BALLETIN DANCE 259

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

BALLET NACIONAL SODRE Visita esperada

INTERNACIONALES Panorama Londinense

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 259 Noviembre 2016 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

ENTREVISTAS María Martha Gigena Ulrico Eguizábal Sebastián Sánchez Gilles Brinas Sebastiao Soares

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Nota de Tapa 4 Ballet Nacional de Uruguay, Sodre: Utopía Cumplida

Staff

Provincias 10 Córdoba. Danzamérica 12 Misiones. Luis Marinoni BFCC 14 Buenos Aires. Mujeres en La Plata 13 Santa Fe. Breves

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Carlos Manso Fátima Nollén Melisa Salvo Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 25

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar http://balletindance.com Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Folklore 16 BAFA: Bodas de Oro Flamenco 22 México: Flamenco en América

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5279010. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848.

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Entrevistas 24 Ulrico Eguizábal: Les Monstres Danseurs 28 Gilles Brinas: Che Malambo 34 Sebastiao Soares: Cena Complicidades 40 María Martha Gigena: UNA Comentarios 26 Esta de Soledad Pérez Tranmar 32 Tata Cedrón: Arrabal Salvaje 44 Los Clásicos 36/39 Breves Balletin Dance 42 Lanzamiento

Ballet Nacional Sodre. Uruguay María Noel Riccetto y Damián Torío en Petite Mort de Jirí Kylián Foto: Carlos Villamayor

In Memorian 46 Osvaldo Ciliento 46 Elba Castría 47 Fernando Conesa 47 Rada Eichenbaum Internacionales 50 Reino Unido. Temporada londinense 48 Noticias Breves Cartelera 18/21 Espectáculos Balletin informativo 53 Audiciones, convocatorias, festivales, residencias, puntos de venta

Sumario Noviembre 2016 Año 23 Nº 259

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Utopía Cumplida Nota de tapa

Por Agustina Llumá

El Ballet Nacional de Uruguay, Sodre, que dirige Julio Bocca, actuará los días 25 y 26 de noviembre, en el Teatro Coliseo de Buenos Aires

Gabriela Flecha y Ciro Mansilla Foto . Carlos Villamayor (BNS en Petite Mort) NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 5

La Compañía oriental ofrecerá en esta capital, un programa integrado por One and Others del argentino Demis Volpi, Petite Mort de Jirí Kylián, el pas de deux de El Corsario y una suite de Don Quijote con coreografía de nuestros compatriotas Silvia Bazilis y Raúl Candal.

El Ballet del Sodre de Montevideo atraviesa una nueva etapa este año, con la dirección compartida entre Julio Bocca y Sofía Zajac, en sus ochenta y un años de existencia. Fue fundado en 1935 y desde entonces transitó variadas temporadas, con primeras figuras que prestigiaron a la institución, entre los que se recuerdan a Margaret Graham, Tito Barbón, Sara Nieto, Tola Leff, Olga Bergoloy, Raúl Severo, Mischa Dimitrievich y Marina Korolkova, entre tantos otros.

Todo el personal trabajó sin teatro (luego de un incendio) por algunas décadas, hasta que el 1º de junio de 2010, bajo la dirección artística de Bocca, comenzaron un proceso profundo de refundación, en la nueva sede del Auditorio Nacional Adela Reta. La primera misión del argentino al frente del elenco sudamericano fue buscar la excelencia profesional, conseguir desarrollar, ampliar y fidelizar al público, y posicionarlo internacionalmente.

Sergio Muzzio y Liliana González Foto . Carlos Villamayor (BNS en Petite Mort)

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Para ello, modificaron el reglamento interno del cuerpo estable, organizaron por primera vez en el país la coparticipación de fondos públicos y privados, con empresas privadas y/o estatales como sponsors oficiales (a través de la Asociación Amigos del Ballet BNS), y cambiaron el sistema de difusión con novedosas campañas audiovisuales. Fue un trabajo arduo, con acuerdos y oposiciones.

Esa llegada de Julio Bocca al Sodre, está crudamente retratada en el documental Avant, el largometraje dirigido por el uruguayo Juan Álvarez Neme, que el mes pasado se estrenó en la Argentina. Luego llegó el tiempo de renovar el repertorio (hoy se programa con dos años de anticipación) con la invitación de coreógrafos extranjeros, de reactivar los talleres de escenografía y vestuario que ya están completamente operativos, y reorganizar la escuela, sus planes y funcionamiento, para ofrecer los bailarines del futuro.

Esto se vive en Uruguay como una realidad que es casi cuestión de estado, y que permite tomar a este elenco de modelo para creer que las utopías pueden concretarse en el hemisferio sur.

Pronto lograron agotar la capacidad de la sala (1885 espectadores) hasta con dos meses de anticipación a los estrenos… algo impensado cuando asumió Julio Bocca, en un pequeño país que había perdido el interés por el ballet. El director manifiesta públicamente que la agrupación respeta mucho al público y eso

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Oscar Escudero y Lara Delfino Foto . Carlos Villamayor (BNS en Petite Mort)

también se traslada a la convocatoria. Poco a poco fueron sumando mayor cantidad de representaciones, al punto que hoy llegan a brindar hasta dieciséis funciones de cada programa, vendiendo unas 25.000 entradas por espectáculo.

Baste dar una recorrida por la temporada 2016, que comenzó en marzo con El Lago de los Cisnes de Raúl Candal (del 31 de marzo al 16 de abril), Paquita de Luis Ortigoza, Petite Mort de Kylián y Gracias de Graciela Figueroa (del 2 al 12 de junio), Coppelia de Enrique Martínez (desde el 15 de junio para escuelas rurales), Carmen de Marcia Haydée (del 11 al 21 de agosto), Un Tranvía Llamado Deseo de Mauricio Wainrot (desde el 26 de agosto para escuelas secundarias), Onegin de John Cranko (del 27 de octubre al 11 de noviembre) y giras a Beijing (China en marzo), Colombia (octubre), Cuba, Guatemala y Argentina (noviembre) y España (Barcelona y Madrid en diciembre).

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Recambio permanente Entre aquellos cambios que requería el ballet para mejorar su desempeño, de acuerdo a esta gestión, se sumaron horas al trabajo diario, y se incorporó la posibilidad de contratar a los bailarines en forma anual. Así, se trata en la actualidad de una agrupación integrada por bailarines jóvenes, muchos de los cuales se renuevan año a año, a través de audiciones que tienen lugar todos los octubres en Montevideo. Para paliar esta sangre fresca, Bocca comenzó poco a poco a convocar a ex bailarines ya retirados, que pudieran compartir con los pequeños sus vivencias y que actúan en aquellos roles que el repertorio clásico tradicional exige (madres, reyes, figuras de la corte, etc).

El mes pasado, luego de una preselección por video, 47 bailarines latinoamericanos (34 mujeres) se presentaron en los estudios del Ballet Nacional Sodre para rendir la audición. Las clases a cargo de Clara Vidal y Paulo Aguilar, fueron evaluadas por un jurado integrado por miembros del staff del BNS: Julio Bocca, Sofía Sajac, Lorena Fernández, María Noel Bonino y Daniel Galarraga. Veinte postulantes pasaron a la segunda etapa de la selección, que consistió en una clase de danza contemporánea impartida por Andrea Salazar y ejercicios de pas de deux.

El 5 de enero de 2017 se realizará otra audición de ingreso al BNS, esta vez, en los Teatros del Canal de Madrid. __BD

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PROVINCIAS | CÓRDOBA

Premiados y Becados

Del 24 de septiembre al 5 de octubre, se realizó la 22º edición de Danzamérica, Concurso Internacional de Danza, en el Teatro Luxor de Villa Carlos Paz. Roberto Dimitrievich fue el maestro homenajeado este año Participaron del encuentro bailarines de Argentina y también de Chile, Brasil, Bolivia, Paraguay, Perú y México, en diferentes categorías; que fueron evaluados respectivamente, por Oleksi Bessmertni (Alemania), Georgina Rigola (Barcelona), Mariaelena Ruiz (Estados Unidos), Héctor Figueredo Abrantes (Cuba), Alice Arja, Lars Van Cauwenbergh, Renata Lobo , Tiago Montalti, Victor Alves Vick y Luana Espindola (de Brasil), y de nuestro país: Marcelo Mangini, Anabella Tuliano, Miguel Angel Elias, German Massimino, Natalia Riopedre, Carina Nimitan y Aalíah.

El evento se inauguró con la actuación del Ballet Piva Pérez, de la misma localidad mediterránea. Luego se sucedieron las jornadas dedicadas al ballet clásico de repertorio, danza clásica libre, neoclásico, contemporáneo, el concurso de coreografía y una gala a cargo del grupo Cadabra que dirige Anabella Tuliano. Continuaron las disciplinas de danza jazz, street dance, danza española y folklore internacional y danza árabe.

Premios De los numerosos premios de esta edición, se mencionan a continuación solo algunos “especiales”: El Premio Jorge Tomín (al artista destacado) recayó en Martina Marmet (Entre Ríos), Guillermina Arrieta (Salta) y Guadalupe Corral García (San Juan). El Concurso para Coreógrafos (que otorgó un premio de $ 25.000) fue para Mariana Massera (Villa Carlos Paz) por su obra El Revés, y la Beca Ana Itelman (ingreso al Taller Contemporáneo del Teatro San Martin) fue para Agustín Bustos (Córdoba). Las instituciones galardonadas por su desempeño, fueron el Conservatorio Brasilero de Danza (Brasil), Nucleo de Arte y Danza Maestra Alba Cordera (Paraguay), Escuela de Danzas Mainumby (Paraguay), el Instituto de Danzas Natalia Álvarez y Aisha Danzas Arabes (San Juan).

También hubo reconocimientos a los maestros destacados quienes recibieron el Premio Dedicación: María Angeles Alé (Buenos Aires), Lorena Bello (Entre Ríos), Diana Paniagua (Paraguay), Andrea Robles (San Juan), Rosario Caro (Salta)

Roberto Dimitrievitch, el gran homenajeado de este año en Danzamérica

y Aldana Corbalán (Tucumán). También fueron reconocidas las coreografías destacadas con el Premio a la Creatividad: Natalia Álvarez por Zamba para Olvidar y el Estudio de Danzas de Aldana Corbalán por Entrada de Bailarina.

Becas Danzamérica crece año a año con la oferta de becas en nuestro país y el extranjero. En diálogo con esta revista, Cristina Sánchez, presidenta de la Organización Danzamérica, adelantó la presencia de mayor cantidad de directores de compañías y escuelas para las próximas ediciones, para seleccionar directamente a talentos latinoamericanos, transformando al certamen en un trampolín hacia la profesionalización. En este 2016 se otorgaron 64 becas, que cubren el 100% de los costos de estudio, y algunas también el alojamiento: Brasil. Foro de Ballet de la Academia Especial de Ballet de São Paulo, enero de

Agustín Ezequiel Pereyra viajará al Cuballet el año próximo Fotos . Charly Soto 10 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Martina Marmet: Premio Jorge Tomín

2017: Sofía Pérez Tosto (Buenos Aires), María Sol Gianasi (Córdoba). Summer Brasil 2017 en Río de Janeiro: Lucía Abril Marcussi, Carola Magalí Calderón y María Sol Gianasi (las tres de Córdoba), Sara Pringles, Denise Klocker y Angeles Terenzani (de Entre Ríos), Pilar Cardozo, Martina Peccioloni y Lucía Cosme (Santa Fe), Mora Capasso, Lola Mugica Calvo, Victoria Baraibar y Joaquín Gonzalez Gaubeca (de Buenos Aires) y Felipe Zapiola (Salta).

Cuba. Cuballet en julio de 2017: Agustín Ezequiel Pereyra (Córdoba) y Martina Marmet (Entre Ríos).

España. Barcelona Dance Center School: María Azul Sottano Yacopini (Mendoza), Rocío del Milagro Giménez, Renata Silvestro y Sara María Bertón (las tres de Córdoba), Clara Videla Díaz (Bahía Blanca), Mariela Martínez (Paraguay), Leonel Alejandro Cirelli, Jessica Najmanovich y María Victoria Gallinari (los tres de Buenos Aires). Invitaciones para participar en el Certamen Ciutat de Barcelona en mayo 2017: María Renata Cardeli (Chaco), Giuliana Tavarelli Nunes y Giovanna Abbate García (las dos de Paraguay), Hanny Garavito Marrou (Perú), Paloma Sol Livellara Vidart (Buenos Aires). Curso de verano en Barcelona Dance Center: Evangelina Aranda Chuchman (Buenos

Aires), María Belén Basilico (Córdoba), Camila Franco (Paraguay), María Benzaquen (Chaco). Curso de invierno Barcelona Dance Center: Belén Yazmín Riha y Angie Catalina Pichetti (las dos de Córdoba), Hanny Garavito Marrou y Pedro Febre Rivera (de Perú) y Xiomara Txaro Manen Oyarzabal (Buenos Aires).

Estados Unidos. Curso de verano en Miami City Ballet School 2017: Estefanía Ontanilla y Dana Estefanía Soso (las dos de Santa Fe), Lola Evangelista y Paloma Sol Livellara Vidart (de Buenos Aires), Giovanna Abbate García (Paraguay), Sara María Bertón (Córdoba). Seminario para maestros Miami City Ballet School 2017: Patricia Ferrer (Córdoba). Curso de verano del Joffrey Ballet en julio de 2017: Agustín Ezequiel Pereyra (Buenos Aires), Angle Catalina Pichetti, María Pilar Aramburu y Renata Silvestro (las tres de Córdoba). Cary Ballet Conservatory de Carolina del Norte: Danielle Marinho (Brasil), Lola Múgica Calvo (Mar del Plata), Joaquín Gonzalo Gaubeca, Paloma Sol Livellara Vidart y Francisco Schilereff (Buenos Aires), Angeles Terenzani y Martina Marmet (Entre Ríos), Paloma Pilar Cardozo (Santa Fe) y Maylen Outeiriño (Chaco). __BD

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PROVINCIAS | MISIONES

La provincia de Misiones creó un nuevo elenco de danza este año. Se trata del Ballet Folklórico del Parque del Conocimiento que debutó el 1º de marzo con dirección de Luis Marinoni y que actuará en la ciudad de Buenos Aires, el 24 de noviembre en La Noche de las Provincias (Av. Santa Fe y 9 de Julio) Desde su fundación, el Ballet Folklórico de Misiones, realizó más de setenta funciones en Posadas y en el interior de la provincia, “cumpliendo el sueño de poder llevar las manifestaciones populares, vistas desde el prisma de la danza, visión acertada de la creadora y Presidente del Parque del Conocimiento, la Doctora Magguie Solari Quintana”, explicó Luis Marinoni a esta revista. El director, ex bailarín y coreógrafo del Ballet Folklórico Nacional, tiene además la responsabilidad de los ballet oficiales del Festival Nacional de la Música del Litoral (con el que recibió el premio consagración “Mensú de Oro” en 2015) y de la Fiesta Nacional del Chamamé, en reiteradas oportunidades.

El repertorio del Ballet Folklórico del Parque del Conocimiento (BFPC) “se enriquece en formas que se encuentran en su propio paisaje e identidad, en una provincia tan generosa y tan compartida desde improntas que llegan desde Paraguay, Brasil y la provincia de Corrientes”, sin descuidar su propio lenguaje que “convive y confluye en transculturaciones poderosas (…) y al mismo tiempo responde a su propio latido. Es por ello que no Impactantes puestas en escena del ballet provincial Fotos . gentileza del Ballet Folklórico del Parque del Conocimiento

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Llegar a Ser descuidamos nuestra verdadera manera de ser, amplios y abiertos, frescos y dinámicos”, detalló Marinoni. Y también, “cobijamos como un gran tesoro los aportes originarios de nuestra tierra desde la cultura Mbya Guaraní, viva y presente en nuestro cotidiano”.

La agrupación se vale del aporte de artistas locales para concebir las coreografías del propio director. Integrado en la actualidad por quince parejas locales, los planes a futuro del director incluyen sumar bailarines de todo el país, en una próxima audición, “que puedan aportar con su danza a la mayor interpretación de las características que brinda cada región del mapa nacional folklórico y así el país entero pueda apropiarse de esta litoraleña usina de producción y acción a favor de los fenómenos populares”. Por otro lado, en esta historia que apenas comienza, Luis Marinoni aseguró velar por las garantías que sean necesarias “para poder sostener su plan de vida y artístico”. La programación de 2017 se promete mucho más ardua, pues la demanda del elenco crece día a día, “la respuesta del público es inmediata, emocionante y gratificante (…) cosa que vemos muy positivo para la gestión y comprometedor para el quipo de trabajo ya que potencia la condición de superación y excelencia al que orientamos nuestro trabajo”.

El elenco cuenta con formadores en diferentes disciplinas de la danza: David Pérez Saes (danza clásica), Maria Helena Markendorf (preparación física), Marcelo Melgarejo (danza folklórica y zapateo criollo), Lucía Morel (tango) y Alicia

Luis Marinoni, y un nuevo desafío

breves

Mazzuchini y Rubén Ojeda (como asistentes coreográficos), además de personal para las áreas técnicas y administrativos.

“Un equipo que sin duda apunta al trabajo de alto vuelo y que cree en la cultura del trabajo desde la cultura, en tiempos de conciencia sobre la identidad del pueblo misionero y apropiación de la impronta de sangre, desde valores como nuestros héroes resumidos en Andrés Guaçurarý (Comandante Andresito), la bandera roja, azul y blanca se eleva, y Misiones apuesta con certeza sobre este grupo de personas que comprende que de esta forma se puede llegar a ser”. __BD

Santa Fe Este mes, Balletin Dance invitada especial a dos eventos santafesinos Con organización de la Secretaría de Cultura de la Universidad Nacional del Litoral (UNL), el Argentino de Artes Escénicas se realizará del 5 al 12 de noviembre en las instalaciones universitarias, el Teatro Municipal y el Centro Cultural provincial. Habrá espectáculos, clases, muestras al aire libre y paneles de discusión, a cargo de elencos de diferentes ciudades argentinas (Buenos Aires, Santa Fe, Córdoba, Corrientes, Entre Ríos y Neuquén).

La 16ª edición del Festival de Artes Escénicas Contemporáneas El Cruce, organizado por Cobai, será del 21 de noviembre al 3 de diciembre en Rosario y contará con espectáculos nacionales y extranjeros, intervenciones urbanas, proyecciones de videodanza, jornadas de investigación e intercambio y encuentros de producción conjunta entre artistas de diferentes regiones, además de seminarios y cursos de formación profesional. __BD

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PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Las Mujeres a Través de la Danza Por Melisa Salvo

En un contexto de luchas y disputas sociales para reivindicar el rol de la mujer en las sociedades contemporáneas, surgen tres propuestas artísticas platenses que intentan representar la violencia de género y el empoderamiento de la mujer a través de la danza En el mes de noviembre, la ciudad de La Plata ofrece dos obras de danza contemporánea que incluyen una de las problemáticas sociales y culturales más presentes del momento. La obra Mujeres Fuera del Tiempo se presentará durante este mes, el 13 en el Galpón de las Artes (71 y 13), el 19 en El Bombín Teatro (59 entre 13 y 14) y el 27 en Sala Doble T (34 entre 27 y 28).

Mientras que NO-yugo podrá verse el 25 de noviembre y el 18 de diciembre en el teatro El Escape (44 entre 23 y 24).

La Compañía de danza contemporánea Vamos de Nuevo, dirigida por Ramón Medina, estrenó Mujeres Fuera del Tiempo el 9 de septiembre. Es la primera vez que el creador incursiona en la danza teatro (sin utilizar textos orales), que tiene que ver con la decisión de que la compañía encare una narración. En escena se produce el encuentro de cinco de las mujeres más emblemáticas de la historia, en un lugar de ensueño: Ana Frank, Frida Kahlo, Juana Azurduy, Juana De Arco y Eva Perón, encarnada cada una

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por una bailarina que ofrecen sus testimonios. La elección de los personajes significó un proceso de investigación y selección para el director, que dio como resultado este conjunto como representación del empoderamiento de la mujer y la lucha incansable por prevalecer en una sociedad machista. En sus propias palabras, la obra intenta ser un homenaje a aquellas mujeres y un ejemplo para los campos de debate que se están disputando en la actualidad.

Por otro lado, María Florencia García Enríquez dirige NO-yugo que estrenó el 30 de octubre. Su nombre deviene del significado de la palabra yugo (“dominio u opresión que una o varias personas ejercen despóticamente sobre otras”), ya que la temática que atraviesa cada cuadro de danza contemporánea es el sometimiento al cual se enfrentan los hombres y mujeres en la actualidad. La directora señaló que trata diferentes formas de esclavitud, como la laboral, la que deviene de la hiperconectividad

Mujeres Fuera de Tiempo, de Ramón Medina Foto . Karina Bordogna

y las nuevas tecnologías, la industrial y el consumo relacionado con el sistema capitalista y las formas de opresión a las cuales están sometidas las mujeres. Entendidas como uno de los grupos de personas que más sometimiento recibieron a lo largo de la historia, se pretende demostrar las maneras actuales de sumisión a las que se enfrenta el género femenino: explotación sexual, trata de personas, dependencia económica y cosificación, entre otras tantas formas de violencia de género. NO-yugo representa aquellas situaciones cotidianas en las cuales los hombres y mujeres no tienen poder de decisión y plantea al espectador dos caminos posibles a tomar, resignarse o cambiar el paradigma.

Pareciera que cada apuesta es una continuidad de la otra, porque Mujeres en el Tiempo reseña a cinco mujeres que, aun estando en situaciones de sometimiento, eligieron ser dueñas de sus destinos y luchar por sus sueños e ideales.

En el mes de octubre, la obra de danza teatro Género dirigida por Juan Mallach e interpretada por la Compañía Cipae, terminó su temporada 2016, con esta fusión entre la danza y la voz. Se trató de un intento por reflejar ocho historias reales de violencia de género vividas por mujeres, mientras la voz de una actriz relataba, los cuerpos de las bailarinas trasladaban sus palabras a movimientos de danza contemporánea.

Las tres obras se gestaron a partir de la relación de los directores, coreógrafos y bailarinas con la realidad social que los rodea. A través de la danza contemporánea y la danza teatro surgieron con la idea de poder manifestar visiones del mundo y aportar respuestas artísticas a problemáticas compartidas socialmente. __BD

NO-yugo, dirigida por María Florencia García Enríquez Foto . Manuela Bolla NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 15

FOLKLORE

¡¡¡Qué Año!!!

Por Juan Cruz Guillén

Si bien en la Argentina 1966 fue un año muy complicado políticamente hablando, en el ambiente folklórico ocurrieron hechos que marcaron la vida de todos sus protagonistas.

Entre ellos Miguel Angel Saravia junto a María Martínez formaron el Ballet Inti Huasi, que al año siguiente se llamaría para siempre el BAFA, Ballet de Arte Folklórico Argentino En enero de 1966 Polo Román ingresaba a Los Chalchaleros en reemplazo de Cocho Zambrano y en diciembre Pancho Figueroa reemplaza a Dicky Dávalos. Marián Farías Gómez deja a Los Huanca Hua, igual que su hermano el Chango Farías Gómez quien forma el Grupo Vocal Argentino. Cesar Isella se va de Los Fronterizos siendo reemplazado por Yayo Quesada. Personalmente, tengo la gran oportunidad de debutar en el Ballet de Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, y lamentablemente nos deja el musicólogo Carlos Vega, cuando Miguel Angel Saravia y María Martínez fundaban el actual Ballet de Arte Folklórico Argentino.

Parece mentira que hayan pasado cincuenta años, que en la vida de una compañía de danzas se debería multiplicar por dos, tres o más, pues sabemos lo que cuesta -en todo sentido- armar y mantener ininterrumpidamente, un grupo de danzas. Es muy laborioso preparar cada cuadro de cada puesta en escena, desde la idea, la selección musical, la composición coreográfica, la realización del vestuario (amplificada por la cantidad de bailarines, y en muchos casos, como en el BAFA, con distinta vestimenta en un mismo cuadro).

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Vamos al festejo. El Ballet de Arte Folklórico Argentino, celebró su medio siglo de existencia, con una función realizada el miércoles 12 de octubre en el hermoso Teatro Niní Marshall de la localidad de Tigre, provincia de Buenos Aires. Estuvieron presentes autoridades del Municipio e invitados especiales, entre los que se contaba quien escribe junto a otros artistas y amigos como Hernán Rapela, Roberto Rimoldi Fraga, Raúl Palma, Oscar Rueda Avellaneda, y también la que fue esposa de un gran actor y mejor persona como fue Luís Medina Castro, Nilda de Castro, a quines nos entregaron un poncho recordatorio con el escudo del BAFA bordado, en conmemoración de las Bodas de Oro. Un hermoso gesto de los directores.

El espectáculo de tres horas de duración, comenzó con una coreografía del Himno Nacional Argentino, muy bien lograda sobre una versión musical moderna que no se corría de los parámetros originales. Continuó un recorrido por casi todas las obras del repertorio del BAFA: El Evangelio Criollo, Zamba del Poncho (primera coreografía del año 1966), A Don José Francisco de San Martín, Acuarela de Antaño, Estampa de Tango, A Don Martín Miguel de Güemes, Norte , Violín y Danza con Malambo, Estampa de Pampa y Cielo, Duendes de Cuecas y Malambos.

Los cuadros fueron intercalados con proyecciones que incluían saludos de amigos de la agrupación, muy sentidos y sinceros (Silvio Soldán, Juan Carlos Saravia, Cuti Carabajal, Paola Parrondo y Antonio Tarragó Ros, entre otros), fotografías de la

Con proyecciones en el telón de fondo, el Ballet de Arte Folklórico Argentino celebró su quincuagésimo aniversario Foto . Gastón Scaglione

historia del ballet y un video con los premios obtenidos durante toda su trayectoria.

Participaron también cuatro parejas de tango de gran nivel, que habían integrado la agrupación en otras épocas: Jimena Toñanez y Gonzalo Bogado, Florencia Méndez y Pedro Zamín, Yésica Esquivel y Ariel Leguizamón, Valeria Eguía y Roberto Canelo.

Párrafo aparte merecen los actuales directores del Ballet, Paula Saravia y Cristian Batista, excelentes bailarines, que estuvieron pendientes de todo lo que ocurría en el escenario, mientras salían a bailar con diferentes atuendos en cada cuadro, y siempre con una sonrisa y una fuerza que se transmitía hasta la última fila.

Como broche de cierre de la noche, más de veinte parejas que integraron el elenco en diferentes momentos, bailaron con una fuerza y una alegría, que a más de uno nos hubiera gustado estar en ese momento sobre el escenario (entre ellos, me cuento, por supuesto). No podría haber sido mejor el final. Como un volver a vivir en breves minutos, un recuerdo mental de la historia de cada uno de ellos, que reflejaban un franco agradecimiento, en cada giro, mudanza o vuelta, para sus queridos directores Mary y Miguel Angel.

Para finalizar, envío felicitaciones a María Martínez y Miguel Angel Saravia por las Bodas de Oro del BAFA, y un favor: no dejen de invitarme para las Bodas de Diamante. __BD

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Agrippina

Danza Sub30

Gurisa

Buenos Aires Lírica. Puesta en escena: Ignacio González Cano. Dirección musical: Carlos David Jaimes. Lunes 20 hs. Teatro Picadero (Enrique Santos Discépolo 1857, Tel: 5199-5793).

Extraños Todos de Sabrina Wehner y Federico Amprino, y El Risco por La Montón. Sábados 21 hs. Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556).

De Toto Castiñeiras. Música original: Javier Estrín. Coreografía: Valeria Narvaez. Viernes 23 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Al Abrir La Puerta

Dúos Coreográficos

La Cumbancha

De Luis Miguel Zuñiga + Caleidoscopio de Mauro Cacciatore. Compañía Cuarto Intermedio. Dirección: Luis Miguel Zuñiga. Domingos 6, 13 y 20, 20 hs. Viceversa Arte en Convivencia (Gorriti 5839, Tel: 4773-5125). Foto: Gabriela Teran.

They (hoy, ellos, algunos) con Mauro Martín Dann, Viviana E. Vasquez y Gustavo Soto. D A dos en Cuerpos de Fuego, Tierra, Mar y Viento con Marcela Chiummiento y Rodrigo Exequiel Etelechea. Viernes 23 hs. Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

Fanzine de los últimos días. Texto y dirección: Hernán Morán. Coreografía: Aymará Abramovich. Sábados 21 hs.

El Estepario Teatro (Av. Medrano 484, Tel: 15-5591-6879).

La Fría Noche que…

Eva Nunca Quiso Soñar… Dramaturgia y dirección: Dardo Dozo. Asesoramiento en lenguaje corporal: Micaela García. Domingos 11:30 hs. El Método Kairós (El Salvador 4530, Tel: 4831-9663).

La Mujer del Don Autor y director: Guillermo Hermida.

Intérprete: Silvina Sabater. Coreografía: Valeria Narváez. Sábados 23 hs.

Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556, Tel: 4867-5185).

Aniversario

Caso de Éxito Teatro musical ácido de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira. Sábados 18 hs (hasta el 3 de diciembre). Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Crisis Coreografía y dirección: Marcela Alvedro. Dentro de la jornada de actividades sobre la violencia de género organizadas por el Teatro Municipal. Viernes 25, 20 hs. Teatro Municipal de Lomas de Zamora (Manuel Castro 262, Lomas de Zamora). Entrada gratuita.

Ciclo Radar Danza La Academia: de Marta Salinas y Milva Leonardi, viernes 21 hs. La Corporación: de Federico Fontán y Ramiro Cortez, domingos 19 hs. Ensayo sobre el temor que me da ser una princesa Manifiesto IV: de Paula Cancela (performance), sábados 22 hs. Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

18 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Ecléctica Dirección: Lucas Vara. Dramaturgia: Marcelo Soto Opazo. Coreografía: Jonatan Bukschtein, Mariana Dragone, Micaela Napolitano, Camila Rodriguez Basalo y Lucas Vara. Domingos 21 hs. Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

cartelera

Compañía Circo Negro. Dirección: Mariana Sanchez. Sábados 21 hs y domingos 20 hs (hasta el 11 de diciembre). Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Tel: 48573934).

Las Bernardas Coreografía y dirección: Teresa Duggan. Domingos 18 hs. Patio de Actores (Lerma 568, Tel: 4772-9732).

El Borde de sí Mismo Diálogo artístico con el Patrimonio del Moderno. Hasta el 21 de noviembre (http://bit.ly/2cElFgh). Mi contundente situación de Diana Szeinblum con Lucas Condró, Susana Laurnagaray, Natalia Tencer, Luis Tencer, Matthieu Perpoint, Baltazar Perpoint, Florencia Vecino y Manuela Vecino: domingo 20, 18 hs. Voraz de Analía Couceyro, con Julián Cabrera, Marina Fantini, Paula Maffia, Fernando Noy, León Semmartin y Analía Couceyro: sábado 19, 16 hs. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350 Tel: 4361-6919).

Extraña Vecindad De y por Virginia Ravenna y Sandro Nunziata. Jueves 17 y 24 de noviembre, 1 y 8 de diciembre, 21 hs. Teatro Vera Vera (Vera 108, Tel: 4854-3655).

Lejos De Marina Sarmiento. Martes 29 de noviembre y 6 de diciembre, 21 hs.

SUM del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Los Viajes de Sarmiento De Marina Sarmiento. Intérpretescreadoras: Florencia Bergallo, Cecilia Blanco, María Eugenia Roces y Marina Sarmiento. Sábados y domingos (hasta el 20) 15 hs. Ciclo Danza al Borde del Teatro de la Ribera (Av. Don Pedro de Mendoza 1821, Tel: 4302-1536).

NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 19

20 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Rojo Paso

The Meeting Point

Conferencias, espectáculos, exhibiciones, workshops. Performances: Instructivo por Adriana Satiel, Nube Negra por Florencia Gleizer-Fluxlian y Lugar Monstruo por Iván Haidar.

Hasta el 12. Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251).

De Ana Frenkel y Carlos Casella. Martes 20 hs. Ciclo 360º del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 48031040). Entrada gratuita.

Práctica de performance y arte interdisciplinario. Improvisaciones de danza y música con curaduría de Valeria Primost y Lucía Fernández Mouján.

Cada noche diferentes artistas, en danza: Carmen Pereiro, Magali del Hoyo, Bárbara Alonso, Alejo Wilkinson, Ignacio García Lizziero, Facundo Monasterio, Natalia Tencer, Constanza Feldman. Viernes 21 hs. Jardines del Museo Larreta (Juramento 2291, Tel: 4783-2640).

Sola De Ana Azcurra. Sábados 23 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

Muestras y festivales de fin de año

Oceano Ciclo: Experiencias en Escena. Dirección: Adriana Barenstein. Sábados 20:15 hs. Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín, Tel: 55555359).

Promenade

Tesinas Públicas De Victoria Úbeda, grupo Boya (foto), Micaela Odriozola y Rocío Malleza, Marisa Troiano y Viviana E. Vásquez, Sonia Irene Massone. Sábados 20 hs.

Teatro Machado (Antonio Machado 617, Tel: 4982-4922).

Grupo Proyecto en Bruto. Videodanza y performance en La Casa Curutchet. Viernes 25, 21 hs. (Boulevard 53 Nº 320, entre 1 y 2, La Plata, Tel: 221 482-2631).

Quien Nos Quita lo Bailado Ballet 40-90 creado por Elsa Agras.

Dirección: Gabi Goldberg. Viernes 20:30 hs. Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934, Tel: 4953-8254).

Estudio Silvia Roller. Jueves 15 de diciembre, 20:30 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto y Cabildo).

Artedanza Tu Lugar de Expresión.

Dirección: Valeria Potes. Sábado 19 y domingo 20. Teatro Municipal de Olavarría.

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FLAMENCO

La Verdadera Internacionalización Por Gabriel Vaudagna Arango Del 24 al 30 de noviembre se llevará a cabo en la ciudad de México, el primer Encuentro de Arte Flamenco en América, dentro del cuarto Festival México muy Flamenco, que organiza la productora Akais Chindos, con dirección artística del bailarín argentino radicado en dicho país, Sebastián Sánchez El lanzamiento oficial del Encuentro de Arte Flamenco en América, se realizó en la Bienal de Flamenco de Sevilla (ver Balletin Dance Nº 258, octubre de 2016). Mientras Sebastián Sánchez preparaba en la capital andaluza su nueva producción Impronta, que pre-estrenó allá y llegó a México de gira por distintas ciudades en octubre, declaró a esta revista cómo vive un argentino entre ambos países, y de qué se trata el festival que marca una nueva dirección dentro del flamenco.

¿Cómo surgió Impronta y cómo se lleva adelante?

Es un homenaje a los artistas de la danza española y el flamenco, nacidos en México (Manolo Vargas, Roberto Ximénez, Lucero Tena y Pilar Rioja), que recorrieron el mundo entero integrando compañías como la de Argentinita, Pilar López y Carmen Amaya. Que aún siendo mexicanos figuran en los libros españoles de la historia de esta danza. Justamente por su impronta estamos hoy, aquí en México, continuando esta labor de crear, difundir y mostrar el arte flamenco. Ellos son el fiel reflejo de la identidad que tiene América en el flamenco (como ellos, también los hubo en Argentina, otro país del cual salieron muchos más). He estudiado minuciosamente sus danzas más representativas, plasmadas en películas y grabaciones antiguas, que se proyectan en el escenario, previamente a cada representación. Es un momento muy emotivo, porque es como si cobraran vida y su legado se hiciera presente una vez más. La Danza N° XI de Granados, el Zapateado del Estampío y La Vida Breve son algunos de los cuadros que se reproducen al más mínimo detalle, con sus vestuarios y escenografías. Contamos con la

Sebastián Sánchez: “es necesario un encuentro para celebrar y cotejar nuestras experiencias y vivencias, para poder fortalecernos” Foto . Walter Shintani 22 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

gran participación de David Peña “Dorantes” quien por primera vez hará un repertorio clásico al piano y la actuación de bailarinas españolas de la talla de Adela Campallo, Úrsula López y Tamara López, quienes darán un color inigualable sobre el escenario. Por otro lado, busco reavivar los lazos que siempre existieron entre España y América, aquel tráfico donde la cultura y la danza nos unía sin fronteras.

¿De qué se trata el Encuentro en México del Arte Flamenco en América?

El encuentro tiene como objetivo volver a unirnos y potenciarnos como identidad americana en el arte flamenco. No olvidarnos de lo que somos, ni de dónde venimos. Nuestras culturas siempre han sido muy ricas, y el flamenco ya formaba parte de ellas desde hace mucho tiempo. En los países que conforman nuestro continente, hay una afición enorme por este arte.

Quienes bailan, tocan y cantan son los que están luchando por preservarlo. Eso creemos con Raúl Salgado Parra, director de nuestra productora Akais Chindos, y por eso es necesario un encuentro para celebrar y cotejar nuestras experiencias y vivencias,

para poder fortalecernos. HabrĂĄ diversas actividades: actuaciones de artistas de todo el continente, charlas, cursos y el cierre en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de MĂŠxico con la Gala de Flamencos por AmĂŠrica.

El Encuentro fue presentando en la Bienal de Flamenco de Sevilla, donde tambiĂŠn actuĂł ÂżCĂłmo fue la experiencia, considerando que en ese evento sĂłlo participan artistas espaĂąoles?

Tenemos que decir que La Bienal de Flamenco de Sevilla fue la primera instituciĂłn de peso mundial, que nos abriĂł las puertas para poder demostrar la verdadera internacionalizaciĂłn del flamenco. Mucho se habla de esto desde que la Unesco lo declarĂł Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, pero poco se ha hecho al respecto. Estamos viviendo un momento de vuelta a los orĂ­genes y se estĂĄ reconociendo que tambiĂŠn nuestras culturas influenciaron mucho en lo que hoy llamamos flamenco. Fue una experiencia enriquecedora para mĂ­ como artista y como director artĂ­stico, pero aĂşn mĂĄs considerando a todos y cada uno de los compaĂąeros que en nuestros paĂ­ses siguen luchando dĂ­a a dĂ­a por mantener vivo este arte. Espero que este camino que se ha abierto sea un sendero de muchas cosas buenas para todos los que siguen detrĂĄs, y que en mĂĄs festivales espaĂąoles se tenga en cuenta el talento del otro lado del mundo, porque hay mucho.

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¿Existe un amenco hecho en AmÊrica diferente del que se hace en Sevilla?

SĂ­, hay una diferencia. No puede bailar igual una persona que naciĂł y viviĂł en Buenos Aires, o en MĂŠxico, o en Sevilla.

Si bien hoy en dĂ­a tenemos mucha mĂĄs informaciĂłn que antes y hay muchos maestros que viajan, nuestros paĂ­ses y nuestras culturas son diferentes. La situaciĂłn social de cada uno, la idiosincrasia, las costumbres y la forma de expresar, es un tema muy complejo del cual se puede escribir una tesis. Muchas de las identidades que existen hoy en AmĂŠrica se han forjado de las grandes migraciones, en su mayorĂ­a de espaĂąoles y en concreto de andaluces: de ahĂ­ viene el gusto por el flamenco. La diversidad y la forma de expresarse es inmensa; las maneras en las que los antiguos y nosotros nos expresamos, es una forma de subsistir, cuando viajamos de un lugar a otro. El flamenco desde sus comienzos, ha sido un arte viajero y de sus viajes se ha enriquecido. Siempre recuerdo el caso de Vicente Escudero, Carmen Amaya o Sabicas, que no eran ni de Sevilla, ni de Jerez, ni de Madrid y que cambiaron la forma de bailar y tocar flamenco. Ellos han recorrido el mundo entero y el aporte que nos dejaron no vino del seno de la EspaĂąa (ni de la AndalucĂ­a) profunda, sino de todo aquello que ellos llevaban de sus tierras y que enriquecieron en sus viajes.__BD

NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 23

E N T R E V I S TA

Monstruos a la Luz del Día Por Gustavo Friedenberg

La obra de Ulrico Eguizábal genera misterio. Con una estética tan impecable como intrigante y un nombre que invita a imaginar: Les Monstres Danseurs se ha hecho notar en las redes sociales casi sin esfuerzo y sobretodo, sin contar demasiado.

Se presenta por tres únicas funciones en un horario tan poco convencional como su director

¿Y acerca de lo monstruoso?

Con las intérpretes ya habíamos trabajado sobre el cine de terror, lo monstruoso y las relaciones vinculares dentro de una familia no convencional, aunque los personajes no están referenciados a la realidad. Más bien hay algo corrido en ellos; su movilidad, la forma en que ocupan el espacio, y a su vez en cada uno hay una particularidad. Yo de por sí tengo un físico y un look singulares, pero con las chicas hubo que dar una vuelta de tuerca desde lo estético para que el espectador llegue a ver esa extrañeza, ese corrimiento.

Los monstruos son Teli Ortíz, Jimena Pérez Salerno, Ulrico Eguizábal y Caterina Mora, a quienes se podrá ver únicamente los viernes 18 y 25 de noviembre a las 13 hs y el lunes 21 a las 14 hs, en la sala Presidente del Centro Cultural San Martín, con entrada gratuita. En diálogo con Balletin Dance, Eguizábal anticipa algo de su puesta.

¿Hay un argumento?

Mucho de la línea argumental del trabajo pasa por la relación con el espacio, qué se puede usar y qué no, ciertos obstáculos y zonas de riesgo. Después no hay una historia, pero si una referencia fuerte de la película Paris is Burning (1990) que retrata unos bailes o competencias que se hacían en los ´80 en Estados Unidos, en determinados sectores de la comunidad gay, negra y latina. Personajes muy marginados. Una de sus características principales era el Voguin que tiene que ver con la revista Vogue, y una danza creada a partir de poses de las modelos puestas in motion. Por eso tiene algo de angular, bidimensional y pantomima.

¿A qué se debe el misterio?

Básicamente para reforzar la ficción: no mostrar ni hablar demasiado del making off. La escena tiene que ser una realidad distinta de la que vivimos todos los días y eso lo logramos, entre otras cosas, cuidando la difusión. Hay algo que no quiero revelar para crear un imaginario en relación a la obra.

¿Qué lugar ocupa la estética?

Para la gráfica de la obra se usó un concepto de editorial de moda. Yo de vez en cuando trabajo como modelo, conozco mucha gente del medio y algo de ese mundo me interesó siempre. Este trabajo me permitió reunir todos estos universos. En escena hay alguna cuestión que remite a caminata de pasarela pero todo está velado por otras cosas.

¿Qué son Les Monstres Danseurs?

No es que yo hable francés perfecto, pero el nombre se me apareció así y me gustó respetar el modo en que surgió espontáneamente. No tiene una traducción exacta, pero de algún modo tiene que ver con la sonoridad del mundo que presentamos; para mí es un escalón más en busca de esa ficción irreal.

Fuerte referencia a la película Paris is Burning 24 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Les Monstres Danseurs, “…algo de angular, bidimensional y pantomima…”

Fotos . Juan Antonio Papagni Meca

Descubrir la obra La pieza, que es ópera prima del creador cordobés, nació en el Laboratorio del Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la Ciudad de Buenos Aires (Prodanza), que a través de una convocatoria pone a disposición de las propuestas electas un espacio de trabajo y un tutor artístico, que en este caso fue Silvina Duna. “Yo había presentado un proyecto en el cual trabajaba como temática el terror y lo nocturno -comenta Eguizábal- pero cuando llegamos a la sala nos dimos cuenta de que era imposible tener oscuridad total. Finalmente nos encantó trabajar en esa sala llena de luz, un espacio normalmente utilizado para cursos y talleres, que funcionaba muy bien para la obra. De alguna manera le dio un nuevo sentido: el terror desde una imagen diurna.”

¿Hay algo auto-referencial en la obra?

Hay una idea de cuerpo raro y en ese sentido toca lo autobiográfico. A nivel espacial trabajamos la incomodidad, tener que hacer algo que no entra donde lo querés hacer: con 1,95 metros de altura eso es algo que a mí me pasó toda la vida, especialmente en las clases de danza. En cuanto a los personajes, celosamente detentan un espacio que consideran propio y que es inhóspito, pero se van adaptando. Siempre me interesó la situación límite, incómoda; ir en un sentido diferente de lo orgánico o natural, que son términos de los que desconfío porque no entiendo cómo pueden aplicar a la realidad de todos los cuerpos. Pero para mí, la obra es un espectáculo. Entiendo que hay gente que le puede resultar extraño que el resultado esté por encima del proceso, que se reflote la idea de drama o artificio. De todas formas lo que a mí me interesa es la ficción. __BD NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 25

C O M E N TA R I O

La Fuerza de una Negativa Por Román Ghilotti

La desesperanza no solo indica que lo esperado ya no será; también muestra ocultando cómo aún se yace en el deseo. En Café Müller se presentó Esta, con dirección e interpretación de Soledad Pérez Tranmar Más allá de la consideración teórica de si el programa de mano es parte o no de la obra como tal, de si es texto o paratexto, en el caso de Esta es decisorio. Al leerlo, sea antes o después de ver la pieza, surge una aparente incongruencia. Aparente porque no hay literalidad o descripción más o menos precisa de lo que en acciones hay en el trabajo. Y esto merece ser mencionado así pues las acciones son simples en su mayor parte. Por esto vale transcribir lo que en el programa de mano se imprimió: “Yo siento que esto es lo que tengo que hacer: Me revolcaré en la tierra y con mi cabeza haré conductos subterráneos, me convertiré en lombriz, comeré tierra y construiré mi casa, dejaré que mis secreciones rieguen mis pasos y que las raíces me succionen.

Sé que me estás esperando, pero yo seré la mujer del recuerdo y su recuerdo en pasado. El cuerpo dado vuelta, fondo de sedimentación, la memoria dada vuelta, el olvido peligroso. Mi ojo espera al otro.”

En el espectáculo Tranmar caminó perimetral y enérgicamente el espacio escénico vacío. Muchas vueltas, tal vez cincuenta, de unos veinte metros cada una.

26 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Fuerza decidida Foto . Ignacio García Lizziero

Su presencia y actitud, notablemente potentes, taconeando sus botas, con miradas fugaces a público, algunas desafiantes, otras casi risueñas, las más temerosas. Y luego detenciones súbitas, secuencias fuertes variando dinámicas, exigiéndose, yendo a piso o sentándose en una silla que entró, en otra donde escuchamos música desde un celular.

También ofreció su presencia de frente, en escorzos, de espaldas, agachada, a piso como fustigándolo. Algunos actos rozaban, no sin toques de humor, un patetismo entre erótico y llano y agotado y quieto.

Por supuesto: ninguna lombriz enterrándose, ni raíz succionándola. Sin embargo, en ese cuerpo se señalaban maneras de negar el darse en cómo se daba. Se proponía abierta a ser vista a la vez que se sustraía esa entrega. Un dolor, una forma de la angustia, un resquemor dominaba cada gesto, cada movimiento. Quizá, y siguiendo la lírica de las líneas del programa de mano, todo se trató de negarse a alguien que se supone que espera pero que, en definitiva, no está ahí, o solo en recuerdo, como será ella para quien “espera”. Esto puede ir de la mano con el deseo, con aquello que impulsa y también angustia.

Se puede asociar que quien esperaba es el público: en rigor se estaba allí y se esperaba verla, y esto, incluso, mientras se la veía. ¿Qué hay en esa espera, en ese darse de ella? ¿En esa negativa?

Tranmar puso en juego algo así como a alguien que quiere romper lo que no se rompe cuando eso es, como en Esta, una condición eminentemente actual que se reconoce fuera del deseo, al tiempo que lo anhelado, o simplemente el anhelar, persiste. __BD

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E N T R E V I S TA

Un ‘Clásico’ Entre Gauchos Por Daniel Sousa

El francés Gilles Brinas bailó a las órdenes de Maurice Béjart y en el Ballet de la Opera de Lyon. Sin embargo, un día el folklore argentino se cruzó en su vida y lo llevó a montar un espectáculo que hoy sigue recorriendo el mundo: Che Malambo “¡Pechio! ¡Pechio!”, reclama Gilles Brinas, a voz en cuello, a los catorce bailarines -todos varones- que posan pacientes para la fotógrafa. Se refiere a una postura corporal pero, más aún, a una actitud enérgica, altiva, que pretende transmitir a través de la imagen. El cuerpo erguido, los puños crispados, el mentón firme y la mirada desafiante: esto es Che Malambo, una suerte de Seleccionado Nacional del zapateo, el bombo y las boleadoras, que se prepara para salir a la cancha.

Brinas es francés y a pesar de su ligazón de varios años con la Argentina la marca de origen se hace evidente en el modo en que pronuncia las palabras. Su dialecto es motivo de bromas entre él y el elenco, que dos días después de esta sesión fotográfica y de la extenuante filmación de un

video promocional emprendió una nueva gira europea, con escalas en Polonia y en dieciocho ciudades de Holanda. ¿Cómo llegó este hombre con pasado de bailarín clásico a dirigir una compañía de malambo? Mientras madura la respuesta, Brinas redobla la apuesta: “El verdadero misterio es cómo apareció la danza a mi vida”, dice en un alto de la producción audiovisual, momento que el resto del elenco aprovecha para almorzar. Lo cierto es que, no sin esfuerzo, alcanzó el cénit de su carrera como bailarín en las filas del Ballet del Siglo XX, de Maurice Béjart, y en el Ballet de la Opera de Lyon, a instancias de Vittorio Biagi, otro niño mimado de Béjart, que fundó esa compañía francesa en 1969.

Fue en aquellos años que Brinas forjó una amistad con varios bailarines argentinos radicados en Europa, entre los que recuerda especialmente a Noemí Coelho y Rodolfo Olguín, a Susana Agüero y su hermano Luis, y a Gustavo Mollajoli. A través de ellos conoció el mate, las empanadas y el malambo; y hasta se enamoró de una argentina.

Visitó por primera vez nuestro país en 1975.

En 1972, Coelho lo invitó al Lido de París, donde una de las atracciones era el conjunto Los Indianos, con Juan Saavedra. Quedó fascinado con su fantasía de malambo.

El interés por “hacer algo” vinculado con el folklore argentino fue macerando en él durante varios años, casi veinte. Llevado apenas por su intuición volvió a Buenos Aires en 2005 con la idea de reclutar bailarines capaces de crear “una sinfonía rítmica” hecha de bombos y zapateos. “Estás loco”, recuerda que le dijo Nydia Viola, por entonces directora del Ballet Folklórico Nacional. Pero, sin embargo, tanto ella como Mario Bustos lo ayudaron a conformar el primer elenco de Che Malambo. Desde entonces no han parado de girar por el mundo.

Matthew Bledsoe, responsable del área de danza de la agencia IMG Artist, de Estados Unidos, conoció a la compañía a través de una amiga que la descubrió en Chicago y le envió un video para recomendársela. Desde enero de 2015 es el manager de Che Malambo, grupo que a lo largo de este año ha recorrido ya 32 ciudades de diversos países. Bledsoe, quien además programa por el mundo al Ballet del Bolshoi, al English National Ballet, Les Ballets Trockadero de Montecarlo, e intervino en la reciente visita de Momix a la Argentina, asume que “hasta entonces no sabía qué era el malambo, y la mayor parte de los estadounidenses tampoco lo sabe”.

¿Cómo se ‘vende’ internacionalmente un espectáculo de estas características?

Es un verdadero reto. Che Malambo es baile, es canto, es una danza de gauchos pero no es completamente folklore. Tampoco es un show al estilo Las Vegas. Es difícil de transmitir la idea. Pero el público se vuelve loco, terminan de pie, gritando, pidiendo más. Son todos artistas muy redondos y eso al público le gusta mucho. De manera que tanto puedo venderlo a una sala de conciertos (donde el público tiene un gran conocimiento musical) como a prestigiosos festivales de danza (como el Jacob’s Pillow, donde actuaron este año). O bien puedo venderlo para teatros más comerciales que atraen a los espectáculos que andan de gira.

Brinas vendió su casa para sacar adelante este proyecto. Nydia Viola y Mario Bustos fueron los primeros en darle una mano para conformar el elenco Foto . gentileza del artista 28 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Este tipo de propuesta ha recibido muchas críticas en la Argentina de parte de los tradicionalistas…

Creo que no se deben cerrar puertas, las dos cosas están bien. La estética de Che Malambo está bastante alejada del gaucho, es cierto, pero si uno los ve bailar logran transmitir esa impronta. Yo represento a Farruquito, que es la raíz pura gitana del flamenco, y ahora vengo de la Bienal de Sevilla, donde estuvo, por ejemplo, Manuel Liñán, un hombre que baila en bata de cola. Hubo mucha polémica en torno a esto, pero Liñán triunfa porque su espectáculo es impresionante. ¡Y cómo maneja la bata, Dios! ¿Y por qué no? Nos encanta poner todo en cajas, pero al final eso cierra muchas posibilidades.

Catorce bailarines varones componen la compañía.

Hubo sólo dos mujeres en la historia de Che Malambo, en el primer elenco Foto . Rob Swyrd

NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 29

JORNADAS

DE

base del folklore y añadiendo elementos más contemporáneos.

Gilles es muy consciente del envoltorio, cuida mucho el trabajo de los pies y el dibujo de las coreografías, algo que le viene de sus raíces de bailarín clásico”.

Brinas, ¿por qué no hay mujeres en el elenco?

La mujer no tiene la fuerza de los hombres. Este es un estilo que quiero imponer: una compañía sólo de varones. Tuvimos dos mujeres en París, en el primer elenco, pero ya no. Tampoco me gusta que los bailarines sean todos iguales, de la misma estatura; prefiero las diferencias. Hay gente de todas las fisonomías porque quiero que el grupo sea un reflejo de la sociedad. “¡Cara de Laborde!”, reclama uno de los muchachos para unificar la actitud que adoptarán en la siguiente toma. “Por más que sea una fiesta, acá el cuerpo no se desarma”, los alecciona el director, que mueve los hilos de la puesta como si de un gran titiritero se tratara. “Yo, como productor, entiendo que hay que ser creativo en cuanto a aportarle a la idea original eso que necesita para poder salir al mundo -añade Bledsoe-. El malambo tiene un lugar ganado en la Argentina, que está muy bien, pero esto es un espectáculo y requiere de algunos cambios para que verdaderamente lo sea”. __BD

ACTUALIZACIÓN

DOCENTE Foto: Alicia Sanguinetti

¿Hay riesgo de que el malambo se convierta en una moda pasajera?

No lo creo. Los teatros del mundo están buscando siempre algo nuevo y el malambo está ahí, al alcance de la mano. Estamos abriendo mercados y confío en que el malambo pueda llegar a alcanzar la trascendencia internacional que tiene hoy el tango.

Este es recién el comienzo.

Suena en el set Alma de Rezabaile, una de esas chacareras que incitan al movimiento, y la compañía toda se mueve para las cámaras. De pronto, a alguien se le escapa una arenga en el fragor de la danza y el rostro de Brinas se desfigura. Detesta lo que llama “grititos”, a los que refiere acompañando las palabras con un inequívoco gesto amanerado. “Que no les pinte la Salamanca”, traduce uno del grupo por si hiciera falta.

Muy seguro de su visión sobre el folklore argentino, Brinas dice que si escuchara “las críticas de la gente no haría nada. Algún bailarín de los conocidos me ha dicho ‘vos sos francés, no podés entender mi trabajo’. Es que los folkloristas son muy cerrados y yo quiero hacer algo internacional”, justifica. “El gran aporte de Gilles -interviene Bledsoe- ha sido juntar a estos bailarines para hacer un espectáculo de malambo, desviándose un poco de la

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C O M E N TA R I O

El Tata Cumple Años Para Atrás Por Diego Llumá

Juan Tata Cedrón no sabe de quedarse quieto en bronces ni vitrinas. No encaja. Tiene 70 años y parece un pibe. ¿Cuántas vidas tiene?

Cada obra de Cedrón es una inmersión en galaxias poéticas que están fuera de tiempo y espacio. Uno podría intentar, equivocadamente, ubicarlo en la historia, mirando hacia atrás, a los años sesenta en los que nació el Cuarteto Cedrón. O también pensarlo como exponente de los setenta, de su exilio largo en Francia.

Pero el Tata nunca es contemporáneo. Vive en universos que son recortes de sus afectos. Sus afectos familiares, sus recuerdos melancólicos de estancias en Mar del Plata, de sus hermanos artistas, de su infancia, y una versión edulcorada de aquel proletariado.

La geopolítica cedroniana se teje también en la actualización permanente de sus afectos sociales, sus amigos de entonces (ese entonces romántico del paraíso perdido) que tampoco fueron necesariamente contemporáneos: Tuñón, Homero Manzi, Paco Urondo, Juan Gelman y hasta Julio Cortázar.

La profundidad trágica del mito y el humor alegre de una celebración Foto . Gerardo Azar

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Sus afectos alegóricos: los ladrones que andan de antifaz, que se parecen a apaches franceses, a Fantomás, a Rocambole; a los enanos de feria de los años 30; a los poetas malditos, los nuestros Arlt, Marechal, Scalabrini, Cadícamo…

Y sus afectos políticos: Perón, Evita y el peronismo.

Los más recientes espectáculos del Tata contienen estrategias de toda su astronomía, de todos esos imaginarios transtemporales.

Desde su retorno (nótese que es la palabra que corresponde, no “regreso” sino “retorno”. Porque su vuelta al país hace una década, después de 30 años de expatriación forzada, involucra una épica de vueltas, de reapariciones y de renacimientos que podríamos apelar la “operación retorno”) no ha perdido un minuto.

En la Argentina halló que esa escuela musical que se llama Cuarteto Cedrón, generó discípulos silvestres en los lugares más inverosímiles.

Arrabal Salvaje es eso: una obra original, basada en la música y los mundos arrabaleros del Tata, interpretada por su Cuarteto (que son cinco) y con puesta en escena y coreografía de Andrea

Castelli. (Teatro El Popular, Chile 2080. Sábados de octubre y noviembre 20 hs).

Castelli, uno de esos gajos jóvenes del árbol de Cedrón, reunió a un elenco de bailarines muy profesionales para interpretar una serie de cuadros de inspiración tanguera, pero con lenguaje contemporáneo a la vez popular y académico.

“Los temas configuran un guión: instantáneas de lo cotidiano y profundo del arrabal indomable, muertes, amores, secretos; una especie de mitología renovada por la maravillosa música que el Tata regala a cada cuadro”, sintetizó Castelli a la agencia Télam.

La pieza tiene la carga densa de visión cedroniana del mundo, pero pintada sobre el telón de fondo de alegría y de vida bien vivida que trae encima el Tata.

Es decir, es la profundidad trágica del mito y el humor alegre de una celebración. Es un chispazo intenso en un fondo sombrío.

Es decir… es el Tata.

Las coreografías son entretenidas, técnicas, orgánicas. Eso lo debe Castelli a su inventiva y al talento de sus bailarines. Y también al diálogo de la danza con el intérprete musical, alojado al borde del escenario. (Nota destacada hay que dedicar a la presencia de Miguel Praino en la obra. El violista acompaña al Tata desde 1964. Juntos crearon el Cuarteto, juntos se fueron al exilio. Praino, que sigue viviendo en Francia, viaja a Buenos Aires cada tanto para prenderse en las aventuras terrestres de su camarada. Es imperativo aprovechar estas ocasiones supernaturales de tenerlos juntos en vivo).

La joven guardia que completa el Cuarteto son tres músicos jóvenes y virtuosos, atraídos por la energía magnética del Tata: Miguel López (bandoneón), Daniel Frascoli (guitarrón) y Josefina García (cello).

El vestuario y la ambientación completan el sentido de una obra cuidada.

Una visión amplia es necesaria para terminar de centrar en el tiempo-espacio cedroniano a Arrabal Salvaje. Este espectáculo dialoga con otras experiencias muy diferentes que venía conduciendo casi en simultáneo el Tata Cedrón: El Puchero Misterioso (junto a la compañía de autómatas La Musaranga) y la reedición de la canata combatiente Del Gallo Cantor. Ambas impecables viajes al centro del planeta Cedrón, de la mano del susodicho.

Y por si esta crónica resultara a alguno exagerada, invitados están a experimentar Cedrón en la verdulería (sí, verdulería) de la calle Maza 177, Almagro, donde el Tata canta a viva voz, gratis, los días de feriados patrióticos.

Allí se reúnen los fieles del culto cedroniano, entre compañeros de todas las edades y brumas de inciensos choripaneros, que dan marco también a un templo de todos los tiempos, de todos los arrabales, de todas las épicas, de sus melancolías y de sus alegrías.

Arrabal Salvaje, es un arrabal romántico, pulido, a la vez alegre y cruel, de crueldad artificial. Crueldad de sentido trágico de una vida recreada en un escenario, para alegría de muchos. __BD

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E N T R E V I S TA

Buenos Aires un Cómplice de la Danza Experimental Por Nahuel Aguirre Del 26 de septiembre al 6 de noviembre se realizó la segunda edición del festival Cena Complicidades. Articulándose con otras ciudades de Brasil, Buenos Aires fue una de las sedes y contó con la participación de cuatro obras locales e invitadas. Sebastiao Soares dio detalles sobre este festival que busca generar redes y vínculos Por segundo año consecutivo se realizó en Buenos Aires el Festival Cena Complicidades. La capital porteña se sumó nuevamente a la red de ciudades que conforman este evento de danza experimental e independiente; junto a Natal, Recife, Olinda y Joao Posada. Estas ciudades prestaron sus escenarios a obras locales e internacionales. Sebastiao Soares, coordinador del festival en Buenos Aires, habló con Balletin Dance para dar a conocer el desarrollo de este evento.

¿Cómo fue el inicio del festival este año?

Cenas empezó con una residencia artística a principios de octubre en Natal. Pero la programación de las obras aquí en Buenos Aires comenzó el 12 octubre con tres propuestas: Moeraki,

Moralamoralinmoral y como invitada Accidens de los franceses Groupe Entorse. En el medio se realizó una performance llamada Para Todas As Marías de la bailarina brasilera Cris Olivera.

Si bien las obras que se presentaron este año acá fueron pocas, la participación argentina en el transcurso de todo el festival fue mayor. Gracias a diferentes gestiones, pudimos llevar seis espectáculos a Brasil: Otra Frecuencia del grupo cordobés BiNeuralMonoKultur, Turbio de Carla Di Grazia, MoralAmoralInmoral de Fitzsimons, Carlini, Leonardi y Salinas, De Como Estar con Otros de Celia Argüello, Moeraki de Soares, Castronovo y Di Grazia, y Contacto Sonoro del Colectivo Mazdita.

¿Qué otras obras participaron?

En total fueron veinticinco obras, con grupos provenientes de Suiza, Francia, Canadá, Uruguay, Alemania, España, Perú, Argentina y Brasil. Acá en Buenos Aires participaron dos propuestas locales y dos invitadas.

Accidens de los franceses Groupe Entorse Foto . gentileza de prensa 34 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

¿Cuál fue el criterio de selección?

Además de la rentabilidad de cada obra, es decir, nuestra posibilidad de movilizarlos y demás, este año tuvimos la idea de incluir producciones jóvenes. Los trabajos además tienen una estética más independiente, una búsqueda ligada a lo experimental. Se pensó en un recorte más latinoamericano, hubo participación de obras uruguayas y peruanas. Por otro lado el festival busca ser un puente entre las producciones y las posibilidades de mecenazgo que hay, como por ejemplo Prodanza. ¿Qué lugar ocupa Prodanza en el desarrollo del festival?

Ellos desde el año pasado nos ayudan con la divulgación y el acceso a subsidios. Gracias a su apoyo también pudimos tener al Centro Cultural San Martín como sede principal de Cena Complicidades. ¿Y cuál es el papel de Petrobras?

Petrobras es nuestro auspiciante principal. Es por ellos que podemos movilizar muchas cosas dentro de Brasil. Es por ello además que allá hay un criterio más estético de selección en cuanto a las obras que participan. Aun así pudimos incluir más obras latinoamericanas. Pero este año fue difícil saber cómo nos iba a ayudar Petrobras, dada la inestabilidad política que se vivió este año tuvimos que recortar algunas cosas y organizarnos a mayor velocidad. Por suerte pudimos seguir adelante, aunque por estas razones y cuestiones de tiempo no pudimos ofrecer seminarios dentro de Buenos Aires. ¿Qué puede decir de las producciones y el espectador porteño?

Es verdad que la cultura porteña mira mucho hacia las matrices europeas e incluso las norteamericanas, pero a la vez las condiciones de producción hacen que la identidad de la danza aquí tenga una impronta muy propia. Por otro lado existe, lo que podría llamar un espectador habitué en Buenos Aires. El San Martin, por ejemplo, tiene su público y lo mismo sucede con las producciones contemporáneas. Hay un sector que está acostumbrado a ver danza y a acudir al teatro. En Brasil, en cambio, si bien se baila, no existen las mismas costumbres; la gente va a los teatros atraídos por la novedad. Sin embargo festivales como Cena, lograron estimular la curiosidad por el arte. ¿Cuál es el objetivo del festival?

Nuestra idea es que las producciones circulen. Que suceda algo similar a lo que pasó con La Wagner de Pablo Rottemberg el año pasado. En la edición anterior de Cena Complicidades la obra tuvo una buena recepción y eso fue un vehículo para que participara de otros eventos, lo que la llevo este año a realizar una gira dentro de Brasil. Además buscamos generar vínculos, buscar la diversidad en el lenguaje y dar a conocer artistas. __BD

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brevescomentarios por Agustina Llumá

Buenos Aires continúa siendo una usina de creatividad, que acrecienta su producción aceleradamente. A continuación reseñas, de algunos de los espectáculos que se mostraron (o se siguen presentando) en la cartelera porteña

Qué Azul Que Es Ese Mar Estrenada en 2014, la obra de Eleonora Comelli continuará presentándose los viernes de noviembre a las 23:30 hs en el Teatro del Abasto. Se trata de un encuentro entre el pasado y el futuro, ingeniosamente representado a través de las quincuagésimas vivencias vacacionales de una pareja. Así, Ana es representada por Stella Maris Isoldi (de 69 años) y Laura Figueiras, mientras que Héctor es Roberto Dimitrievitch (de 73) y Matías Etcheverry.

En Qué Azul que es ese Mar, el agua, como co-protagonista, inunda la escena. En trajes de baño (o veraniegos), Ana y Héctor se encontrarán con sus propios pasados y futuros.

Las innegables marcas del tiempo causan rencores pero también afecto; en cada cruce de los personajes afloran el recuerdo de aquello que fue, y la incertidumbre de aquello que todavía no sucedió. Una idea sumamente interesante, con buena puesta en escena y de duración perfecta.

Pasado y futuro conviven en la puesta de Comelli Foto . Sebastián Acevedo

Una de Amor Julieta Rodríguez Grumberg presentó el mes pasado su nueva producción en el Centro Cultural de la Cooperación, interpretada por Ana Armas (destreza), Gastón Santos (clara honestidad), Mariela Loza (que además canta, bien, con una inolvidable sonrisa sensual) y Matías Mancilla (plasticidad desde el alma).

Una propuesta diferente a la mayoría, que relata las diferentes formas del amor de pareja de una manera original. Una de Amor utiliza variados artilugios para dar cuenta de ello: textos, canciones, danzas, juegos y juguetes. La combinación entre la creatividad ideada por la directora y la interpretación volcada por los bailarines en escena dieron por resultado un espectáculo recomendable. Con algunas escenas que podrían haber sido más cortas, la función ofrece un in crescendo de percepciones, aproximaciones, intimidad, riesgos, complicidad, cariño y sobre todo, goce, mucho disfrute, que contagia.

Loza, Armas, Mancilla y Santos, disfrutan su actuación Foto . Alexis Losada

Centro Superior de Arte SYLVIA

GULIZIA

• yoga • danza • comedia musical • música • dibujo • teatro • aikido Av. Roca 1935 · Hurlingham Tel: 4665-4070 · www.sylviagulizia.com 36 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

ESTUDIO DE DANZAS

Silvia Roller

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rollersilvia@gmail.com VIRREY DEL PINO 2352 TEL: 4781-4172

Clases desde los 3 años: Iniciación a la danza Danzas clásicas · Danza jazz · Contemporáneo Arabe · Hip Hop · Tap · Pilates · Yoga Tango · Gimnasia con barre à terre Paola Alves, Guiliana Bonacera, Jennifer Cerrotta Claudia Lucena, Micaela Milanesi, Yasmín Hiasche Nina Marcela Ricci, Silvia Roller, Valeria Perez Roux Sofia Sancinetti, Agostina Schiavi, Agustina Vivone

Artes Escénicas

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Estudio de Danzas

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por 38 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

David Señoran ofrece su nueva creación a cargo de trece bailarines de su compañía, los sábados a las 21 hs, en La Fabrica Espacio de Arte. En la información escrita brindada al espectador, se habla de cómo se vinculan los animales a la hora de procrear, para preservar la especie (y se cuestiona si acaso eso será de alguna manera amor), de la danza y del deseo.

En escena (la escenografía/iluminación son claves en la puesta) los bailarines -con muchísima danza y excepcionales varones- se han deshumanizado. Existen numerosas referencias a diferentes animales, sobre todo aves, pero sin llegar a transformarse en ellos. En algunos encuentros se produce aquello, que hace vibrar a uno, a veces a los dos, bailarines. Pero Temblor, sobre todo, permite el lucimiento de tres de sus protagonistas, cada uno con su propio sello, de cuerpos bien trabajados, buenas líneas y afianzada técnica contemporánea: Alegre Bartoli, Jonas Grassi y Lucas Minhondo.

por Agustina Llumá

brevescomentarios

Temblor

Mega-producción con sello argentino Foto . Estudio Machado Ciccala-Morrasut

Vibraciones de amor Foto . Adrian Arellano

Franciscus En otra dimensión, pero también autogestivo, se encuentra Franciscus, Una Razón para Vivir, una mega producción de Flavio Mendoza en el Teatro Broadway. La puesta no escatima en recursos, con una excelente banda en vivo ubicada a los laterales del escenario, semi escondida por la escenografía, cada cuadro alterna danza, acrobacia, canto, actuación y proyecciones con cambios de escenografía y vestuario constantes.

La obra remite a las vivencias de Francisco de Asís, que no pretende ser fidedigna, sino más bien generar en el público el interés por conocerlo en profundidad, como “una de las personalidades más influyentes y atractivas de la cultura occidental”, según dice Alejandro Roemmers, autor del guión.

Si bien la propuesta alterna dos historias paralelas (una en el Buenos Aires de hoy, y la otra a comienzos del siglo XII en Italia), no son más que una excusa para ofrecer un espectáculo de incesantes estímulos para el espectador (incluso para aquellos ubicados en las mesitas de las primeras filas, que pueden disfrutar de acrobacias aéreas sobre sus propias cabezas) con un intenso mensaje cristiano.

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E N T R E V I S TA

María Martha Gigena Por Román Ghilotti

La nueva Decana del Departamento de Artes del Movimiento (DAM) de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) en entrevista con Balletin Dance La institución: MMG decana “Es un rol complejo. Tiene que ver con aspiraciones, inquietudes y necesidades de todos los que componen el departamento.

Un decano es primero un docente y ha construido una imagen sobre la comunidad académica. Hay que volver a mirar todo, las cosas no son necesariamente como yo las había pensado. Se llega a este cargo por elección de los claustros: no se eligió solo a una persona sino a un proyecto. Recuerdo algo que dijo Diana [Piazza] cuando asumió como vicerrectora [de la UNA]: ‘Una tiene que inventar’. Si te atenés sólo a lo burocrático, administrativo o lo que la norma indica, te quedás sin herramientas. En este momento, el objetivo de la UNA es formar un colectivo que va más allá del DAM. El asunto es defender los intereses del departamento sin cerrarnos sobre nosotros.

“Dos objetivos muy importantes son, por un lado, la actualización de los planes de estudio, primer punto del proyecto que propusimos. Tienen 15 años, hubo un gran laburo en revisarlos pero no se pudo alcanzar la actualización. Es el objetivo más

complejo porque lo artístico va más rápido que las instituciones, que son lentas respecto de los cambios.

“Y por otro lado, consolidar el lugar del departamento en la escena de la danza actual que excede al espacio universitario.

El departamento hizo un cambio en el campo de la danza en la Argentina: hay graduados trabajando por todos lados, y el

CV Profesora Nacional de Danza, Licenciada en Letras. Docente de Historia General de la Danza (UNA), Teoría General de la Danza (UBA), Seminario “Semiología de la Danza” (Posgrado en Tendencias Contemporáneas, UNA). Fue docente e investigadora en Literatura Latinoamericana Contemporánea (UBA). Investigadora: dirige y co-dirige (con Patricia Dorin y Susana Tambutti) proyectos de investigación sobre la danza contemporánea en Argentina. Fue Becaria de Doctorado (UBA), del Fondo Nacional de las Artes y de la Secretaría de Cultura de la Nación. Sus artículos y entrevistas se han publicado en diferentes medios académicos y de divulgación.

Fue Secretaria General de la UNA (2009-16).

“Nada de aquello que caracterizó a la danza, el movimiento, la música, una organización escénica determinada, la noción de coreografía, hoy podría indicarse como excluyente” Foto . Román Ghilotti

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5 de ping-pong

¿El lago de los cisnes o La mesa verde?

El lago de los cisnes ¿Espectáculo multitudinario o íntimo? Íntimo

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Ex Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Ex Coach personal de Maximiliano Guerra

¿Bailar tango o salsa?

Tango ¿Merce Cunningham o Pina Bausch?

Me niego a responder ¿Improvisación o construcción minuciosa?

Improvisación DAM ha sido una referencia para construir cuestiones relativas a la danza universitaria en otras instituciones. Un objetivo es hacer que seamos un actor político en el campo de la danza, con acciones concretas como la Ley de Danza, la participación en diversos espacios, ser una voz en el campo profesional.

Danza Clásica Principiantes · Intermedios · Avanzados

La academia: MMG investigadora “Me aboco a la danza contemporánea en Buenos Aires en el siglo XXI. Trabajamos desde la crítica en sentido académico: la comprensión de ciertas herramientas que funcionan en tanto puedan concebirse en relación con la obra, encontrar núcleos de sentido, construir series pensando de qué manera se trabajaron elementos que se constituyen como tópicos. El enfoque es de orden semiótico: que la producción de conocimiento provenga de las obras y de la demanda de teoría que la obra genera, el vínculo, que ya no es una división, entre teoría y praxis, entre discurso y escena. Hoy, artistas y teóricos construyen sobre este vínculo, que es el problema del discurso y cómo se produce.

Nada de aquello que caracterizó a la danza, el movimiento, la música, una organización escénica determinada, la noción de coreografía, hoy podría indicarse como excluyente. Sin embargo hay una manera de cómo se presenta la obra, cómo es aceptada, y eso vincula teoría y praxis.

Niños · Adolescentes · Adultos Asesoramiento para Profesionales Tel: 6010-4559 · gabrielapucci@fibertel.com.ar

El gusto: MMG per sé “No lo digo por quedar bien pero, afortunadamente, sigo teniendo la capacidad de disfrutar de algo que no sea nuevo. El fin de semana voy a ver La Bayadera y no me parece un gesto arqueológico. Me interesan, sí, cuestiones que revisen, por ejemplo, el concepto de representación o algo que sea fresco y que exponga un modo nuevo de planteo. Pero a esta altura es muy difícil que la novedad sea un valor. En realidad me interesan las obras en particular: puedo interesarme por un ballet o por algo que sea muy performático.

No me gustan las obras pretenciosas, la solemnidad, la creencia de que para decir algo importante hay que hacerlo de manera pomposa. __BD NOVIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 41

BALLETIN DANCE

Lanzamiento

El 18 de octubre, Balletin Dance presentó su último libro: Reflexiones Acerca de la Educación en Danza.

Nuevas Miradas, Nuevos Modelos de los maestros Norma Binaghi y Haichi Akamine, en la Manzana de las Luces de Buenos Aires Con la Sala de los Representantes repleta, y ante un auditorio plagado de afectos, Andrea Bengochea y Alejandro Cervera oficiaron de presentadores de los autores y de su obra. Un breve recorrido por sus carreras profesionales, con una sintética referencia al contenido del libro, dieron pie para que al finalizar algunos de los alumnos de Binaghi y Akamine, expresaran su gratitud públicamente. El encuentro fue transmitido por streaming a través de internet, permitiendo que otros profesionales en varias ciudades del mundo, pudieran seguirlo y realizar sus comentarios en

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vivo. (Se puede ver la ceremonia completa en el canal de Youtube de Balletin Dance: www.youtube.com/user/balletindance).

Esta investigación que ha tomado varias décadas de reflexión, habla sobre la formación de bailarines profesionales. Aquellos aspectos imprescindibles sobre los cuales se debe reflexionar a la hora de plantear su educación: la vocación, la autonomía, el placer de aprender, el cuidado de la salud, y por supuesto el contenido de las técnicas que se deben impartir. No deja de lado los obstáculos que se presentan a la hora de encarar una institución que pregone formar al bailarín del futuro.

A modo de cierre en aquella tarde lluviosa, en el centro mismo de esta ciudad y entre las paredes que se remontan al período jesuítico de su fundación, los autores autografiaron sus libros a la vez de celebrar el nacimiento de esta nueva obra con un brindis de honor. __BD

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12 1. La emblemática Sala de los Representantes colmada de afectos Foto . Antonio Fresco

8. Al finalizar, los autores autografiaron sus libros Foto . Antonio Fresco

2. Akamine con sus alumnos dilectos: Trabalón, Hidalgo y Poblete Foto . Carlos Villamayor

9. Andrea Bengochea, Haichi Akamine, Agustina Llumá, Norma Binaghi y Alejandro Cervera Foto . Antonio Fresco

3. Juana Lederer y Roberto Dimitrievich Foto . Antonio Fresco 4. Norma Binaghi y Paula Notarnicola Foto . Antonio Fresco 5. Susana Zimmermann cerró la presentación Foto . Antonio Fresco 6. Cecilia Gesualdo y Hiachi Akamine Foto . Carlos Villamayor 7. Silvia Kaelher con un alumno Foto . Carlos Villamayor

10. Daniel Sousa, Edgardo Trabalón, Victoria Hidalgo y Victoria Viberti Foto . Antonio Fresco 11. Norma Binaghi y Edgardo Trabalón Foto . Carlos Villamayor 12. Binaghi rodeada de alumnos Foto . Carlos Villamayor Encontrarás más fotos en la página de Balletin Dance en Facebook (en el evento y en el álbum de fotos específico).

Como todos los títulos de nuestra editorial, el libro se consigue en Balletin Dance (personalmente o por internet), en todas las sucursales de las cadenas Yenny-El Ateneo-Temátika de nuestro país, en las Librerías Deportivas de Madrid, y en formato e-book en Amazon.

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C O M E N TA R I O

Los Clásicos Por Agustina Llumá

Los últimos meses Buenos Aires ofreció varias propuestas de base clásica, con galas, estrenos y reposiciones de las compañías estatales locales, y también invitados del exterior, que siempre refrescan al espectador. Algunos espectáculos fueron puros, otros eclécticos y también los hubo combinados. A continuación una síntesis de algunas funciones El Colón El Ballet Estable del Teatro Colón dirigido por Maximiliano Guerra, mostró uno de los títulos más interesantes de la temporada, del 11 al 16 de septiembre: Onegin de John Cranko (el próximo será La Bayadera de Natalia Makarova, este mes de noviembre). La compañía volvió a exponer una diferencia abismal en su entrega cuando la preparación (a manos extranjeras) es eficiente. Hubo tres repartos para los protagónicos: Marianela Núñez-Alejandro Parente, Karina Olmedo-Juan Pablo Ledo y Nadia Muzyka-Matías Santos, como Tatiana y Onegin, y los coprotagónicos: Natalia Pelayo-Federico Fernández, Carla Vincelli-Edgardo Trabalón y Luciana BarrireroEmanuel Abruzzo, como Olga y Lenski. Quien escribe asistió a los dos últimos que lograron mejores performances en el segundo acto.

Las diferencias entre ambos elencos, fueron las típicas referidas a la experiencia escénica (mayor solidez en la conformación de los roles) y a la edad (los más jóvenes con mejores posiciones y energía, pero también con mayor nerviosismo por la envergadura de esta obra magistral). Es lamentable la poca cantidad de funciones que se realizan en este sentido, pues los bailarines no llegan a madurar sus actuaciones.

Alessandra Ferri y Herman Cornejo en Le Parc Foto . Alicia Sanguinetti

Las Galas Las dos galas internacionales marcadas en el calendario porteño en agosto-septiembre, en el Teatro Coliseo y en el Teatro Colón, fueron bien diferentes en su programación. La primera de ellas, ecléctica, trajo al país la creatividad de Momix con ese algo más de la danza, hubo experimentación, danzas de calle, contemporáneo formal y algunos exponentes puramente clásicos con varios bailarines locales. Como propuesta para un público no habitué, variada y extensa, incluye proyecciones previas a cada actuación con testimonios de los artistas, que explican qué es lo que van a realizar y qué significa para ellos bailarlo. La llegada de exponentes extranjeros (bastante escasa en estos tiempos) siempre renueva la mirada local, y más allá de la curaduría, pone sobre la escena un fragmento de la actualidad global.

La del Teatro Colón, ahora llamada Mundial, mucho más formal en su estructura, trajo parejas de bailarines de diferentes

Nadia Muzyca y Matías Santos Foto . Máximo Parpagnoli 44 .. BALLETIN DANCE .. NOVIEMBRE 2016

Eliana Figueroa e Iñaki Urlezaga en Raymonda Foto . Alicia Sanguinetti

óperas europeas y del American Ballet de Nueva York, pero también hubo poco tutú corto/plato. Abrió Por Vos Muero de Nacho Duato a cargo del Ballet Estable, mucho más arraigada en los bailarines que en las funciones anteriores. Macarena Giménez comienza a destacarse entre sus compañeros, anticipando una posible carrera de alto nivel. Luego llegó el turno de los pas de deux que fueron enmarcados en una paleta de similares estéticas, que unificaron la noche. La Opera de París trajo a Rudolf Nureyev (un divertido dúo de La Cenicienta), el Ballet de Stuttgart a John Cranko, el Ballet de Hamburgo a John Neumeier. Estuvo también George Balanchine con Marianela Núñez y Federico Bonelli, y Marius Petipa con ella y Alejandro Parente. Alessandra Ferri y Herman Cornejo hicieron Frederic Ashton y Angeline Preljocaj (un manjar para el alma en Le Parc).

Federales La Compañía Nacional Danza dirigida por Iñaki Urlezaga, bajo las órbitas del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, estrenó el segundo programa de su temporada 2016, del 5 al 10 de octubre en el Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires, con orquesta en vivo (luego continuaron en gira por todo el país, siempre con entrada gratuita). El proyecto de este elenco es (también) casi una utopía: integrado por bailarines de todo el país (y latinoamericanos), con cantidad de funciones en todas las provincias, (3 y 4 de diciembre llegan al Sodre de Montevideo) donde además dictan clases magistrales, gratuitas, y realizan audiciones en búsqueda de nuevos talentos.

Se trata de una agrupación joven, con bailarines que han aprendido de diferentes maneras y que en muy poco tiempo Urlezaga consigue unificar estilísticamente. El trabajo cotidiano se refleja en la escena. Para este programa fueron invitados los bailarines del Teatro Colón Gabriela Alberti y Nahuel Prozzi, que alternaron los roles protagónicos con Eliana Figueroa y Urlezaga (quien anticipó su retiro del escenario a fines de 2017, al cumplir 42 años).

El repertorio: genial. Serenade de Balanchine, con reposición de Diana White, una joyita imperdible, que requiere tiempo y profundidad para encuadrarse en su estilo y que los jóvenes resolvieron con dignidad. Cantares de Araiz de honda energía femenina, una pieza que perdura en el tiempo. Y el tercer acto de Raymonda de Petipa en versión de Urlezaga (como sus anteriores coreografías: dificilísima) con una producción de primer nivel (vestuario y escenografía impecables, hasta el piso del escenario se transforma en un palacio). Magnífica estuvo la Orquesta Académica de Buenos Aires dirigida por Carlos Calleja.

El Argentino El Ballet Estable del Teatro Argentino de la Plata que dirige Maricel De Mitri, comenzó una etapa nómade, anticipándose al cierre del coliseo (por refacciones). Así, actuaron en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, con Marianela Núñez como invitada especial, los días 16 y 17 de septiembre. Bajo el nombre Tríptico se mostraron escenas de La Bayadera confusamente ensambladas en versión de Martín Miranda, Bésame de Ana María Stekelman y Estancia de Carlos Trunsky. En el primero la complicidad aunada entre Núñez-Alejandro Parente fue encantadora. El cuidándola en todo momento para que ella logre esos saltos de la elegancia suprema al goce total. Se destacaron Martín Quintana en la danza hindú y Esteban Schenone en el Idolo de Oro. Bésame llenó el escenario de colorida alegría y diversión, es una pieza que cierra desde todos los análisis posibles, con músicos en vivo, que intervienen en momentos a modo de carátulas.

Se destacó Devid Gómez, con compromiso, gracia y talento.

Por último Estancia liderada por Núñez, mostró otra faceta del mundo coreográfico, con un mensaje testimonial pensado desde el presente en cuanto al granero del mundo. __BD

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7 de diciembre de 1954 - 24 de agosto de 2016 Por Daniel Sousa Sorprendió no verlo sobre el escenario en la única presentación que Leandro Gómez hizo de su espectáculo Más Allá del Tango en el Paseo La Plaza, el pasado 23 de agosto. La elegancia, el rasgo característico de Graciela y Osvaldo, llamaba la atención en la imagen que encabezó las promociones. Nos enteraríamos después que ensayó con ganas para aquella función, hasta que sus fuerzas flaquearon. Como pocas veces, la sorpresa y el dolor por la partida de un artista se extendieron en el ambiente del tango y el folklore con idéntica pesadumbre y reconocimiento a su figura.

Porteño nacido en el barrio de San Telmo, Osvaldo Salvador Ciliento no sólo alcanzó la gloria bailando en los mejores teatros del mundo sino que se ocupó de abrir una senda y darles posibilidades de progreso a muchos otros que vinieron detrás suyo.

Quizás por eso el común denominador de los comentarios en las redes sociales a raíz de su prematuro fallecimiento fue la gratitud de quienes aprendieron de él, no sólo pasos de baile, sino una manera de conducirse en el escenario y en la vida.

Formado en la Escuela Nacional de Danzas, Osvaldo integró desde muy joven prestigiosos ballets de tango y folklore: la compañía de Mario Machaco y Norma Re, el Ballet Salta, Malón Ballet, Los Huachi Pampa, la compañía de Los Dinzel y, tal vez el más significativo, el Ballet Folklórico Argentino de Santiago Ayala ‘el Chúcaro’ y Norma Viola. En 1974 sus primeras giras internacionales junto al grupo de proyección folklórica Los Malambos lo llevaron a Inglaterra, Italia, Suecia y Francia, con funciones en el mítico Moulin Rouge, nada menos. Desde entonces no paró de rodar por el mundo.

En Buenos Aires, su figura espigada, con porte de galán, concitó la atención en sitios emblemáticos como el cabaret Karina, Casa Rosada, Taconeando, y en la pantalla del viejo Canal 9, en un clásico de aquellos tiempos, Grandes Valores del Tango. Fue en

In Memorian

Osvaldo Ciliento

1985 que Ciliento se unió a Graciela García, con la que compartió las luces del show y el afecto en la intimidad del hogar hasta sus últimos días. Para entonces, él ya había trabajado con Mariano Mores y juntos lo harían luego en varias giras. Recorrieron Japón de punta a punta de la mano de Los Dinzel y con Leopoldo Federico. El Viejo Almacén, Osvaldo Requena, Beba Bidart, La Ventana y José Colángelo son figuras y lugares que jalonaron su carrera.

De las sucesivas colaboraciones con el Sexteto Mayor devino el proyecto que lo marcó para siempre: el estreno, en 1992, del espectáculo Tango Pasión, del que Osvaldo -además de bailarín- fue asistente de coreografía, company manager y, finalmente, director artístico. Con esta compañía transitó los cinco continentes, llegando a realizar 285 funciones en un año. Hacia 2012, cuando celebraron dos décadas de éxito, sumaban ya setenta los bailarines que habían pasado por el elenco.

Las últimas actuaciones de Ciliento en la Argentina fueron junto al dúo Los Visconti, en Radio Nacional y en la Exposición Rural. En el minuto postrero sonó en su habitación La Cumparsita, uno de sus tangos predilectos. Y abrazado a Graciela se fue bailando.

Elba Castría La legendaria bailarina, docente y coreógrafa Elba Castría, falleció el 5 de octubre en San Miguel de Tucumán. Considerada un ícono de la danza en Tucumán, fue la impulsora de la creación de la carrera de Danza Contemporánea en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán (UNT).

Docente legendaria, prolífica coreógrafa y gestora incesante, Castría comenzó su tarea en el Jardín de la República en 1955, a su regreso de un importante período de formación en Buenos Aires. A partir de ese momento trabajó insistentemente en el desarrollo y la difusión de la danza moderna y tres décadas después, consigue la consolidación de la primera carrera de danza contemporánea con grado universitario en nuestro país.

El cortejo fúnebre pasó por las puertas de la UNT, en la mañana del 6 de octubre.

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19 de febrero de 1959-10 de septiembre de 2016 Por Ricardo Alfonso

“Para quienes lo conocimos se fue alguien que no pasó desapercibido por esta vida. Con luces y sombras, como todos en definitiva, cosechaba amores y odios, pero nunca indiferencia.

Supo ser un buen artista: bailarín, maestro de ballet y excelente diseñador de vestuarios, de gusto refinado y destacada calidad. Para el Ballet del Sur de la provincia de Buenos Aires, diseñó el vestuario de Gayane, Opus 64, Entre Azul y Verdi y Sonata. Para el Ballet Contemporáneo de Santa Fe Opus 3, Concierto, Stabat Mater y Rendez-vous à Santa Fe, entre otros.

Integró las filas del Ballet Municipal de Rosario, Ballet del Teatro Colón, cuerpo de baile del Sodre de Montevideo, Ballet Hoy y Dalica.

Amaba profundamente la danza y fue impulsor de destacados proyectos en Santa Fe. Organizó el Festejo del Día Internacional de la Danza en el Centro Cultural Provincial, fue socio fundador de Taiarte junto a Dolis Mejico, Juan Pablo Ramirez, Maria José Louteiro y quien suscribe, creó y dirigió el Ballet de Cámara de Santa Fe. Fue, o mejor dicho es, una persona muy importante en mi vida, con la cual compartí muchas cosas que contribuyeron a que sea el que hoy soy.

Por eso, por ese tiempo y por lo vivido: gracias, y que en Paz descanses Fernando. Sé que te hacía falta”.

En el Salón Dorado del Teatro Colón, junto a una compañera del ISA Foto . Jorge Fama

El 7 de octubre murió en la ciudad de Buenos Aires, Rada Eichenbaum.

Poquísimo se sabe a ciencia cierta de su vida, más que los testimonios que han volcado a lo largo de los años quienes fueron sus discípulos, la mayoría de ellos de exitosas carreras profesionales: Gabriela Alberti, Alejandro Parente, Luis Ortigoza, Iñaki Urlezaga, Hernán Piquín, Margarita Fernández, Silvia Grun, por mencionar a algunos pocos.

Poco antes de su muerte, Franklin A. Blanco, creó una página de Facebook para homenajearla (que lleva su nombre), en la que invita a todos a volcar sus recuerdos. En ella, fue posteando toda la información publicada en internet en referencia a la genial maestra. Luis Ortigoza, Asistente de Dirección del Ballet de Santiago de Chile, expresó: “…gracias a ella yo ingresé al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Fue más que una gran maestra de ballet, rusa de nacimiento, formó a muchas generaciones de bailarines de Argentina. Su enseñanza no se limitaba solo a la clase de ballet, y siempre nos deslumbraba con sus experiencias que al ser narradas por ella parecían una fantástica película. Gracias Maestra por todo lo que nos enseñaste, por tus conocimientos y por esa cuota de maravillosa locura tan necesaria para los artistas. Gracias por cambiar mi vida, siempre te recordaré”.

La mayoría de sus alumnos la recuerda como un ser humano excepcional, que no solamente les enseñaba los pasos del ballet que impartía en sus clases, bajo una estricta técnica rusa. Era recta y exigente, de una entrega absoluta, y sobre todo de buen corazón.

Rada Eichenbaum

In Memorian

Fernando Conesa

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Extranjeros La española Tamara Rojo, directora del English National Ballet desde 2012, fue una de las primeras voces del mundo artístico en criticar los planes del Gobierno de Theresa May para controlar la inmigración. La nueva propuesta gubernamental, pretende obligar a las empresas a decir cuántos empleados extranjeros tienen y a explicar por qué no eligieron a trabajadores británicos para esos puestos. Rojo publicó en las redes sociales: “Después de veinte años en este gran país y tras haber sido condecorada con la Orden del Imperio Británico, cuánto tiempo va a pasar hasta que tenga que coser una estrella en mi ropa?” [referencia a la Alemania nazi]. La cultura británica está plagada de estrellas extranjeras, no solamente en lo que se refiere al ballet (Carlos Acosta, Marianela Núñez, Federico Bonelli, por mencionar a unos pocos). La salida de Gran Bretaña de la Unión Europea anticipa cierta tribulación, pues ya ha provocado el derrumbe de la libra, desde el referéndum del 23 de junio, incluso el Fondo Monetario Internacional aseguró un freno en el crecimiento de la economía del Reino Unido. Theresa May expresó el mes pasado en un discurso: “si te consideras ciudadano del mundo, es que no eres ciudadano de ninguna parte”.

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Jirí Kylián, embelesado con el Adriático Foto . gentileza de prensa

Cautivado por las vistas panorámicas del mar desde la ciudad de Ancona en Italia, Jirí Kylián se encuentra rondando un nuevo cortometraje. El genial coreógrafo viajó por primera vez a las playas del Adriático el año pasado para presentar sus cortos en el Festival Cinemática, y allí imaginó una historia, creada en paralelo con el simbolismo del lugar. “El tema de mi película es simple, trabajo en el impresionante espacio de las playas del Passetto Ancona y trata sobre una pareja que luego de pasar cuarenta años juntos, celebran el aniversario de su luna de miel, que comenzó a partir de estas escaleras.” El título será, Scalamare y se estrenará el 28 de marzo de 2017 en el Teatro Korzo de La Haya (Holanda), protagonizada por su compañera artística y de vida Sabine Kupferberg, secundada por Peter Jolesch, basada en Charmaine de Mantovani y su orquesta (de 1951).

Igor Yebra en su escuela de Bilbao Foto . gentileza de prensa

brevesinternacionales

Cinematográfico

Helénico A sus 42 años, Igor Yebra protagonizará Zorba, El Griego de Lorca Massine (1988), junto al Ballet Nacional del Teatro de la Opera de Sofía, el 25 de noviembre en el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián, España. Hacía once años que el español (nacido en Bilbao) no bailaba en Gipuzkoa, y con esta gira el bailarín realizará su debut en el rol, basado en la novela Vida y Aventuras de Alexis Zorbas de Nikos Kazantzakis (1946), llevado magistralmente al cine por Michael Cacoyannis con música de Mikis Theodorakis (1964).

Igor Yebra pasó su infancia en la escuela de danza de sus padres, pero fue al ver a Vladimir Vassiliev en Espartaco cuando resolvió dedicarse al ballet. Se formó en la escuela de Víctor Ullate en la capital ibérica, integró el Ballet de la Comunidad de Madrid y se graduó en el Real Conservatorio de Danza de esa ciudad con Matrícula de Honor. Posteriormente recorrió el mundo interpretando obras de Van Manen, Van Dantzing, Linkens, Christe, Amodio, Balanchine, Van Hoecke y Ullate, y como free lance, amplió aún más su repertorio, al ser invitado en elencos de Europa, América (incluida Argentina) y Asia. Desde 2006 es bailarín estrella del Ballet de la Opera Nacional de Bordeaux dirigida por Charles Jude, y paralelamente creó ese mismo año, una academia de danza en Bilbao.

Nuevo Reconocimiento Nellie Happee recibió la Medalla Gloria Contreras 2016, otorgada por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Rodeada de amigos, autoridades nacionales y colegas de diversas agrupaciones de danza, reunidos en la Sala Miguel Covarrubias de la máxima casa de estudios mexicana, Happee agradeció profundamente por el galardón, y aseguró nunca haber imaginado que recibiría esta medalla, “porque no soy universitaria, pero tendré que hacer algo para compensarlo”. Angélica Kleen, directora de Danza de la UNAM, afirmó que fue un honor entregarla a “quien es considerada uno de los pilares más importantes del ballet en nuestro país”.

Mauro Bigonzetti dejó la dirección de la Scala Foto . gentileza de prensa

Nellie Happee estudió ballet con Nelsy Dambré en la Escuela Nacional de Danza de México, con Xavier Francis y Anna Sokolow, y con Bronislava Nijinska en Estados Unidos. Luego integró el Ballet Mexicano del INBA dirigido por Miguel Covarrubias, donde bailó piezas de José Limón, Doris Humphrey y Guillermo Arriaga, entre otros. Es miembro de la Academia de las Bellas Artes de la Legión de Honor Nacional y del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca). Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que se mencionan el Premio Guillermina Bravo (1997), y la Medalla Conmemorativa de Bellas Artes por 50 años de trayectoria artística (2000).

Cambios Médicos El Teatro alla Scala de Milán anunció oficialmente que Mauro Bigonzetti deja la dirección del ballet, a sólo siete meses de su nombramiento, debido a una grave dolencia en su espalda que le impedirá todo tipo de actividades durante mucho tiempo (según indicaron los médicos). A su vez, se notificó la cancelación de dos de sus puestas programadas para esta temporada. Diferentes rumores circulan por los pasillos del coliseo.

Momentáneamente ha quedado a cargo del elenco en forma interina, Frederic Olivieri, director de la Escuela de Ballet de La Scala, mientras comienzan a escucharse nombres para su sucesión, entre los que Roberto Bolle figura en primer lugar.

Misty Copeland y Roberto Bolle abrirán la temporada 2016/17 en La Scala de Milán con Romeo y Julieta de Kenneth MacMillan, en reemplazo de Coppelia anunciada oportunamente (desde el 20 de diciembre). Y habrá una función de gala excepcional con Alessandra Ferri y Herman Cornejo (el 31 de diciembre).

Estaría programado que Mauro Bigonzetti regrese al teatro para el montaje de un nuevo proyecto de Handel, protagonizado por Svetlana Zakharova y Roberto Bolle en mayo. El otro título que será sustituido por uno que se anunciaría a la brevedad es Romeo y Julieta en septiembre de 2017.

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INTERNACIONALES | REINO UNIDO

Panorama Londinense: un show cada día Por Fátima Nollén desde Londres Comenzó la temporada 2016/17 en el hemisferio norte. Se hace difícil elegir qué hacer esta temporada en Londres en términos de danza. La oferta es tan rica que se podría ver algo distinto cada día. Y no se trata solamente de espectáculos Experiencia directa Uno puede tomar contacto directo con los hacedores pagando una entrada o ver online los tradicionales Insights (charlas y ensayos con público) del Royal Ballet, los del English National Ballet, o eventos como las Conversaciones con… del emprendimiento digital Crystal Ballet que empezó esta temporada con Steven McRae, principal del Royal a la que Balletin Dance fue invitada.

Este australiano venido del tap y graduado en negocios, nunca vio un ballet completo hasta que se unió a la compañía real. McRae sostiene que el éxito de un bailarín se basa en el trabajo duro, gente sabia alrededor y algo de suerte. “Ser un buen partenaire es lo más difícil de todo porque es una habilidad que se desarrolla

La Fille Mal Gardée del Royal Ballet, con Osipova y McRae Foto . Tristram Kenton

lenta y orgánicamente. Mientras más uno cuida a la bailarina mejor partenaire es y llega un punto en que uno siente lo que necesitan casi sin mirar”, dijo. Normalmente baila con Natalia Osipova, Sarah Lamb o Iana Salenko. Si fuese director, una aspiración que no oculta, intentaría “dar a los bailarines más tiempo de recuperación entre función y el día siguiente”, afirmó.

Otra despedida Al mismo tiempo, en octubre, tenían lugar cuatro emocionantes galas de despedida de Carlos Acosta (del ballet clásico), en el Royal Albert Hall: A Classic Farewell, que tuvo sala llena con cinco mil espectadores cada noche. Balletin Dance estuvo presente en la última.

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Marianela Núñez junto a Carlos Acosta en su despedida de los clásicos Foto . Johan Persson

Khan, con un twist de política global actual: las willis son trabajadores inmigrantes. Vincenzo Lamagna creó música sobre el original de Adam y los diseños son de Tim Yip (Oscar por Crouching Tiger Hidden Dragon). Esta apuesta de la directora Tamara Rojo, se presenta en noviembre en Londres, con entradas ya agotadas, luego de excelentes críticas. En enero harán contrapunto con la versión clásica de Giselle (ballet.org.uk).

Acosta bailó Don Quijote, Winter Dreams y Apollo con la siempre espectacular Marianela Núñez, y otras primeras figuras completaron el programa. Se dio el gusto de hacer sus piezas favoritas con orquesta en vivo y la magnífica participación del Coro Pegasus para las obras Gloria (MacMillan-Poulenc) y Requiem (MacMillan-Fauré), raro en una gala, pero demostrativo del poder y estatus artístico que Acosta tiene en la ciudad.

Esta gala fue además un nuevo comienzo, ya que bailó un contemporáneo y simbólico solo final: Memoria (Miguel Altunaga-Murcof ), estilo que encarará de aquí en más. Y presentó también a los excepcionales bailarines Gabriela Lugo y Luis Valle, estrellas de su compañía cubana Acosta Danza que brillaron en Sheherezade (Fokine-Rimsky Korsakov) y Anadromous (Reinoso-Tiersen y Bosso).

El cubano agradeció y dijo emocionado: “ustedes me hicieron, yo salí de la nada y vine aquí donde hice mi carrera y familia. Jamás los tomé por algo seguro. Ustedes me dieron la oportunidad de crecer como artista y vienen conmigo donde vaya, porque son parte de mí”. Luego, pidió que lo apoyen con donaciones a la Carlos Acosta International Foundation (www.carlosacostafoundation.org) que apunta a desarrollar el centro de danza en La Habana para talentos de bajo recursos y renovar la escuela de ballet. Fue ovacionado.

Núñez non Stop Un día importante fue el World Ballet Day o Día Mundial de la Danza (4 de octubre), con cinco horas de live streamings de clases, ensayos y entrevistas desde el Royal Ballet y en los que su principal, la argentina Marianela Núñez, fue número central. Ensayó La Fille Mal Gardée con su nuevo partenaire Vadim Muntagirov, obra que considera “especial porque marcó una época”. Por su parte, Muntagirov dijo: “Fille es matador porque es un ballet muy lúdico pero debe verse como si no requiriese esfuerzo” (www.worldballetday.com).

Marianela Núñez, no paró desde su llegada de Argentina. Pasó de los ensayos de Fille…, a los de la reposición del ballet

El evento más esperado Pero lo más comentado fue la propuesta del English National Ballet que comenzó su gira nacional con una nueva versión de Giselle, adaptada por el coreógrafo Akram

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Giselle de Akram Khan, el evento mĂĄs esperado de la temporada londinense Foto . Laurent Liotardo

Anastasia (MacMillan-Tchaikovsky-Martinú) en el que debutarå como Tschessinska, y a los de la nueva obra con la que Wayne McGregor celebra diez aùos de coreógrafo residente del Royal Ballet en noviembre. Entre medio, Núùez, viajó a Moscú para hacer La Bayadera con el Ballet del Kremlin. Su temporada 19 en el Royal incluye ademås El Cascanueces, After the Rain (C. Wheeldon), La Bella Durmiente, producción que cumple 70 aùos en la compaùía y Woolf Works de McGregor, que contarå tambiÊn con Alessandra Ferri en algunas funciones (www.roh.org.uk).

Navidad La capital britĂĄnica festeja la temporada navideĂąa hasta mitad de enero con El Cascanueces en la Royal Opera House y con el English National Ballet haciĂŠndolo (producciĂłn de W. Eagling) en el London Coliseum. Se suma The Snowman (El MuĂąeco de Nieve), un clĂĄsico infantil navideĂąo hace 19 aĂąos, en el Peacock Theatre, parte de Sadlers Wells, con tres funciones diarias desde fines de noviembre (sadlerswells.com).

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balletin informativo Audiciones El Ballet del Centro del Conocimiento de Posadas, Misiones, dirigido por Laura de Aira, seleccionará cuatro bailarines para integrar la compañía oficial provincial (dos varones y dos mujeres), mayores de 18 años, con DNI argentino. Se ofrece contrato de once meses durante el ciclo 2017. La audición se realizará el sábado 3 de diciembre (clase de ballet y variaciones del repertorio clásico). La inscripción se realiza enviando Cv, con datos personales y formación artística a ballet.misiones@gmail.com.

Croacia. El Ballet del Teatro Nacional de Croacia que dirige Igor Kirov, seleccionará bailarines/as con experiencia y fuertes técnicas clásica y contemporánea, para unirse a la compañía en esta temporada.

Los interesados en participar, deben enviar Cv, con una foto reciente y un enlace (link) a un video en internet, a: balet@hnk-split.hr. La audición se realizará el 20 de de noviembre (sólo por invitación) en Split, Croacia. Mayores informes: www.hnk-split.hr/balet.

Reino Unido. La Mark Bruce Company seleccionará bailarines/as de todas las etnias y nacionalidades, con sólidas técnicas clásica y contemporánea, y capacidad dramática para participar en diversos proyectos de la próxima temporada 2017/18. Los interesados (con permiso de trabajo en UK) deberán postularse por correo electrónico incluyendo Cv, retrato y un enlace a un video de corta duración en internet (de función o ensayo).

No enviar videos como archivos adjuntos, a: MBC-audition@outlook.com, antes del 18 de noviembre. Informes: www.markbrucecompany.com.

La audición tendrá lugar el 10 de diciembre, en Londres.

Ciclo Tesinas Públicas de Teatro, Danza y Música. 2º edición.

Organizan: Barbados-Artes Escénicas y Machado. Podrán presentarse proyectos de graduación finalizados, en artes escénicas y musicales (teatro, danza, actuación, composición e interpretación musical), para poner en escena como obra, en Machado Teatro de la ciudad de Buenos Aires, durante el año 2017. Se ofrecen doce horas de ensayo, gestión y difusión del ciclo. Luego del espectáculo el ciclo propone una charla del autor con los espectadores. La inscripción cierra el 15 de febrero de 2017 y se realiza on-line: goo.gl/0VTu1R. Informes: barba2es@gmail.com, web: www.machadoteatro.com.ar.

Formación de Espectadores. El programa abrió la convocatoria para salas y obras, para integrar la próxima temporada. Podrán postularse espectáculos (teatro, danza y cine) cuya relación estética/contenido despierte la atención en la recepción y pueda ser decodificada por un público que recién se inicia. Bases e inscripción hasta el 29 de noviembre, on-line: www.formarespectadores.com.ar/artistas.html.

Festivales España. Festival Internacional de Cinedanza y Danza Audiovisual FIVER. 5º edición. La Rioja. Se convoca a realizadores, coreógrafos y productores de cualquier edad y nacionalidad, para participar en la competición. La inscripción cierra el 18 de diciembre de 2016. Informes en internet: http://fiverdance.com/new-call-2017/#newcall.

Residencias Convocatorias Centro Cultural Recoleta. Radar Escénicas, ciclo que apunta a visibilizar y potenciar el trabajo de los jóvenes creadores sub30 en distintas disciplinas, que ofrece funciones de teatro y danza, desde marzo hasta noviembre cada año. Podrán presentarse directores o coreógrafos de 18 a 30 años, residentes en la Argentina, con un único proyecto a desarrollar (de teatro, danza o multidisciplinarios). Se seleccionarán hasta tres proyectos, que recibirán hasta $ 125.000 para su producción, hasta 20 funciones programadas durante 2017 en la Capilla del CCR, ocho ensayos de piso, puesta de luces y ensayo general, y el 80% de lo recaudado por venta de localidades. El comité de selección está integrado por Mercedes Halfon, Mariano Saba y Marina Sarmiento. La inscripción cierra el 15 de noviembre y se realiza online: www.centroculturalrecoleta.org/convocatorias/radar-escenicas.

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