Mora, Milva Leonardi, Quillen Mut Cantero y Renato Valença. Asesores: Luis Biasotto y Juan Ignacio Vallejos.

Sábados de junio y julio 21 hs. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

Circo y Danza: En El Aire Foto . Toilette

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Danza contemporánea. Grupos de Francia/Portugal, Brasil, Chile, México y Argentina. Del 18 al 26 de junio.

En cuatro sedes: Club Cutural Matienzo (Pringles 1249), Centro Cultural Matta (Tagle 2772), Granate Galeria (Av. Alvarez Thomas 1533) y La Sede (Acevedo 1182).

Infinito Tango Compañía de Leonardo Cuello: Milagros Rolandelli-Lisandro Eberle, Rocío Leguizamón-Germán Filipelli, Nuria Lazo-Federico Ibáñez, Ayelén Álvarez Miño- Iván Romero, Lucia Aspiroz Larrosa- Miguel Santillán.

Domingos 19:45 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín, Tel: 5555-5359).

La Luz de un Cigarrillo De Marco Antonio Rodriguez. Adaptación: Daniel Teveles. Coreografía: Vicente Santos. Con Gaby Barrios, Orlando Alfonzo, Mirna Doldán, Lucía De Vita y Raga Hernández. Sábados 20:30 hs. Teatro La Mueca (Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

Peter Pan Dirección: Ariel Del Mastro. Adaptación teatral: Marisé Monteiro. Música: Patricia Sosa, Oscar Mediavilla, Daniel Vilá y Federico Vilas. Diseño de Coreografía: Gustavo Carrizo. Con Fernando Dente, Natalie Pérez, Ángela Torres, Nazareno Mottola, Gabriel Goity y elenco. Del 8 al 30 de julio, a las 15 y 18 hs. Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857, Tel: 5237-7200).

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40 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

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De Benedetti regresa a la coreografía Foto . gentileza de la producción

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Yo no Duermo la Siesta De Paula Marull. Coreografía: Silvia Gómez Giusto. Actúan: Laura Grandinetti, Marcelo Pozzi, María Marull, Micaela Vilanova, Sandra Grandinetti y Willy Prociuk. Miércoles 21 hs. Espacio Callejón (Humahuaca 3759, Tel: 4862-1167).

cartelera

De Ariel Gurevich. Coreografías y movimiento: Luis Sodá. Con Juan Gabriel Miño y Fernanda Pérez Bodria. Jueves 21:30 hs. El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 4862-0655).

JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 41

E N T R E V I S TA

Agradecida con Argentina Por Gustavo Friedenberg

Tamia Guayasamin es bailarina y coreógrafa ecuatoriana, formada en Argentina. Es la primera Licenciada en Composición Coreográfica en Danza Teatro del antiguo IUNA, que egresó por fuera del seminario de equivalencias universitarias. Hoy ocupa un importante lugar en el Ministerio de Cultura de su país. Balletin Dance la entrevistó en España Tamia Guayasamin fue estudiante de la primera generación de la escuela de danza contemporánea del grupo Frente de Danza Independiente. Pronto, Wilson Pico la invitó a integrar el elenco de una obra que estaba montando, a partir del cual nació el Taller de Experimentación Escénica. Al finalizar el colegio, ella quería seguir bailando. Su hermano estudiaba cine en Buenos Aires, en su país no existía ninguna carrera de danza y además había una fuerte crisis económica que hacía que fuese más barato vivir y estudiar en Argentina que pagar la universidad en Ecuador.

“Recién cuando llegué a Buenos Aires me enteré un poco cómo era la movida; tuve un mes para prepararme en el examen de ballet y moderno. Me costó mucho, pero estaba totalmente dedicada a ello y en el año 2003 ingresé a la Universidad Pública, el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA)”, recordó en esta conversación.

“Entre 2003 y mediados de 2007 cursé las 44 materias”, pero en el transcurso de la carrera como muchos estudiantes dejaban

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de estudiar, no se abrían las cátedras de las diferentes materias.

“Finalmente los directivos encontraron la manera y pude cursar algunas asignaturas en las carreras de Audiovisuales y en Dramáticas. Así pude terminar”, confesó.

¿Se planteó radicarse en Argentina al finalizar los estudios?

Siempre volví a Ecuador en vacaciones y mantuve vínculos profesionales con el ámbito de la danza. Me daba cuenta que en Ecuador podía hacer muchas cosas y que en Argentina, por el contrario, con tantos en la población de danza y de tan buen nivel, pensar en quedarme tenía que ver con emprender una carrera de mucho esfuerzo para lograr cualquier cosa y con una competencia muy fuerte. En Ecuador tenía puertas abiertas para usar los espacios, para hacer propuestas, y además allí faltaban docentes. Terminando la cursada, antes de hacer la tesis, propuse un proyecto de intercambio entre ambos países, para empe-

En Ecuador desde que asumió Rafael Correa en la presidencia, “ha habido una revolución y un cambio en todos los ámbitos. Ahora hay una Universidad de las Artes, que próximamente abrirá una carrera de danzas” Foto . Nito Pavón

zar a crear obras y espacios de diálogo entre creadores, y logré mantener un flujo de ida y venida durante algunos años con el Laboratorio Esferas de Experimentación en Danza, que luego se amplió a Venezuela y Perú.

¿Cómo ve a los artistas argentinos?

Tengo la misma sensación que cuándo estaba allí: son artistazos.

Tienen un gran nivel de conocimiento e información, pero su medio está tan saturado que hay una desvalorización de lo que son y de lo que saben. Existen referentes muy fuertes y las pocas plazas de coreógrafos ya están ocupadas. Siento que cualquiera de esas personas saliendo algunos kilómetros sería un nido de creatividad e información súper valioso, pero ahí el medio no les permite florecer. Al mismo tiempo la oferta de teatro y cartelera es maravillosa. También creo que hay mucho peso de lo teórico, y a veces echaba en falta algo más salvaje, algo más desde el hacer y no tanto desde el pensamiento. Cuando conocí la danza brasilera fue encontrar el punto intermedio, porque ellos toman mucho de su raíz y al mismo tiempo tienen muy bien desarrollada toda la parte conceptual de la danza.

En el Ministerio Hace seis meses estoy trabajando en el Ministerio de Cultura como Directora de Artes Escénicas y Performance, de la Secretaría de Artes y Creatividad. Satisface mi necesidad de aportar al medio, generar políticas públicas para la danza, poner en cuestión y reflexión ciertas cuestiones de la realidad de mi país, que está en construcción, porque desde 2007, con Rafael Correa en la presidencia, ha habido una revolución y un cambio en todos los ámbitos. Por ejemplo ahora hay una Universidad de las Artes, que próximamente abrirá una carrera de danzas y hay toda una reestructuración del sistema educativo que es súper importante. Mi entrada se debe a que está por salir la ley de cultura, y estamos desarrollando modelos y reglamentos para ella. Es un

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momento en el que siento que puedo aportar desde adentro, con todo lo que estaba haciendo desde el lado independiente, muy inspirada en lo que pasa en Argentina, procurando juntarme con colegas a reflexionar.

¿Es posible trabajar activamente en gestión y además desarrollarse como artista?

Creería que sí, es lo que he intentado desde que terminé la carrera. Lo cierto es que generalmente la gestión y la producción tienen más peso y modifican incluso la forma de vincularme con mi propio cuerpo; el tiempo que tengo o no de entrenamiento, las horas sentada frente a la computadora, han afectado ese canal creativo. Pero al mismo tiempo no concibo crear sin ese otro trabajo. ¿Qué impacto tuvo en su carrera su paso por Argentina?

Primero la experiencia, descubrir la idiosincrasia de Buenos Aires, una ciudad portuaria tan distinta a la Quito andina, eso ya me nutrió y me dejó ver otras perspectivas. Luego específicamente en el medio de la danza, y eso es algo que quería decir: el hecho de estar en una universidad pública, donde tú puedes sin pagar nada recibir esa cantidad de conocimiento: es una maravilla. A mí me dio las bases para luego yo preguntarme qué quiero hacer. También me parece que Buenos Aires es una ciudad donde uno tiene que ir con criterio, porque es tan grande y con tanta oferta de todo, que si uno no tiene más o menos una claridad se puede perder. Luego la carrera en el IUNA o UNA, pienso que no tiene una línea estética o artística definida, y eso puede ser bueno o malo. La currícula de estudio es muy mejorable, como cualquiera, porque también ahora está el planteamiento de borrar las fronteras entre una cosa y otra; pero más allá de todo eso me parece que como casa de estudios es un sitio muy valioso. Instalada en esa ciudad tan viva artísticamente que yo no puedo menos que tenerle mucha gratitud a la Argentina por darme mis estudios. __BD

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Por Toni Más

La Memoria y Kafka en la Biblioteca E N T R E V I S TA

Materiales, es la nueva obra de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, con idea original del bailarín y coreógrafo francés Pierrick Malebranche, que se estrena en su sede, el Centro Nacional de Música y Danza, el 1º de junio. La pieza podrá verse los miércoles y jueves de este mes, con entrada gratuita Balletin Dance dialogó con Pierrick Malebranche, quien aseguró, con singular modestia, que más que un coreógrafo, él es apenas responsable de organizar el caos, o de fingir hacerlo -parafraseando a Jacques Cousteau-, consciente del espectro ilimitado que abarca el lenguaje de la danza hoy. En este caso, un caos provocado por él mismo como propuesta para otros.

Materiales tiene tres aspectos, los materiales, el espacio que trasciende como escenografía para tomar un rol protagónico y el texto de Kafka. La relación que los unifica o les da eje es la memoria. “Es un montaje en caleidoscopio”, dijo el autor, que si tuviese que elegir una palabra para definir su proceso creativo sería palimpsesto. Con un montaje cinematográfico filmado a dos cámaras, donde los tiempos se mezclarán con la realidad, con los sueños y el pasado.

44 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

Sus inicios se ubican en la academia de artes circenses de Annie Fratellini y en la escuela de mimo Marcel Marceau, antes de abordar la danza contemporánea, la ópera y el teatro. Integró la compañía de Philippe Genty durante una década, a quien reconoce como su gran maestro e influencia más directa, su obra Viajeros Inmóviles fue un hito que lo nutrió de una sensibilidad particular para la naturaleza de los materiales, aparentemente inertes, que nos rodean.

Para el artista, son los elementos quienes protagonizarán la escena de Materiales, donde los dieciocho bailarines podrían catalogarse como privilegiados “partenaires”. Dijo también que el “hecho escénico” de esta obra, contiene un mensaje que apunta en varias direcciones siendo los objetos los que definirán ese derrotero: “el material siempre devuelve algo. El proceso escénico no apunta a una sola cosa, no nos autodefinimos en una única expresión. En este caso estamos trabajando con bailarines y vamos a aprovechar mucho esa impronta, jamás limitaría la infinita potencialidad de sus movimientos, pero habrá manipulación de objetos y lectura de textos, más por su valor sonoro, que semántico o dramatúrgico”.

La Sala La Sala Williams, donde actuaremos, no es un teatro y, desde su esencia, como antigua biblioteca actualmente vacía, trataremos de apropiarnos de su imponente espacialidad. Su acústica, su arquitectura, sus elementos, se agitaron en mi mente durante el proceso de creación. La poética de Philippe Genty, al abordar

Palimpsesto es la palabra elegida para definir el proceso creativo de Materiales, la obra que estrena este mes la CNDC Foto . gentileza de CNDC

tener un hijo francés, de madre argentina, aunque culturalmente me sienta más identificado con Haití, Brasil y Cuba, por la presencia afrodescendiente.

los materiales, tiene gran proximidad con el psicoanálisis y la labor de asociaciones de ideas resulta esencial. Las imágenes que creamos son metáforas, la confrontación emanante del vínculo con los objetos despiertan el área oculta donde yacen nuestros conflictos. Hemos trabajado sobre la memoria histórica individual desde una perspectiva consciente y, también, inconsciente.

Ya en la Sala Williams nos sorprendió ese nexo invisible que fue surgiendo, pues la biblioteca es un lugar donde se almacena la memoria escrita, el saber. Sumado a esto hay un cuento de Kafka que siempre tengo conmigo, se titula Informe Para una Academia (un mono al frente de una academia médica, que narra su transformación en ser humano: “para lograr esto tuve que renunciar a mi memoria”), es aquí donde me atraviesa un último elemento, pues soy hijo de inmigrante”.

La temática Llegué a este tema porque diariamente me pregunto qué estamos construyendo como humanos. Hay herencias genéticas, familiares y socioculturales y luego está la parte que me pertenece como individuo, diferente a estas herencias. A veces me siento perdido en ese laberinto personal y me interrogo sobre ¿qué me está llevando a hacer una elección y no otra? ¿Mi cultura, mi educación, esas herencias, alguna emoción desconocida? Pues, no sé. Siento que soy como una balsa en el océano y varias corrientes influyen sobre mí.

Traslaciones Mi padre cambió de país y se halló ante esa encrucijada. De Haití viajó a Francia y sólo portaba el idioma, pues las realidades son muy opuestas, tanto las culturales y climáticas, como las de Nación y Estado. Siempre a algo se renuncia. Ahora yo lo vivo también, pues resido en Argentina y la relación es muy distinta.

La primera sensación fue la de estar muy cerca, pero muy lejos. Muy cerca porque el paisaje humano visible es de personas blancas o, aparentemente, caucásicas; en Buenos Aires percibo rostros similares a los franceses, italianos, españoles, alemanes, ingleses; en fachada parecen europeos, pero las costumbres y el modo de relacionarse son bien distintos. La gente es más dada a tocarse, a saludarse afectiva y cordialmente. La distancia cultural en mi país es notoria. Resido acá por el derecho que me otorga

Tal vez haya un inconsciente sentido contra mítico al radicarme acá, ya que, convencionalmente, los hijos van tras la huella del padre y no al revés, como es mi caso Foto . Toni Más

¿Se considera un artista de la posmodernidad?

No, al contrario. Me siento influenciado por todo. Si la posmodernidad está fuera de los ismos, yo, al contrario, me siento como una esponja. En mi camino hay una suma de capas y diferentes cosas, todo lo que hago tiene raíces en algo. Llevo a la escena todo lo que vi, porque todo me dejó una huella. Siento que no estoy inventando nada, sólo estoy acomodando consciente o inconscientemente. Estoy lleno de todos los ismos, aunque no me reconozco en una escuela en particular. __BD

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brevescomentarios por Agustina Llumá

Fuerza de Gravedad El mes pasado se repuso Fuerza de Gravedad, en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, una puesta en escena documental, narrada en primera persona por Stella Maris Isoldi (70 años), Roberto Dimitrievitch (70), Cecilia Blanco (44) y en video Galina Gladinkova (96) y Alicia Melillo (81) incorporada este año. Dirigidos por Damiana Poggi, con coreografías de Marina Sarmiento, la cuidada propuesta -con buen manejo de los tiempos, música en vivo (Guillermina Etkin al piano), luces y relato-, permite que desde un lugar muy íntimo, los maestros (ex bailarines) narren sus biografías en retrospectiva, a partir de elementos (fotos, cartas y videos) que al ser manipulados se proyectan en el telón de fondo (cámara en vivo a cargo de Javier Aparicio).

Estas vidas dedicadas al arte, son el camino elegido para reflexionar sobre el cuerpo contemporáneo y su relación con la escena, los afectos, la familia, el paso del tiempo, el desgaste y la resistencia. Entre los videos, se proyecta un fragmento del film Las Noches Moscovitas (París, 1927) en el que interviene toda la familia Dimitrievich (incluidos los padres de Roberto) actuando como bailarines. La obra fue estrenada en el Frinje Festival de Madrid (España) en julio del año pasado (ver entrevista en Balletin Dance Nº 243, junio de 2015), y promete nuevas fechas durante 2016 en Buenos Aires.

Fuerza de Gravedad, historias de vidas interesantes Foto . Andras Calamandrei

La Celia Hasta fin de mes puede verse La Celia en el Teatro Maipo, una propuesta inspiradora de Emilio Sagi, que destaca el talento de Ivanna Rossi, secundada por un coro de cantantes-bailarinas, músicos en vivo y gran despliegue de vestuario (Renata Schussheim). La obra tiene una agradable dinámica inquieta, que no decae (y no para) en ningún momento.

Rossi narra excepcionalmente, en primera persona, la historia de Celia Gámez, la famosísima argentina que triunfó en España (1905-1992) a comienzos del siglo pasado, revolucionando la escena europea, con cantidad de canciones entre las que se destacan El Beso, Viva Madrid, Luna de España, Los Nardos y El Pichi.

Belén Alonso, Romina Groppo, Natalia Mouras y Pilar Rodríguez Rey son las cantantes que con coreografía de Sibila Miatello, dan el marco escénico a la protagonista, junto a Santiago Rosso (piano), Juan Pablo Togneri (contrabajo) y Laura Stezano (violín) con arreglos musicales de Jordi López. La obra se estrenó a fines de 2014 y regresa de una gira de dos meses en España.

Desde entonces ha cosechado cantidad de premios en las dos orillas.

Ivanna Rossi: impactante Foto . gentileza de prensa 46 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

Don Quijote El Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Maximiliano Guerra, inició su temporada anual a fines de abril, con su propia versión de Don Quijote. La cuarta producción firmada por el director desde que asumió su cargo a comienzos del año pasado, es sin dudas la más completa de todas. Guerra incorpora a Miguel de Cervantes en la escena, usado a modo de hilo conductor de los diferentes cuadros, que finalmente solo sirve para confundir un poco más la trama: el arte de la composición no es tarea sencilla, y no alcanza con usar buenos ingredientes sino que depende de cómo se combinan. La obra llena de color, alegría y ritmo español, resultó aburrida, y la orquesta no ayudó en mucho. La producción de nuestro primer coliseo fue muy pobre, en materiales y en ingenio, con escenografías que parecían incompletas y vestuarios casi harapientos, que bien podrían haber sido el resultado de la recolección de diferentes puestas. Esta obra recortada, en horario matutino y con la incorporación de un presentador, se dio también en el marco del ciclo Vamos al Colón, con su nuevo abono Colón en Familia (Mi Primer Ballet).

Sin dudas llamó la atención la elección del reparto: nuestros primeros bailarines varones, apenas aparecieron en roles de bailarines solistas y lo hicieron muy bien como era de esperarse. No es necesario remitirse a los usos y costumbres de toda compañía de ballet clásico, a la tradición del mundo del ballet, donde las jerarquías (como en muchísimas instituciones) tienen un peso, un valor, y se consiguen (al menos en este caso), con méritos, logrados por el talento. Esta decisión no ha sido más que una falta de respeto hacia nuestros artistas, incomprensible desde todo

punto de vista, más allá de que en el programa de mano hayan aparecido (por primera vez en este coliseo) como “primeros bailarines de la obra”, quitando los cargos que figuraron hasta hace poco.

Fueron apenas cinco funciones, una de ellas cerrada para el sponsor principal del coliseo; las restantes cuatro fueron protagonizadas por Nadia Muzyca y Edgardo Trabalón una noche, y Carla Vincelli y Emmanuel Vázquez las otras tres (este último reparto fue el que presenció quien escribe).

Este último bailarín argentino, egresado del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, actuó como invitado, pues es solista del Ballet del Teatro Municipal de Santiago de Chile.

Un joven con muchísima capacidad, técnica, con un futuro promisorio, pero que debutaba en el rol de Basilio, y que lamentablemente no fue bien preparado para su interpretación. El resto de las actuaciones del elenco, fueron todas satisfactorias.

Con escenografías que parecían incompletas, Don Quijote abrió la temporada 2016 del Ballet Estable del Teatro Colón Foto . Arnaldo Colombaroli

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ARGENTINOS EN EL EXTERIOR

Talento por Doquier

Cantidad de argentinos han sido galardonados con premios y becas en diferentes concursos realizados en estos dos últimos meses en el exterior. Muchos habían sido seleccionados en la Argentina, en instancias semifinales, transformando verdaderamente a estos certámenes en trampolines de acceso al mundo internacional

Barcelona La sexta Edición del Certamen Internacional de Dansa Ciutat de Barcelona, que tuvo lugar del 12 al 15 de mayo en el Mercat de les Flors, con dirección de Georgina Rigola, resultó en un maremágnum de becas para jóvenes estudiantes de danza y ballet. El jurado de este año estuvo integrado por Julio Bocca, Igal Perry, Javier Latorre, Kim Sun Hee y Helena Bayo.

Los premiados argentinos (algunos llegaron a Cataluña con becas ganadas en el Certamen Danzamérica 2015 de Villa Carlos Paz), fueron Magalí Calderón (beca en el curso de perfeccionamiento de la Korea National University Of Arts, Corea), Francisco Shilereff (curso de verano en The Harid Conservatory, Florida, Estados Unidos), Catalina Sabella (curso de verano en el Institut de

Arts Barcelona, Sitges, España) y Gaspar Platini (curso de formación en Barcelona Dance Center, España). Además se seleccionaron bailarines para participar en el BCN City Ballet, elenco con el que realizarán cinco meses de gira (España, Italia, Irlanda, Nueva York y Cuba) con

Jurado y premiados en Barcelona Foto . gentileza de la organización

un espectáculo creado especialmente para ellos. Los argentinos son: Gaspar Platini, Irene Gómez y Camila Díaz. __BD

Nueva York

Ángel Aranda Maidana, a Bélgica Foto . gentileza de la organización

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Por otro lado, del 25 al 30 de abril se realizó el Valentina Kozlova International Ballet Competition, en el Simphony Theater de Nueva York, Estados Unidos. El certamen destinado a estudiantes de danza clásica y contemporánea de 11 a 26 años, contó con un jurado multinacional conformado por dos docenas de artistas: Andris Liepa, Anderson Santana, Nina Mireille Buisson, Charles Jude, Nina Ananiashvili, Patricia Aulestia, Olga Guardia de Smoak, Sergei Soloviev, Nikolai Tsiskaridze, Dirk Badenhorstc Ceo, Kim Sun Hee, Jeon Mi Sook, Jelko Yuresha, Tracy Inman, Joe Lanteri, Terence Marling, Jennifer Muller, Troy Powell, Laurence Rhodes, Margo Sappington, Peter Stark, Ben Stevenson, Martine Van Hamel y Septime Webre.

Los argentinos premiados en este concurso habían sido seleccionados en la instancia semifinal que se realizó en Posadas, Misiones, el año pasado con roganización de Laura de Aira (y su viaje fue financiado por la Asociación Cooperadora de la escuela posadeña): Ángel Aranda Maidana, estudiante de la Academia de Ballet de Moscú con sede en Posadas (medalla de bronce, beca de perfeccionamiento completa por un año en la Escuela Nacional de Danzas de Bélgica, beca para el Summer 2016 del Boston Ballet y beca completa para la Escuela Cubana de Ballet en República Dominicana), Camila Malazotto (beca completa para el curso de verano en la Escuela Cubana de ballet de República Dominicana) y Valentina Zagurak, invitada para participar en esta última experiencia. __BD

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A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | I TA L I A

Celeste Losa en Milan

Con su mayoría de edad recién cumplida (18), Celeste Losa fue a probar suerte a Europa, el año pasado. Hoy, encara roles de solista en la Scala de Milán Luego de formarse con Lilian Giovine y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, inició su vida profesional de la mano de Iñaki Urlezaga a los 12 años (como Cupido). Junto al Ballet Concierto primero, y en Danza por la Inclusión después, recorrió variados escenarios, con un promedio de 75 funciones anuales en todo el mundo, y llegó a ser primera bailarina. Con este bagaje se encaminó a Europa, para cumplir su sueño de integrar el Royal Ballet de Londres: “me gusta la escuela inglesa, su manera de trabajar, además tenemos ahí a Marianela Nuñez, que me encanta como baila, es una artista increíble”, pero el destino la llevó a Italia, donde fue contratada como bailarina de fila.

Makhar Vaziev dirigía entonces el Ballet de la Scala. Allí llegó la jovencita sin más que el sueño de desarrollarse profesionalmente y un gran talento detrás. “Fui hasta la puerta. No tenía nada.

Pedí hablar con él y aceptó darme una entrevista” recordó Celeste Losa en entrevista con Balletin Dance en un brevísimo viaje a Buenos Aires. El director la invitó a tomar una clase al día siguiente y al finalizar le ofreció un contrato anual… para comenzar inmediatamente. “Yo estaba bailando en la compañía con Iñaki y no podía dejar todo así de un día para el otro”, por eso, recién en agosto del año pasado la bailarina se radicó en Milán.

Desde la primera producción, los coreógrafos la eligieron para encarar roles de solista. “Arrancamos con La Bella Durmiente en versión de Alexei Ratmansky, me dio el Hada Lila y también hice Diamante. Hicimos Manón, donde fui la amante, tuve el privilegio de bailar con Svetlana Zakharova como primera bailarina, y con Roberto Bolle; en La Cenicienta de Mauro Bigonzetti (el actual director del ballet) y en Don Quijote de Rudolf NurePróxima Temporada Diciembre-enero: Coppelia de Mauro Bigonzetti Febrero-marzo: Noche Stravinsky (con Zubin Mehta dirigiendo la orquesta): La Consagración de la Primavera de Glen Tetley y Petroushka de Michel Fokin Abril-mayo: Programa compartido: La Valse con coreografía de los propios bailarines, Sinfonía en C de Balanchine y Sheherezade de Eugenio Scigliano Mayo-junio: Projecto Händel de Bigonzetti, nueva producción de la Scala Junio-julio: Sueño de una Noche de Verano de George Balanchine Julio: El Lago de los Cisnes de Alexei Ratmansky Septiembre-octubre: Romeo y Julieta de Kenneth MacMillan

Celeste Losa como el hada Diamante, en La Bella Durmiente Foto . Brescia e Amisano | Teatro alla Scala

yev”. El ballet también realizó en esta temporada, El Cascanueces de Nacho Duato y El Jardín de los Amantes de Massimiliano Vollpini.

Al regresar a Italia, luego de este brevísimo descanso, el Ballet de la Scala continúa con El Lago de los Cisnes (junio-julio) de Ratmansky. “Va a venir él a montarlo” explicó la bailarina, a la vez de asegurar que su mayor anhelo, a la hora de fantasear con un personaje, es interpretar a Odette-Odile (seguido por Manón). Y finaliza este ciclo Giselle en versión de Yvette Chauviré.

Desde el punto de vista de la técnica específicamente, la argentina no notó cambios importantes a la hora del trabajo cotidiano.

Todos los meses llega un nuevo maestro a la compañía, además de los coreógrafos invitados con sus propios estilos. Así, ha contado con clases de escuela francesa, rusa, italiana y danesa. De todas ellas, las que mayor curiosidad le despertaron, fueron las de Johnny Eliasen, llegado de Dinamarca, “su clase es muy dinámica. Con mucho trabajo de pies, mucha velocidad, rapidez de piernas”. __BD JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 51

INTERNACIONALES | AUSTRIA

El Corsario en la Ópera de Viena Por Beatriz Cotello

El gran suceso de esta temporada de ballet en la Ópera de Viena ha sido el estreno de Le Corsaire, en una nueva versión de su director Manuel Legris junto a un equipo de colaboradores, que le dieron nueva vida e impulso a la tradición iniciada por Mazilier y propulsada luego por Perrot y Petipa Se trató de una verdadera fiesta y homenaje al esplendor de la danza académica, en el marco de bellos decorados con diseño de Luisa Spinatelli (larga trayectoria en la Scala de Milán y otros teatros). Magníficos telones para representar el mar, el barco luchando con las olas (atrás, el barco mismo), el bazar, el palacio del Pashá, la caverna de los corsarios y un vestuario riquísimo en la caracterización y colorido, todo en el más exquisito buen gusto.

El trabajo de renovación de Le Corsaire fue intenso: Legris aspiraba a enfatizar el desarrollo de la historia y que el ballet no fuera sólo una sucesión de números, de manera que la acción dramática adquirió mayor cuerpo y continuidad. En el aspecto musical, se revalorizaron las partituras de Adam (que se habían reducido con demasiado aditamento, durante los 160 años de existencia del ballet), recurriendo al material recopilado por Richard Bonynge hace unos años. Se retomó el Jardin Animé de Delibes, al que Petipa le había puesto música de Drigo (bailaron algunas alumnas de la escuela de la ópera, con total profesionalidad). Mientras que el material totalmente ajeno (Chopin, Tchaicovsky, Grieg y Dvorák) utilizado en algunas versiones fue ignorado, manteniéndose fragmentos de Pugni y del príncipe Oldenberg y agregando de otros autores.

La coreografía de Legris reconoce a Petipa, pero es propia en su mayor parte, con un delicado equilibrio entre la mímica y la danza. Muy exigente, con secuencias muy complejas y muy ajustadas a la música, con variaciones nada fáciles para las mujeres y toda la variedad de saltos que ofrece el repertorio del ballet para los hombres.

Manuel Legris interviene frecuentemente en los ensayos de la compañía, tanto más en la preparación de este ‘su’ gran ballet, junto a su asistente coreográfico, Albert Mirzoyan, y sus otros colaboradores, los maîtres Chantal Lefèvre, Alice Necsea y Jean Christophe Lesage. En realidad Le Corsaire fue una experiencia totalmente nueva para Legris, pues nunca lo había bailado (el Ballet de la Opera de París lo eliminó de su repertorio en 1868), Mirzoyan, en cambio, pudo aportar su conocimiento de varias versiones del ballet en Rusia.

Los números más atractivos fueron el pas de deux que inició la fama de Rudolf Nureyev, con música de Drigo ¿quién no ha visto el video? Robert Gabdullin como Conrad no perdió en 52 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

Liudmila Konovalova (Medora) y Robert Gabdullin (Conrad) Foto . Wiener Staatsballett | Ashley Taylor

la comparación con el modelo, aunque se le podría reprochar algo de inseguridad en las caídas de los saltos, junto a María Yakovleva como excelente Medora. El Pas d’esclave con Gulnare (Liudmila Konovalova) Lanquedem (Kirill Kourlaev) y cuatro de sus hombres y el Pas de trois des odalisques (Natascha Mair, Nina Tonoli y Prisca Zeisel). Todos ellos merecen los mejores calificativos, al igual que Davide Dato como Birbanto; Alice Firenze en el rol de Zulméa y Mihail Sosnovschi como el Pasha, que aunque apenas baila impuso su presencia.

La orquesta estuvo óptima, como siempre, dirigida por el director de la Academia Vaganova de San Petersburgo Valery Osianikov, un experto en música de ballet.

Al finalizar hubo aplausos, bravos y flores, para el conjunto y para los artistas individualmente, y el director Legris se mostró muy emocionado y resplandeciente. A 160 años de su creación, Le Corsaire ingresa en el repertorio del Wiener Staatsballet en una magnífica versión, realizada con inmensa voluntad y esfuerzo colectivo. __BD

A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | E S TA D O S U N I D O S

La compañía que dirige Paul Vasterling en el estado de Tennessee de Estados Unidos, tomó audiciones en Nueva York, donde la argentina Manuela Chaer Lavalle consiguió su contrato Inquieta desde pequeña, Lavalle tomó clases con numerosos maestros en nuestro país y en el Instituto Superior del Arte del Teatro Colón, antes de ser admitida en la Academia del Bolshoi de Moscú (en las clases de Tatiana Alexandrovna Galzeva). “Una compañera japonesa y yo fuimos las únicas extranjeras en el grupo más avanzado de bailarines rusos”, recordó junto a Balletin Dance la joven de 20 años. “Fue una experiencia rigurosamente enriquecedora en todo sentido. Maestros y alumnos solo hablaban ruso, de modo que ¡tuve que aprender muy rápidamente!”.Por supuesto a nivel técnico el aprendizaje recibido fue incomparable, “donde el ballet tiene un lugar histórico y culturalmente tan fundamental… y con la maestra Galzeva!, una de las mejores que tiene el Bolshoi en la actualidad”, dijo la bailarina.

Mientras cursaba su segundo año en Rusia, regresó a Buenos Aires de vacaciones, “hice un seminario con Sergio Neglia y me recordó mi amor por la danza. Me di cuenta que no necesitaba sufrir para seguir creciendo como bailarina. Él me becó para su seminario de verano y luego me quedé para tomar clases durante el año lectivo”. Actualmente ensaya para la función de Neglia Ballet Artist en Buffalo, realizará el Nashville Summer Program que comienza a mediados de junio y luego integrará la Second Company del ballet tennesseés.__BD

La búsqueda de la felicidad la llevó a Estados Unidos Foto . Rachel Neville

En el Nashville Ballet

Se otorgarán

2 becas anuales de estudio en diferentes modalidades y en el EFOBA (Escuela para la Formación de Bailarines) Informes: info@institutodanzave.com.ar Cuenca 2953 - Villa del Parque- 4501-0947 JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 53

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ANIVERSARIO

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El mayor anhelo de Orfilia Pérez Román, fue educar y elevar culturalmente a la juventud argentina. Y lo consiguió en 1974, siendo Directora Nacional de Educación Artística, creando veintiocho Centros Polivalentes en todo el país, que continúan su ardua labor hasta el presente (educación pública y gratuita). Escuelas secundarias con orientación en arte que, según sus propias palabras: “Los estudios en estas escuelas deben responder simultáneamente a una doble formación general (Bachillerato) y especial (Artística)”.

Entre otros cargos oficiales y privados, fue Vice-rectora de la Escuela Nacional de Danzas y, desde 1994, Presidenta del Consejo Argentino de la Danza, desde donde promovió la realización de mayor cantidad de talleres, cursos, concursos, clases especiales y becas de estudio, siempre en beneficio del alumnado de danza de todo el país.

Al cumplirse 15 años de su fallecimiento, se la recordará el lunes 27 de junio, a las 13 hs, con una misa en su memoria en la Basílica del Pilar de la ciudad de Buenos Aires. __BD

Orfilia Pérez Román, en su juventud Foto . Annemarie Heinrich

LE SIONE S EN LA D ANZ A LESIONE SIONES DANZ ANZA Hernias de disco, esguinces, contracturas musculares, rodillas, ingles, tobillos, aductores, gemelos, alineación corporal instantánea

Orfilia Pérez Román

SERGIO LICO OSTE OP ATIA · MA SOTER APIA Y TEOP OPA MAS TERAPIA QUIR OPR AXIA QUIROPR OPRAXIA

Alfredo Gurquel Buenos Aires, 7 de mayo de 1926 - 26 de junio de 2014

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54 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

Con motivo de cumplirse dos años de su fallecimiento, la maestra Juana Lederer, organizó un acto recordatorio en el estudio Gurquel-Lederer de esta ciudad (Pasteur 170), el viernes 24 de junio a las 19 hs. En el mismo se descubrirá un cuadro con una fotografía y los alumnos realizarán una muestra coreográfica.

Alfredo Gurquel creó el revolucionario método Elongación x Elongación, que se basa en el estudio de la biomecánica y cuya premisa principal sostiene que todo movimiento humano debe hacerse a partir de la elongación.

Comenzó a investigar sobre estos preceptos hace casi 50 años en Francia y continuó desarrollándolo durante toda su vida, por ello el propio método fue evolucionando con el tiempo, mejorándose y cambiando. Por su trayectoria ha sido galardonado por el Centro de Investigación, Experimentación y Estudio de la Danza (CIEEDA, 2003) por el Consejo Argentino de la Danza (CAD, 2004) y por la Fundación Arte y Movimiento (2004).

balletin informativo Audiciones Uruguay. El Ballet Nacional Sodre que dirige Julio Bocca, abrió la convocatoria para sus audiciones anuales, para incorporar bailarines en la próxima temporada (desde el 1º de febrero de 2017). Podrán postularse bailarines/as solistas y de cuerpo de baile con sólida técnica clásica y también formación contemporánea, mayores de 18 años, hasta 26 años las mujeres y hasta 29 los varones; con una altura mínima de 1.62 m (ellas) y 1.73 m (ellos), con buen estado físico. La inscripción cierra el 30 de septiembre y se realiza online, en: www.balletnacionalsodre.gub.uy/#contenidos/es/audiciones.php. Informes por mail: audiciones@bns.gub.uy.

Japón. Parque España, un parque temático permanente emplazado en Mie, Japón, seleccionará bailarines en Madrid y en Barcelona del 22 al 24 de septiembre, para incorporarse a su elenco. Se ofrece contrato desde enero a noviembre de 2017. Los interesados deben inscribirse antes del 10 de septiembre, por e-mail: sisconavarro61@hotmail.com.

Web: www.japonia.es.

Países Bajos. La Dutch Junior Dance Division busca un bailarín varón, de 23 años de edad como máximo, para esta temporada 2016/17, recién graduado o estudiante, para participar del programa de desarrollo de talentos, De Dutch Don’t Dance. Se ofrece un sueldo de € 500 por mes. Los interesados deben tener excelente técnica de clásico y moderno, vivir en La Haya (o estar dispuesto a mudarse) y nacionalidad holandesa o europea (preferentemente). Enviar una carta de motivación, con fotos (retrato y cuerpo entero); Cv completo, y link a video en internet, a: auditie@ddddd.nu, antes del 17 de junio. (La audición será entre el 21 y el 22 de junio).

Web: www.ddddd.nu/de-dutch-junior-dance-division-english/ Reino Unido. Russell Maliphant Company seleccionará bailarines experimentados para el proyecto que realizará en otoño de 2016 con gira internacional en 2017. Los interesados en ser invitados para audicionar (16 y 17 de julio, en su sede de Londres) deben poseer fuerte técnica clásica, deseo de aprender, familiaridad con su trabajo en particular, y manejo de partenaire. Enviar antes del 17 de junio, Cv con foto, enlaces de video en internet y una carta de presentación, a: info@russellmaliphant.com. Deberán tener disponibilidad para trabajar del 14 al 27 de noviembre de 2016 y, en nuevas fechas en 2017. Mayores informes: Isabelle Drummond: isabelle.drummond@sadlerswells.com, web: www.russellmaliphant.com.

Reino Unido. La Eliot Smith Company busca bailarines varones, con una amplia gama de técnicas de rendimiento actuales, además de ballet y técnica de Graham. Los interesados deben tener disponibilidad inmediata, no tener ningún viaje progamado, pasaporte y permiso de trabajo para el Reino Unido. Se ofrece contrato de septiembre a noviembre de este año, más una gira en primavera. La audición será en su sede de Newcastle Upon Tyne el 29 de julio y la inscripción cierra el 25. Los interesados en ser invitados deben enviar Cv, con foto, enlaces a video en internet, y carta de intensión, a: info@eliotsmithcompany.com. Web: eliotsmithcompany.com.

República Checa. El Ballet del Teatro Nacional de Brno que dirige Mário Radačovský, seleccionará bailarines varones para cubrir roles de solista en su próxima temporada 2016/2017. Los interesados deben tener sólidas técnicas clásica y contemporánea, y experiencia profesional. Enviar solicitud, incluyendo Cv, fotos (retrato y cuerpo entero) a: ndbaudition@gmail.com, antes del 15 de junio (la audición será el 17 de febrero).

Suiza. El Junior Ballett Zürich que dirige Christian Spuck, seleccionará bailarines varones para su temporada 2016/17, de 18 a 22 años, sólida formación clásica y experiencia en técnica moderna. Para ser invitados, deben enviar Cv, fotos y videos, a: audition@opernhaus.ch, antes del 30 de junio de 2016.

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JUNIO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 55

balletin informativo Becas El nuevo directorio del Fondo nacional de las Artes lanzó la convocatoria 2016 para las Becas Nacionales Bicentenario (serán 200 en total, de hasta 50.000 pesos y a partir de este año funcionan como un premio adquisición pues el FNA se quedará con el derecho de exponer las obras en cualquier formato, en exclusividad y por tiempo indeterminado), para individuos o colectivos, en todas las disciplinas del arte de todo el país.

Las inscripciones se realizarán por internet (www.fnartes.gob.ar), o personalmente en cualquiera de las sedes del FNA, hasta el 9 de julio de 2016.

Las becas tendrán una duración de tres a doce meses.

Clases gratuitas El Estudio Ensayo de Castelar (Buenos Aires), que dirigen Alicia Bozzi y Luciana Mendola, organiza una semana de clases gratuitas del 27 de junio al 2 de julio. Barre à terre, clásico, contemporáneo, iniciación a la danza y acondicionamiento físico. Los interesados en asistir pueden comunicarse por tel: 4628-7500.

Congreso Congreso Internacional sobre Danza Clásica en el Siglo XXI. 5º edición. Congreso Internacional de Danza Contemporánea. 1º edición. Organiza: Claudia Chandoha. Del 8 al 10 de julio de 2016, Villa Carlos Paz, Córdoba. Clases magistrales prácticas, presentación de ponencias teóricas, conferencias, exposiciones de artes plásticas, intervenciones en espacios públicos, proyección de videos, muestra no competitiva. Informes: (03541) 42-9534, E-mail: claudiachandoha@hotmail.com.

Convocatorias El estudio DanzaSur de la localidad de Burzaco, busca profesores de canto, salsa y/o bachata y folklore, que residan en zona sur y tengan disponibilidad horaria por la tarde. Se ofrecen buenas condiciones laborales. Los interesados en tener una entrevista, deben enviar Cv a danzasur.danza@gmail.com. La escuela presentará su Muestra Invernal el viernes 15 de julio a las 19.30 hs. Informes: 4238-8886.

Danzar 2016, Festival Anual para grupos y compañías. Organiza: Sofía Pozzoli del Instituto Superior de Danza Armonizadora de Elida Noverazco. Sábado 24 de septiembre, a las 15 hs, Teatro Empire, de la ciudad de Buenos Aires. Modalidad de participación: costo propor-

Recibí BALLETIN DANCE en tu casa todos los meses SUSCRIPCIÓN A LA EDICIÓN IMPRESA: Individual: $ 23 c/u Grupal: $ 11 c/u INFORMATE EN NUESTRO SITIO:

56 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2016

cional a la cantidad de minutos utilizados en escena y una cantidad de entradas determinadas (destinadas a cubrir la inversión). Informes: info@danzaarmonizadora.com.ar.

El Área de Artes Escénicas del Centro Cultural Ricardo Rojas, de la Universidad de Buenos Aires, convoca a jóvenes artistas nóveles a presentar su primer proyecto de dirección teatral de larga duración, para conformar el ciclo Operas Primas. Las propuestas deberán enviarse antes del 21 de junio, a: convocatoriaprogramacion@rojas.uba.ar, especificando en el asunto “Óperas primas 2016 + Título de la obra”.

El Complejo Teatral de la ciudad de Buenos Aires, convoca a artistas para presentar proyectos originales (que no hayan sido exhibidos con anterioridad) para integrar la Temporada 2017. Podrán presentarse proyectos en forma individual o colectiva, de artistas de cualquier nacionalidad y residencia. La inscripción cierra el 14 de agosto de 2016, y debe realizarse on-line, en: www.complejoteatral.gob.ar/convocatoria2017.

La Plata. Festival Danzafuera 2016. 4º edición. Parque Alberti, domingo 4 de diciembre de 2016. Podrán postularse proyectos de danza contemporánea para ser exhibidos en espacios urbanos de la ciudad.

La inscripción cierra el 30 de junio. Informes: danzafuera@gmail.com, Web: http://danzafuera.wix.com/festival.

Rosario. El Teatro La Comedia de la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario, Santa Fe, Argentina, convoca a grupos de todos los países, para integrar la programación de Tanta Danza, del 22 al 25 de septiembre de 2016, un espacio destinado a la programación de diferentes estilos de danza, tradicionales y contemporáneos. La organización cubre gastos de traslados terrestres (dentro del territorio argentino), hospedaje, comidas por un día en Rosario y honorarios (importe a determinar). La inscripción cierra el 15 de junio, y se realiza on-line: www.rosariocultura.gob.ar/galerias/archivos/ Bases%20-%20Tanta%20Danza%202016.pdf.

Premios Bienal Medifé Arte y Medioambiente. 1º edición. El Premio Fundación Medifé Arte y Medioambiente2016-2017 es una convocatoria abierta a artistas y quienes realicen prácticas afines -individuales o colectivos- de todo el país para presentar proyectos de arte contemporáneo que aborden cuestiones relativas a las problemáticas medioambientales, en un amplio sentido del término. Se aceptarán proyectos a

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balletin informativo realizar o en desarrollo (incluidas intervenciones en espacios pĂşblicos, obras site specific, videos, instalaciones, piezas efĂ­meras sobre las que quede un registro audiovisual, proyectos y/o prĂĄcticas comunitarias que se desarrollen a corto y mediano plazo, entre otros). El Jurado elegirĂĄ hasta 14 Proyectos Finalistas, que deberĂĄn ser presentados en las Jornadas de la Bienal FundaciĂłn MedifĂŠ Arte y Medioambiente, ante el jurado y el pĂşblico en general. Al finalizar se realizarĂĄ la PremiaciĂłn y se otorgarĂĄ el Primer Premio (desarrollo o concreciĂłn), Segundo Premio (residencia en FLORA ars+natura, BogotĂĄ, Colombia) y Tercer Premio (residencia en Manta, San MartĂ­n de los Andes, Argentina). Informes: http://bienal.fundacionmedife.com.ar.

Residencias Alemania. La Akademie Schloss Solitude abriĂł sus convocatorias 2016, destinadas a artistas, profesionales, acadĂŠmicos y cientĂ­ficos de todas las ĂĄreas y de todas las ciudadanĂ­as, mayores de 35 aĂąos (preferentemente) que hayan finalizado sus estudios universitarios. La Academia dispone de 45 estudios, y beca entre 50 y 70 personas cada 24 meses.

Las residencias se otorgan por lapsos de tres a doce meses de duraciĂłn y pueden estar destinadas a finalizar proyectos. Los idiomas admitidos son alemĂĄn, inglĂŠs o francĂŠs. La inscripciĂłn cierra el 31 de octubre. InformaciĂłn completa en: www.akademie-solitude.de/en/fellowship/residency/ Cuba. Residencia de CreaciĂłn Zona Ibsen. 2Âş ediciĂłn. Jornadas de teatro cubano-noruego, en colaboraciĂłn con el Laboratorio Ibsen, pla-

taforma escĂŠnica de experimentaciĂłn social. Con el auspicio de la Real Embajada de Noruega y el apoyo del Consejo Nacional de las Artes EscĂŠnicas. Solicitar bases y condiciones de participaciĂłn, por E-mail, a: zonaibsen@gmail.com. Cierre de inscripciĂłn: 15 de junio del 2016.

Europa. LABoral y las instituciones de la Red Europea de CreaciĂłn Audiovisual ContemporĂĄnea (ENCAC), lanzaron su segunda convocatoria de residencias, dirigidas a artistas y desarrolladores internacionales que trabajan en la intersecciĂłn entre sonido, visuales, mĂşsica, artes escĂŠnicas y cultura digital. Las residencias se realizarĂĄn en GijĂłn, Quebec, BerlĂ­n, Montpellier y Nantes. La inscripciĂłn cierra el 15 de junio de 2016. Informes por E-mail: encac@laboralcentrodearte.org, Web: http://www.laboralcentrodearte.org/es/r/convocatorias/ii-convo-encac.

Taller Cuba. Taller Internacional de Ballet del Ballet Nacional de Cuba.

Del 11 al 22 de julio de 2016, en el Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso. TĂŠcnica, estilo y conceptos interpretativos de la Escuela Cubana de Ballet, dirigido a estudiantes desde los 12 aĂąos, con un mĂ­nimo de 4 aĂąos de entrenamiento (que hayan iniciado clases de punta).

Se impartirĂĄn clases de ballet, puntas, repertorio, preparaciĂłn fĂ­sica y danzas populares cubanas. Los estudiantes extranjeros deben viajar con visa de turista hasta 30 dĂ­as y un seguro mĂŠdico autorizado en Cuba, pudiendo hospedarse en hoteles o casas de familia. Informes: catedradedanza@cubarte.cult.cu.

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