BALLETIN DANCE 260

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

DANIEL PROIETTO Blanc en la Opera de Viena

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 260 Diciembre 2016 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

ENTREVISTAS Natalia Makarova Diana Szeinblum Ricardo Ale Emanuel Abruzzo Nicolás Chávez

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Staff

Nota de Tapa 4 Cuando la Alquimia Quita la Respiración

editora general Agustina Llumá

Actualidad 50 Danzas de Salón

editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

Provincias 12 La Plata. Calle 46 14 Ballet del Sur 17 Tucumán. Macbeth

escriben en este número Nahuel Aguirre Beatriz Cotello Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Laura Lifschitz Carlos Manso Toni Mas Stella Salomón Melisa Salvo Daniel Sousa Fabio Toraldo Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 25

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar http://balletindance.com Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Folklore 18 El Gaucho en la Historia Flamenco 22 Natalia Alvarez Entrevistas 30 Natalia Makarova 42 Nicolás Chavez 46 Ricardo Ale, Emanuel Abruzzo Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

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Comentarios 10 Blanc por El Ballet De Viena 11 Inspiración 24 Festival Quilombo 28 Urraka!

33 El Colón 34 El Borde de Sí Mismo 39 The Meeting Point 40 Grupo Caldo 45 El Pacto

El ballet de la Opera de Viena en Blanc, de Daniel Proietto Foto . Wiener Staatsballett | Ashley Taylor

In Memorian 36 Manuel de Falla, El Amor Brujo y El Sombrero de Tres Picos Argentinos en el exterior 49 México. Jurado Argentino Cartelera 21 Espectáculos Balletin informativo 50/51/52/53/54 Audiciones, becas, concursos y festivales, congreso, convocatorias, puntos de venta

Sumario Diciembre 2016 Año 23 Nº 260

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Proietto en montaje de Blanc Foto . Wiener Staatsballett | Ashley Taylor 4 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Del 28 de octubre al 6 de noviembre, se realizó la 25º edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso. De carácter bienal, se trata de uno de los eventos más antiguos y prestigiosos del mundo de la danza.

Como es habitual, la República Argentina estuvo representada por varios artistas, que se publicarán en las próximas ediciones. En esta entrega, Daniel Proietto habla de sus últimas creaciones

Nota de tapa ----------------------------- Por Agustina Llumá desde La Habana

Cuando la Alquimia Quita la Respiración El argentino Daniel Proietto mostró en el Festival de La Habana su coreografía Cigne, bailada por una de las más jóvenes promesas del elenco anfitrión, el Ballet Nacional de Cuba (BNC). El 5 de noviembre la pieza se lució con una magia, que dejó a la sala bajo un hálito difícil de explicar con palabras, en el imponente Gran Teatro de La Habana (impecable luego de las obras de remodelación). Por otro lado, él bailó en la Gala de Clausura (el 6) Réplica, un solo de Omar Saravia sobre música de David Bowie.

Para Cigne eligió dos jóvenes promesas del BNC, de 19 años, Daniela Gómez [quien lo interpretó en el Festival] y Melisa Escalona. “Dos futuras estrellas de la casa”, remarcó Proietto, dejando saber que la posibilidad de seleccionar a la bailarina del BNC con total libertad había significado una ofrenda importante. “Con Daniela, me conecté muchísimo, porque es una artista pasional. Sale al escenario a trascender de la manera en que yo trato de hacerlo como bailarín también. A veces, los bailarines, tenemos esa cosa compulsiva y obsesiva de controlar las cosas, y para mí siempre fue muy importante -desde chico-, quebrar con ese molde de la perfección y dejar salir algo que tiene más que ver con lo visceral, con el ser humano, con la profundidad”, explicó.

Después de haber rendido un homenaje a Vaslav Nijinsky con Rusell Maliphant, Proietto comenzó a pergeñar un tributo a Ana Pavlova. Lo creó en 2013 para su partenaire “de toda la vida” en el Ballet de Oslo (Noruega), Camilla Spidsøe, a quien admira. “La Muerte del Cisne, no solamente marca el final del romanticismo -el cisne como símbolo del romanticismo-, me DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 5

parecía genial e interesantísimo, el concepto de Fokine de cerrar esa época, con la simbología de la muerte del cisne”. Un film en blanco y negro de la Pavlova bailándolo, sirvió para crear una nueva película, también monocromática “pero contemporánea” (en ella se permiten las cámaras lentas y el zoom), que es proyectada sobre la boca completa del escenario complementándose perfectamente con la acción en vivo que sucede detrás: ella, la bailarina, junto a un niñito (en Cuba, Ernesto Acevedo, alumno de la Escuela Nacional de Ballet) que interactúa con el cisne en su muerte, ingenuo, dubitativo, interrogante, curiosamente, triste. En su gestación “pensaba la muerte en sí, a quién le deja un impacto, cuál es el primer momento en que uno piensa en la muerte. Por eso incluí a un niño cuando confronta el ciclo de la vida por primera vez”, detalló. El pequeño además, canta la primera parte del poema homónimo de Lord Alfred Tennyson, “que sirvió de inspiración a Pavlova y a Fokine”. El maquillaje, por su parte, de cara muy blanca, está pensado “también como si fuera una película en blanco y negro. Hicimos el video en Oslo; quien baila es Camilla, y recrea el video original, por la estética y su manera de hacerlo” (tan diferente a como se lo conoce actualmente).

La escena en vivo detrás de las proyecciones: Cisne y niño, en el Festival Internacional de Ballet de La Habana Foto . Alicia Sanguinetti

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Planes a futuro “Inmediatamente me voy a Gotemburgo (Suecia) donde reponemos Si a las Sombras Hemos Ofendido [parafraseando el principio de un pasaje de William Shakespeare de Sueño de Una Noche de Verano], una obra que hemos creado el año pasado junto a Alan [Lucien] para la Compañía de la Opera, que para mí es el elenco de danza contemporánea más fuerte que hay en este momento en el mundo”, aseguró sin dudar. “Luego me voy a Kiev, a bailar Sinnerman con Ivan Putrov y recién después finalmente tengo un descanso, que realmente necesito. Fue una época de muchas obras, una locura, estrenamos con la familia -porque con Alan [su pareja en la vida real] los dos creamos- la obra de Kabuki con el bailarín de flamenco Shoji Kojima el 14 de octubre, el 22 de octubre fue la première en Gotemburgo, el 1º de noviembre fue la première en Viena, el 3 de noviembre tenía que bailar el Bowie de Omar Saravia en La Habana (que se estrenó el 7, por un corte de energía eléctrica). Cigne se estrenó el 6 de noviembre. Voy a Buenos Aires a buscar a mi sobrina para llevarla a pasear conmigo por Europa: un poco de familia es necesario.

Montaje de una escena del Poeta Foto . Wiener Staatsballett | Ashley Taylor

En Cuba El coreógrafo argentino, estuvo en La Habana a comienzos de año, para reponer Fauno de Sidi Larbi Cherkaoui en la novel compañía Acosta Danza. Lo había bailado en giras, allá por el año 2011, si mal no recuerda. Al llegar a la sala de ensayo, descubrió a diez de los bailarines que habían sido “primerísimos” de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea.

“Fue un placer, me encontré con gente extremadamente talentosa dentro del ámbito contemporáneo, que hizo la obra de una manera fenomenal”.

Cigne ya ha recorrido bastantes compañías a lo largo del globo.

Manuel Legris -director de la Opera de Viena- lo vio a principios de 2014, recuerda Proietto junto a esta cronista, poco antes de despegar de La Habana con rumbo a Gotemburgo. “Me acuerdo que se había puesto a llorar en las coulisses varias veces”, confesó indiscretamente. Hubo que esperar hasta junio de este año para poder mostrarla en Austria (sujeta a los tres años de exclusividad con el elenco original). Mientras tanto, el director del ballet vienés, en un gran voto de confianza, le pidió al argentino que realizara una creación para ellos: así nació Blanc (blanco en francés), que se estrenó el mes pasado (ver comentario a continuación).

Blanc Un par de días antes de llegar a Cuba, Proietto estrenaba su obra de mayor envergadura creada hasta el presente, para el ballet de la Opera de Viena. “Fue… como el momento culminante en mi vida, hasta ahora. Tener esa oportunidad fue una cosa fantástica”, aseguró. Para el joven coreógrafo, trabajar bajo el ala de Manuel Legris, “a quien considero un genio absoluto y uno de los últimos grandes, grandes de la historia”, fue increíble. Que confiara en él para hacer su primera obra grande, “y con todas las posibilidades que me dieron para traer un gran equipo: mi compositor musical, escenografía, video, con los textos de Alan Lucien Øyen” y la Orquesta que tocó la partitura en vivo.

En cinco semanas y media montó el ballet de 40 minutos de duración. “Ellos tienen un repertorio muy extenso: mientras estuve en Viena, por ejemplo, trabajaron con diez obras”, simultáneamente. Utilizó a veinticuatro bailarines y un actor (austríaco) que recitó el texto en alemán, “para comunicarme lo mejor posible con el público dentro de su lengua”, explicó.

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¿De qué se trata Blanc?

La pieza tiene dos caras. Por un lado el fenómeno de los ballets blancos, “esos actos tan especiales que para mí son el centro del romanticismo en sí, el centro de la danza clásica, allí está el eje de la cultura del ballet clásico”. Y por otro lado, en Chopiniana especialmente, “que es el primer ballet que aprendí cuando era muy chiquito, me lo enseñó Estela Erman, cuando fui a la Opera de París a hacer una audición frente a Claude Bessy. Lo bailé esa vez y me marcó mucho. Me encantaba, me parecía una cosa muy pura, extremadamente poética, de una belleza realmente simple. Estudié mucho la idea de que fue uno de los primeros ballets abstractos, y asocié la conexión de Fokine en blanco, sin una historia, sin una idea de narrativa. De allí vino el poeta,

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Daniel Proietto en Réplica de Omar Saravia, en la Gala de Cierre del Festival Internacional de Ballet de La Habana Foto . Alicia Sanguinetti

Daniel Proietto compartió programa en la Opera de Viena con George Balanchine, “fue un gran honor”, aseguró con sentida modestia. como creador, como artista, confrontándose con la inspiración misma, con las sílfides, desde esa página en blanco que es el comienzo de la creación. Entonces, es una obra que tiene dos costados, uno muy romántico y otro muy existencialista. El poeta, como personaje no solamente se pregunta qué crear -frente a la página en blanco- sino el por qué crearlo, cuál es el mensaje después de la creación; y de la vida en sí misma, es un mensaje bastante existencialista”. __BD

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Balletin Dance tuvo la fortuna de asistir al ensayo general de la producción el 31 de octubre, compartiendo con sus protagonistas las tensiones y emociones típicas del día previo al estreno. Nacido en París en 1947 como Palais de Cristal, al año siguiente para su estreno neoyorkino pasó a llamarse Symphonie in C, acentuando la importancia de la relación esencial entre música y danza típica del trabajo de Mr. B. En Viena, se produce un punto de encuentro entre las dos: tutús blancos, mallas negras y telón azul como en la versión americana, pero con una manera de bailar mucho más afrancesada, más atenta al cuidado de las poses y la pureza técnica, con menor velocidad y desequilibrios. Fueron una excepción las parejas del segundo movimiento (Liudmila Konovalova-Vladimir Shishov) de fuerte química y un trabajo de punta muy fluido, y la del tercer movimiento (Nina TonoliDenys Cherevychko) de excepcional brío, menos intimidada para los desbalances. La obra se presta como un gran desafío para cualquier compañía de ballet y que, en este caso, denota un dualismo interesante.

Murmurations desarrolla ese fenómeno típico de las bandadas de estorninos (pájaros originarios de Europa meridional) que dibujan y enlazan vuelos en formaciones cambiantes. Con esta idea Edward Liang, director del Ballet Met, se abre poco a poco a una dimensión más humana, que desemboca en encuentros más íntimos. Antes de deslizarse nuevamente en series en canon, Liang se detiene, demasiado, en un dúo que podría considerarse el centro emocional de la pieza. La composición musical de Ezio Bosso se presta a los intentos del coreógrafo, que logra crear espacios pano-

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Ketevan Papava y Eno Peci. Con o sin falda, según se representa a la musa o a la mujer Fotos . Wiener Staatsballett | Ashley Taylor

Por Fabio Toraldo

El Ballet De Viena Se Desliza Por El Cielo C O M E N TA R I O S

Una vez más el deseo de distanciarse del suelo para tomar vuelo inspira la creación de una amable noche de danza ofrecida por el Ballet de la Opera de Viena que dirige Manuel Legris.

Symphonie in C de George Balanchine, Murmurations de Edward Liang y Blanc, una nueva producción de la estrella en alza, el argentino Daniel Proietto

rámicos de amplio respiro gracias a las atmósferas kylianas (que han sido parte de su experiencia como bailarín), pero que dejan este trabajo como coreógrafo poco personal.

Contemporáneo pero al mismo tiempo ligado a la tradición fue Blanc, la nueva obra de Daniel Proietto. Partiendo de Les Sylphides, un clásico del ´900 (que a su vez era un homenaje al ballet romántico del siglo anterior), el argentino expresa la nostalgia por el mundo donde el épaulement tenía un rol más determinante que el de hoy en día, cuando la figura de la bailarina aún representaba ese ideal tan ambicionado, que podía hacer que el hombre sacrificara cualquier cosa por ella. Como en Fokine, Proietto desarrolla la coreografía alrededor de la figura del poeta, a quien suma el don de la palabra. El actor Laurence Krupp recitó en escena (textos de Alan Lucien Øyen) aquello que su sombra, el elegante Eno Peci, prefirió bailar. Se trata de la búsqueda del poeta de su musa inspiradora, que inicialmente encuentra, rodeada por amorosas sílfides, que se alegran en calurosas sensaciones de satisfacción y plenitud. Pero poco después cae en el vacío de haber perdido lo que un momento antes había logrado tener, acabando circundado por willis transfiguradas, generadoras de pesadillas. Al mismo tiempo, las notas acogedoras del concierto Nr.1 op.11 e-Moll de Frederic Chopin son suplantadas por los azotes de Mikael Karlsson. Se suma el uso constante de proyecciones que ofrece a la obra un toque cinematográfico.

Para finalizar, el poeta se encuentra frente a frente con la encarnación de su musa (la impalpable y armoniosa Ketevan Papava), pero no será capaz de repetir la magia que había podido crear en precedencia por lo que la dejará escapar, esta vez en silencio, dejando a su sombra bailar en primer plano, aquello que muy probablemente las palabras nunca van a poder expresar. __BD

Inspiración Recuperada y Perdida Por Beatriz Cotello Otra mirada sobre el estreno reciente en la Opera de Viena, por la corresponsal de Balletin Dance en la capital austríaca: Tres piezas, un Balanchine y dos recientes de Liang y Proietto La Sinfonía en Do de Georges Bizet coreografiada por Balanchine es bien conocida y fue realizada de manera impecable por el Ballet Estable de la Ópera de Viena, tanto por los solistas como por el corps preciso hasta la exaltación. Los tutús de las bailarinas recreados por Stéphanie Bäuerle se enmarcaron dentro de la tradición balanchiniana.

Murmuration sobre el Concierto N°1 Para Violín de Ezio Bosso, resultó rítmico y airoso. La danza concuerda con el estilo expresionista de la música, es una coreografía sin complicaciones, cuyos movimientos son remarcados por el vaivén de las túnicas de gasa. Las figuras de conjunto parecen caleidoscópicas, que culminan bajo una lluvia de pétalos o plumitas.

Blanc de Daniel Proietto, gustó especialmente, por encontrar su inspiración en las sílfides chopinianas y porque en su

búsqueda de la originalidad no apela a la estética de la fealdad, antes bien, todo en el ballet es hermoso. Les Sylphides fue el primer ballet que vi en el Teatro Colón y desde entonces no me abandona el recuerdo de mi éxtasis ante la escena maravillosa que apareció ante mis azorados ojos cuando se levantó el telón.

El hilo argumental de la obra se desarrolla en seis escenas, y expresa la dialéctica entre la inspiración recuperada y perdida del Poeta, que aparece desdoblado entre un actor que declama y su contrafigura (su sombra): un bailarín. No encuentra inspiración y se dirige en su búsqueda al bosque, donde se topa con las sílfides que no pueden ayudarlo, pero entre ellas por fin descubre a una mujer, su musa (encarnada en Ketevan Papava en el estreno) que lo abraza o lo elude. Por fin el Poeta queda solo.

El juego de luces aportó magia a la puesta, por momentos las sílfides eran iluminadas desde atrás (parecían sombras), con buenas proyecciones dirigidas sobre dos pantallas a modo de biombo: entre ellas, árboles para representar al bosque, en negativo en un pas de trois de figuras maquilladas y vestidas también en negativo.

El vestuario de sílfide (tutú largo de gasa vaporosa y alitas cóncavas), se muestra con o sin falda (según se representa a la musa o a la mujer).

La música no es Chopiniana -hubiera sido redundante-, si bien se inicia con el nocturno de Chopin tocado en un disco antiguo, el ballet se desarrolla con el Concierto N°1 de Chopin junto a una partitura especialmente compuesta por Mikael Karlsson, con el mismo título: Blanc. __BD

Blanc, alrededor de la figura del poeta desdoblado entre un actor (Laurence Krupp) y un bailarín DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 11

PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Movimientos de Nuestras Tierras Por Melisa Salvo

Una de las compañías de danza contemporánea de mayor trayectoria en la ciudad de La Plata, despide su año artístico con dos propuestas que reencarnan costumbres y vivencias latinoamericanas La compañía platense de danza contemporánea Calle 46, dirigida por Laura Cucchetti, despide un año colmado de funciones los días 10 y 18 de diciembre. La primera función contará con la reposición de Apu, estrenada en el mes de octubre en el Teatro Municipal Coliseo Podestá y se desarrollará en la Sala A del Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha (el 10 de diciembre, a las 21 hs). Su año artístico finalizará con la presentación de Apu y la obra Ciudad, en el Centro Cultural Islas Malvinas, al aire libre (el 18 de diciembre).

Las dos piezas que presentarán este mes significan propuestas casi opuestas en sus temáticas, aunque ambas comparten el hecho de estar inspiradas en sociedades latinoamericanas. En diálogo con Balletin Dance, su creadora explicó que “Apu trata sobre el color y la alegría de nuestra tierra”. Su nombre referencia a montaña y dios en el idioma de los incas. El proceso de creación se inició con la inquietud de Cucchetti de acercarse a la cultura andina, a su música y su gente. Si bien en un comienzo imaginó que el camino la llevaría por el lado del humor, el producto final se caracteriza por la frescura de lo simple, la alegría de la música y lo místico de las costumbres andinas. Entendiendo a la música popular latinoamericana sin fronteras entre países ni provincias, la obra intenta demostrar cómo los pueblos encuentran su forma de expresión a través de ella.

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Una veintena de bailarines integran Calle 46.

En la foto en el estreno de Apu Foto . Cecilia Saleme

Por otro lado, también enmarcada en la danza contemporánea, Ciudad está basada en la película brasileña Ciudad de Dios. Estrenada en 2013, refleja la violencia que hay en las zonas más humildes de las urbes latinoamericanas, tal como se retrata en el film, junto a ciertas actitudes que conviven con ese contexto, como el amor, el carnaval y la música. La directora afirma que fue un desafío lograr que la violencia de los movimientos no afectara realmente a los intérpretes y que quedó muy conforme con su trabajo.

Estas dos piezas coreográficas, se suman a otras cuatro que mostró la compañía a lo largo del año, cuyo repertorio le permite aceptar las más variadas convocatorias, realizando funciones en teatros, escuelas, plazas, hogares, en el Hospital Psiquiátrico de Melchor Romero y hasta en la Escuela Naval Militar. Para ello la directora analiza las características de los espacios y las audiencias antes de seleccionar qué obra van a presentar, para satisfacer todas las necesidades, buscando que el público se acerque hacia ellos, al mismo tiempo que ellos hacia el público.

“Hay obras que son de escenario y otras que ganan en el pavimento, en la calle, en una escuela. Unas dan para todos los espacios mientras que otras sí o sí necesitan la caja escénica”, explicó Cucchetti. Por esto, los intérpretes que integran el elenco adquieren una gran versatilidad y las producciones se desarrollan sin ningún límite espacial. Por otro lado, la directora pretende que sus bailarines se dediquen no solamente a poner el cuerpo, sino también que se relacionen y se acerquen a los espacios y a la gente que habita la ciudad.

Calle 46 surgió en 2010 y es una de las compañías independientes de danza contemporánea con mayor trayectoria en La Plata. Laura Cucchetti, su creadora, intentó que el grupo fuera subsidiado por el Estado como un ballet oficial que representara a la ciudad, pero terminó gestándose dentro del estudio de danza Asociación Sarmiento, con la ayuda de la directora de producción Liliana Carri. El nombre hace referencia a la calle en la cual se encuentra emplazado, que sigue siendo el lugar donde ensaya la compañía y también donde la mayoría de sus intérpretes toman clases.

Con veinticinco integrantes, entre varones y mujeres, en el transcurso de sus seis años de historia estrenaron once coreografías de variadas características. La idea es presentar una obra nueva cada año, a la vez de reponer y mantener vivas sus antiguas creaciones. __BD

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PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Versatilidad Estelar Por Stella Maris Salomón

El Ballet del Sur de Bahía Blanca, dirigido por Ricardo Alfonso, presentó un programa especial, protagonizado por Ludmila Pagliero, del 27 al 29 de octubre, en el Teatro Municipal de la localidad bonaerense Première Danseuse Étoile

Sin duda, los argentinos nos sentimos orgullosos de que nuestro suelo haya dado tantas figuras internacionales de la danza.

Ludmila Pagliero, una de estas estrellas, hizo su paso fugaz por Bahía Blanca, invitada por el Ballet del Sur. Delgada, menuda y frágil, los franceses la han adoptado y el Ballet de la Opera de París la ha promovido en 2012 a Étoile.

Aires y Danzas Antiguas

Enfoque peculiar de un talentoso

En Romeo y Julieta (Bernard Courtot de Boutellier - Piotr Ilich Tchaikovsky) el autor realiza en expresión neoclásica una pintura de sentimientos, plasmando los instantes de la muerte. Julieta despierta de su sueño inducido, descubre a Romeo que yace inerte a su lado y se dirige hacia su propia muerte. Impotencia, desesperación, dolor, ternura, pasión. Ludmila Pagliero encarnó una protagonista plena de fuerza dramática y ductilidad. Grégoire Lansier (Romeo) acompañó eficazmente el lucimiento de ambos. El final invita a meditar, y a vivir el drama en tanto que al goce estético de la síntesis poética: en penumbras, los amantes enlazados en un prolongado e inerte abrazo, envueltos por la bellísima partitura en su paso a la eternidad.

A todo brillo

Equilibrio, giros, salto, batería. El virtuosismo despierta siempre el entusiasmo del público. En Grand Pas Classique (Victor Gsovsky - Françoise Auber), creado en esa concepción que constituye una prueba de eficacia para primeros bailarines, Carolina Basualdo y Gorky Flores desplegaron destreza y señorío con amplitud.

(Ricardo Alfonso - Ottorino Respighi)

Compositor y coreógrafo abordan desde la modernidad la música renacentista. Seres que se reúnen para danzar y expresar vivencias, mediante los lenguajes neoclásico y contemporáneo, alternativamente.

Sólo algunas evoluciones y connotaciones como las mangas de las túnicas o reverencias cortesanas, evocan al Renacimiento.

Hubo un buen nivel en el desempeño de todo el conjunto. Nombres para destacar: Gabriela Noia, Romina Barbieri, Sayoko Hirano y Cristian Velazco.

Una pintura de sentimientos, plasmando los instantes de la muerte Foto . Raúl Lázaro 14 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Julieta y Nikiya

El rol dramático de Julieta contrastó con el lirismo, la pureza de línea y la mesura académica que requiere la Nikiya de Marius Petipa en La Bayadera (música de Ludwig

Minkus), aquí mostrada en versión de Ricardo Alfonso con reposición de Bernard Courtot. Ludmila Pagliero sorteó con soltura las dificultades técnicas y expresó con delicadeza los sentimientos de su frustrado amor. La acompañó con acierto Manuel Martínez (Solor), con muy buen desempeño de las tres sombras: Romina Barbieri, Estefanía Segovia y Gabriela Noia. El cuerpo de baile, enmarcó con calidad y de manera impecable, a los protagonistas.

El vestuario fue apropiado en cada caso, con buena realización del cuerpo técnico correspondiente. Si bien la iluminación fue correcta hubieran dado más brillo a las evoluciones en el proscenio, un par de seguidores que se han echado de menos. La Orquesta Sinfónica Provincial al mando del maestro Federico Sardella, fue cálida e imprescindible.

Fin de temporada

El Ballet del Sur finalizará su temporada 2016, en diciembre con Carmina Burana. Una conjunción de los cuerpos estables provinciales radicados en Bahía Blanca: Ballet, Orquesta y Coro unidos en un espectáculo al aire libre, en el puerto de Ingeniero White.

Proyectos para 2017 Estrenos, programación y gira. Balletin Dance conversó con Ricardo Alfonso, director titular del Ballet del Sur, quien anticipó para el próximo año el estreno de La Sylphide (Bournonville) con la actuación de Ludmila Pagliero, y una gira a Chile. El resto de la temporada incluirá obras contemporáneas y neoclásicas, uno o dos títulos de repertorio clásico y se continuará con las funciones didácticas, vieja práctica de los cuerpos estables. __BD

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PROVINCIAS | TUCUMÁN

La Obra Escocesa

El 24 de noviembre, Alejandro Cervera estrenó Macbeth con el Ballet Contemporáneo de Tucumán dirigido por Patricia Sabbag, en el Teatro San Martin del jardín de la república “Hace muchos años que vengo pensando en este proyecto”, explicó Alejandro Cervera a Balletin Dance. Había hecho un boceto sobre el tema hace tiempo, y se lo había enseñado a Ana Itelman “ella estaba encantada cuando lo vio. ‘Tenés que seguirlo’, me decía. Finalmente, seguí su consejo y lo monté este año. Fueron cuatro intensas semanas de trabajo en Tucumán”. Se trata de una coproducción entre el Ente Cultural de Tucumán (a cargo de Mauricio Guzmán) y de la Dirección Nacional de Gestión y Programación (bajo el mando de Omara Barra).

Se realizaron dos funciones “en el marco de la conmemoración de los 400 años de la muerte de William Shakespeare”. Pero se anticipó que será esta obra, la que abrirá la temporada 2017 de la compañía.

El elenco tucumano, está integrado por una veintena de bailarines. “Entrenan en clásico y contemporáneo. Es un grupo muy creativo y de gran entrega. Estoy muy contento y agradecido con su trabajo”, afirmó el coreógrafo. Para tiempos venideros, Cervera dijo: “ellos ya tienen mi obra Eva en su repertorio y ojalá haya nuevos proyectos”.

Por último, y antes del anuncio institucional, el coreógrafo anticipó a esta revista su agenda 2017: la reposición de Alicia en el País de las Maravillas para el Ballet Estable del Teatro Colón y una nueva obra para el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires. Además, “espero poder reeditar el festival Rojasdanza [en su gestión al frente del área de danza del Centro Cultural Ricardo Rojas] y seguramente continuaré con mis clases en el Taller del Teatro San Martín”. __BD

Damián Carabajal: Macbeth Foto . gentileza de prensa

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FOLKLORE

El Gaucho en la Historia Por Juan Cruz Guillén

Glenda Casaretto y Fernando Muñoz al frente de la Compañía Federal de Danzas, presentaron un nuevo y original espectáculo en el teatro Hasta Trilce, como ya es costumbre suya, un lugar muy acogedor y cómodo para este tipo de presentaciones Al momento de recibir la invitación, ya el título del espectáculo, En Cualquier Tiempo que Sea, me produjo intriga y al mismo tiempo deseos de saber de qué se trataba. Quienes me conocen saben que me llamo Juan Cruz de nombre y “Fierro” de sobrenombre, colocado por mis padres desde antes de nacer, justamente por la amistad entre Fierro y el Sargento Cruz. Soy un apasionado de la obra de José Hernández, La Biblia Gaucha como también se la conoce, que se muestra cada día más acorde con la actualidad. Mi pasión también se traduce en coleccionar cuanta edición diferente puedo conseguir del Martín Fierro.

Después de presenciar el espectáculo, mantuve una larga e interesante conversación con los directores para completar lo que había visto. El primer tema surgido tuvo que ver con la trama principal de la obra situada en la mal llamada Conquista del Desierto: se trata aquí de valorizar el papel del gaucho en esta campaña y mostrar cómo fue un actor social que por su naturaleza no era enemigo del indio, sino que fue obligado a enfrentarse a él por los sectores dominantes que protagonizaron el proceso de organización del país en estado Nación. Esta es la línea argumental principal.

…el poder ejercido por unos pocos cuya ambición lleva al sometimiento del pueblo.

Foto . gentileza de la producción 18 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Por otro lado, En Cualquier Tiempo que Sea buscó acercarse a la actualidad, mostrando el poder ejercido por unos pocos cuya ambición lleva al sometimiento del pueblo. Ese poder fue representado en escena por el jefe militar que reclutó al paisanaje obligándolo a abandonar su forma tradicional de vida y que dirigió la avanzada contra el originario de la Pampa y la Patagonia, matándolo y expulsándolo de su tierra.

Otro de los aspectos que intenta poner en tela de juicio esta obra, acompañando la trama principal, es la presencia de la mujer, que ha sido extraordinaria, pero la historia ni la rememoró ni la consideró protagonista, excepto en raras ocasiones escritas en documentos y libros de difícil acceso.

Fueron varios los momentos que más me llegaron e impactaron de este espectáculo.

En la primera escena llamó la atención la aparición de los gauchos portando lanzas con chuzo (palo armado con un pincho de hierro que se usa para defenderse y ofender) y desgarretadoras (lanzas con una cuchilla filosa en forma de “U” utilizada en la época de la Colonia para voltear los animales vacunos para cuerearlos). Lo extraordinario y original fue ver sobre un escenario este último elemento. A ellos se sumaron el cuchillo, el lazo y el rebenque, para dar el marco justo a un malambo impecablemente bailado por hombres y mujeres.

Así mismo se destacaron otras escenas tales como El Pericón, la Payada con la danza de mujeres con la guitarra como elemento y el adagio del gaucho estaqueado con la mujer fortinera.

En síntesis: se trata de un espectáculo altamente recomendable y para ver más de una vez. Con coreografía y dirección de Glenda Casaretto y Fernando Muñoz, interpretado por Delfina Vivas, Paola Yacone, María Celeste Cosentino, Daniela Genovese, Macarena Zugasti, Victoria Lettiere, Natalia Loureiro, Naike Ginesta, Sara Mabbi De Petre, Melisa Ribelotta, Cecilia Scévola, Gaspar Jofré, Enzo Pascal, Daniel Jara, Mauro Heinz, Claudio Figueroa, Osmar Mercado, Alfonso Davancens, Martín Pereyra, Cristian Coronel, Nicolás Latella y Arian Ortellado. __BD

Fundaciรณn Julio Bocca

2017

Seguimos creciendo en el arte

DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 19

20 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Ballet Andalucía, Las Romeras Flamenco. Viernes 16, 20:30 hs. Espacio Cultural Marcó del Pont (Artigas 202, Tel: 4611-2650). Entrada gratuita.

Fin de año

Porgy and Bess

Muestra de Fin de año de los talleres.

Domingo 11, 16 hs. Espacio Cultural Marcó del Pont (Artigas 202, Tel: 4611-2650). Entrada gratuita.

Opera con música de George Gershwin, libreto de Ira Gershwin y Dubose Heyward. Producción de la Opera de Ciudad del Cabo con dirección musical de Tim Murray y dirección escénica de Christine Crouse. Diseño coreográfico: Sibonakaliso Ndaba. Del 6 al 11, 17 hs. Teatro Colón (Tucumán 1171, Tel: 5254-9100). Foto: John Snelling.

cartelera

Corazón andaluz y flamenco

Giselle

Dignidad De Ignasi Vidal. Versión: Elio Marchi.

Dirección: Corina Fiorillo. Con Roberto Vallejos y Gustavo Pardi. Desde el 5 de enero de 2017. Maipo Kabaret (Esmeralda 443, Tel: 5236-3000).

El Lago de los Cisnes Ballet Danza. Dirección: Iñaki Urlezaga. Orquesta Académica de Buenos Aires, dirigida por Carlos Calleja.

Viernes 23, jueves 29 y viernes 30, a las 20 hs. Lunes 26, martes 27 y miércoles 28, a las 19 hs. Teatro Opera. Entrada gratuita (Reservas: www.desarrollosocial.gob.ar/danza).

Ballet Estable del Teatro Colón. Coreografía y dirección: Maximiliano Guerra. Sábado 17, martes 20, miércoles 21 y jueves 22, a las 20 hs y domingo 18, a las 17 hs: Auditorio Eva Perón del Parque Centenario. Miércoles 28 y jueves 29, a las 20 hs. Teatro Colón (Tucumán 1171, Tel: 5254-9100).

Foto: Diego Heredia.

Muestras finales Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Dirección: Norma Binaghi. Domingo 11, 18 hs. En el marco del Festival Buenos Aires Danza: Sala Alberdi del Centro Cultural San Martin (Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251). Viernes 16 y sábado 17, Carpa Itinerante del Teatro San Martín (Dorrego y Figueroa Alcorta)

Super Ipsum Concepto, dirección y actuación: Natacha Nicora. Dramaturgia: Mylène Lauzon y Antonia Taddei. Jueves 15 y viernes 16, 20:30 hs. Ciclo Marte (Matienzo Artes Escénicas). Club Cultural Matienzo (Pringles 1249, Tel: 6610-1520).

DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 21

FLAMENCO

Flamenco Nómade Por Gabriel Vaudagna Arango

Natalia Álvarez es una bailarina rosarina con una profunda formación en la danza española siguiendo los lineamientos de la escuela Pericet. En los últimos años se ha volcado al flamenco produciendo diferentes espectáculos con su propia compañía. En diálogo con Balletin Dance cuenta sobre el flamenco en Rosario y esta vida nómade del artista Baila, da clases, viaja al interior a dictar cursillos y a participar de eventos de danza. Trabaja con la mayoría de los músicos que van desde Buenos Aires a Rosario a presentar su material en diferentes espectáculos. Actúa en el bar cultural Kika dos veces por mes con músicos locales, baila en el tablao cordobés Enhorabuena una vez al mes… Después de 20 años en la danza viajó a España para reencontrarse con lo que ella soñó hace tanto tiempo y con lo que tanto ama, para materializar lo que llevaba de oído, como dice ella.

¿Cómo se vive del flamenco en Rosario?

Es bastante movida la vida de un flamenco y con faltantes de tiempos. Al menos yo tengo la suerte de tener trabajo, ante todo

dando clases. De eso vivo. Más allá que nuestra actividad principal debería ser el entrenamiento diario y el estudio de la técnica y el baile. Por lo cual vamos intercalando todo con el trabajo; dentro de lo posible y la resistencia física (dice entre risas). Y en medio de todo esto, los shows y presentaciones mías y de los alumnos...

Su formación está ligada a la disciplina de los Pericet con un recorrido por las cuatro escuelas de la danza española ¿qué diferencia ve con la forma actual de estudiar y trabajar?

Existen muy pocas academias que se dediquen totalmente a profundizar el estudio de la danza española. ¡Es una pena! Es tan rica y basta España en su cultura, que sería muy interesante que las escuelas continuaran formando bailarines tan completos como se hacía antes. Con las bases suficientes para seguir profundizando e interiorizándose. Hoy la juventud exige velocidad, síntesis y simpleza; y no es esa la forma de lograr grandes objetivos, en cuanto al arte se refiere.

Después de muchos años de bailar viajó a España ¿qué cosas cambiaron en usted y en qué modificó su forma de bailar?

Fueron muchos años de preparación y estudio. Con muchísimos maestros por los que he pasado. Y al viajar, todos esos conocimientos que llevaba “de oído”, de pronto se hicieron materia, los pude vivenciar, fue maravillosamente perfecto. Regresé hace 30 días y creo que aún es demasiado pronto para saber si el viaje me modificó. Sí se todo lo que me movilizó internamente y siento que toda esa energía absorbida va a ir haciéndose visible en la medida que pueda bailarla, regalarla y entregarla a quien quiera recibirla: al público.

Da clases en Rosario y en Santa Fe, actúa en tablaos en Córdoba, en Corrientes y en otras ciudades ¿usted cree que el flamenco lleva consigo una impronta nómade? ¿Es parte del flamenco vivir viajando para trabajar?

Si. Hoy no me cabe la menor duda. El flamenco es inquieto, movedizo. Hablamos agitando las manos todo el tiempo; algunos se ponen de pie para que se los escuche; si estamos sentados, charlamos y vamos zapateando por debajo de la mesa. ¿Quién podría tenernos quietos mucho tiempo en un mismo lugar? __BD

Natalia Álvarez: “…Hoy la juventud exige velocidad, síntesis y simpleza; y no es esa la forma de lograr grandes objetivos, en cuanto al arte se refiere” Foto . Daniel Altamirano 22 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Ex Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Ex Coach personal de Maximiliano Guerra

Danza Clásica Principiantes · Intermedios · Avanzados Niños · Adolescentes · Adultos Asesoramiento para Profesionales Tel: 6010-4559 · gabrielapucci@fibertel.com.ar DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 23

C O M E N TA R I O

Quilombo en Buenos Aires Por Toni Más

Como cierre de las actividades por el Día Nacional de los Afroargentinos/as y de la Cultura Afro, el Festival Quilombo celebrado el 12 de noviembre en el tradicional Parque Lezama de Buenos Aires, entre las doce y las veinticuatro horas, fue una gala donde reinó la danza con música en vivo, liderada por el tambor Este evento selló un foro de cuatro días con ponencias, charlas y conferencias en torno al significativo aporte de mujeres y hombres africanos, esclavizados, en la configuración fundacional de la actual Argentina. Su inauguración fue el 8 de noviembre, el mismo Día Nacional de los Afroargentinos/as y de la Cultura Afro (Ley 26.852). Tuvo como sede la Manzana de las Luces e incluyó sesiones en la Cámara de Diputados, la Legislatura Porteña y la Universidad Nacional de San Martín. La efeméride conmemora el fallecimiento de María Remedios del Valle, afroargentina nombrada “Madre de la Patria”, a quien el General Manuel Belgrano ascendiera al grado de Capitana, por su valentía en las luchas por la independencia nacional.

Quilombo, Cultura Ancestral, Festival de Herencia Afro, se inició con una Roda de Capoeira dirigida por Mestre Damoda, sucedida por el Movimiento Afroboliviano Mururata. Luego prosiguió

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un desfile de Candombe con 140 músicos y bailarines que salieron de la intersección del Pasaje Giuffra con la calle Balcarce.

También estuvo la agrupación musical Carinhosos da Garrafa, la Escuela de percusión y danza DaraChosan dirigida por el senegalés Abdoulaye Badiane, la puesta escénica Raíz Negra, Ensamble Afrika Presente+BACA, Amores Tangos con Ibrahim Ferrer (hijo), Los Negros de Miércoles y para cerrar, el Bloco Afro Me leva que eu vou. Desde el mediodía, se pudo disfrutar de un paseo gastronómico con ofertas de platos internacionales y una amplia variedad de piezas artesanales regionales.

Balletin Dance fue recibida por tres protagonistas de este homenaje: la antropóloga Alicia Agüero, coordinadora del Área Diversidad dentro de la Dirección Nacional de Diversidad y Cultura Comunitaria, el productor musical Emanuel Ntaka, referente en la Línea Programática Afrodescendiente del Ministerio de Cultura de la Nación y el capoeirista Mestre Damoda.

Doce horas de espectáculos, baile y música Foto . gentileza de la organización

Colaboración El éxito de este ciclo de celebraciones se debió a un arduo trabajo colaborativo de la Comisión Organizadora “8 de Noviembre” (la cual nuclea a varias asociaciones civiles afrodescendientes) con la Dirección Nacional de Diversidad y Cultura Comunitaria, el Ministerio de Cultura de la Nación, la Secretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural del Ministerio de Justicia y Derechos Humanos, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, el Museo Etnográfico Juan Bautista Ambrosetti, las Embajadas de Angola, Congo, Colombia, Ecuador, Haití, Perú, Sudáfrica, Uruguay, el Consulado de Colombia, Movimiento Afrocultural y la Asociación de Mujeres Colombianas en Argentina. Los organizadores agradecieron, también, la colaboración de Egle Martin, Dina Picotti y el Grupo de Estudios Afroamericanos.

Agüero comentó que su área ha sido reestructurada y trabaja con colectivos históricamente invisibilizados (pueblos originarios, culturas regionales argentinas, colectividades de inmigrantes -principalmente las latinoamericanas-, la línea de diversidad de género, y afrodescendientes). La idea fue conmemorar, de la mejor manera a los colectivos afros que siempre formaron parte de la construcción de Argentina como nación. Este festival surge como otro acto de reivindicación, al legitimar y fomentar todas las expresiones artísticas nucleadas en la diversidad de esta cultura y la de sus descendientes, y así tratar de devolverles la preocupación institucional y su representación social.

Emanuel Ntaka, agregó, que aún se busca lograr un real fortalecimiento de las organizaciones civiles afrodescendientes y una mayor articulación entre las mismas. Planteó que resulta impres-

cindible el desarrollo constante de políticas públicas por parte del Estado, que garanticen al ciudadano su integridad individual y colectiva, como sujeto de derecho y no sólo como objeto de estudios aislados o festejos de ocasión. Es tarea de todos revertir prejuicios y estereotipos negativos, enquistados y naturalizados durante siglos dentro de la sociedad, en torno a la imagen del ser africano. El sistema educativo, en Argentina, todavía adeuda la inclusión en sus programas curriculares de esta efeméride, que hoy celebramos, y, que es ley desde el año 2013.

En consonancia, Mestre Damoda, de origen brasileño y residente en Argentina desde 2001, confesó que es un honor abrir tan

Decenio Internacional En el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, sesionó la Tercera Edición del Festival Mandinga, los días 19 y 20 de noviembre. Así se sumó al programa del “Decenio Internacional para los Afrodescendientes (2015-2024): reconocimiento, justicia y desarrollo” (Resolución 68/237 de la Asamblea General de la Organización de las Naciones Unidas del 23 de diciembre de 2013). Se presentaron Valdir Silva, Idile, Candombe en familia + La Cumparsa, Festival Afrobeat Independiente, MAI 70, Don Genaro Afrobeat, El Gran Capitan Afrobeat. También hubo lugar para Terpsícore con espectáculos enmarcados en el Ciclo de Danza 4x4, con un colectivo de coreógrafos de danzas de matriz africana, África presente, Freda Montaño y Ballet Autoconvocado Porteño y Cafundó. Hubo proyecciones, muestras de fotografía y mesas de debate.

DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 25

magna gala con su Escuela de Capoeira Águila Dorada, luego del sufrimiento atravesado por sus ancestros africanos, en todo el mundo, durante varios siglos.

Este 20 de noviembre fue el aniversario 321 del descuartizamiento de Zumbí, líder del Quilombo de los Palmares (el mayor de Brasil, con veinte mil pobladores en un predio de 600.000 km2 en el actual estado de Bahía), asesinado en 1695 en las cercanías de la actual Recife. En 1986 se erigió el Memorial de Zumbí de los Palmares, y en 2007 se inauguró el Parque Conmemorativo Quilombo de los Palmares, en el predio que ocupó. Allí se realizan actos públicos y celebraciones anuales y esta fecha ha sido bautizada como “Día de la Conciencia Negra”. __BD

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Los tambores fueron los reyes de la jornada Foto . gentileza de la organización

Quilombo (en idioma kimbundu de Angola: kilombo) o también cumbe, palenque, mambices o ladeira, denomina en Latinoamérica a un lugar o concentración políticamente organizada de negros esclavos cimarrones. En esos asentamientos también se refugiaban los esclavos rebelados o fugados. En la Argentina, el término fue utilizado en el lunfardo para referirse a los prostíbulos de clientes con poco poder adquisitivo, transmutando su significado a gresca, y actualmente a desorden, o a cualquier problema de difícil solución.

DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 27

C O M E N TA R I O

Los Mudos Por Román Ghilotti

La música es música cuando suena, eso se comprende, igual que se comprende al arte de escena, que es tal cuando se manifiestan gestos y acentos expresivos. La Compañía Urraka! estrenó su trabajo Urraka! Historias musicalizadas con objetos reciclados, con coreografía de Luciano Rosso y Cristian De Castro y dirección de Rosso y Hermes Gaido, en El Galpón de Guevara Se trata de uno de esos espectáculos para espectadores de 4 a 99 años, esto es: simple y directamente se comprende.

En Urraka! la música, omnipresente, se realiza fundamentalmente con instrumentos creados por la compañía a partir del reciclaje de vidrio, metal, madera, plástico: tubos de PVC, caños metálicos, tapas corona de gaseosas, botellas, baldes, listones, tablas de lavar, barras de metal, etc, con los que se construyeron aerófonos y percutófonos. En estas construcciones se reconocen trombones, marimba y batería hechos de reciclados, y extraños “¿órganos? con muchos tubos”, accionados por medio de extrañas “paletas de ¿pingpong?” o pequeños fuelles manuales de “¿juguete?” de plástico. También participan sonoridades de los cuerpos de los intérpretes, voces, respiraciones, golpes, como asimismo algún celular y algún rington y, por cierto, algunos platillos musicales de venta comercial.

Todo se presenta con visos formales: disposición de instrumentos raros en escena como pequeña orquesta, instrumentistas con vestuarios engamados y relativamente elegantes y casuales. Un juego. No hablan. Gestos, acciones, muecas. Guiños cómplices. Actos mudos, con violencia, de esa violencia divertida tomada de las películas cómicas mudas, violencia que puede verse como inocente. Previsible, pero no por ello menos efectiva esa violencia como humor.

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Rivarola bailando en primer plano Foto . Gabriel Reig

Payasos. Eso son estos personajes. En el juego escénico se suceden pequeñas y hasta pequeñísimas historias, apenas anecdóticas: competencias, comparaciones, tratar de establecer acuerdos, torpezas, sorpresas, miedos, burlas.

Y los intérpretes (Emmanuel Calderón, Cristian De Castro, Roberto González, Juan Gudiño, Mariana Mariñelarena, Lucas Rivarola y Pedro Rodríguez) hacen música, pasando por variadísimos géneros y estilos populares, y hacen show de clown, chistes y gags frontales, directos, y hacen bailes, desde un malambo a formas más libres o atravesadas por rítmicas otra vez populares. Se sostiene una teatralidad danzada ya que, como puede apreciarse siempre, un grupo orquestal, al ajustarse en la elaboración de la masa sonora, muestra a músicos que se mueven acordes a las pautas y acentos de la obra: es algo coreográfico ver a músicos en conjunto. Y en función, en Urraka! este valor de lo bailado se acentuó, a veces por la pura rítmica de lo musical pero las más en un despliegue corporal riguroso que mostraba cuerpos, gestos y acciones al servicio de la imagen bailante. Por ejemplo, fue notable el momento en que, con sendas barras de metal de distintos tamaños (para distintas notas), sostenidas en una mano y golpeadas por baquetas al ser soltadas, daban las notas sucesivas de una melodía (parodiando un rington). La coordinación de esto suponía soltar la barra, golpearla en el aire, tomarla antes de que llegue a piso. Y a esto se agregaban muecas, disposiciones frontales pretendidamente serias mientras lo que se jugaba era “peligroso” de acuerdo a la micro historia que ocupaba ese momento. Visualmente, una coreografía que se desplegaba creando su propia sonoridad.

Urraka!, con recursos viejos, sin hablar, sin palabras, con personajes mudos, aporta novedad de acción y humor directo y efectivo. __BD

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DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 29

E N T R E V I S TA

Natalia Makarova

“La belleza es una gran responsabilidad, porque ella puede salvar al mundo” Por Laura Lifschitz Tras residir por más de un mes en Buenos Aires para el montaje de su versión de La Bayadera con el Ballet Estable del Teatro Colón, la prima ballerina Natalia Makarova mantuvo un diálogo íntimo y afable con Balletin Dance Verla salir de la sala de descanso en un alto de los ensayos es registrar la exacta imagen de lo que todo balletómano espera.

Etérea, volátil, Natalia Makarova guarda los mismos rasgos de aquella jovencita tímida pero hipnótica que alcanzó vertiginosamente el rol de primera bailarina en su Rusia natal. Comienzos que en la charla la remiten a La Bayadera y que -contado siempre con histrionismo- la harían dudar acerca de su futuro.

“Monté La Bayadera por primera vez en 1974 para el American Ballet Theater, sólo El Reino de las Sombras. En 1980 hice el ballet completo, mi visión según la versión de Petipa (1877). Lo

30 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

había bailado en Rusia antes, claro. Bailé en el cuerpo de baile no por mucho tiempo, como solista, e hice a Nikiya y Gamzatti.

Pero hubo un terrible episodio, cuando estaba en el cuerpo de baile del Kirov -en ese entonces-. Tenía que reemplazar a alguien que estaba enfermo, en la Danza de los loros. Sabía los pasos, pero nunca lo había ensayado con el loro. Y cuando salí mi loro se deslizó de la muñeca en la que estaba enganchado y estaba tan preocupada por mantener el loro allí, que olvidé todos los pasos.

El público comenzó a reírse. Luego comencé a llorar”.

Anna Ol y Maximiliano Iglesias, protagonizaron algunas funciones Foto . Máximo Parpagnoli

Ludmila Pagliero y Herman Cornejo en la puesta 2016 Foto . Máximo Parpagnoli

su significado espiritual. Es muy duro pero trato de dar las imágenes especiales para ser sublimes, para elevar el cuerpo y ser más espiritual. Ayer tuve esta charla con el cuerpo de ballet [Estable del Teatro Colón], es una suerte de suceso mágico. Ellos realmente lo escucharon, lo entendieron y trabajaron mejor a partir de ahí.

Pero tienes que dar las imágenes correctas, como estaban deseosos de ellas y estaban listos, consiguieron inspirarse. No es solo una cuestión de pasos, lo cual es importante, pero los pasos tienen que ser ejecutados muy expresivamente para hacer llegar la historia y el argumento al público. Eso toma tiempo. El camino para ser expresivo consta de diferentes expresividades, me gusta mi camino para la expresividad: el cuerpo tiene que ser expresivo primero, en el pecho, el tórax, los ojos, el cuello, la espalda, en cómo respiras, cómo existes en el escenario. Esa es mi preocupación básica”.

Tal situación quizás haya sido únicamente trágica en su recuerdo, ya que a partir de entonces Natalia Makarova sólo bailó roles solistas. Por cierto, la Danza de los loros desapareció de su versión.

¿Cómo se logra transmitir el espíritu de un ballet, un drama de amor y pasiones, a una franja etaria que nació con el avance de las tecnologías y formas de comunicación tan distantes de estos relatos?

“Ahora los problemas son materialistas, porque es un tiempo de la electrónica, de la técnica. No es un momento ni muy romántico ni muy espiritual. Esa es mi contribución a Petipa. Al montar una coreografía, no se trata de asistir en los pasos, o mostrarlos, sino en

Intensivos de verano

Aunque toda fibra en Makarova está imbuida del espíritu ruso, de cierta austeridad con la que fueron educadas muchas generaciones de la Rusia comunista, la maestra y bailarina es muy clara en su trabajo: no es una versión que intente únicamente dar cuentas de la excelencia del ballet ruso. Es más que ello.

“Mi objetivo es que un bailarín logre exteriorizar aquello que posee. Quizás el modo de danzar sea ruso, porque la escuela es rusa, pero la espiritualidad está en cualquier nacionalidad. Ahora todo se convirtió en global. Es una particularidad del presente. Cuando la Cortina de Hierro se levantó los bailarines rusos tuvieron la oportunidad de irse libremente a otras compañías (cosa que yo no pude, porque en mi tiempo no estaba permitido y para trabajar en donde uno quisiera tenía que desertar, lo cual es un paso muy drástico). Cuando comencé en el Ame-

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Natalia Makarova: “El ballet es magia: la magia del arte, no sólo del ballet. Y muy pocos artistas pueden crear esta magia” Foto . Dina Makaroff

nación, si se puede hacer una triple pirouette (es maravilloso… yo no soy capaz de hacerlas ahora), si la bailarina tiene la profundidad emotiva, la posibilidad de representar, la expresividad, más este maravilloso virtuosismo, todo suma. Si a diferencia sólo se hacen piruetas, sin sustancia, sin sentido o acercamiento artístico, es más para el circo”.

rican Ballet Theater en Nueva York, fue muy difícil, porque en ese momento no tenían tanta tradición en el ballet clásico, eran más fuertes en el contemporáneo o moderno. Entonces tuve que trabajar muy fuerte, pero me pagó de vuelta, porque tuve que fortalecer cada dedo, cada fibra, las direcciones, qué sentir, qué sacar afuera, nuevamente, la espalda, el cuello, los ojos. Todo era diferente. ¡Pero yo quería realmente aprender tanto!

Al nacer su hijo, usted dijo que él era su mejor “performance”. ¿Y cuáles fueron sus mejores partenaires?

Entre risas, Makarova evocó: “Varios. Recuerdo con gran respeto y gran admiración a Erik Bruhn, gran persona, gran elegancia. Ivan Nagy, fue tan fantástico como partenaire, yo me sentía como una pluma en sus brazos. Podía hacer lo que quisiera. El hizo la mejor coda que pueda recordar en Giselle [La canturrea]. Por supuesto, Anthony Dowell, teníamos realmente gran química. Alguna vez escribí que la química con el partenaire es como un matrimonio”.

Pero usted no iba tan lejos “¡No! ¡Pero en el escenario sí! Hacíamos muy buena comunión.

Recuerdo con alegría cada actuación con él.

También bailó con Julio Bocca “Sí, ¡estaba olvidando nombrarlo! Sí, con él bailé la versión completa de Romeo y Julieta en Londres. Mucha pasión. Y además es una maravillosa persona. De hecho fue mi última interpretación en el Covent Garden.

Cuando un ruso está confundido recita una frase de Anna Karenina: “Todo era confusión en la casa de los Oblonsky”. ¿Reina algo de esa confusión en el ballet hoy en día? Actualmente se pone en duda los alcances de los logros técnicos y atléticos del bailarín en relación con el carácter artístico de la danza. Una coda con triples piruetas o mejores combinaciones de fouettés parecieran conducir a mejores obras, para algunos.

“Esa cita de Tolstoi es una frase que usamos mucho los rusos: Vsësmeshalos’ v dome Oblonskikh. Se dice cuando nadie sabe qué hacer. Pero no pienso eso del ballet. Es fantástica la combi32 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Para el espectador no especializado, el ballet se entiende como una fantasía, un escapismo de la realidad, a la vez que se piensa en la rudeza del entrenamiento, en lo tortuoso del ballet, en la competencia. “¿Habla del Bolshoi, no? -vuelve a reir-. En muchas comunidades, en muchas organizaciones existen estos sentimientos humanos. Es un asunto de todos los tiempos, digamos, shakespereano: ‘siempre hay conflicto’. Mire el mundo, cómo está ahora. No hay armonía.

Pero cuando uno sube al escenario todo se olvida. El ballet es magia: la magia del arte, no sólo del ballet. Y muy pocos artistas pueden crear esta magia. Cuando estás tan comprometido con lo que hacés, todo lo demás se olvida al subir al escenario. Esto es con lo que quiero que la audiencia se involucre, que se emocionen y se vayan a sus casas con esta experiencia emocional, que no pasa muy a menudo. Depende de los artistas, de los bailarines, de su capacidad de conducir esas profundidades emocionales y esas profundidades espirituales. Sólo al lograr esto, uno se siente realizado con el público, porque no se trata sólo de entretenimiento. Es por ese motivo que cambié ciertos elementos de mis producciones, porque creo que en el tiempo de Petipa el ballet era más un pasatiempo, no era una experiencia emocional, sino más bien un espectáculo.

Pero hoy mi visión es que el público se involucre con la puesta, es por eso que obtengo la trama dramática, le doy más dramatismo y más claridad al cortar algunas cosas (que a mi entender son arcaicas para un ojo contemporáneo) y al agregar otras”. ¿Cuáles son sus próximos planes?

“Volver a San Francisco, a casa. Ver a mi hijo y a mi perro. Disfrutar la naturaleza. Me gusta mi casa de campo, en el Napa Valley, que tiene un muy buen vino, como el argentino. Son mis planes inmediatos. No puedo esperar. Estoy cansada porque tomé muchos compromisos unos tras otros y no tuve tiempo de descansar”.

Y Makarova se despide con dos besos y un abrazo. Y accede a todos los requerimientos, entre ellos, dejar unas palabras por escrito como remembranza. Y pese a ser ciudadana de todo el mundo, instantáneamente la pluma comienza a formar garabatos en cirílico, para luego acomodarse al inglés. Como la nota que la bailarina Julie Kent recibió de Makarova para su debut en La Bayadera: “Alguien dijo alguna vez que la belleza puede salvar al mundo.

Qué gran responsabilidad tienes en tus hombros”. __BD

C O M E N TA R I O

El Colón Por Agustina Llumá

Noviembre trajo a nuestro primer coliseo una de las obras más esperadas de esta temporada para el Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Maximiliano Guerra: La Bayadera de Natalia Makarova La producción del mes pasado (escenografía y vestuario) pertenece al Teatro Sodre de Montevideo y se usó en el marco de un intercambio entre los ballets de ambos coliseos, que no resultó positivo para el nuestro. Es lamentable recordar que se haya perdido la impactante puesta del Teatro Colón (ese tema del que no se puede hablar), prestada, alquilada, vendida o regalada poco antes del cambio de milenio.

Por otro lado, continuaron los castigos a las primeras figuras del Ballet Estable: ninguna de ellas (varones ni mujeres) fueron seleccionadas para protagonizar alguna de las cinco funciones programadas.

En su lugar, se realizó una combinación de estrellas invitadas con jovencísimos bailarines locales. Ludmila Pagliero, Herman Cornejo y Macarena Giménez, en un elenco, y Anna Ol, Maximiliano Iglesias y nuevamente Giménez en el segundo, como Nikiya, Solor y Gamzatti, respectivamente. ¿Será correcto lanzar a pequeños a interpretar roles de esta envergadura sin la preparación adecuada? Por último, se contrataron casi medio centenar de artistas “extra” entre bailarines de refuerzo y figurantes, para esta producción.

Aunque cada uno de los bailarines ofreció lo mejor de sí en escena, lo que el público vio, fue una versión desmejorada de La Bayadera, con escenas grupales mal preparadas, falta de conocimiento de gestos y mímicas, junto a una sonoridad proveniente del foso poco efusiva. Se trata de un ballet plagado de personajes y ámbitos, vestuarios y ritmos, es curioso que haya resultado soporífero. La reposición a cargo de Susan Jaffe y Laura Martin (como figura en el programa de mano) no fue ejemplar. La mano adiestrada de Makarova (ver entrevista en esta revista), tampoco consiguió sacar a relucir a la compañía, a pesar de haber sido asistida por Agneta Valcu. ¿Qué fue lo que falló? Algo no está funcionando en el Ballet Estable.

En otro orden de cosas, al cierre de la presente edición de Balletin Dance, la oficina de prensa no había podido detallar las actividades del Ballet Estable en diciembre. En mails que incluyeron “por el momento es la única respuesta que obtuve”, confirmaron que se verá Giselle en versión de Guerra, en dos únicas funciones en la sala principal, los días 28 y 29 (la segunda con Marianela Núñez, nuevamente en la Argentina), y otras cuatro serían antes, en el Anfiteatro del Parque Centenario al aire libre. ¿Quiénes bailarán? No hubo información. Similar al caso de los Talleres Coreográficos (ver nota en esta revista): no se precisaron nombres de los talleristas, ni de las representaciones ¿Será por la cantidad de días que alquilarán el Teatro este mes, para espectáculos de dudosa envergadura? __BD

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C O M E N TA R I O

Arte Entrelazado Por Jessica Zilberman

Del 21 de octubre al 20 de noviembre se llevó a cabo la segunda edición del ciclo El Borde de Sí Mismo en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) del gobierno de la ciudad.

La danza, el teatro y el cine dialogaron con las obras de su patrimonio La segunda edición del ciclo El Borde de Sí Mismo se realizó en el marco del 60º aniversario del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA). Una vez más los curadores del evento, Alejandro Tantanian, Sofía Dourron y Javier Villa convocaron a directores de distintas disciplinas para que trabajaran con ellas desde los límites de sí mismas, descubriendo otros territorios artísticos. Entre ellos, la coreógrafa y bailarina Diana Szeinblum quien presentó su pieza Mi Contundente Situación (con la asistencia de dirección de Eugenia Estévez y de producción de Amalia Di Gregorio). El nombre surgió de la obra de Guillermo Iuso, que pertenece al patrimonio del museo. Además, su creación dialogó con creaciones de Alessandra Sanguinetti, Carlos Herrera, Diego Gravinese y Flavia Da Rin (todas propiedades del MAMBA).

“En lo que respecta a trabajar en un museo, realmente lo deseo, lo festejo, me da la posibilidad de imaginar de otra manera. El público tiene otra relación con el trabajo”, manifestó Szeinblum a Balletin Dance, quien a lo largo de su carrera bailó bajo la dirección de grandes personalidades de la danza contemporánea como Pina Bausch y Oscar Araiz. La creadora, que abrió el ciclo, también se inspiró en esta ocasión en un libro del filósofo argentino León Rozitchner. “[La publicación] hablaba de volver, de alguna manera, a recuperar la relación originaria de los cuerpos”, comentó la coreógrafa, “ese ensueño extraordinario de pura percepción que nosotros luego olvidamos absolutamente”. Por otra parte, dijo que había 34 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

La complicidad propia de una relación de parentesco quedó reflejada en los rostros de los intérpretes Foto . Valeria Tochi | MAMBA

ido a ver danzar a Natalia Tencer (una de las intérpretes) y quedó “muy capturada” al advertir la relación del padre mirándola, desde el público. Todo ello conjugado, la llevó a pensar en que podía realizar para este evento, encuentros entre familiares y bailarines.

“Mi mamá y yo”, expresó Lucas Condró antes de comenzar la performance con su progenitora. Esa frase está escrita con marcador en la fotografía de Iuso, que estuvo presente en el lugar (como las otras obras con las que dialogó el trabajo de Szeinblum). También bailó Natalia Tencer y su papá, Matthieu Perpoint y su hijo, y Florencia Vecino y su hermana. Con ropa de calle y en un gran cuadrado blanco, que era la sala de exhibiciones del subsuelo, los bailarines desnudaron sus sentimientos en escena: algunos descargaron bronca y también tristeza, otros emanaron felicidad. El elemento unificador, presente en todos los dúos, fue el contacto entre los cuerpos ya sea mediante un abrazo, una caricia o a través de golpes. Cada pareja tuvo su momento de exposición, en el que combinó movimientos delicados y lentos con otros más rápidos de acuerdo a la cadencia de la música (en vivo, a cargo de Ulises Conti). Los espectadores, como si estuvieran observando por el ojo de una cerradura, presenciaron el encuentro íntimo entre los integrantes de cada dupla. La complicidad propia de una relación de parentesco quedó reflejada en los rostros de los intérpretes. Por cierto, el parecido físico fue muy notorio en la mayoría de los casos.

En lo que respecta al trabajo de cada dúo, Szeinblum reveló que “en el de Matthieu es pura improvisación. Todos los demás están bastante marcados, salvo momentos”.

El bailarín francés realizó la performance con su hijo de tres años. “La brillantez es de Matthieu que logra transformar lo que hace el niño en algo genial”, celebró la artista.

“Primero tenía que entender lo que yo podía hacer con él y lo que él podía hacer”, declaró Perpoint a esta revista. Asimismo, hizo hincapié en que no quería que el pequeño padeciera la situación ni que la pasara mal. En escena, el niño transmitió ternura y causó risas en el público.

La propuesta provocó emoción y comicidad. El reflejo de los diversos vínculos entre seres queridos estuvo plasmado en Mi Contundente Situación. Las semanas siguientes se presentaron las obras de los artistas invitados provenientes de otras disciplinas, el cineasta y escritor de televisión y teatro Santiago Loza (Empiecen Sin Mí), la actriz y directora teatral Analía Couceyro (Voraz) y el director de teatro y dramaturgo Mariano Tenconi Blanco (Walsh Artista Contemporáneo). Así, enlazando las diversas disciplinas con su patrimonio, el MAMBA festejó sus seis décadas. __BD

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IN MEMORIAM

Manuel de Falla, El Amor Brujo y El Sombrero de Tres Picos Por Carlos Manso Nacido en Cádiz el 23 de noviembre de 1876, Manuel de Falla se dedicó a la música desde su infancia. Fue discípulo de Felipe Pedrell, quien lo llevó a buscar las raíces del cante andaluz en su tierra. Con esta influencia compuso la ópera La Vida Breve, que estrenó en Niza en 1914, en la que desplegó dos danzas españolas de sugestivo ritmo -la segunda con palmas y jaleo- y gran colorido orquestal. Esta obra recién se conoció en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1923 con la soprano argentina Hina Spani.

En cambio, la gitanería El Amor Brujo compuesta por Falla a pedido de la bailaora Pastora Imperio, con texto de Gregorio Martínez Sierra y decorados de Néstor de la Torre (con recitados, diálogos, pantomima, canto, danza, y un pequeño conjunto instrumental), se conoció -por la misma gitana- en Buenos Aires, el 27 de septiembre de 1915, en el Teatro Nuevo, poco después de su estreno en Madrid. Pero la versión definitiva, reelaborada, ampliando su instrumentación y dejando sólo las canciones y las danzas (entre ellas: La del Ritual del Fuego, la más popular), le cupo el estrenar a Antonia Mercé ‘Argentina’, con su coreografía y protagonismo, junto a Vicente Escudero, con vestuario y decorados de Gustavo Bacarisas y bajo la batuta del propio Falla, el 25 de septiembre de 1925, en el Trianon Lyrique de París, con un rotundo éxito.

Otra versión se conoció en el Teatro Colón de Buenos Aires, el 26 de julio de 1929, con coreografía de Boris Romanov, quien la bailó con Dora del Grande y el cuerpo de baile local, con dirección orquestal de Juan José Castro. La original de la Mercé, llegó a nuestro primer coliseo el 6 de septiembre de 1933, con su creadora como Candelas, junto a los nuestros Raúl Blanco, Francisco Gago y las jóvenes bailarinas de su cuerpo estable, más la voz de Emma Brizzio y la batuta de Ernest Ansermet. Calurosas ovaciones siempre recibió este ballet.

Al igual que con El Amor Brujo, Falla primero compuso la música para la pantomima El Corregidor y la Molinera, con texto de María y Gregorio Martínez Sierra, basada en la novela de Pedro Antonio de Alarcón El Sombrero de Tres Picos, con decorados de Néstor de la Torre, que se estrenó en Madrid en 1917. A la sazón, el director y el primer bailarín Leonide Massine de los Ballets Russes de Serge Diaghilev en España, promovieron que Falla lo convierta en ballet para su compañía. Así nació Le Tricorne, con coreografía de Massine y decorados y vestuario de Pablo Picasso; encarnaron a Los Molineros Tamara Karsavina y el propio Massine, fue Corregidor León Woizikovsky y dirigió la orquesta el Maestro Ansermet. Esto ocurrió el 22 de julio de 1919, en el Teatro Alhambra de Londres, con el mayor suceso.

Llegó a nuestro país, en 1940, en una temporada del Ballet Russe de Montecarlo dirigido por Massine, en el Teatro Politeama.

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Manuel de Falla en diciembre de 1942 dirigiendo para Radio El Mundo de Buenos Aires Foto . Fundación Archivo Manuel de Falla, Granada

Manuel de Falla, ya viviendo en nuestro país desde octubre de 1939, llegó contratado por el Teatro Colón -a invitación de la Institución Cultural Española- para dirigir cuatro conciertos con obras de sus colegas hispanos. Por razones de salud residía en la provincia de Córdoba y no asistió a ver su obra, como tampoco lo haría al Colón. En este escenario, la coreógrafa Margarita Wallmann creó otra versión de El Sombrero de Tres Picos, con vestuario y decorados de Héctor Basaldúa, que se estrenó el 12 de agosto de 1941 con Michel Borovsky y Dora del Grande y la Orquesta Estable dirigida por Juan José Castro. Solo escuchó su música desde las ondas de Radio Municipal que transmitían todas las funciones (ballets, óperas, recitales y conciertos) que se ofrecían en aquella época desde el Teatro Colón.

Manuel de Falla viajó a Buenos Aires en los meses de diciembre de 1940 y 1942, para dirigir a la Orquesta Sinfónica de Radio El Mundo en sus propias obras, en cuatro conciertos en total.

Murió en Alta Gracia (Córdoba), el 14 de noviembre de 1946, nueve días antes de cumplir 70 años, dejando inconclusa su Atlántida, sobre el poema del catalán Mosén Jacinto Verdaguer.

Sus restos fueron llevados a España y descansan en la cripta de la Catedral de Cádiz.

El 28 de abril de 1953, dirigido el Ballet del Colón por Massine, repuso su versión de El Sombrero de Tres Picos. El propio Massine, 34 años después de su estreno, tomó el rol de Molinero acompañado por María Ruanova en la Molinera y Francisco Gago como El Corregidor. Según los bocetos de Picasso fueron realizados el vestuario y los decorados. La Orquesta fue dirigida por el Maestro Roberto Kinsky. __BD

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C O M E N TA R I O

El Desafío de las Obras Efímeras e Instantáneas Por Nahuel Aguirre Durante los viernes de noviembre, diferentes artistas del movimiento corporal y de la música se reunieron en el Museo Larreta en el marco del ciclo The Meeting Point. El encuentro permitió observar la magia de la composición instantánea y las capacidades de cada intérprete para exponerse a este desafío The Meeting Point nació hace 14 años en Ámsterdam (Países Bajos) de la mano de Valeria Primost y el músico Marcos Baggiani. La bailarina recordó esos tiempos junto a Balletin Dance.

“Ambos estábamos formándonos en la universidad de artes donde teníamos clases de experimentación. Nos interesó el trabajo interdisciplinario y nos dimos cuenta de que la única manera de desarrollar la capacidad de improvisar y componer en el momento, era haciéndolo frente a un público.” Así, buscaron un espacio escénico que les permitiese desarrollar ese trabajo. “Vimos un laboratorio de música electrónica y pensamos que también podíamos hacer un evento similar con danza y jazz. Logramos montarlo. El director de este espacio quedó conforme con el resultado y se empezó a realizar habitualmente”. Actualmente dicho ciclo continúa en Ámsterdam bajo el nombre de Monday Match.

Este tipo de plataforma se trasladó a nuestro país este año, coordinado por Valeria Primost, una de sus creadoras, junto a Lucía Fernández Mouján. Fueron ellas las encargadas de la selección de los artistas que participaron del ciclo, y aunque no a todos los invitados los conocían personalmente, sabían que sus búsquedas en el movimiento se relacionaban con la improvisación y la creación espontánea.

En cada encuentro, los asistentes pudieron observar improvisaciones en las que primaban las relaciones entre cada intérprete, la interacción del movimiento con la música y el espacio, la energía y la exploración continua de un hilo conductor creado en el momento, en escenas efímeras, que lograban ser sostenidas (o no), gracias a las capacidades de los artistas. El ciclo es un desafío para quienes son llevados a escena, puesto que deben estar abiertos a las propuestas, ser receptivos al contexto y al público.

No es tarea fácil de realizar en el escenario, improvisar, estar en el aquí y ahora. Según Valeria Primost “este trabajo requiere de una capacidad de no adelantarnos a los hechos, ya que esto es lo que nos permite estar disponibles para lo que el momento requiera. Estar presentes nos permite ser permeables y estar en-

Improvisación en los Jardines del Museo Larreta Foto . gentileza de prensa

tregados. Esa entrega es la que desafía la técnica del artista, que debe disponerse a responder de algún modo a lo impredecible, y para esto no puede tener una respuesta preparada sino que descubrirla sobre la marcha”.

Algo muy peculiar, pero de esperarse, fue que tanto público como artistas en escena, eran compañeros dentro de las artes escénicas contemporáneas y la improvisación, lenguaje a veces poco comprendido. La intención de las organizadoras a futuro es que The Meeting Point pueda trasladarse a audiencias disímiles. “Nuestra meta es seguir desarrollando el evento, para ofrecer el espacio a los artistas y dar la oportunidad a un público más general de aprender sobre este tipo de propuestas”. __BD

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C O M E N TA R I O

Preguntando a la Muerte Por Román Ghilotti

Ante la ausencia absoluta de alguien, para quien queda y pena tal ausencia, la reiteración de las preguntas imposibles se constituyen en estigmas.

El Grupo Caldo presentó ¿Por Qué No Me Llevaste a Mí?, espectáculo de expresión corporal con dirección de Mariana La Torre e interpretación de Juan De Rosa, Facundo Monasterio, Luciana Pedroni y Manuela Piqué, en el Espacio Sísmico Frente a aquella ausencia consecuente de muerte, una de las preguntas sin respuesta, que puede suponerse formulada innumerables veces, es la enunciada como título del trabajo. El dolor y la pena de quien queda, de quien no murió, frente a lo inconmensurable del vacío en que se encuentra, vaciado de aquella presencia probablemente amada, pregunta: “¿por qué no yo?”. Redunda en una supuesta injusticia, en un absurdo que la muerte sea de otra persona, de esa querida persona. Y el sufrimiento quiere saber porqué sufre. ¿Por qué sufro yo en lugar de haber desaparecido yo? No hay que engañarse. El sufrimiento como ausencia de sentido es de uno mismo, no por otra persona. Claro que es auténtica la noción

de reemplazo, de haber sido quien sufre ahora quien hubiera muerto. Eso es parte del dolor de lo incomprensible y, en el fondo, toda muerte es incomprensible. La ruptura definitiva es una forma monstruosa o, lo que es lo mismo, es la no forma. Ya nada es lo que era, ya no se es como se quiere ser, como antes, continuado. De algún modo se es absurdo, inconexo, despojo de aquello que era el orden habitual, lo que se dice la vida. ¿En qué formas se puede dar esta no forma, esta presencia de deudo de muerte?

Mariana La Torre eligió los límites de la basura. Allí donde no hay horizonte de orden, donde hay acumulación sin sintaxis. Y, para esto, un dispositivo escénico simple: bolsas de plástico, las más comunes, vacías, muchas, muchísimas. Un mundo que sólo presenta eso es el inicio de la pieza. Y, de entre este piso vasto y plástico, emergen cuerpos: los intérpretes.

A lo largo de la obra regresan a cubrirse y desaparecer bajo las bolsas. Pero también aparecen y reaparecen, lamentándose, congojas extremas, sequedades de ánimo,

violencias que quieren controlarse en el mismo dolor. Hay discursos inconexos y relaciones o vínculos que explotan y se exponen en meros actos aparentemente reactivos, de no muy claros destinos e intenciones. Hasta llegar a un nuevo orden, paródico si se quiere, pero de temor y temblor, con un valsecito criollo (Bajo un Cielo de Estrellas, Enrique Francini, Héctor Stamponi, José María Contursi), cantado quedo por Piqué mascando perejil, rumiándolo, en una ronda de la que participan los cuatro performers, gateando. Un orden de cierre como ganado pastoreando que no quiere pensarse, que recuerda en tristeza (los últimos versos del vals: “En la noche tranquila y oscura / hasta el aire parece decir: / ’¡Para qué recordar que fui tuya / si yo ya no espero que vuelvas a mí!’”). Y, de la muerte, no se vuelve a nadie.

En función, los ricos contrastes expresivos de los intérpretes dieron potencia a la propuesta. Lamentos enfáticos de Monasterio, huidas emotivas en discurso a modo neurótico de De Rosa, variaciones en formas y esfuerzos en el cuerpo de Pedroni y gestualidades como desviaciones de violencia en cruce con ternura de Piqué quien, además cargó su canto de tristeza pequeña y patética.

Como una panoplia de recortes duros, aparentemente desconexos, de encuadre post (ya sea postmoderno, post-estético, post-dramático o post-post), ¿Por Qué No Me Llevaste a Mí? configuró una invocación reflexiva, en acción, a lo que el dolor de muerte hace de los seres, esto es, despojos de sí. __BD

Monasterio y Piqué Foto . Daniela Nieto 40 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

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E N T R E V I S TA

El Paisaje que Baila Por Daniel Sousa

Orgulloso de su origen chaqueño, Nicolás Chávez rezuma los sonidos y colores de su pago chico en cada obra que crea.

Debuta este mes con una compañía propia a la que bautizó Raza y que integran sólo varones, tanto en el cuadro artístico como técnico Nicolás Chávez contagia la energía de un chico. Habla de sus proyectos con un entusiasmo sincero y con la seguridad de quien avanza hacia una meta muy precisa. Y aun cuando le toca recordar situaciones no tan gratas de su vida lo hace con una ternura que aliviana la carga. Lo acunó el rumor del Paraná en el puerto chaqueño de Barranqueras (había nacido en Resistencia, la capital) y aquel paisaje natural con olor a mandarinas quedó

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grabado en la profundidad de sus ojos para siempre. Dos meses atrás montó su primera coreografía (Rizoma) para el Ballet Contemporáneo del Chaco, que dirige Mariela Alarcón, y siente la necesidad de destacar la actitud de ese grupo humano ante el hecho artístico, que es también la suya. “Esos bailarines, ¡qué increíbles! Con sólo estar parados ya te cuentan algo. En los ojos tienen el río, en las manos el algodón y la vegetación, y en los

Admirador de Sharon Fridman y Nacho Duato, Chávez sueña también con trabajar alguna vez con Pablo Rotemberg Foto . Pablo Tesoriere

sentir la necesidad de pertenecer a un sistema estricto. La danza es vida y por eso mismo no hay una única escuela ni una sola forma de verla”, sentencia. Fue esa curiosidad la que lo empezó a alejar del folklore y lo acercó al contemporáneo, “donde el límite no está en una regla o en la opinión de un jurado sino en el propio vuelo y en el gusto del público”. pies tienen arcilla. Algo de todo eso me abrió a mí las puertas de Buenos Aires, yo no perdí nunca el paisaje. Y cuando noto que me alejo del verde, que el cemento me está comiendo, me voy otra vez para el Chaco. Cuando siento que el humo y el ruido de las bocinas me aturden tengo la necesidad de volver para sacarme las zapatillas y andar libre, descalzo. Es algo que no logro controlar”.

Desde niño tuvo claro que lo suyo era “romper estructuras”, cuenta, y aunque le hubiese gustado estudiar técnica clásica o acrobacia, la compleja realidad de un hogar que sólo su madre se puso al hombro lo llevó a aprender danzas folklóricas, como casi todos los de su edad. Aun así, supo desmarcarse: investigó, leyó mucho, se acercó a maestros y bailarines interesados en desentrañar el sentido de la danza. “Esa búsqueda me sirvió para no

“Tener nueve varones me permite romper ciertas estructuras en cuanto a coreografías que se cree que sólo pueden interpretar las mujeres”, afirma el bailarín chaqueño Foto . Nicolás Foong

Nuevo Desafío Apenas terminada la escuela secundaria viajó a Buenos Aires para tentar suerte en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Y aunque no quedó seleccionado asegura que en ese mismo instante supo que algún día el teatro le abriría las puertas, lo que ocurrió el año pasado cuando secundó a Analía González en el montaje de la obra Hasta Siempre para la compañía mayor. Mientras tanto no se frustró: cursó una carrera universitaria, viajó a Japón como bailarín de folklore y se sumó luego al elenco contemporáneo del Chaco interviniendo en piezas de Alejandro Cervera, Facundo Mercado y Carlos Trunksy, entre otros coreógrafos.

La insistencia de esos maestros lo animó a volver a probarse en Buenos Aires y ya no tuvo dudas de que era esto lo que quería para su vida. Cada peldaño, en el circuito comercial como en el independiente, fue un desafío placentero para él: El Gran Final (dirigido por Gustavo Wons), Stravaganza, ShowMatch, Susana Giménez, y el trabajo constante en la Compañía en Movimiento (CEM) de Analía González, a quien quiere y admira. Desde

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La Naturaleza El programa del debut, titulado Fusión, reúne creaciones de Chávez y de tres coreógrafos invitados: Facundo Mazzei, Juan José Marco y Alejandro Ibarra. Cada uno de ellos trabajó con un elemento de la naturaleza: Ibarra con el fuego (la pasión),

JORNADAS

DE

Marco con el aire (en un cuento que refiere a Adán y Evo, o Adán y el Ego), Mazzei con el agua (que asfixia pero también bendice) y Chávez con la tierra (como si se tratara de un regreso a sus orígenes). Componen el elenco Alejandro Ordóñez, Daniel Sciarrone, Ariel Juin, Federico Ferreyra, Gustavo Ronchi, Tomás Martínez, Iñaki Iparraguirre, Pedro Vega y Jonathan Agostinelli. El diseño de iluminación lleva la firma de David Seldes, el diseño escenográfico digital es de Pablo Tesoriere, el vestuario, de Javier Ponzio, y la producción general, de Agustín Medina Vives.

“Soy lanzado, atrevido, golpeo puertas, no espero a que me llamen -admite el director-. Siempre les digo a mis alumnos: sueñen en grande, porque todo esto que me está pasando yo lo soñé alguna vez. Vengo de una familia muy humilde donde a veces no había para comer, pero la vida me devuelve a cada paso lo que sembré. Por eso no reniego de mi raíz. Mi baile tiene un color, una textura especial, y el rumor del río. Nunca abandono el paisaje aunque esté coreografiando jazz o contemporáneo. En mis clases se baila una zamba o un rasguido doble, y suena Michael Bublé hermanado con Raúl Barboza”. __BD

ACTUALIZACIÓN

DOCENTE Foto: Alicia Sanguinetti

abril próximo será parte del elenco de Sugar, otra vez a las órdenes de Wons.

Pero antes de eso tiene un compromiso mayúsculo, que lo desvela. En dos funciones (el pasado lunes 5 y el 12 de diciembre), en el teatro El Cubo, estrena el primer espectáculo de su propia compañía de danza, a la que bautizó Raza y que tiene la particularidad de estar integrada, tanto en lo artístico como en lo técnico, únicamente por varones.

“Me gustó ese nombre porque remite a una etnia nueva. El hecho de tener nueve varones me permite romper estructuras en cuanto a coreografías que se cree que sólo pueden interpretar las mujeres. ¿Por qué un hombre no puede encarnar a Evita o personificar La Muerte del Cisne? En definitiva, el mensaje es el mismo, el sexo es lo de menos. Quiero saber qué pasa con esta fuerza masculina que invade todos los aspectos de la obra”, justifica.

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C O M E N TA R I O

A Sangre y Fuego Por Daniel Sousa

En el thriller musical El Pacto conmueven Leandro Bassano y Pedro Velázquez con su interpretación de dos jóvenes sin límites en la Chicago de los años ‘20. El diseño coreográfico de Gustavo Wons, pleno de sutilezas Puede que le sobren algunos minutos, o que el espectador más avezado vislumbre cómo ha de resolverse el conflicto apenas promediando la representación. Quizás podría haberse escarbado más a fondo en la personalidad de Nathan Leopold, un muchachito homosexual y sumiso en la Chicago de los años ‘20, incapaz de sofrenar los arrebatos delictivos del desquiciado Richard Loeb, su amo y señor, su inasible objeto de deseo. Pero estas son sólo consideraciones al margen para introducir El Pacto, una obra que coloca una vara muy alta en la escena local del teatro musical.

Alumbrada en el off Broadway, la pieza escrita por Stephen Dolginoff (libro, música y letras) se revela al público argentino en una versión adaptada por Marcelo Kotliar y dirigida por Diego Ezequiel Avalos, de una intensidad y con un abanico de recursos dramáticos que provoca una verdadera conmoción en el público.

Son varios sus puntos fuertes. El primero, sin duda, la carnadura que Leandro Bassano y Pedro Velázquez consiguen darles a sus conflictuadas criaturas. Es tal la en-

trega, el compromiso que asumen, que no hay en ellos el más mínimo fuera de registro en las casi dos horas de función en el teatro Border. Verdaderamente se sumergen en la psiquis de esos jóvenes de vida disipada que jugando a ser Dios superan los límites más 9 elementales de la decencia y el comportamiento social.

Nathan (Bassano) se desvive por un Richard (Velázquez) que lo usa y lo desecha a cada paso. No logra romper la dependencia afectiva que lo hunde en un abismo que -se verá luego- no tiene retorno. Richard, en cambio, goza de transitar por la cornisa de lo legal tanto como de sentirse deseado y no corresponder. Ambos son el resultado de una orfandad dolorosa, carente de los valores afectivos más elementales.

Personalidades tan complejas en su constitución psicológica requerían de actores capaces que asumir tan enorme compromiso. Y no sólo eso: por tratarse de un thriller musical, además debían cantar y bailar con dignidad. Bassano y Velázquez transitan por esas aguas con la naturalidad de quien ha rumiado y hecho suyos esos lenguajes.

Cuesta imaginar otros rostros para estos personajes.

A su lado, el pianista Gaspar Scabuzzo realiza una labor sobresaliente con una partitura de gran relieve. Vestuario y utilería colaboran en situar el relato en su tiempo, mientras que la imaginativa escenografía de Luli Peralta Bó y Tatiana Mladineo resulta funcional a la acción. El diseño coreográfico de Gustavo Wons, en tanto, subraya la sutileza del juego corporal en la pareja protagónica, sin cargarla de pasos o secuencias. Destaca, no obstante, en uno de los puntos más altos de la puesta, cuando Nathan y Richard construyen una versión distorsionada de los hechos que los llevan a juicio, que traducen con maestría al lenguaje del zapateo americano. __BD

Cuesta imaginar otros rostros para tan complejos personajes Foto . Fuentes2Fernández DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 45

E N T R E V I S TA

Los Últimos Mohicanos Por Gustavo Friedenberg

Balletin Dance conversó con Ricardo Ale, uno de los pioneros, y con Emanuel Abruzzo, entre los más jóvenes y entusiastas de la propuesta. Dos generaciones pujando para validar el Taller Coreográfico.

Ricardo Ale. Yo soy socio fundador del taller. Inicialmente nos propusimos inaugurar un espacio de libertad, no está limitado a la coreografía; es la creatividad puesta al servicio de la obra que uno tiene imaginada. Tal vez sea el único reducto que quedó sin límites porque lo demás [dentro del Teatro] está todo controlado; te filman, te hacen pasar tarjeta, estamos en un sistema completamente autoritario.

Emanuel Abruzzo. ¡Mantengámonos en el tema Ricky! [Risas] RA. Es que el tema tiene que ver precisamente con la Libertad. Yo bailo porque creo que la danza es una de las expresiones máximas de libertad, y eso te lleva a una comprensión que otros no tienen. A la gente le puede gustar o no, pero yo trabajo desde mi libertad.

¿Cómo funciona el Taller Coreográfico?

EA. El año pasado se rearmó después de muchos años de ausencia, y cada interesado presentó su proyecto de obra a la dirección. Comenzamos siendo diez talleristas y finalmente presentamos obras sólo Ricardo y yo. Esta vez decidimos organizarlo con mayor anticipación para evitar la deserción del año pasado.

RA. Somos los organizadores, los últimos Mohicanos remando para que esto siga funcionando.

EA. Y mirá la diferencia generacional, yo tengo 29…

RA. ¡y yo solamente el doble!

Los proyectos RA. Haré un homenaje a María Fux que está cumpliendo 95 años. Seguramente la tendremos en un palco iluminado mientras actúan sus discípulas. Voy a mostrar una serie de poemas de Nélida Arp, con música de Joaquín Panisse. La coreografía es una realización en conjunto con Jiva Velázquez, Williams Malpezzi y el resto de los intérpretes. Me gusta, porque es cantado.

EA. Lo mío va a ser jazzero, por ahora se llama Ball Change. Yo trabajé mucho tiempo en Estados Unidos con gente de Broadway, y allá el jazz antiguo y su historia, tienen una presencia que acá no se ve mucho. Quiero integrar diferentes estilos. Voy a 46 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

Océano, trabajo de 2015 de Abruzzo Foto . Máximo Parpagnoli

Los próximos 28 y 29 de diciembre a las 11 hs, los bailarines del Teatro Colón se visten de coreógrafos en la sala principal de nuestro primer coliseo. Desde 1983 -con numerosos períodos de ausencia- aquellos con inquietudes coreográficas disponen de un espacio para experimentar la danza desde otra perspectiva

tener un grupo de bailarines de jazz que vengo entrenando hace tiempo con idea de armar una pequeña compañía. Va a ser un collage generacional y de estilos.

¿El taller es un fin o un medio?

RA. Yo lo pienso como un happening. No hay una proyección; si sucede, será después. Todo te deja un remanente que puede ser el comienzo de otra cosa, pero el proyecto es más modesto, es simplemente para el día. Además mis talleres son muy difíciles de volver a armar porque trabajo con los técnicos del teatro; el electricista, el maquinista, y otros, que es muy difícil convocarlos para más funciones. Me gusta que la gente pueda experimentar la sensación de participar del escenario. Para mí el taller es una fiesta.

EA. Para mí es lo opuesto: un trabajo a futuro. El año pasado comencé a montar unas secciones coreográficas con integrantes de la compañía, y recién después me enteré que existía el taller que retomaba al teatro y convoqué a más personas. Pero empecé para experimentar; para un bailarín lo natural es bailar lo que otro le dice que haga. Después de haber trabajado con varios coreógrafos y en diferentes disciplinas, me pregunté qué es lo que puedo hacer yo diferente a todas estas personas. Así comencé a indagar lo que terminó en una obra que se llamó Océano y eso me impulsó este año a agrupar una cantidad de bailarines y empezar a trabajar en un proyecto fuera del teatro. El taller es una puerta que se abre para seguir investigando.

RA. Es la parte experimental que tenemos para seguir siendo creativos, incluso sostener la posibilidad de ver algo que no guste: todo está hecho para gustar, y hay cosas que te tienen que llevar por otro camino en el arte, no es solamente que sea lindo, ponerse un tutú o una coronita.

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Al cierre de esta edición de Balletin Dance la oficina de prensa del Teatro Colón no había podido confirmar los detalles de estas presentaciones, que tendrían cita en su sala principal (o también podrían ser en el Anfiteatro Eva Perón de Parque Centenario) con varios talleristas. Ale y Abruzzo comentaron que además de sus piezas podrían llegar a presentarse: cuatro pas de deux sobre los estados del amor de Juan Pablo Ledo; Magdalena Cortés y Julián Galván en una puesta conjunta de corte tanguero, Maximiliano Iglesias con un lenguaje más neoclásico y un dúo contemporáneo de Lucas Garcilazo. La web oficial del teatro indicaba, además, a Luciana Barrirero, María Clara da Silva, Carla Vincelli, Fabrizio Coppo, Martín Foronda y Rubén Gallardo, como talleristas de este año. La entrada es gratuita.

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Emanuel Abruzzo y Ricardo Ale, dos generaciones pujando para validar el Taller Coreográfico Foto . selfie de Abruzzo realizada al momento de esta entrevista

¿Les sorprende que no se presenten más propuestas?

RA. Al revés, me sorprende que la gente se interese. Los bailarines no somos creadores sino intérpretes. Yo pinto, me gusta esculpir, sacar fotos, porque soy muy inquieto, pero en general el bailarín está en una actitud más bien estructurada en relación a su carrera y su fecha de vencimiento.

EA. Además la creación no es para todos, no todos están dispuestos a exponerse frente a un público.

RA. Después de todo la creatividad es la parte más íntima de un ser.

48 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

¿Cuál es la proyección del taller?

EA. Sería genial que suceda lo mismo que en otras partes del mundo, que incluyen dentro de la temporada programas donde la compañía se pone a disposición de dos o tres de sus bailarines.

Es cierto que aquellas son temporadas mucho más amplias, pero nosotros disponemos del Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), por ejemplo, y sería genial que esto pudiera devenir en una mayor cantidad de funciones para bailarines y talleristas. Subir al escenario es nuestra naturaleza, y presentar obras en conjunto con integrantes del plantel es una manera económica de dar curso a proyectos generados aquí dentro, de fomentar el trabajo y la creatividad del cuerpo de baile. __BD

ARGENTINOS EN EL EXTERIOR | MÉXICO

Jurado Argentino en Festival Folklórico Por Toni Más El argentino Daniel Uribe fue uno de los diecisiete miembros que integraron el jurado internacional de Danza Sin Fronteras, Festival Folklórico celebrado del 25 al 29 de octubre en la ciudad de Puebla El multitudinario evento incluyó desfiles y espectáculos con la representación de Bulgaria, Polonia, Eslovaquia, Letonia, Panamá, Perú, Bolivia e Indonesia. El viernes 28 se efectuó la instancia semifinal y el sábado 29 se ofrecieron dos funciones de gala como cierre del certamen internacional con sede en el Auditorio Metropolitano Puebla. El primer lugar lo obtuvo la Compañía Folk Dance Ensemble Sofía-6 (Bulgaria), el segundo lo ganó el Centro Folklórico Atenay Batista (Panamá) y el tercero la Compañía Roztocze (Polonia).

Balletin Dance recibió el testimonio a dos voces, de los gestores de esta fiesta del folklore, vía Skype, Enrique López (productor y director general) y Aranza Zu López (directora artística e ideóloga del evento); precisamente la Escuela Nacional y Compañía Arte y Folklore México que ella dirige fue la institución convocante.

Enrique López confesó la difícil situación del folklore, que los obliga a implementar fórmulas novedosas para contrarrestar criterios espurios, pero establecidos, que lo ven como un arte menor en nuestras regiones. “Urge habilitar estrategias que hagan a nuestras tradiciones folklóricas mucho más atractivas tanto para las nuevas generaciones, como para las entidades gubernamentales”, afirmó.

Danza sin Fronteras existe desde hace cincuenta y dos años como una red de concursos locales en los que participan “más de mil quinientas compañías folklóricas, y otro tanto de escuelas, que circulan por el país, con ocasional presencia de invitados extranjeros”. En esta edición por primera vez compitieron agrupaciones extranjeras netamente profesionales, “y se involucraron cantidad de instituciones estatales y particulares para dar su apoyo”.

Por su parte la bailarina y coreógrafa Aranza Zu López planteó que las nuevas tecnologías son una herramienta imprescindible para sumar público de jóvenes y niños, aún por educar. Para posicionar el folklore, caratulado durante siglos como subcultura, dentro de un mundo atravesado por las comunicaciones, la realidad virtual y flujos infinitos de información “es vital incluir ese nuevo lenguaje en nuestros proyectos. Así lo hicimos al convocar y exhortar al uso de multimedia en las obras”. En nuestra compañía, que como representante del país anfitrión no competía, usamos tecnología digital en la concepción de La Leyenda de Quetzalcóatl, nuestro mito azteca más enraizado”.

El folklorista, bailarín y coreógrafo argentino Daniel Uribe, conformó el jurado junto a personalidades como Emil Dimi-

De izquierda a derecha: Daniel Uribe, César Gutiérrez, Enrique López, Emil Dimitrov, Alejandro Cañedo (Gobierno del Estado de Puebla), Aranza Zu López y Nestor Nestorov (director de la Compañía Folk Dance Ensemble Sofía-6 de Bulgaria) Foto . Alejandro Elías | Fullshot Producciones

trov (presidente de Folk World International), Julio Quintero (director de la Escuela Nacional de Danza Folklórica) y Francisco Bravo Puebla (director del Ballet Folklórico de México), además de impartir un ciclo de clases magistrales en la Escuela Nacional de Danza Folklórica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) de ciudad de México, como actividad colateral del festival. Uribe dirige el Grupo Folklórico General Las Heras y actuaba en México por quinta vez, esta vez como jurado, en su segunda visita al Auditorio Metropolitano Puebla, en el cual se presentó años atrás con su compañía (con capacidad para más de 5000 personas). En diálogo con Balletin Dance, anticipó su regreso a México en junio del próximo año, para montar una obra de folklore argentino, por encargo de la Escuela Nacional de Danza Folklórica del INBA. __BD

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ACTUALIDAD

Danzas de Salón Se realizará la XI edición de la competencia de danzas de salón Buenos Aires Open, el domingo 18 de diciembre, a las 10 hs, en el Club Pedro Echagüe de Buenos Aires Las danzas de salón siguen creciendo en la Argentina, y muestra de ello es la cantidad de certámenes y exhibiciones abiertas al público que tienen lugar en Buenos Aires en los últimos tiempos. El torneo Buenos Aires Open organizado por los institutos de Yanina Koretska y de Elizabeth Guerrero, que se realizará el 18 de este mes, ofrecerá a los espectadores un show de dos estilos de Ballroom Dance: International y American Style. Además se presentarán bailes de estilo libre en el marco de la Competencia de Promoción, avalada por la Asociación Argentina de Ballroom Dance (AABD) que permitirá a cada pareja cambiar su categoría técnica (ladies style, rhythm, smooth, standard, latin, rock-n-roll , tango argentino, entre otros).

El ganador de la modalidad Show Dance obtendrá ese día el título de Campeón avalado por la World Artistic Dance Federation (WADF) y las parejas premiadas de cada Open en sus distintas modalidades estarán reconocidas por el Council Dance of America (CDA), también como campeones.

La Asociación Argentina de Baile Deportivo (AABD), por su parte, celebró el Campeonato Argentino de Ballroom Dance el 12 de noviembre en el Colegio San José de Buenos Aires. Resultaron ganadores Anastasia Pishenin y Maxim Degtierev (Standard adultos), Natalia Martin y Carlos Danti (Standard senior) y Alexis Mariani y Marina Gando (Latin).

Final del Campeonato Argentino de Ballroom Dance 2016 Foto . gentileza de la organización

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balletin informativo Audiciones Corvus Project, convoca a bailarines de danza contemporánea con manejo de acrobacia, contact, danza teatro, improvisación y lyrical jazz, mayores de 18 años, para participar en producciones durante 2017. Se trata de un colectivo de arte independiente radicado en Buenos Aires, que une danza, nuevas tecnologías y new media art. La inscripción cierra el 31 de marzo de 2017. Informes: corvusproject@gmail.com.

Compañía 360, convoca a bailarines de ambos sexos con dominio de técnica clásica, contemporánea y tango, para la temporada 2017. Se requiere disponibilidad horaria los martes de 13:30 a 17 hs y los viernes de 13 a 16:30 hs, en la ciudad de Buenos Aires. Los interesados deberán enviar Cv resumido, fotos y videos, a: audicion@360danza.com.ar, los preseleccionados serán informados via e-mail. La audición será el 18 de febrero de 2017 en el estudio Domus (Tacuarí 477) y constará de una clase de técnica clásica y secuencias de danza contemporánea y tango. Se trabaja bajo la modalidad de cooperativa. Informes: facebook.com/cia360danza.

Alemania. El Anhaltisches Theater Dessau dirigido por Tomasz Kajdanski, seleccionará bailarines/as con excelentes técnicas clásica y contemporánea para integrar su temporada 2017/2018. La audición se realizará el 19 de febrero y para participar se deberá enviar un Cv con foto a: audition-ballett@anhaltisches-theater.de.

Alemania. El Staats Ballett Berlin que dirige Nacho Duato seleccionará bailarines/as con técnica clásica para su temporada 2017/2018.

La audición será el 15 de enero de 2017, solamente por invitación. Los interesados en participar deben enviar, antes del 15 de diciembre, Cv con fotografías (sin videos ni DVD) a: ballett@staatsballett-berlin.de.

Informes: www.staatsballett-berlin.de/en/.

Alemania. El Ballett Dortmund que dirige Xin Peng Wang, seleccionará solistas (mujeres y varones) para su compañía principal y jóvenes (mujeres y varones) de 18 a 21 años para la compañía junior. La audición será solamente por invitación, el 8 de enero de 2017. Los interesados deben enviar por e-mail, Cv con fotos de danza a: ballettdortmund@ theaterdo.de. Informes: www.theaterdo.de, www.nrw-juniorballett.de.

Alemania. El Ballet de Nuremberg dirigido por Goyo Montero busca solistas (un varón y una mujer) para la temporada 2017/2018.

Los postulantes deben tener una experiencia mínima de dos años en una compañía profesional (clásica y contemporánea) y un nivel excelente de técnica. Para inscribirse, enviar antes del 19 de diciembre, Cv, imágenes de danza y/o videos junto a un retrato, a: ballett@staatstheater.nuernberg.de. Los seleccionados audicionarán el 21 de enero de 2017 en su sede. Informes: www.staatstheater-nuernberg.de.

Alemania. El Ballet Koblenz seleccionará un bailarín (varón) para la temporada 2017/18, de 1.80 m de altura, con sólida técnica clásica y experiencia contemporánea. Los seleccionados participarán en una audición en su sede. La inscripción cierra el 31 de enero de 2017 y los interesados en ser invitados deben enviar, Cv con una foto, a: s.fuchs@ theater-koblenz.de.

Informes http://theater-koblenz.de.

Alemania. El Ballet de la Ópera Estatal de Hannover busca bailarinas/es con excelente técnica clásica y moderna para la temporada 2017/2018. La inscripción cierra el 6 de enero de 2017, y quienes re-

balletin informativo sulten seleccionados participarán en una audición el 22 de enero de 2017 en su sede. Para postularse, deberán enviar Cv con fotos, a: auditionballett@staatstheater-hannover.de (máximo 2500KB), antes del 6 de enero de 2017. Informes: www.staatstheater-hannover.de.

Alemania. El Magdeburg Ballet dirigido por Gonzalo Galguera busca bailarinas/es con una excelente técnica clásica (solistas y cuerpo de baile), para la temporada 2017/2018. El contrato de trabajo depende del convenio colectivo NV-Bühne (SR-Solo). Para ser invitados a audicionar el 15 de enero, los interesados deben enviar antes del 5 de enero de 2017, Cv con dos fotos, a: martina.soltschik@theater-magdeburg.de. Informes: www.theater-magdeburg.de.

Alemania. El Ballett des Staatstheaters am Gärtnerplatz dirigido por Karl Alfred Schreiner, seleccionará bailarines varones con experiencia, sólida técnica y versatilidad, para la próxima temporada. La audición será solamente por invitación, el 12 de febrero de 2017, y para postularse, se debe enviar un Cv, con un retrato antes del 20 de enero, a: bewerbung@gaertnerplatztheater.de.

Alemania. El Ballett Kiel dirigido por Yaroslav Ivanenko, busca bailarines profesionales (un varón de más de 1.80 m de altura y una mujer) preferentemente con experiencia, para su temporada 2017/18. Se requiere sólida técnica clásica, contemporánea y habilidades para la improvisación. Deberán preparar una variación clásica y otra contemporánea. Para postularse, los interesados deberán enviar Cv con fotos, antes del 30 de diciembre, a: audition@ballett.theater-kiel.de. Los seleccionados recibirán un mail para participar de la audición el 15 de enero de 2017 (mujeres) o el 22 de enero (varones).

Alemania. La Dance Company Theater Osnabrück que dirige Mauro de Candia, busca dos bailarines varones con experiencia y sólida técnicas clásica y contemporánea para su temporada 2017/2018.

Las postulaciones deben incluir Cv, fotos y link a video (youtube o vimeo) con una breve muestra de danza, antes del 8 de enero de 2017, a: dancecompany@theater.osnabrueck.de. Los seleccionados participarán invitados en una audición el 15 de enero. No se considerarán postulaciones incompletas.

Alemania. El Hessisches Staatsballett, la compañía de danza de la Staatstheater Darmstadt y Hessisches Staatstheater de Wiesbaden, dirigida por Tim Plegge, busca bailarines/as para su temporada 2017/2018. Deberán tener experiencia y excelentes técnicas clásica y contemporánea. La audición será en su sede el 15 de enero de 2017, y para ser invitados deben enviar Cv, con una breve carta de motivación, un retrato y una foto de danza, a: audition@staatstheater-wiesbaden.de.

Alemania. La Dresden Frankfurt Dance Company dirigida por Jacopo Godani, realizará audiciones privadas el 14 d enero de 2017. Se buscan artistas excepcionales con sólida técnica de ballet clásico, excelente coordinación y flexibilidad con respecto a los retos intelectuales, físicos y artísticos en un ambiente sumamente exigente (mujeres: buen manejo de puntas). Los candidatos deben solicitar su invitación por correo electrónico, incluyendo un retrato (máximo 1 MB), Cv (archivo PDF o Word) y un enlace de video a internet, a: audition@dresdenfrankfurtdancecompany.de Alemania. La compañía Theater Regensburg Tanz dirigida por Yuki Mori, seleccionará bailarinas/es para la temporada 17/18 con excelentes técnicas clásica y contemporánea, y capacidad para la actuación. Los interesados deben enviar Cv, retrato, foto de danza y enlace a un video, a: tanz@theaterregensburg.de, antes del 2 de enero de 2017. La audición (sólo por invitación), será el 22 de enero de 2017 en su sede de Regensburg.

España. La Compañía Víctor Ullate, Comunidad de Madrid, busca bailarines solistas (dos mujeres y dos varones) para la temporada 2017/2018. Los interesados deben enviar un email con Cv, fotos y video, a: info@victorullateballet.com, antes del 31 de diciembre. La audición será el 4 de febrero de 2017 en los Teatros del Canal. Informes: www.victorullateballet.com.

Holanda. La compañía junior del Dutch National Ballet seleccionará estudiantes (que se gradúen este año o el próximo), con sólida técnica clásica, de una altura mínima de 1.65 (mujeres) y 1.80 metros (varones), para incorporarlos al elenco. Quienes resulten preseleccionados podrán participar de una audición el sábado 21 de enero de 2017. La inscripción se realiza on-line, en el siguiente link: https://goo.gl/kw3KYp (en la postulación deberán incluir datos personales, estudios profesionales de danza, experiencia profesional (no excluyente) y 3 fotografías nítidas en formato jpg (un retrato y dos de cuerpo entero). Informes: www.operaballet.nl/en/program.

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DICIEMBRE 2016 .. BALLETIN DANCE .. 51

balletin informativo HungrĂ­a. El Hungarian National Ballet seleccionarĂĄ bailarines/as de sĂłlida tĂŠcnica clĂĄsica para incorporarse inmediatamente al elenco (hasta el 31 de julio de 2018). Los seleccionados participarĂĄn en una audiciĂłn el 15 de enero de 2017 en la Ă“pera de HungrĂ­a en Budapest.

El contrato se rige por las leyes hĂşngaras incluidas las de inmigraciĂłn (kozigallas.gov.hu). Los interesados deben enviar antes del 2 de enero, un formulario (preciso y prolijo) que incluya una foto carnet (en un archivo de imagen separado), 2 o 3 fotos de danza en poses clĂĄsicas (mĂĄximo 7 MB en total), Cv profesional (fecha de nacimiento, ciudadanĂ­a, nĂşmero de telĂŠfono mĂłvil, altura en cm, peso en kg, educaciĂłn, concursos, premios, roles principales, experiencia laboral, etc) y enlace (link) a internet de una variaciĂłn clĂĄsica (mujeres con puntas), a: audition@opera.hu. Mayores informes: www.opera.hu.

Italia. La Delattre Dance Company que dirige StĂŠphen Delattre, busca bailarines/as profesionales para la temporada 2017-19. DeberĂĄn tener una fuerte tĂŠcnica clĂĄsica (puntas para las mujeres), experiencia en danza contemporĂĄnea y actuaciĂłn, y habilidades para la improvisaciĂłn.

La audiciĂłn serĂĄ el 28 de enero de 2017 en PAC Studios de Roma.

Para participar enviar la postulaciĂłn, a: audition@delattredance.com.

Informes: http://delattredance.com.

Polonia. El Ballet Nacional de Polonia que dirige Krzysztof Pastor busca bailarines/as (solistas y cuerpo de baile) con sĂłlidas tĂŠcnicas clĂĄsica y contemporĂĄnea para integrarse al elenco. Los interesados en participar en la audiciĂłn (el 14 de enero en Warsaw) deben enviar antes del 31 de diciembre un Cv completo con retrato y fotos de danza clĂĄsica, a: aud@teatrwielki.pl. Informes: www.polskibaletnarodowy.pl.

Reino Unido. El Northern Ballet busca bailarinas/es para unirse a la compaùía, deben tener mente abierta, ser creativos e imaginativos, con una sólida tÊcnica clåsica. La audición (solamente por invitación) serå en Leeds el 12 de febrero de 2017. Para postularse, los interesados deberån enviar Cv completo (altura, peso, fecha de nacimiento y nacionalidad), fotos de danza clåsica y un video sin trajes, de una clase (centro, con trabajo de puntas, adagio, piruetas, saltos pequeùos y grandes en largas combinaciones y una combinación trasladada), antes del 1º de febrero de 2017, a: auditions@northernballet.com.

Informes: https://northernballet.com/?place=top.

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RepĂşblica Checa. El Ballet del Teatro Nacional de Brno dirigido por MĂĄrio RadaÄ?ovskĂ˝, busca bailarines/as (solistas y cuerpo de baile) con experiencia profesional y sĂłlidas tĂŠcnicas clĂĄsica y contemporĂĄnea, para la temporada 2017/2018. Los seleccionados previamente podrĂĄn participar de la audiciĂłn el 11 de febrero de 2017. El cierre de inscripciĂłn es el 29 de enero y se realiza por e-mail: enviar solicitud que incluya Cv, fotos (cuerpo completo y retrato), a: ndbaudition@gmail.com. Informes: www.ndbrno.cz/ballet/audition-2017?lang=2.

Becas Estados Unidos. Becas para artistas argentinos (nativos o naturalizados) con residencia en la Argentina. Organiza: Ministerio de Cultura de la NaciĂłn, ComisiĂłn Fulbright, Fondo Nacional de las Artes (FNA).

Para realizar programas de capacitaciĂłn de hasta seis meses de duraciĂłn (teatro, cine, fotografĂ­a, mĂşsica, danza, artes plĂĄsticas, literatura, arquitectura y diseĂąo), en instituciones de educaciĂłn superior o entidades especializadas en Estados Unidos. Se otorgarĂĄn cinco becas, que incluyen pasajes aĂŠreos, costo de arancel de la instituciĂłn, gastos de manutenciĂłn de hasta U$S 3000 mensuales y asesoramiento de la ComisiĂłn Fulbright. Los interesados deberĂĄn dominar el inglĂŠs y proponer un programa educativo o de entrenamiento, para comenzar en septiembre de 2017. La inscripciĂłn cierra el 15 de febrero de 2017. Informes en FNA: fnartes@fnartes.gob.ar, web: http://fnartes.gob.ar.

Concursos y Festivales Cuba. Encuentro Internacional de Academias para la EnseĂąanza del Ballet, 23ÂŞ ediciĂłn. Del 8 al 19 de abril de 2017 en la Escuela Nacional de Ballet y en el Teatro Nacional de Cuba. Concurso Internacional para JĂłvenes Estudiantes de Ballet, 14ÂŞ ediciĂłn y Concurso Internacional Infantil, 4ÂŞ ediciĂłn. El evento incluye clases para maestros y para los estudiantes de 11 a 19 aĂąos (ballet, composiciĂłn coreogrĂĄfica, preparaciĂłn fĂ­sica, repertorio, puntas, danzas de salĂłn, danzas de carĂĄcter, pas de deux, metodologĂ­a para la enseĂąanza de ballet), talleres opcionales (taller coreogrĂĄfico, tĂŠcnica de danza, actuaciĂłn, folklore, danza espaĂąola, maquillaje, pilates para ballet y crĂ­tica danzaria), galas no competitivas (ademĂĄs del concurso) y actividades para los acompaĂąantes (bailes populares, visitas a lugares histĂłricos y conferencias especializadas). Informes: e-mail: enballet@cubarte.cult.cu.

balletin informativo España. Fiver 2017, Festival Internacional de Cinedanza y Danza Audiovisual (Screendance and Dancefilm) de La Rioja. 5ª edición. Del 2 al 5 de enero de 2017 en Logroño. Enmarcado en el Festival de vanguardia contemporánea Actual 2017. Habrá exposiciones, proyecciones, conferencias, foros en streaming, presentaciones de obras, espectáculos en vivo y charlas en centros educativos. Se convoca a realizadores, coreógrafos y productores de cualquier edad y nacionalidad. Cierre de inscripción: 18 de diciembre. Informes: http://fiverdance.com/ Panamá. Prisma 2017. Festival Internacional de Danza Contemporánea de Panamá. 6ª edición. Organiza: Fundación Prisma Danza (Analida Galindo, Ximena Eleta de Sierra y José Alexander Morales Carvajal). Del 8 al 15 de octubre de 2017, ciudad de Panamá. Se incluyen espectáculos y un programa pedagógico de talleres y clases maestras gratuitas, para artistas de diversas nacionalidades. Podrán postularse compañías o grupos con propuestas para escenario, trabajos de calle o al aire libre, de 20 a 60 minutos de duración. El Festival cubrirá honorarios profesionales, hospedaje, viáticos y transporte interno. No cubrirá pasajes aéreos. La inscripción cierra el 31 de diciembre de 2016. Informes: festival.prisma@gmail.com, web: www.festivalprisma.com/?page_id=2658.

Dinamarca. Copenhagen International Choreography Competition. Todos los participantes (bailarines y coreógrafos), deben tener experiencia profesional. Podrán postularse coreógrafos menores de 45 años, con obras contemporáneas de temática libre, de 5 a 15 minutos de duración (puede ser interpretado por el propio coreógrafo), creadas después del 1º de enero de 2016. Cierre de inscripción: 30 de abril de 2017. Inscripción on-line: www.cph-icc.dk/application. Se debe incluir un enlace (link) a un video de la pieza en internet (puede ser ensayo). El concurso se realizará los días 23 y 24 de junio de 2017.

Grecia. Proyecto de Danza de Video de Atenas. 7ª edición. Abril de 2017, Escuela de Bellas Artes de Atenas. El equipo de AVDP está interesado en cortometrajes de video de cualquier género y técnica de filmación, películas de danza medio y largometrajes, y documentales de danza. Instalaciones o foto-proyecciones, que desarrollen un diá-

logo entre el movimiento, el cuerpo, el espacio, el tiempo y los nuevos medios; y espectáculos de danza multidisciplinares, cuyo objetivo principal sea la aplicación de tecnologías interactivas y el video-diseño en ideas móviles. La inscripción cierra el 15 de diciembre de 2016 y las presentaciones se realizan on-line: goo.gl/BsmYNY, o www.avdp.gr.

Informes por mail: athensvideodanceproject@gmail.com

Congreso Tendencias Escénicas. Organiza: Complejo Teatral de Buenos Aires y Universidad de Palermo. Del 22 al 23 de febrero de 2017, ciudad de Buenos Aires. Actividad gratuita con inscripción previa obligatoria. Profesionales, artistas y teóricos del mundo escénico se encuentran para exponer experiencias, reflexionar y debatir colectivamente sobre el presente y el futuro del espectáculo. Informes por mail: escenadc@ palermo.edu. Web: https://goo.gl/FvsxCf.

Convocatoria El Instituto Danzave dirigido por Lía Furiasse, en la ciudad de Buenos Aires, convoca a docentes de danzas urbanas, danza para niños y diferentes estilos de jazz. Los interesados deberán enviar Cv a: liafuriasse@gmail.com, para coordinar entrevista personal.

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54 .. BALLETIN DANCE .. DICIEMBRE 2016

MENDOZA

Jimena Tomba Casuccio. Pueyrredón 401 Tel: (0261) 15-467-8146. E-mail: jimenatomba@hotmail.com OLAVARRÍA. BUENOS AIRES

Arte Danza. Tu Lugar de Expresión. Valeria Potes. Rivadavia 2644 Tel: (02284) 15-57-4741. E-mail: martinsoler_olav@hotmail.com RESISTENCIA. CHACO

Pirouette. Laura Brites. Mendoza 83 Tel: (0362) 445-1159. E-mail: pirouettedanzalaurab@live.com ROSARIO. SANTA FE

Koi Ballet, Carina Odisio, Club Español: Rioja 1052 E-mail: odisiocarina@hotmail.com SALTA

Estudio de Danzas Candela García: Urquiza 296.

Tel: (0387) 15-479-5286. E-mail: estudio_candeladanzas@hotmail.com SANTA FE

EpresArte Estudio de de Danzas y Arte: 25 de Mayo 3310.

Tel: (0342) 15-432-7920. E-mail: carito_b54@hotmail.com SAN MIGUEL DE TUCUMÁN

Interludio. Walter Erbiti. Ayacucho 442 Tel: (0381) 424-0038. E-mail: alpapuyo35@hotmail.com.ar VIEDMA. RÍO NEGRO

Magali Canosa Flamenco Viedma. Gallardo 96 Tel: (02920) 15-40-5888. E-mail: magalicanosafl amenco@gmail.com VILLA MARÍA. CÓRDOBA

Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar

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