BALLETIN DANCE 257

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 257. Septiembre 2016 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

ENTREVISTAS ELI SIRLIN Hágase la Luz VIVIAN LUZ Nueva Gestión en CoCoA PABLO BRONSTEIN El Arte de Bailar la Arquitectura CAROLINA PIZARRO Una actriz que danza

EVA YERBABUENA “Saltar Hacia las Nubes no es Volar”

2 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Nota de Tapa 4 Saltar Hacia las Nubes no es Volar

Staff editora general Agustina Llumá

Actualidad 8 Argentino de La Plata 20 Radio: Folklore en Movimiento 20 Muestra Fotográfica 38 La CNDC de gira 38 Danza Aérea 41 Amores Tangos

editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Micaela del Torto Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Marcos Nápoli Fátima Nollén Stella Maris Salomón Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Provincias 10 Mendoza. Nuevas Tendencias 10 Córdoba. Compañía Metazoa 14 Buenos Aires. El Desarmadero 16 Santa Fe. Experimenta Folklore 18 Ballet Tucma Danza Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5279010. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848.

Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

Balletin Dance 12 Nuevo Libro 50 En las Ferias Comentarios 23 Gilles Jobin 30 Tangueros del Sur 32 Iñaki Urlezaga 34 Falla y el Flamenco 42 Ballet del San Martín 44 Coreógrafos Emergentes

Eva Yerbabuena, este mes en Buenos Aires Foto: José Luis Alvarez

Entrevistas 24 Eli Sirlin. Hágase la Luz 28 Carolina Pizarro. Una Actriz que Danza 36 Vivian Luz. Resurgimiento de CoCoA 46 Pablo Bronstein. Bailar la Arquitectura Internacionales 52 Francia. Bienal de Lyon 52 Noticias Breves Cartelera 48/51 Espectáculos Balletin informativo 55/56/57/58 Audiciones, becas, clases gratuitas, concursos y festivales, congresos, convocatorias, inscripciones, residencias, puntos de venta

Sumario Septiembre 2016 Año 23 Nº 257

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SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 3

“…el que nace solemne, se muere solemne, haga lo que haga…”

Foto . José Luis Alvarez 4 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

Foto . Ruben Martin

Saltar Hacia las Nubes no es Volar “¡Ay! no está en los pasos, ni en la coreografía, ni en la técnica, sino en ese fuego interior que trasciende al cuerpo, y hechiza, y enciende, y estremece a los públicos del mundo, desde que el flamenco es flamenco”, explicó Eva Yerbabuena en entrevista con Balletin Dance, en referencia al espectáculo que traerá este mes a Buenos Aires N o t a d e t a p a / P o r G a b r i e l Va u d a g n a A r a n g o SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 5

“…una silla, que a veces puede ser la más cómoda o la más incómoda”, dice La Yerbabuena Foto . Ruben Martin

El baile flamenco goza hoy de notables referentes en el ambiente de la danza Universal y eso no se lo debe a la declaración de la Unesco como patrimonio cultural inmaterial, sino a los grandes artistas que han trabajado y trabajan difundiendo este arte en todo el mundo. Una de las figuras más relevantes de esta contemporaneidad es sin duda Eva Yerbabuena, quien atravesó diferentes etapas en la construcción de la artista que hoy vemos sobre el escenario, desde bailar en pequeños festivales hasta crear espectáculos como Lluvia o Federico Según Lorca en los que quiebra con todas las estructuras que sostienen “lo flamenco” con escenas desprejuiciadas, de alto contenido dramático, aunando un vasto conocimiento de lo flamenco con una carga única de pasión.

Si uno se interrogara sobre cuándo hay flamenco o qué es el flamenco, seguramente la respuesta se obtendría al ver bailar a La Yerbabuena. Esta hija de andaluces nacida en Frankfort y criada por su abuela en un pueblo de Granada ha sido merecedora de eximios premios, fue nominada en Gran Bretaña a los National Awards y recibió el premio Max de las Artes Escénicas como Mejor Intérprete Femenina de Danza, dos galardones que se entregan a grandes figuras de la danza internacional y que por primera vez alcanzan a un artista de flamenco.

Mientras acaba de estrenar Apariencias y se prepara para presentarse en la Bienal de Flamenco de Sevilla (8 de septiembre al 2 de octubre), traerá ¡Ay! a Buenos Aires, que podrá verse los 6 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

próximos 23 y 24 de septiembre en el Teatro Avenida. El espectáculo fue estrenado en Londres en 2013 y ya recorrió Estados Unidos, Japón, China, Tailandia y España. En su visita porteña, contará con Paco Jarana en guitarra, los cantaores Enrique El Extremeño, Emilio Florido y Alfredo Tejada, el violín de Vladimir Dimitrenco y la percusión de Antonio Coronel.

En una entrevista exclusiva para Balletin Dance Yerbabuena se explayó sobre su ¡Ay!:

Para el cante, el ‘Ay’ podría entenderse como una queja, en su espectáculo, usted lo ha llamado una indagación sobre sí misma ¿Existe un ‘Ay’ en el baile?

Por supuesto que existe un ¡Ay! en el baile: hay un ¡Ay! de afirmación, de queja, de miedo, de amor. Ay es una expresión muy andaluza, y, como no podía ser de otra manera, muy flamenca, que igual se utiliza para templar la salida de una seguiriya que para una alegría; o para expresar un suspiro, un cansancio, una emoción. Expresa multitud de sentimientos. En este caso, existe un ¡Ay! de ayer, de hoy y de mañana. ¿Cuál es la búsqueda de Eva Yerbabuena?

Eva siempre ha estado en búsqueda, desde incluso antes de llegar a esta vida. Sigo buceando en un mar inmenso que no deja de darme sorpresas, en el que a veces encuentro paz y a veces encuentro guerras internas. Todo esto porque, en mi búsqueda,

cuando algo parece ser confirmado y afirmado, acaba en una pregunta, una duda. En mi vida ha habido siempre un análisis de lo más empírico a lo más sentimental, que no se termina ni empieza con ¡Ay! y que seguirá vigente siempre. Mi punto de partida y llegada es siempre el equilibrio.

¿Cuál es el lugar simbólico que ocupan los objetos que utiliza en el espectáculo, como la mesa, la silla inclinada y el mantón?

Hasta un tiempo después del estreno de ¡Ay!, ni siquiera yo misma sabía cuál era su significado. Ha sido mi interacción con el público la que me ha hecho ver y aprender de mis propias necesidades y confiar en mi intuición. El acomodo, la búsqueda del camino más recto, la lucha por definir que no todo es tan malo ni todo es tan bueno, y, como se dice en mi último espectáculo Apariencias, saltar hacia las nubes no es volar, y unirse a la raíz no es enterrarse, no es gratuito. Al igual que cuando habitamos un espacio, la decoración siempre tiene un significado, por eso los elementos de atrevo de ¡Ay! Lo primero que todos necesitamos es una mesa en la que interactuar (para comer, hablar…); una silla, que a veces puede ser la más cómoda o la más incómoda; y que exista la posibilidad de regular la iluminación: la claridad que prefieres en un espacio, tanto natural como artificial, ya que hay rincones que queremos que estén iluminados y rincones que no. La luz también es un factor importante, que en ¡Ay! me hace

transmitir y sentir que a veces para valorarla necesitamos oscuridad. En ¡Ay!, que es un espectáculo minimalista, y en el que el atrezzo (no escenografía) son una silla y una mesa, busqué mi propia decoración, para que el público y yo pudiéramos tener diferentes lecturas a la hora de recibir y crear diferentes historias, dependiendo del estado anímico en que nos encontremos.

¿Desde qué lugar compone sus coreografías?

Mis coreografías siempre se componen desde el alma. Suelo crear de adentro hacia fuera. Hay veces que la creación la provoca el silencio, la música, un poema, una amarga vivencia, una cotidianeidad que puede ser de lo más absurdo… nunca es lo mismo.

Hay una escena en ¡Ay! donde el cantaor impulsa los movimientos que usted va realizando (con José Valencia, que en Buenos Aires será sustituido por Alfredo Tejada) ¿Quiso quitarle al cantaor ese lugar solemne en el que suele estar?

No estoy segura de haberle quitado la solemnidad a los cantaores, ni en ¡Ay! ni en ningún otro espectáculo. Nunca he tratado de quitarle la solemnidad a nadie porque es como el arte: el que nace solemne, se muere solemne, haga lo que haga. Si has nacido con una actitud solemne, aunque hagas lo más estereotipado, no desaparece. Es algo con lo que se nace, no se impone. Es algo intrínseco a la persona. __BD

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ACTUALIDAD

Imperdible

El Ballet del Teatro Argentino de La Plata que dirige Maricel De Mitri, se presentará junto a Marianela Núñez y Alejandro Parente en el Teatro Coliseo de Buenos Aires Se trata de Tríptico, un atractivo programa que incluye el Pas d´Action del ballet La Bayadera (Marius Petipa-Ludwig Minkus, repuesta y adaptada por Martín Miranda, protagonizada por Núñez y Parente), Bésame (coreografía de Ana María Stekelman sobre una recopilación de diferentes versiones del bolero Bésame Mucho) y Estancia (Carlos Trunsky-Alberto Ginastera, protagonizada por Marianela Núñez), que podrá verse el viernes 16 y el sábado 17 de septiembre, a las 21 hs.

Con iluminación de Esteban Ivanec, las obras se presentarán con escenografías y vestuario de Fabián Giménez, Viviana Serafini, Renata Schussheim, Carlos Trunsky y Marta Albertinazzi.

Estancia incluye palabras del Martín Fierro de José Hernández en la voz de Ciro Zorzoli.

Una joya del repertorio coreográfico que acrecienta la riqueza del lenguaje clásico; romanticismo con sutiles toques de humor, que fusiona danza contemporánea con música popular, Marianela Núñez y Alejandro Parente en La Bayadera, con el Argentino de La Plata Foto . Carlos Villamayor

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Estancia, de Trunsky Foto . Pérez de Eulate | Ballet Argentino

alejando la danza de la solemnidad; y una recreación del icónico ballet de Alberto Ginastera sobre la vida rural argentina, creada hoy con la idea del paso del tiempo, la rivalidad entre el patrón y el peón, entre el campo y la ciudad, una nota de amor y la Madre Tierra. __BD

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PROVINCIAS | MENDOZA

Con Alma Contemporánea Los fines de semana del 10 al 18 de septiembre Mendoza será sede de la 21º edición del Festival de Danza de Nuevas Tendencias, dirigido por Vilma Rúpolo

La compañía Soma presentará Urdimbre Foto . Adolfo Quinto Hache

Artistas provenientes de Mendoza, Buenos Aires, Chile y Colombia, ofrecerán espectáculos en diversas salas mendocinas, intervenciones urbanas, seminarios y charlas. Al cierre de la presente edición la organización pudo anticipar a Balletin Dance la confirmación de Francisco Carrasco y Mabel Dai Chee Chang, a cargo de sendos talleres.

El Festival de Danza de Nuevas Tendencias creado en 1996, se ha convertido en un acontecimiento clásico de la agenda cultural en la Capital del Malbec, promoviendo el encuentro y el intercambio de experiencias a partir de la presentación de obras escénicas en las que el cruce de lenguajes expresivos es su principal característica (danza, teatro, música, plástica y nuevas tecnologías).

Sábados 10 y 17, domingos 11 y 18, y viernes 16, desde las 12 hs en la Peatonal frente a la Legislatura, Teatro Independencia, El Galpón, Nave Universitaria y el Espacio Cultural Julio Le Parc. __BD

PROVINCIAS | CÓRDOBA

Reiteración

La Compañía Metazoa dirigida por la francesa Johana Cessiecq, estrena Loop, en el Teatro Medida x Medida de la capital mediterránea

Natalia Bazán y Erick Sánchez en Loop Foto . Roro

Centro Superior de Arte SYLVIA

GULIZIA

• yoga • danza • comedia musical • música • dibujo • teatro • aikido Av. Roca 1935 · Hurlingham Tel: 4665-4070 · www.sylviagulizia.com 10 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

‘Loop’ es un procedimiento extrapolado de la música electrónica que consiste en la repetición de lo improvisado in situ. Desde la danza, “nos apropiamos de este recurso como un procedimiento creativo y compositivo, con dos intérpretes en escena (Natalia Bazán y Erick Sánchez)”, explicó Cessiecq. “La propuesta se asienta en el diálogo corporal de ambos bailarines, signada por la repetición, tanto de material improvisado, como de unidades cimentadas a lo largo del proceso creativo”.

La obra podrá verse los sábados a las 21:30 hs, en el Teatro Medida x Medida (Montevideo 870, Tel: 0351 4219022). __BD

Teatro | Danza | Teatro Musical | Concursos

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EDICIONES BALLETIN DANCE

Lanzamiento de un Nuevo Libro

Balletin Dance se enorgullece al anunciar la presentación de un nuevo título de su editorial de libros. Se trata de Reflexiones Acerca de la Educación en Danza.

Nuevas Miradas, Nuevos Modelos, de los reconocidos Norma Binaghi y Haichi Akamine El libro sintetiza varias décadas de reflexión y análisis en torno a la enseñanza de la danza y seguramente su mayor valor se deba a que no se queda en mera elucubración teórica, sino que habla de experiencias reales en el campo formativo de este arte. Si bien esta investigación no se centra en la educación impartida en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín de la ciudad de Buenos Aires, donde se desempeñan Binaghi, como directora, y Akamine, como titular de técnica de la danza clásica académica, el alumnado de esta institución refleja muchos de sus resultados.

Las innovaciones en el área educativa, y los acelerados cambios propios de este mundo contemporáneo, demuestran que los conocimientos heredados tanto de maestros como de pedagogos de danza son insuficientes para darle sentido a la profesión en la actualidad. En esta línea, los autores reflexionan sobre la base de sus propias vivencias acerca de esta elección de vida dedicada a la educación, considerando la mirada interdisciplinar, la comunicación en las relaciones humanas, la incomprensión generacional, los contenidos propios de las carreras de danza, las instituciones, los alumnos y los docentes.

El texto además contempla cuestiones fundamentales en la formación artística, particularmente en danza: el proceso de adaptación, la vocación, la voluntad, el placer de aprender, el cuidado de la salud, la conducta de quien aprende y de quien enseña, la excelencia, la búsqueda de la libertad a través de la autonomía del artista. Y por supuesto, la técnica ocupa un lugar primordial, por lo que también se cuenta una clara elucidación conceptual que distingue entre sistema, método, técnica, didáctica y escuelas de danza.

Norma Binaghi - Haichi Akamine

5HÀH[LRQHV Acerca de la Educación en Danza Nuevas miradas, nuevos modelos

Balletin Dance EDICIONES

Invitación Presentación del libro Reflexiones Acerca de la Educación en Danza. Nuevas Miradas, Nuevos Modelos de Norma Binaghi y Haichi Akamine Martes 18 de octubre, a las 19 hs Sala de los Representantes de la Manzana de las Luces Perú 272, C.A.B.A. Entrada libre y gratuita

Haichi Akamine Norma Binaghi Fotos . Alicia Sanguinetti

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Así, frente a la pregunta central que recorre esta obra ¿Cómo se enseña en el mundo de hoy una técnica que nació hace centenares de años?, Binaghi y Akamine sostienen que “…el presente crea el puente entre el pasado (con sus fundamentos) y el futuro (como medio innovador de lo que vendrá)”. Sin dudas, se requiere de una mirada instruida y comprensiva sobre aquel pasado para lograr una innovación efectiva, y de una observación minuciosa de los sistemas de enseñanza en danza para entendernos y situarnos hoy en día.

El interés de Balletin Dance puesto en la enseñanza de la danza se evidencia desde su fundación allá por 1994, cuando nacía La Revista Argentina de Danza. Años después, la editorial de libros creó un área específica dedicada exclusivamente a la Pedagogía de la Danza dirigida por Alicia Muñoz, con cantidad de herramientas para el docente de la actualidad.

En esta tónica, hoy nos enorgullece presentar este nuevo aporte, que consideramos valioso al punto de estar convencidos de que será de utilidad para las futuras generaciones de la danza.

INSTITUTO DE DANZAS A·L·F·R·E·D·O

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Foto . Diego Eidelman

La presentación de este nuevo título, se realizará en uno de los lugares más emblemáticos de nuestro país: la mítica Manzana de las Luces, del Ministerio de Cultura de la Nación. Ubicada en pleno casco histórico, la edificación data del período jesuítico.

Los autores disertarán sobre la temática, junto al público, y a los maestros Andrea Bengochea y Alejandro Cervera, en la participativa y oval Sala de los Representantes. Al finalizar firmarán ejemplares y compartiremos un brindis de honor. __BD

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JUANA LEDERER Elongación x Elongación, Técnica clásica y repertorio Ex-bailarina solista del Teatro Arg. de La Plata Ex-primera bailarina del Ballet Nac. de Francia Egresada del Conservatorio Nacional de París

Seminarios intensivos en todo el país Nueva página web: www.juanalederer.com SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 13

PROVINCIAS | BUENOS AIRES

La Inspiración Por Stella Maris Salomón

El 9 de septiembre, la compañía El Desarmadero que dirige Sebastián Ameri, reestrenaba en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, su obra Maters Brutal, Cuando la Inspiración Socava Profundo. Balletin Dance conversó con él Sebastián Ameri estrenó Maters Brutal en 2015, en la ciudad de Tres Arroyos. “Realizamos también presentaciones en distintos teatros de la región. Es un orgullo y una emoción para nosotros la respuesta de tanta gente que nos acompaña: el público y los colaboradores. Por eso consideramos un logro poder estrenarlo en nuestro escenario, en nuestra ciudad de Bahía Blanca”, dijo entusiasmado.

Sobre la obra Maters Brutal, Cuando la Inspiración Socava Profundo cuenta la relación del artista con sus musas [Francisca Fornetti, Florencia Corsini, Luciana Saez, Mage Orlando, Magali Pérez Adassus, Pulis Cabaleiro, Constanza Chertudi, Fernanda Brebion, Vanina Pagnanelli y Maia Izaguirre]; “seres imaginarios tan etéreos como salvajes, que lo seducen y atormentan en el recorrido del proceso creativo. Es para todo público, para quienes conviven con la creatividad y apunta también a despertar al artista interior”, explicó el autor.

El bailarín recibió su formación en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Para su labor se ha preparado en danza, música y teatro. En 2011 accedió por concurso al cargo de bailarín estable del Ballet del Sur, de Bahía Blanca. Anteriormente había formado parte del Ballet del Teatro Colón, de ArgenBallet, Ballet Neoclásico de Buenos Aires, Ballet Compacto y Ballet del Mercosur. La más recordada de sus interpretaciones fue El Gran Charles de Guido De Benedetti en la que personificó a Chaplin y por la que recibió significativa aprobación de la crítica especializada.

¿Cómo nace la compañía El Desarmadero y a qué debe su nombre?

Es una consecuencia del trabajo en equipo de bailarines y actores, que mediante un recorrido en formación e investigación descubrimos la necesidad de consolidarnos como grupo independiente. En este recorrido aparecía la posibilidad de desarmarnos y rearmarnos. El Desarmadero entrena, crea, baila, actúa, propone; arma, revuelve, desarma; busca, vuelve a armar, golpea, encastra, satisface, respira, corta; vuelve a desarmar, se rompe, seduce, grita, viaja, conoce, recicla, explota; apunta, toma aire y vuelve a desarmar. El nombre propone desarmarse en el plano intelectual, físico y emocional.

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Las musas: seres imaginarios Foto . gentileza de la producción

¿Qué estilo, tendencia o escuela abordan, desde el punto de vista de la danza?

Utilizamos elementos de danza clásica, contemporánea, jazz, pero siempre nace el movimiento desde un enfoque puramente teatral. ¿Dónde ensayan?

La compañía tiene su propio espacio físico llamado El Desarmadero, Espacio de Mate y Arte. Allí brindamos diversos talleres de entrenamiento y formación para alumnos. Es nuestra propia casa. Somos una compañía independiente que no discontinúa su trabajo a pesar de las dificultades que siempre se presentan. __BD

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Por Marcos Nápoli / Enviado especial

La ciudad de Rosario no se detiene un instante. El teatro, la música y el arte mismo le son característicos desde siempre. Tiene su sello y cotidianamente va en busca de alternativas y objetivos de constante superación.

Así quedó reflejada la decimosexta edición del festival internacional de grupos Experimenta Teatro, que durante siete días de agosto cobró vida desde la organización del Grupo Laboratorio El Rayo Misterioso dirigido por Aldo El-Jatib. Con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro, el Ministerio de Innovación y Cultura del Gobierno de Santa Fe, la Municipalidad de Rosario e Iberescena, distintas compañías de España, Brasil, Paraguay, Costa Rica, Corea del Sur y Argentina desplegaron sus propuestas en el escenario y fuera del mismo.

P R O V I N C I A S | S A N TA F E

Rosario Sabe Como Pocos de Qué se Trata

Del 7 al 13 de agosto, la ciudad santafesina recibió a varias compañías extranjeras para la decimosexta edición del Festival Experimenta Teatro realizada por el Grupo Laboratorio de Teatro El Rayo Misterioso.

Espectáculos, charlas, debates, talleres, encuentros y conferencias legitimaron esta nueva entrega de un acontecimiento tan distintivo por su impronta propia como de su irrenunciable evolución

16 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

Como centro de la actividad, desde la mañana y hasta el final del día, el Teatro El Rayo concentró la atención de este verdadero encuentro que reunió a participantes de distintos países con el objetivo de adentrarse en una investigación que posibilite confrontar los conocimientos, y la profundización y el enriquecimiento de la teoría-práctica del movimiento teatral. Asimismo, algunas performances pudieron verse en el Centro Cultural Parque España y en el Teatro Municipal La Comedia.

Con gran esfuerzo y dedicación, los hacedores de este nuevo desafío convocaron para la oportunidad a los grupos Haddangse Theatre de Corea del Sur, Rubén Pagura de Costa Rica; Las Damas y Teatro del Norte, ambas de España; Isla Piano de Paraguay, Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz de Brasil y, por supuesto, la representación argentina estuvo en manos de El Rayo Misterioso.

Títulos atractivos en escena, talleres, seminarios, proyecciones, conferencias, charlas y la familiaridad del desmontaje teatral al término de las funciones otorgaron al festival un espíritu que sólo es capaz de lograrse cuando prevalece la idoneidad, la búsqueda del debate, el análisis y una incesante apertura a nuevas miradas del fenómeno teatral. Se sumaron a la iniciativa directores y críticos teatrales, estudiantes y el público en general.

Aldo El-Jatib es un gran referente del teatro off rosarino. Con una extensa trayectoria al frente de El Rayo Misterioso, esta edición de Experimenta significa a su entender “una auténtica legitimación del festival, por parte de la gente, los invitados, los críticos y los medios. Hubo un reconocimiento que reconoce que este espacio no estaba conformado por improvisados. El tiempo fue cambianDesde Paraguay llegó Isla Piano Foto . Dani Gonzalez

Programación detallada Grupos participantes

El Haddangse Theatre de Seúl, mostró Brush Foto . gentileza Experimenta

do, y los aportes de entidades gubernamentales llegaron justamente cuando se reafirmaba lo antedicho. Un aprendizaje constante de cada uno de nosotros y de quienes intervinieron en las distintas temporadas, hizo posible este presente de madurez artística, con mayor capacidad de realización y resolución. Pudimos cumplir con todo el cronograma previsto y no es poco. Hay un serio y profundo trabajo detrás de la organización y estamos felices por el resultado”.

Con una importante convocatoria de público, Experimenta 16 tuvo un desarrollo intenso, muy variado en sus temáticas y sumamente enriquecedor para los protagonistas y todos aquellos que acompañaron, debatieron e interactuaron en cada una de las propuestas.

Balletin Dance fue parte de las charlas de la última jornada destinadas a la comunicación y la crítica teatral. Desde muy temprano, De las Gacetillas a las Redes Sociales a cargo de Paula Simkin acaparó el interés de los jóvenes por su dinámica, docencia, claridad y conocimiento exacto de cada detalle a tener en cuenta a la hora de planificar la comunicación de un hecho teatral, sus estrategias, intereses y cómo aplicar herramientas adecuadas.

El encuentro de revistas reunió a representantes de Argentina y el exterior para intercambiar experiencias, situaciones y realidades de las ediciones tradicionales (papel) y la irrupción cada vez más amplia de los formatos digitales. La charla abierta, distendida, cobró relevancia al momento de focalizar hacia dónde apuntan los contenidos, el perfil del lector, el criterio editorial a la hora de pensar el producto periodístico y el lenguaje preciso como vínculo indispensable para el lector habitual y, específicamente, para el acercamiento de nuevos lectores al mundo del teatro.

Más tarde, en el cierre mismo de una semana intensa, los críticos invitados pusieron sobre la mesa hacia dónde va dirigido su trabajo, la relación directa o indirecta con el espectáculo, la función esencial de la tarea, la preparación intelectual de quien ejerce la actividad y qué es lo que el lector debe y quiere saber. Las exposiciones generaron un ida y vuelta amplio, autocrítico, despojado de formalidades y generoso de anécdotas. Experimenta 16 fue una sólida usina de acontecimientos teatrales, docentes, periodísticos y por qué no sociales. __BD

• Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz (Porto Alegre, Brasil) con Evocando os Mortos- Poéticas da Experiência • Haddangse Theatre (Ciudad de Seúl, Corea del Sur) con Brush • Teatro del Norte (Ciudad de Lugones-Asturias, España) con Yerma • Isla Piano (Ciudad de Asunción, Paraguay) con Isla Piano • Rubén Pagura (Costa Rica-Argentina) con La Historia de Ixquic • Las Damas (Co-producción España-Argentina) con Flores Ácidas • El Rayo Misterioso (Rosario, Argentina) con El Fabuloso Mundo de la Tía Betty

Talleres sobre la técnica a cargo de los grupos invitados

• Seminario: Vivencia con Ói Nóis Aqui Traveiz. Coordinado por Tânia Farias y Pascal Berten. Grupo La Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz • Taller: Teatro y Comunicación. Coordinado por Jane Kwon. Grupo Haddangse • Taller: Palabras o presencia. Coordinado por Etelvino Vázquez. Coordinado por Etelvino Vázquez. Teatro del Norte • Taller: Work in progress. La creación y puesta a partir del actor. Coordinación: Hugo Luis Robles y elenco.

Grupo Isla Piano • Taller: Desde la Idea al Espectáculo, un camino iluminado por la generosidad. Coordinado por Carlos Gil Zamora.

Grupo Las Damas Actividades especiales

• EnBioM (Entrenamiento Bioenergético del Movimiento). Coordinado por Sebastián Arriete. Grupo El Rayo Misterioso • Taller de crítica teatral a cargo de Carlos Gil Zamora (Madrid, España) • Conferencia y espectáculo demostración De la acción de gracias al efecto fantasmal de encantamiento. Metodología de la presencia escénica en “El Rayo Misterioso”, a cargo de Aldo El-Jatib e Integrantes • Encuentro de Revistas de Teatro (Argentina, Brasil, Colombia y España) • Encuentro de Críticos Teatrales (Alemania, Argentina y España) • Encuentro de Directores de Festivales de Teatro (Argentina y Brasil) • Charla De las Gacetillas a las Redes Sociales a cargo de Paula Simkin de Simkin&Franco Comunicaciones (Buenos Aires) • Desmontajes Teatrales a cargo de los críticos Julio Cejas y Carlos Gil Zamora. (Argentina y España) SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 17

FOLKLORE

Bajo La Luna Tucumana Por Juan Cruz Guillén

Con la esperanza de que se concrete a la brevedad la creación del Ballet Folklórico Estable de la provincia de Tucumán, José Alfredo “Fredy” Vaca, dialogó con Balletin Dance sobre su propia agrupación, el Ballet Tucma Danza El proyecto de ley para la creación del Ballet Folklórico provincial, fue presentado por José Alfredo Vaca y Lorena del Milagro Arias en el año 2004, “pasó de ser proyecto a convertirse en Ley, se hizo el lanzamiento oficial en 2012 y en teoría debería estar funcionando desde el 2013. Esperemos que se concrete lo antes posible”, señaló el director como esperanza de pronta resolución, y manifestando la lucha que desde hace tantos años vienen realizando en el Jardín de la República.

Por su parte, la compañía Tucma Danza, fue creada el 7 de marzo de 2000 y tiene como premisa fundamental, preservar las danzas folklóricas argentinas, utilizando como herramientas una metodología de enseñanza ágil y dinámica, con planes de estudio que abarcan un gran espectro del folklore como ciencia.

Legitimado en la necesidad de transmitir a jóvenes y adultos los conocimientos de nuestro acervo cultural y representar profesionalmente a través de la danza, niveles provinciales, nacionales e internacionales.

Junto a su mujer, Lorena del Milagro Arias, comenzaron este trayecto con doce alumnos en San Miguel de Tucumán, “de los cuales la mitad eran parientes”, recordó el maestro que simultáneamente enseñaba en otras localidades del interior de la provincia.

“Hoy nuestra compañía tiene 70 integrantes, de 3 a 78 años”.

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¿Tienen o tuvieron algún apoyo oficial o privado?

No. Siempre trabajando a pulmón, con la libertad de vivir dignamente y reivindicar la imagen de nuestro ser nacional. ¿Cómo idean los cuadros que integran su repertorio?

Hace muchos años, me dijo el maestro cordobés Miguel Ángel Tapia: “Vaquita, yo me doy el lujo de comprarme cuatro o cinco libros, y leerlos antes de armar una obra”.

Evidentemente Tapia aprendió del maestro Santiago Ayala “El Chúcaro” cuando decía que para ser un buen bailarín y coreógrafo, había que leer mucho.

Seguramente, por eso me di cuenta que para involucrarme en algo, debía estudiar con mucha pasión, ser coherente y responsable de lo que iba a poner sobre el escenario.

Repertorio Oid Mortales el Grito Sagrado cuenta los hitos más importantes de nuestra historia, Gaucho Sobre todo Gaucho refleja el espíritu esencial del gaucho y su estado vital e integral, El Mundo de los Niños nace de una fábula donde Dios, muy preocupado por los reclamos y quejas de los seres que había creado, decide darles una nueva oportunidad, Gloria es una recreación coreográfica de La Misa Criolla, Mujer es un genuino homenaje a la mujer argentina, basada en la historia de nuestra querida Evita.

También tenemos otros cuadros, entre los que menciono Escondiendo Amores, Paseo Sureño, Salta la Linda, Valseando, Norte, Violín y Malambo, Lo que Hace una Zamba, El Cumpleaños de Paturuzito, Fiesta en la Quebrada, La Vecindad del Chango del 8 (que es una recreación de la famosa y exitosa Vecindad del Chavo del 8 trasladada a la forma y esencia cultural de nuestra querida provincia) El Viejo Patio, Malambo Argentino, Baile de los Morenos, Argentina Federal, El Juego de la Silla y El Compromiso.

Tucma Danza: reivindicar la imagen de nuestro ser nacional Foto . gentileza de la producción

Realmente es un repertorio muy grande y variado ¿Y cuáles son sus próximos pasos?

Estoy trabajando en un libro llamado Esencia, desde hace años.

Recopilando información y experiencias, con el anhelo de dejar documentado todo lo referido al gaucho y a la danza varonil, “el malambo “. __BD

SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 19

actualidad

Danza Folklórica Al Aire

Debutó el mes pasado Yo Bailo. Folklore en Movimiento, un programa radial de una hora y media semanal, dedicado enteramente a la danza folklórica argentina

Alejandra Ledesma y Daniel Sousa, los martes on-line Foto . gentileza de la producción

Con la conducción de Alejandra Ledesma y Daniel Sousa (colaborador de Balletin Dance), el espacio es un punto de encuentro para bailarines, coreógrafos, maestros de danza, directores de compañía, productores, gestores culturales y todos aquellos que aman y disfrutan al interpretar nuestras danzas.

Entrevistas, relatos, buena música folklórica, sorteo de entradas para espectáculos y una amplia agenda peñera y de enseñanza en todo el país, son algunos de los atractivos de esta propuesta.

La primera emisión contó con la presencia en el estudio de los directores de la compañía Los Potros Malambo, Javier e Isaac Gardella, quienes analizaron el fenómeno del zapateo for export.

En tanto, el cantautor salteño Raúl Palma se refirió a las sensaciones que lo embargan cuando temas de su autoría son interpretados por infinidad de grupos de danza en festivales y peñas.

Yo Bailo. Folklore en Movimiento se emite los martes a las 11 hs a través de Radio Túpac (www.radiotupac.com.ar), emisora online dirigida por Omar Careaga, reciente ganadora de tres premios Reina del Plata por la calidad de su programación folklórica. Los interesados en participar, pueden escribir al correo yobailoradio@hotmail.com, a través del perfil de Facebook: YoBailoFolkloreenMovimiento, o llamando al 154060-4714. __BD

Muestra Fotográfica Martin Wullich inaugura este mes su tercera edición de la exposición de fotografías escénicas Desde la Butaca Hasta el 26 de septiembre, podrá verse en Mundo Nuevo Gallery Art y en forma gratuita, la nueva selección de fotografías tomadas por el reconocido periodista, locutor y crítico teatral Martin Wullich. La particularidad de las fotos es que fueron tomadas desde la butaca, en su oficio como crítico de espectáculos de teatro, ópera, danza y performances, entre 2014 y 2015, en grandes y pequeñas salas escénicas.

La curadora de la exposición es la reconocida Virginia Fabri, responsable de incontables exposiciones y muestras de arte fotográfico en Argentina, mientras que Lino Patalano, con su experiencia y autoridad en espectáculos teatrales, es el productor artístico de la muestra. __BD 20 .. BALLETIN DANCE .. SEPTIEMBRE 2016

Rodin de Boris Eifman, en el Teatro Colón Foto . Martin Wullich

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C O M E N TA R I O

Cuántica y danza Por Nahuel Aguirre

Gilles Jobin presentó Quantum en diferentes ciudades argentinas. El trabajo nació en una residencia realizada en 2012 por el artista, en los laboratorios del Consejo Europeo para la Investigación Nuclear (CERN), uno de los centros de investigación cuántica más importantes del mundo. Durante tres meses el suizo exploró las relaciones entre cuerpo y mente en los laboratorios del generador de materia más grande del mundo, en colaboración con científicos, para buscar elementos que lo ayudaran a componer una pieza de danza inspirada en las leyes de la física.

Quantum, busca sumergirse en el mundo de protones, neutrones y demás elementos que componen al mundo recurriendo a secuencias de movimiento que pueden parecer simples a la danza, pero que tienen su fundamento en los principios de movimiento de la física. Por ello esta propuesta no presenta demasiada complejidad en su composición escénica y recurre a elementos básicos, pero útiles y suficientes para observar sobre escena las fuerzas de la naturaleza (gravedad, electromagnética, interacción nuclear fuerte e interacción nuclear débil), fuerzas por las cuales se relacionaban sus intérpretes en la función.

En la puesta pudo observarse a los bailarines moverse de manera simétrica, en círculos, hileras, filas, caídas e interactuando entre ellos sin llegar a un contacto físico, puesto que según las observaciones de la ciencia, la materia o las partículas nunca llegan a tocarse concretamente.

Montar esta propuesta no fue sencillo, según indicó Jobin en entrevista otorgada a Balletin Dance: “Quería aplicar a la danza las reglas que existen dentro del mundo

Bailarines y partículas Foto . Gregory Batardon

Con una estructura básica que logró plasmar mediante la danza, las leyes de la física, la obra Quantum del coreógrafo suizo Gilles Jobin, se presentó del 4 al 7 de agosto en el Centro Cultural San Martin

de las partículas, y me costó en un principio porque pensaba que había más mecanismos.

Pero no. Son sucesos cortos y efímeros. Cuatro fuerzas que a su vez no tienen contacto”.

En síntesis, el creador rescató patrones de movimiento y formas de interacción elementales, que llevó a que sus bailarines representaran “partículas gigantes” en escena.

“La escena y la cuántica comparten algunos elementos, por ejemplo: las partículas sólo existen una vez cuando las observamos, la existencia de la danza, que también es efímera, sólo existe en los ojos del espectador”, señaló el suizo en esta conversación.

Por último, el coreógrafo reivindicó la necesidad de que los bailarines y artistas de la danza, sean investigadores y no sólo productores. “Montar Quantum y hacer una investigación metódica, me llevo a redescubrir cosas y recibir mayor material para poder llevar adelante mi trabajo”.

La gira en Argentina de Quantum continuó por las provincias de Corrientes y Misiones, y contó con el apoyo de la Embajada de Suiza. __BD

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h t t p : / /w w w. f a c e b o o k . c o m /p a g e s / B a l l e t i n - D a n c e /26 1 3 1 07 928 0 8 SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 23

E N T R E V I S TA

Eli Sirlin / Hágase la Luz Por Daniel Sousa

Es una de las iluminadoras más requeridas de nuestro medio, tanto en el teatro como en la danza, la ópera y la comedia musical. Trabajó codo a codo con grandes coreógrafos y es formadora de futuros profesionales en su especialidad.

Secretos de su proceso creativo

Frente a tanta diversidad, ¿cuál es su método de creación?

En la danza, cada coreógrafo tiene una manera distinta de relacionarse con la luz. Eso hace que el iluminador cambie en cada caso su manera de trabajar. Hay coreógrafos que traen una imagen muy fuerte acerca de lo que quieren, una impronta visual muy definida. Entonces uno les genera espacios de luz para que trabajen. En otros casos, el coreógrafo viene sin ninguna presunción, anclado en el movimiento y no tanto en la visualización de ese movimiento.

Yiya, el Musical, una de las incursiones más recientes de la iluminadora en la escena comercial Foto . Fuentes2Fernandez

Difícilmente, un fiel seguidor del teatro o la danza en Buenos Aires no haya leído alguna vez el nombre de Eli Sirlin ocupando un espacio destacado en el programa de mano de una obra.

Hasta hace pocos días había cinco de sus trabajos en cartel (Tarascones, El Padre, Doña Rosita la Soltera, Chopin Nº 1 y Yiya, el Musical), una cantidad que -vale decirlo- no es infrecuente en su extensa y meritoria carrera. Es que Eli Sirlin es una de las iluminadoras más reconocidas y demandadas de la escena porteña.

Arquitecta recibida en la UBA y egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, coqueteó inicialmente con el cine de animación hasta que el maestro de la iluminación teatral, Ernesto Diz, la introdujo en ese mundo fascinante. En la actualidad dirige la carrera de Diseño de Iluminación de Espectáculos en la UNA (Universidad Nacional de las Artes), donde dicta una materia específica sobre iluminación de danza, y también es docente de Iluminación Arquitectural en la UBA.

Sus mejores creaciones para espectáculos danzados fueron el fruto de su colaboración con coreógrafos tales como Roxana Grinstein, Margarita Bali, Mauricio Wainrot, Alejandro Cervera, Ana María Stekelman, Diana Szeinblum, Carlos Trunsky, Susana Tambutti, Ricky Pashkus, y con muchos otros llegados desde el exterior. Junto con la ópera y el teatro de texto, se ha destacado también en la comedia musical en incontables ocasiones.

La escena oficial y la alternativa saben de su profesionalismo y capacidad de trabajo.

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La reposición de El Mesías en el Sodre le planteó a Sirlin nuevos desafíos (en la foto en la versión del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín) Foto . Carlos Furman

Esto le permite a usted jugar de otro modo…

Los iluminadores jugamos siempre. Una buena idea del coreógrafo nos ayuda porque no nos deja en el aire. Lo importante, creo, es no subrayar con la luz la narrativa de la danza. Luz, música y danza son tres lenguajes que pueden entrelazarse sin fundirse, que pueden interactuar de una manera igualitaria en cuanto a proporciones y relación entre ellas. Esto no siempre pasa: en el teatro, por ejemplo, la dramaturgia es muy fuerte y es sobre la que se asientan los demás lenguajes. En la danza no es así. Mi sensación es siempre la de algo que se entrelaza.

Sirlin viene de compartir un workshop en la UNA con el coreógrafo suizo Gilles Jobin y ha quedado fascinada. “Gilles trae la herencia de Merce Cunningham y trabaja con una alta autonomía de lenguajes. El cruce entre luz, sonido y movimiento no está premeditado en él. Es muy diferente al caso de Jirí Kylián, quien establece una estrategia espacial lumínica estrechamente relacionada con aquello que va a suceder con el bailarín. En Quantum, la obra que Gilles trajo a Buenos Aires, hay unas campanas con movilidad, y la luz también se mueve, pero según un orden que no tiene que ver con lo que está sucediendo abajo, con la coreografía. La autonomía es total. Es decir: el lenguaje lumínico permite esa autonomía, y a la vez permite también servir a la generación de situaciones espaciales”.

¿En qué momento comienza el trabajo del iluminador?

En líneas generales, conviene estar desde el primer minuto de la creación. Aunque depende mucho de qué tipo de coreografía se trate. No es lo mismo un trabajo de corte clásico o neoclásico, que requiere un aprendizaje previo por parte del bailarín en relación a aquello que se quiere contar, que los trabajos más cercanos a la improvisación, donde uno puede ver cómo se va gestando la pieza. Yo estoy siempre muy atenta a lo que la creación me provoca, pero si tengo que esperar a que el bailarín aprenda su ‘letra’ ya pierdo el interés. A mí lo que me importa realmente es cómo fluye el movimiento. ¿Existe un diálogo entre iluminación y escenografía?

Depende de cada caso. Por lo general, primero se instala el espacio y luego convocan al iluminador. De cualquier modo, siempre hay algo de lo emotivo que la luz puede instalar en ese lugar, que tanto puede colaborar con el tema de la pieza como correrla de su lenguaje. ¿Recuerda cuál fue la primera obra de danza que iluminó?

Sí, hace casi treinta años me llamó Roxana Grinstein para unas piezas que iba a montar en el Teatro Cervantes. Una de ellas, cuyo nombre no recuerdo, estaba hecha con noventa velas colocadas en el piso. La intención era que se mantuviera la idea de la vela pero, claro, la vela no era suficiente para iluminar lo que sucedía en ese espacio. Roxana traía algunas indicaciones que le SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 25

Arquitecta y artista plástica, coqueteó con el cine animado pero finalmente abrazó la iluminación Foto . gentileza de la artista

¿Qué particularidades tiene la luz en el teatro musical?

La dinámica de las obras es mucho mayor. Tengo obras con treinta minutos de coreografía y noventa efectos lumínicos. En el teatro musical en general se trata de que la iluminación se vea.

En cambio, en la danza trato de ocultarla. Para La Consagración de la Primavera cree unos juegos acuáticos en el piso para los que apelé a la robótica, pero sin la idea de que se la vea moverse sino de que fluya junto con la danza. En casos como ese, el bailarín ‘se lleva’ la luz en su movimiento y el ojo del espectador se posa en él y no en el movimiento lumínico. En la comedia musical, en cambio, la luz tiene una movilidad casi coreográfica. había dado Ana Itelman de cómo le convenía aumentar la luz de la vela a través de la luz artificial pero sin que se notara. En efecto, la obra requería de algunos toques de luz que pudieran completar el cuerpo de los intérpretes (dado que la luz de las velas venía sólo desde abajo), algo mínimo, para que pudiera modelarse la forma sin perder la sensación de que la luz venía de la vela. En El Escote, en cambio, el trabajo de modelado fue mucho más fuerte, casi un tallado de la forma para lograr que se visualizara aquello que Roxana quería que se viera y que no se viera.

Las herramientas de trabajo han cambiado por completo ¿Qué aporta hoy la tecnología?

A la iluminación, mucho; a la danza, nada. Hay novedades que mejoran ciertos resultados, pero no lo más profundo de la creación. En la comedia musical, por ejemplo, la robótica aporta muchísimo. Ayuda a resolver problemas de manera más rápida y eficaz. Pero si yo tuviera que pensar hoy la obra de las velas la resolvería de la misma manera que hace treinta años. A tanto tiempo de su creación, El Escote la sigo haciendo de la misma forma que al principio. En cambio, en El Mesías, de Wainrot, que la hice por última vez en el Sodre, trabajé con proyectores RGB y fue mucho más interesante el resultado. En verdad, el concepto siempre es el mismo, lo que cambia es la facilidad con la que uno trabaja. ¿En qué medida depende el resultado de su trabajo del equipamiento técnico de la sala?

En el Sodre, por ejemplo, ellos tienen muchos proyectores LED, algo que en general no es tan fácil de conseguir. Está bueno, pero me planteó otro problema: el monocromatismo del LED y cómo compensar las calles para que la gente no se viera amarilla.

La cámara blanca, como la que requiere esta obra, tiene sus complicaciones. De modo que a mí me resulta interesante acercarme y alejarme de la tecnología teniendo siempre en claro que mi ruta es la obra que estoy haciendo.

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Puntada Fina Tan cuidadosa como es de su trabajo, llama la atención que Eli Sirlin no vuelva a ver sus creaciones una vez que fueron estrenadas. “En general no voy, no. Salvo que me lo pidan porque algo no anda bien. En danza, particularmente, no se hacen tantas funciones como en el teatro, por lo que es casi innecesario. También en algún punto necesito alejarme de la obra para después volver a verla con otra perspectiva. En el San Martín, por ejemplo, después del ensayo general me echan (risas). Es que yo trabajo como una costurera, primero voy hilvanando y después, sobre eso, hago la costura fina. Entonces no se termina nunca de corregir”.

El mes pasado, el Ballet Contemporáneo repuso una de las tantas obras de Wainrot a las que Eli vistió con su luz, Chopin Nº 1, pero ella no participó directamente de esta rentrée. “Por contrato, el iluminador le entrega la responsabilidad de las reposiciones al teatro. Ellos son bastante respetuosos, y yo también con ellos si el coreógrafo me convoca nuevamente por algún ajuste puntual que considera necesario”.

¿Cuál ha sido la obra más difícil de iluminar?

Una reposición de Notre-Dame de París de Roland Petit, en el Colón en 2001. Se habían perdido los planos e indicaciones originales y tuve que trabajar en base a un VHS. Fue un trabajo arqueológico más que de diseño. ¿Hacia dónde va la iluminación escénica?

La interactividad con otras áreas es algo que está llegando. El trabajo de luces de Quantum, por ejemplo, es obra de un inventor, no de un iluminador; un artista visual que ha generado un sistema lumínico interesante. Con Margarita Bali hemos hecho mappings con sensores. Es clave ponernos de acuerdo entre los diferentes lenguajes para establecer cuál es la manera más cómoda de intercambiar información. Esto nos va a permitir que los lenguajes que se vayan sumando puedan relacionarse, ya no en base a lo que uno diseña sino teniendo cualquier estímulo (lumínico, sonoro) como disparador. __BD

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E N T R E V I S TA

Ser una Actriz que Danza Por Gustavo Friedenberg

Carolina Pizarro se formó como actriz en la Universidad de su Chile natal, donde se investigan los distintos recorridos que puedan servir al actor, concebido a la vez como bailarín. Desde un primer momento comprendió el teatro ligado al movimiento.

Es la actriz más nueva del Odin Teatret (Dinamarca) y el próximo 19 de septiembre estrena en Holstebro la última producción dirigida por Eugenio Barba: The Tree

Carolina Pizarro “…tomo las bases del Kalaripayattu” Foto . Luca Ciriello

“El primer texto de teatro que tuve en mis manos hablaba del actor-bailarín. Esto me llevó al Odín en el año 2010 y ahí comenzó un proceso guiado por Julia Varley para encontrar un entrenamiento personal y específico para mí. Indagando recordé que en la universidad había hecho Kalari y decidí ir a India a profundizar en este arte marcial.

Antes de partir recibí entrenamiento con Augusto Omolú, bailarín brasilero que fue actor del Odín. Con él trabajamos danzas del Candomblé brasilero y distintos conceptos de la energía. Así empecé a entender de otra manera el teatro, viendo cómo llevar a la acción un entrenamiento de danza, ponerlo en juego al momento de crear material escénico.

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¿Le pesa la distinción entre danza y teatro?

Creo que ha sido un error separar las artes, nos encasilla. Siempre admiré muchísimo el trabajo del bailarín en el sentido que es mucho más riguroso y concreto que el trabajo del actor como se entiende en general, que crea los personajes desde un lugar emocional, que se inspira o no se inspira, mientras que el bailarín tiene que aprender algo muy preciso. Yo nunca tuve el coraje de ser bailarina, para mi eso era algo que sólo se podía hacer si uno empezaba desde niño. Hoy siento que soy una actriz que danza y siento que a través de la antropología teatral encontré en el actor la precisión que tiene el bailarín. Esto tiene que ver con Oriente y la preparación de la gente de India en las danzas; allí no se diferencia si es danza o es teatro. ¿Qué esperaba encontrar en India?

Fui para profundizar porque sentía que ahí había algo que descubrir. Yo nunca había tenido un maestro como se dice en Oriente, que es súper diferente a tener un profesor. Entrás en un lugar que se considera un templo y empezás a entender todo un universo distinto. Entrenás desde las seis de la mañana, con hombres que van a hacer la secuencia por una hora y luego se van a trabajar porque está dentro de su cotidiano. A las ocho entrenás con niños de cinco años que se ríen de ti, pero ahí te das cuenta de cómo enseña el maestro. Luego las mujeres que desarrollan otra calidad, la energía más suave. Y en la noche están los que hacen performance y la práctica se piensa para el escenario.

Yo tomo las bases del Kalaripayattu desde el ritmo, el tiempo, el espacio: la composición y el diálogo con los otros. La danza. ¿Qué le interesa de la danza?

Me gusta que me movilicen. Hace tiempo vi una obra de Dave St-Pierre, un coreógrafo canadiense que trabajó con gordas mór-

Carolina Pizarro en el estreno de The Tree, dirigida por Eugenio Barba Foto . Odin Teatret Archives | Rina Skeel

bidas que bailaban desnudas, buscando una provocación constante y a mí me gusta que el cuerpo sirva como un acto político.

Formar parte del Odín El año pasado Eugenio Barva me invitó a entrar al Odín Teatret en reemplazo de Sofía Monsalve, quien decidió regresar a Colombia. Fueron cuatro estrenos en dos meses; tuve que aprender a tocar Ukelele y danzar al mismo tiempo para La Vida Crónica, cantar en danés para Dentro del Esqueleto de la Ballena, danzar sobre zancos detrás de una máscara para Oda al Progreso y realizar una danza en Grandes Ciudades Bajo la Luna. Y luego me uní al nuevo espectáculo que se estrena este mes.

¿Qué puede contarnos de The Tree?

Tengo intervenciones etéreas, mi personaje no habla; danza y quiere volar, viene a ser Iben (Nagel Rasmussen) cuando joven, y danza con el árbol para que regresen las aves. El árbol de la historia en la obra tiene muchos significados. Dos monjes plantan un árbol de peras en medio del desierto en Siria para que los pájaros regresen. El árbol crece, grande, robusto, pero muerto. En Nigeria, es el árbol del olvido; una madre que tiene la cabeza de su hija dentro de una calabaza gira alrededor para olvidar, como lo hacían los esclavos de otros tiempos. A su vez es el árbol que ha sido plantado por el padre de Iben cuando era niña, creciendo juntos hasta considerarlo como su hermano inseparable. ¿Qué es el árbol para Carolina Pizarro?

El árbol contiene las historias, el conocimiento, nos conecta con nuestras raíces y además limpia y purifica a través de sus hojas. Es una presencia con la que me reencuentro en el teatro, ya estaba en Tierra de Fuego (2011). Allí ocultaba un secreto para contener la memoria. Mi madre, durante la dictadura, hizo un hoyo profundo en la tierra y puso dentro todo lo que la vinculara con política de izquierda (libros, fotografías, su falda roja y camisa negra, entre otras cosas) y sobre sus recuerdos plantó un árbol. Cuando los militares entraron a casa en 1981 no encontraron nada, el árbol, aunque era pequeño aún, nos protegió. No fue el único árbol en Chile, después de una función una mujer se acercó a contarme su historia, quizás también se plantaron árboles en otros países de Latinoamérica donde las dictaduras nos golpearon tan severamente. Me pregunto si a mi mamá le hubiese gustado ver florecida la historia escondida y silenciada a través de esas hojas. __BD SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 29

C O M E N TA R I O

Lo Pétreo y lo Emotivo Por Daniel Sousa

La compañía Tangueros del Sur, que dirige Natalia Hills, presentó en Buenos Aires su espectáculo Romper el Piso, estrenado hace algunos años en el City Center de Nueva York Era niña aún cuando su nombre comenzó a hacerse conocido en las pistas y en los escenarios. Creció rápido, levantó vuelo, recorrió el mundo de la mano de Juan Carlos Copes y con Luis Bravo en Forever Tango, y hoy está de regreso en Buenos Aires mostrando el espectáculo que, con su propia compañía de baile, estrenó en 2009 en el City Center de Nueva York, nada menos.

Natalia Hills se jugaba una carta fuerte en esta rentrée y mal no le ha ido. El público (en el que abundaron los bailarines tangueros) aplaudió con ganas al término de su faena al frente de un elenco con grandes individualidades, tanto en la faz danzada como en lo estrictamente instrumental.

Romper el Piso intenta desmarcarse de las clásicas revistas musicales del género y en parte lo logra, con un interesante primer acto en el que explora las raíces afro del tango a partir de su ligazón con el candombe. Visualmente, es el segmento más atractivo del show y anticipa una línea estética novedosa, que luego se diluye.

La evolución en el tiempo, muy propia de este subgénero teatral, desemboca en el baile a piso de las parejas, pulcro y refinado, en

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un continuado que no regala mayores novedades. El nivel técnico de los bailarines es superlativo en casi todos los casos, pero cierta languidez impostada le resta matices a la interpretación.

Del arrabal al mundo siguiendo el derrotero del dos por cuatro, el show va ganando en espectacularidad hasta desembocar en el repertorio otrora vanguardista (lo fue hace más de cuarenta años) de Astor Piazzolla, del que felizmente se evitan las páginas más conocidas. Es aquí donde la propuesta vuelve a cobrar vuelo gracias a un juego coreográfico atrayente en su complejidad. El conjunto luce preciso y armónico en desplazamientos harto intrincados, pero otra vez la excesiva inexpresividad de los rostros resulta ingratamente llamativa.

Contrasta la impronta pétrea de los bailarines con la emocionalidad a flor de piel de los ocho músicos que desde el chelo dirige Patricio Villarejo, responsable también de los inspirados arreglos. Notables trabajos de Nicolás Minoliti, Ricardo Astrada y Gisele Avanzi, en la danza, y meritorio desempeño de Natalia Hills en la dirección de este espectáculo que, de haber arriesgado a pleno, habría alcanzado aun mejores resultados. __BD Natalia Hills y Alejandro Aquino, pareja protagónica de Romper el Piso Foto . gentileza de la compañía

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SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 31

C O M E N TA R I O

Amor, Pasión, Traición Por Martín Goyburu

La Compañía Nacional Danza, bajo la direccion artística de Iñaki Urlezaga abrió su temporada 2016 el mes pasado en el Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires Iñaki Urlezaga pensó en un programa mixto para abrir su temporada actual, integrado por Cuentos de Chopin, Carmen y Bolero. La noche en la que asistió este cronista, la Orquesta Académica de Buenos Aires bajo la batuta del director adjunto Carlos David Jaimes, tuvo un tibio desempeño.

El espectáculo comenzó con Cuentos de Chopin, una coreografía del propio director e inspirada en las geniales partituras musicales del compositor y pianista Frédéric Chopin. Cuatro parejas de muy buen desempeño técnico e interpretativo (Sofia Carmona-Antonio Padrón, Manuela Bruno-Francisco Tapia Saravia, Gabriela Alberti*-Iñaki Urlezaga y Anahi Araujo-Nahuel Prozzi*) sortearon sin dificultades las complejas combinaciones propuestas por Urlezaga, en esta obra muy bailada que permitió el lucimiento de todos los protagonistas. Si bien es una pieza abstracta, sin argumento, la escenografía planteada por Daniel Feijoo (cuatro columnas que forman parte de una casa de estilo), las proyecciones en el telón de fondo (un inmenso jardín cuyo cielo cambiaba de color marcando el paso del tiempo) y la iluminación, permitieron reconocer diferentes momentos anímicos que atraviesan generalmente las parejas a lo largo de sus

vidas: el despertar del primer amor, el dolor del desengaño, la pureza del amor eterno y el fuego que la pasión conlleva.

La segunda parte de la noche se inició con la versión completa de Carmen, del coreógrafo Alberto Alonso sobre partituras de Georges Bizet-Rodion Schedrin. Ya al abrirse el telón, en el aire se respiraba la tragedia que estaba a punto de acontecer.

Eliana Figueroa en el rol de Carmen, logró convencer a sus pretendientes y al espectador. Los enamoró, los traicionó y finalmente murió asesinada por Don José. Los tres protagonistas varones estuvieron a la altura de la obra, destacando Urlezaga (Don José) y Nahuel Prozzi (Torero) por su prestancia e impecable ejecución de su variación. De la misma manera Ana Claudia Magagnin (El Destino) tuvo un acertado desempeño, con buenas líneas y fuerte temperamento. El cuerpo de baile masculino cumplió en su hacer así como las cuatro cigarreras (Manuela Bruno, Anahí Araujo, Dulce Gil y Sofia Carmona) siempre a tempo.

Para finalizar, Bolero, del coreógrafo húngaro Aurel Milloss y música de Maurice Ravel. Se trata de una obra de gran fuerza, que hoy luce antigua a la audiencia, cuyas secuencias se incrementan junto a la melodía hasta su explosión final. Con toda la compañía en escena, llena de acción, se descubrió a Flavia Marcantonio (Mujer Endemoniada) quien opacó con su danza al joven Luis Reymunde (Demonio). * Primeros bailarines invitados. __BD

Gabriela Alberti e Iñaki Urlezaga en Cuentos de Chopin

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Cuerpo de baile en Bolero Fotos . Carlos Villamayor

Próximas actividades En octubre se presentará el segundo programa de la compañía Danza dependiente del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, que incluye Serenade de George Balanchine, Cantares

del argentino Oscar Araiz, y finalizará con el tercer acto de Raymonda. El estreno tendrá lugar en el Teatro Opera de Buenos Aires, para emprender luego, una gira que abarcará el Litoral argentino.

BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muñozz, presenta Muño

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Compartí con colegas de diferentes países, esta experiencia enriquecedora, sin moverte de tu casa SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 33

C O M E N TA R I O

Falla y el Flamenco Por Martín Goyburu

El Ballet Hispania bajo la dirección de Graciela Ríos Saiz, rindió un merecido homenaje a Manuel de Falla en su doble aniversario, los sábados de agosto en el patio central del hispánico Museo Larreta Graciela Ríos Saiz tomó esta fecha tan especial para recordar a Manuel de Falla en su doble aniversario: “En el año 2016 lo recordamos porque nació, en Cádiz, en 1876, hace 140 años, y murió en la Argentina en 1946, hace 70”. Un espectáculo íntimo con excelente manejo del espacio escénico.

Ya al ingresar a la sala el aroma a incienso, las luces tenues y la distribución de las butacas en semicírculo introducían al espectador al mundo flamenco en lo que sería el punto de partida del espectáculo integrado por cante, baile y guitarra. La exquisita voz lírica de Julieta Schena, deleitó al público a lo largo de todo el espectáculo con breves intervenciones, a veces en solitario, otras junto al cantaor Carlos Soto Lopez -de gran sensibilidad interpretativa- y también interactuando con las bailarinas (Bonansea Ríos, Noelia Deluca, Laura Garrido, María Eugenia Seijo y Paula Suarez). En guitarra Manolo Yglesias es un entendido

34 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

en su metier, como lo es Graciela Ríos Saiz cuando hace música con sus castañuelas.

A lo largo de la noche las bailarinas del Ballet Hispania, con impecable vestuario, y coreografía de la directora junto a su hija Natalia Bonansea Ríos, conquistaron a la audiencia con diferentes cuadros. Bonansea Ríos se encuentra en un punto alto de su baile con gran madurez escénica, Laura Garrido de potente zapateo y gran temperamento, María Eugenia Seijo de fuerte presencia y hermosos brazos y Paula Suarez, sensual y pasional en la Danza del Fuego.

La noche culminó bailando por Bulerías, cuadro en el que se sumó la quinta bailarina, Noelia Deluca. __BD

Un espectáculo íntimo con excelente manejo del espacio escénico Foto . gentileza de la producción

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Ex Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Ex Coach personal de Maximiliano Guerra

Danza Clásica Principiantes · Intermedios · Avanzados Niños · Adolescentes · Adultos Asesoramiento para Profesionales Tel: 6010-4559 · gabrielapucci@fibertel.com.ar SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 35

E N T R E V I S TA

Resurgimiento de CoCoA Por Laura Lifschitz

Reconocidísima bailarina, maestra y coreógrafa con cuarenta años de trayectoria, hija del célebre artista plástico Gyula Kosice, Vivian Luz recibió a Balletin Dance para dialogar sobre su nuevo rol en CoCoA, que propone un ciclo de espectáculos en septiembre en el Centro Cultural Recoleta y la convocatoria -entusiasta pese a la situación económica local- para el próximo Festival Internacional de Danza Independiente 2017 Desde hace cuarenta y cinco años Vivian Luz pertenece al mundo de la danza. Forma parte de Coreógrafos Contemporáneos Asociados (CoCoA Datei) desde su creación, hace casi veinte años. En su nueva gestión, la institución la tiene como secretaria, bajo la presidencia de Carla Berdichevsky.

¿Qué desafíos se han planteado en esta nueva gestión?

Asumimos en diciembre de 2015, con la idea clara de convocar a mucha más gente que se había perdido en los últimos años.

Porque necesitamos membresías y un compromiso fuerte de los bailarines. En CoCoA se trabaja ad honorem, somos una asociación sin fines de lucro. Lo que se recauda cubre lo administrativo y cachets de los festivales, el dinero recibido a través de subsidios ha sido repartido siempre para cachets de artistas. Así también trabajo en mi propia compañía. Nunca hay plata para mí. Yo acepto la tarea de producción y el placer que me da estar con la gente que trabaja gratis. De hecho, nuestro único bien en este momento es un tapete donado por la Fundación Antorchas que cedemos cuando se solicita. Pero necesitamos tener sede administrativa propia, y ni qué hablar de la posibilidad de alcanzar algún día una sala o teatro propio.

Nuestro desafío actual es fusionarnos las distintas generaciones.

Por eso la propuesta del ciclo en Recoleta: mostrar desde los nóveles hasta los consagrados que no tienen necesidad de bailar, pero que colaboran. Nosotros queremos recuperar los espacios de la danza, como ha sido la Capilla del Recoleta. No sólo pensamos en fusionar diferentes edades de los coreógrafos, sino estilos: lo que yo llamo “egrégoras”. A veces hay burbujas en que nadie se toca con nadie, nadie está interesado por el otro salvo para chusmear o ver la crítica. Y la verdad es que somos muchos y tenemos poco poder. En materia de subsidios, por ejemplo, la danza sigue teniendo monedas al lado del mundo del teatro.

Entonces hay que visibilizar la danza contemporánea actual, con performances, e incluyendo la investigación. Comenzamos con el ciclo de espectáculos en el Centro Cultural Recoleta y ense-

36 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

Con más de cuatro décadas en la danza, Vivian Luz pone todo de sí para la nueva gestión en CoCoA Foto . Carlos Vizzotto

guida nos abocamos a la organización del Festival Internacional de Danza Independiente (FIDIC 2017), para el que estamos hablando con el programa Iberescena que nos apoyará.

Sin participación activa de los miembros no existe CoCoA Exactamente. Me gustaría que la gente joven se acerque a CoCoA como cuando lo hice yo, pidiendo estar, cuando estaban Margarita Bali, Roxana Grinstein, María José Goldín. Ésta es una época que se viene muy difícil, con teatros que cierran, con

poco apoyo del Estado y que va a ser peor en los próximos años. Yo me siento muy joven, como que estoy militando en esta etapa de mi vida. Es un momento que así lo requiere.

¿Cómo será la temporada en el Centro Cultural Recoleta?

Es un ciclo integrado por obras de 24 coreógrafos dentro del programa Sub30, los sábados y domingos en el Auditorio El Aleph (la Capilla), desde el 24 de septiembre hasta el 23 de octubre. Desde Ana Kamien hasta el pequeño que acaba de ingresar a la Universidad Nacional de las Artes (UNA), todos van a tener el mismo cachet y será con entrada gratuita para el público. Van a estar Silvina Grinberg, Gerardo Litvak, Gabriela Prado, Analía González, Teresa Duggan, Rhea Volij, Blanca Rizzo y Leticia Mazur, entre tantos otros.

Abrir CoCoA a mayor cantidad de gente, ¿tiene que ver con la diversificación de entidades destinadas a visibilizar los reclamos en el campo de la danza?

Sí, por eso tenemos delegados en cada uno de los grupos nuevos que han surgido. A través suyo vamos a Prodanza, al Instituto del Teatro y a festivales, para hablar de nuestras inquietudes. Fuimos al congreso, apoyamos a Mariela Ruggeri (proyecto de Ley Nacional de Danza), al grupo de Diana Szeinblum. La convocatoria a los ciclos es nuestra manera de estar en la sociedad, por eso necesitamos los subsidios.

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¿Cómo ve la danza contemporánea argentina?

Por un lado, es un campo muy rico. Pensar en un bailarín de las condiciones actuales, por ejemplo el grupo de Pablo Rotemberg o el de Analía González (casos excepcionales y maravillosos), en mi época era impensable. Pero, en otros casos, se está muy en el cuerpo, se está muy desinformado. Es necesario también poder hablar de conceptos, de literatura, de otras artes, que es parte del colchoncito. Hay que cultivarse, el trabajo no puede ser solo corporal. Y no necesariamente eso tiene que aparecer en las obras, pero suma. Por otra parte la danza es todo: danza es hip hop y danza es Tinelli. No es para ponerse de un lado o del otro, son distintas manifestaciones. Estar en orillas distintas del arte está bueno y si hay que pelearse, también está bueno.

Pero hay que pelearse por ideas, en paridad, no por quién es más célebre. Por suerte las nuevas generaciones están más en la horizontalidad. ¿El próximo paso es motorizar el FIDIC 2017?

Exactamente. El festival tendrá lugar del 8 al 23 de septiembre de 2017 y ya pueden consultarse las bases en https:// cocodadatei.wordpress.com/fidic-2017/ __BD SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 37

actualidad

Danza Aérea Llega el primer Festival de Danza Aérea de Buenos Aires, organizado y creado por Brenda Angiel La pionera de la danza aérea a nivel mundial, propone del 16 al 18 de septiembre, por primera vez, un encuentro con talleres de danza aérea y muestras junto a la actuación de su compañía, en su propia sala Aérea, del barrio de Almagro.

La Compañía de danza aérea que dirige Angiel, presentará fragmentos del aclamado espectáculo 8cho de tango aéreo, que se ha presentado en prestigiosos festivales de Estados Unidos, Colombia, Rumania y Rusia, entre varios otros. __BD Podrán verse fragmentos de 8cho. En la foto una puesta del año 2012 Foto . Mauro Dann

C

Gira Nacional e Internacional La Compañía Nacional de Danza Contemporánea emprende este mes una gira nacional y en octubre otra internacional La tournée llevará al elenco nacional a Corrientes, Chaco y Tucumán, del 10 al 18 de septiembre, donde actuarán en el Teatro Juan de Vera (11), el Complejo Cultural Centro Chaqueño (14) y el Teatro San Martín (16), respectivamente. Allá llevarán las obras 8 Pies del coreógrafo Ramiro Soñez y Río Conmigo de Diego Franco, además de dictar seminarios gratuitos.

Del 3 al 14 de octubre, el elenco dirigido por Margarita Fernández y Lorena Merlino, actuará en el 10º Festival Internacional de Ballet de Cali (Colombia) con cuatro funciones en el Teatro Municipal Enrique Buenaventura, Plazoleta Confenalco, Plazoleta Coomeva y Los Cristales, con Tensión Espacial de Jae Duk Kim y Río Conmigo.

A continuación la CNDC viajará a Bolivia donde fue invitada a participar de la quinta edición del Festival Encuentro Internacional de Danza Contemporánea Danzenica, organizado por Sylvia Fernández y Diego Guantay, con actuaciones en Santa Cruz de la Sierra y en La Paz, con las obras Tensión Espacial, Río Conmigo y 8 Pies. __BD 38 .. BALLETIN DANCE .. SEPTIEMBRE 2016

Tensión Espacial Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación

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AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 39 encuentrodanzarporlapaz

40 .. BALLETIN DANCE .. SEPTIEMBRE 2016

Música y Danza para el 2x4

actualidad

El grupo musical Amores Tangos, se presentará en el templo de la Comunidad Amijai, del barrio de Belgrano Con la participación de la pareja de bailarines Hugo Patyn y Celina Rotundo, el programa combinará composiciones propias y clásicos. Tangos, milongas y candombes, desde un enfoque alegre y festivo, que rescatan la vieja tradición de las orquestas bailables.

Con Jose Teixidó (guitarra y dirección musical), Nicolás Perrone (bandoneón), Juan Tarsia (piano), Sebastián Noya (contrabajo), Augusto Argañaraz (batería), y la participación de Leandro Falótico (canto), la noche se promete como un espacio de ameno esparcimiento, de alta calidad. Jueves 15 de septiembre, 20:30 hs. Reservas anticipadas: 4784-1243. __BD

Tango Informal Foto . gentileza de la producción

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SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 41

C O M E N TA R I O

Ligero, Lúdico, Lóbrego Por Román Ghilotti

Entre las diversas características que pueden señalarse al baile, la levedad, el juego y lo sombrío constituyen tres de las más representativas

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín (BCTSM), dirigido por Andrea Chinetti, con codirección de Miguel Ángel Elías, presentó un nuevo programa en el Auditorio de Belgrano con dos estrenos, Vibraciones de Elizabeth de Chapeaurouge y Cuál es Quién de Carlos Casella, y una reposición, Chopin Número 1 de Mauricio Wainrot (de 2010).

En Vibraciones, de Chapeaurouge despliega, con un lenguaje sostenido en el jazz, la liviandad y lo volátil del baile de grupo.

Las chicas, de floreados y amplios vestidos (Renata Schussheim) se contraponen a los chicos, de atuendos más sobrios, y en conjunto sostienen dinámicas que hacen de la fluidez del movimiento la marca que plantea lo vibrante. Nadie “vibra” concretamente, ya que no se trata de oscilaciones en torno a ejes. Pero, con algo de género musical, todo propende a resonar y palpitar en lo grupal. Se manifiestan así estados que tocan la euforia, con arrebatos amorosos o furias, con alegría o eficacia.

Melancólico Chopin Número 1 Fotos . Alicia Sanguinetti

42 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

Casella hace, con su Cuál es Quién, un recorrido que muestra facetas de deseo y algo de goce. Como un manual básico sobre qué persigue el apetito entre cuerpos, sea concupiscente o ideal, el trabajo muestra relaciones de la avidez, a veces escópica, otras de contacto, algunas de desafío. Estas relaciones, como ingredientes de pujanza visual, acechante y dominadora, persiguen, con un aparente sesgo descontracturado, aunque disciplinadamente, el alcance de goces que no terminan de ponerse en marcha como tales. Esto, asociado a los juegos con canciones populares que utiliza como recurso el coreógrafo, construyen recreaciones a modo de un largo divertimento.

Una entrada algo más adusta, romántica en sentido fuerte respecto del movimiento estético, aunque en un lenguaje neoclásico, es la instancia sobre la que compone Wainrot su Chopin Número 1, (sobre el Concierto Nº 1 Para Piano y Orquesta de Frédéric Chopin). Vestuarios simples y negros con detalles azules (Mini Zuccheri), la música de Chopin y sextetos, tríos y dúos en acción. Lo que domina es la forma asociada a la partitura, pero una forma que pone a las claras, aunque parezca contradictorio, los oscuros devaneos o contenidos expresivos de los cuerpos en movimiento. Más allá de que sea una pieza

Alegre Vibraciones

Arbitrario Cuál es Quién Foto . Alicia Sanguinetti

no argumental, el propio tratamiento de las secuencias y dinámicas “cuenta” texturas y desarrollos de la vena romántica de la música en un logrado discurso solidario en dúo.

En función, con notable solidez y eficacia, la compañía transitó las disímiles propuestas, destacándose en particular los dúos de Sol Rourich y Benjamín Parada (Vibraciones), Paula Ferraris y Adriel Ballatore (Cuál es Quién) y Victoria Balanza y Rubén Rodríguez (Chopin Número 1).

La performance de los bailarines sobre lo ligero, leve y alegre de Vibraciones, lo lúdico, arbitrario y jovial de Cuál es Quién y lo lóbrego, melancólico y patético de Chopin Número 1 hacen, de este programa del BCTSM, una propuesta rica en su variedad y ejecución. __BD

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C O M E N TA R I O

Coreógrafos Emergentes Por Jessica Zilberman

La obra Sizigia, ganadora del concurso Jóvenes Coreógrafos de la Fundación Julio Bocca, fue presentada junto con Flyplats los domingos de julio en Viceversa Arte en Convivencia. Balletin Dance dialogó con sus directores La entrega hacia la danza contemporánea, la condición de coreógrafos emergentes y una amistad, son algunas de las cosas que tienen en común el director de Sizigia, Nicolás Miranda, y su colega creadora de Flyplats, Sabrina Wehner.

La sala completamente a oscuras dio inicio a Sizigia, el relato bailado de un eclipse solar, cuya puesta de luces de diversos colores ocupó un lugar fundamental. Se trata de la primera pieza dirigida por el formoseño Nicolás Miranda (con asistencia de Matías Mancilla) que creó, para exponer en la edición 2015 del Concurso Jóvenes Coreógrafos de la Fundación Julio Bocca, donde resultó ganador. “Estar apadrinados por la Fundación para mí fue súper importante”, explicó el artista, que además es integrante de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea.

El bailarín reveló a Balletin Dance que, debido a la escasez de tiempo que disponía para presentar el proyecto, ideó el boceto mientras viajaba desde Buenos Aires para trabajar en el Teatro Argentino de La Plata. De allí que uno de los elementos que componen el espectáculo sea un árbol, inspirado en los sauces que están ubicados al lado de la autopista. En esos días, además, estaba leyendo un libro que hablaba sobre unos hermanos mellizos, en el que uno representaba al sol y el otro a la luna. “Eso para mí fue un disparador”, dijo el director que junto con la bailarina Verónica Bozzano interpretó su propia creación. “Con Verónica nunca habíamos bailado juntos, nos fuimos conociendo en el proceso de montaje. Entonces, hubo mucha improvisación que, por suerte, ni bien aparecía quedaba, porque no queríamos que perdiera su esencia”, detalló.

Uno de los requisitos para poder concursar, era que la performance no fuera muy extensa. Por lo tanto, Miranda decidió estrenarla en una función compartida con Flyplats (que ya había debutado en la primera edición del Festival Verba, en febrero de este año). “Yo también tenía una pieza corta, entonces de alguna manera era una fusión perfecta”, recalcó la directora y coreógrafa de esa obra, Sabrina Wehner, que es primera bailarina del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín (compañía de la que también forma parte la asistente de dirección, Erika Zimmermann).

Por otro lado, integró el Balletto di Milano en Italia y el Ballet Víctor Ullate en España. “Siempre tuve la suerte de poder vivir de

Sabrina Wehner: “…dejar todo lo que ya tenía asegurado…”

Foto . Luciana Benosilio 44 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

esto”, señaló la joven que desde los doce años viaja por el mundo gracias a la danza. Por consiguiente, atravesó muchas situaciones dentro del aeropuerto, escenario donde transcurrió Flyplats (que significa, justamente, aeropuertos). “En todos esos momentos en los que yo estaba sola, tomando esa decisión de irme y dejar todo lo que ya tenía asegurado, me encontraba con muchas emociones que intenté reflejar en la pieza”, relató a esta revista.

Su trabajo fue interpretado por el grupo Covar (Compañía de Varones de Argentina), conformado en esta ocasión por Francisco Morán, Rodrigo García, Maximiliano Castasegna, Armando Ressi y Gonzalo Santander. “El sexo masculino tiene algo que a mí me atrae mucho a la hora de componer”, confesó y continuó: “tiene una energía que a mí me llama la atención”. Cada intérprete encarnó diversos estados emocionales, pero particularmente, uno de ellos que personificó a la impotencia, dejó atrás

sus limitaciones y pegó un grito de liberación, además de haber ido quitándose la ropa durante la función. “En el transcurso él se va despojando de mucha carga”, comentó Wehner al respecto.

Contrariamente, en Sizigia, Bozzano comenzó su interpretación con el torso desnudo y se fue vistiendo, maquillando y cambiando de vestuario en escena. “Nos parecía muy poético ver cómo ella se iba trasformando en esa mujer, que representándose a ella misma, simultáneamente, representaba al sol. Porque nunca dejamos de ser Vero y Nico en esta historia”, expresó Miranda.

Mirada y Bozzano bailaron juntos por primera vez en Sizigia Foto . Matias Villalba

“Uno llega a la vida así, despojado de muchas cosas y esa escena representa su nacimiento”, finalizó.

Dos relatos de contenido muy diverso, ligados a las vivencias de sus creadores, quienes a través de la danza contemporánea, contaron historias. __BD

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E N T R E V I S TA

El Arte de Bailar la Arquitectura Por Fátima Nollén

La performance Historical Dances in an Antique Setting creación del artista plástico argentino Pablo Bronstein, a comisión especial de la galería de arte británico Tate Britain.

Un honor que indica por qué es el artista del momento en Londres. En diálogo con el creador Balletin Dance pudo saber sus próximas actividades Tres bailarines con mallas negras, blusones rojos y enormes perlas blancas entran en las galerías Duveen, corazón de la Tate Britain y se desplazan con delicados movimientos, jugando con arabescos trazados en el piso a modo de jardines palaciegos y asumiendo poses barrocas que recuerdan pinturas de personajes de otra época. El público los sigue sorprendido en su desplazamiento por las tres secciones del enorme espacio. Es una galería de arte pero es danza lo que están viendo, y se vuelve vivaz en el punto central bajo la cúpula, donde música española del siglo XV acompaña un solo. La coreografía usa la “sprezzatura” o el arte de la elegancia del cuerpo, según definición de Baldassarre Castiglione (s XVI), en el que reverencias, quiebre de muñeca y amaneramiento eran esenciales a la cultura renacentista. Así como pararse con los pies en-dehors.

Esta performance en vivo continuada, Historical Dances in an Antique Setting es creación del artista plástico argentino Pablo Bronstein, a comisión especial de la galería de arte británico.

Un honor que indica por qué es el artista del momento en Londres. Durante cinco meses hasta el 9 de octubre y en seis horas

46 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

por día, veinte bailarines entrenados especialmente en danzas barrocas y sprezzatura, se rotan para materializar la idea estética de Bronstein, que hace diez años usa la danza para expresarse en sus obras. Es un trabajo de gran escala y repercusión en los medios de difusión que se estima habrá sido visto por 650 mil espectadores al cierre.

Dos facsímiles gigantes con las fachadas de la Tate enmarcan las Duveen, como si hubieran dado vuelta el museo de adentro hacia afuera.

Balletin Dance entrevistó en exclusiva a Bronstein cuya idea fue “mostrar el museo como teatro, la gente como actores y la arquitectura como algo inherentemente artificial. Los bailarines reflejan a los visitantes del museo de forma idealizada y estilizada usando lenguajes del ballet temprano, el neoclasicismo, de imágenes en pinturas y de la coreografía barroca. Son a la vez esculturas en movimiento y personas”, explica el artista.

Bronstein encontró parecidos entre el dibujo (su especialidad profesional) y un bailarín desplazándose en líneas sobre el piso.

“En un manual de danza del s XVII vi que las ilustraciones de un minuet, sus pasos y desplazamientos, eran sólidas instrucciones arquitectónicas, pero con la diferencia de que en la coreografía de la página se aludía a los tiempos”, comenta.

Tres bailarines usan la sprezzatura, con arabescos trazados en el piso, y la fachada de la Tate Britain dada vuelta Foto . Brotherton/Lock

demanda emocional de bailar en un ambiente a veces indiferente”. Abundan conversaciones grupales, entrenamiento visual en gestos de época y con especialistas en historia de la danza como preparación.

“El trabajo es colaborativo”, dice Bronstein, “el punto estético justo es mi decisión. Los bailarines luego deben transformar el material en algo con lo que puedan trabajar desde la técnica”, afirma.

Diseños para un ballet Este año, el argentino parece estar en todas partes en Londres ya que fue elegido para diseñar escenografía y vestuario del nuevo trabajo del Ballet Rambert por sus 90 años: The Creation (Baldwin-Haydn) que sube al Saddlers Wells en noviembre.

La colaboración artista-ballet no es nueva. Basta pensar en duplas como Picasso-Ballets Russes o Martha Graham-Isamu Noguchi.

¿Estudió danza, cómo llegó a usarla siendo artista visual?

Sólo tomé clases seis semanas pero como me gritaban mucho porque la posición de mis brazos y dedos eran muy afeminados, lo dejé. El profesor quería que bailara más macho, un imposible para mí, dice con humor. Siempre me fascinó la sprezzatura, las formas amaneradas de los movimientos considerados elegantes en el renacimiento. Como no soy experto en danza me llevó diez años aprender a comunicarme con mis bailarines. Veo mucha danza y tengo la suerte de una carrera exitosa con instituciones artísticas que si piden a instituciones de danza que trabajen conmigo me reciben bien. La primera vez que hice algo con el museo de Munich y miembros del Ballet Estatal de Bavaria no tenía idea de lo que quería. Pero sí tenía la vanidad suficiente para actuar como si supiera”, cuenta.

La Tate Modern, el ICA y el Metropolitan de Nueva York también hospedaron sus trabajos.

En el proceso coreográfico trabaja hace tiempo con Rosalie Wahlfried, una de las bailarinas de Historical Dances, quien traduce su mundo de imágenes y elige los bailarines: “ni muy de ballet, ni muy contemporáneos y capaces de lidiar con la

El Ballet Rambert celebra 90 años con The Creation, que se estrenará en el Saddlers Wells en noviembre Foto . Johan Persson

Cómo fue trabajar con el coreógrafo y director Mark Baldwin en vez de hacerlo directamente con los bailarines?

Mi rol con el Ballet Rambert estuvo estrictamente definido como el de diseñador y como tal, relacionado a mi interés en la historia de la arquitectura y la escenografía. Descubrí el poder del escenógrafo en un trabajo de gran escala. Mi desafío fue hacer que una gran orquesta, coro y una compañía de danza numerosa compartieran escenario al mismo tiempo. La orquesta debía verse y escucharse bien, sin arruinar la coreografía porque el público desvía la atención de un bailarín a un músico haciendo un movimiento inesperado. Por lo que se me ocurrió hacer una pantalla perforada que divide dos mundos espacialmente pero permite ver la orquesta por el efecto de iluminación. ¿Lo haría de nuevo?

El trabajo fue bien recibido, pero no lo haría de nuevo porque no soy buen colaborador. Necesito sentir que soy el autor total para llenar mi gran ego -sentencia sonriendo-. Aquí sentí que proveía un servicio. ¿Tiene un próximo proyecto con danza?

Sí, haré una película explorando el rol del personaje pero no quiero una narrativa de pantomima. Creo que lo haré en mi casa que es bastante barroca, trabajando con una bailarina española que está actuando en Historical Dances, Margarita Zafrilla Olayo. Es capaz de improvisar e incorporar diferentes tipos de danza que lo hagan sentir bien sprezzatura. Ir del barroco italiano, pasar por Balanchine y terminar con flamenco. Y si suena un poco kitsch, es porque yo lo soy. __BD SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 47

Dirección: Rakhal Herrero. Colaboración artística: Celia Argüello Rena.

Intérpretes: Matías Gutiérrez y Rakhal Herrero. Viernes 21 hs. Centro Cultural Recoleta, Sala Capilla (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Burlesque Baires Autor, director y coreografías: José Calandrón. Elenco: Lucía Milone, Claudio Favieri Tanoni, Diego Olivera, Gaston Mazo, Belen Demolli, Paola Chiodi y Dieggo Micheli. Sábados 23 hs. Teatro El Vitral (Rodríguez Peña 344, Tel: 4371-0948).

Ciclo Cancha ¿Hacia dónde van las artes performativas? Organiza: Area de Artes Escénicas.

Curaduría: Sabrina Cassini y Belén Charpentier. Obras de: Jair Jesús Toledo, Paula Baró y Cristian Cutró, Joao Marcelo Iglesias y Elisa Gagliano, entre otros. Hasta el 15 de septiembre, 19:30 hs y 22 hs. Club Cultural Matienzo (Pringles 1249, Tel: 6610-1520).

Cinelandia Guión y dirección: Alfredo Arias. Texto: René de Ceccatty. Música: Diego Vila. Elenco: Fanny Bianco, Carlos Casella, Marcos Montes, Adriana Pegueroles, Alejandra Radano y Nahuel Bazán. Teatro de la Ribera (Avda. Pedro de Mendoza 1821, Tel: 4302-1536).

Foto: Gustavo Di Mario

Danza Sub 30

Gurisa

Sábados 21 hs: Día 1 de y por Juan Jesús Guiraldi. 22 hs: Cromática de Camila Florines interpretada por Florencia Alonso, Paz Corinaldesi, Sofia Arevalo y Gonzalo Rojas Hoffens.

Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 49533556).

Dirección: Toto Castiñeiras. Coreografía: Valeria Narvaez. Elenco: Juan Azar, Francisco Bertín, Nicolás Deppetre, Marcelo Estebecorena, Pablo Palavecino y Fred Raposo. Viernes 23 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Foto: Lucas Schlott

cartelera

Basura

Desparpajo. Sucio Sin Fin Compañía de Danza Asiere. Dirección y coreografía: Sandra Medina. Intérpretes: Adriana Lanteri, Carolina Villa, Daniela Beron, Florencia Poma, Gina Muerza, Jenifer Ferraro, Mariano Damonte y Melina Forte. Sábados 21:30 hs. Mimoteatro Escobar-Lerchundi (Defensa 611, Tel: 4342-9411).

El Paraíso Perdido

Martes de Danza

Dirección: César Brie. Actúan: Micaela Sol Carzino, Sofía Diambra, Sebastián Gui, Iván Hochman, Gabriela Ledo González, Florencia Michalewicz, Ignacio Orrego, Abril Piterbarg, Liza Taylor, Manuel Tuchweber y Guido Napolitano. Domingos (septiembre y octubre) 17 hs. Sala Santos 4040 (Santos Dumont 4040, Tel. 4554-6353).

13 y 20: Del Límite Popular. Compañía de Arte Buenos Aires dirigida por Luciano Garbuio. 27 de septiembre y 4 de octubre: Paisajes. Agrupación Folklórica Tierra Adentro dirigida por Mario Martínez. Martes 20 hs. Centro Nacional de la Música y la Danza (México 564).

Mujer Hermosa Se Ve Por Allá De Diego Brienza. Coreografía: Maia Menajovsky. Actúan: Daniel Aizicovich, Marcelino Bonilla, Diego Brienza, Sofía Ciravegna, Malala González, Claudia Mac Auliffe, Lucila Madeo, Enrique Dumont, Celia Iribarne, Maia Menajovsky, Guillermo Pier y Analía Sánchez. Viernes 23 hs.

Anfitrión Teatro (Venezuela 3340, Tel: 4931-2124).

Proyecto Urgen Extraños en el Interior

Como Si Pasara Un Tren Escrita y dirigida por Lorena Romanin. Coreografía: Juan Branca. Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso. Viernes 12 hs y domingos 17 y 19 hs. El Camarín De Las Musas (Mario Bravo 960, Tel: 48620655).

48 .. BALLETIN DANCE .. SEPTIEMBRE 2016

Compañía Codanz. Dirección: Juan Cruz Argento. Coreografía: Yeika Díaz y Juan Cruz Argento. Elenco: Daniela Torrillas, Julieta Marino, Evelyn Tagliabue, Ailin Dieguez, Camila Diaz, Macarena Funes, Eric Alcota Ossandon, Daniel Moschini, Leiza Puchini, Agostina Di Sanzo, Elias Catriel Millan, Rocio Vibbo, Emilia Degano, Antonella Del Percio, Daniel Sciarrone, Antonella Ahumada, Cristian Aguilera y Sonya Pineda. Viernes 2, 9 y 16, y sábado 24, 22 hs. Espacio G104 (Gascón 104, Tel: 15-5023-4377).

Dirección y coreografía: Laura Mesigos y Josefina Enrico. Elenco: Josefina Brandauer, Candelaria Iocco, Martina Baskt, Macarena Bravi, Liala Dipace, Lucía Kern y María Sol Albente. Sábados 21 hs y 22:30 hs. El Sábato Espacio Cultural (Uriburu 763 21 hs, Tel: 4374-4448)

AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 49

Balletin Dance Balletin Dance Ediciones, estará este mes en las Ferias Internacionales del libro de Mendoza, Córdoba y Neuquén Neuquén. Del 2 al 11 de septiembre podrás encontrar todos los libros editados por Balletin Dance en la Feria del Libro de Neuquén.

El encuentro que llega este año a su cuarta edición, se realizará simultáneamente en varias sedes de la ciudad, con entrada gratuita. Buscanos en el Stand de la Cámara Argentina del Libro (CAL).

Mendoza. Balletin Dance participará también en la Feria del Libro de Mendoza, que se realizará en el Espacio Le Parc, del 9 al 25 de septiembre. Con entrada gratuita, los visitantes podrán acercarse de lunes a sábados de 10 a 13 hs y de 16 a 22 hs, y los domingos de 16 a 22 hs. La Feria propone más de cuatrocientas actividades, además de la venta de ejemplares, entre las que se mencionan presentación de libros, charlas y mesas redondas, entre otras.

Agustina Llumá, editora de Balletin Dance disertará sobre La Danza Escrita, y realizará una donación de todos los libros de su catálogo a la Escuela de Danza provincial, el lunes 12 de septiembre.

Córdoba. Por otra parte, del 8 al 26 de septiembre, esta editorial estará presente en la XXXI Feria del Libro de Córdoba, que se realizará en el Cabildo y Plaza San Martín. Los interesados podrán acercarse de lunes a sábados de 11 a 22 hs y los domingos de 15 a 22 hs, siempre con entrada gratuita. Encontrarás todos nuestros libros en el Stand de la Cámara Argentina del Libro (CAL).

50 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Graciela Ríos Saiz, Ballet Hispania, Manolo Yglesias y Carlos Soto López.

Sábados 20 hs. Museo Larreta (Av. Juramento 2291, Tel: 4784-4040).

Quien nos Quita lo Bailado Compañía Ballet 40/90. 20º aniversario. Dirección: Gabi Goldberg.

Viernes 20:30 hs (hasta fines de noviembre). Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

Sola Dirección: Ana Azcurra. Montaje Coreográfico: Carola Diehl , Julieta Sciancalepore y Ana Azcurra. Intérpretes: Sol Gilgorri, Mariana Conci, Pilar de Santadina y Marina Cachan.

Sábados 23hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

Eva Iglesias, Mariano Manzella y Mariela Moreno. Viernes 21 hs. Distal Café Concert (Junín 1725, Tel: 32209484).

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Foto: Sabrina Burgos

Las Noches de Eva

¡Ay! Eva Yerbabuena, Paco Jarana, Enrique El Extremeño, Juan José Amador, Alfredo Tejada, Vladimir Dimitrenco y Antonio Coronel. 23 y 24 de septiembre 21 hs. Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222, Tel: 4381-0662).

De Jerez a Buenos Aires Soraya Clavijo, Manuel Sosa, Eugenio Romero, Alvaro González, Melisa Picón, Laura Ramos y Julieta Dibidino. 30 de setiembre 21 hs. Teatro El Vitral (Rodriguez Peña 344, Tel: 4371-0948).

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Foto: Florencia Trincheri

Pastora Galván, Flavio Rodrígues, Eugenio Romero y Maxi Serral, entre otros. 4 y 5 de octubre 21 hs. El Perro Andaluz (Bolívar 852, Tel: 4361-3501).

Foto: Luis Castilla

Solos Dirección: Carlos Veiga. Coreografía: Veiga & Cía. Con Alejandra Simones, Luis López Morera, Diego Bros, Lucila Alves, Cristian Zabala, Rosana Bonetto y Juan González.

Sábados 21 hs (hasta el 10 con posibilidad de continuar). El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

Flamenca en Buenos Aires / Por Gabriel Vaudagna Arango

Falla y el Flamenco

Compañía Danseur. Dirección: Victoria Mazari. Elenco: Candela Baceda, Marlene Asulay, Maria Clara Segura, Leticia Galantini, Virginia Quiñones, Ezequiel Ysnardes, Leonel Cirelli y Victoria Mazari. Jueves 23 hs. Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

Foto: Sabrina Burgos

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Placebo

SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 51

INTERNACIONALES | FRANCIA

Un Festival “pop” y Experimental Por Micaela Del Torto

La 17º edición de la Bienal de la Danza de Lyon (Francia) se llevará a cabo del 14 al 30 de septiembre y está destinada a un público amplio y diverso. Su directora artística relató a Balletin Dance cuál es el hilo conductor de la programación de este año, quiénes son los artistas que intervendrán y en qué contexto se inscribe la creación de obras actuales que fueron seleccionadas

“…La insignia de esta bienal es el encuentro entre el placer y el sentido”, epxresó Dominique Hervieu Foto . Stéphane Rambaud

52 .. BALLETIN DANCE .. SEPTIEMBRE 2016

El programa del festival cuenta con 37 espectáculos -de los cuales 23 son nuevas creaciones o estrenos-, pero también habrá lugar a conferencias, debates, talleres de danza gratuitos y una gran exposición sobre la historia de la danza titulada Corps Rebelles (Cuerpos Rebeldes) que será presentada en el Musée des Confluences hasta el 5 de marzo de 2017.

Como el año anterior, el encuentro pone el foco en el diálogo entre la danza “culta” y la danza “popular”. Si durante mucho tiempo esta última fue marginada y considerada como ilegítima a nivel estético y artístico, hoy en día la realidad es otra y un gran número de creaciones contemporáneas hacen referencia a las danzas tradicionales, las danzas urbanas o el cabaret, sobrepasando la simple citación o transposición para dar lugar a nuevas poéticas y universos sensibles.

Dominique Hervieu, directora artística de la Bienal de la Danza de Lyon, señaló que el gran desafío del festival consiste en sorprender a un amplio público: “Hay que transmitirle a los espectadores el placer de ser curiosos y de descubrir”. En efecto, la dimensión del placer está muy presente en esta nueva edición, tanto para el público como para los creadores que reivindican la noción de placer estético del movimiento

Desfile de cierre de la Bienal 2014, imaginado por Dominique Hervieu y los coreógrafos de trece grupos, acompañados en vivo por los trescientos músicos de SambaSax Foto . Stéphane Rambaud

en sus obras. Una idea que en los últimos años pareciera haber sido dejado de lado por los artistas, dando lugar a obras puramente conceptuales. A propósito de esto, Dominique explicó: “Luego del necesario período de reflexión crítica sobre la historia de la danza en los años 2000, los autores recobraron una forma de glotonería, de libertad, de relación al juego, al recitado, a la emoción… La insignia de esta bienal es el encuentro entre el placer y el sentido”. Y agregó: “Pienso que este período de los últimos cinco años devolvió a los coreógrafos la escritura coreográfica y la búsqueda de un movimiento que nos hace bien. ¡Más que el concepto, es el hombre quien baila y se encuentra en el centro de las obras!”.

Este año varios coreógrafos fueron invitados por primera vez y otros, a los que la bienal se mantiene fiel como Israel Galván, Alain Platel y Jan Fabre, estarán de regreso. La programación cuenta con muchas sorpresas: El Grupo Acrobático de Tanger

Battle of Styles, creado en 2015, será estrenado en Francia en el marco de la Bienal de Lyon Foto . Christoph Seidler

estrenará Halka, su primera pieza firmada como autor y que hace referencia a los orígenes de la acrobacia marroquí. El musical Volver de Jean Claude Gallotta y Olivia Ruiz que evocará la cuestión de la pertenencia a dos culturas. La reciente versión neo-clásica de La Bella y la Bestia por el Malandain Ballet Biarritz. La última creación de Christian Rizzo, Le Síndrome Ian, que asocia el clubbing con la figura mítica de Joy Division. Rules of the Game de Jonah Bokaer en la que el coreógrafo americano de la abstracción colabora con el famoso cantante pop Pharell Williams; entre otras. También habrá una batalla de estilos entre cuatro equipos: Dos de ellos, Saxonz y Pockemon Crew, reúnen a bailarines de hip-hop, mientras que los otros dos equipos son compuestos por bailarines de danza contemporánea y neoclásica (uno cuenta con ex-integrantes de la Compañía de William Forsythe, y el otro con bailarines del Ballet de Angelin Preljocaj). La idea de este espectáculo inédito en Francia consiste en mezclar a los bailarines con el deseo de que se produzca, poco a poco, una combinación de estilos.

El broche de oro del festival será el gran desfile coreográfico, que desde su creación en 1996, se convirtió en uno de los emblemas de la aglomeración y que es el más grande de Europa. El mismo cuenta con la participación de cinco mil bailarines amateurs que desfilan en las calles de la ciudad. Sin embargo este año, a causa de los últimos episodios terroristas que han golpeado al país, Dominique Hervieu no pudo asegurar que éste vaya a llevarse a cabo en el espacio público, como lo es habitualmente, ya que la decisión está fuera de sus manos. No obstante precisó que “se decida lo que se decida, con mis amigos coreógrafos haremos todo lo posible para que el Desfile viva, ¡aunque sea con otro formato!”. De una u otra manera, algo es seguro, esta nueva edición de la bienal promete. __BD

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Italia toda celebró el 20 de agosto, el 80º cumpleaños de Carla Fracci. La diva, ícono del ballet mundial, fue homenajeada en dos grandes teatros italianos, la Scala de Milán y el San Carlo de Nápoles. Además la web Gramiliano, publicó mensajes de feliz cumpleaños, de medio centenar de famosas bailarinas encabezadas por una del propio presidente de Italia.

Fracci ingresó a la Escuela de Ballet del Teatro alla Scala, en 1946, donde estudió con Esmée Bulnes y Vera Volkova, entre otros. Se graduó en 1954, y al año siguiente al reemplazar a Violette Verdy en La Cenicienta inició una carrera mundialmente magnánima. A la distancia temporal de aquel debut, la Prima Ballerina Assoluta dijo “… luego de tantos años de trabajo, de clases de danza, ensayos y funciones, estoy convencida que se debe tener algo innato que lleva a convertirse en bailarín”.

De la Casa Giuseppe Picone es el nuevo director del Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles, en Italia. Una comisión de expertos, integrada por Anna Razzi, Mauricio Wainrot y Eric Vu-An, ha sido la encargada de seleccionar, luego de un proceso largo y exigente al nuevo plantel directivo que se completa con Zubin Mehta (nacido en 1936) como director musical Honorario junto a Juraj Valčuha (nacido en 1976) como director titular musical.

Con la designación de Picone (nacido en 1976), se cumple el deseo del director artístico del teatro de tener el coraje de atreverse a apoyar a un joven talento italiano, napolitano de nacimiento y egresado de la Escuela de Ballet del Teatro San Carlo.

Carla Fracci de cumpleaños Foto . Notizie D’Abruzzo

brevesinternacionales

Feliz cumpleaños

Premiados El 31 de julio se realizó la entrega de los Premios Ballet 2000, en el Palacio de Festivales de Cannes, organizados por la revista italiana dirigida por Alfio Agostini, con una gala dedicada a Maya Plisetskaya. Esa noche se galardonó a Hans van Manen con el premio a la trayectoria y a los bailarines, Diana Vishneva (Mariinksy Ballet y American Ballet Theatre), Aurelie Dupont (nueva directora de la Opera de París), Sergio Bernal y Friedemann Vogel (Stuttgart Ballet), entre otros. El jurado estuvo integrado por Clemen Crisp, Alfio Agostini, Roger Salas y Anna Kisselgoff, decanos de la crítica especializada.

La revista Ballet 2000 fue fundada en 1980, y cuenta con una versión en italiano, otra en inglés y la tercera en francés, que se distribuye en toda Europa. En la gala participaron Osiel Gouneo, Anjara Ballesteros, Davide Dato, Viktoria Tereshkina, Vladimir Sklyarov y el Ballet de la Ópera de Niza.

Cubanía en Ravello En el marco de la 64ª edición del Festival Ravello de Italia, se realizó el 20 de agosto la gala Cubanía en el Ballet, en la terraza de Villa Rufolo, un escenario construido sobre el mar, como homenaje a la escuela cubana de ballet. La función reunió a los más destacados artistas cubanos que integran diferentes elencos: Ballet Nacional de Cuba [Anette Delgado, Sadaise Arencibia, Dani Hernández y Bárbara Fabelo], Compañía Acosta Danza [Luis Valle, Javier Rojas, Yelda Leyva y Julio León], Ballet Nacional de Noruega [Yoel Carreño y Sonia Vinograd] y el English National Ballet [Laurretta Summerscales y Yonah Acosta].

El Festival de Ravello es una de las fiestas más antiguas y de mayor renombre en Italia. “Un encuentro Italia-Cuba con críticos y expertos que le darán a los asistentes la historia y la relevancia artística de la Isla Grande”, señaló Elisa Guzzo Vaccarino, líder del proyecto con la colaboración Alfio Agostini.

54 .. BALLETIN DANCE ..SEPTIEMBRE 2016

Homanaje a Maya Plisetskaya Foto . archivo

balletin informativo Audiciones Alemania. La Volkstheater Rostock está ofreciendo un contrato para un bailarín solista varón para la temporada 2016/2017. Los interesados deben poseer alto nivel de técnicas de danza contemporánea y ballet clásico, habilidades para el contact improvisation y fuerte presencia escénica. Serán bienvenidos el interés en la improvisación y la voluntad de colaborar en el proceso creativo, disfrutar el trabajo en equipo y dominio del idioma alemán serán una ventaja. El contrato comienza en octubre de este año, la audición será el sábado 17 de septiembre y solamente se podrá participar por invitación. Podrían proponerse audiciones privadas. Enviar Cv con un enlace a video en internet, a: katja.taranu@yahoo.com.

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Becas Estados Unidos. La Universidad de Princeton anunció su convocatoria a artistas extranjeros de cualquier área o disciplina (danza, teatro, artes visuales, literatura y más) que puedan demostrar destacarse entre sus pares. Se otorgarán dos becas, Hodder (literatura 2017/18) y Princeton Arts (2017/19). Podrán postularse artistas que inician su carrera artística o docente y cuyos logros han sido reconocidos como una extraordinaria promesa. La beca tiene una duración de dos años académicos consecutivos en la Universidad de Princeton, con un estipendio de $ 80.000 dólares estadounidenses al año (no se becan alumnos avanzados, maestrías ni doctorados). La inscripción es on-line y cierra el 19 de septiembre de 2016: http://arts.princeton.edu/fellowships/, E-mail: lca-fellowships@princeton.edu.

México. La Secretaría de Relaciones Exteriores (SRE), a través de AMEXCID del gobierno de México, convoca a artistas extranjeros para otorgarles becas de estudio. Los interesados deben cursar niveles de especialidad, maestría, doctorado e investigaciones de posgrado, así como programas de movilidad estudiantil de licenciatura y posgrado. La inscripción cierra el 23 de septiembre de 2016.

Informes: www.gob.mx/amexcid/acciones-y-programas/becas-para-extranjeros-29785.

Suiza. La Organización Internacional para la Transición Profesional de Bailarines y Bailarinas (IOTPD) convoca cada año a bailarines en la etapa final de su carrera a postularse a la Beca Internacional Philippe Braunschweig, que colabora con el costo de su transición hacia una segunda profesión (3000 euros). La Fundación creada por Braunschweig en 1993, apoya iniciativas de investigación y promoción que compartan el objetivo de que cada bailarín profesional tenga la preparación necesaria para hacer una Transición Profesional satisfactoria. La inscripción cierra el 30 de abril de cada año, se realiza on-line, donde se pueden descargar las bases para la postulación: www.iotpd.org.

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Concursos y festivales Argentina Baila. 1º edición. Dirección: Ricky Pashkus. Convoca a bailarines de danza folklórica (solistas y parejas). Preselección on-line a través de videos, audiciones en distintas provincias y final televisada por la Televisión Pública Argentina desde Tecnópolis. Cierre de inscripción: 11 de septiembre (Misiones), 17 de septiembre (ciudad de Buenos Aires), 18 de septiembre (Cipolletti) y 25 de septiembre (Salta). Premio: beca de estudios por cien mil pesos para solista y cien mil pesos para pareja. Informes: www.argentinabaila.com.ar.

Festival Beckett Buenos Aires. 11º edición. Del 15 de noviembre al 15 de diciembre de 2016 en sala a Confirmar. Convoca a proyectos de teatro, danza, música y cine, para integrar su programación. Cierre de inscripción: 14 de octubre.

Informes: www.festivalbeckett.com.ar/2016/07/convocatoria-2016/, E-mail: info@festivalbeckett.com.ar.

SEPTIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 55

balletin informativo México. Festival de Danza Contemporánea Unipersonal, Cuerpo al Descubierto, Miguel Ángel Palmeros. 2º edición. 19 al 21 de febrero de 2017, Teatro Benito Juárez. Organizan: Maribel Michel (Cía. Momentos Corpóreos) y Miguel Angel Osorio Hernández (Agencia Emprendedores Culturales). Cierre de inscripción: 30 de octubre de 2016.

Informes: http://cuerpoaldescubierto.wixsite.com/festival, E-mail: festival.cuerpo.descubierto@gmail.com Festival Nacional de Arte Transformista (Fenat). 1º edición. Organizan: Facundo Suárez y Cecilia Wierzba. 5 al 12 de octubre, Buenos Aires. Teatro, danza, performances, música y arte audiovisual. Charlas, mesas de trabajo, workshops y muestras escénicas. Cierre de inscripción: 18 de septiembre de 2016.

Informes: Sitio web: www.festivalfenat.com, E-mail: convocatoriafenat2016@gmail.com.

Congresos Congreso de Gestión Cultural de la Universidad Nacional de Avellaneda. 1º edición. 27 y 28 de octubre de 2016. Mesas de experiencias, charlas magistrales, foros de discusión y trabajo, capacitaciones y expresiones artísticas. Presentación de ponencias encuadradas en los Ejes Temáticos: Legislación y organizaciones culturales, el Rol del Gestor Cultural, Herramientas y recursos para la Gestión Cultural, Profesionalización/Formación. Los trabajos serán seleccionados por un comité académico compuesto por destacados docentes de la carrera de Gestión Cultural. Informes: congresogestioncultural@undav.edu.ar.

Conferencia Mundial de Movimiento. Organizada por el Hospital de Rehabilitación de la Escuela de Medicina de la Universidad de Harvard, Instituto MIND de MIT de la Universidad de Jersusalem, Instituto Wingate para el Deporte y la Ciencia del Ejercicio, Instituto Nacional del Cerebro y las Ciencias de la rehabilitación de Israel, Instituto de Neurología y Neurocirugía de la Facultad Manuel Fajardo de Ciencias Médicas de la Universidad de La Habana, y la Universidad Bielefeld de Alemania. La conferencia abordará cuestiones relacionadas con el movimiento, kinesiología, trastornos del movimiento, rehabilitación, equilibrio, cognición, coordinación, ergonomía y el movimiento optimizado en los atletas de élite. Habrá talleres de fisioterapia de alteración del movimiento. Los resúmenes de las conferencias serán publi-

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Convocatorias El Estudio Surdanza dirigido por Luciana Prato, en Wilde, Avellaneda (Buenos Aires), seleccionará docentes con experiencia y sólida formación, para cubrir clases en las siguientes disciplinas y horarios: teatro (viernes por la tarde y sábados por la mañana), danza clásica (lunes, jueves y viernes por la tarde), talleres artísticos con niños pequeños (miércoles y viernes por la tarde y sábados por la mañana), danza jazz contemporánea (lunes por la tarde), docente para colonia artística (enero y febrero del 2017), recepcionista (lunes a viernes por la tarde y sábados a la mañana), nuevas propuestas y disciplinas artísticas (jueves a las 19:30 hs). Es requisito excluyente residir en las cercanías. Enviar Cv a info@surdanza.com.ar.

República Dominicana. El Festival Grito de Mujer y el Movimiento Mujeres Poetas Internacional (MPI) convocan a entidades, sectores del arte y la cultura e interesados en formar parte de los coordinadores de eventos para la 7º edición del festival, que se llevará a cabo durante todo el mes de marzo del 2017 en diferentes países (incluida la Argentina) en forma simultánea. Cierre de inscripción: 15 de febrero de 2017, Informes on-line: Sitio web: http://gritodemujer.com, E-mail: mujerespoetasinternacional@gmail.com.

China. La Junta de Gobierno del Ballet de Hong Kong Ballet, seleccionará un nuevo director artístico para incorporarse al elenco a partir de su temporada 2017/18. Informes on-line: www.hkballet.com. Cierre de inscripción: 31 de octubre 2016.

Canadá. La División Profesional de la Escuela del Royal Winnipeg Ballet de Canadá seleccionará profesor de ballet clásico para hombres.

Los interesados en postularse deben tener experiencia como maestro de ballet profesional y/o como bailarín profesional, sólida formación en el sistema ruso (capacitación pedagógica) y estar capacitado para enseñar a varios niveles. Inscripción on-line: www.rwb.org/careers. Informes: Arlene Minkhorst, Director de la Escuela, aminkhorst@rwb.org. Solicitud de informes y postulaciones quedarán en estado confidencial.

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balletin informativo Ballet ContemporĂĄneo del Teatro San MartĂ­n. Convoca a coreĂłgrafos argentinos mayores de 18 aĂąos, a presentar proyectos de obras inĂŠditas, para integrar la temporada 2017. Cierre de inscripciĂłn: 24 de octubre de 2016. Las propuestas deberĂĄn enviarse por E-mail en un documento pdf que contenga informaciĂłn del autor, del proyecto y material adicional, a: convocatoriabctsm@complejoteatral.gob.ar.

Bases en internet: http://complejoteatral.gob.ar/ballet2017

Escuela Oficial de la Provincia de Salta. Edades: 6 y 7 aĂąos para ingresar a pre-ballet (no es necesario poseer estudios de ballet), 8 a 11 aĂąos para ingresar a primer aĂąo (no es necesario poseer estudios de ballet), jĂłvenes de 12 a 14 aĂąos para ingresar a tercer aĂąo (con tres aĂąos como mĂ­nimo de estudios de ballet). EducaciĂłn pĂşblica y gratuita. Cierre de inscripciĂłn: 23 de septiembre. Las selecciones se realizarĂĄn del 30 de septiembre al 2 de octubre en el Teatro Provincial de Salta. Informes, en la Casa de la Cultura: Caseros 460, Salta.

Inscripciones El Taller de Danza Contemporånea del Teatro San Martín que dirige Norma Binaghi, convoca a jóvenes bailarines para participar de la audición para ingresar al ciclo lectivo 2017 (enseùanza pública y gratuita). Los interesados deberån tener de 17 a 20 aùos (mujeres) y de 17 a 21 (varones), poseer un nivel intermedio (4 aùos) de estudios continuos de tÊcnica clåsica, conocimientos båsicos de danza contemporånea y poseer estudios secundarios completos o en curso. Cierre de inscripción (on-line): 30 de septiembre. www.complejoteatral.gob. ar (Formación artística). Informes: Av. Santa Fe 1440, 2° subsuelo (Galería San Nicolås), Tel: 4811-8936, E-mail: ingreso2017tallertsm@gmail.com.

Residencias Manta. Residencias de trabajo para dos artistas (Argentina, Chile, Uruguay, Paraguay o Bolivia) que involucren su cuerpo (o el de otro) en su pråctica, que se realizarån en el marco del 2º Intercambio de Saberes: Poner el Cuerpo, en San Martín de los Andes (NeuquÊn, Argentina), del 1º al 15 de diciembre de 2016. La residencia cubre pasajes, hospedaje, comidas, espacio de trabajo y todas las actividades del encuentro. Jurado: Marina Sarmiento (Buenos Aires), Valeria Conte Mac Donell (San Martín de los Andes) y Flavia Pinheiro (Recife, Brasil). La inscripción cierra el 15 de octubre.

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